Cuadernillo 5

Publicación Cazadores 2018—2019

Contenido: Violeta Bronstein, Florencia González de Langarica, Mariel Leibovich, Daniel Levin Frieder y Viviana Romay

Diseño Gráfico: Marina Pla & Sebastián Gagin

Fotografías: Federico Lo Bianco, excepto págs. XX-XX por Nombre Apellido

Retoque fotográfico: Federico Lo Bianco

PIPA

Programa Impulso al Proyecto Audaz

En 2019, a partir de una idea que trabajamos junto a Inés Armas y Augusto Zanela, creamos PIPA, Programa Impulso al Proyecto Audaz , que convirtió a fundación_cazadores en un acelerador de proyectos de investigación artística con propuestas porosas a nuestra contemporaneidad en distintas dimensiones.

Esta iniciativa apuntó a brindar las condiciones integrales para apoyar proyectos que se encuentren en sus últimas etapas de desarrollo y que requieran de acompañamiento para su cierre, así como de una plataforma de visibilización en formato exhibición.

Con especial foco en las prácticas colectivas e interdisciplinarias, los proyectos elegidos participaron de forma gratuita de un proceso de trabajo intensivo en colaboración con el equipo de fundación_cazadores, junto a especialistas convocados según las necesidades de cada proyecto seleccionado.

En sintonía con el lugar central que Fundación Cazadores da a la formación y a la creación artística, PIPA contribuyó a generar un espacio de intercambio centrífugo que produce y pone a circular nuevos conocimientos entre todas las personas involucradas. Se trata de experimentar procesos creativos tanto planificados como inesperados a partir del encuentro con otros y siempre con el objetivo puesto en materializar una propuesta de trabajo. Las investigaciones que motorizaron estos proyectos abordaron temáticas diversas, interesadas en proponer una mirada activa sobre nuestra época, teniendo como eje la necesidad de pensar al ser humano en su relación con la vertiginosa sociedad actual, atravesada por la cultura digital, la mediatización de las experiencias de vida, las características actuales del acceso a la información y su potencia para moldear nuestras maneras de pensar, actuar y, sobre todo, de consumir.

De esta manera Fundación Cazadores hace posible con este proyecto y con el programa Clínica Cazadores su compromiso con la proyección de artistas y el lanzamiento de sus producciones.

—Viviana Romay Directora general

Instancias del programa

Selección de proyectos

PIPA, Programa Impulso al Proyecto Audaz nació como respuesta al interés por indagar en las temáticas, los cruces disciplinares y las propuestas que atraviesan el arte actual y marcan el pulso de la cultura. El programa puso especial atención en apoyar proyectos basados en la investigación de temáticas emergentes del complejo entramado de situaciones que componen la vida humana en la sociedad actual, con particular interés en aquellos proyectos que generen algún tipo de impacto social por disrupción o profundización en el pensamiento contemporáneo.

A través de una convocatoria abierta, se buscaron proyectos que, a su vez, abordaran búsquedas interdisciplinares y tuvieran interés por su desarrollo colectivo. Los proyectos debían aportar las soluciones que adoptarían para darse a conocer, así como el formato de exhibición más acorde a su naturaleza, que fuese posible de ser presentado en eventos abiertos al público.

Los proyectos fueron elegidos mediante un proceso que tuvo dos etapas: una pre-selección a través de una postulación online y un seminario de evaluación abierto al público. Durante esta instancia, los proyectos pre-seleccionados participaron de un encuentro en el que cada equipo tuvo la oportunidad de hacer su presentación y dar cuenta de su trabajo frente a un jurado formado por Cazadores.

Para componer este jurado se eligieron destacados profesionales de distintas áreas, de manera de garantizar la diversidad de miradas y enfoques. Estuvo formado por: Inés Armas (Danza Contemporánea) y Augusto Zanela (Artes Visuales) como Directores del programa, junto a Gonzalo Aguilar (Letras), Maricel Álvarez (Artes Escénicas) y Teresa Riccardi (Artes Visuales).

Desarrollo de proyectos y forma de trabajo

Se consensuó junto a los distintos equipos una agenda de trabajo para cada proyecto y se le designó un tutor a cada equipo, seleccionado de acuerdo a las diferentes necesidades de acompañamiento. La tarea de selección de las y los tutores fue compartida por Cazadores y el jurado. Tuvieron este rol: Mariana Obersztern, Romina Orazi y Andrea Garrote.

