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MONTPARNASSE L’EFFERVERVESCENCE DE L’ART

CONNEXIONS TERRIENNES

Près d’un siècle après les Années folles, comment ce quartier qui fut le centre du monde de l’art, conserve-t-il son histoire si vivante, tout en lui écrivant de nouveaux chapitres, ni anecdotiques, ni folkloriques. Aux côtés de lieux légendaires, d’autres s’ouvrent, fidèlement restaurés ou récemment édifiés, toujours à destination des artistes. Montparnasse vibre toujours avec érudition.

PAR Virginie Bertrand PHOTOS Vincent Thibert

ASCENSIONNELLE

Les deux phares du quartier, d’un côté la tour Montparnasse, en attente de son chantier par AOM qui en fera le futur symbole architectural de la révolution énergétique parisienne à l’horizon des Jeux Olympiques, et de l’autre la Fondation Cartier, la grande famille de l’art contemporain. Avec pour prochaine exposition, « La Vallée » de Fabrice Hyber.

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Le carrefour des arts 1. L’immeuble conçu en 1912 par Henri Sauvage et Charles Sarazin, inventeurs de ce concept « en gradins ». Sa forme de ziggourat avait un but social et hygiéniste répondant aux lois sur la salubrité des logements édictées depuis 1850 : en faisant rentrer air et lumière naturelle à flots dans les appartements. 2. La galerie de photographies contemporaines Camera Obscura, voisine de l’Institut Giacometti. 3. Le carrefour Vavin, centre du monde de l’art dans la première partie du XXe siècle. 4. Un des nombreux immeubles avec ateliers d’artistes du quartier témoigne de son passé. 5. La galerie Camera Obscura accueillant une exposition de Paolo Roversi, jusqu’au 29 octobre.

MONTPARNASSE, ESPRIT ES-TU LÀ ?

Retour à la Belle Époque, sentir frémir la création. Patrice Forest, fondateur d’Idem, repreneur-sauveur de l’imprimerie Mourlot qui réalisa les lithographies de Chagall, Picasso, Miró, rappelle ce qu’était Montparnasse en ce début du XXe siècle : « des champs et des couvents. Les artistes de l’Est fuyant l’empire russe furent parmi les premiers à s’installer dans les ateliers de Montparnasse, les logements n’étant pas chers. Bientôt rejoints par d’autres, du Sud, du Nord ou simplement descendus de Montmartre, comme Picasso .» Les cafés accompagnèrent cette migration, leurs fondateurs saisissant dans cette ébullition artistique, l’arrivée de collectionneurs, de galeristes, d’écrivains. Dans cette bohème, naissent les avant-gardes : futurisme, cubisme, dadaïsme, surréalisme… L’enseignement libre d’après modèle vivant de l’Académie de la Grande Chaumière est recherché. Alberto Giacometti quitte Stampa, l’atelier de son père Giovanni peintre, afin d’y suivre les cours de Bourdelle. Tous pensaient l’art en révolution, contre l’académisme. Pénétrer dans l’atelier d’Ossip Zadkine, artisan du renouveau de la sculpture au XXe siècle, c’est aussi découvrir qu’ils étaient deux artistes avec sa femme Valentine Prax, peintre. Elle légua sa maison à la Ville de Paris à sa mort en 1981. À l’Institut Giacometti est reconstitué à l’identique l’antre d’Alberto, de quatorze mètres carrés dans laquelle il passa quarante ans de sa vie à travailler sans relâche. Les murs couverts d’esquisses ont été découpés et apportés rue Victor Schœlcher, avec ses meubles, ses carnets, tout, tel quel. Catherine Grenier, directrice de la Fondation Giacometti, multiplie les regards sur son œuvre, ravivant les amitiés artistiques de l’époque, ou invitant des artistes contemporains à correspondre avec cette collection unique au monde. Demain ce sera au tour de Dalí qui travailla avec Giacometti sur le Jardin de Rêves pour le comte et la comtesse de Noailles. « Les lieux d’artistes réservent énormément d’histoires », remarque Alexis de Bernède, jeune galeriste de moins de trente ans, qui a réalisé sa première exposition dans l’ancien atelier de Soutine. « Picasso était aussi dans cet immeuble à l’incroyable rez-de-chaussée aux reproductions des bas-reliefs du Parthénon. Cocteau écrivit qu’il n’avait même pas pris le temps de les regarder, montant quatre à quatre chez Picasso. » Pascale Bernheim ouvre celui de sa mère Claude de Soria qui fut une des premières à travailler le ciment dans les années 1960. Les Années folles sont révolues mais l’histoire continue de s’écrire, aujourd’hui encore. Vient de s’installer la galerie Clave Fine Arts d’Antoine Clavé, conçue par l’architecte Kengo Kuma. La Villa Vassilieff qui était celle de Marie Vassilieff – elle y créa une académie et aussi une cantine durant la guerre sauvant ses confrères artistes de la faim – poursuit son destin dans la même ouverture à tous. Elle a été repensée par la designer matali crasset à la demande d’Aware qui a repris le lieu. L’association met en avant les femmes artistes du XIXe et XXe. La Drawing House vient de s’inaugurer. À chaque étage de cet hôtel pas comme les autres, un dessinateur s’est emparé des surfaces horizontales et verticales. Montparnasse s’explore. Un peu d’attention, beaucoup de curiosités. Pousser les portes, c’est rencontrer, se frotter aux personnalités passionnées de Camera Obscura, du Cube Rouge, de la galerie des Montparnos, de la librairie d’art « A Balzac A Rodin »… et de tant d’autres.

