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Warp Magazine CR 01: A PUNTO DE EXPLOTAR

No.02

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Underworld VIVE LATINO 2013 Foto: Franccel Hernรกndez


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editorial

Costa Rica y

los festivales de música Por: Roberto Montero

Dichosamente, en Costa Rica no estamos ajenos al fenómeno de los festivales, de hecho, para ser un país tan pequeño y con una industria de música casi inexistente, hemos tenido demasiado. Todos los que hemos vivido en nuestro país una experiencia como esta o hemos viajado a ver sus distintas interpretaciones, sabemos que esta manifestación sociocultural siempre va a representar un evento imperdible.

lización. Gran parte de la visibilidad que han ganado las bandas costarricenses en el extranjero ha sido en el contexto de un festival. Sonámbulo en Austin City Limits, Santos y Zurdo en Burning Man, Las Robertas en Primavera Sound, Los Cuchillos en el Vive Latino, Pneuma en Wacken, y así continúa la lista. Los festivales se han convertido, al menos en nuestro medio, en ese su primer paso para la relevancia más allá de nuestras fronteras.

A nivel mundial, los festivales de música congregan lo mejor de la música en un espíritu de convivencia y apreciación por el diseño, el arte, las nuevas tendencias, los movimientos sociales y ambientales. Son burbujas de positivismo que celebran lo mejor que nos da la música, son esa única oportunidad de ver en un mismo fin de semana a las promesas compartir escenario con los líderes y las leyendas.

Hago un pequeño paréntesis para señalar que a veces mencionamos solamente a los que aparecen sobre un escenario, pero para que sucedan los festivales se requieren años de experiencia y de planificación. Habiendo tenido la oportunidad de estar de ese lado de la ecuación, también aplaudo el trabajo de ELEMENTAL, una empresa costarricense que por su consistencia y entrega, no solo ha liderado la producción técnica del Festival Imperial, sino que ha llegado a asumir responsabilidades en la producción de otros grandes festivales como Lollapalooza Chile.

Desde el FIA hasta el Envision, localmente tenemos una oferta variada de festivales, de todos tamaños y cortes. Hemos visto la evolución de los grandes festivales locales a escenarios para propuestas imperdibles. El ejemplo más claro es el Festival Imperial, que en su edición 2012, se consolidó en un festival al más alto nivel, aun para los estándares de afuera. De este último quedaron muchos legados; aparte de la grata experiencia que deparó al espectador, puedo asegurar, entre otras cosas, la visibilidad de la escena alternativa, la validación de la blogósfera local dedicada a la música, el protagonismo de Radio Hit y un crecimiento notorio en el interés de propuestas nuevas de música, por mencionar algunas repercusiones. Sin miedo a equivocarme, también diría que son los festivales el campo más fértil para sembrar la semilla de la internaciona-

En el 2013 hemos visto de todo... ¡más festivales que nunca! Localmente, destacan la mejor versión de Transitarte hasta el momento y el cuestionable regreso del Rock Fest. Desde WARP extendemos nuestro compromiso a darle una cobertura a todas esas manifestaciones, de las que gustosamente hemos sido parte desde hace mucho tiempo. En esta segunda edición impresa de WARP, se incluye un especial con los momentos memorables de los festivales más cercanos a Costa Rica, en donde retratamos los festivales que han sucedido en los primeros meses del año, mientras nos preparamos para seguir cubriendo lo mejor del circuito internacional y el debut de nuevas propuestas en los próximos meses.


silencio por favor

The Movement In Codes Por: Carlos Soto C.

Fotos: Cortesia TMIC

E

l estudio no tiene nombre y el disco tampoco. The Movement in Codes (TMIC) prepara lo que será su tercer material de estudio en un ambiente que divide sus funciones entre estudio profesional y la casa de su guitarrista y vocalista Marcos Monnerat. Las grabaciones iniciaron el pasado 26 de diciembre y contemplan nueve canciones completamente nuevas. No hay prisa, y nunca la ha habido; Monnerat y compañía, según dicta la historia, trabajan sus materiales a ritmo lento pero seguro, entregando producciones sólidas y con un estilo propio muy marcado, inalterable, podríamos decir. García nos comentó que este disco incluirá piezas un tanto más “relajadas” y con “más feeling” de lo que acostumbra el grupo. ¿Será este el punto de cambio para The Movement in Codes?

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the main review

Random Access

Memories

Daft Punk

Sony Music México/ 2013

8.2 No recuerdo que un lanzamiento discográfico haya sido tan esperado, tan promocionado y tan comentado desde los días en que los ’N Syncs y las Christinas Aguilera del mundo dominaban los charts musicales. Sin embargo, la dupla integrada por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de HomemChristo superó cualquier plan de marketing ideado por el mejor publicista. Y al final, la expectación generada por estos franceses hizo de Random Access Memories una bomba lista para desencadenar una reacción nuclear. La inclusión de grandes de la música en este trabajo logró que muchos consideraran al cuarto álbum de estudio de Daft Punk no sólo como el que llevaría al género electrónico a nuevos niveles, sino que también estaríamos ante una revolución sonora que cambiaría la manera en la que consumimos música. Y vaya que incluir el talento de Paul Williams, Julian Casablancas, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Pharrell Williams, entre otros, parecía garantía para lograr un fenómeno nunca antes escuchado. Pero cuando la placa llegó a los oídos de los millones de fanáticos del dueto alrededor del mundo la realidad fue diferente: el álbum no resultó ser el Jesús de los discos, ni siquiera la máquina de hits bailables que todos esperaban. Aún así, millones respondieron de tal forma que el disco ha reventado cada chart en el que figura, confirmando así el poder mediático que reside en los cascos de Bangalter y Homem-Christo.

A nivel sonoro, la historia del disco es muy diferente: estamos frente a un trabajo con valores de producción altísimos, pues los sonidos analógicos conviven con los digitales en un punto cercano a la perfección, donde diferenciar unos de otros es prácticamente imposible. Los leads característicos de Daft Punk, así como sus percusiones, están presentes a lo largo de los trece cortes; sin embargo, estamos lejos del conjunto de clichés que resultó ser Human After All (2005). Random Access Memories tiene una identidad propia y pareciera que su objetivo es mostrar al mundo lo que el funk y el disco hubieran sido de ser creados en la mente de dos robots galos, con resultados más que positivos. Lo cierto es que tampoco estamos en compañía de un monstruo plagado de genialidad, como lo fue Homework (1997), que en su tiempo sí cambió las reglas de la electrónica, convirtiéndose en una bocanada de aire fresco para el house mundial. Así, aun con todos los aciertos contenidos en Random Access Memories —incluidas las historias de éxito que tiene por contar—, podemos considerarlo un disco de transición, una fotografía que permanecerá en la memoria como el momento en que Daft Punk decidió salir de su zona de confort, llevando a cabo un proyecto más que ambicioso, que los preparó musical y mentalmente para escribir historia. -Diovanny Garfias


reviews Evil Friends

Bosnian Rainbows

Portugal. The Man

Bosnian Rainbows

Warner Music México/2013

7.9

A diferencia de lo que algunos podrían pensar, Portugal. The Man no es una banda nueva, aunque parece ser que la justicia les ha hecho una broma pesada, ya que aún no han conseguido ese reconocimiento que los coloque entre los grandes, apoyados en su calidad musical. Sin embargo, Evil Friends podría ser esa carta de presentación que la banda ha buscado en trabajos anteriores y que por fin catapulte su carrera a las grandes ligas. Para este álbum la banda se consiguió a uno de los productores más aclamados de los últimos años, Danger Mouse, quien valiéndose de pinceladas hip hop, soul y algo de R&B logró imprimir su sello en cada uno de los 12 tracks que componen la placa. El resultado es un Portugal. The Man con un sonido menos experimental y más enfocado a alcanzar el maistream, obteniendo resultados positivos. El track clave es ‘Purple Yellow Red And Blue’, pero lo mejor es dejarse sorprender por otras joyas que componen este trabajo. -Alejandro Altamirano

Clouds Hill/RodríguezLópez Productions/2013

7.3

Omar RodríguezLópez nos presenta oficialmente a su nueva banda, Bosnian Rainbows, en la que se aprecian mezclas revolucionarias de progresivo y punk con sintetizadores. El guitarrista, acompañado de tres músicos más —entre ellos la vocalista mexicana Teri Gender Bender (Le Butcherettes), quien escribió todas las letras—, demuestra su capacidad de reinventarse en cada proyecto, aunque todo indica que será hasta el segundo LP cuando se compruebe si Bosnian Rainbows destacará en la escena o se quedará como otra de las bandas que no alcanzaron a explotar su talento. Aún así el disco debut compuesto por 11 tracks, grabado en Alemania y producido por el reconocido Johann Scheerer (Faust), apunta para colocarse como uno de los destacados de lo que resta del año; ‘Worthless’ es uno de los tracks imperdibles. -Fernando González Bastida

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8.8 …Like Clockwork Queens Of The Stone Age

Arts And Crafts México/2013

Queens Of The Stone Age es de esas bandas que parecen una bestia salvaje, con cabeza y extremidades propias para hacer sentir el rock en toda la extensión de la palabra. Y con …Like Clockwork, su tan esperada producción, reafirman su lugar como una de las agrupaciones más influyentes del género de las últimas décadas. Su largo recorrido se ve reflejado a través de los 10 cortes del álbum, que construyen una historia propia, a pesar de estar plagado de colaboraciones estelares entre las que destaca Dave Grohl, Elton John, Trent Reznor, Alex Turner, James Lavelle y Brody Dalle. Si a lo anterior le sumamos el exquisito sonido de las guitarras de Josh Homme, ese al que nos tiene acostumbrados, es un hecho que este trabajo se colocará entre lo mejor del año. …Like Clockwork es un álbum lleno de crudeza y oscuridad, una producción redonda que encapsula ese misticismo que evoca Queens Of The Stone Age. -Paco Sierra

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reviews Ice On The Dune

Desire Lines

Empire Of The Sun Capitol

Records/2013

Settle

Camera Oscura

Disclosure PMR

4AD /2013

6.4

Casi cinco años después del destacado Walking On A Dream, uno de los duetos más importantes de la escena australiana está de regreso con su segundo larga duración. Recurriendo de nueva cuenta a Peter Mayes y Donnie Sloan para la producción, Luke Steele y Nick Littlemore crearon más de 40 minutos de música, traducidos en 12 canciones espaciales con líricas universales, como ‘DNA’, ‘Celebrate’ y ‘Awakening’. Sin embargo, los músicos de Sidney demostraron poca evolución, cayendo en la fórmula de su disco debut. De este modo, Empire Of The Sun deja claro que no quiso explorar más allá de su peculiar estilo, por lo que a pesar de causar tanta expectación —apoyada en un interesante trailer ambientado por el track ‘Discovery’ y filmado completamente en español por el reconocido cineasta J.J. Abrams y su equipo—, definitivamente nos queda a deber. -Fernando González Bastida

Records /2013

7.9

‘Fifth In The Line To The Throne’, con esos hermosos arpegios y dulzura melancólica que refrenda al grupo escocés como una máquina imparable de baladas es que rememoramos los clásicos The Platters y Billie Holiday. La miel eléctrica es palpable en ‘Do It Again’, el primer sencillo del quinto álbum de una paciente banda que esta vez grabó en Portland, Oregon. El disco fue producido por Tucker Martine (Beth Orthon, Laura Viers), una elección ideal que, además, en un par de temas permitió la colaboración vocal de Neko Case y Jim James (My Morning Jacket), logrando una combinación única en el historial del proyecto, con resultados sonoros más que favorables que a su vez le dieron aire fresco a la propuesta. Sin embargo, no hay cambios notables en su oferta musical, aunque la voz de Tracyanne Campbell vuelve a destacarse como una terapia ideal, ya sea para los días de bruma o para los de sol intenso. -Alfredo Quintana Garay

8.0

Los hermanos Guy y Howard Lawrence, mejor conocidos como Disclosure, nos han sorprendido desde 2010, con un sonido orientado totalmente hacia la pista de baile, plagado de beats sumamente frescos y actuales, pero que a la vez rescata la esencia del house de los noventa o del UK Rave. Este año Disclosure edita su primer álbum de estudio bajo el nombre de Settle, producción que viene a nutrir a una basta escena electrónica británica, que se vuelve a posicionar como epicentro del movimiento. Un disco bailable, ideal para las fiestas afterhours o para un desfile de moda, que seguramente terminará hipnotizando a más de uno con su contagioso ritmo. Cortes como ‘Latch’ o ‘January’ seguramente serán recurrentes en clubes todo este año y parte del siguiente. Settle cuenta además con interesantes colaboraciones, como la de Jessie Ware, Aluna George y Sam Smith. -Raúl Arce

Kveikur

Sigur Rós

XL Recordings/2013

8.8

La desesperación suele ser la madre de la mejor poesía; al menos ‘Brennisteinn’, el primer sencillo —incluido su video—, así lo sugieren. Reconfigurados como trío, los islandeses fueron parte de un capítulo de The Simpsons a finales de mayo (con su respectivo tema musical) y parecen haber recuperado la fuerza de su segundo álbum, Ágætis Byrjun (1999), que nos hacía pensar en bandas como Slowdive. Percusiones decididas, desafiantes, marcan un ritmo volcánico en ‘Ísjaki’, mientras que en el track homónimo, ‘Kveikur’, la tensión orquestada por cuerdas y coros femeninos se resuelve en una guitarra distorsionada —arco de violín incluído— que, si bien es una fórmula conocida, resulta una bocanada de niebla fresca por parte de la banda. Un álbum en el que la belleza extrema de Islandia se muestra en nueve canciones para recuperar la fe en el fin del mundo. -AQG

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hot hot hit

Tying Tiffanny

Por: Michelle Apple Foto: Filo Baietti

Esta italiana originaria de Padua, comenzó a ganar atención gracias a su álbum debut Undercover (2005) que la colocó como una de las promesas del electroclash, gracias a su particular fusión de éste con ritmos como el gothic, el EBM y el industrial. Tras compartir escenario con Iggy Pop, Buzzcocks, The Rapture y Alec Empire, y crear junto al productor Lorenzo Montana el proyecto T.T.L. (Through The Lens), la artista se declara lista para promocionar su nuevo material, el EP One (2013) disponible desde marzo.


