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STEVE MCQUEEN - RON MUECK - HOLY FESTIVAL OF COLOURS - NEW BALANCE ROUGH TRADE - DISSBORN - JAMES JEAN - OTAKU
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Director FERNANDO SUÁREZ, directora de arte ANTÍA CEDRÓN, director de fotografía ADOLFO PÉREZ, webmaster GONZALO BARRAL, publicidad FERNANDO SUÁREZ y JOFFREY COZART, maquetación JOSÉ RIERA y ANTÍA CEDRÓN, diseño gráfico AMAIA CARREIRA, redactor jefe arte y cultura XANDRE RODRÍGUEZ, redactor jefe música ERNESTO MARTÍNEZ, redactores CELIA ÁLVAREZ, MARÍA CONDADO, CAROLINA CADENAS PAZOS, RUBÉN SALGUEIROS, LUÍS LÓPEZ, MAXI GARCÍA, MARÍA PAZ CABALLERO.
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FOTÓGRAFOS
Alba
Fernández
ESTILISTAS
Fernando
Suárez
ILUSTRACIÓN REDACTORES
Fernando Laura
Suárez Morales
Roberto Martínez Soler.
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EDITO A PESAR DE QUE UN METEORÓLOGO FRANCÉS ANUNCIÓ QUE ESTE AÑO “NO TENDRÍAMOS VERANO”, WRONG MAGAZINE OS TRAE ENTRENIMIENTO. Y ES QUE, EN CASO DE QUE LO ÚLTIMO DE DAFT PUNK O JUSTICE NO SEA SUFICIENTE, PARÍS SE RINDE ANTE KEITH HARING CON UNA GRAN RETROSPECTIVA DIVIDIDA ENTRE EL MUSEO DE ARTE MODERNO Y EL 104 EVIDENCIANDO UNA VEZ MÁS LA ESTRECHA RELACIÓN ENTRE ARTE Y POLÍTICA. POR SU PARTE, LONDRES DA VISIBILIDAD A LOS OUTSIDERS DEL ART BRUT AL MISMO TIEMPO QUE LE DEVUELVE AL VIDEOARTE EL PRESTIGIO PERDIDO GRACIAS A LA GRAN FIGURA DE STEVE McQUEEN ADEMAS EN ESTE NÚMERO HAREMOS HOMENAJE AL ILUSTRADOR JAMES JEAN. PONEROS CÓMODOS PORQUE ESTO Y MUCHO MÁS OS ESTÁ ESPERANDO DESDE YA!
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NUESTRO OTRO MCQUEEN Texto: MARÍA CONDADO Fotos: CENTRO SCAULAGER, LAURENZ FOUNDATION El Videoarte fue una de las tendencias/ técnicas artísticas más novedosas de la segunda mitad del siglo XX, tal y como podemos comprobar si echamos un vistazo a la trayectoria de personajes tan influyentes en el ámbito del arte como Andy Warhol. Sin embargo, a partir de los años 90, el Videoarte cayó en una suerte de descrédito motivado por la enorme cantidad de artistas que se dedicaban a grabar en vídeo su concepto de la performance. Pero ¿podemos considerar todo ese material como algo obligatoriamente desechable desde el punto de vista artístico? Absolutamente no, ya que siempre hay joyas por descubrir, y como suele ser habitual, el tiempo coloca en su lugar a todo aquel que se lo merece. Tal es el caso del videortista y director de cine Steve McQueen (Londres, 1969), quien con tan solo veinticuatro años comenzó a despuntar en ese mundo tan competitivo como denostado que es el del Videoarte, forjándose una sólida carrera en la que no han faltado ni las críticas positivas ni los premios. Por ello, el Centro Schaulager (Laurenz Foundation, Munchenstein) ha decidido celebrar el buen hacer y la constancia del londinense con la exposición ‘’McQueen’’, que podremos visitar hasta el 1 de septiembre. Compuesta por instalaciones donde se proyectan más de veinte vídeos,
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fotografías y material inédito, la muestra de McQueen promete ser tan rompedora como el propio artista. Y es que, su montaje está basado en sugerentes juegos de luces y sombras, de interiores y exteriores, creando de este modo una serie de ambientes que nos llevan a la obra del inglés. En la exposición, el espectador puede acercarse a las cuatro características que han marcado la carrera de McQueen: en los años 90, se mostraba más interesado por el movimiento de la cámara, tal y como podemos apreciar en Bear; sin embargo, años después, es el sonido el que adquiere un protagonismo sin límites, actuando como banda sonora de sus vídeos. Por otra parte, el contacto físico de Charlotte es otro de sus leit motiv, gracias al que sugiere un erotismo del que no es fácil escapar. El último paso en su trayectoria es dar a sus vídeos una estructura narrativa
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(Carib’s Leap) que, con el paso del tiempo, irá evolucionando a un sentido cinematográfico que desembocará en las películas Hunger (2008), Shame (2011) y 12 years a slave (2013). ‘’Mcqueen’’ es un primer y merecido homenaje a un autor que todavía se encuentra en el ecuador de su carrera. Sus múltiples videos y sus dos películas nos revelan a un creador dotado de una gran madurez y capacidad para cambiar, para adaptarse a nuevas técnicas y estilos. McQueen es el emblema del artista comprometido con la sociedad y los problemas, con la Belleza de aquello que no queremos tener en cuenta por su marginalidad o simplemente, por nuestra hipocresía. Sigamos observándole. Todavía tiene mucho que decir.