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1. RENDEZ - VOUS

1, 2. La Coupole inaugurée en 1927 est le lieu de toutes les conversations artistiques ou intellectuelles, de toutes les fêtes où galeristes et collectionneurs se mêlent à tous les artistes. C’est au bar qu’Aragon rencontre Elsa Triolet. Se succèdent, Sartre Beauvoir, Giacometti, et Camus qui y célèbre son prix Nobel. 3, 4. Le Sélect, fondé en 1924, est le premier bar à rester ouvert 24 heures sur 24. Il concentre tous les écrivains américains, Hemingway l’évoque dans Le soleil se lève aussi. Aujourd’hui, son néon rose est toujours un repère dans la nuit. 5. La Coupole soutient les artistes, leur offrant souvent le couvert, les laissant s’y reposer et les faisant travailler. Les trente-deux piliers sont peints par Auguste Clergé, Marie Vassilieff, David Seifert… un témoignage toujours vibrant de l’École de Paris.

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5. ZADKINE, LA VIE D’ATELIER

« C’est un atelier-musée, fidèle à son identité double, de vie et de création. » Cécile Champy-Vinas, directrice du musée Zadkine souligne la particularité de cette maison acquise en 1928 par le couple Ossip Zadkine et Valentine Prax où ils vécurent et produisirent leurs œuvres pendant quarante ans. Lieu physique et espace mental, autant nid, abri, que poste d’observation, il est peuplé des sculptures du maître de la taille directe, figure de l’École de Paris et de quelques peintures de sa femme. Les archives conservent des centaines de photos prises par André Kertész et Marc Vaux. « S’en dégage l’atmosphère de Montparnasse à l’époque, terrain des artistes. Il y a un regain aujourd’hui des années 1920. »

GIACOMETTI DANS L’INTIMITÉ

Quand Catherine Grenier, directrice de la Fondation Giacometti Paris, visite l’hôtel particulier Art déco du décorateur-ensemblier Paul Follot, elle sait que ce sera le lieu de l’Institut Giacometti. Elle désire montrer l’intimité d’Alberto Giacometti, artiste majeur du XXe siècle, « hanté par son œuvre, toujours poussé en avant par une exigence sans concession ». Entre mosaïques à damiers, papiers peints au pochoir, boiseries, les peintures et sculptures habitent les pièces restaurées. Une infime partie de la plus grande collection de Giacometti au monde, 150 peintures, 500 sculptures, des milliers de dessins et d’estampes, se laissent regarder sans aucune barrière.

