typomagazine by welky sanchez

PaĂşl Rener Creador de futura

Lance Wyman

DiseĂąo de imagen de juegos olimpicos 1968

Exposicion de la escuela Bauhaus

Museo De Arte Modeno Del 1 al 20 de Abril del 2016

Ludwing Mies Van der Rohe Walter Gropius Alemania 1919-2016

Patrocinado por: 2

Av:Pedro Enriquez Ure単a,Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte, Santo Domingo Republica Dominicana. Tel: 809682.8260. Museo de Arte Moderno (MAM) Rep.Dom. @MAM_repdom

EDITORIAL Typomagazine es una revista de edicion única que se creo como proyecto final de la materia ;Creaciones Tipográficas con el Profesor Francisco Toribio Peña de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de santo Domingo .

Esta revista está basada en las biografias y trayectoria de grandes diseñadores y tipógrafos de la época de la Escuela Bauhaus entre otros ;tales como Neville Brody ,Diseñador que rompió con la retícula del diseño editorial ,Paúl Renner tipógrafo creador de la tipografia Futura ,Lance Wyman creador de los logotipos de los Jegos Olimpicos 1968,Massimo Vignelli diseñó la identidad corporativa de la compañía de aviación América Airlines, etc . aportaciones .

Paúl Rener Creador de futura

Lance Wyman

Diseño de imagen de juegos olimpicos 1968

CREDITOS DIRECTOR: Welky Nicauri Sánchez Martínez MAT.100220859 EDITOTOR: Welky N. Sánchez Martínez DISEÑADORA: Welky N. SÁnchez Martínez Redactora: Welky N. Sánchez Martí nez 3

Max Bill .........................................

Alexey Brodovitch ....................

Stefan Sagmeister ....................

Reza Abedini ..............................

Massimo Vignelli .......................

Neville Brody ..............................

PaĂşl Renner .................................

David Carson ..............................

Lance Wyman .............................

Armando Texta ..........................

Reza Abedini D

iseñador que ha conseguido reconocimiento internacional gracias a su característico estilo personal combinando tradición y modernidad.

cuenta con un extenso y rico patrimonio cultural en donde la caligrafía siempre ha desempeñado un papel protagonista ya que forma parte de su tradición. El significado del arte de la caligrafía persa es de tal importancia que no se considera la obra completa sin los

todo un referente del diseño gráfico iraní y una de las figuras clave que han ayudado a allanar el camino para el diseño gráfico contemp oráneo en el Irán actual, estableciendo un enlace entre Or iente y Occidente. Nacido en 1967 en Teherán es uno de los diseñadores contemporáneos que más ha explorado y expandido las posibilidades de la caligrafía persa. Como todos sabemos Irán

adornos de la caligrafía con fines decorativos. Aunque Abedini utiliza una tipografía moderna (lo que ha provocado que se haya ganado algún enemigo entre los defensores más conservadores del sentido de la escritura persa) consigue aportar estas cualidades propias de la caligrafía persa dotando a sus obras de un acabado poético y sumamente cuidado. Además de su dominio su trabajo se de la escritura persa, caracteriza por combinar la tipografía con fotografía, figuras, dibujos… Junto con el empleo de una gama

limitada de color (dos o tres tintas a lo sumo) dando como resultado una obra con un acabado artístico absolutamente personal e impactante que, consiguen que retenga la mirada contemplándolos un buen rato. Reza Abedini logra hacer visualmente sencillo algo tan complejo como es unir las tradiciones literarias y visuales de Persia con la historia internacional del diseño gráfico expresivo en Occidente (como la escritura en diagonal, propio de las vanguardias de principios del s. XX) de una manera inusual y excepcional dando como resultado un lenguaje visual contemporáneo e internacional. Reza Abedini además de diseñador es profesor de diseño gráfico y cultura visual en la Universidad de Teherán. Aunque su producción se centra principalmente en una amplia producción de carteles también trabaja sectores del diseño gráfico como la edición de libros, programas y tarjetas de invitación para las instituciones culturales iraníes y logotipos.Desde 1997 es miembro de la Sociedad de Diseñadores Gráficos iraní (IGDS), y de la prestigiosa Alliance Graphique Internacionale (AGI) desde 2001.

noclasta, que (como otras religiones, por otra parte) no permite la representación de la deidad. La segunda premisa, en cambio, es la obvia consideración de que la campaña antiárabe organizada tras los atentados de las Torres Gemelas amenazaba con encerrar en un gueto una cultura a la que no sólo debemos mucho históricamente (conocemos a Aristóteles gracias a los filósofos árabes y el papel nos lo trajeron los musulmanes en el siglo XIII), sino que también nos ofrece un espejo de las mismas antinomias de la sociedad occidental. Abedini es un embajador de la cultura iraní contemporánea, al haber alcanzado un nivel de visibilidad importante; probablemente, no tanto como Marianne Satrapi (que, por otro lado, vive en París), cuyos cómics han sorprendido a Europa en los últimos años, o como Shirin Neshat, artista célebre por sus vídeos y fotografías, y que también vive fuera de su país, en Nueva York. Reza, en cambio, vive, trabaja y enseña en Teherán.

Ha ganado premios de diseño nacionales e internacionales y ha sido miembro del jurado en varias bienales en todo el mundo. En 2006 Abedini recibió el Premio Príncipe Claus en reconocimiento a su creatividad personal en la producción de diseños, así como por su personal manera de redefinir los logros del patrimonio artístico de Irán junto con la diversidad de la historia y de la cultura iraní moderna, reconociendo el impacto del diseño gráfico como medio influyente de comunicación internacional. Con Reza Abedini, no pueden omitirse dos premisas. La primera tiene un carácter estrictamenteprofesional, ya que, si bien es cierto que su producción de pósters es amplia y de enorme calidad, sería una injusticia hacia el autor que se olvidara su trabajo en otros sectores del diseño gráfico, empezando, por ejemplo, por la edición de libros y revistas, y terminando con los magníficos logotipos (y sus imágenes coordinadas), en los que la escritura árabe recupera todo su coeficiente visual. Ese coeficiente que le pertenece por tradición y que trasforma en imagen, decoración o motivo ornamental destinado a representar la palabra de Alá en una religión ico-

