Diseñadores

Di se ña do res

Historia del diseño

El diseño gráfico desde 1950 hasta nuestros dias

ESTILO TIPOGRÁFICO INTERNACIONAL

Armin Hoffman

Nacido el 29 de junio de 1920, Armin Hof mann creció en Winterthur, Suiza. Asistió a la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y más tarde empezó a trabajar como litógrafo en Basilea y Berna. Posteriormente, abrió un estudio de diseño.

Después de conocer a Emil Ruder, descubrió que la Escuela de Artes y Oficios de Basilea estaba buscando un profesor de arte, así, en 1947 aceptó el pues to de profesor y siguió enseñando allí durante cuatro décadas.

En 1968, Hofmann in trodujo la clase avan zada de diseño gráfico y poco después fue nombrado jefe del de partamento de diseño gráfico.

Su primer trabajo como docente fue en el Philadelphia College of Art. Enseñó en la Universidad de Yale, donde desempeñó un papel clave hasta su renuncia.

En 1965, destiló los principios esenciales de su enfoque racional

de la enseñanza del di seño en su libro de tex to,“Manual de diseño gráfico”. Después de décadas de su publi cación, la versión revi sada de este manual pedagógico todavía se publica. Sus diseños fueron demostracio nes didácticas de los principios que discutió en su libro.

Durante las décadas de 1950 y 1960, diseñó carteles para algunos clientes culturales que conservan la claridad tipográfica y foto gráfica. Sus carteles teatrales capturan la experiencia dramática de mirar y escuchar tal como se muestra en las fotografías granu ladas ampliadas de una oreja y un ojo.

Giselle, Basler Freilichtspiele, 1959

Das Holz als Bau Stoff, 1952

Joseff Muller

Brockman

Josef Müller-Brockmann nacido el 9 de mayo de 1914. Fue un diseñador gráfico y profesor universitario de origen suizo. Fue docente de la HfG de Ulm en Alemania y uno de los impulsores, junto con Armin Hoffmann, de la llamada "Escuela Germano Suiza" de diseño, caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula.

Müller-Brockmann es probablemente uno de los diseñadores gráficos más influyentes de la historia de la profesión. Padre del diseño gráfico Suizo y uno de los representantes del Estilo Tipográfico Internacional, su trabajo es influenciado por la Bauhaus y el constructivis mo. Sus composiciones, basadas en retículas rígidas, y con la tipografía y la geometría como protagonistas, marcan el estilo carac terístico de su obra.

Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universi dad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Apli cadas y Oficios Artísti cos). En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio, especializa do en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zúrich. En 1958 se convirtió en editor y fundador, junto con Richard P. Lohse, Carlo L. Vivarelli y Hans Neuburg, de la revista New Graphic Design (también Neue Graphik y Graphisme Actuel). revolucionó el diseño gráfico. En 1966,

Müller-Brockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM. Era considerado como uno de los más destacados integrantes de una determinada corriente en el diseño gráfico en favor de un estilo anónimo y suprana cional. Esta particular concepción del lengua je gráfico comenzó a hacerse popular en los años sesenta (60´) y supuso una renovación de las formas tradicio nales de organizar el impreso. El estilo “sui zo” como acabó de nominándose a lo que sus promotores consi deraban una absoluta revolución técnica e incluso ideológica.

Der Film, 1960

Beethoven, 1955

Zurich Tonhalle. musica viva. Concert poster, 1957

Zurich Tonhalle. musica viva. Concert poster, 1958

Zurich Tonhalle. musica viva. Concert poster, 1959

Tomás Maldonado

Nacido en Buenos Aires, Argentina, 1922, Maldonado decide que cuando sea mayor estudia ría en la Academia de Bellas Artes.

Se definió a favor de una estética científica ligada a los cambios sociales, económicos y técnicos del hombre moderno que rechaza ba la ilusión de realidad creada por el arte tradicional académico (figurativo, espiritual e idealista). A principios del 1946, escribe junto a su hermano Edgar Bayley (poeta) el “Manifiesto Invencionalista”, Próximamente, vuelve a aparecer en la revista Arte Concreto Invención, cuyo primer número sale en agos to, incluyendo varios artículos de Maldonado reflexionando sobre el concretismo.

En los principios de 1940, junto a Jorge Britto, Alfredo Hlito y Claudio Girola firman un manifiesto repu diando a la selección efectuada en el salón nacional. En dicho manifiesto, cita a Carlo Carrá diciendo Es esencial suprimir a los imbéciles del arte. En 1944, colabora con la revista Arturo, rea lizando el grabado de la portada. A fines del 45’, funda en mani fiesto “Asociación Arte Concreto”, junto a Raúl Lozza, Alfredo Hlito, Manuel Espinosa, Lidy Prati, Antonio Caradu je, Enio Iommi, Jorge Souza, Alberto Mo lenberg, Simón Con treras, Oscar Núñez, Rembrandt Van Dyck Lozza, Rafael Lozza, Primaldo Mónaco, con el que apuntaban a un arte de rigurosa obser vancia “no figurativa”,

libre de sugerencias subjetivas, intuitivas o irracionales.