Lieux mémoriels 1. Prométhée en bois d’orme et Tête de Prométhée en plâtre d’Ossip Zadkine, dans l’atelier du musée Zadkine. 2. Le jardin du musée Zadkine, avec au premier plan Torse de la Ville détruite et Orphée, deux sculptures en bronze, fonte Susse, d’Ossip Zadkine. 3. La véranda du musée Zadkine, avec la Tête de femme en pierre volcanique d’Ossip Zadkine, acquise en mars 2022. 4. Zadkine accoudé à la sculpture « Formes féminines », vers 1920, une épreuve gélatino-argentique de Marc Vaux. 5. Institut Giacometti : dans la pièce sous verrière qui fut autrefois l’atelier du décorateur-ensemblier Paul Follot, est présentée la sculpture en plâtre peint, Grande Tête d’Alberto Giacometti, 1960, Fondation Giacometti.

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IDEM, LES BELLES IMPRESSIONS

« Ici sont toujours à l’œuvre les presses qui ont imprimé Picasso, Chagall, Miró, Matisse, Braque, Giacometti. Si on croit à la charge des objets, elles ont retenu tout cela. » Quand Patrice Forest reprend en 1997 l’atelier lithographique de Fernand Mourlot, un des plus grands lithographes, il vient s’inscrire dans une histoire qui a débuté en 1881 à la construction de cette imprimerie par Eugène Dufrénoy, éditeur de cartes de monde. Rien n’a changé sous la verrière, si ce n’est que les murs s’enrichissent des dernières lithographies sorties, ici un arbre de William Kentridge, là des yeux de JR, sur un chevalet Lilette à la chaise Gaudi rappelle que Sam Szafran était un membre fidèle de cette grande famille, avec Raymond Pettibon, Jean-Michel Alberola, Sophie Calle, David Lynch, Paul McCarthy… « Une jeune équipe d’imprimeurs passionnés accompagne les artistes, cinquante-trois calages pour un travail de Pierce Brosnan, d’autres très délicats à partir d’images numériques en noir et blanc du photographe japonais Daido Moriyama. » Comme un livre vivant, toujours en train de s’écrire. On n’est pas du côté frénétique du marché de l’art mais de celui de la légende. « C’est un carrefour dans lequel tout le monde se retrouve, peintres bien sûr mais aussi acteurs, réalisateurs, poètes… et voilà comment, à Montparnasse, cette émulation bouillonne toujours et, nous l’espérons, pour longtemps encore. » Patrice Forest s’en assure. Il fait remonter du sud une presse Marinoni des frères Crommelynck que Picasso avait fait venir à Mougins en 1963, en acquiert d’autres phototypiques et pense aujourd’hui à l’achat du lieu même, pour sa pérennité. « Il ne faut pas avoir peur d’exprimer ses rêves. »

Presses mythiques 1. Des imprimeurs sont en cours de calage d’une lithographie. Étymologiquement, ce « dessin sur pierre » est une technique d’impression à plat d’un dessin exécuté à l’encre ou au crayon sur une pierre calcaire. 2. La verrière de l’atelier de 1 400 m2 surnommée « la passerelle » et de l’autre côté, un lieu de stockage. 3. Lithographie de Zhang Xiaogang, artiste chinois, peintre symboliste et surréaliste. 4. Calage des bleus pour une future lithographie de JonOne.

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MARIE-MAGDELEINE LESSANA EN TERRE D’ARTISTES « Je ne suis bien qu’avec les artistes. » Dès la porte franchie de cette maison cachée dans un passage et sous un lierre exubérant, Marie-Magdeleine Lessana, psychanalyste et auteure de livres remarquables Entre mèrefille : un ravage et Marilyn, portrait d’une apparition, présente sa confrérie artistique. Quelques meubles élus ponctuent l’espace : un fauteuil à bascule Thonet, une table de Valentin Loellmann, une chauffeuse héritée de sa grand-mère Marthe de Savignies, aristocrate anticonformiste proche des poètes. Sur les murs, au sol, les œuvres témoignent de ses coups de cœur, de ses rencontres avec les artistes. « Ce qui m’intéresse, c’est le geste de l’artiste dans l’artistique. Cette poésie chez eux de s’inventer en dehors des normes et en deçà. Les artistes sont uniques. » Un corps de JeanCharles Blais, un paysage de Gilles Aillaud, un arbre rouge de Richard Ballard, un portrait de Marilyn de Bert Stern ou encore le Rouge plasmatique de Jean-Pierre Bertrand… « De la vie à l’état pur, le battement de cœur de ma maison. Je collectionne l’art à l’œuvre. Ce n’est pas une collection froide, mais un fil personnel. Il y a toujours une histoire. Aujourd’hui tout est merchandising, le rapport à l’œuvre est merchandisé. L’art est une force en prise avec l’idée de risque. » Et elle le prend ce risque, embrasse ce projet de sauver de l’abandon une maison familiale à Hyères. Aujourd’hui La Villa Magdala. En son sein s’est déjà déroulée une exposition inaugurale de son ami, récemment disparu, Richard Ballard « Entre terres et ciels ». En partenariat avec la Villa Noailles, celle de cet automne se consacre au mouvement hip-hop à travers le regard de la photographe Maï Lucas. « Faire renaître un endroit ». L’œuvre de Marie-Magdeleine.

