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Dirección: Mª JOSÉ LAREDO contacto@vim-magazine.com Subdirección: JAVIER P. contacto@vim-magazine.com Redactor Jefe: LAURA PÉREZ redaccion@vim-magazine.com Departamento de Comunicación: Raquel Romero contacto@vim-magazine.com Redactores: IVÁN DIAZ C. ELOY ANDRÉS PERALES ELENA CANOREA MARTA ALBAS IRENE MUÑOZ DON SANDALIO NACHO CIVERA GUILLÉN ALBERTO RICHART MIRIAM PUELLES RAFA RODRIGO GERMÁN PIQUERAS DIMAS MELEIRO

ALBA VERDÉS BEATRIZ LOZANO CLAUDIA CLEMENTE GUILLERMO VILLAR MIGUEL A. ROMERO FERNÁNDEZ JAIME A. RIVERO PATRICIA CUENCA ALEX MADUEÑO ÁNGELA F. NOVO JOANA AGUIRRE MARÍA ROSA SÁNCHEZ

Agradecimientos: SERGIO LARDIEZ ANA CADENAS SOFIA PEDROCHE (ZENIT COMUNICACIÓN) cristina gonzález sonia t. alberto clavijo ADRIÁN LASANTA ALBERTO FRANCO CRISTINA FERNÁNDEZ SARA CABALLERO LUIS COLLADO SANTIAGO TELLO

VIM MAGAZINE no se responsabiliza del contenido de los articulos de nuestros redactores y colaboradores.


CARTA DEL DIRECTOR ¡Pero qué de cosas bonitas nos va a traer Abril! Después de un mes complicado, en el que también hemos vivido la muerte de una de las personas clave en nuestro país, he vuelto a ser consciente de la necesidad de luchar, creer e intentarlo todo hasta el infinito (y más allá). Porque, queridos amigos, si querer es poder, ¿por qué vamos a dejar de desearlo? Me he propuesto que la positividad, la energía y las buenas vibraciones ronden por nuestra redacción y espero que también se os contagien a vosotros. Vivimos rodeados de negatividad, y puede que en un momento dado no le demos más importancia, pero el cúmulo hace que influya realmente en nuestra forma de ver el mundo, de vivir y de espresarnos. El resultado y nuestra salud (que también es un factor a tener en cuenta) será mucho mejor si nos tomamos la vida con calma, alegría e ilusión. Nos envían mil y una señales a lo largo de cada día. Escoge y elige únicamente las que van a aportarte algo beneficioso, y síguelas. Y ahora, ¡a leer! Un abrazo

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)


ESTE MES EN VIM... MÚSICA PACO DE LUCIA - PAG 8 VETUSTA MORLA - PAG 10 MISS CAFFEINA - PAG 29 TELEVISIÓN TRUE DETECTIVE - PAG 40 SIN IDENTIDAD- PAG 44 ENTREVISTA DREAMLAND - PAG 48 ENTREVISTA DANI ROVIRA - PAG 82 CINE ENTREVISTA ALEX GARCÍA - PAG 114 FESTIVAL DE CINE DE MALAGA 2014 - PAG 144 THE GRAND BUDAPEST- PAG 150 MODA ALFOMBRA ROJA OSCARS - PAG 158 PARECE QUE FUE AYER - PAG 170 HUBERT AND CALVIN - PAG 172 LITERATURA LAVANDERÍA EXPRESS - PAG 182 RECOMENDACIONES - PAG 186 EL BUREAU DE DON SANDALIO - PAG 192


MÚS

TOP 10 ULTIMAS SALIDAS EN DIRECTO PAC

CINE RUTH LORENZO VETUSTA MORLA CA

CAFFEINA TOP 10 ULTIMAS SALIDAS EN D

NORAS EN EL CINE RUTH LORENZO VETUS


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CO DE LUCIA LAS BANDAS SONORAS EN EL

AMILA EL PUCHERO DEL HORTELANO MISS

DIRECTO PACO DE LUCIA LAS BANDAS SO

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POR IVÁN DÍAZ C.

Paco de Lucía


Francisco Sánchez Gómez, más conocido como Paco de Lucía, fue un compositor y guitarrista jerezano de flamenco, nacido el 21 de Diciembre de 1947. Hermano menor de la saga de “Los Lucía”, Paco recibió estudios de educación musical de la mano de su padre y pronto tomó contacto con algunas de las influencias principales del mundo flamenco de la época. Tras darse a conocer en el Concurso Internacional de Arte Flamenco, en 1962 comenzó a grabar sus primeros discos junto a uno de sus hermanos, formando el grupo “Los Chiquitos de Algeciras”. En 1967, de Lucia grabó su primer disco en solitario, “La fabulosa guitarra de Paco de Lucia”. Poco a poco, comenzó a abrirse a nuevos estilos como el Jazz. El año 1973 fue en el que su música llegó a un público masivo. La publicación de su disco “Fuente y Caudal” le hizo abrirse camino a través de las fronteras, a la vez que ampliaba su música a nuevos estilos, interpretando con éxito sus canciones en Europa, Norteamérica y Japón. Sólo quiero caminar (1981) y Zyryab (1990) fueron dos de sus discos más alejados del flamenco puro. En ellos, se aprecia con más nitidez la fusión del flamenco-jazz con teclados e instrumentos más. Si bien es cierto, la mayor contribución que hizo de Lucía al flamenco no fue en sí por su música, sino más bien por la difusión que hizo ella, internacionalizando, popularizándolo y convirtiéndole a él, dentro y fuera de las fronteras, en un espléndido interprete. Su virtuosismo y su estilo personal convertían su música en un gran reclamo. La discografía oficial de Paco de Lucía incluye 37 álbumes, el primero en 1963 con

“Los Chiquitos de Algeciras” y el último en 2011, con “Paco de Lucia, en vivo, conciertos España 2010”. Por no olvidar, cerca de 30 colaboraciones en discos de otros artistas como Camarón de la Isla o Miguel Poveda. El Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004) y dos premios Grammy latinos, en 2004 y en 2010, son, entre otros, muchos de los galardones que avalan su extensa e intensa carrera musical. El pasado 25 de febrero, con 66 años, el artista fallecía en Playa del Carmen, México, por un infarto de miocardio, dejando un importante hueco en el mundo del flamenco. Grandes artistas como Alejandro Sanz, Malú, Joaquín Cortes, Rosario Flores o José Mercé fueron a rendirle homenaje en su despedida a este gran artista.


POR ELENA CANOREA

“Nos queda garganta, puño y pies”

Vetusta Morla es el grupo de referencia por excelencia de la música Indie española. Su próximo disco es uno de los que se esperan con más ansia, ya que trae consigo el punto fuerte del grupo madrileño, su directo. El nombre escogido para este nuevo álbum es La deriva, que verá la luz esta primavera, a finales de este mes.

Para los que no podían esperar a descubrir qué trae este nuevo disco, se ha presentado el primer single, Golpe Maestro, que no tardó en extenderse por las redes sociales. Es una canción de tintes más políticos y sociales, pero con un inteligente uso de las metáforas, evitando caer en el adoctrinamiento vago y manido. Una canción así llega en su momento justo de contexto social y las letras pueden dejar multitud de interpretaciones, pero sin duda no dejarán indiferentes. Todo ello mezclado con una melodía pegadiza, una base marcada, y sonidos de percusión y guitarras perfectos. Recuerda a su sonido del primer disco Un día en el mundo, pero con una vuelta más y unos atisbos de reinvención personal.


Paradójicamente, el videoclip de este single muestra imágenes felices de niños disfrutando de un nuevo juguete, que se contrapone a lo que se dice en la letra. Son imágenes de archivo en blanco y negro, metáfora que puede venir a decir ese lado oscuro de lo que se nos pinta como bonito y feliz. Anuncian que traen nuevos sonidos, pero sin caer en canciones protesta, que van acordes con la situación por la que está pasando el país, buscando reinventarse, pero sin perder el sonido “Vetusta”. Atrás quedaron los años de autofinanciación, de casi una década en la que eran pocos los que seguían al grupo nacido en Tres Cantos. Con la publicación de Un día en el mundo (2008), la crítica y el público fue dejando a Vetusta un lugar privilegiado en el panorama musical nacional, y con la llegada de Mapas (2011) se afianzaría esta posición. El grupo con nombre de personaje de novela infantil (Morla es la tortuga de La historia interminable) y liderado por “Pucho”, ha llegado muy lejos desde que comenzaran en 1998 en el Instituto José Luis Sampedro, y ha dejado canciones que se pueden considerar ya como himnos (Valiente, Copenhague o Lo que te hace grande), así como momentos mágicos con el concierto que realizaron junto a la Orquesta Sinfónica de Murcia para recaudar fondos tras el terremoto de Lorca. No se han conformado con eso, y compusieron los temas para el videojuego de Los ríos de Alice, pero quién sabe con qué nos sorprenderán la próxima vez.

La gira en la que están inmersos ha dejado ya grandes directos en México, y a partir del día 24 empezarán a recorrer toda la geografía española, comenzando con dos conciertos consecutivos en Murcia, continuando en Córdoba (26 de abril), Oviedo (30 de abril), Pontevedra (1 de mayo), A Coruña ( 2 de mayo), Vigo (3 de mayo), Barcelona (9 y 10 de mayo), Bilbao (17 de mayo), Donostia (18 de mayo), Sevilla (22 de mayo), Málaga (23 de mayo), Granada (24 de mayo y 20 de septiembre), Madrid (29,30 y 31 de mayo; 20 y 21 de junio;14 de septiembre), Pamplona (5 de junio), Zaragoza (6 de junio), Valencia (7 de junio),Santander (13 de junio), Valladolid (14 de junio). Las entradas han volado en muchas ciudades a las pocas horas de ponerse a la venta, especialmente en el lugar que les vio nacer. En la capital se han agotado las entradas en todas las fechas, y se han ido añadiendo por la fuerte demanda, de ahí que solo haya entradas para el concierto de septiembre. Pero no es la única ciudad en la que los no hayan sido rápidos se han quedado sin entrada, pues en Barcelona, Murcia, Granda y Zaragoza ya no quedan más tickets. Pasado el verano y el buen tiempo, van a probar suerte en Europa con conciertos en París (10 de octubre) y Londres (17 de octubre).


No son las únicas fechas en las que se podrá disfrutar del directo de los madrileños, pues ya han confirmado su asistencia a varios festivales como el Low Festival de Benidorm (25,26 y 27 de julio), BBK Live de Bilbao (10, 11 y 12 de julio), Alhambra Sound (20 de septiembre en Granada) o DCODE (13 de septiembre en Madrid). Con ese primer single y primera pista de lo que se va a poder encontrar en La deriva, Vetusta vuelve a demostrar una vez más que el paso de los años no implica pérdida de la calidad, y que quien es bueno en algo, puede serlo siempre. Sin duda, con este nuevo disco seguirán conquistando a los fans más fieles y a los que conocen por primera vez sus melodías con un ritmo pegadizo, unos acordes bien marcados y unas letras que se graban en la memoria. Vetusta Morla viene a reclamar su sitio en el panorama musical y que vuelvan para quedarse se agradece, y mucho.


Top Happy Pharrel Williams

Adrenalina Wisin, J.LO y R. Martin

Dark H Katy P

1 2 3 6 7 8 Rather be Clean Bandit

Into the blue Kylie Minogue

Emocio Dani M


p 10

Horse Perry

POR ELOY ANDRÉS PERALES IVÁN DÍAZ C.

ABRIL Empire Shakira

Partition Beyoncé

3 4 5 9 10

onal Martin

I’m freak Enrique Iglesias

Neon Lovers Soraya Arnelas


Ultimas

SALIDAS UN MES MÁS OS INVITAMOS A DESCUBRIR LO ÚLTIMO EN ESTRENOS MUSICALES. COMO EN LA MAYORÍA DE LOS ANTERIORES NÚMEROS ENCONTRARÉIS PUBLICACIONES NACIONALES E INTERNACIONALES. ¡NO OS QUEDÉIS ATRÁS! Por eloy andrés perales


THE POWER OF LOVE

HEAD OR HEART

Inglaterra, edición tras edición, sigue exportando artistas de la televisión al panorama musical. En la edición pasada un James Arthur con el tema “Impossible” se proclamaba ganador y, hasta la fecha, está yendo por buen camino.

Christina Perri saltó a las listas musicales con su primer álbum “Lovestrong” y el tema “Jar Of Hearts”. Después de conseguir entrar en el Top20 de Billboard Hot 100, interpretó uno de los temas que componen la banda sonora de la tercera entrega de “Crepúsculo”, y ahora publica su segundo álbum “Head Or Heart”.

“Skyscraper” fue el tema con el que Sam Bailey empezó a promocionarse tras el programa. Ahora, con el nuevo álbum “The Power Of Love” bajo el brazo, y con la experiencia de haber sido telonera de Beyoncé en su gira “The Mrs. Carter World Show Tour” por el paso de tierras británicas, la artista está preparada para adentrarse en la industria musical. “The Power Of Love” contiene 11 temas, con versiones como “Skyscraper” o “The Power Of Love” y con material inédito.

La artista se anima con sonidos más rítmicos, como nos ha podido enseñar en algunos de los temas que se han publicado previamente al álbum, como “Burning Gold”. En este mes de Abril dará comienzo al tour “Head Or Heart Tour” que recorrerá diversos puntos geográficos de América, con una telonera británica, Birdy.


MAY DEATH NEVER STOP YOU

A principios de 2013 My Chemical Romance, banda que nos ha dado éxitos como “Welcome To The Black Parade”, “SING” o “Na Na Na”, anunciaba su separación. Una noticia triste pero con una parte positiva puesto que aprovechan la separación para publicar un recopilatorio de éxitos, contenido exclusivo y un tema nuevo, “Fake Your Date”. “May Death Never Stop You: The Greatest Hits” hará un recorrido desde sus inicios hasta 2013, recopilando temas como los que hemos mencionado antes. Además, no sólo contendrá canciones, sino que también incluirá los videoclips del grupo ¡incluyendo uno inédito!

PACÍFICO Pacífico es el título el nuevo trabajo de los madrileños The Noise que verá la luz el próximo 22 de Abril. En este nuevo disco, tras la publicación de Bellavista y Rapto. Dan Hammond ha sido el encargado de ayudar en la producción de un disco en el que encontraremos una variedad de “canciones aceleradas en las que dominan los sintetizadores y otras más despojadas de elementos y capas”. Han contado con la colaboración del vocalista de Miss Caffeína, Alberto Jiménez en el tema En Sus Tumbas.


DEAR GREAT CANYON

BREAK OF DAY

Joana Serrat, compositora catalana, publicaba a finales de Febrero su segundo álbum titulado “Dear Great Canyon” en formato digital, y a mitad de Marzo en edición física.

El fenómeno boyband y girlband sigue vigente en España. En este caso le toca el turno a la girlband Sweet California, que con solamente un año desde su formación ya cuentan con una gran base de seguidores y el 15 de abril editarán su primer álbum: “Break Of Day”.

La revista Mondosonoro lo situó en el Top10 de Marzo en segunda posición, un trabajo que viene bajo el respaldo discográfico de Primavera Sound. Serrat nos enseña con este disco su estilo folk americano, un sonido que le ha aportado el productor del disco Howard Bilerman, que trabajó con grupos como Arcade Fire.

Acompañadas en este camino por Auryn y Must! Producciones, Alba, Rocío y Sonia forman Sweet California, realizando en este último año covers, conciertos y publicando algún tema propio como el titulado “Infatuated”. Llegados a la primavera de 2014, tendrán en el mercado “This is the life” como primer sencillo y el disco “Break Of Day”. Este álbum contendrá temas en inglés y español, definidos por un estilo pop y algunas influencias country.


CAMILA

Regresa con fuerza

Dos años después y con un integrante menos, vuelve Camila, el grupo de pop Mexicano que nos ha conquistado. “Elypse” es su tercer disco de estudio y su primer single “Decidiste dejarme”, ya suena con fuerza desde el pasado 24 de Marzo, con un sonido más rockero y una melodía muy pegadiza o como dice Mario Domm, voz de Camila, “Es una canción con cuerpo de balada pero vestida de diablo”. Tras este single, vienen once canciones más con sorpresas orquestales, electrónicas, corales, bluseras, rockeras y, sobre todo, rebosantes de esa esencia conocida. “Decidiste dejarme” rompe con un periodo de silencio, tras el lanzamiento de su segundo disco de estudio “Dejarte de Amar”, el cual vendió más de 1 Millón de copias en todo el mundo, además de 3 Premios Grammy, 3 premios Billboard y múltiples certificaciones. Si te has quedado con ganas de saber más, puedes seguir en twitter a su club de fans oficial en España, Camila Spain (http://www.camilaspain.es),la mejor forma de estar al día con las últimas noticias. Búscalos como Camilafcspain. POR MARTA ALBAS


TEXTO Y FOTOS: IRENE MUテ前Z


El pasado 21 de Marzo el grupo granadino El Puchero del Hortelano nos demostró una vez más su gran profesionalidad en la Sala Apolo de Barcelona. La oscura sala con luces rojas abría sus puertas a las 20.30 mientras dos grandes colas de gente esperaban entusiasmadas fuera. La expectación se iba apoderando de todos los que permanecían a la espera de que empezase el concierto. En el instante que probaron una vez más el humo todo el mundo se acercó ilusionado al escenario. Minutos después empezaba el incomparable concierto, en el que albergaban espectadores de edades muy diferentes, pero tanto jóvenes como adultos saltaron y cantaron durante todo el concierto. El grupo nos demostró durante aproximadamente dos horas que no les faltaba energía. Antonio Arco (voz y guitarra) hizo suyo el escenario en el instante que lo pisó. Haciendo sentir a todos los espectadores que era uno más de nosotros, acercándose al público, siendo próximo transmitió todo aquello que el grupo quería decir con las canciones. Así, A. Arco saltó, se arrodilló e incluso embriagó de música a todo aquél permanecía allí. El Puchero del Hortelano tocó un gran repertorio, pasando por su último disco con “Hay días” teniendo una gran acogida, “Maldito”, “Plácida” o “Ser humano”. Y con canciones que se han convertido en míticas del grupo, como “Manuel” esperada por todos, “Míralo” canción que hizo que la sala bailase y riera, “Tu eres eso”, “Quiero saber”, pero sobre todo “De todas las cosas” donde Patricia Ramos (guitarra flamenca) emocionaba al público. José A. García (saxofón y coros) estuvo deslumbrante una vez más, aportando ese toque tan característico del grupo. Además, José C. Camacho (trompetista y coros) nos hizo disfrutar del concierto al verle bailar entusiasmado y tocar la trompeta. “Asuntos Serios” fue la canción que dio por finalizado el espectacular concierto. Los focos y el humo dotaron de la guinda en cada una de las canciones, haciendo brillar al grupo granadino que nos emocionó en cada una de sus canciones.


En En

DIRECTO DIRECTO

UNOS EMPIEZAN GIRAS Y OTROS LAS TERMINAN. DESCUBRID DÓNDE PODRÉIS DISFRUTAR DE LA PRIMERA EXPERIENCIA DE ESCUCHAR DETERMINADOS TEMAS EN DIRECTO Y DEL SENTIMIENTO DE LAS DESPEDIDAS. POR ELOY ANDRÉS PERALES


pólvora Leiva emprende una nueva gira tras publicar “Pólvora”. El cantante, que consiguió el título de Disco de Oro a principios de Marzo por vender más de 20.000 discos, colgó diversos SOLD OUT al poco de anunciar la gira en salas como La Riviera de Madrid, con cuatro fechas agotadas. La gira, que comenzó el primer fin de semana de Marzo, continuará en los próximos meses en ciudades como Valladolid, Barcelona o Málaga que se unen a la moda del llenazo absoluto. Llenazos que no han pasado desapercibidos para la revista Rolling Stone, que en una de sus crónicas lo calificaba como ‘artista de masas también en solitario’.

LA VELOCIDAD DEL VACÍO Dorian dará por finalizada su etapa de “La velocidad del vacío” por España en el mes de Mayo. Tras haber publicado a inicios de año un disco de remixes del último debut, el grupo aprovechaba la ocasión y se adentraba en una nueva gira para finalizar y rematar el disco. Los conciertos empezaron en el mes de Febrero y terminarán con tres conciertos en Abril y dos en Mayo. Los tendremos en Madrid (24), Zaragoza (25), Barcelona (26), y por último en el mes de Mayo en Sevilla (16) y Badajoz (17). Después de pasar por nuestro país viajarán hasta México, donde han sido nominados a los premios IMAS (Premios de la Música Independiente Mexicana), país donde grabaron los videoclips de “El Temblor” o “El sueño eterno”, algunos de los singles del álbum.

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elefantes Elefantes acaba de publicar “El Rinoceronte,” un álbum que nos presentaron con los temas “Equilibrios” y “Escuchar al viento”. Con eventos en Fnac, conciertos en salas y participación en festivales, Elefantes coge con fuerza la primavera de 2014. La gira por salas daba comienzo en Zaragoza el 28 de Marzo con el cartel SOLD OUT, al igual que en ciudades como Barcelona y Madrid, conciertos que dan comienzo a una nueva gira de presentación con el aforo completo. Pero si nos gusta más el ambiente festivalero no hay problema, los tendremos en el Arenal Sound (31-03 Agosto) y en el Sonorama Ribera (13-16 Agosto). Os dejamos con algunas de las fechas de Abril: Barcelona (4 y 5), Murcia (12), Madrid (24 y 25).

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ESTOPA

Estopa lanzaba “E de Febrero, un for bado en México 15 años de carrera y grandes éxitos g con un sonido más

De nuevo, el dúo español y consigue musicae, hecho q co de Oro (20.000 estreno. Aprovech fue grabado en M do en promociona por América Latina

Podremos disfruta acústico en ciudad o Murcia en varios de Abril.


A A SOLAS

Esto es Estopa” el 18 rmato CD+DVD graDF, celebrando sus a con temas inéditos grabados en directo s acústico.

conquista al público e Nº1 en iTunes y Proque les otorga el Dis0) a pocos días de su hando que el álbum México, no han dudaar este nuevo trabajo a.

ar de su sonido más des como Barcelona s días durante el mes

ALMAS GEMELAS En nuestro panorama musical nacional tenemos ejemplos de superación como Luz Casal, que a sus 55 años está en plena actividad musical. Con su último álbum titulado “Almas Gemelas”, la artista irá por los grandes escenarios de nuestro país para deleitar con su voz al público español. Pero no solo será en España donde ofrecerá conciertos, también estará en Francia, Marruecos, Bélgica, Suiza o Turquía. Este álbum también fue publicado en los mercados internacionales como “Alma”, optando a buenas posiciones en las listas de fuera del país.

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Desde que se creó el cine mudo y la primera película a cargo de los hermanos Lumière, la música ha tomado un papel importante en las grandes pantallas. Con solamente uno o varios instrumentos en directo, la gente podía sentir aquello que se quería transmitir. Poco a poco ha ido evolucionando el cine y la música, se introduce el habla en las películas, la música ya está previamente grabada en un estudio y no es solamente instrumental, aparece la voz. Aunque no nos demos cuenta, las bandas sonoras han formado una parte fundamental de nuestras vidas. ¿Qué serían las películas de Walt Disney sin sus bandas sonoras? ¿El Rey León, La Sirenita, La bella y la bestia, Mulán, Cenicienta ó Tarzán? Cuando somos pequeños no llegamos a ver el nivel de musicalidad que introduce cada una de ellas, pero cuando con gran conocimiento vuelves a visionar las filmaciones te das cuenta de que en cada 15min. de película te introducen una canción. No solamente observamos este factor en los dibujos animados, también existen y han existido para las películas de imagen real. Además se han convertido en promoción de éstas y producto de venta. Tanto, que en muchas ocasiones las ponen en los créditos y nada más.

