Magazine YellowKorner Colombia

CECI N’EST PAS UNE BOULE DE BILLARD Miguel Vallinas

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Retrato 49 Miguel Vallinas

bangkok

beijing

MUNICH

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berne

HONG KONG

boulogne

dijon

MONTREAL

biarritz leipzig

BOGOTA

clermont

kรถln

osaka oslo

bordeaux

geneva

BERLIN

HONG KONG

AMSTERDAM

Dร SSELDORF

liege

beirut

SYDNEY

HONG KONG

LYON

BERGEN

bruxelles

NAPOLI

BARCELONA

bonn

CHICAGO

PARIS

basel

laussane

ATHENS

annecy

AMSTERDAM AMSTERDAM

goteborg

ALMATI

MADRID

franckfurt

seoul

milano

contenido 8

pablo sardi

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#inspiraciรณnyk

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RARINDRA PRAKARSA

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MIGUEL VALLINAS

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JULIETTE JOURDAIN

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ELENA IV-SKAYA

decoraciones para inspirarte P. 50-59 P. 76-85 P. 154-167

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Esteban toro

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JOHN WRIGHT

FORMENTO+FORMENTO

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Paul-Antoine

Briat

1. ¿De dónde vino la idea de iniciar Yellowkorner?

A la edad de 10 años y siendo un apasionado de la fotografía tengo la oportunidad de pasar todos los veranos en una casa cerca de Charles, dónde hace más de 50 años se celebra encuentros de fotografía, El cual es uno de los festivales de fotografías más importantes del mundo. Durante varios años mi papá va de las diferentes exhibiciones, Ésa pasión evolucionó junto con Alexandre (co fundador) se derivó en lo que ahora es YellowKorner.

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2. ¿Cuál es la expectativa internacional de Yellowkorner?

Un trabajo muy importante para nosotros es realizar diversos estudios sobre el potencial de varias galerías en el mundo, estimamos que deberíamos de tener aproximadamente entre 1000 y 1200 galerías, lo cual nos alienta bastante hoy tener más de 500 galerías alrededor del mundo. Pero todavía nos queda mucho camino por recorrer, pero al mismo tiempo queremos hacer las cosas bien teniendo las ubicaciones co-

rrectas y podernos adaptarnos localmente A las necesidades de cada país, de cada ciudad, y a cada uno de sus culturas.

Ya estamos presentes en más de 25 países con una presencia muy fuerte en Francia, Alemania, Italia, y España.

Pablo

Sardi 1. ¿Qué te llamó la atención cuando descubriste YellowKorner?

P.S. En más de 15 años de estar vinculado en la industria de retail nunca había experimentado un movimiento tan importante como el que YK ha logrado con el arte fotográfico.

El arte fotográfico por sí solo es una categoría que da mucho de qué hablar, desde si la fotografía es arte o no, hasta las emociones que cada una de estas imágenes nos provoca. Es una buena pregunta muy difícil de responder que YK contesta bien cada vez que entro a una de sus galerías.

2. Colombia y Latinoamérica en general están llenos de artistas plásticos icónicos a nivel mundial. ¿Que puede aportar YK como galería a la cultura de cada ciudad donde se encuentra?

P.S. YellowKorner siempre contribuirá a generar emociones a cada uno de nosotros por medio de sus fotografías.

Asimismo, visitando las tiendas de París varias veces ví estudiantes de fotografía inspirándose en las imágenes de YK lo que me hace creer que somo importantes en estos futuros fotógrafos. En Colombia YK ha funcionado para darle

exposición global a fotógrafos Colombianos y esperamos en el futuro contar con mas de nuestro talento en el mundo.

3. En Bogotá tenemos 2 galerías, una muy distinta a la otra. ¿Nos puedes contar que quieres proyectar en cada una de ellas?

P.S. El propósito es ayudar a las comunidades a tener mayor acceso al arte fotográfico y es por eso que nos visitan en algunos días mas de 700 personas. Es como una galería de barrio que dinámicamente va evolucionando y hace que siempre que vayas sea diferente.

4. Cuando nuestros clientes llevan una de nuestras fotografías a su hogar o trabajo, ¿cuál crees que es la diferencia con comprar una fotografía de reproducción masiva?

P.S. Personalmente para mi lo mas importante son las emociones que detonan cada fotografía y para lograr esto es importante una producción de alta calidad, un fotógrafo profesional y ojalá que esta tenga un restricción en sus copias para no quedar con un ‘afiche’.

Sinceramente considero que llamar arte algo que no es limitado es simplemente ficción.

5. ¿Cómo ves el panorama del arte fotográfico en Latinoamérica en los próximos años?

P.S. El panorama no es diferente al Global. La fotografía es la nueva mega tendencia del arte y esto se puede percibir en cada uno de los museos y ferias de arte como ArtBO donde a la fotografía cada vez le dedican más espacios.

10 Decoraciones para inspirarte

Te presentamos nuestra primera edición de la revista #InspiraciónYK, una guía donde te mostraremos como podrás transformar tus espacios con fotografías de YellowKorner y llenarlos de arte fotográfico de la mas alta calidad.

En esta vivienda en Chamberí, es un proyecto de reforma de la vivienda de manera completa y del interiorismo de las estancias principales. El objetivo era transformar una vivienda bastante antigua, que apenas había sido reformada desde su construcción, en una casa nueva para una familia joven de cinco personas.

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El primer paso, como siempre, fue lograr una distribución adecuada a sus necesidades.

Repensamos las estancias y cambiamos bastante el estado original. Querían una cocina independiente y amplia, con office, pero la de la vivienda estaba bastante alejada de la zona de día y, por su tamaño, no podía cumplir esta función.

Necesitaban también cuatro dormitorios y una “family room”, un espacio multifuncional concebido para que los niños pudieran jugar y los papás ver la tele, leer o simplemente, estar con ellos.

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Recibidor de vivienda en Madrid. Cuadro de gran formato con paisaje. Puertas correderas, paredes blancas y suelo de madera de roble natural. SofĂĄs de terciopelo rosa y verde.

Dormitorio con cabecero tapizado en terciopelo azul con capitonĂŠ.

Cojines y complementos mostaza. Dormitorio blanco y luminoso con toques de color.

Apliques de pared dorados.