La propuesta de tutoría estaba enfocada en pensar el desarrollo artístico de cada proyecto junto a los artistas involucrados, acompañando su proceso creativo y proveyendo el asesoramiento necesario para el logro del objetivo buscado por el equipo. Los directores del programa acompañaron cada proyecto colaborando en los procesos y en sintonía con la organización, coadyuvando a su visibilización tanto en los modos y maneras de darse a conocer al público como en el formato que adoptarían a la hora de exhibirse.

Cada tiempo de trabajo contempló distintas instancias que incluyeron asesoría conceptual y técnica de especialistas, la disposición y usos múltiples de los espacios de Cazadores destinados para encuentros, reuniones y ensayos, y finalmente el desarrollo de una plataforma en formato de exhibición con activaciones diversas, que permitieron establecer nuevos contactos con los públicos. Los proyectos de investigación se enfocaron además en trabajar sobre los modos de registro, archivo y visibilización del mismo; es decir, en la manera en que cada proyecto pensaba su propia estrategia de comunicación. El formato de PIPA no fue el de una residencia convencional, dado que no se trató únicamente de trabajar en un espacio determinado.

Fue, por sobre todo, un acompañamiento desde lo conceptual, lo práctico y lo artístico para llevar a cabo un proyecto en su fase final. Este acompañamiento artístico fue variando a lo largo del tiempo y tomó forma de charlas, reuniones, encuentros, ensayos, entrevistas, sesiones de fotos. Los formatos mutaban de acuerdo al proyecto y las necesidades del artista.

Como afirma Inés Armas, co-directora del programa, “se dieron muchas charlas, pero también trabajo corporal para los proyectos en los que los artistas querían realizar acciones performáticas. Se hicieron sesiones de fotos para los proyectos que dialogaban con las artes visuales. Se realizaron rodajes para aquellos que incluían video. El artista se veía acompañado por el equipo de Fundación Cazadores , que brindaba asesoramiento, apoyo y diálogo y la interlocución que demandan estos procesos para que la obra emerja.”

Así como el arte contemporáneo busca la interdisciplinariedad, también propende a lo colectivo. Los proyectos fueron desarrollándose a través de encuentros entre personas que aportaron ideas, conceptos, disparadores; que abrieron caminos para que, del equipo de artistas a cargo de cada uno de los proyectos seleccionados, pudiera emerger su materialización. De esta manera, todo rol es artístico y colabora desde los distintos lugares para hacer posible el resultado buscado.

Proyectos seleccionados

De los 62 proyectos recibidos en la convocatoria, luego de la instancia de presentación el jurado seleccionó 3 finalistas, cuyas exhibiciones y activaciones se presentaron en sala_imán .

Conserva N2

Capital Semilla

Tutora Romina Orazi Artistas Colectivo Triangular —Regina Calcaterra,

Conserva N2 Capital Semilla tuvo como objetos de investigación a la semilla y su contexto. El colectivo indagó en un tema candente en la actualidad política: la soberanía alimentaria, la circulación de las semillas y el despliegue de intereses que pujan alrededor de la misma, y propuso un acto de resistencia desde una acción particular: la conservación de la semilla como plataforma para pensar a futuro. Conserva N2 fue una muestra multidisciplinaria realizada en la Sala Imán que llevó a repensarnos como generación puente entre los hábitos obsoletos de uso y consumo del presente y las nuevas formas de comunidad que trabajan en cooperación para alcanzar un futuro utópico.

La sala recibió al público con una gran montaña de compost orgánico. Un código QR habilitaba la lectura de la Ley de Semillas, en ese momento en debate en el Congreso de la Nación. Ecobombas, semillas de distintos tipos se ofrecían en una caja que las clasificaba, así como videos con la palabra de especialistas dedicados a la problemática de la circulación de la semilla, entre otros temas afines, y una performance llevada a cabo por el colectivo completaron la inauguración.

Belén Santamarina y Leonardo Vallejo

“Podemos pensar el arte como la posibilidad de imaginar maneras más solidarias y creativas de habitar juntos lo único que hay —cuerpos sensibles dotados de un lapso de vida sobre la Tierra.”