Según datos de MediaTraffic la banda sonora más vendida de Disney es la de El Rey León, con gran éxito como musical en la actualidad. Y algunas otras se sitúan en lo más alto de los álbumes más vendidos de la historia: Grease (Nº3), El Guardaespaldas (Nº4), Saturday Night Fever (Nº6) o Dirty Dancing (Nº 24). Así pues, viendo que algunos de los discos más vendidos son BSO, nos podemos parar a pensar lo importantes que son en nuestras vidas y cómo no nos percatamos. Mencionar a James Bond, La vida es bella o Titanic, que sin ocupar lo más alto del ranking, también han jugado un papel importante. Este fenómeno lo podemos transportar a la actualidad. Una de las últimas filmaciones de Disney, Frozen, ha situado su banda sonora en el Nº1 de la lista Billboard en varias semanas y acumula un total de 2 millones (aprox.) de álbumes vendidos. Un éxito que se plantea reproducir en musical. El concepto de banda sonora ha llegado hasta tal punto que ya atribuimos que algunas canciones son “la banda sonora de nuestra vida”. Tras la aportación de cifras, datos e información os dejamos que reflexionéis. Sin bandas sonoras: ¿qué sería de los musicales?, ¿Disney habría conseguido inculcar en nuestra infancia tantas películas?, ¿se podría transmitir igual el cine?

¿CÓMO SERÍA BANDAS

REFLEXIONAMOS SOBRE LA IMPORTA NORAS Y LA MÚSICA EN GENERAL PAR DESDE SUS INICIOS

POR ELOY AN


A EL CINE SIN SONORAS?

ANCIA QUE HAN TENIDO LAS BANDAS SORA EL CINE, Y COMO HA PODIDO CAMBIAR S HASTA LA ACTUALIDAD.

NDRÉS PERALES


POR IVÁN DIAZ C.

Magica noche ´ sevillana con MISS CAFFEINA ´ en acustico TEXTO XIOMARA CAVIEDES FOTOS VIRGINIA CABRERA

Son las 22’15 de un viernes lluvioso en Sevilla. La Sala Obbio se encuentra hasta los topes. Las luces del escenario comienzan a parpadear y salen a escena los chicos de Miss Caffeina entre gritos y aplausos del público. Así comenzaba la noche del 28 de marzo para los asistentes al concierto en acústico de la banda pop. “Os veo un poco tímidos, ¿eh?”, comentaba el cantante del grupo, Alberto Jiménez, tras abrir boca con Capitán y Ley de Imposibilidad del Fenómeno, al ritmo de guitarra y pandereta. La sala se iba animando al compás de las letras del último disco De polvo y flores con temas como Gigantes, Superhéroe y No mienten. Los espectadores cantaban las canciones y seguía las letras en aquellos momentos que Alberto inclinaba el micrófono hacia ellos. Los aplausos y gritos de júbilo de los asistentes evidenciaban el buen rollo y conexión existente entre el grupo y los oyentes. “¡Ya os vais soltando!” bromeaba Alberto entre tema y tema. A medida que la noche iba avanzando, el grupo fue intercalando canciones del disco anterior, Imposibilidad del fenómeno, como Lisboa, La guerra y Ley de gravitación universal. “Hoy no vamos a tocar Corazón partío, pero sí traemos ésta mecánica”, comentaba entre risas el cantante de la banda antes de tocar Mecánica Espiral. El público acompañó las canciones al ritmo de palmas y bailes. Alberto animaba en todo momento a cantar, aprovechando los estribillos para que los espectadores se unieran a su voz. “Quizás has sido tú, mecánica espiral…”, se oía en toda la sala mientras, de fondo, la lluvia caía en el exterior.

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El concierto se encontraba en el ecuador de su duración cuando las luces del escenario comenzaron a atenuarse, los flashes de las cámaras destacaban y empezó a sonar 19, tema del último disco, junto a San Francisco y Modo avión. La cálida y suave voz de Alberto acompañado por el bajo y la guitarra transformaron la sala. “¡Sois grandes!”, comentaba el cantante entre los aplausos del público. También rememoraron Mi rutina preferida, así como Cabaret, donde los oyentes bailaron y cantaron al ritmo del bajo y las letras de Alberto. Ya casi terminando la noche los nombres de Zahara y Francisca Valenzuela acariciaron los acordes de los temas Luciérnaga y Buen soldado, cover que realizaron los chicos de Miss Caffeina homenajeando a la cantante chilena. Ya se estaba aproximando en fin de la noche en acústico cuando la sala se convirtió en una fiesta. Las luces de colores y el sonido proveniente de la mesa de mezcla daban paso a Venimos. Los chicos del grupo no paraban de bailar y saltar al ritmo de la música mientras el público entonaba el estribillo, “venimos del mismo lugar, de un año de mierda, de rabia sexual…”. Para finalizar sonaron Disfraces, MM y Hielo T, temas muy solicitados por los asistentes. Alberto animaba a cantar y bailar al público. La noche estaba siendo un auténtico espectáculo, la diversión y el buen rollo duró hasta los últimos minutos del concierto. Finalmente, tras más de una hora y media de música, anécdotas y risas, los chicos de Miss Caffeina se despidieron de los sevillanos con un “¡Gracias Sevilla, buena suerte!”. Antes de marcharse se realizaron un selfie, muy de moda actualmente, con todo el público de la sala. Entre aplausos y silbidos, el grupo bajó del escenario dejando un buen sabor de boca a los asistentes en esta fría y lluviosa noche de marzo.

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RUTH LORENZO POR IVÁN DÍAZ C. Ruth Ella-Kate Lorenzo Pascual, más conocida como Ruth Lorenzo, es una murciana nacida el 10 de noviembre de 1982. Cantante y compositora, ha sido elegida este año para representar a España en Eurovisión. Además de ser conocida por su participación en la versión inglesa del concurso Factor X, ha compuesto varios éxitos de Danni Minogue o el grupo Auryn. Desde pequeña sintió la necesidad de cantar. A los 12 años se trasladó con su familia a Estados Unidos, lo que significó el primer contacto con la música en la escuela. Debido a la insistencia de su entorno, se presentó a varias pruebas para conseguir papeles en musicales, logrando participar en ‘My Fair Lady’ y en ‘El Fantasma de la Opera’. Cuatro años más tarde regresó a España, pero sin dejar de lado el mundo de la música. Con 19 años, fundó una banda de rock. Realizó una gira por España que duró tres años, con la que adquirió tablas sobre los escenarios y que le sirvió para encarrilar lo que sería su carrera en solitario. Tras presentarse al casting de Operación Triunfo en 2002 y ser rechazada, firmó un contrato con Polaris World para actuar los veranos, además de servir como relaciones públicas de la misma. En 2008, dio el salto a la fama presentándose en el casting de la quinta edición de Factor X, en Gran Bretaña. Tras ganarse al jurado en multitud de fases, Ruth consiguió llegar a la fase final del programa, siendo eliminada a dos galas de la final, a pesar de que, según la opinión del jurado, su última actuación había sido la mejor interpretación de esa edición. Su paso por el programa le abrió muchas puertas como cantante. El éxito generado por su participación en el concurso le llevó a ser una de las favoritas para representar a Reino Unido en Eurovisión. La delegación irlandesa le ofreció firmemente la propuesta de acudir al festival, aunque declinó la proposición alegando que aún no se sentía preparada para ello. Ruth Lorenzo continuó su carrera como artista realizando conciertos en Reino Unido e Irlanda. Unos meses más tarde, la cantante comunicó a sus seguidores que había firmado un contrato discográfico con Virgin Records (EMI) para publicar su disco antes de que terminase el año.


A finales de ese año comienza su carrera musical en España. La murciana acuerda con el canal de televisión Cuatro la creación de una canción para la serie de sobremesa “Valientes”. Para conseguir una mayor promoción, Ruth actuó en Fama, ¡a bailar! lo que significó su primera actuación en la pequeña pantalla española. Pasado el tiempo y sin noticias del disco que había confirmado, Lorenzo decidió publicar una entrada en su blog en la que confirmó la cancelación de su contrato con la discográfica por “diferencias creativas” dejando parada la producción de su disco. Pese a no contar con el apoyo de una discográfica, en junio de 2011 publicó Burn, su primer single, que alcanzó el decimosexto puesto en la lista de los más vendidos en España. Poco a poco, parecía que su primer álbum, con discográfica independiente, veía la luz. Finalmente, una falta de financiación truncó este segundo intento. Aun así, la murciana continuó abriéndose camino con la publicación de Single, ofreciendo conciertos en salas y auditorios de España, Irlanda y Reino Unido, y componiendo temas para otros artistas. A finales de 2013, la web española Eurovisión Spain realizó un sondeo, como es habitual, sobre quién sería el mejor candidato para acudir a Eurovisión en Copenhague. Entre los favoritos, se encontraba ella, Ruth Lorenzo. Animada por su público y con primer disco confirmado con la discográfica Roster Music, la cantante se lanza a piscina y se presenta como candidata a representar a España en Eurovisión 2014. El 20 de enero RTVE hizo pública la preselección de representantes de España en Eurovisión. El público ya la daba por ganadora dentro de los seleccionados, aunque no fue hasta febrero cuando se presentó la canción con la que representará a España

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en el festival, “Dancing in the Rain”. Pese a colocarse como número uno de la lista de canciones más vendidas en iTunes, y séptima de la lista de PROMUSICAE de canciones más vendidas en la semana del 17 al 23 de febrero, Brequette saltó a la palestra como una dura competidora. Con una canción de estilo power balade, género muy usado en eurovisión por tener un clímax muy potente al final de la misma, la cantante salida de “La Voz” podía hacer sombra a Lorenzo, siendo elegida como ganadora por muchos profesionales. Finalmente, el público tomó la decisión final, alzando a Ruth como ganadora frente al empate técnico entre ambas. La elección de España para Eurovisión de este año se ha inclinado más hacia el inglés que hacia el castellano. Este año, Ruth se ha atrevido a introducir más que una simple estrofa o un pegadizo estribillo en inglés, siendo una canción escrita en dos idiomas, casi a partes iguales. Frente a esto, ya se han escuchado críticas por parte del presidente de la RAE, manifestando la “inquietud” por el hecho de que la canción que represente a España tenga parte escrita en inglés. Aunque en realidad, según ha manifestado su representante Dani Valls, la canción tiene un origen íntegro en ingles, y Ruth decidió traducir ciertas estrofas de la canción al castellano para presentarla a Eurovisión. Al parecer, el hecho de que la canción contenga varias estrofas en inglés ha causado sorpresa en algunos países latinoamericanos, lo que ha provocado dicha polémica. Finalmente, la canción se mantendrá de la misma manera en la que ha sido interpretada hasta el momento, pero eso sí, tal vez, este hecho sirva como precedente para futuras elecciones, mermando, más aún si cabe, las dificultades de España para ganar Eurovisión.


TELEV

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VISIÓN

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La serie del año que ha enganchado a Obama y a la Princesa Letizia

True Detective ha conseguido en 8 capítulos erigirse como la primera gran sensación seriéfila de 2014. La historia que narra la decadencia vital de dos detectives del estado de Louisiana, ha conseguido poner delante del televisor al presidente americano Barack Obama y a la Princesa de Asturias entre otras celebridades, quienes han confesado su ‘adicción’ a la serie de HBO. Desvelamos algunas de las claves de su éxito. POR NACHO CIVERA GUILLÉN

Ya hablamos de ella cuando adelantamos los estrenos que más prometían durante el primer trimestre de 2014 en Estados Unidos, y desde VIM Magazine hemos ido dando durante los últimos números algunas pinceladas de la nueva niña mimada de HBO, pero pensamos que una vez finalizada su primera temporada por odo lo alto, True Detective bien merecía un reportaje propio.

serie protagonizada por Matthew McConaughey ha deslumbrado a público y crítica y ha conseguido que la poderosa cadena estadounidense recupere el terreno ganado por sus competidores en los últimos meses. Su no, celebrado en Estados Unidos el pasado 12 de enero y un día más tarde en España, ya levantó altas expec, como demostró su cifra de audiencia, la mejor de la cadena desde 2010. Desde entonces, y especialmente el capítulo 4, donde tuvo lugar uno de los puntos álgidos de la temporada gracias a una escena de 6 minutos n plano secuencia, las cifras no hicieron más que aumentar. El último capítulo, como muestra, colapsó el serviaming de la cadena y obligó a muchos de sus abonados a tener que verla en diferido debido a la alta demana muerte por éxito.

el secreto de True Detective? Muchos. Sólo hace falta bucear 5 minutos por Internet para darse cuenta que una de las grandes sensaciones del año en la tele americana, y que el fenómeno ha llegado hasta España indo resulta encontrar una crítica regular de la serie, así como foros que critiquen algunos de los apartados de la acierto, toda una comunión entre masa y crítica que bien merece dar una oportunidad a esta ficción policiaca, película de 8 horas, lo que dura toda la primera temporada del tirón.

en destacar el estado de gracia en el que se encuentran durante las 8 entregas los dos protagonistas, MatWoody Harrelson, metidos en la piel respectivamente de los agentes Rustin “Rust” Cohle y Martin Hart, de la ones Criminales de la Policía Estatal de Luisiana. A ambos les sacude una investigación criminal en su departaaños de su vida, lo que transcurre desde 1995, cuando tiene lugar el primer feroz asesinato, y 2012, cuando ón, fallida por ambos en su momento.

gonistas, sin embargo, deja por momentos que la trama principal de la primera temporada (la resolución del en segundo lugar en favor de la evolución (o involución) de los personajes, sumidos en una profunda crisis pern.

os personajes protagonistas, existen otras causas entre sus éxitos. Desde el misticismo y la filosofía creada en asta las innumerables referencias literarias, pasando por una excelsa banda sonora o una estructura narrativa stos los cinco sentidos delante de la pantalla.


Buena parte de la culpa de todo ello es de dos personas: Cary Fukunaga, director de todos los capítulos de la primera temporada (una característica poco común como sabrán todos nuestros seguidores de series estadounidenses), y Nic Pizzolatto, profesor universitario y guionista principal de los 8 capítulos. Ambos han conseguido crear unos códigos propios en la serie y jugar también con la necesidad de explicación de los espectadores ante el devenir de los acontecimientos, creando pistas que han permitido a los fans jugar a desvelar el final de la trama en cada capítulo. Esta histeria, que ha afectado incluso al mismísimo Barack Obama, quien no se cortó en pedir en audiencia al presidente ejecutivo de HBO un adelanto de las cintas, ha originado una resaca de True Detective que pone las expectativas muy altas de cara a la siguiente temporada, con la que se cuenta por seguro a pesar de que al cierre de esta edición todavía no había sido confirmada por la cadena.

En ese juego de las cadenas por sondear al público de cara a una próxima temporada, ya se han colado nombres propios, y es que se rumorea dentro de los medios hollywoodienses con que Brad Pitt podría ser el protagonista de la segunda temporada de la serie, lo que concuerda con la filosofía de que cada temporada sea independiente de la anterior, con trama y protagonistas diferenciados, al más puro estilo American Horror Story. De pronto, su actual protagonista y reciente ganador del Óscar al mejor actor Matthew McConaughey, ya ha confirmado que no estará la próxima temporada. Mientras llega el momento de otras confirmaciones, lo que sí hemos palpado es el vacío que han dejado estos dos detectives entre los seriéfilos, que ya esperan una segunda temporada entre la impaciencia y el temor de que no será igual que la primera. Todo un acierto para HBO, que necesitaba de sorpresas agradables como esta para seguir siendo considerada la reina de la ficción americana en la pequeña pantalla, un trono que ya había sido amenazado pero del que puede seguir disfrutando. Eso sí, sin relajarse demasiado.


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sin identidad (Rueda de presa de presentación)

Antena 3 estrenará la próxima serie de Atresmedia producida por Diagonal, dando un giro inesperado al suceso más escandaloso de la sociedad española reciente, tratado con otros ojos en TV Movies y películas pero siempre inolvidable para nuestra memoria. POR DIMAS MELEIRO FOTOS ADRIÁN LASANTA

clásico estilo visual para trabajar con temáticas actuales y estilos de rodaje más cinematográficos. Una técnica exquisita y guiones bien trabajados desde el prisma más teatral catalán, con localizaciones reales y tiempos infinitos de postproducción para llevar a nuestras casas un producto más parecido a la ficción nórdica o británica que al costumbrismo mediático nacional.

N

ada mejor que basarse en nuestras propias experiencias para contar historias y entretener. ¿Es necesario seguir educando al espectador acerca de una nueva versión de los monstruosos actos de robos de bebés? Aunque parezca que en este país exprimimos demasiado las tramas clásicas de nuestro pasado no está de más una nueva crítica al conflicto religioso-social de robos e intercambio de bebés en la década de los 80. Es sorprendente ver a la productora Diagonal dejar a un lado el drama histórico y el

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Y entre corrillos hablamos con los protagonistas en la casa museo que sirve de escenario natural de la familia principal de la serie, dominada por la bella actriz Megan Montaner. Es ella el leitmotiv de ‘Sin Identidad’. Un “accidente” le hace descubrir con 27 años la falsedad de sus orígenes y amparándose en su formación como letrada le impulsa a seguir el rastro de una investigación con claros tintes a culebrón junto a su enamorado en la ficción, Daniel Grao. Viendo el resto del elenco, da gusto ver que no han pasado los años por nuestros actores. Es difícil buscar nuevos talentos cuando


piezas fundamentales del cine y el teatro siguen mes a mes sin espacio en la televisión o en el cine, pero ‘Sin Identidad’ nos ha recuperado a viejas glorias que no lo son tanto por su fortaleza interpretativa. Y no hablo en vano. Hablo de volver a ver a Lydia Bosch, a Jordi Rebellón y a Tito Valverde interpretar papeles que nunca habían abandonado, y les echábamos de menos. Me atrae la idea de ver a Verónica Sánchez en un papel arriesgado, como hija de Victoria Abril que se mete en la piel de una prostituta de barrio. Ambas actrices, siempre selectivas con los guiones, y sobretodo la primera, sin suerte a la hora de verse más a menudo en grandes pantallas, transmiten sinceridad y franqueza en sus declaraciones a la prensa. Una mirada auténtica que llevarán a sus personajes y nos emocionarán con textos perfectos para sus bellas gargantas. Seguro que el rodaje con la veterana Abril será sencillo, acostumbrada a una tendencia francesa y al ritmo cinematográfico europeo de más alto nivel, pero no cabe duda que le dará al producto el caché que siempre gusta en la productora catalana. Entre las obras de arte del chalet donde nos han citado para este encuentro se escucha que la serie está en pleno parón de rodaje por lo extenuado del mismo, algo que nos provoca una sensación de intriga y nerviosismo ante el resultado de este gran producto. Sólo esperamos estar ante otra joya audiovisual en manos de Atresmedia como ‘Tiempo entre Costuras’, quizá algo tardía en nuestras pantallas, pero como seguro sucederá con ‘Sin Identidad’, la espera merecerá la pena.


Saul Berenson y los claroscuros necesarios No alcanzo a comprender muchas de las críticas y la bajada de audiencia de Homeland en su tercera temporada. Ha sido mucho mejor que la segunda (estupidísima) y me atrevería a decir que la primera (gaseosa). La primera temporada arrancaba con un anzuelo ingenioso que abría múltiples posibilidades narrativas con ese marine de ojos azules que regresa a casa, a ojos de tal analista de la CIA, con un pan podrido bajo el brazo. Anzuelo que yo tragué, no lo escondo, y me hizo camino al andar durante bastantes capítulos hasta hartarme de Brody, Carrie y esa esposa doliente. Homeland se había convertido en esa gallina dorada que todo productor televisivo desea, así que se extendió el sello y se estiraron tramas hasta el infinito en la segunda temporada. Tostón del bueno. Fuego de artificio para paladares energéticos. Cuando hace meses terminó la tercera, que yo ya había tachado alevoso de mi lista de posibles, las reacciones no se hicieron esperar: critica y fans la tildaban de floja, pobre. No se mordieron la lengua. Pero los azares del aburrimiento me llevaron a verla. El comienzo fue bastante esperanzador: no había senador/marine

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Homeland Brody por ninguna parte. Por fin. Ahora el acento caía en ese personaje tan rico en matices, tan Walter White: Saul Berenson, el director en funciones de la agencia. La trama se construía sobre intrigas palaciegas y viejas historias de espías. El legado novelesco de Graham Green, Le Carré y otros cuantos asomaba. Me tragué los primeros capítulos sin masticar (quemando el forward de mi mando cuando salía en escena la almidonada historieta de la hija suicida del marine) hasta que Brody volvió a coger el centro de la escena y la intriga internacional se envolvió (otra vez) en papel de churros.


Miniserie de 3 capítulos basada en la última novela de éxito de la autora P.D. James.

Death Comes to Pemberley

Qué parece:

Inspirarse en la obra de Jane Austen “Orgullo y prejuicio” para desarrollar una novela policíaca puede parecer grotesco, sobre todo para los fans de Austen (entre los que se incluye orgullosa y nada prejuiciosa nuestra confidente), pero amparados en el formato thriller, las expectativas son esperanzadoras.

Qué es: La acción nos sitúa en Pem-

berley seis años tras la boda de Miss Bennett y Mr. Darcy. La pareja prepara el baile anual cuando se desencadena la tragedia y aparece un cadáver en los bosques cercanos. Las pesquisas para resolver el crimen, cuyo principal sospechoso en el interesado Mr. Wickham, servirán de trasfondo en una serie que tiene más vocación de estudio de los conocidos personajes que de intriga detectivesca.

Para entendernos: Si bien la

ambientación es perfecta (la BBC siempre sabe cómo llevarnos a la época georgiana con maestría: los bosques, el palacio, el vestuario, nos sitúan de nuevo en la novela de Jane Austen), el reparto, sin embargo, no acompaña. La heroína de Austin parecía más inteligente e interesante, su relación con Mr. Darcy era más entusiasta (quizá los años de matrimonio les han pasado factura). Mr. Darcy no despierta ya pasiones y los demás, correctos, sin más. La intriga no llega a serlo porque desde el principio se intuye el desenlace. En fin, como asevera nuestra confidente, a los clásicos es mejor dejarlos como están.


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La palabra Dreamland no para de sonar en la televisión o en la radio, pero, ¿qué es Dreamland? Se trata de una serie musical pionera en su concepción y producción. Jóvenes talentos bailan, cantan e interpretan en esta nueva ficción que se puede disfrutar todos los viernes por la noche en Cuatro. Su objetivo es uno: triunfar en el mundo artístico gracias a su talento y esfuerzo. A simple vista podría parecer una serie más, pero ya solo el novedoso casting desvela que hay algo más detrás. Los protagonistas llevan tres años formándose y dando vida a unos personajes que tienen mucho de real y de parecido con ellos mismos, tanto en sus historias como en las canciones que cantan. Que hay talento en España, estaba claro, y Dreamland es la prueba. Cuando los chicos hablan sobre el proyecto, y en sus palabras hay tanta verdad, ilusión y cariño, es difícil no querer ver la serie de inmediato. Si se le suman todos los halagos y buenas críticas de todas las estrellas que han podido compartir la experiencia con los protagonistas, la mezcla es explosiva. Dreamland va un paso más allá y traspasa la pantalla. Cinco de los componentes de la serie: Christian Sánchez, Javier Taboada, Gerard Martí, Javi López y Xoán Fórneas, han formado un grupo musical, con el que ya están cosechando los primeros éxitos. Su canción Everybody Dance no para de subir puestos en las listas musicales y ya han hecho sus primeras actuaciones. Con ellos hablamos sobre sus experiencias con este nuevo proyecto. Bienvenidos a Dreamland, donde los sueños, sí se cumplen. FOTOGRAFÍA: ALBERTO CLAVIJO (www.albertoclavijo.com) ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: PATRI NIETO MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: MARÍA ALONSO Y CAROLINA CASTREJÓN ESTILISMO: Santiago Tello Pino @stellopino. Ayudante de estilismo:Bárbara Brea @BabiBrea TEXTO: ELENA CANOREA


Dreamland destaca por la novedosa concepción en su producción, en la que se mezclan aspectos de vosotros mismos con otros programados, habituales de las series de ficción, ¿qué tiene Dreamland de real y de ficticio? Christian Sánchez: De real tiene que se ha basado mucho en nuestra experiencia y en nuestras historias. Es decir, realmente es algo que se ha guiado mucho en la vida real de un artista y eso creo que es un punto muy realista de Dreamland. Y luego, obviamente al ser una ficción, hay casos en los que se ha llevado a un extremo un poco más ficcionado para que tenga más interés. Aún así, creo que dentro de eso nos ayuda a nosotros mucho a la hora de interpretarlo, porque son personajes muy adaptados y muy adecuados a nuestra manera de ser, a la personalidad que tenemos. Gerard Martí: De hecho, el director nos hizo como una especie de convivencia, donde estábamos con profesores de canto, de interpretación, teníamos productores para producir nuestros propios temas… Allí él miraba nuestro comportamiento, veía como actuábamos con nuestros compañeros, y de ahí yo creo que salieron muchas historias que se pueden ver luego en la serie, que creo que es más fácil interpretar una historia que puede ser real o que pega mucho con tu personaje o con tu persona. Ha sido un proyecto muy vivo.