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LA LÍNEA A SEGUIR Texto y Fotos: XANDRE RODRÍGUEZ Tres años después de haber acogido la fantástica retrospectiva de Jean Michel Basquiat, el parisino Musée d’Art Moderne (MaM) hace lo propio con otro de los grandes iconos generacionales de los ochenta: Keith Haring. Cumpliendo al pie de la letra con lo que reza el título de la exposición comisariada por Odile Burluraux, las 250 obras que conforman “The Political Line” tienen como objetivo involucrar de lleno al espectador con la faceta más política y militante del artista de Pennsylvania. Basta realizar un breve recorrido por su trayectoria para cerciorarse de su claro activismo
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en favor de causas tan diversas como el racismo y el Apartheid en África, la concienciación de los peligros de contraer el VIH y la necesidad de practicar sexo seguro, o el rechazo a la alienación que, a su juicio, provoca la religión y los medios de comunicación de masas, cuyo control atenta contra la libertad de pensamiento del individuo. Considerando Nueva York “la capital artística mundial” del momento, Keith Haring debutó en la ciudad que nunca duerme con sus famosos subway drawings aprovechando que, por entonces, siempre que quedaba algún espacio publicitario vacante
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en las marquesinas del metro, éstas se dejaban durante unos días recubiertas con papel de color negro. O lo que es lo mismo: un improvisado lienzo sobre el que poder dibujar con una simple cera blanca. Con un trazo lo suficientemente ágil como para plasmar en apenas unos segundos su mensaje a pesar del riesgo de acabar siendo detenido por la policía, las miles de personas anónimas que a diario cogían el metro se convirtieron durante meses en el primer público de Haring. Un público que en poco tiempo aumentó proporcionalmente a su fama, permitiéndole pasar de dibujar en el metro a volar en Concorde por el mundo entero. Consciente en todo momento de que sus días “estaban contados” -el virus del SIDA acabó con su vida a los 31 años, Keith Haring se propuso desde el principio tratar de dibujar “para el mayor número de público posible durante el mayor tiempo posible”. Una hazaña lograda a lo largo de una década de inagotable trabajo en la que llevó sus jeroglíficas formas a los muros de los hospitales infantiles, templos de la noche neoyorquina tan míticos como el Paradise Garage o directamente sobre el propio cuerpo de Grace Jones, en calidad de musa y obra de arte en sí misma. En cualquier caso, fuera cual fuera la superficie sobre la que dibujara, Haring siempre consideraba más importante la interacción entre el público que veía su obra que la propia obra per se, describiéndola como “ese momento en el que la pintura deja de estar en mis manos para formar parte de la libre interpretación del espectador”. Influenciado por artistas y escritores como William Burroughs, Matisse, George Condo, Basquiat o Warhol, otra de las obsesiones que persiguió a Keith Haring era lograr que su arte fuera universal y comprensible para todo el mundo, firmando a menudo sus obras con la imagen del famoso niño radiante -según él, “el más Página 12
claro símbolo de la pureza” que se va desvaneciendo a medida que nos vamos haciendo adultos-. En este sentido, el CentQuatre complementa la retrospectiva del MaM con la instalación de una Pop Shop -originalmente ideada en 1986 con el fin de comercializar todo tipo de merchandising a un precio asequible para aquellos que no pudieran permitirse una obra original expuesta en las galerías- y el resto de obras de mayor envergadura como
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la descomunal “The Marriage of Heaven and Hell” (7m x 11m) o “Los Diez Mandamientos”, expuestos en una sala tan espectacular que resulta imposible no recordar una vez más lo mucho que Keith Haring merecía el reconocimiento que al fin está teniendo.
