El Realismo Artístico

ALUMNOS Chantall Suazo / A00104456 Yeilyn Agramonte/ A00104587 Benjamin Sanchez / A00104940 Luiggi Mella / A00106411 Kevin Vega / A00098069

MATERIA Arte y comunicación III

GRUPO 5 DOCENTE Olga Vidal

Realismo El realismo es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de la apariencia de las cosas.

Temas Al arte realista se le considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes con las reglas empíricas y seculares, es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales y que no haya ningún tipo de participación divina o sobre natural.

Contexto histórico Francia vuelve a ser el lugar de origen de un movimiento revolucionario como este, que pese a mostrar la cruda realidad, no lo hacen académicamente, sino todo lo contrario.

Es por ello por lo que este movimiento adopta una postura activamente política, denunciando las injusticias sociales y comprometiéndose con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda.

El costumbrismo se convierte para los realistas un tema mayor para la pintura, así como el paisaje.

Características del realismo: El Realismo surge inicialmente en Francia, donde floreció una novela realista de enorme mérito. Después se extendió a otros países del entorno occidental y alcanzó un gran cultivo en Inglaterra y Rusia.

Sus características fundamentales son: 

Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto de atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes. Para lograr este objetivo el escritor se documenta minuciosamente (mediante lecturas y sobre el terreno) sobre el tema que desea tratar.



Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes

sociales

(preferentemente

urbanos,

y

minuciosamente

descritos). Los protagonistas son individuos analizados psicológicamente de manera muy exhaustiva, de modo que el lector conoce hasta los más íntimos recovecos de su alma.



La necesidad de describir profundamente el interior de los personajes determina la presencia de un narrador omnisciente (es decir, aquel que conoce con detalle el pasado y el presente, y es capaz incluso de anticipar el futuro de los personajes. Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector para comentar sus comportamientos.

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El estilo sobrio, preciso y elaborado. Como se pretende reflejar la realidad de modo verosímil aparecen diferentes registros lingüísticos, acordes con el habla de los personajes.

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Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares concretos y reales bien conocidos (como Madrid, en Pérez Galdós) o con nombre imaginario de trasfondo real (así, Vetusta, en La Regenta de Clarín, representa la ciudad de Oviedo).

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Los novelistas realistas suelen profesar una ideología progresista y, a veces, la dejan translucir en sus novelas (aunque no se suelen pronunciar y dejan que el lector extraiga sus conclusiones). Toman partido ante la realidad, por eso denuncian las injusticias y reclaman una mayor atención para los desposeídos.

Autores y algunas de sus obras

Jean-François Millet El autor buscará retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural, seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía por tratar esto como tema central en su obra.

El aventador Ante un dramático espacio interior, la figura del aventador cribando el trigo con los pies calzados con unos anchos zuecos y viejos paños, cual harapos, atados con un pedazo de cuerda sobre el pantalón a fin de evitar su deterioro, sufre como una imagen delatora aunque, como siempre en Millet, sumisa de la pobreza y de la dura lucha cotidiana por la supervivencia del humilde trabajador rural a sueldo.

Las espigadoras

Esta es una de las pinturas más conocidas de Millet, Las espigadoras (1857).

Caminando por los campos alrededor de Barbizon apareció un tema recurrente en el lápiz y pincel de Millet durante siete años—el espigueo, el derecho secular de las mujeres pobres y de los niños de llevarse el grano abandonado en los campos, después de la cosecha. Encontró que era un tema eterno, unido a historias del Antiguo Testamento. En 1857, presentó la pintura Las espigadoras en el Salón, con un público poco entusiasta, incluso hostil.

Una cálida luz dorada sugiere algo sagrado y eterno en esta escena cotidiana en la que se desarrolla la lucha por la supervivencia. Durante sus años de estudios preparatorios Millet sopesó cómo transmitir mejor el sentido de repetición y fatiga en las vidas diarias de los campesinos. Las líneas trazadas sobre la espalda de cada mujer llevan al suelo y luego se repiten en movimiento idéntico a su labor interminable y agotadora. A lo largo del horizonte, el ocaso perfila la granja con sus abundantes montones de grano, en contraste con las largas figuras sombrías en el primer plano. Los vestidos sencillos y oscuros de las espigadoras cortan robustas formas contra el campo dorado, lo que da a cada mujer una fuerza noble y monumental.