En bonne compagnie 1. Grand Rouge de Jean-Pierre Bertrand, présenté au pavillon français de la Biennale de Venise en 1999, statue rituelle du Ghana, rocking-chair de Thonet, lampadaire « Callimaco » d’Etorre Sottsass et table basse de Valentin Loellmann. 2. Photo de Didier Morin, Petit Jaune de Jean-Pierre Bertrand, encre de Jimmie Durham et photo d’Alex Van Gelder. 3. Marie-Magdeleine Lessana. 4. L’homme-arbre, lithographie de William Kentridge et dessin de Gilles Aillaud, 1983.

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GALERISTE EN DEVENIR

La toute première exposition imaginée par Alexis de Bernède « À la rencontre des modernes » serait-elle née et accrochée sous de bons auspices ? Il la réalise, avec son alter ego Marius Gismondi, dans l’ancien atelier de Soutine, rue Victor-Schoelcher, voisin de celui de Picasso dans les années 1910. En cet été 2021, tout, ou presque, fut vendu. Depuis cet espace d’habitation et de réflexion se double la galerie Darmo, rue Royale. Le duo – moins de 50 ans à eux deux –, réfléchit à une autre approche du métier de galeriste. « Il se passe trop de temps entre la sortie des études des artistes et leur arrivée chez les marchands. Ils ne bénéficient pas encore d’un réseau solide pour vendre, pourtant ils ont besoin que quelqu’un leur fasse confiance pour se lancer. Nous nous sommes dit qu’il y avait un modèle à trouver pour aider ces artistes et réduire ce cap. » Entre club de jeunes collectionneurs, résidences d’artistes et partenariat avec des lieux historiques, ils testent d’autres voies possibles. Proches du collectif Aurèce Vettier, formé par le duo Anis Gandoura et Paul Mouginot, dont ils ont montré l’herbier du futur, généré par l’intelligence artificielle (IA) à partir de milliers de plantes, ils récidivent en novembre avec trentre-trois peintures de rêve. « Aurèce Vettier repousse les limites des procédés créatifs traditionnels en y intégrant une intelligence artificielle. » Ces derniers ont collaboré avec l’agence Gilles & Boissier sur un « cabinet botaniste » virtuel, en NFT (bien irremplaçable, donc unique), et réel aussi, dont les pieds sont dessinés par l’IA. Alexis de Bernède et Marius Gismondi sont, avec leur plateforme Darmo, au Top 30 des moins de 30 ans, Art et Culture, du magazine Forbes.

Transgénérationnel 1. Dans la bibliothèque, en bas, La forêt rouge de Xavier Deshoulières, au centre, de haut en bas, Côte danoise de Louise Ravn-Hansen, Nuages de Werner Sundblad et chaise « LCW » de Charles et Ray Eames. 2, 4. Accrochage de dessins, gravures, estampes et eaux-fortes de Javier Vilató Ruiz, Muriel Malchus ou Nicolas Poignon. Sur le mur sombre, Scènes de bain à Calistencia de Miriam Lopez Aguayo. 3. Alexis de Bernède, à côté de Quand Jack Souffle de Muriel Malchus.

