Warp Costa Rica - Edición 01: Hola Costa Rica!

WARP MAGAZINE CR 01: ¡HOLA COSTA RICA!

No.01

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silencio por favor

Florian Droids Por: Diego Arias / Foto: Cortesía FD

P

ocos álbumes han partido las aguas como el primer larga duración de Florian Droids. Lo lanzaron y de repente se enlistaron suficientes seguidores como para llenar la piscina olímpica de La Sabana; consecuentemente se sumaron desertores, que iniciaron un épico debate sobre el talento, el potencial y la originalidad de la banda de ‘Larvas salvajes’. Se les vio en vivo y las aguas se unieron: son unas bestias del directo y todos estamos de acuerdo. Precisamente la promesa con ‘Osos de agua’, el nuevo disco, es rescatar la descarga cruda -pero bien amarrada- de sus presentaciones en vivo. Nuestras fichas están con ellos hasta nuevo aviso.

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the main review REVIEWS

Holy Fire

Foals / Warner Bros. Records/Transgressive Records / 2012

8.9

Calificación

L

a banda liderada por Yannis Philippakis tardó casi tres años en presentarnos su tercera producción discográfica —sucesora de Total Life Forever (2010)—, pero hoy, después de escucharla detenidamente, es un hecho que la espera fue recompensada.

Holy Fire es una fotografía fidedigna del momento global que se vive en la escena rock actual, en la que los riffs duros de guitarra, esos que inundaban la radio hace apenas unas décadas, son sustituidos por amables melodías ambientadas por ritmos étnicos y percusiones tropicales que invitan a mover los pies incluso en los momentos más oscuros de la placa.

Pero la relevancia del álbum no sólo radica en ser un potencial “documento histórico” de 2013, pues los mayores aciertos de Holy Fire están implícitos en la música que lo integra. De entrada nos encontramos con una banda más reflexiva, madura, que sabe direccionar cada una de sus ideas sin forzar las piezas de ese rompecabezas sonoro en que se torna la composición, permitiendo que todo encaje de manera natural. Se nota que los ingleses dejaron de preocuparse por hacer un gran disco y se dedicaron a hacerlo: cada sonido se encuentra en un punto tal de equilibrio, que ningún elemento es más importante que otro y, por el contrario, cada capa sónica es tan importante como la que le precede.

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Mención aparte merece la producción del álbum, cortesía de dos viejos lobos de mar, Flood y Alan Moulder, dupla destacada y reconocida a nivel mundial por ser parte fundamental del sonido de Nick Cave, New Order, U2, Depeche Mode, The Smashing Pumpkings, Nine Inch Nails y The Killers, por mencionar sólo algunas bandas. Y es que, aunque de entrada podría parecer poco evidente, limitar el punk de Foals y sustituirlo por sonoridades de avanzada, es poco más que ejecutar el paso de la muerte. El trabajo de Flood y Moulder no sólo le dio un upgrade a la banda: también logró colocar cada elemento en el lugar indicado, concretando temas que podrían parecer atípicos en el historial de Foals, y que aun así puede que estén destinados a convertirse en clásicos.

Para quienes siguen apegados a la nostalgia musical de las décadas pasadas, quizá este disco no sea uno de los favoritos de 2013, pero es un hecho que la música ha evolucionado, dirigiéndose a lugares que quizá no muchos esperarían. Si tomamos en cuenta que la música que Foals nos entrega en esta placa marcará tendencia de lo que vamos a escuchar durante los próximos años, no es difícil comprender el mérito de un trabajo como Holy Fire.

-Diovanny Garfias

REVIEWS

6.8

7.6

Calificación

Calificación

Heartthrob

Wonderful, Glorious

Tegan And Sara / Vapor/ Warner Bros. / 2013

Eels / E Works Records / 2013

Se agradece que una banda se arriesgue a experimentar, pues es muestra de valor y respeto por sus escuchas. Las gemelas Tegan y Sara lo hicieron en la incertidumbre, pues Heartthrob tal vez es un experimento bien logrado en la carrera más o menos consolidada de un par de chicas que empezaron a tocar muy jóvenes. La actitud de este dúo se mantiene en la mayoría de los temas del álbum, pero decidieron “madurar” su sonido con letras totalmente dedicadas al amor o al despecho, echándoles toneladas de secuencias. Con ‘Closer’, ‘Drove Me Wild’ y ‘Could Be Your Friend’ nos basta para saber la línea que tomaron: paisajes rosas, melosos y empalagosos como algodón de azúcar. Es evidente que no nos encantó esta transformación, aunque se agradecen momentos de respiro como ‘Love They Say’ y ‘Now I’m All Messed Up’, donde parecen balancear el pasado y el presente.

-Elsa Núñez Cebada

Desde 1996, la banda californiana Eels se ha preocupado por ofrecer una propuesta fresca que, lejos de encasillarse en algún género, se reinventa en cada producción.

Dentro de su historia han cambiado muchas cosas, aunque una constante ha sido la presencia de Mark “E” Everett, como compositor principal, y de Knuckles, su peculiar bajista. Este año, Eels regresa con Wonderful, Glorious, un disco cargado de dramatismo, letras honestas y estructuras complicadas. Atrás quedaron las melodías al estilo ‘Last Stop This Town’, de su álbum Electroshock Blues (1998), inclinándose más hacia la oscuridad y la fuerza de Souljacker (2001). Probablemente no sea el disco más accesible de esta agrupación, pero sin duda es una obra completa y propositiva, congruente con el trabajo realizado por la banda a lo largo de 17 años.

-Raúl Arce

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5.2

Calificación

Hummingbird Local Natives

Infectious / Frenchkiss Records / 2012

Dicen que los buenos discos se reconocen a la primera escucha y que las obras maestras se descubren con el tiempo; desafortunadamente, para Local Natives ninguna de las dos cosas sucederá con Hummingbird, su nuevo álbum. A veces resulta difícil comprender que las bandas se tarden tanto en editar nuevo material sólo para que, en el momento de la verdad, el resultado sea algo insípido y sin resquicio alguno de innovación, vaya, ni siquiera de reinvención. Después de un debut bastante decente en 2009, con Gorilla Manor, cuando se posicionaron como

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alternativa para aquellos que gustan de los sonidos rock-folk aderezados de una inocente psicodelia, todo parece indicar que Local Natives ha sido víctima de la maldición del segundo disco.

Y es que Hummingbird empieza mal y termina peor; el único momento que pretende nivelar la nave antes de un choque frontal contra los arrecifes es ‘Breakers’, pero conforme transcurren las demás canciones, la originalidad se diluye y las expectativas son aplastadas por un sonido soso y aburrido.

-Alejandro Altamirano

REVIEWS

Wolf’s Law The Joy Formidable / Atlantic / 2013

Al fin pudimos escuchar completo Wolf’s Law, segundo álbum de The Joy Formidable y, aunque previo a su lanzamiento tuvimos acceso a tres sencillos, ninguno nos preparó para el vendaval sonoro que se escondía en el material completo. Las guitarras se volvieron más feroces, sin perder su toque noisey, y aunque la experimentación sigue presente, como en toda la música del trío, este disco va directo al punto en cada track, pues incluso los momentos más duros y dedicados a la improvisación están moderados: algo que le faltó a The Big Roar (2011). Aunque es notorio el alto nivel de composición que se mantiene a lo largo de los once cortes, hay algunos que saltan al oído, listos para convertirse en clásicos de la banda; es el caso de ‘Maw Maw Song’, ‘Bats’ y ‘Little Blimp’. Esta es una de esas joyas sonoras, made in UK, listas para ser descubiertas.

-Michelle Apple

8.7

Calificación

7.4

Calificación

II

8.4

Calificación

Unknown Mortal Orchestra

Regions Of Light And Sound Of God

Jagjaguwar / 2013

Jim James / Arts & Crafts México / 2013

Pocos títulos son tan acertados en una obra como lo es el elegido para la nueva placa de la banda liderada por Ruban Neilson pues, aunque simple, deja claro que se trata de la continuación de su álbum debut homónimo. Con los elementos lo-fi, psychedelic rock y garage que colocaron a Unknown Mortal Orchestra bajo los reflectores en 2011, II representa un compilado de canciones que retoman dichos sonidos y amalgaman una placa redonda, con guiños a géneros como el R&B —evidente en ‘So Good At Being In Trouble’ o ‘The Opposite Of Afternoon’—, entre las pocas novedades que encontramos. Y si bien se trata de una placa totalmente disfrutable y hasta cierto punto entrañable, pudiera reclamarse la oportunidad desperdiciada de reinventarse y consolidar su música. Este es un buen disco que se queda sólo en eso.

-Karina Luvián

El disco solista de Jim James, líder de la banda My Morning Jacket, es un déjà vu que nos introduce en la mente del cantante para ser testigos de su particular forma de ver el mundo. Inspirado por la novela gráfica de Lynd Ward God´s Man (1929), James nos transporta con su voz a paisajes oníricos llenos de texturas y colores cálidos, haciéndonos sentir como en casa a través de las nueve canciones del disco. A pesar de que, en gran parte del material, su voz nos remite irremediablemente a MMJ, James ha dejado de lado las guitarras, dándole más protagonismo a las secuencias electrónicas, cajas de ritmo y piano, pero lo hace tan bien que su obra no pierde el sentido orgánico, ese del que están hechos los sueños. Este es un trabajo profundo y personal que sale bien librado del pozo de los experimentos ególatras en el que muchos caen.

-AA

8.0

Calificación

La Velocidad del Vacío Dorian / Terrícolas Imbéciles / 2013

“El miedo es un cuchillo clavado”, sentencia Dorian en ‘Los Amigos Que Perdí’, siendo justo lo que combate la banda española en este, su cuarto disco. Con un trabajo de producción guiado, en buena medida, por Phil Vinall, los riesgos que se toman son evidentes, con un sonido lleno de capas en diferentes elementos que construyen puentes de dimensiones profundas, cálidas, envolventes. El complemento y sello particular que también define este trabajo son, sin duda, las composiciones de Marc Gili, llenas de inquietudes y experiencias ocurridas durante el proceso creativo de un álbum que nace en la Ciudad de México. Entre las canciones que sobresalen está ‘Horas Bajas’, ‘Las Palabras’ y ‘El Sueño Eterno’, con grabaciones ambiente que dotan de personalidad a la placa, creando empatía con el escucha.

-Esther Sánchez 009

hot hot hit

Haim

Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía Haim

Si bien 2012 resultó para Haim en un cúmulo de éxitos tras el lanzamiento de su primer EP, Forever, de su participación en South by Southwest y de lograr su primera gira por Reino Unido, las hermanas Danielle, Alana y Este Haim, acompañadas por Dash Hutton, están encaminadas a representar una de las bandas que acapararán reflectores este año con el lanzamiento de su álbum debut, en el cual continúan trabajando y que promete ser una mezcla interesante del rock clásico con el que crecieron y de influencias más recientes, como folk, pop y rhythm & blues. De momento, sólo queda disfrutar de ‘Better Off’, ‘Forever’, ‘Go Slow’ y ‘Don’t Save Me’, su más reciente tema… Aires californianos siempre necesarios en la escena.

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Bloc Party 2… 7 more years

Por: Raúl Arce / Foto: Marley Kate

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veces no nos damos cuenta de qué tan rápido pasa el tiempo y, por momentos, bandas que consideramos “nuevas”, terminan teniendo más de un lustro en la industria. Tal es el caso de Bloc Party: pareciera que fue hace un par de meses cuando vimos a la banda liderada por Kele Okereke promocionando su debut, Silent Alarm (2005), con una poderosa presentación en Later… With Jools Holland; sin embargo, han pasado siete años y cuatro álbumes que se fueron en un abrir y cerrar de ojos.

Al final del año pasado, la banda londinense regresó a la Ciudad de México, donde ofreció un concierto que tuvo como escenario el Auditorio BlackBerry. Minutos antes de subir al escenario, Russell Lissack, guitarrista de Bloc Party, habló con WARP Magazine acerca de su nuevo disco, su experiencia con la banda y de la escena británica actual.

Ha sido un largo camino desde que Silent Alarm (2005) fue publicado; estamos hablando de siete años como banda, quizá más… ¿Cómo se sienten en este momento de su carrera?

Creo que todos nos sentimos muy bien en este momento y, justo como decías, han pasado siete años desde nuestro primer disco, aunque en realidad hemos estado haciendo música desde hace una década y, por lo mismo, hemos atravesado por muchas etapas como banda; por eso me parece que cada integrante de la banda se siente cómodo en nuestra situación actual. ¿Cuál es tu percepción, como londinense, de la escena británica actual?

Creo que actualmente la escena musical en Reino Unido, en cuanto a bandas, no es tan fuerte. Por otro lado, hay un movimiento de música electrónica que es muy importante. De cualquier manera, es un hecho que el rock resurgirá. Considero que la música es una parte muy importante de la vida de los ingleses; y es que es una cuestión cultural: la gente aún escucha el radio y, aunque no todo mundo es músico, hay muy buenas oportunidades para crear cosas nuevas; yo crecí en Londres y, en verdad, es impresionante la cantidad de lugares para escuchar y tocar música nueva. ¿Qué nos puedes contar de Four, el más reciente álbum de estudio de Bloc Party?

Bueno, Four es simplemente nuestra mejor producción hasta el momento; es un retrato del sonido que logramos cuando estamos en un escenario creando música; ya sabes: guitarras y bajo en

mano, acompañados por la batería de Matt lo que, en comparación con nuestros discos anteriores, es mucho más crudo.

En Four trabajaron con Alex Newport, quien también ha sido productor de bandas como At The Drive Inn y The Mars Volta. ¿Cómo fue esta experiencia para ustedes?

Para ser honesto, yo no estaba enterado del trabajo previo de Alex; fue hasta que lo conocimos, en Nueva York, el año pasado, cuando supe con qué artistas había colaborado. Lo importante para mí es que él es un tipo muy amable, con el cual se puede trabajar. Creo que tiene un gran oído para detectar cosas que a la mayoría se le pueden pasar. Además, todos la pasamos muy bien durante la grabación del disco. ¿Crees haber cambiado mucho, como guitarrista, desde el lanzamiento de su primer álbum?

Sin duda. Algo que ha cambiado mucho es la seguridad que tengo en lo que hago; además, trato de incorporar nuevos estilos y crear sonidos. Me gusta pensar que soy un guitarrista un tanto aventurero. Eso sí: sigo usando mi Telecaster todo el tiempo; es el instrumento que me ha acompañado desde el primer disco y, bueno… ¡Supongo que en ese sentido sí soy algo conservador!

Siempre que hablamos con gente de Reino Unido, les pedimos recomendaciones de bandas nuevas que aún no han llegado a nuestro continente. ¿Qué banda estás escuchando actualmente?

