revista

Marzo 13, 2021

Muscill ¡Que la pandemia no te pare! seguí las tendencias

LAS TRES MACROTENDENCIAS QUE YA ESTÁN MARCANDO EL 2021 Tres tendencias del momento ideales para vos

CASEY CADWALLADER Y LA VANGUARDISTA FANTASÍA DEL UNIVERSO MUGLER: TresEl desfile innovador que sorprendió a todo el público

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INDICE

EDITORIAL

Mercure Galant y la creación de tendencias

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Anna Wintour, la poderosa editora de moda

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Espejismos: ¿Vivimos realidad utópica?

en

una

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CASEY CADWALLADER: DESFILE DE Mugler ss21

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Emprendedores sustentables

Flash de tendencias

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Balmain y el nuevo estilo frances

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Esta publicación es la primera que he realizado, con mucho esfuerzo y dedicación junto a mi staff.

El periodismo de moda siempre me interesó y me gustaría formar parte de él algun día.

Esta revista fue creada para mujeres de estatus social alto, trabajadoras, con estilo, modernas, finas y con ganas de innovar. Tiene el objetivo de entretener a estas mujeres de entre 25 a 35 años en sus ratos libres. Tiene un formato clásico para que la lectura sea más fluida y simple.

El nombre de la revista fue seleccionado en base a un recorte de mi apellido, lo cual me pareció propio y original. Disfruté mucho hacer la revista y ojalá que les guste de la misma manera que a mi me gusta. victoria muscillo

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STAFF Director editorial Victoria muscillo

Redacción magali santagata, carmela rey, victoria muscillo ilustración camila cabona

jefa de desarrollo comercial felicitas weder jefa de arte maria dolabjian jefe de fotografía clara larralde editor fotográfico juana palavecino director de innovación juana blaksley

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Contamos la historia de una de las revistas más reconocida y antigua del mundo

DE LA MERCURE GALANT A LA CREACIÓN DE TENDENCIAS Un recorrido por las primeras publicaciones de moda hasta la influencia de la realeza francesa sobre el pueblo Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

En 1710 fallece su creador y toma el relevo Charles Dufresny. Luego, con Antoine de La Roque se realizó un cambio de nombre de la revista a Le Mercure de France. En 1825 la revista dejó de publicarse y reapareció en 1890 gracias a Alfred Vallette. En 1905 debido a una gran demanda comenzó a ser publicada bimensualmente.

Le Mercure Galant deja una gran huella en la historia de la moda y del periodismo de ella, inventando un nuevo concepto para la época: las temporadas. Lo que se usaba un año quedaba en la antigüedad para el año siguiente. En la revista se mostraban grabados ilustrando a las marquesas y duquesas con sus mejores atuendos. Su público objetivo eran las mujeres de clases inferiores que ansiaban imitar a las mujeres de la corte.

Logo y nombre reconocido de la revista Mercure Galant

La primera revista de moda conocida como tal fue Le Mercure Galant, fundada en 1672 en París por Jean Donneau de Visé. Su nombre se debe a Mercurio, Dios romano del comercio y los ladrones. Sus primeras publicaciones se realizaban trimestralmente y luego de forma mensual. Comenzó como una revista con noticias, poemas, críticas de teatro y moda. Asimismo, se lanzaban publicaciones de libros tales como las primeras traducciones al francés de Nietzsche, trabajos de André Gide, Paul Claudel, Colette y Guillaume Apollinaire.

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Logo y nombre reconocido de la revista Mercure Galant

LA REVISTA DEBÍA SU NOMBRE AL DIOS MERCURIO, MERCURE EN FRANCÉS, DIOS ROMANO DEL COMERCIO Y DE LOS LADRONES, MENSAJERO DE LOS DIOSES.

Además de las revistas de moda, el siglo XVIII se destacó por esas láminas de moda que ilustraban las últimas propuestas de indumentaria y accesorios haciendo que el proceso de moda se acelere. También fueron furor en Inglaterra: en 1770 empezó a publicarse The Lady 's Magazine y así, paulatinamente, fueron expandiéndose por todo el continente, consiguiendo una exitosa popularidad.

Una vez acontecido este gran hecho histórico, la vestimenta tomó otro enfoque en Francia. Empezó a comunicar pensamientos políticos, por ende, la forma de vestirse no solo representaba un estatus económico sino también el hecho de ser revolucionario o realista.

Todos estos factores eran comunicados a través de las revistas de moda, creando así, aún más distinción entre todos.

Esto fue una ventaja para la realeza, ya que se les hacía más fácil distinguir a sus oponentes y mandarlos a matar.

En 1791 el conde de Floridablanca decide prohibir las revistas de moda por miedo a que las ideas revolucionarias francesas entren a su país. Por otro lado, en Francia todas las etiquetas que tenían las prendas, tanto a nivel político como social, desaparecen, creando así la libertad de indumentaria. Sin embargo, las tendencias siempre provocaron un deseo en el lector, por lo tanto éstos no son completamente libres; están bajo el “efecto” del periodismo de moda.

En este siglo, como se mencionó anteriormente, las tendencias eran llevadas a todos los lugares por las revistas. Éstas promulgaban tendencias que eran establecidas por actores importantes de la historia o el entorno. Un buen ejemplo de esto es el rey Luis XIV. Una gran tendencia que estableció fue el “traje a la francesa”, basado en 3 piezas: casaca, calzón y chaqueta. Fue un gran hecho en el mundo de la indumentaria, ya que esta vestimenta fue utilizada por la clase social alta durante un siglo. También, los grabados en las revistas con la “indumentaria deseada” eran acompañados con chapines (zapatos característicos del siglo XVI) o uno de los zapatos preferidos del rey, los zapatos adornados con hebillas, lazos de gran tamaño

o tacones rojos, que representaban una clase o estatus social alto.

Se puede decir que Luis XVI actualmente se consideraría un influencer debido que marcaba tendencias y generaba el sentimiento de deseo de pertenencia en las personas de obtener aquella indumentaria propuesta por él mismo. Las revistas ayudaron a promover esta idea pero no todos podían alcanzar lo propuesto. Las clases sociales eran muy notables aunque el gusto por la indumentaria era el mismo ya que éstas seguían el mismo patrón de tendencia.

Gracias a las revistas y el periodismo de moda se podría decir que ahora hay tendencias, diferentes estilos y una indumentaria llena de historias pasadas y por venir.