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ACADÉMIE ET LIBRE APPRENTISSAGE

Les salles portent encore les noms de ceux qui y ont enseigné : Antoine Bourdelle, Ossip Zadkine, Fernand Léger, André Lhote. Les immenses verrières s’orientent toujours au nord, les estrades sur lesquelles les nus posent, demeurent à la même place, les tabourets, stèles et chevalets se patinent. L’Académie de la Grande Chaumière reste fidèle aussi à sa vocation de départ : le dessin, la peinture ou la sculpture d’après modèle vivant et des cours libres, sans professeurs. Fondée par une femme peintre d’origine suisse, Martha Stettler, qui accueille dès 1904 des femmes et pratique l’art indépendant, laissant s’exprimer toutes les formes et les techniques. Entre ses murs sont passés Matisse, Van Dongen, Soutine, Miró, Calder, Meret Oppenheim, Balthus, Louise Bourgeois, Tamara de Lempicka, Bernard Buffet, Jean-Paul Riopelle, Olivier Debré… Alberto Giacometti quitta l’atelier bien aimé de son père peintre à Stampa, en Italie, afin d’y suivre l’enseignement d’Antoine Bourdelle. Aujourd’hui encore, chaque jour, étudiants et amateurs fréquentent ses ateliers, libres ou dirigés. Rachetée par la famille Charpentier en 1954 qui fonda l’Académie Charpentier, école d’architecture d’intérieur, dispersée dans des locaux voisins, elle est acquise par le psychanalyste Serge Zagdanski, en 2018. Ce dernier l’ouvre aux étudiants de Charpentier car « même si nous formons des architectes, la dimension artistique est prépondérante, celle du dessin primordiale. Notre dernier intervenant était le designer Patrick Jouin dont chaque création se pense en croquis ».

Cours libre 1. Dans le grand atelier d’Antoine Bourdelle, se retrouvent autour d’un modèle vivant des étudiants et passionnés de toutes générations. Ici, les séances sont libres, sans professeur. 2. La façade de l’Académie de la Grande Chaumière inchangée depuis sa création. 3. Les ateliers demeurent inchangés. Ici, celui de dessin d’après modèle vivant sous l’apprentissage de Justine Joly, diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs.

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DES CÉRAMIQUES À LA SCULPTURE

« J’ai eu la chance de voir s’installer la fondation Giacometti. J’étais déjà voisine de Camera Obscura, ma galerie de photographies préférée que je fréquentais assidûment. Puis, il y a Le Cube Rouge, expert en mobilier des années 1950-70. Nous nous apportons mutuellement. Nos clients ont cet intérêt commun pour l’art. » Céramiste, Karen Swami prépare dans son atelier vitré, sur la rue Victor Schœlcher, ses prochaines expositions : un solo show aux Ateliers Courbet, à New York, une autre à San Francisco chez March, et aussi à la galerie Minsky dans le VIIe arrondissement. Ses laques qui paradoxalement magnifient les traces de la terre – « J’ai phagocyté la technique, changé le nombre de passages » – participent à sa notoriété grandissante, comme celle du kintzugi pratiquée depuis quinze ans et l’enfumage. Karen Swami emprunte pour son prochain rendez-vous parisien les chemins de la sculpture, et plus précisément du bas-relief. « L’influence du quartier ? Peut-être. Mais surtout le besoin de créer un pan au-dessus d’une cheminée dans une maison bretonne, à Locquirec. » Elle est passée maître dans la pratique du tournage, donnant naissance à des formes archétypales, classiques, antiques. Ses céramiques sont cuites jusqu’à sept fois. Il fallait donc que son champ d’expérimentation gagne le large, celui d’un travail à d’autres dimensions, à grande échelle. Dans son atelier, elle accueille des étudiants des Arts Décoratifs ou de l’école Camondo, toute proche. « Ce qui est bien c’est qu’ils font fi des contraintes de matières, veulent des pièces monumentales. Nos échanges et nos expérimentations nous poussent conjointement à aller plus loin. »

Actes de création Dans l’atelier de Karen Swami qu’elle a voulu sur rue et vitré. 1. Pièces uniques en céramique. Au premier plan grès tournés, enfumés et retravaillés à la laque végétale. 2. Karen Swami à son tour, dans l’atelier de la rue Victor Schœlcher, elle pratique le tournassage, l’acte de retirer de la matière sans changer la forme. 3. Mur d’échantillons d’émaux, et vases en faïence émaillée, destinés à sa future exposition à la galerie March, à San Francisco.