Hay una banda, muy buena, que se llama Lost Dinosaurs; tocamos con ellos a principio de 2012. Tienen guitarristas muy buenos que hacen cosas sumamente interesantes.

Esta es ya su quinta visita a la Ciudad de México, ¿cómo los ha tratado la gente?

El público mexicano ha sido increíble con nosotros y es extraño cómo, en algunos lugares a los que no vas tan seguido, te pueden recibir de una manera tan cálida: ese es justamente el caso de México. ¿Qué hay en el futuro para Bloc Party?

Definitivamente habrá muchos conciertos, seguimos de gira y nos presentaremos en distintos festivales. Por otro lado, estamos trabajando en música nueva y esperamos que el próximo año podamos lanzar material nuevo.

›› Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la y colaborador de WARP.

013

profile

Kitten

LINK:

www.kittentheband.com

Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía Kitten

Integrantes: Chloe Chaidez, Lukas Frank, Bryan DeLeon yWaylon Rector

K

itten es una banda realmente joven originaria de Los Angeles, California. Su vocalista Chloe Chaidez, raya en la mayoría de edad (y no de EE..UU.) pero suena, junto a sus tres compañeros (Lukas Frank en la batería, Bryan DeLeon en los teclados, y Waylon Rector en la guitarra) como una banda con muchos años de batalla sobre los escenarios. Chaidez 014

pertenece a esta nueva generación rebelde e inteligente, que parece se comerán al mundo de un bocado (en el club de Grimes, Charli XCX y Sky Ferreira). Cut It Out es su último EP y el que promocionarán en una gira junto a Paramore. Actualmente se encuentran en el estudio grabando su LP debut que editará Elektra Records.

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Zurdo en el dos mil trece Por: Roberto Montero / Foto: Pablo Murillo

F

ernán Castro es el cabecilla de Parque en el espacio, proyecto pionero de la ola alternativa en Costa Rica. También es la mitad de Santos y Zurdo, que recientemente se unió al cartel cuasi permanente del mítico festival Burning Man, en el Black Rock Desert de Nevada. En un descuido ajeno tomó control de la frecuencia 104.7 fm, en la que fundó la emisora líder en música alternativa en el país, 104.7 Hit. No imaginamos una forma mejor de iniciar WARP Magazine en Costa Rica que con una entrevista al catedrático de la escena alternativa conocido como Zurdo.

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¿En qué momento supo que la música iba a ser parte esencial de su vida?

Mi enfoque era mucho más de imaginación, es decir, no quería saber cuál es la fórmula para hacer música, sino que las piezas salieran mágicamente. En el año 2000 decidí que quería tocar para vivir. Antes de eso ya lo hacía, pero la vida era más bien un par de comidas y la noche en el hostal; tocar ‘Wonderwall’ cuatro veces en una hora (se ríe), The Beatles y cosas así. Me di cuenta de que si me quedaba en Europa con esta chica no lo iba a lograr, entonces regresé a Costa Rica y empecé Parque en el espacio en el 2001. Hasta hace unos tres años, que inicié lo de la radio, estuve cien por ciento en esas. ¿Qué tan complicado es dirigir una emisora de radio alternativa en Costa Rica?

Muchísimo, y peor aún siendo músico, porque el modo de pensar es opuesto. Primero que todo, la empresa es familiar, y la familia nunca ha estado de acuerdo con el proyecto. No fue que se conceptualizó y se hizo una estrategia. Una Semana Santa, yo me metí y cambié la cosa cuando mi papá estaba de viaje, entonces todo fue como ‘costuras afuera’, y ahí está la emisora al aire. Poco a poco empezó a ganar audiencia, a la vez que hacíamos cambios, porque el producto no salió terminado.

Tomó dos años el alcanzar un parámetro comercial. ¿Qué le ha aportado Hit a la escena costarricense?

Aportó un sonido que no existía en la radio. Han habido radios alternativas, como 911, 979, Radio Universal y Radio Juvenil en su momento. Pero sí es la primera estación que mete un repertorio de este tipo. Aún 979, cuando comenzó allá por el ‘98, era muy Top 40. Nosotros no metemos nada de eso. Espero que nuestro aporte a largo plazo sea mucho más profundo de lo que es ahora, que todavía estamos consolidándonos como medio.

Cuando seamos una radio líder, ya podremos proponer. Mientras tanto tenemos que ganarnos a los oyentes, de uno a uno. ¿Hacia dónde querés llevar a Hit? Yo sigo radios en Chile y Argentina y veo que son más alternativas que lo que nosotros podemos ser, porque ellas están en grandes metrópolis. La realidad es que somos una estación en Costa Rica, que entra en todo el país. Nos llaman de Peseta de San Carlos, de Ciudad Neily, porque tienen menos acceso y entretenimiento, entonces la radio es más importante para ellos. Ellos están atentos a lo nuevo, pero piden lo más conocido y viejo.

Yo calculo que es un proceso a cinco años plazo. Ya estamos en el momento de evolucionar hacia otros puntos, como meter una franja de música en español y más música nacional. ¿Qué ha cambiado de Zurdo músico por su experiencia como director de la radio?

Muchísimo. Primero, antes yo casi no escuchaba música, aparte de la que me gustaba. Ahora oigo de todo, ocho horas al día, por lo menos. Después, el sentido comercial. Veo qué

es lo que captura a la masa dentro de lo alternativo. Eso me ha influenciado dentro de lo nuevo que estoy haciendo.

También he comprendido la importancia que tiene lo grabado, lo producido. Mi enfoque siempre fue el ‘en vivo’, y a la fecha yo creo que no tengo un producto grabado que podría competir con lo que yo estoy escuchando en la radio. Por el momento en el que estoy, por la edad que tengo, sí quiero lograr un sonido mejor. Es eso, o hacer música experimental por hobbie, que no es lo que quiero. Siempre tuve un acercamiento naíf a la música, sin pensar en la parte comercial, más como una experiencia personal. A partir de que tuve hijos, eso se borró. Sí tengo un interés mucho más grande ahora por hacer música para la gente, no para mí mismo. ¿Cómo ves vos la escena alternativa en Costa Rica?

Me parece que hay muchos artistas muy buenos, pero, también me parece que hay muchos artistas muy buenos en todas partes.

Al principio, cuando empecé a programar, yo lo hice a la brava, y me puse a oir música de todo tipo, y nunca terminás de oír propuestas chivas. Cientos de miles de buenos grupos, y excelentes músicos. Igual que los hay acá. Aquí hay una escena alternativa muy buena, pero está a la par de muchísimas más escenas que tienen mucho más camino recorrido. Por lo general es gente joven que normalmente no tiene la necesidad y la expectativa de lograr productos comerciales dentro de esa escena alternativa. Tienen su momento, y su momento es que lleguen cien personas a sus conciertos, cinco veces, pero de ahí a lograr un aporte al país... ¿Qué le gustaría cambiar de la escena musical en el país?

Me gustaría que la gente joven, intermedia y vieja tuviese mejor comunicación, y que los espacios de música en vivo fueran mucho más sagrados de lo que son, porque eso no permite que el oyente salga con un sentimiento de “fui a ver el Circo del Sol”, queriendo hacer cosas grandes. Eso es lo que tiene que pasar.

Hay una diferencia entre artistas, músicos y maecillos.

Ahorita esa línea es confusa, entonces también hay que concientizarse de quiénes son los artistas de este país, ponérseles detrás y apoyarlos con todo. Los maecillos que están tocando y quieren en algún momento lograrlo, que no lo hagan a medio palo, que se dediquen a eso mientras pueden. No es sólo tocar guitarra y ser bueno, es tener esa chispa única.

Tampoco desacreditemos a los que llevan mucho tiempo sólo porque llevan mucho tiempo. Para no quemarse pueden salir, abriendo el mercado y haciendo que la escena no se base en un solo grupo, porque pasa el furor por ese grupo y el público se dispersa. Se necesita una escena en la que realmente se cuiden unos a otros en todo sentido, pero que también el público sepa quiénes son. Actualmente el público se confunde porque cualquiera sale en La Nación, cualquiera toca en Jazz Café.

El público no sabe los pormenores de la música, tenemos que facilitárselo para que realmente haya una escena con artistas que se reconozcan dentro del país y que, con base en eso, se les vaya a reconocer en el extranjero.

›› Roberto Montero es Director General de WARP Costa Rica.

017

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Madame Récamier Luz Verde

Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía MR

L

a música como carrera siempre será un largo recorrer, un aprendizaje continuo en el que lo mismo se aprenden nuevas técnicas que a colaborar con otros artistas o a conocerse a sí mismo: un recorrido que apenas comienza para Madame Récamier, pero que ha tenido suficiente aprendizaje para reflejarlo en su nuevo álbum, ImaGina (2013), lleno de canciones que, de la mano de su imaginación, promete hacernos navegar en este año que comienza. Y para conocer más de este lanzamiento, WARP Magazine platicó con su creadora sobre todo el proceso: desde sus primeras ideas hasta trabajar con Chetes. ¿Cómo fue la primera visualización de ImaGina? ¿Cómo acabó? ¿Cambió algo?

Siempre es diferente. Al principio te imaginas algo como un todo, pero conforme vas entrando en los detalles de cada cosa, al final resulta en algo totalmente distinto; y el chiste es que sea algo mejor a lo que esperabas y, bueno, yo logré eso al menos en este disco. Y estoy contenta con los resultados; espero que la gente, cuando lo escuche, lo entienda y lo valore como yo.

Trabajar con Chetes es, en cierta medida, una ilusión que se fue convirtiendo en reto durante el proceso de grabación. ¿Cuál es tu sentir después de haber trabajado con él?

Creo que fue el productor adecuado para el disco: me ayudó en cosas como encontrar el sonido y la dirección de cada canción, y es que es muy buen productor; aparte mezcló el disco. Éramos él y yo en el estudio, nada más; entonces él también fue el ingeniero, el arreglista y, en fin, se aventó todo el paquete. De pronto entrábamos en momentos de conflicto: “no, yo quiero hacer así las cosas”; “no, así está bien” y discutíamos; se volvió muy divertido trabajar con alguien así, porque hace que aprendas más de su mentalidad musical. Fue como una escuela en cierto punto, porque regresé con mucho más conocimiento del que tenía antes, además de ideas diferentes.

018

¿Qué nos puedes contar acerca de las letras del disco?

Las letras son completamente sinceras y vienen de lo más profundo de mí; tiene todo lo que viví durante estos dos años de trabajar en el disco, de estar componiendo. Han sido cosas muy buenas y cosas muy malas; cosas que a todos nos pueden pasar; y trato de relacionarme con lo que normalmente le pasa a la gente, para que la gente se identifique con las canciones, sensibilizando ciertas partes de cada quien. Y el proceso de composición fue mucho más comprensible hacia mí y hacia la gente: quería ser más abierta y específica en los temas de cada canción, por lo que resultan muy diferentes a las del disco anterior. Además, compuse mucho más que antes: hubo una selección y escogimos hacer un disco con subidas y bajadas, aunque todo queda en el mismo rango. ¿Eres de las compositoras que se sientan a escribir o esperas que la inspiración llegue en cualquier momento?

A veces me siento a componer y digo: “No, hoy no es el día, hoy no puedo”, pero por lo general tengo ideas que se me ocurren y las escribo o las canto en mi celular y las guardo; después ya me siento y me pongo a trabajarlas en el piano o me pongo a programar beats o a hacer batería. A veces me gusta componerlas en piano y voz, o en guitarra y voz, así surgen diferentes armonías y melodías, dependiendo del instrumento que uso. A veces es pura batería y canto encima lo que se me ocurra en el momento, sin ningún otro instrumento, y de ahí empiezan a surgir cosas. Me gusta jugar con esas maneras de componer, para que no siempre sea lo mismo. ¿A dónde te gustaría que te lleve ImaGina?

Me encantaría tocar mucho más, tocar fuera de México, ir a festivales. Con el disco pasado tuve una gira en California y este año me gustaría llegar también al Sur, a Chile, a Argentina, a todos los lugares de por allá.

blogaggedeon times COLUMNA

Disfrutando del mar

LOCOS DEL MAR Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

El surfista

tiene que llevar estilo: eso es lo que lo define. Y desde aquí —acantilados, Chapadmalal, Costa Atlántica Argentina—, desalineado, observando de cuando en cuando unos pocos rastros de Internet y estrellas fugaces por doquier, escribo estas líneas mientras sueño con viajar a Puerto Escondido, Oaxaca, México…

La Cruz del Sur, constelación galáctica, alumbra los pasos de una nueva canción y la marejada de la madrugada que cargará de olas este paraje. Supongo que pronto estaré tocando en el Vive Latino con mis hermanos de ruta, arte, y vida; nos llamamos Los Fabulosos Cadillacs. Mientras tanto, me encuentro chapoteando imposibilidades de tabla, muchas horas diarias, cuando las olas nos lo permiten, y tocando por las tardes en el chiringo que tanto nos gusta…

Me ven llegar con la guitarra y cortan la música: —¿Te vas a tocar unas canciones, Flavio? —me preguntan.

—¡Claro que sí!

Después vuelvo a montar mi tabla imposible, que se hace posible: pasión por el ritmo de la cadencia del mar. Soy un músico que a veces toca en estadios, pero también en chiringos playeros y palapas amigables, sin micrófono, sin ampli, con guitarra de cuerdas de nylon y la mirada extraviada en los amigos, en el mar de los acantilados del Sur. Soy el Sr. Flavio, en sintonía marítima para la jefatura libertaria creativa de WARP Magazine.

›› Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

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Pujol Foto: Jonathon Kingsbury

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“Mi nombre es Daniel Pujol. Vivo en Nashville, TN… hago rock and roll, lo grabo y luego toco con onda… Espero seguir haciendo rock and roll… Estoy fascinado por la Internet como una alusión material para la conciencia colectiva.” Así es como Pujol se presenta y se describe a sí mismo; lo cierto es que su

música repleta de referencias a la cultura pop y acompañada por un característico sonido lo-fi es lo que hace de la música de Daniel algo único y 100 por ciento personal. El músico compartió, en exclusiva para WARP Magazine, un listado de la música que acompaña su reproductor durante su día a día.

