¡A,B,C, DISEÑO! CONCEPTOS BÁSICOS DE DISEÑO.

¡A,B,C, DISEÑO!

¡A,B,C,DISEÑO! Diseño básico para diseñadores.

Axel Steven Gutiérrez González Yaneth Daniela Plazas Miranda

Primera edición español 2021 ISBN: 978-958-65547-1-1 © Yaneth Daniela Plazas Miranda, 2021. © Axel Steven Gutiérrez González, 2021. © Editorial Unitec,Co. 2021.

Cl. 76 N° 12-58 111211 Bogotá, Co. Tel:7434343 Derechos reservados: Es propiedad de los editores.

Copyright-©-2021.

La información, ilustraciones y contenido de esta obra son totalmente reservados, por lo tanto, esta prohibida su reproducción total o parcial.

Diseño y composición: Axel Steven Gutiérrez González.

Diseño e ilustración: Yaneth Daniela Plazas Miranda.

Tipografías utilizadas: LemonMilk y Gandhi.

A los que creen que lo saben todo.

A los maestros que si aman enseñar.

A los que piensan que el diseño es fácil.

A los que comienzan la aventura del diseño.

A nuestra familia por creer que si ganaremos dinero.

La experiencia nos ha demostrado que un verdadero diseñador no es el que habla más, sino el que lo demuestra con sus diseños.

-Axel Steven Gutiérrez González -Yaneth Daniela Plazas Miranda

PRÓLOGO

Como en el abecedario aprendamos todo desde el principio en el diseño por eso esta obra se titula !A,B,C, DISEÑO! para iniciar la lectura citaremos está frase: “estudia para que seas amable y buena persona. No para que te sientas superior a los demás”. Con este libro se busca educar a través de lo que es fundamental y esencial que todo diseñador debería de saber para ser un buen profesional.

Entendemos que el ser diseñador no es fácil, por esto mismo la idea surgió desde nosotros como estudiantes de está carrera y los problemas que se iban presentando en el camino de ser profesionales, en cuanto a nuestros compañeros nos dimos cuenta que el primer semestre es una puerta a un nuevo mundo, realmente nos hubiera encantado saber o leer este libro antes de comenzar nuestra aventura, desde que se comienza en una carrera creativa se puede observar que es más que un estilo de vida.

Es de vital importancia que los diseñadores sepan a pesar de los años que se esté estudiando lo esencial de la teoría del diseño pues esto es la base de todo, ya que al saber sobre cada concepto se puede llegar lejos y se ve evidente en las obras realizadas.

-Yaneth Daniela Plazas Miranda

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LO ESENCIAL EN EL DISEÑO

L

as diversas tecnologías y métodos utilizados antiguamente para la manipulación y transmisión de comunicación visual intencionada, han ido modificando sucesivamente la actividad que hoy conocemos por diseño gráfico, hasta el extremo, de confundir el campo de actividades y competencias que debería serle propio, incluyendo por supuesto, sus lejanas fuentes originales.

El desarrollo de los productos y servicios ha crecido espectacularmente, lo que les obliga a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado. Es en este momento cuando surge la publicidad, y con ella la evolución del diseño gráfico como forma estratégica de comunicar, atraer y ganar la batalla frente a los competidores.

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Antecedentes históricos

La representación gráfica tiene una larga historia.

Podemos percibir algunos elementos gráficos desde la edad de las cavernas, donde el hombre cazaba y buscaba su propio alimento, y encontramos ejemplos de esta representación desde que el hombre imprimía algún tipo de huella, o representaba alguna figura animal, dando a conocer por primera vez un tipo de signo gráfico. A lo largo de la historia del hombre, encontramos que en ciertas culturas fue desarrollando de una manera más específica lo que son las características de los antecedentes al diseño gráfico como tal y a los elementos gráficos que lo conforman.

Desde épocas prehistóricas, el hombre ha buscado la manera para crear una forma visual para ideas y conceptos, para almacenar conocimiento en la forma gráfica y finalmente para dar orden y claridad a la información. A lo largo del curso de la historia, algunos escribas, impresores y artistas han logrado satisfacer esa necesidad.

El desarrollo de la escritura y del lenguaje visual tuvo sus primeros orígenes en simples dibujos, los cuales son tomados en consideración como los inicios de la estructura, al igual que de un lenguaje gráfico. Estos elementos fueron utilizados por los hombres en la época prehistórica para transmitir información clara.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

Foto: La famosa Cueva de Lascaux por National Geographic

El diseño gráfico, también conocido como diseño en comunicación visual, es una profesión que consiste en proyectar mensajes visuales mediante objetos determinados para comunicar a distintos grupos sociales. Gracias al diseño gráfico, se puede hacer uso de las piezas gráficas para comunicar, ya sea un mensaje publicitario, social, político o puramente informativo.

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Los primeros hallazgos fueron encontrados en África, datan de aproximadamente 200,000 años. Desde el periodo Paleolítico al periodo Neolítico, los primeros africanos y europeos dejaron pinturas en cuevas incluyendo la famosa Lascaux al sur de Francia. Estos hombres realizaban sus representaciones utilizando colores hechos a base de pigmentos naturales y minerales, con la utilización de algún tipo de pincel o con el dedo.

Esto no es únicamente el inicio del arte como suponemos, sino el “inicio también de la comunicación visual, pues estos dibujos fueron hechos para la supervivencia y con un propósito utilitario y ritualístico en su esencia.”

En 1922, el término “diseño gráfico” fue utilizado por primera vez por William Addisson Dwiggins, para describir sus actividades “como individuo que daba orden estructural y forma visual a la comunicación impresa y a una profesión emergente.” Los escribas Simerios que inventaron la escritura así como los artesanos egipcios que combinaron palabras e imágenes en papiros manuscritos, los calígrafos chinos, iluminadores medievales, impresores medievales y los compositores que diseñaron los primeros libros, todos ellos forman parte de la rica historia y herencia del diseño gráfico.

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Imagen del movimiento “Arts and Crafts” por William Morris

No es sino hasta la Revolución Industrial, cuando el arte deja de ser solamente utilitario. “el concepto de arte “for art’s sake”, un objeto bello que existe solamente por su valor estético, no se desarrolló sino hasta el siglo XIX, antes de la Revolución Industrial, la belleza de las formas y las imágenes que el hombre hacía estaban relacionadas con la funcionalidad que tenían en la sociedad.” Las cualidades estéticas de la cerámica griega, de los jeroglíficos y manuscritos egipcios estaban totalmente integrados con valores utilitarios; el arte y la vida estaban unidos en un todo absoluto.

La Revolución industrial le da la vuelta al mundo en cuanto a este tema, creando un proceso tecnológico que se movía rápidamente. Sacando al movimiento del “Arts and Crafts”, de sus roles sociales y económicos, la era de la máquina creo un abismo entre la vida material de las personas y sus necesidades sensitivas y espirituales.

Había necesidad de una reestructuración de la unidad de la humanidad con el ambiente natural, una creciente conciencia de esta necesidad.

Craig, james. Thirty centuries of graphic Design.

New York 1987. Watson – Gutpill Publications.pag 109 Meggs B. Philip. A history of graphic design.

EEUU. 1922. New York

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

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En cuanto a valores humanos y estéticos en lo que respecta al entorno creado por el hombre y a la comunicación de masa. Es justamente William Morris, reconocido diseñador inglés, fundador del “Arts and Crafts” que influenciado por la época en que vivía y la obra publicada por Karl Marx, toma una dirección diferente en cuanto a las obras realizadas en ese entonces, busca más a fondo en el arte, el diseño, etc. Para encontrar aspectos naturales, estéticos que en esa época habían perdido importancia. Y es este el momento histórico de mayor importancia para el diseño gráfico donde las artes de diseñar en general: arquitectura, moda, diseño de productos, diseño de interiores y diseño gráfico, ofrecen una solución para esta reestructuración armoniosa.

Imagen del movimiento “Arts and Crafts”

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La evolución del diseño gráfico se desarrolla a mediados del siglo XV con la Revolución Industrial, consolidándose definitivamente en el siglo XX a lo largo de sucesivas etapas históricas. Primero, destacan los años 20, época arraigada a profundos cambios que favorecieron la aparición del Art Deco. El diseño gráfico en los años 30, influenciado negativamente por la Gran Depresión, que restringe el Art Deco seguido del movimiento futurista. La propaganda política soviética protagonizará el periodo de los 40, dando paso al modernismo de la etapa posbélica de los 50.

En el diseño gráfico de los años 60 destaca la contraposición del estilo modernista con el psicodélico.

E l d i seño Gráfico hasta Nuestros días

En consecuencia, en los años 70 nace el estilo pop-retro. Asimismo, la evolución del diseño gráfico se acelera con la aparición de Internet en los 80.

“El mayor impulso del diseño gráfico, después de la Bauhaus, es un espíritu de liberación, una libertad de ser intuitivo y personal y de ir en contra de la ciega devoción del diseño moderno que dominó hasta gran parte del siglo XX. Una atmósfera de posibilidades de inclusión y de expansión permitió que muchos diseñadores experimentaran con direcciones muy personales e incluso excéntricas.” Esto resulta en diseño de mobiliario, objetos, carteles y portadas de libros, en folletos, volantes, etc. Cuyas palabras y fotografías se unifican por medio de una técnica común y de superficie. En contrapunto con la precisión del diseño asistido por computadora.

Diseño mexicano: industrial y Gráfico Grupo Editorial Iberoamericano. México. 1991 Diseño Mexicano. Ibidem Solas, Javier G. La comunicación Gráfica como saber sometido http//members.fortunecity.es/robertexto/archivo9/comu_graf.html

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

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Evolución, así es como se puede definir este proceso de formación o crecimiento; desarrollo gradual, pacífico y progresivo en la estructura durante un periodo de tiempo en el diseño, ya que es un proceso necesario no solo en la naturaleza sino en cada ámbito de la vida misma, por ello hablaremos del diseño gráfico hasta nuestros días.

Desde los años 80 en adelante los diseñadores se fascinaron cada vez más con el potencial del diseño asistido por computadora, no sólo como una herramienta eficiente de producción, sino como un potente catalizador para la innovación. Los hilos descubiertos por el diseño pos moderno se llegaron a entretejer con las capacidades electrónicas.

“Durante el último cuarto del siglo XX la tecnología electrónica y de computadoras avanzó a una velocidad asombrosa, transformando muchas áreas de la actividad humana. El diseño gráfico fue cambiando irrevocablemente por los programas y el equipo de computadoras con sistemas digitales.

A pesar de una fuerte resistencia inicial por parte de los diseñadores, la nueva tecnología mejoraba rápidamente causando que el rechazo desapareciera. La tecnología digital y los programas avanzados también contribuyeron a ampliar el potencial creativo del diseño gráfico al hacer posible una manipulación sin precedente del color, la forma, el espacio y las imágenes.

La tecnología transformó la era de comunicaciones masivas dirigidas a un público numeroso en un periodo en que los medios de comunicación descentralizados ofrecían pocas opciones.

El rápido desarrollo de la Internet y de la World Wide Web durante la década de los 90 transformó la forma en que la gente se comunica y el acceso a la información. La experimentación de las gráficas por computadora mezcló a través de las ideas de diseño modernas y postmodernas y exploró las técnicas electrónicas para crear un periodo de pluralismo y diversidad en el diseño. “Un proceso de definición de la naturaleza de las comunicaciones, del trabajo, de la autoría y del diseño gráfico está en camino.

El diseño gráfico está extendiéndose rápidamente y cambiando. A los diseñadores profesionales ahora se unen los nuevos talentos de diseñadores, quienes están extendiendo su medio en una experimentación auto iniciada y relacionada con las Bellas Artes. Un flujo dinámico, con capacidades técnicas en rápida expansión y crecientes posibilidades creativas está surgiendo.” Finalmente, el diseño digital minimalista está a la orden del día en los 90, y se convierte en indispensable en los 2000, etapa de auge para el branding.