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2. DANS LA TÊTE DE CLAUDE DE SORIA

Pénétrer chez Claude de Soria (1926-2015) permet de mieux comprendre l’artiste. Oubliée un temps, Claude de Soria ressurgit grâce au travail de sa fille, Pascale Bernheim. Elle multiplie les expositions à la galerie Clavé Fine Art, fraîchement installée dans le quartier, effectue un inventaire des deux mille deux cents œuvres et entreprend la restauration de son atelier. Claude de Soria est une artiste de Montparnasse, formée à l’Académie de la Grande Chaumière par André Lhote, Fernand Léger et Ossip Zadkine. Puis carnet de dessin en main, elle voyage, de paysages en musées. Elle commence par travailler la terre glaise, ensuite un sac de ciment oublié dans sa cour, provoque la rencontre de l’artiste avec ce matériau. Elle s’en empare, l’expérimente et, à partir de 1973, lui bâtit des structures intérieures, lui érige des moules, et le laisse vivre. « J’essaie, par mon attitude d’écoute vigilante, de disponibilité, d’attention flottante de ne pas manquer la moindre innovation du hasard… » Drapés, sphères, disques, cratères, lames aux surfaces ridées, rugueuses, éruptives, les formes n’ont jamais été aussi libres. Leurs silhouettes étirées ou ramassées se jouent de la lumière de l’atelier, aux côtés du musée imaginaire de l’artiste, de ses livres de référence, des bouts de marbre glanés en Sicile, de charnières d’anciennes fenêtres, des cartes d’œuvres en correspondance avec les siennes. Pascale Bernheim réfléchit à une mise en réseau de ses différentes « maisons d’artistes » aujourd’hui privées ou publiques qui réinsufflent l’esprit de Montparnasse, entre le musée Zadkine, l’Institut Giacometti, l’atelier de la sculptrice figurative, Chana Orloff.

Rallumer la flamme 1. L’atelier de la sculpteur Claude de Soria, boulevard Raspail. L’artiste procédait par série, ici les disques avec leurs empreintes de Rhodoïd, 1974, les Boules, 1976-77, les Fruits, 1970 les Plis plats, 1981, les Lames, 1984, sont parmi les plus emblématiques de son travail. 2. Sur le bureau de Claude de Soria, en mezzanine, surplombant l’atelier : son portrait par André Morain, une reproduction de Fernand Léger, un outil, un « fruit » en ciment et divers catalogues d’exposition.

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SOUVENIRS ET MÉMOIRE VIVANTE

Avec son livre Montparnasse. Quand Paris éclaire le monde, à paraître prochainement, Mathyeu Le Bal, fondateur de la galerie Les Montparnos, fait redécouvrir, les multiples personnalités de la grande époque du quartier. Proche de leurs descendants, il fait resurgir aux côtés d’artistes reconnus, d’autres parfois oubliés, mais qui ont, ensemble, participé à faire de ces quelques rues le centre du monde de l’art. Avec la participation de Jeanine Warnod, 100 ans, l’âme de Montparnasse et sa mémoire vivante, fille d’André Warnod, auteur de l’expression « École de Paris », il livre un ouvrage vibrant et éclairant. « Au début du XXe siècle, tous les boulevards du monde convergèrent vers Montparnasse, drainant des artistes aux mille parcours. Ces fils de l’exil vont poser leur valise près du carrefour Vavin où s’exprimera un langage commun : la création. » Il accompagne la sortie de son livre, la légende des années Montparnasse en huit cents illustrations et plus de quatre cents pages, par une exposition dans sa galerie croisant les destins de quelques-uns : le Breton du groupe Modigliani, Maurice le Scouëzec qui immortalisa le carrefour Vavin, Auguste Clergé, l’organisateur des accrochages dans les cafés, David Seifert, peintre d’une des colonnes de la Coupole, Leon Weissberg, élève d’Oskar Kokoschka, Schraga Zarfin, ami de Soutine… « Ils marquent, comme les plus célèbres, la fin de l’académisme, l’explosion des avant-gardes. Montparnasse est resté secret, il se mérite. Les ateliers sont préservés, l’histoire est vraiment là, hors folklore et anecdotes. »