Dos años mas tarde, conoce a Max Bill y George Vantongerloo. En1951, junto a Hlito, participa en la orga nización de la revista Nueva Visión. Poco a poco, sus pensa mientos lo alejan de las “Bellas Artes” en dirección al diseño, y, a mediados de los 50’, deja la pintura.

En el 1954, Max Bill lo invita a Europa para comenzar a enseñar en “Hochschule für Gestaltung” en ULM, Alemania. Allí, se des peño como director de dicha institución hasta el 1967.

Entre 1967 y 1969, rige el comité ejecutivo del International Council of Societies of Industrial Desing. En 1971, se lo nombra como profesor

Sin título, 1950,Tomás Maldonad. Museo de Artes Plásti cas Eduardo Sívori.

Development of a Triangle, 1949.

del Planeamiento Ambiental en la Universidad de Bologna, Italia.

Entre su producción se destacan los textos es critos entre los años 1946 a 1874, compilados en “Vanguardias y Racionalidad”, “Artículos, ensa yos y otros artículos” y “Escritos preulmianos”. En 1984, aplica las carreras de Diseño Gráfico y Diseño Industrial en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UBA (Universidad de Buenos Aires). En el 85’ se lo nombro como Profesor Ho norario de la Universidad de Buenos Aires. Más tarde, entre 1992 y 1997, ejerce como Profesor Consulto y Director del Departamento de Diseño Industrial del Politécnico de Milán.

Entre sus obras se destacan “Homenaje a la vanguardia argentina de la década del ’40”, realizada en la Galería Arte Nuevo, 1976, “Van guardias de la década del ’40”, “Arte Concre to-Invención”, “Arte Madí”, “Perceptismo” en el Museo Eduardo Sívori, 1980, Argentina, “Arte Concreto Invención”, 1945, “Grupo Madí”, 1946 en la Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990 y “Abstract art from Río de la Plata, Buenos Aires and Montevideo 1933/1953” en The Americas Society, Nueva York, 2001.

Homage to Ptolemy 2 , 2005, Museo Nacional de Bellas Artes

EStiloS NACIONALES

Henryk Tomaszewski

Fué un artista multitalentoso que trabajó en varias áreas del diseño como el dibujo, la caricatura y el diseño de portadas. Sin em bargo el cartel era su amor verdadero y sus carteles van más allá de la comprensión académica del arte. En la mitad de los años cincuenta se es tableció en la gráfica polaca una jerarquía que perduró hasta los años noventa. Ade más de Tomaszewski, Wojcieh Fangor, Jozef Mroszczak, Roman Cieslewicz, Jan Mlodozeniec y Jan Lenica, eran los más destacados repre sentantes del cartel polaco.

Tomaszewski fué un gran maestro. Sus alumnos lo recuerdan como un ser humano sencillo y profundo a la vez. Con su sentido del humor, su inteligencia, sus réplicas directas y serias se ganó el respeto y admiración de los estudiantes. Durante la ocupación nazí se ganó la vida como pudo y a la par se guía pintando, dibujando y haciendo grabados, destruidos durante el Le vantamiento de Varso via. En 1947, Tomaszews ki junto con otros diseñadores afines em pieza a colaborar con la distribuidora cinemato gráfica estatal Centrala Wynajmu Filmow.

La historia de los éxi tos internacionales de los carteles polacos de posguerra se remonta al año de 1948 cuando Tomaszewski recibe los cinco primeros pre mios en la Exposición Internacional del Cartel Cinematográfico en Viena.

Desde este momento aparece el fenómeno

C r a

de la Escuela polaca del cartel en el foro interna cional y se asocia con el arte que rompe los es quemas de la gráfica de publicidad, aprovechan do tanto los logros de la pintura contemporánea como su propia tradición artística. Los primeros carteles de Tomaszews ki ya revelan su futuro método, que consistía en contradecir los esque mas trillados en diseño gráfico y en la constante renovación de su propio estilo. Precisamente este hecho lo obligó a replan tear las convenciones del cartel cinematográfico. En lugar de hacer sen suales retratos de los personajes para conse guir el impacto gráfico, eliminó toda referencia a los actores, sustitu yéndolos por atrevidos colores y perfiles abs tractos; en vez de ilustrar escenas reales sugiere la atmósfera de las pelícu las recurriendo a las técnicas fílmicas como montajes fotográficos y multiplicaciones ,recor tes y posiciones extrañas y perspectivas forzadas Desde el principio la tipo

grafía ejerce una función muy importante en sus carteles, pero es hasta finales de los años cin cuenta, cuando muestra la plenitud de sus posibi lidades al crear la imagen sólo a través de las formas tipográficas Moore es uno de los car teles representativos en el cual, sin recurrir a la ilustración, logra repre sentar perfectamente el espíritu de la obra del expositor.