—Valeria González

Colectivo Triangular es una plataforma de pensamiento, producción y generación de redes integrada por Belén Santamarina, Regina Calcaterra y Leonardo Vallejo. Los tres artistas se conocieron en la residencia El Pasaje, en Tafí del Valle, Tucumán. Desde ese momento trabajan conjuntamente en proyectos que entretejen el mundo simbólico del arte con la naturaleza y con una reflexión sobre el mundo contemporáneo, generando conocimiento desde la práctica artística. Su primer proyecto, Conserva N1, participó de la 13° Bienal de Arte Joven de Santa Fe.

¿En qué medida las prácticas emergentes de sobrevivencia, emancipación y desarrollo social inspiran y pueden generar nuevas narrativas?

Hace ya medio siglo desde la primera vez que hemos podido contemplar desde la Luna a nuestro hogar planetario en su órbita alrededor del Sol, y nos hemos dado cuenta repentinamente de que no somos ciudadanos de un planeta desdeñable, por mezquina que, vista en primer plano, la contribución humana a este panorama pueda parecer. Ocurriera lo que ocurriera en el pasado remoto, somos indudablemente una parte viva incluida en una anomalía extraña y bella de nuestro sistema solar. Tal vez avanzamos lo suficiente para comprender que esta Tierra parece reaccionar con nuestras acciones. Podemos pensar que el esparcir información concerniente a nuestros problemas está provocando el desarrollo de un nuevo proceso, si no de solución, al menos de conciencia.

En este trabajo del Colectivo Triangular encontramos varias pistas para abordar la pregunta inicial y vislumbrar algunas respuestas posibles. El rescate de formas de vida comunitaria, de intercambio de bienes culturales y materiales, la lucha por la preservación de la memoria –metaforizada por la semilla- y la validación de otros saberes y sistemas de conocimiento son formas regenerativas no solo del medio ambiente, sino también del ambiente social. Todo esto se deduce al involucrarse en forma consciente y sensible con la problemática planteada en esta investigación: todo lo que se dice en esta muestra nos interpela y nos propone un ejercicio de observar qué y cómo producimos, qué consumimos, qué desechamos, y cómo se mueve el mundo en torno a eso. También se trata de una apuesta a un reencuentro con nuestra percepción fina, anestesiada por la polución urbana, ya que deberemos volver a ejercitar la posibilidad de explorar con todas las capacidades perceptuales de nuestro cuerpo una serie de indicios visibles, audibles, aromáticos, táctiles, paladeables que, como capas de sentido, se irán desplegando ante nosotros a medida que nos sumergimos en la Conserva N2, la obra con que la que se inicia PIPA ’19, el programa de impulso a proyectos audaces de artistas emergentes que propone la Fundación Cazadores.

—Inés Armas, Romina Orazi y Augusto Zanela

Salto de Fe

Tutora Andrea Garrote Artista

Jazmín Giordano

Salto de Fe propuso una experiencia de transformación personal para alcanzar nuestras más ambiciosas metas invitando a la observación profunda del ser y a la eliminación de toda negatividad. Esta obra buscó la complicidad del público al proponerle ubicarse en un plano superador para reflexionar acerca de lo que se pone en juego al buscar y encontrar aquella usina interior de energía positiva que nos impulsa a sentirnos cada vez más felices y exitosos. Salto de Fe fue definido por su autora Jazmín Giordano como un proyecto mediático-colectivo para el desarrollo espiritual, en el camino al éxito y la autosuperación. La artista hace visible las estrategias de los discursos motivacionales ejercitando el coaching emocional en palabras como “tu voluntad en lograr el éxito tiene que ser mucho más importante que cualquier otra cosa. Porque si estableces tus objetivos ridículamente alto y fracasas, habrás fracasado por encima de los éxitos de los demás y eso es todo lo que importa”.

Se presentaron en la sala una serie de obras que invitaban al público a penetrar en un espacio imbuido por la espiritualidad que propone el coaching motivacional. Un telón dejaba ver las instalaciones del interior de la sala: una pantalla rodeada de sillas en semicírculo en la que se proyectaban las performances de la artista impulsando a sus espectadores a encontrar la luz interior, la superación personal. En las paredes colgaban obras pictóricas de Giordano que describían paisajes sutiles, y otras videoinstalaciones invitaban a encontrarse con la artista, motivando a sus espectadores. El trabajo contó con la colaboración de Lucas Despósito (realización e investigación), Adriana Sarno (vestuario) y el apoyo de ARDE_argentina.