01. Lou Reed - ‘Gimme Some Good Times’

06. Kate Bush - ‘Big Sky’

02. Quichenight - ‘Does Cilantro Taste Like Soap?’

07. George Micheal - ‘Father Figure’

03. Bob Dylan - ‘Dear Landlord’

08. David Bowie - ‘Time’

04. The Rolling Stones - ‘Shattered’

09. Cool Memories - ‘The Clinton Years’

05. Cyndi Lauper - ‘Money Changes Everything’

10. Iggy Pop - ‘Tonight’

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Dead Can Dance All in good time

Por: Diovanny Garfias / Foto: Jay Brooks

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arece que aún hay un lugar en el mundo para los paisajes musicales plagados de magia e ilusión que nos invitan a perdernos en lo más profundo de nuestro ser: ese rincón donde se alcanza a la oscuridad embriagadora. De otro modo no habría cabida en nuestro tiempo para un proyecto como Dead Can Dance y la aventura que significó la reunión de Lisa Gerrard y Brendan Perry, y su regreso al estudio de grabación.

Con la salida de Anastasis (2012), su primer material inédito en más de una década, la dupla se embarcó en una gira que, además de llevarla por todo el mundo, la reafirmó como la banda que sentó las bases de la fusión entre el dream pop, el world music y el dark wave. WARP Magazine platicó con Lisa Gerrard durante su estancia en México y esto fue lo que nos dijo.

Estuviste alejada del terreno creativo de Dead Can Dance durante más de 15 años, ¿fue difícil retomar ese papel de tu vida?

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Bueno, Dead Can Dance había estado esencialmente enterrado en mi mente; y en verdad fue difícil tomar la decisión de volver con Brendan, así que tuvimos que “cruzar el puente”. Era terrorífico y fascinante a la vez; me sentía muy curiosa al respecto, porque había pasado mucho tiempo, pero resultó que, en cuanto Brendan me mostró algunas de las maquetas originales de lo que quería hacer con melodías, percusiones y ritmos, me emocioné mucho; “suena muy consistente con Dead Can Dance”, pensé, porque él es un músico que hace rock y cosas muy diferentes en solitario, pero también tiene este alter ego en el que pertenece por completo a Dead Can Dance. Y cuando empezamos a trabajar en los temas fue como si dos almas se fusionaran, porque creamos un sonido muy particular, no hay duda de eso; y ninguna otra cosa que hagamos sonará así, lo que me parece muy interesante. Eso fue lo que más me impactó, pensé: “esto de verdad se trata de colaborar”.

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me pongo muy ansiosa; y es que nunca sabes con certeza si las cosas van a fluir. ¿Qué tan complejo fue escribir música que dejara satisfechos a fans y a nuevos seguidores del proyecto?

Tenemos muchísimo respeto por nuestros seguidores, pero nunca consideramos a quien podría escucharnos eventualmente cuando estamos escribiendo; para serte sincera, el tiempo en el estudio se trata únicamente de nosotros.

Aun así siguen captando seguidores más y más jóvenes…

Cada concierto es una sorpresa: nos emociona ver a la gente que asiste, descubrir la manera en que van a reaccionar; es hasta ese momento que en realidad lo consideras y piensas: “esto de verdad les gusta”. En ese momento sí consideramos a todos nuestros seguidores, porque es cuando nos damos cuenta del porqué hicimos nuestro trabajo; eso es lo que nos permite lograr una conexión con los demás, porque es una cosa ancestral, un ser musical que vive dentro de todos y el ser creativo de cada quien se conecta con el de los demás.

Esto es lo que sucede cuando estamos en el escenario. ¿A qué te refieres exactamente cuando hablas de esa “conexión”?

Es muy importante que, como humanos, podamos conectarnos con otros de nuestra especie, porque es abstracto, es lo que nos hace ser originales y es lo que nos saca del horrible fastidio de la vida, permitiéndonos enlazarnos con quienes somos en realidad en un sentido inocente, divertido y creativo.

Puede que, incluso, lloremos, pero el escenario es un lugar muy sano, muy importante y en muchas maneras preferimos estar en él, porque sentimos que esto es lo que nos está faltando como sociedad: todo es muy sagrado y está protegido, y no nos permitimos saber qué va a pasarnos cuando nos enfrentemos a un lugar lleno de gente; y es que no estás en tu habitación, con tu mejor amigo; estás en un lugar, lleno de extraños y todos acudieron allí para hallar algún tipo de sensibilidad familiar, lo que me parece maravilloso y muy importante, porque es un lugar muy sano… ¡Es bueno para el alma!

¿Cómo comenzó esta colaboración?

Brendan empezó a mandarme archivos a Australia y así fue como trabajamos durante unos cinco meses; y cuando sentimos que era el momento adecuado, nos reunimos en Whitechapel, Londres, y ahí trabajamos durante otros tres meses y medio; después nos trasladamos al estudio y allí fue donde empezamos a armar las canciones, desarrollando las voces que Brendan había trabajado, pero también las que yo había concebido en Australia. Básicamente así trabajamos durante todo el proceso, lo que fue muy parecido a todas las veces anteriores; la diferencia fue que esta vez grabamos en computadora en lugar de hacerlo en cinta. ¿Disfrutaste estar en el estudio regresando a la vida a DCD? No siempre disfruto la grabación; son momentos en los que

Has trabajado componiendo e interpretando muchos scores para películas. ¿Dirías que esta “unión” también se da en ese terreno?

Es muy diferente: cuando trabajas en tu música, para un álbum, se trata de hacer un viaje mitológico en el que invitas a los demás a acompañarte, enloqueces con tus visiones, tomas el mando de la nave y debes considerar todos los elementos a tu alrededor, porque estás creando una pieza de tu trabajo.

Cuando lo haces para una película eres parte de un equipo y tienes que estar muy alerta de lo que los demás están por emitir; no se trata de lo que quieras expresar, sino de lo que otros quieren expresar y de la forma tan única en la que tú entiendes e interpretas lo que otros quieren expresar: es otra disciplina. En el cine puedes tomar los detalles más pequeños e insignificantes y desatar otra dimensión de tejido emocional en la película, lo que es muy interesante y hasta adictivo; pero es un proceso totalmente diferente, porque trabajas con fragmentos de tiempo y atmósferas que terminan convirtiéndose en un viaje completo, lo que es sumamente difícil.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista exclusiva con Band Of Skulls en WARP #53.

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ask Amanda COLUMNA

Amanda también puede responder tus preguntas, envíalas a askamanda@warp.com.mx

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer / @amandapalmer

Desafortunadamente, en los últimos meses de 2012 ocurrió una tragedia en una escuela de Connecticut. ¿Consideras que debería haber una revisión a fondo de la ley que permite tener armas en Estados Unidos?

-Ignacio Aguirre Creo que la ley de armas debe cambiar, sí. Es realmente jodido que la gente pueda entrar a una tienda y comprar un rifle de asalto. Además, las estadísticas muestran que países con leyes más estrictas sobre el tema no tienen los problemas de asesinatos que nosotros enfrentamos. Sin embargo, creo que hay problemas más grandes que el simple control, pues me preocupa toda nuestra cultura; me preocupa cómo criamos a nuestros hijos, cómo no los escuchamos y cómo no nos cuidamos unos a otros. Estoy preocupada sobre cómo nos tenemos miedo unos a otros. Todo esto me preocupa más que la situación de las armas.

Te casaste con Neil Gaiman y has estado colaborando mucho con él. ¿Cómo te sientes de trabajar con tu esposo? ¿Es extraño? ¿Incómodo?

-Eloisa Noriega Neil y yo tenemos una regla sobre trabajar juntos y, básicamente, es no hacerlo. Nuestra colaboración más grande es nuestra relación y eso toma una gran cantidad de trabajo en sí mismo, como muchos saben. Hemos hecho cosas como An Evening With Neil Gaiman And Amanda Palmer, que fue una gira y un disco, lo que resultó en una patada en el culo, pues siempre terminábamos dedicando mucho tiempo a hablar de fechas, de decisiones, de maletas, de dinero. Una de las cosas que más amo sobre nuestra relación, es que podemos acercarnos en busca de consuelo al final del día, cuando todo lo demás se ha jodido. Así que tratamos de ser muy cuidadosos y

nos ayudamos en el trabajo. Anoche, Neil me leyó en voz alta el libro en el que está trabajando, mientras yo estaba recostada en el sillón y le decía cuándo me parecía que las ideas no tenían sentido; momentos como esos me hacen muy feliz. ¿Crees que exista la posibilidad de que tengas una colaboración formal con Neil? ¿Una novela gráfica musical o algo así?

-Eloisa Noriega Mira arriba: ninguna jodida opera Neil/Amanda, a menos de que quieras vernos arder en llamas. ¿Cómo ha cambiado tu visión de la vida la situación que estás viviendo con tu amigo Anthony Martignetti?

-Unsafe_666 En principio, yo no estoy viviendo con Anthony. Neil y yo rentamos una casa cerca de Anthony, cuando le diagnosticaron cáncer y decidí cancelar mi gira. ¿Esto me ha cambiado? Mucho. Primero, tuve que dejar que me ayudaran, ya que estoy muy acostumbrada a trabajar; fue muy difícil dejar que mi esposo me apoyara por un tiempo, porque no saldría de gira y dejaría de obtener dinero; pero ese era un obstáculo que tenía que superar. Y de verdad tuve sentimientos locos sobre ganar mi propio dinero y tener que confrontarlos. Esto también cambió mis prioridades. Pero el tema, ya sabes, es que todos nos moriremos. Y cuando miras atrás, piensas: “¿Cómo quiero utilizar mi tiempo? ¿Sólo trabajando sin detenerme para estar con la gente que es importante para mí?

Sabía que no quería hacer eso. Puedes tener toda la fama, todo el dinero, todo el sexo y todo el poder del mundo, pero eso no es nada comparado con estar en compañía de alguien y cumplir con aquellos que de verdad te aman y que de verdad amas.

›› Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra

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rock fiction COLUMNA

VOX ELECTRA Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

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onó la alarma de su celular y estiró el brazo, tentando la cama, buscando a su mujer. Abrió los ojos —quizá sorprendido por la transición del sueño a la vigilia— y su soledad lo asustó. Eran las 08:52 de la mañana: se suponía que en 68 minutos tendría que estar haciendo la presentación de su reporte semestral ante el director general…

—¿Se fue sin despertarme? —se preguntó— ¡Puta madre!

Se levantó de prisa y se metió al baño; abrió la llave del agua caliente y se quitó la pijama. Se miró la cara en el espejo, quizá imaginando que su barba de tres días se vería chic si se enfundaba, como lo tenía previsto, en su traje gris Oxford, pero muy pronto el vapor empañó los cristales.

Comprobó con la mano la temperatura del agua y decidió templarla un poco; al sentirla tibia metió el pie, aunque escuchó un sonido muy similar al del chapoteo: el agua le llegaba al tobillo y estaba bastante más fría que la que sentía en la espalda. Recordó la cabellera azabache de su mujer; era abundante, larga, rizada: todo el mundo —sobre todo las mujeres—, miraban su cabello y hablaban de lo hermoso que era; no imaginaban, sin embargo, que aquel cabello tan lindo debía renovarse a la velocidad de la luz y que, cada año, su mujer debía perder casi tanto cabello como el que lucía.

—¿No pudo destapar la pinche coladera? —se preguntó— ¡Puta madre!

Pensó en tomar el pedazo de gancho de ropa, preparado detrás de la tasa del baño para destapar la regadera, pero ya eran las 08:56. Se bañó a toda prisa, salió de la regadera y se puso la bata. Tomó su cepillo de dientes, exprimió un poco de pasta y comenzó a lavarse la boca; se miró al espejo y por última vez pensó en rasurarse; al final decidió que no había tiempo y, cuando abrió la llave del agua para enjuagarse, miró que el lavabo estaba salpicado de restos de comida ya secos.

—¿No puede lavarse la pinche trompa y escupir directo a la coladera? —se preguntó— ¡Carajo!

Ni con todas sus fuerzas se permitió perder un valiosísimo minuto —09:03— y, aún con el cepillo de dientes en la boca, como pudo, limpió el lavabo.

Fue a la habitación y por costumbre encendió un cigarro mientras ponía la televisión en el noticiario, tan sólo para monitorear la hora —09:06—. Preparó calzones, calcetines, camiseta. Se echó desodorante, crema. Le dio dos fumadas al cigarro y se le antojó un café. Se secó los pies y creyó tardarse más de lo necesario —09:09—, y es que tuvo que desenredarse de entre los dedos de los pies algunos pocos de los hermosísimos cabellos de su mujer que se había traído consigo de la regadera.

Regresó al baño en pantuflas y se peinó a las prisas, y aunque el copete le pareció algo desaliñado, imaginó que se le veía bien: 09:13.

Buscó su cigarro, pero ya se había consumido en el cenicero; luego, con abundancia obscena, aunque sin percatarse, se echó loción y fue directo al armario; sacó una camisa blanca, la corbata

y buscó su traje gris Oxford que debía estar recién salido de la tintorería. Pero recorrió su guardarropa entero y, aunque encontró su traje negro, el azul marino, el azul a rayas y el gris rata —incluso su traje de lino—, el maldito traje gris Oxford no estaba.

—¡Pero si me aseguró que pasaría por él a la tintorería! — gritó— ¡Chingada madre!

En menos de 10 segundos se decidió por el traje azul marino y cambió la corbata negra y gris a rayas en diagonal, esa con filos blancos, por una de color uva. Se vistió a toda prisa, aunque fue cuidadoso con el nudo de la corbata. Al final, tomó sus zapatos color miel, al lado de los zapatos negros —esos que estaban perfectamente boleados, pero que no podía usar con el traje azul—, y se los calzó: 09:19.

—Mierda… —gruñó…

Anillo, reloj, llaves, cartera, celular. Hasta entonces recordó su reporte, ese en el que había trabajado hasta tarde y que estaría presentando en 40 minutos ante el director general.

Fue al estudio y hasta entonces encontró su traje gris Oxford, recién planchado, sobre su escritorio, al lado de un sándwich de jamón de pavo coronado por aquella nota matutina: Corazón, Te dejo tu traje sobre la USB de tu reporte, porque sé que es lo primero que buscarás cuando te despiertes. Estuve despertándote antes y después de bañarme, pero me dabas de manotazos y balbuceabas cosas muy raras acerca de una gráfica; al final decidí programar el despertador de tu teléfono. Hay café recién hecho en la cafetera (apágala antes de irte) y te dejo este sándwich de amor.

Sé que tendrás mucho éxito hoy y que además te verás muy guapo. Y recuerda siempre que los cometas me llevan a ti, que nada-nada es igual cuando tú no estás conmigo y que, si me extrañas, basta con que cierres los ojos para que esté contigo :) PD: Por enésima vez, te lo suplico: cuando orines, levanta las dos malditas tapas de la taza del baño… (¡De nuevo estaban mojadas por la mañana!)

Se concedió una efímera sonrisa para sí mismo y salió de prisa. Y pese a todo, llegó tres minutos antes de su reunión; aunque de cualquier forma todo había sido en vano: para las 10:07 de la mañana, el director general había decidido cancelar la reunión. El sándwich de pavo, sin embargo, estuvo delicioso a la hora del almuerzo.

