REVISTA GAga

La cantante Miley Cyrus no necesita verdaderamente de presentación alguna. Puesto que, ha ocupado los escenarios y sido parte constante de las vidas de los más jóvenes desde que era una niña.

Entre las alfombras rojas, las calles y los escenarios, la artista americana no tiene miedo de arriesgar; ni explotando al máximo su sensualidad, ni apostando por diseños rompedores, de Moschino a Ágata Ruiz de la Prada.

MI LEY CYRUS LA REVOLUCIÓN DE LA MODA.

nos demuestra cómo es posible divertirse con la moda, que es una insuperable arma de liberación e identidad. “Mi misión siempre ha sido ser yo misma sin pedir perdón”. Son palabras de Miley Cyrus en entrevista con Vogue. Una misión que no siempre pudo cumplir, puesto que “hubo una época en la que me sentí muy insegura, pero mientras tanto reflejaba una imagen de lo que mucha gente creía que era una persona segura de sí misma”.

A raíz de esto, la cantante confesó: “terminé sintiéndome como un fraude”. Sin embargo, hoy, mientras cumple 30 años, Cyrus parece haber conseguido su propósito. Pero, para entenderlo, hay que remontarse a su pasado. Miley es digna de un análisis de sus estilismos.

Pocas artistas han experimentado tal transformación como la de la estadounidense. Prácticamente la hemos crecer frente a los focos, desde su papel en ‘Hannah Montana’ hasta la actualidad que ha encontrado su identitdad.

CYRUS

La diseñadora de moda responsable del movimiento punk de los 70, Vivienne Westwood, falleció a los 81 años en Londres este 29 de diciembre. Desde su debut el 1981, se estableció como un ícono de la moda y marcó un antes y después en la historia al influenciar todo un movimiento musical que trajo al mapa a la subcultura del punk. Recordamos sus grandes aportaciones a la industria con un recap de sus trayectoria. Larga vida a la única reina del punk.

En 1971 abrió su primera tienda Let It Rock, a la que le cambiaba el nombre cada que diseñaba una nueva colección. En 1974 la tienda SEX cambió la moda en Londres para siempre. De la mano de Malcolm McLaren, su novio y business partner, inició un nuevo movimiento artístico que reflejó el espíritu libre de la sociedad rebelde y se encargó de vestir al grupo punk de The Sex Pistols para sus siguientes shows.

El pasado fue su inspiración recurrente y las túnicas y corsets se decoraban normalmente con motivos que hacían referencia al arte renacentista y literatura. La diseñadora fue reconocida por su activismo en pro al medio ambiente, pero en un principio las críticas que hacía a través de sus shows y colecciones se revelaban en contra de la estructura social de Inglaterra. En sus propias palabras, su labor como diseñadora era “influenciar la forma en la que las personas piensan”.

VIVIENNE WESTWOOD

Mucho antes de que el movimiento genderless de la moda llegara a su auge, Vivienne ya dominaba los terrenos de la moda unisex, diseñando faldas y vestidos para hombres y trajes para mujeres.

WESTWOOD

LAS BOTAS ICÓNICAS DEL MUNDO PUNK.

MARTENS DR.

Las Dr. Martens, mejor conocidas como esa bota con la que se abren los pasos los metaleros en los conciertos de Rock al Parque, llevan más de cincuenta años definiendo la identidad de rockeros, punkeros, góticos y hasta personas de la clase obrera. Solo piden un poco de actitud para poder llevarlas. Historia Aunque no lo parezcan, las botas Dr. Martens son bastante cómodas. Fueron fabricadas para serlo.

El doctor Klaus Martens diseñó este calzado en 1945 luego de sufrir un accidente de esquí en los Alpes. Los zapatos normales no lo ayudaban a su recuperación, así que diseñó unos con una suela con cámara de aire. En 1947 empezó a venderlas por Alemania, usando caucho reciclado de las antiguas pistas aéreas de la Luftwaffe para fabricarlas. En 1960 la compañía Griggs, de Inglaterra, compró la licencia para producirlas y empezó a sacarlas por cantidades.