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a i r o t s i h seño i d en del fico a á i r b g m colo

La historia del diseño gráfico en Colombia, tiene sus inicios a finales del siglo XIX. En el año 1881 se lleva a cabo la diagramación del «Papel Periódico Ilustrado», periódico importante para la época pues repercutió en el desarrollo de movimientos culturales. El diseño de esta publicación era impactante y creativo y se destacaba por sus grabados.

Para la misma época más o menos, fueron fundadas las primeras tipografías colombianas y uno de los primeros almacenes de implementos de oficina.

En el año 1889, fué fundada en la ciudad de Medellín la famosa tipografía «Felix de Bedout», cuyos creadores impulsaron avances técnicos de importancia, introduciendo la primera prensa de cilindro, ya que en ese entonces, sólo existían en nuestro país las prensas manuales.

Imagen de la diagramación en Papel Periódico Ilustrado por Alberto

En el año 1904 se dió origen a la fundación de Carvajal y Cía, importante empresa en nuestro Colombia que se ha dedicado durante más de 100 años al área de la impresión y los empaques, siendo una de las empresas de mayor importancia en este gremio y aportando a la industria colombiana con avances tecnológicos y productivos en el sector.

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En este mismo año el primer premio del Concurso de portadas para la revista Lectura y Arte de Medellín es ganado por Enrique Olarte quien presenta un trabajo con tendencias e inspiración hacia el Art Noveau, corriente artística que se destacaba en esa época por su cliché y extravagancia.

Igualmente es publicada la revista semanal denominada El Gráfico, publicación que circularía en Colombia durante 31 años, esta revista publicaba avisos de forma gratuita a sus clientes, convirtiéndolos en los primeros en nuestro país en publicar avisos clasificados, tal vez esta oportunidad comercial brindada, contribuyó en el gran impacto del semanario.

Para el año 1911 se fundaría uno de los periódicos de más trayectoria en Colombia y América Latina, que goza de un gran posicionamiento y reconocimiento entre la población tricolor. Les hablo de El Tiempo, un diario que mantiene informada a nuestra población y que curiosamente en su primera publicación presentaba solamente avisos clasificados .

Portada de la Revista El Gráfico por Hemeroteca No. 31

Para el año 1912 sería fundado el periódico El Colombiano, que se convertiría con el pasar del tiempo en el diario más reconocido de la ciudad de Medellín.

1916: Año destacado en la historia del diseño gráfico e impreso en Colombia por la fundación de la revista Cromos, que se destacó en sus inicios por publicar pinturas de artistas famosos colombianos, contribuyendo de esa manera en el aspecto cultural de nuestra nación.

Portada de la Revista Cromos por Hemeroteca No. 1

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

Portada de la Revista El Tiempo por Hemeroteca

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Uno de los primeros departamentos de publicidad para empresas colombianas es creado por Coltabaco en el año 1924, un hecho a destacar es que en 1925 la marca promocionó un concurso para la etiqueta de sus cigarrillos Pielroja, en este concurso los ganadores fueron Miguel Angel del Río y Ricardo Rendón. La etiqueta de cigarrillos Pielroja podría llegar a ser considerada uno de los primeros diseños gráficos para la posteridad, pues sigue siendo vigente aún 90 años después, destacando una marca de trayectoria y calidad que ha vencido el paso del tiempo, al menos hasta ahora.

Hacia la mitad de la década de los 20 comienzan a destacarse ilustradores de carteles y prensa. Entre los nombres a recordar se encuentran: Etelberto Isaza y David Álvarez (Medellín), Gómez Leal (Bogotá), , Núñez Navas (Bucaramanga).

Enrique White dirigió la «Revista Pan», fundada en 1935, divulgación artística y cultural distinguida en Colombia. Para esta fecha aproximadamente, se fundarían las primeras agencias de publicidad colombianas.

Portada de la Revista Pan por Hemeroteca No. 15

Logos de empresas colombianas que recordamos de la década de los 30 son: Compañía Nacional de Chocolates, Coltejer y Fabricato. Diseños gráficos desarrollados por Félix Mejía, Humberto Chávez, Luis Eduardo Viecco y Jaime Posada. Estas marcas son representativas de la industria nacional hasta nuestros días y sus imágenes corporativas se mantienen en nuestra memoria.

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El primer premio para diseñar el Abecedario Tangui para Letraset es ganado en 1973 por Gustavo Pardo Sarmiento. Un tipógrafo se destaca en diversos oficios, Camilo Umaña trabaja en la revista lámpara desde 1973 hasta 1993, así como en el Banco de la República, Museo Nacional y Editorial Norma.

Es en el año 1998 que la revista Proyecto Diseño lanza el premio Lápiz de Acero, con lo que se destaca año tras año la labor de los mejores diseñadores y diseños gráficos, industriales y otras áreas. Entre los que han ganado este concurso se destacan: Góndola – Identidad Corporativa con el logotipo de Ecogás, Jaime Cortés de los Ríos – Impresos, con la Cartilla Ecológica, Benjamín La Tercera Bienal Americana de Artes Gráficas es Villegas – Lápiz de Acero Editorial por su Libro trópico. organizada en 1975 con Milton Glaser como jurado.

El caricaturista Vladdo junto a Danilo Black asesoran a Semana y a al Espectador para el lanzar sus nuevas Se funda en el año 1976 Andigraf, ganadores del premio revistas editoriales. en de lo mejor del año en la industria gráfica a mediados de los 80.

Luego de los 90s: En los años 2000 y posterior la Antonio Grass gana por segunda vez el primer premio competitividad en esta rama crece a pasos agigantados, en la Bienal de los libros de arte en Israel en 1977 ya lo la llegada de Internet y nuevos medios cambia la manera había recibido en el año 1973. en la que se percibe y se difunde el diseñar, llegando hacia sus finales una nueva disciplina a la familia, el Gustavo Gómez y Rodrigo Fernández ganan el primer diseño web que hoy en día trabaja de la mano con el premio para el diseño del cartel para el XI Festival arte gráfica y la ingeniería.

Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Cuba en el año 1978.

Ramas como la animación crecen en auge día a día y la necesidad de buscar productos usables y eficientes Benjamín Villegas se destaca en el año como un gran en las áreas publicitarias hacen que la rama evolucione diseñador de imágenes corporativas como por ejemplo bastante rápido y en un ámbito muy competido, las el logosímbolo de Granahorrar, que posteriormente tabletas digitalizadoras y procesos basados en el plano se destacaría como editor de libros de lujo, marcando digital, superar a la tradicional usanza de los medios vanguardia en la industria editorial. la diseñadora de expresión tradicionales que sin embargo se siguen Marta Granados marca una pauta gracias a su trabajo usando, llegando incluso a valorarse a nivel aspectos del en Colcultura y en el Museo de Arte Moderno. arte urbano como el graffitti, lo cual le dá al arte de la ilustración nuevos sentidos y conceptos.

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La percepción en lo visual: Algunos factores psicológicos que debemos conocer son: 1. El equilibrio: El receptor tiene necesidad de buscar el equilibrio de la composición y los ejes en los cuales descansa. El desequilibrio crea provocación e inestabilidad. Tendremos que analizar que es lo que queremos transmitir al receptor y con respecto a esto crear una composición determinada.

2. La referencia horizontal: Necesitamos ver que los objetos o partes que componen una composición están de alguna forma apoyados.

La parte inferior se verá mejor que la superior, ya que será donde se constituya la base.

Gráficos por:Yaneth Plazas.

3. ángulo inferior izquierdo: Los hábitos de lectura occidentales han motivado El equilibrio, La referencia propiciado que la atención se centre más en la horizontal, Ángulo inferior parte izquierda y en concreto en la inferior izquierda. izquierdo, Relajamiento – tensión.

El diseñador gráfico es una especie de arquitecto del espacio gráfico y debe distribuir los elementos 4. Relajamiento-tensión: Psicológicamente en función de una estructura interna que tenga cuando tenemos una composición equilibrada, una significación, guía o intención coincidente con simétrica o predecible; sin embargo generaremos el mensaje que se quiera transmitir. tensión en el receptor si no es capaz de encontrar una lógica visual en la composición que le presentamos.

Esta estructura será la responsable de la elección cromática y su intencionalidad expresiva, de la elección de las imágenes o de la disposición de los bloques de texto.

andreas preis Andrea Preis es un diseñador, ilustrador y artista nacido en el Bosque Bávaro al sur de Alemania en 1984, donde descubrió su debilidad por dibujar y por los colores. A la temprana edad de 5 años decidió convertirse en un “pintor sin jefe” lo que se conoce hoy en día como freelance.

Estudió Communications design en Nuremberg. Se graduó en Georg-Simon-Ohm University con la obtención de un diploma en 2009.

Durante los últimos años Andrea ha trabajado para distintas marcas en las que se incluyen Adidas, Adobe, Atomic, Coca Cola, coors, DC Comics, ESPN, Ford, MINI, Microsoft, NAF NAF, Telekom, NIKE, o2, Tetrapak, Vans, Wacom, Warsteiner, etc.

Entre sus distintas técnicas y habilidades se encuentra la ilustración, los murales, tape art y pintura en vivo, así como las distintas áreas del diseño gráfico como la tipografía, diseño de logo, diseño de icono y se desempeña muy bien en la dirección de arte.

“Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet … y algún que otro artista”

PERCEPCIóN DE LOS ObJEtOS L

a percepción está condicionada por el aprendizaje o conocimiento previo que tengamos de los objetos. Nuestro cerebro tiene tendencia a ubicar los elementos dentro de los parámetros referenciales que nos hemos construidos a través de la experiencia previa o conocimiento.

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La percepción está condicionada por el aprendizaje o conocimiento previo que tengamos de los objetos. Nuestro cerebro tiene tendencia a ubicar los elementos dentro de los parámetros referenciales que nos hemos construidos a través de la experiencia previa o conocimiento.

Hay varios factores que influyen en la percepción:

La agrupación: Tendemos a organizar los elementos que percibimos en torno a conjuntos significativos organizados. Es como cuando miramos al cielo y vemos en las nubes una serie de figuras. Tenemos varias formas de agrupación por: 1. Proximidad (la cercanía de los distintos elementos nos hace tender a agruparlos).

2. Por Semejanza (cuando los elementos son parecidos o iguales también tendemos a agruparlos).

3. Por Continuidad (nuestra percepción crea continuidad significativa, como en las tramas de una imagen).

4. Por Simetría (para que los elementos formen figuras conocidas).

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ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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Los signos más básicos de los niños o de comunicación en la prehistoria nos pueden demostrar, además de su valor semántico, una intención natural del ser humano de organizar y estructurar las imágenes.

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1. Percepción figura-fondo: percibimos los elementos separados del fondo, aunque también podemos tener la percepción contraria, percibir el fondo como figura (muy habitual en los juegos de negativo y positivo).

2. Percepción de contorno: El contorno es precisamente lo que nos hace distinguir o separar la figura del fondo. Está marcado por un cambio de color o de saturación del mismo.

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3. Pregnancia: Tendemos a rellenar aquellos huecos de información que nos faltan para completar el objeto completo además la pregnancia nos permite completar la visión física que tiene nuestra retina.

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La percepción del color:

Los tres colores primarios:

El ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que El mundo material es incoloro. La materia posee la rigen tres tipos diferentes de sensaciones, característica de absorber determinadas partes del correspondientes a los colores primarios azul (azul espectro lumínico. La luz que no es absorbida es violáceo), verde y rojo (rojo anaranjado). A partir remitida y transmite estímulos de color diferentes al de ellos se forma para cada sensación de color un de la ambientación general, al llegar estos estímulos código de tres partes. espectrales distintos hasta el órgano de la vista es A los tres componentes del órgano de la vista cuando nos produce una sensación de color. le corresponden ocho colores elementales, dos Consideramos el poder de absorción del material acromáticos (blanco y negro) y seis colores como el color propio de su cuerpo, y la composición elementales cromáticos (amarillo, magenta, cían, espectral de un haz de luz como su color luminoso. azul violeta, verde y rojo naranja). Los ocho colores Aunque la absorción sólo es una cualidad latente elementales son las ocho posibilidades indivisas de y los rayos de luz sólo son sus transmisores de variación que resultan de los tres colores primarios. información. El color sólo es sensación de color, Representan las sensaciones de color extremas que el órgano de la vista es capaz de producir. producto del órgano de la vista.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

Percepción Visual: La existencia de los ocho colores elementales lo descubrió ya Leonardo da Vinci:

“Al negro y al blanco le siguen el azul y amarillo, luego el verde y el leonado u ocre; después el color de la mora y el rojo. Estos son ocho colores, y no existen más colores naturales” (Libro de Pintura. 1452-1519).

