VICIOUS no es solo una revista. Es un pulso. Una frecuencia que vibra entre la música, la moda, el viaje, la cultura y la actitud de quienes no entienden el mundo desde la superficie, sino desde la experiencia. En esta edición, abrimos las páginas para seguir explorando aquello que nos mueve, nos sacude y nos transforma.
Arrancamos con una mixcelánea que marca el ritmo: fragmentos de tendencias, ideas y estímulos que definen el ahora. La moda se presenta como un lenguaje propio, una extensión de la identidad, mientras que Buenos Aires se convierte en destino y escenario, una ciudad que respira arte, noche y contradicción en cada esquina.
En Off The Records, Magnetic People nos abre su universo creativo, y en Deportes Extremos, el paracaidismo nos enfrenta al vértigo más puro: el de soltarlo todo.
Esta edición también es un viaje humano. Conocemos más de cerca a Alex Clap y Alexander Som, exploramos historias personales, procesos y visiones que construyen la escena. Las entrevistas se suceden como sesiones intensas: De la Swing, Yes To All, JP Candela, DJ Karpin, Lobo Miro, Marco Jenner e Indira Paganotto, ya como mejor artista nacional en los Vicious Awards 2025.
La música en directo y la memoria colectiva toman forma en la crónica de D-Block & S-te-Fan, mientras que el presente y el futuro se celebran en los Vicious Music Awards 2025 by Ingresse, un reconocimiento a quienes elevan la escena y la empujan hacia adelante.
Continuamos con Premiere by Kaly, revisamos con perspectiva en Revisiones, y cerramos en clave tecnológica con Tech Area by Gilbert Lezana, donde el mañana ya está ocurriendo.
VICIOUS es comunidad, riesgo, curiosidad y pasión. Gracias por ser parte de este viaje. Ajusta el volumen. La experiencia comienza ahora.
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Revista Vicious Magazine
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MIXCELÁNEA
Desarrollan comedia inspirada en un fallido intento de entrar a Berghain
Searchlight Pictures prepara una nueva comedia basada en un episodio del pódcast Search Engine donde dos amigos narran su intento frustrado de entrar al icónico club Berghain. La película será protagonizada y escrita por Bowen Yang y Matt Rogers, conocidos por Las Culturistas. Aún no tiene título ni fecha de estreno.
“Wooking For Love” busca concursantes en Denver
Un nuevo reality de citas ambientado en la escena festivalera de Denver ha abierto su casting. El programa seleccionará 16 participantes para convivir en una villa estilo rancho y competir en retos relacionados con la cultura EDM y festivales —desde coreografías hasta producción técnica de eventos— en busca de pareja
Cliente provoca incendio frente al Tresor tras ser expulsado
Un hombre de 36 años fue expulsado del club Tresor tras discutir con dos clientas y posteriormente atacó al personal de seguridad —intentando incluso volver armado con un palo y una barra de hierro. Al fallar sus ataques, regresó y provocó un incendio frente a la entrada del club. Fue detenido, pero logró escapar esposado de un coche policial. La policía ya tiene su identidad y dirección, y actualmente está en busca y captura.
Berlín planea una “Silvester‑LoveParade” para recibir 2026 tras la cancelación de la fiesta del ZDF
Ante la decisión de ZDF de trasladar su tradicional fiesta de Nochevieja —la de siempre en el Brandenburger Tor— a Hamburgo, colectivos de Berlín y promotores culturales anunciaron la organización de una alternativa: una LoveParade-style con caravanas de música, DJs y ambiente festivo por la Calle del 17. Junio hasta la plaza del 18. Marzo
Sven Väth reafirma su amor por el vinilo: “Digital es para todos, pero el vinilo cuenta historias”
Durante una publicación en redes, el veterano DJ y productor Sven Väth ha manifestado su firme vínculo con el formato analógico, afirmando que pinchar discos de vinilo le permite “fundirse con la música”, sentirla de forma más intensa y estar completamente presente en el momento.
fashion
Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
Bufanda: Pashmina de cachemira Belt Check www.burberry.com
Gafas: Gafas de sol con montura oval www.miumiu.com
Chaqueta: Chaqueta con capucha y cremallera www.brunellocucinelli.com
Camiseta: Camiseta con cuello redondo www.manieredevoir.com
Cinturon: Cinturón con hebilla del logo www.ferragamo.com
Perfume: Perfume L’Immensité www.louisvuitton.com
BUENOS AIRES
LA CAPITAL LATINA DONDE EL RITMO NUNCA DUERME
Buenos Aires no se visita: se vive. Y se vive con intensidad. La capital argentina es una combinación perfecta entre caos y creatividad, tradición y vanguardia, melancolía porteña y energía hedonista. Una ciudad donde el tango convive con el techno, donde los clubbers salen a bailar a las tres de la mañana y donde cada esquina tiene una historia marcada por la música, el arte y la noche. Quienes viajan desde Europa o desde el resto de Latinoamérica encuentran en Buenos Aires una versión propia del Berlín latino: más cálida, más emocional, más desordenada, pero igual de apasionada por la cultura nocturna.
Autor: Vicious Magazine
CROBAR
Referente absoluto de la escena porteña, Crobar es el lugar donde aterrizan los grandes DJs internacionales y donde el público responde con la misma intensidad. Su sistema de sonido, su iluminación y su espíritu de club clásico lo convierten en una parada obligada para cualquier amante del house, techno o progressive.
UNDER CLUB
Si la noche te pide oscuridad, potencia y una propuesta sin concesiones, Under Club es el punto exacto. Techno puro, público fiel y una atmósfera que recuerda las viejas catacumbas europeas. No se va: se peregrina.
Para quienes prefieren espacios más pequeños, íntimos o alternativos, Buenos Aires también tiene su circuito clandestino y artístico
DUNE PARK
Mezcla de club, galería y laboratorio creativo. Ideal para noches con house, indie dance y estética experimental.
AVANT GARTEN
Un punto relajado, cultural y diverso, perfecto para comenzar la noche, escuchar sets cuidados y conectar con la comunidad electrónica local.
LA NUEVA FUERZA QUE QUIERE REDEFINIR LA PISTA DE BAILE
Hay sensaciones que no se pueden explicar con palabras, y una de ellas es el magnetismo que se crea en una pista de baile en pleno auge. Ese instante en el que la música, la energía y las personas confluyen y se alinean para generar un estado de catarsis colectiva. Algo incontrolable, visceral, casi místico. Ese fenómeno —tan difícil de entender como imposible de olvidar— es el punto de partida de Magnetic People, la nueva plataforma impulsada por el productor y DJ De La Swing.
Redacción: Vicious Magazine
Una plataforma creada por y para amantes de la musica de baile
Magnetic People nace como un espacio donde artistas con una misma pasión por el house pueden encontrarse, colaborar y compartir música diseñada explícitamente para la pista. El proyecto, que surge en paralelo a las otras aventuras discográficas del artista —incluyendo su vínculo con elrow Music— abraza todas las vertientes del género: tech house, classic house, minimal house, y cualquier expresión del espectro siempre que comparta dos requisitos esenciales: groove y contundencia.
Porque en Magnetic People solo hay una norma no escrita: si es un banger y puede romper la pista, es bienvenido.
Mucho más que un sello: un ecosistema propio
Este no es solo un label. Magnetic People también contará con su propia línea de eventos, alimentada directamente por los lanzamientos del sello. Una fusión natural donde la música y el clubbing se retroalimentan, creando un circuito coherente en el que las producciones encuentran su espacio natural: el dancefloor.
El proyecto aspira a convertirse tanto en altavoz de nuevos talentos como en plataforma para nombres ya establecidos, siempre desde un enfoque cercano y personal. De La Swing pone sobre la mesa su experiencia, su oído y su intuición para dar forma a un espacio donde lo importante es la calidad y la autenticidad musical.
El sonido Magnetic People
Quienes se acerquen a esta nueva propuesta pueden esperar tracks cargados de energía, con BPMs medios pensados para adaptarse a cualquier momento de la noche. Sonidos percusivos que golpean, líneas de sintetizador casi extraterrestres, stabs vocales inspirados en el hip-hop de los 90 y una vibra fresca que respeta —y revitaliza— la esencia del house.
En un momento en el que la música electrónica busca constantemente nuevos caminos, Magnetic People aparece como un recordatorio de lo que realmente importa en el club: la conexión entre quienes bailan y quienes hacen bailar.
Esto es Magnetic People.
Ven y conecta.
DEPORTES EXTREMOS
PARACAIDISMO: EL DEPORTE EXTREMO QUE TRANSFORMA EL MIEDO EN PODER
El salto que redefine la libertad a 4.000 metros de altura
Autor: Vicious Magazine
El paracaidismo es, para muchos, el deporte extremo definitivo. No solo por la altura o la velocidad, sino por todo lo que ocurre en la mente segundos antes de saltar.
La puerta de la avioneta se abre, el viento irrumpe con violencia y aparece esa mezcla perfecta de adrenalina, duda y emoción. En ese instante, el cuerpo quiere retroceder, pero algo más fuerte empuja hacia adelante: la necesidad de vivir algo auténtico.
La caída libre dura menos de un minuto, pero su intensidad es incomparable. A más de 200 km/h, el ruido del viento se vuelve un sonido blanco que limpia la cabeza y obliga a una concentración absoluta. Es un estado de lucidez total en el que no existe otra cosa que el presente. No hay miedo, no hay tiempo: solo un cuerpo flotando en la atmósfera.
Cuando el paracaídas se abre, todo cambia. El vértigo se convierte en calma y el paisaje aparece en silencio, casi como una pintura en movimiento. Los minutos bajo la vela permiten procesar lo que acaba de pasar: la caída, la velocidad, la valentía. Es un vuelo íntimo donde cada giro y cada descenso se sienten como un pequeño triunfo personal.
El paracaidismo moderno combina técnica, seguridad y precisión. Existen modalidades como el freefly, el wingsuit o la formación en equipo, que llevan el salto a niveles espectaculares. Pero incluso en su forma más básica —el salto tándem— cualquiera puede experimentar esta sensación única.
Porque al final, el paracaidismo no es solo un deporte extremo: es un recordatorio de que los límites son mentales y que a veces basta un salto para descubrir de qué estamos hechos.
CONOCIENDO MÁS A...
ALEX CLAP
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Esta pregunta deberíamos hacérsela a mi pareja jajaja
Realmente me suelo despertar tarde solo los fines de semana, que es cuando tengo mas bolos.. Y si, al descansar poco esos días soy un viejo gruñon..
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Por las mañanas cuando abro la puerta del salón veo a mi hija llamándome a gritos PAPAAAAA. Es maravilloso. Por la noche, ese momento de cena con mi novia en la mesa baja del salón con una buena serie.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas?
Pues ambas respuestas son correctas jeje.. Me gusta hacer deporte varios días a la semana, lo veo fundamental. Pero el momento peli y manta que no me lo quiten.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Donde este un buen plato de cuchara que te haga sudar no hay nada.
¿En qué o en quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Siempre pienso en varias cosas.. En mi familia, lo afortunado que soy. Y no menos importante el poder dedicarme a lo que siempre soñé y poder vivir de ello desde hace mas de 18 años.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
¡¡Buena pregunta!!. Todo me viene por mi padre.. desde bien pequeño recuerdo cuando estábamos en el coche haciendo el típico viaje de verano que nos deleitaba con una buena selección musical que iba desde Michael Jackson, The Cure, Soft Cell hasta pop rock de la movida madrileña
¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida?
Peter Murphy - all night long, Pet shop boys - love etc Bronski Beat - smalltown boy.
¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?
Enfants de Ricardo Villalobos a día de hoy cada vez que lo pongo en mis sesiones me sigue poniendo la piel de gallina.
¿Cualquier tema pasado siempre fue mejor o para nada?
Para nada.. Hay tracks antiguos que me fascinan, pero creo que hay una infinidad de producciones actuales increíbles.
¿Tu mejor producción está por venir?
Creo que si, aunque nunca se sabe.. Tengo un proyecto que pronto vera la luz que creo que os encantará jeje
CONOCIENDO MÁS A... ALEXANDER SOM
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Pues mis amigos de siempre me decían que era agrio al despertarme jajajaja necesito mis 15 mins nada mas.
Bromeo con que cuando me despierto estoy en “modo avión” durante un rato. Mi rutina y un poco de paz me activan y ya soy todo sonrisas.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Del día mi deporte a primera hora nada mas desayunar, libero y descargo mucho me ayuda a conectar y arrancar el día con fuerza.
A día de hoy tengo mas labores y responsabilidades que hace unos años, ya no es solo studio componer, tv o comunicación… es decir cosas artísticas…
Ahora paso varios días a la semana en oficina ayudando en todo lo que haga falta con LOOP BY FABRIK, y evidentemente todo lo relacionado con mi carrera personal y mi equipo.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Me gusta mucho entrenar, es parte de mi día a día, como lavarme los dientes jajajjaa, pero también soy de series, documentales y cine, el séptimo arte es una de mis grandes pasiones. Pero también he de confesar que llevo dos años obligándome a leer, llevo varios libros y es una sensación fantástica y nueva para mí, llevaba sin leer libros como tal desde el barco de vapor y pesadillas de RL STINE jajajajaja
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Soy de ambas, pero en general soy de cuidarme mucho lo que como y organizar todo bien. Una de mis grandes pasiones es probar sitios, son experiencias y momentos al rededor de una mesa que jamás olvidas:
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Pues tengo que decir que en Juanma castaño, cuando estoy en Madrid duermo con el partidazo de cope o leyendo jajajaja
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Mi primer recuerdo musical es en teatros, mis padres se
han dedicado al mundo del espectáculo, ópera, zarzuela y lírico han sido parte de mi bso diaria. Pero siendo honesto el que mas cariño guardo, son esos nesquicks eternos viendo videoclips de queen o de Michael Jackson en bucle.
¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida?
Bohemian Rhapsody - Queen
Bittersweet Symphony- The verve
One more time - Daft punk
Y tengo que meter una cuarta
Cold little heart - Michael Kiwanuka (extended version)
Con esas 4 podría estar en una isla desierta jajaja
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
Strobe de deadmau5
Que jodido espectáculo de acordes, me acuerdo que cuando era pequeño y tuve mi primer contacto con cubase, tardé 3 días en sacar la armonía principal en modi, pintando nota a nota con el piano roll, una vez consegui el synthe parecido, de en aquellas, sylenth1 vst…. Dije…
Joder ojalá esto fuera mío.
