PARA TODES TODE: Plan de lucha by Valentina Mariani

KekenaCuradora Corvalán Del 9 de Marzo al 26 de Mayo de 2019 Centro Cultural Haroldo Conti Espacio Memoria y Derechos Humanos (ex ESMA) Av. Del Libertador 8151 Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina

Desde Buenos Aires, escribir una reflexión sobre la labor curatorial de, para y con artistas mujeres, lesbianas, trans, travestis y no binaries, plantea una vez más, como primer paso, la cuestión del canon. Canon de fronteras dobles; hacia afuera, como una contraposición a exigir mayores espacios en un campo signado por una abrumadora presencia de varo nes cis y minoritariamente, de mujeres cis, y hacia adentro, para cuestionar también esa doble segregación que deja en la invisibilidad total a numeroses artistes que sostienen su práctica desde hace décadas sin llegar nunca a ser considerades, invitades, incluides en las exposiciones centrales, que incluso llevan adelante curadoras mujeres. En todos los casos, cánones sobre corporalidades y deseos.

Por eso, Para todes, tode es una exposición de artes ampliadas que pone en diálo go y en paridad crítica y amorosa, prácticas artísticas y culturales de todo el país y del Río de La Plata. Así, se miran cara a cara y comparten espacios haciendo nuevos territorios, artistas de Formosa y Ushuaia, de Córdoba y Río Gallegos, de Tucumán y San Luis, de Buenos Aires y San Juan, mapeando una gran siembra de otros posibles.

Este proyecto provoca un corte de acontecimientos en el girar de distintas experien cias recorriendo el arte latinoamericano por fuera de las normas. Y en este sentido, en el de incluir otros territorios, recién comenzamos en el campo de las artes visuales a si tuarnos en el lugar incómodo pero feliz en el que nos replanteamos una representatividad injusta por lo escasa. Es desde este impulso desde donde deseamos que en el Conti sea Para todes, tode. Sentimos que lo que debe aproximar un encuentro en torno a Géneros y Me moria como un ardor feliz y creativo, es otra interseccionalidad de historias, territorios y cuerpos como modo de inscribir un más allá posible de las relaciones de poder que la

historia del arte reproduce como pocas institucionalidades. Y esto será no solo mostrando lo invisible, sino provocando posibles historizaciones e historiografías que reformulen los predominios y las hegemonías naturalizantes. Que contemple otras modas de hacer, otras representaciones, imaginarios, organizaciones, comunidades, que trascienden los límites de nuestra ciudad. Buenos Aires es una ciudad históricamente parada de espaldas al resto del país y del resto del continente latinoamericano.

Buenos Aires Marzo 2019

Aquí entonces lanzamos esta estrella, actividades en el exponer colectivo, en la bús queda más allá de los cánones, en este mapearnos inclusivo, en esta afectación entre prácticas productoras de otras chances de existencia que son rexistencia viva. Un algo de lo que se expone vive en la intimidad de talleres, centros culturales, rutas, calles y patios de escuela... Un gesto amoroso, y por tanto, potente y político, colecta y reúne, resitúa e interpela. Estaremos aquí para contarnos, para tenernos en cuenta, en la doble escala a la vez: asamblea y mesa de cocina, gestionándonos y encontrándonos desde las historias que ya estamos haciendo y que son nuestras.

Hito Steyerl lanza una frase que debe actuar como un estímulo para pensarnos en toda la potencia de las prácticas artísticas, museísticas y curatoriales: Si el arte contem poráneo es la respuesta, la pregunta es: ¿cómo se puede hacer para que el capitalismo sea más bello? Para nosotres, bello no será nunca, en todo caso será el lugar en donde se sostengan todas las contradicciones. Desde allí, territorializar el deseo, despertarlo, compartirlo, sostenerlo, hacerlo crecer, sabiendo que en la oscuridad de la noche, son nuestras prácticas culturales, lo que hagamos colectivamente, lo que ilumina. En los peores momentos de la historia, es la cultura la que da respuesta y batalla, desde la polifonía brillante de la solidaridad.

Alejandra Lapacó

Alejandra Lapacó, junto a les 30.000 detenides, torturades, desaparecides: PRESENTES, AHORA y SIEMPRE.

Alejandra era estudiante de Antropología y pertenecía a la Juventud Universitaria Peronista (JUP), una de las organizaciones duramente perseguidas por la dictadura militar. Alejandra fue secuestrada a los 19 años, el 16 de marzo de 1977, junto a su mamá, Car men, su novio, Marcelo Butti Arana, y un primo, Alejandro. Fueron llevados al Centro Clan destino de Detención “Club Atlético”, ubicado sobre la avenida Paseo Colón, en el barrio porteño de San Telmo. La mamá y el primo de Alejandra fueron liberados días después del secuestro. Al día de la fecha, Alejandra y su novio Marcelo siguen desaparecidos. “Desde chiquita, Alejandra tenía cierta sensibilidad”, contaba su mamá. “Recuerdo que una vez, los Reyes Magos le habían traído unos juguetitos y me dijo: ‘Mamá, los Reyes Magos son malos, porque le traen juguetes a los chicos que tienen plata, y a los pobres no les traen nada’”.

12 13 “Reposas en la profunda paz” “Hemos conocido horas de triunfo” S/TS/TS/T

“Memoria del Silex” Homenaje a la Toki Janekeo del s.XVI y Weichafe Moira Millan del s.XXI

Impresiones que sugieren banderas de guerreras mapuches silenciadas por el patriar cado. Janekeo (la que toma un hacha de guerra) fue elegida Toki para pelear contra los españoles en la guerra por la Araucania y Moira Millan (hacer oro) es hoy la “guardiana y guerrera” de comunidades de Argentina. Entre ambas hay siglos de evolución tecnológica donde el silex del pedernal, lanzas y hachas de guerra dio origen al silicio, con el que se fabrican los componentes de la tecnología informática. Ejemplos de mujeres originarias de ArtistaAnahiAmérica.Cáceresvisual.Investigadora

cat.2 y docente de la UNA. Residencias: Chile, antropología 1986; París serigrafias 1988, Performance arte e internet, Franklin Furnance Foundation NYC 2001. 35 premios y distinciones en todas las disciplinas de artes visuales. 450 mues tras, bienales, ferias. Miami, Bogotá, Caracas, ArteBa, Curitiba, Puerto Rico 1993; The Right to Hope, One Worl Art London 1995, The Future of the Present NYC, 2001; Digital Media Valencia 2008, Jerusalem 2017, etc. Individuales en galerías y museos del país y del extranjero: Caraffa MEC, Museo Genaro Perez, Fundación Lillo, Centro Cultural Recoleta, Palais de Glace, etc.

“Supervivencias” Fragmento de la serie Según Ranciére, no es cuestión del oprimido preguntarse por los mecanismos de suje ción, sino la de hacerse un cuerpo para otra cosa que no sea la dominación. A partir de esta idea, comencé a trabajar en una serie fotográfica en la que mujeres “se hacen un cuerpo”, a modo de supervivencia, para sortear el sometimiento, utilizando las herramien tas que usualmente se les adjudicó para confinarlas al ámbito privado, pero terminó sien do, sin embargo, un arma de resistencia. Fue en torno a oficios como el tejido o la costura que las mujeres se reunían y conspiraban o se transmitían saberes.

Andrea Trotta Nací unos meses antes de que asumiera el tío Cámpora, en una clínica para obreros de la UOM en Haedo. Mis primeras obras fueron realizadas sobre las cuatro sillas de cueri na y caño cuadrado de casa y casi, casi no paré más. Estudié en la Pueyrredón, hice la licenciatura del IUNA y comencé una maestría en la UNA. Formo parte de diversos colec tivos como Matanza Nómade, G.R.A.S.A., Independencia Imaginaria, Bizarras. Todos se relacionan con el arte y el activismo, la gestión cultural popular y la resistencia. Podríamos decir que soy performer y que en ese campo de la acción con el cuerpo participé de even tos nacionales e internacionales.

La obra refiere a la violencia doméstica ejercida hacia las mujeres. Soy hija y nieta de mu jeres, madres y trabajadoras incansables. Mujeres que como a tantas otras se les exige poner el cuerpo pero tienen vedado el deseo y la palabra.

“Autorretrato” Foto performance. De la serie “Loza Blanca”

Ariela Naftal Nace en Buenos Aires, Argentina, 1966. Artista visual y docente. Trabaja en el campo de la escultura, la fotografía y las instalaciones de sitio específico. Construye en silencio un relato a partir del objeto como testigo simbólico. Utiliza procedimientos arqueológicos o los utilizados por otras culturas. Su cuerpo de obra indaga en tres grandes grupos: lo cotidiano, la memoria y el silencio. Participa en muestras individuales y grupales. De sus últimas presentaciones se destacan: 2018-2019 “Entre los Restos” Espacio de Arte Fundación OSDE ; 2018 “Arqueología ur bana” Salón Manuel Belgrano - “Arqueologías” Fondo Nacional de las Artes – “Restos del silencio” Art Bassel Cities; 2017 “Arqueologías” Materias Mutantes, Casa Matienzo; 2016 “Excavación infinita” Colectivo CRUDA.

Arte Colectivo · Analía Gauguin y Dora Morgen

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“Hacer visible lo invisible” Lanzamos una consigna que convocaba a bordar en pañuelos blancos de hombre y con hilo rojo, aquellas frases que el patriarcado había dejado impregnadas en nuestros hue sos. Recibimos pañuelos de distintos lugares del país y de muy diversos sectores socia les. En diez días, llegamos a juntar más de 300 pañuelos. La acción llegó a replicarse en Barcelona y en Berlín.

La colectiva Dora Morgen, nace a fines de mayo de 2016. Desde entonces, hemos par ticipado en las distintas manifestaciones de “Ni una Menos” en el el paro y marcha de mujeres, interviniendo la fachada del Congreso de la Naciòn. En agosto del 2017, partici pamos en la Universidad de Quilmes del ciclo: “Expresiones colectivas” voces alternativas al poder. En noviembre del mismo año expusimos en el ciclo “ Lo que arde” en el Oceana rio Club cultural. En agosto del 2018 fuimos parte de la muestra “No estamos tan solxs” impulsada por Orbita CulturalenOi Hoy casa abierta.

Pensando“Deshabitar-nos”lacasacomo

Astrid Thuman

Vera Astrid Thumann (San Martín de los Andes, 1984) artista visual y profesora de Hatha Yoga. Transitó su carrera de Licenciatura en Artes Visuales en IUNA, UNLP, y IUNA sede Alto Valle, finaliza su tesis en la UNRN sede Alto Valle, donde vivió diez años. Participó en talleres de cerámica, dibujo, fotografía, pintura y grabado en las distintas ciudades donde habitó. Distintas exposiciones colectivas e individuales, en galerías como: 360 Arte, Neu quén; Casa Gris, Cipolletti; ANAP, Neuquén, Casa de la Música, Cipolletti, Centro Cultural Cipolletti; Casa Leloir, Neuquén; “Emergente” y “Mapa provisorio” Sala Lidaura Chapitel, San Martin de los Andes; Sala Gabriela Erazún, Cipolletti, “Noche de los Museos”, MNBA Neuquén, Casa Museo Dr. Plottier. Fueron algunos de los espacios por los que circuló su obra. Formó parte de clínicas de arte y ejerció la docencia ad honorém en la UNLP y talleres privados, dicta, actualmente talleres de fanzine y técnicas mixtas, pintura y dibujo. Realizó ilustraciones para libros, calendarios y publicaciones digitales. A su vez, participó de distintas propuestas culturales independientes e institucionales como jornadas multiar tísticas y jornadas de muralismo. Su obra busca expandirse y vincularse con el entorno de diversas formas y soportes permitiéndole participar en formatos de diversos matices cul turales. En 2017 obtuvo la tercera mención del Salón Patagónico de pintura de Cipolletti, con la obra “Encuentro de vida y muerte en el sol central” que es parte del proyecto, “De cada muerte un nacimiento. En 2018 participó del “Taller de escritura para Artistas Visua les” en el MNBA de Neuquén, dictado por la curadora Kekena Corvalán. Hoy junto con otros artistas, conforma “Fuego en la torre” proyecto artístico dictado por Eva Grinstein en MANTA residencia artística, San Martín de los Andes, ciudad donde reside.

un espacio interno de empoderamiento, un habitarnos, convo carnos, reunirnos en torno a nuevos paradigmas de lo femenino, para no olvidarnos. La instalación de la casa de las flores pasa a tomar poéticamente un lugar donde los nuevos paradigmas y construcciones en torno a lo femenino con sus sombras y luces, florecen y se mantienen vivas, latentes y presentes en nuestra memoria colectiva.

Carla Mendieta (Carladetal) Formosa, 19 de abril de 1990. Artista, ilustradora y autora de historietas del noreste argentino. Desde sus inicios su obra se ve atravesada por una fuerte crítica social, haciendo énfasis en el rol de la mujer en la cultura patriarcal. Desde el 2008 sus obras fueron publicadas en varios medios locales, participando en muestras y festivales del país y el exterior. Hoy forma parte de diversos colectivos de autoras, ilustradoras y muralistas.

“Guardiana de la Siesta” Nace a partir de una relectura de los mitos de la cultura guaraní, desde la perspectiva de género. La imagen representa una mujer solitaria que transita el monte a la hora de la siesta, cuidando a las niñeces que juegan en silencio de los monstruos que les aterran. La Guardiana surge de un intento de dar lucha al patriarcado, rasgando nuestra cultura más íntima: nuestras leyendas y creencias. Destruyendo y volviendo a construir, proyectando luz sobre el pasado de un pueblo, sus secretos y sus miedos.

Si recién te conozco seguramente no vaya a hablar de mis heridas y menos de la sangre con la que riego mi camino. Pero si te veo con la herida y vos a mí y así todas y todos, la herida se vuelve comunicación, es expansiva, es rotuna, nos vemos.

Colaboradores: Melisa Depetris, texto; Cecilia Candía, diseño sonoro; Juliana Ramadori, video. Una mesa expone elementos necesarios para el señalamiento de la herida. El tra bajo es sencillo. Se descubre intenso en la acción pequeña de transparentar. Manifestar la herida. Verla. Está ahí. Es mucho más sencillo así, compartir.

“Rojo Sangre. Performance”

Cecilia Miconi Bahía Blanca, 1955. Artista plástica. Entre 2004 y 2005 y luego entre 2007 y 2018 fue Di rectora del Museo de Bellas Artes y del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Desde 1995 realiza muestras en el Centro Cultural Recoleta, Museo Nacional de Bellas Ar tes, el Museo Sívori, la Alianza Francesa de Buenos Aires, entre otros. Poseen sus obras: el Museo de Arte Contemporáneo y Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca; la Colección Bolsa de Comercio de Bahía Blanca, el Centro Cultural Río Gallegos, el Museo de Artes Plásticas de Puerto Madryn, la Ciudad Universitaria Paris, Francia y colecciones privadas de Argentina, España, Italia y EEUU. Asistió a cursos de perfeccionamiento en manejo de colecciones y conservación y museo logía. Desarrolló asesorías en proyectos educativos y de curaduría de muestras.

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Cecilia Tappa (artista visual) y Andrea Elizondo (textos)

Cecilia Tappa: artista visual nacida en Neuquén capital, Patagonia, en el año 1969, donde se formó como Profesora superior de dibujo y pintura. Desde el año 1.994, ha realizado muestras individuales y colectivas en la región patagónica, en Buenos Aires, Córdoba y el exterior del país. En 2018, el proyecto de su creación, concepto y coordinación: Memoria de la piel, fue seleccionado para participar en Berlín (24 de noviembre 2018), dentro de la convocatoria a colectivo de artistas latinoamericanas, realizada por la productora artística alemana Karne Lateinamerikanische Kunst. Actualmente reside en Neuquén capital.