Síntesis aditiva (televisión): Entendemos que a partir de distintas intensidades de las luces de colores azul, rojo y verde podemos obtener una diversidad de colores. Como base ha de estar presente el color elemental acromático negro.

La síntesis aditiva imita tecnológicamente lo que hace el órgano de la vista, este principio constituye la base técnica de la televisión en color. Los colores elementales aditivos son negro, azul (azul violáceo), verde y rojo (rojo anaranjado).

Síntesis sustractiva (fotografía): Es lo opuesto o contrario a la síntesis aditiva. Se da cuando a una energía de radiación existente se le sustrae algo de su absorción. También se denomina síntesis sustractiva al principio en el que por la capacidad de absorción de tres filtros conjuntados se puede obtener la diversidad del espacio de colores.

En la síntesis sustractiva los efectos de tres capas de filtros combinan sus poderes de absorción frente al blanco. Este es el principio de trabajo de la fotografía en color. Los cuatro colores elementales sustractivos son blanco, amarillo, magenta y cían.

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milton glaser Nacido 26 de junio de 1929 en el Bronx de Nueva York, Milton Glaser se formó en la Escuela Superior de Música y Arte y la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York, entre 1948 y 1951.

Y a través de una beca Fulbright, también estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en Italia, donde estuvo con el pintor Giorgio Morandi.

Milton Glaser fue cofundador de los revolucionarios Push Pin Studios en 1954 con Seymour Chwast.

Años más tarde, en 1968 fundó con Clay Felker Felker New York Magazine, revista dedicada a los

estilos de vida, cultura, política… y competidora de The New Yorker, donde Glaser fue presidente y diseñador hasta 1977.

“Hay tres respuestas a una pieza de diseño: si, no y ¡GUAO! Wow es el objetivo”

ELEMENTOS

BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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e igual forma que el lenguaje verbal puede descomponerse en diversas unidades de distinta significación, también tenemos un lenguaje no verbal, visual, que puede constituir un alfabeto de significación. Es decir, que las imágenes podrían descomponerse en unidades de significación más pequeñas en función de algunos de sus componentes.

Los elementos básicos son pues: el punto, la línea, el plano, el contorno, la textura y el color.

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EL PUNTO Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención.

El punto esta definido por su color, dimensión y sobre todo por el dinamismo que puede reflejar dependiendo de donde lo situemos dentro del plano. Cuando vemos varios puntos dentro de una determinada composición, por el principio de agrupación, podemos construir formas, contornos, tono o color (como las imágenes de semitonos creadas con tramas de puntos para su composición).

Características del punto:

Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.

Gráficos por: Yaneth Plazas.

Da lugar a la creación de otros conceptos como el color cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.

Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

LA LÍNEA Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos.

Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto.

Además la línea separa planos, permitiendo crear diferentes niveles y volúmenes.

La línea puede tener múltiples significados y distintas formas de expresiones, desde la conformación de figuras a otros significados como acción, dirección, movimiento, estabilidad... dependiendo de sus distintos grosores o valores también variará su significado. Es uno de los elementos gráficos más utilizados, ya que definen Y delimitan las diferentes áreas de nuestra composición, además dirige la dirección de lectura dentro de una composición, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Sirve para conectar dos puntos en el espacio.

Podemos definirla como la unión o aproximación de varios puntos.

Gráficos por: Yaneth Plazas.

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Características de la línea:

El contorno

• Contiene gran expresividad gráfica y una fuerte energía.

• Casi nunca es estática.

• Crea tensión en el espacio gráfico que se encuentre.

• Se usa mucho para expresar la yuxtaposición de dos tonos.

• Por otro lado la línea comunica movimiento, dirección e incluso estabilidad.

Otra función de este elemento es, la de dar volumen a los objetos que dibujamos o creamos por medio de unión o aproximación de líneas. La línea es el medio indispensable para visualizar lo que no puede verse o lo que sólo existe en nuestra imaginación. Mediante el dibujo en línea representamos un objeto simbólicamente eliminando toda la información superflua y dejando únicamente lo esencial.

La línea puede expresar cosas muy diferentes dependiendo de su carácter, puede ser ondulada y delicada, vacilante, inflexible, fría o sensual... expresando la intencionalidad de su autor o el momento personal de éste en el acto de ejecución.

Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un mismo punto. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno.

Cuando la línea cierra un determinado espacio se crea una tensión entre el espacio y sus límites y es entonces cuando la línea tiene un gran poder de atracción.

La característica principal del contorno es que son estáticos o dinámicos dependiendo del uso que se les dé o de las diferentes direcciones que éste adopte.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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Las formas más generales del diseño provenientes de los principios básicos de verticalidad, horizontalidad, centro e inclinación, son el círculo, el rectángulo y el triángulo equilátero. Cada uno de ellos tiene su carácter específico y se les atribuyen diferentes significados. Los contornos básicos, por tanto, son estos tres:

1. El

círculo: Es una figura continuamente curvada cuyo perímetro equidista entodos sus puntos del centro.

Representa tanto el área que abarca, como el movimiento de rotación que lo produce.

Este contorno tiene un gran valor simbólico especialmente su centro. Y puede tener diferentes significaciones: protección, inestabilidad, totalidad, infinitud, calidez, cerrado... Su direccionalidad es la curva y su proyección tridimensional la esfera. Las modificaciones son el óvalo y el ovoide.

2. El cuadrado: Es una figura de cuatro lados con ángulos rectos exactamente iguales en sus esquinas y lados que tienen exactamente la misma longitud. Es una figura estable y de carácter permanente (aun cuando se modifica alargando o acortando sus lados). Se asocia a ideas de estabilidad, permanencia, torpeza, honestidad, rectitud, esmero y equilibrio. Su direccionalidad es la vertical y horizontal y su proyección tridimensional, el cubo en el caso del cuadrado y el paralepípedo en el caso del rectángulo.

3. El triángulo: Equilátero es una figura de tres lados cuyos ángulos y lados son todos iguales. Es también una figura estable, con tres puntos de apoyo, uno en cada vértice, aunque no tan estático como el cuadrado. Su direccionalidad es la diagonal y su proyección tridimensional el tetraedro. Puede tener un fuerte sentido de verticalidad siempre que lo representemos por la base. Se le asocian significados de acción, conflicto y tensión.

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EL Plano

La textura

Permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.

Consiste en la modificación o variación de la superficie de los materiales utilizados, ya sea de una forma visual o táctil. Sirve frecuentemente para expresar visualmente las cualidades de otro sentido, el tacto.

El punto esta definido por su color, dimensión y sobre todo por el dinamismo que puede reflejar dependiendo de donde lo situemos dentro del plano. Cuando vemos varios puntos dentro de una determinada composición, por el principio de agrupación, podemos construir formas, contornos, tono o color (como las imágenes de semitonos creadas con tramas de puntos para su composición).

El primer análisis que realiza el ojo en la percepción, queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra información.

La textura está relacionada con la composición de una sustancia a través de variaciones diminutas en la superficie del material. Con la luz, es el elementos clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión estereoscópica.

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ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

DIMENSIÓN

LA ESCALA

La dimensión existe en el mundo real.

No sólo podemos sentirla, sino verla a través de la visión estereoscópica binocular. En las representaciones bidimensionales se simula mediante la técnica de la perspectiva. La perspectiva utiliza la línea y fórmulas y reglas exactas para crear los efectos volumétricos e intentar representar la realidad. En la fotografía predomina la perspectiva. La lente tiene propiedades parecidas a las del ojo excepto en que éste tiene una visión periférica mucho más amplia y que la cámara intenta emular a través de los objetivazo de las lentes de ojo de pez.

Todos los elementos visuales tienen capacidad para modificar y definirse unos a otros, esto es lo que denominamos escala. Lo veremos más adelante.

Gráficos por: Yaneth Plazas.

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EL movim ien to Permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.

El punto esta definido por su color, dimensión y sobre todo por el dinamismo que puede reflejar dependiendo de donde lo situemos dentro del plano. Cuando vemos varios puntos dentro de una determinada composición, por el principio de agrupación, podemos construir formas, contornos, tono o color (como las imágenes de semitonos creadas con tramas de puntos para su composición).

El fenómeno fisiológico de la “persistencia de la visión” nos permite que veamos movimiento donde no lo hay.

El cine se basa en este fenómeno y consigue, a través de diferentes imágenes estáticas con sutiles diferencias y en intervalos de tiempo apropiados (28 imágenes por segundo), la ilusión o efecto de movimiento.

En el proceso de la visión no existe demasiado descanso, el ojo escudriña constantemente todo lo que se le pone ante él y observa características como las tensiones y ritmos compositivos sacando conclusiones de “movimiento”.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

EL CO LO R Es uno de los elementos fundamentales y más evidentes del diseño y el que puede imprimir más carácter y dinamismo a los elementos que se aplica. Al ser un elemento amplio y complejo por eso se necesita un capitulo completo.

El color está presente en todos los aspectos de la identidad empresarial y de marca. En la identidad, las empresas pueden hacer que el color sea el principal elemento de su identidad utilizando un único color o una paleta de colores como parte de su identidad visual. Si el color se emplea uniformemente en una serie de elementos de la identidad, se termina convirtiendo en la rúbrica de la empresa.

En las artes gráficas tenemos dos grandes categorías con respecto al color, imagen en color e imagen en blanco y negro, en éstas últimas podemos diferenciar: • Imágenes a pluma.

• Imágenes tramadas: mediante diferentes tipos y tonalidades de gris.

Asimismo, las imágenes en color se pueden dividir en dos categorías: • Colores planos: manchas uniformes de color.

• Degradados, también tramadas.

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alex trochut Alex Trochut nació en 1981 en Barcelona y es conocido por sus trabajos como ilustrador, diseñador gráfico y tipógrafo.

Cursó sus estudios en diseño en la escuela ELISAVA situada en la ciudad de Barcelona.

Una vez graduado, se trasladó a Berlín para trabajar en algunos estudios. Posteriormente regresó a Barcelona para continuar su actividad profesional en otras agencias, hasta que en 2007 decidió seguir trabajando como

freelance. La inspiración de sus obras procede de grandes artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí o Víctor Vasarely.

“Si tienes muchas ganas lo puedes conseguir todo”

E

mpezaremos diciendo que el color en sí no existe, no es una característica del objeto, es más bien una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

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EL COLOR Empezaremos diciendo que el color en sí no existe, no es una característica del objeto, es más bien una apreciación subjetiva nuestra.

Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

El color es pues un hecho de la visión que resulta de las diferencias de percepciones del ojo a distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el “espectro” de luz blanca reflejada en una hoja de papel. Estas ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros; más allá de estos límites siguen existiendo radiaciones, pero ya no son percibidos por nuestra vista.

Lo que ocurre cuando percibimos un objeto de un determinado color, es que la superficie de ese objeto refleja una parte del espectro de luz blanca que recibe y absorbe las demás. La luz blanca está formada por tres colores básicos: rojo intenso, verde y azul violeta. Por ejemplo, en el caso de objeto de color rojo, éste absorbe el verde y el azul, y refleja el resto de la luz que es interpretado por nuestra retina como color rojo. Este fenómeno fue descubierto en 1666 por Isaac Newton, que observó que cuando un haz de luz blanca traspasaba un prisma de cristal, dicho haz se dividía en un espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Aprender a ver el color y obtener una interpretación de sus propiedades inherentes ha de ser el punto de partida si deseamos realizar un tratamiento eficaz de éste en las distintas aplicaciones gráficas que hagamos.