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“Deambula por todas partes como una sombra, entrégate a un narcisismo exacerbado, Que el mundo se presente como una proyección de tu persona.

La imposición propia es más fatal que la ajena; sé libre, tú puedes.

Porque quien fracasa es, además, culpable. Girá alrededor de vos mismo, ¡Qué lindo en mi mano espejito, espejito, ven a buscarte en las felices aguas!”

—Andrea Garrote

Jazmín Giordano es una artista que trabaja con proyectos de alto contenido político en diversos formatos comunicacionales, que abarcan desde la pintura tradicional y de objetos hasta una desopilante producción de videos motivacionales y de superación personal.

[..] Si estás desesperado por obtener ventaja en esta carrera de la vida, UNETE, si querés llegar primero SALTA Y podrás lograr: TODO [..]

—Extracto obra en video

Las Guerras Púdicas

(LGP)

Tutora

Mariana Obersztern Artista

Lorena Croceri

La “cocción” de este proyecto tuvo su inicio en 2014. Croceri comenzó escribiendo una novela que fue “exprimida” en su base conceptual decantando en una producción visual con un fuerte “condimento de performance”. En 2018 comenzó a trabajar con las performers catalizadoras de LGP: Diana Grieco, Florencia Tenaglia, Leticia Gurfinkiel, Catalina Corredor y Ana Romans. En 2019 Sala Imán fue el “espaciomolde” donde se presentó la exhibición, que reunió los “ingredientes” en una instalación a la que la performance transformó en “nuevas recetas”. Así, en la inauguración, se materializó el “plan de lucha” de Las Guerras Púdicas en una instalación de sitio específico bajo un procedimiento en el que se dio lugar a distintas situaciones que sucedieron entre diversos objetos, materiales y sujetos (trajes, fotografías, esculturas, gelatina). La instalación fue modificada durante el transcurso del evento y en las sucesivas activaciones posteriores como consecuencia de las acciones de las performers y su interacción con el público.

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Lorena Croceri usa insistentemente un término: ‘cocinar’; no alude con esto a ningún programa televisivo de la tarde, sino que en su boca esas operaciones adquieren dimensión de tramoya, de confabulación, de plan secreto que sucediera en un sótano o altillo de una facción clandestina.

Una grupa de jóvenes la acompaña, ya que esta es claramente una labor que precisa de aquella energía colectiva para suceder. Lorena enhebra esa convivencia de tejidos con minucioso detalle, de modo que ninguna materia se prive de arrojar sus deleites, y a la vez otorgándoles suficiente libertad como para poder esperar hasta último momento que algún inesperado latir pueda emanar de allí y sorprenderla.

LGP es una obra explícita y poética al mismo tiempo. Lo explícito: el combate, la energía de alto voltaje propia de la guerra. Lo poético: la obra se despliega entre los rumores de la materia, munida de una precisa artillería hecha de un apetito gótico que se expande y una delectación matérica de corte cuasi japonés.

—Mariana Obersztern

LGP es un plan de lucha: la Estrategia de la performance como nexo, la Táctica de lo siniestro y lo erótico en la producción de imágenes, una Política del caos específico en el espacio instalativo. ¿Cuáles son las tácticas para pasar la barrera del pudor o para convertir ese pudor neurótico en un pudor-velo?

—Lorena Croceri

Lorena Croceri es una artista visual que investiga el arte de la performance en cruce con su formación como psicoanalista y escritora. Realizó una Maestría en Teatro y Artes Performáticas en UNA. Fue partisane de CIA 2019 y realizó clínica de obra con Leila Tschopp. También estudió danza con Julyen Hamilton y Doris Uhlich.

Activaciones

Como parte del proceso de visibilización y al mismo tiempo del acontecer de la propia obra artística, cada proyecto propone una serie de activaciones que encienden una nueva oportunidad de profundización y reflexión sobre el mismo.

En palabras de Inés Armas, “una activación es una acción en donde la obra se transforma a partir de la presencia de los cuerpos. Puede ser a través de acciones donde el público es invitado a participar o a través de acciones de índole performática u otro tipo de acciones que dialoguen con esa obra; por ejemplo, una charla. Forma parte de esa cuestión dinámica de la obra que va cambiando con el cuerpo”.

