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Nツコ 19 INVIERNO 2008. Aテ前 IV. 3 EUROS. REVISTA TRIMESTRAL DE LAS ARTES CIRCENSES

Revista de las Artes Circenses


editorial A medida que el circo ha salido del túnel y ha recuperado su prestigio, se ha generado en paralelo un nuevo interés. Últimamente, este proceso que iba a su ritmo se ha acelerado de repente. El circo vuelve a ser considerado un espectáculo normal en sentido cualitativo, más que cuantitativo, aunque cada vez hay más propuestas que se nos presentan con máyor diversidad de formas. La normalización de la actividad va de la mano de la tarea informativa. Y cada día más, los medios de comunicación siguen la programación circense (repetimos: en toda su variedad de formas); simultáneamente reflejan un interés latente de la sociedad y provocan ese mismo interés. La plataforma informativa puntera es también la menos dirigida y la más popular de todas: internet. Sitios web de compañías, portales de asociaciones, agendas digitales, blogs y fórums conforman un tejido informativo circense actual y plural, del que Zirkólika ya participa activamente.

Zirkolika n.19 Invierno 2008 Portada: Oriolo Boixader “Oriolo” Foto: Sheila Del Val

sumario Panorama

Equipo Director: Vicente Llorca. Redacción: Cesc Martínez, Oriol Raventós, Marcel Barrera, Ramon Bech, Laia Gilabert, Víctor López, Miquel Moreno, Jordi Jané, Joan Maria Minguet. Diseño y maquetación: Mònica Gómez, Antonio Ferreiro “Pulpotoni”. Fotografía: Manel Sala “Ulls”, Laia Gilabert, Marta Silva, Payaso Enrico, Jesús Atienza. Coordinador de contenidos y traducción: Cesc Martínez. Asesoramiento terminológico: Jordi Jané. Han colaborado en este número: Sheila Del Val Alonso, Bauke Lievens, Christophe Roulline, Enys Faggioni, Javier Jiménez. Zirkolika n.19 Invierno 2008 Edita: Zirkolika Ap. de correos 2008 08080 Barcelona Tel.: 93 310 67 93 Fax.: 93 350 30 00

Contemporáneo y circo, por Cesc Martínez.

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Nuevo circo estable en Benidorm / Nix y Nox cierra una etapa en el Price / Almazén, Circo de la Sombra, Claret Clown / Premio Nacional de Circo para Gran Fele / Escarlata Circus. Devoris Causa / Los Villalba. Malacatum, por varios.

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Cirque Phénix. Extra! par les étoiles des cirques du monde. I Festival Mondial du Cirque du Demin, por Ramón Bech

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Agenda / Suscripción

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Una entrevista Paulina Schumann: Cómo se hace una artista, por Jordi Jané.

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Crónicas Reirse menos en Cornellà, por Marcel Barrera.

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Piel de gallina, pero diferente, por Bauke Lievens.

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Sabores de Oriente en el X Aniversario de Latina, por V. López.

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“La muñeca del espacio” y la nueva temporada del Cric, por Laia Gilabert.

web: http://www.zirkolika.com Mail: zirkolika@yahoo.es Dep. Legal: B-29.661-2004 Imprime: Indice, S.L.

Generalitat de Catalunya Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació

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Reportajes Todo Oriolo, entrevista a Oriol Boixader, por Oriol Raventós.

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Circo Wonderland, 30 años en ruta, por Miquel Moreno.

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Los mayores circos navideños, por Enys Faggioni.

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Cabaret!, por Cesc Martínez y Laia Gilabert.

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El circo en las artes

Esta revista ha recibido una subvención de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas para su difusión en bibliotecas, centros culturales y universidades de España, para la totalidad de los números editados en el año 2008.

El circo sentido, el circo pintado, por Joan Maria Minguet.

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El origen circense del cine, por Javier Jiménez.

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Zirkoteca

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Libros, música, arte y webs. Zirkolika es miembro de la Asociación de Publicaciones Periódicas Escritas en Catalán.

Zirkólikos

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panorama Contemporáneo y circo por Cesc Martínez

cristiana, comunitaria y rural (...), era familiar, dinástico, de clan, se había construido una soberbia torre de marfil ambulante a la que algunos llamarían gueto y desde la cual no había nada que temer salvo la detestable competencia de la televisión”.(1) Y por lo tanto, como contestación, el circo contemporáneo pretendía romper expresamente con esta ideología: “considerar al animal humano como el peor enemigo del hombre, una concepción de la mujer exclusivamente llena de gracia y deseable, un concepto tribal del mundo que exalta la comunión (de las emociones) para quitar importancia a las desigualdades sociales, una concepción circular y fatalista del tiempo (...), una concepción del circo mística y prosaica al mismo tiempo, que lo hace ver rico de su pobreza, orgulloso de la marginalidad y aristocrático y popular a la vez. Y sobretodo aquel concepto de superación que hacía correr a los artistas un peligro de muerte real.”

Leandre, un artista de calle contemporáneo. Foto: Marta Silva

En una ocasión, una fotógrafa me dijo: “A mí me gusta más el circo tradicional que el contemporáneo porque es más claro decir qué es circo y qué no lo es”. Más recientemente, un artículo publicado por Jordi Jané en la sección Volt de pista del diario Avui (3/10/2008) enfocaba la cuestión, siempre algo borrosa, del contemporáneo, y el texto tuvo respuestas en sentidos opuestos en el blog de Joan Ramon Graell A mi m’agrada el circ y en el foro del web de Zirkòlika. El circo contemporáneo nace a mediados de los años 70. En Francia, hay quien destaca como momentos clave de este nacimiento la salida a la calle de los artistas que acabarán formando el Cirque Baroque, Archaos, Cirque Aligre y Théâtre équestre et musical Zingaro, y Cirque Plume, entre otros. En Cataluña, al mismo tiempo, encontramos los orígenes de compañías como el Circ Cric, la Petita Companyia de Saltimbanquis y La Tràica, y tampoco son las únicas. Cataluña y Francia son los primeros lugares del mundo en los que se puede hablar de circo contemporáneo, o nouveau cirque, aunque el fenómeno se (re)produjera rápidamente en otros países, cada uno con sus circunstancias sociales, políticas e históricas. Parece que hay acuerdo en situar la eclosión de una nueva forma circense en el ambiente de rebelión que se vivía a finales de los años 60 y en un teatro beligerante con las formas clásicas, que se había ido desarrollando durante toda aquella década. Hay quien afirma, puede que de forma demasiado taxativa, que el circo se había ido “impregnando de una moral

Jordi Jané y Joan M. Minguet también quisieron dejar claro en 2006, con la exposición Circ contemporani català en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, que uno de los cambios más radicales en la forma del nuevo circo respeto al tradicional, más que la ausencia o presencia de animales, era el desplazamiento del foco de atención del riesgo físico al riesgo conceptual y estético. Un cambio que iba en dos direcciones: de los artistas hacia el público y viceversa. “El circo contemporáneo se afirmó, poco o mucho, rompiendo todos los código del circo que hasta entonces estaban en vigor: la circularidad de la pista, la dramaturgia fundada en la sucesión de números sin ninguna ‘lógica’ entre ellos, la estructura babélica del número (que progresa por fases hasta un punto que parece artificial, sobrenatural), la estética saturada de rojo, las lentejuelas, los redobles de tambor, el serrín, el olor a estiércol (...), la peluca, la nariz y los zapatos del augusto, las plataformas con estrellas de los elefantes, la foca aguantando una pelota con el morro, la casaca de Monsieur Loyal, etc.” (2) Simultáneamente, se produce otro hecho importante: Annie Fratellini y Pierre Étaix por un lado, y Alexis Gruss y Silvia Monfort por otro, crean las primeras escuelas de circo occidentales (1974); estaban abiertas a todos, pero sobre todo fueron alumnos que no provenían del circo. Los espectáculos de Gruss y de Fratellini, se alimentan de los alumnos de las escuelas, de su energía y de sus ideas. De hecho, para algún autor, esta es la auténtica clave del circo contemporáneo: la creación de escuelas, la actitud renovadora de las viejas familias de circo a la que luego se añaden los artistas de calle.(3) En aquellos años, también empiezan algunos festivales de prestigio, como el de Montecarlo y el Cirque du Demain, que también ayudan a sacar el circo de la situación en la que se encontraba. Alemania con el Roncalli y Quebec con el Cirque du Soleil, aportan dos modelos nuevos a caballo entre tradición y contemporaneidad.(4) Es cierto que hasta los años 60 solo había un tipo de circo. Y no era tradicional; era simplemente circo y evolucionaba junto a la sociedad. Ahora, después de toda la revolución de los años 70 y 80, los modelos son varios; hay quien habla de un circo neoclásico o “de nostalgia”, como Le Cirque à l’ancienne de Alexis Gruss o el Roncalli.(5) Es ese circo que ha cambiado el “más difícil todavía” por un modelo estético: la evocación del circo al viejo estilo. “La historia, la imaginería, las numerosas representaciones ligadas el circo se sitúan en el origen de los elementos artísticos y estilísticos de los espectáculos, en los que se mezclan paradas antiguas, bailarinas clásicas, cantos gitanos y retratos de familia.” Aquí, el Circo Raluy sería el ejemplo más claro de este tipo de espectáculo, el de una tradición inventada hace relativamente poco con el valor añadido de la autenticidad. Que

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panorama Escarlata Circus experimenta con todo: el espacio, la tradición, las relaciones sociales...

yo conozca, actualmente no hay ningún circo, tradicional o contemporáneo, que tenga como atractivo y motor del espectáculo el poner al artista en peligro, aunque el riesgo de accidentes y lesiones esté siempre, y a pesar de que algunos ejercicios espectaculares con aparatos con nombres como la rueda de la muerte se puedan ver en el clímax de algunos programas circenses. Entonces, ¿cuál es el límite estético que divide un tipo de circo y otro? ¿Es una simple cuestión de intenciones? En ese caso, habría que creerse lo que quisiera decir el artista o el productor del espectáculo; pero algo de eso hay. Hoy, la contemporaneidad es diferente de hace treinta, veinte, diez años. El circo de siempre no está en un callejón sin salida que le da la imágen de un espectáculo decadente y la “tradición” y la imaginería circenses son utilizadas teatralmente por varias compañías contemporáneas (Circo de la Sombra, 2 Play, Leandre i La Tal con Demodés, Los Gingers y un larguísimo etcétera). Quizá ahora se trata de eso: en el mundo del mestizaje y la mezcla, “contemporáneo” quiere decir mezcla: circo + teatro; circo + danza; circo + ...

Foto: ZRK

absoluto), poco tiempo antes del desalojo, o más recientemente los cabarets que atraen a un gran número de público a casas okupadas, carpas de circo y salas (ver págs. 2425). Son muchos los artistas que trabajan en pequeño formato y que, en un momento u otro pueden pasar a formar parte de producciones como las de Nou Barris o La Vela, montar carpa como han hecho la compañía Circoxidado o trabajar con circos como el Cric, el Ozó (ver Zirkólika nº 18) o incluso el Raluy. De acuerdo, habrá quien diga que todo eso quizá es contemporáneo, pero que no es circo. O, al contrario, que así es como el circo ha funcionado siempre. En cualquier caso, las ideas ahí están y circulan.

En su Volt de pista de octubre, Jordi Jané decía que, más que hacer circo contemporáneo, muchos de los artistas a los que había visto últimamente no eran muy diferentes de los saltimbanquis que Philip Astley incorporó a su espectáculo a finales del siglo XVIII. Pero creo, precisamente, que tienen toda la intención de ser así. Jordi Aspa, artista plenamente contemporáneo, reivindicaba, en el nº 17 de Zirkólika, la palabra “saltimbanqui” para hablar del oficio circense. En nuestro mundo de hoy, que duda del modelo consumista y sedentario, en el que las migraciones son el pan de cada día, nostálgico de tiempos mejores que nunca han existido, hay un circo que, bien o mal, experimenta viendo al mundo más o menos desde esta perspectiva. Y, de nuevo, busca cambiar la relación entre público y artista. De los que hace más tiempo que se dedican a eso, están Escarlata Circus, por ejemplo, o los Galindos, pero también gente más joven, como Alba Sarraute, que en una de sus actuaciones en el Almazén exclamó “¡el circo contemporáneo catalán está a punto de explotar!”; montajes en casas okupadas como A centímetros del suelo, la producción de La Makabra que el público pudo ver compartiendo espacio con los artistas (si bien el experimento no sea nuevo en

Alba Sarraute. Actualmente, ¿contemporáneo no es tener nostalgia del futuro? Foto: Manel Sala “Ulls”

Buena parte de la información de este artículo viene de libros muy accesibles. Todos se pueden encontrar en la Biblioteca de Nou Barris y amplían profundamente las cuatro notas que he expresado. Básicamente, son la compilación de varios autores Avant-garde, cirque!, París, Autrement, 2001, concretamente los capítulos de Martine Maleval, “L’épopée du nouveau cirque”; de Sylvestre Barré, “Le ‘nouveau cirque traditionnel ”, y de la introducción de Jean-Michel Guy. Y también del capítulo de Jordi Jané y Joan M. Minguet, “Per una poètica del riesc”, dentro de Circ contemporani català. L’art del risc, Barcelona, KRTU, 2006. Este es el catálogo de la exposición que se hizo en el CCCB, pero también vale mucho la pena el libro que recoge las ponencias del seminario internacional que se celebró: El circ i la poètica del risc, Barcelona, KRTU, 2007, especialmente, en este caso, el capítulo de Jordi Jané, “El circ avui: clàssic?, contemporani?, experimental?” Aspectos más concretos son de: 1 y 2. El investigador Jean-Michel Guy, en la introducción del libro Avant-garde, cirque! (París, Autrement, 2001). 3. El historiador Dominique Mauclair, “El circo francés”, dentro de Historia del circo; la edición en castellano es de Ed. Milenio, Lleida, 2003. 4 y 5. El etnólogo Sylvestre Barré, en el capítulo “Le ‘nouveau cirque traditionnel ” (Avant-garde, cirque!, París, Autrement, 2001).