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Yokozuna El manual de la revolución Por: Alejandro Altamirano Foto: Sergio Gálvez para WARP

A pesar de lo difícil que aún puede resultar en México sobrevivir siendo una banda de rock independiente, Yokozuna sigue de pie, demostrando que aunque se pueden perder algunas batallas, la guerra continúa. Los hermanos Arturo y José Antonio Tranquilino regresan con un nuevo material de estudio titulado Quiero Venganza (2013): un llamado a la acción y al despertar colectivo. En entrevista para WARP Magazine, el dúo nos contó sobre lo que estuvieron haciendo antes de editar su nuevo disco y qué hacen además de librar luchas bajo el nombre de Yokozuna. ¿Qué estuvieron haciendo durante el período que comprende desde su disco de estudio anterior hasta la creación de su más reciente material, Quiero Venganza? Arturo Tranquilino: Lo último que hicimos fue un EP, disponible sólo en iTunes, llamado Ribete; incluía seis canciones y fue producido por Arturo Castañón. Todo lo hicimos nosotros: rentamos un estudio y lanzamos dos sencillos, de los cuales el más sonado fue ‘Caliéntame’. Eso nos sirvió para dar el salto y estar en el Vive Latino 2011. Y durante todo ese tiempo estuvimos buscando un sonido diferente para el siguiente material. Entonces llegó Pablo Romero, guitarrista y cantante de Árbol, además de haber sido productor de Miranda; vino de Argentina buscando bandas mexicanas y se encontró con nosotros. Empezamos a hacer algunas cosas y nos dijo que quería hacer el nuevo disco de Yokozuna. Y, bueno, Pablo cayó como anillo al dedo, porque fue como un cerebro más, logrando que el sonido de la banda fuera más pesado, llevó las letras por otros lados, cambiamos algunas texturas y regresamos un poco más al blues. ¿Cuál es el concepto del Quiero Venganza? AT: Fue muy curioso: nos sentamos con Pablo y decidimos que iban a ser ocho canciones; nos metimos a grabar y, cuando regresó el disco del master, Pablo reacomodo el orden de los temas, lo quemo y nos sentamos a escucharlo de principio a fin. Y nos encantó cómo lo acomodó, porque aparte no fue pensado como un disco conceptual; pero cuando lo escuchamos, nos dimos cuenta de que había una especie de historia, la cual parte de ‘Quiero Venganza’. El tema está inspirado en un cuento de Jack London, pero la gente lo tomó como un canto de guerra. La hemos tocado en vivo y la gente ya se sabe la

> Alejandro Altamirano es Asitente Editorial de WARP Magazine México.

canción completa; la toman como una especie de estandarte. Y es que el disco parte de una necesidad de cambio, de más acción por parte de la gente. Creemos que estamos en un punto crítico no sólo como país, sino también como humanidad y, si no hacemos un cambio de conciencia, no habrá vuelta atrás. Estamos llevando todo al límite del consumismo y cada día nos acercamos más a esa especie de infierno apocalíptico de película de los ochenta. ¿Cuál sería la “venganza perfecta”? José Antonio Tranquilino: Yo asocio la venganza en este disco con la acción y la indiferencia hacia las cosas. Quizá se pueda percibir un tinte político, pero una de las ventajas de nosotros como músicos es la ambigüedad y podemos ser interpretados de distintas formas por parte del público. Para mí, va más enfocado a tomar acción sobre las cosas y dejar de vivir en la apatía, la cual de alguna manera nos afecta a todos. Hay personas que no compran un disco o no van a un concierto y aun así exigen muchas cosas. De igual manera pasa en la política y en lo social: esa persona apática es la misma que no hace absolutamente nada por cambiar su entorno; esa persona, que se encuentra en su zona de confort, parece que no le afecta nada, pero en el momento en que sale de allí y algo le afecta, entonces si quiere hacer algo. Si realmente queremos un cambio sobre las cosas, primero debemos dejar de lado la apatía. El disco completo tiene una denotación distinta: cuando lo escuchó de principio a fin, lo veo como una especie de manual-línea del tiempo de una revolución.


Kashmir

Aesthetic restlessness Por: Elsa Núñez Cebada Foto: Cortesía Kashmir

Supongamos que tenemos que presentarle a Kashmir a un amigo que jamás los ha escuchado: ¿qué disco sería el mejor para hacerlo? Resumir 20 años de historia parece complicado, principalmente para quienes tienen la tarea de refrescarnos los oídos con cada nueva producción. Pero WARP Magazine no se quedó con la duda y esta fue una de las preguntas para Henrick Lindstrand, guitarrista de la agrupación danesa, quien recomendó E.A.R —su más reciente álbum— para ese melómano despistado que aún no conoce a Kashmir, además de conversar sobre algunos otros temas desde algún lugar de Holanda.


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Han tenido muchos shows, experiencias y grabaciones juntos. ¿Cómo se siente Kashmir en este momento? Nos sentimos muy bien; ahora estamos en Holanda como parte de nuestra gira europea. Lanzamos el álbum hace dos semanas, así que muchas cosas están pasando muy rápido, pero el ambiente de la banda es bastante bueno. ¿Cómo está reaccionando la gente respecto a sus nuevas canciones? Hemos intentado tocar, al menos, la mitad de las canciones del E.A.R y creo que a la gente le ha gustado: vemos una excelente reacción de su parte. El ambiente es muy relajado y, en ciertos momentos, hasta hipnótico, así que creo que es muy interesante tocar estas nuevas composiciones. Es muy esperanzador. ¿Cómo empezaron con el proceso de grabar E.A.R? ¿Cuándo o cómo supieron que estaban listos para entrarle a esta aventura? Fue a finales de 2011. En aquel momento sentíamos que debíamos hacer otro disco o tomar un descanso. Kasper (vocales) nos planteó la idea de tener un marco con ciertas reglas bajo las que debíamos trabajar; fue más que nada establecer cómo íbamos a empezar a escribir para posteriormente grabar. Y a principios del año pasado empezamos a escribir las canciones y a armar las primeras maquetas en nuestro estudio de Copenhague. ¿Por qué nombraron E.A.R este álbum? ¿Qué quieren decir estas siglas? Quiere decir “Entirely Aesthetic Restlessness” [“Inquietud Completamente Estética”]. Nos resultó complicado elegir el título para el álbum, pero creo que la abreviación explica muy bien nuestra conexión como banda: es la representación de nuestra unidad al estar trabajando juntos durante tantos años. Constantemente estamos explorando nuevas cosas, musicalmente hablando; y esa inquietud tal vez sea el ADN de la banda. Dicen que este álbum tiene mucho que ver con el número 12… ¿Por qué? Es importante señalar que la historia sobre el número 12 es algo que fuimos abandonando mientras avanzábamos en el proceso; creo que estuvimos en eso un par de meses, hasta que entendimos que la música podía controlarnos más que ese concepto. Crear bajo ciertos límites tiene cierta magia: si los tienes, puedes enfocarte más en la creatividad y en otros aspectos específicos. Y eso es lo que hicimos. En esta ocasión nos produjimos nosotros mismos aunque, desde luego, hubo más gente involucrada, como el ingeniero de sonido. Prácticamente grabamos solos en nuestro estudio; allí nos metimos a escribir y a grabar la mayoría de las canciones. Nos tardamos

> Elsa Núñez es periodista musical y colaboradora de WARP Magazine México.

aproximadamente un año en tener E.A.R preparado y, en víspera del Año Nuevo 2013, la mezcla final estaba lista. ¿Recuerdas algún momento específico de todo ese proceso? Al final queríamos arreglar ciertos detalles de algunas canciones, así que tomamos el equipo y rentamos una mansión antigua en el campo danés; nos llevamos a un ingeniero y montamos un mini estudio con todas esas cosas. Estuvimos allí unos cinco días, los cuales fueron bastante intensos. Algunos de los temas que trabajamos fueron ‘Peace In The Heart’ y ‘Purple Heart’: esas canciones se grabaron en vivo en la mansión. La vibra de ese lugar era bastante especial, lo que creo que quedó muy bien plasmado en el álbum. ¿Sería difícil que mencionaras tu canción favorita de E.A.R? Si tengo que elegir una, sería ‘Piece In The Sun’: la compusimos Kasper y yo cuando empezábamos a escribir temas para el álbum; fue en una etapa muy temprana del proceso y, de hecho, ni siquiera teníamos idea de la línea que íbamos a seguir. Pero nos sentimos muy seguros de nuestro trabajo cuando escuchamos la maqueta. Después de haber grabado tantos discos que han seguido una línea, ¿has llegado a pensar que realmente exista un límite para la creatividad? Creo que la experimentación siempre ha sido una parte importante de Kashmir: nunca habrá un punto en el que ya no queramos explorar los sonidos, y es que amamos hacerlo; pero es necesario poder combinar esas pruebas con las letras y creo que en E.A.R logramos muy buenas canciones. ¿Cómo podrías describir la evolución que la banda ha tenido a través del tiempo? Es una buena pregunta. Creo que este álbum estuvo dentro de nosotros durante mucho tiempo y encontró su justo momento para salir a la luz; y todo se dio para que así fuera, ya que hubo aspectos como el hecho de trabajar por nuestra cuenta, sin un productor externo. Trabajar en E.A.R fue muy inspirador para todos. Supongamos que quiero presentarle a Kashmir a alguien que no los conoce… ¿Cuál crees que sería la mejor manera de introducir a esta persona a su sonido? Yo le recomendaría que escuchara E.A.R, porque es lo más nuevo y creo que es en el que nos reflejamos de mejor manera. Hay algunos de nuestros álbumes que suenan diferente, pero creo que éste sería una buena manera de que nos conociera; y quién sabe: tal vez que haga que esta persona se decida a explorar nuestra discografía entera.


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Chvrches Por: Javier Cuellar

Foto: Cortesía Chvrches

Gracias a la reciente edición de SXSW 2013 pudimos conocer a un trío escocés conformado por Iain Cook (sintetizadores y vocales), Martin Doherty (en el mismo rol) y Lauren Mayberry (voz), quienes escriben, graban, mezclan y masterizan sus canciones en un estudio armado en un sótano de Glasgow, dejando claro que no son prefabricados y que además existe calidad en cada canción. Ellos responden al nombre de Chvrches y, obsesionados con Prince y tomando elementos de la electrónica clásica, el

LINKS: chvrch.es | soundcloud.com/chvrches | @chvrches

hip-hop y post-punk, nos presentan un proyecto de mezcla cuyo resultado es un electro pop brillante. Formados en 2011, no fue hasta el año pasado que dos de sus sencillos, ‘Lies’ y ‘The Mother We Share’, fueron escuchados, significando el preámbulo perfecto para la salida de Recover (2013), su primer EP. Si empatizan con Twin Shadow, Wild Nothing, Dum Dum Girls, Yeahsayer, etc., entonces Chvrches deberá vivir en su reproductor.


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Gepe

Liberación creativa Entrevista: Paco Sierra

Texto: Alejandro Altamirano Foto: Sergio Gálvez para WARP

yoría de las canciones y el resto las terminé en un mes más. Fue un proceso muy rápido, y es que ya tenía las ideas claras y simplemente las grabé, sin darle tanta vuelta, lo que es algo que no me pasaba desde mi primer disco, el cual se grabó más o menos en dos o tres tardes. ¿Qué temas fueron los que lo inspiraron? Lo principal que se puede percibir en este disco es que es un trabajo colectivo. No hay ningún tema en el que me vea sólo yo; sí hay algunas cosas mías, pero me gusta que las canciones se abran hacia otros lados, pues no busco ni confesarme ni retratarme en ellas; quiero, más bien, hablar de un denominador común a cualquier persona, de experiencias generales.