Trajes LGP

Estos trajes surgen a partir de la necesidad de pensar por qué las grandes marcas confeccionan ropa “para mujeres” sin bolsillos o con bolsillos falsos. Según observaciones de la artista, los bolsillos están presentes con mayor frecuencia en la ropa diseñada para hombres, otorgándoles el privilegio de la practicidad y funcionalidad para la inserción en la vida social. En lugar de los bolsillos, se le ha adosado a la mujer un accesorio a cargar fuera de sí: los bolsos o carteras que funcionan como extensión de un cuerpo. Se desarrollaron estos trajes y una performance, cuyas performers catalizadoras fueron Florencia Tenaglia o Norma.Nude, Diana Grieco o Nekodoll, Catalina Corredor, Leticia Gurfinkiel, Ana Romans junto a la artista Lorena Croceri.

“LGP es una forma bélica de hacer con el deseo una guerra contra el sistema represor patriarcalracionalista que por exigente o inentendible es denigrada a los márgenes del arte visual. Esa trinchera es una forma integrada de resistencia contra la neurosis patriarcal que nos quieren hacer heredar, dejándonos permanentemente manija de perfo, manija de algo real que muta entre lo imaginario y lo simbólico en una paleta difuminada y retrofuturista, porque el pasado ya fue pero nos vuelve con nuevos condimentos. Pudor es lo que nos quieren provocar, dique psíquico entre el exceso y el deseo de mirar, obstáculo y motor de guerra que al ser conceptualizadx como perfosentimiento puede ser reintegradx en cantidades X de pudor-velo”.

—Lorena Croceri

Fue una performance realizada como activación de cierre para el Proyecto Salto de Fe en Fundación Cazadores por Florencia Curci, con la colaboración de Carolina Morón, Julieta Ramírez, Lara Penas, Lara Soloaga, Larissa Gómez Godoy, Laura Vives, Lucía Gerszenson, Lucía Portacarrero, Martín Toledo, Tamara Molina y María Victoria Cifuente. En ella las performers desarrollaron un encuentro espiritual invitando al público a sumárseles.

La relación con el mundo no humano

La relación con el mundo no humano, fue una maratón de performance realizada en Sala Imán como parte de las activaciones del Proyecto Conserva N2 Capital Semilla. Se hizo una convocatoria abierta de participación voluntaria a artistas contemporáneos, interesados e interesadas en explorar un evento autogestionado de performances individuales y colectivas. A partir de la invitación, se definió abrir el espacio a artistas que quisieran explorar los vínculos con el mundo no humano, sus recursos y mutaciones desde la performance y a partir del Colectivo Triangular, para generar nuevas formas de ver y accionar a través del intercambio.

Workshop de huertas urbanas

Workshop de huertas urbanas a cargo del reciclador Carlos Briganti organizado como parte de las activaciones de Conserva N2 Capital Semilla.

Meditación Sonora post humana.

Inés Armas

Directora del Proyecto y Jurado Nace en 1974 en la Ciudad de Rosario, donde inició su vocación artística egresando en 1992 de la Escuela Municipal de Danzas y Arte Escénico “Ernesto de Larrechea”. Ya en Buenos Aires, estudia en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Obtiene la beca danceWEB Europe que la lleva a proseguir su formación en Viena. Luego, en Nueva York, continúa su formación en el Martha Graham School.

Inés es también activa docente y parte fundadora de Galpón FACE, institución de formación que gestiona junto a otros artistas de la danza. Participa simultáneamente como docente en el Taller de Danza de Buenos Aires del Teatro San Martín, entre otras instituciones públicas y privadas. Es co-autora e intérprete de varias piezas: Copia Original, Metal y Carne, Los procesos de Franz, entre otras.

Fue parte del programa Beca Cazadores Edición 2016 y asesoró al Área de Movimiento de Fundación Cazadores. Fue además co-autora de APNEA, exhibición inaugural de la Sala Imán, para la que, junto a Manuel Ameztoy, compuso una obra donde convergen los lenguajes de la instalación y la danza.

Augusto Zanela

Director del Proyecto y Jurado Nace en 1967. Arquitecto de profesión, se inclina por las artes visuales, donde desarrolla su vocación. Su interés por lo visual y los recursos que la tecnología le acerca constituyen su obra, que se presenta como un diálogo entre los medios y sus investigaciones sobre la forma, la luz, el lenguaje y sus reverberaciones, proyecciones y consecuencias.

