OFF city

Die OFF City verdichtet die Erzählung der Stadt durch einen ludischen Raum, der Qualitäten wie Aneignung, Selbstermächtigung, Euphorie der Eroberung, Irrationalität, Zweideutigkeit, Konsumfreiheit und Klandestinität ermöglicht. „Meine Studien und Spekulationen kristallisieren sich in dem Konzept der TEMPORÄREN AUTONOMEN ZONE (in der Folge abgekürzt: TAZ). Doch trotz der synthetisierenden Kraft für mein eigenes Denken möchte ich die TAZ mehr als (…) Vorschlag, als poetische Spielerei verstanden wissen. (…) Ich habe es vielmehr bewußt vermieden, eine Definition der TAZ zu liefern – ich umkreise das Thema, feuere Erklärungsstrahlen ab.“ 1

The OFF City condenses the narrative of the city through a ludic space that enables qualities such as appropriation, self-empowerment, euphoria of conquest, irrationality, ambiguity, freedom of consumption and clandestinity.

Wie definiert man einen neu gefundenen Begriff für ein Konzept, das noch in Entwicklung ist, noch diskutiert wird, noch im Fluss ist? Hakim Bey legt seine Strategie für den von ihm geprägten Begriff TAZ offen dar: das Thema wird langsam umkreist und von verschiedenen Perspektiven beäugt – man nähert sich dem Verständnis spielerisch an.

Dieses Magazin ist gleichermaßen der erste Versuch, sich dem Konzept und den Qualitäten der OFF city zu nähern – gemäß Hakim Bey erste „Erklärungsstrahlen abzufeuern“.

OFF city ist die Gesamtheit aller urbanen und maßstabsübergreifenden Orte, die die spezifische Qualität des OFF in sich tragen. OFF bedeutet: ermöglichend, nutzungsoffen, uncodiert, eroberbar, aneignenbar, selbstermächtigend, aber auch irrational, unverwertbar, vielleicht versteckt, aber sicher spannend. Es gibt also nicht nur eine räumlich-strukturelle, sondern auch eine politische Dimension. Das Potenzial des OFF als spezifische Qualität innerhalb bestehender und zukünftiger städtischer Strukturen muss untersucht werden.

Für die Weiterentwicklung unserer Städte für eine stetig wachsende Stadtgesellschaft werden Konzepte benötigt, die auf ein inklusives, gleichberechtigtes, bezahlbares urbanes Habitat als ermöglichendes Umfeld abzielen. Es gilt, geeignete Räume, Strukturen und Netzwerke zu schaffen, die eine nachhaltige und progressive Weiterentwicklung der Gesamtgesellschaft ermöglichen. Die aktuellen sozialen, gesundheitlichen, ökonomischen und ökologischen Herausforderungen wirken als Katalysator für die bereits fortgeschrittene Digitalisierung urbaner Lebenswelten.

Das Modell der als Stadt der Zukunft proklamierten „Smart City“ zielt darauf ab, diese Herausforderungen durch den optimierten Einsatz digitaler Technologien zu lösen und zu bewältigen. Der durchaus erreichbaren Rationalisierung

des Alltags, infrastrukturellen Optimierungen und verbesserten und zugänglichen Verwaltungsprozessen stehen jedoch offene Fragen nach zukünftigen sozialen und politischen Aspekten gegenüber, die spezifische urbane Qualitäten wie Vielfalt, Zugänglichkeit und Offenheit ermöglichen.

Denn auf Effizienz und Optimierung ausgelegte digitale Systeme führen im Zuge der Smart City zu standardisierten Räumen und normierter Urbanität, die die fruchtbare Konflikthaftigkeit urbaner Prozesse nivelliert.

Effektive Datenverarbeitung ist unweigerlich mit der Sammlung und Aufzeichnung von Informationen verbunden. Die so mit Sicherheitsargumenten argumentierte erweiterte Überwachung des öffentlichen Raums wird durch die Bewegungsprofile und Nutzungsanalysen individueller Smartphones ergänzt. Im Konzept der Smart City sind die Bürgerinnen und Bürger in erster Linie Konsumenten eines Systems, das sich über Big Data selbst optimiert und dessen Fortschritte nicht nur der Stadtgesellschaft, sondern auch (und vor allem) dem Markt zugutekommen.

Im Hinblick auf die ökologischen und gesundheitlichen Herausforderungen des Klimawandels und der COVID-19-Pandemie können die erforderlichen Verfahren und Instrumente der Stadtgesellschaft sicherlich von Nutzen sein. Die soziokulturelle Dimension der Städte profitiert jedoch wenig von Datensammlungen, Algorithmen und passiven Nutzern.

Um der Verflachung des „Stadterlebnisses“ entgegenzuwirken, brauchen die ökonomisierenden Digitalisierungsprozesse Kontrapunkte: OFF-Orte, die sich dem „Überwachungskapitalismus“ entziehen und Ermöglichungsräume als Nährboden für einen möglichst vielfältigen und inklusiven urbanen Lebensraum bieten.