Luego de la revolución francesa las temáticas llevadas al plúbico comenzaron a expandirse: no solo mostraban ilustraciones de moda sino que también daban consejos a sus lectoras desde cómo vestirse según cada momento del duelo de luto (algo que dominaba a las sociedades en ese momento histórico) hasta consejos para amas de casa.

Además, tanto la moda como las revistas de esta se empezaron a usar con un enfoque político.

La revista Mercure Galant en sus inicios

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La mujer más poderosa de la industria de la moda

ANNA WINTOUR Y SU REVOLUCIONARIO TRAYECTO EN EL PERIODISMO DE MODA Actualmente tiene tres décadas en la industria y es considerada la persona más influyente de ella, estando al mando de Vogue, la revista de moda que nos atraviesa en todos los aspectos.

Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

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Un director creativo es una de las personas más importantes en la imagen de una marca, ya que maneja el diseño y su comunicación, que deben tener una coherencia en el contenido visual ya que es lo que atrae al cliente. El director tiene el control sobre las producciones de artículos, fotografías, que tipo de tipografía hay que utilizar, los enfoques socio-políticos y las personalidades que aparecerán en las portadas.

Anna Wintour, nacida en Londres en 1949, es la mujer más icónica de la industria de la moda.. De sus 70 años de vida, casi 30 años los dedicó a su máximo legado: la edición USA de Vogue, del grupo Condé Nast.

Comenzó su carrera en periodismo de moda gracias a su padre (editor de London Evening Standard) que le consiguió un trabajo en Harper´s & Queen y más tarde consiguió entrar en Harper´s Baazar en Estados Unidos, Nueva York. En 1983, se une a la familia Vogue como responsable creativa de la edición americana y, luego, fue ascendida a directora de la edición británica. Finalmente, regresa a Estados Unidos como directora de House & Gardens. Actualmente continúa siendo elegida como directora de Vogue USA y directora de contenido global para Condé Nast (2020).

Anna Wintour con su corte de pelo bob con flequillo, anteojos negros de sol Channel

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Con su inmediatamente reconocible corte bob y sus característicos lentes negros Chanel, esta mujer poderosa de la industria de la moda no dejó de sorprender al público y correr riesgos. Así fue con sus métodos innovadores con los que convirtió a la revista Vogue en una autoridad y un “must have” (algo que no nos puede faltar) de todo el público objetivo. Se dice que “Si la moda es una religión, Vogue es la biblia” gracias a toda la información que estas revistas contienen. Wintour es una mujer con la mente en el futuro y lleva consigo la idea de mostrar contenido diferente, pero también es la más temida: un solo gesto suyo puede crear o destruir carreras, se sabe que varios diseñadores han tenido que cambiar colecciones enteras debido al disgusto de Anna y otros no han sido permitidos participar en ciertas semanas de la moda gracias a ella.

Corría el año 1988 cuando se publicó la primera portada de Vogue diseñada por Anna, desde el primer momento creó revuelo en la gente: se podía ver a la modelo israelí Michaela Bercu con una campera de Christian Lacroix de $10,000 dólares junto a unos jeans de $50 dólares. Asimismo, en una de sus primeras ediciones colocó a Naomi Campbell en la portada, siendo la primera mujer afroamericana en aparecer en la portada de Vogue, causando preocupación entre sus colegas por hacerlo en la famosa edición del mes de Septiembre, que es la que más páginas y publicidad tiene. Siguiendo esta idea, Anna fue de las primeras editoras en poner de moda utilizar a celebrities y personalidades políticas en las portadas.

Con la necesidad de mostrar a la moda como arte organizó una exposición anual junto al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que actualmente es un evento sumamente importante y reconocido mundialmente: El Met Gala. Ella se encarga de armar la lista de alrededor de 700 personas, en las cuales se encuentran los benefactores y también los invitados. Se convirtió en unos de los eventos más importantes de la moda y uno de los más caros: una entrada está alrededor de 40,000 dólares. Así sale a relucir la necesidad de

Anna Wintour de lograr cambios en la industria.

En 2003, se lanzó un libro escrito por Lauren Weisberger, la asistente de Anna Wintour, llamado “El diablo viste a la moda” y el personaje principal se inspiraba en la icónica Anna. En base a este libro se realizó luego la película protagonizada por Meryl Streep y, si bien podemos asumir que tiene un dramatismo agregado para fines taquilleros, se muestra una versión de Anna cruel, cínica y dura, adicta al trabajo pero sin éxito en su vida amorosa, demasiado manipuladora y todos le tienen miedo. En el documental “The september issue” se prosiguió contando la historia de esta periodista de moda desde su propio punto de vista, en el cual se muestra la realidad del nivel de exigencia que utiliza para manejar la industria de la moda, no muy lejano al mostrado en la película.

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HAY UN NUEVO TIPO DE MUJER A LA QUE LE INTERESAN LOS NEGOCIOS Y EL DINERO. NO TIENE TIEMPO PARA IR DE COMPRAS, Y LO QUE QUIERE ES SABER QUÉ, POR QUÉ, DÓNDE Y CÓMO", PROCLAMABA AL HACERSE CARGO DE LA EDICIÓN BRITÁNICA DE VOGUE.

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Primer portada de Vogue en la que una mujer afroamericana, Naomi Campbell, es la cara. Vogue paris 1988.

mujer a la que le interesan los negocios y el dinero. No tiene tiempo para ir de compras, y lo que quiere es saber qué, por qué, dónde y cómo", exclamó al hacerse cargo de la edición británica de Vogue. La diseñadora de moda americana Donna Karan expresaba algo similar cuando dijo “Creo que tiene una visión, una comprensión total. Que lo ve todo en beneficio del consumidor a la larga, no solo para vestirlo, sino para guiarlo. Lo que hace con la revista es representarnos a todos”.

Aunque Anna siempre está rodeada de tendencias, y su vida laboral depende de estas, ella prefiere ser fiel a su estilo y quedarse con éste. Siempre se la puede ver con su famoso corte de pelo bob con flequillo, anteojos negros de sol Channel, sandalias de Manolo Blahnik y abrigos similares de marcas como Oscar de la Renta, Chanel, Fendi, Givenchy o Prada.