Estudia Fotografía y Estética al mismo tiempo que Arquitectura. La Beca Kuitca y el Subsidio y la Beca a la Creación Artística del Fondo Nacional de las Artes, así como los premios otorgados por el Salón Nacional de Artes Visuales -entre ellos, el Gran Premio Adquisición en Nuevos Soportes e Instalaciones- y el Premio Ignacio Pirovano al Artista Joven son parte del reconocimiento a su labor.

Siempre interesado en alcanzar aquello que está por ocurrir, no sorprende la enorme vocación docente que acompaña su desarrollo artístico.

En este sentido, ejerce la docencia en diversas instituciones: Untref, FADU, Centro Cultural Ricardo Rojas, entre otras. Es también docente de nuestra Clínica en las ediciones 2017 a 2019 y Consultor en Comunicación y Contenidos de la Fundación Cazadores durante el año 2018.

Gonzalo Aguilar Jurado

Nace en Buenos Aires en 1964. Es Profesor titular de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires e investigador del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET). Dirige la maestría de Literaturas de América Latina en la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM), y ha sido profesor visitante en Stanford University, Harvard University y en la Universidade de São Paulo. En 2005 recibió la beca Guggenheim.

Ha publicado numerosos ensayos en volúmenes colectivos y participó con textos críticos en las exposiciones de Marcel Duchamp en Fundación

Proa y Amigos del Arte en Malba, ambas de 2008, y las exhibiciones sobre Edgardo Vigo y A Tale of Two Worlds en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Es autor, entre otros, de los libros Poesía concreta brasileña. Las vanguardias en la encrucijada modernista (2003, traducido al portugués para Edusp); Otros mundos. Un ensayo sobre el nuevo cine argentino (2006, traducido al inglés); Episodios cosmopolitas en la cultura argentina (2009), y Por una ciencia del vestigio errático. Ensayos sobre la antropofagia de Oswald de Andrade (2010). En 2010 publicó Borges va al cine, escrito en colaboración con Emiliano Jelicié. En 2015 publicó Más allá del pueblo. Imágenes, indicios y políticas del cine (Buenos Aires, Fondo de Cultura Económica) y en 2016, en Brasil, el libro Hélio Oiticica, a asa branca do êxtase: arte brasileira de 1964-1980 (Río de Janeiro, Anfiteatro-Rocco).

Su último libro fue escrito en colaboración con Mario Cámara y se publicó en Brasil: A máquina performática, a literatura no campo experimental (Rocco, 2017).

Maricel Alvarez Jurado

Es actriz de teatro y cine, directora, coreógrafa y curadora. Su práctica se desarrolla en la intersección del teatro, la performance y las artes visuales, generando una fusión de los espacios en los que el cuerpo, como un aparato artístico y crítico, se puede manifestar. Este enfoque fundamentalmente interdisciplinario se refleja en su formación artística y académica: cursó la carrera de Letras en la Universidad de Buenos Aires y se formó con reconocidos maestros en teatro y danza contemporánea.

Desde 1999 desarrolla una estrecha colaboración artística con Emilio García Wehbi. Ha trabajado, además, con El Periférico de Objetos, Alejandro González Iñárritu, Sophie Calle, Santiago Loza, Rubén Szuchmacher, Woody Allen, Alejandro Tantanian, Martín Churba, Nora Lezano, Iván Fund, Edgardo Cozarinsky, Ana Katz y Diana Szeinblum, entre otros artistas y colectivos. Sus trabajos fueron presentados en teatros, galerías y museos en Argentina y en el extranjero, tales como Centro de Experimentación del Teatro Colón, Centro de Experimentación Contemporánea del Teatro Argentino de La Plata, Teatro General San Martín, Centro Cultural Kirchner, Espacio de Arte-Fundación OSDE, Konzert Theater Bern (Suiza), Berliner Festspiele (Alemania), Akademie der Künste Berlin (Alemania), Museo Universitario del Chopo y Teatro El Galeón (INBA) de Ciudad de México.