Por la noche, cuando regresó a casa, encontró a su mujer ya dormida. Se acostó, sin hacer ruido —los cabellos de ella, rizados, picándole los ojos—, y la abrazó por la cintura. En la somnolencia, sin embargo —quizá sorprendido por la transición de la vigilia al sueño—, se despertó: —Te amo —la escuchó susurrar, pero su voz estaba magnificada, como si tuviera esmalte.

Entonces la abrazó más.

Vox Electra Pastilla Columbia Records / BMG

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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New regions of light Es un hecho comprobado: para cualquier sujeto cuya labor dependa enteramente de la creatividad —y de las maneras de reimaginarse a sí mismo y a su obra—, vale más la pena arder en un vendaval de brazas ardientes, antes que extinguirse en una fosa colmada de rutina y hastío; y es que abandonar las estructuras del pasado para iniciar un éxodo en busca de caminos no explorados provoca adrenalina suficiente como para que el corazón bombeé ácido de batería; es una necesidad prácticamente tatuada en su ADN. Pero esta inquietud no sólo vive dentro de los seres biológicos: otros entes han encontrado la necesidad de evolucionar en cada oportunidad que se les presenta; uno de los mejores ejemplos es la música, cuya caducidad no siempre está definida y, aunque su temporalidad es relativa, en la época en que vivimos parece que todo tiende a oxidarse con mayor velocidad.

De ahí que, casi cada minuto, nazcan nuevos beats, nuevas sonoridades; y pese a que tal vez nunca sean escuchados más allá de su creador, ayudan a alimentar el espíritu de la música.

Por eso WARP Magazine presenta un especial con música nueva destinada a colocarse entre lo más sobresaliente de los meses por venir; una parrillada de actos que pretenden dar un respiro a la escena sonora en un año que promete mucho. Así, desde New Jersey, Yo La Tengo devela los secretos de su regreso a los escenarios; Devendra Banhart cuenta los detalles familiares que dieron origen a Mala; Wes Miles, líder de Ra Ra Riot, recuenta los pormenores en la realización de Beta Love; Ruban, de Unknown Mortal Orchestra, nos lleva en un viaje que finaliza con II, su nuevo álbum; Marc, de Dorian, explica qué hay exactamente en La Velocidad Del Vacío y, en exclusiva, Jim James, líder de My Morning Jacket, platica con nosotros y relata la vivencia que lo llevó a lanzar Regions Of Light And Sound Of God, su debut en solitario.

Bienvenidos sean a las nuevas regiones de esta iluminada sonoridad…

Yo La Tengo Fading since 1984 Por: Raúl Arce — Fotos: Cortesía YLT

¿Resulta difícil mantener el espíritu de una banda con una carrera tan extensa como la de Yo La Tengo?

Permanecer alejados de lo que sucede en la escena musical actual es lo que nos ayuda a conservar la autenticidad.

Creo que hemos podido permanecer dentro de la misma línea, gracias a que no prestamos atención a lo que pasa a nuestro alrededor.

Consentidos de la crítica especializada, Yo La Tengo ha recorrido un largo camino que los ha posicionado como un referente indiscutible de esa música independiente a la que, de acuerdo a Ira Kaplan, vocalista y guitarrista de la banda, “no prestan mucha atención”. Sin embargo, resulta innegable que la banda de New Jersey sea pionera en una escena que se ha ido fortaleciendo a través de los años, especialmente desde final del milenio pasado.

Y es que, si bien esta agrupación ha sido capaz de imprimir su multifacético estilo en más de una docena de álbumes y EPs desde la década de los ochenta, también ha sabido apoderarse de algunos clásicos del folk americano para convertirlos en piezas sumamente pegajosas, imprimiendo por completo su estilo; además, en su repertorio cuentan con largas composiciones instrumentales, permeadas de melódicas y ruidosas guitarras shoegaze, así como con colaboraciones en varias bandas sonoras.

¿A qué atribuyes la longevidad de la banda?

Creo que hay muchos factores, pero a mí simplemente me gusta tocar y pasar el tiempo con Georgia y James. Además, estoy muy cómodo con el equipo que trabaja con la banda. Hay gente que ha estado con nosotros desde hace 20 años, así que siempre tenemos ese sentimiento de que somos familia. ¿Cuál es hoy su proceso de creación de un álbum?

Ha cambiado un poco con el tiempo, aunque antes era mucho más rápido grabar: para nuestro primer disco nos reunimos en el estudio, en una sesión cerrada, y no salimos en una semana hasta terminar Elect-O-Pura (1995). Para entonces ya llevábamos 10 años como banda. Ahora nos tomamos más tiempo para hacer los discos; hay ocasiones en que ya tenemos alguna canción terminada y decidimos trabajar en ella de nuevo; este es uno de los cambios más significativos en cuanto a la producción. Otra de las cosas que se han modificado, es la manera de hacer música pues, sin duda, la tecnología vuelve el proceso de edición mucho

El trío originario de Hoboken, conformado por Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew, se desprendió de su productor de cabecera, Roger Moutenont, y decidieron trabajar con John McEntire, conocido miembro de Tortoise, para regresar este 2013 con una nueva entrega que lleva por título Fade, bajo el sello discográfico Matador Records, en el que los paisajes sonoros característicos de la banda prometen hipnotizarnos con 10 cortes, de los cuales ya se han podido escuchar ‘Ohm’ y ‘Before We Run’. WARP Magazine platicó con Ira Kaplan sobre el proceso creativo de Yo La Tengo y de aquello que podemos esperar de la nueva placa…

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más rápido. Este último disco lo grabamos en Pro Tools, en buena medida porque le preguntamos a John McEntire cómo se sentiría más cómodo trabajando y él nos lo pidió.

Esta fue la manera en que se llevó a cabo Fade.

¿A qué se debe el título del disco?

Todas las bandas deberían conservar un poco de misterio al respecto. En lo personal, prefiero que la gente escuche el disco e interprete las razones por las que el álbum se llama Fade.

Eres un hombre maduro, con más de 20 años de hacer música, pero suenas igual de entusiasta que un chico con la música que crea Yo La Tengo…

Seguimos en esto por las mismas razones: la emoción y el terror que se siente al tocar un instrumento, pero sobre todo por la libertad.

¿Yo La Tengo visitará América Latina en 2013?

Una gira por allá no está en nuestros planes todavía, aunque espero que se logre hacer algo al respecto. Ha pasado bastante tiempo desde que estuvimos en México y de verdad queremos regresar. En realidad es muy difícil encontrar el momento adecuado, pero veremos qué pasa.

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Devendra

Banhart Hatchet wound Por: Alejandro Altamirano — Fotos: Ana Kras

Devendra Banhart está listo para salir de ese caparazón de silencio en el que dormía desde 2009, cuando editó su álbum What Will We Be, y este 2013 regresa con una colección de pinturas sonoras bajo el nombre de Mala —título inspirado en su actual pareja, Ana Kras—, que saldrá el próximo 12 de marzo.

WARP Magazine tuvo una charla con Banhart, donde habla sobre la importancia de regresar a lo básico, la forma en que combina su pasión por la pintura con la música, además de revelar el secreto de su relación con Adanowsky…

y pocos recursos. Teníamos micrófonos, una grabadora de los años ochenta y el resto eran cosas que teníamos en casa; por ejemplo: hay canciones donde algunos de los sonidos que se escuchan son de artículos que teníamos a la mano; utilizamos un cuchillo eléctrico, una caja llena de vidrios a la que le aventábamos piedras, un cinturón de cuero pegándole a alguien en el culo, haciendo la labor de percusión; una cadena cayendo por las escaleras y hasta el canto de los pájaros, al cual le tuvimos que bajar la velocidad. En fin, alguien podría decir que todos esos sonidos son electrónicos, pero no es así; la realidad es que son sonidos orgánicos manipulados electrónicamente.

¿Qué hay de cierto de que tu nuevo disco, Mala, está inspirado en tu pareja, Ana Kras?

Yo no diría que las canciones traten de Ana. El título sí fue inspirado por ella, que es el amor de mi vida, aunque, si escuchas el álbum, no hay ninguna canción muy positiva sobre alguna relación.

En Mala incluyes un tema llamado ‘Cristobal’, pero hay una canción que lleva el mismo nombre y que grabaste junto a Gael García para tu disco Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Cuéntanos, ¿qué pasa con este título?

Eres probablemente la primera persona que me pregunta esto sobre ‘Cristobal’, lo que es muy chévere; y es que hay una historia detrás de eso: pienso que, si sigo editando discos, siempre habrá más canciones que se llamen ‘Cristóbal’; entonces, por ejemplo, si la primera es ‘Cristobal, El Origen’, la segunda quizá pueda ser ‘Cristobal Rafael Doctor Café’, la tercera ‘Cristobal Bísquet Zanahoria Chichiribisqui Topo Gigio’, y así irá creciendo.

La cuestión es que muchas veces me pasa que tengo alguna canción sin nombre, y los títulos son muy importantes: lo son todo; a veces puedes tener una canción instrumental, pero el título es lo más importante; podría ser una canción muy buena, pero sin nombre no es nada… Supongamos que le llamas ‘Zapato’ a ese tema instrumental y, entonces, el título te puede dar una idea de qué fue lo que le pasó a ese zapato, quién lo uso y, en sí, toda una historia. Siempre he querido ponerle a una canción instrumental ‘Jim Carrey Alone’ por nombre; imagínate al actor cómico solo en su cuarto, con las luces prendidas y en instrumental: eso haría

¿Cuál es el tema del disco?

No puedo hacer una generalización; puedo decir de qué trata cada canción, pero no la obra en su conjunto. Nunca me he propuesto hacer un disco con un tema general; lo que me ha interesado siempre, es hacer discos que puedan representar cada color de nuestro arcoíris emocional: una música para cada habitación de nuestro espacio interior. Ahora, contestando a tu pregunta, Mala es un disco, sobre todo, para bailar, para gozar, para salir de fiesta. ¿Cuál es la principal diferencia entre Mala y tus discos anteriores?

Creo que lo que hicimos diferente fue dar un par de pasos para atrás, porque mi primer álbum lo grabé yo solo; después de eso vinieron los estudios grandes y un equipo mucho mayor.

Pero este es el primer disco en el que, por ejemplo, toco la batería; además, en realidad éramos tres personas tratando de hacer del álbum algo expansivo, pero con pocos instrumentos 33

Devendra y su primo Adanowsky

toda una historia. Con todo esto, volviendo a tu pregunta, muchas veces pasa que no tengo títulos, y cuando estoy en esa situación siempre voy y recurro al nombre de ‘Cristobal’, que por cierto así se llama uno de mis primos: cada vez que pasa esto, tengo que llamarle por teléfono y decirle que la canción no tiene nada que ver con él.

no quiero decir cómo es la cosa, sino lo que la cosa es y ese es el objetivo de la imagen de la portada. Últimamente te hemos visto mucho con Adanowsky. ¿Cuál es tu relación con él?

Mi relación con Adán es algo que casi nadie sabe: él es mi primo. Lo que pasa es que, cuando empezamos a hacer música, cada quien por su parte, nos pusimos de acuerdo para no hablar del asunto hasta que fuéramos más viejos, además de que yo quería venir de un lugar más puro: su música me encanta desde que comenzó y yo no quería que alguien me preguntara si me gustaba lo que él hacía y que pensaran que decía que sí solamente por ser mi primo: nadie me lo iba a creer.

¿El arte del disco Mala tiene algún significado en especial?

La única razón por la que alguien pinta, es para comunicar algo sin tener que usar palabras. A mí me encanta hablar y discutir de arte, hacer una conexión entre lo emocional y lo intelectual.

Yo tenía unos tres años sin editar un disco nuevo; en ese tiempo me dediqué a vivir mi vida, pero también un poco más al arte: a veces me pasaba hasta tres días sin parar haciendo un dibujo y algo que me gustaba mucho en particular era hacer líneas; se trata de esa obsesión de la arquitectura de hacer una línea pequeña que crece, hasta crear una imagen o un sentido. Lo que había tratado de hacer últimamente, sin embargo, era llegar a un arte muy simple y banal, a ese que tiene paz y limpieza. Ya

¿Existe la posibilidad de que hagan algo juntos más en forma? ¿Quizá un disco completo? ¿Alguna gira?

Claro que sí, me encantaría; aunque no sé si será pronto. Y es que estábamos un poco guardados en el closet; pero quizá ahora que andamos más activos se pueda dar algo. ¿Hay planes de venir a México para presentar tu nuevo disco?

Yo voy a donde me inviten. Me encantaría ir a México a presentar el disco, pero yo no voy a un lugar a donde no me invitan. Es más: si tú me invitas, voy a tu casa; te prometo no romper nada y hasta llevo una botella de vino. Así es como me gusta que pasen las cosas: yo estoy donde quieran que esté.

›› Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP, puedes leer su entrevista con Alt-J en WARP #53.

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La cosecha post-apocalíptica Por: Eduardo Guillot / Foto: Inma Varandela Las profecías mayas erraron, el mundo no se acabó en 2012 y, por el contrario, una nueva temporada comienza con una perspectiva interesante: un puñado de discos son capaces de hacernos olvidar, aunque sea sólo por un instante de efímero hedonismo sonoro, cualquier rastro de interés en el sector mainstream, pues en 2013 la música española estará marcada por los lanzamientos en la escena independiente.

Ya hace tiempo que la aristocracia del indie español ha alcanzado una posición acomodada. Con un número de seguidores suficiente para subsistir en el circuito de clubs y una presencia estable en los grandes festivales, es inútil exigirles que corran riesgos innecesarios. Se han ganado el derecho a repetirse, especialmente si han logrado crear un lenguaje personal e intransferible, así que lo único que se espera de artistas como Nacho Vegas o Sr. Chinarro es que se mantengan fieles a sí mismos y que no bajen en exceso el listón de calidad.

Y esta situación denota el grado de normalidad alcanzado por la escena independiente en España, aunque también la necesidad de un relevo generacional que, precisamente porque la élite mantiene cierto nivel, tarda en llegar. Pero sólo es cuestión de tiempo para que Betunizer, Las Nurses, Fasenuova, Jupiter Lion, Lüger, Fantasmage, Guadalupe Plata y algunos otros ocupen posiciones de vanguardia.

En 2013 van a llegar más candidatos: habrá que prestar atención al debut de Cuello, de quienes ya avanzamos algo el mes pasado.

También está Siesta!, un trío que muy pronto editará su primer disco, Terroruterino, el cual promete dar mucho de qué hablar.