El modelo original fue el 1460, llamado así por la fecha de creación expresada en día, mes y año (fue diseñado el primero de abril de 1960). Al principio las usaron los obreros y trabajadores

de fábricas, y ya para finales de la década se habían convertido en un ícono cultural que usaron desde los hippies hasta los rockeros e incluso los góticos años después.

¿Cómo las quiere? La bota de caña alta, negra y con hilos amarillos es la tradicional imagen de una bota Dr. Martens. Pero el modelo 1460 no es el único que puede conseguir: las hay en diversos colores, tamaños y texturas. También hay diseños únicos, como los de Adventure Time, Las Tortugas Ninja y la colaboración de la compañía con un museo de Sir John Soane para llevar las obras de William Hogarth al calzado. Hasta el día de hoy han salido más de 70.000 estilos diferentes.

En 1980, los cordones de las Dr. Martens tenían una significación política: los supremacistas blancos usaban cordones blancos, los skinheads y neonazis usaban cordones rojos y los amarillos eran para personas que luchaban contra el racismo.

SLOWFASHION

Cuando hablamos de moda sostenible, rápidamen te aparece el término slow fashion o moda lenta como una de las formas de abordarla. Pero el slow fashion es más que una tendencia y un método, es un modo de pensar y concebir la moda desde un hacer consciente, ético y respetuoso con el medio ambiente, los trabajadores y los consumidores.

El concepto de moda lenta apareció como una reacción al fast-fashion o moda rápida, colocándose en la vereda opuesta del modelo de producción masivo que utiliza recursos sin medir el impacto social y ambiental que cada acción realizada genera. Así, el tiempo, los recursos, los insumos y la fuerza de trabajo cobran mayor importancia por medio de la desaceleración, haciendo de la moda lenta una práctica más empática y sensible con el entorno. El cambio que propone el slow fashion no sólo involucra a diseñadores y marcas, que buscan generar cambios hacia un futuro mas verde, sino que también interpela a quienes compran esas prendas.

Toda marca o diseñador que se basa en el slow fashion tiene en cuenta estos puntos a la hora de crear su colección: la calidad, durabilidad y longevidad de las prendas. Utiliza tiempos de producción más lentos, así como de reposición de las prendas, sus trabajadores reciben un salario justo, trabajan en la reducción de la huella de carbono generada por cada prenda, intentan llevar sus marcas a generar desecho cero y realizan producciones acotadas y atemporales.

El concepto de moda lenta lleva a cada diseñador a hacer un viaje introspectivo, a revalorizar los recursos que tiene a la mano, en su cercanía. Latinoamérica es una región muy rica en recursos y técnicas textiles, muchos de los cuales son saberes ancestrales, heredados a través de distintas generaciones. Gracias al gran trabajo de diseñadores que han volcado su trabajo hacia un hacer de moda lenta, es que estos saberes han podido ser rescatados, revalorizando el trabajo que se genera en las distintas comunidades.

GUILLERMO DEL TORO

EL GENIO DETRÁS DEL TERROR

Ha logrado ser galardonado con el Premio Goya y con el Premio Ariel. Es acreedor del Globo de Oro y de tres Óscar como mejor director y mejor película.