Por otra parte, ha sido precisamente el diseño gráfico iraní el que se mostró ante el mundo con exposiciones y encuentros como las del Mois du Graphisme de Echirolles en 2000, las del Centre de la Gravure et de l’Image imprimée de la Communauté française de Belgique de La Louvière (Bélgica) en 2004, o la de Tipografia e grafica dell’Iran en Adria (Italia) en el mismo año. Se trata de iniciativas que ofrecen una realidad rica, expresada en Irán por una viva Bienal internacional del póster, y protegida por una asociación profesional (la IGDS, Iranian Graphic Designers Society) que es miembro oficial de Icograda. Abedini cuenta con una sólida formación artística y de proyecto (diploma en diseño gráfico y licenciatura en pintura), desarrolla una actividad profesional curtida en las exigencias c om e rc i a l e s del oficio, y manifiesta un interés por el póster que –y lo repetiremos hasta la saciedad– se convierte también en una ocasión de experimentación visual. Lo que caracteriza el trabajo de Abedini es el uso de los elementos visuales entendidos como elementos gráficos. Las escrituras, las fotografías, las figuras, los retratos, los dibujos… Cada uno de estos objetos en dos dimen-

siones tiene, en primer lugar, una función gráfica y después (quizás) referencial.Por lo tanto, es la composición la que lleva el significado: el sintagma prevalece sobre el paradigma, la metonimia sobre la metáfora. Esto explica el carácter fuertemente temporal de las imágenes de Abedini, que retienen nuestra mirada durante largo tiempo. Tenemos la razonable certeza de que esta capacidad de privilegiar el signo gráfico es hija de un hábito de escritura: la escritura árabe, cuya caligrafía es un ejemplo de armonía y de interpretación emotiva (pero también semántica) del signo. “Gráfico”, al fin y al cabo, deriva etimológicamente del griego graphein, es decir, escribir. Sus influencias de diseño incluyen Aleksander Rodchenko, Ikko Tanaka, Sani’ol Molk Ghafari, Roman Cieslewicz y Mirza Gholam-Reza Esfahani. Con un fuerte sentido de orgullo en su herencia islámica iraní y el fondo, Abedini ejerce sus competencias con la lengua persa en formas bellas y elegantes. Con una fuerte pasión por la historia de su cultura, Abedini cree que las formas artísticas tradicionales están muertos y que “el diseño gráfico es un nuevo arte del siglo 2 y siglo 21... El diseño gráfico es una especie de ave fénix”. En cuanto a sus carteles, libre de las influencias del estilo internacional, no se puede dejar de sentir que usted está buscando en una obra de arte como todo lo que está buscando en una pieza de diseño gráfico - las líneas de ambos deliberadamente borrosas en un esfuerzo para hablar con su propia voz

como director habla con el de ellos cuando se recita un guión guionistas. “El diseño gráfico es una especie de ave fénix” Una mano amiga Como adolescente Abedini fue guiado en las artes

de la mano de un maestro que vio una chispa creativa en su alumno. Se solicitó una historia corta de Abedini. Encontrar a favor con su profesor, este cuento le hizo a bien pedir Abedini para que le ayuden con varios proyectos creativos. Con una manera de viajar en el mundo del pensamiento creativo, el conocimiento de Abedini de las artesanías comenzó a expandirse. Abedini disfrutó de esta época del florecimiento creativo y exploración, con el tiempo golpeando un acorde con pincel y pintura. Un interés encendió cuando él fue el encargado de ilustrar el conjunto de la obra de teatro de su escuela estaba realizando. Su maestro, una vez más, al ver algo en Abedini, le presentó a los diseñadores gráficos y otros creativos de la zona, que sirvieron como puerta de entrada al conocimiento más profundo del mundo de la creatividad, así como la historia de la cultura iraní y persa. Luego pasó a estudiar el arte del pincel y pigmento, así como la impresión de decisiones, a la vez que no está seguro de lo que en última instancia avenida quería viajar hacia abajo. Aunque el inicio de sus estudios en la Universidad generó mucho entusiasmo e interés en el mundo del diseño gráfico, no fue hasta que empezó a tener su nombre extendido por todo por aquellos que encargó a sus obras de arte que el diseño gráfico surgió

como una opción, ya una carrera profesional. Algunos de sus clientes para quien pintó comenzó a solicitar sus habilidades para ser utilizado para proyectos de diseño gráfico. Sin educación formal de diseño gráfico, tuvo que depender de lo que sabía sobre la expresión de la creatividad Y es aquí que el estilo de Reza Abedini se puede encontrar en su infancia. Sin educación formal diseño gráfico, tuvo que depender de lo que sabía sobre la expresión de la creatividad para producir un resultado que podría considerarse el diseño gráfico. Así que se combina lo que sabía - la libre expresión del arte mundial, la toma de impresión y, con más pasión de todo, la tipografía y las letras. Mientras que en su juventud había restricciones en lugar de figuras de poder religioso y político que restringían el acceso al mundo exterior - en lugar de mirar la cultura de los demás de la presente, él y sus compañeros tuvieron que mirar a la cultura de los suyos del pasado . Esto es cuando se plantó a su pasión por la caligrafía persa y tipografía, algo que ahora podría explorar de manera directa a través del diseño gráfico.

Stefan Sogmeister “He visto pelíme han conmoleído libros que cambiado mi de ver las cosas escuchado múque ha influido mi ánimo. Nuestro será llegar al corazón de la gente con el diseño”. 1962, retrata con esta frase el deseo por transformar el diseño actual. Su obra destaca no solo en el ámbito del diseño sino en el mundo artístico, donde se mueve en los límites del diseño y del arte conceptual.

Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong para trabajar en la agencia Leo Burnett; en 1993 de vuelta en New York trabajó con el gran Tibor Kalman, para más tarde, en 1994, formar su propio estudio en el

culas que vido, he h a n modo y he sica e n objetivo

que ha trabajado con clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Ha colaborado con importantes músicos como The Rolling Stones, Talking Heads y David Byrne, Lou Reed…entre otros. Ha sido nominado 5 veces los Grammy y dos veces ha resultado ganador con “Once in a Lifetime” de la banda Talking Heads en 2005 y “Everything That Happens Will Happen Today” de David Byrne & Brian Eno: Sagmeister es claro y, en ocasiones descarnado, en contraposición a la mayoría de diseñadores que se preocupan por el ámbito más formal y estético: la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas. Un ejemplo es el cartel que diseñó para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA) a principios de los 90. En esa ocasión, Stefan Sagmeister

los tallara e u q su nte ayuda rencia sobre s u s a ué pidió de la confe y desp o s l l e i l l h a c t de un cu do para con n o c torso resulta l e ó fi . a fotogr en un cartel o l r verti un gru y t i r o j a es True M as y director ó m r o t s F a00 arti eres en Est 5 e d po líd epresas ue se opusi m e e d q la gue nidos dos U licamente a b ron pú ra Irak. iseñant rra co te años, el d r se ie te Cada s an Sagmeis ief c e tico y va dor St á b a s ue ico un patoma studio de N renovar su o año sabát Film, e y m py rra su a fortalecer o de su últi la The Hap ar ut cu York p creativo. Fr ace su pelí alto n a odo lo ra t urtis. noram anka y Bali r C o p n a a L ilm nunció ica Walsh p a 2 en Sri a junto a H 1 0 2 s su estu yo del on Jes cread En ma sociedad c h y relanzar llamó va go als su nue meister& W e desde lue u g q a gcrearS una imagen fan Sa e n t o S C . a o di ocido a en solu. n n o ó i c c e r n ad la ate GA ha ectoria bas udo, poco I A o ñ n Este a por su tray as y, a me tenido la v i t e r a ivas.H ocasiones meiste diseño cre t c e f e de uy ias ciones que m arlo en var espero que n u a a h x c o, ortodo dad de escu con el diseñ ni ón oportu do mi coraz osotros. ca u av y ha to lo mismo les y s e t r a c a , rr dor cos os ocu de dis a, el diseña a s a d a t id r rm por po ones de la v tiene una fo o d i c i o , c Recon libro de lec riablemente . as va te recien gmeister, in e ver las cos a d S para e ercial ra Stefan nte diferent m o c e rma s pa ligeram mera a os llamativo a n u es fic ster no creado grá i e m g Sa ha Stefan Claro, que . r alquile