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Este chalé ha cambiado de arriba abajo y, a la vez, conserva el encantador aire de las casas de los años setenta de la sierra madrileña. La interiorista Alejandra Pombo ha dado un giro fresco y moderno a los espacios con un sutil ejercicio de armonía.

Para ambientes fríos o monocromáticos dentro del hogar, el blanco y negro es ideal para equilibrar y no sobrecargar el espacio.

Los colores cálidos en la decoración siempre serán grandes aliados para contrastar con las fotografías con toques azules o coloridas.

Un pequeño truco, si no sabes que temática usar, el agua combina con todo.

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Mezclar urbanismo con temática deportiva siempre será una opción acertada. En este caso el amarillo del automóvil con el verde del sofá crean un gran contraste equilibrándose con los marrones.

La madera de roble en mobiliarios permite dar un toque de calidez a espacios que quizás sen muy limpios, como el caso de esta casa donde todas sus paredes son blancas, esto a su vez permite que ubiquemos fotografías de gran formato de fondos negros o colores cálidos para crear un excelente contraste.

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“La intención es que todos los interiores resulten armónicos y estén conectados gracias a la intervención de YellowKorner”

Los colores vivos junto con pasteles crearan una vibrante experiencia para tus visitantes. Las fotografías dispuestas de forma horizontal permitirán narrar una historia que los ojos mas curiosos no podrán ignorar.

Vitalidad y optimismo son las claves, pero no se puede dejar de pasar por alto el suelo cerámico que completa la geometría del espacio, como uno de los puntos fuertes de la propuesta.

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Este espacio está dominado por por la imagen ‘Free the Nipple’ de Nicoas Guérin, en una deostración de cómo la fotografía es la nueva obra artística para vestir paredes.

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Cuando una prestigiosa diseñadora de moda decidió abandonar la ciudad de Tokio para regresar a Madrid, tenía claro lo que buscaba: un edificio céntrico, renovado, con garaje y zonas verdes. ¿Su nuevo destino? El Barrio de las Letras. El milagro se produjo gracias a la inmobiliaria y consultora de lujo Knight Frank, quienes encontraron la vivienda perfecta en la pintoresca calle Santa Isabel.

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Como resultado, nos encontramos ante un espacio protagonizado por líneas limpias que se complementan con la luz natural, y una gama de colores fresca y elegante con aires trendy y sofisticados sin renunciar a su sobriedad ni marcado carácter.

En el recibidor, una fotografía de YellowKorner preside la pared sobre una consola y una lámpara de Estudio RM, que reposa plácidamente junto a las piezas de Muranos de la misma firma y a otras de Concha Ortega.

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Nuevamente tenemos una predominancia de las tonalidades amarillas/cálidas, ideal para armonizar espacios con suelos fríos.

Recomendamos usar fotografías de categoría urban y también fashion ya que la gama cromática de estas categorías suele ser muy variada y en el caso de fashion posee un amplio catalogo en blanco y negro para equilibrar los tonos cálidos.

El área en la que se encuentra esta casa se parece en parte a las primeras líneas del Jinete de Bronce: sobre las olas del desierto, las costas cubiertas de musgo y “un bosque invisible a los rayos en la niebla del sol oculto”.

Muy cerca de Ladoga, el paisaje está marcado por ríos, lagos y lagos. La naturaleza, como se esperaba en estas latitudes, es dura. Y sin embargo, de una belleza penetrante.

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La fotografía de Elena Iv-Skaya es la protagonista en esta composición neo-industrial con tonalidades ocre, podemos crear espacios muy modernos jugando con la luz y no necesariamente la de los focos, la iluminación puede provenir de los propios objetos y en este caso tenemos un alto contraste de paredes muy oscuras con elementos muy limpios como la bañera y los lavabos blancos.

La fotografía Eyes Wide Shut posee un fondo claro que conjugara muy bien en esta escena.

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1. ¿Cómo definirías tu tipo de fotografía?

E.T. Mi fotografía tiene preocupaciones estéticas, conceptuales y geográficas muy puntuales. Me interesa descubrir el mundo a través de mi cámara, pero lo hago por medio de esas historias olvidadas en lugares remotos que, de no ser por una curiosidad inmensa hacia lo desconocido, quedarían lejos de ser documentadas y compartidas en nuestra sociedad occidental.

Mi preocupación estética va dirigida hacia la luz y el color. Estos dos elementos son fundamentales para el desarrollo de todas las imágenes que capturo. Puedo durar meses buscando la luz y el color perfecto para mis fotografías. Si bien en la gran mayoría de las ocasiones son fotografías espontáneas, no es casual que yo me encuentre en ese lugar, en una fecha determinada, a una hora específica para capturar esa imagen.

Mi preocupación conceptual es dirigida hacia la forma, con imágenes elegantes, que engrandezcan a mis personajes y los lugares que visito. No altero mis fotografías, pero me encargo que sean tomadas en el mejor momento posible. Son comunidades olvidadas, así que me interesa dignificarlas y hacer sentir al espectador lo poderosas que son a través de una imagen.

Mi preocupación geográfica se acerca a lo desconocido por mi. Entre más remoto sea este lugar, más despierta mi interés. Son estos destinos donde el turismo tradicional no llega, y donde muchas veces, las condiciones para poder estar en estos lugares implica largas horas de trayecto en diferentes medios de transporte.

2. ¿Qué te inspira?

E.T. Me inspira poder acercarme a lugares y personas que si no fuera por medio de la fotografía, no podría descubrir. La cámara es una llave que abre puertas a lugares inimaginables. Me inspira la música, la distancia, sentirme lejos, sentirme extraño y desconocido en un lugar. Me inspira 40

la poesía, la danza, el color y la tradición.

Me inspira ver una fotografía impresa con el mayor detalle, ver la textura, poder sentirla entre mis manos. Me inspira recordar todo el camino que recorrí desde que salí de casa hasta que obturé la foto cuando la imagen está terminada.

3. ¿Qué fotografía te gustaría tomar, que aún no has podido capturar?

E.T. Estoy enloquecido por fotografiar un amanecer en Sudán del Sur con los Mundari. Ahora tendré que esperar un tiempo para poder hacerlo, pero cada vez que pienso en ello, no puedo evitar cerrar los ojos y soñar profundamente con el momento en que la luz y el ambiente estén en la posición correcta para sentir ese infinito placer de obturar la foto que tanto he soñado.

4. ¿Cómo ha influido el contexto social en medio de tus viajes para la captura de tus fotografías?