Si hay algo que caracteriza a Anna es su energía, curiosidad y su gran habilidad para decodificar a la sociedad en el momento justo y saber de antemano cuáles van a ser sus necesidades: “Hay un nuevo tipo de Primer Anna Wintour justo a la reina Isabel II presenciando un desfile

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Los efectos de los reflejos en las personas

EL ESPEJISMO INVADE NUESTRA VIDA El espejismo: otra forma de ver el mundo

Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

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Las tendencias son algo que nos influyen a la hora de vestirnos, son modas que se crean con objetos cotidianos que se los ve con otro punto de vista.

En el mes de marzo son los espejos y todo objeto que transmita una reflexión los que causan tendencia. Antes de hablar del espejismo como tendencia, primero debemos adentrarnos en todo lo que conlleva un espejo en sí y lo que este representa. Un espejo es un sistema óptico con una superficie donde se reflejan los rayos luminosos.

Todo reflejo que se produce es una distorsión, un desequilibrio o una desproporción en la percepción de nuestra realidad. En la antigüedad los espejos los utilizaban las brujas como ventanas hacia el futuro para escribir sus oráculos con sangre y los sacerdotes para ver el pasado, presente y futuro. Asimismo, se utilizaba como un puente para cruzar entre el reino terrenal y el infra-mundo.

El espejo es un símbolo de la imaginación y la conciencia porque reproduce los reflejos del mundo visible en su realidad formal, es un vehículo mental que permite la autocontemplación y reflejo del universo.

El espejismo en su máxima expreción

ACCION REACCION “SI

UN

OTRO

CUERPO CON

(ACCIÓN), CONTRA FUERZA

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ÉSTE AQUÉL DE

DIRECCIÓN,

FUERZA REACCIONA

CON

IGUAL PERO

SOBRE

OTRA

VALOR

DE

Y

SENTIDO

CONTRARIO (REACCIÓN)

Pero, como todo, el espejo también conlleva una dualidad. Tiene que ver con una vieja superstición que es una puerta de entrada para los espíritus malignos. Entonces, se entiende que el alma humana radica en la sombra y los espejos reflejan la verdadera naturaleza de la persona. Esto se ve mucho utilizado como recurso en las películas de terror para generar suspenso y mostrarle al

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espectador algo que los protagonistas no ven ni saben.

Estas creencias milenarias tienen que ver con el síndrome del espejo: las personas se comportan de cierta manera con su propia imagen, la distorsionan hasta ver ciertos defectos o exagerar los que creen tener. Así, se proyecta su estado interno que depende según el contexto de cada uno y que es el resultado de una distorsión cognitiva y es una respuesta a ciertos estereotipos.

La función de los espejos es mostrarnos una realidad que creemos que es verdadera, tanto pensamos esto que empezamos a vivir en base a estas. Esto no solo pasa con los espejos, es algo que hacemos todos los días con la ley de Newton acción-reacción. Esto causa que lo que tenemos nosotros como personas lo veamos reflejados en los demás, creando algo tan personal como nuestro ser en algo comunitario.

Gracias a las distorsiones que causan estos efectos, la sociedad empieza a crear problemas, causando fallas en nosotros mismos. De esta situación podemos actuar de dos formas distintas; por un lado, intentar cambiar la falla o, por el otro, aceptarla y vivir con esta.

Como consecuencia del avance de la tecnología, se nos hace imposible a las personas poder estar sin reflexiones; ya que

El espejismo en su máxima expreción: muchas caras de una persona

siempre tenemos el celular o algún dispositivo cerca. Esto nos hace entender que cada acto que nosotros realizamos tiene una consequencia notable en nuestro futuro, haiendolas imposibles de evitar.

Estos reflejos, además de hacernos escapar de la realidad, nos hace conectarnos a una que es superficial, dejando a nuestro ser de lado.

No hay escapatoria de las pantallas, los espejos y los reflejos que nos provocan estos dos factores. Este mundo crea una obsesión en cada persona de agradar y pertenecer a su entorno. Por lo tanto, se podría afirmar que las personas, nuevamente, no tienen escape.

Se convierten narcisistas.

Para satisfacer esta necesidad de pertenecer se fragmenta la identidad de la persona, por lo tanto, ya no es una personaindividual, sino que hay varios fragmentos de este ser. En base a este efecto la persona corre el riesgo de perder su esencia, sus características propias y las cosas que lo hacen un ser individual.

A raíz de esto, se puede notar como el círculo sin fín continua y la falta de reconocimiento y aceptación propia hace difícil para el resto valorarnos y respetarnos por nuestra propia identidad.

Cada persona está enfocada en proyectar una imagen que siente que va a ser aceptada y valorada por los demás, pero nadie se

concentra en su entorno y la realidad de los que nos rodean. La verdadera esencia singular e individual se pierde y también su importancia.

Las personas no pueden evitar ser inseguros, tienen miedo de mostrar su verdadero ser y encontrarse con lo más profundo y oscuro de su alma. Para escapar de este miedo las personas utilizan el reflejo ya que comprenden a este factor como el potenciador de su imagen pero, en realidad, refleja lo oscuro y lo que le falta al individuo.

Para superar este miedo cada uno debe sumergirse en la oscuridad de uno mismo y observar su verdadera identidad. Esta oscuridad acercará a entender la realidad y los lazos, tanto individuales de el propio ser, como los colectivos, con el entorno que lo rodea.

Regresamos de nuevo al circulo sin fin, en el cuál las personas deciden si aceptan su oscuridad como una complementación de su ser, si se pierden en lo más profundo de ella o si niegan la existencia de la misma. La cuestión es mostrar la verdadera identidad o crear una identidad basada en los estándares de perfección que se cree que son aceptados y valorados por las personas.

Espejismo de Kensuke Koike: Nada agregado y nada tomado

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Nicole Miller SS21

La bajada a tierra de esta tendencia recae en la complementación de la desvirtuación con las ilusiones ópticas visuales que nos llevan a percibir, como ya se mencionó, la realidad de diversas formas. “Ilusión” refiere a una interpretación errónea de un estímulo externo real. Necesitamos comprender las limitaciones de nuestro sentido visual y saber que existe la posibilidad de distorsión en cuanto a dimensiones, formas, perspectivas y colores.