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Christian: A cada uno nos llegó de una manera diferente. Gerard: Yo me enteré por un casting, como casting que te llega de repente, me preparé una especie de separata y llegué a la oficina donde se hacían las pruebas. Hice mi prueba y ya me llamaron para hacer el casting de verdad, que eran 3 días en una casa. Y resulta que allí me encontré con Christian, que somos compañeros, no nos habíamos dicho nada el uno al otro y de repente nos encontramos allí. Hemos vivido seis años juntos y nos quedamos como: “¿qué haces aquí?”. Y el otro: “¿Y tú que no me has dicho nada?” (Risas) Christian: A mí me llegó por otro amigo, que me comentó sobre el casting, y llegué igual, de casualidad. En mi caso, no hice una prueba como Gerard, porque ya habían pasado cuando me enteré, y me dieron la opción de ir a esa prueba extraña de tres días, tuve la suerte de tener la oportunidad. Me llevé una sorpresa cuando luego se hizo una nueva selección y volvimos a hacer otra convivencia mucho más larga, donde ya componíamos las canciones del proyecto. Éramos veinte personas, que ya sabíamos que estábamos en el proyecto, pero que no sabíamos de qué manera. Había gente que iba a estar de bailarín, otros que iban a estar de secundarios, otros de protagonistas, pero eso dependía de la evolución de cada uno, que fue durante un año largo.

Javier Taboada: De hecho, mientras estamos rodando se ha fijado mucho y ha hecho los guiones en base a lo que hemos vivido, a nuestro comportamiento y a las historias que ha ido habiendo.

Javier T. : En mi caso, me llamaron los coreógrafos, que en ese momento eran Mel y Noemí Cabrera, y me contaron sobre el casting. Noe justamente me dejó una guitarra, que yo ni tocaba ni cantaba, y me eché ahí un poco el pisto.

¿Cómo llegó a vosotros el proyecto? ¿Qué fue lo primero que pensasteis al tener constancia de su dimensión?

El proceso de casting y preparación del proyecto con esos meses de formación personal y profesional es algo práctica-


mente inédito en las producciones españolas. ¿Qué destacáis de esta etapa? ¿Cómo ha influido en vosotros como personas y como artistas?

que hay secuencias más comprometidas y entre todos nosotros, después de tres años conviviendo, ha sido algo realmente fácil y nos ha ayudado mucho a la hora de pasarlo a la ficción.

Christian: Fue increíble. Para mí, la convivencia ha sido una de las etapas más bonitas, más grandes de mi vida, de más evolución, de más conocimiento personal. Porque al final, yo creo que esa convivencia de 20 personas lo que consiguió de todos nosotros es conocerse a uno mismo, realmente cómo actúas delante de la gente. Yo tenía una visión de mí que, principalmente, me consideraba una persona muy sociable, pero en cambio, cuando llegué allí, todo cambió. Al principio me hice una bola, era como que no quería relacionarme con mucha gente. Y poco a poco, he cambiado muchísimo en tres años, no tengo nada que ver.

Dreamland ha creado en todos nosotros lo que realmente representa, que es creer en los sueños, en creer que siempre se puede conseguir algo. En este caso, nos dieron la oportunidad, pero esa oportunidad tuvimos que trabajarla y tuvimos que ser constantes, que aprender a continuar trabajando día a día, aprendiendo de los compañeros, de nosotros, evolucionando… Y por eso, después de esos tres años, la evolución del proyecto y la nuestra ha sido la misma, ha crecido de una manera abismal, Y nos ha ayudado a creer en los sueños, en que todo es posible y que si te lo planteas, sabes la manera, siempre puedes conseguirlo. Es la parte más bonita de Dreamland.

JavierT: Yo, de entrada, era actor únicamente, y de repente estoy cantando, componiendo y estoy en una banda tocando en directo. Nos ha influenciado y nos ha hecho crecer muchísimo. Justamente por lo que decía, en esta convivencia no había un ‘tú eres una cosa, tú eres la otra’. Tú lo eres todo y lo das todo, aprendes de tus compañeros, de las clases que te están dando a diario, y creces una barbaridad, descubres cosas de ti mismo que no sabías que estaban ahí, es un regalo para todos nosotros. Gerard: Sí, no ha sido solamente evolución como artistas, sino como personas también, una evolución a todos los niveles. Frank nos ha hecho trabajar siempre en grupo, y lo bueno de estar en la casa es que podíamos ayudarnos entre nosotros a vencer esas carencias. Es bonito porque hemos evolucionado en grupo todos. Christian: Además hemos creado una familia, lo que nos ha ayudado mucho a la hora del proyecto y de rodar la serie por-

“Dreamland es un proyecto que se ha basado en nuestra experiencia y en nuestras historias”


Xoan. Sudadera y Sombrero de Bershka. Pantalón de García Madrid. Pulseras de Cruciani Javi López. Camiseta de Antony Morato. Pantalones de Levi’s. Gerad. Camiseta de Forever21. Pantalones de WESC. Pulseras de Cruciani. Javier Taboada. Camiseta de medwinds. Pantalón de Levi’s. Christian Camiseta de Bershka. Pantalones de WESC. Pulsera de Cruciani.


¿Qué cualidades creéis que os han posibilitado formar parte de ‘los elegidos’? Javier T: Personalmente, lo que hizo que pasara de ese primer casting fue la canción que canté, que no había cantado nunca en mi vida y fue una sorpresa. Yo venía como actor y gracias a esa canción estoy aquí hoy. Gerard: Yo creo que es más el tipo de casting que tuvimos, porque no fue un casting de una prueba que la haces y te dicen pues sí o no o ya te llamaremos, sino que estás tres días. Yo el primer día que llegué no tenía nada de voz, pero lo bueno de que fueran tres días de pruebas es que en el tercero ya pude mostrar que podía cantar. Esto facilitó mucho a cada uno poder demostrar lo máximo y hacer ver que realmente nos lo merecíamos. Christian: Sí, además yo creo que las cualidades tampoco se determinan solo con el talento, que creo que hay muchísimo talento. Gerard: El casting era más de noche, cuando estábamos todos cantando y de repente Frank se paseaba por ahí. Javier T: Nadie sabía que estaba allí. Christian: Creo que era un casting de talento, un casting de energía, un casting de personalidad, de conocer, de coger a la gente adecuada para un proyecto lleno de sinceridad, lleno de verdad, y que tiene que contar algo mágico. Al final, creo que el casting trataba de eso, más que del que mejor cantara, el que mejor actuara o el que mejor bailara.

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Frank Ariza es el creador, productor y director del proyecto, ¿Cómo ha sido trabajar con él? ¿Cómo os ha transmitido algo tan novedoso? (Silencio y risas) Gerard: La verdad que muy diferente, muy guay. Christian: Yo creo que Frank Ariza está extrainvolucrado, no solo en el proyecto, sino en las personas del proyecto. No es un productor al uso, es un productor persona, que se preocupa por las necesidades de cada uno más que por las necesidades de la empresa en general. Y eso es algo que es muy bueno para nosotros, porque, al fin y al cabo, la acogida que tenemos es bestial, es una familia. Realmente consideramos que esto no es venir a trabajar, esto es venir a nuestro día a día, yo ya no lo puedo llamar “venir a trabajar”. Gerard: Lo que sí que es verdad es que tiene las cosas muy claras y te las trasmite muy claramente porque quiere que vaya bien. Realmente lo hace por ti, porque, al fin y al cabo, eres tú el que está poniendo la cara en la serie. Y trabajar así tranquiliza. Javier T: Y es que él es parte de esta familia, porque todo este tiempo también lo hemos convivido con él, hemos estado trabajando con él, y es parte de todos nosotros, es el que ha creado la familia. Es el primero que refleja el espíritu de Dreamland, de conseguir tus sueños, de luchar por lo que quieres. Porque mira por lo que ha luchado él y aquí estamos. La escuela que él se imaginó un día, la serie que se imaginó él un día. Él es el primero que ha luchado y lo ha conseguido. ¿Qué diríais a los espectadores para que apostaran por Dreamland?

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Gerard: Que vale la pena porque hay mucho trabajo detrás, no es solo una serie normal, es una serie que se ha hecho muy de verdad, con relaciones de verdad, siendo amigos de verdad, y eso se ve en la pantalla. Además, ¡Se lo van a pasar muy bien! Christian: Creo que nunca voy a ser capaz de pedirle a nadie lo suficiente, ni de expresar lo mucho que hemos vivido aquí, ni lo mucho que hemos crecido. Realmente, la gente que lo vea va a pensar que es una serie al uso y no es así, no tiene nada que ver con una serie al uso. Javier T: Además mucha gente se puede sentir muy identificada con historias y personajes muy reales y cada uno va a tener a alguien con el que sentirse identificado y con el comparar sus sueños y su lucha. Javi L.Q: …les va a servir de inspiración para pelear por lo que cada uno quiera. ¿Creéis que vais a tener una buena acogida? Javier T: Esperamos que sea buena (risas). Gerard: Esperamos y deseamos que sea muy buena. El problema es que nadie tiene la clave del éxito y creo que eso lo va a determinar muchos factores, tanto el día en el que se pone, como la hora… Realmente es algo complicado y complejo, pero ya simplemente con toda la promoción que Mediaset ha hecho, la gente ha esperado Dreamland porque realmente tienen ganas de ver algo diferente y algo nuevo, y lo es, es algo innovador, algo arriesgado, pero, arriesgando a vamos a cambiar un poquito la manera de hacer televisión que tenemos hoy en día aquí en España.


¿Qué aportan vuestros respectivos personajes a la serie? Gerard: Mi personaje se llama Jacobo y aporta frescura. Siempre que hay algún problema llegó yo y lo cambio todo. Christian: Yo soy Moisés. Creo que aporto la parte responsable y dura de la vida, el tener un problema que no te permite luchar por lo que quieres de la manera que quisieras. Aporto esa coraza que todo el mundo tiene frente de la vida y de la gente, pero que pasa por encima de los problemas, y que al fin y al cabo luego todo da igual, porque ha vivido tanto y ha pasado tanto que todo lo naturaliza. Es un personaje muy real. Javier T: Mi personaje se llama Hugo y creo que aporta un poco de descaro, no es responsable como puede ser otro personaje. También aporta un tipo de lucha a la que mucha gente se tiene que enfrentar, que prefiero no decir específicos porque ya se va a ver. Y es muy enamoradizo también.

que nos viene a la cabeza, y también que nos gusta todo lo relacionado con la tecnología. Christian: Yo creo que lo que tienen Jacobo y Gerard también en común, muy muy en común, es que Gerard cuando se plantea aprender algo y se lo propone, es realmente el número uno, lo hace muy bien. Moisés y yo lo que tenemos en común es que tenemos un mundo interior reservado con la gente que no conocemos. También soy muy romántico, que es la parte que se ve de Moisés en las canciones. Moisés y Christian lo tienen todo, porque todas las canciones que compone Moisés, que son las de Christian, se refieren a Christian en realidad. Javier T: Yo creo que nos parecemos en muchas cosas. Por ejemplo, una de las cosas que podría decir es que, a lo largo de nuestra vida, las mujeres nos han llevado de cabeza (risas). Y bueno, también un poquito el estilo de persona que somos, quizá un poco más oscuro, un poquito más alejado. También las situaciones por las que pasa el personaje han tenido que ver mucho conmigo, tanto antes de entrar en Dreamland como lo que se ha vivido durante el proceso.

“Todos los artistas que nos han visitado tienen muchísima humildad y una personalidad muy marcada”

Javi L.Q: ¿Y yo qué digo? (Risas) Christian: Los personajes de Jhon y Javi (Javi López y Xoán Fórneas) van entrando muy poco a poco a lo largo de los capítulos, porque lo que se crea en Dreamland es una trama en la que formamos un grupo, y a partir de él es cuando empiezan a aparecer. Gerard: No podemos hablar más (risas). ¿Qué similitudes hay entre ellos y vosotros mismos? Gerard: Con Jacobo en que ambos hablamos muy rápido, que soltamos todo lo

Javi L.Q: Yo creo que soy como el más niño dentro del grupo. Soy el más inocente, me hago bastante el chulito, me gusta ligar con las chicas, pero en el fondo soy un buen chico. Xoán Fórneas: Yo de primeras soy un poco tímido, me cuesta coger confianza, pero en cuanto se pasa eso, me vuelvo un poco loco (risas). Y además, que me gusta hacer muchas cosas y probar y aprender cosas nuevas.

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Han pasado muchos artistas por la academia para daros consejos (Anastacia, Soraya, Pablo Alborán, Carlos Baute, Tizziano Ferro, Ana Milán…), ¿Qué os han aportado sus visitas? ¿Con cuál os quedáis? Gerard: Yo creo que tienen algo en común todos y es que te demuestran muchísima humildad y una personalidad muy marcada. Todos nos dicen que si trabajamos por lo que queremos, lo conseguiremos, y es algo que he sacado en común de todos y me lo voy guardando. Por algo están ahí ellos y por algo nos dan esos consejos. Además, creo que son muy cercanos a todos nosotros, y eso es algo que también nos ha sorprendido, porque viendo a personas como Ricky Martin, Shakira, Malú, James Arthur… te das cuenta de que para ser artista, primero hay que ser persona, y eso es muy importante. Hay que bajar los pies a la tierra y no vivir en el cielo, porque ahí, de verdad, que no sirve demasiado. Nos están demostrando que no son intocables, sino todo lo contrario. Christian: Los ves súper humanos, personas normales que han trabajado mucho y que han currado por lo que querían. Se nota que son artistas y que están ahí porque se lo merecen. Xoán: Yo me voy a mojar (risas). Me llamó mucho la atención la manera en la que nos hablaron tanto Ricky Martin como Malú. Fueron los que más me sorprendieron. Y luego, si me tuviese que quedar con alguien en el momento que nos cantaron, me quedaría con James Arthur. Gerard: Fue muy bonito lo que nos dijo Ricky Martin, se abrió en canal. Nos dio una lección de vida, de la música, de cómo entenderla. Fue muy generoso contándonos su experiencia para que aprendiéramos nosotros, es real. ¡Qué bonito! ¿Quién os hubiese gustado que os hubiese hecho una visita?

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Javier T: Te damos una lista, te la enviamos por mail (risas). Gerard: Cada uno tendrá el suyo, pero yo creo que hoy en día hay muy buenos artistas, tampoco puedo elegir. A mí me encantaría que hubiese venido Michael Jackson. Javi L.Q: Bruno Mars también. Javier T: Los Rolling, podría ser muy interesante tenerlos aquí. Otro de los aspectos más novedosos e interesantes del proyecto es vuestra interacción con el público, tanto en eventos como el flashmob como a través de internet en vuestro propio blog. ¿Qué es lo más importante de estar en contacto directo con la gente? Christian: Lo más importante es ser cercanos. Javi L.Q: Yo creo que recibimos un apoyo mutuo, tanto lo que les damos a ellos, como lo que ellos nos dan a nosotros. Ver todos los días mensajes en Twitter apoyándote, quieras o no te da un montón de energía para luchar, para afrontar el día a día, para ensayar. Son gente que ni siquiera conoces y que si estás de bajón te apoyan mucho, y eso es muy grande. Christian: Al final, Dreamland es el público. Para llegar con Dreamland, tenemos que llegar primero como personas para que realmente eso sea real. Porque, al fin y al cabo, si tú estás intentando que Moisés sea una persona determinada y luego te escriben y eres un estúpido, hace que pierda credibilidad., porque estarían vendiendo algo que no es así. Y en el proyecto, lo que intentamos demostrar es realmente eso, que al principio todo esto fue un casting de personalidad, energía y de talento, y seguimos proyectando hacia la gente, teniendo mucho feedback, porque es lo más importante.


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Un año y ocho meses formándoos desde que empezó el proyecto, ¿merece la pena tanto esfuerzo?

dentro de todo lo que sufrí, al final conseguí algo con lo que yo estaba a gusto y me ha encantado vivir todo este momento de aprendizaje.

Todos a coro: Sí, sí, sí.

¿Cómo surgió la idea de formar una banda vosotros cinco fuera de la serie?

Javier T: Obviamente hemos tenido momentos de bajón, pero, a medida que va pasando el tiempo te das cuenta de que todo el esfuerzo que hemos hecho ha merecido la pena. Estamos viviendo experiencias impagables. Vaya como vaya la serie, nosotros ya hemos ganado. Christian: Cuando nos preguntan sobre el éxito, yo creo que nuestro éxito ya llegó, y que fue en el momento en el que entramos en este proyecto y hemos podido compartir, vivir y evolucionar con todas estas experiencias día a día. Cada día en Dreamland es una sorpresa y es una experiencia más de vida. Creo que eso es súper importante, y eso ya lo obtenemos. Cada uno de vosotros tenía una formación en un ámbito determinado, que en Dreamland se ha visto ampliada, ¿Qué es lo más difícil que habéis tenido que hacer en este proyecto? Gerard: Yo creo que son retos constantes: una canción o un medley con cuatro canciones mezcladas poniéndonos todos en un mismo tono, montar algo a capela… Ha habido retos como por ejemplo decirnos: “Cantamos para Shakira esta tarde, esta canción, montarla ahora”… Y es Shakira, tienes que mostrar que puedes hacer algo bonito. Es lo que te hace aprender al fin y al cabo, trabajar en grupo y a contrarreloj. Christian: También ha sido complicado el antes del rodaje. Dreamland tiene unas tramas, que dentro de que son muy reales, hay algunas que son muy intensas y no son fáciles. Sobre todo, por lo menos en mi caso que no había trabajado en televisión, sufrí mucho al principio. Estoy muy contento con el resultado, porque

Gerard: Por la trama. Al principio había una trama en la que formábamos un grupo, había buen rollo, nos gustó la idea, y surgió la oportunidad de sacarlo fuera. ¿Y por qué no? Christian: Nosotros teníamos claro que el salir fuera iba a ser muy guay. Aunque el hecho de proponerlo antes de que saliera la serie hizo que hubiera alguna duda al principio porque no se había hecho nunca antes. Había tan buen rollo con las canciones y todo, que fue como ¿por qué no? Vamos a proponerlo, vamos a ver qué tal. Y al final, estamos súper contentos con el resultado porque tenemos ahora mismo el single en Los 40 subiendo, en iTunes desde hace mucho y está en muy buenos puestos. Realmente está siendo un sueño que aún no me creo que estemos viviendo. Vuestro single ‘Everybody dance’ se ha convertido en un éxito en las listas musicales, ¿esperabais esta acogida? Javier T: Para nada, pero porque todo lo que envuelve el single es una experiencia totalmente nueva para nosotros. Yo, de entrada, no sabía ni que iba a estar en iTunes, ni de cómo funcionan las listas, ni cómo funcionan Los 40, yo soy súper inculto en estas cosas (risas) Gerard: De hecho, nació como un reto más en Dreamland, de los que van saliendo. Ves que empiezan a subir las visitas, los seguidores de Twitter, el apoyo, que ponen la canción… Javier T: …Es toda una sorpresa.

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Habéis hecho ya varias actuaciones en la academia con otros jóvenes talentos como Xuso Jones o Paula Rojo, entre otros ¿Preferís actuar frente a las cámaras o ante el público en directo? ¿Dónde os sentís más cómodos? Javier T: Creo que ante un público en directo se disfruta mucho más, pero porque el público también te da algo. Vives una energía muy grande del público que te lleva a lugares que no conocías. Gerard: Digamos que actuar con público te recompensa, te agradecen cuando terminas tu trabajo. Cuando tú cantas, la gente te aplaude y te llenas de esa energía. En la grabación de una serie, es todo mucho más frío, porque terminas la secuencia, y te vas a comer un bocata (risas). Grabar es mucho más frío, pero la recompensa viene más tarde también, en el momento de emisión. Christian: Yo creo que está muy bien, a mí me encanta hacerlo delante de un público, pero, lo bonito de grabar en la serie es que, como todo es posible en la televisión, ver el resultado final es muy mágico. Es brutal el poder verlo con todo lo que en ese momento no te imaginas, porque, al fin y al cabo, estás haciendo esa secuencia o cantando una canción de una manera determinada, pero tú no lo estás viendo desde fuera, y el momento en el que ves esa secuencia, es… Xoán: Cantar o actuar en directo, a mí por ejemplo, me parece más duro por el hecho de que el público me impone, y es exigente. Es ahí donde verdaderamente se ve la verdad… Gerard: …Y no hay otra toma. Javier T: No te puedes permitir un error en directo.


En un momento en el que las boybands se encuentran en plena etapa de resurrección, ¿Qué aportáis al panorama musical? Javier T: Yo creo que el concepto de la banda no es exactamente de boyband. Christian: Es algo más. Aportamos que son canciones nuestras, composiciones propias en las que contamos nuestra experiencia. Hasta ahora lo que hemos escuchado de Dreamland ha sido Everybody Dance, que es una canción muy fresca, de animar mucho al público a bailar, que tiene mucho que ver con el espíritu de Dreamland. Además de eso, creo que aportamos que somos todos muy músicos dentro del grupo y hoy en día hay muy pocas boybands en las que puedan tocar ellos. En ese sentido creo que se aporta algo diferente. Además, ha sido un regalo más de Dreamland el tema de llevar esto a cabo, han sido tres años de experiencias, de vivencias, de día a día, y que al final surgió esto como sorpresa. Estamos súper agradecidos y esperamos que dure mucho, pero el cometido real es eso, un proyecto que es Dreamland, que envuelve todo, y que es por lo que estamos aquí. Tras esta primera toma de contacto, ¿qué proyectos tenéis como grupo? Gerard: Esperamos que haya muchísimas cosas, que podamos aprender mucho de lo que hagamos y que siga. Chrisitan: A partir de ahora que se ha estrenado la serie es cuando realmente se verá el reclamo de la gente, tanto a nivel de grupo como a nivel de grupo de serie. Ojalá nos espere mucho trabajo y sigamos sin parar durante mucho tiempo.