E.T. Lo más hermoso ha sido poder descubrir esos pequeños detalles que no te pueden contar las fotografías. La idiosincrasia de un país. ¿Cómo me saludan las personas? ¿Qué costumbres diferentes tienen a las mías? Entender que existen tantas variaciones de cómo me entiendo en una sociedad, para descubrir que hay miles sino millones de formas de entender el mundo.

Así que la mejor respuesta sería: ha influido en que ya no veo el mundo de la misma forma que lo hacía antes. Ahora entiendo que hay tantas maneras de hacer las cosas como personas en el planeta.

5. Cuál ha sido el país que más has tenido la oportunidad de recorrer?

E.T. Colombia. Es un país que he descubierto lentamente y que he tenido la oportunidad de regresar a lugares maravillosos a re-encontrarme con seres fotografiados que se han vuelto amigos. De punta a punta del país, y me fascina.

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6. Cuánto tiempo te llevó capturar ´Peace of mind’?

E.T. Capturarla me tomó 1/250 de segundo. Imagínate.

Algo tan breve que no alcanzas a terminar de leer esto cuando ya hice esa foto. Pero la planeación para poder saber dónde tenía que estar, en qué momento del año, tomar aviones, trenes, vehículos normales, vehículos 4X4, caminar, subir una montaña y tomar la foto, me tomó alrededor de 2 años.

7. Cuál es tu próximo destino y que vas a hacer ahí?

9. Por qué crees que es importante la formación y el estudio en la fotografía?

E.T. Rusia. Estaré organizando mi proyecto para los próximos dos años. Me encantaría contarte un poco más de detalles, pero es una sorpresa en la que vengo trabajando desde antes que iniciara la cuarentena. Va a ser un proyecto enorme, lleno de ramas para explorar fotográficamente. ¡No puedo esperar la hora de estar allí!

E.T. La fotografía tiene un amplio carácter empírico. Es un oficio. Es un trabajo que requiere de hacer, hacer y hacer. La única forma de convertirse en un buen fotógrafo es haciendo muchas fotos; equivocándose tantas veces que al final aprendes. Sin embargo, es necesaria una formación conceptual y teórica que te de las bases para poder desarrollar proyectos fotográficos: desde la técnica hasta la conceptualización. Es importante tener orientaciones y revisiones de la mano de personas que admiras y respetas por su trabajo, no por sus títulos. No creo que uno se convierte en un buen fotógrafo en una universidad, en un aula de clase. Allí se adquieren muchos conocimientos que vas a llevar en tu cabeza a diversos lugares en el mundo y usarás ese conocimiento para conectar tu cerebro y tu corazón al momento de hacer una foto.

Pero un fotógrafo se hace en el campo, disparando fotos.

8. ¿Qué es lo más raro que te ha pasado haciendo fotos?

E.T. He estado ante momentos y escenas tan impresionantes que, he sentido la necesidad de bajar la cámara y no disparar la foto, guardarla en mi memoria, disfrutarla con mis ojos, sabiendo que nunca más podré recrearla como imagen, pero que siempre vivirá en mi mente.

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Para mi, no existe mejor forma de aprender a hacer fotografía que estando en el lugar. Mostrándote la luz, el ángulo, y el punto de vista, que entiendas qué había alrededor para que escogieras ese encuadre específico, y que puedas empezar a buscar tu propio lenguaje. Si un médico cirujano se forma en un quirófano, un fotógrafo de viajes se forma viajando. Es por eso que organizo expediciones fotográficas a algunos lugares que he visitado. Ese es mi salón de clases. Esa es la universidad a la que tienes que asistir. Yo sigo estudiando cada año.

Si lo haces, descubrirás un lenguaje. Esto no ocurrirá en unas semanas, ni siquiera en los primeros años. Te tomará muchísimo tiempo descubrirlo, entender qué es lo que quieres hacer, pero sobretodo, que es lo que no quieres hacer. Una vez lo tengas claro, lo siguiente vendrá por añadidura: pronto te encontrarás con un trabajo sincero, que te llenará el corazón, exhibido en las galerías más hermosas de fotografía del mundo.

10. ¿Qué consejo le darías a fotógrafos que quisieran tener sus fotografías exhibidas en las galerías de YellowKorner?

E.T. Sigue tu corazón, no intentes copiar un trabajo que ya está hecho, pues, finalmente, ya existe. Intenta entender qué te apasiona, qué mueve esas fibras profundas dentro de tu cuerpo que te hace sentir inmenso placer cuando disparas fotografías.

Las fotografías marcadas con asterisco (*) actualmente no se encuentran disponibles en el catálogo de YellowKorner y pertenecen al fotógrafo Esteban Toro.

Reservados todos los derechos.

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#InspiraciónYK Por Jesús Peña

Estoy seguro que escuchaste más de una vez “una imagen vale más que mil palabras”. Y es que una fotografía puede evocarnos todo tipo de sentimientos, emociones y reflexiones, al capturar un momento concreto, efímero, que nunca más se volverá a repetir. Los más grandes fotoperiodistas deben sus éxitos a haber estado en el lugar correcto, en el momento adecuado, y por no haber desaprovechado la ocasión de plasmar imágenes que han pasado a la historia y que todos hemos visto alguna una vez.

Las fotografías son precisamente las que han ayudado a reconstruir parte de la historia que no hemos vivido. Son pequeños tesoros que nos descubren el mundo, que nos transmiten más información que cualquier palabra y que, sin duda, nos hacen disfrutar, empatizar y recordar a aquellos artistas que no pudimos disfrutar en vivo.

Muchos fotógrafos como en la antigüedad, dedicaron su vida a encontrar la esencia del ser humano.

Están en la constante búsqueda de inmortalizar el alma en cada fotograma.

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Las celebridades son una obsesión que tenemos casi todos, siempre tenemos a algún cantante o actriz que forma parte de nuestro fetiche visual.

Marilyn, ¡Oh Dios Marilyn!, siempre será el icono de belleza visual por excelencia.

Obviamente es imposible dejar a un lado Los Beatles o las primeras imรกgenes que mostraban al hombre en la luna.