Las ilusiones ópticas han sido usadas por los artistas y diseñadores para darle ambigüedad y contrastes a sus creaciones a través de patrones repetitivos. Para entender un poco más sobre esta tendencia que vuelve a ser furor debemos remontarnos a la década del ‘60 donde había una constante mirada hacia el futuro y lo psicodélico, dando nacimiento al arte óptico u OP ART que se basa en el contraste del color y repetición de figuras geométricas en distintos tamaños, generando profundidad y vibración y atracción visual y psicológica. Fue muy utilizado por Mary Quant y Pierre Cardin.

Hoy lo observamos en los estampados que aportan un giro a los atuendos, llamando la atención del que lo observa. Si bien no son tan fuertes como en los ‘60, las estampas y el

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La Double J RTW Spring 2021

mix and match de con diferentes texturas se vuelven elementos claves a la hora de armar un look que llame la atención y destaque aspectos de nuestra personalidad.

Issey Miyake SS21

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Nos sumergimos en las propuestas visuales que nos propone la marca francesa para el próximo verano

CASEY CADWALLADER Y LA VANGUARDISTA FANTASÍA DEL UNIVERSO MUGLER: CRÓNICA DEL DESFILE PRIMAVERA/VERANO 2021 La colección fue presentada online a través de un video en la plataforma Youtube en dos partes, la primera fue un adelanto en formato fashion film publicado el 21 de Octubre del año pasado y la segunda parte ya mostrando el desfile con la indumentaria el 31 de Marzo.

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Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

Ya son varias las marcas y diseñadores que se atreven a salir de su zona de confort a la hora de llevar a cabo sus desfiles, muchos han elegido barcos y playas como locación, otros han creado un universo alternativo para mostrar su indumentaria. Casey Cadwallader, director creativo de Mugler, no es la excepción.

Este diseñador de 37 años, originalmente recibido de arquitecto, encontró su pasión en la moda. Así comenzó a trabajar para diferentes marcas, dando su primer paso en Marc Jacobs. Esta mente ingeniosa, nacida en Georgia, fue elegida como directora creativa de Mugler en 2013. Para su décima colección en la marca, de Primavera/Verano 2021, eligió hacer un desfile en formato de video, dirigido por Torso, mostrando un choque posmoderno del presente y pasado de Mugler, ya que este último fue tomado como inspiración. Para lograrlo nos muestra todo el desfile en reversa, aunque por momentos parece que va de frente y luego vuelve a la reversa, generando un poco de confusión en el espectador debido que por momentos es difícil darse cuenta en qué dirección va el video, y con una coreografía de las modelos diferente a la que venimos viendo en los últimos años. Bella Hadid hace volteretas en la pasarela, a Hunter Shcafer le cae una cascada de agua, otras modelos caminan en puntas de pie rápidamente, otras juegan con diferentes expresiones faciales y un maquillaje exagerando las expresiones faciales que nos llevan visualmente un poco al mundo Drag. Todos elementos visuales que ayudan a adentrarse en el universo visual de la marca.

Thierry Mugler, el creador de esta reconocida marca, diseñaba para mujeres atrevidas, utilizando prendas estructuradas y con figuras geométricas. Se inspiraba mucho en la ciencia ficción, en el futuro y en los robots, creando en sus prendas una mezcla de elegancia irreal y toques bizarros. Esta fantasía del mundo de Thierry se puede apreciar con facilidad en las prendas que propone el nuevo diseñador. Para mostrar a la mujer atrevida y sexi, musa de Mugler, Casey Cadwallader utiliza tipologías sastreras con gran fuerza en la parte superior gracias al uso

Irina Shayk desfilando para Mugler

de hombreras junto con recortes en prendas de color beige y negro que se pueden apreciar en la mayoria de las propuestas.

Estos recortes dejan la piel descubierta o con transparencias para darle una sensación de seducción y sensualidad. El ejemplo perfecto de esto es el conjunto que luce Bella Hadid con guantes celestes hasta casi los hombros junto una falda larga hasta los talones con un corte en diagonal y una musculosa totalmente transparente que se ajusta perfectamente a su anatomía. Cadwallader recurre mucho al juego con formas irregulares y orgánicas, se puede notar que el artista se obsesiona con los detalles de colores llamativos, como lo son el rojo y el verde lima, acompañados con negro.

A lo largo del desfile podemos observar las demás prendas de la colección Primavera/Verano 21, el uso del denim en pantalones y chaquetas con múltiples costuras y lazos, el uso extensivo de tejidos en vestidos y bodys que cubren muy poco de los cuerpos modelando, blazers con sustracciones que dejan ver la parte más

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Bella Hadid posando con el top transparente para Mugler

pequeña de la cintura y vestidos largos hasta la rodilla amoldados al cuerpo con muchos cruces en la parte del cuello.

En la pasarela se pueden ver modelos como Hunter Schafer, Bella Hadid, Irina Shayk, Alek Wek, Soo Joo Park Kembra Pfahler, Alek Wek y Dominique Jackson, entre otros, yendo y viniendo en reversa a lo largo de los siete minutos y medio que dura la presentación de la colección. La duración del video es relativamente corta en comparación a otros desfiles de moda y gracias a esto, se hace muy fácil de ver y llevadero para quien se encuentra del otro lado de la pantalla. Es muy interesante la implementación de la coreografía en las modelos porque genera una sensación de excentricidad, va mucho más en profundidad que otros desfiles donde las modelos caminan sin ninguna expresión en su rostro y ya, Mugler quiere adentrar al público en su mente creativa, en lo más profundo de la marca y lo logra muy bien.

Se da a entender el pensamiento que tiene el diseñador respecto a los cuerpos en su desfile virtual, ya que se muestran variedad de ellos. No solo hubo variedad de tipologías corporales, también desfilaron modelos de mayor edad y no tan convencionales como uno está acostumbrado a ver en una pasarela.

Su desfile de primavera verano 2021 fue lanzado justo en el Día de la Visibilidad Trans, dando así énfasis a su idea. El diseñador dijo: “Para mí, todos los cuerpos deben estar diseñados para, no solo para los delgados, aunque, incluso los delgados a veces tienen

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un trasero o senos más grandes y ... la ropa te ayuda con eso en lugar de hacerte sentir mal por tenerlos. Celebro diferentes formas corporales ". Aunque ya no sea novedad incluir distintos cuerpos en la industria de la moda, si lo es para un desfile de alta costura, una industria que viene perpetuando estereotipos dañinos para la salud mental y física de quienes son parte y quienes quieren serlo.