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OUTSIDERS O LA INDEPENDENCIA DEL ARTE Texto: CAROLINA CADENAS PAZOS Hasta el 30 de junio, Londres presenta la exposición Souzou: Outsider Art from Japan en la Wellcome Collection Gallery, en colaboración con Het Dolhuys, el Museo de la Psiquiatría de Haarlem y la Social Welfare Organisation Aiseikai de Tokio. En ella se dan cita más de cuarenta artistas y trescientas obras unidas por una característica común: todos ellos son personas a las que se les han diagnosticado diferentes enfermedades que afectan a sus capacidades cognitiva, de comportamiento o mentales, y que se encuentran bajo tratamiento médico, alejados de la sociedad, en clínicas de la isla de Honshu. Esta terapia ha desembocado en obras que tocan diferentes palos, encontrando el espectador acuarelas, dibujos, manufacturas textiles, esculturas e incluso pequeños muñecos y juguetes de estética infantil, consiguiendo con ello que estos pacientes logren expresarse sin tener las limitaciones que el lenguaje ofrece. Este tipo de arte, alejado de los márgenes habituales de creación, ha recibido el nombre de arte outsider, enmarcándose en él a artistas no profesionales de diferente naturaleza. Históricamente, uno ha de retrotraerse a la primera mitad del siglo XX para comprender qué significó este arte otro en el panorama artístico mundial. Este concepto tiene su origen en las figuras de Dubuffet y Tapié, quienes se interesaron profundamente por el Página 14
Lady with Hole by M.K. 2009, water-based pen on cardboard, collection of the artist
llamado Art Brut. Se trata de un ambiguo término en el que es posible incluir manifestaciones de muy diversa naturaleza cuyo único punto de contacto es el carácter espontáneo, la pasión por un arte donde la materia es la gran protagonista y su desligamiento del sentido de lo establecido y lo “políticamente correcto”, produciendo con ello un arte fuera de los límites de la cultura oficial. Los brut son aquellos que se mantienen al margen de la sociedad, bien por su realidad social o mental, creadores libres de las presiones del mercado que no dirigen su obra a ningún sector del público (según Dubuffet, todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales
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actuales anulan). Por tanto, el arte producido por no profesionales como los “locos”, prisioneros o niños era un arte liberado del lastre de fórmulas académicas y, en definitiva, más puro y auténtico. Lo que pretendió Dubuffet fue quitar la venda que envolvía de prejuicios al arte académico y luchar en favor de la libertad creativa, más allá de toda forma o idea. Esta reacción antiacadémica no sólo se debía al ámbito estético, sino que estuvo estrechamente vinculada a la masacre que se vivió durante la Segunda Guerra Mundial, siendo visible en las obras de artistas tan diferentes como Hans Hartung, Antonin Artaud o los mediometrajes documentales de
Alain Resnais. Igualmente, en Japón, el arte creado fuera de la norma empezó a fraguarse durante esta década de los cuarenta, vinculándose especialmente con diferentes pensamientos renovadores, paralelos a las reformas realizadas en torno a la Sanidad y la Educación tras la debacle de la Segunda Guerra Mundial, dotándole de una inesperada vertiente política que la distingue del arte outsider realizado en otras partes del mundo, como el caso europeo (informalismo) o el americano (expresionismo abstracto). Actualmente, la marginación social se ha convertido en un rara avis, tal y como nos indican las redes
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Untitled by Marie Suzuki 2008-2010, sketchbook, pen; collection of the artist
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sociales o las novelas de escritores como Douglas Coupland, donde personajes antiguamente marginales se convierten en estrellas protagonistas y trending topics del mundo tecnolรณgico. Todos ocupan su lugar, comparten su tiempo con sus semejantes, gozan de popularidad y, sin embargo, la felicidad no les viene dada de fรกbrica . Un espacio siniestramente amable que esconde puntiagudas aristas. Una nueva crisis de identidad que, afortunadamente, el arte outsider y sus malditos son capaces de superar por medio de la inmaculada pureza de su gesto.
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The Economically Booming City of Tianjin, China by Norimitsu Kokubo 2011, pencil, coloured pencil and oil-based marker on watercolour paper; collection of the artist
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LA TALLA DE RON MUECK Texto: LAURA MORALES
Mask II, 2001, Materiales diversos. @Ron Mueck. Foto de Anthony d’Offay, Londres
La 27 La de
Fondation Cartier pour l’art contemporain presenta hasta el de octubre de 2013 la obra del artista australiano Ron Mueck. exposición presenta nueve de sus obras más recientes, tres ellas concebidas especialmente para la ocasión.
Entre las obras más recientes de la muestra destacan “Woman With Shopping” (2013), figura esculpida a tamaño reducido de una madre con su hijo sujeto contra su pecho, o “Young Couple” (2013), que representa la figura de dos adolescentes enamorados que parecen compartir una confidencia. En esta línea, se encuentra igualmente: “Couple Under An Umbrella” (2013), una pareja de ancianos -gigantes en escala-, que parecen disfrutar despreocupados de un momento cotidiano en la playa. Otras de las obras que conforman la muestra son: “Woman with Sticks” (2009), “Drift” (2009), “Still Life” (2009) y “Mask II” (2001), esta última presenta la escultura de un rostro silencioso e inmóvil de un hombre que se halla sumido en un sueño. Construidas a base de silicona y mediante modernas técnicas de modelaje, estas esculturas han sido concebidas en diferentes tamaños de lo que podríamos denominar la escala natural. Aunque las figuras son proporcionadas, el artista juega con la alteración de los tamaños, buscando tergiversar la realidad de sus modelos sin Página 18
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Young Couple, 2013. @Ron Mueck. Foto Thomas Salva / Lumento
nunca perder el efecto de hiperrealidad. Mueck esculpe seres humanos que exhiben las imperfecciones de la piel, las canas, las arrugas, sorprendiendo por su alto grado de realismo gracias a la precisión y el detalle en el tratamiento de los gestos y expresiones. Y es que el trabajo de Mueck es ante todo una labor de creación lenta y minuciosa, comprometida y reflexiva, que revela la existencia misteriosa y silenciosa de unos seres inertes, paralizados por siempre en un instante meditativo.