TEORÍA DEL COLOR

EL CÍrculo cromático El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores.

Se pueden además emplear tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias de percepción con propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.

El círculo cromático: Nos sirve para observar la organización básica y la interrelación de los colores.

También lo podemos emplear como forma para hacer la selección de color que nos parezca adecuada a nuestro diseño. Podemos encontrar diversos círculos de color, pero el que aquí vemos está compuesto de 12 colores básicos. Dentro encontramos el negro, que se produce gracias a la mezcla de todos ellos.

En este círculo cromático podemos encontrar: Los colores primarios: rojo, azul y amarillo Los secundarios: verde, violeta y naranja.

Los terciarios: rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

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EL TON O

LA BRI LLA NT EZ

Es el matiz del color, es decir el color en sí mismo, supone su cualidad cromática, es -simplemente- un sinónimo de color. Es la cualidad que define la mezcla de un color con blanco y negro. Está relacionado con la longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad se puede decir que un color es rojo, amarillo, verde... Aquí podemos hacer una división entre:

Tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía.

Es la luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

• Tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados): Son aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego...

• Tonos fríos (azul y verde):Los colores fríos son aquellos queasociamosconelagua,laluzdelaluna,elcielo,etc...

En general, con los tonos puros que tienen un valor más luminoso (amarillo, naranja, verde) se consiguen las mejores variantes claras, mientras que los tonos puros que tienen normalmente un valor normalmente menos luminoso (rojo, azul, violeta) ofrecen las mejores variantes oscuras.

Cálidos

Fríos

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La satu ración

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Tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía.

Es la luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

La escala de grises o valor, en artes gráficas y bellas artes, es el sistema ordenado y gradual que cubre un rango limitado de valores de luminosidad entre el blanco, el gris y el negro.

En general, con los tonos puros que tienen un valor más luminoso (amarillo, naranja, verde) se consiguen las mejores variantes claras, mientras que los tonos puros que tienen normalmente un valor normalmente menos luminoso (rojo, azul, violeta) ofrecen las mejores variantes oscuras.

El número de valores que abarcan las escalas de grises es variable. Suele ser una cifra baja y sencilla de manejar, entre 3 y 10 valores.

La escala de grises más simple es la de tres valores: blanco, gris y negro; seguida por la de cinco valores: blanco, gris claro, gris medio, gris oscuro y negro.

Añadiendo a la escala de cinco valores un nuevo paso intermedio entre cada valor se obtiene la escala de 9 valores propuesta por Denman Ross en 1907.

La escala de grises es una herramienta de referencia que ayuda en el dibujo y pintura a dar sensación de volumen, familiarizarse con las gradaciones de grises entre en blanco y el negro, percibir el valor de un color independientemente de su tono y medir los valores reales del modelo que se está presentando debido al efecto de contraste. Cuando un tono claro y otro oscuro entran en contacto se producen ilusiones ópticas que modifican el grado de luminosidad con el que ambos son percibidos.

Gráficos por: Yaneth Plazas.

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color luz y pigmento Los colores menos saturados transmiten sensaciones tranquilas y suaves, por el contrario los colores más saturados transmiten tensión. Por otro lado tenemos también el concepto de matiz, que es la mezcla de un color con otro; en este sentido se puede hablar de rojo granate, de rojo anaranjado (que tenga una buena parte de amarillo)... Estas diferentes apreciaciones del color hacen muy difícil una nomenclatura de aceptación generalizada. Por otro lado hay que tener en cuenta que el color está íntimamente relacionado con la luz y el modo en que esta se refleja. Podemos diferenciar por esto, dos tipos de color: el color luz y el color pigmento.

TEORÍA DEL COLOR

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El color luz:

El color PIGMENTO:

Los bastones y conos del órgano de la vista están organizados en grupos de tres elementos sensibles, cada uno de ellos destinado a cada color primario del espectro: azul, verde y rojo, del mismo modo que una pantalla de televisión en color. Cuando vemos rojo es porque se ha excitado el elemento sensible a esta longitud de onda. Cuando vemos amarillo es porque se excitan a un tiempo verde y el rojo, y cuando vemos azul celeste (cían), es que están funcionando simultáneamente el verde y el azul (azul violeta).

Por otra parte, cuando manejamos colores de forma habitual no utilizamos luces, sino tintas, lápices, rotuladores... en este caso lo que estamos hablando es del color pigmento. Cuando hablamos del color pigmento hablamos de síntesis sustractiva, es decir, de pigmentos que aplicamos sobre las superficies para sustraer a la luz blanca parte de su composición espectral. Todas las cosas (menos los medios transparentes) poseen unas moléculas llamadas pigmentos, que tienen la facultad de absorber determinadas ondas del espectro y reflejar otras.

Del mismo modo pueden obtenerse colores terciarios en los que las tres luces primarias actúan a la vez en distintas proporciones y que hacen posible que, por ejemplo, en un televisor en color se perciba una enorme cantidad de valores cromáticos distintos.

Este proceso de formación de colores a partir del trío básico azul, verde y rojo), es lo que se conoce como síntesis aditiva, y en ella cada nuevo color secundario o terciario se obtiene por la adición de las partes correspondientes de los tres fundamentales, siendo cada una de las sumas de color siempre más luminosas que sus partes, con lo que se explica el que la mezcla de los tres permita la obtención del blanco, que es por definición, el color más luminoso.

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Escalas y Gamas Escalas cromática y acromática:

Por otra parte el negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros. Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas:

Se considera que el blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Pues • En las escalas cromáticas: los valores del tono se obtienen mezclando los colores bien, depende del punto de vista: psicológico o físico. puros con el blanco o el negro, por lo que Ya que psicológicamente si son colores puesto que pueden perder fuerza cromática o luminosidad. originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Sin embargo desde el punto de vista • Una escala acromática: físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de será siempre una escala de grises, todos los colores en cuanto a pigmento, una modulación continua del el blanco sería considerado un color blanco al negro. La escala de primario, ya que no puede grises se utiliza para establecer obtenerse a partir de comparativamente tanto ninguna mezcla. el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises (escala test), se pone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad.

TEORÍA DEL COLOR

Las gamas y sus tipos: Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color puro hacia el blanco o el negro, una serie continua de colores cálidos o fríos y una sucesión de diversos colores.

• Las escalas monocromas: son aquellas

en las que interviene un solo color, y se forma con todas las variaciones de este color, bien añadiéndole blanco, negro o la mezcla de los dos (gris). Podemos distinguir entre: Escala de saturación, cuando al blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada. Escala de luminosidad o del negro, cuando al color saturado se la añade sólo negro.

Escala de valor, cuando al tono saturado se le mezclan a la vez el blanco y el negro, es decir , el gris.

• Las escalas cromáticas: Escalas altas,

cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco.

Escalas medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color.Las escalas bajas cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro. Denominamos escalas policroma, a aquellas gamas de variaciones de dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo de escala sería el arco iris.

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I m p o r t anc i a “El color fabrica todo un universo imaginario. Nos hace viajar a las islas, nos sumerge en el mar o nos sostiene en pleno cielo” - Abraham Moles /Luc Janiszewski.

Hablaremos en esta parte de una característica fundamental del color, que es tenerlo en cuenta como elemento expresivo que puede ser utilizado por grafístas, ilustradores, fotógrafos... Aquí estudiaremos tres diferentes aplicaciones del color en el ámbito gráfico (siguiendo la clasificación que se realiza en “Grafismo Fundamental”): El color denotativo, el color connotativo y el color esquemático.

Gráficos por: Yaneth Plazas.

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s i gn

cOLOR DENOTATIVO: Aquí hablamos del color cuando está siendo utilizado como representación de la figura, es decir, incorporado a las imágenes realistas de la fotografía o la ilustración. El color como atributo realista o natural de los objetos o figuras. En el color denotativo podemos distinguir tres categorías: Icónico, saturado y fantasioso, aunque siempre reconociendo la conicidad de la forma que se presenta.

El color icónico: La expresividad cromática en este caso ejerce una función de aceleración identificadota: la vegetación es verde, los labios rosados y el cielo es azul. El color es un elemento esencial de la imagen realista ya que la forma incolora aporta poca información en el desciframiento inmediato de las imágenes. La adición de un color natural acentúa el efecto de realidad, permitiendo que la identificación sea más rápida.

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TEORÍA DEL COLOR

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del

El color saturado:

Una segunda variable del color denotativo es el color saturado.

Este es un cromatismo exaltado de la realidad, más brillante, más pregnante. Son colores más densos, más puros, más luminosos. El color saturado obedece a la necesidad creada por la fuerte competitividad de las imágenes que nos asedian, donde la exageración de los colores forma parte del triunfo de las imágenes como espectáculo visual de nuestro entorno cotidiano. El mundo resulta más atractivo de esta forma. El cine, la fotografía, la ilustración, la televisión, los carteles, los embalajes... ofrecen una imagen cromática exagerada que crea una euforia colorista.

co l o r

el color connotativo: La connotación es la acción de factores no descriptivos, sino precisamente psicológicos, simbólicos o estéticos, que suscitan un cierto clima y corresponden a amplias subjetividades. Es un componente estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad “El lenguaje de los colores” significa que éstos no sólo se supeditan a representar la realidad en imagen, sino que también pueden hablar. Cada color es un signo que posee su propio significado.

El color fantasioso:

Otro matiz de la denotación cromática realista es el color fantasioso, en el que la fantasía o manipulación nace como una nueva forma expresiva. Por ejemplo las fotografías solarizadas o coloreadas a mano, en las que no se altera la forma, pero sí el color.

De esta forma se crea una ambigüedad entre la figura representada y el color expresivo que se le aplica, creando una fantasía de representación. La forma permanece mientras que el color se altera, hasta tal punto que en ocasiones la forma queda semioculta tras la plenitud cromática.

El color ejerce una función de realismo que se superpone a la forma de las cosas: una manzana resulta más real si está reproducida en su color natural.

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El color psicológico Son las diferentes impresiones que emanan del ambiente creado por el color, que pueden ser de calma, de recogimiento, de plenitud, de alegría, opresión, violencia... La psicología de los colores fue ampliamente estudiada por Goethe, que examinó el efecto del color sobre los individuos:

TEORÍA DEL COLOR

El color BLANCO: como el negro, se hallan en los extremos de la gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro (ausencia de color). También es un valor latente capaz de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una impresión luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica.

El color NEGRO: es el símbolo del silencio, del misterio y, en ocasiones, puede significar impuro y maligno.

Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.

El color gris: es el centro de todo, pero es un centro neutro y pasivo, que simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía. Simbólicamente, el blanco y el negro, con sus gradaciones de gris, son del color de la lógicas y de lo esencial: la forma. Por otra parte, el blanco y el negro junto con el oro y plata, son los colores del prestigio.

Los colores metálicos tienen una imagen lustrosa, adoptando las cualidades de los metales que representan. Dan impresión de frialdad metálica, pero también dan sensación de brillantez, lujo, elegancia, por su asociación con la opulencia y los metales preciosos. Una imitación debe evocar la imagen subyacente de valor, puesto que de lo contrario se conseguirá un efecto contraproducente, y dará la impresión de falsificación, de baratija.

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El color amarillo: es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.

Es el color del sol, de la luz y del oro, y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. Está también relacionado con la naturaleza.

El color NARANJA: más que el rojo,

posee una fuerza activa, radiante y expansiva.

Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética.

El color ROJO: significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego.

Color fundamental, ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. En general los rojos suelen ser percibidos como osados, sociables, excitantes, potentes y protectores. Este color puede significar cólera y agresividad.

Asimismo se puede relacionar con la guerra, la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la fuerza, la energía.