La serie se ha estrenado recientemente, pero, ¿ya habéis notado algún cambio en vuestra vida diaria? Gerard: El otro día fuimos a Los 40 y fue muy bonito porque las chicas nos siguieron en el tour de radios, llevaban toda la mañana dando vueltas por Madrid en metro, y al final lo único que quieren es hacerse una foto contigo y ¿qué menos? Es muy bonito ver ese apoyo y de momento, todo lo que hemos vivido ha sido muy bonito. Javier T: Es un cambio a mejor. De repente recibes muchísimo apoyo de todas partes. Con este proyecto, se os va a dar a conocer y vais a estar más expuestos al público, ¿os da miedo la fama? Xoán: Sí. (Contundente) Christian: No…Cada uno tendrá una experiencia, pero en un principio no te puedo decir miedo realmente, porque no la conozco, no tengo… Javier T: Es territorio desconocido. Christian: Creo que cada uno lo va a llevar de una manera, lo bueno es saber llevarla. Llevamos tanto tiempo aprendiendo en este proyecto que estamos muy curados en ese sentido. Javier T: Y aparte, hemos tenido ese testimonio de todas las estrellas que han pasado por aquí como Shakira , de los que hemos aprendido que si en algún caso a alguno se le fuera la olla, así no se llega a ninguna parte y lo primero hay que ser persona. ¿Miedo? Bueno, es un tipo de vida que ninguno de nosotros conoce realmente, pero también puede ser muy agradecido, porque si llegas a ese punto, es que te está yendo bien como artista.

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Gerard: Y mientras te reconozcan por tu talento, a mí no me da miedo, es de agradecer. Christian: Más que fama es de reconocimiento, y creo que siempre es algo muy bonito el hecho de que te reconozcan por lo que haces, por tu trabajo. Xoán: Cuando vino Malú, hablaba de que ella ha sacrificado su vida en todo este tiempo que lleva. Y yo, por ejemplo, a día de hoy estoy muy feliz y agradecido por la vida que he tenido y que tengo. Y que vaya a haber, aunque sea solo un cambio, es algo que te paras a pensar y preocupa… no de mala manera, pero es algo que puede pasar, tiene parte de incertidumbre.

“Estamos súper agradecidos y esperamos que dure mucho, pero el cometido real es Dreamland, que envuelve todo, y que es por lo que estamos aquí” Después de los que habéis y estáis viviendo, ¿los sueños se cumplen? Todos a coro: Sí.


Dreamland La nueva revolución televisiva POR Miriam Puelles

Mucho tiempo ha pasado desde que Frank Ariza propusiese a Mediaset la elaboración de un concepto nuevo de serie de televisión. Finalmente, tras dos años de intensa preparación, el proyecto Dreamland ya está aquí, ya está disponible para todos nosotros. Pero… ¿qué es Dreamland? Es la apuesta, la innovación, el cambio, el riesgo de lo novedoso. Por primera vez podemos asistir a una serie de televisión donde el guion no es sino una mera indicación, no el peso de la fluidez narrativa. Hablamos de un híbrido entre realidad y ficción, la cual ha sido creada, desde sus pilares, de forma casera y propia. Empezando por los mismos decorados (al más puro estilo home-made), hasta el perfil de los personajes, tomando en gran parte la personalidad y características de los propios actores; todo ello ha evolucionado gracias al equipo, sin necesidad de una extensa biblia que preestablezca y determine el resultado final.

Moisés, Rosa, Ángela, Hugo y Jorge forman parte de un grupo de jóvenes aspirantes a artistas que han sido seleccionados para comenzar sus estudios en “Dreamland School”, con el fin de evolucionar y desarrollar su talento. Sin embargo, sus circunstancias personales jugarán un fuerte papel en contra a la hora de poder alcanzar su sueño. Sus miedos e inseguridades, sumados a una realidad hostil, provocará intensos roces, íntimos desafíos y fuertes pasiones. Al más puro estilo Fame, casi con la inclusión de la mítica “queréis la fama, pero la fama cuesta y aquí es donde vais a tener

que empezar a pagar. Con sudor”, la escuela Dreamland abrió el pasado viernes sus puertas a esta nueva generación de alumnos dispuestos a comerse el mundo. No obstante, la prohibición de compatibilizar los estudios en la escuela con un trabajo externo parece haber levantado pequeños conflictos personales, ya que tanto a Moisés como a Rosa este aspecto no les favorece en absoluto. Por un lado, Moisés (Christian Sánchez) es un luchador con una fuerte personalidad superficial, que, en verdad, no es sino una mera fachada, ya que éste lleva ejerciendo el papel de patriarca de la familia con el fin


de poder mantener a su madre y a su hermano pequeño desde hace años. Ya en un primer momento podemos observar cómo se siente atraído por Rosa (María Hinojosa), una joven aspirante a bailarina que se ve obligada a prostituirse al tiempo que baila en un Cabaret con el fin de poder sobrevivir y con la esperanza de poder, algún día, abandonar ese mundo. Sin embargo, esta apreciable trama amorosa se complica con la intrusión de Ángela (Lili Hergueta), quien se siente muy atraída por Moisés y no va a dejarle ir tan fácilmente. La seguridad que ésta desprende encima del escenario parece traspasarse a su personalidad, o viceversa, ayudándola de este modo a arrasar por donde pase. ¿Conseguirá que Moisés caiga rendido a sus encantos? En cualquier caso, e independientemente de la respuesta, su papel se predispone como determinante en este triángulo amoroso que va a dar mucho juego en la serie. En este primer capítulo hemos asistido a una presentación de los personajes, de introducción a sus vidas. Ha sido una toma de contacto con esta nueva escuela de talentos donde podremos ver la evolución de los chicos de Dreamland, quienes contarán además con el apoyo, cameos, de artistas de reconocida fama como Ricky Martin, Shakira, James Arthur, Malú, Pablo Alborán, Abraham Mateo, entre otros muchos. La nueva apuesta de Mediaset para Cuatro ya ha llegado a nuestras televisiones cargada de ritmo, baile, música, pasión y emoción. Tras un largo e intenso proceso de selección y preparación, de publicidad y expectación, Dreamland ya es una realidad, y la espera de ver qué sucede en el segundo capítulo, lo que sí podemos afirmar es que, desde luego, ha supuesto un punto de inflexión en la creación de ficción. Demos la bienvenida a esta nueva revolución televisiva, demos la bienvenida a Dreamland.


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ILUSTRACIÓN Y TEXTO POR GERMÁN PIQUERAS


Silvia Abascal Una ventana abierta en el cine español

Para la generación de los nacidos en los 80, Silvia Abascal (Madrid, 1979), es una más de nosotros. Es como si hubiese sido una compañera de clase en el instituto, hasta podríamos decir que la conocemos perfectamente. Son las consecuencias directas de haber formado parte de la mejor serie española para TV, “Pepa y Pepe”, donde encarnaba a Clarita. La adolescente incomprendida, grunge y abanderada de la Generación X española (Generación Nocilla, Generación Afterpop) que nos encandiló a mitad de los nostálgicos años 90 con su pasotismo enérgico, su nula creencia en las relaciones convencionales o sus coletas de groupie de Nirvana. Clarita y sus bolsas azules de patatas grasientas fueron lo mejor que le pasó a España televisivamente en aquellos lejanos años de esperanza… Como colofón a tan incomprendidamente no exitosa serie de TV, la gran mayoría de personajes del reparto de “Pepa y Pepe”, eso sí, ejecutando Antonio Resines el papel de Tito Valverde, rodaron “El tiempo de la felicidad” donde… pese a interpretar todos otros personajes… todo parecía indicar que aquella película de Manuel Iborra, quien había sido el director de “Pepa y Pepe”, era la culminación sentimental de la misma, y otra gran película española no reconocida justamente donde Silvia Abascal volvía a ser (no a hacer) la hija de Verónica Forqué y la hermana de María Adánez (con la que volvió a reincidir en el mismo papel en algunos capítulos de “Aquí no hay quien viva”), donde Silvia Abascal volvía ser una chica sentimental e incomprendida, enamorada de la música de Leonard Cohen y en busca del mismo tipo de amor que buscaba en “Pepa y Pepe”… el amor no convencional, libre. El que verdaderamente hace llorar. También volvió a ser, como en “Pepa y Pepe”, hija de Tito Valverde en la serie “El Comisario”, lo cual da muestra de la importancia y la química que demostraron los actores de esa serie

de la que tan solo se rodaron 34 capítulos. Eso sí, todos para enmarcar y ya casi imposibles de conseguir. Silvia Abascal siempre quedará unida a su primer gran papel, el de Clarita. Pero su cara también nos puede sonar al haber aparecido en el programa “Un, dos, tres… responda otra vez” de Narciso Ibáñez Serrador y en la serie “Hostal Royal Manzanares”, donde actuó junto a otra de las grandes del cine español: Lina Morgan. Dando muestra de quienes la acompañaron en sus primeros repartos, unido a su talento natural, podemos imaginarnos cómo siente Silvia su profesión. Papeles cuidadosamente seleccionados para películas como “A mi madre le gustan las mujeres”, “El lobo”, “Vida y color”, “La dama boba”… han ido completando una carrera que, esperemos, todavía tenga mucho que decir, pues Silvia solo tiene 34 años. Muestra de lo que para ella es la vida no son sus palabras, sino sus hechos, pues colabora con alguna ONG como UNICEF, donde fue embajadora de Unicef-Comité Español y su libro… basado en sus hechos, valga la redundancia, titulado “Todo un viaje” (Editorial “Temas de hoy”). Un libro donde Silvia explica su nueva manera de ver la vida, tras el infarto cerebral que sufrió en plena Fiesta de Clausura del Festival de Málaga. Aseguró que no volverá a vivir en una gran ciudad, en una entrevista concedida a “Vanitatis”… “Por mi aguda sensibilidad al sonido tuve que mudarme al campo. Hacía ya muchos años que tenía ganas de este cambio de ritmos. Ahora que los conozco bien, sé que mucho tienen que cambiar las cosas para que vuelva a vivir en una ciudad. Las vanidades de mi profesión las reconozco de la misma manera que lo hacía antes. Nunca me he sentido interesada en ellas. Todos esos dorados envoltorios, no son más que papel. Lo que importa es el regalo. Y la esencia de mi profesión, lo es.” Así es Silvia Abascal.


Por una vez, y sin que sirva de precedente, hemos decidido dar la vuelta a la tortilla y no fijarnos en las series americanas que tanto triunfan en nuestro paĂ­s. Ahora, cruzamos el AtlĂĄntico en sentido inverso para presumir sin complejos de nuestras producciones actuales a las que las grandes cadenas estadounidenses han echado el ojo. Pulseras Rojas, Los Misterios de Laura, El tiempo entre costuras o Gran Hotel son los mejores ejemplos. Por Nacho Civera GuillĂŠn


Echamos a menudo pestes de ellas, a veces incluso parecen avergonzarnos, por supuesto negamos verlas, y si lo hacemos, lo utilizamos al día siguiente para criticar la falta de nivel en la televisión con nuestros compañeros de trabajo. Son nuestras sufridas series españolas, que no escapan a la autoflagelación cañí, tan nuestra, pero a pesar de lo cual son bien vistas a miles de kilómetros de distancia, precisamente en la cuna de las grandes producciones mundiales: Estados Unidos. ¿No os lo creéis? Pues aquí tenéis unos ejemplos de lo más actuales…

PULSERAS ROJAS

La serie ideada por el escritor catalán Albert Espinosa ya lleva en España, y más concretamente en Cataluña, unos años de exposición pública, aunque no es porque lleve encima una gran cantidad de temporadas, sino por el dilatado estreno entre su primera y segunda temporada (y también va camino de ello la tercera). La serie apareció en TV3 en el año 2011. Entonces causó sensación desde el primer momento y Antena 3 se fijó en ella. Adquirió los derechos para emitirla a nivel estatal en alguna de sus cadenas temáticas previo doblaje (ya que la serie original está rodada en catalán), pero finalmente dio el salto con gran éxito a la primera cadena del grupo. A partir de ahí, 28 exitosos capítulos y su posterior salto a la televisión internacional. La RAI italiana se hizo con los derechos para ser emitida en la primera cadena pública del país transalpino, y el experimento no ha podido resultar más óptimo. A pesar de que allí cada capítulo “español” ha sido condensado a la mitad, el éxito ha sido palpable. Durante las noches de los domingos en los que se ha transmitido, ha sido líder en su franja, superando cada semana los siete millones de espectadores. Para quien tampoco pasó desapercibida la serie fue para el mismísimo Steven Spielberg. El productor se enamoró de la producción y no tardó en interesarse por ella. Pese a que en un primer momento ABC ganó la puja por los derechos, el proyecto no salió adelante y ahora es la FOX de Murdoch la que se ha puesto manos a la obra. Este pasado mes de marzo comenzó la grabación de su capítulo piloto, con Alfonso Gómez-Rejon como director y el guión adaptado de Margaret Nagle (Boardwalk Empire). Además, la oscarizada en 2011 Octavia Spencer se pondrá en la piel de la doctora Jackson en Red Band Society, como se ha traducido la serie en EE.UU.


LOS MISTERIOS DE LAURA

A pesar de que Pulseras Rojas sea quizás el caso más sonado por la aparición de Spielberg de por medio, otras series actuales también han seducido a productores norteamericanos, como es el caso de Los Misterios de Laura. NBC Universal y Warner Bros TV se encuentran en estas últimas semanas en plena fase de preproducción y ya han adaptado el guión del capítulo piloto de la serie, que allí recibirá el nombre Mysteries of Laura, y contará con prestigiosos nombres del panorama audiovisual norteamericano. El nombre más importante será el de Debra Messing, la actriz que dará vida a la inspectora Lebrel, que en la versión americana se llamará Laura Diamond. También se ha dado a conocer el nombre de su compañero. Será Laz Alonso, quien ha participado en producciones tan notorias como Avatar o Fast&Furious. La serie se ambientará en la ciudad de Nueva York, y con ello proseguirá un camino internacional que ya comenzó hace pocos meses en Rusia, donde también se pueden seguir las andanzas de esta inspectora no sin éxito.

GRAN HOTEL

En esta ocasión, se trata de una serie cuya andadura americana no parece tan desarrollada como las que hemos hablado con anterioridad, pero sí ha llamado la atención de la prensa. The Hollywood Reporter, publicación puntera en el mercado audiovisual americano, la puso entre las 10 mejores series internacionales de 2013. The Hollywood Reporter se refería a la serie de Antena 3 como “locamente adictiva” y la ponía al mismo nivel que la danesa Borgen, la británica Broadchurch o la coreana Boys Over Flowers, un motivo más para estar, por una vez, orgullosos de lo nuestro.


EL TIEMPO ENTRE COSTURAS

Fue una de las sensaciones otoñales en nuestro país y no pasó desapercibido para la prensa internacional, quien se apresuró, como el portal Deadline, en nombrar a la serie que emitió Antena 3 como la Downton Abbey española. Quizás sea por el gusto por los dramas históricos que imperan en el mercado audiovisual anglosajón o también por la alta calidad del producto, lo que está claro es que la serie protagonizada por Adriana Ugarte ya se está movimiento en los circuitos y festivales internacionales de televisión para ser adaptada en Estados Unidos, algo a lo que también ayuda que se trate de una serie rodada con cámaras de cine y material audiovisual más del gusto de las cintas americanas. Junto a ello, el fervor de la audiencia española, que siempre es el medidor más fiable para los importadores.

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‘Ocho apellidos vascos’ es la última película que estrena Dani Rovira… que a la vez es la primera que hace a sus 33 bien llevadas primaveras. Me han chivado unos cuántos amigos que es un chico muy accesible y simpático. Desde luego lo de simpático lo lleva impreso en su profesión de humorista ya que media España se ha reído en YouTube viendo sus divertidos monólogos (si acabas de sonreír es porque tú también has visto algún vídeo suyo en Internet). ¡Ha llegado la hora! Yo no soy ni malagueño como Dani, ni sevillano como Rafa (su personaje en la película), ni tampoco sé poner acento euskera. Soy madrileño de abuela vasca ,así que espero que eso ayude. La puerta de la habitación del hotel se abre. Dani entra. Lo primero que hace; sonreír y saludar a todos los presentes. ¡Comienza la entrevista! FOTOGRAFÍA: CRISTINA GONZÁLEZ (www.cristinagonzalez.es) MAQUILLAJE: SONIA T. (www.soniastricks.com) ESTILISMO: MARÍA PATRICIO (www.mariapatriciomartin.com) TEXTO: RAFA RODRIGO (www.rafarodrigo.es)

Te estrenas como actor en la gran pantalla y lo haces reventando las taquillas españolas con “Ocho apellidos vascos”, la película más taquillera de los últimos tiempos desde el estreno de “Lo Imposible” ¿cómo vives este momento? Lo estoy viviendo con alegría moderada como diría un chirigotero de Cádiz. La verdad es que yo soy muy moderado en todo. Lo vivo con mucha alegría no sólo por mi, si no también por Emilio que se merece muchísimo este reconocimiento. Como bien apuntas además te estrenas de la mano del director Emilio Martínez-Lázaro (El Otro Lado de la Cama) ¿cómo llega el papel hasta a ti?, ¿cómo es trabajar con Emilio? El papel me llega por una casualidad muy bonita. Yo estaba haciendo mi espectá-

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culo “Quieres salir conmigo”, el hijo de Eva Leira (Directora de Casting) compró una entrada para ir a verme con su abuelo pero con tan mala suerte de que el pobre abuelito se puso malo. Finalmente le acompañó su madre, Eva, quien vio que dentro de mí había algo. A la semana siguiente fue Yolanda Serrano (Directora de casting y compañera de Eva Leira) y a los pocos meses llegó el guión de la película a sus manos y pensaron en mi. Yo no sé lo que es trabajar con otro director porque es mi primera película, pero dudo que sea fácil encontrar a otro con el que sea todo tan sencillo. Compartes trabajo con un reparto de lujo, veterano en el mundo del cine, como es el caso de; Karra Elejalde, Carmen Machi y Clara Lago. ¿Qué te ha enseñado cada uno de ellos?, ¿les conocías de antes?, ¿alguna anécdota divertida durante el rodaje?


Lo chulo de esta historia es que he aprendido de ellos sin que me hayan enseñado directamente. Verles trabajar ha sido un aprendizaje constante. Puedo decir que soy muy afortunado porque nunca me ha ido mal en el trabajo, pero lo que me está pasando este último año es alucinante. Es como una especie de alineación de los planetas (risas) y pienso que si esto es cuestión de “karma”, dentro de unos años me van a mandar un tsunami que me va a matar. Me da miedo que me estén pasando cosas tan buenas porque luego me pueden venir otras malas. Tengo entendido que por ejemplo Clara Lago no tenía ni idea de quién eras ¿no? (Risas) La tía no me conocía. Nos presentaron el primer día y me dijo que sí, que sí me conocía. Luego trabajando con ella en el rodaje me reconoció que no tenía ni idea que quién era. Pero mejor, porque así no teníamos ninguna idea preconcebida el uno del otro y eso hizo que se construyera una relación muy sana desde el principio. ¿Crees que el éxito del estreno de esta película (400.000 espectadores el primer fin de semana) alienta en estos momentos de crisis a confiar un poco más en el cine español, en la comedia que tanto nos caracteriza? Una cosa como ésta repercute positivamente en todo. Los directores y productores se animan a hacer más cosas, a apostar por nuevos proyectos. Lo que está ocurriendo con esta peli es cierto que “no es del todo normal”, pero al mismo tiempo es algo que puede pasar. Con esta cinta la gente ha demostrado que quiere ir al cine y ha dado un golpe de cara a los políticos. El problema es que hay que hacer accesible el precio de la cultura. El 21% del IVA no ayuda a ello precisamente. El cine es una actividad de ocio muy importante en este país.

“Lo chulo de esta experiencia es que he aprendido con todo el equipo sin que me hayan enseñado directamente. Verles trabajar ha sido un aprendizaje constante”

En la película interpretas el papel de un chico (Rafa) “mu echao palante” que lucha por lo que se propone y confía en el amor ciegamente ¿le pasa lo mismo a Dani Rovira en su día a día? Me parezco mucho a Rafa en que soy muy seguro cuando estoy en mi círculo de confianza, en mi entorno. Pero creo que es algo que pasa siempre ¿no? Todo el mundo está seguro con su idioma, su entorno, su gente… pero cuando te sacan de ahí, la cosa cambia. Podríamos decir que Rafa “pierde el norte” por una chica y eso le hace salir de su Sevilla querida para adentrarse en las vascongadas, ¿por qué cosas pierde el norte Dani? Soy una persona muy emocional, no sé si porque soy escorpio o porque soy andaluz. Mi vida siempre ha estado muy equilibrada; la salud, la familia, el trabajo… Pero lo que es cierto es que siempre me ha trastocado lo emocional. Puedo tener una vida súper estable, pero si viene una persona que me marca mucho e incluso me descoloca, puede hacer que el resto carezca de importancia.

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CAMISETA: BLUE VELVET


Es curioso ver que las ciudades dónde mayor acogida está teniendo la película son precisamente Sevilla y Barakaldo ¿quién crees que se va a reír más al ver esta peli, los andaluces o los vascos?, ¿qué es lo que más te gusta de la cultura vasca? Las dos culturas se van a reír por igual (la vasca y la andaluza) Seguramente son las comunidades autónomas donde más se ríe la gente. Creo que el resto de España puede tener incluso un poco de envidia al ver la peli ya que no se reflejan sus tradiciones o su manera de vivir la vida. Un sevillano que vea la película se va a divertir mucho, pero un gallego que acuda al cine también lo hará. Eso es lo bonito de España, que cualquiera puede entenderlo. Lo que más me gusta de Euskadi es la gastronomía, la importancia que le dan a la cocina (yo soy un tragón). Además me parece gente muy educada, muchos piensan que tienen un carácter frío, pero yo les catalogo como gente muy correcta y respetuosa. Me gustan también mucho los deportes vascos, por lo brutotes que resultan. Hay que decir que el acento vasco lo bordas sin ninguna duda ¿cómo hiciste para meterte en el personaje?, ¿pasaste una temporada en Euskadi? No pude irme a Euskadi para el acento porque andaba rodando en Madrid la serie de “B&B, de boca en boca”. Para ayudarme me pusieron un coach con el que poder perfeccionar el acento euskera. Me grababa las frases del guión en el móvil y luego las repasaba en casa una y otra vez.

Muchas publicaciones te presentan ya como “la revelación del momento” por tu interpretación en la serie B&B de Telecinco y tu estreno en cine con “Ocho apellidos vascos” ¿Te esperabas que llegara todo al mismo tiempo? Sabía que cuando se estrenaran los trabajos iban a salir todos a la vez (la serie y la película). Los personajes que interpreto en serie y cine son muy diferentes, pero no me esperaba este éxito para nada, sobre todo estando rodeado de tal cantidad de profesionales. Mi intención era simplemente hacerlo lo mejor posible. A la llegada de esta película se suma también tu debut en la serie B&B de Telecinco donde interpretas el papel de Juan, un becario intrépido que tiene un corazón que no le cabe en el pecho ¿cómo ha sido la experiencia de compartir trabajo con actores como Belén Rueda, Gonzalo de Castro, Carlos Iglesias…? La figura de Belén Rueda me impone mucho porque le admiro desde siempre. Pero en el minuto dos esa relación cambia, por la confianza que ella misma te da. Es un ángel, un cielo de persona. Es genial compartir trabajo con tantos profesionales y caras conocidas de la televisión en España. Por ejemplo, Fran Perea vive muy cerca de mi casa y todas las mañanas vamos en el mismo coche de producción. Además compartimos camerinos… por lo que al final se fragua una bonita amistad.