POLA C O

Yusaku Kamekura

El trabajo más conocido de Yusaku Kamekura es el lo gotipo y la serie de carteles que diseñó para los Juegos Olímpicos de verano de 1964.

D I S ÑO E J A P O N E S

Yusaku Kamekura se graduó de la escuela secundaria de la Uni versidad de Nippon en 1933. Tomó su primer trabajo remunerado a los 17 años, cuando diseñó la edición japo nesa de Night Flight de Antoine de Saint-Exu péry.

De 1935 a 1937, Ka mekura estudió en el Instituto de Nueva Arquitectura y Artes Industriales de Tokio. El Instituto fue fundado

por Renshichiro Kawa kita para traer los pre ceptos del movimiento de diseño Bauhaus a Japón. En 1938, comenzó a trabajar para Yonosuke Natori diseñando Nippon una revista cultural mul tilingüe. La formación de Natori en Alemania influ yó en Kamakura, quien quedó fascinado con los modernos y, finalmen te, con la Bauhaus. Era fanático de Cassandre , Saint-Exupéry y Jean Cocteau.

Características estéticas y conceptuales:

Debido a la fuerte influencia del diseño industrial occidental, Kamekura enfatizó mucho las formas geométricas abs tractas en su trabajo, acentuado con colores llamativos y planos como el azul grisáceo, el amarillo cromo, el rosa gris y el naranja. Mientras continua ba con la tradicional

expresión e iconogra fía japonesa, adoptó el constructivismo, la teoría del diseño firme y la simplicidad del modernismo.

Sus carteles a menudo conservaban los moti vos y formas tradicio nales japoneses, pero al mismo tiempo se mezclaban con un uso reconocido internacio nalmente de la imagen y el concepto.

EScuela de NUEVA YORK

Milton Glaser

La historia de Milton Glaser se remonta a 1929, año en el que nació en el barrio del Bronx. Si, pocos meses antes del crack de Nuevo York y del inicio de la Gran Depresión. Milton Glaser estudio en la High School of Music and Art y la escuela de arte Cooper Union en Nueva York.

Además de la crisis financiera, algo sucedió en la ciudad de los rascacielos por aquellas fechas: una fuerte eclosión artística que tuvo su eco en el diseño. Junto a Glaser, también crecieron otros grandes nombres que pronto se harían hueco en la dirección de arte, el diseño y la ilus tración: Paul Rand Herb Lubalin, Saul Bass, Rey nolds Ruffins, Edward Sorel y Seynour Chwast, entre otros, quizás muy al hilo de la bulliciosa y vibrante industria publicitaria del momento. Sin embargo, a diferencia de sus colegas coe táneos que empezaron a romper mano en las agencias unto a los mad men, Milton Glaser

eligió otra via mas alejada del ajetreo de Madi son Avenue. Un hecho que no deja de resultar curioso cuando precisamente en 2014 recibió el encargo de diseñar el cartel de la séptima y ulti ma temporada de la serie Mad Men. Su destino para desarrollarse y ampliar sus estudios profe sionalmente fue Italia, donde estuvo residiendo un año tras recibir una beca Fullbright, y que le permitió estudiar en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Alli tuvo como mentor al pintor Giorgio Morandi, que cambio su perspectiva del mundo. Milton Glaser fue presidente de Push Pin Studio Durante 20 años y lo dirigió junto con

diseñadores gráficos e ilustrado res como John Alcorn, Paul Davis, Barry Zaid, Paul Degen, entre otros, hasta 1974.

En 1974, en la isla de Manhattan, fundo su propio estudio Milton Glaser, Inc. El trabajo producido en este estudio abarco una amplia gama de disciplinas de diseño: pro gramas de identidad corporativa, diseño de exposiciones, restauran tes, centros comerciales, supermer cados, hoteles, etc. La referencia artística, sin duda aportaba una lectura mas ecléctica y singular. Glaser y sus colegas rechazaron la tradición y se posicionarona favor de interpretaciones revitalizadas de los estilos históricos victoriano, art Nouveau, art deco. Y de esta forma proporcionaron un nuevo contra punto a la rigidez del modernismo La autonomía, la independencia y el atrevimiento eran sus notas distintivas. Por ejemplo, mientras en las grandes agencias de la épo ca trabajaban en su mayoría con fotografías, Push Pin aposto por la mezcla de estilos en la que destaca la ilustración.