Guillermo del Toro infunde lo grotesco con inocencia y asombro, como si se hubiera deslizado en nuestros sueños y fascinaciones, no para juzgar, sino para encontrar la verdad y la gracia en los oscuros surcos y los crujidos corredores de la naturaleza humana. Sus personajes, a menudo niños o personas no corrompidas, se ven arrastrados a místicos y temibles mundos cinematográficos de hadas, faunos, bombas y, en el caso de “La forma del agua”, un pez en una parábola de la Guerra Fría. quien despierta las pasiones de una mujer muda de limpieza. Del Toro es un cineasta que explora el alma de “el otro” y cómo las cosas que nos atemorizan también pueden sanarnos. Del Toro es parte de una vanguardia de directores mexicanos ganadores del Premio de la

Academia, incluidos Alejandro G. Iñárri tu (“The Revenant”, “Birdman”) y Alfonso Cuarón (“Gravity”), que han creado estilos vívidos, inmersivos y poco convencionales. Del Toro, cuyo trabajo está imbuido de las imágenes religiosas de su educación cató lica, es el más fantástico de sus compatrio tas, ahondando en los vampiros (“Blade II”), lo sobrenatural (“Hellboy”), y el horror cargado de ideas políticas, incluyendo “Pan’s Labyrinth” y “The Devil’s Backbone”, que se llevan a cabo durante la Guerra Civil Española del siglo pasado. En “Laberinto del fauno”, una niña, atraída por una man tis religiosa, entra en una leyenda, donde le dicen que es una princesa en un reino lejos de su sádico padrastro: “Fue la luna lo que te aburrió. Tu verdadero padre. nos hizo abrir portales en todo el mundo para permitir tu regreso”.Tal es el refugio de un niño que abraza cosas que podrían asustar a los demás. El reino de Del Toro es como un salto en el campo de la noche: “Algunas personas encuentran a Jesús. Encontré a Frankenstein”, dijo Del Toro. “La razón por la que estoy vivo y articulado y semi-cuer do son los monstruos”.

EDVARD M NCH U

Edvard Munch fue un pintor y grabador noruego. Sus obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán.

onsiderado uno de los precursores del expresionismo, el pintor noruego Edvard Munch, nacido el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega, fue rápidamente reconocido como un innovador en Alemania y en Europa Central, y aunque sus obras más importantes las realizó en la década de 1890, ha sido su obra posterior la que más ha llamado la atención y en la que numerosos artistas se han inspirado.

Sobre Munch han surgido muchos estereotipos, y aunque la mayoría son ciertos, lo que realmente define la grandeza de su obra fue el coraje del pintor a la hora de vencer sus miedos y poder legar a la historia del arte una extensa y valiosísima obra. Al final de su vida, el artista noruego escribió: “En mi arte he intentado explicarme la vida y su sentido, también he pretendido ayudar a los demás a entender su propia vida”.

La infancia de Munch estuvo marcada por dos muertes prematuras: la de su madre y la de su hermana Sophie a causa de la tuberculosis. Estos tristes acontecimientos definirían su obra y la convertirían en una expresión de dolor y en una experiencia de la muerte, la soledad, la

Cangustia e, inevitablemente, la vejez, temas que se convertirían en recurrentes en su obra. Pinturas como La niña enferma, Muerte en la habitación y Madre muerta con niña son repeticiones obsesi vas que demuestran el fuerte impacto que tu vieron las pérdidas de su madre y su herma na en el artista.

Bajo el dominio nazi en Alemania, las obras de Munch fueron reti radas de los museos al considerarse “degene radas”, por plasmar la muerte o tocar temas que eran considera dos polémicos por el régimen. Con la inva sión nazi de Noruega la cosa empeoró, ya que se retiraron todas su obras de los museos porque se creía que es candalizaban a los vi sitantes. Al ver que los invasores nazis lo con sideraban un demen te, Munch no quiso tener ningún tipo de relación con ellos.

La salud de Munch siempre muy frágil y, tal como llegó a con tar el propio artista, “cuando nací se apre suraron a bautizarme, pues creían que mo riría”. El creador de grito murió a causa de una neumonía, en si lencio y en soledad, un 23 de enero de 1944 a los 80 años de edad dejando escritas estas palabras: “Enferme dad, locura y muerte fueron los tres ángeles que velaron mi cuna”.

6 LOS

EMBLEMÁTICOS DE TIM BURTON

emblemáticos de Tim Burton.