EXPOSICIÓN RON MUECK Fondation Cartier pour l’art contemporain 261, Boulevard Raspail – 75014 Paris Del 15 de abril al 27 octubre 2013. Página 19
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Ante todo a Mueck le interesa trabajar la empatía y relación establecida entre sus esculturas y el público, por ello sus obras pretenden capturar esos pequeños instantes cotidianos del mundo que nos envuelve. De esta manera, su obra permite configurar diferentes tipos de interpretación y de recepción. En sí, las obras de Mueck invitan al espectador a observar y a sentir la soledad oculta en la mirada de estos seres, haciendo asimismo que el público se cuestione sobre su propia existencia.
OTAKU Ilustraciones y Estilismo: FERNANDO SUÁREZ Modelos: KAWORU, TAMAKI Y SHINZO
Traje TOPMAN Camisa y corbata PRADA
Total look TOPMAN
Camisa BURBERRY PRORSUM Pantal贸n DIOR HOMME
Camisa JOANNA STARTEK
Chaqueta JOHN LAWRENCE SULLIVAN
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DISSBORN Texto: MAXI GARCÍA
Hay marcas que son adoptadas como claros referentes para el movimiento juvenil, un ejemplo evidente es la legendaria y ya nombrada Boy London, relanzada en el 2007 por su creadora Stephane Raynor. La marca DISSBORN presenta su cuarta temporada y se afirma cada vez más, con un estilo único y distintivo de siluetas modernas y futuristas que colisionan estética y actitud . La base de Underground street culture, Kokon To Zai y en su guiño constante a los Club Kids de finales de los 80’ muestran un extravagante colorido de trajes nutridos con imágenes subculturales. Un estilo fragmentado que libera seguidores y la búsqueda de una nueva marca que se aleja del convencional prêt-à-porter.
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Welcome home, New Balance Texto María Paz Caballlero
El calzarse unas New Balance no es moco de pavo. Y es que las zapatillas ochenteras mas molonas son lo más. Todos los de nuestra generación recordamos las míticas 990 que llevaban los jugadores de basket y muchos runners en los 80. El primer modelo de running se creo en 1953, pero entonces eran casi desconocidas, hasta que Jim Davis compró la compañía y creo en 1982 la new balance 990. Estaba claro que lo iban a petar, sobre todo cuando comenzaron a ser el fetiche de muchos famosos que las lucían orgullosos cual trofeo, como el jugador de los Lakers James Worthy. O que se las ponían a modo de zapatilla de andar por casa y no se las quitaban ni para dormir, como Steve Jobs, que siempre las llevaba. El caso es que hoy, tropecientos años después, las New Balance son las zapas favoritas de muchos y muchas, yo misma acabo de comprarme unas. Estas no cumplen su función para el running, sino que las New Balance son un complemento para el uniforme del curro, un traje, un outfit findesemanero o todo lo más moderno que puedas imaginar. Son lo más para lograr un look sport y casual, y querer dar la impresión de que llevas lo primero que has pillado por la mañana, cuando realmente no es así y te has tirado una horar intentando combinar los vaqueros con la camisa. Y si no que se lo Página 38
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pregunten a la cantidad de bloggers que no pueden vivir sin ellas. Cientos de outfits lllenos de zapatillas con la n, combinadas hasta el infinito y con propuestas arriesgadas son las reinas del streetstyle. ¿Acaso no teneis en mente la imagen de ejecutivas de nyc en el metro cambiandose los tacones por zapatillas? Pues bien, o son Nike o son New balance. La marca tiene un sinfín de modelos clásicos que ya entran de lleno es un must en moda como las “legacy”, las “420”, las “mode” o las “Horizon”. El rollo ir emperifollado y calzarte unas zapas es tendencia, y hasta aqui puedo leer. Te aseguro que como te pruebes unas, no habrá loubutin que te las quite.
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JAMES DEAN Texto: ROBERTO MARTÍNEZ SOLER Creador multidisciplinar admirado por crítica, público y toda clase de artistas, James Jean es una de las grandes figuras a tener en cuenta en el panorama cultural contemporáneo. Su trabajo es una amalgama imbuida de un carácter marcadamente original en la que confluyen el arte oriental, la imaginería pop, las pin-ups o el vintage efímero, entre muchas otras cosas. Un refinado cóctel que ha extendido progresivamente en múltiples campos,
desde el cómic o la prensa escrita, hasta el mundo de las galerías de arte o incluso el diseño de moda Nacido en Taiwán, creció en New Jersey y posteriormente se graduó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 2001, año en el que comenzó a realizar portadas para DC Comics dejando especialmente su impronta distintiva en la serie Fables (Fábulas). La calidad de su trabajo le valió siete premios Eisner, tres premios Harvey, así como
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dos medallas de oro y una de plata de la Sociedad de Ilustradores de Los Ángeles, y otra de oro de parte de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York. También ha colaborado con diversas marcas y publicaciones como Time, Rolling Stone, el New York Times, Atlantic Records, Target, Pepsi, Nike o Prada.