Niederschwellige Räume, die zum aktiven Mitmachen und Gestalten anregen, die das Irratio-

nale ermöglichen, befreit von Optimierungs- und Profitzwängen. Nischen, die den Reiz des Klandestinen haben und erobert werden können. Sie alle summieren sich in der Idee der OFF city.

Die OFF city ist das kontrastreiche Gegenstück zur Smart city, die als Dienstleistungsraum der nachhaltigen, optimierten und digitalisierten Stadt verstanden wird. Die OFF city verdichtet das Narrativ der Stadt durch einen spielerischen Raum, der Qualitäten wie Aneignung, Selbstermächtigung, Euphorie der Eroberung, Irrationalität, Ambiguität, Konsumfreiheit und Klandestinität ermöglicht.

Das Magazin OFF city greift die Charakteristika eben dieser OFF-Orte auf und präsentiert kein stringentes Narrativ, sondern ambigue Fragmente unterschiedlicher Formate, Perspektiven und Autor*innen.

Neben architekturtypologischen Konzepten werden künstlerische Positionen, städtebauliche Untersuchungen und Essays in fünf Kapiteln gesammelt: OBSERVATIONS, NICHES, PLAY, WILD und IMAGINARIES.

Dies alles, um sich letztlich der Antwort auf die Fragen zu nähern: Was ist eigentlich OFF und dessen Gesamtheit in OFF city?

“All my research and speculation has crystallized around the concept of the TEMPORARY AUTONOMOUS ZONE (hereafter abbreviated TAZ). Despite its synthesizing force for my own thinking, however, I don’t intend the TAZ to be taken as more than (…) a suggestion, almost a poetic fancy. (…) In fact I have deliberately refrained from defining the TAZ — I circle around the subject, firing off exploratory beams.“1

How do you define a newfound term for a concept that is still evolving, still being discussed, still in flux? Hakim Bey openly lays out his strategy for the term he created, TAZ: the topic is slowly circled and inspected from different perspectivesfthe understanding is playfully approached.

This magazine is equally the first attempt to address the concept and qualities of the OFF city - to fire off first “exploratory beams” according to Hakim Bey.

OFF city is the totality of all urban and interscale places that carry the specific quality of the OFF. OFF means: enabling, open to use, uncoded, conquerable, appropriable, self-empowering, but also irrational, unusable, perhaps hidden, but certainly exciting. So there is not only a spatial-structural dimension, but also a political one. The potential of OFF as a specific quality within existing and future urban structures needs to be explored.

For the further development of our cities for an increasing urban society, concepts are needed that aim at an inclusive, equal, affordable urban habitat as an enabling environment. Suitable spaces, structures and networks need to be created to enable the sustainable and progressive further development of society as a whole.

The current social, health, economic and ecological challenges act as a catalyst for the already advanced digitalization of urban living environments. The model of the „smart city“ proclaimed as the city of the future aims to solve and overcome these challenges through the optimized use of digital technologies. However, the thoroughly achievable rationalization of everyday life, infrastructural optimizations and improved and accessible administrative processes face open questions about future social and political aspects that enable specific urban qualities such as diversity, accessibility and openness. This is because digital systems designed for efficiency and optimization lead to standardized spaces and normalized urbanity in the pursuit of the smart city, which levels the fertile conflictuality of urban processes.

Effective data processing is inevitably linked to the collection and recording of information. The extended surveillance of public space thus argued with security arguments is complemented by the movement profiles and usage analyses of individual smartphones. In the concept of the smart city, citizens are primarily consumers of a system that optimizes itself via Big Data and whose progress benefits not only urban society but also (and above all) the market.

With regard to the environmental and health challenges of climate change and the COVID-19 pandemic, the necessary procedures and tools can certainly benefit urban society. However, the sociocultural dimension of cities benefits little from data collections, algorithms, and passive users.

To counteract the flattening of the „urban experience,“ the economizing digitalization processes need counterpoints: OFF-places that escape „surveillance capitalism“ and offer enabling spaces as breeding grounds for an urban living space that is as diverse and inclusive as possible.

Low-threshold spaces that encourage active participation and design, that enable the irrational, freed from the constraints of optimization and profit. Niches that have the appeal of the clandestine and can be conquered. They all add up in the idea of the OFF city.

The OFF city is the contrasting counterpart to the Smart city, which is understood as the service sphere of the sustainable, optimized and digitalized city. The OFF city condenses the narrative of the city through a ludic space that enables qualities such as appropriation, self-empowerment, conquest euphoria, irrationality, ambiguity, freedom of consumption, and clandestinity.

The magazine OFF city takes up the characteristics of precisely these OFF places and does not present a stringent narrative, but ambiguous fragments of different formats, perspectives and authors.

In addition to architectural typological concepts, artistic positions, urban studies and essays are collected in five chapters: OBSERVATIONS, NICHES, PLAY, WILD and IMAGINARIES.

All this to ultimately approach the answer to the questions: What actually is the OFF and its totality in the OFF city?