Estamos hablando de un color cálido, asociado con el sol, el calor, de tal manera que es posible sentirse más acalorado en un ambiente pintado de rojo, aunque objetivamente la temperatura no haya variado.

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El color AZUL: es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Es un color reservado y entra dentro de los colores fríos. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego... y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul claro puede sugerir optimismo. Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito.

El color violeta: (mezcla del rojo y azul) es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. Cuando el violeta deriva el lila o morado, se aplana y pierde su potencial de concentración positiva. Cuando tiende al púrpura proyecta una sensación de majestad.

El color verde: es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. El verde que tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el azul resulta más sobrio y sofisticado.

El color MARRÓN: es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que pisamos. Hemos visto algunas reacciones que producen los colores según nos los describe A. Moles y L. Janiszewski. Cada dimensión del color está relacionada con una reacción diferente. Por ejemplo, cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo. Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de que el objeto está más cerca de lo que en realidad está. Las tonalidades de la parte alta del espectro (rojos, anaranjados, amarillos) suelen ser percibidas como más enérgicas y extravertidas, mientras que las de las partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez, los rojos, naranjas, y amarillos son percibidos como colores cálidos, mientras que los azules, verdes y violetas son considerados colores fríos. Las diferentes tonalidades también producen diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón.

TEORÍA DEL COLOR

SIMBOLOGÍAS • • • • • • • • •

Azul: le lealtad, la justicia, la fidelidad. La buena reputación y la nobleza.

Rojo: significa el amor, audacia, valor, coraje, cólera, crueldad.

Verde: el honor, la cortesía, el civismo, la esperanza y el vigor.

Púrpura: representaba la fe, la devoción, la templanza y la castidad.

Negro: luto, la aflicción.

Dorado: la sabiduría, el amor, la fe, el amor, las virtudes cristianas y la constancia.

Plata o blanco: la prudencia, la inocencia, la verdad, la esperanza y la felicidad.

Naranja: inestabilidad, disimulo e hipocresía.

Marrón: penitencia, pena, la traición y la humildad.

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El color emblemático Un color que se ha erigido en emblema para su uso social. Los colores de los cinco aros olímpicos son emblemáticos, la cruz roja, las banderas nacionales y los colores institucionalizados de los uniformes. Se trata de un simbolismo práctico, utilitario, creado bajo el espíritu corporativista, para ayudar a identificar y memorizar, a través del emblema cromático, las organizaciones, los servicios públicos y las instituciones del entorno social.

Logo de Starbucks.

El color púrpura es un color mágico. Usado por los emperadores, era símbolo de poder, evoca la gloria y majestad, dignidad y realeza. Asimismo emblemático para todos los fumadores es el color verde que, asociado a cualquier marca o embalaje de tabaco significa mentolado. O el caso de la “etiqueta negra” que designa una cualidad especial en ciertos productos de consumo.

Colores de la badera de Mèxico.

TEORÍA DEL COLOR

El color señalético La variable señal ética saca del color toda su potencia esquemática, para convertirse en la base del repertorio signito de un código fuertemente sensitivo: el código señal ético. Se aplica para señalizar, es decir, para incluir señales al mensaje gráfico para centrar la atención en determinados puntos. Marca la presencia y el rol de ellos. Estos colores siguen la señalización utilizada en la circulación rodada, en el código aéreo y marítimo.

Se tratan, por tanto, de colores de alta saturación y que son empleados en su condición de “planos”, en su grado de mayor esquematización y visibilidad.

Los colores de base de seguridad codificados universalmente para la industria son: • Amarillo: peligro.

• Rojo: parada absoluta. Material de incendio.

• Verde: vía libre. Puestos de socorro.

• Blanco y negro: trazados de recorrido.

• Azul: para atraer la atención.

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david carson David Carson es uno de los más grandes diseñadores e influyentes de finales del siglo XX, con una estética imitada hasta la saciedad y que marcó la era de la exclusiva tipografía “grunge”.

El diseñador gráfico y director creativo David Carson nació en 1955 en Texas (EE.UU) y se formó en la San Diego University en Sociología.

Su primer contacto con el diseño gráfico fue en 1980, en un curso de dos semanas en la Universidad de Arizona. Posteriormente en 1983, comenzó a experimentar con el diseño gráfico a través de uno de sus mayores intereses, el surf (ha llegado a ser surfista profesional).

Se inscribió en el Oregon College Commercial Art y un par de meses después comenzó como becario en la revista de skate Action Now. Continuó su formación en un taller en Suiza con Hans-Rudolf Lutz, que se convirtió en su primera gran influencia.

“Si no tienes un sentido intuitivo para el diseño, haz que te llamen arquitecto de la información y usa solo Helvética”

LA COMPOSICIÓN

L

a finalidad del diseño gráfico es transmitir ideas, mensajes, afirmaciones visuales... La mayor parte del trabajo de diseño se relaciona específicamente alrededor de la venta o la promoción de un producto o servicio y actualmente la industria se desarrolla hoy rápidamente, dado que la competencia entre los productores de mercancías y los suministradores de servicios es cada vez mayor. Por lo que todos intentan establecer una imagen única y promocionar sus bienes y servicios de un modo original y eficaz para comunicarse con su mercado potencial.

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En primer lugar, diremos que la composición de un diseño es, adecuar distintos elementos gráficos dentro de un espacio visual, que previamente habremos seleccionado, combinándolos de tal forma que todos ellos sean capaces de poder aportar un significado para transmitir un mensaje claro a los receptores del mensaje. Al diseño podemos aplicarle dos definiciones de composición artística: 1. La disposición de elementos diversos para expresar de manera decorativa una sensación.

2.Una disposición de los elementos para crear un todo satisfactorio que presente un equilibrio, un peso y una colocación perfecta.

Todo mensaje en diseño gráfico se elabora siempre por medio de una combinación coherente y estudiada previamente, de los elementos visuales con los que hayamos decidido trabajar. Estos elementos pueden ser imágenes, texto, ilustraciones, espacios en blancos..., o por el contrario, construir nuestra composición con la ausencia deliberada de alguno de estos elementos.

El diseño deberá ordenarse habitualmente en una estructura rígida, coherente y dentro de los parámetros de la simetría en la disposición de los distintos elementos. El diseñador debe tener siempre presente, que cada elemento de la composición, en función de la ubicación, dimensión o protagonismo que le asignemos, experimenta pequeñas variaciones en su significado. Por tanto, es muy importante la posición que se le da a cada uno de los elementos y encontrar el equilibrio formal entre todos ellos.

LA COMPOSICIÓN

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Por ejemplo, algunos de los elementos van a ser más o menos pesados en una determinada composición dependiendo de la ubicación que les asignemos y en función de los elementos que les rodean. Los situados a la derecha del área poseen un mayor peso visual y dan sensación de proyección y avance en la composición. Por contra, los situados a la izquierda retrotraen la composición y dan una sensación de ligereza visual más acentuada según nos vayamos acercando al margen izquierdo de nuestra página.

Lo mismo nos ocurre si utilizamos la parte superior o inferior del espacio. La parte superior de la composición es la que posee mayor ligereza visual, en esta parte el peso de los elementos es mínimo, al verse equilibrado por la zona inferior de la página. Por el contrario, en el borde inferior nos encontraremos que los elementos que ubiquemos tendrán un mayor peso.

“La individualidad visual de algunos nombres y productos es tan marcada que basta ver una pequeña parte de su imagen para identificarla. Así, basta ver las letras <Co> en blanco sobre rojo para reconocer un anuncio de Coca Cola.”

(Autores del libro de diseño “Haga Usted mismo su Diseño”. Roger Walton, Keith Gillies, Lindsey y John Laing).

Obra Cuadro Nórdico Mondrian

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proporciones • Saber a que segmento de la población va dirigido y que margen geográfico vamos a cubrir (nacional, internacional, provincial...).

• Seleccionar los elementos que vamos a utilizar. Todos los elemento de la composición deben tener un por qué de su utilidad en dicha composición.

• Es recomendable hacer unos bocetos de cómo podría ser la composición, cambiando la ubicación de elementos, colores, tamaño del cuerpo de texto, para respondernos visualmente a preguntas como, ¿qué es lo más importante del mensaje?, ¿dónde debe estar el impacto visual?, ¿podría verse de lejos?, ¿es adecuada la disposición y el estilo de las letras con respecto al mensaje?...

• También es bueno saber el tipo de material en que se reproducirá el diseño.

Descontrucción del logo de Apple

LA COMPOSICIÓN

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Una vez realizados estos pasos muchas de nuestras ideas se aclararán y darán fruto a otras nuevas posiblemente más originales y eficaces. En la interpretación final de nuestro mensaje no sólo interviene la colocación de los distintos elementos, sino la percepción final que tenga nuestro receptor. Por lo que el diseñador tendrá que tener conocimientos profundos sobre la percepción: • Percepción relacionada con nuestro sistema psicosomático, en concreto con el órgano de la vista, y de cómo éste interpreta los volúmenes, trazos, texturas, colores...

• Percepciones relacionadas con el ámbito cultural en el que nos movemos y las distintas significaciones que pueden tener ciertos elementos: colores, orden de lectura, significaciones iconográficas...

• Percepciones compartidas en el entorno y relacionadas con su propio ser.

La proporción es un concepto, que al igual que los vistos anteriormente, no podemos olvidar a la hora de diseñar. Recuerde siempre que el diseño debe ser un todo en el que no falle ningún elemento.

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La regla áurea Permite dividir el espacio en partes iguales, para lograr un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy eficaz.

La escala se utiliza en planos y mapas para la representación de una medición proporcional real. La medición nos permite adecuarnos a la realidad, pero más importante es la yuxtaposición, lo que colocamos junto al objeto visual o el marco en el que está colocado. La medición universal es la propia medida del hombre, el tamaño medio de las proporciones humanas.

La pregunta que todos los diseñadores nos hacemos al principio es: ¿cómo podemos distribuir el espacio de diseño de una forma acertada?. Pues bien, no hay una norma que nos indique la división perfecta, pero existe una fórmula muy conocida en el mundo del diseño, que permite dividir el espacio en partes iguales, para lograr un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy eficaz. Esta teoría se denomina “La regla Áurea”, también conocida como “sección áurea”.

LA COMPOSICIÓN

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La creó Vitruvio, la autoridad romana en arquitectura. Ideó un sistema de cálculo matemático de la división pictórica, para seccionar los espacios en partes iguales y así conseguir una mejor composición.

Se llega a la proporción a:b = c:a. Al situar los elementos primordiales de diseño en una de estas líneas, se cobra conciencia del equilibrio creado entre estos elementos y el resto del diseño.

Se basa en el principio general de contemplar un espacio rectangular dividido, a grandes rasgos, en terceras partes, tanto vertical como horizontalmente. O, explicado de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en “rectángulo áureo”.

Existen otros muchos sistemas para establecer escalas o proporciones, por ejemplo la establecida por el arquitecto francés Le Corbusier. Su unidad modular es el tamaño del hombre, y sobre esta proporción establece una altura media de techo, ventana, puerta... Aprender a relacionar el tamaño con el propósito y el significado es esencial para la estructuración de los mensajes visuales.

Controlados los diferentes efectos que podemos crear, nos permitirá manipular ilusiones visuales.

Sección áurea

Rectángulo áurea

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¡A,B,C,DISEÑO!

Factor equilibrio Este criterio es normalmente aplicado en el mundo del diseño, y decimos normalmente porque en algunos casos se puede llegar a utiliza el desequilibrio intencionado para obtener algún efecto específico (no es habitual ya que la ausencia de equilibrio, puede inquietar al receptor). El concepto de equilibrio parte también de nuestra propia percepción, en relación con nuestra anatomía, que nos lleva a interpretar la colocación de pesos, magnitudes, masas y volúmenes en relación con nuestro propio concepto de simetría humana.