BEETLEJUICE 1

No es un fantasma cualquiera: su trabajo consiste en aterrorizar a los vivos para que dejen de incomodar a los fantasmas que solicitan sus servicios. Hace 30 años, Tim Burton lanzó la comedia de fantasía Beetlejuice (1988), endonde el personaje interpretado por Michael Keaton se llevó la audiencia al bolsillo no es un fantasma cualquiera: su trabajo consiste en aterrorizar a los vivos para que dejen de incomodar a los fantasmas que solicitan sus servicios.

EDWARD SCISSORHAND 2

El personaje de surgió a raíz de una serie de dibujos que Burton hizo en su adolescencia, en los que plasmaba a un chico que tenía cuchillos en los brazos en vez de manos. Fue Caroline Thompson, novelista y guionista estadounidense,

JACK SKELLINGTON 3

Cuando aún era un trabajador de Disney Feature Animation cribió un poema de tres páginas titulado The Nightmare Before Christmas pirado en su obsesión por festividades como Halloween y Navidad. Con Skellington, el protagonista de la pelícu la de stop motion The Nightmare Before Christmas tor llevó su proyecto inicial a las pantallas del cine y creó un personaje de culto.

GAga

Durante años, Tim Burton ha cautivado a millones de fans alrededor del mundo, creando personajes tan amados que se han vuelto un ícono en la historia del cine. Conoce el top 6 de los pesonajes más

YDIA DEETZ 4

El papel de Winona Ryder como la adolescente gótica Lydia Deetz en Beetlejuice (1988) fue uno de los más importantes de su carrera. Cuando solo tenía 17 años, la joven actriz se embarcó en este proyecto. Gracias a Lydia Deetz, Ryder fue aclamada por la crítica y se convirtió en la actriz fetiche de Tim Burton. Según el portal Bustle, antes de Lydia muy pocas “adolescentes alternativas se veían al frente de una película”.

EMILY 5

La actriz británica Helena Bonham Carter le dio voz a Emily, más conocida en la ficción como “la novia cadáver”. Para la creación de este personaje, el director estadounidense se inspiró en una leyenda rusa del siglo XIX llamada “La novia cadáver y el príncipe”. La figura de la novia fue su punto de partida para llegar a una película que narra un romance entre dos mundos, el de los vivos y los muertos.

SWEENEY TODD 6

Una vez más, Tim Burton recurrió a Johnny Depp para trabajar en un controversial proyecto. En The Demon Barber of Fleet Street, barbero inglés que asesina a sus clientes para convertirlos en pasteles de carne con la ayuda de su cómplice, la este papel, el actor tomó clases de canto y descu brió que tenía una particular habilidad para can tar. La película fue todo un éxito, ya que se llevó el Globo de Oro de “Mejor película de comedia o musical” en el 2007.

TIM BURTON

Conoce la sesión fotográfica inspirada en la visión artística de Tim Burton.

BILLIE EILI SH

Billie Eilish es una de esas jóvenes cantantes que recientemente se han colocado en la cima de las listas más reconocidas de música a nivel mundial, la música de Billie es una revelación dentro del ambiente musical juvenil en la actualidad.

Se está convirtiendo en una de las artistas femeninas más representativas del momento y es una inspiración para las nuevas generaciones.

LADY

Conocimos a Lady Gaga de una manera explosiva. Basta recordar videos como ‘Poker Face’ o ‘Alejandro’ para saber a qué nos referimos.

La también actriz llevó al género pop más allá de los estereotipos en que se tenía encasillado. A muchos artistas les funcionan los shows sencillos, especialmente cuando son solistas y con pocos instrumentos. Pero Lady Gaga se va siempre a lo grande; tanto, que sus conciertos han llegado a ser una especie de shows de ópera rock.