Además de ser innovador con este tema, tiene una práctica futurista a la hora de elegir telas: en esta colección se puede apreciar una lycra reciclada para intentar disminuir la contaminación que esta industria causa; aunque esta tela sea de precio elevado el público objetivo de la marca puede acceder a ella económicamente. La tecnología juega un gran papel en el desfile, no solo en los efectos especiales del video sino también en el top que usa Bella Hadid que está hecho de una malla elástica que esculpe y suaviza el cuerpo, dando la sensación de desnudez en cualquier cuerpo.

Se puede decir que, una vez más, Mugler se encuentra dentro de las propuestas más innovadoras y comentadas dela semana de la moda. Esto es gracias al aprovecho de la tecnología para sus prendas y la postproducción del video del desfile, la diversidad en edad y cuerpo de sus modelos, y no se puede dejar de mencionar los diseños excéntricos y sensuales que pronto se verán plasmados en las tendencias y el streetstyle de los amantes de la moda.

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Emprendedores que saben detectar las necesidades de los consumidores

EL CAMINO HACIA LA SUSTENTABILIDAD DESDE LO MÁS ÍNTIMO DEL SER Sabrina, creadora de la marca de lencería Rhina, nos cuenta sobre los fundamentos de su marca sustentable y el valor que le provee al cliente.

Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

El mundo de la moda es responsable del 10 % de la contaminación global mundial, y hace un tiempo ya que se empezó a hablar del tema. Su impacto es tan grande debido a dos razones; por un lado está la cantidad de clientes que este mundo tiene, y lo rápido que consumen y tiran un producto, el famosos Fast-Fashion. También está el lado de los procesos por los que pasan las telas para poder llegar a lo que conocemos como una prenda de ropa, en estos sufre el agua ya que se consumen una increíble cantidad de litros para la construcción de una sola pieza, los materiales que se emplean y se desechan, el uso y eliminación de productos químicos, y el gasto de energía.

Para causar menos daño al medio ambiente existen dos grupos de gente en la industria de la moda, por un lado están los consumidores que deciden no consumir productos FastFashion y optan por comprar en prendas vintage para parar el desecho de prendas y la producción en masa. Después se encuentran los emprendedores que deciden vender sus productos intentando disminuir el impacto ambiental lo mayor posible, usando retazos de prendas, telas recicladas, prendas con no waste, entre otras opciones. Para entender mas este mundo de la sustentabilidad en la moda decidimos hablar con una emprendedora, Sabrina, que tiene su showroom con lencería hecha de tela reciclada.

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La creadora y emprendedora de la marca, que ayuda al medio ambiente Rhina

Contanos un poco sobre vos, la creadora de Rhina. También en qué año comenzaste con el emprendimiento y cómo fue el proceso.

Me llamo Sabrina, tengo 26 años. La marca la empecé en el 2018 con la última materia que cursé en la facu que era portfolio. La empecé un poco como excusa del trabajo práctico que tenía que hacer, no como un proyecto fijo, no veía una proyección de aca a 3 años de estar trabajando de esto. ¿Qué fue lo que te llevó a emprender y a hacerlo desde un lado sustentable? ¿Qué necesidades pudiste ver en el mercado y en los consumidores que satisfaces con tu emprendimiento?

Algo que tenía muy claro era que no quería hacer una marca de conjuntos de encjae blanco, negro y rojo. Yo quería una marca que tenga como objetivo principal usar mucho color y estampas, no empezó como

una marca sustentable. Yo iba comprando varias telas diferentes, sumadas a las que ya había en mi casa porque yo estudié diseño de indumentaria, mi mamá sabe coser, mi abuela era modista, la mitad de la casa era telas (risas), entonces un día ordenando cuales telas servían me di cuenta que tenía muchos retazos de algodón que me servían para la mitad de un triangulito, el delantero de una bombacha. Ahí dije bueno, puedo hacer un filtro de todo esto que tengo y arrancar una línea sustentable donde reutilizaba textiles.

Así empezó, quizás con los packs de bombachas y algunos básicos, hasta que un dia me agarró la loca y dije basta, no voy a comprar más tela, a partir de ahora Rhina va a ser 100% sustentable. A ver, 100% no porque una marca no puede ser 100% sustentable, pero bueno, no iba a comprar más tela y todo iba a ser a partir de descartes textiles.

Producción de fotos de un producto de Rhina: bombachas

¿Llevabas un estilo de vida similar antes de tu emprendimiento o fue este el que te inspiró a hacerlo?

Ese cambio que tuve en el emprendimiento también va de la mano con mi estilo de vida que, ámbos, fueron creciendo y perfeccionándose juntos de la mano. Yo más

o menos en 2017 o 2018 hice unos cursos en El Arte de Vivir, un lugar donde vas a meditar, y ahí una de las actividades era investigar qué impacto negativo tiene tu comida favorita, además de servicios que tuvimos que hacer como ir a limpiar el río y recoger basura de la calle, a partir de esas experiencias mi cabeza hizo un click y empecé a cambiar muchísimos hábitos.

Entonces este cambio de Rhina sustentable va de la mano con todo lo que aprendí ese tiempo sobre la sustentabilidad y el impacto de los textiles. Los textiles uso mucho lo que tengo, telas que compraba cuando era chica para hacerme ropa que nunca usé, telas que no les aceptan en la facu a amigas o que les sobraron a otras que ya terminaron. También tengo una señora que trabaja en un taller que suele traerme telas, así es como voy consiguiendo. A veces voy a fábricas que tienen bolsas de descarte y voy eligiendo cuales me interesan comprar. ¿Con qué elementos se fabrica la lencería? ¿Cuál es el proceso que sufren estos materiales?

La mayoría de los materiales son algodón,puede ser que tenga algún modal, raso tengo bastante, encajes algunos tengo, hay algunas telas que quizás no son de punto pero dependiendo la moldería se pueden usar también. En cuanto a procesos, separo todo por colores y tamaños. ¿Cuál es el target de tu emprendimiento? ¿A quién visualizas como tu cliente ideal? ¿Cuál es el valor de marca que le otorga Rhina a sus clientes?

Yo te voy contando, no sé si te estoy respondiendo muy bien las preguntas, pero todo lo del target, se que está mal pero no lo tengo bien definido o estudiado. Después qué necesidad pude ver, no se si tanto necesidad pero si lo que te dije al principio: quizás hay muchas marcas que hacen lenceria de encaje banco, negro, rojo y si hay conjuntos de algodón también son básicos.