Durante ña época de los Push Pin Studio, Milton Glaser firmo algunos de sus trabajsos mas legendarios. Los mas celebres son quizás sus carteles, destacando de Bob Dylan en 1966 y Aretha Franklin en 1968, Donde a través de un trazo vivido, colorido y enertgetico creo unos los retratos con n sello distintivo único y memorable.

Si hay un diseño por el que Milton Glaser es reconocido universalmente, este es el icónico logo I love NY en 1975, en el que expresaba el amor por su ciudad. Participo en la fundación de la editorial WBMG y del New York Magazine. Fue responsable del diseño de periódicos como el Washington Post, O globo o la Van guardia y fue consultor en importantes diarios de todo el mundo. Se reconoce además por su trabajo como lustrador y diseñador de carteles, como el cartel del disco "Best of Bob Dylan", que encabeza la lista de los carteles mas celebres de la historia.

Paul Rand

Nacido como Peretz Rosenbaum el 15 de agosto de 1914, fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido1 en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932), el Parsons School of Design (1932-1933) y la Liga de estudiantes de arte de Nueva York (1933-1934). Fue uno de los originadores del estilo tipográfico interna cional suizo.

Un hombre que está considerado como el más eminente de los diseñadores gráficos de EE.UU. y no estamos exagerando. Modernismo simple del que es posiblemente el hombre que ha tenido más influencia en el diseño de logos del siglo XX. Os presentamos al padre del branding tal y como lo conocemos hoy día. Paul Rand llegó al mundo en el Brooklyn de 1914 y ya apuntaba maneras desde chico, cuando empezó a hacer carteles y señales para la tienda de su padre y para su colegio antes de que le hubieran salido los primeros pelillos en el bigote. Aunque estudió en la Parsons The New School for Design en 1932 y en la Art Students League en 1933, siempre se consideró a sí mis mo autodidacta.

El que una vez fue Peretz Rosenbaum acortó su nombre a Paul Rand para camuflar su identi dad judía. También pensó que con cuatro letras

podría crear un símbolo mucho más bonito. El estilo de Paul Rand Influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto) y las obras de Gustav Jensen, podemos definir su estilo como moder nismo simple con un buen uso de la tipografía, las formas geométricas y los espacios en blanco

Paul importó los movimientos del arte vanguar dista en Europa al diseño gráfico de Estados Uni dos. Seis décadas diseñando que dejaron huella en tres generaciones y una transformación de la industria de la gráfica publicitaria que conllevó la profesionalización de nuestra disciplina. Em pezó su carrera en 1930 diseñando portadas de revistas y, a partir de 1940, trabajó como direc tor de arte en la Madison Avenue y revolucionó la publicidad desde dentro.

En los años cincuenta, dejó la publicidad un poco de lado y se metió de lleno en el branding. En los sesenta ya se había hecho consultor de diseño de grandes marcas y había creado algunas de las identidades corporativas más famosas de la historia del diseño: IBM, ABC, UPS, Enron, Next y muchas otras. A día de hoy, todavía siguen en uso muchos de sus logos.

Pero hasta los grandes nombres sufren decep ciones. Un zasca en su carrera como diseñador se lo dio Henry Ford. En 1966 Paul recibió el encargo de rediseñar la identidad de Ford. Henry Ford II quería moderni zar el logotipo de la compañía que había funda do su abuelo, pero, después de ver la propuesta de Paul, decidió dejarlo como estaba.

imagen conceptual

GR AP US

Grapus es un grupo/Colectivo de diseñadores gráficos que reclaman el estatus de autor, que ha tenido cierta influencia en el mundo del diseño gráfico francés e internacional. Fue creado en 1970 por Pierre Bernard, François Miehe y Gérard Paris-Clavel. Alex Jordan y Jean-Paul Bacho llet se unieron al grupo en 1975.

El nombre Grapus es la contracción de insultos “sin vergüenza esta linista” y la palabra diseño gráfico. Los miembros del grupo eran todos parte

del partido comunista y el grupo mantuvo un compromiso político, social y cultural expli cito. Grapus tenía un estilo muy distintivo, proporcionaron inspi

ración a estudiantes de diseño gráfico de todo el mundo a tra vés de sus principios idealistas. A menudo usaban colores brillan tes, formas sensuales, texto escrito a mano, bromas visuales ani madas y también un vocabulario simbólico muy extenso. La téc nica que utilizaron se conoció como desvío, que es el desvío de un mensaje a través de actos de vandalismo visual. Fueron considerados en Francia como la estética punk/grunge de M / M. Esta estética desafió al estable cimiento de diseño gráfico más antiguo. (Darby) A principios de 2000, cuando sur gieron bandas como Air y Daft Punk, “la escena musical fran cesa estaba completa mente muerta”, como resultado la música de marketing en Francia

estaba disfrutando de una gran inyección de financiación. Desde entonces, el llamado “French Touch” ha ayudado a emerger a los jóvenes diseñado res gráficos franceses.