En un terreno más pop, está a punto de publicarse La Orfebrería Según Los Místicos, segundo álbum de Maronda, que abandona el

sello Absolute Beginners y se lanza a la autogestión para defender un material plagado de grandes melodías y espléndidos arreglos.

Los Evangelistas, el experimento que pusieron en marcha miembros de Los Planetas y Lagartija Nick, para rendir homenaje al fallecido cantaor flamenco Enrique Morente, tendrá continuidad este 2013, mientras que Soleá, la hija del maestro, ha grabado con ellos un disco en el que se mantiene la atmósfera psicodélica que impregnaba el estreno de la banda.

Otros que despiertan expectativas cada vez que anuncian nuevo álbum son los gallegos de Triángulo De Amor Bizarro que, tras un 2012 en el que arrasaron en directo, volverán en marzo. Y si hablamos de grupos que lo dan todo en vivo, hay que citar a Za!, el inclasificable dúo catalán que también tiene previsto publicar disco este año y que es otro de los que se apunta en la autogestión, después de haber trabajado con el sello Acuarela.

Los granadinos Napoleón Solo, el año pasado, grabaron en México con Emmanuel del Real (Café Tacvba) y, en 2013, serán los barceloneses Dorian quienes pongan en el mercado un disco registrado en DF, que llevará por título La Velocidad Del Vacío, con producción de Phil Vinall.

Y esto no es todo: El Guincho, vía internet, avanzó más de 20 minutos de una electrónica experimental que podría formar parte de un nuevo álbum; Quique González tiene a punto el Delantera Mítica, grabado en Nashville, con Brad Jones; Joe Crepúsculo sacará un disco propio y otro a dúo, de nombre Alfacrepus, con Fernando Alfaro; mientras Lori Meyers da los últimos toques a Impronta…

Puede que España se esté yendo a pique, pero sus músicos siempre saben cómo salir a flote.

›› Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

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Ra Ra

Riot Dance with me Por: Elsa Núñez Cebada — Foto: Shervin Lainez

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No cabe duda que nuestros hábitos de consumo han cambiado: ya no vamos con ansia a la tienda de discos a comprar lo nuevo de nuestra banda favorita, pues ahora estamos a un clic de distancia de los estrenos. “¿Esto ha cambiado la percepción de las bandas nuevas respecto al proceso de componer, grabar y exponer su música?”: “Claro que sí”, respondió Milo Bonacci, guitarrista de Ra Ra Riot quien, desde Nueva York, platicó con WARP Magazine acerca de Beta Love, su tercer álbum de estudio, en el que se alejan un poco de su zona de confort para explorar más el terreno de las secuencias y los sintetizadores, sin dejar de lado sus característicos arreglos de cuerdas.

Parece evidente que Beta Love se aleja considerablemente del sonido de The Orchard (2010). ¿Qué tan nerviosos se sienten respecto a su lanzamiento?

Estamos entre nerviosos, emocionados y orgullosos. Nos tiene contentos haber trabajado tanto en Beta Love y saber por fin cómo va a reaccionar la gente cuando lo escuche. Estuvimos mucho tiempo metidos en el estudio, casi desconectados de lo que sucedía en el mundo.

En relación a lo que acabas de decir, ¿qué tan diferente fue el proceso de grabación de Beta Love?

Antes de entrar a la grabación teníamos algunas canciones, pero no estábamos totalmente seguros de lo que queríamos, pues en esas maquetas no reflejábamos realmente el sonido que buscábamos y que, al final, logramos. En esta grabación aprendimos a confiar más en nuestros instintos y a no sentirnos tan presionados como en el pasado. Antes éramos un poco más cautelosos respecto a lo que hacíamos para estar, según nosotros, en nuestra zona de confort; ahora preferimos dejarnos llevar, emocionarnos y tomar las oportunidades que se nos presentan.

Han pasado cinco años desde el lanzamiento de The Rhumb Line, su primer álbum. ¿Este cambio los hace regresar un poco a aquel momento en el que esperaron que su trabajo estuviera disponible en una tienda de discos?

Hay algo de ese sentimiento, pero las cosas han cambiado mucho en todo este tiempo y, a pesar de que nuestra banda es aún joven, nos hemos dado cuenta de cómo funciona la industria. Hoy no esperamos ver nuestro álbum en un estante de discos, sino en iTunes. Así, los músicos hemos tenido que ir cambiando nuestra percepción respecto a muchas cosas: ahora el disco estará en iTunes y los números, las reseñas y lo que pase en línea, es lo que nos dejará ver sus resultados.

Aunque eso sí, muchos nos seguimos sintiendo nostálgicos al imaginar que la gente realmente irá a la tienda y se llevará nuestro trabajo a casa en físico.

El sonido de este álbum parece un poco más electrónico que The Orchard…

Fue una de esas decisiones totalmente conscientes, algo que realmente queríamos hacer: probar con otros elementos y ser percibidos de otra manera. Nos aventamos a echar todos los instrumentos en las canciones para ver qué resultaba: hay guitarras, violines, chelos, teclados, de todo. Hicimos las cosas conforme las íbamos sintiendo, como se nos iban ocurriendo. ¿Por qué lo nombraron Beta Love?

No sabíamos cómo se iba a llamar el disco y no recuerdo con exactitud por qué lo tomamos de la canción. Lo que sí, es que la canción fue la que nos dio el nombre: existía antes de estar totalmente inmersos en el proceso. Creo que es la que mejor representa el sonido de este álbum.

Beta Love es una nueva página en la historia de Ra Ra Riot. ¿Cómo sienten que han ido evolucionando como banda?

Esa es una pregunta complicada [risas]. Nunca nos habíamos sentido tan bien como ahora. Es refrescante y creo que estamos en una buena posición en este momento. Nos sentimos cobijados y protegidos por nuestro trabajo y no creo que realmente hayamos pensado en la evolución como tal, porque para nosotros ese es un proceso natural, un escalón más, y cuando trabajas duro eso es lo que obtienes. Nunca debes negarte a la posibilidad de cambiar como banda.

¿Por qué escogieron a Dennis Herring como productor?

Simplemente por sus referencias: algunas bandas amigas han trabajado con él, además de que ha colaborado en álbumes de grupos como The Hives, Modest Mouse y también con Elvis Costello. Nos fuimos a su estudio, en Oxford, Mississippi: un lugar muy especial; además, Dennis es una gran persona y de un enorme talento. ¿Recuerdas algún momento especial de la grabación?

Va a sonar muy genérico, pero esta grabación tuvo muchos momentos especiales [risas]. Creo que cada día era diferente, de acuerdo al mismo desarrollo y a lo que sentíamos conforme avanzábamos.

¿Te acuerdas de la primera vez que estuvieron en un estudio? ¿De los días en que grabaron su primer álbum? ¡Claro! Era un estudio muy sencillo y grabamos un EP. En aquel entonces, la música era algo a lo que teníamos que darle tiempo, porque todos teníamos un trabajo y sólo tocábamos los fines de semana, aunque creo que no parábamos [risas].

Primero armas una banda como pasatiempo y luego se vuelve realmente satisfactorio vivir de lo que haces, de lo que amas.

Trabajar en el estudio es algo que disfrutamos muchísimo y que nos llena de orgullo: tenemos la posibilidad de lograr lo que realmente tenemos en mente.

¿Qué planean hacer una vez presentado el disco?

Vamos a empezar la gira en Estados Unidos y Canadá; y quisiéramos hacer una presentación en México: cuando estuvimos por allá nos fue muy bien; nos encantó su público, lo caluroso de sus bienvenidas y su capacidad para volverse locos. ¡Ya queremos salir a tocar! Hemos estado mucho tiempo en reposo.

›› Elsa Núñez Cebada es periodista musical y colaboradora de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Carla Morrison en WARP #53.

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Unknown Mortal Orchestra Faded in the morning Por: Diovanny Garfias — Fotos: Cortesía UMO 38

Si hay un género que gana terreno cada vez más entre los jóvenes y que, a la vez, se afianza en el terreno comercial de la música, es el psychodelic rock. Pero claro, como cualquier otro género musical, este también ha evolucionado a través del tiempo y lo que hoy llega a nuestros oídos es el resultado de mezclas y fusiones diversas con otras sonoridades. Y por supuesto: el resultado es algo capaz de satisfacer todos los gustos.

En una de estas ramas se encuentra Unknown Mortal Orchestra: un proyecto parte norteamericano y parte neozelandes, encabezado por Ruban Nielson y completado por Jake Portrait y Riley Geare. La banda asentada en Portland llamó la atención de diversos navegantes de la red en 2010, a través de su Soundcloud, y desde entonces se ha mantenido muy ocupada: primero con el lanzamiento de su debut homónimo, en 2011, y luego tocando en cuanto escenario se les pone enfrente.

Este año el trío está listo para embarcarse en una nueva gira mundial, tomando como pretexto su segunda placa de estudio, titulada simplemente II. WARP Magazine platicó con Ruban, quien comparte la visión de su proyecto en el futuro inmediato, además de hacer un pequeño recuento de lo que ha pasado en su corta pero sustanciosa carrera musical.

que tenemos que ser muy ordenados para planearlo todo muy bien.

Me cambió la vida, mucho, y ha sido sorprendente.

Su debut fue un disco que de inmediato se ganó a muchos seguidores alrededor del mundo, aun cuando era un disco más “casero”, tomando en cuenta que el nuevo es más elaborado. ¿Cómo crees que lo perciban los fans?

Creo que este segundo álbum es un poco más ambicioso, un poco más oscuro y un poco más pesado. El primer álbum se hizo en un sótano; lo hice yo mismo y no estaba pensando realmente en quién lo escucharía. Para el segundo disco ya conocía a mucha gente que, de seguro, escucharía nuestro trabajo, así que le puse mucho más empeño y trate de que el sonido fuera más limpio, además de que hay un concepto detrás: vivir de noche, estar despierto durante la noche y dormir, soñar por la mañana y… ¡No sé! [risas] Se nota que la producción es mucho más ambiciosa. ¿Qué te llevó a hacer algo diferente en la producción para este álbum?

Estaba de gira y, al tocar con la banda en vivo, pensaba en la clase de canciones que me hubiera gustado tener para esos conciertos. Por eso hice así II: tenía el escenario en la cabeza y eso fue lo primero que pensé: que lo pudiéramos tocar en vivo por completo. También, mientras estábamos de gira en 2011, tocamos mucho y, aunque estuvo divertido, fue muy cansado, abrumador; a través de esta bruma —viajar a otros países, conocer gente nueva—, me di cuenta de que muchas cosas estaban pasando en mi vida, con mucho drama, así que evidentemente la música que me salió fue mucho más emocional.

Lo siguiente fue una producción que, debido a mi estado de ánimo, también se volvió muy emocional.

Los bloggers descubrieron a Unknown Mortal Orchestra en 2010.

Hoy, en 2013, están lanzando el segundo álbum del proyecto y hacen una gira por todo el mundo. ¿Cómo te sientes respecto al crecimiento de la banda?

Han pasado alrededor de tres años y hemos estados juntos durante todo ese tiempo, siento que todo ha pasado muy rápido [risas].

Desde el principio todo se ha estado moviendo, así que ha sido duro, aunque también muy grato; se ha convertido en algo en lo

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¿Qué te inspiró a escribir este disco?

Digamos que tocaba y por las noches no podía dormir, porque tenía ideas para canciones; entonces, mientras los demás se emborrachaban en algún bar, me sentaba y me quedaba pensando en cómo iba a organizarlas, en cómo afinaría mi guitarra. Así que, cuando terminamos la gira, fue el momento preciso para grabar el disco: me fui al estudio con todas las ideas que tenía y empecé a organizar esos pequeños clips con música, letras y otras cosas. Mientras grababa, traté de capturar los sentimientos que las habían generado.

cómplices por ahí. En realidad no sentía que UMO encajara en ese género, pero ahora tiene más sentido y siento un gran respeto por todas estas bandas. Lo único que a veces me viene a la cabeza, es que la gente pueda pensar que nos estamos copiando unos a otros o algo así, sólo para encajar en el género. Siento que cada banda tiene un sonido único; incluso he empezado a llamar a nuestra música psychodelic R&B [risas], porque aun cuando tenemos rock en nuestro sonido, hay mucho R&B y hasta influencias hip hop; esto nos hace diferentes y nos da nuestro lugar.

¿Te gustaría repetir la experiencia durante esta gira o tomarás algún tiempo libre para escribir el tercero?

Creo que probablemente lo repetiría; depende, primero, de que haya cosas que me afecten emocionalmente, y luego de que logre capturarlas escribiendo. Digo: supongo que sí escribiré durante la gira, pero tengo dos pequeños bebés, así que también creo que sería divertido escribir mientras están conmigo; de esta forma el próximo álbum sería un poco más feliz [risas].

Ustedes son músicos que nacieron completamente en la independencia y, aunque en cierto modo lo siguen siendo, han subido muchos peldaños en la industria. ¿Te gusta la manera en la que se maneja la música independiente hoy en día?

Me gusta cómo está ahora mismo; parece que antes la gente sólo se preocupaba por el dinero, pero cada vez escuchas hablar menos de eso; y es que yo hago música porque me gusta y con suerte a alguien más le gustará. Me encanta cómo es que la gente envuelta en la escena indie ama la música; por eso están ahí, no porque quieran hacer dinero fácil. Estoy rodeado de gente con la que puedo divertirme y platicar, con gente de disqueras independientes y, claro, con las demás bandas.

Parece que estamos viviendo un revival del psychodelic rock, con bandas como Tame Impala o Ariel Pink, e incluso ustedes. ¿Te sientes cómodo con otras bandas sonando similar a UMO? Claro, me encanta; es el tipo de música que me gusta. Cuando estaba haciendo el primer disco, resulta que este tipo de música estaba pasada de moda, así que está muy bien que haya algunos

Están iniciando una gira mundial que los llevará a distintos puntos de Estados Unidos y luego van a Australia y Japón. ¿Qué otros planes tienen para 2013?

En mayo iremos de gira por Europa y en julio haremos algunas fechas más en Estados Unidos; después de eso no estoy seguro de lo que vaya a pasar. ¡Ojalá podamos ir a México!

¿O sea que este disco fue escrito mientras estabas de gira?

Así es.

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Time to keep eyes wide open Por: Paul Stokes / @stokesie Traducción: Alejandro Altamirano

Hace poco más de 10 años estuve en un pequeño lugar de Londres que estaba tan lleno de gente que puse un par de gafas de sol dentro de lo que sentí como el bolsillo de mi pantalón, sólo para descubrir, pocos minutos después, que de hecho los había metido en el espacio que había entre la persona a mi lado y yo; un mar de extremidades que de repente se fueron para siempre. La causa de esto fue la llegada a Londres de un trío de Nueva York: aquella era la primera presentación de Yeah Yeah Yeahs en Reino Unido.