En 2010 realizó para el diseñador Phillip Lim la serie de retratos Birds and Boys, en la que pintó a figuras famosas de Los Angeles tales como Selma Blair, Rachel Bilson, Devendra Banhart o Gia Coppola; y en 2012 continuó experimentando con el diseño de moda y lanzó su propia línea que incluía prendas, joyería y diversos complementos. Recientemente ha realizado también la exposición Parallel Lives en la Tilton Gallery, en Nueva York. Una muestra en la que ofreció un catálogo de edición
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ILUSTRACIÓN
En 2008 se retiró de los encargos de ilustración y comerciales para centrarse en la pintura y el arte de galería, y comenzó su andadura profesional en el mundo de la moda. Su primera oportunidad en este campo le llegó de la mano de la casa italiana Prada, que en 2007 le encargó la elaboración de un mural para sus tiendas Epicenter de Nueva York y Los Ángeles, continuando su colaboración con un fondo para presentar la colección Primavera-Verano 2008 en Milán. Ropa
y complementos de la firma recogieron los motivos y elementos que Jean había plasmado en ambos trabajos, dando lugar a una amplia campaña para promocionar la marca con su arte que incluyó el corto animado Trembled Blossoms.
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limitada a mil unidades firmadas y que incluía pinturas, dibujos y obras realizadas con técnica mixta que exploraban la idea de la destrucción como componente necesario de la creación, inspirándose en las Vidas Paralelas de Plutarco. Hasta la fecha se han publicado ocho libros que recopilan sus trabajos: tres volúmenes de Process Recess, Xoxo:Hugs and Kisses, Fables: Covers, Kindling: 12 Removable Prints, Rift y Rebus. Más información y obras del artista en su página web: www.jamesjean.com.
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ELLOS NO SE CORTAN
Texto: LOS POSSIBLYS DE MAYBE Fotos: theknife.net
Pocas bandas realmente se ganan la categoría de culto como adjetivo. Algunos son oscuros, otros reacios con los medios de comunicación, otros tímidos o incluso obtusos; pero pocos lo logran en la escala de los Suecos The Knife. A través de comunicados esporádicos y polémicos, soliendo eludir a los medios de comunicación al completo, Karin y Olof Dreijer han construído un gran número de seguidores internacionales durante esta última década, una afilada y cortante década.
El mundo ha cambiado mucho desde que lanzaron su homónimo The knife (2001) Han habido colapsos económicos que nos han conducido a la austeridad, revoluciones de diversas -y algunas hasta dudosas- índoles, manifestaciones (inter)nacionales y otras muchas campañas propagandísticas a favor de unos u otros. Vivimos una época músical donde la política y los temas sociales son abstenidos o evitados por completo por muchos artistas que carecen de sustancia lírica y satírica Página 44
ya que simplemente quieren proteger sus posiciones en la “música de élite” de manera ingenua y sin alma corporativa. Por ello mucha gente se siente enojada. Y entre esas personas encontramos a Karin Dreijer Andersson y Olof Dreijer. La muy esperada respuesta, después de siete años, realizada por el dúo sueco, es más que bienvenida. Karin y Olof son hermano/hermana y viceversa, o recíprocamente.
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A veces, cuando no están funcionando de forma independiente como Fever Ray y Ayhun Oni, respectivamente, son The Knife: un grupo electrónicofóbico-sueco-glacial, tristemente célebre por la yuxtaposición de los sintetizadores más chillones que por ser reivindicaciones sociales. No realizaron conciertos en vivo hasta 2006, son casi completamente anónimos para el público, la mayoría de las fotografías promocionales del dúo de los hermanos cuentan con máscaras, trajes, antifaces...de forma similar a la plaga veneciana durante el Carnaval más famoso de Italia. Shaking The Habitual es su primer álbum de estudio desde hace siete años, suponiendo su regreso con un ambicioso conjunto de vías electrónicas experimentales que empujan hacia los límites estructurales, políticos y auditivos más de lo que alguna vez han intentado antes. Aquí, sintetizadores
se deforman y tensan más allá de la comodidad, creando un sonido agresivo y militarista cuando se combina con la percusión tribalista; mientras, la voz de Karin es torturada y distorsionada hasta el punto de sonar robótica. En contra de lo que nos tienen acostumbrados, The Knife han decidido no dejarnos completamente en la oscuridad explicándonos, con un peculiar preámbulo, el cortometraje titulado The Interview, el porque su vuelta en este momento.“No queríamos hacer otro álbum. Sólo queríamos hacer algo, pero teníamos que encontrar un propósito”, explican los hermanos en las primeras líneas de vídeo. Revelan que encontraron inspiración en 70 canciones de protesta de [su] juventud, y decir que el propósito que finalmente encontraron fue al plantear la pregunta ¿qué puede una canción de protesta hacer hoy? “Jugamos con instrumentos tradicionales
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“Es importante separar la expresión creativa de hacer dinero”
“La cultura o la música no debería tener que ver con la política” Olof