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Para nada, pero sí la forma de consumir música. Ahora todo es rápido y efímero. La clave es crear cosas que no dependan de tendencias demasiado marcadas, para que, de un modo u otro, puedan permanecer en el tiempo sin que pierdan identidad ni relevancia. Esa es la verdadera diferencia entre algo pasajero y algo que deja huella.
¿Tu mejor producción está por venir?
Este año he sacado mucha música en sellos como Three Six Zero (Tszr), El Row Music, Process by Dombresky y el amado sello de mi amigo Claptone, Golden Recordings, que ya es mi casa discográfica. “Fabulous” (Golden Recordings) ha sido un antes y un después para mí este año. De cara a 2026 tengo cosas increíbles. Me siento muy en forma en el estudio y, al mirar atrás y al futuro, a veces no doy crédito de la cantidad de cosas que pasan en la música. Va todo tan rápido que a veces me cuesta procesarlo. Verlo todo en conjunto desde fuera te hace tener los pies en el suelo y alegrarte de que lo que era un sueño inalcanzable hace años, hoy es una realidad de la que te sientes orgulloso.
DE LA SWING
CON UNA CARRERA QUE ABARCA DESDE LAS RAVES CLANDESTINAS DE MADRID HASTA LAS CABINAS MÁS INFLUYENTES DEL MUNDO, DE LA SWING SE HA CONVERTIDO EN UNO DE LOS NOMBRES IMPRESCINDIBLES DE LA ESCENA INTERNACIONAL. RESIDENTE HISTÓRICO DE ELROW, SELECTOR INCANSABLE Y PRODUCTOR EN PLENO CRECIMIENTO, EL ARTISTA REPASA CON NOSOTROS UN RECORRIDO MARCADO POR LA AUTENTICIDAD, LA PASIÓN Y LA BÚSQUEDA CONSTANTE DE CONEXIÓN CON SU PÚBLICO.
Naciste en Madrid en los 80 y comenzaste a pinchar muy joven. ¿Cómo recuerdas tus primeros pasos en la música electrónica y qué te llevó a dedicarte profesionalmente a ella?
Si miro atrás, con la perspectiva que dan los años, puedo decir con certeza que tuve la suerte de vivir una época mágica de la música dance: fiestas sin teléfonos, artistas de enorme calidad detrás de los platos y, sobre todo, música que realmente te sorprendía. Eran gemas que solo los DJs más enterados sabían localizar y que despertaron en mí una curiosidad enorme por este mundo.
Crecí escuchando bandas como Limp Bizkit, Incubus o Rage Against The Machine. A los 15 años descubrí a Fatboy Slim, The Chemical Brothers y Daft Punk, y toda esa mezcla fue la que me abrió las puertas a la música electrónica. Al mismo tiempo, me introdujo en sonidos más underground, como el Deep House de aquella época, que poco tiene que ver con la versión más pausada y relajada que asociamos hoy en día. A principios de los 2000, artistas como Erick Morillo, JL Magoya o Lee Cabrera marcaban la pauta con sus Subliminal Sessions en la mítica sala Maxime (Madrid), bajo la promotora Deep, y posteriormente en Divino Aqualung. Ese era el Deep House al que me refiero: enérgico, groovy, elegante, estimulante y alegre. Un sonido que cada fin de semana me movía desde Getafe hasta el centro de Madrid con mi grupo de amigos. Mientras ellos trabajaban y salían a bailar los fines de semana, yo estudiaba sonido en el CEV. Con los ahorros de los trabajos de verano empecé a comprar mis primeros vinilos de Deep House y Tribal en AMA Records, Level y Jaxx Records. Los escuchaba en la tienda y me los llevaba a casa… aunque aún no tenía platos para reproducirlos. Un día, escuchando discos, quise probar nuevos sonidos y seleccioné varios de Drum & Bass. Me acompañaba un amigo que había estado en Londres y lo tenía más controlado. Recuerdo que al poner la aguja sobre “The Bad Company – Planet Dust (Original Mix)” pegué un grito de subidón. El empleado me miró y me dijo: “Niño, es la última copia”. Ahí empezó todo. Tenía 18 años recién cumplidos. Mi abuelo me regaló mi primer plato Akiyama de correa y un mixer Gemini de dos canales. En ese momento supe que quería dedicarme a seleccionar música y hacer bailar a la gente. Por cierto, a los 19 toqué mi primer set en la sala Coppelia 101 en Madrid y conseguí mis primeros Technics 1210 M3D a los 20. En 2002 comenzaron mis primeras apariciones en cabinas nacionales. Empezaron a invitarme a line-ups de raves clandestinas como la mítica “Rave del Túnel” (cuando la M-50 estaba aún en construcción). También participé en varias raves de Barcelona, en el barrio de Poblenou, e incluso monté junto a mi colectivo más de una rave ilegal. Teníamos muchas ganas de tocar, y cuando empiezas, es la forma de hacerte conocer. La clave llegó cuando conocí a los capos del Drum & Bass en Madrid: DJ Xol, MC Mantisse y MC Mood. Ellos controlaban el movimiento de ritmos rotos en la capital y se interesaron en mí para ser residente de su reconocida marca TWIST. Así se consolidó mi nombre en la escena, pinchando en los clubs más punteros de Madrid —Aqualung, Yasta Club, Sala del Sol, Sala Wind, Fabrik, Macumba— y compartiendo cartel con grandes headliners como Andy C, DJ Hype, DJ Zinc, Roni Size, Pendulum y muchos más. También viajé fuera de Madrid para actuar en Monegros, Gorila Club en Valencia o Row14 en Barcelona.
Quiero aclarar que durante todos esos años no me dedicaba al 100% a ser DJ. Estaba involucrado en proyectos grandes, pero sin agencia ni equipo, como sí sucede hoy.
Has pasado por diferentes estilos —del drum & bass al techno y house—. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido a lo largo de los años?
En 2008 llegó una crisis para el Drum & Bass. Mientras en Reino Unido se mantenían fieles a los 180 bpm, en España muchos seguidores quedaron atrapados por el Dubstep, y la nueva generación se inclinó por sonidos House, Techno y la fusión que dio lugar al estilo que llevamos bailando estos últimos 15 años: el Tech House. Fue un golpe duro para la escena y para nuestra crew, porque tuvimos que aceptar que se cerraba un ciclo. Pero si algo tengo claro es que dejamos un legado importante en la electrónica underground.
En 2009, casi inactivo en cabinas, me mudé a Barcelona para trabajar como técnico de sonido. La familia Arnau me contrató como sonidista en Row14, el club que acabaría convirtiéndose en la fiesta más loca, divertida y matinal que todos conocemos: elrow.
A los pocos meses de su inauguración me propusieron hacer el warm up tocando Tech House. Si estoy contando esto hoy es porque respondí con un “sí” que jamás imaginé que cambiaría tanto mi vida. Wow.
Desde 2010 eres uno de los pilares de elrow. ¿Qué significa para ti formar parte de una marca que ha revolucionado el clubbing?
De la Swing nace de elrow: mi AKA surgió por la necesidad de dar identidad a aquel técnico de sonido que calentaba la pista a las 6 de la mañana, para pasar a ser un artista reconocido.
Si la gente me considera un pilar de elrow seguramente lo interprete así por ser residente o por gestionar el sello de la casa, pero para mí es algo más profundo. De la Swing nace en la C-31, limpiando y ajustando sistemas de sonido y luces entre semana, entrando el primero y saliendo el último cada sesión, formando parte de la evolución de la marca y del club. Nunca fuimos conscientes de la dimensión que alcanzaría esta marca, que empezó como una sesión matinal en Sónar, luego dando una segunda vida a Row14 —un club al borde del cierre— abriéndolo de día, con un line-up de Tech House y 1.000 euros en inflables lanzados desde el techo. Hoy es una de las mayores marcas de entretenimiento del mundo. Para mí, formar parte de todo este recorrido ha sido el mayor aprendizaje profesional de mi vida, empezando desde cero pero muy bien asesorado por Juan Arnau y su enorme experiencia e intuición.
Llevo 15 años como residente y puedo decir que elrow es mi cable a tierra en esta carrera de fondo, donde es fundamental estar respaldado por una marca para avanzar y sobrevivir a los cambios de la escena.
¿Qué diferencia a un set de De La Swing en ElRow de uno en un club más íntimo o en un festival internacional?
Hoy en día, tocar para elrow es prácticamente como tocar en un festival: hay que subir a cabina y partirla. No puede haber fallos. El público que viene a escuchar a De la Swing quiere fiesta desde el minuto uno: música alegre, groove, melodía, vocales. Esa es mi fórmula para elrow y para festivales.
Evito loops monótonos, busco sorprender y mantener la energía durante los 90-120 minutos del set. Ser ecléctico y atrevido es clave.
En un club pequeño, con un set más largo, me gusta contar un viaje. Ahí puedo empezar con mi lado más minimal y terminar arriba con un House cargado de energía.
Has compartido cabina con artistas como Marco Carola, Loco Dice, Richie Hawtin o Laurent Garnier. ¿Qué has aprendido de esas experiencias?
Estos artistas son la base de mi sonido. Lo bueno de ser residente de un club —no solo de una marca, como ahora— es que pasas muchas horas en el mismo lugar,
conoces a la perfección el sistema de sonido, su público, y recibes grandes artistas que te muestran todo lo que puede hacerse con las mismas herramientas. Esa es la verdadera escuela.
Garnier me enseñó a seleccionar música y combinar estilos, haciendo que en cada mezcla los sonidos convivan en armonía.
Dice me mostró la importancia de la personalidad, de una puesta en escena, y de cómo transmitir las raíces del hip hop dentro del minimal y el house.
Carola es el ejemplo de la relevancia de tener música que nunca caduca en tus playlists; tracks que no tiene nadie más.
Y Richie me enseñó la importancia de sonar bien: sin clipar, con un headroom agradable en la sala.
¿Cómo describirías la conexión que buscas crear con el público cuando estás en la cabina?
La conexión comienza desde el momento en que mi agente cierra una fecha y ya tengo en mente el club o festival donde tocaré. Anunciamos la fecha y mis seguidores saben que voy a presentarme, y empiezan a llegar mensajes de bienvenida. Cuando estoy a los mandos quiero que el público también sea protagonista, que haya una sinergia por ambas partes.
Has publicado en sellos muy importantes. ¿Qué papel juega la producción en tu carrera actualmente?
Siempre he dicho que me considero más DJ que productor, pero durante la pandemia dediqué mucho tiempo al estudio y pude lanzar bastante música en vinilo, mi formato favorito. Esa etapa me hizo descubrir que la producción ocupaba un lugar esencial para complementar mi perfil como artista, y que realmente tenía talento para crear música.
Me atrevo a decir que la producción es muy importante en la evolución de cualquier artista. Por mucho que digan que lo principal es ser un buen selector —que también lo es—, el combo perfecto llega cuando sumas una identidad musical propia.
¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de preparar un nuevo track o un set?
Cuando creo música —ya sea desde cero en el estudio, en un hotel, en un avión o incluso en el sofá de mi casa— siempre surge por una inspiración. A veces escucho un tema funk y me inspira la línea de bajo; entonces pinto la melodía en MIDI y arranco la idea desde ahí, respetando la escala del sample. Diría que el 80% de mis producciones nacen así. Para mis sets, lo que me inspira es el club o el festival y su público. Lo bueno de llevar tantos años es que ya sabes a lo que te enfrentas y puedes adaptar tus playlists con mucha precisión.
¿Hay algún set o momento que recuerdes como un punto de inflexión en tu carrera?
Para mí —y creo que para mucha gente— un set que cambió el juego en mi carrera fue el closing de elrow Ibiza 2016 en Space Ibiza. Podéis revivirlo en YouTube vía Be-At TV. Fue realmente mágico
La escena electrónica está en constante cambio. ¿Cómo ves el panorama actual y hacia dónde crees que se dirige?
La ola del Hardstyle y el Hard Techno se ha apoderado de la escena, eclipsando al Tech House, al Minimal e incluso al eterno House.
Pero, en mi opinión, es una ola, un ciclo, una moda vinculada al movimiento “Dark Rave”. Estamos viendo artistas resurgir y desaparecer a gran velocidad. Estilos en ascenso como el hyperpop o el electro swing tomarán protagonismo próximamente.
Sin embargo, el House y el Techno siempre vuelven, porque no son modas: son la base de la música electrónica.
¿Qué proyectos o metas tienes para los próximos meses?
En diciembre lanzo, después de muchos meses, un EP en elrow Music en colaboración con Bizza. Son dos tracks que hemos tocado todo el verano y funcionan increíble en pista.
También tengo listo un remix para el brasileño Trallez que saldrá a principios de año en Organic Pieces. Y sigo trabajando en mi álbum, que espero presentar en verano de 2026.
Estás preparando el lanzamiento de tu propio sello. ¿Qué nos puedes adelantar?
A finales de 2024 presenté “Magnetic People” en Input Club Barcelona, con la intención de programar mis propias fiestas y apoyar a artistas que respeto y admiro. Generalmente artistas de mi círculo, con los que comparto conexión y con los que podría hacer un b2b sin problemas.
Este proyecto se completa con un sello discográfico que ya está prácticamente listo. La primera referencia, un VA de cuatro tracks de artistas que han formado parte de los últimos line-ups, está prevista para el 20 de marzo, coincidiendo con la llegada de la primavera. El sello será un punto de encuentro para los amantes del House, del groove y del sonido pistero.
Este verano te hemos visto pinchar por toda Ibiza. ¿Cómo ha sido la temporada y qué diferencias notas entre las fiestas de la isla?
Este verano Ibiza ha estado bastante revuelta: muchos cambios y la inauguración de UNVRS. Aun así, ha sido una de mis mejores temporadas en la isla. Tuve la oportunidad de tocar en el soñado UNVRS como residente de elrow Ibiza, y presentar en dos ocasiones “Magnetic People”. También debuté en la main room de Hï Ibiza con “Now Here”, presenté “Magnetic People” en Tantra —que fue muy especial— y volví a tocar en dos de mis fiestas favoritas: “Pyramid” y elrow Ushuaïa.