“Memoria de la piel”

Proyecto artístico multidisciplinario en proceso. Construimos una red de relatos, de his torias, a partir de encuentros personales con mujeres. Fueron entrevistadas treinta y tres mujeres de diferentes lugares vinculados a nuestra propia historia personal: Neuquén, San Martín de los Andes, Traslasierra (Córdoba) y Buenos Aires. Los relatos surgieron de la memoria emocional de cada una de ellas, de lo que eligió contarnos. Los textiles, se reali zaron con el material que cada una aporto para construir su “piel de la memoria”. Temas como la construcción de identidad, el amor, el desamor, la maternidad, el legado familiar, la violencia, las creencias sobre las relaciones, las dudas, y mucho más, es lo que se puso en la voz de las entrevistadas.

Andrea Elizondo: artista multidisciplinaria. Nació en Buenos Aires; allí incursionó en las letras, la danza, actuación y la formación académica universitaria. Profesional del Derecho, actualmente en ejercicio. En su camino artístico se dedicó a las letras como búsqueda del lenguaje poético-narrativo, a través de diferentes formas: poesía, prosa, caligrafía artística japonesa (shodó), entre otras. Su primera publicación editorial es de la mano de la novela Tango del Atardecer. La obra de cuento y poesía participó en concursos nacionales e internacionales. Actualmente reside en Traslasierra (Córdoba).

“En vísperas” Mi obra escultórica se corporiza en tejidos, hablo de mujeres, tiempo y memoria. La repe tición y perduración de las memorias en los tejidos de las mujeres santiagueñas es un acto de resistencia para conservar su mundo. La metáfora del hilo como elemento esencial y frágil que puede ser sólo eso, tanto como el potencial de la futura manta con toda su carga simbólica. La víspera como tiempo previo tiene cierta connotación ritual. La prepa ración de los hilos, el preludio de la obra. A la vez la espera y el apuro...

Cecilia Teruel Artista visual, gestora, investigadora. Nace en Sgo. del Estero en 1968. Licenciada en Ar tes Plásticas (UNT) y especialista en Estudios Culturales (UNSE). Tiene presencia continua y distinciones a nivel nacional, en Salón Nacional de Artes Visuales, Salón Manuel Bel grano, entre otros. Fue invitada como artista contemporánea a la muestra “Congreso de Tucumán, 200 años de arte argentino”, MNBA 2016-17. Jurado en clínicas y salones. Tra baja desde plataformas colectivas: Orquídeas y avispo hacen rizoma, Ñan, Encontrarte.

Leeuwenburg (1986) Nació en París y se crió en Buenos Aires. Educada en los talleres de artistas y ci neastas argentinos. Estudió fotografía, danza, pintura e historia del arte. Regresó a París en 2010 por invitación de la Cité International des Arts de Paris. El trabajo de Celeste ha sido exhibido en París, Buenos Aires, Madrid y Nueva York. Está representada por Arte misa Gallery, Nueva York. Vive y trabaja en Francia. Su último trabajo es una serie de vi deoinstalaciones que actualmente exhibe en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Celeste“Emilia”

de fotomontajes realizados en el año 2017 en torno al eje de la “feme neidad” y lo que representa para mí el mujeraje: el agruparnos, organizarnos y apoyarnos entre compañeras, luchar juntas y a la vez rendirnos así homenaje, más bien mujeraje, a las presentes y las que ya no están.

Zine“Mujeraje”recopilatorio

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Chiara Barese Dibujanta, ilustradora y hacedora. Nacida sobre el final del milenio, estudia la Licenciatura en (Bellas) Artes en la Universidad Nacional de Rosario. Militante feminista de herencia ma terna, forma parte del colectivo de dibujantas autoconvocadas “Línea Peluda”. Desarro llándose principalmente dentro del lenguaje del zine y la ilustración, aunque siempre bus cando ampliar su campo de juego, ha participado en diversas muestras independientes, ferias y convenciones de historietas, entre ellas la Crack Bang Boom realizada en Rosario.

SilviaCoolpaLucero es de Gral. La Madrid Pcia. de Bs. As., Lic. y Prof. en Artes Plásticas de la UNLP Participa de salones, obteniendo el Tercer Premio Arte Joven de la Fundación Wi lliams de Arte Textil, 2016; el Premio de la Honorable Cámara de Diputados de la Pcia. Bs. As., en el Salón de Arte Joven, La Plata 2014. Fue seleccionada en el Salón Nacional de Pintura 2018; Proyecto Ni Una Menos / Ed. Madreselva 2017; UADE 2016 y 2012; Salón Nacional Textil 2012; 7° Salón UADE 2012; Salón Arte Joven Museo Prov. de Bellas Artes, La Plata, 2011. Participó de muestras colectivas como: “Palestina Libre”, Embajada del Estado de Palestina en Bs. As., 2017; “Metamorfosis” Pabellón de Bellas Artes de la UCA; Muestras Individuales: “Simbólicamente Incorrecto”, C.C. Juan Carlos Pacín, Gral. La Ma drid; “Subversiones” C. Cultural y Social Olga Vázquez, La Plata; “Ísmosis”, Casa Pulsar, La Plata, Pcia. de Bs. As, 2016 y “El fondo del aire es rosa”, Espacio ESEADE 2015. Vive y trabaja en Buenos Aires.

“María Procesión,Feminista”esunaacciónen la cual diferentes referentes del feminismo y/o visitantes de la Muestra de Género, se desplazarían por las calles que conforman el predio de la Ex Esma escoltando una Virgen Abortera. Altar, una instalación de pequeño formato con distintas resignificaciones de vírgenes, san tos y una versión de Las tres gracias. Donde su contenido simbólico se ve revisitado des de las simbologías propias de las luchas por la igualdad de género y la diversidad sexual.

“Un ciprés para alcanzarte” (serie) El ciprés; al que considero imprescindible, su espiritualidad, la evocación de inmortalidad, de resurrección, la afirmación del “estoy aquí”. Los fragmentos; que transforman el sentido en forma. La interpretación como “momento de adivinación”.

Cristina Schiavi 1954. Vive y trabaja en Buenos Aires. Últimas exposiciones: en 2018 “Así,... quizás podría decir algo más” en Pasaje17; 2017 Cabinet, Arteba galería Miranda Bosch, “Un ciprés para alcanzarte” en CCK; 2016 “Esta extraña forma mía de aparecer” en galería Miranda Bosch; Dixit Arteba 2016, en 2015 la propuesta de la Bienal del Mercosur, la muestra “Es toy aquí” en el Centro Cultural Recoleta, Salón Nacional en el Palais de Glace. En 2014, “El Teatro de la Pintura” en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, “Desborde y mo dulación” en la Fundación Klemm en Buenos Aires, Organización y método, Pasaje 17. Lo bello, luego lo terrible, Museo La Ene, con Elba Bairon, Jorge Gumier Maier y Omar Schiliro (2013); Recovering Beauty, Museo Blanton, Texas (2011); Separados al nacer, Salón Na cional de Colombia (2011). Junto con los artistas Esteban Alvarez y Tamara Stuby dirigió el proyecto de residencias para artistas El Basilisco entre 2004 y 2009. Con el artista Juan Tessi realizó el proyecto Mark Morgan Perez Garage durante el 2009. Su trabajo forma parte de colecciones de museos como el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo de Arte Mo derno de Buenos Aires (MAMBA), Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO); Museo Franklin Rawson de San Juan, Museo de Arte contemporáneo de Bahía Blanca.

Como artistas vibramos con el color. El color altera toda percepción, todo pensamiento y toda existencia. Cromoactivismo le da la palabra al color. Cromoactivismo cree que el color no es inocente. Cromoactivismo apuesta a la emoción y al afecto. Cromoactivismo es una dinámica social. Cromoactivismo es una nueva construcción de las relaciones. Cromoactivismo es una interfaz entre la inteligencia individual y la inteligencia colectiva. Cromoactivismo es un ensayo micropolítico que logra un gesto sensible. Cromoactivis mo no acepta el monopolio de Pantone. Cromoactivismo busca la liberación del color. Cromoactivismo afecta la realidad con su carta de color. Pantone ¡NO! Tinte político ¡SÍ!

“Gris Plomo Nunca Más”

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Coordinan Cromoactivismo: Marina De Caro, Victoria Musotto, Daiana Rose, Mariela Sca fati y Guillermina Mongan.

CromoactivismoCromoactivismotienecomo

primer objetivo darle la palabra al color a partir de experien cias personales y colectivas, interviene poética y transversalmente en los acontecimientos político-sociales. Desde 2013 viene trabajado junto con colectivos, agrupaciones y escue las en acciones directas promoviendo encuentros de cartelismo (cromoactivaciones) en los que se realizan carteles (de cartón y pintados a mano) que luego se llevan a la calle o, en otras oportunidades, se producen directamente en el contexto en el que se realizará la Entreintervención.lasúltimas

activaciones de Cromoactivismo se encuentra el trabajo junto con la Co lumna Orgullo en Lucha en el marco de las dos últimas marchas del orgullo LGTTTBIQP y en la reciente acción por la legalización del aborto.

SOMOS CROMOSOMOS COLOR tu militancia poética.

Sabru Rastone, Cristina Vera, Zurie Alegre, Fiorella Jonte, Juanita, Cyntia Barrios y Silvana Torres.

“Cuerpas Ausentes”

Una cuerpa muchas almas, la posibilidad de la memoria en el terreno íntimo del barrio, una cuerpa que contiene a las Mujeres que el patriarcado nos arranca del paisaje, mujeres que si las nombramos algo se retuerce adentro. Que viven en el miedo de todas. Mujeres que murieron en manos de femicidas.

Cuerpas Ausentes

Es un colectivo de arte feminista que nace en Rio Gallegos el 16 de noviembre de 2018, con una primera acción donde recordaron a Elizabeth Adaro victima de femicidio. Pin tan murales situándolos en los lugares precisos o en un área cercana donde asesinaron mujeres víctimas de femicidio o transfemicidios, es un mapeo colectivo que atraviesa las ciudades, las provincias y los continentes.

Danielamisionero.

“Soy sur” Son la representación del suelo patagónico, parte de la historia del lugar. Reflejan una parte de la creadora con distintos sentimientos encontrados en cada una de las obras.

Las técnicas son libres, utilizando petróleo, tintas xilográficas, acuarelas, etc. sobre papel

Martínez Nace al norte de la Prov. de Santa Cruz. en Caleta Olivia, al sur de la Patagonia. Estudió en el Instituto Provincial de Educación Superior IPES, recibiéndose de Técnica Superior en Audiovisual. Continuó sus estudios con talleres artísticos y actualmente cursa el tercer año del profesorado municipal en Arte y Producción Visual. Ejerce como profesora de Plástica en colegios secundarios de Caleta Olivia. Paricipó de varias muestras e instalaciones.

Magna,“Camalotas”ancha,plena, unida baja por el viscoso marrón del río, la muralla, así la llaman en las islas, cuando asomades a la costa les ven venir. Verde, apretadas, ensambladas, anudadas soldadas, adheridas, articuladas, enlazadas unas junto a la otras, se funden configurando una defensa manifiesta en su marcha, lenta, contundente, húmeda, activa, de esto que trae el río, masa viva que lo habita, lo transforma y lo domina. Como toda marea

EntrerrianaDianaverde.Camposdelaciudad de Victoria. Artista. Docente. Lic. y Prof. especializada en escul tura. Desarrolla sus prácticas en territorio, llevando adelante proyectos colectivos, que se inician a partir de los elementos formales, visibles, de la comunidad que la convoca; artista y gestora del colectivo Arte In Situ: encuentros de Arte y Naturaleza. Artista y gestora de Asoc. Civil Taller Flotante. Militante del grupo de Mujeres “Orilleras”. Su trabajo artístico de obra individual es a partir del material de su zona litoraleña. Actualmente en la docencia se desempeña como Rectora y Prof. de la Esc. Sec. y Sup. de Artes Visuales. Victoria.

Diana Dowek

“Alambrado al rojo”

Nace en Buenos Aires en 1942. Estudia en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes M. Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Integra el grupo La Postfiguración entre los años 1979 y 1983. Artista militante sobre DDHH, ha contribuido a organizar y realizado numerosas muestras en torno a esta temática, por tal razón Amnistía Internacional de Argentina en 1989 imprime dos de sus serigrafías para ilustrar su campaña por los Derechos Humanos Contribuyó a fundar el grupo de Artistas Solidarios junto a Luis Felipe Noé, León Ferrari, Juan Carlos Romero, Adofo Nigro, Ricardo Longuini y Ana Maldonado. Es Miembro fun dadora de AAVRA, Asociación de Artistas Visuales.

En 2011 participa en la exhibición de Arte Argentino Actual en la Colección de Malba (19892010), en 2010 “Sintonías” Fundación Proa, en 2009 “Estados de la Materia” Fundación Federico Klemm, “A través de la Cordillera”, Museo Parque de las Esculturas Santiago de Chile. Realizó las últimas muestras individuales en 2017 en el Museo de ArteModer no,2015 en la Universidad de La Plata,2014 en la Fundación Federico Jorge Klemm,2013 en el espacio cóntemporaneo 30 en Malba Fundación Costantini. En 2012 recibió el Gran Premio Nuevos Soportes e Instalaciones del Salón Nacional y el Primer Premio Federico Klemm a las Artes Visuales. Su obra esta representada en las colecciones del FNA, Malba, Macro, Museo de Bahía Blanca, Museo de Arte Moderno MAMBA, Museo Nacional de Bellas Artes y en colecciones particulares.

Elba Bairon Nació en La Paz Bolivia. En 1967 se radica en Buenos Aires, la ciudad donde vive y tra baja. Estudió pintura china, grabado y litografía exponiendo desde los ´80 en muestras colectivas, individuales y bienales internacionales. Obtiene en 1984 y 1987 el Premio de Grabado para Artistas Extranjeros del Salón Nacional. Comienza en los ´90 a realizar relieves y piezas de volumen e instalaciones en el Centro Cultural Rojas, Fundación Telefónica, Centro Cultural Recoleta, Museo de Arte de Bahía Blanca, Instituto Italo Latinoamericano de Roma, Italia, Centro cultural Cándido Mendes, Río de Janeiro, Brasil, Art Bassel, Suiza, ARCO Madrid, España, Art Frankfurt Alemania.

ModeloRelievesrelieves como formas, módulos, segmentos que quizás hayan pertenecido a una o varias arquitecturas que imagino, las junto de manera azarosa, ordenándolas también de un modo amoroso como un nuevo reencuentro. El yeso es el material indicado: copia, calca todos los rastros de la arcilla.

Elda ProfesoraMunarenArtes

Las redes sociales se han convertido en un agente socializador y de transferencia cultural más importante del nuevo milenio. Sin embargo, el uso y abuso de la tecnología suele dar nos una ilusión de compañía sin las exigencias que supone la amistad presencial. Pueden llegar a ofrecer determinadas emociones placenteras que no las encuentras fácilmente en la vida real creando relaciones superfluas, frecuentes y poco profundas. El componente emotivo es excluido o reducido al emoticón. Esta forma de socialización virtual está cam biando de algún modo los valores de las personas que las usan.

Plásticas, especializada en Grabado. Fue directora del Museo de Be llas Artes “Ramón Gómez Cornet”. Actualmente, además de producir obras artísticas, se desempeña como gestora, curadora y montajista de exposiciones y acontecimientos culturales, gestiona y coordina clínicas y ferias de arte contemporáneo, y forma parte de la organización de las ferias del libro que se realizan en la provincia. Pertenece al grupo de fundadoras de “Ñan” (Asociación de Artistas Visuales de Santiago del Estero) e integra los colectivos artísticos y de gestión “Orquídeas y avispo hacen rizoma” y “Encontrarte”. Recibió premios, reconocimientos y selecciones en salones nacionales y provinciales.

“En la red”

La“Mamá”ideadela obra es mostrar cómo el patriarcado es ejercido por las mujeres, en este caso las madres. Para esto realicé una investigación en un grupo de amigas que me con taron lo que le decían sus madres en relación a lo que puede o no hacer una mujer. La obra consiste en generar una textura donde una frase que decía mi madre esté repetida y superpuesta. Formando un estampado sobre un papel de empapelar. A modo de empa pelado de fondo de cualquier casa.