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¿Qué es lo más te gusta de tu papel en la serie?, ¿qué vamos a poder ver próximamente entorno a tu personaje? Lo que más me gusta de Juan es la inocencia que tiene, es el ejemplo de un clown muy cara blanca. Una persona que ve todo por primera vez y actúa en consecuencia. Juan es un chico muy educado que llega a Madrid y se sorprende por todo lo que ocurre. Se enamora de manera platónica. Lo que me gusta de él es esa parte naif que todos hemos perdido con el paso de los años. Seguramente mucha gente te siga identificando como “Dani Rovira, el monologuista” ¿qué te dicen por la calle de tu personaje?, ¿qué es lo que más te ha sorprendido? Te voy a contar una anécdota que me pasó mientras corría una maratón. Iba corriendo y pasaba por delante de marquesinas que tenían el cartel de la película (muchos de los corredores veían el cartel y me miraban sorprendidos). Una pareja de Pamplona iba a mi ritmo, justo a mi lado y de repente el hombre me dice; “tú ya podrás, porque con ocho apellidos vascos cualquiera se hace una maratón…” (Risas) Has trabajado en muchos programas de televisión, casi siempre vinculados al humor… pero tú en realidad estudiaste Ciencias de la Actividad Física y del Deporte en Granada ¿qué te llevo al mundo de la interpretación? Pues me lleva que me gustaba mucho. Lo que pasa es que al terminar el instituto con 18 años, tenía que estudiar una carrera “medio normal” de cara a mis padres. Paralelamente ya tenía despierto el

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duende del espectáculo. Terminé la carrera e incluso aprendí una profesión, la de quiromasajista. Cuando tuve que elegir, me dediqué en cuerpo y alma a la comedia y al teatro. Viniendo del mundo del humor, y siendo una persona tan reconocida en el mundo de los monólogos ¿crees que los espectadores entenderían tu aparición con un personaje dramático en una película?, ¿te gustaría hacerlo? Sí me gustaría, yo encantado. Con el personaje de Juan de B&B estoy experimentando muchas tramas en las que sufre y afronta nuevas situaciones de drama. Sí, me gustaría porque me siento muy cómodo, pero como si me proponen hacer un musical. Siempre y cuando hagas todo con mucho respeto y trabajo. A mi me divierte mucho a jugar a hacer personajes que no son yo, porque yo ya estoy harto de mi mismo. Eres uno de los actores españoles con más actividad en Twitter (@DaniRovira) con casi 800.000 seguidores ¿cómo te afectan a ti los comentarios que ves en las redes?, ¿podrías decir que estás en cierta forma enganchado al mundo redes? Muchos ías es imposible leer todas las menciones que la gente te hace. Estoy “enganchaíllo” pero también tengo la capacidad de desconectar cuando estoy saturado. Lo uso sobre todo como herramienta de trabajo, como feedback de lo que hago, para informarme, para divertirme, para ver lo que van haciendo amigos a los que no puedo ver. Además uso Twitter como herramienta artística, subo los microcuentos, me gusta publicar tonterías de vez en cuando. Para mi es una herramienta multitarea.


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Hablando de monólogos se me vienen a la cabeza un gran número de nombres de hombres que se dedican al humor y sin embargo sólo un par de nombres de mujeres ¿crees que existe cierto machismo en el mundo del humor? No creo que haya machismo. A lo mejor es que hay que asumir que es así y no hay que darle más vueltas. Yo siempre voy a por la solución más accesible. Creo que esto cambia cuando una mujer se sube al escenario y no hace comedia de su condición de mujer. Para mi, las grandes cómicas de este país son las que no tienen miedo al ridículo de su físico… España es muy machista, pero las mujeres se exigen mucho también. Hay cómicas muy buenas como Llum Barrera, Yolanda Ramos o Ana Morgade. No quiero asumir que sea una profesión de tíos. En Estados Unidos hay mujeres con un perfil cómico bestial como Ellen Degeneres… En España Eva Hache nos da mil vueltas

a todos. Creo que hay que quitarse los complejos y decir “vamos a hacer comedia”. Ya que mencionas a Eva Hache, ¿te verías presentando una gala de los premios Goya? (Risas) Yo estoy muy loco, claro que sí. Para mi la vida son retos. Hay cosas que sólo te pasan una vez. No me gusta esta gente que dice “yo eso no lo haría”. ¿Qué proyectos de futuro tienes?, ¿qué es lo próximo que vamos a poder ver? Este verano rodaré una película que va a ser una comedia romántica que grabaremos dentro y fuera de España. Ahora es el momento de saber elegir próximos proyectos. Estoy preparando también mi espectáculo para llevarlo y estrenarlo próximamente en mi tierra, en Málaga. Y por otro lado, sigo escribiendo mi libro de microcuentos que espero poder estrenar para Navidades.

“ Lo que está ocurriendo con ‘8 apellidos vascos’ puede no ser normal, pero al mismo tiempo es algo que puede pasar. Con esta cinta la gente ha demostrado que quiere ir al cine y ha dado un golpe de cara a los políticos. ”


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¿DOS MISMAS SERIES CON UN… MISMO DESTINO? POR CELIA RAMIREZ Piensen bien en la serie de la que les hablo. Una redacción. Relaciones de compañerismo, amistad. Sucesos con finales felices. Moralejas y una gran dosis de amor que no entiende de jerarquías. ¿Saben de qué serie les hablo? No se preocupen, les doy más pistas. La pareja de protagonistas la forman dos actores de igual renombre y tirón, con una relación de altibajos. Ella, periodista experimentada, autoritaria pero con don de gentes y con todo el equipo en el bote, está regentando temporalmente la dirección de la publicación, a la espera de un nombramiento que le reconozca oficialmente el nuevo cargo que se ha ganado a pulso tras entregar toda su vida a la redacción. Pero de repente llega él. Un tipo un tanto despistado, desgarbado, desarraigado y todos los des que le quieran añadir. Lo traen desde América, elegido a dedo para ocupar la dirección, y por ende, desplazar a la chica, quien se creía digna merecedora del puesto. A partir de ahí, la discordia está servida. Luchas profesionales, distintos puntos de vista, conflictos éticos… y tensión sexual, mucha tensión sexual que se hace patente. ¿Les suena? La dosis de comedia la aporta la entrañable pareja de amigos que comparte piso. Por una parte, el fotógrafo ligón. Ninguna mujer se le resiste, y su regla es muy clara: no repetir más de una noche con la misma mujer. Sin embargo, una guapa compañera en la que no se había fijado, empieza a conquistarle y a hacer que sus


propias normas se desmoronen. Por otro lado, su antítesis. El eterno becario con problemas para llegar a fin de mes, poco agraciado pero con el carisma andaluz que proporciona el toque de humor a la serie. ¿Lo tienen? Una última pista. El resto del equipo se compone de mucha chica mona con ganas de llegar a más y de algún que otro cargo de otorgamiento dudoso, como la joven hija del susodicho jefe, que entra como becaria estando aún en primero de periodismo, con ganas de cambiar el mundo sin dejarse cambiar a sí misma. Ah! Y un antiguo amigo del protagonista, que hace las veces de confesor y que es a su vez pareja de la mejor amiga y confesora de ella. Claro, ¿No? Evidentemente, les estoy hablando de la nueva serie de la temporada: B&B, de boca en boca. Esperen un momento… ¿o les hablo de Periodistas, el éxito de los noventa? No estoy segura. Por momentos puede surgir la sensación de estar viajando quince años en el tiempo, para bucear en la redacción del Crónica Universal. Pero estén tranquilos, la confusión se disipará en cuanto vean cómo los secundarios de la talla de Pepón Nieto, María Pujalte o Alicia Borrachero, quienes acompañaban a los siempre magistrales Amparo Larrañaga y José Coronado, han sido sustituidos por jóvenes con un nivel de interpretación a la altura de sus escasas minifaldas. ¡Pero que no cunda el pánico! Para reflotar la serie han decidido contar en sus nuevas entregas con actores de la talla de Andrés Velencoso... Lo cierto es que la similitud entre ambas series no pasa desapercibida, incluso en las tramas capitulares de la redacción. Se entremezclan las causas sociales de todo tipo, salpicadas por desahucios e intentos de suicidio. No obstante, aún a pesar de encontrarnos en una coyuntura económica y social diferente, separada por más de una década, llama la atención que en apenas en cinco capítulos emitidos hayamos podido observar la copia exacta de temas de la citada Periodistas. Véanse casos varios como un boxeador en la cuerda floja, una muerte anunciada o incluso un preso que quiere volver a la cárcel y que hará todo lo posible hasta conseguirlo, poniendo en juego la integridad física de alguno de los componentes de la redacción. Eso sí, siguiendo la tendencia actual, las modelos se pasean por la redacción escasas de ropa, y los cuerpos desnudos (generalmente femeninos, todo sea dicho) se intercalan capítulo si, capítulo también, sin que sean una exigencia del guión necesaria para la trama. Hoy en día, por la audiencia lo que haga falta, que al fin y al cabo es la que da de comer, y ya se sabe, si tiran más que dos carretas…


Ambas series comparten productora, cadena de televisión, y hasta productor ejecutivo, Daniel Écija, que comenzó dando una primera oportunidad a su mujer Belén Rueda y a quien vuelve a escoger, ahora como protagonista, ya convertida en ex y en actriz consagrada tras pasar por la dirección de Amenábar y J.A. Bayona. Parece que Globomedia lo tiene claro, y ante los fracasos que han cosechado algunas de sus últimas apuestas (Punta Escarlata, BuenAgente, o la más reciente Bienvenidos al Lolita), la productora ha optado por cubrirse las espaldas recurriendo a formatos más que testados entre el público de todas las edades. Sin embargo, la televisión ya no es lo que era. No hay moda que cien años dure y parece que la fórmula “profesión-familia” que tantos éxitos ha cosechado desde las míticas Farmacia de Guardia o Médico de familia, están dando paso a grandes producciones más arriesgadas, basadas en épocas pasadas (Isabel, Velvet) o lugares lejanos (El tiempo entre Costuras, El Príncipe). Las cifras hablan por sí solas. Periodistas (1998-2002) contó con 5 años de emisión, 9 temporadas y más de un centenar de capítulos. Audiencias que llegaron a superar el 30% de share y que rondaban los 4.500.000 espectadores ya en sus últimas temporadas. Sin embargo, B&B no ha tenido el éxito que parecía esperarse. A pesar de la promoción que se prolongó durante meses, y de la premiere a todo glamour en los cines Callao de Madrid, su estreno pasó desapercibido, ante los apabullantes datos de Velvet. Ahora, y con unas cifras irregulares frente a Con el Culo al Aire, trata de mantenerse y afianzarse en la menos dura noche de los miércoles, con una renovación de tres capítulos más. Faltará ver si estos nuevos capítulos serán de cierre, o las tramas de los

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Bornay podrán continuar en una próxima temporada. No seré yo quien diga que cualquier tiempo pasado fue mejor. Los tiempos cambian y con ellos las facturas de las series evolucionan. B&B cuenta con decorados conseguidos, con actores que hacen de puntal de la serie, como Gonzalo de Castro, Pablo Iglesias, Neus Sanz o la actriz revelación Macarena García, y sobre todo con el savoir faire de Globomedia, especialista en desarrollar tramas que, aun previsibles, resulten emotivas. La empresa de Emilio Aragón se ha consolidado como una productora estrella y todas las cadenas confían en ella para sus grandes producciones. Sin embargo, ya se sabe: renovarse o morir.


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Cómo (finalmente)

conocí a vuestra

T R A CH

I R O T BER

L A R

PO

madre

Ha comenzado la cuenta atrás definitiva para el final de una de las sitcoms norteamericanas de referencia de los últimos años. La historia, contada a modo de flashbacks, prometía desde sus inicios ser la sustituta moderna de Friends, bien por su innegable similitud o bien por sus hilarantes diálogos de las primeras temporadas. Nueve años después de la emisión de su primer capítulo, los guionistas de la serie han decidido poner fin a la historia de cómo el enamoradizo Ted Mosby encuentra a la mujer de sus sueños. A expensas de ver el doble capítulo final que se emitirá por el canal CBS el 31 de marzo (después del cierre de este número) ya podemos hacernos una idea aproximada de cómo será el ansiado momento. Pero para no revelar spoilers a los más rezagados, hablaré únicamente de aquello de lo que ha supuesto ésta última temporada y lo que se espera del final de una serie que tantas conversaciones ha generado entre amigos. Siguiendo la dinámica del resto de temporadas, es bastante predecible que las últimas escenas tendrán una fuerte carga sentimen-

tal y emotiva, sin olvidar algún que otro guiño cómico entre medias. No cabe duda que el momento del primer encuentro entre Ted (Josh Radnor) y su esposa, de la cual ya conocemos su rostro y nombre, será especial, pues es algo de lo que han estado preparándose los creadores de la ficción desde el primer momento. El broche de oro a una comedia que ha ido perdiendo aptitudes con el paso de las temporadas. Si empezó con cierta frescura humorística y la máxima intriga por parte de sus seguidores acerca de la identidad de “la madre”, la serie no ha sabido envejecer como debiera, abusando de gags prefabricados y posibles madres que fueron desechadas de la vida de Ted conforme iban renovando temporadas. El espectador medio, como si de uno de los hijos de Ted se tratase, acabó viendo los nuevos capítulos por pura inercia y con cara de aburrimiento en el sofá a partir de la quinta o sexta temporada. Sin embargo, tampoco es cuestión de quitarle mérito, muchas producciones televisivas no llegan a tantas renovaciones.


El principal problema de Cómo conocí a vuestra madre, quizás, fue la escasez de pistas en cuanto al objetivo primero de la serie: conocer a la madre. En proporción al número de capítulos que podríamos definir como “de relleno”, la ficción avanzaba con suma lentitud, provocando el desinterés general en Ted Mosby, restándole protagonismo y otorgándoselo a sus compañeros de reparto: Neil Patrick-Harris (Barney), Cobie Smulders (Robin), Jason Segel (Marshall) y Alyson Hannigan (Lily). A estas alturas mucho han de esforzarse los guionistas para volver a sorprender a los espectadores, hecho que consiguen en contados capítulos de finales más inesperados. La novena (y última) temporada prometía un regreso a los orígenes de la serie, en cuanto a temáticas y gags se refiere. Vuelven a relucir elementos que han acompañado a los personajes durante toda la historia, como la última bofetada de Marshall a Barney, el paraguas amarillo, el taxista Ranjit, las pausas entre discusiones de Lily y su marido o los interminables sentimientos de Ted hacia

Robin. Todo ello mezclado con nuevas apariciones de la madre, quien conoce al resto del grupo antes de conocer a Ted (como los creadores declararon a los medios que ocurriría), y enmarcado en un espacio-tiempo de 48 horas decisivas para el grupo de amigos. Tal vez por estas últimas condiciones no haya sido posible regresar a la calidad humorística de los primeros capítulos. Tal vez se echan de menos escenarios ya míticos, como el McLaren´s o la casa de Ted, los cuales aparecen de forma más esporádica, o tal vez la dinámica de la trama impide una mejora en sus bromas, pero lo cierto es que la promesa de un regreso a los guiones iniciales queda relegado con capítulos que pasan por más pena que gloria.


Aún así quedan esperanzas. Los capítulos previos al doble capítulo final brillan por su carácter conclusivo. Frente al inminente final feliz que depara al grupo de personajes, es de esperar que se cumplan toda clase de premoniciones: - Que Ted encontrará a su mujer en el momento más inesperado. Posiblemente en la última escena del último capítulo. - Que los hijos de Ted se muestren incrédulos en el año 2030 al ver que su padre ha terminado su narración. - Que Barney sienta la cabeza. - Que Marshall y Lily… sigan siendo Marshall y Lily. Casados desde el primer minuto. Aunque se acerque el final, los fans de la serie pueden respirar tranquilos. La CBS ya ha ordenado el capítulo piloto del spin off How I met your dad, con nuevos personajes, nuevos espacios, nuevas historias y ningún vínculo a la serie original más que probablemente, el mismo formato humorístico. Por otra parte, para los que necesiten despejarse después de nueve años de paciencia infinita, recomiendo otras sitcoms norteamericanas que funcionan perfectamente como sustitutas, como New girl, Super fun night, Modern family o Community.


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CIN

CARTELERA EN POCAS PALABRAS LUPITA GARCIA KAMIKAZE ABRIL SALE DEL ARMA TIVAL DE CINE DE MALAGA CARTELERA EN DE DON SANDALIO ALEX GARCIA KAMIKAZ


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upita yong’o

“La actriz de moda”

POR ALBA VERDÉS


Algunos ya empiezan a etiquetar a Lupita Nyong’o como la “It Girl” del momento. Por ahora, podemos afirmar que se trata de la “actriz de moda” en Hollywood, tras ganar el Oscar a “Mejor Actriz de reparto” en su primera nominación. La actriz de 31 años nació en México pero sus raíces son keniatas. Con su suerte, sus padres pudieron otorgarle una educación de corte estadounidense, y más tarde Lupita decidió que quería dedicarse al cine. El director Steve McQueen confió plenamente en ella y le ofreció la oportunidad de debutar en su film, ya que la consideró idónea para el papel. Nyong’o ni siquiera había terminado los estudios de interpretación cuando fue seleccionada y reconoce que se sintió ilusionada al poder formar parte del proyecto. Lupita era la clara favorita para llevarse el galardón, por su papel como Patsey en “12 años de esclavitud”, que recibió numerosos halagos de la crítica. La actriz debutó en la gran pantalla con una interpretación cruda y complicada de una mujer esclava maltratada por un tirano terrateniente en el Sur de Estados Unidos. En su discurso al recibir el premio de la Academia, Lupita dijo: "No dejo de pensar que tanta alegría en mi vida se deba a tanto dolor en las vidas de otros", en clara referencia a todos aquellos que sufrieron como esclavos. Aunque era la favorita, no lo tenía fácil, puesto que sus rivales eran grandes actrices como Jennifer Lawrence, ganadora del Globo de Oro por “La Gran Estafa Americana”, y la veterana Julia Roberts que borda su papel en “Agosto”. No obstante, no solo ganar el Oscar provocó que Lupita fuese el centro de atención, sino que su personalidad y el buen rollo que demostró durante la gala, en la alfombra roja y detrás de las cámaras, hizo que se convirtiera en uno de los temas más comentados en las redes sociales. Lupita derrochó simpatía, naturalidad y un estilo impecable. La actriz, que se decantó por Prada, se convirtió también en una de las

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mejores vestidas de los Oscars. Su vestido azul de princesa de cuento, que nos hacía recordar a la Cenicienta, destacó entre los outfits de “las actrices veteranas”. Desde su debut, Lupita se ha convertido rápidamente en un referente de la moda, sorprendiendo en todas sus apariciones en eventos y galas con outfits muy acertados y elegantes. Por ello, todos los maestros de la moda desean que luzca sus creaciones. Sin embargo, la actriz afirmó que nunca se ha sentido especialmente intereresada por la moda. De hecho, ha desvelado que comenzó a hojear las revistas de tendencias poco antes de comenzar la promoción de la película. Ahora, sin embargo, es la imagen de Miu Miu.

Pese a su belleza y elegancia, Lupita relató en un emotivo discurso que durante mucho tiempo se sintió fea y que soñaba con ser blanca. Confesó haber pedido a Dios levantarse con piel blanca, y haber pasado una adolescencia dificil por ello, hasta que descubrió la belleza de ser una mujer negra, teniendo como referente a la modelo sursudanesa Alex Wek. Con el tiempo, Lupita comprendió que lo importante es la belleza interior y sentirse bien con una misma. No podemos negar que la carrera de Lupita ha empezado con muy buen pie. Sin tener experiencia, ha podido participar en un film exitoso con un elenco de grandes actores y que le ha permitido alzarse con el mayor galardón del cine por su interpretación debut y con tan solo una nominación. Muchos directores serán los que estarán a la pista de conseguir a esta actriz para sus films, y no será de extrañar que ya tenga varios proyectos cinematográficos firmados. De hecho, próximamente la veremos en el thriller de Jaume Collet-Serra “Non Stop”, que coprotagoniza junto a Liam Neeson y Julianne Moore. Sin duda, habrá que seguirle la pista a Lupita.


En pocas palabras... POR DON SANDALIO

Darren Aronofski El próximo 4 de Abril se estrena en nuestras salas Noé, del siempre sorprendente Darren Daronofski. Repasamos sus últimos títulos hasta la fecha.

El luchador (Darren Aronofski, 2008)

The Wrestler es la decadencia del cuerpo. Nadie mejor que Rourke podía hacerlo. Está brillante. Lo que el tiempo tizna, a veces saca lo mejor de nosotros. Fresco de viejos luchadores y galería de perdedores venidos a menos, a través de la mirada rota de un luchador (Rourke) que, imaginamos, lo ha visto todo a lo largo de su vida. Excelente película.

Cisne negro (Darren Aronofski, 2010)

Black Swan es la mejor introspección en los desórdenes de la mente humana en el cine de los últimos años, con el sello hipnótico de Portman y Aronofsky y la madre más bizarra desde la madre de la Carrie original. Cautivadora: un must-see irrefutable.

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Y el diluvio llegó “Noé” llega a la cartelera española en Abril

POR MIGUEL A. ROMERO FERNÁNDEZ

Se estrena el 4 de abril en España una de las películas más esperadas de este año “Noé” dirigida por Darren Arofnosky, el cual ya estuvo a la cabeza de otras obras como “Cisne Negro” o “Réquiem por un sueño”. La historia cuenta el tan conocido pasaje bíblico en el que Noé (Russell Crowe) teniendo visiones sobre el apocalipsis, decide junto a su mujer Naameh (Jennifer Connely) y sus hijos entre los que se encuentra la tan conocida Emma Watson y su padre Matusalén (Anthony Hopkins) crear una embarcación que les librará a ellos y a dos animales de cada especie del diluvio universal. Una trama a priori bastante utilizada en el cine para otras muchas películas religiosas que han intentado glorificar la vida de este personaje. Sin duda, uno de los aspectos más llamativos de la película, y que hace que sea diferente, es la batalla entre el protagonista Noé y el antagonista Tubal-cain (Ray Winstone) que acrecentarán la emoción de la película en todo momento y que hará que nos aferremos a las butacas. La búsqueda para el papel de Ray Winstone fue el mayor problema puesto que hasta el último momento se barajaron nombres como los de Liam Neeson, Liev Schreiber o Val Kilmer. Pero finalmente Winstone sería uno de los últimos en incorporarse al rodaje de la obra tras finalizar la grabación de la película “Ashes”. Sumado a esta relación de contraprotagonistas, la fotografía de la película y los efectos especiales, siendo preparada incluso para ser proyectada en 3D, hacen que su presupuesto cercano a los 130 millones de dólares sean una inversión aprovechada, convirtiendo esta gran producción en todo un regalo para la vista. Incluso toda la obra ha sido grabada en dos set de rodaje entre Brooklyn (Nueva York) e Islandia, dos lugares totalmente dispares lo cual tiene que ver mucho con la mezcla entre el mundo real y el de los efectos


especiales. Además, el director de la obra, dada la envergadura de la misma, tuvo que rechazar otros proyectos como el de “X-Men Orígenes:Lobezno”, una película de éxito asegurado, para dedicarse a este proyecto que lleva forjándose desde 2009, con una complicada adaptación del guión que dista un poco del texto en el que se basa. Sin embargo, y como en todas las obras de tal calibre económico, no se han hecho nada más que suceder las polémicas. En un principio la película la suscitó la propia productora Paramount al intentar hacer unos recortes en el montaje final antes de la emisión de ésta, debido a las impresiones en algunas proyecciones preliminares hechas entre pequeños grupos de gente, ignorando la propia independencia en la creación y criterio del director, algo a lo que se oponía el mismo. Pero seguida de esta polémica vendría la más reciente, en la que distintos países árabes, entre los que se encuentran Egipto, Catar, Baréin o Emiratos Árabes Unidos, se niegan a proyectar la obra dada su calidad religiosa, justificándose en que esta película contradice las enseñanzas del Islam. Esto ha hecho que estas polémicas hayan desarrollado escepticismo acerca de su éxito comercial antes de su estreno en España. Pero el propio Arofnosky ha salido en defensa de su obra, sosteniendo como esta historia siempre le llamó la atención, destacando que el cine bíblico ha sido muy abandonado en pos de los superhéroes en Hollywood y que estas polémicas surgen del desconocimiento. Además, ha querido dejar claro que en este largometraje los animales no han sido utilizados de verdad sino que las criaturas son versiones “ligeramente modificadas” y algunas incluso seres fantásticos. Por todo ello, podemos ver como esta obra que sigue la estela de otras como “Moisés” o “La Pasión” y se estrena en un mes en el que en España estos temas vuelven a las pequeñas pantallas, podría convertirse en un tema con un gran tirón, si consigue superar todas las polémicas suscitadas y convertirse en otra de las grandes obras de este gran director nominado ya anteriormente a grandes premios. Pero si alguna duda queda sin resolver verdaderamente, no es otra sino la de ante si nos encontramos ante una obra religiosa o ante una simple ficción, juzguen ustedes mismos.