El Ángelus

La pintura fue un encargo de Thomas Gold Appleton, un coleccionista de arte estadounidense que residía en Boston, Massachusetts, y quien previamente había estudiado con el pintor de Barbizon, Troyon, un amigo de Millet. Fue terminado durante el verano de 1857. Millet añadió un campanario y cambió el título primero de

la obra, Oración por la cosecha de patata por El Ángelus cuando el comprador no lo recogió en 1859. Mostrada al público por vez primera en 1865, la pintura cambió de manos varias veces, incrementando su valor sólo modestamente, puesto que algunos consideraban que el artista tenía sospechosas simpatías políticas. A la muerte de Millet una década después, una guerra de ofertas estalló entre los Estados Unidos y Francia, acabando unos años más tarde con un precio de 800 000 francos de oro.

Jean-Baptiste-Camille Corot La influencia de Corot fue decisiva en los primeros pasos de Monet, Renoir y Berthe Morisot, así como en toda la obra de Camille Pissarro, aunque no vio con simpatía al impresionismo como grupo, debido a la rebeldía antiinstitucional de sus jóvenes colegas.

Corot aunó la herencia clásica y romántica en el paisaje, sumando a la solidez compositiva de la tradición la frescura de la ejecución al aire libre, la paleta clara y el sentido de lo fragmentario. Sin él, quizás no hubiera sido posible el valor espacial y constructivo que, años después, Cézanne le daría a la pincelada impresionista, poniendo con ello el primer peldaño de la historia de la pintura moderna.

Ville-d’Avray

Ville-d’Avray es una pintura al óleo de 1865 del artista francés Jean-BaptisteCamille Corot. Actualmente se encuentra en exhibición en la Galería Nacional de Arte en Washington D.C .. La pintura es de la comuna donde vivió Corot en Villed'Avray.

El puente de Narni

El puente de Narni (en francés, Le pont de Narni), es uno de los más conocidos paisajes del pintor francés Camille Corot. En realidad, de este tema existen dos versiones diferentes: una en París y otra en Ottawa (Canadá). La primera versión fue pintada en 1826 y mide 34 cm de alto por 48 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de París, por donación de Étienne MoreauNélaton (1906). Es una de las primeras obras de Corot. Pertenece a su primera estancia en Roma (1825-1828), durante la cual pintó del natural una serie de esbozos al óleo, vistas de antiguos monumentos romanos y paisajes de los alrededores de Roma, como este del puente de Narni. Es uno de los primeros pintores que pintó en plena naturaleza, algo que luego hicieron los impresionistas.

Se caracteriza por la libertad en el toque pictórico y en la perspectiva asumida. El pintor capta la luz con inusual espontaneidad. Esta pálida luminosidad es realista.

La mujer de la perla

Como estudiante de arte, antes de que Corot pudiera irse a Italia para estudiar las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento y las ruinas romanas, sus padres le permitieron irse solo con la condición de que les pintara un retrato. A lo largo de su carrera pictórica realizó una gran cantidad de retratos. Cada vez que pintaba un retrato de un miembro de la familia, creaba una copia; una pintura para la familia y un retrato para el miembro de la familia. También hizo a menudo copias de sus paisajes, una práctica que llevó a la falsificación y copia extensivas de sus obras más adelante en su carrera y después de su muerte.

Femme Lisant

Femme Lisant es una pintura de 1869 del artista francés Jean-Baptiste-Camille Corot. La pintura se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. [1] La pintura representa a una mujer leyendo; a lo lejos hay un hombre en un bote.

Corot, cuya reputación se hizo como paisajista, pintó muchas imágenes de mujeres

solitarias y pensativas en sus últimos años. Femme Lisant, que se mostró en el Salón de 1869, es la única de ellas que exhibió en su vida.

Honoré Daumier (Marsella, 1808 - Valmondois, Francia, 1879) Caricaturista, pintor y escultor francés.