clientes como los Rolling Stones y Lou Reed, pero él vierte su corazón y alma en cada pieza de trabajo. Su trabajo de diseño es a la vez atemporal y del momento, y su meticulosa atención a los detalles más pequeños crea trabajo que ofrece algo nuevo cada vez que se mire. Mientras que el sentido del humor superficies invariablemente en sus diseños, Sagmeister es no obstante muy en serio su trabajo; su aproximación íntima y sincera reflexión elevan su diseño. Un rebelde genuino, Sagmeister alcanzó notoriedad en la década de 1990 como el diseñador que se auto-daño en el nombre de la embarcación: Se creó un cartel publicitario de un contrato de discurso mediante el tallado de los detalles más destacados en su torso. Lo que otros dicen “Diseños de paquetes de CD de Sagmeister son qué es la poesía a la prosa: destilada, intensa, la astucia, evocadora y totalmente completa. Sus intenciones han establecido un nuevo estándar “-. De diámetro interno Revista

alquiler. Claro, que ha creado gráficos llamativos para clientes como los Rolling Stones y Lou Reed, pero él vierte su corazón y alma en cada pieza de trabajo. Su trabajo de diseño es a la vez atemporal y del momento, y su meticulosa atención a los detalles más pequeños crea trabajo que ofrece algo nuevo cada vez que se mire. Mientras que el sentido del humor superficies invariablemente en sus diseños, Sagmeister es no obstante muy en serio su trabajo; su aproximación íntima y sincera reflexión elevan su diseño. Un rebelde genuino, Sagmeister alcanzó notoriedad en la década de 1990 como el diseñador que se auto-daño en el nombre de la embarcación: Se creó un cartel publicitario de un contrato de discurso mediante el tallado de los detalles más destacados en su torso. Lo que otros dicen “Diseños de paquetes de CD de Sagmeister son qué es la poesía a la prosa: destilada, intensa, la astucia, evocadora y totalmente completa. Sus intenciones han establecido un nuevo estándar “-. De diámetro interno Revista

lexey Brodovitch fue un diseñador gráfico, instructor y fotógrafo estadounidense de origen ruso (nacido en 1898 en Ogolitchi, Rusia, y falleció en Francia el 15 de abril de 1971) considerado uno de los pioneros en el diseño editorial como lo conocemos hoy en día y director de arte de la revistaHarper’s Bazaar durante dos décadas (1934-58). Nacido en el seno de una familia pudiente, durante la Guerra Ruso-Japonesa, se trasladaron a Moscú. Alexey fue a estudiar a la Escuela del Príncipe Tenisheﬀ, una prestigiosa institución de San Petersburgo, con la intención de alistarse posteriormente en la Academia Imperial de Arte. Con 16 años, la I Guerra Mundial le rompió las ilusiones de entrar en la Academia Imperial de Arte y se alistó en el ejército ruso yendo al frente, pero las influencias de su padre le llevaron a retaguardia, de donde se volvió a escapar al frente pero de nuevo fue forzado a volver a casa ingresándolo en una escuela de oficiales. Durante la Guerra Civil Rusa, combatió en el Ejército Blanco, siendo herido gravemente y hospitalizado, teniendo que huir posteriormente al exilio vía Cáucaso y Turquía, donde encontró a la que sería su futura esposa, Nina. Antes de su llegada en París en 1920, Brodovitch quería ser pintor. Como emigrante ruso en París, se encontró pobre y teniendo que trabajar por primera vez en su vida. Trabajó como pintor de brocha gorda (pintando casas) mientras que su esposa Nina trabajaba como costurera. Vivían en un apartamento barato y pequeño en el área de Montparnasse, como otros artistas rusos que habían llegado a París a finales del siglo XIX. Este grupo de artistas, Archipenko, Chagall y Nathan Altmanse reunían en la Académie Vassilieﬀ, que ofrecía clases de pintura y escultura sin instructor pero baratas. Sus conexiones con estos artistas rusos jóvenes le llevaron a un trabajo más artístico como pintor de los decorados de los Ballets Russes de Diaghilev. París era una ciudad cosmopolita en la cual convergían artistas y movimientos artísticos. Brodovitchpudo vivir el dadaismo de Zúrich y Berlín, el suprematismo y el constructivismo de Moscú, el diseñoBauhaus de Alemania, el futurismo de Italia, De Stijl de Holanda y las tensiones nativas del cubismo,Fauvismo, purismo y surrealismo. Entre todas estas varias influencias artísticas,

Brodovitchencontró sus principios como diseñador. Empezó a vender diseños textiles y de joyería a las tiendas de moda, al mismo tiempo que enmaquetaba Cahiers d’Art, una importante revista de arte, y Arts et Métiers Graphiques, una revista de diseño. Pero lo que le puso en candelero fue ganar el primer premio de carteles de Le Bal Banal,por delante de Picasso y ganar varias medallas y el premio principal en la Exhibición Internacional de Artes Decorativas de París en 1925. Fue contratado como diseñador por el estudio de diseño Athelia y abrió también su propio estudioL’Atelier A.B. Consiguió ser uno de los más reconocidos diseñadores comerciales de París y la ciudad empezó a quedársele pequeña. En 1930 se trasladó a Philadelphia con su mujer e hijo para dirigir el departamento de diseño publicitario del entonces Pennsylvania Museum School of Industrial Art, donde modernizó la técnica de enseñanza y el propio diseño. En 1933 añadió el Laboratorio de Diseño a sus clases, un taller para estudiantes avanzados que querían experimentar con todos los aspectos del diseño y la fotografía. Estos laboratorios se hicieron muy populares y productivos, pasando por ellos fotógrafos como Diane Arbus, Eve Arnold, Richard Avedon, Lisette Model y Garry Winogrand. En 1934, el Art Director Club de Nueva York le pidió a Brodovitch diseñar la 13ª exhibición anual de directores de arte y allí, Carmel Snow, editora de Harper´s Bazaar, conoció su trabajo e inmediatamente lo contrató para ser el nuevo de director de arte de la revista

Entre Brodovitch, Snow y Vreeland formarían un equipo que cambiaría Harper´s Bazaar por completo, desde el diseño editorial hasta las grandes fotografías de Richard Avedon, Irving Penn, Martin Munckasci, Robert Frank, entre otros. Cada año volvía a Francia para incorporar savia nueva al diseño. La elegancia y la innova- ción fueron las claves de éxito de la revista en esos años, marcando una diferencia con el resto. A finales de los años 30 fotografió varias compañías de ballet, con las cuales publicó su libro Balleten 1945, que contiene 104 fotografías realizadas con una cámara Contax de 35 mm sin flash y a velocidad lenta, para capturar los momentos mágicos del ballet. Alexey Brodovitch siempre será conocido como uno de los pioneros en el diseño editorial como lo conocemos hoy en día. Como Irving Penn dijo: “All designers, all photographers, all art directors whether they know it or not are students of Alexey Brodovitch” (todos los diseñadores, fotógrafos y directores de arte, así lo conozcan o no, han sido estudiantes de Alexey Brodovitch). Hay tres elementos en el diseño de Brodovitch que hasta ahora todos lo diseñadores lo usamos: foto, texto y espacio en blanco. Estos 3 elementos crearían gran elegancia en una revista de moda y fue una de las claves de éxito de la revista en esos años. Además cortaba las fotos o jugaba con la tipografia para generar mayor dinamismo en el diseño. Brodovitch estuvo más de 20 años en el cargo de director de arte en Harper´s Bazaar, desde 1934 hasta 1958, donde problemas con el alcohol, la muerte de su esposa Nina y problemas de salud lo llevaron a dejar el puesto, aunque quizás fuera despedido. En los último años de su vida, enfermo y sin mucho dinero, regresó a Francia para estar más cerca de sus familiares.