FOTOGRAFÍA: SERGIO LARDIEZ (www.lardiez.com) MAQUILLAJE: CRISTINA FERNÁNDEZ PELUQUERÍA: SARA CABALLERO ESTILISMO: MARÍA PATRICIO (www.mariapatriciomartin.com) ASISTENTE DE ESTILISMO: ALEJANDRA DÓNIGA TEXTO: BEATRIZ LOZANO


CONOCIDO EN TELEVISIÓN POR SUS PAPELES EN “SIN TETAS NO HAY PARAÍSO” Y “TIERRA DE LOBOS”, ÁLEX GARCÍA ESTRENA ESTOS DÍAS “KAMIKAZE”, UNA PELÍCULA PROMETEDORA. DIVERTIDO Y SINCERO EL ACTOR CANARIO NOS HACE UN REPASO DE SU IMPARABLE TRAYECTORIA PROFESIONAL.

Desde muy joven tuviste la inquietud de comunicar a los demás. Tus primeros pasos fueron en una cadena de televisión local de Tenerife, el Canal 7 del Atlántico, en la que presentabas un programa sobre el famoso Carnaval de Santa Cruz. Cuéntanos, ¿cómo surgió ese oportunidad y qué supuso para ti en ese momento? Surgió prácticamente como en las películas porque yo simplemente era un estudiante de trece años que participaba en una murga (son los grupos del carnaval). Cuando vinieron a hacerme un entrevista como al resto de compañeros me puse a contar chistes y a liarla en la murga. Eso lo vio el director de ese canal de televisión y mandaron a la que era productora del programa a buscar a mi familia para decirle que al director del programa le había gustado mucho y que me ofrecía trabajar en ese canal. Fue todo como de película y ahí empecé a trabajar hasta los 17 años sin parar en este Canal 7 del Atlántico. En 2001 decidiste dejar tu tierra natal para estudiar interpretación en Madrid, en la escuela de Cristina Rota. Mientras tanto, conseguiste tu primer papel en televisión en la serie Compañeros, de Antena 3. ¿Cómo fue ese aterrizaje en la península? Para mi fue como el del pueblo que se viene a la gran ciudad porque realmente por fin llegas a un lugar en el que puedes coger el coche y desaparecer durante horas, incluso perderte hasta Europa. Entonces cada fin de semana intentaba viajar. Luego encima me metí a vivir en

un colegio mayor, que es otro mundo totalmente diferente, donde conocí a mucha gente que estaba llegando a Madrid con la misma inquietud que yo. A parte estaba en Cristina Rota, donde había gente también muy disparatada. Entonces mi llegada a Madrid fue muy muy disparatada, la verdad – ríe. Desde 2004, no has dejado de hacer cortos, incluso llegaste a dirigir uno de ellos, “Un día cualquiera” (2007). ¿Qué opinasdel poco alcance que tiene este formato cinematográfico en la calle? ¿Consideras necesario fomentarlo más entre el gran público? Me parece que cada vez se está acercando más a convertirse en algo para el gran público. De hecho, es la plataforma por la que pasan la mayoría de los directores y actores de la industria y cada vez hay nuevos concursos y nuevas opciones en Internet que hacen que todos los públicos empiecen a engancharse al cortometraje de pequeño formato y de mayor formato. Yo creo que era antes cuando estaba más alejado del público pero cada vez se está acercando más y está teniendo su público concreto. Considero que está llevando su camino adecuado. Yo creo que el cortometraje es de los pocos formatos que ha evolucionado positivamente en los últimos años y que cada vez hay más cortometrajistas y cada vez más para cualquier ciudadano se está convirtiendo en algo posible lo de crear una mini historia y llevarla a la pantalla. Eso hace que todos mejoremos. Realmente es un formato que me encanta, que respeto y que seguiré haciendo siempre que pueda.


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CAMISETA: ANTONIO MORATO


¿Te has vuelto a plantear ponerte a cargo de la dirección de alguna pieza o prefieres ser dirigido? De momento no. Prefiero que me dirijan porque me parece que el director es el que tiene que saber más sobre el proyecto, tiene que saber todo sobre el guión, sobre los actores, sobre el equipo y encima saber tratarlos a todos, tener la paciencia de saber dirigirte a todo el mundo. Eso me parece muy complicado y la tarea de director llega a ser hasta ingrata para mi gusto. La gente no suele asociarte con el teatro, sin embargo, no has hecho pocas obras a lo largo de tu carrera profesional. Es evidente que la situación económica de los últimos años junto con la subida del IVA cultural no ayudan pero ¿crees que existen otras razones por las que se ha perdido tanto la costumbre de ir al teatro? Yo creo que en las pequeñas ciudades sí se está notando el problema teatral pero en las grandes ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia o Bilbao hay una muestra teatral muy ponente. Se está generando lo mismo que ocurre con los cortometrajes, que aparecen nuevos géneros teatrales, incluso más pequeños y más económicos que hacen que la gente vaya más. O sea que lo que llamamos crisis realmente se está convirtiendo en una explosión creativa que yo creo que va a ir a mejor. Se hace todo lo que se puede y ya en cine lo estamos viviendo con “Ocho apellidos vascos” y espero que con “Kamikaze” también. Hoy en día ¿qué significa colgar el cartel de aforo completo? Significa un premio, lo valoras mucho más


PANTALONES: LEVIS CAMISETA: ANTONIO MORATO CAMISA: HARRY´S RELOJ: MR.BOHO PULSERA: SILBON TAZA: MR. WONDERFULL

que antes porque sabes que la gente se siente incluso estafada como espectador pagando esas cantidades. Pero es un disfrute como actor poder colgar el cartel hoy por hoy. Precisamente en teatro has trabajado en los últimos años con veteranos como Javier Cámara, María Pujalte, Fernando Cayo o Maribel Verdú. ¿Qué se aprende al lado de actores con esa trayectoria? Aprendes que tienes que trabajarte todos los personajes al máximo, que hay que ser muy humilde. Nunca sabes quien te va a sorprender y aprendes que te queda mucho por aprender cuando curras con alguien así.

“Es un disfrute como actor poder colgar el cartel de ‘no hay entradas” Tu papel de ‘José Moreno’ en “Sin Tetas No Hay Paraíso” probablemente fue el que te presentó y te dio fama ante los espectadores ¿Tuviste miedo en su momento a quedarte encasillado en el recuerdo de la gente como ese personaje? Realmente no porque fue un personaje que empezó siendo de figuración, episódico, un personaje que nunca sabíamos en qué episodio iba a desaparecer y se fue alargando sorprendentemente para mí sobre todo. Nunca llegué a ser consciente de la dimensión del personaje. Con el tiempo he visto que había mucha gente a la que le gustaba y que todavía me recuerda por él pero yo no, en ese momento no fui consciente.


Casi al mismo tiempo, tu paso por “Amar en tiempos revueltos” también fue significativo. El personaje de ‘Alfonso García’ tenía muchísima fuerza ¿Cómo es la experiencia de adaptarse a un guión ambientado en una época que no has vivido y con un lenguaje diferente al actual? Es una experiencia porque te obliga a trabajar la dicción, te obliga a estar muy atento interpretando, incluso en ocasiones te podía hasta coartar porque no puedes improvisar con la naturalidad que se habla hoy en día. Pero como actor me vino muy bien el personaje de Alfonso García

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porque fue un aprendizaje y se alejaba mucho de mí la forma de hablar de éste. Durante los últimos cuatro años, has dado vida al personaje protagonista de Tierra de Lobos. ¿Consideras que ha supuesto para ti una evolución a nivel actoral? Considero que ha sido un personaje más con todo lo gratificante que tiene ser un protagonista de una serie. Es un papel que me ha supuesto un montón de alegrías como conocer al reparto de Tierra de Lobos, como llegar a más público del que había llegado, como trabajar con los caballos, que me fascinaba... Yo


“No he tenido mentor, he tenido mucha gente de la que he aprendido y a la que he observado”

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TRAJE: DOCKERS CAMISA: MIRTO GEMELOS: SILBON ZAPATOS: LEVIS BICICLETA: www.biciclasica.com


estoy muy agradecido de que me hayan dado la oportunidad de ser César Bravo pero, como actor, yo intento esforzarme en cada trabajo por igual, ya sea más o menos protagonista intento que el personaje esté bien atado y bien defendido. El crecimiento ha sido más mediático que interpretativo. reparto de la serie ¿Qué opinas tú al respecto? La verdad es que ya se ha hablado mucho. Yo lo que puedo seguir diciendo es que todos intentamos que fuera un final acorde con la serie, pero a veces es muy difícil para los actores, incluso para los productores y guionistas hacer el final y hacer el capítulo que busca todo el mundo. También lo que está claro e influyó muchísimo en ese final es que la serie iba a continuar y no se pudo continuar. Eso realmente lo cambió todo. Desde el año pasado estás inmerso también en la obra teatral “Los hijos de Kennedy”, con la que en estos momentos estás de gira por el país. ¿Qué tiene de especial la historia que cuenta y en particular tu personaje? Tiene de especial que es un homenaje a los años 60, que tiene cinco arquetipos que cambiaron la historia de Occidente como son: el movimiento hippie, las actrices en el star system como Marilyn Monroe, el arte underground, el presidente Kennedy y los veteranos de guerra en Estados Unidos, más concretamente en la guerra de Vietnam. Mi personaje es un chaval que a diferencia de los chavales de aquí, va a la guerra sobre todo empujado por los ideales de su país y por los de su presidente, que era Kennedy. Cuando llega a la guerra se da cuenta de que todos esos ideales que cree que está defendiendo son mentira y son una mala

patraña para una campaña política que encima acaba desastrosamente, con muchísimas muertes, con un imagen de los Estados Unidos nefasta, con unos veteranos de guerra que cuando vuelven son repudiados por sus propios compañeros y tratados como asesinos, siendo ellos unas simples marionetas de la guerra. Entonces el personaje es muy duro y la verdad es que ha sido un viajazo interpretarlo porque desde aquí yo, como joven, no era consciente de lo mal que lo pasa un veterano de guerra, sobre todo en Estados Unidos que es un problema social de primer orden. Aquí la verdad es que no tenemos ni idea de este problema.

“Kamikaze es una película muy atrevida dentro del cine español con una historia original y que te deja con muy buen sabor de boca” Con esta obra es la segunda vez que te pones bajo la dirección de Josep María Pou ¿Cómo ha sido ese reencuentro? Ha sido interesante porque los dos habíamos hecho unos cuantos trabajos después de aquel primer encuentro. En mí se nota más el cambio porque yo era muy joven, yo tenía 24 años y ahora tengo 32. Han pasado unos años en los que cambias mucho como persona. Entonces, con todo el respeto que nos tenemos y el amor, tuvimos algún encuentro que otro durante la dirección de “Los hijos de Kennedy”. Pero yo la verdad es que con respeto hacia su trabajo, con todo el cariño que le tenía desde “La Cabra”, he aprendido mucho de esta función, he aprendido también a defender mis propuestas y a acoplarme al proyecto en el que estoy.

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¿Ha habido alguien que consideres haya sido tu mentor en el mundo de la interpretación? Mi mentor realmente no. He tenido mucha gente de la que he aprendido y que he observado… compañeros, amigos como Raúl Prieto o María Adánez o mi profesora Cristina Rota, que fue la primera profesora de interpretación que tuve. Mucha gente. Yo creo que en cada trabajo he ido aprendiendo y observando a alguien en concreto. Siempre busco a alguien de referente pero un mentor concreto no. Todo apunta a que “Kamikaze”, la última película que protagonizas y que se estrena este mes de abril, va a dar que hablar. No sólo cuenta con un gran elenco de actores, entre el que también están Leticia Dolera, Iván Massagué, Héctor Alterio o Verónica Echegui, sino que parece una historia con un fondo interesante. ¿Qué destacarías de la trama de esta producción? Destacaría que es una película muy atrevida dentro del cine español con una historia original y que te deja con muy buen sabor de boca, que pasas un buen rato y que te hace pensar. ¿Cómo fue meterte en la piel de Slatan y rodar en localizaciones tan distintas? Ha sido una experiencia, es un personaje precioso. Yo cuando llegué a la película ya me daba igual donde me llevaran porque llevaba unos meses intentado entender lo que le pasaba a Slatan y aprender ruso –ríe. Entonces cuando llegué la verdad es que, como Álex, tuve poco tiempo de disfrutar porque todos los días rodaba. Estaba casi todo el día en Slatan, pasándomelo bien con los compañeros a

la hora de la cena sobre todo, que era cuando me tocaba librar y cuando estaba todo el mundo allí en los Pirineos. Pero el resto estaba todo el día rodando. Recuerdo un viaje precioso en el que empecé con la oscuridad que tenía Slatan y acabé con la luz que tiene el personaje, con la confianza. Encima acabamos y hacía muy buen tiempo, nos fuimos al Festival de Málaga. O sea que pasamos de la nieve y la oscuridad del invierno a la luz de la primavera a la vez que hacíamos la película, igual que se va a estrenar en primavera. Tengo un muy buen recuerdo. “Kamikaze” se trata del primer largometraje de Álex Pina como director, ¿ha sido fácil trabajar de acuerdo a sus pautas? Ha sido muy especial porque él digamos que jugaba mucho durante la película a plantear secuencias que le apetecía hacer. Eso podía ralentizar el rodaje y a lo mejor perderte en algún momento pero te daba situaciones que en muy pocos rodajes vas a tener, tanto con compañeros como contigo mismo y con el equipo. Ha sido muy especial el rodaje que ha planteado Pina.

“Slatan es un personaje precioso. Estuve meses intentando entender lo que le pasaba ¡y aprender ruso!”


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“Mi punto fuerte es que siempre trabajo, trabajo y trabajo. No me pongo límites preparando un personaje, y ese también es mi punto débil”


Aunque haya mucha gente que aún no te asocie al cine, antes de rodar “Kamikaze” ya habías hecho varios largometrajes como son: “90 minutos & I love you” (2001), “Seis puntos sobre Emma” (2001) y “Entre esquelas” (2012) . ¿Con qué te quedas de cada uno de ellos? “90 minutos & I love you” es el plano secuencia más largo de la historia. Se hizo en Nueva York, lo hicimos un grupo de mayoría canaria, lo cual fue muy especial. “Entre esquelas”, que fue mi primera película cobrada, mi primera película profesional y encima era un personaje bastante complicado. Lo hice lo mejor que pude y tuve la suerte de que el año pasado me dieron el premio de la Unión de Actores por esa película. Y “Seis puntos sobre Emma” ha sido muy especial por-

que Roberto Pérez Toledo es un tío muy especial, porque Verónica Echegui también, Nacho Aldeguer, Mariam Hernández…había un reparto muy especial con una historia muy bonita rodada en Tenerife. La verdad es que en este sentido he tenido mucha suerte porque siempre he acabado en situaciones muy especiales con los rodajes y eso luego se transmite en las pelis. ¿Cuáles consideras tus puntos fuertes y cuáles los débiles como actor? Mi punto fuerte es que siempre trabajo, trabajo y trabajo. No me pongo límites a la hora de preparar un personaje y ese es mi punto débil también –ríe- porque puedo llegar a ser cansino y hay que dejar que los personajes respiren y vayan apareciendo por sí solos durante el proceso.


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Existe un rechazo generalizado por parte del público español al cine que se hace en nuestro país. ¿Por qué crees que estas producciones no suelen triunfar dentro de nuestras fronteras? Creo que las que no triunfan tienen una parte de prejuicio por parte del espectador y tiene gran parte de razón. El espectador es libre y si no le gusta algo pues no le gusta. Hay muchas películas que han triunfado este año y eso es con lo que me quedo, con que se pueden hacer películas que le gusten al espectador. Acaban de estrenar “Ocho apellidos vascos” y ha ido fenomenal su primer fin de semana. A la gente cuando le das cosas interesantes las ven, o sea que yo creo que lo que hay que hacer es escuchar al espectador. ¿Estás informado sobre el panorama actoral en Canarias? ¿Qué te parece? No al detalle pero sí. Hay compañeros que hacen compañías propias y que desarrollan ellos mismos sus producciones, intentan autogestionarse. Está complicado, el dinero no se destina tanto como nos gustaría. Lo digo sobre todo por compañeros míos que intentan sacar proyectos adelante y les cuesta, ya no hay tanto dinero como había antes. Hubo un momento en el que Canarias era la bicoca de las subvenciones y todo dios iba a rodar a allí porque le daban la subvención. Yo creo que se necesita que se vuelva a dar un repaso a las subvenciones, recuperar dinero y seguir confiando porque hay directores y actores buenísimos en Canarias que, de hecho, muchos de ellos están trabajando ya fuera, no en la Península

sino en Estados Unidos. Hay que hacer que trabajen fuera pero también en Canarias. ¿Tienes algún proyecto nuevo entre manos? Tengo la película de “La novia” que dirige Paula Ortíz y están Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Leticia Dolera, Luisa Gavasa… Es la versión cinematográfica de las “Bodas de Sangre” de Lorca, versión libre de Paula Ortíz basada en la obra de teatro y me apetece muchísimo. El reparto es increíble, Paula tiene muchísimo trabajo ya hecho sobre Lorca, ha hecho una versión con muchísimo respeto y yo creo que es brillante. Es una versión que respeta el universo de Lorca pero que está trasladada al siglo XXI. Tengo muchísimas ganas de empezar a rodar. Empezamos en junio. Álvaro Cervantes, nuestra portada de Marzo dejó la siguiente pregunta para ti: ¿Dónde te perderías mañana? ¡A ti te lo voy a decir! –risas-.

“Para que el cine español triunfe, hay que escuchar al espectador”


kamikaze

Verónica Echegui

L

a actriz española nos habla sobre “Kamikaze”, su último trabajo en la gran pantalla, dirigido por Alex Pina, creador de series como “El Barco” o “Los serrano”.

Comedia, amor y drama se mezclan en esta película que narra la historia de Slatan(Alex García) un hombre corriente que ha perdido todo y movido por el dolor, inicia un camino sin retorno hacia el odio y la venganza, pero en el camino, se encontrará con ciertas personas que cambiarán el rumbo de su vida. Aprenderá el significado de valores como la amistad o el amor y recobrará la ilusión por vivir gracias a estos personajes con los que no tendrá más remedio que convivir durante varios días debido a la cancelación de su vuelo por un temporal. “Un film donde drama y humor van cogidos de la mano ya que beben uno del otro” así define Veronica Echegui el primer largometraje del directo Alex Pina, una obra conmovedora y original que rompe con los cánones tradicionales del cine español. Además, cuenta con un elenco repleto de caras conocidas como Carmen Machi, Alex García, Leticia Dolera o Hector Alterio, que despertarán en el espectador alguna que otra risa entre tanta tragedia. La actriz, que interpreta a Nancy, una mujer de gran inestabilidad emocional que conseguirá enamorar a Slatan, ha declarado que trabajar con su pareja, Alex García, ha sido una ventaja y una manera de crecer tanto profesional como personalmente. Además, señaló que rodar en esas condiciones, a menos 20 grados, fue muy duro y supuso una mayor unión por parte del equipo, lo que para su director se resume en un mantra: “Ser una gran familia”.


Verónica también habló sobre la complejidad de su papel y como tuvo que prepararse a través de diversos foros y contactando con especialistas sobre los síntomas que produce el trastorno limite de personalidad en aquellos que lo padecen. Aun así, declaró que desde la primera vez que leyó el guión, se imaginó a su personaje tal y como se muestra en la película. La actriz nos confesó que durante estos días estará promocionando “Kamikaze” por nuestro país, pero en cuanto termine, regresará a Inglaterra para continuar con el rodaje de su próxima serie, “Fortitude”.

Una película para todos los públicos con un mensaje claro: la vida no siempre sigue el plan previsto. “Kamikaze”, basada en la novela del mismo nombre escrita por Ivan Escobar, ha tenido una calurosa acogida en las salas del país durante su primer fin de semana en taquilla.

“Trabajar con Alex me ha hecho creer tanto profesional como personalmente”

TEXTO: CLAUDIA CLEMENTE FOTOS: ADRIÁN LASANTA


CARTE Anochece en la InRicardo decide viajar a la India por tierra, como hacía en los viejos tiempos, cuando llevaba hippies a Oriente con su furgón cruzando Europa, Turquía, Irán y Pakistán. Pero la situación ahora es muy distinta porque ha pasado los últimos diez años de su vida en una silla de ruedas. Al viaje le compaña Dana, su asistenta rumana. Son dos seres solitarios con los que la vida tiene una deuda. El viaje se convertirá en la coartada para saldarla. Estreno: 10 de Abril 2014

Purgatorio Cuenta la historia de una joven que se ve obligada a cuidar del hijo de su recién llegada vecina. El tiempo pasa y nadie aparece para recogerlo, pero lo que es peor es que la actitud del chaval empieza a ser cada vez más rara, llegando a afirmar que hay otro niño escondido bajo la casa de nuestra protagonista. Estreno: 4 Abril 2014


ELERA El pasado Después de cuatro años de separación, Ahmad llega a París desde Teherán, a pedido de Marie, su esposa francesa, para proceder a las formalidades de su divorcio. Durante su corta estadía, Ahmad descubre la relación conflictiva que Marie mantiene con su hija, Lucie. Los esfuerzos de Ahmad para intentar mejorar esta relación dejarán al descubierto un secreto del pasado.

Estreno: 16 Abril 2014

Mejor otro día Víspera de año Nuevo, en la azotea de un rascacielos de Londres coinciden Martin, Maureen, Jess y J.J. para poner fin a su vida. En lugar de saltar, los extraños hacen un pacto para seguir con vida hasta el día de San Valentín. Película basada en el best seller internacional “En picado”, de Nick Hornby. Estreno: 11 Abril 2014


CARTE La vida inesperada Un actor que fue a Nueva York a triunfar pero no ha conseguido lo que esperaba, recibe la visita de su primo, aparentemente un triunfador. La convivencia entre ellos irĂĄ descubriendo otros matices.

Estreno: 13 Marzo 2014

The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro Peter Parker lleva una vida muy ocupada, compaginando su tiempo entre su papel como Spider-Man, acabando con los malos, y en el instituto con la persona a la que quiere, Gwen. Peter no ve el momento de graduarse. No ha olvidado la promesa que le hizo al padre de Gwen de protegerla, manteniĂŠndose lejos de ella, pero es una promesa que simplemente no puede cumplir. Las cosas cambiarĂĄn para Peter cuando aparece un nuevo villano, Electro, y un viejo amigo, Harry Osborn, regresa, al tiempo que descubre nuevas pistas sobre su pasado. Estreno: 17 de Abril 2014


ELERA Carmina y amén Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga doble que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla. Estreno: 30 de Abril 2014

Pompeya Año 79 A.D. El film se centra en los días previos a la erupción del Monte Vesuvio, lo que desencadenó uno de los grandes desastres de la historia.

Estreno: 25 de Abril 2014


L

a decimoséptima edición del Festival de Cine Español ha dejado una estela de brillantes sobre la alfombra roja. Empezando por las apuestas como Kamikaze y acabando con grandes premios cual 10.000 km. Más de una treintena de actores y actrices del panorama español desfilaban ya en la inauguración. Quince títulos competían este año por la Biznaga de Oro en la sección oficial, como los ya renombrados Carmina y Amén o 321 días en Michigan. También había hueco para documentales, cine iberoamericano, cortometrajes, animazine y otros próximos estrenos cinematográficos.