Les âmes de Montparnasse 1. Le peintre François Gall (1912-1987) à son chevalet, Galerie Les Montparnos, Archive Marie-Lize Gall. 2. Kiki de Montparnasse de Maurice Le Scouëzec (1881-1940), huile sur papier, 1922, 81 x 60 cm, Galerie Les Montparnos, Archive Le Scouëzec. 3. Le peintre Ossip Lubitch (1896- 1990) en terrasse, à Montparnasse, 1926. Galerie Les Montparnos, Archive Dinah Lubitch. Exposition « Montparnasse, les boulevards du destin » jusqu’au 22 décembre.

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Nouveaux lieux 1. Enseigne historique de l’Hôtel des Académies et des Arts dans la légendaire rue de la Grande Chaumière. 2. Tabourets et tables de l’espace petit-déjeuner sont dessinés par Stéphanie Lizée, et fabriqués en chêne massif à nœud. 3. Le lit de jour, omniprésent dans les ateliers d’artiste, se fait ici canapé cerné par une bibliothèque d’inspiration. 4. Le duo d’architectes d’intérieur Lizée-Hugot. 5. La ballroom de l’hôtel Pullman-Montparnasse, vaste espace de plus de 700 m2 , avec plafond en maille d’aluminium anodisée se déployant comme un rideau de théâtre, trois grands lustres métalliques rétractables et mécanisés, et des baies vitrées donnant sur l’immeuble de l’architecte Jean Dubuisson.

HÔTEL ET TOILE DE FOND

« Nous avons pensé l’Hôtel des Académies et des Arts comme un hommage à l’ébullition créative de la Belle Époque, en évitant tout cliché. » C’est un tour de force, d’autres diraient saut créatif, qu’ont pratiqué les jeunes architectes Stéphanie Lizée et Raphael Hugot en inscrivant l’histoire du lieu dans la contemporanéité. Aux mains de la même famille pendant plus de cent ans, acheté récemment par le groupe Adresses Hôtels (propriétaire de l’Hôtel La Ponche à Saint-Tropez) le bâtiment étroit, en face de la mythique Académie de la Grande-Chaumière, conserve sur les murs de la cour, dans la cage de l’ascenseur, les pochoirs de l’homme en blanc de Jérôme Mesnager réalisés dans les années 1980. Le duo a convié d’autres artistes à intervenir au rez-de-chaussée, dans les chambres : Franck Lebraly et ses fresques aux pastels gras en résonance avec les dessins filaires de Pablo Picasso, Charlotte Culot et ses peintures abstraites, Edith Beurskens et ses sculptures en impression 3D, Sylviane Pelletier et ses découpages. Stéphanie Lizée a aussi demandé à l’atelier Lorenzi, mouleur d’art depuis 1871, de créer des plâtres aux formes géométriques. « Nous n’avons que très peu chiné afin d’éviter le côté passéiste, tous les meubles ont été dessinés, réinterprétant le tabouret de peintre, les stèles du sculpteur. Les matières : chêne, cisaille, feutre sont brutes et rappellent celles d’un atelier d’artiste mais des touches graphiques et métalliques contrastent la douceur de l’ensemble. » Les clients sont invités à dessiner sur une immense table à dessin ou à feuilleter la revue Cimaise, fondée en 1953, aux couvertures en héliogravure ou à se plonger dans des livres d’art. Tout est à vendre aussi, des œuvres à la vaisselle.