Mi idea es hacer hincapié en que no porque sea de algodón tiene que ser aburrido, combino telas, rasos, busco la manera de hacer un conjunto cómodo y usable.

Más allá de que no tengo esta parte muy armada, tambien tengo sentimientos

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encontrados porque por un lado uno puede pensar su cliente ideal como una persona que tenga hábitos sustentables, que recicle, que haga compost, no use marcas fast fashion y demás, pero siento que si pongo a mi cliente en todo ese lado también pierdo toda la gente que no conoce del tema y se podría educar, no solamente a través de la lencería.

La idea también es que estaría buenísimo que a futuro todas las marcas tengan una parte donde reciclen, utilicen los sobrantes de las tizadas para hacer otras cosas. A mi me gustaría apuntar a la gente que no sabe del tema, educarla y que me elijan por eso. Al principio yo no decía mucho que reutlizaba telas cuando me preguntaban, quizá en alguna feria alguien venía, miraba los conjuntos, le iban gustando, yo después le decía que todo lo hago con descartes textiles, que no compro tela. La mirada de la gente cambia, eso es lo que me gusta, poder sorprender y que la gente diga “ah mirá que piola esto, no sabía que se podía hacer”.

Desde que comenzaste hasta ahora,¿qué cosas tuviste que tener en cuenta para modificar?¿Pudiste saber adaptarte a las nuevas necesidades?

Cosas a modificar un montón, porque como te dije yo empecé todo al revés, me fui haciendo en base al error, desde talles, modelos de bombachas, corpiños. Se qué

Producción de fotos de un producto de Rhina: corpiño

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tengo que hacer mucho hincapié en la comunicación desde el lado de la sustentabilidad, explicar el origen y el proceso del diseño, esa es una de las cosas que siento que tengo muy débiles. Además, quiero empezar a delegar al menos la costura, porque no puedo estar en todo. Es muy difícil hacer un emprendimiento con una sola persona, porque la sustentabilidad no es solo reutilizar telitas que uno encuentra por ahí, lleva muchas más cosas.

La idea es llegar a un triple impacto, justo hace poco hice un curso que hablaba sobre muchos aspectos de la sustentabilidad, el green y social washing, en esa parte estoy poniéndome las pilas. Quiero que Rhina sea un emprendimiento de triple impacto, así que tengo que hacer más hincapié en el aspecto social, si mando a coser ¿a dónde?, comunicar mejor, cosas que este año son claves para mí.

Con respecto a adaptarme a nuevas necesidades, yo creo que Rhina es atemporal, para mi esto de las temporadas ya fue, no trabajo con temporadas porque no me pinta.

Tampoco hay mucha temporada para poner en lencería, ¿no? (risas) Yo trabajo con lo que tengo, con lo que me gusta y como me gustaría ir poniendo el color también en mi feed de Instagram. No me fijo en la cantidad de conjuntos que hago por temporada Primavera/Verano, Otoño/Invierno, obviamente hay, por ejemplo, conjuntos de chifón que no voy a hacer en verano porque es algo obvio, pero no me rijo por esas normas viejas ya, ni tampoco por la colorimetría. Lo que hago lo hago porque me nace y porque me gusta. Si está bien o mal hoy no lo sé, quizás en un futuro Rhina sea mucho más grande y sea una empresa, quizás sean cosas que tenga que mejorar pero por ahora no lo veo mal. ¿Qué significa ser un emprendimiento de triple impacto?

El triple impacto es social, económico y medioambiental, también se les llama empresas B. A nivel empresarial podés obtener certificaciones para darle más confianza al consumidor que impactás positivamente de esas 3 maneras.

Medioambiental tiene que ver con todo lo de la sustentabilidad, la huella de carbono, la

huella hídrica, demostras que tu empresa trabaja de manera ética. Social abarca generar más puestos de trabajo, capacitar a tus empleados. Por ejemplo, si yo quiero derivar la costura podría trabajar con alguna fundación que capacite laboralmente a mujeres en situaciones de desigualdad y les de herramientas laborales para poder tener un mejor futuro. Económico porque tiene que ser algo rentable y como te mencioné generar puestos de trabajo y demás. ¿Tu objetivo actual de negocio es el mismo que cuando comenzaste el emprendimiento?

Mi objetivo actual no es el mismo que cuando empecé porque al principio no tenía una proyección ni me imaginaba que iba a ser mi trabajo, la verdad que no lo pensaba en absoluto.

Ahora tengo una vista completamente distinta, ahora sueño con tener un local, cosa que nunca quise, o tener un espacio en zona sur, yo soy de Quilmes, donde pueda invitar a distintos emprendimientos sustentables, es una proyección que tengo para el 2022, algo que era impensado hace 3 años. ¿Qué reflexión final podes darnos sobre Rhina y el impacto que tine en tu vida y en el mercado? ¿Qué reflexión puedo hacer sobre Rhina? ¿Qué impacto tiene en mí? Es como mi bebé, (risas), sin quererlo porque es como te dije yo nunca quise tener un emprendimiento, una inestabilidad económica, pero bueno acá estoy y cada día me gusta más. La verdad que yo entiendo que reutilizar textiles a la escala que yo hago no genera un super impacto positivo en el mundo, en Argentina, en Buenos Aires, o yendo a lo más chico, en Quilmes. Pero por algo se empieza, estaría buenisimo, como te dije antes, que de repente todos hagan esto, reutilizar aunque sea en cositas chiquitas. Yo pienso, ponele, con los pedacitos que no me alcanzan hago colitas de pelo. De repente me pongo a pensar, vas a Once o a Flores y la cantidad de colitas que se venden en los locales y ¿qué loco, no? que esas colitas no se hacen con pedacitos que sobraron, seguro agarran telas y las cortan para eso, es una locura.

Imaginate si todas las colitas que se vendan

Producción de fotos de un producto de Rhina: bombachas

al por mayor estén hechas con descartes textiles, sería un re avance. No sé si cambiaría en algo, pero estaría muy bueno, porque son cositas tan chiquitas que no hay necesidad de cortar tela por metro que te viene en un rollo para hacer una colita.