Tras recordar los homenajes que se llevarían a cabo en esta edición, la gala inaugural concluyó de la mano de la película No llores, vuela y la recomendación de los presentadores para buscar su película en el cine durante los siguientes nueve días.

Manuel Carrasco fue el encargado de abrir la gala de inauguración con uno de los temas de su último disco. “Por el arte y los artistas”, brindaba el cantante al comienzo de su actuación, para terminar dando paso a los presentadores de la ceremonia. Leonor Watling y Juan Diego Botto .La ceremonia, por ser artística, no dejó de ser política. Fue solo un guiño, pero quedó nítido y claro. Mientras los escenarios iban y venían, aparecieron en el escenario Pablo Pineda -presentando el jurado del Festival- y el compositor Pablo Cervantes, que estrenó e interpretó a piano una pieza musical en directo.

ellas Leticia Dolera, que anunciaba que entre sus proyectos futuros estaba la dirección de un largometraje.

‘Carmina y amén’ y ‘Kamikaze’ serían las siguientes en desfilar por la alfombra. Para el público no era complicado alternar la historia de un terrorista suicida ruso encarnado por Alex García y la película de autor de Paco León. El director Alex Pina hablaba orgulloso de su reparto delante y detrás de las cámaras. Una de

Había espacio para los cortometrajes, como por ejemplo ‘Clóset’, de la mano de Pepe Viyuela y Rosario Pardo. La segunda protagonista del día no era otra que Maribel Verdú. La mañana del lunes descubría el monolito en su honor, situado en el paseo marítimo Antonio Banderas y por la noche recibía el Premio Málaga Sur en una gala presentada por Antonio Moreno y una elegan-


te Aitana Sánchez Gijón. Además, se proyectaba en el Teatro Cervantes un video resumen de la carrera cinematográfica de la artista, a la que también le dedicaron un número musical varios de sus compañeros -como Álex García o Irene Escolar-. Incluso estos intervenían en la gala, contando anécdotas diversas y dedicando tan solo buenas palabras a la galardonada. Martes y miércoles fueron los días más tranquilos del festival pero la actividad cinematográfica no se detuvo ni un segundo con menos actores brillantes en su pasarela. ‘Dioses y Perros’, una historia de perdedores y redención según su director, David Marqués, que presentaba su cuarta película en la alfombra de Málaga. Hugo Silva, Juan Codina y Enrique Arce también estaban presentes en la alfombra, aclamados por el público que reclamaba fotos y autógrafos.

‘10.000 km’ cuenta la historia de dos personas enamoradas que viven en distintas partes del mundo. Una vive en Barcelona y la otra en Los Ángeles. Su única opción de comunicarse es a través de la tecnología. Además la pareja protagonista, Natalia Tena y David Verdaguer fue premiada con el premio especial del jurado. El oro del tiempo ocupaba también su parte de la pantalla. Ernesto Chao, Nerea Barros y la deslumbrante Marta Larralde eran las caras de la octava película de la Sección Oficial del festival presentes en el Cervantes. El miércoles seguía la tónica del día anterior: poca gente pero muchas caras conocidas. Llegaba ‘Por un puñado de besos’ adaptación de la novela ‘Un poco de abril, algo de mayo y todo septiembre’ al cine y definida como comedia romántica por David Menkes, su director. Ana de Armas y Martiño Rivas encabezaban el reparto y acaparaban las cámaras. Competía con ella ‘321 días en Michigan’, la primera película en concurso rodada en Málaga por malagueños y grabada en la cárcel, con la colaboración de funcionarios de prisiones y presos de tercer grado. El fin de semana se adelantaba al jueves. Adolescentes apostadas desde temprano en la valla frente al Cervantes, armadas de libretas y cámaras de fotos. Pero la primera película que hacía acto de presencia no era para ellas, bus-


caba un público más maduro. ‘Anochece en la India’ de Chema Rodríguez cuenta la historia de Ricardo, quien decide viajar a la india por tierra y al que da vida Juan Diego, premiado con la Biznaga de Plata al mejor actor. El objeto de los gritos de las jóvenes fans eran los protagonistas de ‘Todos están muertos’. Su directora Beatriz Sanchis la definía como ‘’una cinta compleja que hace complicado que todas las piezas encajen entre sí’’. Elena Anaya, premiada por esta película con la Biznaga de Plata a la mejor actriz, acompañada de Christian Bernal y Patrick Criado elogiaba el guión de su película. “No elijo a los personajes, elijo las historias. Esta es maravillosa y por eso hubiese interpretado cualquiera de los papeles”, sentenciaba la actriz. Tras las puertas del Cervantes, además, aguardaba otra sorpresa. El director Gil Parrondo recibía el premio Ricardo Franco Academia de las Artes y las Ciencias tras un breve repaso de su carrera cinematográfica. El último día de presentación de películas a concurso en el Festival de Cine de Málaga era una de las jornadas más esperadas por el público y los artistas. Una de las actrices de moda, Hiba Abouk, famosa por su actuación en El Príncipe llamaba la atención de una manera especial, acompañada por varios actores de la serie. Pero la competencia era fuerte, por la alfombra desfilaban un sinfín de actrices jóvenes y completamente engalanadas. Dafne Fernández, Kira Miró, Marta Larralde, Ana Fernández, Andrea Duro y compañía.

El equipo de ‘La vida inesperada’ posaba para los fotógrafos y se integraba con el público entre risas y autógrafos. Jorge Torregrosa dirige el filme protagonizado por Javier Cámara y Raúl Arévalo y guionizado por la escritora Elvira Lindo. Cuenta la historia de un actor sin éxito ni en el terreno profesional ni amoroso cuya vida cambia cuando le visita su primo. Además de la presentación de la película, el actor José Sacristán a sus 76 años, recibía el premio Retrospectiva de este año. Un reconocimiento a una carrera que cuenta con más de un centenar de películas. El sábado se hacía pública la decisión del jurado, que otorgaba la Biznaga de Oro a la mejor película a ‘10.000 km’ y que no dejó de arrasar en toda la gala. Por su parte Paco León, que triunfó en 2011 con ‘Carmina o revienta’, lo volvía a hacer este año con la secuela ‘Carmina y amén’ que en este caso se ha llevado la Biznaga de Plata al mejor guión y una de las actrices de reparto, Yolanda Ramos, se llevó la Biznaga de Plata a mejor actriz de reparto. Por último, el premio del público fue a parar a ‘321 días en Michigan’. El domingo, finalmente, se emitía un maratón de las películas ganadoras, siendo la asistencia el principal premio del festival, que ha contado con más de 80.000 asistentes. Fotografía: Alberto Franco Texto: Maria Rosa Sánchez


2007 Esteban Sapir

Quiero hacer mención de una película muy poco conocida y precursora de otras más mediáticas aquí y en el extranjero: La Antena (Esteban sapir, 2007); rareza (que no joyita) argentina que vio la luz bastante antes que The Artist y nuestra Blancanieves ibérica. Con menos fortuna crítica y mediática, se deja ver y nos presenta una buena colección de curiosidades cinematográficas. Blancanieves me pareció decepcionante. Mucho. Donde The Artist era pulcra, Blancanieves era rudimentaria; donde universal, la española era localista; donde homenaje al cine en blanco y negro, aquí es andalucismo trasnochado; donde había emoción sin diálogos (en los tiempos que corren, que no es poco) y te dejaban el cuerpo templado, con la española te movías inquieto, entre bostezos, deseando el final. La Antena, sin embargo, antecesora de ambas, me pareció muy meritoria para su escaso reconocimiento. Thumbs up.

La Antena

20

Pascal C

Se estrena en estos días la nueva

Me pone

el acierto de Chau Kruger en Llévame a la luna (201 goce de conocer las habilidades c La historia, si bien moviéndose en sexual algo trasnochado, se sostu mica de su dueto protagonista: Di norte, 2008).

Me inquieta que en su a

2010), lo que apuntaba a comedia dó en burbujeo incómodo, machi

Me irrita acomodarme en la

no presenta credenciales suficien erráticos de las dos cintas anterior se le concede aquí a Aaron Paul, White en Breaking Bad, a quien se el cine cuando, sinceramente, creo le sostienen.

Mejor o


014

Chaumeil

a película de Pascal Chaumeil.

umeil con los fans-áticos de Diane 12), y habernos proporcionado el cómicas de esta estupenda actriz. n perfiles trillados de buenrollismo uvo en cartelera gracias a la quíiane y Dany Boon (Bienvenidos al

anterior película (Los seductores, a francesa de porte y seña se queista y argumentalmente irregular.

a convicción de que Mejor Otro Día ntes para subsanar los elementos res, toda vez en bastón de mando el inestable compañero de Walter e le quiere encontrar acomodo en o que sus dotes interpretativas no

otro día

Pompeya

Paul W. S. Anderson nos presenta en abril su último título: Pompeya. Anderson, que ha dejado pocos títulos para el recuerdo más allá de la primigenia Resident Evil y sus fácilmente olvidables reediciones 4 y 5, así como una infumable Alien vs. Predator (2004) reclama nuestro dinero y paciencia para ir al cine a ver un nuevo despliegue de testosterona en vena. Su mejor reclamo, como se han encargado masivamente de promocionar, está en la presencia dura y musculada de Kit Harington, el enigmático Jon Nieve de Juego de Tronos y su perfilado y apolíneo abdomen. No sé ustedes, pero yo, vista la foto, espero algo más de la película.

Más testosterona al celuloide


luces tenues con olor a antigüedad como un cuadro mal iluminado en un museo. La película es un cuadro dentro de otro cuadro. El cuento contado, y narrado a su vez por otro precioso cuento. Y es tan complicado no perder el hilo que no nos hemos dado cuenta de su genialidad hasta que formamos parte del juego de la historia. Al entrar en la inmensa tienda de juguetes antiguos que supone todo el metraje, cada plano atrae nuestra curiosidad con guiños visuales a las cosas que más le gusta a una generación rara que aborrece la tecnología pero no puede vivir sin ella. Un guión basado en la ficción y vivencias del escritor austríaco Stefan Zweig donde conocemos la mejor de las épocas de un hotel perdido en la naturaleza de centro Europa y la particular historia de Gustav, un gerente ambiguo y su recepcionista de confianza, el joven Zero.

‘the grand budapest’

MR. Anderson y el síndrome de Stendhal POR JAIME A. RIVERO La decadencia llevada a límites románticos, poéticos. Hermosura al máximo nivel. Ese límite donde duele reírte del mal ajeno pero es tan inevitable como la confusión entre lágrimas de alegría y tristeza. El Gran Hotel Budapest es la puesta en escena más grandilocuente y alegremente excesiva que he visto en años. Todos los cuentos de Dostoievski y Dickens llevados al barroquismo cinematográfico. Esa podría ser la firma personal de Wes Anderson. Pasado más de un siglo de la creación del celuloide en movimiento, un director de carácter independiente ha creado un estilo propio cinematográfico siendo, en mi opinión, un aliciente para aprovechar todas las horas de mi tiempo que quiera el realizador. Lentes angulares, cámaras estáticas o travelling dejando en el centro al héroe de cada plano. Movimientos en cadena tan perfectamente ligados como la coreografía de un musical y


Ralph Fiennes vestido como protagonista, se encuentra involucrado en el asesinato de una de sus ancianas amadas. El playboy de la época, en su intención de buen gusto y exquisito trato personal a la alta sociedad europea, deja enamorada a una millonaria que arrastra a su familia sedienta de dinero y herencia. Su fatal muerte y su nombre como beneficiario más importante le señala como culpable único y más ridículo de su destino. En bordes de un conflicto bélico mundial, la confusión es una pincelada necesaria para seguir el trazo que deja toda esta locura de correcalles e idas y venidas en trenes y funiculares. Si escarbamos en la obra de Zweig, y el trabajo artístico de Wes Anderson, tiene como punto inicial el más absoluto realismo de Henri Beyle ‘Stendhal’ y su síndrome dramático por la belleza, y el romanticismo francés reflejado en la escritura de estos cuentos exprimidos en uno. Sin quitar demasiado la vista de la pantalla, el austríaco fue un escritor maldito por su apellido, judío perseguido por el nazismo y olvidado entre traducciones y desengaños populares. Decidido enemigo de la tendencia alemana radical, abandonó la vida junto a su mujer por miedo a la propagación fascista, y desgraciadamente no pudo estar más equivocado en sus predicciones. El rostro en busto nos saluda al comienzo de la película y nos invita a leer sus escritos. Nos presenta a viva voz su viaje, y junto al niño Anderson, nos apunta con un arma para no pestañear hasta que se enciendan las luces de la sala. Decenas de caras conocidas por el público. Amigos que se sentirán orgullosos de participar en el proyecto aunque tan sólo sean minutos aislados, porque estoy seguro que el mejor sueldo para ellos es cincelar esta película. Los Murray, Keitel, Law o la genial Tilda Swinton, irreconocible como anciana, mejoran esos diálogos hechos a la medida de genios. Y la mención especial para un joven Tony Revolori, el menos conocido de los que nos guían en el viaje invernal. Su papel como Zero, enamorado de Agatha y su fidelidad a Gustav nos inyecta esa inocencia tan característica de las películas de Anderson. Vernos reflejados en su vida y

su bondad es el mejor regalo que nos podía hacer el director que pone en sus casaca morada y su sombrero firmado como Lobby Boy a un personaje entrañable y hermoso con la mirada triste del superviviente. Los textos de Zweig rezan a menudo pesimismo y rechazo por las descripciones superfluas y diálogos extensos. Juraría que el realizador americano ha tomado al pie de la letra la doctrina del escritor. Son tan escasas las veces que uno, sentado en la butaca de rojo pelado, no quiere levantar y marcharse. Son tan escasas las veces que uno quiere llorar de alegría, que hoy lo hago de tristeza hasta que Wes Anderson vuelva a emocionarme como con su preciosa El Gran Hotel Budapest. ¿O acabo de describir el ‘Síndrome de Stendhal’?


Abril sale del armario POR GUILLERMO VILLAR En abril, clichés sexuales rotos, mil. En el cuarto mes del año, las referencias LGTB ocupan las salas cinematográficas con “Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!”, de Guillaume Gallienne; “El desconocido del lago”, de Alain Guiraudie, y “Azul y no tan Rosa”, de Miguel Ferrari, filmes con una calidad avalada en prestigiosos festivales de cine. Con ellos, se evita la monotonía argumental chico-chica del cine pero también la de los romances entre personas del mismo sexo: homosexualidad, bisexualidad o transexualidad no caen en la convención de ser único sustento del relato por su excepcionalidad fílmica, ya mejor interiorizada, y ahora se integran en historias como parte de un todo, sin separar públicos heterosexuales ni tramas paralelas. Marzo, mes con pinceladas LGTB como el premiado papel de la transexual Rayon por Jared Leto en “Dallas Buyers Club”, termina con la obra “Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!” (“Les garçons et Guillaume, à table”) ya presente desde el pasado día 28. No es una película sobre el amor gay sino sobre las etiquetas y el encuentro de la identidad: el protagonista ha adquirido tantos rasgos de su madre por admiración a ella que ha empezado a ser encasillado por su propia familia con unos roles distintos al resto de hombres de la casa, y son muchas las cuestiones que abruman su adolescencia. Todo lo servido para el plato fuerte es peculiar: la comedia para poner en escena la ridiculez de los prejuicios de la mente; el curioso desdoblamiento del actor principal para hacer tanto de hijo como de madre y potenciar así la semejanza maternal, y por último, que la historia sea la biografía del director, guionista y actor, Guillaume Gallienne, tres en uno. Guillaume se lo guisa, Guillaume se lo come y lucha contra el vaticinio de otra dualidad por una misma persona, la de egocentrismo y mala película, tan frecuente en las historias cuyo guión se contagia del reflejo personal y cuyos papeles son asumidos por un único individuo en vez de por “los chicos” especializados en cada uno de los campos. Sin embargo, este no ha sido el caso: la vuelta de tortilla tan arriesgada al concepto ha dado lugar a un humor muy hecho que da buen sabor de boca y que ha destronado al realismo de “La Vida de Adèle” en los premios César, dejando sobre la mesa, quizás también en la de Guillaume, el premio a “mejor película”, además de los respectivos a “mejor ópera prima”, “mejor actor”,


Tres películas sobre la sexualidad sin tapujos llegan a España “mejor guión adaptado” y “mejor montaje”. El jurado francés también prefirió la risa con Gallienne a la incertidumbre de “El desconocido del lago” (“L’inconnu du lac”), la otra nominación derrocada en tal celebración, en cines a partir del 4 de abril. Ahonda el tema homosexual pero además trata el miedo, aunque no ante la sociedad sino ante el hombre deseado: en un lugar contra el ruido de la ciudad y de las ataduras respecto a la condición, se presenta un paraje que da como frutos relaciones esporádicas entre varones. En Franck (Pierre Deladonchamps), no solo florecerá la atracción, sino también el ilógico deseo por Michel (Christophe Paou) junto a un ahogamiento del cual un lago no es culpable, sino el carácter asesino del anhelado de los que él y el agua son testigos. Flotan la duda y la inseguridad, pero la ambición tampoco se hunde. El director se moja: lo único que censura es el pudor y desviste el concepto pero también a los personajes, desnudos para aportar más a los sentimientos a flor de piel de la producción. Si la desnudez muestra el significado del largometraje, las condecoraciones que lo abrigan definen su calidad: César a “mejor actor revelación” y ocho las nominaciones en el certamen en el que se impuso Gallienne; premio a “mejor director” en la sección “Un Certain Regard” del festival de Cannes de 2013, y tanto “mejor película” como “mejor fotografía” en el festival de Sevilla de tal año. “El desconocido del lago” también es el desconocido del thriller, puesto que ofrece al misterio y al suspense una relación gay que normalmente se vende sin estas añadiduras en la industria cinematográfica. En un término medio a estos dos extremos bien encauzados se encuentra la película venezolana “Azul y no tan rosa” para concluir el mes con su estreno el 25 de abril. Tampoco es solo una creación sobre la homosexualidad, debido a que enfoca las dificultades del amor a la familia, a la dignidad y a la sociedad. Diego (Guiller-

mo García) mantiene una relación con Fabrizio (Sócrates Serrano), que puede resultar llamativa para sus familiares. No obstante, aquello que tiñe de otro modo la felicidad del protagonista es el traslado de su hijo Armando (Ignacio Montes) para que convivan juntos, consecuencia de una lejana relación heterosexual, más la agresión de Fabrizio, que pinta de negro la armonía. La dosis de comedia, evidentemente más tenue que la obra de Gallienne, es en menor medida el tono empleado para dar un tinte distinto a temas muy presentes en las sociedades, como la violencia de género y el rechazo a lo no heterosexual. Bandera fílmica del concepto LGTB sobre las ataduras impuestas, da la nota de color en un aspecto poco tratado por el cine: la ruptura de la familia tradicional que no viene expuesta más allá del divorcio, del hijo desaparecido/robado o de la pareja gay sin hijos. Al final, España quiso que la película fuese rojo alfombra y no tan negro Goya, pues el apagado color de la estatuilla aporta claridad a la industria del cine venezolano, que nunca había sido premiado a tal nivel. Películas con el tema de las condiciones sexuales sin distinción, pero distinguidas de otras gracias a galardones en los que no se esculpe la sexualidad, sino el criterio profesional. Un filme no se trata solo de movimiento de fotogramas, pues también aparecen movimientos de géneros, de estilos o de temáticas en el trascurso del tiempo. Mientras que las condiciones LGTB sufren cuestionamientos por parte de las sociedades, siempre habrá una sala de cine cuya pantalla, en su automática labor, no entienda de diferencias, reserve a la menor o mayor referencia de cualquier sexualidad su espacio en el formato panorámico y ofrezca escuchar una realidad, con banda sonora incluida, que el séptimo arte une pero que muchas culturas separa. Al fin y al cabo, una película, como las personas, también tiene derecho a declarar abiertamente sus emociones en la actualidad sin las cadenas de la tradición heterosexual.


Joven y bonita Una película de François Ozon

POR JAIME A. RIVERO La combinación de atrevimiento europeo con la mejor puesta en escena académica. Resulta violento ver el descubrimiento de la sexualidad como algo penoso. Algo que te empuja a explotar el deseo de los demás en beneficio propio. Isabelle (Marine Vacth) utiliza su cuerpo para aliviar traumas de separaciones, indiferencias de adolescentes y una auténtica pérdida de inocencia con tan solo 17 años. No es una cuestión de necesidad económica, sino la forma más difícil de cubrir un vacío y un déficit de cariño existencial. La prostitución como necesidad, como fuente de supervivencia, es altamente perseguido en su consumo por la explotación indecente de la mujer y la alta declaración de intenciones masculinas. Pero François Ozon (Amantes Criminales, 8 mujeres, El Tiempo que Queda) nos empuja a otro tipo de abuso comercial. La tortura interna del ser humano en los ojos de una chica disfrazada de Lolita, y sus dudas, que como joven bailando en ese hilo tan fino, nos puede hacer tropezar y caer en las redes de lo mal planteado y establecido en la sociedad. El guión arriesgado plantea una crítica a la sociedad acomodada francesa. A un sector de la sociedad que con dinero creen poder tener la vida que siempre soñaron, pero con oscuros apartes para infidelidades e inmadurez para formar una familia. La idea de una Isabelle dedicada a la prostitución parece impensable viendo las vacaciones de su núcleo vital o su apartamento en el centro de París. ¿Qué empuja a una preciosa e inadaptada chica a vestirse de mujer y servir su cuerpo al mejor postor? Probablemente no descubrimos la realidad hasta pasado medio metraje cuando nos presentan el auténtico rostro de su madre y su falta de afecto carnal en su segundo matrimonio. Como suele ocurrir en dramas de la cinematografía francesa, la forma de rodar con una perfecta iluminación y técnica sacada del mejor de los manuales de dirección, es el marco idóneo para descubrir las miserias del ser humano. Y como si no pasase el tiempo, durante algo más de 90 minutos recibimos una bofetada moral plano a plano

a nuestra forma de pensar moderna y más transgresora. Isabelle es joven y bonita, es extraña, rara y poderosa de su propio cuerpo. Porque los diferentes son los reyes de la monotonía. Y queremos saber qué hay detrás de esos ojos claros como para forzar en extremo las entrañas y no soportar su rugir ni un minuto más. Una película tan trasgresora en su contenido y pintura no podía estar mejor ambientada que con la sensualidad de Fraçoise Hardy. Esas melodías mágicas de la mujer sexual y bella con la que viajamos en el tiempo agarrando fuertemente la mano del amor. L’amour D’un Garçon y su voz aterciopelada con órganos eléctricos o tambores a ritmo de latido de ese músculo maldito. Con ella recordamos que la juventud siempre será frágil y curiosa, y su música la mejor banda sonora para la picardía más melancólica. El director en su manuscrito no muestra una enseñanza moral. Nos deja la incertidumbre de un futuro próximo y las mismas dudas de la protagonista hacia la vida. Pero nos regala un final maravilloso en una de las habitaciones más visitadas por la chica. Ese espacio llamado 6095 y el encuentro con una poderosa realidad interpretada por la maravillosa Charlotte Rampling. Después de un sufrimiento mental y agotador Marine Vacth se enfrenta a una conversación tan intensa con una generación tan diferente a la suya que lo único que podemos pensar es en la llegada al clímax de su vida y al mejor de ese orgasmo vital que tanto ha buscado. Joven y Bonita es una de esas películas tan difíciles de ver como de olvidar. Su mensaje crítico nos hace pensar y dudar de nuestras decisiones, o de lo que vendrá. Porque en cierto modo, la prostitución, timón de este barco, es un mero engranaje por el cual se mueve el celuloide en el proyector, pero por el camino, hemos perdido la virginidad y nos hemos hecho tan mayores que olvidar nuestros pecados sería lo peor que podemos hacer.