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panorama

La Carpa de Noche

Nuevo circo estable en Benidorm Ya está en marcha un nuevo proyecto circense, el Benidorm Circus. Se trata de un nuevo circo estable, de carpa, que ha nacido bajo la tutela de Vicente Climent, director del Benidorm Palace, y de Antonio Benjamín Papadopaulo, Premio Nacional de Circo 2005, más conocido en las pistas circenses con el nombre de Toni Tonito. Situado junto al Benidorm Palace, se trata de una carpa de 34 metros de diámetro con una altura de 11 y medio con capacidad para 900 espectadores, con otras carpas más pequeñas para el hall, sala de calentamiento para los artistas, vestuarios totalmente equipados con duchas, baño… Este nuevo circo ha nacido con la intención de ofrecer espectáculos de calidad, modernos pero sin olvidar las raíces del circo tradicional, creando un estilo personal. La dirección artística corre a cargo de Toni Tonito, mientras que la parte técnica recae en manos de Lanzarot Rodogell. Con el título Chapitó, el primer espectáculo cuenta con la participación, entre otros artistas, del malabarista Rafael de Carlo, el humor de Tito Lester, el equilibrista Iván Peres, Johnny Marialex, Arthur & Lidia en las telas aéreas, Toni Tonito en la cama elástica, Lanzarot Rodogell en la rueda de la muerte, Alberto representando la figura del carablanca y el señor Loyal David Climent, más un ballet y orquesta en directo. ZRK

Almazén, Circo de la Sombra, Claret Clown Dentro de los Premios FAD Sebastià Gasch de Artes Parateatrales, han recibido un Aplauso los espectáculos Devos a vós, de Claret Clown y Circo de la Sombra (ver Zirkólika, nº 12). La sala Almazén, del barrio del Raval de Barcelona, en la que hemos podido ver a artistas como Jango Edwards, Laura Herts o Pepa Plana, entre muchos otros, también ha recibido la mención especial. El Foment de les Arts Decoratives, que cada año concede este galardón, ha premiado el montaje Burgher King Lear, de Joâo Garcia Miguel, y a concedido el FAD de Honor a la exposición de fotos de Colita, del Espai Escènic Joan Brossa. ZRK

El Dúo Nikolín

Nix y Nox cierra una etapa en el Price El Dúo Nikolín, Anna con 11 años y Daria con 9 años, con sus acrobacias cómicas, serán las principales protagonistas del espectáculo de navidad del Price: Nix y Nox (Nieve y Noche). Una producción que se ha encargado a Manuel González y cuenta con la dirección artística de David Larible. Con esta producción se cierra la programación del Teatro Circo Price de 2008 y también una etapa pues Monti y Tato dejan la dirección artística y la gerencia. Un año con cuatro producciones propias: Rocinante en un lugar de la magia (ver Zirkólika núm. 16), Cavaret circo-cena, Crece (ver Zirkólika 17), Nix y Nox. Y la programación de tres compañías de circo dentro del Festival de Otoño Miradas de Circo (ver Zirkólika 18): el nuevo Premio Nacional, el Gran Fele; la compañía australiana Acrobat y la francesa Les Colporteurs. En total, siete espectáculos para todos los gustos, un reflejo de lo nuevo, lo clásico y la creación más actual por parte de estudiantes de diferentes escuelas de circo europeas. Un buen arranque para ir cogiendo velocidad. ¡Enhorabuena Price! ZRK

Premio Nacional de Circo para Gran Fele El premio que cada año otorga el Ministerio de Cultura como reconocimiento a la actividad de artistas españoles ha recaído este año en el Circo Gran Fele. Según la nota del jurado, esta distinción ha sido concedida “por su trayectoria creativa, su labor de recuperación y restauración del circo, por la formación de jóvenes artistas, la colaboración con universidades y la divulgación del circo español en ámbitos internacionales”. La compañía valenciana Circo Gran Fele fue creada en 1993 por Rafael Pla, director de la compañía, uno de los dos Hermanos Pla, payasos e hijos del ventrílocuo Gran Fele. Su última producción, A, pudo verse recientemente en el Price de Madrid y actualmente en Valencia (ver sección Agenda). ZRK

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aGenda Agenda de los principales circos de invierno

Circ de Nadal en La Vela. Capgirat. Del 20 de diciembre al 4 de enero de 2009.

Circ Raluy, Homenatge al Circ Olympia.

Vilanova i la Geltrú, Cataluña.

Del 12 de diciembre al 11 de enero.

Internacional de Circ Ciutat de València.

Moll de la fusta, Barcelona, Cataluña.

Hasta el 11 de enero.

Circ Aquàtic (Cirkid).

La Alameda, València.

Hasta el 4 de enero.

Circo Americano.

Plaza de toros Monumental, Barcelona, Cataluña.

Hasta enero.

Gran Circo Mundial. Su majestad el circo.

Al lado del Palacio de las Artes Reina Sofía, València.

Hasta el 11 de enero.

Circo Wonderland.

La Vaguada, Madrid.

Hasta el 18 de enero.

Circo Americano sobre hielo, Las mil y una noches.

Plaza de Toros de València.

Hasta enero de 2009.

Gran Fele, El círculo mágico “A”.

Plaza de toros de Las Ventas, Madrid.

Hasta el 6 de enero.

Cirque du Soleil, Varekai.

Explanada Muvim, València.

Hasta el 6 de enero. Recinto ferial de la Casa de Campo, Madrid.

Festivales

Teatro Circo Price, Nix y nox. Navidades en el Price.

Pallassòdrom. Festival de Pallassos de Vila-seca.

Del 17 de diciembre al 18 de enero.

Del 16 al 18 de enero.

Ronda de Atocha, Madrid.

Vila-seca, Cataluña.

Cirque Eloize, Rain.

Festival International du Cirque de Montecarlo.

A partir del 11 de febrero.

Del 15 al 25 de enero.

Teatro Compac, Gran Vía, Madrid.

Mónaco, Montecarlo. http://www.montecarlofestivals.com/

Circo Roma, Navidad en el circo Roma.

Festival Mondial du Cirque du Demain.

Del 19 de diciembre al 18 de enero.

Del 29 de enero al 1 de febrero de 2009.

Plaza de toros de San Sebastián de los Reyes, Madrid.

París, Francia.

13º Circ d’Hivern de Nou Barris. Oníricus.

Setmana del Pallasso de Castellar del Vallès.

Del 20 de diciembre al 11 de enero de 2009. Barcelona, Cataluña.

Del 20 al 29 de marzo. Castellar del Vallès, Catalunya. http://www.setmanadelpallasso.com/

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panorama

Estrenos

Cirque Phénix. Extra! par les étoiles des cirques du monde. I Festival Mondial du Cirque du Demain por Ramón Bech

El Cirque Phénix, con Alain M. Pacherie y Pascal Jacob al frente, ha dado al circo francés una nueva dimensión. En el año 2000 inauguró su excepcional chapiteau de inmensas proporciones, al cual se accede después de cruzar dos halls de entrada. En el espacio donde tiene lugar el espectáculo, la no presencia de mástiles hace que la visibilidad sea perfecta desde cualquier punto. La carpa se sostiene como si fuera una tienda de campaña, con arcos de cien metros de largo. Después de debutar en París (del 26 de noviembre hasta el 11 de enero), el espectáculo girará durante unos cuantos meses a un ritmo frenético, presentando en casi todas la ciudades que visita una única función. Este año además de visitar toda Francia, extenderá su gira por Suiza y Bélgica. Aquellos que no puedan desplazarse este invierno a París, pueden esperar a que el circo visite ciudades más cercanas a nuestras fronteras: el 4 de febrero en Toulouse (Zenith), el 28 de febrero en Montpellier (Zenith Sud), el 5 de febrero en Pau (Zenith) y al día siguiente en Burdeos (Patinoire Meriadeck). Después de Dima Shine. Foto: Christophe Roulline presentar espectáculos con un tono unitario, basados principalmente en las estrellas de los circos de Pekín y de Moscú, este año se ha configurado un programa que bajo el nombre Extra! par les étoiles des cirques du monde reúne

números de excepcional calidad, premiados en los mejores festivales de circo del mundo, entre ellos el Demain, Montecarlo, Kiev, Wu Qao (China) y el de Moscú. Pero la novedad no acaba aquí, puesto que por primera vez en la historia del circo, podremos contemplar imágenes en 3D. Curiosa estampa: toda una gradería de circo con los espectadores poniéndose las curiosas gafas… Novedades hay más, puesto que una abeja virtual ejercerá las funciones de Monsieur Loyal… El espectáculo se engloba en cuatro cuadros ambientados en Africa, América Central, Europa y Asia. Entre los excepcionales artistas que podremos contemplar se encuentra el equilibrista Dima Shine (ver Zirkólika nº 16, pág., 8 y 9) y el malabarista Pavel Ruzhilo (ambos premiados en el Festival du Cirque du Demain). En resumen, estamos ante una superproducción que a buen seguro dará de qué hablar en los corrillos circenses y que, por supuesto, hará historia. Del 29 de enero al 1 de febrero de 2009, en la carpa del Cirque Phénix (y con la misma dirección), se celebrará el 30º aniversario del Festival Mondial du Cirque du Demain. Precisamente para festejar este aniversario, la dirección ha tenido el acierto de editar un libro ricamente ilustrado que narrará la historia de este festival. La idea de crearlo fue debida a la imaginación de Dominique e Isabel Mauclair. En un momento en el que el circo francés (al igual que también el español) atravesaba un momento de crisis, supieron reunir a un conjunto de amantes de este arte que les ayudaron a hacer realidad un nuevo proyecto. Así, artistas noveles tuvieron la primera oportunidad para lucir sus habilidades ante un público exigente como es el parisino, a la vez que competían como en unos juegos olímpicos en busca del reconocimiento de un jurado formado por reconocidos profesionales del sector. Con el paso de los años, el festival se ha ido convirtiendo en cita obligada de los agentes artísticos y de los directores de circos, que tienen aquí la posibilidad de conocer a los nuevos talentos. Sin ir más lejos, diremos que este evento significó en 1997 el lanzamiento mundial del joven malabarista español Picasso Junior, quien sólo un año antes había debutado en la sala de fiestas Benidorm Palace junto a su padre. Este año se presentan 26 números en competición, junto con cuatro números laureados en ediciones anteriores. Entre los primeros, se encuentran el trío Rialcris, pulsadores que pudimos descubrir en la edición de este año del Festival de Albacete y la pareja de payasos italianos IBaccalà, que participaron en la pasada edición del Festival de Budapest.

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Estrenos

panorama

Escarlata Circus. Devoris Causa. por Oriol Raventós Los cocineros caseros

El estreno del nuevo espectáculo de Escarlata Circus en el Temporada Alta fue un éxito rotundo de crítica y público. Se trata de la primera coproducción de circo (junto con cinco otros festivales europeos) en la que ha participado Temporada Alta. Está previsto que pronto el espectáculo empiece una gira en una pequeña carpa de ocho metros de diámetro que pasará por Reus, Mataró, Lleida, Vic, Granollers y Tarragona, entre otros municipios. El espacio en esta obra es esencial. Se trata de una cocina rústica rodeada por una pequeña grada con sólo cincuenta localidades, dando una sensación de intimidad rancia que, junto al resto de la ambientación, es uno de los aciertos de la obra. A ratos, el espectador tiene la sensación de estar espiando tras la cerradura de una puerta las intimidades culinarias de esta escalofriante pareja que exhibe un imaginario entre lo tierno y lo esquizofrénico, con la finalidad de elaborar unas humildes verduras fritas. Tal y como se lee en el programa de mano, todos podemos identificarnos con este proceso: “construir para destruir, vivir para morir, hacer para deshacer, conocer para ignorar”. Jordi Aspa y Bet Miralta han sabido extraer de unas verduras en un cesto un espectáculo que atrapa, desconcierta, sorprende, enternece, asusta y empapa los cinco sentidos de esa magia de las pequeñas cosas, de las pequeñas comedias de las que llenamos nuestra vida para hacerla más llena y placentera. Esta magia, también puede ser la famosa magia del

Un momento del montaje. Foto: Anna Bosch

circo y esto es lo que llevan reivindicando Escarlata Circus desde hace años. Devoris Causa es un paso más en la consolidación de un lenguaje propio y singular dentro del mundo circense, caracterizado por su forma de actuar con animales (esta vez un pavo), por la creación de personajes perdurables que son reales y absurdos a la vez y, además, por saber dar un toque secreto a los espectáculos (y a las verduras) que dejan un regusto desconcertante (en este caso, a carnicería).

Los Villalba. Malacatum. por Bauke Lievens

La joven compañía barcelonesa Los Villalba, formada por César Pons, Borja González y Miguel García, antiguos alumnos de la escuela de circo Rogelio Rivel, ya se hizo notar en el Combinat de Circ 34 del Ateneu Popular de Nou Barris (febrero 2008). El octubre pasado la compañía estrenó Malacatum, el nuevo fruto de su trabajo. El espectáculo se creó bajo la dirección de Irma Borges y Miri Yeffet del Teatre Dejavu. Vicente Espinosa Moreno firmó para la dirección técnica. Malacatum es la historia sencilla de tres hermanos que venden frutas en la calle. Uno de ellos quiere ser artista de circo, a otro solo le interesa la música, mientras el mayor de los tres se empeña en seguir vendiendo frutas. Lo que nace en escena es un espectáculo con personajes entrañables que nos regalan canciones, momentos de riesgo propios del circo, equilibrios acrobáticos y malabares. Con Malacatum, Los Villalba crean un universo absurdo donde cada uno, a su manera, vende sus frutos, su arte y su música.

Malacatum es un trabajo de creación.

Intérpretes ................. Borja González, Miguel García, César Pons Dirección artística .......... Irma Borges & Miri Yeffet (Teatro Dejavu) Dirección técnica ................................... Vicente Espinosa Moreno Música Original .................................. César Pons y Miguel García Escenografía .......................................................... Borja González

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una entrevista Perfil: El Premi Nacional de Circ otorgado por la Generalitat se añade a los muchos que ha obtenido esta completa artista de trayectoria tan dilatada como brillante e irrepetible. Descubrimos que la clave de su éxito en todas las especialidades circenses que ha cultivado se encuentra en la rigurosa y exigente formación que su padre, Charlie Rivel, dio a sus hijos Paulina, Juanito, Charlie Jr. y Valentino Andreu.

Paulina Schumann: cómo se hace un artista por Jordi Jané

padre, que nos enseñó circo con la misma severidad con la que le educó su padre Pere Andreu, el fundador de la dinastía Andreu-Rivels. Ya desde muy pequeños los cuatro hermanos tocábamos el piano, el clarinete, el saxo, la percusión, la guitarra, el violín, la concertina... Y lo que te decía de la severidad y la disciplina: aunque estuviéramos enfermos teníamos que entrenar que sí que no cada mañana: acrobacia, alambre, trapecio, equilibrios... ¡Con él no valían excusas! ¡Y en seguida se le escapaba la mano! J.J.: ¿Todas las familias de circo eran tan rígidas enseñando el oficio? P.S.: ¡Era lo de “la letra cono sangre entra”! Por ejemplo, a nosotros papá nos hacía ensayar la rueda flic-flac a lo largo de un estrecho pasillo de sillas, en el comedor de casa o donde fuera. ¡Y nos daba cada coscorrón, si nos desviábamos y tocábamos alguna silla! Era bueno, pero inflexible. Mamá era un poco más comprensiva. Nos enseñaba ballet clásico y siempre discutía con mi padre porque él me forzaba mucho físicamente, y ella le replicaba que una chica musculosa pierde feminidad. J.J.: Los Andreu sois cinco generaciones de circo que lo habéis aprendido todo en casa.