"Vamos a hacer imágenes para ustedes que tendrán un significado real. Vamos a hacer verdaderas imágenes políticas".

Los activistas gráficos surgieron de su com prensión del significa do y cómo manipular lo.

"Descubrimos la semiología y fue muy importante para noso tros", dice Bernard.

"Nos permitió deconstruir imágenes, por lo que podríamos decirles a los órganos políticos encargados"

PUSH PIN STUDIO

El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño más influyentes durante 30 años a partir de mediados de 1950, tanto por la cantidad y como por la eficacia de los trabajos, cuyo primer presidente fue el maes tro del diseño: Milton Glaser. Este estudio realizó trabajos populares y artísticos.

Fue fundado en 1954 por Milton Glaser, Sey mour Chwast, Edward Sorel y Reynold Ru ffins. Milton Glaser fue presidente desde su fundación hasta 1974. A partir de esa fecha asume la dirección del estudio Reynold Ru ffins. Push Pin se des tacó por su tenacidad

en utilizar ilustracio nes. marcará un estilo ecléctico y excéntrico y de notable originali dad. De aire renacen tista, brindado en gran parte por la estadía de Milton Glaser con Giorgio Morando, de quien aprendió las técnicas de grabado, lo que convirtió a sus

trabajos en obras de arte, que se unificó perfectamente con el movimiento artísti co que surgirá en los años 70, el Pop Art. Sus integrantes fueron muy acertados al edi tar la revista Push Pin Graphic, que generó muchas suscripcio nes y aficionados a la

misma, haciendo sus trabajos más popu lares todavía. En la misma participaban diferentes ilustradores y diseñadores. dedicó a un área de la publici dad que estaba olvi dada en esa época, el cartelismo, renovando el uso del cartel tradi cional de 70 x 100 cm.

"Este taller de di seño y publicidad trabajó en todos los campos que se solicitara de co municación visual, con mucho acierto y popularidad"

Renovación de la revista estadounidense

Henry Wolf

Fue un gran fotógrafo, diseñador gráfico y director de arte de tres grandes revistas: Esquire, Harper´s Bazaar y Show en las décadas de 1950 y 1960.

Considerado una gura clave dentro del dise ño gráco del siglo XX, fue un referente del diseño de revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. Fue reconocido por su tra bajo elegante y sosti cado, de claras formas y contenidos literarios, e integrando valores del pasado con la bús queda de lo nuevo. En 1951 empezó traba jando para el Departa

mento de Estado dise ñando publicaciones y pósteres gubernamen tales para su distribu ción en el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha co menzó en 1952 cuando entró como diseñador en la revista Esquire. En 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se convier te en uno de los más jóvenes directores de arte de grandes

revistas nacionales. Cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958, Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper’s Bazaar.

En 1961 Wolf dejó Har per’s Bazaar para di señar la nueva revista de espectáculos Show para A&P Heir Huntin gton Hartford. Después de diez años de trabajos para re vistas, su atención se

desvió hacia la publi cidad y la fotografía, la cual fue la fuente del arte de Wolf.

Su fotografía fue reali zada para la comuni cación visual de la so ciedad como elemento productivo de diseño perió distico y de obras de arte fotográcas. Wolf convirtió la pa labra en imagen, la idea en reproducción, el concepto en obra fotográfica.

Renovacion de la revista

Herb Lubalin

Nació en Nueva York en 1918 fue un diseñador gráfico, tipógrafo y diseñador de tipografía, revolucionó la publicidad y el diseño editorial estadounidenses en la segunda mitad del siglo XX. Tipografías como Avant Garde Gothic o Serif Gothic, la creación de la International Type face Corporation (ITC) o la revista U&lc (Upper and lower case), son algunos de sus hitos más conocidos por el gran público. Pero su obra es rica, variada y profunda, y supone una indudable influencia para una legión de diseñadores.

Lubalin llamó a su manera de ver y trabajar con letras expresionismo gráfico, el uso de la tipogra fía, no sólo como un medio mecánico para fijar palabras en una página, sino como una forma creativa de expresar una idea para obtener una respuesta emocional del espectador. Esta forma de utilizar las letras fue decisiva para cambiar las actitudes y los enfoques de los diseñadores hacia la tipografía.

Pasó sus últimos años trabajando junto a Aaron Burns y Ed Rondthaler para fundar una empresa de creación tipográfica internacional llamada ITC (International Typeface Corporation, creada en 1970), de cuya revista U&lc (Upper and Lower Case) fue director artístico. En 1971, ITC lanzó una selección de fuentes entre las que destaca ba Avant Garde diseñada por él mismo.