En el campo pedagógico se ha desempeñado como docente en las universidades Ludwig Maximilians Universität (Alemania), Freie Universität Berlin (Alemania), Kyoto University of Art and Design (Japón), Universidad Nacional de Colombia, en el Theatertreffen de Berlín (Internationales Forum) y en el Foro Shakespeare de la Ciudad de México. Ha participado como actriz y/o directora en festivales en Alemania, Bélgica, Brasil, Canadá, Colombia, Chile, España, Francia, Japón, México y Suiza. En 2016 fue artista en residencia en el Museo Universitario del Chopo de la Ciudad de México. Es docente de la Maestría de Teatro y Perfor-

mance de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y curadora de la programación de artistas internacionales de la Bienal de Performance de Argentina (BP.17).

Teresa Riccardi Jurado

Nace en Buenos Aires, Argentina, en 1972. Licenciada en Artes por la FFyL, Universidad de Buenos Aires, profesora y doctoranda de la misma institución. Entre 2001 y 2005 integró el colectivo Duplus, con el que publicó El pez, la bicicleta y la máquina de escribir, un libro sobre el encuentro de espacios y grupos de arte independientes de América Latina y Caribe. Fue co-editora y co-fundadora de la revista Blanco sobre Blanco. Ejerció como directora artística del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires entre 2013 y 2016 y miembro del consejo consultivo del museo. En 2016 integró la terna de pre-seleccionados para el concurso al cargo de Directora Artística del Museo Nacional de Bellas Artes, ese mismo año fue invitada como curadora iberoamericana al programa de Residencias Artísticas Tabacalera en Madrid. En 2017 fue nombrada Directora del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori de Buenos Aires, Argentina. Entre sus trabajos curatoriales y exposiciones más recientes se encuentran: “Links”, (Museo Sívori, 2018), “Tierra. Caos y Germen”, (Museo Sívori, 2017), “Cromofobia” (MACBA, 2015/2016), “Agencia de Asuntos Subtropicales” (EAC, Montevideo, Uruguay, MACSA, Salta, Argentina, 2013/2014), entre otras.

Mariana Obersztern

Tutora

Mariana Obersztern es docente, autora y directora teatral con una intensa actividad previa en las artes visuales. Cursó estudios en la Escuela de Danza-teatro de la UBA y en la carrera de Artes en la UBA. Entre los años 2005 y 2006 tuvo a su cargo la dirección de Programación de Teatro del Centro

Cultural Ricardo Rojas, desde donde gestó el proyecto Inversión de la carga de la prueba, basado en la construcción de obras teatrales a partir de instalaciones escenográficas creadas por artistas visuales, cuya primera edición formó parte del V Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires. También como curadora gesta el ciclo Una teoría sobre el espacio (Prisma KH, 2016) y el ciclo En el nombre del nombre. 5 obras (CCK, 2018).

Entre otras de su obras se encuentran El aire alrededor (Ciclo Biodrama, Complejo Teatral de Buenos Aires, 2002), Tú eres para mí (El portón de Sánchez, 2007), Keine piano (El camarín de las Musas, 2007), Espina no peito (Ciclo Performance Revolución, Centro Cultural Ricardo Rojas, 2008) y Si el destino viene a mí (Proyecto manual, Centro Cultural Ricardo Rojas, 2012), por los que recibe numerosas nominaciones y distinciones en premios como Trinidad Guevara, Florencio Sánchez, Teatro del Mundo y Clarín. En octubre de 2015 estrena Inspiratio en El camarín de las Musas, obra seleccionada para participar en el Festival de Teatro de Buenos Aires 2017. En 2016 estrena Las Hojas, en la Sala Marechal con los alumnos del IUNA. En 2017 escribe y dirige Kantor. Wielopole, Mezrich, Wielopole, estrenada en el Cultural San Martín en el contexto del Ciclo Invocaciones. Lleva a cabo la performance Una conversación francesa, junto a Agustina Muñoz en MALBA, en el contexto de Filba 2017. Y estrena Oberek, un bemol mayor (pieza para piano, mujer, público y orquesta) con música de Ulises Conti, en la Sala Sarmiento del Complejo Teatral de Buenos Aires. Desde el año 1990 despliega una intensa labor docente.