P. Schumann el pasado noviembre en el Festival de Pallassos de Cornellà. Foto: Manel Sala.

Jordi Jané: Los cuatro hermanos sois de lugares distintos. Paulina Schumann: Sí, yo nací en Barcelona mientras mis padres y mis tíos actuaban en el Teatre Novetats. Juanito, el segundo, nació una noche a bordo del barco Jorge Juan: los Andreu-Rivels regresábamos de actuar en Mallorca e íbamos a Valencia a cumplir unos contratos. Charlie nació en plena actuación de la familia en el Olympia de Londres, y el pequeño, Valentino, nació en Bruselas. J.J.: La familia Andreu-Rivels ha sido una de las más viajeras del siglo XX. Vuestra infancia debió ser bastante diferente de la de los otros niños. ¿Cómo la recuerdas? P.S.: Nuestros padres nos dieron una infancia fascinante, muy feliz. Íbamos de circo en circo, de ciudad en ciudad, de país en país. Todo era nuevo cada día, porque cada día veíamos gente diferente y paisajes diferentes y escuchábamos lenguas diferentes. Los cuatro hermanos viajábamos con dos baúles llenos de juguetes: trenes eléctricos, muñecas, disfraces... ¡de todo! Cuando hacíamos temporada en una ciudad íbamos a la escuela, pero aún así teníamos profesores particulares para no quedarnos atrás en los estudios. Pero de todos los maestros, el que más nos apuraba era mi

P.S.: En aquellos tiempos, un artista de circo tenía que saber hacer cuantos más números mejor, porque con cinco o seis de familia ya se podía llenar el programa sin contar con nadie de fuera. Es lo mismo que hacía todo el mundo que se ganaba la vida con el circo, lo mismo que habían hecho mis abuelos y mis padres. Teníamos que despabilar, porque los tiempos eran mucho más difíciles que ahora. J.J.: Pero hoy los artistas de dinastía circense no tendrán un aprendizaje tan... digamos inhumano. P.S.: Quizá no. ¡El caso es que nosotros aprendíamos! ¡Ya lo creo que aprendíamos! (Se ríe.) Los tiempos han cambiado, ahora todo es muy diferente. J.J.: Con tu marido, el caballista Albert Schumann, tuvisteis dos hijos. ¿Cómo les enseñasteis circo? P.S.: Benny nació en 1944 y Jacques en el 47. Con ellos no seguimos el mismo sistema, les fuimos enseñando poco a poco, de forma suave. En primer lugar porque la mentalidad del norte de Europa era diferente de la de aquí. En segundo lugar porque como los Schumann tenían dos circos estables, uno en Copenhague y otro en Estocolmo, económicamente Albert y yo no teníamos la presión que habían tenido mis padres, que habían tenido que empezar desde cero y necesitaban que sus hijos trabajaran. Benny y Jacques también debutaron muy pequeños, pero seguían los estudios regulares igual que los demás niños de Copenhague. Y en tercer lugar, porque tanto Albert como yo queríamos que fueran ellos mismos quienes

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Paulina Andreu Rivels en la aplaudida imitación de Josephine Baker. Foto: P. Schumann

decidieran ser artistas de circo o no. Y así ha ido: Benny aún está en activo como payaso y funámbulo, e incluso ha tenido una escuela de iniciación al circo. En cambio, Jacques optó por dedicarse a la psicología social. J.J.: Entonces, ¿para ser artista no es suficiente nacer en una familia de circo? P.S.: Se han dado muchos casos de gente que está en el circo porque allí ha nacido, pero que en realidad ha tenido otra vocación y ha cambiado de vida en cuanto ha podido hacerlo. Y viceversa: hay muy buenos artistas que provienen de una vida distinta a la del circo y que en cambio que se han integrado a ese arte y a esa vida por vocación y por forma de ser. Mi padre siempre decía que si un artista no es lo bastante bueno es mejor que lo deje. Y un verdadero artista de circo, igual ahora que en los viejos tiempos, tiene que ser muy completo: debe saber cantar, bailar, tener buena dicción, debe ser acróbata, debe saber montar a caballo, tener vis cómica, presencia escénica, recursos actorales..., y una gran curiosidad. Un artista tiene que tener una gran curiosidad por conocer el arte, la cultura, la sociedad, porque sus conocimientos y sus vivencias se reflejen siempre en su trabajo, en su arte. Solo cuando tienes experiencia, cuando tienes el máximo de recursos expresivos, puedes salir con éxito de cualquier cosa que te propongas. J.J.: ¿Qué piensas de las actuales escuelas de circo? P.S.: La verdad, últimamente no estoy muy al corriente. Por las referencias que tengo, me parece que las mejores están en Rusia. Pero tengo entendido que en general la formación en las escuelas de circo es muy completa, en el sentido de que los alumnos reciben una información teórica e intelectual que nosotros quizá no tuvimos. Ahora salen de la escuela con más conciencia de la relación del circo con otras expresiones artísticas: pintura, literatura, teatro, música, danza... Y ahora que hablo de danza,

Última foto de padres e hija en Cataluña en el año 1924, justo antes de tres décadas de exilio por Europa y Suramérica. Foto: Paulina Schumann

quiero señalar que la danza es fundamental en la formación de un artista circense. La danza te proporciona una presencia corporal, una elegancia que se incorpora inconscientemente a tu personalidad, te da una gestualidad distinguida... La danza es una base imprescindible para el artista de circo. Mejora los saludos, el andar, la presencia... Incluso mejora tu imagen cuando montas a caballo. J.J.: ¿Las escuelas de circo proporcionan todo lo que necesita un artista? P.S.: Hay algo que una escuela nunca podrá ofrecer, que es la vivencia y el aprendizaje que los hijos de familias circenses hacen todos los días cuando trabajan y viajan con toda la troupe del circo. Es como recibir una clase continua de 24 horas. Todos los días del año, y sin darse cuenta, los hijos de los artistas de circo se impregnan del ambiente, de los valores y la filosofía del circo, del funcionamiento de una comunidad viajera, de los sistemas de trabajo, de la forma de relacionarse con los compañeros, con el empresario, con otros circos... Es un universo que las escuelas solo intuyen muy de lejos. Y otra limitación que veo son los payasos. Antes, en general, el payaso era la etapa final de un artista, cuando ya había practicado un montón de especialidades y tenía una personalidad y un recorrido artístico muy sólidos. Y, además, había visto ensayar y trabajar a muchos payasos —eso parece que no y cuenta mucho—. Ahora creo que un payaso se hace demasiado rápido. A la mayoría se les ve en seguida que no dominan los tempos, las intensidades, los ritmos, las pausas, que no asimilan a tiempo las reacciones del público... Todo ello solo los pueden dar los años de experiencia en pista. Una entrada de payasos siempre ha necesitado rodar mucho, antes de darla por terminada. Solo si tienes experiencia y talento podrás hacer lo que quieras como payaso.

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Crónicas

Reirse menos en Cornellà Festival Internacional de pallassos por Marcel Barrera. Fotos de Manel Sala, “Ulls”

L

a gala Euroclowns del Festival Internacional de Pallassos de Cornellà, que en las dos últimas ediciones se había convertido más en un espectáculo de circo que en lo que realmente la definió cuando nació hace diez años, una plataforma para presentar a los payasos de pista más en boga del momento, ha recuperado en su sexta edición su principal esencia. Todos los números eran payasos de primera fila internacional; con un espacio en el programa para presentar a nuevos talentos —en este caso el portugués César Díaz y el peruano Pitillo— y una cuota catalana que, si hace dos años ocupó la pareja Los Gotys, este año ha sido para los Tres Martini, un trío de payasos formado por Llorenç Massot y sus dos hijos, Sergi y David, que hace unos meses habían probado, sin mucha fortuna —el público no respondió a un buen espectáculo—, hacer una gira por Cataluña con su circo Imaginari. En esta sexta edición de Euroclowns no había números como el de Sergey Protestov y sus dálmatas, un buen número de circo presentado en 2004 pero que, la verdad, tenía poco que ver con los payasos. Este año Euroclowns presentó un cartel que, solo con leerlo, te caías de culo, y ha recuperado el nivel del 2004 —cuando actuó el gran Fumagalli—, y que en la pasada edición se había perdido un poco. Sin embargo, sorprendieron algunas cosas. Por un lado, que teniendo a las estrellas que había se diera tanto protagonismo a Pitillo, un payaso musical que conectó bien con el público y que seguro es muy eficaz en los reprises, pero no llevando el ritmo de todo un espectáculo —el día del estreno presentó hasta cuatro entradas—; una de estas estrellas era Toto Chabri, que en algunas funciones tuvo que suprimir, para no alargar excesivamente la función, su hilarante número de la bailarina. Con ochenta años encima —sí, sí, ochenta años— Chabri presentó una buena versión de la clásica entrada ¡Carga!, ¡descarga!.

Simpático Nock y genial Jigalov

El belga Toto Chabri.

Bello Nock, que ha terminado una temporada de ocho años en el circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey de Estados Unidos, demostró por qué su personaje cae tan bien al otro lado del Atlántico. Sin estridencias ni sobreactuación, todos podríamos ser Bello Nock, un personaje muy humano que se esfuerza e intenta superarse ante las dificultades que tiene en la pista. Pero si hubo una estrella que destacó durante las once funciones de Euroclowns, ésta fue Andrej Nikolajewitsch Jigalov, un payaso ruso ya hecho y derecho que debutó en el Estado español demostrando que es un genio del humor. Presentó dos entradas junto a su partenaire, el imperturbable Alex Miranov. En la primera, la trama es muy sencilla; infantil, podríamos decir. Miranov, un caballero cuerdo y ordenado, tiene

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Crónicas un caramelo que Jigalov, un auténtico chapucero vestido como una piltrafa, quiere conseguir por todos los medios posibles. Divertida entrada. La segunda aún fue mejor, sencillamente genial. Jigalov quiere impedir como sea que su pareja toque con la flauta una pieza de música clásica que el artista presenta, en un gesto que hay que agradecer, en lengua catalana. Una gran entrada de payasos en la que la pareja Jigalov-Miranov atrapa al público y, además, le sorprende con un número de magia que deja muy claro por qué Jigalov, con su sonido característico, pareciendo al cerdo, fue de los más aplaudidos. El joven payaso portugués César Díaz, con un número demasiado estático, y el suizo André, que convenció con sus tres entradas —el Oso volador, La pesca y La bañera— acabaron de conformar un espectáculo presentado por el director del festival, Genís Matabosch; y contó con la actuación solvente y eficaz, como siempre, de la orquesta dirigida por el músico francés Carmino d’Angelo. Euroclowns es una gran gala de payasos con un importante prestigio en Europa que ha ido ganando protagonismo: ha pasado de las cinco únicas funciones de 2004 a las once de las dos últimas ediciones, un hecho que seguramente da respuesta al precio de las entradas, que se han congelado y son incluso más baratas. Entrar en 2004 costaba 16 euros, mientras que hacerlo en 2006 y en esta última edición era un euro más barato. El precio para menores de 12 años también ha bajado: ha pasado de 7 euros hace cuatro años a 6 euros este 2008.

Chabri & Co.

Festival de rebajas

El norteamericano Nock.

Si la gala Euroclowns, una marca que Carles Navales cede al festival de Cornellà, sacó buena nota, el resto del festival este año se ha resentido de un importante recorte del número de actividades y de espacios. Con un presupuesto global de 400.000 euros, en la 13ª edición han desaparecido las jornadas internacionales sobre la figura del payaso, que en 2006 cumplían su tercera edición y que en los años 2004 y 2006 se habían celebrado en el Ateneu Barcelonès. Este año, los debates se han reducido a una única conferencia titulada La tradición del payaso en Latinoamérica a cargo del historiador mexicano Julio Rebolledo, miembro de la quinta generación de la familia de circo Suárez y director de la licenciatura en artes escénicas y circenses de la Universidad Mesoamericana de Puebla.

El Trio Martini.

Andrej Nikolajewitsch Jigalov.

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También han desaparecido de la programación todos los espectáculos de medianoche que alargaban las veladas hasta la madrugada y que en 2004 y 2006 se presentaban dentro del ciclo Cabaret Clownesc. El número de exposiciones se ha ido reduciendo drásticamente en las últimas tres ediciones del festival. Se ha pasado de cinco que se presentaron en 2004 —entre las que destacaba la de trajes de carablanca— a dos en el año 2006 y a una esta edición: un repaso de los diez años de la gala Euroclowns. El festival ha mantenido, eso sí, el día de la sonrisa solidaria, el Festival Menut —en el que este año estaban Marcel Gros, Leandre & Cia. La Tal, Pep Callau y Carromato—, el encuentro de sardanas con la nariz roja y las sesiones para escolares, que este año ha protagonizado el payaso Miquelet, la compañía catalana The 2 Play y el portugués César Díaz acompañado del mimo Grillo.

Massot y Boixader: doble presencia catalana En este marco de crisis, el festival ha apostado por Clown Free, el ciclo de actuaciones en la calle que se estrenó hace dos años y que en esta nueva edición del festival se ha ampliado de uno a dos días, con actuaciones de siete artistas. Entre ellos estaba la argentina María Peligro y el italiano Marco Carolei. De los nombres destacados del festival, que este año ha estrenado el cine Pisa como nuevo escenario, destacan Houschma-Housch, un extravagante payaso ucraniano que ya pudo verse hace cuatro años, cuando la participación en Euroclowns le sirvió para abrirse puertas en toda Europa. También actuaron Peter Shub, artista norteamericano que consiguió llenar todas las butacas del cine Pisa, y Daniel Zafrani, que presentó su meritorio número en el que se convierte en un avestruz y mueve lacabeza arriba y hasta más abajo del hombro sin que el afecten las leyes de la física. Un punto y aparte merecen dos artistas catalanes. Llorenç Massot, el payaso nacido en Barcelona en 1937 que ha recibido el Nas d’Or honorífico del festival, y Oriol Boixader, el payaso que con Joan Montanyès probó, en 2004, la aventura de ir de gira con un circo ambulante antes de actuar en el prestigioso circo alemán Rocalli. Boixader, difícil de ver en Cataluña, presentó en el cine Pisa de Cornellà tres espectáculos: Restaurant Tú Three, El primer concert y un estreno absoluto con el que, bajo el nombre de Triàlegs y junto a Javier Centeno en el papel de carablanca y Gregor Acuña como contraaugusto, presentaron una selección de números clásicos de circo. Una buena oportunidad para ver el trabajo de un payaso catalán muy bien caracterizado —vestuario y maquillaje— que convenció mucho más en su papel de augusto en Triàlegs que en el de camarero en Restaurant Tú Three.