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Pero lo más fascinante no es a quién están fotografiado sino el cómo y porqué de cada instantánea. En cada retrato vemos cómo el autor libera a los inmortalizados de la cárcel que la fama y poder y se ven desnudos delante de un objetivo. La cámara es una simple herramienta para dar voz a lo realmente importante la historia, el mensaje o la conexión de cada uno, siempre o en su mayoría, combinar la simplicidad gráfica y el poder del espíritu y el alma de cada artista fotografiado. Cuando vemos un retrato de alguna celebridad podemos recrear por la iluminación, la mirada y el posicionamiento de la cámara, el sentimiento o el ambiente que se vivía en ese momento. Todo ello ayuda a captar el alma del fotografiado.

Aunque parezca sencillo, hacer una fotografía medianamente relevante no es tarea fácil. No se trata simplemente de mirar por el objetivo y disparar. La fotografía requiere tiempo, desplazamientos, y sobre todo, paciencia. Por no hablar de dinero, pues se necesita invertir en un equipo: objetivos, trípodes, tipos de cámaras... Cada persona tiene una concepción distinta de que es el arte y sobre todo que es el arte fotográfico, tenemos matices y concepciones sobre el trabajo de los artistas. Pero nada mejor que Jhon Wright para darnos su opinión: “La definición de cada uno de nosotros es el privilegio de que nos percibe, para ti soy “un fotógrafo”, para mí soy un contenido, curioso, hacedor de travesuras”

Por eso hemos querido hacer un homenaje a los fotógrafos en la categoria “Celebridades e historia” y a su trabajo. A lo largo de este artículo vieron, lo que para nosotros, son las fotografías más icónicas de la historia que tenemos disponibles en YellowKorner, que hemos recopilado para ti.

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Son, en definitiva, todas esas imágenes que se han convertido en un símbolo por un motivo u otro y que ya forman parte de nuestro imaginario colectivo. ¡Echa un vistazo a la galería y descubre su historia!

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3. ¿Qué te inspira?

J.W. Todo.

4. ¿Eres amigo de las grandes estrellas de rock que habías fotografiado?

J.W. Soy amigo de todos ;) 5. ¿Cómo lograste fotografiar artistas como Lady Gaga y Michael Jackson?

J.W. Suerte :) 6. ¿Qué tan difícil fue fotografiar a Lily Allen rodeada de panteras negras?

J.W. Técnicamente, fue una composición sencilla. Ver animales salvajes tan hermosos, obligados a actuar, fue desgarrador.

7. ¿Alguna anécdota que contarnos?

J.W. Lily se ve maravillosa desnuda ;)

1. Como sueles decir: “lo que hago no me define, así como dónde crecí tampoco”, ¿Qué te define?

J.W. Esta es una gran pregunta. La definición de cada uno de nosotros es el privilegio de quien nos percibe, para ti, soy “un fotógrafo” para mí, soy un contenido, curioso, hacedor de travesuras. Un hombre obsesionado por la belleza y el poder de la sorpresa. ¿Buena respuesta?

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2. ¿Tus fotografías tienen un hilo conductor? Ya sea en estética o concepto.

J.W. El contenido de mi trabajo ha cambiado muchas veces durante mi vida. El hilo que creo... la esperanza, permanece constante, es la búsqueda de algo inadvertido que se revela como bello.

8. ¿Sientes que tienes las mismas libertades artísticas cuando preparas una sesión de fotos para un artista que cuando preparas una sesión más personal?

J.W. Mi arte ahora es solo personal. Ya no fotografío “para” clientes. Fotografío para mí y para la gente lo suficientemente generosa como para coleccionar mi trabajo.

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9. ¿Cuál es el significado del tamaño en “Lemon aid”?

J.W. Simplemente estoy usando la escala para entregar el mensaje. “Cuando te de limones, chúpalos!”

10. ¿Hay algún artista al que quieras pasar por tu lente?

J.W. Picasso.

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¿Qué proyecto tienes en el tinterillo?

J.W. Actualmente estoy muy enfocado en establecer mi infraestructura como artista. Estoy estableciendo conexiones

con galerías en el extranjero y acabo de abrir una en Londres.

Estoy aprendiendo cómo afinar mi marketing y construir relaciones con los coleccionistas. Tengo mucho trabajo inédito que se lanzará a fina-

les de este año. Estén atentos.

Aquí les dejo una vista previa exclusiva.

CLOUDED JUDGEMENTS 005 John Wright

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contrastes y grises #inspiraciónyk Por Jesús Peña

Podemos llenar nuestra vida de mil colores pero solo el blanco y negro podrá captar el alma y la esencia de lo que se fotografía. Y es que la vida es así, podemos tener días llenos de contrastes profundos o días calmados donde una sutil paleta de grises hacen que todo se vea más sereno.

Las fotografías a color pueden tener una amplia paleta de sombras, pero las mejores imágenes en blanco y negro a menudo tienen un claro ‘negro’ y ‘blanco’ para guiar al espectador. Si bien los tonos de gris también pueden ser interesantes, son más difíciles de lograr.

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Al igual que la luz y la sombra, las texturas y las formas tienden a ser más importantes en la fotografía en blanco y negro. Ya no tienes color para guiar la mirada del espectador. En cambio, necesita curvas interesantes, formas curiosas y/o una gran textura para crear una composición que llame la atención

Los edificios como los rascacielos tienden a verse más imponentes en blanco y negro por varias razones, generalmente tienen patrones, texturas y formas interesantes que se vuelven más evidentes sin color.

La arquitectura como sujeto puede ayudar a entrenar tu mente para ignorar el color, debido a que los edificios tienen una forma fuerte y familiar, son fáciles de imaginar en blanco y negro, incluso cuando son de colores brillantes. El desenfoque de movimiento es una gran técnica para crear una sensación de energía y movimiento, que le da a cualquier ambiente un dinamismo mágico.

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Uno de los desafíos para apreciar este tipo de arte en blanco y negro es que tienes que imaginar cómo es este sujeto sin color. Nos debemos imaginar el color del cielo, de sus ojos, de su pelo, pero al final te das cuenta que la historia que está contando la imagen es mucho más importante que los colores ausentes en ella. Las siluetas son el siguiente paso nos enseñan a apreciar, eso es porque al ignorar el color es algo que nos podemos acostumbrar cuando te enfocas en una silueta.

Realmente siento que es de vital importancia celebrar las vidas que tenemos ahora y tener imĂĄgenes que representen esos momentos. No creo haber conocido a nadie, padre, pareja, amigo o abuelo que haya dicho que se arrepienta de tener una fotografĂ­a de un lugar que ama o una imagen que le evoque un pasado lleno de alegrĂ­a.