Pintor, escultor, arquitecto y diseñador gráfico suizo. Uno de los exponentes más versátiles de los principios vanguardistas de la Bauhaus en Alemania tras el final de la II Guerra Mundial en 1945. Su insistencia en la utilización de una base matemática para toda forma de arte queda reflejada en sus pinturas, que se caracterizan por sus diseños con frecuencia geométricos y por su esmerada planificación de las relaciones tonales. Sus diseños gráficos e industriales presentan una marcada funcionalidad. Entre 1935 y 1953 creó, en el campo de la escultura, diferentes variaciones sobre el tema del lazo infinito o cinta de Möebius en metal pulido y piedra. Ejerció gran influencia en el arte y en el diseño industrial europeo como profesor y director de las escuelas de Zürich y Ulm, y como organizador de exposiciones de arte, en particular las de arte concreto (término que se refiere a las formas puramente geométricas, no figurativas. También ha sido conocida su influencia en Argentina y Brasil, donde introdujo el concepto de arte concreto y ha sido fuente de inspiración de varios grupos de artistas. Nació en Winterthur (Suiza). De 1924 a 1927 estudió orfebrería en la Kunstgewerbeschule de Zúrich, donde fue influido por el dadaísmo y el cubismo. De 1927 a 1929 estudió artes en la Bauhaus de Dessau, donde se aproximó al funcionalismo del diseño con profesores como Wassily Kandinsky, Paul Klee y Oskar Schlemmer. Cuando terminó sus est u dios regresó a Zúrich para dedicarse a la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. En 1930 crea su propio estudio de arquitectura y ya como miembro de la Deustcher Werkbund realiza la finca de Nuebühl de estilo moderno, cerca de Zúrich. En 1931 adoptó la teoría del “arte concreto” de Theo van Doesburg, según la cual era posible alcanzar la universalidad con la claridad. En 1932 trabajó como escultor y se adhirió a algunas organizaciones artísticas como la Abstraction-Création, el grupo de artistas Allianz de Suiza, el Congrès Internatonal d’Architecture Moderne (CIAM) y la Union des Artistas Modernes (UAM), de

París. escultor, arquitecto y diseñador gráfico suizo. Pintor, Uno En 1944 de los Bill exponentes incursionómás en el versátiles diseño industrial, de los principios con el vanguardistas diseño de un reloj de lade Bauhaus aluminio en Alemania para Junghans, tras elfifirma nal de lalaIIque con Guerra colaboró Mundial durante en varios 1945. Su años insistencia diseñando enrela utilización lojes de pared, de una de cocina base matemática y de pulsera para con toda estilo forma raciode arte queda nalista y estética reflejada industrial. en sus pinturas, Uno de esos querelojes se caracterizan de pared por sus está expuesto diseñosencon el Museo frecuencia de Arte geométricos Moderno y por (MoMA) su esmerada de Nueva planifi York.cación Los relojes de las relaciones de pulseratonales. Junghans “Max Bill” Sus diseños se siguengráfi produciendo cos e industriales y son apreciados presentanpor unalosmaraficada funcionalidad. cionados y coleccionistas Entrede 1935 relojes. y 1953 Diseñó creó,un entaburete el campo de la escultura, minimalista, el Ulmer diferentes Hockervariaciones (1954), unosobre de sus el tema disedel lazo ños más infi conocidos. nito o cinta Organizó de Möebius la exposición en metal“Die pulido gutey piedra. Ejerció gran industrieform”, que pretendía influencia fomentar en el arte la y en altaelcalidad diseño industrial de los objetos europeo de diseño comoindustrial. profesor y director de las escuelas La Hochschule de Zürichfür y Ulm, Gestaltung y como(HfG, organizador EscueladeSuperior exposiciones de Proyectación de arte, en oparticular Escuela las de de Ulm) arte concreto fue una (térmiescuela no que se refide universitaria erediseño a las formas que continuaba puramentela geométricas, tradición de

la Bauhaus, no figurativas. radicada También en ha Ulm, sidoAlemania. conocida su Fundada influencia en en Argentina 1951, entre otros, y Brasil, por donde Inge Aicher-Scholl, introdujo el concepto Otl Aicher de yarte Max concreto Bill, este y ha último, sido primer fuente de rector inspiración de la escuela. de varios La grupos HfG ganó de artistas. rápidamente el reconocimiento internacional. Nació Durante en Winterthur su funcionamiento (Suiza). Defueron 1924 ainvestigados 1927 estudióy orfebrería puestos en en práctica la Kunstgewerbeschule nuevos enfoques endeel Zúrich, diseño, dentro donde fuelos de infldepartamentos uido por el dadaísmo de: Comunicación y el cubismo. Visual, De Diseño 1927 a 1929 estudió Industrial, Construcción, artes en la Bauhaus Informática, de Dessau, y más donde tarde de se aproximó al funcionalismo Cinematografía. El edificio de delladiseño HfG fuecon diseñado profesores por comoBill Max Wassily y sigue Kandinsky, siendo, hoy Paulen Klee díayun Oskar edifiSchlemmer. cio importante Cuando y funcional terminó sus dentro estudios del campus regresóde a Zúrich la Universidad para dedicarse de Ulm.aLa la HfG pintura, fue una la arquitectura de las más progresistas y el diseño gráfi instituco.

ciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día. En esta institución fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño de producción entre 1951 y 1956. En esta escuela Bill defendió el funcionalismo y el formalismo geométrico de la Bauhaus, ya que creía que las formas basadas en las leyes matemáticas poseían una pureza estética, y por lo tanto, universalidad. La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.

Desde 1967 a 1971 se convirtió en miembro del Consejo Nacional de Suiza, y luego se convirtió en profesor en la Staatliche Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo y presidente de Diseño Ambiental, de 1967 a 1974. En 1973 se convirtió en miembro asociado de la Real Academia de Ciencias, Literatura y Arte de Flandes, en Bruselas. En 1976 se convirtió en miembro de la Academia de las Artes de Berlín. Falleció el 9 de diciembre de 1994 en Berlín.