Eleonora (Ea) Filippi Nació y estudió en Mar del plata. Durante 18 años vivió en Capital Federal donde se siguió formando y trabajando como docente. Estudió con Juan Doffo y durante varios años asis tió a las clases de pintura y clínicas de arte de Diana Aisenberg. Realizó varias muestras individuales y colectivas. Desde hace dos años vive y trabaja en Mar del plata. En 2018 obtuvo la beca de perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes.

“Norma, mamá de Idalí Guache Laguna” “Susana, mamá de Maria Guadalupe Perez Montes” “Perla, mamá de Jocelyn Calderon Reyes” De la serie “GUERRERAS, historias de resiliencia”

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Eleonora Ghioldi Nació en Buenos Aires en 1972. Luego de egresar del Colegio Nacional de Bs. As., es tudió sociología en la Univ. de Buenos Aires hasta emigrar a los Estados Unidos donde continuó sus estudios de fotografía en la Univ. de California (UCLA extension), Art Center College at night y Pasadena City College. Su carrera laboral comenzó imprimiendo el ex celente trabajo de los maestros. Reveló el arte de renombrados fotógrafos como Helmut Newton, Donata Wenders, Graciela Iturbide, Lauren Greenfield, Andy Summers, Steve Schapiro. Enseñó en UCLA extension y Pasadena City College. Los clientes clave incluyen DreamWorks Records, Blue Note Records, Adams Media, EON Editions, Sunday London Times Magazine, Les Inrockuptibles Francia y Argentina. Expuso en los Estados Unidos y Argentina incluyendo 777 Art Gallery, CC Recoleta, Exp. APA Traveling Award, Photo LA-Paul Kopeikin Gallery, Focus on Aids, Huckleberry Fund, John Cleary Gallery Houston, AIPAD Nueva York, Photo LA- Andrew Ward Gallery, Centro de Arte Contemporáneo, Ora et Labora, CC Ricardo Rojas, Polo Integral de la Mujer, Museo Evita.

Guerreras es un proyecto principalmente fotográfico, pero también tiene componentes de audio, entrevistas, testimonios e instalaciones. Con más de 50 imágenes y testimonios; desde el acoso sexual callejero hasta el feminicidio, incluyendo casos de esterilización forzada, y con mas de 15 entrevistas a profesionales expertos en la violencia de género; “Guerreras” contempla temas como violencia sexual y su relación con la desigualdad de género, el patriarcado, sexismo, capitalismo y globalización. Mientras las fotos y testimo nios tienen una visión individual y subjetiva, las entrevistas a profesionales intentan brindar un marco teórico y reflexivo del problema, sus raíces y manifestaciones a un nivel social.

“Archivo y memoria. Proyecto Entrañable”

“Entrañable” es una plataforma de proyectos e investigación artística en colaboración que lleva adelante el colectivo de artistas uruguayo-argentino Gabriela Larrañaga y Teresa Puppo. El trabajo propone develar zonas oscuras de la matriz social e histórica que nos constituye, como abordaje a la conflictividad del presente. A través de diversas prácticas artísticas interdisciplinarias y territoriales busca agrietar las memorias individuales e in dagar en los secretos familiares, historias mínimas invisibilizadas y ocultas que devienen traumas

Entrañablesocioculturales.[colectivo] Teresa Puppo es artista visual y escritora. Trabaja y utiliza distintos medios y soportes para la realización de su obra: la web, video y foto performance, objetos tridimensionales, instalaciones, acciones poéticas, intervenciones urbanas individuales y colectivas, cine experimental fotografía, dibujo, pintura, estampados, collages y también medios y sopor tes tradicionales como bastidores, telas, objetos, papel, etc. La elección del soporte, el formato y la técnica a utilizar siempre depende de la propuesta que plantee. Publicacio nes: “Santa Clara (Un espacio oscuro)”, narrativa, 2005, Editorial ARTEFATO, Uruguay; “Extravíos habituales”, narrativa, 2013 HUM, Estuario editora. Gabriela Larrañaga es artista visual. Licenciada en Artes Visuales, docente e investigadora (UNA), curadora independiente y coordinadora de proyectos. Realiza numerosas expo siciones individuales y colectivas, participa de proyectos en colaboración entre artistas de Uruguay, Alemania y Argentina. Produce obras en video, fotografías, pinturas e insta laciones. Desarrolla varios proyectos de coordinación y curaduría en colaboración entre artistas. “Proyecto La Mansión”, “Diálogo en Construcción” (FASE CC Recoleta, Minuto de Libertad en EAC Montevideo), ”Proyecto Entrañable” junto a Teresa Puppo (Museo Zorrilla, Montevideo). Coordina junto a Kekena Corvalán ”Escuela de Maestras”, es artista de “La Oficina Proyectista” produciendo una curaduría expansiva en Zona Proyectista, Ensayos para un parpadeo (CC Conti) y “Archivos Imposibles” en Fundación Lebhenson, entre otros.

Taller de grabado e Ilustración que funciona como colectivo gráfico y tiene como principal herramienta de expresión artística el grabado. Realizamos mesas de grabado en marchas como las del 8 de Marzo, Ni una Menos, Marcha contra los travesticidios y transfemici dios, Vigilia por la ley de IVE y otros eventos que nos interpelan.

“Archivo de la memoria trans”

Feminista

Esta obra tiene como objetivo visibilizar a la comunidad trans y reconocer el desarrollo de su resistencia histórica frente a las diferentes violencias que sufren las identidades de género no normativas. Trabajamos en conjunto con el Archivo de la Memoria Trans, ba sando nuestros grabados en algunas de las fotografías que consideramos son muestras representativas de una historia de lucha que nunca dejó de lado la ternura, la desfachatez y la Estampaalegría.

“La Falsa Familia” El empleo doméstico es de vital importancia en la cultura latinoamericana. Es realizado en su mayoría por mujeres pobres y migrantes y se caracteriza por su invisibilidad y con secuente falta de derechos adquiridos. Los objetos aquí presentados forman parte de una investigación artística de este ocio. Los trapos recolectados en colaboración con las trabajadoras domésticas de Nordelta son utilizados como tapizados en los respaldos de tres sillas de estilo. Los tejidos anteriormente utilizados para limpiar los objetos preciados se vuelven parte de ese objeto y el espacio doméstico gana lugar en la sala principal.

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Buenos Aires, 1982. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Estudió Licenciatura en artes Visuales en la UNA (2014). Anteriormente cursó tres años de la Licenciatura en Sociología en UBA (2004). Realizó clínicas y análisis de obra con Eduardo Molinari, Pa tricio Larrambebere, Nicolás Javaloyes, Kekena Corvalán y Grupo Etcétera. Talleres con: Nicolás Menza (beca), Eduardo Garavaglia (beca), Ariel Mlynarzewicz y Enrique Burone Risso (beca). Durante 2016 y 2017 participó como asistente del Lic. Nicolás Javaloyes en la Clínica de arte Clinamen. Durante 2015 participó de una residencia artística en Casa Placeres ubicada en el Cerro Placeres, Valparaíso, Chile; y en 2018 ganó una beca del Municipio de Tigre para participar de la Residencia URRA. Dirige un espacio de gestión autónoma llamado Taller Alsina artes & ocios en San Isidro. Recibió premios en el VI y VIII Salón de arte contemporáneo de San Isidro y quedó seleccionada en el SNAV 2018. Ex pone desde 2005 en distintos espacios de CABA y Pcia. de Bs. As.

Eugenia Mendoza

“No catalogados”

Fernanda Rivera Luque Nace en la Ciudad de Bs. As. en el año 1974. Realiza la carrera de formación fotográfica: Técnica en blanco y negro, Escuela de Fotografía San Isidro. Historia de la fotografía I y II, Eduardo Gil. Seminario de arte contemporáneo y clínica de obra, becada por el Fondo Nacional de las Artes años 2010/2011/2012. Licenciatura en Fotografía Artística Contem poránea Node Center, Alemania, año 2015. Diplomado de Fotografía Artística Contem poránea por Node Center, Alemania, año 2016. En 2001 se radica en Ushuaia. Creadora del taller de Fotografía Experimental Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Ushuaia y de “Espacio Documenta”. Se desempeña también como coordinadora y docente de la Escuela Argentina de Fotografía, Filial Ushuaia 2009/2015 y coordinado ra del Festival Regional Patagonia Sur Sur 2014/2016/2018. Realiza trabajos de gestión autónoma a partir del año 2009. Expone colectiva e individualmente a nivel provincial, na cional e internacional, así como en el CC de la Cooperación, CABA, 2012 y en el Festival de la Luz, Museo de la ex Estación Ferroviaria, San Luis, 2014. Feria Internacional de arte ARTEBA edición 2015, CABA. Festival Internacional de fotografía analógica, complejo Cultural Santa Cruz, Río Gallegos, Santa Cruz, año 2015. Festival de la Luz Complejo Cul tural San Martín edición 2016, CABA. Conciencia de Culpabilidad, Casa Beban, Ushuaia, Tierra del Fuego, “Vivir en el extremo”, Ministerio de Cultura de la Nación Argentina, 2017. IV Bienal de Fotografia en Puebla, México, 2017. Seleccionada en el Salón Patagónico en Vietma, Río Negro, 2017, Festival de Fotografía Patagónico Sur Sur, Museo de arte Con temporáneo de Salta, 2018. Seleccionada en el Salón Nacional de Junín, 2018. Bienal de Fotografia Documental, Tucumán, 2018.

En las editoriales encontrar un libro que esta fuera de catálogo es dar con un ejemplar que alguna vez se editó y que luego quedó fuera del circuito de comercialización. Sentí que las personas que documentaba, bajo la forma y las marcas de su piel, también eran como aquellos libros, pero ellas estaban fuera del circuito de integración social, en la periferia de lo autorizado, al costado del camino. La naturaleza, también, nace, crece, se ve, no se valora, se importa, se comercializa. Sosteniendo mi trabajo con el pensamiento del filosofo Bordieu en su famoso libro “Cosas dichas” comencé a jugar ensamblando un sujeto y un campo para armar dípticos entre las imágenes de personas y de la naturaleza.Tales des cubrimientos hacen patente que para los medios editoriales no hay temas insignificantes o indignos. Son precisamente estos los que ayudan a entender cómo en cada sociedad la jerarquía de los objetos de estudio o las estrategias del prestigio científico pueden ser cómplices del orden social. En el acto fotográfico, lo que un profesional escoge como fo tografiable revela qué es lo que considera digno de ser solemnizado, aprobando las con ductas socialmente aceptadas para él y desde qué esquemas lo percibe y aprecia lo real.

Florencia Fernández Frank Su trabajo interdisciplinario y colectivo articula la construcción de pensamiento crítico, el despliegue de metolodogías y materialidades artísticas como herramientas de investiga ción y una labor investigativa situada. Vive y trabaja en Buenos Aires y ha desarrollado proyectos y actividades en distintas provincias de Argentina (Salta, Jujuy, Tucumán, Men doza, San Juan, Córdoba, Santa Fe) y en México, España, Croacia, Alemania, Austria, Francia, Bélgica, Estados Unidos. Es artista, docente y gestora cultural. Su obra incluye pintura, dibujo, instalaciones, textiles, acciones participativas, obras colectivas, poesía vi sual e ilustración. Es docente en la UNA desde 1998, en las cátedras Molinari de Taller Proyectual de Pintura y de Lenguaje Visual para Artes del Fuego. Coordina junto a Gabriela Messuti desde 2013 Obrador Taller de experimentación visual.

Una instalación donde están presentes los trajes que acompañaron y acompañan mis acciones participativas y mis obras en proceso en un espacio para habitar con otros.

La instalación se completa con un cronograma de invitaciones a otres artistes a hacer/ compartir conmigo y el público.

Esta instalación participativa se enmarca en el cuerpo de obra que vengo desarrollado.

“Mesa de trabajo”

“Que al menos queden sus nombres”

Desde hace aproximadamente dos años estoy trabajando con el tema de los femicidios en Argentina. Es una obra visual acompañada de un registro (literal) de las muertes. Estoy inmersa en un doble proceso que resulta lento, pero sostenido y sistemático: modelar flo res una por una por un lado y asentar nombres de víctimas de la violencia machista por el otro. La producción artística ha ido pasando por diferentes soportes y me propongo aquí mostrar diferentes partes de ese recorrido generando una obra nueva.

Florencia Melo Nació en La Plata en 1968. Lic. en Artes Plásticas con orientación en Cerámica, completó sus estudios y se desempeña como docente e investigadora en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Participó en numerosos encuentros, congresos y simposios. Se desempeñó como jurado en varios certámenes de la especialidad. Participó de muchas exposiciones colectivas y salones. Realizó numerosas muestras individuales: MACA Junín, Espacio Fundación OSDE de La Plata, Museo de Bellas Artes Emilio Pettoruti, entre otras.

Artista visual, Lic. en Artes Visuales, docente e investigadora (UNA), curadora indepen diente y coordinadora de proyectos. Realizó numerosas exposiciones individuales y co lectivas, participó de proyectos en colaboración entre artistas de Uruguay, Alemania y Argentina. Produce obras en video, fotografías, pinturas e instalaciones. Desarrolló varios proyectos de coordinación y curaduría en colaboración entre artistas. “Proyecto La Man sión”, “Diálogo en Construcción” (FASE CC Recoleta, Minuto de Libertad en EAC Monte video),”Proyecto Entrañable” junto a Teresa Puppo (Museo Zorrilla, Montevideo), coordina junto a Kekena Corvalán ”Escuela de Maestras”, es artista de “La Oficina Proyectista” produciendo una curaduría expansiva en Zona Proyectista, “Ensayos para un parpadeo” (CC Conti) y “Archivos Imposibles” en Fundacion Lebhenson, entre otros.

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“Día y Noche” Se toma el modelo tradicional de representación de las maternidades o “Madonnas” en el arte para interpelar la idealización del rol; planteando la invisibilidad y complejidad del tra bajo de maternar en paridad con el de una mujer artista. A través de una serie de retratos fotográficos realizados en estudio, la artista recorre y manifiesta a lo largo de una jornada de trabajo distintos roles, estados y emociones. Gabriela Larrañaga

Proyecto “Capa de empoderar”

Pieza textil, tapiz con formato de capa, adaptable al cuerpo de la persona que se la colo que, en forma individual o grupal. Presentable suspendida a modo de tapiz, o sobre sillón, o portada en acción performática por la autora, o bien colocada en el público asistente, empoderándose con la capa, desarrollando sus posibilidades lúdicas y rituales. Expresa creencias del pensamiento andino de los originarios precolombinos y el “nahüalismo” o sea el poder animal incorporado a los humanos, en este caso, muchos canes como figu ras en el tapiz, como almohadillas o formas exentas. Gloria Polo Artista visual independiente. Expuso en Argentina, Paraguay, Brasil, Nueva York, París, Chanciano Terme (Italia), Madrid, Sevilla y Londres. Transita en el arte por tamaños, forma tos y técnicas diversas. Activa experimentadora e investigadora en su hacer, busca salir de los paradigmas del arte, convencionalismos y normas, para instalarse en expresiones vinculadas con mitologías y un pensamiento visual americanista. Doctora en Investigación Artística, Licenciada y Profesora en Artes Visuales. Académica delegada por Formosa en la Academia Nacional de Bellas Artes. Distinción “Personalidad destacada de la Cultura” en Formosa.

“Tiempo, sentido de pertenencia, pasión y soberanía”

Guadalupe Fernández

Principales exposiciones: 2018; “Picnic”, Casa Matienzo y “La Mandrágora”, Museo Mu ñiz. 2016; “el rancho okupa” en CASA TOMADA, CNB. 2013; “Pasión y Soberanía”, Ga lería A. Bustillo, BNA. 2008; “Fulgor”, Galería Masottatorres. 2009; “Tiempo” CC Recole ta. 2006; “Metafísica Salvaje”, Papelera Palermo. 2001; “Despejado”, CC Ricardo Rojas. 1999; “Las seis diferencias”, Galería Del Infinito. 1992; “Las Escenas Mitológicas”, Espacio Giesso. 1991; “La Conquista”, CC Recoleta y “Summertime”, CC R. Rojas.