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Llevar arte fotográfico a nuestro hogar es una decisión, crear una experiencia usando la fotografía es algo realmente maravilloso. El arte va más allá, el artista siempre te quiere contar una historia que invite a tu imaginación a conceptualizar cosas extraordinarias.

Lo peor siempre será una pared en blanco, por ende el arte siempre será un pedazo de tus sentimientos plasmados en una imagen.

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3. Al momento de iniciar un proyecto fotográfico en todo momento el trabajo se realiza en conjunto o cada uno aporta ideas de manera independiente?

1. ¿Cómo definirías tu tipo de fotografía?

F+F. Trabajo explorando la personalidad humana como materia prima que puede ser remodelada a través de la mayoría.

2. ¿Pudiera existir Formento (BJ) sin Formento (Richeille)?

F+F. Formento+Formento no existiría.

Enamorarse de la fotografía es una cosa, enamorarse al crear fotografías es otra cosa, y ambas nos sucedieron. Creo que la belleza es lo que sucede cuando las personas que se preocupan unas por otras hacen cosas juntas.

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F+F. Nos hemos frustrado con la lectura documental regular de la fotografía y realmente nos aburrimos con la llamada fotografía escenificada de los últimos tiempos. Parece tan claro como un cortador de galletas y sin ningún misterio. ¡No me muestres cómo se ve un beso, muéstrame lo jodidamente que se siente! Nuestras ideas provienen de nuestro pasado, de nuestra infancia, de nuestras pesadillas y de nuestros momentos de alegría.

Traemos nuestro equipaje para configurarlo y también dependemos en gran medida del equipaje de nuestros sujetos, esa alquimia es lo que hace que nuestra fotografía sea un éxito. Normalmente pasamos 2-3 años en una serie y prácticamente hacemos todo nosotros mismos, nos gusta este control de principio a fin.

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4. Hay algún límite o censura que se autoimpongan en sus fotografías?

F+F. Nunca.

5. Cuánto tiempo les lleva hacer un proyecto desde cero?

F+F. De 2 a 3 años.

*Fotografías en orden: - I Thought We Were Special - I Knew You Would Do This to Me - Kojak with a Kodak Good Buddy - Soiling of old glory Formento+Formento

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6. Qué se siente ser uno de los proyectos fotográficos más aclamados de YellowKorner?

7. Cómo manejan la crítica de aquellos que no entienden el concepto de su trabajo?

F+F. Es genial que YK pueda ser un canal para que los amantes del arte tengan su propia fotografía a un precio asequible.

F+F. Realmente no nos importan las personas estúpidas. Si el trabajo te mueve ¡Genial! si no, no es para ti.

8. Qué tan importantes son para ustedes las redes sociales en la comercialización de su trabajo?

9. Qué te inspira?

F+F. Es el vehículo actual para ver el trabajo, y creo que es una espada de doble filo. Es maravilloso llegar a un público más amplio, pero al mismo tiempo de un billón de imágenes que vemos todos los días, tal vez el 1% es arte.

10. Hay alguno de tus proyectos que sea tu favorito?

F+F. La vida y mi esposa.

F+F. El último en el que estamos trabajando.

*Si bien, FORMENTO+FORMENTO son una pareja, esta entrevista en particular fue respondida por BJ.

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1. ¿Cómo defines tu tipo de fotografía?

2. ¿Llevas muchos equipos en tus viajes? ¿O prefieres viajar ligero?

R.P. Honestamente, esta es una pregunta difícil de responder, pero me encanta tomar una imagen del ser humano como tema principal. Me encanta la fotografía de retratos, me encanta la fotografía cultural y la fotografía conceptual de retratos. Algunas personas consideran mis fotos como pictóricas, y otras como fotografías ilusorias. Por lo tanto, no tengo ningún nombre o tipo específico para mi fotografía.

R.P. Esto ha sido un desafío todo el tiempo en realidad. Quiero traer muchos equipos, especialmente equipos de iluminación, pero esto podría volverse contraproducente a medida que me ocupo de eso y me canse y agite. Por lo tanto, ha sido una larga consideración elegir qué equipo realmente uso para mi estilo de fotografía. Y básicamente me gusta viajar ligero y simple. En promedio, generalmente llevo un máximo de 4 lentes, 2 cámaras de cuerpo y 2 equipos de luces adicionales.

3. ¿Cómo es la postproducción de una de tus imágenes?

R.P. Esto realmente depende de la preparación y la condición cuando tomé fotos. Cada imagen es tratada de manera diferente. Pero, básicamente, primero paso por el desarrollo en bruto, y voy al photoshop si se necesita más tratamiento. Lo limpio, creo drama, ajusto los colores y preparo para la galería web y las redes sociales. Y guardo como tiff para continuar el proceso de impresión.

4. Además de tener una luz excelente, ¿qué otros factores observas o llaman tu atención cuando tomas una fotografía?

R.P. El factor principal al fotografiar humanos como sujeto es su expresión, gesto e historia. Sin embargo, el fondo o el ambiente deben ser uno que algunos fotógrafos nuevos generalmente no noten, ya que se preocupan mucho más por el tema. Para mí, tanto el sujeto como el fondo obtienen la misma porción.

5. ¿Cómo fueron tus primeras fotografías?

R.P. Comencé la fotografía a mediados de los 90. Era una era analógica y la fotografía callejera fue mi primer amor. Hasta entonces también me enamoré de viajar y descubrí lo hermoso que es mi país ... su naturaleza y cultura. ¿Y por qué no incluyo todas esas cosas hermosas en mi foto en lugar de tomar fotografías en la calle en la ciudad de Yakarta? Y se continuó en la era digital, la gente comenzó a conocer mis fotos con mi estilo de fotografía en 2005.

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6. ¿Las personas en sus fotos tienen algún tipo de producción (maquillaje, disfraces, presentación) realizada por ti o todas las fotos salen espontáneamente?

R.P. Refiriéndome a la pregunta #1, hay algunas fotos conceptuales que desarrollo desde cero. Desde un concepto, un boceto o simplemente una imaginación. Para este tipo de fotografía podría convertirme en todo: preparo los accesorios, los disfraces, elijo los talentos, los lugares y me preparo en el lugar hasta la producción y la publicación profesional. Sin embargo, en algún otro tipo de fotografía, especialmente durante un paseo o un viaje, no tengo ninguna otra preparación que solo encuentre a alguien para disparar y dispare lo más creativo posible.