ARMANDO TESTA

acido en Turín en 1917, Armando Testa asiste a la Escuela de impresión Vigliardi Paravia donde Ezio D’Errico, pintor abstracto, lo introdujo en el arte contemporáneo, que siempre se ven con gran interés. En 1937, a los veinte años, ganó su primer concurso para diseñar un cartel, un modelo geométrico diseñada para la casa de colores tipográficos ICI. Después de la guerra trabajó para grandes empresas como Martini & Rossi, Carpano, Borsalino y Pirelli. También trabaja como ilustrador para la industria editorial y crea un pequeño estudio gráfico. En 1956 fundó el Estudio de Garras dedicado a la publicidad no sólo gráficos, sino también a la televisión. Algunas de las empresas que utilizan el Estudio de Garras se convirtió rápidamente en el líder del sector: Lavazza, Sasso, Carpano, Simmenthal líneas. Victorias en 1958, un concurso nacional para el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Roma 1960 Rechazado después, la imagen propuesta por la cabeza y lanzó una segunda competición en 1959, también ganaron este. Nacido a continuación, entre los años cincuenta y setenta, imágenes y animaciones filmado para la televisión que han quedado en la historia de la publicidad, en relación con consignas entró en el lenguaje común: la obra gráfica entre negro / blanco y positivo / negativo para el Antonetto digestivo (1960 ); la geometría perfecta de la esfera suspendida en la media esfera para el aperitivo Punt e Mes, que en dialecto piamontés significa “uno y medio” (1960); muñecos cónicos de Caballero y Carmencita para el café Lavazza Paulista (1965); habitantes Papalla esféricas del planeta para Philco (1966); Pippo hipopótamo azul de pañales Lines (1966-1967); y luego el actor Craig Mimmo luchando con la obesidad pesadillas, con música de Grieg, para Sasso Petróleo (1968);

la rubia Solvi Stubig para Birra Peroni (1968). Como el primer reconocimiento institucional de su obra, fue invitado para mantener la silla de diseño y la composición de la Prensa de la Universidad Politécnica de Turín de 1965 a 1971. En 1968 recibió la Medalla de Oro del Ministerio de Educación, por su contribución al arte visual, mientras que en 1975 la Federación italiana de publicidad paga por la medalla de oro en reconocimiento de sus logros en el extranjero. En 1978 se convierte en el jefe de estudio Armando Testa S.p.A. que en los años siguientes se abre oficinas en Milán y Roma y sigue firmando campañas de publicidad con éxito. Desde la cabeza a mediados de los años ochenta, así como en la publicidad de bienes, que se involucra en el diseño de carteles para eventos e instituciones culturales y el compromiso social, de Amnistía Internacional a la Cruz Roja, el Festival de Dos Mundos en Spoleto en el Teatro Regio Turín. También produjo las marcas que designan instituciones culturales como la Feria del Libro y el Festival de Cine Joven de Turín, y Castello di Rivoli Museo de Arte Contemporáneo. Su agencia se convierte en el más grande de los distintos agentes del sector en Italia, con oficinas en los principales países europeos. Se dedicó a la búsqueda gráfica y pictórica de la libre creatividad en los años ochenta y noventa. Publicidad ahora se está estudiando como una forma autónoma de expresión y comunicación, y varias instituciones italianas y extranjeras dedicado a Head retrospectivas, a menudo incluyendo su carrera como pintor. Ejemplos de ello son el Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán en 1984, la Mole Antonelliana en Turín en 1985, la Parson School of Design Exhibition Center en Nueva York en 1987, el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1989. También en 1989 se convierte en “Honor Laureado “en la Universidad Estatal de Colorado en Fort Collins. Utilizaba combinaciones metafísicas para transportar verdades elementales referidas al tema. En el caso de la campaña publicitaria de Pirelli, en 1950, empleó formas que influyeron el pensamiento del diseño grafico en muchos lugares. Invocó el vocabulario del surrealismo al combinar la imagen de una llanta con símbolos de cualidades fácilmente reconocibles. En sus carteles la imagen es el medio primordial de comunicación y reduce el contenido verbal a unas palabras o al nombre del producto. Entre las muchas figuras que diseñó durante una larga

carrera, digna de especial mención son el famoso misterioso Caballero, pistolero mexicano, y Carmencita, su novia, protagonistas de un famoso carrusel de televisión para una marca de café de Turín, Lavazza, e n boga en los años setenta. Otro tipo de publicidad que Head ha vinculado su nombre - a menudo las empresas de su ciudad, Turín - eran los de la Antonetto digestivo, cerveza Peroni, ropa televisores Philco, sombreros Borsalino, Facis, el aceite Sasso, Punt e Mes, el Pirelli, la carne en conserva Simmental licor Martini & Rossi. Armando Testa muere en Turín 20 de marzo de 1992 tres días antes de cumplir los setenta y cinco años. Entre las exposiciones dedicadas a él después de su muerte, personal Palazzo Strozzi en Florencia en 1993, el Museo de Arte Contemporáneo de Rivoli y el Castel Sant ‘Elmo en 2001 y el Instituto Italiano de Cultura en Londres en 2004

Lance Wyman nación en Newark, Nueva Jersey (Estados Unidos) en 1937. Durante su infancia su abuelo fue una gran influencia ya que de él aprendió a contar historias, habilidad que más tarde emplearía para desarrollar su trabajo como diseñador. Y durante su adolescencia, trabajar con su padre en un barco de pesca comercial y su trabajo de verano en una fábrica de Nueva Jersey, marcaron el modo en que Wyman entendería el diseño; de un modo más técnico y funcional; sencillo pero potente. Se graduó en diseño industrial en el Pratt Institute en Brooklyn en 1960 y empezó a trabajar para General Motors durante un programa de verano para estudiantes. Allí realizó su primer trabajo profesional: el diseño del logotipo de Delco y el packaging a partir de un concepto de marca.

de México); realizó la imagen de HYLSA, la del centro comercial DeTodo, la imagen de La Moderna y la imagen de Central de Abasto. Incluso, también en México, llegó a participar en el diseño de la identidad visual para la Copa Mundial de Fútbol de 1970. Regresó a Nueva York en 1971. Allí creó, junto a Bill Cannan, la empresa Wyman & Cannan, asociación que duraría ocho años. Parlelamente, desarrolló su trayectoria docente enseñando en Parsons School of Design. En 1979 abrió su propio estudio Lance Wyman Ltd.

Lance Wyman ha despuntado por su creatividad y por su habilidad para diseñar eficientes sistemas de señalización que ofrecen a los usuarios información de forma consistente, sencilla y clara. De hecho, Philip Meggs en su libro: A History of graphic design apunta que Wyman es «uno de los más acertados sucesos en la evoluEmpezó a desarrollar su trayectoria profesional dise- ción de la identificación visual». ñando gráficos para pabellones de ferias mundiales en el estudio William Schmidt y en el de George Nelson En 2014 se publicó Wyman, la primera publicación redespués. Más tarde se trasladó a México, donde ha reali- trospectiva de su obra. El libro está escrito por el propio zado la mayoría de sus trabajos más conocidos como la Lance Wyman y por Linda King. A lo largo de sus 264 imagen de los Juegos Olímpicos de México de 1968 y la páginas, el libro reúne algunas de las aportaciones más gráfica institucional del metro de la Ciudad de México. importantes de Wyman. También diseñó el logotipo de los hoteles Camino Real y Presidente Chapultepec, el del Centro de Investigacio- A lo largo de más de 50 años de trayectoria profesional, nes de Diseño industrial (CIDI UNAM) y los logotipos Lance Wyman se ha consolidado como una de las figude los museos MARCO (Museo de Arte Contemporá- ras más importantes del diseño gráfico contemporáneo, neo de Monterrey) y Papalote (Museo del Niño, Ciudad convirtiéndose en una pieza fundamental para enten-

der la cultura visual contemporánea.