Nace en Buenos Aires 1971. Se exilia junto a su familia en Estocolmo, Suecia. Regresa en 1984 y comienza la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”; se recibe en 1993. Continúa su formación en taller particular de Liliana Maresca y como asistente de Marcia Schvartz (1990-1997). Ejerce la docencia en talleres de arte para niños en instituciones públicas y privadas y dicta clases junto a Marcia Schvartz en CC R. Rojas, Escuela Superior de Bellas Artes E. de la Cárcova y UNA sede Las Heras (1995-2019).

Premios: 2017; primer premio en Pintura, Banco Central. 2008; beca nacional en Pintura del FNA. 2007; Bienal de Bahía Blanca, tercer premio. 2004; subsidio Fondo Cultura BA.

Los cuatro grupos básicos de alimentos para la Mujer Salvaje: Tiempo, Sentido de per tenencia, Pasión y Soberanía. Son los que mantienen limpio el río. En este paisaje, cito el texto de Clarissa Pinkola Estés “Mujeres que danzan con los lobos”, una recopilación de mitos y relatos populares que recrean el mito de la Mujer Salvaje, esa fuerza-hembra que habita en todas las mujeres cuando dejan de temerle a su poder.

77 “New Guadalupereligion”Piqué

Jackie Simsolo Se formó en escultura en los talleres de los maestros Leo Vinci, Antonio Pujía y Jorge Gamarra. Realizó una pasantía en el “Studi di Scultura Nicoli” en Carrara, Italia. Participó de numerosas exposiciones colectivas, individuales en el Sofitel Arroyo. Formó un duo de trabajo en el año 2008, realizando varias muestras en la Galería Sara García Uriburu, Mu seo de Luján, CC Islas Malvinas y CC Paco Urondo. Fue seleccionada en distintos salones y recibió algunos premios y menciones.

Una“Kryptonita”metáforadelpoder de la marea verde apela a un clásico del comic poblado de íconos de la cultura de género. La kryptonita, el cristal que vulnera los poderes de Superman, relata un ahora y un juego hacia el futuro. Esa explosión de cristal verde en la cabeza de la mujer la transforma a ella misma en kryptonita.

Proyecto “Oxígena”

Tres piezas de cestería bordada, con formato de abanico (conocido con el nombre de pantalla en Formosa, Paraguay y zonas aledañas), capaz de ser usada a modo de dar aire, como acción personal de oxigenación suponiendo que la situación actual de las mujeres representa una gran asfixia; denotando en los actos de autocuidado la capacidad de en contrar las maneras de resistencia y transformación. En los bordados se utiliza elementos del imaginario feminista sobre este objeto de uso exclusivo de la mujer.

Jessica Beard

83 “La Juananoche”Elena Diz

“Baños Contemporáneos JqfL”

“Los cuerpos no solo tienden a indicar un mundo que esta más allá de ellos mismos; ese movimiento que supera su propios límites, un movimiento fronterizo en sí mismo, parece im prescindible para establecer lo que los cuerpos «son»”. Judith Butler, Cuerpos que importan. Prácticas artísticas como modo de transformación hacia otros espacios, que construye imágenes de sujetos posibles y generan puentes que irrumpen cierto orden social y legiti man acciones colectivas que dibujan nuevos mapas de cosas comunes.

JuevesquefueLunes [colectivo] Colectivo de artistas contemporáneas, mujeres. Nos reunimos para leer, estudiar, con trastar, criticar. Estas reuniones generan lazos y cierran grietas. Habitamos la voz de la experiencia vivida y la constante lucha por el lugar femenino en diversos ámbitos. Per seguimos generar nuevos espacios de reflexión mediante la intervención participativa, la materialización de una necesidad y la visibilizacion de la mujer en la esfera cultural toman fuerza colectiva como medio de inclusión de géneros.

Julia LicenciadaIsidorienArtes

La“Agenda”obraconecta

Visuales con orientación en Pintura de la Universidad de Río Negro y doctoranda en Teoría Comparada de las artes de la Universidad Nacional de Tres de Fe brero. Vive en Río Negro donde participó de muestras colectivas en espacios cerrados de exhibición y espacios públicos. En Neuquén participó de la III Bienal de Arte Contemporá neo curada por Fernando Farina y de la muestra Sala Propia curada por Kekena Corvalán.

el espacio exterior de la muestra con una acción de sala pensada para el Espacio de Arte Franco Venturi buscando señalar la evanescencia de las denuncias de vio lencia del presente frente a las legitimadas de genocidios pasados. Así como del genocidio de la última dictadura, el Estado es responsable del genocidio creciente de mujeres hoy y, sin embargo, cada grito se evapora, se desvanece, como la pintura o como las burbujas.

“Señalética para volver”

“En el país del no me acuerdo doy tres pasitos y me pierdo…”. M. Elena Walsh

Julieta Sacchi Nacida en la ciudad de Neuquén, es Artista Visual y docente. Egresada de la Escuela Su perior de Bellas Artes “Manuel Belgrano” de esta ciudad. Ha realizado numerosas mues tras colectivas, murales, obras de site specific e intervenciones en salas y en espacios públicos de ciudades de las provincias de Neuquén y Río Negro. Fue seleccionada por el FNA para realizar diversas clínicas y becas de perfeccionamiento. Actualmente participa con una obra colectiva de la Muestra “Sala Propia” (MNBA) curada por Kekena Corvalán.

En un contexto donde nos han arrebatado la democracia, el trabajo, la dignidad y los derechos es necesario retomar un camino que parece haberse desvanecido. Con mujeres como guía estas señales nos marcan un retorno posible al país que alguna vez habíamos empezado a construir.

EstudióKarina“^^^^^^”PeisajovichenlaEscuelaNacional

de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en el taller de Ahuva Szlimowicz. Participó en residencias para artistas como la Beca Kuitca en Fundación Proa y Art Omi en NY. Obtuvo un subsidio a la creación otorgado por el Fondo Nacional de las Artes y la beca Comisión Fulbright/Fondo Nacional de las Artes con la cual participó en el International Studio and Curatorial Program en NY en el año 2002. En el 2012 recibió el Premio Konex a las Artes Visuales en la categoría instalación. En 1997 creó “Solocolor”, un taller concentrado en el estudio del color y en 2014 “Ni lleno, ni vacío: investigaciones sobre el espacio”, taller que formó parte del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella. Participó en la 7ma Bienal del Mercosur Grito e Escuta y en la Bienal de Lodz en Polonia.

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De“Latente”niñasiempre me interesó la arqueología. Existe una preocupación por buscar el rastro, el relato trasmitido, rescatarlo. En mi trabajo, este proceso se repite de distintas maneras y le da sentido a lo que busco a través del arte. No todo se desvanece en el tiempo mientras la memoria actúa. A partir de un viejo archivo quemado nace esta obra. La intención de sostener lo inasible. Un territorio negro aparece. Papel quemado, cenizas, rastros de palabras y oscuridad. Fragilidad y resistencia dialo gan en dos tiempos: pasado/presente. Karina Plensa Nació en Córdoba en 1971. Arquitecta egresada en la Universidad Nacional de Córdoba (U.N.C.); inició su formación como artista en la escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Fi gueroa Alcorta. Durante los años 2000 a 2004 asistió al taller del artista Juan Canavesi. En el año 2012, fue seleccionada por el Artboomerang, Programa Federal para las Artes (CCEC), con la dirección del curador Daniel Fischer. En el año 2016, realizó la “clínica de obrar” con la dirección del artista Fabhio Di Camozzi. Expuso individual y colectivamente en la Ciudad de Córdoba e interior del país.

Las Guarangas [colectiva] Integrada por siete artistas y docentes de artes visuales de San Luis, surgió del encuentro de ideas y acciones que resultaron en muestras y experiencias en relación al cuerpo / territorio / Guarangasnaturaleza.esdescolonizar y reivindicar este término despectivo que hace referencia a una mujer cuando actúa contraria a los mandatos establecidos.

Artistas: Andrea Imberti, Azucena Orozco, Laura Elgueta, Luciana Bertellys, María Pecile, Neda Olguín Frontini, Silvana Spagnotto.

“El reposo de las guerreras”

El tiempo que muchas veces las mujeres llamamos libre es, en realidad, tiempo para los otros/as; nos genera culpa y angustia. Somos educadas para cuidar a los demás. El tiem po compartido en esta experiencia fue un momento de hermandad, para conectarnos con nosotras mismas, como un acto de rebeldía frente a los mandatos que el sistema nos impone cotidianamente. Reposamos y disfrutamos de nuestros cuerpos libre en la natu raleza, para volver a conectar con esa sabiduría que nos ha sido negada. Así afirmamos el sentido político del tiempo libre como un reivindicativo del movimiento de mujeres.

La máquina de coser y mi propia mano; las herramientas con las que dibujo puntadas, hilos y nudos, mujeres que en su transitar se manifiestan y me convocan, me representan.

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“Dejando huellas”

Un movimiento, una “marea verde” transversal, sonora, anudada, que se expresa, me conmociona y emociona siguiendo los hilos de la vida y de la historia. Lidia González Médica pediatra y artista visual, nacida en Cnel. Dorrego, 1955. Transitó por distintas téc nicas y talleres: Dibujo y pintura con Elena Cesar, Norberto Marcet; Arte textil con Viviana Debicki, Marian Civik; Taller y Clínica de obra con Ariela Naftal; Fotografía con Ariel Feld man; Fotograbado y clínica de obra con Graciela Buratti; Arte digital con Florencia Belotti.

Se presentó en distintas muestras y salones con obra textil y ha recibido premios y men ciones en los años 2017y 2018.

De la serie “Marea Verde”

Las imágenes de miles de mujeres movilizadas, manifestando, transitando la historia de feminismo que sigue reclamando con potencia y voces jóvenes captadas en fotografías fueron la puerta de entrada a un dibujo en movimiento.

Pocha es una compañera trans que nos regala una sonrisa como muchas compañeras en las marchas. La sonrisa como estandarte que nos une a todas.

“La Pocha” De la serie “De los abrazos”

Lorena Itatí Galarza Nace en Corrientes y allí transita su infancia. Llega a Buenos Aires a los 11 años. Actualmen te vive en Villa Celina, La Matanza. Madre de 2 niños. Trabaja como educadora popular en el programa Puentes y se desarrolla como artista visual en la cooperativa Malón Octubre.

Rechazamos una editorial periodística sin firma, que es siempre voz y responsabilidad del medio que lo publica. Repudiamos, de manera urgente, todo acto de violencia instalado desde los medios hegemónicos sobre los derechos y los cuerpos de las niñas y mujeres. Un artista es siempre sensible a los relatos y no debería morigerar los discursos de una minoría dominante, sino organizarse y habilitar siempre un lugar desde donde construir contrahegemonía. Es por ello que esta obra estaba acompañada por afiches y pegatinas que el público podía retirar de la muestra invitando a romper los límites del espacio expo sitivo y expandirse colectivamente en acción.

El 1ero de febrero de 2019 un matutino argentino publica el editorial “Niñas madres con mayúscula”, buscando sostener desde allí la continuidad de un relato donde la historia les pasa por al lado e imponiendo un discurso que va en contra de la legislación vigente.

Lucía Bianchi y Silvana Castro Nacen en Argentina. Son artistas visuales, docentes e investigadoras formadas en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Desarrollan su obra conjunta mediante la con vergencia del grabado, el arte impreso, el dibujo y la fotografía. Incorporan las poéticas contemporáneas a partir del uso de diferentes formatos y soportes, proponiendo diversos modos y variadas lecturas mediante la producción de piezas gráficas y ediciones alterna tivas. Han participado de distintas muestras a nivel nacional e internacional, accionando los últimos años y de manera conjunta en el entorno urbano.

101 “Talle 12” De la serie “Cuerpos y Territorios”

Y una se pregunta ¿A quién defiende esta vez el matutino mitrista? ¿Qué intenciones lo mueve a desentenderse de que una niña embarazada es una niña violada? La respuesta es clara, cuando sabemos que el embarazo infantil está íntimamente ligado al abuso y la maternidad forzada es una forma de tortura.

Obra gráfica. Impresión directa sobre soporte textil, conformando la edición de 12 reme ras básicas, de distinto color, talle 12.

S/T De la serie “Objetos inútiles” Es una reproducción fiel de un objeto cotidiano, asociado casi naturalmente al hacer fe menino. Esta hecho a mano, con manos que necesitan hacer. Cuestiono estos haceres, no los entiendo.

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Lucía Pellegrini Buenos Aires, 1978. Asistió al taller de pintura de Marisol Jindra. Realizó Clínica de Obra con Claudia del Río, Leticia Obeid, Marina de Caro y Daniel Fischer. En 2018 participó del Concurso de Artes Visuales FNA. NOFOTO 2018, Nice, Francia. En 2018 y 2015 obtu vo una Beca Creación del FNA, fue finalista del Premio Itau, CNB. Expuso en Materiàux Mixtures, Nice Francia. En 2017 formó parte del Staff de Galería Praxis, fue seleccionada en el Concurso del FNA y expuso en Salas Federales, CFI. Opera Prima, CNB. 105° Sa lón Nacional, Escultura. Obtuvo el 1° Premio en el Salón Provincial de Chubut. En 2015, “Mención Especial de Jurado”, en Escultura, 104° Salón Nacional de las Artes. En 2014 fue seleccionada en el LXVIII Salón Nacional de Rosario, Castagnino + Macro y en BRA 2014, Bienal Regional de Bahía Blanca. Vive y produce su obra en Puerto Madryn, Pro vincia del Chubut.

“Estar ahí” Fotografía 2018 Es una foto, cerámica y también registro de acciones. Mi cuerpo aparece como un ele mento más, entre las cerámicas. Me interesa pensar que el origen o principio es conflicto, la herida. Y cómo, al asumir que las posibilidades más próximas de la materia tienen que ver con esto, vuelvo a confiar en la práctica como búsqueda, no como saber.

Luciana Poggio Schapiro

Nace en 1981 en la Ciudad de Buenos Aires, artista visual y educadora social. Actualmen te espera defender su tesis de grado en la UNA. Realizó clínicas de obra con Ana Gallardo y Marina De Caro y participó del taller Jardín de las delicias de M. Pizzani y L. Codega. Participó en varias muestras colectivas, entre ellas, “Todo fue otra cosa”, espacio Mildred. LaPlata, activación en muestra “la Favorita”, Galería Selva Negra; “Fuego Sagrado” Mu seoProvincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti” de La Plata; Performance “Vaciado” en muestra Autogestión del cariño, de J. Giordano C.C. Recoleta. También en el Museo de las Mujeres, C. de Córdoba, y en La Verdi, CABA. En el 2015 fue finalista en el premio Itaú cultural a las artes visuales.

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“Santas Maricas, Tortas y Travas” Íconos, mártires y todes aquelles que han luchado, santificades de igual manera dentro de los bolsillos de una comunidad desterrada de lo sacro.

Lucy AsignadeBruniardmujerbajo el nombre de Lucía Bruniard en el año 1994 en una familia hetero parental católica de clase media, que se convertiría en un matriarcado evangélico pente costal tras la disolución del matrimonio. Graduade del Profesorado de Artes Visuales de REA en 2017 y estudiante de la UMSA en la Licenciatura de Artes Visuales. Investiga y estudia la disidencia sexual y de género desde su obra y su identidad, centrándose en el comportamiento de la comunidad LGBTTTIQANB+.

Ha expuesto en el Museo Nacional, el Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca, en el Museo Castagnino y Macro de Rosario, en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

Admiro lo que hacen y piensan los artistas que, en cualquier parte del mundo y en cualquier momento de la historia, producen un objeto que me representa, me expresa y me define.

Magdalena Jitrik (1966) Nacida en Buenos Aires, vivió en México desde 1974 hasta 1987 en donde estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Participó del Programa de arte de Guillermo Kuitca, Fundación Antorchas (1991-1993) y en el Programa TRAMA (2000). Obtuvo el Subsidio a la Creación Artística de la Fundación Antorchas (2001).