Mi impresión más sincera es que ha sido un verano de transición, una temporada que la isla necesitaba para abrir los ojos en muchos sentidos: precios desorbitados, identidad de los clubes… Creo que 2026 será un año de muchos cambios, donde cada nicho de público se sentirá más identificado con cada club.
D-BLOCK & S-TE-FAN
El pasado 8 de noviembre, Haaren se vistió de gala gracias a REBiRT Events para celebrar los 20 años de carrera de D-Block & S-te-Fan. El evento fue uno de los más espectaculares que recordamos dentro de la industria en los que no solo pudimos rememorar temas que hacía décadas que no eran pinchados sino también disfrutar por última vez de Ghost Stories y muchas sorpresas más.
Texto: Israel Méndez
Hablar de hardstyle es, inevitablemente, hablar de Diederik Bakker y de Stefan den Daas, es decir, de D-Block & S-teFan. No como una referencia más dentro del género, sino como unos pioneros que han sostenido su identidad durante dos décadas. Su sonido ha acompañado la evolución del hardstyle desde los años en los que el género aún buscaba un lenguaje común hasta convertirse en un fenómeno global. Melodías irrepetibles, energía desbordante y una sensibilidad única para definir el espíritu de cada época: el dúo neerlandés no solo ha estado presente en la historia del hardstyle sino que la han escrito.
Pocos artistas pueden afirmar que sus temas han marcado generaciones enteras dentro de la música electrónica. De sus manos han salido himnos que hoy son parte del ADN de la escena: “Music Made Addict”, “Twilight Zone”, “Darkest Hour”, “Love On Fire”, “Angels & Demons”… la lista es interminable y cada título tiene un momento, un recuerdo, un impacto. No es casualidad que sus producciones formen parte del imaginario colectivo del hardstyle. Las melodías de D-Block & S-teFan han sido, durante veinte años, el puente que une el corazón del género con las emociones del público.
Más allá de los éxitos y de su influencia artística, lo verdaderamente excepcional es su capacidad para reinventarse sin romper con su esencia. Son uno de los pocos nombres capaces de emocionar a un fan veterano con un clásico de hace quince años y, al mismo tiempo, encender a toda una generación nueva con sus producciones más recientes. Su música no entiende de “antes” y “ahora”: es una evolución continua, un relato sonoro en el que cada capítulo tiene algo que aportar. Su carrera es un ejemplo de cómo crecer, explorar y seguir liderando sin perder la autenticidad.
Y quizás por eso, celebrar los 20 Years of D-Block & S-te-Fan no es simplemente conmemorar una trayectoria: es celebrar la historia viva del hardstyle. Dos décadas de innovación, de conexión con el público y de momentos inolvidables que han llevado al dúo a construir un legado que muy pocos artistas en la música electrónica, no solo dentro del hardstyle, pueden igualar. Y fue precisamente ese legado el que se reunió el pasado 8 de noviembre en Haaren, en un evento que no solo celebraba el pasado, sino que abría la puerta a todo lo que aún está por llegar.
Cuando los entrevistamos meses antes del evento, ya se intuía que algo enorme estaba por llegar. “Esto es posiblemente lo más importante que hemos hecho en toda nuestra carrera”, nos confesaba S-te-Fan. Lo explicaban con una convicción tranquila, casi emocional, conscientes de que veinte años no son solo una cifra: son una historia, una huella y una responsabilidad. Por eso insistían en que Haaren sería una celebración única, “diez horas dedicadas íntegramente a la historia de D-Block & S-te-Fan, con todos esos temas que hace años que no suenan”. Y lo que vivimos el 8 de noviembre confirmó exactamente esas palabras.
20 Years of D-Block & S-te-Fan
Llegamos bastante pronto, de hecho cuando abrieron las puertas para hacernos con algo de merch de este evento único, ya había bastante gente en el recinto que el equipo de REBiRTH Events había levantado y preparado para la ocasión. La cola para hacerse con camisetas, sudaderas, abanicos y más era bastante larga y tras unos minutos conseguimos hacernos con nuestras cosas, pero esto no es lo importante. Lo importante es que a las 14:00 abrieron los accesos al espacio en el que se encontraba el escenario y Jones ya estaba poniendo música para abrir boca.
El momento que todo el mundo esperaba eran las 15:15 cuando la intro del primer show de los anfitriones de la noche llegaba. No solo el recinto estaba ya lleno hasta la bandera con 15.000 fans esperando para disfrutar de la primera etapa del dúo, con su música de 2005 a 2010, sino que este show era muy especial porque era el de su álbum ‘Music Made Addictz’, uno de los mejores de la historia del género.
Durante la intro pudimos escuchar una frase que no podría definirles mejor: “We didn’t follow. We created” (Nosotros no seguimos, nosotros creamos) y nos marcó porque no se puede definir mejor su carrera. Durante esta intro otra cosa que también pudimos ver fue la capacidad técnica del escenario y del espacio de la que íbamos a disfrutar durante el resto del día.
Como no podía ser de otra forma empezaron con ‘Music Made Addict’ y la gente ya se volvió loca desde el minuto uno. Una sesión en la que pudimos escuchar mucha música que ya normalmente, por motivos evidentes, no pinchan como por ejemplo su primerísima producción ‘Fresh New Beat’ o clásicos como ‘Keep it Coming’, ‘The Ultimate High’, ‘U Will Be Dancing’, ‘Shiverz’, ‘Sound of Thunder’, ‘Supernova’ o ‘Part of the Hard’. Una barbaridad de sesión que difícilmente podremos olvidar.
A ambos se les veía especialmente felices a lo largo de este set. Estaban disfrutando como niños de poder volver a pinchar una música que seguro significa mucho para ellos ya que fue la época en la que empezaron a marcar el legado en la escena. Pocas veces hemos visto a S-te-Fan tan tan contento dentro de una cabina, y posiblemente le hayamos visto más de 30 veces.
Después fue turno del primer support act que nadie sabía quién iba a ser ya que el cartel no revelaba más allá de los shows de los principales protagonistas. Tras una breve introducción, MC Villain presentó a Wildstylez y la gente no podía estar más contenta ya que no solo era el legendario dj y productor holandés, sino que era en formato classics y las intenciones ya las dejó claras desde el principio abriendo con ‘Life Beyond Earth’ de su formación con Headhunterz Project 1. Treinta minutos de pura nostalgia que dieron paso al segundo act de D-Block & S-te-Fan.
La segunda época que íbamos a revivir fue la de ‘Rockin Ur Mind’, es decir, de 2010 a 2015. Esta época estuvo marcada por temas también míticos tales como ‘Beat As One’, ‘Together’, ‘A Decade of Dedication’, ‘Rebel’, ‘Worlds Collide’ o uno de sus clásicos más conocidos ‘Higher’. Los láseres, fuegos y la pantalla enorme que tenían detrás de la cabina acompañaban mucho y daban un show que iba un paso más allá de lo que estamos acostumbrados a ver en otro tipo de eventos. Hay que decir que el sonido también era especialmente bueno, parece una obviedad en este tipo de eventos, pero hay muchas más veces de las que nos gustaría en la que eso no es así.
Tras esta nueva celebración de nostalgia, los siguientes en aparecer fueron otro dúo que también son leyendas dentro de la escena: Deepack. Y es que D-Block & S-te-Fan y ellos en su momento también tuvieron una formación muy divertida que marcó a muchos: Dee-Block & S-te-Pack. Pudimos escuchar temas emblemáticos como ‘Rise & Fly’, ‘Set Everybody Free’ o ‘Blade Me Now’ y un tema nuevo con el que cerraron la sesión y que promete darnos alguna alegría en sets futuros de ambos.
La segunda sorpresa de la noche en cuanto a artista invitado fue Frontliner, también conocido como Melody Man. Pudimos escuchar muchos clásicos como ‘Spacer’ durante otra media hora de sesión que, siendo sinceros, nos vino genial para descansar y comer algo ya que lo que venía después iba a ser de alto nivel.
El tercer álbum de D-Block & S-te-Fan ‘Antidote’, 2015-2020, marcó su regreso a la escena con temazos no solo del álbum sino de la época, que pincharon por supuesto a lo largo de hora y cuarto de sesión, tales como ‘By Myself’, ‘Promised Land’, ‘Angels & Demons’, ‘In The Dark’, ‘God is a DJ’, ‘Wolves Cry’, ‘We Don’t Stop’, ‘World Renowned’ o el tema que para nosotros no necesita traducción ninguna ‘No Apoya No Folla’. Para nosotros esta fue la mejor sesión de la noche, pero puede que también sea porque es la que es más de “nuestra” época. En pocas sesiones sudamos tanto como en esta.
Esta sesión acabó con uno de sus mejores amigos de la escena, DJ Isaac, con ellos en la cabina y si había alguien que todos sabíamos que iba a estar de dj invitado, era sin duda él. Un artista con el que tienen gran cantidad de espectaculares, colaboraciones y un gran amigo para ellos, estaba claro que no se iba a perder el evento y estuvo pinchando durante 30 minutos en los que empezó muy bien, pero que acabó con una especie de hard techo que la gente no entendió mucho.
‘Enter Your Mind’ es el último álbum de estudio hasta la fecha de D-Block & S-te-Fan y la época, 2020-2025, en la que ya pincharon su música más actual además de todo el disco. Este set tuvo bastantes sorpresas y es que amigos tales como el capo del hardstyle, The Prophet, además de Rooler, Rebelion (con los cuáles presentaron tema) o Sefa estuvieron allí para pinchar juntos sus colaboraciones. Un set cargado de energía que las nuevas generaciones ya conocían y que hizo bailar a todos los asistentes gracias a temas como ‘Movin On’, ‘Fire’, ‘Berlin’, ‘Change to Follow’, ‘Behind Enemy Lines’ o, como digo, los temas del álbum tales como ‘Fearless’, ‘Enter Your Mind’, ‘Losing Control’ o ‘Believe’. Una sesión que también nos gustó ya que, por alguna razón, los temas del álbum no estuvieron durante mucho tiempo en sus tracklists. Además en esta época vemos cómo no solo evolucionaron en su sonido, sino que han hecho más colaboraciones que nunca con otros artistas.
El último act, live act, de la noche fue el último show de Ghost Stories. Ghost Stories es el proyecto en el que D-Block & S-te-Fan colaboran junto a la vocalista Evelyn en una propuesta donde la narrativa, la puesta en escena y la emoción toman el protagonismo. Nació con el icónico ‘Angels & Demons’, y se convirtió en una de las experiencias en directo espectaculares en la escena hard.
Comenzando con ‘Ready or Not’, Ghost Stories empezó ante un recinto todavía lleno hasta la bandera y es que, como es normal, nadie se quería perder esto. Siguieron con ‘Open Your Mind’ y otros temas que ya son historia como ‘The Enemy’, ‘Lake of Fire’, ‘Inside My Head’ acabando con el último que sacarán como formación: ‘Felt The Ghost’ e ‘Infinity’, colaboración con Sefa.
En este set hay que hacer mención especial, a parte de a las siempre increíbles vocales de Evelyn, al momento en el que pincharon la que es, posiblemente, su colaboración más reconocida a nivel mundial: ‘Darkest Hour (The Clock)’ junto con Sub zero Project. Si hubo algún momento en el que todo el mundo cantó durante el evento fue en este sin duda.
Un evento para la historia
En total fueron más de 130 temas pinchados de toda su carrera a lo largo de un día que nunca olvidaremos. Un repaso a clásicos ante 15.000 personas que vuelve a demostrar que el público demanda este tipo de eventos en una escena en la que muchos eventos parecen más de lo mismo pero que la gente de REBiRTH Events sabe desmarcarse y hacer las cosas muy bien.
Además, solo como dato curioso, muchos de los artistas de la escena actual tales como Rooler, Mish, Aversion, Imperatorz, Sefa, The Prophet, Rebelion, Isaac también estuvieron presentes en el evento para verlo y es que en esta escena me atrevería a decir que muy, muy pocos artistas tendrían ese poder de convocatoria que tienen D-Block & S-te-Fan y es que cuando eres leyenda y eres de esos que en vez de seguir y copiar tendencias, las creas, estas son las cosas que pasan.
Sin duda un evento único a cargo de REBiRTH Events que se recordará como de los mejores de la historia del hardstyle y, personalmente, me atrevería a decir que el mejor. Puede que esté un poco sugestionado ya que soy fan de ellos desde hace muchísimo tiempo, pero repito, reunir a 15.000 personas de distintas generaciones solo para ver a un artista, es algo que está al alcance de muy, muy pocos y D-Block & S-te-Fan lo consiguieron con creces.
Seremos un poco más mayores, pero estaremos al pie del cañón para celebrar cualquier otro aniversario de estos dos titanes. Ah, permaneced atentos a Vicious Magazine porque parece ser que REBiRTH Events subirán las sesiones de la noche y en cuanto estén las pondremos por aquí para que podáis disfrutarlas todas la veces que queráis. ¡Nos vemos en la próxima!
INDIRA PAGANOTTO
DESPUÉS DE UN VERANO INOLVIDABLE EN HÏ IBIZA Y AÚN IMPULSADA POR LA ENERGÍA DE HABER GANADO EL PREMIO A MEJOR ARTISTA NACIONAL EN LOS VICIOUS MUSIC AWARDS, INDIRA PAGANOTTO ENTRA EN UNA NUEVA ETAPA DE SU CARRERA CON UNA CREATIVIDAD IMPARABLE. SU ÚLTIMO ÁLBUM NO SOLO MARCA UNA EVOLUCIÓN SONORA EVIDENTE, SINO QUE TAMBIÉN OFRECE UN REFLEJO MÁS PROFUNDO DE QUIÉN ES ELLA —TANTO SOBRE EL ESCENARIO COMO EN EL ESTUDIO—.
A MEDIDA QUE SE PREPARA PARA SU PRÓXIMA APARICIÓN EN ARTCORE 2026, HABLAMOS CON INDIRA SOBRE SU PROCESO CREATIVO, LAS LECCIONES APRENDIDAS EN LAS PISTAS DE IBIZA Y LO QUE REALMENTE SIGNIFICA CRECER COMO ARTISTA EN UNA ESCENA ELECTRÓNICA QUE NO DEJA DE EVOLUCIONAR.