ON/OFF

Die theoretischen Überlegungen zum Konzept des OFF und der OFF City knüpfen an bestehende Forschungen zum Potenzial urbaner Nischen und alternativer Räume an: Schriften wie Aaron Betskys Überlegungen zum Queer Space1 , Hakim Beys Temporäre Autonome Zonen2 und Andere Orte nach Michel Foucault3.

Foucaults Raumkonzept der Heterotopie ist ein wichtiger Bezugspunkt für die Eigenschaften und Potenziale des OFF. Geradezu poetisch beschreibt er die Heterotopie als ein „Imaginationsarsenal“:

Um Qualitäten, Texturen und Potenziale des OFF herauszuarbeiten, wird die „OFF city“ im Sinne einer Dialektik als komplementäres Gegenstück zur „smart city“ definiert und über deren weit verbreitete Definition abgeleitet - denn das OFF braucht das ON. Das Subversive braucht das Offensichtliche.

Der Hack braucht das System.

„Das Schiff ist die Heterotopie schlechthin. In Zivilisationen ohne Schiff versiegen die Träume, ersetzt die Spionage das Abenteuer und die Polizei die Freibeuter“.3

ON/OFF

The theoretical reflections on the concept of OFF and the OFF city are linked to existing research on the potential of urban niches and alternative spaces: writings such as Aaron Betsky‘s reflections on Queer Space 1 , Hakim Bey‘s Temporary Autonomous Zones 2 and Other Places according to Michel Foucault 3

Foucault‘s spatial concept of heterotopia is an important point of reference for the attributes and potentials of the OFF. Quite poetically he describes heterotopia as an „arsenal of imagination“:

In order to work out qualities, textures and potentials of the OFF, the „OFF city“ is defined in terms of a dialectic as a complementary counterpart to the „smart city“ and is deduced via the latter‘s widely known definition - because the OFF needs the ON. The subversive needs the obvious.

The hack needs the system.

„The ship is the heterotopia par excellence. In civilizations without a ship, dreams dry up, spying substitutes for adventure and the police for buccaneers.“

* Pufferräume an Infrastrukturtrassen, untergenutzte Abstandsflächen in Nachkriegswohnsiedlungen oder aber auch Friedhöfe im dichten Stadtgebiet. Sie alle vereint das Verharren in einer sperrigen Situation, die eine kapitalistische Verwertung verhindert.

Die Annäherung an das OFF in der Stadt als Situation, Atmosphäre, Potential oder Zustand erfordert andere Erforschungsstrategien des Urban Habitats. Die Situationisten um Guy Debord ließen sich in den 60er Jahren durch Paris treiben und nahmen die Stadt als Aneinanderreihung von unterschiedlichen Situationen war. Spezifische Atmosphären, die durch vertikale und horizontale Oberflächen, den Raum dazwischen, Materialien, Menschen, Gerüche und Licht entstanden. Also eine Art subjektive Stadtmorphologie, die eine vielsinnige Wahrnehmung der Stadt erforderte und dies wiederum mit einem intensivem Stadterlebnis belohnte, das sie von Situation zu Situation trieb. Ein permanentes Oszillieren zwischen aktiver Teilhabe am Stadtraum und einem sich-Fallen und verführen lassen.

Dementsprechend anders sahen auch die Versuche aus, die Stadt und ihre atmosphärischen Fragmente zu kartographieren. KartenSchnipsel und Pfeile verwiesen auf die atmosphärischen Einheiten, die Verbindungen dazwischen, aber auch auf das rastlose Erleben und Erkunden der Stadt, von ihnen „Dérive“ genannt.

Der von den Situationisten geprägte Begriff der Psychogeografie zielt also auf die Wahrnehmung, das Erleben und das Verhalten jedes einzelnen im Stadtraum ab. Insofern kann neben der Kartografie auch die Fotografie als Strategie zur Sichtbarmachung und Festhalten subjektiver Stadteindrücke dienen. Motivauswahl, Blickwinkel, Belichtung sind alles Entscheidungen, die zu einer individuellen bewussten Darstellung eines Stadtmoments führen.

Neben der bewusst irrationalen Sichtweise auf die Stadt, die eine subjektive Perspektive einfordert, gibt es die rationalen Zustände einer objektiven Stadtmorphologie, die das OFF generieren. Pufferräume an Infrastrukturtrassen, untergenutzte Abstandsflächen in Nachkriegswohnsiedlungen oder aber auch Friedhöfe im dichten Stadtgebiet. Sie alle vereint das Verharren in einer sperrigen Situation, die eine kapitalistische Verwertung verhindert. Dieses „Einfrieren“ spannt Ermöglichungsräume im OFF auf, die als Anlaufstelle, Experimentierfeld und Nische dienen.

Diese OFF-Situationen entsprechen also in ihrem Wesen durchaus in Teilen der Definition von Heterotopien nach Michel Foucault.