Pianos incendiándose, decenas de bailarines, cambios de atuendo cada dos canciones y tacones con plataformas. Cada concierto es prácticamente una declaración de amor para sus ‘Little Monsters’ y, por su pasado (donde sufrió de acoso y bullying ) , ha creado varios movimientos para apoyarlos (por ejemplo, el Born This Way Foundation ).

Muchas celebridades han marcado paso en la música y la moda simultáneamente, pero Lady Gaga inspiró a diseñadores y revistas para no tenerle miedo a los riesgos.

Vestidos enormes, nuevos escenarios, y nulo miedo a los desnudos. Ella simplemente se convirtió en un lienzo para ellos y es por eso que se volivió un ícono de la moda.

UNA MUJER QUE REVOLUCIONÓ EL MUNDO DE LA MÚSICA PARA DARLE PASO A UNA NUEVA GENERACIÓN.

UN ÍCONO DE LA CULTURA ROCK

Aunque Patti Smith se inició en la pin tura y en la poesía, logró trascender como líder de su propia banda de rock. Casi sin proponérselo, insufló una re novada energía al género e influen ció a toda una generación que pedía a gritos que el rock volviera a rebelarse contra el mundo.

El resultado, once discos esenciales se dedicó al rock casi de casualidad. No es que fuera ajena a ese mundo, en absoluto. Fue de las primeras mujeres en ejercer el periodismo de Rock en revistas como Rolling Stone, Crawda ddy, Creem y Circus. Bob Dylan y Jim Morrison eran sus héroes, al igual que The Rolling Stones, The Beatles -en un libro sobre los Fab Four contó que escuchó por radio el estreno de Sgt. Pepper a la medianoche acampando en la despensa de su casa y The Animals.

Iba con frecuencia al Max’s Kansas City, el lugar favorito de Andy Warhol, donde The Velvet Un derground, la banda en la que Lou Reed inició su carrera, tocaba todas las noches. Además, al resi dir en el hotel Chelsea, lugar donde se alojaron muchísimos artistas, pudo acercarse a figuras como Janis Joplin, Jimi Hendrix, Todd Rund gren, Roger McGuinn y Kris Kristofferson.

Pero Patti se inició en la pintura, el dibujo y la poesía. Fue a Nueva York en 1967 a perseguir un sueño, sin saber bien cuál era o cómo hacerlo rea lidad. No tenía nada y vivió un tiempo en la calle,

EL ORIGE DEL

UNO DE LOS GÉNEROS MÁS POPULARES DE MÚSICA, MARCADO POR SUS RADICALES ARTISTAS, SU ORIGEN VA MÁS ALLÁ DE LO ESPERADO.

El género nació en los Estados Unidos a principio de los años 50 producto de la evolución natural del Rhythm and Blues de raíces afroamericanas y el Country, influenciado por géneros variados como el Gospel, el Jazz, y el Blues, entre otros y representados por artistas del momento como Chuck Berry, Bob Diddley, Jerry Lee Lewis precursores de este sonido que comenzaba a dar de qué hablar en la escena musical.

1960 se considera la década mágica que define este género musical. La llegada al Reino Unido de estos sonidos provocó en la escena musical británica de la época un salto evolutivo. Es justo en este período cuando pudiéramos decir que el Rock and Roll originado en Los Estados Unidos derivó en lo que hoy conocemos como Rock.

En lo social, la música Rock emerge como válvula de escape de una juventud rebelde que para el momento buscaba su propia identidad. Bandas como The Doors y Creedence Clearwater Revival en Estados unidos o Led Zeppelin, Pink Floyd y The Beatles nacidas en Inglaterra, representaban en la época el nacimiento de un nuevo sonido y una nueva forma de hacer música, no solo para expresar historias románticas y cotidianas, a diferencia del pop, ahora también para abordar temas con un enfoque social y hasta político.

Pedales y amplificación se fueron sumando a las guitarras ofreciendo un sonido de gran potencia que ha derivado en infinidad de subgéneros y ritmos, como el Glam rock, Rock Psicodélico, Punk, Grunge, Heavy metal, Rock progresivo, Indie Rock, etc.