También tengo muy claro que la reutilización de textiles no es la solución de nada porque a fin de cuentas cuando a una se le super gastó la bombacha, se le rompió, no le entra más, ¿qué hace? La tira. Yo entiendo que al usar descartes prolongo la vida útil de ese textil pero al fin y al cabo, cuando la dejaste de usar volvió a la basura, ¿entendes? Entonces, se que no es la solución a nada, que quizás sea posponer un problema pero como te dije, es un avance, es al menos hacer algo.

Sabrina, una gran emprendedora, está realizando un cambio a través de su marca Rhina. Este negocio, que surgió a partir de un trabajo para la universidad, ahora está logrando un cambio en la indumentaria y para el medio ambiente. La emprendedora nos invita a hacerlo nosotros también. Ayudemos al medio ambiente y a nuestro mundo. Un cambio, por más chico que sea, ayuda en el proceso de cuidar al medio ambiente.

Nosotros somos los responsables de tantos residuos, gastos de energía, consumo exagerado de agua, utilización de productos químicos, entre otros. Por lo tanto, tenemos que ser nosotros los que empecemos con el cambio.

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Sumergidos en la época del individualismo, el usuario es protagonista.

LAS TRES MACROTENDENCIAS QUE YA ESTÁN MARCANDO EL 2021 Tanto en las pasarelas de los icónicos diseñadores como en el streetwear, vemos estas tres macro tendencias que reflejan los cambios estructurales de la sociedad del momento, donde el usuario está en constante búsqueda del estilo propio y quiere combinar prendas de acuerdo a su gusto. Te contamos cómo éstas evolucionan en las micro tendencias de indumentaria.

Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

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TECNOEMOCIONAL

Esta tendencia llega para unificar dos ramas que definen a la sociedad, pero que a la vez son opuestas: por un lado tenemos lo humano y por otro la tecnología. En esta época donde la tecnología se encuentra en la mayoría de nuestros hábitos, creemos que nuestros días se basan en sentimientos intensos que nunca paran. Por eso el hombre desea volver a lo espiritual, lo emocional y lo ancestral, buscando un lugar de paz y tranquilidad.

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Esta búsqueda de tranquilidad se puede ver en las prendas de indumentaria como joggings y buzos ya que estas transmiten comodidad, calidez, confort. Los colores pasteles tienen esa misma sensación, nos hacen acordar a la importancia de nuestro bienestar y espiritualidad; son reconfortantes, cálidos y cercanos.

HOMO - GÉNEO

En un contexto en el que la clase media se amplía y al mismo tiempo la diferencia entre pobreza y riqueza crece, los consumidores empiezan a pensar más con el bolsillo antes de comprar un producto. Esto da lugar a un mercado con mucha variedad de ofertas porque cada consumidor va a buscar algo distinto; fortaleciendo e impulsando a la economía.

La gente busca cosas clásicas, que las pueda volver a usar, por eso vuelve la paleta de colores básica que abarca el el negro, blanco, gris y azul marino, complementada con acentos cromáticos fuertes, dinámicos y juveniles como el naranja, amarillo y turquesa. Se va a buscar telas de calidad que ofrezcan comodidad y durabilidad. Se usarán prendas con estampas espontáneas y hechas a mano apoyando a los artistas locales y no la producción industrial.

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ALQUIMIA

Estamos en una etapa donde gran parte de la población, la generación boomer, empieza a envejecer. Muchas de las cuales manejan grandes empresas, teniendo así un gran papel en la economía mundial, por lo que se intenta que estas personas mantengan su estado físico y mental lo más joven posible.

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A esta macrotendencia la acompañará una paleta de colores cálida, generada por los ámbar, cobre, ocres, marrones y verde oliva.

Estos representan la frugalidad, algo que caracterizó su infancia. Se verán textiles suaves y envolventes con caídas fluidas, se verán las transparencias con retoques artesanales. Los estampados reflejarán la naturaleza representando el ciclo de la vida en pinceladas suaves y fluidas.

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PIERRE BALMAIN 33

Profundizamos en la historia de uno de los diseñadores más reconocidos del mundo

PIERRE BALMAIN Y EL NUEVO ESTILO FRANCÉS, EL DISEÑADOR QUE CAMBIÓ EL RUMBO DE LA MODA Representante del New Look y creador del estilo Jolie Madame, Balmain dejó su marca como uno de los diseñadores que reinventó a la mujer parisina de la posguerra. “Prefiero hacer dinero que historia” fue la frase que lo destacó del resto de sus competidores.

Autoras: Victoria Muscillo, Carmela Rey y Magali Santagata

Uno de los diseñadores más destacados del siglo XX es Pierre Balmain. Nacido en Saint Jean de Maurienne en Francia en 1914, diseñaba desde temprana edad vestidos para muñecas influenciado por el local de telas que manejaba su padre y las mañanas y tardes que pasaba observando vestidos.

En 1933 empezó a estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París pero decidió dejar la carrera luego de un año para irse a trabajar al taller de modas de Edward Molyneux, diseñador inglés basado en Francia. El diseño de alta costura siempre fue su pasión así que cuando le llegó la oportunidad de insertarse en el mundo de la moda no dudó ni un segundo. A lo largo de su trayectoria pasó por los talleres de Lucien Lelong y Christian Dior mientras trabajaba en la tienda de su madre en Aix-les-Bains hasta que en 1945 decidió abrir su local y sacar su primera colección en ese octubre caracterizada por faldas acampanadas largas y de cintura estrecha, representando junto a Christian Dior el New Look, diseño que deja en evidencia el fin de la guerra y el cambio en la indumentaria femenina, queriendo dejar atrás la austeridad y moda sobria con el uso de tejidos refinados en grandes volúmenes.

La colección también exhibía una armoniosa mezcla de colores como el verde, marrón, rojo y lavanda, un refinamiento de lo más atractivo.

Pierre Balmain diseñando una de sus colecciónes

Su debut causó semejante revuelo que una de sus primeras clientas fue nada más y nada menos que la duquesa de Windsor y uno de sus vestidos fue fotografiado por Cecil Beaton para la edición de Vogue estadounidense, aparición que hizo que su clientela creciera rápidamente y se expandiera internacionalmente, siendo así que Balmain fue uno de los primeros diseñadores franceses en trabajar fuera de su ciudad. En 1946 participó en la exhibición de Theatre de la Mode y lanzó Élysées 64/83, su primera fragancia, mientras que seguía siendo constantemente mencionado en Vogue. En 1949 amplió su negocio en Nueva York incorporando una línea de ready to wear repleta de vestidos de cóctel para la noche. Se decía que si París era una fiesta, Balmain vestía a todas las invitadas. En los años ‘50 se enfocó en expandir sus boutiques a lo largo del país americano.