Sobre tu álbum y tu proceso creativo
Tu nuevo álbum muestra una clara evolución sonora. ¿Cuál fue tu intención creativa principal al crearlo?
La intención detrás de este álbum es mostrar mi vida a través de la música. Es una colección de temas que he tenido durante 14 años, desde que empecé a producir. Creo que había unos 300 en total. Los revisé, los actualicé y elegí aquellos que sentía que representaban un año o un momento de mi vida y que contaban mi historia lo mejor posible. Mi vida ha sido un viaje, y quería que el álbum transmitiera eso al oyente.
¿Hubo alguna colaboración en el disco que te sorprendiera o que aportara algo inesperado al resultado final?
La colaboración principal fue con Nile Rodgers. No fue una sorpresa, pero sí algo muy especial. Nos conocimos en Nueva York y conectamos a todos los niveles, así que cuando pasamos tiempo juntos en su casa, quedó claro que compartíamos la misma pasión y visión por la música. Él añadió elementos en el tema principal que yo misma no habría hecho, así que, en cierto modo, fue inesperado. Pero funciona increíblemente bien y le da un sello muy característico de ‘Nile’ al track final. Estoy muy orgullosa de este.
Durante la producción, ¿hubo algún track o momento que te desafiara especialmente y que ahora veas como un logro personal?
No hubo un reto en el sentido de tener que superar algo, pero revisarlos, editarlos y decidir qué temas transmitían mejor mis emociones fue un trabajo duro. Tenía mucho material y necesitaba elegir aquellos que fueran más importantes y significativos para mí en cada etapa de mi vida.
Residencia en Hï Ibiza y verano 2025
Hï Ibiza es uno de los escenarios más icónicos del mundo. ¿Cómo describirías tu experiencia durante tu residencia este verano?
Si tuviera que usar una palabra, sería épico. Pero realmente fue un año muy especial, y siento que el equipo de Hï Ibiza entendió perfectamente lo que quería llevar a la isla este año, especialmente con el estilo opulento de la club room. Poder crear mis propios line-ups e invitar a artistas que admiro y que me apasionan es algo que siempre he disfrutado, y este año fue especialmente mágico con tantos artistas increíbles actuando con nosotros.
¿Hubo algún momento concreto de tu temporada en Ibiza que consideres un punto de inflexión en tu carrera?
Cada viernes sentía que habíamos creado una familia real, un vínculo con el equipo y con todos los involucrados. Ser reconocida por presentar un line-up tan diverso y algo novedoso para el club fue también increíblemente gratificante e importante para mi carrera. Yo decía que “cada viernes es nuestro templo”: 14 viernes de verano en los que compartimos, reímos, tocamos juntos y creamos un lugar verdaderamente especial para bailar y sanar nuestras almas como uno solo.
La conexión con el público en Ibiza es única. ¿Qué aprendiste de la pista que te haya moldeado como artista?
Aprendí que siempre puedes exigirte más con tu sonido y con lo que pinchas, buscar tracks y artistas nuevos y apostar por ellos en tus propios eventos. Es bonito poder sorprender al público, porque a veces siento que llegan con una idea preestablecida de lo que van a escuchar… y de vez en cuando está bien sacudir un poco esas expectativas.
ARTCORE 2026 y proyectos futuros
¿Qué podemos esperar de tu participación en ARTCORE 2026? ¿Alguna sorpresa que puedas adelantar?
Mi implicación con el sello siempre ha sido muy directa, y eso no va a cambiar. Me encanta descubrir nuevos artistas y tenemos demos increíbles; estamos trabajando para lanzar nuevos nombres a la escena en los próximos 12 meses. Este año lanzamos nuestra nueva serie de publicaciones llamada DUO, que consiste en emparejar artistas talentosos que se complementan en un mismo release, aunque no sea una colaboración como tal, y nos encanta el formato.
¿Cómo afrontas un proyecto a largo plazo como ARTCORE, tanto de forma creativa como en la construcción de una conexión duradera con tu audiencia?
Siempre queremos traer nuevos artistas, ser creativos con nuestros lanzamientos experimentando con nuevos sonidos y estilos, manteniéndolo underground pero divertido y contemporáneo. A mí siempre me gusta conservar ese toque melancólico. Nuestra audiencia sabe lo que hacemos, y les gusta lo que hacemos por una razón.
De cara a 2026, ¿hay algún estilo, concepto o idea que te gustaría explorar y que aún no hayas tocado en tu música?
Quizá aventurarme en sonidos diferentes, pero somos conocidos por crear un sonido que realmente ningún otro sello está haciendo ahora mismo. No es psy-trance, no es techno lineal ni techno duro: el equilibrio entre ambos es muy importante, y por eso nuestro sonido “psy-techno” conecta con tanta gente. Así que, de cara al futuro, queremos dar aún más visibilidad al género en el que trabajamos, crecer más que nunca y animar a nuestros artistas a experimentar con su sonido en todos nuestros lanzamientos.
Después de los Vicious Awards y su impacto
Ganar el premio a Mejor Artista Nacional en los Vicious Music Awards es un hito enorme. ¿Qué significa para ti este reconocimiento?
Es algo muy grande para mí. Como artista que creció en Madrid —donde viví 13 años y donde empecé a pinchar y a construir mi carrera—, este premio me toca mucho. Conocía Vicious Magazine desde hace muchos años, y de hecho hice mi primer stream con vosotros cuando era prácticamente una niña, con 20 años. Así que ahora recibir el premio a Mejor Artista Nacional… wow, es un honor increíble.
¿Qué mensaje o inspiración te gustaría compartir con la escena electrónica emergente en España tras recibir este premio?
Yo tenía sueños grandes; mucha gente se rió de ellos, y algunos se siguen riendo ahora. Siempre habrá haters y personas que te digan que no va a funcionar y que tienes que ser más realista. Pero si no tienes sueños, no tienes nada hacia lo que trabajar, y en el desafío es donde fallas, aprendes y vuelves a intentarlo una y otra vez. Trabajé muy duro durante mucho tiempo, y sentir que eso ahora se reconoce es una sensación muy especial.
Personal / detrás de escena
Si tuvieras que resumir tu 2025 en tres palabras, ¿cuáles serían —y por qué?
Loco, sin dormir, gratificante.
VICIOUS MUSIC AWARDS 2025 BY INGRESSE
UNA NOCHE PARA RECORDAR EN LOS PREMIOS NACIONALES DE ELECTRÓNICA 2025
Madrid volvió a vibrar anoche con su latido más clubber. El Teatro Kapital, convertido por un día en un pequeño santuario de luces cálidas y alfombra roja, recibió a una escena electrónica que llegaba con ganas de celebrar, reencontrarse y, sobre todo, reconocerse. Desde primera hora se notaba en el ambiente que no era una gala más: había expectación, energía, abrazos que llevaban meses pendientes y una sensación colectiva de que 2025 quedará marcado como uno de esos años que lo cambian todo.
La cola para entrar formaba un mosaico perfecto de lo que hoy es la electrónica nacional: veteranos con décadas de cabina, talentos jóvenes con una presencia arrolladora, promotores, productores, bailarines, fotógrafos, periodistas… una comunidad diversa que, por una noche, dejaba atrás rutinas de club, festivales y estudios para compartir el mismo techo y el mismo foco. Dentro, el Teatro Kapital brillaba distinto. La iluminación jugaba con tonos rojos y magentas que daban al espacio un aire elegante pero no solemne, como si quisiera decir: “Sí, somos celebración, pero también somos cultura”.
En el escenario, hubo momentos de emoción contenida, otros de pura euforia, y, a ratos, ese silencio respetuoso que sólo se escucha cuando la gente siente que está presenciando algo importante.
Uno de los instantes más celebrados fue el reconocimiento a la creciente presencia femenina en cabina. Las ovaciones, largas y sentidas, demostraron que el público no sólo aprecia el talento de las artistas, sino que también reconoce el camino que han abierto. Fue un momento cargado de significado, de estos que se recordarán cuando se hable de cómo cambió la escena de aquí a unos años.
Lo verdaderamente emocionante fue lo que no se pudo medir: la conversación entre generaciones, el respeto mutuo, la sensación de que algo grande está pasando en la electrónica española. 2025 se siente como el año en el que clubes, artistas y público han encontrado la misma dirección. Un año de expansión, de confianza y de identidad renovada. La gala terminó bailando, abrazándose, dejando que la música hiciera de cierre lo que las palabras ya no podían expresar. Afuera, Madrid seguía despierta. Y mientras la gente se dispersaba por la calle Atocha, quedaba flotando la sensación de que la escena electrónica nacional está viviendo su mejor momento… y que lo mejor, definitivamente, está por venir.
MEJOR ARTISTA NACIONAL: INDIRA
PAGANOTTO
Indira Paganotto no necesitó subir al escenario para dominar la noche: su nombre circulaba por todas las conversaciones tras un año en el que ha pasado por Coachella, ha cerrado Monegros, ha encadenado una residencia extensa en Hï Ibiza y ha seguido afianzando el universo ARTCORE mientras prepara Arte Como Amante, su debut previsto para 2026, del que ya adelantó un primer single junto a Nile Rodgers que confirma en qué liga quiere competir la electrónica española.
MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL: JOSEPH CAPRIATI
Joseph Capriati representa un techno de vieja escuela que entiende la cabina como un ejercicio de entrega y disciplina, no como un escaparate, y en 2025 lo ha demostrado con una temporada especialmente sólida marcada por su residencia en UNVRS, sus maratones en Ibiza y una gira que ha llevado su groove oscuro desde Caserta hasta los templos globales del género sin renunciar ni un ápice a su identidad, agradeciendo a España no solo la pista, sino una complicidad estética que ha acompañado toda su evolución.
MEJOR PRODUCTOR: ANDRÉS CAMPO
Andrés Campo vio reconocida su labor en el estudio con el premio a Mejor Productor, una forma de premiar no solo lo que pasa en cabina, sino la ingeniería sonora tras el éxito de muchas noches, esa producción pulida y profesional que sustenta a la escena techno nacional y permite que su sonido trascienda fronteras.
MEJOR ARTISTA REVELACIÓN: BRENDA SERNA
Brenda Serna aterriza como revelación tras un 2025 en el que ha sumado citas importantes como su confirmación en el cartel de Weekend Beach Festival, su actuación en clubes como Pandora Sevilla con sesiones “All Night Long” y su inclusión en el line‑up de Medusa Festival, un conjunto de oportunidades que le han permitido posicionarse como una de las figuras emergentes más activas del hard techno español sin necesidad de apellidos ni herencias.
MEJOR BEACH CLUB: USHUAÏA IBIZA
Ushuaïa Ibiza lleva más de una década convirtiendo el día en prime time emocional, y en 2025 lo ha reforzado con una temporada marcada por residencias de gran impacto como las de Calvin Harris, Martin Garrix celebrando su décimo año en la isla o ANTS manteniendo su pulso underground, un cartel que ha devuelto al beach club esa mezcla de espectáculo, sol y electrónica de gran formato que lo ha convertido en icono global, demostrando que aquí los artistas no vienen solo a pinchar, sino a explicar cómo se vive un show al aire libre en Ibiza.
MEJOR CLUB (-500 PERSONAS): SALA COSMOS
Sala Cosmos se lleva el premio en un 2025 donde su programación ha seguido atrayendo a nombres clave del underground nacional, desde sesiones de hard techno a noches dedicadas al drum & bass y al trance, manteniendo una curaduría que la ha convertido en refugio creativo para artistas y público en pleno Nervión, demostrando que la vanguardia no necesita grandes aforos, solo una pista pequeña donde cada noche se siente como una declaración de principios.
MEJOR CLUB (+500 PERSONAS): FABRIK
Fabrik consolida su premio en 2025 tras un año en el que ha combinado eventos emblemáticos como Nexus Festival, con múltiples escenarios y más de 70 djs internacionales, las fiestas CODE, que continúan su tradición para los amantes del techno o La Resistencia, entre otras, junto con sus sesiones “all night long” y programación regular de techno, hard y más. Este conjunto de propuestas demuestra que FABRIK puede seguir siendo relevante y exigente, ofreciendo tanto eventos masivos como experiencias más íntimas y especializadas, consolidando su posición como epicentro
MEJOR CLUB NACIONAL E INTERNACIONAL: UNVRS
UNVRS se alza con los premios a Mejor Club Nacional y Mejor Club Internacional gracias a su impacto más allá de España y a su capacidad para situarse en el mapa global de la escena electrónica. Su propuesta apuesta por una visión futurista del clubbing: una arquitectura inmersiva, un diseño lumínico que transforma cada sala en un universo distinto y un sonido calibrado al detalle para ofrecer experiencias de nivel internacional.
MEJOR FIESTA: CODE
Brenda Serna aterriza como revelación tras un 2025 en el que ha sumado citas importantes como su confirmación en el cartel de Weekend Beach Festival, su actuación en clubes como Pandora Sevilla con sesiones “All Night Long” y su inclusión en el line‑up de Medusa Festival, un conjunto de oportunidades que le han permitido posicionarse como una de las figuras emergentes más activas del hard techno español sin necesidad de apellidos ni herencias.
MEJOR FESTIVAL: MEDUSA FESTIVAL
Medusa Festival ha aprendido a hacer de la desmesura una herramienta narrativa: cifras de vértigo, escenografías temáticas como Arcade Land y un despliegue de escenarios que convierten Cullera en una ciudad efímera donde el mainstream, techno, hardstyle, hardcore y más, conviven sin complejos, consolidando al Mediterráneo como uno de los epicentros europeos de la cultura rave contemporánea.
MEJOR FIESTA HOUSE: BEDOUIN SAGA
Bedouin Saga ha sido la gran experiencia house del verano en Ibiza. Su sonido envolvente, su estética mística y la manera en que transforma la sala cada semana la han puesto por encima del resto.
MEJOR FIESTA TECH HOUSE: PARADISE
Paradise ha vivido una temporada espectacular. Su atmósfera, su ritmo trepidante y la personalidad de Jamie Jones han convertido cada noche en un fiestón absoluto. Un tech house alegre, poderoso y con un público totalmente entregado..