„Es gibt gleichfalls - und das wohl in jeder Kultur, in jeder Zivilisation - wirkliche Orte,

wirksame Orte, die in die Einrichtung der Gesellschaft hineingezeichnet sind, sozusagen Gegenplazierungen oder Widerlager, tatsächlich realisierte Utopien, in denen die wirklichen Plätze innerhalb der Kultur gleichzeitig repräsentiert, bestritten und gewendet sind, gewissermaßen Orte außerhalb aller Orte, wiewohl sie tatsächlich geortet werden können. Weil diese Orte ganz andere sind als alle Plätze, die sie reflektieren oder von denen sie sprechen, nenne ich sie im Gegensatz zu den Utopien die Heterotopien.“1

Approaching the OFF in the city as a situation, atmosphere, potential or condition requires other strategies for exploring the urban habitat. The situationists around Guy Debord drifted through Paris in the 60s and perceived the city as a string of different situations (the dérive). Specific atmospheres created by vertical and horizontal surfaces, the space in between, materials, people, smells and light. In other words, a kind of subjective urban morphology that required a many-sensed perception of the city and in turn rewarded this with an intense urban experience that pushed them from situation to situation. A permanent oscillation between active participation in the urban space and letting oneself fall and be seduced.

Accordingly, the attempts to map the city and its atmospheric fragments looked different. Map snippets and arrows referred to the atmospheric units, the connections between them, but also to the restless experience and exploration of the city which they named “derive”.

The concept of psychogeography shaped by the Situationists thus aims at the perception, experience and behaviour of each individual in urban space. In this respect, photography can also, besides cartography, serve as a strategy for visualising and capturing sub-

jective impressions of the city. The choice of motif, angle of view, exposure are all decisions that lead to an individual conscious representation of a city moment.

In addition to the consciously irrational view of the city, which demands a subjective perspective, there are the rational conditions of an objective urban morphology that generate the OFF. Buffer spaces along infrastructure routes, underused setback areas in postwar housing estates, or even cemeteries in dense urban areas. They are all united by their persistence in an unwieldy situation that prevents capitalist exploitation. This „freezing“ opens up spaces of possibility in the OFF that serve as a refuge, a field of experimentation, a niche.

These OFF situations therefore correspond in their essence to some extent to Michel Foucault‘s definition of heterotopias.

„There are also, probably in every culture, in every civilization, real places – places that do exist and that are formed in the very founding of society – which are something like counter-sites, a kind of effectively enacted utopia in which the real sites, all the other real sites can be found within the culture, are simultaneously represented, contested, and inverted. Places of this kind are outside of all places, even though it may be possible to indicate their location in reality. Because these places are absolutely different from all the sites that they reflect and speak about, I shall call them, by way of contrast to utopias, heterotopias.”1

Spaces Of Uncertainty –

Max Utech

In ihrem Buch „Spaces of Uncertainty” bezeichnen Kenny Cupers und Markus Miessen das OFF als “Rand“. 1

„Der Rand – als Schauplatz der Nebenwirkungen von Architektur – bietet eine weitere Sichtweise auf das spezifische Wesen architektonischer Produktion. Im Gegensatz zur Architektur erlaubt der Rand ein direkteres Konzept von Prozess, ein kontinuierliches. Die physischen Überbleibsel sind der Nährboden ephemerer Spuren und ermöglichen die Koexistenz von Unterschieden – Eigenschaften, die den Orten der architektonischen Entwicklung in ihrer Ausschließlichkeit fehlen. Der Rand wirkt also zeitversetzt als Katalysator von Stadtkultur.“

Sie schreiben also dem Nebenprodukt von überdefinierter Architekturproduktion – unterdefinierte Freiräume - das Potential zu, heterogene Nutzungen und Einschreibungen zu ermöglichen.

1

Aber auch die Fähigkeit diese wieder zu überschreiben oder zu überlagern, ganz im Sinne eines dichten Stadtnarrativs. Die folgenden Bilder entstanden im Zuge von Dérives im Frühling 2021 durch eben solche periphere Lagen von Paris. Vielmals wahre Heterotopien neben realisierten Utopien der Nachkriegszeit.

In their book „Spaces of Uncertainty“, Kenny Cupers and Markus Miessen refer to the OFF as the „margin“.1

„The margin—as the immediate stage of architecture’s side effects—offers

a second perspective to the specific nature of architectural production. In opposition to architecture, the space of the margin allows for a more direct idea of process, a continual one. The physical leftover is a ground of ephemeral traces and offers simultaneity of difference, qualities that the places of architectural development are lacking in their exclusiveness. The margin thus functions as a delayed catalyst of urban culture.“

(Kenny Cupers, Markus Miessen, Spaces of Uncertainty, Spaces of Uncertainty – Berlin revisited, 2018 Birkhäuser Verlag GmbH, Basel)

They attribute to the by-product of over-defined architectural production - under-defined open spaces - the potential to enable heterogeneous uses and inscriptions. But also the ability to overwrite or superimpose them again, in the sense of a dense urban narrative.

The following pictures were taken in the course of Dérives in spring 2021 through such peripheral locations of Paris. Often true heterotopias next to realised utopias of the post-war period.

Kenny Cupers, Markus Miessen, Spaces Of Uncerntainty, Birk

Kristine Hymøller

“Camp sees everything in quotation marks. It’s not a lamp, but a “lamp”; not a woman, but a “woman”. To perceive Camp in objects and persons is to understand Being-as-Playing-a-Role.