7. Además de compartir experiencias culturales, ¿qué crees que causan tus fotos en el público? Especialmente en audiencias de culturas que son demasiado diferentes o demasiado distantes.

R.P. Normalmente, las personas a distancia están más interesadas en ver mis fotos de Indonesia. Especialmente relacionadas con la cultura. Cuanto más diferentes, más se están interesando. Por el contrario, a los indonesios les encanta ver todo, desde algo lejano, algo que nunca vieron en Europa o Sudamérica, por ejemplo. Muchos fotógrafos extranjeros vienen a Indonesia solo para tomar fotos de algo que, para los indonesios, les resulta demasiado familiar, por ejemplo: arrozales, búfalos, gallos y personas con trajes tradicionales.

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8. ¿Sientes alguna responsabilidad al mostrar la vida cotidiana de esos lugares remotos?

R.P. Prefiero mostrar las cosas positivas, los momentos felices, la simplicidad, la naturaleza, los niños, y no me interesa mostrar cosas negativas como la pobreza o la contaminación, etc. Y este tipo de elección también podría hacer felices a las personas.

9. Cuéntanos sobre tu otro trabajo, además de ser fotógrafo.

10. ¿Hay algún lugar en América Latina que quieras visitar?

R.P. Soy fotógrafo a tiempo completo desde 2013. He estado haciendo dos trabajos como artista gráfico y fotógrafo durante 10 años y es algo de lo que me arrepiento de haber hecho, debería haber elegido solo un trabajo. Entonces, básicamente no tengo otro trabajo que no sea fotografía. Me encanta enseñar y organizar eventos para talleres de fotografía o viajes.

R.P. ¡Todos los lugares en América Latina! :)

Las fotografías marcadas con asterisco (*) actualmente no se encuentran disponibles en el catálogo de YellowKorner y pertenecen al fotógrafo Rarindra Prakarsa. Reservados todos los derechos.

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Preguntas con

MiGuEl ValliNaS

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1. ¿Cómo definirías tú, tu fotografía?

3. ¿Que cosas te inspiran?

M.V.- Como una necesidad y oportunidad de contar historia mediante imágenes. Por esta razón mis fotografías no surgen de forma instantánea sino de la necesidad de contar y están realizadas en estudio representando una escena. Me gusta plantear cuestiones e incógnitas en mis trabajos y llegar a las personas. Cada día que alguien decide que una de mis fotografías colgará de la pared de su casa y formará parte de su vida para mi es una gran satisfacción, un deseo cumplido y un logro.

M.V.- Mi trabajo siempre ha estado muy influenciado por la pintura, por lo que siempre he pretendido que la fotografía tenga un estilo muy pictórico. Pintores surrealistas como Magritte, Salvador Dalí, Marc Chagall, Yves Tanguy, René Iché han inspirado mis últimas colecciones. El surrealismo en mi trabajo es la consecuencia de un proceso creativo que me ha traído aquí. Mi fotografía actual es la más surrealista hasta la fecha, y esto viene influenciado por los pintores que siempre me gustaron.

El paisaje, la arquitectura, el retrato fiel a la realidad han sido objeto de las primeras obras.

Mi obsesión con la puesta en escena de las fotografías, la resolución técnica, el estudio previo de la toma y la constante huida de la fotografía instantánea, han condicionado mi trabajo para traerme poco a poco y sin darme cuenta de encontrar mi método y estilo personal. Nunca he sido un fotógrafo de cámara colgado de mi cuello.

2. ¿Quién es tu fotógrafo favorito?

M.V.- Encuentro fuentes de inspiración en la pintura, el diseño, la arquitectura. Por encima de todos seguramente al fotógrafo ruso Oleg Duryagín (Dou) y sus rostros de porcelana. En mis últimas colecciones me ha inspirado mucho René Magritte, pero para mí, mi fotógrafo de referencia, el que me hizo apreciar la fotografía es el desaparecido Humberto Rivas. Se puede decir que fue el que realmente me hizo tener interés por la fotografía a través de contemplar su obra.

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4. Tu primera exposición fue en 1999, ¿Cómo era tu vida o a qué te dedicabas antes de esto?

M.V.- En 1999 fue mi primera exposición pero mi trabajo ligado a la fotografía viene incluso desde antes. La fotografía siempre me ha gustado, desde bien pequeño y la pintura, la ilustración. Siempre he tenido la necesidad de expresarme. Casi por inercia estudié Imagen y Sonido en Valladolid y Burgos. Complete mis estudios en la Escuela de Estudio de Formación y técnicos de la Imagen E.F.T.I. de Madrid. También trabajé en televisión, editoriales y encontré mi sitio en la fotografía de arquitectura y en estudios de fotografía publicitaria e industrial.

5. ¿Qué responsabilidad tiene el arte fotográfico en todo lo que está pasando a nivel mundial?

M.V.- La fotografía tiene la capacidad intrínseca de dar testimonio de las cosas y dejar constancia de ellas. Si esta pregunta la llevo al terreno personal creo que mi labor es la de una alternativa a la realidad. El arte en estos momentos en general esta para distraer, evadir y llevar mediante la imaginación a otros mundos que nos distraigan por un momento de lo real y lo hagan más fácil. Yo ahora estoy consumiendo más arte en red que nunca. Me evade, me inspira y me hace reflexionar o simplemente me distrae. Me lleva a otros mundos sin salir de casa.

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6. ¿Por qué los nombres en francés de las obras “Ceci n´est pas”?

M.V.- Esta colección está inspirada en la obra de Magritte. El tÍtulo de la colección está inspirada en su obra Ceci n´est pas une pipe o “Esto no es” constituye el final de la sucesión de las tres series de fotografías anteriores cuyo inicio se fija en la serie “Pieles”. No obstante, se plantea como una colección abierta, capaz de abordar tantas imágenes como elecciones rodean al ser humano. A diferencia de las otras colecciones, las fotografías presentan una separación física entre el cuerpo y la cabeza, ahora representada mediante objetos carentes de vida.

7. ¿Qué inspiró tu último proyecto Suppen?

M.V.- La colección Suppen (Sopas) explora mundos imaginarios que surgen ante nuestra mirada, concentrada en una acción cotidiana en la que tantas veces surge la abstracción, la cual nos evade y nos traslada a otros lugares.