El chileno Daniel Riveros, mejor conocido como Gepe, se encuentra promocionando su cuarto material de estudio, GP (2012) el cual lo ha consolidado como una de las promesas latinas con mayor proyección internacional. Gepe, quien estuvo en la pasada edición del Festival Vive Latino —donde se llenó de aplausos y ovaciones—, tuvo una charla con WARP Magazine acerca de sus procesos creativos, de su crecimiento como músico y del sonido de su próximo disco. ¿Qué tal te sientes después de tus presentaciones en SXSW y en Vive Latino 2013? Sigo súper emocionado de haber tocado allí; nunca había tocado en festivales tan seguidos y tengo muchos buenos recuerdos; además, conocí a todos los artistas que quería ver tocar. ¿Cómo fue el proceso de creación de tu más reciente disco? Fue muy parecido al proceso de mi primer disco, Gepinto (2005), en cuanto a que, casi desde el momento en que hice las canciones, tenía muy claras las ideas sobre su rumbo, además de que las hice muy rápido. Yo diría que entre los primeros tres meses de 2012, básicamente, hice la gran ma-

¿Cuál crees que sea la gran diferencia entre éste y tu trabajo anterior, Audiovisión (2010)? Audiovisión es un disco que nos llevó mucho tiempo concretarlo; le dimos muchas vueltas y, en lo personal, me sirvió para volverme más músico en el sentido de que debes esforzarte un poco más para lograr ese punto donde las canciones suenan justo como quieres que suenen y como deben de sonar. Con GP el proceso fue algo más natural y liberador, sin tantas responsabilidades. Esa sería la principal diferencia entre ambos. ¿Disfrutaste el proceso de grabación de GP? ¿Lo volverías a hacer? Sí, lo disfrute muchísimo; por ejemplo: con mi disco Hungría (2007) me encontraba muy perdido, no tenía banda, el productor era una persona con ideas musicales muy distintas a las mías y entonces, de alguna manera, caí en una especie de vacío de arte; recuerdo que me preguntaba: “¿Y ahora qué sigue? ¿Qué es lo que estoy haciendo?” Entonces, con cada disco, he aprendido algo. Así, teniendo conciencia de ser un músico más profesional, con GP, por primera vez, disfruté de verdad grabar las voces, los instrumentos o cambiar una letra mientras la estaba grabando, pero de una manera más interiorizada. Todo fue mucho más relajado y disfrutable para mí. ¿Ya hay ideas sobre un posible material nuevo de Gepe? Sí, ya tengo muchas canciones a medio andar. Quiero que sea un disco muy latino, debido a que ya no escucho nada en inglés. Será algo muy chileno y lleno de símbolos; probablemente sea algo muy hip-hop.


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Vince Clarke

El músico, tecladista y compositor británico Vince Clarke es, hoy por hoy, un referente en la música, fundador y exintegrante de Depeche Mode, Yazoo y The Assembly, para después crear Erasure junto a Andy Bell -proyecto que permanece hasta nuestros días-. Clarke ha demostrado su innata capacidad para crear grandes canciones pop, pero la creatividad melódica y armónica no es el único de sus talentos, ya que su pasión por los sintetizadores análogos -de los cuales es un gran coleccionista- lo ha convertido en uno de los virtuosos del diseño sonoro, influenciando por casi tres décadas la escena EDM (Electronic Dance Music). Vince compartió en exclusiva para WARP Magazine algunos de sus tracks preferidos, en un playlist que compartimos a continuación. 1. The Buggles - ‘Video Kill The Radio Star’

6. Erasure - ‘Chains Of Love’

2. Yazoo - ‘Anyone’

7. Simon & Garfunkel - ‘Sound Of Silence’

3. Pink Floyd - ‘Money’

8. VCMG - ‘Spock’

4. Depeche Mode - ‘New Life’

9. The Human League - ‘Being Boiled’

5. Led Zeppelin - ‘Black Dog’

10. The Assembly - ‘Never Never’


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Lejos de casa Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Me llamo Raul Torrejas Tengo 28 Nacido y criado en Devoto Veo, un bar de lovers agotados Quizás la luz que se ve dentro invite la noche Extranjero sacado por Cahuenga Boulevard En Los Angeles pasan Cadillacs a diario por las calles En el Freeway 101 hay Cadillacs rojos Rosas Del ’57 Enmascarados Caretones Enramados Odio Los Cadillacs Nunca me los banqué Soy un argento pusilánime Vine a laburar Pulenta, capital del mundo El planeta es así Viento de Lizards pispiretos on Sunset Blv. Aquí el dinero sobra Las putas son cobras que cobran Yo recuerdo mi Baires sin

poder regresar Perdí el pasaje La vuelta Qué salame de Milán La melancolía es taciturna y puta también ¿Ahora te me vas a poner a llorar, maricón? Si estás acá cómprate un microondas Andate a un Seven Eleven gil Comprate un dedito de queso O un nacho cheese crispy Ponete de cote Lagarto en flor No me vengas con mariconadas El ruido del freeway Calling card please Five dollars Te llamo El ruido del 101: North Hollywood Una puta con voz metálica me dice que tengo 100 minutos para hablarte Deberé racionarlos por tantos días

Spanish please El dolor de no tenerte Me llamo Raul Torrejas Criado en Devoto Ahora en Los Angeles Entré vía Miami Mamita Laburo hay Me las sé todas A la noche el ruido del freeway 101 no me deja dormir bien Tengo hambre y putas cerca No entiendo a los drogadictos: gritan tontos en la noche de Hollywood Vine solo y solo estoy Dijiste que me seguirías más adelante Que en Argentina no había futuro para una secretaria Yo te conté que, con el primer sueldo, me compré un Jeep descangallado y un jacuzzi en flor “Flor de choto” me dijo una puta colombiana cerca del liquor No nos entendimos

Aguante Argentina papá Llevo la del Messi puesta siempre No sé qué pasó contigo Salí del laburo y te llamé Atendió otra secretaria Me dijo que ya no trabajabas más allí Me quedan pocos minutos de la calling card Al final nunca viniste Te extraño y me ahogo en las putas de la Fairfax Qué triste que es la noche aquí Solitaria Mi noche Nunca viajaste Me llamo Raul Torrejas Tengo 28 Lejos de casa Trabajo en LA desde hace 11 meses Hoy ya tengo un laburito llevando y trayendo material quirúrgico descartable, Un Jeep, un jacuzzi en flor, soledad y el dolor de no tenerte.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.


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ASK AMANDA

Por: Amanda Palmer/ @amandapalmer Foto: Shervin Lainez

¿Cómo les fue con Save The Mermaid Parade? ¿Llegaron a la meta? Nelly Chavarria Oh, gracias por preguntar. Se alcanzó el objetivo, bueno, casi, la meta era reunir $100,000 dólares y se reunieron $96,000 dólares, así que el desfile se llevará a cabo. ¿Cómo es que siempre terminas involucrándote en este tipo de locas pero nobles causas? Nelly Chavarria Yo siempre trato de ayudar a la gente que creo que puedo realmente. A veces es un poco difícil cuando estás involucrado en el mundo del rock, porque mucha gente se acerca a ti a pedirte ayuda y si inviertes todo tu tiempo en ayudarles no tienes la posibilidad de hacer arte. En este caso se dio porque yo me encontraba cerca del lugar donde se llevaría a cabo el desfile, me preguntaron si podíamos hacer algo juntos y les dije que sí. Además tengo que usar una cola de sirena brillante de color verde y cantar una canción de La Sirenita, ¿cómo podría no hacerlo? Creo que el azar es importante en la vida. Decir que sí puede ser adictivo, aunque, a veces, me canso mucho y tengo que descansar mis aletas, así que tengo que ser jodidamente cuidadosa. El otro día estaba leyendo el texto Make Good Art, de Neil Gaiman, y pensé: Bueno, Amanda podría hacer algo como esto, así que, ¿crees que todos los textos publicados en tu blog podrían convertirse en un libro o tal vez escribir uno partiendo de cero? Si es así, ¿qué tipo de libro sería? Berenice Flores Es gracioso que lo preguntes. Acabo de hacer una oferta

para escribir un libro y voy a empezar a trabajar en él muy pronto. Creo que va a ser un libro sobre el tipo de cosas que hablé en mi charla TED (la cual pueden ver en línea) sobre el arte, sobre solicitudes, sobre cómo nos comunicamos y nos ayudamos mutuamente... un poco de memoria y un poco de crowdfunding. Algún día me encantaría convertir mi blog en un libro. He estado escribiendo un blog durante casi 15 años, así que sin duda hay material lo suficientemente bueno. ¿Qué tipo de libros te inspiran para crear algo? Claudia González Hay algunos libros que he leído, sobre todo hechos por mujeres, que son tan honestos y valientes que han conseguido inspirarme a escribir mis propias verdades. El libro de Margaret Cho I’m The One That I Want me hizo más valiente y deseosa de compartir más cosas. Ella es tan abierta y honesta acerca de los sentimientos, el sexo, el miedo, sobre lo que es ser diferente y lo que sentía al crecer. No endulza las cosas. Otro libro que he leído recientemente que realmente me inspiró fue un libro titulado How To Be A Woman, de Caitlin Moran; es muy gracioso, habla mucho acerca de los problemas femeninos que todos los demás sólo tienden a evitar y no discutir... el libro me hizo más valiente. A veces me gusta hacer esto: voy a una librería y me voy a la sección de poesía, tomo un libro al azar de un autor que no conozco y abro una página al azar. Leo ese poema y pienso: el mundo es un lugar magnífico. Si lo haces bien, en el día correcto, es como entrar en el jardín de alguien y robar secretamente una fresa en la temporada de verano.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.


DESTACADO FESTIVALES

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LA INEXPLICABLE CONEXIÓN Por: Carlos Soto C.

Recuerdo perfectamente el día que un conocido compartió un video de Mumford & Sons tocando ‘The Cave’ en el festival inglés Glastonbury; eso fue en el año 2010, tres años antes de que ese mismo festival recibiera a este grupo como headliner. La conexión que sentí fue inmediata. Cientos de voces agitadas bajo una carpa cantaban y yo, con la vista pegada al monitor, sentía como mis brazos se erizaban. No lograba entender qué cantaba ese tipo, ni me importaba, cientos de voces coreaban y yo quería ser uno más de ellos. El año pasado, miles tuvimos la dicha de ser parte del Festival Imperial, el único espectáculo en este país que puede ostentar con orgullo la palabra “festival” en su nombre, tan malgastada como usada a la ligera en estos tiempos. En medio del set de Cypress Hill un amigo se me acercó y me invitó a acercarme a la otra tarima, para esperar a que Wayne Coyne y compañía subieran al escenario. “Vamos”, le dije determinado a mi amigo, sin pensar mucho, sin saberme una sola canción, sin saber de qué bola gigante hablaba todo el mundo. ¿Cómo uno termina llorando en un concierto de un grupo que hasta hace un mes no conocía? The Flaming Lips lo logró, pero un concierto pequeño o escaso de público no me hubiera causado el mismo efec-

to; éramos miles de voces cantando al unísono “Do you realize?” (coro pegajoso del que me familiaricé rápido), éramos cientos de voces viendo en la pantalla gigante cómo los ojos de Wayne Coyne Coyne se llenaban cada vez más de lágrimas. Esa cercanía con los desconocidos, ese sentimiento de estar lleno frente a un escenario, es lo que me enamoró de los festivales. Dejemos de lado, por un momento, la idea de que los festivales nos ayudan a descubrir música y concentrémonos en nosotros mismos. Los festivales nos ayudan a descubrir lo temprano que podemos despertarnos para ver a las bandas que están en el fondo del cartel, “las promesas” y lo dispuestos que estamos a trasnochar por ver a The Knife (¡tocaron a las 3 a.m. en el Primavera Sound!). Los festivales nos enseñan que podemos soportar el sol de mediodía en La Guácima para ver a Bomba Estéreo o aguantar el frío de Monterrey a la 1 a.m. para ver a María y José. Los festivales nos proponen retos: elegir entre artistas, descansar o ver a esa-banda-que-me-dijeron-que-está-buenísima, pedirle a totales desconocidos que nos den campo o nos ayuden a ver todo se vale, todo puede pasar. Que no se pierda la afable tradición de cantar todos juntos como uno solo. A final de cuentas, de eso se trata un festival.


South by Southwest SXSW Fotos: Sergio Gálvez y Paco Sierra para WARP

Lugar: 100 locaciones distintas en Austin, Texas Duración: 10 días 2200 presentaciones artísticas

Nick Cave


SOUTH BY SOUTHWEST 2013

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South By Southwest es un evento que muestra lo más vanguardista del cine y la música y además cuenta con conferencias acerca de un amplia gama de tópicos relacionados con actualidad. El evento se realiza en Austin, Texas durante la primavera y este año tomó lugar del 8 al 17 de marzo, siendo del 4 al 7 los días dedicados a la música. Entre los grandes nombres que ocuparon el cartel musical del Festival estuvieron Justin Timberlake, DeathGrips, Snoop Lion,VampireWeekend, Kendrick Lamar y The SmashingPumpkins. Uno de los shows más destacados fue el de Depeche Mode quienes revelaron en vivo, durante una íntima presentación, algunos de los temas que forman parte de su álbum número 13, Delta Machine. Otro momento importante fue la presentación del líder de Creedance Clearwater Revival, John Fogerty, quién tuvo un jamsession junto a Dave Grohl. Este último, además de tocar, dio un emotivo discurso en el que relató sus inicios en el mundo de la música y enfatizó en el concepto de que, en la industria musical, el músico siempre va primero.

Dave Grohl


FlorianDroids

Huba&Silica

Hello Seahorse!

Festival Transitarte 2013: Tarima Warp & Radio Hit Fotos: Juan Tribaldos Hernández para WARP CR Lugar: Paseo Los Damas, San José, Costa Rica Duración: 2 días 22 bandas La décima edición del Festival de Verano Transitarte se mantuvo fiel a su ideal original de dinamizar el eje norte de San José con arte y cultura. El evento se llevó a cabo del 8 al 10 de marzo y, durante sábado y domingo contó con un escenario de música alternativa que surgió gracias a una colaboración entre WARP y Radio Hit. La tarima contó con las presentaciones de varios artistas nacionales e internacionales, entre las cuales destacó el primer show en el país de las bandas mexicanas The Wookies, Disco Ruido! y Hello Seahorse! Los tres grupos fueron impecables en sus presentaciones y gozaron de un contundente apoyo por parte del público, especialmente Hello Seahorse!, quienes cerraron el primer día de conciertos con un memorable concierto y con la promesa de regresar. Por su parte, la música nacional no se quedó atrás y fue muestra del profesionalismo con que muchos músicos costarricenses desarrollan su arte actualmente. Colornoise, FlorianDroids, FoffoGoddy y Huba&Silica, fueron algunos de los que colaboraron en convertir San José centro en un lugar de fiesta durante todo el fin de semana.