It is the farthest extension, in sensibility, of the metaphor of life as a theater.”

Susan Sontag, Notes on “Camp”, 1964

If you look at Kristine Hymøller‘s work from the perspective of an architect, you can‘t help but notice the satirical quotation marks everywhere. With her very versatile works, she subversively challenges concepts such as the „façade“, „architecture“, the „cityscape“ and „urbanity“. One can contextualise Kristine Hymøller‘s work on two levels of scale in architectural discourse, the object and the urban landscape: At the object level, fragments and materials from the building process keep appearing - bodies, skin, materials, authenticity and randomness are negotiated. The subsequent placement of these objects in space generates abstract urban landscapes that critically address issues such as the transformation and perception of our cities.

Object / Body

“Camp is a vision of the world in terms of style – but a particular kind of style. It is the love of the exaggerated, the “off,” of things-being-what-they-are-not.”

In Kristine Hymøller‘s recent work she orders plenty of large make-up-pallets, applies them in a performative act on her body, stages herself in front of newly built facades and creates rasterized abstraction of these facades by reusing these make-up-pallets as a mold for little concrete towers and facades.

It‘s a performative act that you can call „Camp“, a term that Susan Sontag describes in her essay from 1964 with the same name: a love of the unnatural - of artifice and exaggeration.

Kristine Hymøller‘s performance shows a frivolous „campiness“ that the mocked facades of the newly built housing blocks don‘t have. By exaggerating the genericness and blantness of these facades, she is challenging the current narratives of these new city quarters. She calls out these buildings that are mainly characterized by their commodification for a capitalized housing market. Its inherent dynamics include on the one hand a wish for a low-risk investment, which lead to monofunctional housing blocks, that are in high demand. On the other hand, developers ask for a distinct branding of the product through its façade - you may call it make-up. In short: a fancy packaging for a standardised content.

These dynamics of profit-oriented housing production can be observed above all in the urban expansion areas of growing cities and lead to a problematic desertification of these neighbourhoods - a series of pure residential buildings „in drag“ do not make a „city“. This requires spaces of possibility in which heterogeneous uses and people can „nestle“ in order to let an exciting mélange grow.

This is precisely what Kristine Hymøller criticises when she walks through new housing developments in Odense and Copenhagen and denounces the disappearance of typologies like

Susan Sontag, Notes on “Camp”, 1964

laundromats. She points out the importance of such collective spaces and the social problems that result from the lack of low-key meeting, educational and recreational spaces.

This critique, manifested in the form of „makeup“ towers, is complemented in Kristine Hymøller‘s work by other construction site artefacts: formwork tubes, drill cores, reinforcing iron and construction rubble are processed, coloured, sometimes gold-plated and arranged in such a way that abstract urban model landscapes emerge. These inevitably reveal similarities with the collages of Superstudio, which already in the 1970s, together with progressive fellows such as Archizoom, challenged in their concepts the functionalist and capitalised city planning and the consumer society that went with it.

City / Society

„In the beginning we designed objects for production, designs to be turned into wood and steel, glass and brick or plastic - then we produced neutral and usable designs, then finally negative utopias, forewarning images of the horrors which architecture was laying in store for us with its scientific methods for the perpetuation of existing models.“ Superstudio, 1973, exhibition text “Fragments From A Personal Museum”, Neue Galerie Graz

In their images, Superstudio visualise people who have overcome the constraints of a functionalist consumer society and walk through infinite

landscapes where only single remaining artefacts remind us of the latter.

In Kristine Hymøller‘s exhibition „A tribute to the time between“, the pictorial similarities to these narratives are particularly strong: a landscape of construction rubble, reinforcing iron and glass, made up with make-up in a ritual.

Symbolically, Kristine Hymøller in this way tells the story of a city and its society that transforms and „beautifies“ itself. As in the case of Superstudio, the answer remains open as to whether it is a utopia or a dystopia.

In Kristine Hymøller‘s work, one can thus discover themes such as authenticity, drag, shell, body, genericness, commodification, transformation and spectacle on both levels - object and space.

These terms inevitably bring us back to Guy Debord and the Situationists that he founded in 1956. In his major work, The Society of the Spectacle, Debord attacks the dynamics of modern consumer society: a society that functionalises and standardises everything and limits the role of the individual to passively consuming the spectacle provided as a substitute. The Paris-based Situationists read the city as a series of situations: Atmospheres created by vertical and horizontal surfaces, materials, people, smells and light. A dense urban experience in which people can drift freely and participate actively and creatively in the production of the city.

It is precisely this approach to reading the citythe Situationists called it psychogeography - that Kristine Hymøller‘s work reminds us of. It shows an urban society in the process of transformation and suggests the artist‘s own urgent desire: for a sensitively tangible and multi-layered city space of possibilities - which is also possible using generic materials like concrete, steel and glass.