Romina Orazi Tutora

Nace en Trelew, en la provincia de Chubut, en el año 1972. En la actualidad vive y trabaja en Buenos Aires. El trabajo de Romina Orazi vincula la relación entre cultura y naturaleza. Investiga los métodos de observación que utilizan las ciencias naturales, los refugios y viviendas nómades o adaptables, así como la siembra de especies vegetales en espacios marginales o inhóspitos, que actúan como metáfora de la vida que prolifera, empecinada, aun en medio de la adversidad. Estudió Artes Visuales en IUNA y Jardinería en el Jardín Botánico de la Ciudad de Buenos Aires. Interesada en la complejidad armónica de los procesos biológicos, sus trabajos abordan la reproducción, las conexiones y la cooperación desde los microorganismos a los sistemas sociales, desde los lenguajes artísticos tradicionales a los proyectos colaborativos, en las acciones de siembra y huertas comunitarias. Repudia el valor de la originalidad (propiedad privada de los recursos) tanto como estima el de la autenticidad (el deseo que motoriza su uso o

apropiación). Mide el éxito de sus proyectos por su capacidad de contagio. No le interesa el arte como espacio de reproducción de poder, sino como instancia de disponibilidad de potencias. Participó en diversas exhibiciones colectivas y expuso en galerías y otras instituciones de ciudades como Buenos Aires, Rosario, Madrid, Ámsterdam, entre otras.

Nace en Buenos Aires. Es actriz, dramaturga, directora y docente. En 1994 junto a Rafael Spregelburd funda la compañía El Patrón Vázquez. La modestia,Laestupidez,Laparanoia,BuenosAires, Todo, La terquedad, Tres finales son solo algunas de sus obras estrenadas con las que hasta la fecha ha realizado diversas giras por Latinoamérica y Europa representando a la Argentina en los más prestigiosos festivales internacionales del mundo.

Escribe La ropa, obra que fue representada por más de una docena de compañías en Argentina, Colombia, Uruguay y España. Escribe y dirige La dama o el tigre (en los días humillantes), Siempre tenemos retorno, Niños del limbo y El combate de los pozos. Ha publicado sus obras y varios artículos sobre teatro.

Es autora de la serie Mi señora es una espía. Dirige Los borrachos de Antonio Álamo y Nadar perrito de Reto Finger, entre otras. Desde 1996 dicta talleres de actuación y dramaturgia para actores en Argentina, Latinoamérica y España. Los talleres se realizan todos los años en el ciclo Perfecta Anarquía en donde muestra su producción. Como actriz ha trabajado en teatro con Javier Daulte, Rubén Szuchmacher, Matías Feldman, Vivi Tellas, Laura Yusem, entre otros, y en varias películas: Relatos salvajes, El patrón, radiografía de un crimen, entre otras, y en series. Por su trabajo como actriz, como directora y dramaturga ha recibido numerosos premios y nominaciones: Trinidad Guevara, Teatro XXI, Teresa Costantini, María Guerrero, Florencio Sánchez y Premios de Teatro del Mundo. Ha sido jurado de premios de dramaturgia y producción artística. Es titular de la cátedra Dramaturgia II y tutora de los proyectos de graduación de la Carrera de Dirección escénica de la Universidad de las Artes.

fundación_cazadores es una plataforma de exploración interdisciplinaria sobre las prácticas artísticas contemporáneas dedicada a la formación, la proyección de artistas y la investigación de los procesos creativos.

A través de sus programas y espacios, ofrece experiencias inmersivas que promueven tanto la construcción de lenguajes personales como el trabajo colectivo, en un entorno catalizador de proyectos en constante mutación.

Hacemos Cazadores

Directora General: Viviana Romay

Director Institucional: Daniel Levin Frieder

Director Visual: Sergio Bazán

Responsable de producción: Mariel Leibovich

Jefe de sala: Adrián Grimozzi

Comisión Directiva: Mario Andelman, Alejandro

Marquez, Viviana Romay y Bernardita Valencia

Programas / 2020

Clínica Cazadores — Docentes: Jimena Ferreiro y Leila Tschopp

Impulso Cazadores — Dirección artística: Mariana Obersztern

Instalar danza — Dirección artística y curaduría: Elina Rodríguez y Viviana Iasparra

Andrea Garrote Tutora

Un programa dirigido en 2019 por Inés Armas y Augusto Zanela que brindó las condiciones integrales y el acompañamiento para impulsar proyectos existentes de investigación artística, que hacen foco en lo colectivo e interdisciplinario de manera porosa a nuestra época.

IG—FB fundacioncazadores

www.fundacioncazadores.org.ar contacto@fundacioncazadores.org.ar

1438/1440 ciudad de buenos aires—argentina