Memorial Charlie Rivel Este 2008 se han cumplido 25 años de la muerte del payaso Charlie Rivel en Cubelles, un aniversario marcado por la falta de actos conmemorativos y críticas al Ayuntamiento por la poca ambición al difundir el nombre del payaso y la situación de su museo. En el festival internacional de Cornellà, creado en 1984 para recordar el genial payaso, más allá de las cuatro palabras protocolarias de las autoridades, la proyección de la película El pallasso i el führer, dirigida por Eduard Cortés y la impresión de los programas del festival con el subtítulo de Memorial Charlie Rivel, poca reflexión e información se ha hecho sobre la importante efeméride. Ya habrá otras oportunidades. La próxima, en 2010.

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Crónicas

Piel de gallina, pero diferente 21 Festival de Cirque Actuel, Auch, Francia. 24 Oct. al 1 de Nov. por Bauke Lievens

Frédéric Arsenault y Alexander Fray de la compañía Un Loup pour l’Homme con el espectáculo Appris par Corps.

Del 24 de octubre al 1 de noviembre pudimos asistir a la 21ª edición del Festival de Cirque Actuel en Auch (Francia). El menú consistió en una selección de once espectáculos de compañías del paisaje circense francés. Al mismo tiempo, la FEDEC, la Federación Europea de Escuelas de Circo, celebró su décimo aniversario con un ciclo de encuentros entre escuelas de 30 países. Aparte de las famosas escuelas franceses (Lido, Rosny-sur-Bois, Montpellier, Lomme, Chambery), estaban presentes la ESAC de Bruselas, Danshögskolan de Suecia, Turku de Finlandia, las escuelas de Zôfy y Ginebra de Suiza, Rogelio Rivel de Barcelona y Carampa de Madrid, la escuela de Montréal, Cirko Vertigo de Torino y Die Etage de Berlin. Todos presentaron trabajos en curso de sus alumnos bajo una cálida carpa instalada en las afueras de la ciudad.

La Rogelio Rivel presentó un número de acrobacia, danza y mástil de cuatro alumnos que habían realizado una búsqueda teatral muy interesante, claramente influido por el universo de la compañía Cirque Trottola. Ésta también estaba presente en el festival, presentando su nuevo y celebrado espectáculo Volchok. La selección oficial del festival consistió en los trabajos recientes de nueve compañías nuevas y otras más establecidas, más una noche en la cual la 19ª promoción del CNAC (Châlons-en-Champagne) presentó sus sueños, proyectos y números. Estaba la compañía La Faux Populaire-Le Mort aux Dents con Le Cirque Précaire, en el cual un personaje extraño combina y manipula objetos que parecían cobrar vida a través de su uso sorprendente. También estaban la Cie. Hors Pistes, con el espectáculo de equilibrios acrobáticos y mástil Coma Idyllique, y Le Collectif AOC, que presentó Je suis un Sauvage, un solo de cama elástica de uno de sus miembros. Cirque Désaccordé presentó una investigación interesante de los pequeños mitos que diseñan nuestras vidas cotidianas, llamado PMP (Petits Mythologies Populaires). El lenguaje utilizado fue tomado de la cultura popular contemporánea, el videojuego, el manga y programas tipo Operación Triunfo. La compañía Attention Fragile presentó dos trabajos, llamados Fournaise y Thomas parle d’Amour. El más ambicioso, Fournaise, estaba muy vinculado a la infrastructura de una carpa cuadrada donde el público podía sentarse en pequeñas mesas de diferente altura y tomar un zumo natural o un vasito de vino. Fournaise es un desfile de testigos de otro mundo que es más grotesco y vivo que el cotidiano. Sin embargo, lo que podría haber llegado a ser un simple freakshow, estaba deliciosamente mezclado con pequeñas historias humanas que emocionaban. En Fournaise no se intentaba representar nada grande, sino de pasar dos horas de delirio dionisíaco con una técnica que te quitaba el hipo. Un verdadero diamante era el espectaculo Appris par Corps, de la compañía Un Loup pour l’Homme. Los dos acróbatas, Frédéric Arsenault y Alexander Fray, investigan a través de una libre interpretación del mano a mano, la relación entre dos seres humanos, desde la ternura al verdadero lobo, buscando continuamente el desequilibrio; hasta donde puede uno llegar a acercarse al otro y a la vez empujarlo con toda ferocidad. En la misma linea estaba el espectáculo Les Jardins Populaires, de Cie Vent d’Autan. Rémy Balague, el portor de esta famosa compañía estaba sólo en escena con una mesa. Aquí tambien la investigación del mano a mano resultó en un lenguaje corporal muy puro, haciendo aparecer una gran soledad y sinceridad. Quizás más extremo era el espectáculo On the Edge, de la joven compañía Crydacompany. Jur Domingo y Julien Vittecocq, dos artistas que salieron del Lido el año pasado, nos presentaron un ritual Beckettiano de danza, malabares, mimo, canto y piano. Estas tres ultimas compañías mostraron que la típica piel de gallina del circo también se puede lograr simplemente siendo verdadero. Esto también es circo.

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Crónicas

Sabores de Oriente en el X Aniversario de Latina Latina, Italia; 16-20 Octubre 2008 por Victor López Saavedra

La atmósfera era la propia de las grandes ocasiones, de los grandes aniversarios. Para su décima edición el Festival Internazionale Città di Latina, consagrado a las jóvenes promesas (under 21), se puso el traje de gala con una selección de espectáculos de nivel alto y con algunas actuaciones realmente maduras. El debate entre circo tradicional y la estética de la renovación se produjo directamente en la pista y sin ningún tipo de polémica. La presencia de animales en las actuaciones se redujo a los clásicos números de caballos, aplaudidos por cuanto reconocida es la labor de la familia Togni (Premio de la crítica y Premio Giulio Montico), camellos y la participación de un simpático chihuahua en una performance elegante del mexicano Christian Atayde. Al margen de los artistas en concurso, como es habitual, acudieron también algunos invitados, de entre los que nos quedamos con las buenas maneras apuntadas por el clown estadounidense Rob Torres. Una vez más —y empezamos a pensar que Latina siente predilección por estas tierras—, Europa del Este y China volvieron a acaparar las medallas más importantes. En efecto, al trabajo técnico de selección de las

Cai Yong. Foto: Víctor López

compañías, no podemos oponer reproche alguno. Cada uno de los dos combinados en escena ofreció un programa equilibrado y de calidad. El ruso Popazov nos enseñó cómo colocar una columna de ocho sillas sobre una mesa para luego ¡subirse a ella!; desde China nos llegó la elegancia y la precisión en la ejecución de movimientos imposibles a cargo de un reputado quinceañero (vencedor del Premiere Rampe de Montecarlo), mientras que Ucrania y Bielorrusia apostaron por las acrobacias (los chicos de Four Men Group, con un ejercicio a base de fuerza, equilibrio y estética, se han hecho con un hueco en el Circo Price estas Navidades). Una vez más, las especias orientales volvieron a dejarnos un buen gusto en el paladar. Alemania, Suecia, EEUU y México fueron los únicos países que lograron colar algún representante ante el panorama de total confraternización entre Italia y los países del Este. Del total de 22 participantes, nos sorprendió la ausencia de españoles en la arena, pues el único representante de nuestro país se sentó entre las butacas del jurado. José María González, cuyo Circo Mundial presentó un hermoso número a concurso (el de los hermanos Rossi), no faltó a su cita anual en Latina. Finalmente, de entre la pirámide de premiados, quisiéramos destacar dos cosas: la buena salud de la Escuela de Circo de Shanghai, devota de la precisión y cada vez más limpia y esencial en sus propuestas, y los ánimos de renovación afirmados por Rusia y Ucrania, transmitidos en esta ocasión por las Troupes Khubaev y Vorobiev, con sendos números de acrobacias y de columpios tan precisamente ejecutados como convenientemente presentados. La última nota emotiva del festival llegaría con la entrega del premio del European Circus Festival a la familia Giulio Montico, quienes han hecho posible este Festival desde su inicio y que se han visto recientemente afectados por el inesperado fallecimiento de su presidente e impulsor. El año próximo nos esperan más sorpresas, nuevos números y nuevos nombres que, con total seguridad, presentarán sus credenciales para quedarse bajo el telón del gran mundo del circo. ¿Tendremos algún compatriota en Latina próximamente? Os invitamos a intentarlo. ¡Hasta el año que viene! Tabla de premiados Premio

Artista

Disciplina

País

Latina de Oro

Cai Yong

Verticales

China

Latina de Oro

Troupe Khubaev

Acrobacia

Rusia

Latina de Oro

Troupe Vorobiev

Columpio ruso Rusia

Latina de Plata

Four men group

Acrobacia

Bielorrusia

Latina de Plata

Maxim Popazov

Verticales

Rusia

Latina de Plata

Fly to the stars

Trampolín

Ucrania

Latina de Bronce

Men in black

Acrobacia

Ucrania

Latina de Bronce

Rossi brothers

Mano a ma

Italia

Latina de Bronce

Little Angels

Contorsionismo Mongolia

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Crónicas

Cía. Trix.

Carmen con Tortell Poltrona y Montserrat Trías.

su pareja de baile, que le daba todos los detalles del espectáculo.

“La muñeca del espacio” y la nueva temporada del Cric texto y fotos de Laia Gilabert

A estas alturas ya casi todos conocemos a Carmen, “la Muñeca del Espacio”, que se enroló en un circo al pasar por su pueblo, Sitges, y lo dejó todo para vivir de este arte. Pero unos años más tarde, quedó ciega por un error médico. Aun así, Carmen no se deprimió ni se dejó llevar por la desesperación, sino que siguió entrenando y teniendo ilusión por el arte y por el cuidado de su cuerpo, aunque tuvo que abandonar los aéreos. Ahora tiene 84 años. Un homenaje a su figura y su historia abre y cierra la nueva temporada del Circ Cric. Y no es solo principio y final, sino que durante todo el espectáculo hay continuamente referencias y gratitud hacia ella. El domingo 12 de octubre, Carmen estaba sentada en el centro de la gradería de la carpa en Sant Esteve de Palautordera. No pudo ver la proyección sobre su vida que daba vueltas a la carpa sobre una larga tela blanca, ni la cara de emoción del público. Aun así, tenía un acompañante,

Le debió explicar que había números iguales a la temporada anterior: el malabarista Hulon, el doble cuadrante de Quadrinyos, el esmerado número de cuerda volante de Camille Sola, el número de las sillas de Tortell Poltrona y algunas entradas nuevas protagonizadas por él mismo y la Senyoreta Titat. Quizá también le contó que había dos números nuevos, de registro muy distinto: el primero, el de Boris Ribas, un número cómico e interdisciplinario que mezcla técnicas de cable, paralelas y payaso. Gustó mucho en la grada, de donde salían risas que llenaron el espacio. La otra novedad también provocó emoción, comentarios y fuertes aplausos: es la báscula de la compañía Trix, que tras haberla visto en numerosos cabarets, combinados, espectáculos varios y festivales de circo, pasará esta temporada con el Cric en Palautordera. Ya participaron en las sesiones escolares del Crac la temporada pasada y este año han entrado con fuerza en el espectáculo. Acrobacias que dejan al público un instante sin habla y un número visual con una buena técnica que se desprende de uno buen rodaje anterior. Todo eso no lo pudo gozar la muñeca trapecista. Pero tuvo la oportunidad de ser protagonista de nuevo. A mitad del espectáculo hubo una emotiva salida de Carmen. Se había puesto las mallas de leopardo que llevaba y se un mallot a juego. Con un cuerpo envidiable para su edad (y para otras edades) nos sorprendió haciendo espacadas perfectas, ruedas y complicadas posturas gimnásticas. Después bailó un pasodoble con su compañero de baile de Sitges, que es su actual afición, y finalmente Montserrat Trias leyó un poema. Un texto escrito por ella misma, Carmen: triste, muy triste, que no concordaba con el sonrisa y la fuerza que se desprenden de esta señora “mayor” con espíritu bien joven.

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reportaje

Todo Oriolo Entrevista a Oriol Boixader por Oriol Raventós. Fotos de Sheila Del Val

Zrk: Supongo que las condiciones de vida en un circo itinerante son muy duras. Oriolo: La forma de vida es cojonuda. Evidentemente que no puedes ir en una caravana de tres metros de largo, tiene que ser de ocho metros, con su ducha, que puedas ir con tu familia. Estas son las condiciones normales, no puedes ir con menos. Claro, eso quiere decir dinero, un trabajo continuado... Requiere toda una organización, pero lo de vivir en las caravanas es fantástico, con las fiestas que se montan en el campamento, y por otra parte también tienes tu intimidad. La vida en un circo es como un mundo paralelo, con una gente muy abierta, que hablan muchos idiomas y tienen unos conocimientos que el resto de la sociedad ignoramos. Se vive un poco aparte. El problema con el Roncalli es que estaba en el extranjero. Zrk: ¿Y después del Roncalli? Oriolo: Entonces fuimos a vivir a Sevilla (mi mujer es sevillana) y me encontré con que el Circ Còmic se había ido a la mierda después del Fòrum 2004 y que Monti se iba a dirigir el Price de Madrid. Entonces hice dos propuestas a la Junta de Andalucía (que es lo primero que se me ocurrió). Una de ellas fue Restaurante Tú Three, una idea original de Gregor Acuña, de la compañía Clownik de Tricicle, en la qué también participa Xevi Casals. El espectáculo estuvo coproducido por la Marató de l’Espectacle de hace 2 años. Es un espectáculo mudo, cómico, gestual, somos el cocinero, el maître y el camarero de un restaurante y es un poco el típico y tópico de los restaurantes, pero buscando nuestra forma de interpretación. Un bombardeo de gags visuales. Zrk: ¿Y por dónde habéis estado actuando? Oriol Boixader, nombre artístico: Oriolo

El Festival de Pallassos de Cornellà dedicó un monográfico a Oriol Boixader, Tot Oriolo. En él presentó tres espectáculos, posteriores todos ellos a la época en la que estuvo trabajando en el Roncalli. Oriolo: Hace unos 3 años estuvimos en el Roncalli haciendo una temporada entera Monti, Gensi y yo. El señor Bernhard Paul nos dijo que continuáramos y… Trabajar en el Roncalli es el sueño de un payaso, con una orquesta en directo, la música y la iluminación muy bien cuidados, la delicadeza del espectáculo, la sensibilidad y un tipo de público que agradece los pequeños detalles. Yo quería quedarme, pero claro, tengo tres críos y una mujer y no conseguí convencerles para que nos fuéramos a vivir a Alemania y tenía muy claro que sin mi familia no me quedaba.