El proceso de producir arte como forma de conocimiento y comprensión de la realidad. El arte como resolución de problemas, como medio de interrogación.

Sus principales exposiciones/proyectos son Manifiesto (1995), Revueltas (1997), Desobe diencia, (1999), Ensayo de un Museo Libertario (2000), Socialista (2001), Fondo de Huelga (2007), Red de Espionaje (2009), Templo (2010), Vida Revolucionaria (2012, 2014, 2015), Linterna Internacional (2012) y El Fin, el Principio (2013), Pintura Moderna (2014), Imagi nación Moderna; Sonderkommando (2015), Vanguardia/América; The Excellent Foreign Trench-Coat Company (2016), Venceremos; Soviet (2017), El Silencio; La superación de la guerra (2019). Integró el grupo fundador del Taller Popular de Serigrafía (2002-2007).

Me interesa el arte como transformación de la materia, como medio de concretar lo imagi nario, como medio de subrayar lo real, como transformación del individuo y de la sociedad.

“El fin, el principio” Intento trabajar y vivir en el ámbito del arte y de ser sensible a sus manifestaciones.

Fuera de Argentina ha expuesto en Francia L’abstraction et ces territoires (1998), Filles indignes de l’Art Concret (2000), Dechirures de l’Histoire (2003), Individuell-collectif (2004), Retour sur L’Abîme -L’art à l’épreuve du génocide (2015). Participó en las bienales de Porto Alegre,Thessaloniki, la Trienal Poligráfica de Puerto Rico, Estambul, Manifesta 9 en Genk-Bégica y Coimbra-Portugal; Encuentro Nacional de Artistas, Cali-Colombia y Feti ches Críticos, del Espectro Rojo, que se realizó en Madrid y México DF. y La Protesta, arte y política en Argentina en Guadalajara; expuso también en Askeaton y Limerick en Irlanda. Expone en las galería Walden en Buenos Aires y Luisa Strina en San Pablo.

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La obra parte de la búsqueda de las sensaciones de la infancia, como la nostalgia, el juego, lo bello y la inocencia no tan ingenua. Uniendo mis profesiones: licenciada en obs tetricia y artista, incorporé elementos como la gasa y las suturas quirúrgicas. Conectarme con el nacimiento de estas pequeñas piezas me permitió luego transformarlas en grandes estructuras. La lectura y la investigación dieron paso a lo femenino más allá del género. Muñecas desde su forma o “desforma”, con cabezas o sin ellas, con estructuras frágiles pero fuertes. El cuerpo como herramienta. Decir desde la imagen. Trasvasar la estructura social para reinventarse. Majo Prieto Lic. en Obstetricia de la UBA. Participó en múltiples congresos nacionales e internaciona les, en carácter de panelista, discutidor y relator. Coordinadora del Curso para Obstétricas, SOGIBA. Integrante del Equipo Adolescencia del Sanatorio Franchín desde el año 2011. También realizó la carrera de Técnico Superior en Periodismo, TEA. En 2009 comienza el taller de Guillermo Roux y actualmente sigue estudiando y participando de encuentros de clínica y reflexión con Alejandra Roux y en talleres de escultura con arcilla, plástico y poliuretano con Lili Esses. Formó parte de diferentes muestras colectivas e individuales en galerías; entre ellas: Laura Haber, Isidoro y Museo Sívori.

“Les Ñeñes”

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Maloneras [colectivo]

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Mientras“Impunidad”losnombres de las mujeres asesinadas serán proyectados sinfín sobre las pare des, una antigua balanza de platillos cuelga del techo delante de dicha proyección.

Formado por once artistas parte del grupo Malón Octubre, creado en 2017. Las artistas son: Liana Strasberg, Jackie Simsolo, Lidia González, Adriana Albi, Clara Ortiz, Gladys Silva, Marcela de Cock, Silvia Millet, Silvia Creo, Silvia Battistuzzi y María Pichot.

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La“reVeladas”obracuestiona las implicaciones de lo que es ser una mujer afrodescendiente (negra) en Argentina, donde la inequidad de género y el racismo están naturalizados y donde la cultura negra ha sido negada e invisibilizada. Interroga las representaciones racistas y se xistas que han tenido los cuerpos de las mujeres a lo largo de la historia y las estructuras, los mitos, discursos y silencios que han acompañado a la historia y a la identidad nacional; puesto que en Argentina, la historia de la construcción del Estado Nación, basado en la homogeneización cultural y en la exaltación del hombre blanco europeo, logró invisibilizar y silenciar diversos grupos étnicos, instalando en el imaginario social y colectivo la capa cidad de negar a los otros (no hay negros ni indígenas). Este ocultamiento, desarrollado desde la génesis de la Nación y logrado con cierto éxito, relegó a la población negra e indígena al lejano pasado, negando sus aportes culturales e históricos a la construcción de la identidad nacional. Mar Díaz Nació en 1980 en Bogotá, Colombia. En 2006 se gradúa como Licenciada en Artes Plás ticas y Visuales de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. En 2013 migra a Argentina con la finalidad de formarse como Arteterapeuta en la Universidad Nacional de Arte y así mismo estudia fotografía en la Escuela Quinquela Martin. Activista visual afrodescendiente. Integrante de Tertulia de mujeres Afrolatinoamericanas (TeMA), Tejiendo miradas (mujeres fotógrafas), Revista Africania y del Dúo fotográfico “Díaz con Paz”.

Navego hacia la memoria con el tejido. Los bordados son la voz de la memoria. Traigo voces viejas de mujeres, para crear nuevas, mujeres y voces, como si fuera un estado de encuentro que se determina en una cosa o en otra o en otra. No es el contenido es el camino, el proceso, el proyecto con carácter de mutante infinito. Como elaboración colectiva del sentido.

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Trabaja en el arte de manera paralela a la docencia. Desde hace varios años, trabaja en obras que se cruzan con el bordado, la perfomance y la poesía.

Mara Paz Estudió Artes Visuales en la Esc. Prov. de Bellas Artes F. Alcorta y Profesorado de Edu cación Especial. Actualmente cursa la Lic. en Artes Visuales en la Univ. del Museo Social Argentino y la formación en Arteterapia. Ha participado en muestras individuales y colecti vas en Argentina, Cuba y Brasil. Formó parte del colectivo de Artistas “Hilando las Sierras”.

“A las siestas, salíamos a buscar nidos de víboras con palos largos”

fesionario (Masturbatorio)” hurga en la memoria, llevando a lxs espectadorxs hacia el re cuerdo de una de las acciones más intrínsecas de la religión católica: la confesión.

En 2008 funda PINTATETÚ!, una escuela multidisciplinaria de exploración dedicada a la enseñanza del arte contemporáneo para niños. Además de crear, en 2014, el primer es pacio de exposición de Villa Ballester, llamado PUNTO.

La institución religiosa, cuya persecución ha restringido y violentado la soberanía de los cuerpos, pasa a ser el objeto de interés de Mara Verena, quien a través de la pieza “Con

FASE4. CC Recoleta, 2012. NEMPLA (Espacio de música popular), 2011. DeMi. Espacio Devoto, 2011. Distinciones: Beca Cazadores, 2016. Premio Fundación Williams de Arte Joven, 2015.

De esta manera, la artista busca exponer el sometimiento, la relación entre el flagelo, la culpabilidad y el deseo. Mientras que manifiesta una postura irreverente y subversiva, al revelarse contra el sistema que propone estas dinámicas sociales y creencias, mediante el lema “me confieso y me masturbo al mismo tiempo”. La confesión no existe, así como tampoco el pecado.

“Confesionario (Masturbatorio)”

Mara Verena

Exposiciones colectivas: Arte Joven, Fundación Williams. Museo Quinquela Martín, 2015. “Refugio”. Galería PUNTO, 2015. Grupo COSMOS. Fundación Cherry Breitman, 2013.

En 2018 termina sus estudios de Lic. en Artes Visuales en la Universidad del Museo Social Argentino (tutora de tesis: Kekena Corvalán). Asistió a talleres con figuras como Leo Vinci, Ernesto Pesce y Fabiana Barreda. Además, participó en diversos eventos como asistente de Helmut Ditsch.

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Este objeto contiene 5 fotografías de una performance en la que me iba sacando los pe dazos de piel que se caían de todo mi cuerpo. Son tomas directas, foto analógica blanco y negro, sin retoques. Para simular la piel me cubrí el cuerpo entero con plasticola y la dejé secar. Si bien no es mi piel real la que se desprende, fue bastante doloroso. Estoy de frente, como un objeto de estudio. Las fotos están en una caja de madera, suje tadas solamente por una tira de metal a la altura de los ojos, es casi un gabinete científico. Hay una mujer desnuda, tan expuesta que ni piel le queda, siendo observada y documen tada con frialdad mientras su piel, su última protección, se cae. Ella está sola pero está claro que hay otres, los que la miran, los que hacen el registro. Prefiero no decir mucho más porque es muy claro el lugar donde pone al que mira, creo. Hoy creo que el título de la obra debería haber sido: objeto de estudio.

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“Caja #1” De la serie “De la piel”

Premios (selección): MINI-BMW, primer premio, 2004; “Leonardo” otorgado por el Museo Nacional De Bellas Artes, 2000; Becas de Fundación Antorchas y del Fondo Nacional de las Artes; “Artista Emergente 1996”, Asociación Argentina de Críticos de Arte.

Marcela Mouján Su obra es parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes; MALBA, Co lección Costantini; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMBA; Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, MACRO; Daimler Collection de Alemania y de numerosas colecciones en Argentina y el exterior. Participa en más de 100 muestras y representa a Argentina en la Bienal de la Habana en 1997 y en la Bienal del MERCOSUR en 2001.

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Esta serie de serigrafías las realicé en base a mi obra “Nuestro Río de Sangre” creada después de la sanción de la Ley de Obediencia Debida y Punto Final en Argentina. Fueron exhibidas en diferentes museos del país, el Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo Navarro”, el CC de la Memoria Haroldo Conti, entre otros, y luego las doné para que formen parte de su patrimonio.

Obtuvo los premios: Gran Premio de Honor Banco Central de la República Argentina, 2015; Gran Premio de Pintura, Salón Nacional, 2013; Primer Premio de Pintura Banco Nación, 2012; Primer Premio Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano, 1992.

Premio KONEX de Platino-Pintura 1997-2001, 2002; Primer Premio de Pintura Constanti ni, MNBA, 1998; Primer Premio de Dibujo Salón de Santa Fe, 1998.

Marcia Schvartz

“El río es nuestra sangre. Nuestro río es de sangre”

Dentro de sus exposiciones más relevantes se encuentran: “Del tren fantasma al infierno”; MNBA Neuquén, 2019. “Ojo” Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, 2016. “Marciamundi” en la Casa Central de la Cultura Popular, Ministerio de Cultura de la Nación, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, 2015; “Zoolatrías y entidades extrañas” en el Pabellón de Bellas Artes de la UCA, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, 2013; “Pasionaria” en el Espacio de Arte Fundación OSDE, Rosario, Argenti na, 2011; “Fanfarria” en el Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo E. Navarro”, Tucu mán, Argentina, 2009; “Fondo” en la Galería Rubbers, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, 2009; “El ánima” en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina; “Joven Pintora (1975-1985)” en el Museo de Artes Plásticas “Eduardo Sívori”, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, 2005; etc. Participó de las siguientes bienales: Bienal de Venecia, Pabellón Argentino, Venecia, Italia, 2011; Bienal Internacional de Johannesburgo, Johannesburgo, Sudáfrica, 1995; Primera Bienal de Arte de La Habana, La Habana, Cuba, 1985.

Ellas no podían hablar... Solo tejían. Ellas tejían, con palabras no dichas, sus sueños... Y en ese acto repetitivo de la mano, el hilo fue tejiendo un lenguaje, casi como un código y en esa trama secreta todas ellas se encontraban generación tras generación.

María Fernanda Meyer Nace en Córdoba, vive en Santiago del Estero. Lleva 30 años de trayectoria en el arte durante los cuales obtuvo numerosas distinciones en salones provinciales y nacionales. Participo de “ego arte”, “expo trastienda” y proyectos itinerantes. Integrante del colectivo artístico “Orquídeas y avispo hacen rizoma” (obteniendo numerosos premios). Realiza nu merosos seminarios de arte contemporáneo.

“Tejedora de sueños”

Aunque el tiempo perdió sus nombres, como testigo quedó el tejido arropándonos con sus palabras bordadas.

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Esta“Cautiva”obraintenta poner en evidencia la opresión que vivimos muchas veces las mujeres.

En un primer golpe de vista vemos un burka opresor pero mirando detenidamente vemos que este burka esta realizado con cinta de video y cinta de cassettes tejidos, lo cual im plica un bagaje cultural con tendencia machista. Este contenido cultural esta inmerso en una tecnología ya obsoleta.

María Inés Nouzeilles Dra en Medicina, Neuróloga. En el campo artístico: Clínicas con Carolina Antoniadis, Ser gio Bazan, Manuel Amestoy, Eduardo Médici, Andrea Juan, Marino Santa Maria, Kekena Corvalán, Silvana Lacarra, Daniel Fischer y Nazar Kazanchian.Taller con Carolina Antonia dis y Gerardo Goldwasser. Técnicas: Rimer Cardillo, Claudia Aranovich, Graciela del Campo, Claudia Contreras, Juan Carlos Romero, Carlos Garaycochea, Santiago Dufour y Kripto y Daniel Arteta. Conduce desde hace 7 años “Pluma, lápiz y veneno”, programa radial sobre arte. Formó parte del colectivo de artistas “Libro, Papel y Tijera” (Libros de Artista).

Salones: 2012, seleccionada en la BienaledártMiniature, Canada. 2015, 2° Premio en el CulcursoTelviso. Seleccionada en la Bienal de Tapiz del Museo Sivori, 2014-2015 y 20162017. 2015 y 2017, seleccionada en el Salón Nacional categoría Textil. 2017, selecciona da en la Bienal Internacional de Arte Textil, Montevideo, Uruguay. Participando en catego ría Fotografía Textil y Balconada. 2018, seleccionada en Bienal de Arte Textil Museo Sívori. Más de 10 muestras Individuales y 30 colectivas.

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“Manos grandes” de la serie “Bordados sobre tela”

Este tipo de trabajos es más bien emocional, de gesto silencioso, de una escala más bien íntima. Lo modesto tiene un componente emocional, un tipo de reserva que es expresivo, señala. El uso de la técnica de bordado y la referencia directa a las manos también remiten a la historia y memoria propia de las mujeres leída en un sentido amplio.

María Laura Ise Nace en Resistencia (Prov. del Chaco). Su formación va de la mano de mudanzas y ciuda des donde vive: talleres de dibujo y pintura en Buenos Aires; la Escuela Nacional de Artes Plásticas en Taxco; el doctorado en Estudios Latinoamericanos de la UNAM; el Taller de arte y género y el Taller de Pintura de la UVA-CCU Tlatelolco. Todos estos en Ciudad de México. Su quehacer profesional combina producción artística, enseñanza e investiga ción. Expone su producción artística de manera individual y colectiva en distintos espacios y países desde el año 2010. Vive en Ushuaia desde 2017.

La serie de bordados de la cual “manos grandes” es parte remite a la categoría de “mo dest painting”, que la artista y escritora Mira Schor utiliza para hablar de un tipo de trabajos en pequeño formato, que refieren a lo poco importante, lo anónimo, lo privado y personal.

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Esta“Ovacionadas”obranosmuestra el poder heteropatriarcal en los medios. Desde el 2015 hasta la fecha, Mascaró colecciona las contratapas de uno de los suplementos deportivos más leídos de Uruguay, llamado ¨Ovación¨. El mensaje es el de un mundo en el que las diferencias entre hombres y mujeres existen, mostrándolas a ellas como objetos sexuales y a ellos como poderosos y rudos en la mis ma (1971)Maríacontratapa.MascaróNaceyviveactualmente

en Montevideo, Uruguay. Artista contemporánea que ex pone nacional e internacionalmente. Desarrolla trabajos de serigrafía radicada en Buenos Aires, Argentina. Realiza viajes de estudio por diferentes países de Europa y los Estados Unidos. Se incorpora al Taller de Guillermo Fernández en Uruguay, donde estudia dibujo y pintura. Reside en Londres, UK, donde continúa sus estudios en arte, realiza y expone sus obras. Regresa a Uruguay e ingresa en 2012 a la Fundación de Arte Contemporáneo (www.colectivofac.com) participando activamente hasta la fecha. Desde 2016 es cofun dadora e integrante de COCO.