N e w w a v e

Wolfgang Weingart

Nació en 1941 en Suiza. En Alemania comenzó sus estudios en la Merz Academy de Stuttgart, donde se formó en artes gráficas apli cadas. Allí conoció los fundamentos de la composición tipográfica, el grabado en lino y el grabado en madera.

Entró como aprendiz en Ruwe Printing, donde practicó la composición tipo gráfica manual de metal caliente. Allí trabó amistad con el diseñador de la em presa, Karl-August Hanke, que le animó a estudiar diseño en Suiza. En 1964, We ingart se matriculó como estudiante independiente en la prestigiosa Escuela de Diseño de Basi lea, donde impartían clase Emil Ruder y Armin Hofmann.

Ya durante sus años de estudiante, Weingart se propuso subvertir el orden establecido, rom piendo los esquemas del hasta entonces hegemónico estilo suizo o estilo tipo gráfico internacio

nal. En un intento por replantearse las nor mas, Weingart se con virtió en la oveja negra del rebaño del profesor Emil Ruder. Para el profesor Juan Jesús Arrausi, “Weingart cuestionaría que la valía de los tipos debía medirse por la legibili dad como criterio único. Fue el instigador del cambio hacia un estilo tipográfico que no pretendía aparecer como tal, pero que daría origen a la New Wave, influenciando a buena parte de Euro pa y Estados Unidos”. A pesar de su rebel día, su talento y valía estaban más que demostrados, por lo que en 1968 fue invi tado a trabajar como profesor de tipografía en la nueva escuela de Artes Aplicadas de Ba silea, donde enseñaba

Hofmann, con criterios más abiertos y progre sistas que Ruder. Al respecto de sus inicios como profesor, Weingart afirmaba:

"Cuando comencé a enseñar en 1968, los diseñadores de toda Suiza y de nues tra escuela todavía practicaban la deno minada» tipografía suiza «(que data de la década de 1950). Su dogma de diseño conservador y sus estrictas limitaciones sofocaron mi tem peramento juguetón, inquisitivo y experimental y reac cioné fuertemente con tra él. Sin embargo, al mismo tiempo, la tipografía suiza tenía muchas cosas buenas como para renunciar a ella por completo. A través de mis clases,

me propuse utilizar las cualidades positivas de la tipografía suiza como base desde la cual perseguir fronte ras tipográficas radicalmente nuevas".

Dan Friedman

fue un educador y diseñador gráfico y de mobiliario estadouniden se. Fue un importante contribuyente a los movimientos tipográficos posmodernos y de la nueva ola en la década de 1970.

Friedman fue profesor en la Universidad de Yale y luego aceptó un puesto en Pentagram, convirtiéndose en uno de los primeros em pleados de la famosa agencia neoyorquina. Aquí, Friedman realizó una amplia gama de trabajos de branding, por ejemplo, desarro llando la marca del gigante bancario Citicorp. Su cartel para el Citicorp Center, en el que se anuncia el Citicorp como lugar de entreteni miento cultural, rinde homenaje a Hofmann (quien recordemos fue su profesor), cuyo car tel Stadttheater Basel 1965-66 es posible haya servido de modelo. El trabajo de Friedman se volvió más experi mental y a menudo se adentró en el mundo de la escultura y el diseño de muebles. Uno de sus proyectos consistió en redecorar con tinuamente el interior de un apartamento de arriba abajo.

ART AGAINST AIDS es una de las últimas obras de Friedman, realizada en 1987. Esta obra se realizó con el fin de realizar una exposición para recaudar dinero a beneficio de la Fundación Americana para la Investi gación del SIDA.

DISEÑO RETROINVERNACULO DISEÑO POSMODERNO

Louise Fili

Reconocida por su elegante uso de la tipografía y la calidad intemporal en su diseño. Su trabajo a menudo se inspira en su amor por Italia, el modernismo y los estilos art déco europeos. Considerada una líder en el regreso posmoderno a los estilos históricos en el diseño de las portadas de libros, Fili explora la tipografía histórica combinada con colores y composiciones modernas.

Comenzó su carrera en la industria edito rial, se hizo conocida por su fuerte enfoque tipográfico, diseñando casi 2000 cubiertas de libros durante su tiempo con Random House. Desde que abrió su propio estudio de diseño, su trabajo se especializa en iden tidad de restaurante, logotipos relacionados con los alimentos y embalaje.