«Las dos formas básicas de aprender a representar y a comunicar objetos, acciones y sensaciones son con palabras y con imágenes. Las palabras son una manera efectiva de comunicar ideas complejas e interrelacionadas, pero es a través de los símbolos con los que se pueden cruzar las barreras lingüísticas», Lance Wyman. Su diseño de logotipo para los Juegos Olímpicos permitió el despegue de su carrera como diseñador e incluso lo llevó a permanecer 4 años y medio en México. Durante esos años también participó en los proyectos gráficos relacionados con la imagen del Sistema Colectivo Metro y de la Copa Mundial México 1970.

Al respecto de los característicos logos que identifican las distintas estaciones del metro, no sólo fueron diseñados con alguna imagen representativa de la zona que rodea a la estación o a alguna figura histórica, sino que buscan “comunicar a través de las barreras del idioma creados por las palabras”. Además, Wyman consideró que el poder de la imagen para transmitir un mensaje podría ayudar a aquellos visitantes de la ciudad que no hablaran español pero el mismo Metro les facilitará su uso. Íntimamente ligado con México, también ha realizado los diseños de la Central de Abasto, Museo Marco de Monterrey, Papalote Museo del Niño e incluso para algunas marcas privadas. Su trabajo no ha estado limi-

nes culturales que la Colonia Obrera, tampoco El Barrio de la Guadalupana tiene algún parecido con Polanco, pero aún así los límites territoriales y estatales obligan a tener cierta cohesión, en especial si toda la población de la ciudad converge en un solo espacio. A mediados de los 60, empezó la construcción del Sistema de Transporte Colectivo en el que convergerían todos los habitantes del Distrito Federal, y el encargado de darle una identidad a esta nueva forma de trasladarse en la Ciudad fue Lance Wyman, un diseñador industrial proveniente de Estados Unidos que logró darle una cohesión a las distintas identidades que existían en la Ciudad de México, y todo a través de las estaciones del Metro recién inaugurado. Esta sería su obra más recordada, pero no la única en el Distrito Federal.

tado por las fronteras pues después del escaparate que resultaron para él los Juegos Olímpicos, su carrera se catapultó hasta llevarlo a fundar su propia firma. En ella, ha diseñado distintas imágenes corporativas como por ejemplo la del Día Mundial de la Tierra, la Librería del Congreso, los mapas del metro de Washington y diversas cadenas hoteleras

Lance Wyman, se encuentra actualmente en México para presentar su primera exposición monográfica en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) titulado De ida y vuelta. Lance Wyman: iconos urbanos que se inaugura el próximo sábado. Además, del 20 al 22 de octubre, impartirá el taller Diseñando íconos urbanos.

En sus palabras, Wyman detalla que “ha encontrado que

la iconografía puede enriquecer el imaginario colectivo debido a que puede desarrollar una comprensión del lugar, el mensaje, sin necesidad de conocer diferentes lenguas. Los logos son embajadores visuales y su impacto depende del mensaje y lo bien que transmita ese mensaje”.

La identidad de la Ciudad de México no se podría definir fácilmente, las diferentes zonas del Distrito Federal resguardan una diversidad impresionante, producto tanto de sus habitantes, como de sus usos y costumbres. La Colonia Condesa no resguarda las mismas expresio-

DIFERENTE 30

alumno de la San Diego State University y también del Oregon College of Comercial Art. Tres años más tarde, mientras se preparaba su licenciatura en Artes de Sociología (“Bachelor of Arts in Sociology”), fue a Suiza a realizar un trabajo de tres semanas como diseñador gráfico como parte de su carrera. Fue allí donde conoció a Hans-Rudolf Lutz, su primera gran influencia y que más tarde se convertiría en su profesor. Habiendo trabajado como profesor de sociología y surfero profesional durante los 70, dirigió artísticamente varias revistas de musica, monopatines y surf durante los 80, siendo la más conocida Ray Gun (1992-1995), con la que captó la atención alrededor del mundo. Sus diseños se hicieron característicos por el uso de imágenes fracturadas o distorsionadas, lo que les hacía casi ilegibles, algo muy característico de las vanguardias. Efectivamente, sus aforismos en “The end of print” cuestionaban el rol de la tipografía en la emergente era del diseño digital, en la linea del ‘New Wave’ californiano y coincidiendo con los experimentos de la Academia de Arte de Crambrook. A finales de los 90, pasó de una subcultura surfista a trabajar para Nike, Levis, y Citibank. Entre los años 1982 y 87, Carson fue profesor del Instituto Torrey Pines en San Diego, California. En 1983, empezó a experimentar con el diseño gráfico y se encontró inmerso en la bohemia y artística cultura del sur de California. A finales de los 80, había desarrollado su característico estilo, usando una tipografía “sucia” y con técnicas fotográficas no muy conocidas. Más tarde, sería reconocido como el “padre del grunge”. Carson se convirtió en director artístico de la revista Transworld Magazine. Entre otras cosas, también era un surfero profesional y en 1989 fue clasificado en el noveno puesto en el ranking de mejores surferos del mundo. Steve y Debbee Pezman, editores de la revista Surfer magazine (y más tarde de Surfers Journal), animaron a Carson a diseñar Beach Culture. Aunque sólo se produjeron seis ediciones, ésto permitió a Carson impactar por primera vez en el mundo del

avid Carson es un diseñador gráfico americano. Es conocido por sus innovadores diseños para revistas, y por el uso de tipografía experimental. Fue el director artístico de la revista Ray Gun. Probablemente, Carson haya sido el diseñador más influyente de los años noventa. Su estilo, muchas veces imitado, definió la llamada era del “grunge”.