de encontrar formas no tradicionales de creación de sonidos tradicionales”, dice el dúo. “Queríamos encontrar un espacio donde todos los sonidos son tan extraños o tan normales, donde se borra la frontera entre lo normal y extraño.” explica Karin, a lo que Olof añade “empezamos a improvisar para encontrar algo menos predecible...Luego jugamos y jugamos y jugamos, a dejar ir lo que ya sabíamos acerca de la música” El primer single extraído, Full Of Fire, nueve minutos llenos de una potente fuerza electrónica, acompañado de una pieza evangelista a modo de video dónde podemos ver como una mujer policía persigue a una vándala a través de un edificio vacío, antes de que ambos se decidan a escupir(se), golpear(se) y tener(se) mutuamente practicando sexo. El video visualiza una política que ofrece deducciones fiscales para los suecos ricos que emplean a mujeres como sirvientas por poco dinero. Dirigido por Marit Östberg, directora porno-feminista que considera la pieza como “intransigentemente actual, nada sexy y sin compromisos políticos”. Full of fire nació a partir de la letra de la canción Who looks after my story. “¿Quién vela por nuestras historias personales cuando la gran historia, aquella que escriben los hombres blancos rectos y ricos, elimina todo ápice de complejidad y deseo?” declara Marit. El video teje una red de destinos, miedos, temores, anhelos, pérdidas y promesas. “Creo que hemos sido realmente malos en el pasado, trabajando con directores de video mayoritariamente hombres, técnicos musicales masculinos y así sucesivamente. Creo que esta vez realmente quería trabajar con mujeres técnicas como por ejemplo, ingenieros de sonido y todo el equipo técnico que vamos a llevar de gira. Creo que eso es lo que puede hacer un artista para cuidar su forma de trabajar desde dentro“. Estas declaraciones de Karin afirman, una vez más, su lucha por la igualdad de género que hemos podido comprobar, como espectadores, cuando en el resplandor del segundo disco, Deep Cut, The Knife Página 46
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fueron galardonados con el Grammy al Grupo Pop del Año -2003-, boicoteando el acto mediante el envío de dos representantes de las Guerrilla Girls (un grupo feminista dedicada a aumentar la representación femenina en las artes) como protesta contra la dominación masculina en la industria musical. Una década más tarde, The Knife se manifiestan en su teoría de género y en la imposición de una especie de amplia reestructuración de género en la industria de la musical.
El disco contiene dos canciones, Oryx y Crake inspiradas en Oryx & Crake de Margaret Atwood, una novela post-apocalíptica que examina de forma crítica los avances de la medicina y la tecnología de manipulación genética, en concreto la creación de animales transgénicos (como por ejemplo los cerdones que aparecen en la novela, híbridos de cerdo y humano, criados para obtener órganos humanos para trasplante) permitiendo unir la ingeniería genética y la androginia en un futuro mórbido empañado de elementos distópicos y satíricos. El segundo sencillo extraído de Shaking The Habitual, A Tooth for an Eye, invoca el sonido de los bajos fondos faux-tribal de alta tecnología, explorados éstos hace casi una década en Deep Cuts...Karin y Olof hacen aparente la intención de revocar la habitual, en usurpar confortables injusticias. “La norma en el periodismo musical es ser un hombre. Con la promoción del nuevo disco, hemos hecho unas cuantas entrevistas hasta ahora, y uh...creo que si hemos hecho veinte, dos de los entrevistadores han sido mujeres”, dice Karin...“Tenemos un sistema patriarcal en nuestra sociedad, mostrado en muchos ámbitos, y que por supuesto también se da en la industria de la música, así como en casi todas las estructuras de nuestra sociedad”, explica Olof. “Los hombres ocupan más espacio por sí mismos, y sólo por una mayor proyección, en definitiva, los hombres son muy buenos en la comercialización de sí mismos”, dice Olof. El Soundcloud de The Knife proporciona la definición, possibly maybe más apropiado para este dúo, “This is the world of The Knife: precise, particular, dark, occult, funny-peculiar, funny-ha-ha”. Página 47
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DISCOGRAFÍA PUNZANTE
THE KNIFE Disco minimalista marcado por una simbiosis entre la electrónica (2001) y el synth pop, con melodías ensoñadoras en las que Karin te
invita a un mundo pop con su distinguida y aguda tonalidad, como queda constancia en la canción A lung. Karin conecta con Björk y Kate Bush, y junto a su hermano, forman un tandem en el que no sólo el pop tiene un peso importante, sino que después de esas armonías te podrían encerrar en una habitación claustrofóbica en dejando paso a su faceta oscura. Con una mínima repercusión, era un prometedor debut del que se desconocía si era un espejismo o por el contrario iniciaba una brillante carrera.
DEEP CUTS Supone el verdadero primer disco comercial, dejando de lado el (2003) minimalismo para acercarse al dance y al hard-techno, insertando
letras feministas y surrealistas, aderezado con bastante sentido del humor. Esta extraña combinación musical se ve reflejada en la memorable Pass This On, la retro-electroclash You Take My Breath Away o la laureada Heartbeats; aportando un toque cálido, exótico y emocional a un género, la electrónica, criticado por la falta de calidez humana y sentimiento. Su música reboza de emociones que transportan universos dónde las máquinas traducen los sueños humanos con resultados agridulces y estrambóticos.
HANNAH MED H En 2003, The knife grabaron la banda sonora de la película (2003) Hannah Med H. La mayoría de los cortes son instrumentales,y
no todo funciona sin imágenes que lo acompañan. Este disco se queda a medio camino de estilo de sus dos primeros discos; un halo sombrío rociado de manchas alegres. New Year’s Eve es fácilmente una de las mejores canciones de un disco donde los estados de ánimo y las atmósferas recogidas pueden variar a lo largo de esta atípica banda sonora, quedándose en la intención de ser ruido de fondo y de esa forma no se puede lograr mucho. Ciertas piezas son gratamente atmosféricas, pero sabe a poco.