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Menos es en la red carpet d los Osca


s mas d e ars

POR ÁNGELA F. NOVO


cortes minimalistas


La máxima de “menos es más” triunfó este año en la alfombra roja. Y es que, tanto las estrellas femeninas como las masculinas optaron, en su mayoría, por la discreción tanto en el corte de sus trajes como en su color. Así, Jennifer Lawrence llegó con un vestido rojo de silueta péplum y escote palabra de honor de Dior, la firma de la que es imagen. El mismo tipo de escote lo lució Amy Adams, que optó por un sencillo vestido de la firma Gucci en un elegante tono azul marino. La ganadora de un Oscar por “12 años de esclavitud”, Lupita Nyong’o destacó con un Prada de silueta vaporosa en un tono azul pálido. Sandra Bullock optó, al igual que Amy Adams, por el navy blue en un original diseño de Alexander McQueen que la convirtió en una de las más elegantes del evento.


Brillos


Actrices como Angelina Jolie o la dos veces oscarizada Cate Blanchett eligieron vestidos con apliques brillantes, que destacaban sobre colores neutros. Esta última se decantó por un diseño de Armani Privé con transparencias y flores bordadas en tonos beige y blanco. La actriz Jessica Biel lució un palabra de honor de Chanel, que estilizaba su figura, en un tono grisáceo con pequeños brillos. Angelina optó por un diseño de Elie Saab de manga larga en tonos plateados y apliques brillantes con transparencias. Jennifer Garner, actriz en la controvertida “Dallas Buyers Club” llegó a la alfombra roja con un original diseño de Oscar de la Renta, también en un tono plateado y con flecos en la parte inferior.


Luciendo curvas


Algunas de las celebrities presumieron de embarazo sobre la alfombra roja con diferentes estilos. La actriz Kerry Washington optó por un sencillo vestido vaporoso en un tono malva, de la mano del diseñador Jason Wu. Elsa Pataky eligió un vestido verde con aplicaciones florales brillantes de Elie Saab que hacía destacar su prominente embarazo. Por su parte, Olivia Wilde, se decantó por la firma Maison Valentino, luciendo un vestido negro con detalles blancos en la espalda y cuello cerrado que estilizaba su figura.


Las mรกs atrevidas


Saliéndose de la tónica general en cuanto a estilismos encontramos a actrices como Penélope Cruz, que llevó un vestido blanco con detalles en negro de Giambattista Valli de corte griego. Anna Kendrick confió en J.Mendel y lució un vestido negro con apertura inferior, transparencias y detalles en tonos rojizos. La australiana Portia de Rossi, mujer de la presentadora de la gala, recorrió la alfombra roja con un vestido de Naeem Khan en tono blanco roto con transparencias y cuello alto.


Los mรกs atrevidos


La mayoría de invitados masculinos escogieron los ya tradicionales smokings en blanco y negro, pero pudimos encontrar algunas excepciones que confirmaban la regla. El ex futbolista Michael Strahan se enfundó en un traje en un tono granate combinado con negro. El cantante Pharrell Williams, que amenizó el comienzo de la gala con su famoso tema Happy, a pesar de la lluvia, lució unos veraniegos shorts combinados con el tradicional blazer negro, camisa blanca y pajarita. El patinador Johnny Weir eligió un estilo dieciochesco, tanto por su traje -de blanco impoluto, con pantalones skinny y mangas ligeramente acampanadas- como por su peinado en forma de tupé.


parece que fue ayer Este 2014 se celebran numerosos y significativos aniversarios

Celebrar un cumpleaños casi siempre es una fiesta y precisamente estos días asistimos a importantísimas conmemoraciones. Hace 9 décadas que la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) se fundó y para darnos una idea de lo que preparan para dentro de diez años, la compañía cinematográfica ha anunciado una fiesta, sin interrupción, que durará ¡todo 2014!. Así se rememorarán los inicios de los estudios en 1924, cuando el magnate de teatro Marcus Loew compró y fusionó Metro Pictures Corp. con Goldwyn Pictures y Louis B. Mayer Productions. Hoy como ayer, la MGM y su carismático león representan el lado más glamuroso de Hollywood. Y sí, a España también llegará un pedazo de esa enorme tarta de con su 90 velas encendidas.


La Familia Nordstrom y CND

En la foto en blanco y negro aparece la familia Nordstrom con uno de sus primeros éxitos. El patriarca -el Dr. Stuart Nordstromtiene en sus manos el primer producto CND, cuyo origen se fraguó en la consulta de dentista de este hombre, tras atender el comentario de una de sus pacientes, especialista en uñas de porcelana, que observó cómo el material de las fundas dentales del doctor olía igual que el que usaban para esculpir las uñas de porcelana, a la vez que se quejaba sobre cómo el material que ellas usaban se tornaba frágil y amarillo con el tiempo. Intrigado el Dr. Nordstrom comenzó a trabajar sobre diversas fórmulas para uñas buscando un material que pudiera dar buen resultado. Y lo consiguió. Desde 1979 CND puede presumir de ser marca de referencia en el cuidado de las uñas. Ahora celebran su 35 aniversario saboreando otro hito cosmético: El sistema Shellac™. Una exclusiva técnica que se aplica como un esmalte y dura como un gel.

Antonio Vicente y Panama Jack En cuanto a cumpleaños españoles, la primera parte del año, está siendo protagonizada por la marca alicantina Panama Jack, al celebrar su 25 Aniversario con una subasta solidaria a beneficio de Mensajeros de la Paz. Bajo el lema “25 años, 25 pares de botas y 25 protagonistas por una buena causa” se abrió una subasta en la que todavía, a través de su web, es posible pujar. La historia de Panama Jack data de 1989 cuando el sello del singular nombre se grabó por primera vez sobre la piel de una bota. Su creador, Antonio Vicente, tenía en mente crear zapatos de gran calidad en un pequeño taller de Elche. Hoy en día, la empresa ha crecido y se ha internacionalizado, pero la forma artesanal de fabricar el producto Panama Jack sigue siendo la misma. ¡FELICIDADES!

POR Ana Cadenas es autora de la nOvela “Cuando menos te lo esperas”, (Click Ediciones) disponible en Planetadelibros.com.


Hubert and Calvin diseño “made in London” TEXTO: JOANA AGUIRRE Cada vez son más las personas que buscan en las pequeñas tiendas de moda, en empresas independientes y en tiendas vintage y de segunda mano su fondo de armario. Aunque la moda low cost parece haber captado gran parte del pastel, son más y más las personas que optan por la diferenciación y, por eso, líneas como Hubert and Calvin se han hecho un hueco en esta industria. Esta empresa independiente ofrece una línea de prendas de edición limitada y muy característica. Para ello se inspiran en el vibrante estilo de las calles londinenses (de donde es la marca) y que ofrece una mezcla de prendas nuevas así como una reedición de diseños.

Cuéntanos algo sobre ti Vivo y trabajo en Londres y soy uno de los encargados de sacar adelante Hubert and Calvin. Lo que más me gusta es trabajar en una pequeña marca y lo que ello conlleva: la conformación de su identidad así como poder verlo crecer. ¿Cuando empezaste con la marca y qué te llevó a ello? Empecé con la marca hace un año. Queríamos crear algo interesante y con un buen precio ya que considerábamos que no es algo que se puede encontrar fácilmente en la calle. Me parece que la gente se aburre de llevar la misma ropa que el resto del mundo. En Londres, mucha gente intenta destacar y diferenciarse de los demás a través de la ropa pero es difícil conseguirlo con ropa producida de manera masiva. Y, por ello, creamos ediciones limitadas, para resolver este problema.

¿Dónde podemos encontrado los diseños de Huber and Calvin? Nuestros diseños están disponible en nuestra web: www.hubertandcalvin.com así como en el corazón del este de Londres, en el famoso mercadillo UpMarket de Brick Lane. También contamos con un perfil en Asos. ¿Cuál es vuestra inspiración a la hora de crear una prenda o una colección? Me gusta observar a la gente y suelo fijarme, principalmente, en el estilo de mis compañeros. También nos encanta crear ropa a partir de objetos que encontramos. Es decir, tratamos de crear una mezcla de prendas esenciales para el día a día aunque también creamos algunas piezas que destacan por ser únicos para nosotros.

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¿Qué prendas encontraríamos en tu armario ahora mismo? Mi armario en estos momentos es una mezcla de mononchrome y estampados gráficos, un montón de camisetas, pantalones de tipo hareem y un montón de zapatillas vintage. ¿Qué tipo de estilo te gusta? Me fascina el estilo de la calle, el llamado street style, pero lo que me encanta es que en cada ciudad ese estilo es diferente. ¿Eres seguidor de Blogs? ¿Te inspiras en ellos para ver qué usa la gente? No leo muchos blogs pero nos encanta Instagram. Es una gran manera de detectar las tendencias y ver cómo la gente usa ropa de forma natural.


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POR JOANA AGUIRRE

Las

aplicaciones

que cualquier fashionista deberĂ­a tener


Las aplicaciones para el móvil pueden sacarnos de más de un aprieto e, incluso, pueden solucionarnos más de un problema. Y es que elegir qué ponernos o necesitar saber de qué marca es esa prenda que nos ha vuelto loca, puede llegar a ser un problema. Ni en nuestros mejores sueños podíamos imaginar una aplicación que, buscando entre las prendas que tenemos en el armario, nos mostrase el look más idóneo o nos combinase la ropa. Pero, una vez más, el futuro ya está aquí y la realidad supera a la ficción. La aplicación Tinker Tailor permite al usuario comprar prendas de más de 50 diseñadores que van desde Rodarte a Alberta Ferreti con el plus de que el usuario podrá costumizar, de manera personal, las prendas que desea. Todo esto desde la libertad que da hacerlo en cualquier momento desde nuestro iPhone y en menos de 10 minutos. Su ideadora, Aslaug Magnusdottir, co-fundadora de Moda Operandi, define la aplicación como el “Nike ID del lujo”.

Muchas veces, andando por la calle, nos cruzamos con alguien y nos fijamos, porque nos gusta, en el jersey que lleva o en las zapatillas. ¿Cómo podemos saber de qué marca es? Gracias a ASAP54, al que muchos denominan el Shazam de la moda, esto es posible. Se trata de una aplicación gratuita para iPhones que consigue descifrar la marca, el precio y los puntos de venta disponibles para cualquier prenda que fotografiemos con nuestro teléfono. En el caso de que no encuentre un resultado, nos mostrará las prendas más similares. Siguiendo con esta técnica, Snap Fashion muestra propuestas y combinaciones low cost a prendas y outfits más sofisticados. Por lo que si no podemos permitirnos la sudadera de Kenzo que la bloguera Chiara Ferragni llevaba en la Fashion Week de París, la aplicación nos mostrará prendas similares de precios mucho más asequibles.

Style book Es una aplicación de pago (3€) que funciona como una personal shopper. Cada día nos mostrará ideas para confeccionar nuestros looks a la par que podemos programar dichos looks en un calendario. Ideal para cuando nos vamos de viaje y no queremos meter más ropa de la necesaria.


Snapette Sin duda, una de las mejores aplicaciones para estar al día en todo lo relacionado con la moda es Snapette. Empezó siendo una guía para conocer todo lo relacionado con la moda: productos que la gente subía y valoraba, cuáles eran las mayores tendencias del momento... Pero ahora va más allá: se ha convertido también en una guía de las tiendas de moda que hay a tu alrededor.

Stylish Girl Es una aplicación muy completa y que cuenta con diferentes utilidades. Por un lado es un armario virtual, es decir, puedes fotografiar las prendas de tu armario para tenerlas en tu base de datos y elegir lo que te vas a poner estés donde estés. Pero también sirve como base de inspiración ya que es una guía con lo más fashion del momento, looks de famosas, y una listas de los deseos para que todos sepan lo que te pueden regalar. Si eres una fashionista, éstas son las aplicaciones que debes llevar en tu móvil.


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LITERA

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LAVANDERÍA EXPRESS Otro domingo más Sarah se dirige hacia la lavandería autoservicio que le queda ha dos calles de donde ella vive. Esta es una de las muchas rutinas que hace durante la semana. Comparte piso desde hace tiempo, pero no puede usar las lavadoras/ secadoras de la casa, por eso un domingo más se dirige con sus bolsas llenas de ropa hacia el laundromat. Entre las gigantes lavadoras y secadoras hay un pequeño espacio con bancos y una tele colgada del techo, donde poder hacer más amena la espera, aunque ella prefiere no romper su rutina y empieza a leer el libro que traía consigo. La tarde estaba tranquila y el libro interesante, mientras pasaba las páginas del libro nota con su mirada que alguien entra a la lavandería. Así como perdido un chico de unos veintitantos con sus auriculares entraba decidido ha hacer lo que parecía ser su primera colada “comunitaria”. -El chico es mono, se dice para sí, Sarah. Oculta entre las páginas del libro sigue los erráticos pasos del chico con la mirada. - ¡Seguro que su novia lo echó de casa y no sabe de que va esto! jejejjeje Pero minutos después consigue poner en marcha la lavadora y se dirige hacia los bancos donde ella está sentada. Le saluda con la cabeza y ella le responde de igual modo. - ¿Es la primera vez que vienes por aquí? – le pregunta él - No... la verdad es que suelo venir a menudo - Cool, pues para mi todo esto es nuevo


- Bueno no tiene mucho misterio, una vez que entiendes como funcionan...Dicho esto Sarah agacha la cabeza hacia su libro, dando por acabada la conversación. - Si bueno, eso es verdad. Por cierto, me llamo Jeff… ¿Y tú eres..? - Jane. (No quiso desvelar su nombre…) - Encantado Jane. - Lo mismo digo. Creo que mi lavadora ya acabó. En fin.. voy.. - Sí, sí tranquila - Que bien…. otro pesado más – Rechistó entre dientes. No es que ha Sarah le molestara la conversación con aquel chico, pero no tenia ganas de salirse de los planes: colada/libro, película y domingo tranquilo. No es una loca de la aventura y menos de que le rompan sus espacios. Con la calma que le caracteriza, se dispone a plegar la ropa recién salida de la secadora. Se considera ordenada y le gusta poner todo en orden antes de salir. Pero al plegar la ropa, se da cuenta que Jeff le está mirando de reojo desde donde él sigue sentado, ella intenta apartar la vista… pero se pone nerviosa. - Lo sabía, este pesado quería tema... De un golpe pone lo que le queda de ropa en la bolsa y se dirige hacia el coche. - Hasta la semana que viene Jane, un placer conocerte. - Le suelta Jeff antes de salir.


- Claro.. claro Ya fuera en el parking, entra todas las bolsas con la ropa, arranca el coche pero justo antes de salir del parking ve que desde adentro de la lavandería Jeff le hacía señas, pero decide acelerar. - ¡Ufff... que pesado! Una vez que llega a casa decide acabar de doblar toda la ropa y guardarla en el armario. Pero se da cuenta que le falta uno de los calcetines que usa para estar por casa. Unos calcetines horrorosos que compró con dibujitos, pero que le eran muy cómodos para no tener que llevar puesta las zapatillas. Después de buscar por el coche y en la cesta de la ropa sucia no lo encuentra. - Aghhhh eso me pasa por seguirle el hilo a la gente, decidido, cambio el día de la colada. Al llegar a la lavandería, era martes por la mañana, pudo notar como no había casi nadie. Pero algo le llamaba la atención. En el corcho donde están los anuncios de alquileres, de se vende… ve como está colgado su calcetín y con una pequeña nota: “Jane, soy Jeff.. ya ves te quise hacer notar que te habías dejado este calcetín el otro día, pero creo que tenías mucha prisa. En realidad me ha hecho gracia, por que llevo meses queriendo hablar contigo, vivo aquí en el barrio y te veo muy a menudo. No pienses mal, pero el otro día ni siquiera necesitaba venir ha hacer la colada, simplemente quería coincidir contigo y conocerte un poco. También quiero comentarte, que esto me ha hecho reflexionar. Cuando me di cuenta que te dejaste en el carrito de la colada el calcetín quise llevártelo al coche, te hice señas y pero no quisiste parar. Sabes, trabajo en el videoclub de la calle 40th, en el que de vez en cuando vas a alquilar alguna peli. Y nos hemos visto infinidad de veces, pero tú siempre me has ignorado. Así que aquí tienes tu calcetín y espero que te vaya bien la colada. Por cierto… sé que te llamas Sarah.” Sarah no sabía como reaccionar, eso le rompió todos sus planes. Así que aquel domingo no tocó más lavandería… pero si visita al videoclub. Por Álex Madueño (@rimas_am)


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Si te gust

ESTE MES TE REC Por patricia cuenca

QUE HACER CUANDO EN LA PANTALLA APARECE THE END PAULA BONET Un libro sobre finales que llegan, sin avisar, que nos parten en dos mitades, que se arrastran durante años y que nunca se acaban porque confunden orgullo con recuerdo. Y entonces cogemos trenes, reservamos habitaciones de hotel en pueblos olvidados, vivimos enganchados a pantallas esperando que alguien decida hablarnos par a informarnos del siguiente movimiento, el que nos acercará conscientemente a un final que hace años que buscamos. Pero ese final no llega. Y de repente un día nos despertamos y sentimos el vacío: en la pantalla aparece THE END y decidimos empezar otra historia. Una en la que nunca tengamos que fingir que no nos conocemos. Esta historia.

LA AFINIDAD ALQUIMICA GAIA COLTORTI Esta es una historia de amor entre un hombre y una mujer; un amor prohibido, intenso y devastador que nace entre dos hermanos. Nacidos mellizos y separados muy tempranamente tras el divorcio de sus padres, Selvaggia y Giovanni han vivido separados durante la mayor parte de su vida. Pero el retorno de la madre y de la hija adolescente a Verona cambiará la vida de esta familia para siempre. Cuando Giovanni ve por primera vez a Selvaggia el corazón le da un vuelco: es bellísima, seductora, caprichosa, provocadora y lo tiene completamente loco. El verano acaba de comenzar y ella está sola en una ciudad extraña, tan solo su hermano le hace compañía, descubriéndole las maravillas cotidianas que les rodean. Pronto surge entre los dos una súbita descarga, una tensión, una calidez que ninguno de los dos había sentido antes y que solo tiene un nombre: deseo. Desafiando los prejuicios sociales y llevando sus sentimientos hasta el extremo, ambos se embarcarán en una relación imposible, maravillosa y detestable a la vez, como el destino inexorable al que ambos se ven abocados.

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ta leer...

COMENDAMOS…. EL JILGUERO DONNA TARTT Una novela de iniciación a la vida que tiene el ritmo de un thriller. Al acercarnos a El jilguero, vamos enfocando una habitación de hotel en Ámsterdam. Theo Decker lleva más de una semana encerrado entre esas cuatro paredes, fumando sin parar, bebiendo vodka y masticando miedo. Es un hombre joven, pero su historia es larga y ni él sabe bien por qué ha llegado hasta aquí. ¿Cómo empezó todo? Con una explosión en el Metropolitan Museum hace unos diez años y la imagen de un jilguero de plumas doradas, un cuadro espléndido del siglo XVIII que desapareció entre el polvo y los cascotes. Quien se lo llevó es el mismo Theo, un chiquillo entonces, que de pronto se quedó huérfano de madre y se dedicó a desgastar su vida: las drogas lo arañaron, la indiferencia del padre lo cegó y su amistad con el joven Boris lo llevó a la delincuencia sin más trámites. Todo parecía a punto de acabar, y de la peor de las maneras, en el desierto de Nevada, pero no. Al cabo de un tiempo, otra vez las calles de Manhattan, una pequeña tienda de anticuario y un bulto sospechoso que ahora va pasando de mano en mano hasta llegar a Holanda. ¿Cómo acabará todo?

BILLIE ANNA GAVALDA Llega la nueva y esperada novela de la autora de Juntos, nada más. Es de noche y, mientras Franck duerme, Billie le cuenta a una estrella la historia de su amistad. Billie es una niña solitaria y conflictiva. Vive en una caravana rodeada de basura; su madre la abandonó cuando sólo tenía un año, y su padre y su madrastra nunca fueron para ella una verdadera familia. Franck, en cambio, tiene una familia de lo más convencional. El destino junta a estos dos improbables compañeros de vida: la maestra les obliga a preparar durante las vacaciones de semana santa una escena de teatro de Con el amor no se juega, de Alfred de Musset. Se convierten entonces en amigos inseparables. Pero cuando termina la escuela, sus orígenes familiares los llevan por caminos distintos. Billie se queda en el pueblo y Franck se muda a París a estudiar derecho. Hasta que el destino vuelve a unir a estas dos almas gemelas, esta vez para siempre

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TU IDEA MOLA: PORQUE SI QUIERES, PUEDES MR. WONDERFUL Este pequeño manual del emprendedor empedernido va dedicado a todos aquellos que tenéis ganas de hacer las cosas a vuestra manera, aquellos que queréis probar crear vuestra propia aventura. En esta vida, desafortunadamente, no todo puede conseguirse, pero con empeño, horas y pasión quizá sí pueda conseguirse. ¿Vas a quedarte con las ganas de probarlo?

TU, SIMPLEMENTE TU FEDERICO MOCCIA Ese instante de felicidad continúa...¿Encontrará Nicco a María? ¡Por fin, una novela de Moccia ambientada en España! María desaparece al final de Ese instante de felicidad, dejando a Nicco con el corazón roto. Se ha dejado la piedra en forma de corazón que él le regaló... Triste, solo y abatido, Nicco decide que no es momento de perder la esperanza y que tiene que ir en busca de sus sueños, así que convence a Gio para que le acompañe a España, en busca de María. Juntos, recorrerán el país en busca de aquella que le ha cambiado para siempre. ¿Podrá Nicco encontrar a la chica de sus sueños? ¿En qué ciudad estará? No te pierdas el desenlace de la historia de Nicco y maría y descubre qué ciudad española sellará el amor de nuestros protagonistas


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Top Leal Verónica Roth

Las tres bodas de Manolita Almudena Grandes

La noche Màxim H

1 2 3 6 7 8 Yo fui a EGB Javier Ikaz y Jorge Díaz

Bajo la misma estrella John Green

Qué hacer cuando aparece th Paula B


p 10 abril

soñada Huerta

LIBROS MÁS VENDIDOS

Estoy bien JJ. Benítez

Regreso a tu piel Luz Gabás

3 4 5 9 10

o en la pantalla he end Bonet

Puedo prometer y prometo Fernando Onega

Cerocerocero Roberto Saviano


De un tiempo... Ruben Dario AZUL

(1888).

Garcín, el poeta, afirma tener un pájaro azul en el cerebro. Como final trágico del poeta, se pega un tiro en la sien tras culminar su poema “El pájaro azul” con las palabras: “Hoy, en plena primavera, dejo abierta la puerta de la jaula del pájaro azul”. Rubén Darío, ante esta circunstancia, afirma: ¡Ay, Garcín, cuántos llevan en el cerebro tu misma enfermedad! Azul (1888), obra cumbre del Modernismo, supuso un antes y un después en la literatura que hoy conocemos. Con un fin plenamente estético, forma rica y florida y mundos mágicos y complejos, nos proporciona el goce del lector sensible y comprometido. Su lectura apacigua, quizá, ese pájaro azul que tantos tenemos en el cerebro.

... a esta parte angel Olgoso La maquina de Languidecer (2009)

Ángel Olgoso, maestro narrador de obras en miniatura, maestro del relato breve, creador de prosa pulida y mundos de ficción sigue honrando un género pujante: el microrrelato. Olvídense de las formas tradicionales de literatura, pues los tiempos que corren empujan e imponen nuevos anclajes narrativos. A la novela, novela corta y cuento se ha unido el microrrelato con autores como Ángel Olgoso, capaces de crear un micro universo en permanente expansión en apenas unas líneas. Como ejemplo recomiendo apasionadamente esta pequeña pero intensa obra publicada en la editorial Páginas de Espuma, provista de nanorelatos nacidos de una pluma erudita y emocionada.


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VIM Magazine - Abril #17  

Ya está disponible el número de Abril de VIM Magazine con Álex García en portada.

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