Desde aquel punk y crudo comienzo -recuerdo que la actuación de Karen O fue tan intensa que cuando surfeaba sobre el público estaba preparada con cinta adhesiva en los pezones, para cubrirse cuando su vestido se deslizaba hacia abajo, arreglarlo por sí misma y después regresar al escenario-, el grupo ha evolucionado tanto que ahora es una influencia emocional para muchas bandas en el planeta.

Ellos regresarán en abril de este año con un nuevo disco, el cuarto en su carrera, titulado Mosquito, el cual se ha convertido en uno de los sucesos musicales desde que lo anunciaron. Además de haber grabado una pista con James Murphy del extinto LCD Soundsystem (una combinación que habían deseado por mucho tiempo), la banda ha insinuado que la nueva producción vendrá con un sonido más crudo, con un sentimiento más punk que cruje como aquellas noches calientes de 2002.

De manera similar, sus contemporáneos Black Rebel Motorcycle Club rugen también en la escena portando su ropa de cuero revestido de una rebelión rock and roll, y The Strokes

sorprende a todos por la grabación de un álbum en secreto, lo que parece indicar que este año podríamos ver a la generación de aquellos grupos que surgieron en la primera década del nuevo milenio -o que pertenecen al “new rock revolution” si lo prefieren llamar así- demostrando por qué es bueno darle tiempo a los grupos para madurar, mejorar y ampliar sus horizontes.

De hecho, la prueba definitiva de que darle tiempo a los artistas funciona podría ser el lanzamiento del nuevo disco de My Bloody Valentine este año. El perfeccionismo que ha caracterizado siempre a Kevin Shields quizá fue el que lo llevó durante décadas a preparar el nuevo material, dándole seguimiento a cada detalle y bajo la premisa de que hacer algo realmente nuevo todavía es posible, aún en esta época de nuevas corrientes.

Por supuesto, no todo es sobre antiguas bandas que vuelven, pero con el aumento progresivo de viejos actos que regresan, los nuevos talentos tendrán que levantar su juego.

Afortunadamente ya he visto dos actos que parecen tener la visión, determinación y entusiasmo para quedarse. El primero es el holandés Jacco Gardener, quien ha hecho un álbum de pop sicodélico barroco que se siente un poco como una versión rural de Tame Impala. El otro es el londinense Charlie Boyer And The Voyeurs, que gracias a su sonido quebradizo recuerda a los inicios de Television. Ambos proyectos se encuentran actualmente en el estudio con el productor Edwyn Collins, pero sus frenéticos actos en vivo me hacen pensar que podrían ser una banda de cuyos primeros actos en vivo hablaré dentro de 10 años.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna respecto al Jubileo de la Reina Isabel II en WARP #53.

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dorian La velocidad del vacío Por: Karina Luvián — Fotos: Cortesía Dorian 43

¿Dónde se gesta y se desarrolla la creación de este álbum?

Empezamos a componerlo el otoño pasado, en España, al término de nuestra última gira. Prácticamente no descansamos, porque enseguida hicimos una gira por Latinoamérica: un total de cuatro meses, de los cuales dos los pasamos en México. Fue allá donde empezamos varias canciones, como ‘El Temblor’, que surgió a partir del sismo ocurrido en D.F., en abril. ‘Los Amigos Que Perdí’ también nació en México y otras más las hicimos en Argentina y España. La grabación, por su parte, se hizo en el estudio “Ha pasado mucho tiempo Para toda banda, cada disco repredesde La Ciudad Subterránea; Rock And Lover, de Zoé, y en senta la oportunidad de mostrar, a los estudios Fatman, terminanse siente mucho tiempo… través de cambios musicales o de do en diciembre con el apoyo El necesario para que una de Phil Vinall en la producción. una exaltación de sonidos siempre familiares, el crecimiento que ha Así, al haberlo hecho en Méxibanda vaya mutando.” alcanzado. ¿Cómo percibes este co, La Velocidad Del Vacío es un nuevo materia? disco muy, muy marcado por su país.

Sin duda, este nuevo álbum es menos homogéneo que La Ciudad Subterránea; veo más colores y a una banda más madura. ¿Qué representa La Velocidad Del Vacío en la historia de Dorian?

El disco anterior es muy urgente, con cierto nihilismo y algo de Este es un disco clave en nuestra historia, porque es el disco rabia. En términos estrictamente musicales, veo una evolución más rico que hemos hecho musicalmente hablando y el que hacia sonoridades cercanas al folk, a la sicodelia, pero siempre más aportará al oyente: una placa que puede ser escuchada de manteniendo el toque electro que ha definido la música del principio a fin, como si fuera una especie de viaje. Además, es grupo. En cierto modo, La Velocidad Del Vacío abre un ciclo nuestro disco más importante, pues abre expectativas creativas sobre una manera diferente de crear música que, desde luego, hacia un futuro que, desde mi punto de vista, se presenta muy representa una aventura excitante en la carrera de la banda. prometedor en tanto que la fórmula Dorian se ha abierto y nadie

Han sido tres años de disfrutar a Dorian girando en diferentes ciudades del mundo, presentando orgullosamente su álbum La Ciudad Subterránea y madurando musicalmente, lo que simplemente representó un periodo necesario en el proceso de crecimiento que, de acuerdo con Marc Gili, se refleja claramente en su cuarta placa de estudio, La Velocidad Del Vacío.

WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con el líder y vocalista de la banda sobre aquello que conforma su próximo trabajo, la inspiración con la que contaron y el apoyo imprescindible de un productor como Phil Vinall.

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Otro de los elementos, por demás interesante, fue la inclusión de sonidos ambiente…

Has dado en el clavo: es justo lo que quería platicarte. Al ser un disco en el que la parte analógica tiene muchísima importancia, cuenta con un sonido más cálido.

Phil y nosotros decidimos que iba a ser un disco con muchas capas de sonido, así que primero grabábamos las baterías, utilizando un instrumento reconstruido, en la que el bombo era una maleta, mientras que el verdadero fue tocado con un mazo. Hubo todo tipo de cacharros de hierro alrededor de la batería; los tocábamos y, al mismo tiempo, lo grabábamos. Y es en ese trabajar por capas en el que se basa el disco: no encontrarás una capa sola jamás, ni en los teclados, ni en los sintetizadores y mucho menos en las voces. Justo en esta idea del sonido es que pusimos diferentes micrófonos en el salón, en distintas habitaciones, en los baños, para recoger todo lo que ocurría a nivel sonoro; después, todo lo colocamos encima de cada instrumento y creamos un ambiente mágico en el que ninguna canción puede ser procesada por completo, pues están pasando tantas cosas en un momento que simplemente te invita a que te dejes llevar y lo disfrutes. Es una cosa que me fascinó en este proceso de grabación y que ha hecho de este disco toda una experiencia profesional que, por desgracia, está cada vez menos a la orden del día.

Dorian en vivo

sabe hacia dónde nos llevará en los próximos años. Esto me parece tremendamente excitante, pues no hay nada peor que una banda muerta, estancada, en la que todo el mundo sabe lo que tiene qué hacer. Hay que huir siempre de la rutina, atreverse y saltar al vacío para probar cosas nuevas; es así cuando salen los buenos discos… O por lo menos esas fueron las premisas con las que atacamos este material. ¿Por qué decidieron seguir esa línea creativa?

Me parece que es cuestión de ética profesional: una banda tiene que hacer lo que el corazón le dicte, porque el camino de la honestidad es el único que puede seguir y no hacerlo representaría una falta de respeto hacia el público. Así que, al sentir la necesidad de aventurarnos en la creación musical decidimos hacerlo; pudimos haber continuado por la senda de La Ciudad Subterránea y, de hecho, hay guiños hacia ese sonido, porque uno no cambia radicalmente de la noche a la mañana, pero se notan los cambios que decidimos hacer: de alguna manera, es la banda buscándose a sí misma.

¿Cómo eligen a Phil Vinall como el productor de su cuarto álbum?

Phil es un productor clásico, de una época que él llama “the good old days”. Y aunque es un productor que pertenece a esa era, es también alguien que entiende perfectamente la música actual, la música electrónica y que es un apasionado de los sintetizadores.

Su entendimiento sobre el camino que debe seguir una canción, por ejemplo, si debe tener un perfil más electro o si debe ser más orgánica, es fantástico; además es muy bueno mezclando ambos mundos. Así que, cuando un corte sonaba demasiado acústico, nos decía: “esto lo tenemos que hacer más electrónico, lo tenemos que enfriar”, o viceversa. Digamos que es un productor clásico que sabe entender lo moderno, algo que es muy difícil de conseguir.

Previo al lanzamiento del disco, pudimos ver un video-teaser del proceso de grabación en el que nos sorprendió ver un ensamble de cuerdas. Si bien comentas sobre las novedades que incluyeron, ¿cómo deciden agregar este elemento?

Aunque mantuvimos un marcado uso de maquinaria electrónica —como sintetizadores— este es un disco más humano, más orgánico, por lo que un ensamble de cuerdas entraba perfectamente en canciones como ‘El Temblor’, ‘Los Placeres Efímeros’ y ‘Las Palabras’, esta última, pieza que cierra el disco y que es para nosotros una de las más hermosas. Ese ensamble participó en el Unplugged de Zoé y fue el mismo Sergio Acosta —quien colaboró con nosotros— el que nos sugirió su presencia. Creo que reunir a estos músicos fue una gran decisión, pues es una de las sesiones más mágicas que he tenido en mi vida y su resultado es estupendo.

De hecho, al grabar ‘Las Palabras’ hubo un momento de emoción tan grande que toda la sala se quedó en silencio… Fue uno de esos momentos mágicos del proceso de grabación, uno muy bonito que, desde luego, repetiremos.

Los nombres que eligen para titular sus álbumes siempre son interesantes. ¿Cómo llega a sus mentes La Velocidad del Vacío?

Es una idea que un día me vino a la cabeza y que compartí con los chicos. Para nosotros, “la velocidad del vacío” es esa fuerza que nos empuja a la frustración, a la tristeza y al pesimismo. La sociedad de consumo, la tele basura y la banalización de la política tienen mucho que ver en la propagación del vacío, y los personajes que protagonizan estas canciones tratan de combatirla, luchan por crear su propio mundo al margen de las leyes que dicta la sociedad y, aunque en ocasiones fracasan, esa lucha los hace más nobles.

Como se suele decir, “el peor fracaso es no haberlo intentado”.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Mgazine, puedes leer su entrevista con Illya Kuryaki And The Valderramas en WARP #52.

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JIM JAMES It’s a new life Por: Paco Sierra — Fotos: Cortesía Arts & Crafts México

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Retrato por Rubén Márquez para SesioneS con Alejandro Franco

Tratar de poner en palabras las nueve canciones que forman Regions Of Light And Sound Of God sería disminuir su cualidad y, en este breve espacio, sería un tanto injusto, aunque tratar de entenderlo ha sido un ejercicio fascinante. El contexto de la creación del debut solista de Jim James —voz y guía en el largo camino recorrido por My Morning Jacket, pero también por proyectos alternos como Monsters Of Folk, junto a M. Ward y Conor Oberst—, podría fácilmente inspirar un guión cinematográfico.

crear las piezas que conforman el álbum. Para descifrarlo con mayor profundidad, WARP Magazine platicó con el artista. ¿Cuánto tiempo trabajaste en las canciones de Regions Of Light And Sound Of God? La música salió durante los últimos años, aunque las ideas llegaron muy rápido, en cuanto me regalaron God’s Man me enamoré del libro, lo comencé a observar como si fuera una película y mucha de la música comenzó a salir de las páginas.

Lo miraba y pensaba en música. Fue un proceso raro, pues miraba mucho el libro. Pero un día, durante la gira del Evil Urges (My Morning Jacket, 2008), me caí de un escenario; me lastimé y quedé fuera del juego por un tiempo. Y en lo profundo de mi conexión con el libro, empecé a verlo aún más. Gran parte

Contrastes que arrastra la vida y que muchos dejamos pasar sin siquiera tratar de entender, para Jim James fueron la oportunidad perfecta de crear música por lo que, inspirado en la novela gráfica God’s Man (1929), de Lynd Ward, se decidió a 48

de la trama del libro ocurre mientras el personaje principal cae de un risco —y yo me había caído—; luego, el personaje es rescatado por el amor —y yo fui rescatado por el amor—; así, de alguna forma tuve una experiencia tipo déjà vu. Las canciones surgieron en el curso de un año o dos: mientras estaba en casa, simplemente me sentaba a componer.

cosas. Otras canciones, como ‘Know Til Now’ o ‘Dear One’, fueron como rompecabezas donde jugaba con loops o a cantar encima de ellas, esculpiéndolas; fue como construir una casa, tallar madera o armar un rompecabezas. ¿Fue más sencillo o más complicado trabajar por tu cuenta estas canciones, luego de tantos años acostumbrado a My Morning Jacket y a otros proyectos como Monsters Of Folk?

Me encanta trabajar por mi cuenta y me encanta trabajar con más gente: tengo lo mejor de ambos mundos. Me encanta tocar música en un cuarto con gente, pero también puedo ser muy solitario y esforzarme yo solo en lograr ciertas cosas.

¿Hay algún otro personaje ficticio con el que te has identificado así en tu vida?

Buena pregunta… Creo que para mí han sido más matices de algunas cosas, ciertas partes de alguna obra, porque incluso en God’s Man no me identifico del todo con el personaje; más bien son algunas cosas que suceden en su vida y creo que así es con todos los libros que leo. Pienso que esa es la razón por la que leemos libros: vemos partes de nosotros mismos en todo lo que leemos y, en ocasiones, te identificas plenamente: hay libros donde realmente te conectas y entonces piensas en compartirlo con más gente.

¿Hubo algún instrumento que disfrutaras más al momento de grabar? ¡Los teclados! Y es que hay tantos tipos de teclados allá afuera, tantos sonidos. Me pareció fascinante encontrar tantos sonidos raros, parecen fuera de este mundo, luce como un piano,

¿Qué tal fue la experiencia de grabar la mayoría de los instrumentos de este álbum?

Bueno, sí, grabé casi todo, excepto algunas percusiones. Quería obtener la sensación de un concierto en vivo, así que mi amigo Dave, con el que he tocado durante mucho tiempo, me ayudó a conseguirlo: él tocaba la batería y yo el piano; luego, seguía trabajando la canción por mi cuenta y le agregaba

pero puedes lograr miles y miles de sonidos. ¿Cómo llegaste a un nombre tan original para el álbum?