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Lo que hizo a Pierre Balmain quedar como un ícono de la moda en la historia fue su manejo de conocimientos arquitectónicos combinados con la indumentaria. Creó un estilo arriesgado y femenino para las mujeres, que venían de vestirse con atuendos más adecuados para el trabajo en época de guerra, con fuertes influencias militares, por lo que significa un cambio rotundo para las mujeres y las ocasiones de uso. Balmain propuso ricos bordados y monogramas e instaló la estola, tanto de día como de noche, y sus chales y capas estilo cosaco. Dominó el arte de proyectar prendas con un movimiento único y reconocemos el excelente ojo que tenía para la adecuada elección de textiles para sus sofisticadas creaciones. Su reflexión fue que “la creación de moda es la arquitectura del movimiento”.

Otro momento clave para entender el éxito de este diseñador es cuando lanza su fragancia Jolie Madame en 1949, que capturaba “la esencia de aventuras de tardes de pasión y encanto”. Esta fragancia llegó en el momento justo para eliminar la atmósfera oscura que se respiraba en las ciudades afectadas por la guerra devolviéndole a la mujer su imagen sensual, elegante y sofisticada. Tal fue el triunfo de este eau de parfum que Balmain utiliza el mismo nombre para su colección Otoño/Invierno del ‘52, momento clave para el diseñador porque su estilo ya se convierte en esencial junto a sus bordados, hombreras y cintura muy marcada para la imagen visual de la nueva mujer que resurgía. Nacía el estilo parisino mientras brillaba la mejor época de la Alta Costura.

Fue un look tan estiloso y sofisticado el que brindaba Balmain que Vogue lo definió como el Nuevo Estilo Francés: el retorno a la abundancia y textiles exquisitos con un gran trabajo a mano detrás. La evidencia más literal se observa en esta colección, con vestidos de baile, chaquetas coolie, faldas de armiño. La mujer que vestía Balmain se fue desarrollando como una mujer activa e insolente. En 1955 el diseñador, gracias a las colecciones de ready to wear que vendía en Estados Unidos, ganó el premio Neiman Marcus Fashion.

Una famosa frase de Pierre es “Prefiero hacer

dinero que historia" y no es coincidencia que haya aprovechado el boom de Hollywood para hacer íntimas amistades con las estrellas de la época dorada como Marlene Dietrich, Katharine Hepburn, Brigitte Bardot, Sophia Loren, Jean Fontaine. Ellas lo elegían siempre para que las vistiera en las alfombras rojas y otros eventos sociales de gran revuelo, lo habían tomado como su diseñador favorito.

También comenzó a ser referente de la élite y realeza europea.

Pierre Balmain falleció en 1982 bajo las manos del cáncer y su aprendiz Erik Mortensen tomó la dirección creativa de la marca. En 1992, fue Oscar De la Renta el nuevo responsable de la marca, siendo el primer diseñador americano de una casa de alta costura francesa. Dos años antes de su llegada la casa no había vendido ni un solo vestido de alta costura pero De la Renta estaba decidido a cambiar eso enfocándose en una línea que tenía como objetivo rejuvenecer el negocio. Claramente lo logró ya que hoy en día Balmain es una de las principales casas de ventas de vestidos en París. La marca siguió ofreciendo productos lujosos hasta que en 2002 De la Renta dejó de ser director creativo y fue reemplazado por Laurent Mercier, quien no pudo mantener el éxito de la marca y decidió dejar de sacar colecciones de alta costura. Esta decisión siguió vigente por varios años hasta que en 2018 Olivier Rousteing, director creativo desde el 2009, saca una colección de alta costura.

Audrey Hepburn , en su boda, llevando un vestido de Balmain

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Pierre Balmain con Brigitte Bardot

“La buena moda es evolución, no revolución”, así veía Balmain a la moda y en base a este concepto creaba sus colecciones.

Tuvo varios diseños icónicos que lo hicieron crecer como diseñador, es el ejemplo el vestido “Antonia”, de cintura ajustada, que impuso en su colección Primavera/Verano de 1954 o el uso de las medias can can opacas y el desarrollo de su propia línea seriada en marroquinería. Otro diseño es el motivo del monograma, que reflejaba la pasión de Pierre por los jardines renacentistas de Francia.

Este motivo se mostró en accesorios y en las líneas Ready to Wear de los años 70. Oliver Rousteing tomó esa idea de Balmain como inspiración para su colección de primavera verano 2021 y reconquista la esencia de la marca con el estilo de hombros puntiagudos y elevados. Su intención fue refrescar la esencia de Balmain y lo logró de forma maravillosa.

Oliver Rousteing, conocido como “el chico maravilla”, es un diseñador francés que llegó a la casa Balmain en 2009 y luego de poco tiempo se postuló para ser director creativo.

“Quiero demostrar que la moda es para todos, vengas de donde vengas”, cuenta el diseñador, “(...) Hay en mí una inclinación por la diversidad y por ciertas mujeres a veces controvertidas, si, pero yo no soy el que empezó esa revolución, sino Balmain vistiendo a Josephine Baker (actriz afroamericana) o Brigitte Bardot (públicamente en contra del odio racial)”. Por lo tanto, se nota como Rousteing lleva a esta marca con la misma esencia y valores que Pierre la llevaba, mantiene la imagen de una mujer sexy, juvenil y rockera. Balmain hoy en día está en buenas manos y creciendo, sorprendentemente, cada vez más.

Pierre Balmain es un gran artista que contribuyó y brindó mucha historia a la industria de la moda. Creó un nuevo look, realizó muchos diseños icónicos y vistió a personas reconocidas de la época. Balmain no es simplemente un diseñador más y se puede decir hoy que revolucionó la industria desde los cimientos..

"La buena moda es evolución, no revolución

Una colección de Pierre Balmain con la escencia de su marca, la cintura marcada

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M Director editorial Victoria muscillo Redacción magali santagata, carmela rey, victoria muscillo ilustración camila cabona jefa de desarrollo comercial felicitas weder jefa de arte maria dolabjian jefe de fotografía clara larralde editor fotográfico juana palavecino director de innovación juana blaksley