Podemos definir el concepto de equilibrio como la apreciación subjetiva de que los elementos de una composición no se van a caer. La existencia de equilibrio en una composición, no quiere decir que todas las líneas (texto, titulares...) o formas (fotografías, ilustraciones...) sean iguales en tamaño, color u otra dimensión. Por ejemplo, un parte de nuestro área de diseño puede estar formada por muchos elementos y a la vez tener equilibrio con otra parte de dicho diseño que solo consta de un elemento.

LA COMPOSICIÓN

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tipos de equilibrio La utilización más eficaz de los mecanismos de la percepción visual consiste en identificar claves visuales en un sentido u en otro, en equilibrio o en desequilibrio, fuertes o débiles. Los gestalistas se ocupan de esta necesidad y llaman a esos dos estados visuales opuestos nivelación y aguzamiento. Aguzamiento se puede considerar equivalente a contraste y nivelación a armonía. Lo fundamental es tener la conciencia de que estos dos polos de la composición visual son instrumentos fundamentales para construir una formulación visual con claridad.

Podemos conseguir en nuestra composición ese equilibrio de formas y líneas, es decir, los pesos de los elementos deben estar compensados. La manera de medir el peso de las formas y líneas del diseño es, analizando la importancia visual de estos dentro de nuestra composición.

EQUILIBRIO SIMÉTRICO

EQUILIBRIO SIMÉTRICO

El equilibrio simétrico se produce cuando encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de nuestra composición, y el equilibrio asimétrico se produce cuando no existe las mismas dimensiones (ya sea de tamaño, color...) en ambos lados, pero aún así existe equilibrio entre los elementos.

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¡A,B,C,DISEÑO!

SAUL BASS Bass nació en la ciudad de Nueva York, un 8 de mayo del año 1920 ha sido uno de los diseñadores gráficos más importantes del siglo ya pasado.

Estudió en el Artes League de su ciudad natal y también en el Colegio de Brooklyn.

En tanto, sería en este último establecimiento educativo que No solamente dejó su huella se contactaría con el famoso artística imborrable en la industria diseñador húngaro Gyorgy Kepes, del cine, sino que también responsable de la iniciación de es el responsable de algunos Bass tanto en el constructivismo de los diseños gráficos de las ruso como en el estilo Bauhaus, organizaciones y empresas más dos claras influencias en su arte. importantes de los Estados Unidos.

Desde temprana edad demostró inclinaciones hacia el arte las cuales las canalizaba a través del arte del dibujo.

“El diseño es el pensamiento hecho visual”

LA ELECCIÓN DEL

CONTRASTE O LA ARMONÍA

L

a mayoría de las decisiones del diseño serán de este tipo, elecciones contrapuestas que nos harán decantarnos por soluciones más seguras o por la realización de un trabajo de diseño más arriesgado pero quizás con soluciones más interesantes tanto para el propio diseñador como para el receptor de esa comunicación.

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¡A,B,C,DISEÑO!

Interacciones de la Armonía y el contraste Existen dos formas básicas compositivas del color, una de ellas es la armonía y la otra el contraste.

La propiedad más determinante del color tal vez sea su carácter relativo. Ningún color puede ser evaluado al margen de su entorno.

La arm

C C C C C

En el libro “Interacción del color” Josef Albers afirma que “un mismo color permite innumerables lecturas”. Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi el mismo cuando se asocian a distintos fondos.

Como vemos en este ejemplo el mismo elemento y del mismo color contrastado con fondos de diferentes de color hace que parezcan que cambia su tono y su valor total.

Además de las diferencias de tono, los colores reciben influencias que se reflejan en su luminosidad y oscuridad, calidez y frialdad, brillo y sombra y según los colores que los rodeen. Según Albers, la única forma de ver un color es observarlo en relación con su entorno. Y a pesar de que existe una cantidad ingente de colores, el vocabulario usual cuenta con no más de treinta nombres para denominarlos.

LA ELECCIÓN DE CONTRASTE O ARMONÍA

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#026873

#028C8C

#3C8C8C

#D9CB04

En diseño gráfico y arte, se llama armonía a la combinación de elementos de forma equilibrada sin que ninguno predomine de forma que parezca inapropiada. Una composición o diseño armonioso provocan sensación de unidad, de que todo fluye apropiadamente y que todo está en el lugar adecuado.

#D9B504

monía

Cuando elegimos el camino de la armonía, en donde tenemos un trabajo visual nivelado, estamos eligiendo unas soluciones más sencillas de establecer.

Una solución donde tenemos unas reglas visuales que podemos seguir sin problemas para la resolución de la composición visual.

Pero como todo, o casi todo, también tenemos una parte negativa, que será la previsibilidad de los resultados de la composición.

La excesiva armonía de nuestro diseño puede generarnos incluso el aburrimiento y, por supuesto, lo que no despertaremos será la sorpresa del espectador.

Tendríamos que pensar, por ejemplo, en el lunar de la modelo Cindy Crawford (¿se escribe así?) – o en los muchos lunares que las mujeres se han dibujado en sus rostros- y analizar hasta que punto juega un papel importante en su belleza, como rompimiento de la total simetría del rostro y convirtiéndose en un elemento que atrae la mirada y seduce al espectador.

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¡A,B,C,DISEÑO!

Puede llegar a significar o coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición, es decir, cuando en una composición todos los colores poseen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.

En todas las armonías cromáticas, se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y otro de mediación. El tono dominante, que es el más neutro y de mayor extensión (su función es destacar los otros colores que conforman nuestra composición). El color tónico, normalmente en la gama del complementario del dominante, es el más potente en color y valor, y el de mediación, que su función es actuar como conciliador y modo de transición de los anteriores y suele tener una situación especifica en el círculo cromático próxima a la del color tónico.

La armonía sencilla es aquella en la que se conjugan tonos de la misma gama o de una misma parte del círculo, aunque puede resultar un tanto carente de vivacidad. Según diversas teorías la sensación de armonía o concordancia suscitada por una composición gráfica tiene su origen exclusivamente en las relaciones y en las proporciones de sus componentes cromáticos. Sería el resultado de yuxtaponer colores equidistantes en el círculo cromático o colores afines entre sí, o de tonos de la misma gama representados en gradaciones constantes, o del fuerte contraste entre tonos complementarios, o de los contrastes más suavizados entre un color saturado y otro no saturado y también de las relaciones entre las superficies que se asignen a cada valor tonal de cada una de nuestras composiciones.

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E

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¡A,B,C,DISEÑO!

El contraste actúa por medio de la atracción o excitación del público observador, mediante la combinación de diferentes intensidades o niveles de contraste, en el color, el tamaño, la textura, etc. Los contrastes pueden proporcionar mayor significado a una composición.

El contraste

de tono El contraste de tono se basa en la utilización de tonos muy contrastados, la combinación de claro-oscuro; el mayor peso lo tendrá el elemento con mayor oscuridad. ... Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en composiciones gráficas.

El contraste de tono se basa en la utilización de tonos muy contrastados, la combinación de claro-oscuro; el mayor peso lo tendrá el elemento con mayor oscuridad. Para que este perdiera protagonismo en el diseño, tendríamos que disminuir la intensidad del tono y redimensionarlo después, para que no perdiese equilibrio en la composición. Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en composiciones gráficas.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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El contraste

de colores El contraste de color es la diferencia existente entre dos o más colores que interactúan en un diseño de forma que afectan al modo en el cual se percibe.

El tono es una de las dimensiones del color más importantes. El contraste más efectivo se obtiene combinando los diferentes tonos. El contraste creado entre dos colores será mayor cuanto más alejados se encuentren del círculo cromático. Los colores opuestos contrastan mucho más, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo importancia visual ambos.

El color según sus diferentes características influye en el efecto que causa en las personas. Los contrastes de color son fáciles de apreciar intuitivamente, pero haciendo uso de la teoría del color es posible identificarlos y usar cada uno de diferentes maneras.

No existen reglas pero estas son alguna clasificaciones que pueden servir como guía.

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¡A,B,C,DISEÑO!

El contraste de contornos Una forma abstracta atrae mucho más la atención que una forma geométrica conocida. De la misma forma la creación de texturas o trazos diferentes se intensifican cuando las yuxtaponemos.

El contraste de contornos irregulares destaca de forma importante sobre los regulares o más conocidos. Este tipo de contraste es ideal para captar la atención del usuario observador a determinados elementos de una composición.

No obstante, no hay que abusar del uso de este tipo de contraste, sobre todo si se combinan con otros tipos de contraste, ya que pueden ser un centro de atracción visual demasiado fuerte y potente. Además, acaban creando mucha tensión en el espacio que les rodea.

Imagen por Stampaprint, el contraste de contornos

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El contraste de ESCALA El contraste también puede conseguirse mediante la contraposición de elementos a diferentes escalas de las normales, o la utilización de proporciones irreales.

De esta forma estamos negando la experiencia de percepción que puede tener el receptor en cuanto a las escalas de los elementos y por lo tanto creamos una percepción inusual y dramatizamos la percepción del elemento.

El uso de armonía, complementos opuestos de colores para crear contraste. Tenga cuidado con el valor de los colores también. Por ejemplo, colores de armonización (adyacentes entre sí en la rueda de color) pueden aparecer fusionado si no hay suficiente diferencia en los valores de cada color

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¡A,B,C,DISEÑO!

Factor de ritm Este concepto es conocer el recurso del ritmo y como funciona, es muy importante porque nos ayuda a orientar la atención de quien observa hacia el mensaje principal o el contenido que queremos destacar. Y no solo: el ritmo sirve también para dar un aspecto orgánico al conjunto y a estimular quien lee a prestar más atención al mensaje o a empatizar (inconscientemente) con el contenido. Promocionar un producto exitoso o lanzar un mensaje preciso y convincente no es suficiente si el contexto en el que está incluido no es igualmente eficaz. Por ello, siempre hay que estudiar y desarrollar antes y atentamente un proyecto, para ver como el ritmo puede jugar su papel en nuestra comunicación. Como en el caso de la música, el ritmo en diseño debe determinar los tiempos y los espacios. ¡No lo olvides!

El concepto de tensión viene relacionado con equilibrio. Tanto para el emisor como para el receptor de la información gráfica como visual, la falta de equilibrio y regularidad es un factor desorientador.

Las opciones visuales son polaridades, de regularidad y sencillez por un lado, y de complejidad y variación inesperada por otro. La elección entre estas opciones rige la respuesta relativa que va del reposo y la relajación a la tensión.

Es una ruptura absoluta de órdenes. Se pierde de vista el eje, desaparece el equilibrio y la imagen cae para un costado. La tensión consiste en aplicar al diseño fuerza, dinamismo y movimiento. Esta se puede lograr combinando líneas y formas agudas o totalmente irregulares.

LA ELECCIÓN DE CONTRASTE O ARMONÍA

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mo Y de tensión

Método Rítmico Basada en la tendencia innata del ojo humano a completar secuencias de elementos portando parte de sus propios conocimientos previamente adquiridos y a percibir elementos semejantes como un todo tendiendo a agruparlos.

Cuando contemplamos determinada secuencia de elementos (ya sean números, formas, figuras geométricas o colores), tendemos a agrupar aquellos que poseen formas semejantes.

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¡A,B,C,DISEÑO!

Método Sugestivo Consiste en dirigir intencionadamente, a través de otros elementos, la atención a un punto determinado.

Por ejemplo, muchas líneas confluyen en un mismo punto o muchos personajes dirigen en la fotografía su atención hacia el mismo sitio.

LA ELECCIÓN DE CONTRASTE O ARMONÍA

Método Mecánico Consiste en guiar de manera imperativa la atención del observador. Puede llegar a ser menos efectivo que las técnicas anteriormente señaladas, ya que se produce coacción visual sobre el observador.

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YUGO nAKAMURA Yugo Nakamura nacio en 1970, es un Ingeniero, diseñador y artista japonés, que empezó a explorar los sistemas interactivos en entornos digitales y a lo largo de más de una década trabajó con nuevos modelos de producción artística digital que han quedado condensados en la gran pagina web wugop.com.