Su estilo basado en la tipografía como expre sión. Fili desarrolló su trabajo utilizando ti pografías, jugando con texturas y acabados de impresión. Ha sido la principal responsa ble de la característica estética de los locales y productos italianos en Nueva York, donde se observa la relevancia

de la tipografía e in fluencias del Art Deco europeo y el Moder nismo. El resultado de su inspiración es una estética ligera, elegan te y refinada que no puede ser igualada, y fue llevada a cabo por muchos años y viajes a Italia, fotografiando di ferentes lugares como heladerías, casas de antigüedades, teatros, etc. Hablando con pro

pietarios sobre como se les ocurrió dichas tipografías y cartele rías, llego a escribir 20 libros diferentes.

Louise Fili diseña con una gracia iniguala ble y una artesanía elegante, unificando lo antiguo y lo nuevo para crear formas contemporáneas en tipografía. Su ilustración y cali

grafía siempre están suntuosamente refi nadas, y su dedicación al mundo de la marca de alimentos revela la pasión de su vida por la gastronomía.

Realizó sus estudios en Cooper Union School of Art y se graduó en 1975. Mientras realiza ba sus estudios trabajó Marilyn Hoffner ,direc tora de ex alumnos de la escuela, y realizó un conjunto de logotipos para presentar en la CBS siendo contratada

Carin Goldberg

Nació el 12 de junio de 1953 en la ciudad de New York, y creció en Long Island y Nueva Jersey. Es una Diseñadora Gráfica con una larga tra yectoria en diseño de publicaciones y consultora de marca.

unos años después, específicamente 1977, como diseñadora ju nior. En 1979 se trasla dó a CBS records y trabajó con Paula Scher , Henrietta Con dak y John Berg. Finalmente en el año 1982 fundó su firma Carin Goldberg Design.

Trabajó para varias editoriales estadouni denses como: Simon & Schuster, Random House,Alfred A. Knopf, Farrar Straus & Giroux, HarperCollins, Double day e Hyperion. También trabajó para varios sellos discográ ficos como Warner Bros., Motown, No nesuch, EMI y Sony (anteriormente CBS) Records. Entre ellos el que más se destaca fue el diseño de por tada para el primer álbum de Madonna, Madonna: The First Album, en 1985.

diseño de la era digital

Charles S. Anderson Design Co

Charles S. Anderson Design se especializa en el desarrollo de identida des, empaques y diseño de productos, y se encuentra entre las firmas de diseño más influyentes del mundo.

CSA Design es único en la creación de lo que se ha convertido en uno de los archivos más extensos y respe tados de obras de arte sujetas a licencia que existen. Creada minu ciosamente durante muchas décadas, la colección CSA Images es un museo digital de arte para el comercio.

El trabajo de Charles S. Anderson Design Com pany se ha exhibido en museos de todo el mundo, como New York, París, Londres, Washington DC, Zu rich, Hamburgo, Hiros hima, y Shanghai

El trabajo de la firma también ha aparecido en numerosas publi caciones destacadas, como The New York Times, In Style, Dwell, Fortune, Rolling Stone, Esquire, Time, Forbes, Entertainment Wee kly, Newsweek, Vanity Fair, GQ, The LA Times

y ReadyMade. entre otros.

CSA Design ha recibido los máximos honores en todos los concursos de diseño importantes, incluidos varios lápices dorados de The One Show y varios premios de oro y plata del New York Art Directors Club.

Chip Kidd

Chip Kidd (1964) es un escritor, editor y diseñador gráfico estadouni dense, conocido por sus diseños de cubiertas de libros. Desde pequeño, a Kidd le apasionaban las ilustraciones y las historias de los cómics. Pasión que le ha llevado a enfocar su carrera profesional hacia el dise ño y la edición.

Estudió diseño gráfico en Penn State, una de las universidades públicas más grandes de Estados Unidos. Tras graduarse en 1986, Kidd se trasladó a Nueva York y empezó a trabajar como junior assistant en el departamento de arte de Alfred A. Knopf. Estuvo trabajando allí creando cada año docenas de brillantes y excéntricas porta das. También trabajaba como freelance para editoriales de todo el mundo. Tan pronto como Kidd empezó a trabajar para Knopf, fue muy reconocido y valorado entre au tores y editores y empezó a ser el diseñador de las cubiertas de los títulos más relevantes. Billones de habitantes conocen el icónico es queleto de T-Rex de la cubierta de la novela de Michael Crichton, Jurassic Park, 1990. Fue obra

de Chip Kidd quien simplificó la imagen que en contró en un libro del Museo de historia Natural. Tiene un promedio de 75 portadas de libros al año, es decir, más de 2000 diseños. A lo largo de su carrera, ha dado forma a la identidad visual de autores que van desde Michael Crich ton hasta Haruki Murakami y Oliver Sacks, quien en realidad tiene una cláusula en su contrato que estipula que Kidd debe manejar todas sus portadas.

Hoy en día Kidd continúa viviendo en Nueva York. Recibió el premio International Center of Photography’s Infinity Award for Design en 1997 y el Cooper-Hewitt’s National Design Award for Communication en 2007.