Bueno, llegó mientras trabajábamos en el más reciente álbum de My Morning Jacket, Circuital (2011). Tucker Martine, con quien trabajamos ese álbum, llegó un día al estudio y nos contó que interpretó mal un letrero de la carretera; pensó que decía 49

¿Cómo podrías describir la música que compones, incluyendo la de My Morning Jacket y la de Monsters Of Folk?

No sabría; lo único que podría decir es que la conexión entre todos es mi voz y, aunque sólo tengo una, me gusta pensar que la llevo a diferentes lados. Pero es difícil explicarlo, creo que nuestra música podría ser una especie de fuente de vida en esencia. Siento que, cuando se está encerrado en un arte creativo como la música, se tiene esa esencia, igual que cuando estás enamorado: se busca expresarlo de todas las maneras posibles, se embarca en una cuando se presente la oportunimás, un capítulo dad. Es compartir con todos para lograr ser uno con el universo.

“regions of light and sound of god” (regiones de luz y sonido de Dios); nos dijo: “es el letrero más raro que he visto”; y mientras lo decía, sus palabras me parecieron tan hermosas, que las escribí. Después, mientras componía las canciones, las recordé.

Así, con la conexión de God’s Man (“hombre de Dios”), quería que el sonido de Dios fuera el de ese hombre: de ahí salió la mayoría de la inspiración y tuvo mucho sentido que usara esas palabras como título. Me pareció hipnotizante y me encantó cómo suena cuando se pronuncia.

¿Qué pasaba por tu cabeza mien- “Jim James tras creabas estas canciones de leaventura tras y música tan hermosas? nuevo abanderado de nueve Después de la caída del escenario canciones el cual, pensé en muchas cosas; y es que Hay rumores de nuevo álbum de en verdad me lastimé, por un seMy Morning Jacket y conciertos de seguramente, se ubicará gundo creí que mi vida había terMonsters Of Folk. ¿Cómo logras en lo mejor de 2013…” minado. Pensé bastante en eso y hacer tantas cosas? en lo mucho que había jodido mi No lo sé [risas], sólo pienso vida, medité sobre el concepto del perdón, quería que me per- hacia adelante y no tanto en todas las cosas que hago; creo donaran. Después me enamoré y también pensé mucho en eso; que, si se da la oportunidad de trabajar las canciones que y es que fue lo que me rescató de las cosas que me lastimaban. quiero y que me emocionan, no dejo de moverme. Ahora me Tuve un momento muy oscuro y uno de muchísima luz, todo al doy cuenta de que tengo que encontrar tiempo para descansar mismo tiempo; además, me metía cada vez más en el libro que, y relajarme, y después poder continuar. aunque también tiene momentos oscuros, algunas de las cosas más bellas que jamás he visto las encontré allí. Y mientras pa- ¿Hay alguna otra forma de arte en la que te gustaría involucrarte? saba todo esto, las palabras simplemente salieron.

Yo fui a la escuela de arte y me he involucrado en otras expresiones.

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Monsters of Folk

Me encanta y creo que tendría que involucrarme más, porque he estado obsesionado con la música. Pero quiero escribir un libro, mucha gente me lo ha sugerido, amo pintar, es algo que hice alguna vez y espero poder retomarlo cuando termine mi obsesión con la música.

conciertos internacionales, aunque ahora estamos esperando a que el álbum salga y ver la respuesta de la gente, porque cuando haces algo nuevo, es difícil saber cómo lo va a recibir el público. Esperamos tocar en el máximo de lugares posibles.

Tu experiencia en México tiene un capítulo reciente: estuvieron en la Ciudad de México en 2011 y dieron más de un concierto…

Creo que he estado en México unas tres veces, con la oportunidad de conocer su provincia; me la he pasado de lo mejor y me he divertido mucho. Tengo un punto en mi corazón muy cálido y sensible para México; quiero regresar lo más pronto posible.

Gran parte de esa obsesión por la música, parece, implica tocarla en vivo. ¿Qué tan grande quieres hacer la gira del Regions Of Light And Sound Of God? ¿Te gustaría estar de gira el resto del año?

Definitivamente quiero tocar en México, Japón, Australia y en diferentes lugares de Europa. Creo que haremos una serie de

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista con The Killers en WARP #51.

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NEW DIRECTION Hello Costa Rica!

La que tienes en tus manos, es la primer revista WARP que se edita fuera de México, el país donde comenzó este sueño hace ya siete años, a partir de la necesidad de generar contenido alrededor de la industria musical internacional y que sintiéramos por primera vez propio en América Latina, dejando atrás la etapa del pseudo periodismo del “copy / paste”.

Y aunque siempre supimos que la dirección de la revista era estar en varios países de la región, lo primero que tocó Costa Rica hace tres años bajo el sello WARP, fue nuestro programa de televisión, homónimo, a través de la señal Sony Spin que se transmite en cable y que por cierto, está próximo a estrenar la temporada 03.

Aunque el verdadero héroe de todo nuestro esfuerzo, ocurre todos los días a toda hora a través de nuestro sitio de internet WARP.la, que por primera vez se localiza de manera oficial con WARP.cr, compartiendo plataforma y contenidos, pero dejando claro que lo que venimos a hacer a este hermoso y pacífico lugar, no es una copia de lo que somos en México, sino una mejor versión con contenidos únicos para Costa Rica.

Así que por fin ya ocurrió. De la mano de nuestros queridos socios locales, les doy la bienvenida oficial a la experiencia WARP completa y en una nueva etapa que nos tiene a todos de este lado emocionados y honrados de poder informar, comunicar y trabajar para ustedes hablando de lo que más amamos y le dá sentido a nuestra vida.

Hola WARP Costa Rica. Hola Costa Rica. Mucho gusto y larga vida juntos...

-Alejandro Franco

›› Alejandro Franco es CEO y fundador de WARP.

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Fotos: Andrés Orozco

A

los equipos de WARP Magazine en México y Costa Rica les complace presentar el primer especial de la Revista WARP Magazine Costa Rica, el cual incluye siete bandas costarricenses que están dando de qué hablar en este momento.

En nuestra portada seguro reconocieron algunas caras conocidas de la escena local, miembros de bandas como 424, The Great Wilderness, Huba&Silica, Monte, Alphabetics, Florian Droids y Sonámbulo; ellos serán los protagonistas de este primer especial por ser, precisamente, los protagonistas y líderes de una escena musical en ascenso.

Estas bandas han marcado la pauta y han mantenido viva la escena. Su imagen, la calidad de su sonido y sus presentaciones en directo les han deparado atención dentro y fuera del país y no pareciera que el fenómeno fuera a cambiar; cada vez más gente se da cuenta de que en Costa Rica hay bandas de todos tamaños, géneros, colores y sabores y de que esas bandas están sedientas de más.

Hablamos de personas con sueños y metas específicas, de personas que no tuvieron miedo de presentar propuestas distintas a lo común, dispuestas a financiarse sus propios lanzamientos y dispuestas a darlo todo en el escenario.

Los mejores días de estas siete bandas ni si quiera han empezado. Estos artistas son una bomba de tiempo y nosotros, desde aquí, esperaremos a que exploten. No digan que no les advertimos.

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A PUNTO DE

EXPLOTAR

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01.

424

02.

The Great Wilderness

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Alphabetics

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A PUNTO DE

EXPLOTAR 04.

Monte

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05.

Florian Droids

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Huba y Silica

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A PUNTO DE

EXPLOTAR 07.

Sonรกmbulo

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P68. TECHNOLOGIC. Facebook Graph Serch P69. LUST IN THE MOVIES. Ambulante P70. FASHION NUGGET. Karma Chamaleon P72. ART BRUT. Kimiko Yoshida

WARP TV

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technologic WARP TV

604 MILLONES DE USUARIOS ACTIVOS MENSUALES QUE ACCEDEN VÍA PLATAFORMAS MÓVILES

81% DE LOS USUARIOS ACTIVOS VIVEN FUERA DE ESTADOS UNIDOS

N

MIL MILLONES DE USUARIOS ACTIVOS

Facebook Graph Search

4,331 EMPLEADOS

Por: Alejandro Escobedo

ecesitas saber algo, naturalmente lo buscas en Google.

Obtienes posibles respuestas, decenas de ligas hacia toneladas de información potencialmente útil para ti en ese momento, pero tal vez no quieres toneladas de información, tal vez sólo quieres saber a cuántos de tus amigos les gusta alguna banda, tal vez lo que buscas no es información que te resuelva una duda práctica, sino información que te sea socialmente relevante; no es lo mismo buscar “restaurantes” que “restaurantes a los que han ido mis amigos”, “Fotos mías de 2009” a “Fotos que me gustaron en 2010”, etc.

Facebook ha dado un paso importante hacia la expansión de su legado con la herramienta que recién presentó al mundo, llamada Facebook Graph Search. Esta herramienta explota la mina de oro que es la información personal y social de más de millardo de usuarios que hoy en día utilizan la red social. Esta información es relevante porque, a diferencia de Google, no se basa en palabras clave, sino en aspectos de la vida diaria de las personas y sus conexiones.

Se podría decir que con Facebook Graph Search es posible buscar más allá del límite natural de la información pública en la red que tiene Google. Facebook primero hizo que todos nos empeñáramos en darle Like a todo cuanto quisiéramos, haciéndoles el titánico trabajo de catalogar nuestros 060

1 BILLÓN DE CONEXIONES ENTRE ELEMENTOS SOCIALES DE FACEBOOK

240 MIL MILLONES DE FOTOS

gustos en su base de datos, siendo ahora cuando utilizará esa montaña de datos para regresarnos información acomodada de la manera en que la queramos usar.

Surgen dudas, de nuevo y con justa razón, sobre el tema de la privacidad de los usuarios, a lo que Mark Zuckerberg responde que “nada que no quieras compartir podrá ser encontrado con esta nueva herramienta”, pero aun así hay inquietud sobre lo fácil que se está volviendo descubrir información sobre alguien en particular.

El nuevo buscador de Facebook se basa en cuatro puntos clave: gente, fotos, lugares e intereses (no incluye actualizaciones de estado). Para lo que esté fuera del alcance de Facebook, sorpresa: no será Google quien se encargue de las ligas a sitios externos con información relevante a lo que buscas, sino que lo hará Bing, de Microsoft.

No tomará por sorpresa saber que los líderes del proyecto son exempleados de Google, Tom Stocky y Lars Rasmussen, este último encargado de nada menos que Google Maps (y Google Wave... pero eso no salió tan bien). Facebook Graph Search todavía está en fase beta, pero ya es una realidad que pretende cambiar la manera en que pensamos cuando buscamos algo; si googlear ya es un verbo, facebookear acaba de tomar mucho más sentido.

lust in the movies WARP TV

Ambulante 2013 Por: Diovanny Garfias / Foto: Mar Farré para WARP

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on el documental como pretexto para la difusión del cine nace Ambulante, un festival itinerante que desde 2005 busca llevar a la cartelera comercial algunos de los trabajos más significativos del género. Este año, el festival busca penetrar aún más en una audiencia que, año con año, se ha involucrado en el proyecto, además de llegar a nuevo público.

WARP Magazine platicó con Elena Fortes, directora general de Ambulante, quien en sus propias palabras describe el reto que significa hacer que el festival se mantenga evolucionando.

Tal parece que el cine documental vive hoy un gran momento de salud entre el público. ¿Qué factores crees que influyeron para que ya no sea percibido como “bicho raro”?

Son muchos; uno de ellos es que, en efecto, durante la última década han surgido muchos festivales de cine en México, lo que me parece que genera oportunidades para la exhibición de otro tipo de cine y, poco a poco, se va construyendo un público. Por otro lado, también se sentó un precedente importante, por parte de Cinépolis, con la distribución de Presunto Culpable (2011): el documental más visto en la historia de México; esto demostró que, efectivamente, existe un público para el género y que puede incluso llegar a ser un negocio, sin quedarse solamente en una labor “sin fines de lucro”.

Además, el hecho de que existan nuevas plataformas, que sea posible y más económico producir un documental, pero también alcanzar un público muy focalizado, también se ha reflejado en el aumento de la audiencia para géneros específicos.

Ya con varios años detrás del festival, ¿cuál es tu perspectiva de los documentalistas mexicanos?

Definitivamente están al nivel; incluso, en mi opinión, en los últimos años se han hecho en México mejores documentales que ficciones. Allí están, por ejemplo, El Lugar Más Pequeño, de Tatiana Huezo (2011) o Cuates De Australia (2011), de Everardo González, que son trabajos excepcionales y creo que van por muy buen camino. Un dato interesante es que, año con año, recibimos más y

más documental mexicano, de diferentes estados de la República, cuando en un inicio sólo recibíamos trabajos del Centro de Capacitación Cinematográfica o del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. Ahora creo que se está produciendo más documental en toda la república y ha subido el nivel; antes, por ejemplo, veíamos trabajos muy políticos y sociales, y ahora hay trabajos más personales, más experimentales, gracias al acceso a diferentes propuestas de documental que se están creando en otras partes del mundo, lo que ha funcionado como una especie de retroalimentación visual para el trabajo doméstico.

Algo que distingue a Ambulante es que tiene material para todos los gustos. ¿Qué podemos esperar este año?

Este año tenemos programas para todos; está Ambulantito, que está dirigido a los niños; Sonidero, que son documentales relacionados con música; Dictator’s Cut, que son documentales relacionados con los derechos humanos y la censura; y tenemos Pulsos, que es la sección de documental mexicano. Además, este año incorporamos una sección más, que integra los trabajos 2012 del proyecto Ambulante Más Allá, que fomenta y difunde la realización cinematográfica independiente. También tenemos la retrospectiva al cineasta, escritor y fotógrafo francés Chris Marquer y presentaremos Injerto, que se centra en la sociedad de cine Cinema 16, esa que abrió el espacio para la exhibición de trabajos experimentales y avant- garde en los años cincuenta en Nueva York, misma que estamos complementando con trabajos contemporáneos que, de alguna manera, continúan con ese legado; y es que el enfoque de este año es “cine sobre cine”, por lo que serán películas que hacen una especie de autoreflexión. Finalmente, en tanto que el tema general de esta edición del Festival es “liberación” —uno que de alguna manera enmarca toda la programación, pensando un poco en la liberación del documental de la pantalla de cine—, vamos a incorporar documentales web en una sección especial que llamaremos Ambulante Interactivo.

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Karma Chamaleon —

Dirección de Arte y Maquillaje: Chëla Olea Fotografía: Sergio Orospe Estilismo: Carlos Ruíz Manjarrez Modelo: Liz Fitzgerald @PARAGON Model Management Asistente de maquillaje: E-lee Pe Se

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fashion nugget WARP TV

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art brut WARP TV

Kimiko Yoshida Handmade Por: Chëla Olea

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u protocolo conceptual detrás de un autorretrato es invariable: el sujeto es siempre el mismo, el encuadre es siempre el mismo, la iluminación es siempre la misma. Pero aunque el mismo rostro sea repetidamente fotografiado, nunca será idéntico; de hecho, mientras más se repita el ejercicio, más diferente será.