MEJOR FIESTA TECHNO: PYRAMID
Pyramid se ha consolidado como el gran templo del techno en Ibiza. Potencia, oscuridad, líneas sonoras contundentes y una producción que envuelve. Cada noche es una declaración de amor al techno en su forma más pura.
MEJOR FIESTA IBIZA: CARL COX [UNVRS]
UNVRS ha sido uno de los proyectos más impactantes de Ibiza este año. Carl Cox mezcla tecnología, energía y una narrativa musical muy potente que conecta de lleno con el público. Una fiesta que ha marcado la temporada.
MEJOR FIESTA INMERSIVA: elrow
elrow es una de las marcas de fiesta más reconocidas del mundo, famosa por su enfoque inmersivo y desenfadado. Combina música electrónica con escenografías temáticas, performances, disfraces, confeti y una energía única que convierte cada evento en un espectáculo interactivo y vibrante..
MEJOR LIVE: AEREA
Paradise ha vivido una temporada espectacular. Su atmósfera, su ritmo trepidante y la personalidad de Jamie Jones han convertido cada noche en un fiestón absoluto. Un tech house alegre, poderoso y con un público totalmente entregado..
MEJOR SELLO:
elrow MUSIC
elRow Music se lleva el premio a Mejor Sello gracias a su proyección internacional y a un catálogo que combina energía, frescura y una identidad sonora inconfundible. El sello ha logrado posicionarse como un referente dentro del tech house global, apoyando tanto a talentos emergentes como a artistas consolidados, y manteniendo una línea editorial coherente y dinámica que conecta directamente con la pista de baile.
MEJOR FESTIVAL DE PORTUGAL: SONAR
LISBOA
Sonar Lisboa se corona como ganador de la categoría Mejor Festival de Portugal gracias a su propuesta innovadora que combina música electrónica, creatividad digital y arte contemporáneo. El festival destaca por ofrecer una experiencia integral, donde artistas de renombre internacional conviven con talento emergente, y por su capacidad para transformar Lisboa en un epicentro de cultura electrónica.
MEJOR FOTÓGRAFO: ADRIÁN
FOND
Adrián Fond se alza como ganador de la categoría Mejor Fotógrafo gracias a su mirada única y su capacidad para capturar la esencia de la música electrónica y los eventos en imágenes que transmiten energía, emoción y autenticidad. Su trabajo combina técnica, creatividad y sensibilidad artística, convirtiéndolo en un referente dentro del sector.
MEJOR ARTISTA VISUAL: CRUZLIGHTING
Cruzlighting se ha consolidado como el referente absoluto. Su capacidad para transformar cualquier escenario en una experiencia inmersiva, su sincronización perfecta y un estilo que eleva al máximo cada fiesta. Su trabajo marca la diferencia y eso le ha llevado a ser el ganador del VMA2025.
MEJOR TRACK X BEATPORT: AUSTIN ATO
I SEE YOU BABY FEAT. GRAMMA FUNK
Austin Ato ha dado nueva vida a un clásico con un enfoque moderno, explosivo y muy efectivo en la pista. Un tema que conecta generaciones y sigue funcionando como un imán en el dancefloor.
ARTISTA REVELACIÓN X BEATPORT: BASTIAN BUX
Bastian Bux ha tenido un año imparable. Producciones sólidas, un sonido personalísimo y un crecimiento internacional enorme lo han colocado como el talento emergente más fuerte de 2025. Ha demostrado versatilidad, estilo y la capacidad de firmar tracks que conectan de inmediato con la pista.
ARTISTA TOP VENTAS NACIONAL: CRUSY
Crusy se alza como el artista nacional con mayores ventas del año, destacando por sus lanzamientos exitosos y su gran conexión con el público en España. Su capacidad de creatividad le asegura un lugar destacado en la escena electrónica nacional e internacional.
ARTISTA TOP VENTAS PORTUGAL: BUBBA BROTHERS
Paradise ha vivido una temporada espectacular. Su atmósfera, su ritmo trepidante y la personalidad de Jamie Jones han convertido cada noche en un fiestón absoluto. Un tech house alegre, poderoso y con un público totalmente entregado..
MEJOR EVENTO GLOBAL: BLACKWORKS
Blackworks recibe el premio a Mejor Evento Global por su capacidad de organizar experiencias electrónicas de alto nivel que trascienden fronteras, consolidando su reputación como referente internacional en el Hard Techno.
PREMIO AL COMPROMISO CON LA INDUSTRIA MUSICAL: MUSIC BUSINESS ACADEMY
Music Business Academy es reconocido por su dedicación y aporte constante al desarrollo de la industria musical, formando profesionales, apoyando artistas y fomentando la profesionalización del sector.
PREMIO HONORÍFICO: TEATRO KAPITAL
Teatro Kapital recibe un premio honorífico por su trayectoria histórica, un espacio emblemático que ha impulsado la música, los artistas y la experiencia de clubbing en España tras 30 años
MEJOR PRODUCTO TECNOLÓGICO: ALPHATHETA –CDJ-3000X
El CDJ 3000X de AlphaTheta ha sido el gran protagonista tecnológico del año. Un reproductor más potente, más estable y con prestaciones que elevan el estándar de la industria. Fluidez absoluta, nueva potencia de procesamiento y una experiencia de uso que ha conquistado a DJs de todos los niveles. Un producto que marca claramente el camino del futuro en las cabinas.
YES TO ALL
LA ALIANZA QUE NACIÓ SIN BUSCARSE Y TERMINÓ DEFINIENDO UN NUEVO
LENGUAJE CLUB
No estaban pensando en formar un dúo, pero aquella gira por India cambió la trayectoria de ambos. Lo que comenzó como dos artistas compartiendo cabina se transformó en una sincronía creativa poco común. En esas conversaciones post-show —entre la energía del público y la necesidad de evolucionar— surgió una visión que ya no pertenecía al tour, sino a un proyecto propio. Así nació YES TO ALL, la unión natural de dos universos con décadas de bagaje, una estética compartida y un enfoque que ahora expande su identidad a través de sus primeras referencias y del sello que lleva su nombre.
Texto: Vicious Magazine
La decisión de uniros llega después de más de tres décadas de carrera individual para cada uno. ¿Cómo fue ese momento exacto —durante la gira por India— en el que sentisteis que había algo más que química musical?
Después de tantos años de carreras individuales, ninguno buscaba formar un dúo. Pero durante la gira por India ocurrió algo que fue más allá de la química habitual: una sincronía intuitiva y una fluidez creativa que pocas veces aparece. El punto de inflexión llegó una tarde, tras un show, comentando la energía del público, lo que habíamos sentido en cabina y hacia dónde queríamos evolucionar. Ahí entendimos que proyectábamos exactamente lo mismo. Esa conexión ya no pertenecía al tour; tenía la madurez suficiente para convertirse en algo propio. A partir de ahí todo se alineó de forma natural: darle un nombre, una dirección estética, un sello y una visión común fue la consecuencia lógica de algo que ya estaba pasando.
YES TO ALL se define por un sonido maduro, inteligente y de primera clase. En el proceso creativo, ¿trabajáis juntos físicamente en estudio o preferís un flujo más modular? ¿Qué papel juega la experiencia acumulada de Beatfreak y Mumbai Records?
Nuestro proceso creativo es híbrido, y ahí está una de las claves del sonido de YES TO ALL. Cuando estamos en el mismo lugar, trabajamos físicamente en el estudio, donde surge la parte más intuitiva: probar ideas sin filtro, grabar texturas y ajustar detalles al vuelo. Esa energía presencial es difícil de reproducir. Pero también aprovechamos un flujo modular cuando la agenda lo pide, pasándonos stems, capas, secuencias y sketches para que cada uno aporte desde su perspectiva. Ese intercambio mantiene la frescura del proyecto, porque cada tema pasa por dos procesos mentales antes de cerrarse.
La experiencia acumulada de Beatfreak y Mumbai Records juega un papel enorme. Llevamos décadas entendiendo cómo funciona un sello, cómo se construye identidad sonora y cómo se desarrollan artistas. Esa madurez se nota tanto en la producción como en la toma de decisiones: sabemos cuándo una idea necesita espacio, cuándo hay que arriesgar y cuándo dejar que la música hable. Al final, YES TO ALL es justamente eso: la suma de dos universos con historia, puestos al servicio de una visión en común.
Ya habéis publicado dos referencias: “Preludio” y ahora YTA002. ¿En qué punto estas dos releases marcan la identidad real de YES TO ALL? ¿Qué elementos son vuestro “lenguaje común” y cuáles siguen evolucionando hacia una posible tercera referencia?
Para nosotros, estas dos primeras referencias son más que un arranque: son una declaración de intenciones. “Preludio” fue el punto cero, la forma de presentar el ADN emocional y melódico de YES TO ALL, y el remix de Denis Horvat ayudó a situar el proyecto en un espacio donde la sofisticación y la contundencia conviven sin competir. Con YTA002 dimos un paso más: “Aria” y “Motif” muestran dos caras de nuestro universo — una más evocadora y otra más rítmica— mientras que la reinterpretación de Germán Brigante aporta esa visión externa que confirma que nuestro sonido tiene identidad propia.
Nuestro “lenguaje común” se reconoce en varios elementos: la arquitectura melódica, el uso de texturas cinematográficas, el trabajo cuidadoso de la armonía y una intención clara de hacer música que funcione en club sin renunciar a la emoción. Esa combinación es la columna vertebral del proyecto. Lo que sigue evolucionando —y probablemente marcará la tercera referencia— es el nivel de riesgo. Estamos explorando estructuras menos previsibles, nuevos timbres y un
enfoque más experimental en los grooves sin perder elegancia. Todavía estamos descubriendo el alcance real de YES TO ALL, y esa búsqueda nos mantiene avanzando.
El proyecto nace también como sello discográfico. ¿YES TO ALL Records será exclusivamente el hogar de vuestras producciones, o tenéis previsto abrir espacio a otros artistas que encajen con vuestra estética?
YES TO ALL Records nace como el espacio natural para nuestra música, pero no como territorio exclusivo. La idea es construir un hogar con una identidad muy clara —emocional, club, cinematográfica— y, cuando encontremos artistas que compartan esa sensibilidad y puedan aportar algo auténtico, las puertas estarán abiertas. No buscamos volumen ni llenar un calendario: buscamos voces con personalidad, productores capaces de transmitir intención más allá del ritmo. El criterio será siempre la coherencia artística y la capacidad de sumar a una estética que estamos construyendo paso a paso.
Más allá del estudio, ¿podremos ver a YES TO ALL en directo? ¿Qué diferencia traerá esta unión a vuestras actuaciones frente a vuestros sets individuales?
YES TO ALL tendrá presencia en cabina y posiblemente en formato live más adelante. Por ahora, la prioridad es presentar las dos primeras referencias en DJ sets que reflejen esta nueva identidad sonora, con una narrativa distinta a la de nuestras trayectorias individuales. Estamos cerrando algunas fechas —todavía no todas anunciables— pero la intención es clara: llevar el sonido a escenarios donde la propuesta pueda respirarse y vivirse como un viaje.
La principal diferencia frente a nuestros sets en solitario es la simbiosis. No es un back-to-back tradicional; es un diálogo constante, una construcción conjunta donde cada decisión está al servicio de una visión común. Esa energía compartida es lo que realmente define esta nueva etapa.
Vuestras raíces son distintas. ¿Cómo gestionáis esa dualidad para que el resultado suene a YES TO ALL y no a una simple suma de estilos personales? ¿Hubo algún momento que os hiciera decir “este es nuestro sonido”?
La dualidad es el motor de YES TO ALL. Venimos de lugares distintos: Alex con una sensibilidad melódica y emocional muy marcada, y D-Formation con una estructura más precisa, progresiva y orientada al club. Lo importante no es suavizar esa diferencia, sino canalizarla. En el estudio trabajamos desde una premisa sencilla: ninguna decisión estética se toma pensando en “lo mío” o “lo tuyo”, sino en lo que sirve al universo YES TO ALL. A nivel técnico, eso se traduce en procesos muy conscientes: seleccionar sintetizadores con carácter pero maleables, buscar paletas armónicas que transmitan emoción sin caer en lo obvio y diseñar grooves funcionales pero con narrativa. Cada uno trae sus fortalezas, pero las pasamos por un filtro común donde lo que pesa es la intención, no el ego. Hubo un momento clave: una sesión en la que estábamos trabajando varios sketches y surgió una línea melódica sobre un groove depurado. Nos miramos y dijimos: “Esto es”. Ese equilibrio entre emoción y precisión — entre el detalle fino y la profundidad atmosférica— fue la primera vez que sentimos que YES TO ALL tenía identidad propia. Desde entonces, ese ha sido el faro que guía todas nuestras decisiones.
JP CANDELA
Inicios y evolución
JP, tu carrera comenzó hace ya unos cuantos años. ¿Cómo recuerdas tus primeros pasos como DJ y productor, y qué momento sientes que marcó un antes y un después en tu trayectoria?
Los primeros pasos, como todo en la vida, fueron difíciles. Con mucha ilusión, por supuesto, pero en ese momento era complicado llegar a salas importantes, especialmente a salas de noche. Siempre intento transmitir que el esfuerzo, la constancia y un poco de suerte te permiten ir alcanzando las metas que te propones. En cuanto a un momento clave, creo que no hay uno solo. Muchos momentos van marcando una carrera, y todos son importantes. Pero quizá la sucesión de varios de ellos me llevó al que realmente cambió mi vida como DJ: entrar en Pacha Ibiza como DJ de la marca, algo que a su vez me llevó a trabajar con David Guetta.
Has pasado por muchas etapas musicales. ¿Qué artistas o escenas te influenciaron más en tus comienzos y cómo ha evolucionado tu sonido hasta hoy?
Es cierto que he pasado por distintos momentos musicales en mi carrera. A veces porque maduras tu sonido, y otras porque las circunstancias lo requieren. Pero en todos los casos ha sido enriquecedor. Me ha dado más cultura musical y me ha ayudado a crear un sonido más personal.