Oriolo: Un poco por todas partes, pero sobre todo en Andalucía. Hemos estado haciendo intentos de entrar en otras comunidades, pero los circuitos están un poco cerrados y es difícil penetrar. También nos gustaría ir por festivales o al extranjero, pero siendo una compañía nueva y de tres personas, si no has salido en la tele, es complicado. Zrk: Otro espectáculo que estás haciendo es El primer concierto. Oriolo: Quería hacer un espectáculo infantil y trabajar sólo. No había trabajado sólo desde Soy un payaso, que es un poco la semilla de éste, que quedó muerto cuando me fui a hacer Klowns con Monti, hace ya 12 años. El personaje es un director de orquesta loco que tiene la teoría de que cualquier objeto es susceptible de hacer música, sólo depende de tu creatividad. Aprovecho para meter todos los objetos musicales que habíamos usado con Monti, el serrucho, las campanillas, las bocinas, las botellas... El espectáculo lo dirigió Sergio Bustric, que había trabajado con Poltrona y con Comediants. Zrk: También presentas otro espectáculo, Triálogos. Oriolo: Esto ha surgido a raíz de la propuesta de Genis Matabosch de hacer el Tot Oriolo en Cornellà. Tenía ganas de volver a hacer un trío de payasos.

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Cía Extrés (Gregor Acuña, Javier Centeno y Oriol) con Triàlegs

experiencia, sobre todo la mía con Monti & Cia., dónde hicimos una evolución muy grande experimentando en este campo. Con este trío veremos si, además, también podemos hacer propuestas actuales y podemos hablar de los temas de hoy en día. Pero para eso se tiene que tener conocimiento de todas las facetas del payaso, el trabajo con el público, la comedia clownesca (que es como una especie de teatro), la música, la excentricidad, las acrobacias... Zrk: ¡Parece que tengas que saber hacer de todo!

Yo hago de Oriolo, o sea de augusto, y me acompañan un carablanca (Javier Centeno) y un Monsieur Loyal (Gregor Acuña) tipo Paul de los Fratellini, que tira más bien a intelectual seductor venido a menos, con sombrero de copa y frac. Zrk: ¿Así quién es el que hace de serio, el carablanca? Oriolo: A ver, el carablanca puede ser serio, pero en este punto ha habido un poco de vicio del personaje. A lo largo de la historia ha habido payasos carablanca que hacían saltos mortales como François de los Fratellini, que era un carablanca que estaba loco. De hecho, el carablanca viene de la Comedia dell’arte y allí eran acróbatas. Después, en el circo, se ha ido quedando un poco anquilosado manteniendo un papel excesivamente estático. También pasa que la imagen que se tiene del payaso clásico es de una cosa antigua y yo insisto en que el discurso que plantea puede ser actual otra vez. Hemos empezado con entradas clásicas, utilizando nuestra

Oriolo: Eso lo decía el Rogelio Rivel: “Para ser un payaso tienes que haber hecho todo lo que hay en el circo y entonces, cuando eres mayor y no puedes saltar, es cuando puedes ser un buen payaso”. Un poco esto viene a decir que los payasos son la recopilación de toda una vida de circo. Hoy en día, sin embargo, se plantea diferente, están las escuelas de circo y pienso que allí se tienen que estudiar técnicas de circo, porque, a la larga, les servirán mucho. Pero también es interesante hacer escuelas de payaso para especializarse después, como LeCoq o Philippe Gaulier, ya que el payaso es un lenguaje tan complejo que requiere un trabajo intenso durante dos o tres años y un maestro muy especializado. Hay que conocer la parte de enfrentarte con el público, del fracaso personal... Zrk: ¿Y tú qué técnicas has trabajado? Oriolo: Yo he hecho música, acrobacia, malabares, el número de la farola, trapecio... Y, de hecho, en cada espectáculo sale una cosa u otra. Sin embargo, ahora mismo, por el hecho de estar trabajando en teatros, cada día busco más encontrar una pequeña historia, un hilo conductor que justifique o explique el porqué de todo, una excusa que canalice la energía y que al público le suponga algún planteamiento intelectual. En el circo sí que se trata más de hacer un número de cuatro minutos que haga reír y ya está, pero en un espectáculo de una hora es más complicado. Zrk: ¿Qué payasos te han influido más? Oriolo: El primero que me ha influido es Tortell Poltrona, te lo digo claramente, porque yo empecé con él. Había visto a Charlie Rivel de pequeño y me había hecho llorar. Porque la máscara del payaso es una convención y al niño que todavía no la ha aprendido le da miedo. Después empecé a conocer a los mejores payasos, como Charlie Rivel, los Rastelli, George Carl... Actualmente David Larible está muy bien. Vuelve a hacer cosas clásicas y demuestra que hechas con cariño y mentalidad actual vuelven a tener valor. También me gustan mucho Peter Shub y Andrei Jigalov. Me he dado cuenta de que todos ellos y muchos de los que se consideran los mejores payasos del mundo han pasado por el Roncalli, como Fumagalli o David Shiner (que hasta entonces sólo había hecho calle). Es que el Roncalli cuida mucho la parte cómica. Tienen la visión de coger a tíos que son buenos y hacerlos subir. Zrk: Pero todos los espectáculos que estás haciendo son en teatro. ¿No se podrían hacer en la calle o en carpa?

Restaurant Tu Three.

Oriolo: No es que lo prefiera así, pero en este periodo no me he planteado hacer calle, aunque he hecho mucha. De hecho, el circo es un poco como la calle. ¿En la calle lo que haces es un corro de gente, no? Pues el circo no es nada más que la calle tapada con una lona por si llueve. O sea que

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para mí trabajar en el circo es un poco como la calle. Trabajar en un teatro haciendo espectáculos de una hora es muy difícil, te quita fuerza, pide más genialidad. Normalmente, un payaso en una hora quema el personaje, aunque haya habido gente como los Rivel, los Rastelli o Peter Shub que lo han hecho muy bien. Yo creo que el sitio donde tendría que vivir el payaso es el circo, porque éste es su hábitat natural y combina con un espectáculo que le da sentido y justifica todos sus actos. Yo todavía tengo la esperanza de que en ocho o diez años haya tres o cuatro circos por España con una categoría lo bastante importante para que permita a los payasos tener las condiciones de trabajo adecuadas. Pero hoy en día es muy complicado, lo digo por experiencia propia, por cuándo quisimos sacar adelante el Circ Còmic con Monti y Ricard Panadès. Zrk: ¿Cuál es el problema? Oriolo: Por una parte el público. Al haber habido tantos años de abandono y degradación del circo en carpa, es muy difícil volver a atraer a la gente. La publicidad se tiene que hacer con otro planteamiento, invertir mucho dinero. La imagen es muy importante. Lo ha demostrado un poco el Soleil. Cómo no hagas como Enrico y Ricard, que ya se habían chamuscado una vez... Ahora con el Circ Ozó tienen una carpa de puta madre, iluminación, calefacción... Todos los ingredientes para que funcione. ¿Y eso qué quiere decir? Pues pedir muchas ayudas. Espero que el Circ Ozó sea un buen sitio para trabajar. También creo que se tendría que hacer un esfuerzo institucional bien asesorado por cambiar la imagen que se tiene del circo. Zrk: Tú has estado en varías iniciativas en carpa en nuestro país, como el primer Circ Cric. Oriolo: Yo estaba en el Cric Cric antes de que tuviera una carpa. Teníamos unas cortinas y una pista redonda que hicimos nosotros mismos. Yo estuve por tres o cuatro años, después continuaron como pudieron hasta que se acabó. Y tuvo que pasar mucho tiempo para que Poltrona se pudiera reponer y volver a tener una carpa, unos 12 años. Y aun así, ha vuelto a dar un frenazo, porque es muy difícil. Por otra parte, las grandes familias de circo son muy grandes, si uno flaquea, siempre hay otro detrás, y nosotros no tenemos eso. En circos en carpa, también he trabajado en el Mundial, pero allí como payaso estás un poco limitado a hacer las entradas entre números. En el Raluy sí que puedes hacer estas cosas, es un circo familiar, pero en cambio peca de ese ambiente con una luz tan tenue, esa parquedad de medios. También he estado en el Circo Cardenal, en Canarias, en el Cardinale de Portugal, con la familia Cristiani, y en el Circ Perillós. Zrk: Otro formato que parece que empieza a despuntar son los cabarés, como combinados de circo. Oriolo: También he estada en cabarés. Este verano, por ejemplo, con una compañía de Granada en la Expo de Zaragoza, donde también estaban los Excéntricos, que comentaban que habían estado en Estados Unidos haciendo una gira sólo actuando en galas. Aquí no puedes hacerlo. En Alemania lo llaman variétés, el mismo Roncalli tiene algunos fijos en algunas ciudades. La gente va a cenar y ve un combinado de circo con música, y funciona en toda Europa. Aquí es una cosa que murió en los años 40 y no ha resucitado nunca más, aunque ha habido varios intentos. Se hacen en toda Europa, el único sitio donde no hay es aquí. Es otra cosa a recuperar. Zrk: Para terminar, ¿qué proyectos tienes para el futuro? Oriolo: Tengo otro proyecto de payasos con entradas propias, pero hacerlo sin prisas, para ir teniendo muchas ideas y descartar algunas. Por otra parte, estoy deseando que salgan más circos en España y poder trabajar en condiciones y al mismo tiempo poder continuar haciendo teatro.

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reportaje

Circo Wonderland, 30 años en ruta por Miquel Moreno

Tal y como está actualmente el panorama circense de corte más tradicional en nuestro país y las dificultades que representa llevar una ciudad ambulante a cuestas, que un circo cumpla 30 años es algo a tener en cuenta y dar a conocer. Así que, señoras y señores, con todos ustedes ¡el Circo Wonderland! Las Kinottos. Foto: Payaso Enrico

P

ara recibir información de primera mano nos fuimos a la ciudad de Sabadell, para hablar con el director de esta gran familia italiana, el señor Lucetto Macaggi. Los orígenes de la familia Macaggi los encontramos en la figura de Domenico Dante Macaggi, estudiante de medicina. Nacido aproximadamente en 1870, un buen día se enamoró de la artista de circo Virgina Gambarutti, lo que resultó en un matrimonio que, con sus cuatro hijos, iniciaron una nueva dinastía dedicada por completo al arte de la pista. La cuarta generación de los Macaggi, los hermanos Lucetto, Alfio, Angly y Nerina fueron los fundadores del Wonderland, junto a tres miembros de otra saga italiana emparentada con ellos, Berto, Vittorio y Pasquale Forgione. Un gran núcleo familiar cuyos miembros, antes de emprender su andadura como empresarios, trabajaron en los mejores circos: Knie, Krone, Orfei, Schumann…, presentando tres números: báscula, percha a cuatro y saltadores. Con esta última especialidad participaron en el Festival de Montecarlo en la edición del año 1977. El Wonderland nació en Italia en 1978 y tras varios meses recorriendo su tierra natal, decidieron cruzar fronteras, debutando en mayo del 79 en la feria de Olot (Gerona), de la mano del señor Alejandro Bañuelos Cortés “Marialex”, con el que estuvieron en sociedad 13 años. Los Macaggi fueron de las primeras familias italianas cicenses con material propio en afincarse en España, luego les seguirían Faggioni, Rossi, Zoppis…

El nombre del circo lo tomaron de un cómic editado en los años 60 en Italia, Diabolik. En una de las viñetas aparecía una majorette con un cartel que anunciaba “Circo Wonderland”. Ese nombre les pareció oportuno y con él se han quedado para siempre, pues a diferencia de otras empresas, que han ido cambiando de nombre, ellos se han mantenido fieles a sus orígenes. La decisión de venir a España fue, en parte, por la gran cantidad de circos que existían en Italia. Tenían demasiada competencia y, por otro lado, las buenas referencias de lo bien que podrían trabajar en nuestra tierra. También es verdad que ellos ya conocían nuestro público al haber formado parte del elenco de artistas del circo italiano del señor Leonida Casartelli. Traído por los empresarios Amorós-Silvestrini, el material de Casartelli debutó en abril de 1958 en tierras catalanas como Circo Aurora para al año siguiente cambiar a Coliseum, regresando a Italia en 1960. Desde su llegada en el 78, pocas veces han vuelto a visitar otros países, salvo en contadas ocasiones para realizar cortas estancias en Marruecos, Israel, Portugal o Isla Reunión. La verdad es que están muy agradecidos a nuestro público, que siempre los ha recibido con los brazos abiertos en todas las ciudades donde han trabajado. Para ellos, uno de los secretos ha sido ser fieles a sí mismos, sin querer engañar a la gente recurriendo a falsos reclamos publicitarios, preocupándose por dar una buena imagen en todos los sentidos, material, empleados… Un circo tradicional que

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La carpa del Wonderland. Foto: Payaso Enrico

lucha día a día por presentar un espectáculo digno que agrade a todo el mundo. Durante sus tres décadas de vida han pasado por su pista grandes artistas: el domador Taras Bulba, los Tonito, Ivanof, los animales de Togni, Angel Cristo, Gaby, Fofito y Rody…, además de todos los miembros de la familia Macaggi-Forgione, que siempre han constituido el núcleo de los espectáculos, al tratarse de un circo familiar. En los últimos cuatro años han concentrado su ruta en la geografía catalana, aunque lamentablemente reconocen que posiblemente a partir de ahora cambien su destino al ser cada vez más caro y en condiciones poco favorables poder instalarse en las plazas. Además, hay que sumarle la dificultad añadida de la ya conocida problemática de trabajar con animales y otros factores de los cuales ya hemos hablado en varias ocasiones en nuestra revista. Actualmente disponen de tres materiales, siendo la carpa de 36 metros de diámetro con capacidad para unos 1.160 espectadores la que suelen

utilizar más frecuentemente. Una curiosidad es que desde el principio han trabajado con carpas decoradas con rayas blancas, rojas y azules. Más de 40 camiones y roulottes componen la caravana de esta gran familia circense en la que conviven más de 70 personas entre técnicos y artistas. Desde aquí agradecer la amabilidad de Nestor Forgione, Lucetto y Scilla Macaggi, por habernos abierto las puertas de su circo. Muchas felicidades a todos los componentes de la familia Wonderland por el aniversario y que cumplan muchos más.

Nuevo espectáculo Estas Navidades estrenan en la plaza de toros de Valencia, donde llevan instalándose tres años consecutivos. Participan en él grandes artistas, destacando a los Goty, aportando la nota de humor fino y de calidad. También están The Saabel Family ofreciendo varios números de animales: caballos, osos y perros; los Granadeiros, en la rueda de la muerte; Mustafa Dancer y sus ejercicio en el trapecio; Pavel’s Valabertini con los monociclos… Todos ellos junto a otros artistas, incluidos, claro está, los del clan familiar de los Macaggi-Forgione, ofrecen un variado y entretenido programa circense con el que celebran sus 30 años en España. Una gran familia que ya va por su sexta generación y que seguramente seguirán la tradición, pues Alfio Macaggi, a sus once años, ya presenta un más que correcto y bien ejecutado número de malabares con pelotas de rebote. Habrá que seguirle la pista, pues apunta buenas maneras. M.M.