David Carson

nació en el estado de Texas, en los Estados Unidos, en 1955, aunque siempre ha preferido referirse a «Cocoa Beach», Florida, como su ver dadero origen, ya que pasó allí gran parte de su infancia.

En los años 70 se graduó como sociólogo con «honores y distinción» en la universidad de San Diego, pero no fue hasta 1980 cuando descubrió su pasión por el diseño gráfico al asistir a un curso de un par de semanas. A partir de dicho momento se vio inmerso en el mundo de las artes audiovisuales, retroalimen tado por la cultura bohemia y artística del sur de California. Fue entonces cuando decidió re cibir formación de diseño a nivel profesional de mano del famoso diseñador gráfico, Hans-Rudolf Lutz, en Suiza.

Con su vocación recién descubierta, Carson se hizo con el cargo de director de arte de la revista «Transworld Skateboarding». Durante algo más de 4 años destacó gracias a su re volucionaria y llamativa estética, basada en el uso de inusuales tipografías artísticas y técnicas fotográficas alternativas. De esta manera, co menzaba a tomar forma lo que hoy conocemos como fenómeno grunge. Se convirtió en sinónimo de diseño controverti do, fresco e innovador. Todo gracias al impacto de sus diseños generado dentro de un público tan hambriento de nuevas experiencias y sensa ciones como el de la cultura surfera y del skate. Durante su etapa en «Ray Gun, revista de mú sica y estilo de vida alternativo >> llevó a cabo varios de sus diseños más emblemáticos que lograron marcar el camino a seguir durante una época cargada de diseños inspirados en su estilo y estética. En 1995 decidió abrir su propio estudio de diseño en la ciudad de Nueva York, en el que realizó numerosas campañas publicitarias para dece

nas de marcas que anhelaban impregnar del espíritu irreverente y transgresor que solo Car son sabía aportar y que lograba atraer a miles de jóvenes al rededor de todo el planeta. A partir del año 2000, decidió cerrar su estudio y llevar una vida más tranquila y familiar. Des de entonces únicamente ha realizado trabajos esporádicos como freelance y la publicación de varios libros.

A P R I L A P R I L

April Greiman es una diseñadora gráfica estadounidense, nacida el 22 de marzo de 1948 en Nueva York, proviene de una fami lia americana humilde y su padre fue uno de los primeros programadores de orde nadores de la época. Se dedica al área del diseño de la comunicación gráfica y lleva más de 40 años activa.

A

Comenzó sus estudios en el Kansas City Art Institute a finales de los sesenta para completarlos durante dos intensos años en la Kunstgewerbeschule de Basilea con el influyente Wolfgang Weingart. En aquellos años Weingart comen zaba a poner en cuestión algunos de los principios que habían inspirado la metodolo gía del Movimiento Moderno como el rígi do uso de la retícula o la intocable pureza del espacio bidimensional.

A P R I L

G N R E I M

G N R E I M A G N R E I M A

Como estudiante de Armin Hoffman y Wolfgang Weingart a principios de los años 70 exploró el Estilo Inter nacional en profun didad, así como los experimentos perso nales de Weingart en el desa rrollo de una estética que reflejaba menos el patrimonio modernista y más un cambio pos tindustrial de la socie dad. A mediados de los setenta Greiman

comenzó a trabajar para el Taxi Project del Museum of Modern Art en Nueva York diseñando las publica ciones y demás ele mentos de promoción. En el año 1976 se muda a Los Ángeles, cuna del diseño gráfico de la época donde las visiones eran más atrevidas y Deborah

Does it makes sense?, 1986

Sussman ya empe zaba a mostrar sus coloridos trabajos al mundo. Era una época donde los ordenadores empezaban a demos trar todo el futuro po

tencial para procesar imágenes y vectores, Greiman aprovecho las enseñanzas de su padre sobre la tecno logía y estableció el enfoque multidiscipli nar que ha marcado su historia como ar tista, practicando con múltiples elementos para dar forma a su obra, decide explotar los errores del proce so de digitalización e imprenta y los integró a sus trabajos.

Creó una iconografía muy particular en su trabajo para el Cali fornia Institute of Art plenamente relaciona do con lo que después se conocería como

New Wave, una corriente de la que fue pionera que definitiva mente rompía con las corrientes más académicas y de lo que se había establecido como la base del diseño gráfico.

En los trabajos de Greiman vemos como comienza a utilizar de formar sistemática imágenes en baja resolución y tipografía bit map, una forma de trabajo que puede relacionarla

Wet magazine; April y Jayme Odgers. 1979

con otros creadores europeos como Terry Jones.

Historia del Arte y del Diseño IV Tipografia IV ISEC

Tiziana Vera