Esta es la premisa con la que Kimiko Yoshida imprime su sello en cada una de sus iconografías; su trabajo es puro y, a pesar de ser tan colorido, es poco procesado, pues no hay edición, tan sólo maquillaje y dirección de arte. Es así que, en su obra, encontramos mutación, transmutación y permutación, pues todo es cuestión de transformación cuando el arte es un proceso sutil de transposición: una lucha asidua con el estado de las cosas, lo que, en su obra, es algo palpable de manera absoluta.

La artista las llama “sus pinturas”, precisamente fundamen064

tada en la contradicción del sentido de la palabra y, en sí, para reunir estos opuestos en la oposición de lo que dice y lo que muestra. Así, lo que la palabra designa y lo que significa constituyen dos referencias distintas, incluso contradictorias.

Esta artista apasionada le dedicó unos minutos a WARP Magazine y esto fue lo que nos platicó… ¿Cuándo comenzaste a hacer estos retratos?

Podría decir que, desde que escapé de ese destino de servidumbre mortificante y humillante de las mujeres japonesas, decidí amplificar una postura feminista de protesta en contra de los clichés contemporáneos de la seducción, a través de mi arte, en contra de la servidumbre voluntaria de las mujeres, en contra de la “identidad”, en contra de los estereotipos de “género” y del determinismo de la herencia.

art brut WARP TV

Japón será el país invitado al Festival Internacional de la Imagen, FINI 2013, organizado por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo y el Patronato Universitario A. C., a realizarse del 18 al 25 de abril. Kimiko Yoshida será la invitada de honor y, además de dictar una conferencia magistral, donde abordará experiencias sobre su proceso creativo, ofrecerá una muestra de su magnífico trabajo en el evento sobre imagen y estampa más importante de México.

¿Qué significa arte para ti?

El arte es, sobre todo, la experiencia de la transformación. Y la transformación es, según yo, el valor final de la obra. “Arte” para mí, de esta forma, se ha convertido en el espacio del cambio, de la metamorfosis. Mis autorretratos son sólo el lugar y la fórmula de la mutación. La única razón de ser del arte, así, es transformar lo que el arte puede transformar. Todo lo que no soy, es lo que me interesa. Al dar a lo inmaterial (lo inmaterial como el “sin nombre”) una imagen en una serie de retratos, la obra de arte representa lo que es invisible en una figura: su inmaterialidad, antes de pensar en sí como una figura de la desaparición, de la ausencia. ¿Por qué tu trabajo es tan colorido?

Lejos de limitar el campo de color, el anhelo de la monocromía expone la sensibilidad a la infinitud del color. A través de una sucesión infinita de tonalidades monocromáticas y matices

débiles, la monocromía descubre una infinidad de estratos plurales de color que la mirada es incapaz de contar. El número de colores que componen una imagen policromada tiende a ser limitado, ya que pueden ser contados. A la inversa, el monocromo da una infinitud cromática que es una infinidad temporal.

Y aun cuando la mirada contempla el infinito, la infinitud de los matices discretos de uno y el mismo color, hace que la mirada nada agote con el tiempo. Y es que el color monocromático erotiza el ojo de una manera infinita; es una figura pura de duración en el que todas las imágenes y toda la narrativa se disuelven. Y así, antes que el color infinito, la mirada está expuesta a la infinitud del tiempo, lo que en mi trabajo expreso como la búsqueda entre la modestia y el resurgimiento de la imagen de mí. El imperativo quimérico de Marry Me!, título de mi exposición actual, simplemente duplica el significado contradictorio de estas “novias”, solteras e inmateriales, que básicamente apuntan a la paradoja de un deseo que es ajeno a sí mismo.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP Magazine, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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warp.la l @laGUARP

JIM JAMES

GUARP

Jim James It’s a new life for

By Paco Sierra / Translation: Jorge Rodríguez

Trying to put words in the nine songs that conform Regions of Light and Sound of God would be to diminish its qualities, and in this brief space it would as well be somewhat unfair, but trying to understand it is a fascinating exercise. The context behind the creation of this debut solo album from Jim James (voice and guide for My Morning Jacket and other alternate projects like Monsters of Folk besides M. Ward and Conor Oberst), could easily inspire a book or a movie script. Contrasts dragged out by life itself and that most of us prefer to let go without trying to understand them, for Jim James they were the perfect opportunity to create music, and inspired by Lynd Ward’s graphic novel God’s Mac from 1929, he decided to create the pieces that conform this album. In order to decipher it with greater depth, WARP Magazine had the opportunity to talk with this artist. The conversation took place in the middle of a practice session of Jim and his band in Nashville, TN, and from what I could see in a Twitter photo he posted (@jimjames), a sunny day where a pigeon crossed his way; an image that told me a lot about the artistic perception of James Edward Olliges Jr. seconds after having this conversation that I gladly share with you.

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GUARP

How long did it take you to work through the songs of Regions of Light and Sound of God? The music came about throughout the last few years, although the ideas came to me pretty quickly when I got God’s Man as a gift. I fell in love with that book, I started observing it as if it were a movie, and a good part of the music started coming out of its pages. As I was reading it, I kept thinking about music... it was a strange process, during the time I was reading the book, I fell from a stage during the Evil Urges tour (My Morning Jacket - 2008) and I injured myself. That left me out of the game for a while... and in my profound connection with the book, I started looking at it even more. A good part of the plot of the book occurs when the main character falls from a hill –as had I– then the character is rescued by love –again as had I– and so I had this dejà vu experience between the book and my own life. The songs came about in the course of one or two years, whenever I was home I sat down to write some. It’s hard to give you an exact period of time.

Is there another fictional character that you have related with in the past? Is this the first one?

Good question, for me there’s always been a lot of nuances from a number of things, certain parts of some of them, because even with the character from God’s Man I can not completely relate, but just with a few parts and things that happen in his life, and I think that’s how it is with most of the books that I read… I think that’s the reason we read books, we see a little bit of ourselves in everything we see and in occasions you identify with things or you don’t, there’s books with which you really connect and that you can share with more people.

You recorded most of the instruments from the new album by yourself. How was that experience?

Yes, I recorded almost everything except for a few percussions in some songs where I wanted to get a live feeling, so my friend Dave with whom I’ve been playing with for a long time helped me obtain that live sensation. He played the drums and I played the piano, then I kept working on my own and I added a few things. Some other songs like ‘Know Til Now’ or ‘Dear One’ were like puzzles, where I kept playing with loops, then singing on top of them, sculpting them… it was like building a house, carving wood or putting together a puzzle.

Was there any instrument that you enjoyed recording more?

Yes! The keyboard. There’s so many of them out there, so many sounds. I found it fascinating to be able to find so many weird noises, that seem to come from outside this world… it looks like a piano but you can do thousands of things with it.

How did you come up with such an original name for the album?

It came to me when we were recording the last My Morning Jacket record (Circuital – 2011). Tucker Martine, with whom we worked with for this album, arrived one day to the studio and

told us about this road sign that he misinterpreted. He thought it said regions of lights and sound of god, and he described it as the weirdest sign he’d ever seen, but as he said those words I thought they were gorgeous, I wrote them down and then I remembered them while I was writing these songs. With God’s Man connection, I wanted God’s sound to be that of that man, and that’s where the majority of the inspiration came from… it made a lot of sense for me to use those words as a title. I thought it was hypnotizing and I love how it sounds when you pronounce it.

How would you describe the music that you write? Including My Morning Jacket or Monsters of Folk.

I wouldn’t know how to describe it, the only thing I can relate between all of them is my voice. Even though I only have one, I like to think that I take it to different places. But it’s difficult to explain, Im not sure if I could… I think in essence it could be some sort of life source, be it a song, a tree, a hug or a human being… there’s a little bit of what I try to be. I think when you’re enclosed in a creative art, such as music, you have that kind of essence or when you make love, I try to express it in as many ways as I can and how the opportunity presents itself. Sharing with everyone, and always changing what I do, my music my voice, to get to be one with the universe.

A big part of this obsession with music, I imagine comes from playing it live. How big do you want to make the tour for playing the songs of Regions of Light and Sound of God? You already have some dates in the U.S., but would you like to be on tour for the rest of the year?

I definitely want to play some places: Mexico, Japan, Australia, a few different spots in Europe. I think we’ll do a round of international shows, but right now we’re just waiting for the album to come out to see how people react to it. It’s hard to know how your audience will receive something new like this, if they will like it or not, it’s complicated. Our practices have been amazing, so we’re expecting to play as many places as we can.

Your experience with Mexico has a recent chapter, you were in D.F. in 2012 and you played more than 2 shows (#WARP6 and Corona Capital). What do you personally think about our country and the rest of Latin America?

I’ve been in Mexico, I think three times. I’ve had the opportunity to meet the fields and spend some time in them. I’ve had great times there, I’ve had a lot of fun, and the people are very warm and accessible. We’ve noticed how much the mexican people acknowledge us: we get a lot of tweets and e-mails from fans. I have a very soft, warm spot for Mexico in my heart. I want to go back there as soon as possible.

Jim James begins a new adventure, a new chapter marked by nine songs that, without fear of being mistaken, will be among the best of 2013 and more time to come.

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Ask Amanda

By Amanda Palmer / @amandapalmer

Late last year unfortunately happened a misfortune in a school in Connecticut. Do you think there should be a thorough review of the law that allowed to own guns in the U.S.? Ignacio Aguirre I think the gun laws have to change, yes. I think it’s really fucked up that people can walk into a store an buy a serious weapon, and the statistics show that other countries just like America with much stricter gun laws don’t have the problems with gun murders and suicides that we do.

But I think there’s bigger problems than just gun control.

I worry about our whole culture, I worry about how we reaise our kids and how we listen to and take care of each other. I worry about how afriad of each other we are. I worry about those things more than I worry about guns.

Your married with Neil Gaiman, (by the way I’m a very big fan of his work in The Sandman), but lately you have been colaborating very often with him. How did you feel working with your husband?, isn’t weird or unconfortable? Eloisa Noriega Neil and I have a rule about working togehter, and basically we don’t do it. Our biggest collaboration is our relationship, and that takes a big amount of work in itself, as anybody knows. WE’ve done things together like An Evening With Neil Gaiman and Amanda Palmer which was a tour and recording, and it was kind of a pain in the ass.

Because even though we got to do soemthing together, we ended up spending a lot of our time together talking about dates and decisions and packaging and money. And one of the things I love most about our relationship is that we can go to each other for comfort at the end of the day when everything ELSE gets fucked up. So we try to be very careful. We help each other with work...just last night Neil read aloud to me from the book he’s working on while I laid on 070

the couch and told him when things didn’t make sense and he made the corrections with a marker. Moments like those make me so happy.

And another question, do you think there is a possibility of having some formal collaboration with Neil, such as graphicmusic-novel or something of the like? Eloisa Noriega No fucking Neil and Amanda opera unless you want to see us set each other on fire.

Due to the situation that you are living with your friend Anthony Martignetti. How has it changed your outlook on life?

Unsafe_666 I’m not actually living with Anthony - Neil and I have rented a house nearby, we did that when I decided to cancel my tour and stay with him, since he has cancer.

How has it changed me? A lot. First, I had to really fall into the arms of help myself, since I’m so used to working, working, working, and to let my husband support me for a while because I wasn’t going to be touring and making money was hard, but an obstacle I had to overcome. I have really crazy feelings about having to earn my own money and I had to confront them.

And also it just shifted my priorities. I’m already always thinking this way, but you know, we ARE all going to die.

And when you look back, how do you want to have spent your time? Working, working, working, never stopping to be with the people who are important to you? I knew that I didn’t want to do that. You can have all the fame and money and sex and power in the world...but it’s NOTHING, NOTHING, compared to being in the company of, and abiding by, the ones who really love you and the ones you really love.

GUARP

Time to keep eyes wide open

By Paul Stokes /@stokesie

Just over ten years ago I was stood in tiny London at a venue that was so packed with people that I put a pair of sunglasses into what felt like my trouser pocket only to discover a few minutes later that in fact I’d only wedged them into the space between me and the person next to me. A shuffle of limbs and suddenly they were gone for ever. The cause for this crush was the arrival in London of a trio from New York. That was Yeah Yeah Yeahs’ first ever UK gig.

From these punky and raw beginnings – I remember Karen O was so keen on stage diving throughout the show that she’d pre-emptively taped over her nipples to save her modesty for the moments when her distressed prom dress would slide down as she dragged herself out of the crowd and back onstage – the band have grown into one of the most forward thinking, exciting yet emotionally affecting bands on the planet.

Their return in April this year with fourth album Mosquito already has musical highlights of the year written all over it for me. Not only have they recorded one track with LCD Soundsystem’s James Murphy taking on production duties – a musical mind-meld many of been hoping for some time – but with the band hinting the new record has a rawer, possibly punkier feel, a few crunching hot nights like that one in 2002 could well be on the cards.

Similarly with their contemporaries like Black Rebel Motorcycle Club are also roaring back on to the scene with their leather clad, rock’n’roll rebellion and The Strokes surprising everyone by recording an album in secret, it seems this year could see the class of the 00s, or the “new rock revolution” if you prefer, demonstrating why it’s good to give bands time to mature, improve, broaden their horizons.

In fact for the ultimate proof of giving artists time is perhaps the tantalizing prospect of an album from My Bloody Valentine this year (if the band are to be believed it might be out before you even read this, though I’d caution not to expect anything too soon). Ever the perfectionist, Kevin Shields might have taken decades to follow-up Loveless, but in a way it’s reassuring to know that a piece of art that is all about the detail and a desire to truly do something new can still be created within music in this modern era of streams.

Of course it’s not all about old bands returning, but with progressive older acts coming back, the new talent will need to raise their game. No flash in the pan MP3 hits this year please.

Fortunately I’ve seen two acts already who seem to have the vision, determination and enthusiasm to stick around. Firstly Dutchman Jacco Gardener has made an album of baroque psychedelic pop that feels to me a bit like a rural Tame Impala.

The other is Londoners Charlie Boyer And The Voyeurs who’s wiry, brittle sound that is reminiscent of early Television.

They’re current in the studio with Edwyn Collins, but from their frenetic live shows I suspect they might be a band whose early gigs I’ll be telling people about in ten years time…

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encore

Black Lips SesioneS con Alejandro Franco 7th Season (on air on Sony Spin) Pic by Rubén Márquez for WARP

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