SILENT SHOUT Este disco es oscuridad hipnótica, nos trasporta a oscuras (2006) leyendas nórdicas, amas de casa adictas a la tv, prostitutas y
resacas terribles post fiesta como demuestran canciones como From Off To On o We share our mother’s health. Jay jay johanson colabora en Marble House uno de los singles del álbum, y sufrieron cierta censura para que la canción Like a Pen pudiera ser radiable. Un disco que provoca que la crítica los empieza a considerar y consiguen una exitosa gira, un show en el que en ningún momento enseñaban sus caras y en el que la pantalla de video tenía tanto protagonismo como los dos componentes del grupo.
TOMORROW... En el 2010 el grupo de teatro danés Hotel Pro Forma encarga (2010) a The Knife la versión de estudio de una ópera basada en El origen de las especies de Darwin; Tomorrow, In A Year. Creada en colaboración con Planningtorock y Mt. Sims, está compuesto de dos actos; mientras en el primero exploran su faceta más ambiental, con un resultado parcialmente tíbio, en el acto dos con canciones como Colouring Of Pigeons (donde la inconfundible Karin hace su único acto de presencia), el baile minimal de Seeds o el inconfundible sello sonoro de la casa incrustado en The Height Of Summer nos dejan un buen sabor de boca.
SILENT SHOUT La vuelta de The Knife nos confirma que no piensan seguir ningún (2013) tipo de reglas ni responder a lo que el público puede esperar de
ellos. Shaking the Habitual quiere ser entendido por aquellos que pueden y quieren hacerlo. Sólo con esto, The Knife volvió a ganar. Como un viaje a un territorio desconocido y misterioso, nunca se sabe lo que puede suceder. El sonido nos adentra en un barril lleno de adrenalina, percusión tribal y polirritmia en A Tooth for an Eye, para llevarnos a una sublimación real de la ansiedad con Without you my life would be boring. Demuestran, una vez más ser capaces de hacer música creativa e ingeniosa.
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ROUGH TRADE Texto: ERNESTO DE MARTIZ Fotografía: ALBA FERNÁNDEZ
Allá por el 76, mientras la capital del Reino Unido vivía inmersa en los frondosos bosques del punk y la salida a la parrilla de forma fulminante del reggae; Geoff Travis, regentaba una tienda de discos. Travis viajó por América del Norte hasta que se le calaron los huesos y se hizo con una gran cantidad de material. Es asi como surgió Rough Trade, una de las tiendas de discos más famosas de todo el planeta y la más importante de todas las islas. En el 78 veria la luz el sello del mismo nombre, lanzando un single de Metal Urbaine, un grupo de punk francés destacado en ese momento dentro de la escena. A partir de ahí,
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todo fue una imparable mejoría. El sello vivió sus mejores momentos en los ochenta, donde ya especializado en el post-punk y el rock alternativo cubrió a bandas como The Smiths, Television personalities, The Fall… más tarde vendrían los que ya muchos conocéis: Belle & Sebastian, Arcade Fire, The Strokes…
Rough Trade cuenta con tres sucursales dentro de Londres, una en Portobello, otra en Convent Garden y la mas jovenzuela y grande de ellas, la que hoy nos atañe, la de Brick Lane. Como ya decía anteriormente, está considerada como la mejor tienda de discos de toda Inglaterra, y una de las más destacadas a nivel mundial. En cuanto entras, ya eres consciente de que algo maravilloso te espera. Una cafetería, unos cómodos sofás, una decoración sencilla y cargada de encanto a la vez, todo esto sumergido entre vinilos, libros, cd´s y un fotomatón para demostrar eso de “yo estuve allí”. Las secciones perfectamente divididas en UK, US, Australia, Dance, Jazz, Soul… Unos estantes donde colocan las novedades que ellos consideran oportunas, y cuando en una tienda de
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discos a día de hoy, consideran que lo nuevo de The National y el debut Silence Yourself de Savages, ocupan el podio, yo me saco el sombrero, hago una reverencia y no tengo más que añadir. Rough trade no es barata, sin embargo, cuenta con una gran variedad de vinilos y de cd´s, elegidos de una forma más que acertada, puedes encontrar grandes reliquias entre todos aquellos discos, así como una selección actual de lo más apetecible, desde lo nuevo de She & him, pasando por Cloud nothings y terminando por clasicazos intachables como My funny valentine de Chet Baker o el último y encantador disco de Melody Gardot. Tienes la sensación de que todo fluye allí dentro. Todos estos discos que acabo de nombrar no pueden tener menos en común, pero allí dentro están colocados de una forma armónica, casi suenan al levantarlos y echarles un vistazo. La tienda organiza de forma habitual, exposiciones de arte, fotografía, proyecciones de películas y documentales, conciertos gratuitos y demás “parafernalia” para atraer al público. Y funciona, vaya que sí funciona. Cuando la mayoría de tiendas del sector están abandonando y cayendo en el pozo de este despropósito actual, Rough trade ha incrementado en lo que va de año un 25 % sus ventas. Está ofreciendo descargas gratuitas de toda compra física que tú realices allí. Creo que todo esto indica la gran capacidad de reacción que existe dentro de esta empresa, las buenas ideas, el criterio a la hora de elegir los discos, los extras, las fiestas…
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Por todo esto y mucho más, Rough trade es una visita obligada para todos aquellos melómanos, y los que no lo son tanto, porque es un rincón encantador, apetecible y sobre todo, londinense. Y si de paso te puedes hacer un capricho y comprarte el nuevo vinilo de The National, la combinación es inmejorable.