El joven malabarista Alfio Macaggi. Foto: Miquel Moreno

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Reportaje

Los

mayores

circos navideños por Enys Faggioni. Fotos de Payaso Enrico

La Navidad en el mundo del espectáculo es la época más importante y prolífera del año, en la que circos, teatros y salas de fiestas ponen toda la carne en el asador para cautivar al máximo de clientes posible. andaluces, y los reconocidos trapecistas Flying Souza, de Brasil, que invaden la cúpula del circo con sus saltos y acrobacias. En la gran pista helada, las simpáticas y divertidas focas de la familia Muñoz y un largo etcétera de atracciones internacionales. Se trata de un espectáculo de circo puro y tradicional de una categoría muy buena, con una duración total de dos horas y veinte minutos, de la que la empresa del Circo Americano y sus colaboradores pueden sentirse orgullosos. Con espectáculos como el de Aladino y Las mil y una noches, el distinguido público madrileño puede decir que tiene circo del que se escribe con letras de oro.

Las dos pistas del Circo Americano

1. El Circo Americano de la familia Faggioni es una enorme embajada circense, entre los diez mayores circos del mundo. Instalado en la famosa plaza de toros de las Ventas de Madrid, ha creado para la campaña navideña una producción circense muy ambiciosa: el gran circo sobre hielo con la fantasía de Aladino y Las mil y una noches. Para el presente montaje se han mandado fabricar un total de 150 trajes de una categoría digna de los mejores music hall. Entre las muchísimas novedades que se cuentan en el nuevo espectáculo está la joven Denise di Lello, que canta en directo y con su espléndida voz participa en las diferentes coreografías sobre el hielo. El interior de la carpa pasa de tener tres pistas a tener dos: una tradicional para los números aéreos y ecuestres y la gran pista de hielo para las coreografías de patinaje artístico. Otra de las grandes novedades y máximas estrellas del espectáculo son: la troupe Eshimbekov (Kyrgyzstan) acróbatas a caballo, con número galardonado en diferentes festivales circenses, como el de Massy en Francia o el de Bucarest en Rumaní. Estos excelentes artistas también realizan un espectacular número de alambre alto en el que llegan a componer una columna humana de tres a doce metros de altura. La risa y el buen humor viene de la mano de los célebres payasos italianos Folko y de Gessi y Sydney, un clásico de los espectáculos del Gran Circo Americano. No podían faltar los elefantes hindúes de la casa, presentados por Eros Faggioni; el gran rinoceronte blanco; el número de tigres y leones juntos en la misma gran jaula; la caballería de siete caballos árabes y

Pero el Gran Circo Americano no acaba aquí: su segunda unidad se instala cada Navidad en la bella ciudad de Valencia, este año con una nueva ubicación, ya que se encuentra frente al palacio de las Artes Reina Sofía. Trae a una compañía de artistas cubanos, nada más y nada menos que un total de 28 artistas de la Escuela Nacional de Circo de Cuba, un auténtico derroche de arte y folklore del circo tropical. Asimismo, entre las grandes novedades de este espectáculo, totalmente inédito, cabe destacar a la orquestra, con música en directo, con un total de nueve músicos, algo que en Valencia no se veía desde hacía años. Entre los números más sobresalientes está la espectacular troupe de trapecistas, las equilibristas mano a mano, el show de mástiles a gran altura y la comicidad de los payasos, también artistas cubanos; aires nuevos de comicidad. De los tradicionales números de la familia, están el de siete tigres reales de Bengala y la caballería de ocho bellísimos ejemplares de caballos píos americanos. Un bravo por la familia Faggioni y por sus espectaculares producciones.

2. Por la pista y las cúpulas del Circo Mundial, empresa fundada en 1978 por los hermanos Rafael, Fernanado y Jose María González Villa, han pasado los mejores artistas y atracciones mundiales. Por ejemplo, la troupe de trapecistas coreanos de Pyongyang, ganadores de seis Clowns de Oro del festival de Montecarlo; Miss Mara; Coronel Joe, el elefante gigante del estadounidense circo Bargas; Ursula Boettcher y sus osos polares, y un sin fin de atracciones que han elevado este circo a lo más alto de los podios circenses españoles y europeos. Pues este año, para la Navidad madrileña, el señor don José María González y colaboradores han preparado un espectáculo con letras mayúsculas. Los espectadores que visiten el Circo Mundial instalado junto al centro

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Richard Faggioni, domador de cocodrilos. Número de cable de la Troupe Eshimbekov.

comercial La Vaguada (avda. Monforte de Lemos), podrán admirar, entre otros, al espectacular grupo de fieras del célebre circo de Moira Orfei, que cede su show para que el publico de Madrid pueda admirar bellísimos tigres reales de Bengala, feroces leonesas y, con carácter de acontecimiento mundial, la única pareja de león y leonesa blancos que se puede admirar en los circos, un prodigio de la naturaleza, una pareja que hace espectáculo. El programa es de gran calidad, desde los Hermanos Tonitos, con sus intrépidos números de trapecios volantes con la única mujer en Europa que realiza un triple salto mortal, o el sin igual show de cama elástica, hasta el formidable payaso Charlie Carletto, la alta escuela ecuestre con caballos de la ganaderia Peralta, las focas de los Borcani, la troupe de acróbatas chinos de Shenyang, triunfadores en la edición 2008 del Festival Internacional de Circo de Montecarlo, en la que fueron galardonados con el Clown de Plata. También destacan la troupe Bel Stars, estrellas del circo de Bielorrusia, que dejan al publico sin aliento con sus acrobacias en báscula rusa, llegando a realizar un cuádruple salto mortal, al límite de lo imposible (estos excelentes artistas actuarán posteriormente en el Festival Internacional del Circo Ciudad de Valencia). Asimismo, se puede ver a la magnifica manada de cinco elefantes del Mundial, presentados magistralmente por el británico Lee Anthony, y el magnífico número de cocodrilos presentado por Lacey Kara Khawak, tercera generación de la celebre familia de adiestradores de reptiles; también el dúo Sidelnikov, extraordinarios artistas rusos, tiene un puesto de honor en dicho espectáculo: con su espectacular trapecio doble, la cúpula del circo se viste de gala para tener, a ocho metros de altura, poesia y riesgo. La segunda unidad del circo Mundial, como es tradicional desde hace casi tres décadas, se instala en Valencia, en el cauce del rio Túria, entre el Pont de les Flors y el Pont de Calatrava. En dicha unidad ve la luz el III Festival Internacional del Circo Ciudad de Valencia. En esta producción, actuan atracciones de la talla del dúo Garcia, acróbatas aéreos en un cohete espacial; Catherina y Dominique Gasser,

con su magistral número de leones y leonesas; Mister Niuman con su caballería; la sirena en aro aéreo olímpico Miss Laura Miller, ya triunfadora en otros festivales como el de Montecarlo, con su espectacular número en el que fuego, vuelo y agua se mezclan para crear arte. La comicidad tiene estas navidades en Valencia un cartel de lujo con el inigualable Suso Clown, Premio Nacional de Circo en 2003, o el trío de payasos parodistas musicales Gari, Montxo y Joselontxo; el dúo de lanzadores de cuchillos y hachas a gran distancia los Revolution, o la estrella aérea del dúo Engels, artistas consagrados en el circo Beto Carreiro de Brasil. Importantes son también la joven artista brasileña Miss Melisa, actualmente la número uno de las acróbatas a las telas, y el joven Richar Faggioni, el hipnotizador de cocodrilos y caimanes más joven del momento, con tan solo 25 años de edad. Presenta la colección más grande de dichos reptiles y es el único que realiza ejercicios como pasar su mano por el interior de las mandíbulas de sus cocodrilos o introducir su cabeza en el interior de uno de sus ejemplares sin ningún tipo de protección. Un año más habrá una hermosa competición de una de las mejores compañías a nivel europeo para hacerse merecedores de los tan preciados premios: Naranja de bronce, plata y oro o el premio a la memoria de José María González Júnior, el ángel de la guarda del gran Circo Mundial.

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Reportaje

Cabaret! por Cesc Martínez y Laia Gilabert

Se anuncian en todas partes, en muchos municipios y atraen a una cantidad creciente de público. Cualquier lugar puede ser un cabaret: un bar con escenario, un teatro, una carpa de circo, las naves de antiguas fábricas... Últimamente, la fórmula del cabaret de circo se ha extendido y está teniendo tanto éxito que puede que ya no sea una simple cuestión de dos géneros escénicos que se retroalimentan, sino, quizá, el formato preferido para investigar, crear y relacionarse con un público nuevo (generalmente adulto).

En La Makabra se juntaban muchos artistas y mucho público para ver los cabarets. Foto: Laia Gilabert

El cabaret, el music-hall, las variedades, la revista..., con connotaciones distintas, designan un tipo de local o de espectáculo popular hecho de varios números, retales. Puede que la época dorada de este tipo de entretenimiento acabara pasados los años cuarenta del siglo XX, con las guerras y las posguerras y las guerras frías. El Paralelo ya no volvió a ser lo que había sido entre el cambio de siglo y los años treinta. El Petit Moulin Rouge pasó a llamarse El Molino y la mayoría de espectáculos se volvieron más chabacanos y más en sintonía con la estética del régimen. Berlín, una de las grandes capitales del music-hall, había sido arrasada y dividida, y muchos de sus artistas, tras pasar por París y Londres, ahora trabajaban en Broadway o en Hollywood. Pero nunca ha desaparecido. La fórmula de la cena espectáculo, o del espectáculo y copa, se ha mantenido y se ha ido actualizando y adaptando a los gustos de la gente. La película Cabaret (del 1972, dirigida por Bob Fosse, con Lisa Minelli, ambientada, precisamente, en los cafés concierto de los años treinta en Berlín) tiene bastante influencia. Tienen un pie en la música y el otro en algunas especialidades de circo, sobre todo acrobacia, equilibrios, juegos malabares y payaso, pero también se puede ver teatro de objetos, intervenciones de poetas, ilusionismo...

Al igual que en los combinados de circo de Nou Barris, que son uno de los antecedentes más inmediatos de esta movida en Barcelona, actúan varios artistas que presentan algunos de sus números y se intenta proponer un hilo conductor. En el caso de los cabarets, siempre están los presentadores, que son más bien conductores ya que no presentan exactamente los números, sino que siguen la historia que se va desarrollando en los entreactos. (Esta figura, que suele ser teatralizada, también tiene su raíz en los espectáculos de variedades de los años veinte del siglo pasado.)

Circo alternativo Actualmente, cabarets, se hacen en muchos lugares, pero lamentablemente hay pocos estables. El Teatre de la Riereta es uno de los que tiene cabaret regularmente, pero la mayoría se mueven en un ambiente libertario y underground, y ocasionalmente en algún teatro oficial pero de pequeño formato. Las fiestas de titiriteros y poetas del Taller de Marionetas de Pepe Otal se han convertido en ambulantes —provisionalmente—, pero también se han hecho más visibles. Muy de vez en cuando, el Espai Escènic Joan Brossa monta algunas variedades de artes parateatrales siguiendo la huella dejada por Brossa, pero el último, para celebrar el cumpleaños de profesión del titiritero Jordi Bertran, fue hace dos años, y a la salida

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El Ballet de bombillas de Eleazar Fanjul “Balta”, entre el teatro de objetos y los malabares, actuó en el Cabaret Ambulat en el Coluche.

algún cabaret esporádicamente, y ahora vuelven a hacer bastantes, en distintos espacios.

Espectáculo contemporáneo

todo el mundo comentaba que se deberían hacer más. En la sala que la asociación Rai (Recursos de Animació Intercultural, una agrupación asamblearia e independiente) tiene en la calle Carders de Barcelona, también habían hecho. Donde posiblemente se supo aprovechar mejor la idea fue en la Makabra. En este Centro Social Okupado, empezaron a hacerse cabarets a los que cada vez acudía más gente. Poco a poco empezaron a ser más frecuentes, hasta el punto que solía haber por lo menos un al mes, a veces más. Alguna vez se habían tenido que repetir cabarets dos días consecutivos porque la gente no cabía. Había muchísima. La necesidad y las ganas hicieron que, en abril de 2006, un grupo de artistas de todos los ámbitos de la creación okupara el Teatre Arnau, en el Paralelo. Fueron desalojados a las pocas horas. El gesto era simbólico porque el Arnau había sido el último cabaret superviviente de los años dorados. El teatro sigue en estado de abandono. Después de eso y del desalojo de la Makabra a finales del mismo año, la cosa se enfrió un poco, pero poco a poco algunos de los antiguos ocupantes de la fábrica volvieron a organizar

Otro núcleo importante de esta efervescencia ha sido Mataró, la asociación (asamblearia) Cronopis y espacios (okupados) como La Fibra y Can Fàbregas. Alba Sarraute, vinculada a Cronopis y responsable, entre otros, del Cabaret Ambulant, afirmaba: “Ya es hora de que el cabaret salga del underground y que pasa a un circuito abierto. Que se profesionalice. ¡Público hay! ¡Y mucho!” La dificultad, sin embargo, está en conseguir el equilibrio entre la proximidad entre público y artistas, crear ese ambiente tan distendido, y que sea menos amateur, más de calidad. Alba Sarraute, en los cabarets que organiza, suele conseguirlo. Y lo hace, como otros, siguiendo la vieja fórmula del espacio de café teatro, con música en directo. “Todo eso también viene de Argentina”, dice. “Muchos de los artistas que trabajan son argentinos, y allá eso se hace mucho.” Sea como sea, estos montajes no son fáciles de preparar, ya que están muy cuidados en cuanto a la decoración, el ambiente general, los detalles... Cada vez más, también hay comida y bebida, un espacio para el bar, una práctica que ya empezó en la Makabra; hay un grupo de gente que se ocupa exclusivamente de la cocina y que vende comida y bebida. La entrada, si no es gratis, tiene un precio simbólico si ha habidos gastos extraordinarios. Nunca, sin embargo, para la contratación de artistas, ya que las personas que lo montan suelen ser las que actúan. Cambian los números, pero los grupos de artistas son más o menos estables y es poco frecuente ver trabajar a desconocidos. Y se cierra el círculo: o profesionalizarse o encerrarse. La calidad y la imaginación están ahí.