Nischen sind die die räumliche Konstitution des OFF. Es sind Raumtaschen, Erweiterungen, Aufweitungen, Ränder oder Abstände. Nischen sind Rückzugsräume, Keimorte und Nistplätze einer alternativen Stadtkultur - Anknüpfungspunkte für Neues und Neue. Wie ein großer Schwamm saugt das Netz der Nischen Ankommende, Verlorene, Neugierige, Suchende, Geflüchtete und Alternative auf.

Genau wie die räumliche Konfigurierung sind auch die Nutzenden im Zustand des OFF. Marginalisierte der Gesellschaft suchen sich ihre Orte der ungestörten Zusammenkunft, des Austausches und der Unterstützung - seien es die Queers in den Bars und Clubs oder die Geflüchteten und Ankommenden in den Cafés der Arrival-Neighborhoods.

Aaron Betsky beschreibt den Charakter von Queer Spaces im gleichnamigen Buch dementsprechend auch als selbstermächtigend:

„It is a kind of space that I find liberating, and that I think might help us avoid some of the imprisoning characteristics of the modern city. It is a useless, amoral, and sensual space that lives only in and for experience. It is a space of spectacle, consumption, dance, and obscenity. It is a misuse or deformation of a place, an approbation of the building and codes of the city for perverse purposes. It is a space in between the body and technology, a space of pure artifice.“1

Queer Spaces haben somit neben der counter-aktiven Eroberung und Nutzung von Orten auch einen performativen und atmosphärischen Charakter inhärent. Es geht um die Pervertierung hegemonialer Ordnungen und Normen, das intensive Erleben des Anderssein im Kollektiv.

Die Ermächtigung des Einzelnen im Kollektiv ist auch ein Ziel der „Arrival City“ nach Doug Saunders. Er beschreibt die Arrival City

als Ankunftsort für Migrierende. Die erste Nische in der Stadt, wo man auf die einem bekannte Kultur und schon manifestierte Supportnetze trifft, bevor man den Schritt aus der „Deckung“ wagt.

Er bezeichnet diese Nischen als „transitional spaces where the next great economic and cultural boom will be born (…).”2

Die Orte der OFF city sind also nicht nur Ermöglichungs- sondern auch Ermächtigungsorte für den Einzelnen und das Kollektiv in der Stadtgesellschaft. Zufluchtsorte einerseits, aber auch Brutstätten für das Neue, das den Puls der Stadt mitbestimmt.

Niches are the spatial constitution of the OFF. They are spatial pockets, extensions, expansions, edges or gaps. Niches are spaces of retreat, breeding grounds and nesting places of an alternative urban culture - points of contact for the new and novel. Like a large sponge, the network of niches absorbs the arriving, the lost, the curious, the seekers, the escapees and the alternatives.

Just like the spatial configuration, the users are also in a state of OFF. Marginalized members of society seek out their places of undisturbed gathering, exchange and support - be it the queers in the bars and clubs or the refugees and arrivals in the cafés of the Arrival neighborhoods.

Aaron Betsky describes the character of queer spaces in the book of the same name as self-empowering:

„It is a kind of space that I find liberating, and that I think might help us avoid some of the imprisoning characteristics of the modern city. It is a useless, amoral, and sensual space that lives only in and for experience. It is a space of spectacle, consumption, dance, and obscenity. It is a misuse or deformation of a place, an approbation of the building and codes of the city for perverse purposes.

It is a space in between the body and technology, a space of pure artifice.“1

Queer Spaces therefore have an inherent performative and atmospheric character in addition to the counter-active conquest and use of places. It is about the perversion of hegemonic orders and norms, the intense experience of otherness in the collective.

The empowerment of the individual in the collective is also an objective of the „Arrival City“ according to Doug Saunders. He describes the Arrival City as a place of arrival for migrants. The first niche in the city where you meet the culture you know and already manifested support networks before you dare to step out of „cover“ and conquer the city. He calls these niches „transitional spaces where the next great economic and cultural boom will be born (...).“2

The places of the OFF city are thus not only enabling but also empowering places for the individual and the collective in our urban society. Refuges on the one hand, but also breeding grounds for the new, which helps determine the pulse of the city

avec toi, ne sera plus Corentin Darré

Text: Antoine Champenois

It’s here. In a corner. We pass in front of it and we don’t see it, or at least not any more. It’s a rusty urinal, a T-shirt in a parking lot under construction, a bush behind a tree, or more like what’s left of it, both of the bush and the tree. Silent witnesses of the visual and bodily contact of an infinite number of anonymous people. With the installation “Être dehors avec toi, ne sera plus jamais pareil”, Corentin Darré questions the virtual future of spaces receiving «cruisers»: errant homosexual men seeking sexual relations.