Destacó sobre todo como caricaturista, con litografías de sátira política, social y de costumbres que aparecieron en publicaciones periódicas como La Silhouette, La Caricature y Le Charivari. Su género era el de caricatura y su obra mas notable fue el vagón de tercera.

El vagón de tercera

Creación en 1862 y 1862 , El vagón de tercera clase, como muchas otras de sus obras, evidencia el interés de Daumier por las clases más humildes. Durante el siglo XIX y primeros años del XX, los vagones de tercera clase eran compartimentos austeros, sin la menor comodidad, con bancos de madera duros, donde viajaban hacinados los que no podían pagar billetes de segunda o primera clase.

Las versiones de Nueva York y Ottawa son ambas óleos sobre tela similares, y miden 65,4 cm x 90,2 cm. La representación de una clase social humilde y poco tomada en cuenta por el estado muestra un dramatismo que anticipa el futuro expresionismo de Munch, Ensor, Kirchner y Egon Schiele.

El vientre legislativo

Creación en 1834 , En esta litografía sólo se ve la sección central de las bancadas: minisistros a quienes volvieron las celebridades, burgueses conservadores, en su mayoría, que desde 1830 y en favor de la monarquía, sustrajeron a los ciudadanos los logros democráticos de la revolución de 1789. Dibujó esta litografía un año después de haber salido de la cárcel, donde lo habían confinado las leyes de 1830 que restringían la libertad de prensa y que lo castigaron por un par de caricaturas contra Luis Felipe. El vientre salió a la luz en Association mensuelle, que Philipon lanzó con el propósito de que las suscripciones ayudaran a pagar las multas que le imponía la censura.

La lavandera

} Creación en 1863, Es una de las obras que realizó Honoré Daumier, retratando a las clases humildes francesas durante el segundo imperio, como Un vagón de tercera de la misma época. De ellas se desprende la impresión de sufrimiento, del trabajo agotador que desempeñan. No obstante, también puede apreciarse que la lavandera es fuerte, robusta, lo que reflejaría su consideración como una heroína, un «monumento a la honradez», pues así se veía por parte del socialismo de la

época romántica. Este cuadro se trata de una exaltación de la mujer, trabajadora y madre a la vez.

Se representa como centro del cuadro a una mujer solitaria y trabajadora, que ha terminado su jornada y sube las escaleras, desde las orillas del río, dando la mano a un niño. Va cargada con un fardo en el que lleva ropa. Detrás de ella se ven las casas brillando esquemáticamente a la luz vespertina

Gustave Courbet (Ornans, Francia, 10 de junio de 1819-La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista republicano, cercano al socialismo revolucionario. Estudió en la Academia Suiza la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca, veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. Escoge temas y personajes de la realidad cotidiana, sin caer en el «pintoresquismo» o «folclorismo» decorativo. Su técnica es rigurosa con el pincel, con el pincel plano y con

la

espátula,

pero

su

mayor

innovación

es

la

elección

de

temas costumbristas como motivos dignos de los grandes formatos, que hasta entonces se reservaban a «temas elevados»: religiosos, históricos, mitológicos y retratos de las clases altas.

Autorretrato con perro negro

O Retrato del artista, es un cuadro del pintor francés Gustave Courbet, ejecutado en 1842 y retocado en 1844.Un joven que lleva un sombrero de ala ancha y redonda está sentado en la tierra, flanqueado por un perro negro. La figura, apoyada contra una gran roca, mira al espectador mientras sostiene una pipa. Detrás de él, contra la

piedra y sobre la hierba un libro y un bastón. A lo lejos, se observa un paisaje: un valle, árboles y colinas, dominados por cielos azules y nubosos.

A izquierda, está inscrita en azul la firma «Gustave Courbet» y una fecha, «1842».

Cortesanas al borde del Sena

(en francés, Les Demoiselles des bords de la Seine), es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo.

Mide 174 cm de alto y 206 cm de ancho. Fue pintado en 1856, encontrándose actualmente en el Museo de Bella Artes, de París, Francia. También es conocido por su traducción literal: Las señoritas (o Jóvenes) al borde del Sena (o a las orillas del Sena).