El Cabaret Coluche, en el Circ Cric, en Sant Esteve de Palautordera. Foto: ZRK

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el circo en las artes

El circo sentido, el circo pintado (A propósito de Miró)

Diseño de Joan Miró para la cubierta del libro de H. Miller.

por Joan Maria Minguet

de la alta cultura, fue toda su vida un apasionado de la cultura popular, desde el cine hasta los bailes populares, desde la pintura anónima de las calles a la vida nocturna de las grandes ciudades. También fue un conspicuo espectador de circo. Y, lo que resulta más interesante, trasladó este interés por el lenguaje circense a su obra en varias ocasiones, con una lectura o reinterpretación del circo especialmente interesante. No es extraño que, desde el siglo XIX, los pintores se aproximen al circo y lo tomen como referente para sus obras. La lista de nombres en la historia del arte que lo hicieron es muy larga (Tolouse-Lautrec, Degas, Renoir, Picasso, Rouault...); volveremos a eso en otra ocasión. Pero lo que hace más interesante el caso de Joan Miró es que, por una parte, como espectador disfrutaba con toda la ingenuidad y sencillez del espectáculo circense. Ved, si no, las fotografías de Jesús Atienza del número anterior, en las que el artista se “moría de risa” en un espectáculo del Circ Cric del año 1981. O la fotografía de aquella misma función que acompaña este texto, en la que vemos como el artista sigue atentamente las evoluciones de Tortell Poltrona transmutado en personaje de Shakespeare. Por el otro lado, sin embargo, cuando llevaba esta experiencia a sus telas, sabía alejarse de ella, conceptualizaba el circo en una serie de formas, signos pictóricos que cuadraban a la perfección con su propia trayectoria.

Joan Miró es un pintor que no nos lo acabaremos nunca. Es uno de los nombres del arte del siglo XX objeto de más revisiones y homenajes. En pocos meses de diferencia, ha habido dos exposiciones muy interesantes sobre su obra: una en el Museo Thyssen de Madrid; otra al MOMA de Nueva York. Además, la Fundació Joan Miró de Barcelona prepara una serie de actos con motivo del vigesimoquinto aniversario de su muerte. Y se anuncian nuevas publicaciones y exposiciones que nos permitirán comprender mejor su obra, aunque sea para rebatir —en mi opinión no será para corroborar— aquella posición que rechaza la obra mironiana por un exceso de facilidad, o de ingenuidad.

Se podría decir que todos los artistas, cuando pintan el circo, lo conceptualizan. Y es cierto de forma general. Sin embargo, Miró, además, lo poetiza, se aleja de su experiencia de conjunto y concreta su visión pictórica del circo en formas mínimas, en detalles aparentemente insustanciales. La serie de los caballos circenses que hace a mediados de los años veinte nos lo muestra: en uno de los cuadros, el caballo es representado como lo haría un niño pequeño, podemos percibir aunque sea vagamente el caballo del título. Pero en otra pieza, este caballo casi ha desaparecido del todo, se ha vuelto un signo esquemático, propicio al alfabeto pictórico que el artista fue construyendo a lo largo de su obra. Por otro lado, hay líneas y manchas que podemos interpretar como la fusta del domador, o como el cajón de pista, pero nunca podemos estar completamente seguros. La pintura sugiere, nunca cierra ninguno de los posibles sentidos. Este mecanismo de poetización de su experiencia como espectador de circo lo llevó a realizar otras obras. Como la magnífica pieza Acrobate au jardin de nuit (1948). O como las ilustraciones que realiza para acompañar esa pieza literaria de altos vuelos sobre el circo que es La sonrisa al pie de la escala, de Henry Miller. Para Miró, que había convertido la escalera en uno de los motivos iconográficos más constantes de su imaginario visual, debió ser un placer aplicarlo al mundo del circo, a la historia del payaso Auguste, que Miller sitúa, en las primeras líneas de su relato, “al pie de una escalera levantada hacia la luna”.

No sé cuánto sea conocido que Miró, a pesar de moverse en en el terreno

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Joan Miró en el Circ Cric. Foto: Jesús Atienza

En todas estas ilustraciones, en todas las pinturas o esbozos que he citado hasta ahora, y en muchas otras obras que hay que dejar en suspenso, se produce un mismo fenómeno: los referentes circenses de Miró se diluyen en el proceso de creación de sus pinturas. El espectador pierde aquellas referencias, pero ve formas y colores vivos, intensos. Y puede captar preclaramente la aguda sensibilidad de un artista que siente el circo como nadie; un artista que, mediante formas y colores, ha sabido trasladar la plenitud del circo, lo que Henry Miller, una vez más, definía así: “El circo es un pequeño ruedo de arena cerrado, apto para el olvido. Durante un tiempo más bien breve, nos permite no pensar en nosotros, disolvernos en la admiración y la felicidad, ser transportados por el misterio.” El misterio del circo y el misterio de la pintura conjugados por medio de unos de los artistas más visionarios (y más incomprendidos) del siglo XX. Pero no quiero insistir más en eso. Tampoco quiero dejar de recordar otros lazos de Joan Miró con el circo. Por ejemplo, sabemos que Miró fue espectador de una de las actuaciones del legendario malabarista Rastelli en el teatro Novedades de Barcelona en el año 1922. Lo sabemos porque el crítico de arte y de las artes del espectáculo Sebastià Gasch, gran amigo del artista, en el primer artículo que publicó, dedicado precisamente al pintor, rememoraba una tarde de circo que habían pasado juntos Joan Miró y él, en la que habían podido admirar como “los instrumentos de Rastelli dibujaban en el espacio precisos arabescos”. Por otro lado, Miró fue uno de los máximos impulsores de las representaciones en Cataluña del “circo más pequeño del mundo” que Alexandre Calder realizaba a partir de la amplia gama de figuras de alambre que él había manufacturado, emulando a los personajes de la pista circense. Calder visitó Barcelona en otoño de 1932 y, gracias a su amistad con Miró, congenió con una serie de personajes alrededor de la agrupación ADLAN (Amics De L’Art Nou), que entonces luchaban por la modernidad cultural de Cataluña. En el mes de septiembre de 1932, Calder presentó en los locales del GATCPAC, en el paseo de Gràcia de Barcelona, su circo escultórico. Y unos días antes ya lo había hecho en Mont-roig, en la masía de Miró, para la familia del pintor y vecinos. En febrero de 1933 aún volvería a hacer una representación de su circo a Barcelona y, además, enseñaría una serie de dibujos en las Galeries Syra.

A nadie le puede extrañar que Miró se sintiera cautivado por aquellas funciones circenses del escultor norteamericano. Sebastià Gasch recogió sus impresiones sobre aquellas representaciones del circo en miniatura de Calder: “Este escultor americano ha aislado del circo sus elementos más característicos: el hombre más fuerte del mundo, el ecuyère, el domador, el hombre que se traga sables, el danzarín de cuerda, los trapecios volantes, el crottin, los ruidos, los silencios: la música que enmudece durante los ejercicios peligrosos, etc. Y con todo eso ha hecho una síntesis definitiva del circo. El arquetipo. La quintaesencia. El purismo del circo.” Este purismo debió de hechizar a Miró, el pintor que evocaba un circo poético, metafórico, en sus telas. Finalmente, no podemos pasar por alto que el compromiso de Miró con el circo se extendió hasta el final. Para nada es casual que, como ya he escrito, fuera uno de los intelectuales más comprometidos para dar apoyo a la salida del Circ Cric en los primeros ochenta. Él y la fundación que creó en Barcelona mostraron una firme defensa de la renovación circense que representaba el proyecto de Tortell Poltrona. Jaume Mateu me decía un día que, en aquel período, Miró le había dicho más de una vez que si pasaba por su estudio le haría un cartel para el Cric. El cartel no llegó a hacerlo, pero el circo sentido, pensado y pintado por Miró existe. Desde el Rastelli que vió en 1922 en el Novedades hasta el espectáculo del Cric de 1981, el circo que vio Miró nos llega pasado por el filtro de sus signos, de su pintura.

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Circo Méliès

El orígen circense del cine por Javier Jiménez Fernández

na mágica solamente en Estados Unidos. Durante 250 años, la linterna mágica fue el espectáculo visual por excelencia y su versatilidad ya presagiaba el gran poder comunicativo que tienen las imágenes: de hecho, las iglesias y las escuelas fueron de los primeros en utilizar el mágico e inocente invento. Vemos que en la era del precine ya existía esa alianza que se mantiene sólida hasta finales del XIX y comienzos del XX, cuando el cine se define y consolida definitivamente naciendo lo que hoy llamamos el séptimo arte. Las primeras salas que apuestan por el cinematógrafo son barracones de feria, salas de espectáculos o circos estables. En Madrid, las primeras representaciones de este nuevo invento se realizan en el Circo Parish. Podemos decir que el circo proporciona al cine: - La red de distribución y expansión con los artistas y compañías ambulantes que lo transportan a través de distintos continentes. - Los establecimientos, tanto ambulantes como estables. - Los empresarios del espectáculo con ese ojo tan especial para encontrar atracciones; “imanes de público”, fueron los primeros en vislumbrar las inmensas posibilidades de este nuevo arte y en apostar su fortuna o su ingenio en el intento. Portada de la revista Mon Film, nº 384, 30 de diciembre de 1953. Betty Hutton en la película de Cecil B. De Mille. Colección: Circo Melies

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n uno de los primeros libros sobre circo escrito en español que cayó en mis manos, Homenaje al circo, un catálogo de una exposición de obras de arte relacionadas con el circo organizada por el Banco Bilbao, hay un capítulo titulado “Circo y cine, de la mano”, del crítico de cine Manuel Pagola, que me sirvió como punto de partida para mi reflexión sobre cine y circo y que puede considerarse el germen de Circo Méliès. El breve capítulo, completado con una lista de películas, me despertó la curiosidad y me facilitó el titular de mis primeras disquisiciones acerca de la relación entre los dos artes: el cine nace de la mano del circo. Ya no iban de la mano solamente. No es que fuesen juntos como colegas de igual a igual, el circo era mucho más viejo y tenía una gran experiencia…, de la que se sirvió el cine. Esta leyenda se ha ido radicalizando con el tiempo, al contrario que, desgraciadamente, el resto de mis ideales. Cuanto más conservador me volvían los años, más radical me volvía con respecto al cine y al circo. Y el lema, equitativo y políticamente correcto, de “el cine nace de la mano del circo” se convierte en el explosivo “el cine nace porque existe el circo”. O en el más subversivo “el cine se lo debe todo al circo”. El circo, los artistas y empresarios de espectáculos son los primeros aliados de este nuevo invento. Y de casi todos los inventos que anteceden al cinematográfico. Hacia 1895, justo cuando se gestaba el nacimiento del cinematógrafo, se estima que habría 50.000 shows diferentes de linter-

- Y el público. Un público especial, como casi todo lo que acontece en ese cambio de siglo. Una época en la que se puede decir que se pierde la inocencia, la historia se precipita de la mano de los nacionalismos, un prólogo que lleva a la 1ª Guerra Mundial. Un público que, por primera vez, vive y se concentra en ciudades donde nacen nuevas formas de entretenimiento y consumo de masas. Algunos anfiteatros y circos estables tenían una capacidad de hasta 5.000 localidades, cosa difícil en nuestra época. Un público que busca y siente más lo efímero y lo transitorio. Los primeros actores, también el cine los roba, o los toma prestados para siempre, del circo. Tanto los anónimos como las grandes estrellas de principios del XX. Los primeros son incontables. Son muchos los rollos de películas con artistas que no aparecen en los créditos: contorsionistas, troupes orientales, acróbatas sobre caballos, mujeres bailando mientras muerden una silla, un striptease sobre un trapecio, artistas de variedades con una habilidad especial como escribir al revés o introducirse en un pequeño cilindro. A medio camino entre los anónimos y las grandes estrellas, tenemos a Sandow, “el hombre más fuerte del mundo”, mito de los culturistas de hoy día; a Carmencita, con su original baile flamenco; al trapecista Caicedo; a la familia de acróbatas Kremo y a Serpentina, con su baile de tules y pétalos; al genial malabarista Cinquevalli, King of Jugglers, con sus equilibrios imposibles; o al también malabarista Joe Cook, de descendencia española y apellidado López, que desde la pantalla nos vende una lección de cómo hacer malabares.

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El lema equitativo y políticamente correcto de “el cine nace de la mano del circo” se convierte en el explosivo “el cine nace porque existe el circo” o en el más subversivo “el cine se lo debe todo al circo”

Foto de cartelera de la película King of the Circus (18 minutes, 1935), de Monty Banks Colección: Circo Méliès

Y en el otro extremo están Charlot, Buster Keaton, Fatty Arbuckle y otros muchos que inician el star system. Pero además, el circo proporciona: - El ímpetu y la imaginación de muchos artistas que usan el cine para maravillar en sus espectáculos (Robertson, George Méliès, Fregoli, Segundo de Chomón, etc.). - El escenario: la caravana, el camino, el campamento, la carpa, los circos estables, la feria... Es una ambientación ideal para una venganza, para un amor imposible —la écuyere, la trapecista, la joven principiante a la que están salvando de una vida de pobreza…— - La trama: celos en el trapecio, tragedias, fuegos, caídas, accidentes, el

peligro de que suceda cualquiera de estas cosas. El circo es la localización ideal para enseñar el lado más turbio de la vida y, por otro lado, el más colorista, el más kitsch, puede ser el espacio más claustrofóbico para mostrar la tragedia interior de un payaso o el más ligero e idílico escenario de las andanzas de un simpático huérfano, amigo de las bromas, que tiene como único aliado un payaso introspectivo… No queremos quitar mérito a los Hermanos Lumière, ni a George Méliès, ni a Edison, ni a tantos otros anónimos directores de las primeras películas de la historia. Al contrario, queremos descubrir su faceta más circense, su alma de payaso, su acrobático atrevimiento y su audaz triple salto sin red. No lo podía tener más fácil el cine para hacerse un hueco en el mundo del show business: estaba avalado por el circo.

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creador o intérprete de cualquier arte escénico, este libro puede ser especialmente útil a todos aquellos artistas de circo que deseen experimentar sobre las capacidades expresivas de las muy diversas técnicas y especialidades que hacen de su oficio el más completo de los oficios escénicos. Jordi Jané

Decroux, Étienne. Paraules sobre el mim. Institut del Teatre, Barcelona, 2008. Serie ‘Escrits teòrics’, ISBN 978-84-9803-268-0 i.teatre@institutdelteatre.cat Cardenal, Eduardo. Gran Cardenal y el circo en las Islas Canarias. Gráficas Monterreina, 2008.