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Egresada de la Univ. del Salvador como Traductora Pública de Inglés, reconoce que el estudio profundo de otro idioma le facilitó recorrer otros campos de expresión.

Un“Mutiladas”nuevoempleo de la “cesárea innecesaria” viene a dar cuenta de las maniobras ex tractivas de las corporaciones, las cuales no se limitan a extraer riquezas del planeta. Ahora bajo la titularidad de la Iglesia y el Estado que no permiten la ILE garantizada por la constitución, extraen tardíamente del vientre de una niña, el feto o recién nacido, a medio camino del aborto y a los 6 meses de gestación producto de violación. Estas niñas, per tenecientes a pueblos originarios, llevan de por vida en la cicatriz de esa cesárea la marca de una mutilación que compromete su futuro obstétrico. La Iglesia y el Estado concretan en esa mutilación la marca del castigo a la niña elegida por el violador para cometer su delito, al posponer el aborto reglamentario. María Pichot Se desempeña entre el arte, el trabajo corporal y la participación ciudadana en las políticas públicas. Su obra propone una intervención sensible en temas de poder médico en tanto poder hegemónico del patriarcado. Egresó de la UNA en Técnicas Corporales. Desde ahí abordó la violencia obstétrica para hacerla visible desde el cuerpo y en los últimos años, también desde el arte, sin abandonar por eso otras temáticas. Propone el esclarecimiento de la violencia obstétrica, puesto que implica un daño a la construcción del género fe menino. Su interés por la comunicación y el cuerpo fue migrando campos de expresión.

134 135 “Tenemos que hablar” María Rocha

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“Un cuerpo colectivo” Retazos y fragmentos de vestires usados, donados, espigados, conforman un cuerpo textil, amalgamado. Matriz colectiva, topografía de la memoria en común, tejida en red de subjetividades entrelazadas. “Emerge y se sumerge la memoria / Se pliega y se despliega la materia / Se pliega y se despliega la materia / Emerge y se sumerge la memoria”. María Torrallardona

Trabaja en su taller de Villa Elisa, La Plata y en itinerancia con Ostende, Municipio de Pinamar. Trabaja de modo independiente abarcando las áreas de diseño gráfico, arquitec tura Interior (desarrollos específicos para proyectos de arquitectura) y artes visuales (obra collage pictórico, obra textil). Participa de salones, exposiciones individuales y colectivas, muestras y festivales a nivel local, provincial, nacional. Conduce y gestiona talleres de práctica artística contemporánea. Estudios: 1992; Diseñadora en Comunicación Visual. Facultad de Bellas Artes, UNLP. 2013; Programa de posgrado “Gestión y políticas culturales”, FCE, UNLP. 2016; Semina rios de posgrado, FBA, UNLP. Doctoranda en Artes. Antecedentes docentes: 1997-2006; JTP, Cátedra Taller IV, Carrera Lic. en Diseño Gráfico, UCALP.

Esta serie aborda la construcción de la identidad a través de la intersección de dos ejes: la memoria genética y la memoria cultural. La primera hace hincapié en todos los fenóme nos biológicos heredados a través del ADN, el temperamento como factor determinante del carácter, conjugados con la memoria cultural, costumbres e ideologías, entre otros

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Lasaspectos.imágenes de lo no visible construyen un discurso posible de la noción de sexualidad femenina y de femineidad, donde el cuerpo se vuelve objeto de análisis constante y su interioridad un territorio para desandar lo cotidiano y lo inusual, la juventud y la vejez, la vida y la muerte.

María Victoria González Nace en Reconquista, Santa Fe, inicia sus estudios universitarios en la Facultad de Ar quitectura y Urbanismo de la ciudad de Resistencia, continuando luego en el Instituto Superior de Enseñanza Artística “Alfredo Pértile” donde se gradúa como Profesora de Grabado en 1994 y Profesora de Pintura en 1998. Continúa sus estudios en la Universidad del Litoral egresando como Licenciada en Artes Visuales. Participó en 35 muestras grupales, entre ellas las muestras internacionales de Miniprint en Rosario, la Bienal Internacional de Seúl, Corea, la primera Muestra internacional de Mini gravura en Vitoria, Brasil. Es docente titular en la cátedra de Grabado I y II del ISPEABA, realizó curso de posgrado en arte contemporáneo a cargo de Elena Oliveras, Cecilia Fiel, Graciela Sarti y Graciela de los Reyes. Participó del Proyecto Art Boomerang, de análisis y producción de obra, a cargo del Arq. Daniel Fischer.

“Menorragia” De la serie “La Condición Femenina”

De la serie “Bárbara/Grasa/Negra”

La obra es uno de los tres óleos sobre bastidor que componen la serie. En ellos el óleo dibuja la contraforma de las palabras dejando que las mismas emerjan desde el fondo no pintado. Es sobre el fondo que se dibuja el lenguaje y a su vez es el mismo el que sostiene la materia que lo nombra. En la historia argentina estas palabras han sido utilizadas para clasificar y marginar a colectivos contra los cuales se construía/construye el poder de una parte de la sociedad.

140 141 “Negra”

Mariana Olivares Nació en San Juan en 1984. Recibió su título de Licenciada en Artes Visuales en la Uni versidad Nacional de San Juan. Fue miembro de varios grupos de arte y diseño. Ha mos trado sus obras y artículos en diferentes lugares; entre ellos: Argentina, España y Estados Unidos. A su vez realizó sus estudios de Master becada en Louisiana State University, Estados Unidos. Actualmente vive en San Juan, trabaja en la ENERC Sede Cuyo y en la Universidad Nacional de San Juan.

“Proyecto de investigación afectiva”

El “Proyecto de investigación afectiva” rescata la figura de Doris Halpin, artista y compañera del pintor argentino Ricardo Carpani. El mismo atraviesa diversos lenguajes como el ensayo audiovisual, escritura, fotografía, acciones e intervenciones del espacio íntimo y público.

Si hay algo de lo que no caben dudas es de que Carpani sigue vivo a través de Doris, me interesa revisar esa parte de la historia que se desconoce, la protagonizada por mujeres que han acompañado y contribuyeron a las prácticas de sus compañeros artistas -que sí tienen un reconocimiento en la historia-. Visibilizar a Doris Halpin, es darle un lugar en la historia como mujer artista.

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Pienso este proyecto, en proceso desde el 2015, como una aproximación poética y po lítica respecto a la memoria (individual y colectiva), las formas del olvido, la vejez -con un enfoque de género-, el cuidado, el cuerpo, los vínculos, el amor y también el rol de la mujer en el arte.

Mariana Varela (Bs.As. 1985). En el año 2003 comienza sus estudios en artes visuales en el IUNA, mien tras asiste al taller de realización escenográfica en el Teatro Colón. En el 2010 se recibe de fotógrafa en la Escuela de Fotografía Creativa “Andy Goldstein”. Realizó talleres y clínicas de arte contemporáneo y fotografía, como también de jardine ría, joyería, dibujo, música y teatro. Fueron sus maestrxs Augusto Zanela, Franco Fasoli, Lena Szankay, Guadalupe Miles, Lorena Fernandez, Romina Resuche, Kekena Corvalán, Gabriela ActualmenteGolder.está cursando en la UNA la Lic. en Curaduría en Artes. Desde el 2014 integra el colectivo audiovisual NUDO, y conforma el colectivo Mecánicas a partir del 2015.

Continúa el trabajo que se inició con el proyecto”A bordar el futuro” realizado en Artifariti, en los Campamentos de Población Refugiada del Sahara Occidental en Bojador, Tinduf, Argelia (octubre-noviembre 2016).

“Melfa Tierra” Bordado colectivo. Tierra hace centro en la comunicación, el contacto, la transmisión de saberes y de historias para conocernos, unir ideas y destejer muros como son los del silen cio, la indiferencia, el aislamiento, la desinformación. Reunirnos para compartir y reflexionar.

Marina Curci Nació en Buenos Aires, el 5 de julio de 1969. Vive y trabaja en Lanús. Es Profesora Na cional de Pintura recibida en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Realiza viajes de exploración y pintura como método de trabajo por Argentina y el mundo. Busca la naturaleza extrema, los espacios infinitos, el afuera del ojo humano... Ver la historia, el paisaje, la humanidad a través de las plantas y los horizontes. Realiza obras para construir colectivamente sobre todo desde el bordado.

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Directora en Editora de 1 de 1. Actualmente, se encuentra en proceso de tesis de la Maestría en Museología de la UNT, universidad donde además es docente e investigadora categorizada en el SCAyT UNT. Es codirectora del IFIPAI. Directora de residencia La Rural.

“Segundo Arabesque” La obra presenta la trayectoria artística de Martina antes y después de la modificación de su NaceMarisadocumentación.RossinienTucumán,1972.

Es artista visual, gestora, investigadora y docente. Fue becada en varias oportunidades por el Fondo Nacional de las Artes, Entrecampos C.C.E., la Fun dación Ortega y Gasset, el Frans Masereel Centrum, el Gobierno de la Nación, entre otras.

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Melina Machado Estudió diferentes abordajes de la cerámica, tanto utilitaria como artística, materiales, técnicas y cocciones. Hace varios años que estudia escultura con Leandro Niro (discí pulo de Leo Tavella) en el taller histórico de Acassuso. Participó en los últimos años de salones y muestras.

“Ensimismada I y II”

Dos obras que reflejan la experiencia de agobio y asfixia por la que transitan las mujeres producto del ordenamiento patriarcal de la sociedad. La posesión, el acoso y la subordi nación sobre sus cuerpos provocan sentimientos adversos para el desarrollo gozoso de una vida en libertad.

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Las tres mujeres retratadas fallecen entre el 21 de septiempre de 1887 y el 9 de Octubre del mismo año. Ellas son Margarita Foyel, Eullyalma y la compañera de Inakayal. Mónica Alvarado Nació en Ushuaia, vive y desarrolla su obra en Tierra del Fuego y en América Ancestral. Egresada de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y Ernesto de la Cárcova. En 2004 crea el Proyecto Bosque Yatana, para generar conciencia a través del arte, proteger el bosque nativo fueguino y levantar la memoria de los Pueblos nativos de América. El es pacio fue sede de la Bienal del Fin del Mundo en 2007 y 2009. En 2018 es declarado Re serva natural urbana. Integra la comisión organizadora de la Bienal intercontinental de Arte indígena, ancestral o milenario, que se desarrolla en Ecuador y Perú. Integra el colectivo internacional Pachamuralistas desarrollando pintura mural con pigmentos naturales, en casas de adobe, conviviendo con la Comunidad Inkas vivientes, Ollantaytambo, Cuzco, Perú, 2017. Participa en la Bienal Libro de artista, invitada por la Biblioteca de Alejandría, Egipto, 2018.

En“Altar”elMuseo de La Plata tres mujeres nativas vivieron como prisioneras reducidas a la servidumbre, tejían en telar para las colecciones etnográficas. Murieron condenadas al hambre y al frío húmedo de los sótanos del museo. Sus restos, esqueleto, cerebro, cueros cabelludos, piel, mascarillas mortuorias, ponchos, etc., fueron exhibidos en las salas de antropología (Antropología del genocicio, colectivo GUIAS).

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Durante el año 2002 me encontré trabajando con las tejedoras de Ao Poi (tela fina en gua raní) en el pueblo de Yataity. Rodeado por la serranía del Ibyturuzu. Encerrado en sí mismo como el propio país, Paraguay, en el centro de América del sur. Abril - llueve es de siesta, camino en el barro, se levanta un sopor. Galería de la casa de Florencia, bordadora, típica casa paraguaya, culata yobai. Viene y se sienta desparraman do sobre su falda un gran mantel blanco, comienza a bordar, habla conmigo en castellano, con Ida en guaraní, se ríen ambas, mucho, cómplices, que no entiendo, mientras borda en una línea perfectamente recta. Miro con asombro, el dedo gordo del pie esta enredando el mantel. El simple estar con ellas cada día y compartir su tiempo fue una alegría, el atravesar el pueblo acompañando ese hacer de la lentitud. Fue volver al pueblo donde había nacido.

Mónica Millán Nació en San Ignacio Misiones en 1960. Vive y trabaja en Buenos Aires. Recibió las becas de la Fundación Antorchas, del Fondo Nacional de las Artes y Fundación Rockefeller. En el 2000 obtuvo la Beca Trama para participar de talleres de análisis y confrontación de obras. Residencias en Canadá, Italia. Desde 2002 al 2012 trabajó en Paraguay con un pueblo de tejedores, asesorada por el ensayista crítico de arte Ticio Escobar, fundador y director del Museo de Arte Indígena del Centro de Artes Visuales de Asunción. Su trabajo de recuperación, identificación y recreación de tejidos tradicionales le permitió ge nerar un vínculo muy fecundo entre creación artística, artesanía popular y lenguaje plástico.

Entre sus últimas exposiciones se encuentran: Bienal Mercosul, Porto Alegre, Brazil, (2018). A la conquista de la Luna, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires Argen tina, (2018). Plantío Rafael Barret, Bienal Sur, Buenos Aires, Argentina (2017). Interferen cias, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (2016). Plantío Rafael Barrett, Bienal de Asunción, Asunción, Paraguay (2015). XI Bienal de la Habana, Cuba, (2012). Bienal Vento Sul, Curitiba, Brazil (2011). Tales of resistance and change, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Alemania(2010). 5ta Bienal de Arte Textil, Palais de Glace, Buenos Aires, Argenti na (2009). El Vértigo de lo Lento, Bienal de Cuenca, Ecuador (2004, Museo del Barro, Ya taity, Paraguay (2002). Jardín de Resonancias: Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina (2002). The Other Gallery, Banff Centre for the Arts, Canadá (2001).

“El vértigo de lo lento, 2002-2018”

“Circunvalación del Olvido”

Exposición Ars Electronica Center, Austria. EAC. Montevideo Uruguay. Itineraria.

También participó en el Seminario de dibujo con Felipe Noé. En 2011, beca Ecunhi-FNA.

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Este trabajo se realizó desde el año 2013 al 2015, en el cual, una vez más, trato de re significar y de revivir simbólicamente el espacio del pasado, contrastado a un presente, buscando la cercanía e intimidad y creación de atmósferas, apelando a la memoria y tran sitando un archivo testimonial in situ. Las imágenes son a partir de la arquitectura imponente de edificios en estado de aban dono que en su origen eran hogares de menores en zona rurales. Lejos de todo carác ter exhaustivo, esta serie fotográfica aspira a ofrecer perspectivas que dialoguen con la construcción de imaginarios sociales. Son impresiones que dejan su marca en otras, son instrumentos, son memorias para salvarnos del olvido. Mónica Rojas Nace en Buenos Aires en 1964. Realiza estudios de Bellas Artes, pintura y grabado. Obtiene una beca por la Secretaria de Relaciones Exteriores de la Embajada de México (UNAM) en San Carlos, realizando estudios de historia del muralismo mexicano y técnicas de pintura al fresco. Cursa seminarios en el IUNA, en nuevas experiencias litográficas, pintura y fotografía.

“Yo soy, juntas somos”

Desarrollamos una Campaña de Visibilización de Mujeres Artivistas Feministas porque creemos que juntas somos facilitadoras de re existencias. En Argentina y en el mundo, las mujeres y feminidades no gozamos aún de la igualdad de derechos. La violencia crece hasta su máxima expresión. ¡Estamos en peligro!