Sus obras han sido reconocidas con más de 30 premios nacionales e internacionales, y ha sido expuesta en el Centro Pompidou (París), Kunstlerhaus (Viena), Design Museum (Londres) entre otros muchos museos.

CONCEPTOS DE TIPOGRAFÍA

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ntes de los años 80, un diseñador gráfico trabajaba con un “cajísta”, profesional que se dedicaba especialmente a componer los caracteres.

Actualmente los diseñadores tienen distintos papeles, entre otros el de diseñador y el de tipógrafo.

Las transformaciones de la tecnología tipográfica han

producido cambios en el aspecto de los caracteres.

En 1960, con el desarrollo del fototipo, se comenzó a poder permitir que los caracteres se toquen y se solapen. La utilización de los ordenadores ha tenido una gran repercusión con respecto a los caracteres, ya que la letra digital permite una gran flexibilidad.

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la Tipografía Antes de los años 80, un diseñador gráfico trabajaba con un “cajísta”, profesional que se dedicaba especialmente a componer los caracteres.

Actualmente los diseñadores tienen distintos papeles, entre otros el de diseñador y el de tipógrafo.

Las transformaciones de la tecnología tipográfica han producido cambios en el aspecto de los caracteres.

En 1960, con el desarrollo del foto-tipo, se comenzó a poder permitir que los caracteres se toquen y se solapen. La utilización de los ordenadores ha tenido una gran repercusión con respecto a los caracteres, ya que la letra digital permite una gran flexibilidad.

El diseñador debe tener siempre presente al trabajar con tipografía que una publicación bien diseñada es una comunidad de tipos en la que todos los miembros trabajan conjuntamente para un propósito común: ayudar al lector a navegar correctamente por la información. Además de esto debemos tener en cuenta que el uso de la tipografía imprime carácter y expresividad, redundando en las significaciones de lo que se quiere transmitir.

Imagen por Strimpaprint

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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Qué entendemos por tipografía, fuente o familia Se denomina tipografía al estudio y clasificación de las diferentes familias o tipos de letras, así como el diseño de caracteres unificados por propiedades visuales uniformes, mientras que la fuente es el juego completo de caracteres en cualquier diseño, cuerpo o estilo. Estos caracteres incluyen letras en caja baja y alta, numerales, versalitas, fracciones, ligaduras (dos o más caracteres unidos entre sí formando una sola unidad), puntuación, signos matemáticos, acentos, símbolos monetarios...

Al igual que el resto de los elementos que utilizamos en la composición de nuestro diseño, el conocimiento de los tipos de letras y sus características es necesario para una utilización correcta. Las técnicas destinadas al tratamiento tipográfico y a medir los diferentes textos, es conocida como tipometría.

Los tipos constan de unas partes que se denominan como: brazos, piernas, ojos, columnas, colas... Estas son las partes que se han utilizado de forma tradicional para la construcción de las diferentes letras. La estructura de las letras permanece constante sin tener en cuenta la tipografía, así una B mayúscula consta de un brazo vertical y dos curvos.

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¡A,B,C,DISEÑO!

Grosores y anchos Las tipografías de cada familia tienen distintos grosores y anchos. Algunas familias están formadas por muchos miembros y otras no. Por ejemplo la “Stone” incluye las dos variantes de con y sin serif.

Dentro de una misma familia tipográfica hay ciertos caracteres que la diferencian entre sí, como estos:

Anchura del trazo Inclinación del eje vertical Cuerpo

CONCEPTOS TIPOGRAFÍA

Actualmente resulta muy complicado realizar una clasificación de tipos, ya que existe una gran variedad y mezcla de estilos. Podemos hacer una clasificación histórica de los mismos que podría ser: Gótico; Romano (tradicional, de transición, moderno, del siglo XX); slab serif (o egipcio); sin serif o lineal y, por último de trazo.

También podemos hacer una clasificación más genérica en cuanto a clasificar los tipos de letras en dos grandes familias por medio de una característica de estas, la “serifa”, o remate que poseen algunas letras en sus terminaciones y que tradicionalmente se le ha visto como cualidad facilitar la lectura o sin “serifa”.

Sin embargo, posteriormente se ha comprobado en investigaciones en cuanto a legibilidad, que existe poca diferencia entre ellas. El “set” o espaciado entre letras, tiene mayor importancia en el aspecto de facilitar la lectura.

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Cla sifi cac ión his tór i ca

De transición, Se denominan así a los que producen en el siglo XVIII. Las mejores calidades del papel y de impresión posibilitan una variación en su grosor y se hacen más finos (Garamond y Baskerville).

Modernos: Se caracterizan por tener los serif horizontales y delgados (Bodoni).

Del siglo XX: Mejoran su legibilidad. Se diseñan tipos de letra derivados del romano, con el ojo de mayor tamaño (Times New Roman).

• Egipcio Se deriva del romano. Tienen astas iguales y más anchas y el remate rectangular (Rockwell, Clarendom).

• Palo seco (o sin serif) Helvética, Gill sans, Franklin Gothic, Frutiger o Futura, Univers. Al igual que el primer grupo, existen muchas más y hay diferentes estilos dentro de cada una, como por ejemplo, Gill Sans Bold, Gill Sans Bold Italic... entre otras.

la u c ica í r f á ad r u C og p i t

La cuadrícula tipográfica, sirve para organizar los elementos tipográficos y pictóricos de una página y unificar todas las partes del diseño. La complejidad y la configuración de las cuadrículas depende de la naturaleza de la información que se debe incorporar y de las propiedades físicas de los elementos tipográficos.

Las cuadrículas tipográficas estándar poseen líneas de contorno, módulos cuadriculados, columnas de texto, medianiles (espacio en blanco entre dos columnas de texto) y márgenes.

Las dos unidades de medidas básicas en tipografía son la pica y el punto (medida inventada por Didot). Seis picas o 72 puntos equivalen aproximadamente a una pulgada; doce puntos equivalen, a su vez, a una llamada pica.

Los puntos se utilizan para especificar el cuerpo de un tipo, formado por la altura de las mayúsculas más un pequeño espacio por encima y por debajo de las letras. Tipos del mismo cuerpo pueden parecer que sean de distinta medida según la altura de la x. Aún teniendo el mismo cuerpo, una letra con la altura de la x grande parece mayor que otra con la x pequeña.

Asimismo, los puntos también se utilizan para medir la distancia entre las líneas.

La legibilidad de la tipografía El primer objetivo que debe tener un diseñador a la hora de ponerse a trabajar con texto es que éste sea legible, es decir que facilite la lectura al posible receptor de ese trabajo. Cuando el diseñador domina las reglas que hacen que un texto sea más o menos legible o cuando es más importante la expresividad que el contenido textual, es cuando el diseñador podrá trabajar más libremente.

Cuando conseguimos que estos tres elementos armonicen -tipografía y su tamaño o cuerpo, longitud e interlineado- se producirá una mayor facilidad de lectura, será más natural nuestro recorrido visual sobre el texto. Cuando variamos uno de estos aspectos en la tipografía, deberemos ajustar los otros para que la armonía se siga produciendo.

Deberemos elegir un cuerpo o tamaño de tipografía ¿Cuáles son las reglas que debemos tener en cuenta dependiendo de la finalidad y la importancia que para la legibilidad de los textos? En primer lugar queramos darle al texto. Cuando estamos hablando deberemos escoger caracteres que sean abiertos y de un bloque de texto el tamaño idóneo debe estar bien proporcionados, con regularidad en los tipos y entre 8 y 11 puntos, cuando nos referimos a otras con remates clásicos. Los caracteres que contienen finalidades del texto: titulares, subtítulos. Por eso los afectaciones estilísticas o irregularidades son menos tamaños pueden ser muy variables legibles, por lo que son menos recomendables utilizarlos en bloques de textos y más adecuados para textos cortos o titulares.

Una vez elegida la tipografía con la que trabajaremos para hacer legible el trabajo, tendremos que tener en cuenta otros aspectos como el cuerpo con el que trabajaremos, la longitud de la línea o el interlineado.

CONCEPTOS TIPOGRAFÍA

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¡A,B,C,DISEÑO!

El set (kern y el track) el espaciado entre palabras Tengamos en cuenta que cuando estamos hablando sobre legibilidad nos debemos fijar en los factores que determinan el correcto espaciado entre letras (set) o palabras. Estos factores son el tipo utilizado, el cuerpo con el que trabajemos y el grosor de la letra. Un “set” uniforme nos proporciona una textura o color homogéneo del texto, lo cual también nos proporciona una mayor legibilidad.

Dos conceptos que debemos estudiar y utilizar para modificar el espaciado entre letras son el track y el kern. Tradicionalmente los tipógrafos han usado el track para alterar la densidad visual del texto, este ajuste actúa globalmente sobre toda la tipografía y depende del tamaño de los caracteres; como regla general, cuanto más grande sea el cuerpo más apretado debe ser el track.

El kern se utiliza para ajustar el espacio entre algunos pares de caracteres (o sobre poco texto más) cuando llaman la atención por estar demasiado juntos o separados, normalmente en cuerpos grandes. Tanto el track como el kern se miden en unidades relativas al tamaño en puntos de los caracteres.

El track ajusta el espacio entre caracteres abriéndolo cuando se trata de cuerpos pequeños y cerrándolos cuando se trata de cuerpos grandes. El kern es estrictamente proporcional, ya que el espacio eme la unidad en la que se basa tiene el mismo tamaño en puntos que el cuerpo de los caracteres: es decir que el espacio eme para un texto de 12 puntos mide 12 puntos y es lo más adecuado.

CONCEPTOS TIPOGRAFÍA

Formas de alineación

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El texto puede alinearse de cinco formas distintas: alineado a la izquierda, alineado a la derecha, justificado, centrado o asimétrico.

El texto alineado a la izquierda, es el más natural y recomendable para textos largos. Crea una letra y un espacio entre palabras muy uniforme, y dado que las líneas terminan en diferentes puntos, el lector es capaz de localizar fácilmente cada nueva línea. Esta es posiblemente la forma de alineación de textos que resulta más legible.

La alineación a la derecha va en contra del lector porque es difícil encontrar la nueva línea. Este método puede ser adecuado para un texto que no sea muy extenso, pero no para grandes bloques.

El texto justificado (alineado a derecha e izquierda) Puede ser muy legible si el diseñador asegura que el espacio entre letras y palabras sea uniforme y los molestos huecos llamados “ríos” no interrumpan el curso del texto. Normalmente cualquier programa de autoedición facilita al diseñador afinar los espacios.

Algunos programas dan dos tipos de justificado, uno el normal y otro en el que se justifica también la última línea.

Las alineaciones centradas dan al texto la apariencia muy formal y son adeudadas cuando se usan mínimamente. Pero debe evitarse configurar textos demasiado largos con este modelo.

Color en la tipografía

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¡A,B,C,DISEÑO!

Diseñar con tipos y colores es un gran reto, ya que cuando los colores y los tipos aúnan sus fuerzas, el riesgo de errar se acentúa; aunque también es cierto que la combinación de tipos y color hace que se resalte los atributos visuales y expresivos de la tipografía.

En la elección del color uno de los aspectos que debemos no olvidar es la legibilidad tipográfica Estamos acostumbrados a ver tipos negros sobre papel blanco, y tradicionalmente esta combinación es la más legible.

Además muchos tipos se han diseñado para ser leídos como letras negras sobre fondo blanco y ofrecen una óptima legibilidad impresos de este modo.

En el momento en que se añade color al tipo o al fondo, se altera la legibilidad del texto. En consecuencia, la tarea del diseñador es combinar las propiedades del tipo y el color para multiplicar su potencial comunicativo, Estos dos elementos pueden dar vida a un texto que, de otro modo, fracasaría en su vertiente comunicativa.

Para alcanzar la óptima legibilidad cuando se diseña con tipos y color se han de sopesar cuidadosamente las tres propiedades del color (tono, valor e intensidad) y determinar el contraste apropiado entre las letras y su fondo. Cuando se combinan tipos y color, el equilibrio entre estas características es crucial.