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WRONG MUSIC Texto: LUÍS LÓPEZ
Still Corners – Strange Pleasures Últimamente, hablar de dream pop supone viajar con cautela por un camino lleno de baches. Tal es el amplio espectro que actualmente abarca este nuevo género musical que parece que esté perdiendo su sentido. Por suerte, mientras viajamos, nos encontramos con grupos como Still Corners, que nos despejan el camino recordándonos la esencia y el significado de este género. Con “Strange Pleasures”, su segundo LP, nos regalan un trayecto de temas melódicos compuestos por sintetizadores y guitarra, creando una atmósfera cristalina y evocativa que nos hará virar en dirección hacia la era de los 80. Marsheaux – Inhale Las atenienses Marsheaux regresan después de cuatro años con su quinto trabajo “Inhale”, en el que encontramos lo que veníamos esperando: sintes penetrantes y melodías pegadizas llenas de energía que hacen levantarnos y bailar durante días. Paradójicamente, cierto pesimismo se plasma en la esencia de este álbum, forzado por las preocupaciones por el que está pasando su país. Aun así, “Inhale” es un excelente disco de electropop lleno de energía que proclama que después de un final hay un nuevo comienzo.
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Phosphorescent – Muchacho
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Parece ser que la meteorología también está siendo conquistada por los tiempos de incertidumbre, siendo así que la primavera apenas se ha instaurado y el verano amenaza con revelarse bajando sus temperaturas. Por suerte, nos topamos con Phosphorescent, que nos hace más ameno este aplazamiento estacional y nos transmite su luz esperanzadora. Con su sexto trabajo “Muchacho”, cargado de un entrañable folk americano, nos hará soñar despiertos mientras aguardamos la llegada de los días calurosos. After Dark 2 Seis años hemos tenido que esperar para que el sello de Johnny Jewel “Italians Do It Better” hiciera surgir, desarrollar y consolidar quince temas compilados en una distinguida antología: After Dark 2. Canciones de grupos como Chromatics, Glass Candy o Desire aparecen en este recopilatorio, agrandándolo de manera espasmódica cual bomba a punto de estallar, y dando como resultado una explosión de pulido y brillante italo-electroclash. ¿Quién dijo que este género había muerto? Kisses – Kids in L.A.
MÚSICA
El dúo de yacht-pop Kisses, venido de Los Ángeles, debutó en 2010 con “The Heart of The Nightlife”, un repertorio de nueve encantadoras pistas de patrón bailable similar que recordaban un escenario perteneciente a la costa este: sol, piscina y palmeras alrededor. Con su segundo largo, “Kids in L.A.”, apuestan por una selección musical más variada. Siguen aplicando la estructura utilizada en canciones anteriores, pero con energía renovada, y añaden atmósferas de pop de los 80 que se mezclan de manera propicia con sus tendencias propias de yacht-pop. No es un disco fascinante, pero sí es cálido y hermoso. Página 55
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Holy Festival of Colours Texto Antía Cedrón
Wrong Magazine nos fuimos al Festival of Colours en Berlín. Las 25.000 personas que acudieron el año pasado, y el hecho de que las entradas se hubiesen agotado en tan solo 6 min hacían presagiar un fiestón como pocos. Para los que no lo sepan el Holi Festival of Colours viene de una tradición india, una fiesta donde se promueve la igualdad a través de una simbólica polvareda de colores que cubre a los asistentes. Con un manifesto buenrollista y un enclave perfecto cerca del Olympia Stadium berlinés, el festival dio comienzo oficialmente a las tres de la tarde con la primera cuenta atrás.
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Y ahí la fiesta estalló, la euforia fue total, unos segundos de ceguera y de no poder respirar por el bendito polvo de colores y la música electrónica de LEXY & K-PAUL hizo que la gente se perdiera de sí misma bailando como locos, abrazándose a desconocidos y besando a todo el mundo con un mínimo de predisposición. Luego se sucedieron los djs Andhim ,Drauf & Dran, Dumme Jungs,Bombay Boogie Soundsystem, Animal Swing Kids y Hausdoktoren, las cuentas atrás, y los estallidos. Todo fueron viajes en medio de la gente que se paraba a hablar, te retenía para bailar o para que te subieses a sus hombros. Fuimos al bar, a comer currywrust, a comprar colores, al baño y al meollo (unas 200 veces), escondimos las acreditaciones y con un solazo de impresión y una pinta que daba asco con tantas capas de pintura encima, pasamos de entrevistar a nadie y decidimos hacernos un favor siendo simplemente parte de la masa que de eso se trataba En gira europea, el Holi Festival of Colours estará en nueve ciudades más durante 2013, consultar fechas aquí www.holyfestival.com
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