En cada acción artivista irrumpe esta palmada al pecho, la estimulación de la glándula del timo, o noccan kani como lo llaman quienes habitan la cosmovisión andina. Punto que coincide con el chakra del corazón y que activándolo nos acerca a los estados de amor, gratitud, equilibrio, bienestar y pensamientos positivos, al sentimiento de certeza que nos ayuda a lograr todo aquello que deseamos. Cuando artivamos en manada esta certeza crece, nos hermana y nos guía.

Mujeres de Arte Tomar y Estudio MVG MAT. ColectivA ArtivistA Feminista para el empoderamiento de mujeres y feminidades. Sentir, pensar, decir, hacer disidente, en rebelde alegría, libertad, autonomía, plenitud, por el ejercicio de nuestros derechos y el goce de nuestras vidas, por una sociedad en equi dad y libre de toda violencia.

Estudio MVG. Laboratorio de arte diseño y activismo dedicado a empoderar las voces de los movimientos de cambio social.

Ante esta situación, MAT Colectiva Artivista Feminista (Argentina) propone acciones artís ticas celebrantes de la vida, con el arte como poderosa herramienta de transformación colectiva desde la transformación personal. Cada mujer que habita la acción artivista tiene una historia que se narra en su cuerpo, insu misas, sororas, vibrantes, gozosas. Llegó el tiempo de llevar a la imagen y a la palabra esa nutriente y hacerla expansiva a través del StreetArt o Arte Urbano. Desde el pulso que nos sintoniza y sostiene en cada acción: Yo soy, juntas somos. Hace unos años propusimos este latido en colectiva y unir la potencia del yo soy con el juntas somos, aún desconociendo su raíz ancestral. “Yo soy, juntas somos” como un mantra, un himno, una cadencia, un latir de una en todas, que incorporamos a nuestros círculos, acciones y marchas.

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Mujeres Públicas [colectivo]

158 159 “Demasiado”

Colectivo feminista de activismo artístico conformado por Fernanda Carrizo, Lorena Bossi y Magdalena Pagano constituido en Buenos Aires en el año 2003. Han realizado y/o par ticipado en numerosas acciones, intervenciones, exposiciones y encuentros en Argentina y otros países. El trabajo del grupo se ubica mayormente en espacios no convencionales para las artes visuales desarrollándose en torno a la gráfica y las acciones performáticas en el espacio público, el objeto, el video y la instalación. Su trabajo propone discutir y ampliar los vínculos entre arte, política y activismo pero sobretodo aspira a ser un aporte a las luchas feministas contemporáneas.

161 “Es con nosotras” Mujeres Trabajadoras [colectivo]

Myrian Genisans Es nativa de Tucumán, Argentina; Profesora Adjunta en la Asignatura “Dibujo de Escultura” práctica de Taller III, IV y V; LAP-FAUNT; Directora del Instituto de Investigaciones sobre Cultura Popular (FAUNT). Su producción plástica aborda contenidos de paisaje cultural atravesados por problemáticas socio-ambientales; la pintura, el dibujo y el grabado con forman una propuesta de textil grafías, mientras que la escultura resuelve instalaciones de tamaño variable a partir de materiales naturales de recolección, abordando posibles relaciones entre Arte y Naturaleza.

“Retazos para yapar en la memoria”

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Propone datos visuales y escritos que aproximan problemáticas relevantes socio-ambien tales que nos afectan; iniciadas y/o actualizadas en la última dictadura cívico-militar en nuestro país; en la intención de dar cuenta de cómo un estado terrorista de facto deriva en un terrorismo legal que vulnera la vida, pretextando reformas estructurales, invocando un único modelo de desarrollo, un supuesto interés y salud pública instalando leyes para la criminalización y pérdida de derechos universales.

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“Nadie nos ve”

Nadia Puentedura

Como artista visual y fotoperiodista, uno de los objetivos es retratar y transmitir la realidad, esa realidad que nos molesta, esa cruel realidad que vivimos en nuestro país. En esta obra soy parte de ella, decidí serlo, sentirme involucrada, ser retratada por mí misma. Todos los días hay femicidios, violaciones, maltratos físicos y psicológicos hacia la mujer. Esta fotografía es solo una de la serie “nadie nos ve”.

Docente de Educ. Artística. Contenidista del Programa SRTIC perteneciente al Ministerio de Educación en cooperación con Unicef. Perteneció al “Grupo Fotográfico 98” con el cual realizó diversas exposiciones grupales. Trabajó como fotoperiodista durante 5 años en Nuevo Diario, Revista Cambio, Revista Aprender. Cursos y Talleres; Técnicas de retrato dictado por Juan Travnik, Clínica de arte dictada por Diana Aisenberg, Workshop “foto grafía de moda” dictado por Andy Cherniavsky (Bs. As.). Taller de fotografía documental organizado por ARGRA (Tucumán). Taller de ensayo fotográfico dictado por Don Rypka (Tucumán). Expo en Expotrastienda año 2010, La Rural, Bs. As. Eggo Arte / CCR, Bs. As. Encontrarte años 2013-18.

“Mapas de lucha” Es un proyecto de investigación artístico-feminista que recopila historias de vida y de lucha de mujeres de América Latina y rescata una parte de sus vidas, un rasgo, un pliegue. La producción artística tiene como objetivo evidenciar lo singular de cada una, visibilizarlas como creadoras de luchas y también los puntos en común entre ellas. De esta forma, se propone una reflexión visual a partir de mapas biográficos: sus miradas, luchas, búsque das, sueños, logros, como así también sus pérdidas, resistencias, obstáculos y muertes. Mujeres desobedientes que decontruyen estereotipos de género, rompiendo con la lógica binaria hombre/sujeto mujer/objeto poniendo el cuerpo y saliendo a las calles a dar pelea al ArtistaNataliapatriarcado.Monserratvisual,docente,fotógrafa y feminista. Especialista en Medios y Tecnologías para la producción Pictórica (UNA-Visuales). Licenciada en Artes Multimediales (UNA-Multi media). Complementó su formación con cursos y posgrados en perspectiva de género, movimiento y política latinoamericana. Su obra abarca las problemáticas de la identidad, memoria y género. Su trabajo ha sido presentado en el Museo Ernesto de la Cárcova de Bs.As., Centro Cultural de la Coopera ción, Centro Cultural Recoleta, entre otros.

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169 “La victoria de la vida” Nora Patrich

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“Lo que llevamos impuesto”

En este trabajo se busca representar desde el feminismo a las mujeres en deconstrucción, dando cuenta de la opresión que sufrimos, el lugar y los roles que nos son impuestos, todo lo que atravesamos por ser mujeres dentro una sociedad machista y cómo luchamos contra Pamelaello.

Poma Estudiante de la carrera de Artes con orientación en Artes Visuales de la Facultad de Filo sofía y Letras de la UBA. En el año 2018 cursó el seminario Aproximaciones arte-políticas desde lo performativo para pensar las prácticas artísticas.

“Drag queen”

Este trabajo intenta romper con la estética del deseo hegemónico gracias a la premisa que versa “la biología no es destino”. Así es que las reinas del dragueo encarnan corpora lidades que se oponen a las normas que gobiernan la inteligibilidad del sexo y que ponen en crisis la referencialidad ya que producen un nombre propio: otro; y construyen esas identidades que también van siendo la ficción que se intenta encubrir y al mismo tiempo explotar. Las drag queen como deformistas construyen distintas femeneidades que gla morosamente tuercen lo mujerizable.

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Pao Docente,Lunchartista visual, lesbiana disidente, piquetera neuquina y transfeminista incómoda. Su trabajo problematiza, en diferentes formatos, cuestiones en torno a la construcción de los cuerpos sexuados, cuerpoterritorios, desde el postporno, la ilegalidad, las pedagogías críticas y las prácticas esteticopolíticas. Realizó exposiciones individuales y colectivas en galerías y centros culturales de Argentina, Colombia, México y Chile. Actualmente estudia una especialización en género y la maestría en Estéticas Contemporáneas Latinoamerica nas. Coordina talleres vinculados a prácticas artísticas, corporalidades y escritura.

174 175 “Pájaro Azul”

A partir de la escritura diaria, durante un período de varios años, traté de visibilizar y cues tionarme las situaciones que vivía como madre, como esposa, como ciudadana, en un contexto que me interpelaba sobre lo que permitía que me sucediera como mujer tratando a través de la relectura de estos hallar nuevas construcciones de nuevos pensamientos y formas de accionar contra mandatos que se caían a pedazos. La obra toma un fragmento de los escritos de un diario personal del año 2016. El texto versa sobre una situación de violencia cotidiana, entre una pareja, en el ámbito doméstico. Paola Arpino Nació en agosto de 1968 en la ciudad de San Francisco provincia de Córdoba. Es artista visual, finalizando la licenciatura de Grabado y la licenciatura de Pintura en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Egresada como Especialista en Dibujo Técnico, Decorativo y Publicitario, del Colegio Nacional Monserrat, pertene ciente a la UNC. Participó en exposiciones individuales y colectivas en museos, galerías y ferias de la ciudad de Córdoba. Algunos de sus trabajos se encuentran en colecciones privadas de Córdoba, Bs. As. y Rosario. Actualmente vive y trabaja en Córdoba.

177 “Como gotas en el mar” Patricia Bravo Aparicio

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La tela mediante volúmenes blandos se va plegando modelando la raíz y los hilos hilva nan las nervaduras verdes, para representar la idea de un continuo ciclo vital, habitar en lo abierto, aparecer hasta no existir, del ras del suelo, semillas plántulas dependientes de otros, estas son extensiones de hilos que terminan en palabras bordadas, brotes, de la Intervención sonora”. Manifiesto de la Colectiva transfeminista de la Biblioteca Popular Mujer Pionera, en Festival de “Rock al Viento”, 19 de enero de 2019, El Chaltén.

Patricia García 1970. Arquitecta UBA. Reside desde 2004 en El Chaltén, Pcia. de Santa Cruz. A partir de 2013 comienza a realizar prácticas artísticas contemporáneas y realiza la clínica del FNA a cargo de Gabriel Valansi y en 2015 realiza la clínica del FNA y el CCK a cargo de la Lic. Kekena Corvalán. Realiza, en este período, muestras en el Museo Miniccelli de Río Gallegos y la Galería de Arte “Espátula Rosada” de El Chaltén. En paralelo se expande a la actuación e integra el elenco de Teatro de la Biblioteca Popular “Mujer Pionera”. Participa del Encuentro Provincial de Teatro FESTESA 2014 y 2017. En 2016, realiza una muestra colectiva “Y si todo lo contrario”, junto a artistas de Santa Cruz en el Complejo Cultural de Río Gallegos. En agosto de 2017, realiza su primera muestra individual “Construcción de un Paisaje” en la Sala Portillos del Complejo Cultural Santa Cruz y en septiembre del mismo año es seleccionada para participar del 1er. Festival Video Arte Patagónico “Mata Negra”, con el corto “Soy Género”. En 2018, su primera muestra colec tiva de Arte Textil, con la instalación “Flor del Desierto”. Actualmente trabaja en el Área de Patrimonio y Museo de la Dirección de Cultura de la Municipalidad de El Chaltén.

“Es la más escasa y llamativa de toda la estepa patagónica austral, erguida se abraza al tallo, raíz carnosa, la tela textil es espejo hilando cada pétalo, para conformar una trama que se entremezcla en delicadas nervaduras verdes, que darán terminales florecientes.

“Flor del Desierto” “Lirio verde”, orquídea porcelana. Del griego: Chloros (verde).

entre el arte, cuerpo, consumo, (in)sastifacción y anhelo. El cuerpo se presenta, como una envoltura, a la manera de producto vaciado de indivi duo. Se ofrece críticamente al deseo de posesión, de consumo y transformación. Apela también a la amenaza a la naturaleza. La cultura dominante inculca sus estándares. La instalación se propone no solo a modo de resistencia de lo que se impone como ideal de cuerpo, sino también al sentido del coleccionismo fetichista del arte.

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Patricia Hakim (Buenos Aires, Argentina) Desde el 1991 participó de numerosas exposiciones individua les y colectivas, recibiendo importantes distinciones por su actividad artística. Sus últimas fueron: Premio Innovación-Creación del Ministerio de Cultura de Nación y Mecenazgos. En el año 2004 dio un giro a su vínculo con el arte al incursionar como gestora y curadora de diferentes tipos de exposiciones y programas en Argentina y en el exterior. Recibió el Premio “Héctor Cartier” a la acción docente del año 2007 otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. En el marco de esta apertura organizó workshops, confe rencias, fue jurado (Bienal Paiz de Guatemala, Salón Nacional de Escultura, etc.) y escribió diferentes publicaciones. Las últimas fueron, el libro: “Joaquín Fargas: con ciencia y arte” y el capítulo: “SOY guarango sin glamour. Una iniciativa descolonizante” del libro “Ejercicios decolonizantes II. Arte y experiencias estéticas desobedientes”. Ed. del Signo.

En la actualidad, su trabajo se basa en ejercer el arte como una práctica alternativa de acción y desarrollo de contextos. Para ello genera prácticas colectivas, horizontales y multidisciplinares estimulando el debate, análisis y experimentación en el campo visual y más allá.

Plantea“Blister/Cuerpo”unjuegoalegórico

Paula ProfesoraDobertiNacionalde Pintura (ENBA Prilidiano Pueyrredón) y Licenciada en Artes Visuales (IUNA). Maestranda en Artes Performáticas (UNA). Su campo de obra abarca el arte urba no y político, utilizando como soportes la calle, las instalaciones, los objetos, el collage, el dibujo, la poesía visual, el libro de artista, la performance y la investigación, en trabajos que bucean en diversos territorios de la memoria. Es codirectora de Umbral Espacio de Arte.

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Integra los colectivos Museo del Objeto Contemporáneo (MOC), Corda-Doberti, Dibujos Urgentes, G.R.A.S.A., Río Memoria e Independencia Imaginaria.

“Archivo de Memorias (sección Mujeres)”

Kierkegaard afirma que la repetición y el recuerdo constituyen un mismo movimiento pero que está dirigido en direcciones contrarias: lo que se recuerda es repetido hacia atrás y lo que se repite es repetido hacia adelante. Mientras que lo primero produce displacer lo segundo promueve alternativas de crecimiento. Entonces, al mismo tiempo que se repite, se recuerda. Esta idea resulta esencial como inicio del recuerdo compar tido: repetir para recordar.

Resistencia, Chaco. Licenciada en Trabajo Social y Fotógrafa. Ha efectuado diversas muestras fotográficas y campañas con fotografías como medio de comunicación contra la violencia de género y el abuso sexual. Obtuvo el Segundo Premio y una Mención Especial en el concurso “Mujeres libres de violencia” organizado por la Se cretaría de la Mujer de la Provincia del Chaco. En 2017, por su trabajo fotográfico, obtuvo el Premio a la Búsqueda de Equidad entre Géneros, otorgado por la Provincia del Chaco.

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Somos tetas que amamantan. Tetas que nos dan placer. Tetas que generan cáncer. Tetas libres e Argentina,Paulainsurrectas.Souilhenacidaen

Serie“Reciclarnos”fotográficaconstruida colectivamente con las mujeres de Danza Identidad. Una for ma que encontramos de provocar a los estereotipos culturales sobre cómo debe ser el cuerpo y la sensualidad de la mujer. De provocar a la censura de las tetas que no son para la masturbación del macho. De luchar contra la enfermedad.

187 “El Rafaelaplacer”Correa Marjak

La serie surge a raíz de circunstancias de crisis política que tienen un reflejo en la vida co tidiana. A partir de textos de diversos autores se plasma en obras (fanzines, pinturas, afi ches, volantes y calados en papel) posibles salidas a la crisis, modos de acción y reacción. Raquel Masci Magister en Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid y Maes tranda en Curaduría en Artes Visuales en la UNTREF. Artista, agitadora cultural, curadora y delegada sindical. Su labor en cada una de esas áreas ronda las relaciones y cruces entre arte y política. Gestionó y curó el espacio Casa Doblas durante 2017, previamente en 2012 y 2013 co-coordinó La Paternal Arte y Política (PAPO) en LPEP e Indisciplinas Visuales en La Tribu durante 2014 y 2015. Participa en los colectivos G.R.A.S.A. e Inde pendencia Imaginaria, y co-organiza Encuentros de Arte Correo.