10 € “El arte es un lujo de la mente” (Étienne Decroux) Puede que el nombre de Étienne Decroux (1898-1991) no diga mucho a los lectores de Zirkòlika, pero este creador y pedagogo francés nacido dos años después de Charlie Rivel representa uno de los momentos clave del arte y la pedagogía escénicos en Europa. Situémenos en el espacio y el tiempo: Étienne Decroux, Jean Louis Barrault y Marcel Marceau son nombres de biografía entrelazada que, cada uno desde su particular perspectiva, contribuyeron enormemente a la renovación del arte del mimo –y, pues, a la renovación de las artes escénicas– del siglo XX. Pasados cuarenta y cinco años desde que la francesa Gallimard publicara los textos agrupados por Decroux en Paroles sur le mime, aparece ahora la traducción catalana de Mariana Miracle y Maria Zaragoza. La contracoportada del libro afirma que esta traducción “es otro paso en el necessario reconeixemento a la obra de Decroux”, y lo cierto es que, pese a las modas y otros embates sufridos por el mundo del espectáculo desde que Decroux publicara esta obra, a día de hoy las deducciones y postulados del mimo y pedagogo francés siguen siendo tan válidos como en su tiempo, porque los valores y las técnicas que transmite son intemporales.

Eduardo Cardenal Gómez nació en Madrid en 1944. Desde pequeño sintió una gran atracción por el mundo del circo y, a pesar de no pertenecer a familia circense, a los nueve años, tras presenciar su primera función, decidió que quería ser artista de circo.

En 1923, un joven militante socialista llamado Étienne Decroux ingresaba en la mítica escuela Vieux Colombier de Jacques Copeau para perfeccionar su oratoria en los mítines políticos. Copeau ya había fulminado el reinado de la palabra y la dicción –típico tópico de la docencia teatral– y descubría a sus alumnos la importancia del cuerpo y del movimiento. La influencia de Copeau en Decroux es decisiva, puesto que este pasó de concebir el gesto como soporte de la actuación a concebir el gesto exclusivamente como la actuación en si misma. Decroux quiso integrar al mimo la belleza del desnudo –iniciativa no muy bien asimilada por el público de su tiempo– y fijó una serie de técnicas expresivas en cuanto a la actitud, el gesto y el movimiento. Quizá hoy algunas de estas técnicas parecerán arcaicas a más de uno, pero Decroux fijó las bases del mimo y convirtió esa especialidad escénica en un espectáculo autónomo. Su trabajo fue determinante en la evolución del mimo e influyó a las generaciones posteriores (léase Mummenschanz, léase Joglars, léase Lecoq).

Año tras año nos va contando lo más destacado de su larga trayectoria, primero en calidad de artista y posteriormente en la faceta de empresario y dueño de su propio circo. Cómo equilibrista pisó las pistas de grandes circos españoles: Atlas, Arriola, Roma, Price, y del extranjero: Coliseo de Lisboa, Circo Arnardo en Noruega y Finlandia, Circo Casartelli en Italia, llegando dar el gran salto a América trabajando en el Hubert Castle Intrenational 3-Ring Circus. Al mismo tiempo que presentaba su número de equilibrios, también explotaba la vena cómica con el número del “Taxi loco” que construyó gracias a sus conocimientos de mecánica. Conocimientos que le permitían diseñar sus propios pedestales y herramientas de trabajo. En más de una ocasión ayudó a otros compañeros a arreglar sus aparatos y vehículos, llegando a recibir ofertas muy suculentas de empresas del sector para que trabajara con ellos. Eduardo no aceptó esas ofertas por su pasión al circo.

Considero muy seriamente que, nacidas de una profunda observación, las técnicas de Decroux pueden ser extremadamente útiles al artista de circo, ya sea tradicional o contemporáneo. De estudio recomendable a cualquier

En primera persona, su protagonista nos cuenta, a lo largo de las 212 páginas que componen el libro, cómo el sueño de aquel niño se convirtió en realidad siendo primero un gran equilibrista sobre tapiz y pedestal bajo el nombre de Gran Cardenal, y más tarde empresario. El libro está dividido básicamente en dos partes. En la primera el autor va desgranando su biografía por décadas, de los años 50 a los 90. Al no formar parte de las gentes del circo tuvo que buscarse la vida y empezó su andadura en un gimnasio mientras lo compaginaba con su trabajo habitual de ajustador matricero. Primero formó parte del trío de olímpicos Los Platerson y al año siguiente, en 1962, ya debutó cómo equilibrista solista.

Al llegar a finales de los 70 nos encontramos con la figura de un Eduardo Cardenal empresario que, junto a su familia, empezó organizando espectáculos cómico taurinos y festivales infantiles hasta construir su propio material, que tras usar varios nombres se quedó con “Gran Circo

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Cardenal”. Un circo que con el tiempo eligió las Islas Canarias como su principal lugar de trabajo. En la primera parte también hay capítulos dedicados a su familia, a la visión que tiene del panorama circense actual, anécdotas vividas durante su carrera, listado de artistas con los que compartió cartel y de los que contrató en su propio circo… La segunda parte se trata exclusivamente de una recopilación de las plazas en las que trabajaron cada temporada desde 1978 a 2005, indicando fechas y lugar, acompañado de imágenes de la cartelería, bonos de descuento y fotos del circo. En definitiva, un libro recomendable, ameno en su lectura y con abundante material gráfico para conocer las vivencias y trayectoria de Don Eduardo Cardenal, artista y empresario dedicado con cuerpo y alma al mundo del circo más tradicional: una autobiografía muy recomendable repleta de fotografías y vario material gráfico, datos de los artistas, fechas y muchas anécdotas. Miquel Moreno De Ritis, Raffaele. Storia del Circo (dagli acrobati egizi al Cirque du Soleil). Bulzoni Editore, Roma, 2008. www.bulzoni.it bulzoni@bulzoni.it

tre los índices, destacan el cronològico y el onomàstico (ordenado éste por disciplinas, protagonistas y empresas circenses). Entre les tablas cronològicas, “Lugares precircenses occidentales”, “Circos estables (1800-1920)”, “Circos itinerantes del siglo XX (Europa y Estados Unidos)”. La sistematitzación de Raffaele De Ritis resulta una muy valiosa y eficaz herramienta de consulta para sucesivos trabajos de investigación. El propio autor subraya: “con este libro he procurado construir un punto de partida, un mapa de un viaje idealmente sin final”. Para rubricar su eficacia, De Ritis ha creado un blog para que el libro se siga desarrollando en la red: (www.storiadelcirco.blogspot.com. Entre otra documentación, muestra fotos, vídeos, programas y cartelería. Raffaele De Ritis da aún un paso más participando activamente en el proyecto www.circopedia.org, una iniciativa del Big Apple Circus de Nueva York coordinada por el historiador Dominique Jando, en un intento –que no utopía, dicen– de construir y mantener permanentmente corregida y al día una enciclopedia circense a base de esquemas, tablas, cuadros sinópticos, vídeos y arxivos fotográficos. Estoy de acuerdo con Raffaele De Ritis cuando habla de su libro como de “una caja de herramientas para el estudio del circo”. Una caja de herramientas que, allende suministrar muchas cartas de navegación, invita a oportunas reflexiones sobre los muy diversos aspectos de la más antigua de las artes escénicas. Este libro de De Ritis será sin duda una de las obras de referencia en la historiografia circense del siglo XXI. Jordi Jané

530 páginas, 300 fotografías B/N y 36 en color.

DVD

ISBN 978-88-7870-317-9 47 €

El historiador, profesor y director de circo Raffaele De Ritis ha publicado, entre otros títulos, Gli acrobati folli (historia de la dinastía Palmiri, 2002), Illusionismi, settemila anni di teatro, scienza e religione (probablemente la primera historia social del ilusionismo, 2004) y ha aportado su capacidad analítica a un buen número de seminarios internacionales de circo. Con sólo 41 años, De Ritis está considerado por el New York Times como uno de los actuales maestros en la dirección de espectáculos circenses. Ha colaborado con el Moulin Rouge, el Soleil, el Barnum y el Circo de Estado Ruso; con Savary, Brachetti, Larible y los Togni, habiendo sido además director artístico de dos ediciones del Festival de Magia de Montecarlo. Ahora acaba de publicar una exhaustiva historia del circo en que estudia de forma orgánica el panorama internacional, las técnicas, las influencias sociales y culturales y los intercambios del circo con otras expresiones artísticas.

Harold Lloyd actuó en 208 películas entre los años 1913 i 1947. En la década de los años 20 del siglo pasado fue el actor más popular y el mejor pagado del universo cinematográfico. Junto con Buster Keaton i Charlie Chaplin, se ha convertido en uno de los grandes cómicos del cine mudo.

Uno de los grandes valores del libro es la sistematización de datos. En-

Biblioteca de Nou Barris

Harold Lloyd: la colección definitiva (10 DVD). Madrid: Universal, cop. 2008.

Fe de erratas En el número anterior, las reseñas de los libros 1r Festival Internacional del Circo Ciudad de Albacete, del 28 de febrero al 3 de marzo 2008, Plaza de Toros + Teatro Circo. Albacete: Ayuntamiento, 2008; y Chaplin en imágenes: [catálogo de la exposición]. Barcelona: Fundació “la Caixa”, 2007, son de la propia Biblioteca de Nou Barris y no de Cesc Martínez.

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libros / música / DVD’s / Web’s


zirkólikos

zirkólikos Cosas de la vida

L

lego a casa, conecto el ordenador. Voy directamente a mi correo, el asunto de uno de los mensajes me llama la atención: “Cosas de la vida”. Me lo reenvía un compañero de profesión y ha sido escrito por una asociación cultural bastante conocida por todos. Lo abro, quizá esperando encontrar algo divertido, curioso... Pero no, acto seguido leo: “El espectáculo X (omito el nombre del espectáculo de circo para no dañar la imagen de los que trabajan) ha sido seleccionado para los Premis Butaca. Si queréis, podéis votar en www.premisbutaca.cat antes del 17 de noviembre. Está en la sección Premi butaca, telentrada, en otras disciplinas”. Bien, pienso, un comunicado que quiere invitarnos a votar un espectáculo candidato a los Premis Butaca. Es un buen gesto, pero yo no he podido ver este espectáculo, y por lo tanto no sé si me gusta o no, y, por ética, no puedo, no quiero, intervenir con un voto que sería tan ignorante como injusto. Sigo leyendo... “A ver si entre todos y todas lo hacemos ganar. ¡¡Haced difusión!! No importa si nos gustó o no. Lo importante es que se valoren las producciones hechas por entidades sin ánimo de lucro. No todo es negocio en la cultura. Besos. Muchas gracias.” Me quedo con la boca abierta unos segundos... A ver... Vuelvo a leerlo. Sí, he leído bien: “A ver si entre todos y todas lo hacemos ganar. ¡¡Haced difusión!! No importa si nos gustó o no.” Sin plantearme si eso es una práctica habitual o no en estos casos, inevitablemente me asaltan las dudas: - ¿El voto no es un acto individual, libre y que no se puede condicionar? - ¿Cómo una asociación cultural que representa a un colectivo puede hacer uso de su voz, de sus contactos para un fin, digamos, tan poco ético? - Quizá la persona/as que han redactado este mensaje no eran conscientes de lo que realmente significaba su propuesta. Sin embargo, ¿la inconsciencia puede disculpar un hecho como este? Yo creo que no. Es más: me atrevo a decir que cada uno debe ser capaz de prever el alcance de sus decisiones y ser responsable, sobre todo si se trata de una entidad que representa una tarea, a un grupo. Pero la intención de este correo era buena: hacer que una compañía de circo ganase un premio Butaca y así reclamar más atención, más respeto para “las producciones hechas por entidades sin ánimo de lucro”. Me pregunto una vez más: ¿realmente desconfían tanto de nuestro talento como grupo que tienen que recurrir a tretas tan poco honestas para la profesión? Quiero creer que la mayoría de nosotros estamos seguros de que podemos conseguir lo que el sector se merece usando otros medios. No pongo en duda que los remitentes de este correo actuaron con buena intención. Pero insisto: el fin no puede justificar según qué medios.

por Fura

Desde Valencia

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edicamos estas líneas al recuerdo de Miguel, a los “donyets” de la asociación de Alicante, que le tienen muy presente en el recuerdo, y a todos los que, como a nosotros, les ha afectado su muerte. Cuando se fundó la Associació Valenciana de Circ (AVC), en diciembre de 2003, nuestro principal proyecto era un local situado en la calle Goya, donde nació l’Espai de Circ. El objetivo de las diez personas que nos involucramos en esta nueva andadura era cubrir las necesidades de espacio que había en Valencia, ya que no existía ningún sitio donde poder desarrollar las técnicas de circo desde diferentes vertientes: artística, pedagógica y social. A finales de abril de 2004 nació el Espai de Circ, 160 m2 que intentamos aprovechar al máximo. El local fue un punto de encuentro de gente que se dedica no solo al circo propiamente dicho, sino también a otras disciplinas como la danza, el teatro y la música. También sirvió de sede a Payasos Sin Fronteras y a otros colectivos. Durante los casi cuatro años de gestión del Espai de Circ por la AVC se realizaron en este local numerosos cursos, actuaciones de compañías y cabarets; se crearon espectáculos y nuevas compañías valencianas; se formaron nuevos artistas y se apoyó a los ya consagrados. Hemos participado en la organización de los encuentros de Tuéjar (de los monociclistas de A Piñón Fijo) y Unimalabar (de la Universidad de Valencia) y colaborado varias veces en la Mostra de Pallasos de Xirivella. En marzo del 2008 cerramos el local de la calle Goya ante el inminente derribo del edificio, y el web www.espaidecirc.com se convirtió en nuestra sede virtual. También editamos un boletín mensual con todas las novedades de la Asociación. La decisión fue apostar por un nuevo Centro para la creación, formación y difusión del circo contemporáneo en Valencia, una carpa permanente en el área metropolitana de la ciudad. Estuvimos meses trabajando con el Ayuntamiento de Xirivella, hicimos allí el día del circo y un bonito cabaret... Parecía que tenían un espacio perfecto para instalar nuestro proyecto carpa, pero no pudo ser allí... Seguimos trabajando en el proyecto y buscando otras ubicaciones. Actualmente lo estamos presentando a diversos municipios (para la acogida) y a diversas entidades y empresas (para la co-financiación). Como todo lo que merece la pena, a la carpa no se llega, se tiende. Pero cada vez estamos más cerca y seguimos con la misma ilusión de siempre. Tambíen ahora y hasta 2010 estamos trabajando en un proyecto europeo de aprendizaje y estudio de la docencia de malabares, junto con la Asociación Húngara de Malabaristas y la Asociación Circulum de Berlín; trabajando para tratar de que por fin se regule el teatro de calle en Valencia; programando cabarets trimestrales, antes en el Espai, ahora errantes. ¡El próximo será el 21 de diciembre en OFF Teatro de Valencia! A aquellos que, como nosotros, tienen su proyecto cirquero, les deseamos toda la suerte del mundo y les animamos a estar en contacto. ¡Revitalicemos entre todos esa CIRCORED! Telf. 639.988.292, espaidecirc@gmail.com y www.espaidecirc.com.

por Associació Valenciana de Circ

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ZIRKOLIKA #19