BALLROOM, LE RETOUR DE FÊTES ANNONCÉES

« Libérer les volumes, se soustraire au cloisonnement, ouvrir de nouvelles perspectives. » Il y a dans cette déclaration, aux accents de manifeste, de l’agence d’architecture CUT un écho à l’essence même des ballrooms. Lieux de fête et de concours de travestissement à la fin du XIXe des communautés gays et lesbiennes, elles sont aujourd’hui les épicentres du Voguing, performances de déconstruction de la gestuelle des mannequins, de détournement des conventions et de sublimation des corps. Voguing prend sa racine dans le titre du magazine Vogue. Benjamin Clarens, diplômé de l’École nationale supérieure d’architecture de Belleville et passé chez Rem Koolhaas, Yann Martin, sorti de celle du quai Malaquais, revendiquent une conception de l’architecture, en dehors de modes. CUT, pour couper avec les conventions. Ils baptisent la future salle de spectacle du Pullman-Montparnasse qu’ils revisitent, Ballroom. Signe extérieur de fêtes annoncées. La transformation de cet hôtel sans attrait, mastodonte du quartier, trente-deux étages et cent quinze mètres de haut, en un lieu attrayant nécessitait leurs pas de côté, leurs regards différents. Ils conçoivent « une vision cosmique de l’espace capable d’emmener les voyageurs vers une nouvelle destination ». Avec le cercle, forme géométrique omniprésente aux plafonds, déclinée en luminaires et interprétée en colonnes d’Inox chromé, s’établit une interconnexion entre les différents niveaux. Fluidité des déplacements et des mouvements verticalement et horizontalement, ouverture sur le quartier avec un toit-terrasse le plus grand de Paris et théâtralité au cœur de la vaste Ballroom ainsi nommée, miroitante comme une boule à facette géante, l’austérité d’hier cède la place à un futur prometteur. Une galerie d’art reste à venir.

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ÉMULATION ARTISTIQUE ET CRÉATIVE

Aux côtés des acteurs historiques : Sennelier, marchand de couleurs depuis 1936 et « A Balzac A Rodin », une librairie d’art mêlant revues introuvables, Verve, Derrière le miroir, Demeure française et des affiches en sérigraphie d’expositions de Picasso, Braque des années 1950, s’inaugurent de nouveaux épicentres de création. La Drawing House, arrivée à l’été 2022, constitue avec le salon Drawing Now et le Drawing Lab, la trinité du dessin. Carine Tissot fondatrice de la Drawing Society a proposé à sept artistes d’investir le nouveau bâtiment de l’architecte Eric Haour, aménagé par le studio Nido. Œuvres originales démultipliées et installations in situ sont signées par Mathieu Dufois, Karine Rougier, Lamarche-Ovize… Aware – Archives of Women Artists Research x Exhibitions – s’installe dans la Villa Vassilieff après avoir confié sa refonte intérieure à matali crasset. « On n’a pas postulé par hasard à sa reprise auprès de la Ville de Paris. Marie Vassilieff, une des rares peintres femmes reconnues au début du XXe siècle, y avait installé son atelier, créé une académie ouverte à tous et une cantine fréquentée par les peintres du quartier pendant la guerre. » La directrice scientifique, Matylda Taszycka, parle « d’héritage matrimonial ». Ce centre de documentation et de recherche s’inscrit dans la même idée de partage et s’attelle à faire reconnaître les femmes artistes nées entre 1790 et 1972. Le design complète ce tableau avec la galerie Le Cube Rouge spécialisé dans le mobilier 1950-60 allant jusqu’à pratiquer la coédition avec les ayants droit. Le premier en date, à cent exemplaires, est le fauteuil « Le12bis » de Charles Godillon. L’histoire continue de s’écrire. Adresses page 192

Temps forts 1. Drawing House, implantée sur le site de l’ancien hôpital Léopold Bellan. 2. Le hall de la Drawing House par Alexandre et Florentine LamarcheOvize. La fresque est un hommage à Joséphine Baker. 3. Dans la Villa Vassilieff, le centre de recherche Aware. 4. matali crasset a réaménagé les espaces de la Villa Vassilieff. 5. « A Balzac A Rodin », livres et affiches sur l’art. 6. Le Cube Rouge, mobilier 1950-60. 7. Sennelier, rue de la Grande Chaumière.

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CÉLÉBRER LES CÉRÉALES CUISINES INTELLIGENTES L’ESPRIT SOMMELIER LES RECETTES DE MANON FLEURY

SCULPTURALE

« Signature », design Nicolas Schuybroek, cuisine en étain, présentée à Milan à l’occasion de la Design Week. L’îlot est composé de blocs empilés. Robinet en acier mat, Obumex. Sur les étagères, objets décoratifs par Nicolas Schuybroek pour When Objects Work, réalisation sur mesure, prix sur demande, Obumex.

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