No solo bandas legendarias, también grandes artistas marcaron la historia del Rock influyendo culturalmente en la vida de millones de jóvenes, las llamadas leyendas del Rock, John Lennon, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Freddie Mercury, Janis Joplin, entre muchos otros que dieron pie al movimiento musical más importante de todos los tiempos.

EN EL MUNDO PUNK

EL PUNK ES UN MOVIMIENTO MUSICAL QUE SE CARACTERIZA POR SU ACTITUD INDEPENDIENTE Y DE CONTRACULTURAL, PERO MÁS ALLÁ DE ESO, HA TE-

NIDO UN GRAN IMPACTO A FAVOR DEL FEMINISMO.

El punk supuso un cambio notable en lo referente a la visibilidad femenina en la música pop. Hasta entonces, las mujeres se limitaban a cantar en grupos femeninos dirigidos por hombres o en grupos mayoritariamente compuestos por hombres. La visión artística femenina quedaba circunscrita a una serie de cantautoras que tenían licencia para expresarse porque en su trabajo no había, aparentemente, peligro de subversión. El rock era un mundo machista en el que apenas se distinguían iconos femeninos notables como Janis Joplin, y no porque no existieran artistas con ese potencial.

El glam fue un fenómeno en el que los hombres se valieron de lo femenino para reivindicar la homosexualidad pero donde lo femenino apenas tenía lugar. Poco después todo cambió. Esto fue lo que el punk hizo por el feminismo. La transgresión a través de la moda. Suele señalarse al empresario Malcolm McLaren como artífice del punk británico, concepto que diseñó en 1974, a partir de su experiencia en Nueva York como ma-

nager de New York Dolls, que le convirtió en testigo de la aparición de Ramones y otros grupos que marcaron un relevo generacional en el rock. Sin embargo, no hay que olvidar que McLaren llevaba años trabajando en Londres con su pareja, la diseñadora Vivienne Westwood con la que montó boutiques de referencia como Let It Rock y SEX. Esta última se convirtió en el laboratorio donde ambos experimentaron hasta dar con la estética punk. Hasta 1975, los grupos formados o creados por mujeres, salvo contadas excepciones, estaban obligados a seguir los cánones de las bandas masculinas.

Las californianas Runaways fueron de las primeras en romper con esa regla no escrita, a pesar de que estaban controladas por un caballero llamado Kim Fowle La integración del arte en el rock. Del mismo modo que el punk posibilita que la mujer tenga un papel mucho más activo y personal en la música, también facilita que los músicos no se limiten a una única disciplina creativa, sobre todo en la escena neoyorquina, siempre bajo el influjo de Warhol, pionero en abarcar diversas áreas.

vid Bowie, fue un cantautor, actor, multiinstrumentista y diseñador británico. Su gran personalidad y talento, le permitió volverse un ícono en la industria de la música.

La sexualidad de Bowie lo acompañó durante años de carrera, la estrella en 1972 se declaró gay, solo cinco años después de que está preferencia sexual dejará de ser un crimen en Reino Unido. En una entrevista para la revista Playboy, en 1976, la estrella afirmó ser bisexual, dijo: “No importa con qué o quien sea, mientras sea una experiencia sexual”. Afirmó que en su época el sexo aún era algo sorprendente y todos deseaban ver al raro. Su forma inusual de vestir apuntaban a una persona andrógina.

La profesora de género Karen Tongson de la Universidad Southern California dijo tras la muerte del rockero: “ Bowie contribuyó al sentido de ser raro, de habitar y mover fluidamente a través de una serie de identidades que no son necesariamente sólidas, o incluso un conjunto estricto de deseos”.