Through 3D models of these disappearing spaces and hyper virilized avatars inspired by the video game universe that they inhabit, the artist underlines the gradual disappearance of these urban spaces through the digital tools into which they are transposed. The presentation of these images in space thus artificially recomposes the materiality of these practices now dissolved in the

urban fabric digitized by dating apps. Through the computer-generated image that he controls, the raw material used as a signifier, the spatial arrangement of the installation recreating the cruiser’s errant conditions for the visitor, Cor entin Darré restores all the violence at play in this conditioned process of seduction. The works paradoxically suggest anti-subjects, disembodied, ghostly bodies, yet seemingly first assessed by their appearance, real, photographic or fictitious in this ephemeral crossing movement. To digital reconstructions responds the survival of these subjects through speech. Encrusted within archetypal street furniture, the testimonies taken from specific forums embody an experience and humanize a certain latent bestiality.

The historical product of marginalized sexuality and a stigmatized social group, the model of cruising reflects a practice built with no other

choice than clandestine and loveless. If the digital models that follow it emancipate themselves from the spatial and temporal conditioning from which they arise, they do seem to perpetuate their initial structural forms. In the artist’s treatment of it, the cruising space, far from the Foucauldian children’s playhouse and although real, then moves away from heterotopia. Relegated to the dark, dirty or unusual corners of the city, the cruiser de facto composes with a space it has not chosen. Yet, between the puddles of piss and gasoline, the fences and rubbish thrown into the bushes, the contours of a hollow poetry start to take shape. In these blind spots of the patriarchal and heteronormative society unfold the savage forms of another type of encounter, a face to face turned side by side. This space, real or digital, then welcomes with open arms, mouth or ass the free projection of the fantasies and imaginations of its occupants.

Despite the anonymity, what Corentin Darré perceives in cruising and what he reports in this installation is the desire for an ephemeral synthesis between time and space which separates and connects both desired and desiring bodies. It makes possible this rapprochement that the gaze initiates and stirs up for better or for worse. The experience of space and the space of this experience are then played through a brushing of the shoulders. In the encounter scripted by secrecy and the quasi-economic rationality of the sexual act, the political, geographical and social forms of an non normative sexuality are played out- which questions the foundations of relational mechanics, including those of its double norm operating no further than a few feet away at the terrace of a cafe.

The Silent Room

Nathalie Harb

Ich kenne die Stadt Beirut nur aus verschiedenen Erzählungen - sie ist für mich wie eine der unsichtbaren Städte von Italo Calvino. In jeder Geschichte etwas anders, aber immer umkämpft, verletzt, Sehnsuchtsort, chaotisch und herausfordernd.

Mitten in diesem Intensiven Stadtraum steht der Silent Room von multidisciplinary artist and designer Nathalie Harb wie ein unschuldiges aber verführerisches Tortenstück. Seine GiebeldachForm, die monochrome Farbgebung und seine leichte Materialität erzeugt eine Anziehungsund Verführungskraft – gleich einem österreichischem „Punschkrapfen“.

Wie der Name des Projektes schon andeutet steht dieser temporäre Pavillon für die experimentelle Erprobung einer neuen Typologie im öffentlichen Raum: Es geht letztendlich darum aus der Kakofonie von Beirut temporär herauszutreten um sich im OFF des Silent Room zurückzuziehen.

Im zweigeschossigen Pavillon kann man in einen außenliegenden Patio heraufsteigen und dort den Rückzugsraum betreten. Dieser ist geprägt durch gedämmtes Licht, gedämpften Umgebungslärm, gepolsterte Sitzmöglichkeiten und einen eingespielten beruhigenden Hintergrundsound – Beirut in seinen stillsten Momenten. Durch dieses

ausgeklügelte System an Schwellen – das Heraufsteigen und das Eintreten – entsteht eine langsame Annäherung an den Ort und eine schrittweise Eroberung der inneren Oase der Stille. Dieser innerste Raum ist also vielschichtig: er ist individueller Rückzugsraum und Safe Space aber gleichzeitig auch ein öffentlich zugänglicher gemeinschaftlicher Ort. Ein Ort, der also auch Verhandlung, gegenseitige Rücksichtnahme und Respekt bedarf.

Nach der Premiere des Silent Room auf der Beirut Design Week 2017 realisierte Nathalie Harb während der London Design Biennale 2018 einen adaptierten Silent Room. Sie errichtete einen nun dunkelblauen Pavillon, der im hyperkapitalistischen Londoner Kontext das Ziel hatte einen Raum und ein OFF zu schaffen, das zum individuellen Innehalten animiert – wie eine imaginierte Pause-Taste.

Es ist ganz offensichtlich, dass die unterschiedlichen städtischen Kontexte eine jeweilige ganz eigene Adaptierung dieses OFF-Pavillons benötigen. Wie würde z.B. ein solcher in Paris aussehen? Ein Raum zum „Luft-holen“ in der dichtesten Metropole Europas? Und wie in Wien? Ein gegenteiliger Ort für das Wilde in einer sehr stark regulierten und entschleunigten Stadt?

I only know the city of Beirut from various stories - for me it is like one of Italo Calvino‘s invisible cities. Slightly different in every story, but always conflicted, wounded, a place of longing, chaotic and challenging.

In the middle of this intense urban space, the Silent Room by multidisciplinary artist and designer Nathalie Harb stands like an innocent but seductive slice of cake. Its gabled roof shape, monochrome colour scheme and light materiality create a sense of attraction and seduction - sweet and heavy like an Austrian „Punschkrapfen“.