Los colores azul y naranja, saturados, ofrecen un contraste tonal pleno, pero cuando lo aplicamos a tipo y fondo los bordes de las letras tienden a oscilar y complica la lectura del texto. Esto ocurre porque ambos colores poseen un brillo que rivaliza entre sí y que reclaman atención propia. La solución es suavizar o acentuar uno de los tonos haciendo que su valor pase a ser claro u oscuro.

ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS

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e sp a ciad o El espaciado entre letras, palabras y líneas también afecta al tipo y al color. Las palabras parecen de un tono más luminoso si las letras están más separadas.

Del mismo modo, si se incrementa el espaciado que hay entre palabras y líneas, el tipo parece adquirir un valor más brillante.

Deberemos tener cuidado si la letra es demasiado pequeña o demasiado fina, ya que hay muchas posibilidades de que los puntos de la imagen en cuatricromía invadan los tipos y alteren su legibilidad. Si el contraste de colores no basta por sí solo para destacar el tipo sobre el fondo, pueden añadirse perfiles y sombras. De todas formas no es Prestar atención a las necesidades de espaciado, recomendable utilizar estos efectos en los bloques puede favorecer la legibilidad cuando el contraste de de texto, pues en términos de legibilidad sería más color es escaso o cuando debe imprimirse en color perjudicial que beneficioso. Los mejores resultados se un gran fragmento textual. Si el tipo se disminuye en consiguen con tipos grandes o en grandes titulares. tamaño, debe incrementarse la fuerza de contraste de color. Por otra parte, los fondos estampados o con textura perjudican la legibilidad.

Cuando el tipo se coloca en positivo o en negativo sobre un fondo texturizado, hay que asegurarse de que esté muy contrastado. Cuando los tipos se combinan con fotografías de fondo, debe buscarse un espacio liso dentro de la foto que no afecte el tipo, buscar un gran contraste entre el color tipográfico y el fondo o insertarlo en un fondo superpuesto.

Empleando tramas podemos enriquecer la variedad cromática de un texto sin tener que añadir colores adicionales. Las tramas resultan specialmente útiles en trabajos de impresión con uno o dos colores, de todas formas deberemos tener en cuenta que el porcentaje de la trama afecta a la legibilidad del tipo. Los tipos tramados pueden disponerse en negativo o en positivo. También sobre una imagen en cuatricromía puede insertarse un texto en negativo o imprimirse en color si existe el contraste suficiente entre el tipo y la imagen.

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¡A,B,C,DISEÑO!

Armonía para un buen desarrollo Del trabajo Sugerencias para mantener la armonía de los colores en un trabajo.

• Emplear sólo unos cuantos colores y escoger uno como dominante.

• Elegir tonos con características en común, como los colores análogos o los complementarios.

• No usar colores demasiado vivos: mezclarlos con variantes claras y oscuras de tonos bien escogidos. De esta forma produciremos sensación de diversos niveles de color o profundidad.

• Combinar colores acromáticos con tonos puros y colores claros y oscuros.

• Partir de los esquemas básicos de color y trabajar sobre ellos.

CONCEPTOS TIPOGRAFÍA

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correcta legibilidad de los tipos Las letras redondas y minúsculas suelen ser dentro de una familia las más legibles, más que las cursivas, negritas, mayúsculas y estrechas.

La separación entre letras y palabras debe realizarse de forma correcta, para que sea fácil de leer, es decir la separación debe ser coherente.

En la separación entre letras tendremos que tener en cuenta especialmente las mayúsculas y sobre todo en rotulación. No es la misma separación la que deben tener las letras D y O que la M, la I o la N en una palabra como DOMINO. El tamaño de la letra debe elegirse teniendo en cuenta a la distancia a la que se va a leer. Para un cartel que será observado a 10 metros, la altura de la letra debe ser, al menos, de 2,5 cm.; mientras que para una valla publicitaria que deba leerse a 60 metros, la altura de la letra deberá ser, al menos, de 15 cm.

La elección del tipo más adecuado depende en gran medida del tipo de mensaje al que va enfocada la composición. En algunos casos necesitaremos un tipo de letra refinada, elegante o delicada, sin embargo habrá casos, en los que nuestras letras deban ser sobrias,macizas y sin ningún tipo de remilgos.

La tipografía debe diseñarse o componerse de forma que sea agradable de leer y que esté íntimamente relacionada con el objetivo del mensaje y con el público al que va dirigido. Ejemplo: El anuncio de un todo terreno nada tiene que ver con el de un producto de cosmética, por lo cual el enfoque de la tipografía será totalmente diferente.

PAUL RAND Paul Rand nació en Brooklyn, Nueva York, en 1914. Se puede decir que fue un autodidacta, que se inspiró en los trabajos de otros y luego los mezcló hasta dar con su propio estilo. Buscaba inspiración en importantes revistas de diseño de la época. Quizás una de sus mayores influencias fue Cassandre, un cartelista moderno y diseñador francés.

Mientras iba al instituto, se apuntó a clases nocturnas en el Pratt Institute. Más tarde, continuó sus estudios en la Parson The New School for Design y en la Art Students League.

A pesar de comenzar a trabajar de forma muy humilde, a veces incluso gratis, Paul Rand avanzó rápidamente en su carrera. Su pasión, creatividad y estilo hicieron de él una figura importante y muy conocida global-mente.

“El diseño es simple, por eso es tan complicado”

APÉNDICE “Al pensar en un diseño inolvidable nos fijamos más en el resultado que en la intención. Sí, pero la relación entre ambos es la que cuenta. Uno puede esbozar un buen par de zapatos y no venderlo. Si consideras que un buen diseño debe tener éxito comercial, entonces los zapatos quizá no lo sean. Sin embargo, desde un punto de vista artístico o cultural, pueden ser un hallazgo. El diseño y el arte son dos asuntos distantes.

El arte tiene que ver con transformar al que mira, con hacerle ver el mundo de otra manera. El diseño acomoda a un público con un cliente.”

-Milton Glaser (1979).

ANEXOS

Recreado por: Yaneth Plazas.

SHORTCUTS DE PHOTOSHOP.

SHORTCUTS DE ILLUSTRATOR.

SHORTCUTS DE AFTER EFFECTS.

SHORTCUTS DE INDESIGN.

SHORTCUTS DE LIGHTROOM.

Con este ejemplo podrás recordar facilmente la psicología del color.

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Diseño: Actividad creativa que tiene por fin proyectar objetos que sean útiles y estéticos.

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Legibilidad: medida de lo fácil que es distinguir una letra de la siguiente.

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Tipografía: Es el arreglo artístico de la letra de una forma legible y visualmente atractiva.

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Alineación: Es la alineación de los elementos para alcanzar balance, orden y un diseño más lógico.

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Cuerpo del Texto: Es la parte principal de texto en tu diseño o publicación.

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Tipografía de Exhibición: Es la tipografía o fuente diseñada con el objetivo de atraer la atención.

Cita del Texto: fragmento extraído del texto principal y utilizado como elemento visual para ayudar a resaltar ideas importantes y atraer el interés hacia una pieza.

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Jerarquía: Es el acomodo visual de los elementos de diseño de una forma que signifique su importancia.

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Paleta: selección de colores que puedes elegir para usar en tu diseño.

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Monocromo: esquema de color construido a partir de un solo color, incluyendo tonos más claros y más oscuros del mismo color.

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Análogo: esquema de color construido a partir de tres colores que están al lado del otro en el círculo cromático o rueda de color.

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Complementario: esquema de color construido a partir de dos colores que se encuentran en lados opuestos en el círculo cromático o rueda de color.

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Triádico: esquema de color construido a partir de tres colores igualmente espaciados alrededor del círculo cromático o rueda de color.

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CMYK: modelo de color que se utiliza para propósitos de impresión.

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RGB: modelo de color que se utiliza para propósitos de pantalla.

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Pantone (PMS): sistema estandarizado de colores para impresión.

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Color es Cálidos: colores que te hacen pensar en el calor y la calidez, como los rojos, amarillos, anaranjados, etc. Estos colores suelen sentirse más acogedores, amigables y alegres.

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Colores Fríos: colores que te hacen pensar en temperaturas frías, como los azules, verdes, violetas, etc. Estos colores suelen crear una atmósfera calmada y relajante.

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Kerning: Es el ajuste del espacio entre dos caracteres en tu tipografía.

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Interlineado: espacio entre líneas de letras.

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Tracking: se refiere al espacio entre letras.

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Altura de la X: Es la altura promedio de las letras minúsculas.

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Ascendente: parte de una letra minúscula que se extiende por encima de la altura de la x.

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Descendente: parte de una letra minúscula que se extiende por debajo de la altura de la x.

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Líneas Huérfanas y Viudas: palabras o líneas cortas que aparecen solas en la parte superior o inferior de una columna o párrafo.

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Tipo de Letra Serif: letra con pequeños trazos decorativos que se encuentran al final de las líneas horizontales y verticales.

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Tipo de Letra Sans Serif: letra sin pequeños trazos decorativos.

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Tipo de Letra Script o Manuscrita: tipografía que imita la escritura cursiva.

Tipo de Letra Slab Serif: letra con serifas más gruesas y cuadradas, usado comúnmente en encabezados y títulos, pero raramente en el cuerpo del texto.

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Teoría del Color: estudio de cómo los colores hacen que las personas se sientan y respondan.

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Espacio Blanco: se refiere a las áreas de un diseño que no tienen contenido.

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Gradiente: cambio gradual de color, de un tono a otro.

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Márgenes: espacio que se encuentra alrededor del borde de una página.

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Opacidad: grado de transparencia que tiene un elemento.

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Troquelado: Es el proceso de cortar áreas de tu diseño impreso en varias formas para crear efectos únicos.

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Resolución: cantidad de detalle de una imagen.

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Contraste: grado de diferencia entre dos elementos yuxtapuestos.

Estampado en Caliente: aplicación de presión de aluminio al calor a ciertas partes de un diseño para darle un acabado brillante y metálico.

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Impresión Tipográfica: Es el proceso de utilizar placas de metal para presionar un diseño a una superficie de papel para crear identificaciones dimensionales.

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Lorem Ipsum: También llamada como ‘borrador’, lorem ipsum es un texto genérico de relleno utilizado cuando el texto no está disponible.

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Saturación: grado de intensidad o vivacidad de un color.

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Fotografía de Stock o Archivo: fotografía tomada profesionalmente y que se encuentra disponible en línea para la concesión de licencias.

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Regla de Tercios: teoría que dice que si divides tu imagen con dos líneas verticales y dos líneas horizontales, las áreas en donde intersectan las líneas serán los puntos focales de tu diseño.

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Marca: conjunto de conceptos, ideas y emociones que encapsulan los valores y ética de tu empresa.

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Identidad de Marca: forma que representa los valores, el contenido y la ética de la empresa.

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Logotipo: logo en donde el nombre de la empresa es diseñado de una forma visual.

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Isotipo: logo en donde se utiliza un símbolo en lugar del nombre de la empresa.

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Boceto de Thumbnail o Miniaturas: dibujos aproximados, o conceptos potenciales de diseño o de soluciones.

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Cuadrícula: marco formado por columnas y filas que se cruzan y están divididas uniformemente.

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Escala: cambio de tamaño de un objeto mientras se mantiene su forma y proporciones intactas.

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Textura: se refiere a la superficie táctil real de un diseño, o la tactilidad visual de tu diseño.

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EDITORIAL UNITEC FECHA FINALIZACIÓN:29 MAYO 2021 CORPORACIÓN UNIVERSITARIA UNITEC

Por todos aquellos que al empezar la carrera de diseño gráfico pensaron que seria fácil... Entenderán que no es así, todo tiene una explicación y nosotros como creadores visuales debemos saber cada elemento para tener el éxito. Este libro ha sido creado por diseñadores para diseñadores por eso presentamos: ¡A, B,C, DISEÑO! donde encontrarán los conceptos básicos para ser un gran diseñador.