En el álbum, The

Man

Who Sold the World David Bowie aparece sentado en un sillón con una tela color azul rey, pelo largo y un vestido. Su pose femenina desató comentarios y escándalo. Esta fotografía suponía ser una parodia de Gabriel Rossetti, no obstante, su imagen se convirtió en un culto drag-queen. Los periódicos escribieron sobre lo ‘enfermo’ que la estrella estaba y su aniquilación por el arte.

El alter-ego de Bowie fue su icónico Ziggy Stardust. Bowie se convirtió en una estrella legendaria que vivió transformaciones y diversas etapas. Ziggy apareció por primera vez en 1972, en el lanzamiento del álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un músico bisexual de otro planeta, que había sido enviado a la Tierra como mensajero y brindaría esperanza a un evento apocalíptico, pero fue seducido por la fama, y en la última parte del álbum muere.

ACTIVISTA ARTE

TIVISTA ARTE ACTI

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ACTIVISTA ARTE

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ARTE AC ACTI ACTIVIS ACTIVISTA

l arte tiene la capacidad de conmover y conectar. Tiene la capacidad de despertar, de accionar y levantar pensamientos e ideas.

se define como una hibridación entre el arte y el activismo. Arte reivindicativo y de resistencia. Visibilidad, durabilidad y riesgo son los rasgos específicos de una intervención que conlleva un claro mensaje sociopolítico. El arte se convierte en un medio de comunicación enfocado al cambio y a la transformación, un lenguaje que se desplaza desde la creación artística académica o museística hacia los espacios sociales convirtiéndose en una herramienta educativa.

El arte es un motor que puede generar colectividad en espacios individuales, y llevar la resistencia los lugares de presión. El artivismo desarrolla un lenguaje de libertad y autonomía que se mueve fuera de las normas culturales fijas, de los cánones académicos, de la estética y de la tendencia mayoritaria.

ACTIVISTA ARTE ARTE AC ACTI ACTIVIS

El artivismo toma forma a través de

UNA PELÍCULA DE CULTO

La película muda de 1926 que marcó el inicio del género de ciencia ficción, después de casi 100 años, sigue teniendo relevancia en los amantes del cine.

etrópolis es una de las películas pioneras en el género de la ciencia ficción que data del 1927 y es muda. Dirigida Fitz Lang y realizada por la productora UFA, es considerada una de las grandes películas de cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial. Fue el primer film considerado Memoria del Mundo por la Unesco. El rodaje duró 310 días y 60 noches y participaron 27.000 extras. Costó el equivalente actual a 39 millones de dólares.

Metrópolis está ambientada en el año 2026, cien años después de cuando se rodó … ¡y ahora ya nos estamos acercando! Fritz Lang imagina una ciudad estado dividida en dos castas: los ricos y pensadores que viven en los grandes rascacielos exteriores, y la clase trabajadora, que vive bajo tierra. Como pionera que fue, Metrópolis impactó al mundo por los sofisticados efectos especiales que utilizaba, y por mostrar el primer robot antropomórfico en pantalla.

La película enfatiza el papel de los sentimientos en la relación entre humanos y máquinas, para evitar su explotación y el mal uso. No es por la máquina en sí que se ocasionan estas desigualdades y malos tratos, sino que es el humano extendiendo su propia naturaleza. Re-

Mflexionar en películas como ésta nos ayuda a mirar con un ojo avizor la tecnología y cómo puede volverse en nuestra contra si no nos damos cuenta de cómo nos consume. La película finaliza con la moraleja de la colaboración: «El mediador entre el cerebro (los empresarios, ricos …) y la mano (obreros) debe ser el corazón».