Disco Ruido!


Festival Transitarte 2013

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Blur The Wookies


Porter

Mala Rodríguez

Panteón Rococó

Yeah Yeah Yeahs

Vive Latino 2013 Fotos: Franccel Hernández, Zaruhy Sangochian y Vinicio Montero para WARP Lugar: Foro Sol, Ciudad de México Duración: 4 días 109 bandas

El Festival Mexicano Vive Latino es reconocido por ser una de las vitrinas más importantes para la música latinoamericana y este año se llevó a cabo su edición número 14. El Foro Sol recibió este año a más de 200 mil personas que se reunieron del 14 al 17 de marzo para ver a bandas como Blur, La Mala Rodríguez, SilverSun Pickups, Yeah Yeah Yeahs y Tame Impala. La banda costarricense Los Cuchillos también participó del festival y se presentó en la Carpa Danup el domingo 17. Entre los conciertos más memorables del Festival está el de los Fabulosos Cadillacs, quienes se reunieron para este evento y acercaron a su presentación a más de 75.000 fans. Otro punto alto del festival fue la reunión de la banda de Guadalajara Porter, quienes no tocaban juntos desde el 2008.

Carla Morrison


VIVE LATINO 2013

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Los Cuchillos


The Black Keys

Lollapalooza Chile Fotos: Cortesía Lollapalooza CL & Patricio Rodríguez para WARP Lugar: Parque O’Higgins, Santiago, Chile Duración: 2 días 59 bandas


LOLLAPALOOZA CHILE 2013

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Sorprendió cuando Lollapalooza decidió salir otra vez de Chicago, pero sorprendió aún más cuando se supo que uno de esos destinos era Chile. No Argentina, no México, Chile. El tiempo le ha dado la razón a quienes tomaron tal decisión: el Lollapalooza Chile 2013 reunió uno de los mejores carteles que se hayan visto en la región, y tomó en cuenta a bastantes bandas locales que dieron de qué hablar. Se debate aun si el mejor show lo dieron Queens of the Stone Age o Pearl Jam. Lo cierto es que ambos aprovecharon para colarse en el set del otro y dejaron atónitos a quienes los veían por primera vez en vivo tocando sus clásicos.

Pearl Jam

Queens of the Stone Age

Franz Ferdinand


New Order

Festival Estéreo Picnic Fotos: Juan Felipe Pérez para WARP

Lugar: Parque 222 sobre la Autopista Norte de Bogotá, Colombia Duración: 2 días 22 bandas

Mayor Lazer


FESTIVAL ESTÉREO PICNIC

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Foals

Café Tacvba

Crystal Castles

Al igual que Chile, Colombia está ganando la atención de quienes gozan de grandes festivales en Suramérica, ¿la razón primordial? El Festival Estéreo Picnic, que en sus cuatro ediciones ha sabido juntar la cuota perfecta de talento colombiano y extranjero. Esta intención y la apuesta de la organización de proponer un festival de talla mundial, encamina al Estéreo Picnic a convertirse en uno de los festivales más relevantes del cono sur. En su edición más reciente, realizada el primer fin de semana de abril, el talento internacional viejo y el nuevo se juntaron cuando Brandon Boyd se unió a New Order para interpretar ‘Blue Monday’. Otro gran momento representó ver a Foals volver a tierras colombianas, esta vez en calidad de headliner. Pero quizá, el momento que marcó a muchos fue la fiesta que armó Diplo con su proyecto Major Lazer y por supuesto, el ‘Harlem Shake’ masivo del cual algunos puede que sigan adoloridos.


Rock Fest CR Fotos: Roberto D’Ambrosio para WARP CR

Lugar: Palacio de los Deportes, Heredia, Costa Rica Duración: 1 día 27 bandas

Seka y The Transformer

Es un poco difícil ubicar al Rock Fest entre tanto festival masivo y tan bien pensado. Aún así, el público agradeció el esfuerzo que les juntó 27 bandas nacionales durante 13 horas seguidas de música ininterrumpida. El festival de música costarricense por excelencia regresó tras diez años de silencio y juntó propuestas para todos los gustos: desde el metal hasta el ska, del dream rock hasta la cumbia.


ROCK FEST CR

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Patterns

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Sonámbulo

Es aún más difícil, no pensar, que Sonámbulo —al igual que en el Festival Imperial 2012— se las agenció para dar un concierto anecdótico aún para quienes se quejaban del sonido. El conjunto, como era de esperarse, puso a bailar hasta al más distraído; la cercanía que transmiten sus presentaciones —por su facilidad de pasarla bien e interactuar con el público— los coronaron como el acto más memorable de la jornada.


Coachella Valley Music and Arts Festival Fotos: Diovanny Gafias para WARP Lugar: Indo, California Duraci贸n: 6 d铆as (dos fines de semana) 175 bandas

Blur


COACHELLA VALLEY MUSIC AND ARTS FESTIVAL

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Phoenix

Coachella es uno de los eventos musicales más importantes de nuestro continente. El Festival se caracteriza por incluir en su cartel a los artistas más relevantes del momento, así como bandas clásicas y sorpresas. Este año, el evento se llevó a cabo del viernes 12 al domingo 14 de abril y de nuevo del viernes 19 al domingo 21 abril, como es costumbre, en Indio, California. El Festival contó con las presentacioners de Red Hot Chili Peppers, How to Destroy Angels, Tame Impala, Infected Mushroom, The Postal Service,, The X, Café Tacvba,, SigurRós, YeahYeahYeahs, entre muchos otros actos de fama mundial. Algunos de los momentos más memorables fueron la colaboración en vivo de Phoenix junto a R. Kelly durante el tema ‘1901’, el regreso de Jurassic 5 después de 7 años de silencio y la reunión de todos los miembros sobrevivientes de Wu Tang Clan.

James Blake


p e t S t x e N e Th Hablar de desarrollo y progreso, de algún modo, termina por remitirnos a hablar de movimiento. Si pensamos en evolución en cualquiera de sus acepciones, es probable que pensemos en transformaciones a través de cierto periodo de tiempo, aunque en términos más prácticos seguramente terminaremos asociando el concepto con movimiento, simplificándolo en una frase como “caminar hacia el futuro” o “dar el siguiente paso”. Y es que si tomamos un momento para zambullirnos en el estanque de nuestras memorias, nos encontraremos con que lo anterior es producto de una enseñanza que se nos inculca de manera natural, lo aprendemos durante nuestros primeros intentos por desplazarnos de manera propia, es decir, cuando caminamos, sabemos que debemos hacerlo hacia delante, al menos si queremos avanzar. Con el paso de los años descubrimos que la vida, prácticamente, se rige por la misma regla y que, de hecho, cualquier disciplina implica continuar adquiriendo conocimiento a través de lapsos para triunfar en ésta. Pero, ¿qué pasa cuándo la dirección de ese “siguiente paso” no se encuentra definida? En ese momento lo que parece una regla natural de perfeccionamiento termina por convertirse en una cuestión existencial y filosófica: ¿Qué sigue? ¿A dónde voy?¿Cómo llegué aquí? ¿Por qué aquí y no a otro lado? Si miramos hacia el terreno sonoro nos encontraremos con las mismas interrogantes. Para el compositor, la música es un reflejo de su alma, la forma en la que nos invita a visitar brevemente su vida; imposible no sentirse abrumado por la proximidad del futuro, que inquietantemente amenaza con mutar todo aquello por lo que se ha luchado. En esta ocasión WARP Magazine presenta The Next Step, un especial dedicado a responder de manera particular esta pregunta para diferentes bandas. Artistas que sitúan a su proyecto en el momento específico en el que se encuentran, examinando los retos por venir y dando un pronóstico de los resultados tras librarlos. La triada que integra Disco Ruido se declara lista pata entrar al estudio de grabación y registrar su segundo álbum de estudio. Por su lado, Trevor Powers busca romper con el síndrome del segundo disco mientras promociona la nueva placa de su proyecto Youth Lagoon. Su majestad imperial, Silverio, presenta al mundo Perro, una pedrada dance a la sociedad puritana. Quiero Club presume las heridas tras sobrevivir a la cirugía creativa que los privo de un miembro, mientras Jack Bevan, de Foals, revela la intensión de la banda inglesa por colarse en las grandes ligas de la industria. Para terminar, Thomas Mars, de Phoenix, nos cuenta en entrevista exclusiva la perspectiva de su banda a unos días de ocupar el escenario principal de Coachella, por primera vez como headliner. Bienvenidos.


Youth Lagoon Attic Doctor

Por: Julián Woodside / Fotos: Cortesía Arts & Crafts México

Pocas veces uno se encuentra a un músico que, desde el inicio de su trayectoria, tiene muy claro lo que quiere. Tal es el caso de Trevor Powers, mejor conocido como Youth Lagoon, quien este 2013 presenta su segundo álbum: Wondrous Bughouse.

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The Next Step Trevor, quien en 2011 lanzara su primer material, The Year Of Hibernation, en tan sólo 18 meses ha visto un crecimiento exponencial de su carrera. Sin embargo, lo interesante de músicos como él es que, por más que el reconocimiento haya sido abrupto, su aproximación a la música sigue siendo la misma: la de un individuo interesado en compartir emociones sin querer quedar bien con nadie. WARP Magazine tuvo la oportunidad de hablar con Trevor para profundizar sobre estos puntos y esto fue lo que nos dijo… Has comentado que The Year Of Hibernation es una especia de diario; en este sentido, ¿qué dirías de Wondrous Bughouse?

Muchas de las canciones empezaron a partir de querer ver dónde estaba respecto a lo que pensaba en ese momento; y es que siento que pensamos sobre tantas cosas, que no tenemos la menor idea de qué es lo que estamos pensando, es como si cierta parte de tu mente estuviera atada a una idea en específico, pero como estás viviendo el día a día, realmente no te das cuenta sino hasta que pasas tiempo contigo mismo, viendo lo que hay dentro de ti. Muchos de los temas e ideas estaban relacionados, aunque esa no fuera la intención. Normalmente escribo desde lo introspectivo, y sigue siendo así, pero de una manera diferente a la del primer disco.

›› Julián Woodside es periodista musical y epecialista en análisis de comunicación audiovisual y colaborador de WARP Magazine México.


Muchos críticos definen tu primer disco como nostálgico, triste. Sin embargo, se encuentran ciertos destellos de luz y esperanza, como si mantuvieras la idea de que hay algo al final del camino… Tiene cierto grado de nostalgia, lo que es normal cuando escribes canciones donde retomas cosas del pasado sin importar lo que hagas o cómo lo uses. Sin embargo, nunca romanticé respecto al pasado ni me quedé atorado en él. El primer disco fue más sobre retomar cosas del pasado y aplicarlas al futuro, como ese sentimiento terrorífico de revivir ciertas cosas. Respecto a los críticos, simplemente no me fijo, mucho de lo que se escribe sobre mí ni lo leo; de por sí es raro presentar cosas allá afuera, compartir tu música y que haya gente que la juzgue. Aunque entiendo por qué pasa —tú y yo lo hacemos todo el tiempo—: platicamos sobre música, con amigos, y la ponemos en una escala de valores. En algún momento has declarado que haces música para ti. Sin embargo, cuando te decides a sacar un disco, hacer giras y compartirla, las cosas cambian, ¿cierto? Hay expectativas… El primer disco lo hice básicamente para mí y no sabía quién lo iba a escuchar. Mi plan era liberarlo vía Internet sin saber quién lo escucharía. No estaba enfocado en lo que la gente diría. Con este disco tenía una mentalidad similar, aun cuando supiera que cierta audiencia lo escucharía. La forma en la que me aproximo a la música es que si pienso mucho sobre ello o si tengo un cierto tipo de “agenda”, entonces me estoy alejando de la razón por la que hago música, que es expresarme.

tuve un aspecto relacionado con los negocios y lo odiaba, entiendo por qué estaban esas materias, pero lo odiaba. La industria musical basa el éxito en las ventas que tienes, pero eso es una mierda, porque no determina el éxito de un disco, determina cuánto dinero está haciendo alguien, pero de eso no se trata la música. Una cosa que llama la atención es la manera en que mucha de la crítica aborda tu música, desde cierto tipo de condescendencia, bajo la excusa de que eres “joven”. Sin embargo, tanto en tus respuestas como en tu sonido, se percibe a alguien que tiene muy claro lo que quiere… Es chistoso cómo la gente crea y convierte a alguien en cualquier personaje a su antojo, y cómo la gente se alimenta de ello. En mi caso, sé que alguien va a decir algo sobre mí y a convertirme en algo que no soy, y después otras personas — blogueros, por ejemplo— ven lo que cierta revista dijo y lo toman y lo llevan a otro nivel, volviéndolo masivo, feo. Hablando de la edad, no soy mucho más joven que mucha de la gente que está haciendo música, digo, tengo 24 años, tengo esposa y no me siento tan joven como dicen, lo que no importa en realidad. Creo que la gente quiere cierto tipo de historia detrás del músico, que todo está sobre saturado y que la música no es suficiente: quieren cierto tipo de “trasfondo interesante”.

“La gente en la industria musical basa el éxito en cuántas ventas tienes, pero eso es una mierda.”