La escena representa a dos jóvenes que han realizado una excursión por el Sena en el verano y, cansadas, se tumban a descansar en la orilla, a la sombra de unos árboles. Una de ellas está dormida. La otra se apoya en una mano, pensativa.

Esta obra fue expuesta en el Salón de París de 1857 y creó un gran escándalo. Sólo puede explicarse por el realismo que imprimió a la pintura, tanto en su tratamiento como en el tema tan corriente y vulgar que lo protagonizaba. Además, lo hacía en un estilo que no lograba distanciar a las muchachas del espectador.

El encuentro

(en francés La rencontre o Bonjour Monsieur Courbet) es un cuadro del pintor realista francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 129 cm de alto por 149 cm de ancho. Fue pintado en 1854 encontrándose actualmente en el Museo Fabre.1 Esta pintura es tradicionalmente interpretada como un cuadro en el que Courbet se retrata a sí mismo mientras viajaba a Montpellier siendo saludado por su mecenas Alfred Buyas, su sirviente Calas y su perro Breton. El cuadro está basado en la figura del Judío Errante. Este cuadro fue expuesto por primera vez en la Exposición Universal de París de 1855 donde los críticos de arte lo ridiculizaron llamándolo "Bonjour, Monsieur Courbet" (en español Buenos días, señor Courbet). Bruyas no no lo exhibió otra vez hasta que lo donó al Museo Fabre en 1868.

Édouard Manet Las obras de Manet son consideradas como iniciadoras del impresionismo.

Muestran una visión emotiva del hombre europeo del siglo XIX.

Edouard Manet Francia, 1832-1883 Édouard Manet fue un pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

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La música en las tullerías 1862 Se trata del jardín de Palacio de las Tullerías, donde Napoleón se albergaba junto a su corte, y al menos dos veces por semana se abría al público para escuchar música. A estos actos iban la más alta y refinada burguesía parisina del siglo XIX, y mientras aquellas figuras más cercanas al espectador son retratos de personas claramente identificadas entre las que se encuentra el propio Manet, que aparece situado en el borde izquierdo de la composición, alto, barbudo y con sombrero de copa, también está Baudelaire a la derecha de Manet, Victorine Meurent, su querida amiga modelo a la que representó en varias ocasiones, su hermano Eugène, el músico Offenbach, el poeta Théophile Gautier, etc.

Olympia Francia, 1863 Olympia es una de las pinturas más famosas de Manet, y cuando fue expuesta en el año 1865 en el Salón de París causó un gran escándalo pues los desnudos solo estaban concebidos en las obras de carácter alegórico o mitológico y esto era una realidad, por lo que la obra fue tachada de pornográfica y a él falto de moral.

Ella dirige su mirada con gran sensualidad al espectador, como si todo aquel que se plantara delante del cuadro fuera el cliente a seducir. Ni qué decir que la principal fuente de inspiración fue la Venus de Urbino de Tiziano, aunque también tiene ciertos ecos de la Gran Odalisca de Ingres o la Maja desnuda de Goya.

Almuerzo en la hierva Francia, 1863 Otra de las obras más importantes de Manet fue Almuerzo sobre la hierba.

Argenteuil (1874) Argenteuil, esta obra se haya calificado como la primera obra impresionista de Manet, tanto por la temática naturalista como por las pinceladas algo más suelta.

Los verdaderos protagonistas de la escena son un barquero, identificado como su cuñado Rudolph Leenhoof, junto a una hermosa mujer que se desconoce quién es.

Ambos se encuentran sentados en un banco, al borde del río Sena tras la luz de un atardecer veraniego.

Un bar del Folies-Bergère (1882) Manet, se centra en un cabaré situado en Montmartre, Folies Bergère, el favorito de la clase proletaria, pero que muy pronto empezó a ser frecuentado por la burguesía que encontraba allí alguna que otra prostituta. Las miradas se centran en Suzon, la chica que aparece en primer plano tras una barra de mármol repletas de botellas y cuencos con fruta, tras ella un enorme espejo que refleja todo aquello que no podríamos ver.