Biografía y Trayectoria profesional David Carson nació el 8 de septiembre de 1952 en Corpus Christi, Texas. Cuatro años más tarde, se mudaría con su familia a Nueva York. Aunque viajó alrededor de todo el mundo, siempre ha mantenido Nueva York como su base de operaciones. En la actualidad, Carson tiene dos estudios: uno en Zurich y otro en California. Debido a su padre, viajó por toda América, viaje que le afectó profundamente. A muy pronta edad mostró los primeros destellos de talento; sin embargo, hasta 1980 no tendría su primer contacto con el diseño gráfico. Ocurrió en un curso en la Universidad de Arizona. Fue

INNO VADOR diseño gráfico y la tipografía. Pronto fue contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para diseñar Ray Gun, una revista sobre música y estilos de vida de tirada internacional. Su trabajo en esta revista le hizo muy conocido alrededor del mundo, y en 1995 fundó su propio estudio, David Carson Desing, en Nueva York, y ésto atrajo a un mayor número de clientes de todo Estados Unidos. Durante los tres años siguientes, Carson trabajó para Nike, Ray Ban, Pepsi Cola, Budweiser, Microsoft y Giorgio Armani, entre otros. En noviembre de 1995, publicó su primer libro End of print que vendió más de 200.000 copias en cinco idiomas diferentes y pronto se convirtió en un best-seller alrededor del mundo. Su segundo libro, 2nd Sight, fue publicado dos años más tarde, el cual cambió el modo común de ver el diseño gráfico. En 1998, trabajó con el profesor de Harvard John Kao en un ensayo titulado “The art and discipline of creativity”. Su tercer libro, Fotografiks (1999), hizo que Carson recibiera el premio al Mejor uso de fotografía en Diseño Gráfico. Su cuarto libro, Trek, fue publicado un año más tarde. Carson tambíén ayudó en el desarrollo de The History of Graphic Design de Philip Meggs y en el de The Encyclo-

pedia of Surfing de Matt Warsaw. David Carson es conocido por la elaboración de diseños innovadores y originales, y fue el primero en romper con la retícula, estructura invisible que sostiene los cimientos del diseño en una página. Este concepto fue desarrollado por la Escuela Suiza para dar orden y racionalidad a la composición de una página .Para nuestro diseñador, el uso de la retícula era aburrido ya que prefería la irracionalidad y el predominio del desorden en sus composiciones, cosa que demuestra en cada numero de la revista Ray Gun, todas completamente diferentes. Sus diseños se alejan del centro, prefiriendo así la tensión de las esquinas y de los márgenes, espacios que suelen estar siempre vacíos. Juega con los espacios en blanco como un elemento más en sus composiciones para aportar carga emotiva. Para los lectores de Ray Gun es todo un completo desafío pero a su vez supone un entretenimiento ya que tienen que interactuar con la revista para poder comprenderla debido a que los elementos que componen cada página aparcen descolocados; bloques de textos girados, columnas de diferentes formas y tamaños se llegan a cruzar e incluso aparecen juntas, lo que dificulta su lectura. El texto aparece en sus composiciones como un elemento vital, por eso, David Carson esta considerado uno de los grandes genios de la tipografía. En sus diseños busca continuamente la atracción y seducción del público, por eso los titulares estan cargados de expresividad y emotividad por lo que los hace desta-

car ya que para él, los considera como el elemento primordial para que el lector se fije y continue leyendo el artículo. Carson también realiza un uso transgresor de la portada, ya que esta considerado como el escaparate de la revista y sirve para llamar la atencón del comprador, por esta razón las portadas cambian de estilo en cada número de la revista y parecen completamente distintas. Carson siempre va acompañado de una cámara fotografica, causante de que su estilo se caracterice por la mezcla del texto con la imagen ya que la interaccion entre ambos componentes hace que el mensaje sea más completo y gane fuerza visual. En sus composiciones podemos encontrar el uso de la fotografía de diversas formas: collages, yuxtaposicion de fotos, fotografías desenfocadas que suelen servir como fondo cromático, fotos al revés, etc. Sus trabajos también están invadidos de recursos audiovisuales, los cuales ha conseguido plasmar en el papel (superficie estática). Para dar esta sensación en sus composiciones, utiliza la repetición de secuencias con fotos contiguas, emplea el efecto de difuminado para dar sensación de velocidad y dinamismo a la imagen, elimina los márgenes de las páginas para dar sensación de continuidad como si fueran los fotogramas de una película. Por último, a parte de estas características objetivas, David Carson va más allá e introduce ensus diseños figuras retóricas como símbolos que contribuyen a dar una mayor expresividad y no condicionan al lector a centrarse únicamente en el mensaje.

ORINAL Tipografía

Medida desproporcion con

RINAL

La tipografía es el arte y la técnica del manejo de distintos números, letras, símbolos, etc, que se utilizan para la impresión en un texto, y, trata de dar forma al diseño, a la forma, al tamaño y a las relaciones de tipo visual que se producen entre estos números, letras, símbolos, etc. David Carson a través de su tipología llega a la cima del movimiento contra la sobriedad. Se centra sobre todo en la tipografía de tipo experimental, esto se debe a que en sus trabajos suele combinar distintas tipografías dando a sus diseños una sensación de innovación. Su tipografía se basa sobre todo en la mezcla y superposición de varios tipos de tipologías diferentes, cambiando el tamaño de las letras el color o el uso en una misma palabra de combinaciones de negrita y cursiva o de mayúsculas o minúsculas. Para centrarnos mejor en el tema de la tipografía de David Carson vamos a nombrar las características y los diseños mas significativos e importantes que realizó a lo largo de su vida y la manera de plasmar el sentimiento con la tipografía que es lo que intenta reflejar este diseñador. Las características son las siguientes:

un tamaño de tipos o exageradamente grandes, o muy pequeños, en ambos casos casi sin buena apreciación de las letras,también se produce en su tipografía un interletraje excesivo o negativo, esto quiere decir que se produce una gran separación entre las letras o muy poca separación entre las mismas.En muchas ocasiones en los trabajos de David Carson las letras no siguen una linea base, produciendo el baile de las letras que es un reflejo de innovación. Se puede ver bien en la primera imagen,utiliza bloques de textos invertidos, en la anterior imagen puede verse que el nombre de David

GeNi Al

Carson está girado y obliga a mover la visión 180º para poderver el nombre correctamente,en bastantes trabajos aparece el texto en color sobre un fondo también coloreado que dificulta la lectura y la visión obligándonos incluso a forzar la vista y en muchas ocasiones a no entender lo que vemos. Carson presenta una habilidad que muy pocos autores disponen ya que Carson juega con las formas y los tamaños de las columnas de texto, dando lugar a cajas de textos de diferentes formas. Los titulares aparecen superpuestos sobre el cuerpo del texto. En cada número de la revista se produce un cambio de la cabecera, Carson utilizó este recurso en la revista Ray Gun. En algunos reportajes los titulares se omiten y no aparecen. Otra característica que es destacable en David Carson es la invasión de parte del texto en el medianil, esto significa que el texto ocupa una zona que el diseño tiene restringida, esta zona es donde se une y separa una página par de una impar. También destaca en algunos textos de Carson errores corregidos a mano y muchas veces no enumera las páginas de la revista. Es muy habitual el uso de signos de puntuación como puntos, corchetes, exclamaciones, signos de mayor o menor como recurso expresivo y no ortográfico. Además, Carson otorga a los números un uso estético y no textual. Un ejemplo que puede verse en muchas portadas de David Carson, es la similitud de las formas, utiliza el número 5 para formar la letra S y el 3 invertido para sustituir la letra E.