Para Wondrous Bughouse tuviste la oportunidad de trabajar con Ben Allen, quien ha producido a artistas como Animal Collective, M.I.A. y Cut Copy, entre otros. ¿Qué tal fue la experiencia? Fue fenomenal trabajar con Ben. Empezamos hablando por teléfono, le conté toda mi visión de lo que tenía en mente para el disco y le agradó. Es lo bueno de trabajar con él, logra entender lo que tienes en mente y camina en paralelo con el mismo objetivo, aunque tomando distintos caminos, por lo que se crea cierto tipo de tensión que ayuda a que fluyan mejor las ideas. Estudiaste Letras Inglesas. Ahí uno ve materias como teorías de la recepción y la manera en la que se interpretan ciertos productos culturales. ¿Consideras que esa formación afectó cómo es que concibes a la industria y a tu audiencia? Creo que sí. En cuanto a las expectativas, siempre he tenido una idea concreta de lo que la gente espera de la música, de cierto disco y de cómo la gente hablaría acerca de lo que está saliendo. Pero creo que alguien fallaría como artista si crea algo que realmente no quiere crear, sólo por cumplir las expectativas de alguien. Cuando iba al colegio tenía una clase de marketing y cosas por el estilo, así que siempre

Debido a que provienes de Boise, Idaho, varios encasillan tu sonido bajo la etiqueta de “provinciano”, de “small town”. Esto remite a que en Estados Unidos hay esta idea de que si no vienes de una gran ciudad tu sonido será, por naturaleza, “inocente”… Sin importar de qué lugar vengas, dicha ciudad va a tener una influencia en lo que creas, ya que cada ciudad tiene su propia vibra, pero a partir de Internet todo ha cambiado. En los pequeños pueblos puede haber gente que haga algo que suene igual a lo que se hace en Nueva York, porque Internet ha reconfigurado la idea de que si quieres ser exitoso tienes que vivir en la Gran Manzana. En mi caso, Boise es mi hogar y venir aquí entre giras es maravilloso, porque aquí está mi familia y amigos. La mayor parte del tiempo estoy viajando, y mientras puedas viajar no importa realmente de dónde vengas.

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The Next Step

Silverio Nylons Bounce

Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP / Asistente: Iván García

2013 es el año que marca el regreso de uno de los personajes más particulares y transgresores de la escena musical mexicana de los últimos 10 años, nos referimos a “Su Majestad Imperial”, Silverio. Y todo parece indicar que con su nuevo disco por fin cosechará todo lo que por derecho le pertenece.

Con la frescura, originalidad y sinceridad que siempre lo ha caracterizado, Silverio nos cuenta todo sobre su nueva producción, que promete hacer estallar una vez más todo el espectro musical actual y llevarlo a niveles insospechados de exposición, como nunca antes. Al mismo tiempo, nos revela sus nuevos planes para sorprender a sus siempre fieles súbditos, además de contarnos cómo ha impactado en su carrera el arresto que sufrió en Oaxaca a principio de año, la opinión que tiene acerca del nuevo gobierno y cómo hará para sobreponerse a cualquier tipo de censura. Pasaron tres años desde la salida de Esclavo, tu último material de estudio... Realmente nunca he estado convencido de hacer lo contrario; simplemente ese fue el tiempo que nos tomó estar tocando prácticamente en todos lados y darnos el espacio para hacer un nuevo álbum. Hemos estado bastante activos y, de alguna manera, ese ritmo nos lo había impedido. Ya has contado con algunas colaboraciones en tus discos, la más reciente en Esclavo, ¿algo de eso en el nuevo material? Las colaboraciones no son algo que me caracterice, pero alguna que otra vez ha habido coqueteos. Hace poco trajimos a tocar a Otto Von Schirach, un músico de Miami bastante recomendable, e hicimos una colaboración que se llama ‘Salón De Belleza’. Para este nuevo disco hay una con Ali Gua Gua, de Las Ultrasónicas y Kumbia Queers, con quien ya habíamos hecho anteriormente la canción ‘Gorila’.

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El trabajo en el nuevo disco te llevó cerca de tres años, pero a principio de 2013 sucedió lo del arresto que sufriste en una presentación en Oaxaca. ¿Este suceso impactó de último momento, en alguna forma, el nuevo material? No realmente. En lo único que ha influenciado es en que, parece, este será el año de Silverio. Yo lo quería empezar de una manera un poquito más suave, pero pues no hubo manera: parece ser que no tenemos rienda que nos sujete. Cuando pasó lo de Oaxaca, el disco ya estaba hecho, aquel fue un show para el gobierno y pues la verdad creo que me lucí: no podía haber salido mejor, es lo que se merecen. ¿Fue “la entrada triunfal del disco”? Exactamente. Nos ha servido mucho para arrancar con todo la promoción del nuevo material. En 2012 se cumplieron 10 años de la llegada de Silverio a la Ciudad de México. ¿Has preparado algo para festejarlo? Pues viene con todo. La verdad es que hemos preparado varias cosas: estamos arrancando el proyecto de Épico, el cual se gestó el año pasado y toda la promoción fuerte viene ahora. También estamos preparando nuevo show, que tendrá un par de máquinas nuevas para renovar un poco el espectáculo, pero como te comentaba va a seguir siendo un show bastante clásico.


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The Next Step Volviendo al tema de tu arresto en Oaxaca, y retomando tus palabras acerca de que “el show de Silverio viene con todo este año”, ¿crees que el tema político o la forma de llevar las cosas del gobierno tengan consecuencias en la forma de las presentaciones de Silverio? Definitivamente yo seguiré en mi línea; más bien, a ver cómo reaccionan ellos. Realmente no creo que se metan demasiado, pero uno nunca sabe. Ya veremos qué pasa y les contaré a finales de año cómo fue la progresión. Lo que pasó en Oaxaca fue algo que no nos esperábamos, pero con eso ya se ve cómo viene el asunto; aunque tampoco nos sorprende: ya sabemos cómo es. El suceso llamó mucho la atención y fue muy comentado en las redes sociales. ¿Crees que esto beneficia de alguna manera la carrera de Silverio?

Bueno, gracias a eso mucha gente que no conocía a Silverio ya lo conoce; y es que fue una noticia que circuló muy fuerte. A mí me sirve bastante, porque lo que percibí instantáneamente fue mucho apoyo. La gente empezó a tirarle tanto a los organizadores como al gobierno y, la verdad, se puso bastante sabroso. Obviamente, en general, hemos tenido las puertas cerradas de algunos medios de comunicación para expresarnos como a nosotros nos gusta y estos nuevos medios nos sirven mucho para hacerlo. Por otro lado, la gente no es pendeja y lo disfruta mucho, todos están cagados de cómo funcionan la televisión y demás medios donde todo es muy controlado; entonces, estos nuevos medios nos dan un montón de posibilidades.


The Next Step

QUIERO CLUB Días Perfectos Por: Michelle Apple

Fotos: Fernando Velasco para Luciérnaga y WARP


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The Next Step

Llega un momento en la vida de todo proyecto musical en el que vale la pena replantear las bases que lo fundamentan, hacer una introspección y analizar los factores que lo originaron, evaluando si aún existen y, en caso de que no sea así, entender qué los hizo desaparecer o tal vez evolucionar.

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Si pensamos en un proyecto tan ecléctico como Quiero Club, es probable que la práctica mencionada sea algo rutinario; sin embargo, la salida de uno de sus integrantes (Gustavo Mauricio “Catsup”) y el inminente lanzamiento de su nuevo material llevó a Marcela, Priscila, Boscop y Luis a hacer una reflexión más profunda. Con El Techo Es El Cielo (2013), la cuarteta encuentra ese momento de observación: se trata de un examen de conciencia sonora, donde encontramos una inquietud implícita de los músicos por presentar una cara distinta de la música que ya les conocemos. Así, el objetivo de su tercera placa de estudio está muy claro: mantenerse unidos haciendo lo que mejor saben. Previo al lanzamiento físico del material, WARP Magazine sostuvo una conversación con Quiero Club, una que con el correr de los minutos termina por convertirse en una suerte de terapia grupal. Han vivido un periodo muy significativo durante los últimos meses, que tuvo que ver con la salida de “Catsup” de la banda. ¿Qué implicó el proceso, composición y grabación del nuevo álbum? Marcela Viejo: Fue un proceso largo, pero muy divertido. Boscop Benavente: Implicó que cambiáramos de ciudad. Tenemos casi dos años viviendo en la Ciudad de México, rentamos una casa y acondicionamos uno de los cuartos como estudio de grabación; y allí, en la casa, a excepción de un par de canciones cuya batería se grabó en otro estudio, se dio el proceso de composición. Desde discos anteriores veníamos desarrollando una fórmula parecida, pero no idéntica: partimos de improvisar en el cuarto de ensayo y de darle valor a las melodías y a los ritmos que nos gustan, que con el tiempo se convierten en canciones.

¿Fue complicado reestructurar a la banda? Luis Fara: Gustavo estuvo durante todo el proceso de composición y producción del disco, él realmente sale de la banda cuando ya estábamos en la mezcla y, por ese lado, no hubo ninguna diferencia. El cambio se empezará a sentir en los siguientes trabajos. Ahorita que estamos haciendo shows, por ejemplo, sí hemos tenido que reacomodar ciertas cosas para cubrir lo que él hacía, pero no estamos tratando de buscar un remplazo. Ya comentábamos que le dimos mucho valor a la composición, a las canciones y a las partes melódicas que estuvimos haciendo entre Priscila, Marcela y yo; por ese lado sí nos hemos acoplado. ¿Qué tan diferente dirían que es el sonido de este disco? Priscila González: A mí no se me hace tan distinto. MV: De hecho, siempre relacionamos las canciones y pensamos: “¡Ah! Esta suena a cierta canción del disco pasado”. Siempre van de la mano y, aunque van evolucionando, tienen la misma raíz. PG: Siempre hay una que se parece a otra, pero en el sentido de que tienen la misma finalidad en el disco. BV: Creo que es la culminación de cómo venimos produciendo y grabando, e incluso te puedo contar que la canción ‘Cuentos’ nació del mismo beat que originó ‘Maybe’, de Nueva América (2008). La librería sonora, a lo largo de nuestra discografía,


“(Este disco) reafirma que podemos hacer canciones y trabajar juntos, que aún disfrutamos salir y tocar.” -Marcela Viejo

haciéndolo, es lo que nos tiene aquí. Durante los ensayos, trabajamos mucho en las canciones nuevas y eso nos motiva bastante, ahora tenemos nueve canciones que nos ayudan a hacerlo más entretenido. O sea que no hay nada qué temer, la energía no se pierde… MV: Se mantiene, porque somos más de la mitad de la banda original, seguimos teniendo la misma química, evolucionamos de cierta manera, pero sigue la misma energía. Siempre decimos que estar en el escenario es como si nos abrieran la jaula… ¿Qué significa El Techo Es El Cielo para Quiero Club? LF: Es la reafirmación de nosotros mismos. MV: Reafirma que podemos hacer canciones y trabajar juntos, que aún disfrutamos salir y tocar. PG: Representa nueve años de resistencia.

ha crecido y hemos recurrido al reciclaje: a elementos que si los sitúas en otra canción te provocan otro ritmo, otro sentimiento. A la fecha, nuestros tres discos tienen ese sonido en particular. La única diferencia podrían ser los fierros que usamos para grabar. Ustedes son muy activos, siempre están colaborando con otros artistas o haciendo cosas por separado. ¿Dirían que estos trabajos externos influenciaron de algún modo el nuevo material? LF: Más que influenciar, de alguna manera te ayuda a sacar muchas cosas… MV: Te ayudan a salirte del ciclo, es un mundo nuevo que te refresca y llegas renovado, es súper nutritivo colaborar con otros músicos. ¿Qué dicen de la energía que traen para el show en vivo? ¿Se vio afectada? MV: No es muy diferente, de hecho, creo que nos unimos. LF: La otra vez comentaba Boscop que fue como una renovación de votos. BV: Nos gusta mucho lo que sucede en el escenario y que no se ha perdido, seguimos teniendo nervios, adrenalina al contacto con la gente. Eso es la materia prima para seguir

¿Tienen planeado algo para celebrar casi una década de carrera? MV: Estamos planeando la presentación del disco en El Lunario (del Auditorio) y un festejo de los nueve años que nos da mucha satisfacción, le estamos echando muchas ganas a ese show que es especial para nosotros. ¿Cómo ven el futuro de la banda? ¿Creen que para el siguiente disco el proceso de grabación y composición sea más ágil? MV: Eso no se puede saber, puede pasar de todo. PG: Siempre hay sorpresas en el camino y no nos gusta preocuparnos, más bien nos ocupamos en el momento. LF: Así es, un día a la vez. BV: Tenemos varias inquietudes, como trabajar con un productor externo o hacerlo nosotros mismos; a lo mejor hasta Gustavo regresa y produce algo. No planeamos a futuro, pero sí le hacemos caso a las inquietudes que van surgiendo. En este momento tenemos ganas de hacer una canción nueva que quizá lancemos pronto digitalmente, tenemos la presentación del disco y lo que sigue. Después de vivir varios años en el D.F., ¿regresarían en algún momento a Monterrey a hacer algún disco o por algún proyecto que sintieran que necesitan hacerlo allá? MV: Nunca digas nunca, pero no creo que suceda, aquí está todo lo que necesitamos. Hay mucho más trabajo aquí para lo que hacemos, así que no creo que sea el caso. Pero si tenemos que ir a las montañas, pues adelante.

›› Michelle Apple colabora en WARP Magazine México e investiga fenómenos paranormales.

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The Next Step

ls a o f . . . e d a M s a W How The Fire r rtesía Warne

án / Fotos: Co

vi Por: Karina Lu

Music

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xt S tep Ne The Cinco años desde la salida de su álbum debut Antidotes (2008), trabajos que han ido de menos a más y que la han cambiado como banda, llevándola a explorar sonoridades diversas y procesos creativos nunca antes registrados en su historia, han sido suficientes para demostrar la ambición de Foals por ser una de las bandas emblema de la última década. Holy Fire (2013) representa así el pináculo de un éxito merecido, luego de su nominación al Mercury Prize, y el risco que definirá si se convierten en forzosa referencia de generaciones futuras o si se quedan en el lindo recuerdo de algo que tan sólo “pudo ser”.