Sopa de confeti, sopa de jabón, sopa de mar, de letras, de lana, de mundo, de isla, de nube y lluvia, son algunos de los títulos que encontramos. Suppen recrea todo aquello que almacenamos en nuestra memoria, que deseamos, que sentimos o imaginamos, un mundo que tenemos frente a nosotros y que observamos desde la nostalgia o la ilusión.

8. Todos los sucesos que estamos viviendo actualmente, ¿Te han inspirado para un futuro proyecto fotográfico? Si es así, ¿Qué ha llamado tu atención?.

M.V.- En momentos difíciles es complicado quedarse con cosas buenas. Aún así todos los días las encuentro, incluso algunas que intentan sacarte una sonrisa en los momentos peores.

A falta de espacios físicos a donde acudir estos los llenan los espacios virtuales. Como expliqué la fotografía artística es la forma que elegí para contar cosas y con perspectiva me gustará hacer algo que exprese lo que tengo dentro.

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Ya se que quiero hacer… Y lo haré cuando todo pase con tiempo y perspectiva.

Quiero aportar una visión positiva y mostrar que detrás de los momentos peores las personas nos unimos, y hacemos equipo y las manos son importantes.

9. Qué importancia tiene para los fotógrafos espacios como YellowKorner?

10. De tu trabajo fotográfico, ¿Cuál es la fotografía a la que tienes más cariño, ¿Por qué?

M.V.- Toda la importancia del mundo. Yo no puedo estar más agradecido.

La mayor de las ilusiones es que mis fotografías lleguen a cuanta más gente mejor Llevo muchos años haciendo fotografías y sé lo que es que solo las conozcan el circulo más cercano. YellowKorner me da la oportunidad y la visibilidad necesaria para llegar a todas las partes del mundo. Mi trabajo es conocido gracias a YellowKorner. Una de las mayores satisfacciones es recibir todos los días mensajes de cariño y apoyo. Personas a las que llega mi trabajo, les gusta y me lo hacen saber.

Esta es la “Gasolina” que me hace seguir trabajando en esto y mantener la ilusión intacta para realizar futuras colecciones.

M.V.- Me resulta muy difícil contestar a esta pregunta. Hay muchas que representan etapas de mi trayectoria diferentes y las que han marcado etapas. Me gusta trabajar en series. Me gustan sobre todo las primeras de mis series fotográficas, aquellas que me dan la idea de un trabajo y que salen de mi cabeza y se convierten en las primeras de un proyecto. Si de alguna colección concreta tengo especial cariño es de la serie “Segundas Pieles”, esta colección es la que más me ha dado a conocer, la que a día de hoy sigue teniendo más interés y la primera con la que colaboré con YellowKorner.

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1. ¿Cómo definirías tu tipo de fotografía?

J.J. Definiría mi trabajo como un poco oscuro y loco al mismo tiempo.

2. ¿Qué hace volar tu imaginación para la creación de tus fotografías?

J.J. Simplemente me dejo inspirar por cualquier cosa y por todo. Música, cine, personas, mis propios sentimientos ... Hay ideas en todas partes si prestas atención.

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3. ¿Tu hijo ha influído en tu evolución como fotógrafa?

J.J. Mi hijo obviamente tiene un impacto. Me transformó física y mentalmente, lo que me lleva a trabajar en mis autorretratos de manera diferente. Ya no tengo el mismo aspecto en mi imagen, ni las mismas prioridades, y por lo tanto mis ideas cambian. También estoy más interesada en fotografiar niños y mujeres embarazadas. ¡Mi hijo probablemente se convertirá en mi modelo favorito!

4. El maquillaje es uno de los aspectos más llamativos en tus fotografías, ¿Quién se encarga de hacerlos?

J.J. Yo misma hago todo el maquillaje. De hecho, hago todos los pasos sola: maquillaje y estilismo, iluminación, fotografía (con un control remoto para mis autorretratos) y luego postproducción (photoshop). Amo todos los pasos.

5. Qué influencia tiene tu hermana a la hora de una sesión fotográfica?

J.J. Mi hermana no está presente durante las tomas. La mayoría de las veces estoy sola o sola con mi modelo. Pero a veces hace videos de las sesiones que encuentro magníficas. Ella es muy talentosa. También me gusta fotografiarla y ella lo disfruta.

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6. Tu producción es meticulosa, ¿Cuánto tiempo te toma aproximadamente la producción de una fotografía?

J.J. Realmente depende. Si el maquillaje es bastante «simple», puede llevar solo una hora de principio a fin (desde el maquillaje hasta el photoshop). De lo contrario, varía entre 3 y 5 horas, a veces incluso más.

pero ella nunca fue realmente una inspiración.

Es una artista y una mujer que admiro mucho, y entiendo el vínculo que la gente hace entre nosotros, pero sé muy poco sobre su universo y su música.

9. ¿Qué cambios trajo a tu vida laboral ser la ganadora del 2nd Prize Picto Fashion Award 2015?

7. ¿Hay mucha diferencia para tí entre hacer autorretratos y fotografiar a una modelo? ¿Qué prefieres?

J.J. Gracias a esto, mi agente me vió, lo que me lleva a hacer grandes exposiciones y mostrar mi trabajo en galerías.

J.J. Prefiero autorretratos porque me siento mucho más libre en todos los sentidos: creación, horas, restricciones, el derecho a equivocarse.

10. ¿Hay algún tipo de fotografía que disfrutes hacer más alla de los retratos?

8. ¿Es cierto que Lady Gaga es tu musa? ¿Por qué?

J.J. A menudo me comparan con Lady Gaga pero ella nunca fue realmente una inspiración.

Es una artista y una mujer que admiro mucho, y entiendo el vínculo que la gente hace entre nosotros, pero sé muy poco sobre su universo y su música.

J.J. ¡Debo decir que soy bastante monomaníaca de los retratos!

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1. ¿Establecerías tu estética fotográfica en una categoría?

E.I. Si quisiera, habría unos pocos. Ahí está mi trabajo artístico, vendido en YellowKorner. Pero también tengo otros estilos, por ejemplo, cuando filmo para una revista o una campaña, no pienso en la dirección de arte de la misma manera. Incluso mi trabajo personal puede tener algunas subcategorías: pop-art, surrealista, abstracto. Pero siempre hay un modelo humano en mis imágenes, así que supongo que también cae en la categoría de retratos.