Al principio estaba muy influenciado por artistas de la escena techno de finales de los 80 y principios de los 90 como Time Modem, Konzept, Robotiko Rejekto, Umo Detic o Klangwerk; por el movimiento EBM con artistas como Front 242 o Nitzer Ebb; y por grupos de la escena New Romantics, New Wave y Synth Pop como The Human League, Culture Club, Yazoo, Alphaville, Erasure, The Cure, Depeche Mode, así como bandas de rock gótico como The Cult o Sisters of Mercy. Y por supuesto, New Order y Kraftwerk.
A mediados de los 90 empecé a interesarme por el house de Chicago con artistas como Frankie Knuckles, Inner City, Robert Owens, Joe Smooth, y más adelante Kerri Chandler, Joe Claussell o Jerome Sydenham, lo que suavizó un poco mi estilo hacia un sonido más groove.
En los 2000 me influenciaron artistas como Mathew Jonson, Röyksopp, Tiga, y en la línea progressive house, desde Hernán Cattaneo o Nick Warren hasta Eric Prydz. También disfruto artistas como Luciano o Jamie Jones. Siempre he sido muy abierto de mente y me ha gustado escuchar diferentes géneros dentro de la electrónica. Creo que eso me ha ayudado a desarrollar sesiones más eclécticas que mezclan distintos sonidos.
En este momento mi sonido va del house al indie dance, con toques melodic house y afro melodic.
En una industria que cambia tan rápido, ¿cuál dirías que ha sido la clave para mantenerte relevante durante tanto tiempo?
La constancia y el trabajo diario. No asustarte por cambiar tu estilo musical por el “qué dirán”, porque forma parte de tu crecimiento. La carrera de un artista tiene momentos arriba y momentos abajo, y no puedes desesperarte. Tienes que seguir trabajando, haciendo música, creyendo en tu proyecto y relacionándote activamente con la industria: artistas, promotores, dueños de clubs…
Ibiza y la escena internacional
Has sido uno de los pocos DJs nacionales con presencia semanal en los principales clubs de Ibiza. ¿Qué ha significado la isla para ti a nivel profesional y personal?
Ibiza me ha dado muchísimo. Tocar semanalmente durante más de 15 años en clubs como Space, Pacha o Hï es una plataforma increíble para que mucha gente vea tu trabajo y muchos promotores se fijen en ti. Estoy muy agradecido por la oportunidad y por la confianza que depositaron en mí tanto los directores como artistas como David Guetta.
¿Qué diferencias notas entre la Ibiza de tus primeros veranos y la actual?
Creo que es una mezcla entre los cambios naturales del mundo y la visión personal de cada etapa que has vivido. Para mí, la Ibiza de hace 25 años era sinónimo de libertad total, pero seguramente las nuevas generaciones también lo sienten así.
Es cierto que a veces puede resultar cara, pero no creo que sea culpa de los clubs, sino del conjunto de factores que rodean el verano en Ibiza: alojamientos, vuelos, competencia… Todo eso hace que los precios suban. Sería ideal equilibrarlo para que fuera más accesible y la gente pudiera disfrutar más días de la isla.
¿Tienes alguna anécdota o momento inolvidable de esas noches interminables?
Muchos, pero quizá no todos se puedan contar (risas). Mis primeros We Love Sundays en Space darían para escribir un libro de anécdotas locas, y mis primeras visitas a DC10, con la típica pérdida del avión de vuelta a casa…
Nueva residencia en Lula Club, Madrid
El año pasado llegaste a Lula Club Madrid con un sonido más maduro: melodic house, indie dance, house y afro melodic. ¿Qué te llevó a explorar esta nueva línea sonora?
Como decía antes, a lo largo de la carrera vas escuchando nuevos estilos y te identificas con ellos porque te recuerdan a sonidos que llevas dentro desde hace tiempo. Ahora mismo hay sellos relativamente nuevos como Magnifik o Maccabique conectan mucho conmigo y con el momento musical que estoy viviendo.
¿Cómo ha sido la respuesta del público madrileño ante esta propuesta más sofisticada?
Muy buena. Estoy muy agradecido tanto por la respuesta de la gente que me conoce desde hace años como de las nuevas generaciones. Tenía muchas ganas de volver a mi ciudad y mostrar mi nuevo sonido, y la experiencia ha sido maravillosa.
¿Qué representa Lula Club en tu trayectoria, comparado con la experiencia de Ibiza?
Lula Club me ha permitido volver a mis orígenes, a la escena club, donde puedes desarrollar sesiones en las que no se trata de poner hits, sino de contar una historia que puede durar dos o tres horas. Es muy bonito ver que la gente se queda hasta el final y disfruta de ese viaje. Comparar Lula con Ibiza no sería justo: son etapas diferentes, ambas maravillosas.
ĀMA MUSIC — Nuevo sello y concepto de fiesta
Háblanos de ĀMA MUSIC. ¿Cómo nace la idea de crear tu propio sello y fiesta?
Creo sinceramente que una de las cosas más importantes para un artista electrónico es crear su propio sello y su propia fiesta. Es la forma más clara de mostrar tu música, manejar tu proyecto y apoyar tu concepto con eventos propios donde muestras tu visión y la de los artistas de tu label. Es un paso fundamental en la industria actual.
¿Veremos una estética o sonido característico en los lanzamientos del sello?
Sí. El sello abarca desde el afro melodic al indie dance y el melodic house. No es un solo estilo, sino una fusión de los sonidos que actualmente toco en mis sesiones. Lo bonito de tener tu propio sello es nutrir tus sesiones con tus propias producciones.
Acabas de iniciar un tour internacional con ĀMA. ¿Qué podemos esperar?
Estoy muy ilusionado. Es un trabajo que va poco a poco, pero ya hemos hecho eventos en Madrid y México, y ahora iremos a Valencia y a un tour por India. También estamos trabajando propuestas para París, Casablanca y otras ciudades que anunciaremos muy pronto.
Colaboraciones, remixes y trabajo con Guetta
Trabajaste más de 12 años junto a David Guetta. ¿Cómo fue esa experiencia y qué aprendizajes te dejó?
Seguramente la experiencia más importante a nivel de crecimiento personal que he tenido. Fue maravilloso: aprendí muchísimo sobre la industria, sobre el desarrollo de una sesión y, sobre todo, a creer en tu producto y saber desarrollarlo.
Hace poco comenté en un podcast que es lógico tener figuras como referencia, pero deben ser eso: referencias. Llegar a ser un artista top depende de muchos factores, algunos que ni siquiera puedes controlar. Lo importante es crear tu personaje y mantenerlo en el tiempo. No centrarte en la fama, sino en hacer de tu sueño tu forma de vida. Eso es lo que te da la felicidad. Y eso lo aprendí gracias a trabajar con David Guetta. Has hecho remixes para artistas como Guetta o Sia, y has lanzado en sellos como Armada. ¿Qué puedes contarnos sobre tu último remix para Armada, lanzado en septiembre?
Era un remix que me hacía muchísima ilusión porque es un cover de una de mis canciones favoritas del house: “Wish I Didn’t Miss You” de Angie Stone. Ha sido apoyado por artistas como Joris Voorn, Tiësto o Armin Van Buuren, y estoy súper agradecido y contento.
¿Qué diferencia tu enfoque al remezclar un tema frente a producir un track original?
Son trabajos distintos. En un track original tienes una idea clara desde el principio. En un remix, aunque mantengo mi estilo, dejo más espacio a la improvisación y busco que sea muy diferente del original. Es mi percepción personal.
Anécdotas y visión de futuro
Después de tantos años de carrera, ¿hay alguna anécdota detrás de cabina que nunca olvidarás?
Una de las más impactantes fue tocar con Frankie Knuckles en Madrid. Para mí era como tocar con los Rolling Stones. Estaba súper nervioso. Fui con un amigo a recogerlo al aeropuerto y estaba tan colapsado que casi no podía hablar. Más tarde nos llamó para tomar algo en su hotel antes de la actuación y el trato fue increíble: lleno de humanidad y cariño. Fue una experiencia inolvidable poder charlar de música con un genio al que tanto admiraba.
¿Cómo ves la evolución de la música electrónica en España? ¿Crees que los artistas nacionales tienen ahora más visibilidad internacional?
Creo que la escena española siempre ha sido de las más importantes del mundo, pero ahora está recibiendo más apoyo en nuestro propio país, que era algo pendiente. Durante años, muchos artistas españoles eran más valorados fuera que dentro, pero poco a poco eso está cambiando y nos está haciendo más fuertes. Hoy tenemos artistas fundamentales en muchos géneros a nivel global.
Si tuvieras que definir el sonido JP Candela de 2025 en tres palabras, ¿cuáles serían?
Ecléctico, divertido, personal.
¿Qué te ilusiona más de lo que viene próximamente?
El sello, el tour del sello y todo lo que venga. Hay que ser agradecido por poder dedicarte a lo que te gusta.
Es complicado para cualquier artista llegar a ser considerado una leyenda. Son muchos los factores que se tienen que dar y la mayoría no están al alcance de los simples mortales. Por eso, cuando un artista logra ese reconocimiento, es que ha tenido que sobrepasar ciertos límites, tanto en su obra como en su vida personal. DJ Karpin es una leyenda, porque musicalmente ha alcanzado un nivel superior y personalmente ha transitado por sendas por las que muy pocos se han atrevido a pasar.
Muchas gracias por esta entrevista, ¿cómo ha sido profesionalmente este 2025 que está a punto de terminar?
No hay por que darlas, pues creo que este 2025 ha sido inmejorable musicalmente hablando, bolos a reventar, lugares muy variopintos, y grandes festivales de renombre, super contento en este sentido, sabiendo además que repetiremos seguro en muchos de ellos.
Estamos viviendo un resurgir del sonido breakbeat, ¿por qué crees que está sucediendo?
Sí, creo positivamente que hay un resurgir, porque las nuevas generaciones son un reflejo de las pasadas, porque es una oferta atractiva y diferente frente a todo lo demás que hay y sobre todo por el rollazo que da en una fiesta escuchar ritmos rotos, es algo diferente a todo lo demás.
Esta nueva ola del breakbeat, ¿crees que es de nuevo un fenómeno del sur de España o el virus se está extendiendo a otros territorios?
No sabría contestarte por que a lo mejor mi respuesta no es objetiva, porque yo a lo mejor veo que un tema de breaks lo pone James Hype que está fuera del breaks y lo magnifico, pero si es verdad que yo cada vez estoy haciendo más kilómetros y voy saliendo de Andalucía y eso es muy buena señal.
¿El sonido que estamos disfrutando es el mismo de la era dorada o hay una evolución?
Las épocas doradas son subjetivas, el que tiene 45 años su época dorada fue 2001, pero para el chaval de 18 años su época dorada va ser ésta. Y sí es verdad que son diferentes, pero realmente el sentimiento es el mismo, pero para mi creo que ha evolucionado en calidad por los adelantos que hay en cuanto a plugins y sonido.
¿Qué nos puedes contar del All Night Long que vas a tener el 20 de diciembre en Pandora Sevilla?
Espero una noche llena de sentimientos, buen rollo, con los míos, una variedad de público que abarca por lo menos dos generaciones, donde voy a darlo todo.
Aunque ya eres calificado como leyenda, para aquellos que no te conozcan, ¿nos puedes contar tu trayectoria?
Que empecé en 2001, donde me cogió con 17 años y no supe ver esto como lo que es, una responsabilidad, la de estar centrado en hacer disfrutar a los que están en la pista de baile, que he tardado mucho en darme cuenta, que me costó un parón de 10 años pero por carambolas cósmicas puedo decir que estoy en casi el mejor momento de mi carrera, y digo casi por que lo mejor está por llegar!!
Eres un ejemplo de constancia y de supervivencia. ¿Has pensado alguna vez que esto se había acabado?
Pues sí, varias veces pero al final, las vueltas de la noria de la vida te acaba poniendo donde le parece, así que aquí estamos.
¿Qué diferencias hay entre el DJ Karpin que empezó a enamorarse de la escena electrónica siendo muy joven y el DJ Karpin actual?
Mucha evolución, la misma humildad, pero la mente mucho más amueblada y sobre todo, nada de miedos.
¿Qué artistas han sido tus referentes?
Pues para mí, “The Prodigy”, “The Chemical Brothers”, “Crystal Method” y “Freestylers”
Si un chaval o chavala de 14 años está leyendo esta entrevista, ¿qué temas son imprescindibles para iniciarse en la música electrónica y más concretamente en el breakbeat?
Por supuesto si no hablo de mis remixes es para matarme, pero lo primordial de todo y de primero de breakbeat es escucharte el “The Fat of The Land” de The Prodigy, hasta que cuando cierres los ojos veas el cangrejo de la portada.
¿Algún artista de la nueva generación al que debamos seguirle la pista?
A todos, no hay nadie mediocre en esta escena, somos todos unos artistas de la pista.
¿Cuáles son tus planes para 2026?
Seguir evolucionando, creciendo y hacer llegar estos ritmos rotos lo más lejos posible y hacer sentir a los que no lo conocen lo que sentimos los que sí lo conocemos.
Para DJ Karpin la música electrónica es………
Un chute de lo más adictivo que hay, en la electrónica una vez que entras creo que no se sale.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Lehar & Olderic Il Sole (Original Mix) SIAMESE
Zuccasam Comincia (Original Mix) KEEP THINKING
Oniris Réminiscence (5AM Edit) ELEKTRONIK ZOO
Guy J Alive Again (Original Mix) COCOON
Mark Tammo & Stevie Jones Ranges (Original Mix) KEEP THINKING
DEL PATIO FLAMENCO A LA PISTA GLOBAL — CUANDO EL GROOVE TIENE APELLIDO
Entre Castellón y unas raíces flamencas que laten a compás, Lobo Miró ha forjado una identidad donde la percusión se respira y el silencio entre bombos —aprendido en una Ibiza que lo moldeó durante una década— dice tanto como el drop. Su paleta cruza house, tech-house, afro-house, cumbia africana, funk, disco y percusión latina sin perder coherencia: el hilo conductor es el cuerpo, el groove con alma. Hoy inaugura Miroot, sello y plataforma de eventos, con “Barcelona Living” junto a Hard GZ y dos remixes de Frink, una declaración de intenciones que tiende puentes entre la cultura club y el pulso de la calle. Tras girar por Nueva York, Miami, Tulum, París o Londres, encara un capítulo en el que la comunidad y la emoción marcan el paso. Esta es la conversación.