Sobre cómo se ve el mundo desde su perspectiva, la experiencia de haber trabajado con productores como Alan Moulder y Flood, y sobre cómo se maquina un disco, Jack Bevan, baterista de Foals, conversó con WARP Magazine, definiendo Holy Fire, de entrada, como “un disco ámbar... como la resina de los árboles”.

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Foals llega este 2013 con nuevo disco, Holy Fire. ¿Qué tan presionados se sintieron por la expectativa del público y la crítica, teniendo en cuenta que Total Live Forever fue exitosísimo e incluso nominado al Mercury Prize? Bueno, ya sabes, uno siempre siente un poco de presión, pero la verdad es que hemos podido aislarnos y tomar sólo las cosas buenas. No es tan difícil escapar de esa sensación que te dan los medios, el management, los sellos discográficos… Lo que hacemos es alejarnos y trabajar con todo eso, somos muy afortunados de poder hacer música y lo disfrutamos mucho desde sus niveles más básicos, es una de nuestras cosas favoritas, así que en el momento en que entramos al estudio nos olvidamos de toda esa presión y solamente nos divertimos, callamos toda la expectativa como un acto de seguir adelante y creo que es la mejor forma de hacerlo. Me parece que si te preocupas por ser nominado a un premio, vas a escribir música rara porque, definitivamente, ese no es un motivo para crearla. Una de las cosas que causa mayor curiosidad es saber cómo nace un álbum como Holy Fire. ¿Qué nos puedes contar sobre eso? Cada tema y cada disco es diferente: en algunos establecemos una guitarra e intercambiamos ideas entre nosotros; otras se forman a partir de una batería y luego una línea de bajo. La diferencia en este trabajo es que, por primera vez, hemos escrito canciones completas de la manera tradicional: ‘Moon’ y ‘Stepson’ —las últimas dos canciones— fueron escritas al piano desde el principio y luego les agregamos las voces, así que hay canciones de escritura tradicional, donde hubo muchas formas completas: mientras Edwin tocaba, agregábamos baterías y bajos, antes y después, siendo una nueva e interesante forma de trabajar, lo que me parece que funcionó mejor con canciones lentas.

Sabemos que en este disco contaron con Alan Moulder y Flood en la producción. ¿Qué tanta influencia consideras que tuvieron en el proceso creativo? Bueno, trabajar con estos dos tipos fue algo increíble; ya sabes, somos fans de su trabajo desde que éramos adolescentes. A todos nos gustaba The Smashing Pumpkins y Nine Inch Nails; de hecho, Melancholy And The Infinite Sadness es uno de mis discos favoritos de la adolescencia, así que fue un verdadero honor que aceptaran trabajar con nosotros, pues juntos son un gran equipo. Alan es muy considerado, centrado, como una especie de doctor, alguien muy tranquilo que se acerca a la genialidad sonora y que sabe exactamente cómo lograr los sonidos que quieres; puedes describirle algo y él lo hará sonar, lo cual es increíble. Flood, por su parte, es un director bien hecho, alguien que está contigo en el ring todo el tiempo y que al tocar una canción, casi inmediatamente, sabe dónde detenernos para decirnos, muy concentrado: “estuvo genial, pero, ¿qué tal si intentan cantar un poco atrás del bit?”. La verdad es que, juntos, son un dream team, pues toman en cuenta cada aspecto del disco para denotarlo artísticamente. Ellos de verdad se interesaron en facilitarnos la grabación de lo que queríamos hacer, dejando su huella en cada sonido, como en los otros discos que han hecho. Fue una experiencia genial; personalmente me encantó. ¿Cómo fue el acercamiento para que trabajaran con ustedes en el álbum? Nuestro disco pasado, Total Life Forever, lo mezclamos con Alan y la verdad trabajamos muy bien con él; se involucró muchísimo, así que decidimos hacerlo de nuevo. Nos acercamos y le preguntamos si le gustaría trabajar en el Holy Fire, lo que le emocionó mucho. Entonces alguien mencionó que quizá podríamos convencer también a Flood, a lo que dijimos “Woow”, y es que no esperábamos que nada de esto pudiera ocurrir. Y cuando sucedió, quedamos impresionados; pensamos: “Tenemos que hacerlo con ellos, es con ellos con quienes queremos hacerlo”, así que no hubo discusión; ya sabes, es una especie de dupla legendaria y además no habían trabajado juntos en un disco desde 2005. Siempre mostraron mucho gusto en trabajar en el disco, así que fue extraordinario.


“Me parece que si te preocupas por ser nominado a un premio, vas a escribir música rara porque, definitivamente, ese no es un motivo para crearla.” -Jack Bevan

Hablando del arte del disco, ¿quién fue el diseñador? La verdad es que tiene un estilo muy parecido al que revistió Total Life Forever… Es una foto que, de hecho, encontramos en un blog o algo así. Lo único que sabíamos era que alguien la había publicado de algún otro lugar y nada más, así que tuvimos que hacer mucha investigación para encontrar de dónde venía. Entonces descubrimos que se trataba de una fotografía de la revista National Geographic, tomada en los años 60 y, honestamente, la noche en que la vimos, pensamos: “Este es el arte del disco, esta es la correcta”. La combinación de la fotografía con el nombre “Holy Fire” y la primera canción… ¡Simplemente se sentía bien! Todos esos elementos tienen un sentimiento similar, incluso proviniendo de medios distintos, crean ese mismo color en mi cabeza, como ámbar, como el crepúsculo, como atardeceres; ese tipo de colores surgidos de la música, el arte y el nombre mismo del disco. Una vez que decidimos que queríamos que esa imagen fuera la portada, tuvimos que ponernos en contacto con el autor, quien está en edad avanzada; tomó la foto en 1967. Al final nos dio el permiso de utilizarla y fue maravilloso. Muchas bandas, si no es que todas, aseguran que su último disco es el mejor. ¿Qué piensas al respecto? ¿Es Holy Fire el mejor disco de Foals? [Risas] Me parece que, en donde sea que promociones un

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine México.

disco, dirás que ese es el mejor. Sin embargo, de manera genuina, profunda, puedo decir que Holy Fire lo es. Creo que cada disco que hemos hecho ha sido mi favorito de algún modo, pero con este me pasa algo particular: en el pasado, para el momento en que la grabación salía al mercado había escuchado las canciones tantas veces que sentía que no podía escucharlas más, me sentía enfermo de hacerlo. Ahora no he sentido eso y no sé si significa que es el mejor disco o si es el más escuchable (sic), lo que sí sé es que puedo seguir poniéndolo y disfrutarlo cada día; se siente bien. Cada producción -en el proceso creativo e incluso en las relaciones personales- deja lecciones importantes para una banda. ¿Con qué se queda Foals a partir de Holy Fire? De este disco hemos aprendido a tener más confianza respecto a jugar con los sonidos, sentimos que podemos tomar algunos riesgos y aventar los dados. Cuando hicimos nuestros discos pasados fue una especie de escalera continua que podía terminar para nosotros, porque cuando haces un segundo disco, en estos días, si no le va bien, puede ser el final; es como tener una guillotina sobre tu cabeza y vivir preocupado de que se vaya a activar. Hemos aprendido a tener actitud ante la presión y ahora sentimos como si pudiéramos hacer lo que queramos.


x i n e Pho The Next Step

The Real Thing

Por: Diovanny Garfias /

sic

Fotos: CortesĂ­a Warner Mu


mo leyenda, carrera y se consolida co su de e br m cu la a ga ta lle Cuando una banda o artis ino as les sonreía y ese cam en ap te er su la e qu los los tiempos en difícilmente recordamos Smith y su Difícil pensar en Robert o. ad leg re ar ed qu ce re mayor pa en el que buscaban algo laterra, mientras eño pub en Crawley, Ing qu pe ún alg en s na rso 50 pe banda tocando frente a r con jueves, nada tiene que ve de e ch no en , ino ris pa o en algún club que Daft Punk mezcland ristas. sus presentaciones futu

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Ejemplos hay muchos, pero lo cierto es que a los grandes los recordamos como eso: como figuras trascendentales. Sin embargo, es realmente interesante identificar el momento preciso en el que una banda deja de ubicarse a media tabla para pertenecer, para siempre, a los protagonistas sonoros de la historia. Y curiosamente hoy tenemos la oportunidad de observar y estudiar este fenómeno de la mano de una banda francesa: Phoenix. El cuarteto integrado por Thomas Mars, Deck d’Arcy, Laurent Brancowitz y Christian Mazzalai tiene una vez más los reflectores de frente, no sólo por la salida de su quinta placa de estudio, Bankrupt! (2013), sino por la sorpresa de que encabezarán uno de los festivales de música más importantes de la historia moderna: Coachella Valley Music And Arts Festival. Es cierto que Phoenix se convirtió en una de las agrupaciones más relevantes de la década anterior, de la mano de su Wolfgang Amadeus Phoenix (2009), aunque no cabe duda de que el momento de asegurar un lugar en el cementerio de las leyendas sonoras es ahora: la prueba de fuego se llevará a cabo en el Empire Polo Club de Indio, California.

WARP Magazine charló con Thomas Mars, el carismático líder de la banda, quien revela los detalles previos a su tour 2013, sin olvidar mencionar, claro, su cariño por el público mexicano. ¿Cuál es la historia detrás de la concepción y grabación de Bankrupt!? La historia es la misma de cada uno de los álbumes que hemos hecho: los cuatro estuvimos mucho tiempo en el estudio y, cuando al fin el álbum quedó listo, nadie quería acordarse de todo el proceso. A pesar de que el disco quedó terminado varios meses atrás, guardaron el producto final durante más tiempo; de hecho, la información fue saliendo a la luz a cuentagotas. ¿Lo hicieron por alguna razón en particular? De ninguna manera, simplemente tratas de encontrar la forma de revelar pequeñas porciones, de hacer cosas emocionantes para la gente, cosas que les emocionen del modo en el que nos emocionan a nosotros —como descubrir un nuevo disco o cualquier otra de las cosas tan simples que nos gustan—. Pero no importa, el disco está allá afuera y no hay más que decir [risas].


The Next St

ep

un estudio en París (bueno, en realidad fueron dos estudios, pero resulta que el segundo estudio era justo el de Philippe). Ahora que el disco está allá afuera, ¿qué tan decisiva dirías que fue la participación de Philippe? Él nos ayudó, pero no como un productor tradicional; fue más como un amigo que nos conoce muy bien y que nos compartió su visión de “lo que un disco de Phoenix podría ser”. Nos ayudó a incorporar ciertas melodías o instrumentos a las canciones, y lo hizo como alguien que realmente se interesa por ser parte del álbum, lo que nos emocionó mucho: fue una experiencia dulce y encantadora. ¿Pensaron desde el principio que, para este álbum, debía haber ciertos elementos que sacaran a la banda de su zona de confort? ¿Pensaron que Phoenix debía sonar diferente? No sé si [silencio]… Bueno, seguro, siempre tratamos de sonar diferente, pero no queremos hacerlo nada más porque sí. Creo que hay muchas cosas —instrumentos en particular— que muestran claramente las paletas de color que existen en nuestra música, que probamos en el estudio en un momento de “libre obsesión”. Fue como andar por el estudio tratando de resolver los sonidos que utilizaríamos. Fue divertido y creo que de algún modo fue como posponer un proceso al que, sabíamos, teníamos que llegar: teníamos escritas las canciones correctas y fue bueno buscar el sonido que queríamos.

Algunos de esos teasers del disco que se filtraron por la red hicieron pensar a muchos que éste sería más electrónico o influenciado por el uso de computadoras… No creo que nosotros pensemos mucho en la tecnología como un instrumento; lo más importante para nosotros son los sintetizadores, las guitarras, ya sabes, todo lo que puedas tocar al mismo tiempo, así que nunca diría que la tecnología cambiará nuestro sonido.

Suena a que se entretuvieron, pero, ¿qué tanto les ayudó este proceso? Creo que nos ayudó mucho, porque una vez que encontramos el sonido, se convirtió en algo único, icónico. Cuando haces una canción puede ser muy simple, pero si suena como tú, será algo que siempre querrás tocar y en la música hay muchas historias como estas: ahí está The Jesus And Mary Chain, que debe ser uno de los mejores ejemplos porque, aunque sus canciones son muy básicas, simples, tienen un sonido único que las convierten en lo que son y eso es algo que amamos.

“Nunca trabajo en nada más que no sea Phoenix; lo hice una vez con Air... pero para mí es más importante el placer de hacer algo con mis compañeros.”

¿Fue difícil no repetir musicalmente lo que hicieron en Wolfgang Amadeus Phoenix? Creo que lo interesante de hacer un disco, es que no sabes cuánta influencia tomarás del pasado y cuánta del futuro. Para mí siempre se trata de esta combinación melancólica y futurista que es difícil de encontrar. Creo que cuando empezábamos y supimos que las canciones que escribíamos tenían “eso”, nos sentimos satisfechos, en el lugar correcto; sabíamos que podíamos generar esa atmósfera que hace que una canción no se despedace.