2. En tus fotografías, el sueño nunca está lejos de la realidad. ¿Qué te inspira?

E.I. Me inspiran diferentes formas, texturas, y colores para crear composiciones algo surrealistas entorno a mis modelos que a su vez inspiran por su elegancia y singularidad. Me inspiran mucho las paletas de colores de mis pintores favoritos como Gauguin, Hockney, Van gogh, matisse...

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3. Qué importancia tiene para usted la feminidad en su trabajo fotográfico?

4. ¿Has pensado en incluir hombres en tus sesiones de fotos?

E.I. Mi trabajo tiene que ver con la feminidad.

Me imagino a mis modelos en diferentes estados de ánimo y actitudes que siempre resaltan su feminidad.

E.I. A menudo hago sesiones de retratos para hombres, pero prefiero reservar la parte creativa para las modelos femeninas.

5. Sabemos que empezaste en el mundo fotográfico como modelo, ¿Cómo pasaste de este papel al de fotógrafa?

6. ¿Te encargas de la preproducción de tus fotografías?

E.I. En realidad hubo una brecha de varios años entre las dos carreras. No estoy segura de que haya alguna conexión, pero la experiencia ayuda mucho con la guía de mis modelos.

E.I. La mayoría de mis proyectos artísticos personales son producidos completamente por mi misma.

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7. ¿Cuentas con algún equipo de trabajo?

E.I. Por supuesto, trabajo con un equipo en proyectos comerciales y editoriales.

8. ¿Qué sentimientos quieres despertar en tu audiencia?

E.I. Quiero que las personas que miran mi trabajo siempre tengan emociones positivas, se sientan bien y felices. No quiero que mis imágenes causen demasiados pensamientos o miedo.

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9. ¿Te lleva mucho tiempo preparar una producción?

9. ¿Te lleva mucho tiempo preparar una producción?

E.I. Por lo general no, es bastante espontáneo para mi proyecto artístico. Tal vez un par de días, pero es diferente cada vez, dependiendo del set.

E.I. Por lo general no, es bastante espontáneo para mi proyecto artístico. Tal vez un par de días, pero es diferente cada vez, dependiendo del set.

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nubes de humo en la cultura pop #inspiraciónyk Por Jesús Peña

El cigarillo se ha convertido en una imagen, sinónimo de rebeldía que roza la anarquía en una sociedad distante de la época dorada de su consumo.

Fumar va en contra de todos los pensamientos actuales, en donde la salud y la oda a cuidar el cuerpo son prácticamente una doctrina en la sociedad actual, pero, ¿qué representa el cigarrillo visualmente en la cultura pop?

No more No less Formento+Formento

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Para entender todo esto, debemos irnos un poco a los siglos XVI y XVII donde la alta sociedad se sentaba frente a la chimenea con un coñac y una pipa llena de tabaco molido a charlas sobre el día.

Smoke break cinecitta Formento+Formento

La manera en que llegaba a ser casi un ritual se convertía en un vicio, un estilo de vida para el sector mas acomodado.

Pipas de marfil e incluso podían decorar las más lujosas mansiones o ir a un día de caza.

Love me now Hell is coming Formento+Formento

Morning II Vladislav Spivak

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Mechanic Vladislav Spivak

Los gobiernos entendieron que el tabaco podría suponer una gran fuente de ingresos para el estado y es así como en el siglo XX se implementaron impuestos para las empresas que se dedicaban al cultivo y armado de tabaco.

Smoking Love Alex Manchev

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Al inicio de la década de los 20’s las tabaqueras empiezan a crear las primeras campañas de mercadeo “agresivas”, dirigidas a potenciar ventas, sin redes sociales o vídeos virales, generalizan un habito que se expande por el mundo.

Fumar cigarrillos se convierte en una agradable costumbre entre hombres y mujeres atrevidas acorde a la mentalidad y estilo de vida de los aùos 20’s. Las tabacaleras empiezan a asociar el tabaco con modelos de comportamiento de personajes famosos, tanto reales como ficticios, que dan un shock de adrenalina por ir al abasto a comprar una cajetilla.

Taking a breath Ben Moore

Fumar cigarrillos se convierte en una agradable costumbre entre hombres y mujeres atrevidas acorde a la mentalidad y estilo de vida de los aùos 20’s. Las tabacaleras empiezan a asociar el tabaco con modelos de comportamiento de personajes famosos, tanto reales como ficticios, que dan un shock de adrenalina por ir al abasto a comprar una cajetilla.

1910 They Were All Smoking Missouri Marie-Lou Chatel

En la industria sabían lo perjudicial que era el tabaco para la población, pero los vendedores y las compañías de publicidad hacían un trabajo impecable para maquillar todos esos datos, incluso sobornando profesionales de la medicina para hablar de sus maravillosos beneficios.

Mechanic II Vladislav Spivak

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Entre los años 40’s y 50’s la industria del cine en los Estados Unidos se convirtió en la mejor máquina publicitaria del tabaco. Figuras como Humphrey Bogart y Marlene Dietrich se convierten en modelos a seguir por los adolescentes de la época. Cada cantante o artista utilizaban el cigarrillo como parte de su look habitual en cada concierto o sesión fotográfica.

El humo hace parte de la atmósfera de estos ídolos inalcanzables.

Louis Armstrong, 1965 Herve Gloaguen

Ya en los 70’s los gobiernos deciden poner restricciones cada vez mas fuertes hacia la industria del tabaco y se formulan leyes y regulaciones para los fumadores.

The Sleepover. Gabriela Giovanardi Tatiana Gerusova

Dexter Gordon Francis Wolff

Estas restricciones convierten al tabaco en símbolo de rebeldía ante el estado y solo logro que aumentara su consumo ya que no era solo un hábito sino una manera de manifestarte en contra de la ley.

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Con esto concluimos la historia que ha sufrido el cigarrillo, con altos y bajos y como el tiempo ha cambiado el pensamiento, que para nuestros abuelos era algo normal y ahora es visto como un elemento disruptivo y desafiante e incluso sensual con un toque de arrogancia. Los desnudos se mezclan entre nubes de nicotina para que prioricemos el glamour y la estĂŠtica que nos ofrece el momento.

Dark Angel Sime Eskinja

Smoking Blonde Ben Moore

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Bogotá, Agosto de 2020 Colombia

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