Pocas películas mudas consiguen conmover tanto en sus fotogramas de palabras escritas en la pantalla. Aquí es donde eso del cine mudo comienza a ser relativo. Los personajes no hablan en sonido directo pero Fritz Lang se encargó personalmente de utilizar la técnica del Sonido Visual que ya habían perfeccionado Sergei Liechtenstein o Charles Chaplin, consiguiendo con ello cargar las imágenes de una fuerza emocional. Durante sus primeras tres décadas de vida, el séptimo arte no consiguió librarse de esa herencia del drama mímico recibida del teatro.

unas 150 versiones en diferentes medios. El cine Frankenstein como la historia de un monstruo asesino, irracional, creado por la mano humana. Pero la versión “Shelley estaba abordando los mismos temas que los , proUniversidad que ha publicado escritos sobre el Víc-

lo fantástico y lo horroroso. Es la combi nación de estos elementos lo que le han traído a la historia tanto éxito.”Nos fascina porque habla de la relación entre la vida y la muerte”, señala la doctora Sorcha Ni Fh lainn, profesora de estudios del cine de la Universidad Metropolitana de Manchester y miembro del Centro de Estudios Góticos de Manchester.”La muerte es absoluta. Así que la idea de reanimar la carne es tanto impactante como cautivadora”.

MON

DE FRANKENSTEIN

EL MONS TRUO

UN FENÓMENO MUNDIAL

musical y social a nivel mundial. La banda rompió récords de ventas con sus discos, llenó estadios con sus conciertos y consiguió congregar a miles de fans en sus desplazamientos y apariciones públicas. Este fenómeno se conoció como Beatlemanía.

El fenómeno fan o Beatlemanía estaba integrado por adolescentes, en su mayoría mujeres, que sentían fascinación por los cuatro músicos que integraban la banda más famosa de Liverpool: George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Ringo Starr. Se les conocía con el nombre de groupies y de ellas se decía que estaban dispuestas a todo con tal de compartir un momento con sus ídolos.

A pesar de que las chicas jóvenes acostumbran a ser las protagonistas habituales del fenómeno fan (y así pasó con The Beatles), no se trata de un hecho exclusivamente femenino ni tampoco juvenil. Existen grupos de adultos y chicos jóvenes que también se definen como fans.

En el caso de The Beatles, hubo quiénes llevaron la idolatría hasta la obsesión. John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980 por un fanático que lo esperaba delante de su casa en Nueva York (Estados Unidos). Los seguidores de la banda enseguida rechazaron la violencia.

El talento de Freddie Mercury, vocalista de la banda británica de rock Queen, era inigualable en muchos sentidos Además de su talento para componer y tocar el piano, Freddie destacó por tener una personalidad peculiar, extravagante y muy poco convencional respecto a los estereotipos de la época en la que él y su banda alcanzaron el éxito. Pero sobre todo, lo que distinguió Mercury de otros cantantes de la época y que lo sigue separando de los intérpretes es su rango vocal.

La banda de Freddie, Queen es recordada como una de las agrupaciones más influyentes en la historia del rock. Éxitos como We will rock you, Killer Queen, Another one bites de dust y su obra maestra, Bohemian rhapsody, son solo algunas de las canciones con que el mundo conoció a Roger Taylor, Brian May, John Deacon y Freddie Mercury.

Y es que el músico británico representa mucho más que haber sido solo el cantante de una agrupación de rock. Su aporte a la evolución de este género, capacidad vocal, habilidad de composición, entre muchas otras cualidades, hicieron que se convirtiera en un ícono que permanece vigente entre los fanáticos de la música.

Un estudio hecho por la revista Logopedics Phoniatrics Vocology reunió la opinión de expertos austriacos, australianos y checos, analizando la voz de Mercury a través de pistas, entrevistas y grabaciones, revelando que el rango vocal del cantante era tan impresionante porque supera al de cualquier cantante existente.

Mientras el ser humano tiene un rango de vibrato de 5.4 Hz a 6.9 Hz, el de Mercury era de 7.04 Hz. Es decir, que la habilidad de Mercury para vibrar su voz era incluso insuperable por el cantante de ópera Luciano Pavarotti, quien posee el vibrato perfecto de valor cercano a 1. Sin embargo Freddie promediaba un número de 0,57 (más allá de lo perfecto).

En cuanto al rango vocal que el vocalista alcan