-Thomas Mars

Bankrupt! es un disco que suena a Phoenix, con los elementos que ya les conocemos, pero con ciertos elementos de producción que van “más allá”… Así es; siempre producimos los cuatro y nos acompaña Philippe Zdar (Cassius), quien nos ayudó en el disco pasado, igual que con nuestros álbumes anteriores. Lo grabamos casi en su totalidad en

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The Next Step 54 ¿Emocionalmente hubo presión por repetir lo conseguido con su placa anterior? Siempre es difícil, pero no nos podemos quejar: el nuevo álbum nos tiene satisfechos a los cuatro; incluso si hay presión y sientes que le estás dedicando mucho tiempo a una sola canción, está el placer de saber que los cuatro seguimos juntos haciendo algo que nos gusta. Siempre hay momentos difíciles y presión, pero nada que no sea placentero.

Están por presentarse en Coachella; de hecho, será la primera vez que actúen como headliners. ¿Cómo se sienten al respecto? Sentimos presión, mucha presión [risas]… Montos impresionantes de presión, y creo que a estas alturas ya no podemos zafarnos [risas]. Pero sí: hay presión.

¿Qué tanto hay de cierto en que parte de las inspiración del álbum proviene de lo que hicieron con Sofia Coppola en la cinta Somewhere? Creo que hay una canción, ‘Bankrupt!’, la desarrollamos a partir de una pequeña parte de música que se escuchaba en la película; pero además de eso no creo que tenga mucho que ver. En realidad no me gusta pensar de dónde vinieron las letras o la música: cuando de verdad terminas algo, toma un tiempo entender lo que en realidad tratabas de expresar; eso es lo que me hace feliz, porque me gusta hacer las cosas en un sentido más inconsciente que planeado. Para nosotros tiene más encanto cuando trabajas así.

Regularmente el público la pasa muy bien en los conciertos de Phoenix; el concierto que ofrecieron en México, en 2011, por ejemplo, fue increíble. ¿Están preparando algo especial para esta gira? No lo sé, ni yo sé qué esperar, y no quisiera parecer demasiado amable o algo así, pero sin importar lo que hagamos, creo que siempre vamos a extrañar México, porque la audiencia es extraordinaria: es imposible tocar conciertos como ese de 2011 en todos lados. Cada vez que tocamos en México nos sentimos afortunados, cada vez que hablamos con otras bandas, les contamos que los mejores shows suceden en México [risas]. Para nosotros es impresionante ver a la gente cantando hasta la muerte, gente que no habla nuestro idioma, lo que lo hace más impresionante; es muy bueno para nosotros. Pero no sé qué esperar de nuestros conciertos en vivo; creo que [silencio]… Lo que nosotros queremos es sorprenderlos y sabemos lo difícil que es mantener el misterio con YouTube; lo hemos intentado, pero es muy difícil.

¿Te gustaría colaborar de una manera más extensa o “activa” con Sofia en el futuro? Creo que somos muy activos [risas]. Somos muy activos en cada una de estas colaboraciones; pero sí, podríamos hacer más.

Phoenix lleva más de diez años como banda. ¿Es difícil mantenerse unidos después de tanto tiempo? No, eso es fácil, pero no quiero pensar en eso [risas]. Por mucho, los cuatro sabemos trabajar juntos y no hay ningún problema.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine México.


WARP TV p58. LUST IN THE MOVIES. Evil Dead p61. TECHNOLOGIC. Leap Motion p62. FASHION NUGGET. Thw Wookies y Disco Ruido p64. ART BRUT. Andrea Mary Marshall

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lust in the movies WARP TV

Evil Dead Por: Diovanny Garfias

Fotos: Cortesía Sony Pictures

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n 1978, Sam Raimi decidió filmar Within The Woods, un corto de su autoría inspirado en el Necronomicon —un elemento recurrente en el trabajo de H.P. Lovecraft—: es la historia de cuatro amigos que, sin querer, tras internarse en el bosque y refugiarse en una cabaña, desatan la ira de seres sobrenaturales. Apoyado por sus amigos Robert Tapert y el protagonista del proyecto, Bruce Campbell, el joven director logró llamar la atención de algunos inversionistas. Así, con un presupuesto no mayor a 400 mil dólares, se comenzó a rodar The Evil Dead (1981): una de las más grandes películas de horror de todos los tiempos. Con el tiempo, la franquicia no sólo se expandió —Evil Dead II (1987) y Army Of Darkness (1992)—, Sam Raimi se convirtió en uno de los directores consentidos de Hollywood —al menos durante un tiempo— y Bruce Campbell se volvió un actor de culto, siempre referenciado como el atormentado héroe “Ash Williams”. Pero la duda siempre quedó en el aire: ¿la franquicia arrojaría una secuela más? La respuesta salió a la luz en 2011, 058

cuando se anunció que era hora de reimaginar el clásico de Raimi, traerlo a nuestros días y hacerlo más sangriento. Con Raimi, Tapert y Campbell como productores, 2013 verá llegar a las pantallas Evil Dead: una nueva ojeada al libro de los muertos. El uruguayo Fede Álvarez —Ataque de Pánico! (2009)— fue el elegido para dirigir la cinta, pero ninguna historia está completa sin un score que le haga justicia y es allí donde entra el español Roque Baños. Baños no sólo ha sido galardonado en diferentes ocasiones por su trabajo: es un músico que entiende a la perfección el ritmo del género y que sabe qué hacer para que una orquesta sinfónica sea violenta, oscura o intrigante. WARP Magazine conversó con el artista, el la cual deja muy claro que, en lo que respecta a la música para el cine de horror, aún hay carne de donde cortar… ¿Cómo te involucraste en el proyecto Evil Dead? ¿Qué te hizo aceptar formar parte de este remake? Me puse en contacto con Fede Álvarez, vía Facebook, y me


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Roque Baños

Para nada. Fede y yo lo tuvimos muy claro desde el principio y no tuvimos nada de presión. Sam Raimi, Rob Tapert y Bruce Campbell tenían plena confianza en nosotros y pudimos trabajar sin condición alguna. El único “requisito” era que la banda sonora fuese lo más aterradora posible. ¿Cómo fue trabajar con Fede Álvarez? La verdad es que fue fantástico: Fede es, además de un gran director, un músico con mucho talento. Toca el piano bastante bien y, como mi instrumento principal es el saxo, después de cada día de trabajo — tras “matar, cortar, quemar, enterrar y arrancar almas”—, disfrutábamos mucho tocando juntos temas estándar de jazz que limpiasen nuestras mentes y nos permitiesen desconectarnos un poco. Me gusta componer mientras el director está sentado a mi lado, en tiempo real; es algo que resulta muy emocionante para ellos, porque están siendo espectadores de la realización de la música de sus películas en directo, aunque también supone algo de paciencia de su parte, pues se necesita tiempo para conseguir crear los temas. Y Fede fue muy paciente. Hemos disfrutado mucho trabajando juntos.

quedé sorprendido por su pronta respuesta: me hacía saber que le encantaba mi música y que quería contar conmigo para este proyecto. Más tarde montó la película con música de otras de mis bandas sonoras y eso fue lo que convenció a los productores. Y he disfrutado mucho trabajando con él. Nunca pensé que Facebook fuera el medio a través del cual se me presentaría la oportunidad de colaborar en un proyecto tan mítico. ¿En algún momento pensaste en referenciar a Joseph LoDuca (autor del score de la cinta original) o desde el principio trabajaste en algo muy particular? La verdad es que desde el principio buscamos algo totalmente diferente, basado más en los clásicos de cine de terror, como The Omen o Poltergeist. Fede y yo buscábamos un sonido contemporáneo de orquesta y coro, sin apenas tener que recurrir a la electrónica. ¿Fue difícil re-imaginar la música para una franquicia de culto en el mundo? ¿Sentiste algún tipo de presión?

¿Fede tenía una alguna idea musical específica de lo que quería para la cinta o te lo permitió todo? Él sabía perfectamente lo que quería que la música transmitiese, pero nunca me impuso sus ideas: todo fue consensuado. Me dio total libertad y la música llegó de forma natural. Tu score de Evil Dead suena un tanto minimalista en comparación a otros de tus trabajos; sin embargo, hay momentos de tensión y hasta de sufrimiento que se pueden palpar en la música. Además de la historia de la película, ¿dirías que hay influencia de alguna 059


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otra cinta de horror clásica en este trabajo en particular? Efectivamente se trata de una película que no sólo es de terror, pues tiene una historia muy fuerte, dramática, con un trasfondo del amor fraternal, lo que también se aprecia en la música. Siempre trato de empezar de cero a la hora de componer una nueva partitura para una película y no basarme en otras bandas sonoras que haya hecho con anterioridad del mismo género. Sin embargo, es inevitable que algunas ideas puedan sonar similares a otras que haya usado antes, porque en el fondo es mi huella personal, como le ocurre a cualquier compositor. Esta banda sonora está más cerca de las clásicas películas de género, como las que dije anteriormente, pero con un enfoque más moderno. Todos los temas son originales, como lo es la película. ¿En caso de que se continuara con los remakes correspondientes a la trilogía original de Sam Raimi, te gustaría estar a cargo de la música? ¡Por supuesto! Sería algo maravilloso. Me encantaría que siguiesen contando conmigo. ¿Qué tan diferente es hacer la música para una cinta de horror a un thriller o a una cinta de cualquier otro género? Me siento cómodo componiendo para cualquier género aunque, si tuviese que decantarme por uno, lo haría por la comedia, pues considero que es el reto más difícil para cualquier compositor; y es que a los demás géneros puede adaptarse cualquier tipo de música. Sin embargo, adoro componer para thrillers o películas de terror: este tipo de géneros tienen clichés que me gusta romper; por ejemplo: crear un tema bonito y melancólico para una escena de terror o un tema alegre y desenfadado para una escena de acción: eso hace que sea especial, original. ¿Tienes un proceso creativo sistematizado que sea el que utilizas en cada uno de tus trabajos o cada uno ocurre de manera diferente? 060

Roque Baños

Habitualmente empiezo a componer cuando me dan el montaje definitivo de imagen, aunque en algunas ocasiones me vienen melodías a la cabeza desde que leo el guión. La inspiración hay que buscarla y por eso cumplo mi horario de trabajo a rajatabla: la mañana es el momento que más me gusta y en el que con más frecuencia aparecen las musas que me inspiran. Las melodías me surgen al sentarme al piano, en soledad, y cuando ya tengo claro que encontré el tema adecuado, recurro al ordenador para empezar a orquestarlo y darle forma. Tú trabajo está acompañado regularmente de una orquesta pero, ¿te gustaría trabajar de una manera más simple en el futuro? ¿Quizá del modo en el que Trent Reznor lo hizo en The Social Network? He compuesto bandas sonoras para más de 60 películas de géneros cinematográficos diferentes; y no todas mis partituras cuentan con orquesta y coro; de hecho, muchas de ellas son de jazz o incluso de ritmos flamencos y tradicionales; en otros casos, como Celda 211, de Daniel Monzón, en su mayoría cuenta con música electrónica parecida a la de The Social Network que a lo que más se conoce de mi trabajo. He tenido la fortuna de tocar todos los géneros y de poder emplear diversos estilos musicales. Espero continuar haciéndolo y seguir disfrutándolo de la misma manera.


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Leap Motion Por: Alejandro Escobedo

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a tecnología del mouse y el teclado que utilizamos a diario para controlar una computadora tiene muchos años de historia y han sido muchas las propuestas de innovación que, de una u otra manera, han intentado hacer que queden atrás; dispositivos externos, como tablets con pantallas táctiles, son los mejores ejemplos. Leap Motion es una tecnología de captura de movimiento que ya está transformando la forma en que se controlan las aplicaciones de la computadora; y lo hace con muchísima más precisión que tecnologías como Kinect, de Microsoft, pues nunca antes el control por movimiento había sido tan relevante. El equipo de Leap Motion, de primera mano, nos contó en qué consiste su tecnología y por qué vale la pena ponerle atención. ¿Pueden describir brevemente qué es Leap Motion y algunos de sus usos? El controlador Leap Motion es un periférico USB pequeño, de 2.5 cm x 5 cm x 1.125 cm, que crea un espacio de interacción en 3-D, de ocho pies cúbicos, para interactuar con precisión y controlar software en una laptop o computadora de escritorio, usando movimientos naturales de la mano y los dedos; es como meter la mano dentro de la computadora y sacar información fácilmente. La magia real yace en el software, basado en avances matemáticos significativos realizados por nuestro co-fundador, David Holz, los cuales le dan un enfoque totalmente nuevo al control basado en movimiento que le permite a nuestra tecnología ser 100 veces más precisa que cualquier otra tecnología existente. ¿Qué tan preciso es Leap Motion? Puede rastrear movimientos de hasta un centésimo de milímetro —algo más pequeños que la cabeza de un alfiler— sin un retraso visible; tiene un campo de visión de 150 grados; además, rastrea manos individuales, los 10 dedos u otros objetos en hasta 290 cuadros por segundo.