Tu sonido nace entre Castellón y raíces flamencas, con diez años en Ibiza. ¿Cómo conviven hoy esas bases y cuándo sentiste que esa mezcla ya era “tu” sonido?
Mi sonido nació mucho antes de que yo supiera que iba a dedicarme a la música. Nació en reuniones familiares, en patios donde la percusión era una forma de hablar, donde el ritmo no se estudiaba, se respiraba. Ahí aprendí a sentir la música, no a pensarla. Cuando me fui a Ibiza empezó otro capítulo. La isla me enseñó a escuchar el silencio entre bombos, a entender la emoción que tiene una pista cuando conectas de verdad con la gente. Me enseñó a ser paciente, a dejar que el groove hable por mí. El momento en el que sentí que esas dos vidas se unieron fue cuando dejé de intentar encajar en etiquetas. Cuando entendí que mis raíces no eran un lastre, sino la chispa que me hace diferente. Ese día dije: “Este soy yo. Este es mi sonido”.
Mezclas house, tech-house, afro-house, cumbia africana, funk, disco y percusión latina. ¿Cómo equilibras todo sin perder coherencia? ¿Partes del groove/percusión o de la melodía?
Para mí la música siempre empieza en el cuerpo, no en la cabeza. Primero busco un ritmo que me mueva físicamente, ese punto exacto donde el corazón se sincroniza con el beat. Cuando encuentro ese groove, todo lo demás llega solo, la melodía, los detalles, la emoción.
Trabajo con estilos muy distintos, sí, pero todos nacen del mismo sitio, de querer contar una historia que haga sentir algo. No me preocupa mezclar géneros, me preocupa perder la verdad. Y mientras el ritmo tenga alma, sé que estoy en el camino correcto.
Has tocado en España y en Nueva York, Miami, Tulum, París o Londres. ¿Qué descubres de tu sonido fuera y cambias el enfoque según el país o es el público quien se adapta?
Viajar me ha enseñado que la música te desnuda. Cuando pinchas lejos de casa, sin referentes, sin amigos, sin expectativas… solo queda tu energía y lo que eres capaz de transmitir.
En Nueva York, París, Londres o Tulum me he dado cuenta de que mi sonido tiene algo que traspasa idiomas, una luz, una alegría, una forma de entender el ritmo que viene de mi historia personal. Yo adapto detalles según el lugar, claro, pero el mensaje es el mismo, groove, emoción y conexión humana.
Y lo más bonito es cuando ves que la gente, sin conocerte de nada, entiende esa vibra al primer drop.
Tu sello Miroot debuta con “Barcelona Living” junto a Hard GZ y dos remixes de Frink. ¿Por qué abrir con este cruce y cómo encaja en tu visión a largo plazo del sello?
Quería que Miroot naciera desde un lugar real, no desde una estrategia. Por eso elegí Barcelona Living. Hard GZ representa una parte de la ciudad que siento muy mía, la calle, la verdad, el mensaje directo. Mezclar eso con mi visión de club fue como juntar dos mundos que conviven en mi propia vida.
Y los remixes de Frink completan ese equilibrio entre profundidad, elegancia y club. Barcelona Living no es solo un tema, es una declaración emocional de hacia dónde quiero llevar mi sello. Miroot nace para contar historias. Para unir culturas. Para abrir puertas.
Barcelona Living anuncia eventos Miroot en Barcelona. ¿Cómo imaginas ese universo en vivo: extensión de tu sonido (groove, percusión, energía latina) o espacio comunitario con artistas afines?
Miroot en directo va a ser un espacio donde la música se viva, no solo se baile. Quiero traer artistas que compartan esa sensibilidad por el groove con alma y la energía humana. Gente que no solo pinche, sino que transmita. Me imagino un universo donde cada evento tenga una narrativa propia. Donde el público sienta que forma parte de algo que va creciendo, transformándose, dejando huella. Miroot es un sello, sí, pero también quiero que sea una familia, un refugio creativo y una celebración de lo que somos como comunidad.
Tras compartir cabina con Nic Fanciulli, Francisco Allendes y residentes de elrow, y con sello propio y lanzamiento con Hard GZ, ¿qué nuevas direcciones, colaboraciones o formatos (live, híbrido, visuales) quieres explorar?
Estoy en un punto muy especial de mi vida. He vivido muchas etapas, luz y sombra, momentos de subir y momentos de caer. Y cada paso me ha traído hasta aquí, a este momento donde siento que por fin tengo algo importante que decir. Quiero explorar nuevas colaboraciones, nuevos géneros, nuevos formatos. Quiero sentirme incómodo, crecer, aprender, sorprenderme. Quiero llevar mis raíces a escenarios del mundo y demostrar que la historia de cada persona puede convertirse en música. Mi objetivo ahora es simple: crear experiencias que hagan a la gente sentir lo mismo que la música me hizo sentir a mí cuando me salvó la vida.
MARCO JENNER
Con el lanzamiento de su nuevo EP “Set Me Free” en el sello barcelonés Crazy Nutz Music, el productor y DJ Marco Jenner consolida una trayectoria marcada por la coherencia, el groove y una pasión insaciable por la pista. Este release llega en un momento clave para el sello: recientemente nominado a Mejor Sello en los Vicious Music Awards 2025, Crazy Nutz se posiciona como una plataforma en ascenso dentro del mapa electrónico ibérico, impulsando artistas con un perfil club bien definido y espíritu underground.
Texto: Vicious Magazine
¿Qué representa este lanzamiento musicalmente para ti? Háblanos un poquito más a fondo sobre los dos tracks que contiene.
Este lanzamiento representa un paso importante en mi evolución como productor. Musicalmente refleja el sonido que estoy desarrollando ahora mismo: grooves potentes, mucha energía de pista y al mismo tiempo detalles que lo hacen más personal. En el track ‘Set Me Free’ quise explorar una línea melódica más directa, con un bajo agresivo y una energía que busca liberar al que lo escucha. Por otro lado, en ‘Rasta Soon’ me enfoqué en una sonoridad más rítmica y profunda, con un toque que te transporta a un lugar más introspectivo.
¿Qué artistas son los máximos referentes para ti con los que te sientes más identificado? ¿Y los que te han inspirado más?
Aunque suene a lo típico, mis artistas favoritos son Marco Carola y Paco Osuna. Sus sonidos son diferentes entre sí, pero ambos son un claro ejemplo de la evolución constante de la música y de cómo saber adaptarse a los tiempos sin perder esencia. Recuerdo un set de Paco Osuna en un festival que me abrió la mente a la hora de estructurar mis propios sets. Esa capacidad de reinventarse sin perder su alma es lo que más me inspira de ellos.
¿Cuáles son tus próximas fechas importantes? Tanto actuaciones como lanzamientos, entre otras como artista y productor.
Tras este lanzamiento, tengo próximos releases en sellos tanto nacionales como internacionales, además de una colaboración con un artista de renombre que me tiene muy ilusionado, ya que es alguien a quien admiro desde mis inicios. En cuanto a actuaciones, se avecina una temporada de invierno con bastante movimiento por el territorio nacional, con fechas que me hacen mucha ilusión y que pronto podré anunciar en detalle. Tengo muchas ganas de conectar con el público y ver cómo reaccionan a esta nueva música en la pista.
¿Cuáles son tus próximos objetivos en esta industria en la actualidad?
Mi objetivo ahora mismo es seguir con la misma ilusión de siempre y con el trabajo diario que me permite crecer como artista. Creo que la clave está en mantener la motivación, aprender cada día y seguir disfrutando del proceso, porque es lo que realmente da sentido a todo esto. La industria es un camino largo, pero la pasión por la música es el motor que me impulsa a superar cualquier obstáculo y a seguir mejorando día a día.
Por último, si tuvieras que describirte como artista en 3 palabras o adjetivos, ¿cuáles escogerías?
Uf, qué difícil esta... pero creo que me describiría como trabajador, perseverante y apasionado. Trabajador, porque sé que detrás de cada logro hay incontables horas de ensayo y error en el estudio. Perseverante, porque en esta industria te enfrentas a muchos “no”, pero la clave es seguir adelante. Y apasionado, porque la música es mi vida y sin pasión, nada de esto sería posible.
PREMIERE
Texto: Kali
Marco Jenner – Set Me Free (Original Mix) Crazy Nutz Music
Tech house sin grasa y con mensaje. En “Set Me Free”, el malagueño Marco Jenner cose un bajo envolvente a un kick seco y puntual, con percusión nítida que empuja sin ensuciar. El groove se mantiene de principio a fin — claridad de mezcla, build-ups medidos y drops que suben la tensión— mientras una voz femenina repite el mantra (“Lift me up, set me free”) como ancla emocional: hook directo de cabina que eleva la sala sin perder el control. Herramienta funcional para transiciones largas, eficaz tanto en warm-up con curva como en pico de noche.
Tensal – Behind Consciousness (Original Mix) Concrete Records
No intros, no filler: “Behind Consciousness” abre el nuevo EP de Tensal con un patrón percutivo que talla el aire, un subgrave que se desliza como niebla y un loop central que no pide permiso. Son seis minutos de tensión sostenida, donde cada golpe cumple función y cada textura revela un milímetro más del viaje. Sin breaks dramáticos ni adornos innecesarios, el tema avanza como una máquina que piensa —calculado, preciso, absorbente.
Stefanie Neal – Killer Smile (Original Mix) Glamour Punk Recordings
Hay productores que no necesitan levantar la voz para dejar claro el mensaje. Frink regresa con una doble relectura de Barcelona Living, el primer lanzamiento del nuevo sello Miroot de Lobo Miro, y lo hace con el temple quirúrgico que lo ha convertido en una figura esencial del underground nacional. En su remix principal, Frink recorta, filtra y reaplica la energía vocal de Hard GZ hasta convertirla en un elemento más del groove: una presencia espectral que asoma y se retira entre capas de subgraves, percusión seca y detalles que respiran espacio. Aquí no hay fuegos artificiales—solo una línea de bajo que arrastra, late y mantiene el pulso en tensión constante.
IK86 – Life As It Is (Original Mix) Not Like Others Records
Estreno directo y sin maquillaje. IK86 captura ese minuto entre el ruido y la calma en “Life As It Is”: bombo seco, bajo saturado, pads polvorientos y un hook que no pide permiso— entra y se queda. Club tool con pulso humano, hecha para mezclas largas y luces bajas. Disponible el 7 de noviembre en Not Like Others Records. Quién es: productor esloveno con pasado en WD2N y alias como Ifan Kovny, Yellow Page y Zumbador. Tras una pausa, vuelve bajo su propio nombre con foco total: pistas honestas, memorables, listas para cabina.
Arcade Apocalypse – Banshee Dreams
FenixFire Records
Golpe frío, pulso caliente. “Banshee Dreams” conecta EBM y New Beat con estética indie dance: bajo elástico, hats secos y un lead fantasmagórico que pide cabina oscura y mezcla larga. Parte del Virtual Facade EP (cat. ASG_FF067), firmado y producido por Stevie Ciglio, el tema condensa cuatro minutos de tensión hipnótica lista para el prime time. Lanzamiento: 7 de noviembre de 2025
Tim Xavier – Mars Control (Original Mix) Face To Face
Directo a la cabina. ‘Mars Control’ es el corte más físico del mini-álbum de Tim Xavier: percusión tubular, toms con acento tribal y un hook ácido que empuja la mezcla sin soltarla. Club tool de manual: fraseo limpio, transiciones largas y un low-end que abre espacio para cruzar líneas entre electro y techno berlinés. Sale dentro de Out of My System (FIIFD022), el nuevo trabajo del jefe de Face To Face, 7 de noviembre de 2025 en vinilo y digital.
YES TO ALL – Preludio (Denis Horvat Remix) YES TO ALL Records
Un nuevo capítulo se abre con D-Formation y Alex Medina al frente de YES TO ALL, un proyecto artístico y sello que nace de la conexión humana y creativa surgida durante una gira en India. Unidos por décadas de experiencia y una visión común, el dúo propone un sonido profundo, maduro y sin fronteras, concebido para el club pero con alma artística. Para su lanzamiento debut, YES TO ALL cuenta con la colaboración de Denis Horvat, productor afincado en Copenhague y figura esencial del techno melódico contemporáneo. Su reinterpretación de “Preludio” introduce una capa aún más hipnótica y emocional, combinando precisión rítmica, texturas analógicas y una tensión atmosférica que amplía el universo sonoro del proyecto.
Azpecialguest – The Inevitable Terranova Records El productor danés Azpecialguest regresa a Terranova Records con “The Inevitable”, una pieza que encabeza su nuevo EP y que confirma la línea más seria y técnica del sello. El track opera dentro del dark melodic techno, pero lo hace desde la precisión: ritmo hipnótico, diseño sonoro limpio y un crecimiento estructural que evita artificios para centrarse en la construcción de tensión real. “The Inevitable” se sostiene sobre un motor percusivo estable, pads en expansión y texturas moduladas que se abren paso de forma gradual. No hay exceso de elementos, sino un uso calculado del espacio que permite que cada capa respire y mantenga la profundidad del conjunto. Su progresión —basada en detalles de síntesis y automatizaciones mínimas— lo convierte en un corte especialmente funcional para sesiones largas y atmósferas oscuras.
Dro y Stepan Gusak abren su nuevo EP en Parallel Romance con “Alligator Alley”, un corte diseñado para la zona más física del techno actual. El track se construye sobre un low-end continuo y muy controlado, líneas rítmicas en avance constante y un uso inteligente de la tensión que evita los picos artificiales. Todo está orientado al peak-time, pero con una mezcla limpia y una ingeniería que prioriza claridad sobre saturación. El groove, marcado por percusiones secas y modulaciones sutiles, mantiene un pulso hipnótico que funciona igual de bien en un club oscuro que en sets de gran formato. Sin buscar complejidad innecesaria, “Alligator Alley” es un ejemplo claro de cómo un track directo puede ganar fuerza a través de la estructura, la dinámica y la precisión en cada capa.