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Paul Renner nació en Alemania en el año 1878. Trabajó como diseñador gráfico, tipógrafo, pintor y maestro. Si bien el no estaba directamente relacionado con el movimiento Bahuaus de los años 20 pronto pasó a defender sus posturas y convertirse en un ferviente defensor de la Nueva tipografía. En 1926 es nombrado director de la Escuela de Oficios de Impresión en Münich y asimismo es cofundador y director de la Escuela de Maestros para Impresores alemanes (Meisterschule Für Deutchlands Buchdrucker). En 1932 publicó un folleto donde defiendió apasionadamente la arquitectura moderna y el arte gráfico y en el que criticó la política cultural de los nazis. Por la consolidación en el poder del partido nazi, medio año después detienen a Renner y tiene que dejar la dirección de la academia de editores en Munich. Un mes más tarde logra huir a Suiza. No obstante, consigue influir en la elección del nuevo director, evitando así que la escuela cayese en manos de ideologías afines al partido Nazi.

ENNER

La Futura fue diseñada entre 1924 y 1926. Está basada en el círculo, el triángulo y el cuadrado. Estas formas geómetricas se adaptan y concuerdan con los principales postulados modernistas. Tiene muy poco contraste en sus anchos, casi todos iguales. Esto se observa muy bien en el trazo casi perfectamente circular de la o, cuya forma interna es totalmente proporcional a la forma externa. Al diseñar esta tipo se evitaron los elementos decorativos no esenciales, buscando la legibilidad y la funcionalidad. Los ascendentes de las minúsculas son muy altos, sobrepasando la altura de las mayúsculas, lo cual la convierte en una tipografía muy estilizada y elegante.

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Inicialmente, la fundición Bauer emitió la Futura con seis pesos distintos y la fundición Deberny & Peignot la editó en Francia bajo el nombre de Europa. American Typefounders y Mergenthaler Linotype también cuentan con una imitación de Futura llamada Spartan. Existe también un tipo condensado. Actualmente los dibujos, catálogos y tipos de plomo originales de la Futura se encuentran en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona. Muchas empresas han hecho uso de esta tipografía en su diseño corporativo: Compañías como Volkswagen, Swissair, Union Pacific, Boeing, RAI, Hewlett Packard, Home Depot, CNN Internacional, etc. además de universidades y partidos políticos. Ikea fue muy criticado por eliminarla de sus catálogos y sustituirla por la Verdana. Stanley Kubrick fue fan de esta tipografía y la usó en la

mayoría de sus películas en los créditos iniciales, así como en los carteles promocionales. La placa conmemorativa que Armstrong y Aldrin dejaron en la luna estaba escrita con Futura. American Typefounders y Mergenthaler Linotype también cuentan con una imitación de Futura llamada Spartan. Paul Renner falleció en el año 1956 y sus dibujos originales del tipo Futura se pueden contemplar en la Fundición Tipográfica Neufville de Barcelona. Otro tipo no muy conocido diseñado por Paul Renner es Topic o Steile Futura, que es un “san-serif ” condensado con trazos redondeados en las letras “A”, “E”, “M” y “W”. Este tipo fue editado por la fundición Bauer en el año 1953 Renner no solo creó la tipografía Futura; realizó otras fuentes como la “Tepic” y la “Steile Futura”, que es al igual que la Futura, una tipografía sans-serif o paloseco.

“Empecé a formarme como diseñador en Londres durante la explosión del punk, siempre me guié por las ideas y ﬁlosofías del anarquismo, del dadaísmo y el contructivismo. Mientras estudiaba diseño siempre me molestó la frase “esta es la forma en la que se hace, así debe ser!”, toda mi formación se basó en explorar ideas no convencionales, tratar de romper las reglas.”

Nevi

lle Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes o para grupos como Cabaret Voltaire. En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó toda una serie de tipografías exclusivas que recogían las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave. The Face, de la mano de Brody, rompió con la tradición del diseño editorial respetuosa, con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la información. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas que acabaron siendo distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa. Verra? Ihilica sdamendam imultua stemuspiem Ro

NEVILLE

El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de su primera etapa. Incluso el diseño de sus fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Erik Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado. Su creciente fama le permitió acceder a otro tipo de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première. En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo a partir de 1988. Es fundador de Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).

Mas Vign

ssimo nelli

«La vida de un diseñador es una vida de lucha. Una lucha contra la fealdad. Tal y como un médico lucha contra la enfermedad. Para nosotros, la enfermedad visual es lo que tenemos alrededor, y lo que tratamos de hacer es curarla de alguna manera con el diseño».

talianonacido en Milán en 1931. Fue allí donde primero estudió arte y arquitectura, hasta que llegó a Estados Unidos en 1957. En 1960, junto con su esposa Lella Vignelli, estableció la Oficina Vignelli de Diseño y Arquitectura en Milán. en 1971 se formaron Vignelli Associates, y en 1978, Vignelli Designs. Su obra abarca casi todos los campos del diseño, incluyendo la publicidad, la identidad, el envasado, el producto, diseño industrial, de interiores y arquitectura. Un ávido fan de la modernidad, su trabajo es siempre muy clara y concisa sin el engorro o material innecesario. Su primera gran incursión en el campo de la identidad y la marca fue a través de Unimark Internacional, que se convirtió rápidamente en uno de los mayores estudios de diseño en el mundo. Ha diseñado identidades para las corporaciones internacionales, incluidas American Airlines (que es la única línea aérea que no han cambiado su identidad en los últimos 50 años), Bloomingdales , United Colors of Benetton y Knoll llevan su firma, lo mismo sucede con la identidad y señalización del metro de Nueva York. Incluso unos grandes almacenes en Espa-

ña -que actulamente ya no existencontaron en 1994 con la elegancia de su diseño sencillo, bello y atractivo. Nos referimos a Massimo Vignelli (Milán, 1931), una leyenda viva del buen diseño en todos sus apartados, desde el branding hasta la creacción de muebles, joyas y cubiertos.. Está a favor de una mayor claridad en el diseño y es un gran fan de la utilización Helvética, que se puede ver en gran parte de su trabajo. Ha tenido trabajo publicado en todo el mundo y tiene varios artículos en las colecciones permanentes de varios museos, como el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Cooper-Hewitt. Junto con su esposa a la que se ha establecido un legado de diseño que vive a través de su trabajo y su prác-

toria. Porque para Vignelli el diseño es uno, independientemente de si se trata de diseñar una marca, una silla Además, en 2007 fue uno de los o una lámpara, «la sustancia simpre diseñadores invitados a participar de permanece». En definitiva, se trata esa aventura cinematográfica dirigida de buscar lo útil, no lo decorativo. por Gary Hustwit llamada Helvetica, con el fin de homenajear a la tipografía Quizás, la clave de su buen diseño en el 50 aniversario de su nacimiento. se resume en la siguiente frase que preside la home de su página web: Los diseños de Massimo Vignelli son imperecederos, capaces de superar «Me gusta el diseño para ser cualquier moda y siempre fieles a la semánticamente correcto y filosofía del modernismo de la que consistente desde el punto de el diseñador italo-americano bebió desde su llegada a Estados Unidos, vista sintáctico, pragmático donde se instaló en 1957 cuando y comprensible, Me gustaría aún no había cumplido los 20 años. que fuera visualmente potenY así lo constata Vignelli Associates, te, elegante, intelectual y, soel prestigioso estudio neoyorquino bre todo, atemporal». que desde 1971 preside y del que han salido proyectos multipremiados y que ya forman parte de la histica continua en su oficina en Nueva York.

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Max Miendiger

Suiza 1957-2016

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