Tecnologías actuales como el Kinect, del Xbox 360, y algunas computadoras “todo en uno”, tienen sensores de movimiento. ¿Cómo se compara Leap Motion con éstas? Nuestro acercamiento es fundamentalmente diferente de tecnologías como el Kinect. Leap Motion es la única tecnología enfocada a traer control por movimiento al escritorio, en vez de intentar tomar lo que está construido para la TV (detección de movimiento amplia) y hacerla funcionar en una computadora. Desde el principio hemos desarrollado un controlador basado en movimiento 3-D que sea lo suficientemente sensible para controlar una computadora con movimientos naturales de manos y dedos. ¿Qué compañías respaldan a Leap Motion? ¿Hay alguna comunidad de desarrolladores independiente que esté hackeando su potencial? Más de 52 mil desarrolladores alrededor del mundo han aplicado para nuestro programa. Revisamos todas las aplicaciones y, hasta ahora, hemos enviado más de 12 mil unidades gratuitas para apoyar la creación de apps increíbles. Cuando lancemos el producto al público, el 13 de mayo de 2013, cualquiera que esté interesado en desarrollar apps para Leap Motion podrá descargar el kit de desarrollo gratuito. Algunas aplicaciones, siendo desarrolladas para el controlador Leap Motion por compañías conocidas, incluyen plug-ins para diseño de software 3D de Autodesk, apps para Painter de Corel, el juego Wreck-It Ralph: Sugar Rush Speedway, de Disney Interactive; el juego Dischord, del mayor desarrollador de juegos indie, Double Fine; una app de The Weather Channel y el conocido juego Cut The Rope. 061


fashion nugget WARP TV

The Wookies Fotografía: Fotos: Leo Carvajal para WARP CR

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Disco Ruido FotografĂ­a: Fotos: Leo Carvajal para WARP CR

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art brut WARP TV

Andrea Mary Marshall Main course Por: Chëla Olea

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a obra de Andrea Mary Marshall se trata de autorretratos que exploran la intersección de múltiples identidades que abordan la cultura del consumo y la sexualidad femenina, a partir de la premisa “mujer ideal”. Y es que, mediante pintura, fotografía y video, así como de un largo proceso de pre-producción y diseño de estos personajes, Marshall logra involucrar representaciones bien conocidas por el arquetipo “hembra”. Sin embargo, el viaje de esta artista se enriquece en representar la dicotomía entre la vulnerabilidad y el dominio, entre el miedo y la libertad, lo que a su vez es la expresión de la auto-exploración de esta dualidad, ubicándose en un esquema contemporáneo cultural y llevándonos a hacer conciencia de un fenómeno mayor: el estatus regular de la conducta humana. Egresada de Parsons, de la carrera de diseño, Andrea se envuelve en el ruido de la ciudad de Nueva York, creado la relación personaje-persona que vemos en su obra. La exhibición más reciente, Gia Condo, se llevó a cabo en la Galería Allegra LaViola a mediados de enero y trata de este personaje inspirado por el misterio que rodea a la perdurable Mona Lisa: una mujer fuerte que emite mensajes que tal vez muestran control, pero que también demandan atención en un código mucho más sutil al que el espectador percibe de primera mano.

‘The Main Course’ es la pieza favorita de Marshall en esta colección, pues nos comparte que, a pesar de estar bañada en espagueti de una manera sumamente erótica, lo que busca expresar es su deseo por ser el “plato principal” en una relación. Y su proceso creativo tiene muchas facetas; en el caso de esta última serie, se afeitó las cejas y venció una de sus fobias: en la pieza llamada ‘Gia Condo With Dove Trinity’, por ejemplo, se retrató con tres palomas, siendo estas aves las que más repulsión y miedo le causan en la vida. Del mismo modo, interpretó desde la Mona Lisa en una bolsa de basura, hasta un performance evocando a las Guerrilla Girls, pasando por una monja. Toxic Human fue la primer exhibición individual de Andrea y, de la misma manera, logra delatar estas tendencias machistas de la sociedad, imitadas y ligeramente degradadas por una mujer sumamente fuerte, en foto y pintura, haciendo alusión a las portadas de la revista Vogue. Andrea ya se encuentra planeando su siguiente trabajo, inspirado en mujeres como Mercedes Sosa, Soledad Bravo y Frida Kahlo. Y qué mejor que mudarse a la Ciudad de México para darle ese tinte latino. Sin duda comenzaremos a escuchar mucho más de esta talentosa y multifacética artista.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP Magazine, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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GUARP

Foals Holy Fire

By Karina Luvián / Translation by Jorge Rodríguez

Five years since their debut album Antidotes has been enough to showcase the ambition of Foals to be one of the flagship bands of the last decade, with escalating work that has shaped the band, taking it to explore sonic diversity and creative procedures never before registered in their history. Holy Fire represents the pinnacle of some very deserved success after their nomination to the Mercury Prize and the cliff that will define if they become a reference for future generations or if they become a good memory of “what could have been”. On how the world is seen from their perspective, the experience of having worked with producers such as Alan Moulder and Flood, and about how a record is made, Jack Bevan, the drummer of Foals, talked with WARP Magazine, defining Holy Fire from the start as a “amber album... like a tree’s resin”. 068


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Foals starts off 2013 with a new record, Holy Fire, how pressured did you feel from the expectations of the public and critics, keeping in mind that Total Life Forever was very successful, and even nominated to the Mercury Prize? Well, you know, you always feel a little pressure, but we have been able to isolate ourselves from it and take only the good things. It’s not that difficult to escape that sensation given by the media, management, record labels... we just keep ourselves away from that and we work through it. We’re very fortunate to be able to do music and we enjoy it a lot, from its most basic level, and it’s one of our favorite things, so from the moment we enter the studio we keep all that pressure off and just have fun with it, we shut off all expectations in order to move forward and I think that’s the best way to do it. If you are worried about being nominated for an award, you’ll end up writing weird music because it’s definitely not the right reason to be doing it in the first place. One of the things that raises a lot of curiosity is how an album like Holy Fire is born. What can you tell us about this? Every track and every record is different. In some of them we start off with some guitar and we trade ideas between us, some others come about from a drum beat and then a bass line. What’s different this time around is that for the first time we’ve written full songs in a very traditional manner: ‘Moon’ and ‘Stepson’ -the last two tracks- were written on the piano from the start, then we added the voices, therefore there was some traditional songwriting where there were a bunch of complete forms: while Edwin was playing, we added drums and bass, before and after, this being an interesting way to work… I think it functioned better with the slower songs. ‘We know you collaborated with Alan Moulder and Flood in the production. How much influence do you think both had in the creative process? ‘Well, working with those two guys was incredible, we’re all fans of their previous work, from when we were teenagers. We all liked the Smashing Pumpkins and Nine Inch Nails; in fact, “‘Mellon Collie and the Infinite Sadness”’ was one of my favorite records as a teenager, so it was a real honor that they accepted to work with us, because they are a great team together. Alan is very considerate, focused, kind of like a doctor, someone very calm that sonically comes close to geniousness and who knows exactly how to achieve the sound you want; you can describe something to him and he’ll make it happen, which is incredible. Flood, on the other hand, is a true director, someone who’s with you on the ring all the time, and that knows when and where to stop us when we’re playing a song to tell us “Ok, that was great but you need to add this… how about you try singing a little behind the beat?”. They are like a dream team together, since they take into account every single aspect of the record to make it stand out artistically. They took a real interest in making the recording process easier for us in the way we wanted it, you know? Leaving their signature in every sound, just like in every other record they’ve done. It was an amazing experience, personally I loved it. ‘How did you reach out to them to invite them to work with you? ‘We mixed our last record, Total Life Forever with Alan and we

worked really well with him, he really got involved, so we decided to just do it: we approached him and asked him if he’d be interested in working in our new record, Holy Fire, and he got very excited. Then someone mentioned we might be able to get Flood involved as well, to which we thought “Woow!”, because we didn’t expect any of that to happen. When it did we were impressed, we thought: “We have to do it with them, for sure that’s who we want to do it with”, so there never was a discussion around if we should have done it because they are a legendary duo and they hadn’t done anything together since 2005. They always seemed to be very excited about the record, it was extraordinary. Speaking about the artwork for the album, who was the designer? It has a similar style to Total Life Forever… It’s a picture that we found in the internet, in a blog or something. We just knew someone had posted it from another place, so we had to research a lot to find where it came from. We later found out that it was a National Geographic photo, taken in the 60’s, and honestly, the second we looked at it we knew it was the right choice for the album cover. The combination of the photograph with the name Holy Fire and the first track being played felt good, it just did! All those elements have a similar feeling, even coming from different types of mediums: you know, they create that same color in my head, an amber tone, like a twilight, a sunset, those kinds of colors that come from the music, artwork and name of the record. Once we decided on that photo for the cover, we had to contact the author, who is older. He took the photo in 1967, he gave us permission to use it and it was awesome. A lot of bands –if not all– assure their latest record is always their best one when being asked about it. What do you think? Is “Holy Fire” the best Foals album? [Laughs] I think wherever it is that you are promoting a record, you’ll say that it is the best one, but in a genuine and profound way I can say that Holy Fire really is our best. Every record we’ve done has been my favorite in some way, but with this one I have some particular things happening: in the past, by the time we the record hit the market I had already heard it so many times that I felt I couldn’t listen to it any more, I felt sick of it. This time around I haven’t felt that and I don’t understand if that means it’s the best of them, or the most listenable. What’s true is that I can keep playing it and enjoying it every day, it feels good. Every production leaves some important lessons for any band, in the creative process and even in personal relationships. What has Foals learned from Holy Fire? With this record we’ve learned to be more confident respecting playing around with sounds, now we feel like we can throw some dice around and take more chances. When we did our past albums, it was kind of like an continuous ladder that could end at any time for us, because when you make a second record these days, if it does bad it could mean the end for you, it’s like having a guillotine over your head and you only worry about it coming down on you. We’ve learned to keep an attitude against pressure and now we feel like we can do anything we want. 069


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Ask Amanda By Amanda Palmer / @amandapalmer

How did “Save The Mermaid Parade” turned out? Did you achieved the goal? How do you always get involved in those crazy but nobly causes? How do you feel when you take part in a charitable show like this? Nelly Chavarria Oh, thank you for asking. The goal was reached (well, almost, the $100,000 kickstarter goal is at $96,000, almost there) and the parade is going to happen! I always try to help the people who I think I can really, truly help. It’s hard as a rock star, sometimes, because so many people ask you for your help, and if you spend all your time helping people you don’t have time to make art, and anyway people stop listening to you after a while. In the case of this benefit, they were really rushing to put something together, and I was in the neighborhood, so I said yes. Plus I got to wear a sparkly green mermaid tail and sing a song from The Little Mermaid. How could I not do that? I think randomness is important in life. Saying yes can be addictive, though, and sometimes I get very tired and have to rest my fins, so I have to be fucking careful. I was reading the Make Good Art text from Neil the other day and I thought, hey, Amanda could do something like this, so, do you think you that all of your published blogs could become a single book or maybe write an entire book from the scratch by your self? and if so, which kind of book would be? Berenice Flores It’s funny you should ask. I just made a deal to write a book of 070

my own, and I’m going to start working on it very soon. I think it’s going to be a book about the sorts of things I talked about in my TED talk (whcih you can see online), about art, about asking, about how we communicate with and help each other...a little bit memoir, a little bit about crowdfunding. And someday I’d really love to turn my blogs into a book. I’ve been writing a blog for almost 15 years now, there’s definitely enough good stuff. What kind of books inspire you to create something? Claudia González There are some books I read, especially by women, that are so TOTALLY HONEST and BRAVE that I wind up getting inspired to write my own truths. Margaret Cho’s book I’m The One That I Want made me braver and want to share more things. She was so open and honest about feelings, and sex, and fear, and what it’s like to be different, and how she felt growing up. She didn’t sugarcoat things. Another book I’ve read recently that really inspired me was a book called How to Be A Woman by Caitlin Moran. It’s hilarious. She talks a lot about female problems that everyone else just tends to avoid and not discuss. The book made me braver. And sometimes I like to do this: I go into a bookstore and I go to the poetry section and I pull down a random book by an author I don’t know and open it up to a random page. And I read that poem and think....the world is a magnificent place. If you do it right, on the right day, it’s like going into someone’s garden and secretly stealing a strawberry at the height of summer.


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Like Careers in Combat By Paul Stokes /@stokesie

“There are no more roles on TV shows. There are no road-cone dispensing jobs. There are no spots left for park ranger Cause there are no bears left to save you from, But there are still careers in combat, my son…”

It’s the summer, so it must be time for a hammer-on-the head, spoken word slacker anthem. ‘Once In A Life Time’, ‘Losing My Edge’, ‘Feel Good Hit Of The Summer’… Clue’s in the name with the last one isn’t it? For some reason the hot weather and monologues over music just go together, and with Parquet Courts 2013 has its anthem thanks to ‘Careers In Combat’ (above). Taken from the New Yorkbased band’s second album Light Up Gold, this anthem to economic depression and the various wars Britain and America can’t get itself out of is a mix of fuzzy, slacker vibes and hazy indignation perfect for blazing summer skies. A little bit like a Strokes… if you can imagine a Strokes equipped for a beach party rather than Manhattan’s over-hours dives. Also at home on the beach, naturally, are Sydney’s Jagwar Ma. The duo have just released their debut album Howlin, and never has unrequited love sounded so summery or groovy.

Swirling with big beats and a rainbow of harmonics, this is a record that will have a big impact on your feet, hips… and heart, with its neo-baggy beats, shuffling vibes, and lovelorn yet euphoric vocals. Noel Gallagher is so impressed with them, that he recently declared “the fate of the galaxy depends Jagwar Ma and Temples”. I in fact recently saw Noel at Temples’ recent London gig, and unlike his predictions for Proud Mary (remember then, ouch) the former Oasis man is bang on the money with the Kettering group. Temples are also big on the rolling beats and deep grooves, though they deliver theirs through a pop-psych kaleidoscope that is both righteous and irresistible. An album won’t be with us until early next year, but so far they’ve given us singles ‘Shelter Song’ and ‘Colours To Life’ which no summer playlist is complete without. So watch out for this summer’s new music, dancing maybe required… 071


encore

How To Destroy Angels Coachella 2013 Indio, CA. Pic by Diovanny Garfias for WARP

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Warp Magazine CR 01: A PUNTO DE EXPLOTAR

No.02

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