188 189 S/T De la serie “Autoayuda para Revoltosos”

Río Memoria [colectivo]

Colectivo de investigación y creación conformado por Virginia Corda, Paula Doberti y Dé bora Kirnos. Investigan desde miradas históricas, sociales, científicas, literarias y visuales. Recuperan objetos, toman fotos y filman. Tejen ideas, imaginan espacios, gestan obras conjuntas en diversos formatos: instalación, fotografía, video, performance, libro de artis ta, poesía visual.

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“Devenires: volver al río”

¿Qué densidad de memoria guarda el Río de la Plata? ¿Cómo rescatar su devenir? Tiene un flujo propio, un derrame que lo conecta con el Océano Atlántico, entremezclando aguas dulces y saladas. Se trata de las propias secreciones de nuestro lugar en el mundo, de la mucosidad que destila y se desborda. Flujos que devienen Memoria. Derrames que cosen historia. Devenires que generan territorio.

193 “Selección de dibujos en papeles de trabajo y apuntes de Ritaconferencias”Segato

194 195 “Serie bordadas”

Me interesa abordar en mi obra el concepto de lo erótico, representado en cuerpos fe meninos y la conjunción de lo socialmente establecido como antiestético, según los es tereotipos socialmente establecidos sobre los cuerpos femeninos, como los son nuestras marcas en la piel, pelos, estrías y nuestro ciclo menstrual. Rocío Corbera Vive y trabaja en la provincia de Buenos Aires, docente de artes visuales recibida en la escuela de Artes Visuales Antonio Berni, estudiante de la licenciatura en Artes Visuales en UMSA. Actualmente, docente en la ESEA N1 ex Polivalente de Arte de San Isidro. Comen zó su recorrido como artista visual desde hace poco tiempo, descubrió un gran interés por temas de género y feminismo, los cuales plasma en su obra.

Ha recibido numerosas distinciones zonales, provinciales y nacionales. Su obra parte de la idea de que el arte es una potente herramienta para la militancia feminista. Sus trabajos intentan interpelar a los distintos escenarios del patriarcado.

Rosana Linari y Verónica Peñaloza

Rosana Linari es artivista visual feminista, Egresada de la Prilidiano Pueyrredón, del IUNA y de FLACSO. Docente en los niveles secundario y terciario, de Lenguajes Artísticos y ESI.

Verónica Peñaloza se acercó a la escritura para salvarse y resistir. Lo viene logrando.

Hizo varios talleres literarios, se forma y se deforma cada vez que puede. Tiene 3 libros editados artesanalmente porque cree fervientemente que la autogestión es una trinchera y un frente de batalla. Hace presentaciones, lecturas y muestra lo que hace porque cree que la única manera de salvarse es salvarnos juntas. No tiene títulos ni premios pero tiene deseo que es lo que mueve todo.

196 197 “Hoy, autogestión orgásmica”

“René Brusau”, MUBA, Corrientes y el Cabildo, Asunción del Paraguay (2014-2015). Vive y trabaja en Resistencia, Chaco.

Roxana Toledo Nació el 14 de agosto de 1968. Participó en numerosas exposiciones grupales e indivi duales. Coordinación de los Encuentros de producción y análisis de obra para artistas del NEA, de la Fundación Antorchas (2004-2005). Coordinación del Espacio de Arte Contem poráneo del MUBA, Chaco “René Brusau” (2008-2010). Casa por la Memoria, gestión de muestras y proyectos curatoriales (2011 y 2012). Curadora independiente de la Muestra “Cosas Nuestras. Sobre la diversidad en el imaginario de lo femenino”, MUBA, Chaco.

“Ver, hablar, oír” Basada en la obra de los tres monos también conocidos como los «tres monos sabios» representados en una escultura de madera de Hidari Jingoró (1594-1634) , en el san tuario de Toshogu, en Nikko al norte de Tokio (Japón). En esta obra las imágenes propo nen, en especial para las mujeres, romper con los hábitos de ocultamiento de las situacio nes de injusticia. Quitarse las vendas, poder ver, oír, decir. Desde lo doméstico tal vez, o desde el lugar de pertenencia, recuperar los sentidos y empoderarse.

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“Manifiesto 1966” Manifiesto escrito por Delia Cancela y Pablo Mesejean (1967) y transcripto por SaSa Testa (2019) como modo de arte acción. Grafito sobre yeso. SaSa Testa (Buenos Aires, 1985). Becarix Doctoral por el CONICET. Maestrandx en Estudios y Po líticas de Género (UNTREF). Es Profesorx de Castellano, Literatura y Latín; Especialista Superior en Conducción de las Instituciones Educativas de Nivel Medio y Equivalentes; Especialista Superior en Profesor Tutor (ISP JVG). Escribió notas para diversos medios de comunicación. Tiene publicaciones académicas tanto en revistas nacionales como internacionales. Formó parte de las personas entrevistadas para los libros Feminismos(ins) urgentes (2019, Milena Caserola) y Feminismos (2017, Letras del Sur). Es autorx de los libros Soy Sabrina, soy Santiago. Género fluido y nuevas identidades (2018, Ariel) y La existencia de la Mocha Celis o la visibilidad en la invisibilidad educativa (2016, La mariposa y la iguana). Compiladorx de Cuerpxs en fuga. Las praxis de la insumisión (2018, Espacio Hudson).

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Silvana Solari y Andrea Scatena

“Piedra Libre”

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Somos una grupa de dos artistas patagónicas, enmarcadas en la cuarta ola del femi nismo, trabajamos tanto en la obra como en la calle el tema del derecho a decidir sobre nuestras cuerpas y a rebelarse contra la violencia patriarcal. Basadas en esta línea de pensamiento presentamos esta pieza que reflexiona sobre las muertes que producen los abortos clandestinos y el odio contra la mujer en general. La obra señala la violencia hacia los cuerpos y finalmente ofrece un deseo esperanzador que recuerda especialmente la lucha constante de las mujeres.

Silvana Solari nace en Buenos Aires el 24 de julio de 1958. Arquitecta y Artista Visual. En 1984 se traslada a vivir al Alto Valle de Río Negro y Neuquén donde desarrolló su forma ción en Artes Visuales, asistiendo al taller de la artista Alicia Valdez y a los talleres externos del IUNA de Cipolletti. Desde 2013 asiste a la Clínica de Arte del artista Eduardo Medici en Buenos Aires y al Programa Federal para Las Artes Art Boomerang dirigido por el curador Daniel Fischer. Fue becada por el Fondo Nacional de las Artes en el programa de Capaci tación en Artes Visuales del año 2015. Realizó numerosas exposiciones colectivas e indi viduales en Salas de Cultura de la Provincia de Neuquén y Río Negro. Obtuvo menciones en Concursos y Salones Nacionales. Desde 2015 y hasta 2017 gestionó CASA GRIS, galería de arte en la Ciudad de Cipolletti, Río Negro. En 2017 y 2018 expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes en el marco de Neuquén Contemporáneo 3. Actualmente está cursando el posgrado Maestría en curaduría en Artes Visuales en la Universidad de Tres de Febrero y fue seleccionada por la Fundación ARKANE de Marruecos para la Residencia 2018 en Bouknadel, África. Andrea Scatena, Viedma, Río Negro, 1970. Artista feminista. Productora y documentalista audiovisual. Trabajadora del arte. Lic en Comunicación Social por la Facultad de Periodis mo y Comunicación Social de La Plata. Ha dictado clases como docente diplomado de las cátedras Audiovisual I y III y, docente investigador de la cátedra de Análisis y Crítica de Medios de la Fac. de PYCS de la UNLP. Productora y conductora radial en los programas “Mediodía”, AM 1390 y “El Ensayo”, FM 107.3, Radio Universidad de la Plata. Estudió, de manera no formal, artes visuales en diferentes talleres de las ciudades donde vivió: Vied ma, La Plata, Cipolletti, con artistas y en centros culturales. Hizo muralismo y participó ac tivamente de esta forma de arte en diferentes barrios de las ciudades de Neuquén y Cipo lletti. Ganó premio al mejor documental por los Derechos Humanos con el mediometreje “Reyna”. Obtuvo mención especial por el proyecto documental “De Aquí, de Allá de todas partes”. Realizó su primera muestra visual, en 2012, en la ciudad de Neuquén (La Con rado Cultural), contra la violencia sexista y la violencia hacia las mujeres. Publicó artículos de investigación de la cátedra de Análisis y Crítica de Medios, editorial de la UNLP. Integró proyectos de investigación de Comunicación y Arte en la FPYCS de la UNLP. Actualmente trabaja como productora y prensa en el MNBA Neuquén. Integrante de la colectiva de artistas mujeres JuevesquefueLunes. Expone individual y colectivamente desde el 2012.

“Mi Vida Toda” A través del humor, la fascinación y una sutil violencia, descubro una realidad alienante y de cepcionante entorno a lo doméstico, las políticas corporales y el erotismo. Con un clima su rrealista y contradictorio, intento mostrar que para mí todo está inundado de belleza y horror. Sofía Torres Kosiba Nace en 1974 en Córdoba, Argentina. Estudia en la Facultad Libre de Venado Tuerto. Se forma en clínicas de Arte con Florencia Battiti, Luis González Palma, Adriana Lestido, Ro drigo Alonso, Claudia del Rio, Daniel Fischer, Fabhio Di Camozzi y Aníbal Buede. En 2017 finaliza el posgrado en Estudios de performance en la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Expone de forma individual y colectiva en Museos, galerías y centros culturales de diferentes ciudades de Latinoamérica y Europa. Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas de Argentina y Estados Unidos. Actualmente es curadora y colabora dora de innovadores proyectos artísticos y culturales autogestionados de carácter cola borativo y experimental.

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“Textos sueltos en bordados monocromo. Ejercicio 1”

Es una invitación al espectador a manipular manualmente la obra para acceder a su con tenido, sin una acción directa (de acercarse y levantar las diferentes capas que conforman la pieza) la obra queda suspendida y hace visible tan solo un momento de ella.

Soledad Sánchez Goldar (Capital Federal 1977) Reside y trabaja en Córdoba y Salta. Artista visual, gestora cultural. Licenciada en teatro por la Universidad Nacional de Córdoba. Formó parte de diferentes colectivos de artistas, ha sido organizadora de festivales y encuentros de performance tales como Aún sin título; Nómades, festival de Performance e intervenciones urbanas; Huvaiti, salir al encuentro; entre otros.

“Avisame cuando llegues a tu casa”

Una mujer muere por femicidio en la Argentina aproximadamente cada 35 horas, la mayo ría de esos crímenes son perpetrados en el hogar de la víctima.

También aparece en escena el agua, ese elemento suave y amable indispensable para la vida pero a veces terrible en sus consecuencias destructoras y que puede dejar a las personas a la deriva.

Esas casas que se derrumban, nos muestran toda su tragedia. En la aparente belleza y bajo las apariencias de protección y vida, puede estar escondido lo siniestro.

Susana Babot Nace en San Miguel de Tucumán, 1968. Se formó con Ezequiel Linares, tomó clases con Gerardo Ramos Gucemas y realizó clínicas con Luis Felipe Noé, Kekena Corvalán, Luis Debairosmoura, Belén Romero Gunset, entre otros.

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TETA es un colectivo de 5 artistas mujeres, viven y trabajan en Buenos Aires. Es una sigla que habla de TERRITORIO EXPERIMENTAL de TRANSFORMACIONES AFECTIVAS. Está formado por las licenciadas en artes visuales Gabriela Ballesta, Mercedes Falke, Paola Koch, Melina Lo Bue y Melisa Schmitz. El colectivo se interesa por la realización de pro yectos artísticos afectivos y colaborativos, en los cuales interviene, participa y es parte de distintas formas el público “somos 5 MUJERES y un TERRITORIO. Nos preguntamos por nuestros CUERPOS. Desafiamos los LÍMITES y construimos REFUGIOS”.

Para ello tomamos como punto de partida los femicidios desde el 2016 continuando con los registros de las víctimas hasta la fecha. Representaremos a cada una de ellas tenien do en cuenta la localidad de la víctima. La presencia de la luz, a través de cada hueco, de cada vacío, iluminará las ausencias. Esa identidad en forma de luz llegará a todos los espectadores que la atraviesen. T.E.T.A. [colectivo]

“Mapa ProponemosPolítico”visibilizar a las víctimas de femicidios realizando una instalación lumínica.

Taller Flotante y Orilleras coordinan un trabajo investigativo-territorial desde las tramas necesarias y urgentes que hay que abordar, para alcanzar una real propuesta comunita ria, basada en economías sociales y vínculos de trabajo colectivo productivo hecho por mujeres en territorios de agua. Los cambios del uso de la tierra y el agua, hasta ahora sus responsables son “los hombres del conocimiento”, esto nos permite determinar que la ecología política no sabe de los feminismos para visualizar y criticar el sistema alimentario industrial, el cual va de la mano del extractivismo que es capitalismo y es patriarcado. La experiencia corporal de mujeres en el territorio de agua es invisible.

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Taller Flotante y Orilleras

“Río Feminista” La obra es un río (mapa) realizado a partir de imágenes y voces, palabras que las mujeres del humedal fueron diciéndonos a lo largo de la investigación realizada. Las mismas son impresiones en papel que están cosidos y pegados de manera que grafican el recorrido de ellas por el Río Paraná.

Tamara Toledo Profesora en Artes Visuales, reside en Caleta Olivia, Provincia de Santa Cruz, actualmente es Jefa de Departamento de la Escuela Municipal de Bellas Artes de la misma Ciudad.

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“Serie Detrimento” En el transcurso de la vida desde el nacimiento (cimientos) somos la hoja en blanco for mando verso y prosa, cuentos fantásticos y novelas de terror. Cada trazo, curva y línea recta en el plano de la hoja da forma a las palabras mudas… Se libera el tabú en compo siciones simples. Detrimento: Daño Moral o material en contra de los intereses de alguien.

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“Homenaje a Sonia” Mi objetivo fue hacer un ensamble-relación de piezas-deshechos de mi producción, de recuerdos, con la obra de mujeres artistas que llevan el apellido de sus maridos. En este y tantos otros casos solo basta su nombre para reconocerla: SONIA (delaunay).

Teresa Durmüller Nació en Resistencia (Chaco), arquitecta. Vive en Buenos Aires. Realizó muestras indivi duales en Galeria Niko Gulland, Galería Rubbers, Isabel Anchorena, Museo López Claro (Azul, Pcia. de Bs. As.), Centro Cultural Borges, Museo Sívori.

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Valentina Mariani Correntina, 28 años, Profesora en Artes Visuales especializada en pintura, finalizando la Li cenciatura en Artes Visuales de la UNL. Desde 2012 realiza murales en espacios públicos con temas de Memoria y Género. Desde 2013 participa de muestras colectivas en Cha co, Corrientes, Buenos Aires. Recibió la Beca Yungas Arte Contemporáneo para jóvenes artistas en 2014. Seleccionada para la Muestra Federal Opera Prima en 2016, y para VI Salón Nacional Vicentin de pintura en 2017. Integró el libro “Proyecto NUM: recuperemos la imaginación para cambiar la historia”, 2017.

“Lucha como una abuela”

Surge en oposición a la frase “lucha como una chica/niña”, que hace referencia a que las niñas y las mujeres son débiles y no saben pelear. Para romper con esta lógica machista, la obra homenajea a la organización de mujeres más emblemática de nuestro país: Las Abuelas de Plaza de Mayo. Las Abuelas desafiaron el estereotipo de mujer y el imaginario social sobre la abuela relegada al ámbito de lo privado, la ama de casa dedicada a las labores domésticas y las tareas de reproducción.

221 AAgradecimientostodeslesartistasquehicieron posible con su aporte este catálogo. A María Soledad Bagdasarian y Ximena Fumadó Martí por la gestión. A Lucrecia Esteban por las fotografías. A Romina Luppino por el diseño.