Jason Laake - Frequency Test Conduct Dark Distorted Signals
Dark Distorted Signals presenta un lanzamiento especialmente significativo con Judgement Day, el nuevo EP de Jason Lake. Hoy en Vicious Magazine estrenamos en exclusiva su primer corte, “Frequency Test Conduct”, una pieza que condensa a la perfección la estética sonora del productor belga. “Frequency Test Conduct” es un viaje al centro de la presión rítmica: un techno incisivo, dominado por pulsos eléctricos, modulaciones agresivas y un diseño sonoro preciso que hace honor al nombre del track. Lake construye una arquitectura industrial donde cada frecuencia empuja al límite, generando una tensión constante que mantiene al oyente atrapado desde el primer compás. Es un tema creado para el club, el cual estrenamos como homenaje a su reciente fallecimiento.
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
MAZE 28 FEELING BLUE (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY
Con “Feeling Blue”, Maze 28 entrega una de las publicaciones más finas de la reciente línea editorial de Mango Alley. El track se mueve entre melancolía e intensidad, sostenido por una línea de bajo nítida y pads etéreos que se revelan progresivamente. El uso del espacio es impecable, con atmósferas que respiran y permiten que cada detalle emerja con claridad. Una pieza que confirma el crecimiento artístico del productor y que encaja perfectamente en la tradición deep-progressive del sello.
J LAUDA ASTIR (ORIGINAL MIX) UNIVACK RECORDS
Con “Astir”, J Lauda firma una de las publicaciones más sofisticadas del reciente catálogo de Univack. La producción destaca por un equilibrio impecable entre pulsación de club y sensibilidad melódica: un groove profundo sostiene una evolución armónica que se abre de manera gradual, sin excesos y con una atención casi artesanal al detalle. La estructura, pensada para un desarrollo continuo, transmite una sensación de viaje que remite a la tradición progressive más elegante. Una obra que confirma la madurez del productor y la visión refinada del sello español.
“Tricomas” encarna a la perfección la estética de Kitchen Recordings: groove crudo, atmósferas hipnóticas y una energía rítmica constante. Totto Casasco construye un track que vive más de su impulso que de la melodía, apoyándose en una línea de bajo densa y en patrones percusivos que se expanden con naturalidad. Los matices melódicos, apenas sugeridos, generan una tensión subterránea que atraviesa toda la producción. Un tool pulido pero contundente, ideal para sets que buscan continuidad e intensidad.
CASS & SLIDE X DANNY TENAGLIA FEVER RISING (BAUNDER REMIX) SUDBEAT
El remix de Baunder establece un diálogo eficaz entre pasado y presente: por un lado, la herencia de un clásico; por otro, la capacidad del productor argentino de reinterpretarlo con un lenguaje actual, totalmente coherente con la identidad de Sudbeat. La línea de bajo, plena y dinámica, guía una construcción rítmica sobria pero cargada de tensión, mientras los elementos vocales mantienen el vínculo con el original sin caer en la nostalgia. El resultado es un track sólido y funcional, ideal para los momentos centrales de la pista. Un highlight indiscutible de la escena progressive sudamericana.
FRANKIE VERTIGO & AMAN ANAND CAN’T STOP (GAI BARONE EXTENDED REMIX) MY SECRET AGENDA
Gai Barone entrega una versión extended que confirma su enfoque cinematográfico y profundamente emotivo. El remix se despliega con una narrativa lenta y controlada: capas de sintetizadores aterciopelados, microdetalles rítmicos y un ascenso milimétrico crean una atmósfera amplia y envolvente. La tensión crece de manera medida, evitando cualquier exageración y ofreciendo un viaje sonoro que funciona tanto en los momentos clave del set como en el cierre. Un trabajo de gran elegancia y madurez musical.
TRANCE
BY IVAN MORALES
LUKE TERRY & CHRIS JOHNSON PRESENT TAISAKU FUYU (ORIGINAL MIX) PURE TRANCE
Luke Terry y Chris Johnson vuelven a demostrar por qué encajan tan bien dentro del universo Pure Trance. “Fuyu” es un corte de 138 BPM que combina acordes intensos, un ácido chispeante y líneas de sinte hipnóticas que atrapan desde el primer instante. Una producción sólida, directa y perfecta para dominar pistas de baile en las próximas semanas.
Tras el impacto de su debut “Our Song”, MIYUKI regresa a Subculture con un track de dark tech-trance reforzado por la voz de Deirdre McLaughlin. Sonidos clásicos, toques modernos y una energía que recuerda al espíritu de Key4050, pero con el sello inconfundible de MIYUKI. Preparado para mover clubs sin contemplaciones.
MAURO PICOTTO & DAN COOPER BACK TO CALI (ORIGINAL MIX) ARMADA MUSIC
Dan Cooper revisita otro clásico de Mauro Picotto con una versión que combina potencia, empuje y nostalgia en partes iguales. “Back To Cali” llega con bajos firmes y una melodía reconocible al instante, posicionándose como uno de los cortes más efectivos del recopilatorio “A State Of Trance Ibiza 2025” y de las pistas a nivel global.
COLD BLUE MOUNTAIN (ÁLBUM) BLACK HOLE RECORDINGS
“Mountain” representa un salto artístico para Cold Blue: un álbum cuidadosamente elaborado, centrado en la técnica, el detalle y atmósferas que van más allá del club. Con un enfoque instrumental casi total, el disco funciona como un lenguaje emocional construido a partir de texturas y presiones sonoras. Resultado de años de trabajo, es una obra profunda y excepcional que reafirma a Cold Blue como un narrador único dentro del trance.
SOLARSTONE & SUSIE LEDGE STAR (STARBURST MIX) BLACK HOLE RECORDINGS
Solarstone revisita uno de sus trabajos más íntimos, esta vez acompañado por la voz de Susie Ledge y la reinterpretación nocturna de Leon Bolier. “Star (Starburst Mix)” eleva el concepto original hacia un terreno más club, con una emoción palpable y un aura de himno inesperado. Un lanzamiento destinado a brillar en sets de alto impacto.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
PINO FOCUS 10 (ORIGINAL MIX) MELÓMANA RECORDS
El productor georgiano Pino debuta en Melómana con un EP que amplía el espectro del sello hacia territorios más crudos y analógicos. Focus 10 se planta con un break electro vibrante, musculado por un bajo que no da tregua y texturas que raspan. Kage baja las revoluciones pero no la tensión: es dark disco sin disfraz, hipnótico, grave, envolvente. Las remezclas aportan lectura local: Panka Panka giran hacia un groove ácido de pista, mientras Alice B lleva Focus 10 al minimalismo cerebral, donde todo golpea, pero nada sobra. Un 12” de riesgo medido y estética definida, con claro ADN de directo.
MASHBOX NOT WITH ME (ORIGINAL MIX) EASTEREGGPLANT
Mashbox golpea con fuerza emocional y beats diseñados para levantar el ánimo en “Not With Me”, un track de club house con actitud descarada y mensaje directo. Publicado por EasterEggPlant, el tema es una especie de antítesis al pop empoderado, presentándose como un himno de “recuperación masculina” tras una ruptura tóxica. Con una producción pulida a cargo de Willem Voet y Bart Bellens, la pista mezcla un groove bailable y vibrante con una narrativa que no se anda con rodeos. Si bien su tono puede sonar provocador, el resultado final es un tema que engancha por su honestidad sin filtro y su energía imparable. “Not With Me” es la respuesta de Mashbox al drama sentimental, pero sobre todo, un track hecho para sonar fuerte y claro en la pista de baile.
VARIOUS ARTISTS OBERWAVE VOL. 7 OBERWAVE RECORDS
La séptima entrega del sello ruso Oberwave condensa su imaginario sonoro en 10 cortes que oscilan entre el synthwave noir, el electro melancólico y el techno de estética post-soviética. Desde el dramatismo sintético de Shkema, hasta los ritmos rotos de Gameboyz, pasando por las atmósferas retrofuturistas de Cellarkalt o Radial Gaze, el compilado se mueve con solidez por territorios oscuros, pero nunca estancos. Cada pista mantiene personalidad sin romper la narrativa general: baja luz, tensión digital y belleza sombría. Un sampler coherente y altamente programable, ideal para sets que piden textura y carácter sin caer en lo obvio.
ID ID ODDITY (ORIGINAL MIX) PHOTONIC MUSIC
El EP de ID ID en Oddity fusiona sofisticación melódica con energía club. Los dos originales ofrecen un groove hipnótico, sintetizadores cinemáticos y detalles que permiten una inmersión progresiva. Es música de pista con profundidad emocional y arquitectura sonora cuidada. Las remezclas añaden diversidad sin perder coherencia: Larsun Hesh y Terra Melodica crean paisajes melódicos profundos, mientras que Tomy Wahl y Aaryan aumentan la tensión. Oddity es más que un EP funcional; es una declaración estética desde la sensibilidad club contemporánea.
ALEC CHEER SEEING IN THE DARK (ORIGINAL MIX) BULLETDODGE RECORDS
Con un enfoque que privilegia el recuerdo sobre el impacto, Alec Cheer entrega en Seeing in the Dark un EP que roza lo cinematográfico y lo introspectivo. Compuesto entre guitarras delicadas, piano, field recordings y capas ambientales, los cuatro cortes invitan a una escucha contemplativa: Aldi Werewolf introduce con loops quebrados y ecos de folk descompuesto; Moon Phases avanza con bruma emocional; Headspin es tensión latente y repetición meditativa; Memory Wave cierra como un susurro desde el subconsciente. Una obra que se aleja del club para habitar el terreno de lo íntimo, casi confesional. Fragmentos de memoria convertidos en textura.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
ALPHATHETA SLAB: CONTROLADOR DEDICADO PARA SERATO STUDIO, SAMPLE Y DJ PRO
Native Instruments y AlphaTheta han lanzado Slab, el primer controlador diseñado específicamente para integrarse de forma nativa con Serato Studio, Serato Sample y Serato
DJ Pro. Esta superficie de pads MIDI ofrece un flujo de trabajo plug-and-play que elimina la necesidad de mapeos complejos, facilitando el beatmaking, el sampling y las actuaciones en directo directamente desde hardware físico. Slab incluye dieciséis pads sensibles a la velocidad con retroiluminación RGB, un dial multifunción y una tira táctil para controlar parámetros como stems, efectos y navegación con precisión. Está pensado tanto para productores que quieren secuenciar ritmos y manipular samples como para DJs que buscan un control táctil de funciones clave de Serato
DJ Pro, todo sin depender únicamente del ratón o teclado. El controlador ya está disponible en tiendas por un precio alrededor de 299 €, ofreciendo una opción compacta y asequible para expandir tu flujo creativo dentro del ecosistema Serato.
FL STUDIO 2025.2: NUEVOS PLUGINS, MEJOR FLUJO DE TRABAJO Y FUNCIONES MÁS INTELIGENTES
Image-Line lanza FL Studio 2025.2, una actualización gratuita para todos los usuarios gracias a su política de Lifetime Free Updates. La versión introduce dos nuevos plugins: Fruity Slicer 2, un slicer más ligero pero versátil para cortar y modelar audio por fragmentos, y Emphasizer, una versión simplificada de Emphasis pensada para añadir presencia y pegada de forma rápida en pistas o en el máster. Las funciones basadas en IA continúan expandiéndose: Loop Starter añade géneros como boom bap, reggaetón, afrobeats y phonk, mientras que Find Similar Sounds mejora la precisión al buscar sonidos relacionados con un clic. El flujo de trabajo gana agilidad con la posibilidad de convertir cadenas de efectos en instancias de Patcher, mejoras en DirectWave, Fruity Compressor con sidechain, Kepler, Channel Sampler y diversas optimizaciones en Mixer, Piano Roll y exportación de stems. FL Studio 2025.2 ya está disponible sin coste adicional para usuarios registrados.
ABLETON LIVE 12.3 YA DISPONIBLE CON MOTOR DE STEMS, SPLICE Y MEJORAS EN EL FLUJO CREATIVO
Ableton ha lanzado Live 12.3, una actualización gratuita para todos los usuarios de Live 12 que trae una de las funciones más esperadas: Stem Separation, que permite separar voces, batería, bajo y otros elementos directamente desde cualquier clip de audio en la vista de Arrangement, Session o el navegador del DAW. Esta característica está disponible en Live 12 Suite y en el modo independiente de Push 3 y se basa en algoritmos avanzados que facilitan el sampling, la remezcla o la conversión de audio a MIDI. ableton.com Otra gran novedad es la integración con Splice, que permite buscar y preescuchar samples sincronizados con tempo y tonalidad directamente desde el navegador de Live, agilizando el flujo creativo sin cambiar de aplicación. Live 12.3 también introduce funciones como Bounce Groups, Paste Bounced Audio, mejoras en Auto Pan-Tremolo y nuevos racks y dispositivos creativos. Además, añade herramientas expresivas para Push y actualizaciones en los packs incluidos. Ableton Live 12.3 ya está disponible para descargar como actualización gratuita para usuarios de Live.
NUEVA EDICIÓN LIMITADA DE ALPHATHETA XDJAZ-N EN COLOR ORO
Alphatheta ha presentado la edición limitada XDJ-AZ-N, una versión exclusiva en color dorado de su todo-en-uno tope de gama. Es la primera variante limitada del XDJAZ, y supone el regreso del acabado dorado en la marca tras el DDJ-REV7-N, que solo se lanzó en Estados Unidos. El nuevo XDJ-AZ-N luce un dorado más extenso que en cualquier otra edición especial previa: fader del pitch, botones de Play y Cue, jog wheels, faders de canal y crossfader, knobs de filtro y del navegador, así como toda la serigrafía, que contrasta con el negro original del AZ. El resultado es un aspecto claramente premium y llamativo, pensado para destacar en cabinas profesionales y setups domésticos. A nivel funcional, mantiene las mismas prestaciones del modelo estándar: pantalla táctil de 10”, compatibilidad con Apple Music y otros servicios de streaming, y uso con Rekordbox o Serato DJ Pro. El Alphatheta XDJ-AZ-N estará disponible en edición limitada en todo el mundo (excepto algunos países de Asia). El precio ya aparece listado en tiendas internacionales con precios orientativos de venta de alrededor de 3 399 € en Europa.