As the name of the project suggests, this temporary pavilion stands for the experimental trial of a new typology in public space: It is ultimately about temporarily stepping out of the cacophony of Beirut to retreat in the OFF of the Silent Room.

In the two-storey pavilion, visitors can climb up to an exterior patio and enter the retreat space. This room is characterised by dimmed light, ambient noise, cushioned seating and a soothing background sound - Beirut in its quietest moments.

This elaborate system of thresholds - the slow ascent and the cautious entry - creates a slow approach to the space and a gradual conquest of the inner oasis of silence. This innermost space is complex: it is an individual retreat and safe space, but at the same time it is also a publicly accessible collective space. A place that therefore also requires negotiation, mutual consideration and respect.

After the premiere of the Silent Room at Beirut Design Week 2017, Nathalie Harb realised an adapted Silent Room during the London Design Biennale 2018. She constructed a now dark blue pavilion that, in the hyper-capitalist London context, aimed to create a space and an OFF that

encourages individual contemplation - like an imaginary Pause button. It is quite obvious that the different urban contexts each require their own unique adaptation of this OFF pavilion. What would such a pavilion look like in Paris, for example? A space to „catch your breath“ in the densest metropolis in Europe?

And what about Vienna? An opposing place for the wild in a very strongly regulated and decelerated city?

* OFF-Räume sind im Gegensatz zu den ON-Räumen der überbestimmten Stadt wandelbar, gestaltbar, uncodiert und animieren, sich aktiv zu ihnen zu verhalten. Sie sind Orte des Experimentes, des Ausverhandelns, der Überwindung des Hegemonialen und somit auch der Grenzüberschreitung.

OFF-Räume sind im Gegensatz zu den ON-Räumen der überbestimmten Stadt wandelbar, gestaltbar, uncodiert und animieren, sich aktiv zu ihnen zu verhalten. Sie sind Orte des Experimentes, des Ausverhandelns, der Überwindung des Hegemonialen und somit auch der Grenzüberschreitung.

OFF-Orte können also als produktives Labor für den „Homo faber“2 dienen, in denen in kreativer Arbeit ausprobiert und entwickelt wird. Die Atmosphäre der Freiheit und die animierende Auseinandersetzung mit einem nicht vorbestimmten Ort triggert neben dem Wunsch (sich) auszuprobieren auch den menschlichen „Spieltrieb“3. OFF-Orte sind somit vor allem auch „Spielplätze“ des „Homo ludens“, des spielenden Menschen.

Huizinga beschreibt in seinem Werk „Homo Ludens“ das Spiel als Indiz für die Existenz eines Geistes. Geist nicht im Sinne einer Intelligenz oder eines spirituellen Seins, sondern Geist als kreative Urlust Dinge zu probieren, zu begreifen, auszureizen, zu übertreiben. Für ihn ist es die Überwindung des Rationalen, des mechanischen Denkens:

„Wir spielen und wissen, dass wir spielen, also sind wir mehr als nur vernünftige Wesen, denn das Spiel ist unvernünftig“ 4 .

Das Spiel ist somit auch immer die bewusste Überwindung des Vernünftigen, des Ernsthaften, die letztendlich euphorische Befreiung vom Vorbestimmten. Somit wird auch im Spiel und im Spielplatz das Potential der Dialektik zwischen dem ON und dem OFF deutlich. Es geht immer um das Bewusstsein der Schwelle zwischen Ernst und Spiel sowie die Faszination und den verführerischen Trieb des Wechselns zwischen den gegensätzlichen Welten.

Arthur Schnitzlers Buch „Traumnovelle“ 5 und dessen Verfilmung „Eyes Wide Shut“ 6 durch Stanley Kubrick speist sich aus diesen fortlaufenden Grenzübertretungen. Dessen Protagonist*innen sind nach irritierenden zufälligen Kontakten mit einer Parallelwelt von

„Der Mensch spielt nur, wo er in voller Bedeutung des Wortes Mensch ist, und er ist nur da ganz Mensch, wo er spielt.“1 Friedrich Schiller

dieser angezogen und vom Wunsch getrieben diese Welt zu betreten – die Sehnsucht nach dem (erotischen) Spiel und Abenteuer.

In Kubricks Thriller finden diese spielerischen Grenzüberschreitungen auf zwei Ebenen statt und bestimmen den Spannungsbogen des Films. Die Beziehung von Ehepaar Bill und Alice und ihre Dialoge sind im ganzen Film geprägt durch gegenseitiges Verführen. Es wird viel zwischen Phantasie und Wahrheit, Traum und Realität gewechselt, ein Spiel das beide fasziniert und das Verhältnis zwischen ihnen auflädt.

Bill erlebt zudem auch einen räumlichen Wechsel zwischen der ihm bekannten bürgerlichen Welt und einer ihr ihm neuen wilden Situation. Über einen Bekannten erhält er zufällig Zugang zu einer geheimen Orgie, einer wahren Heterotopie nach Foucault. Der Zugang ist nur mit Passwort möglich, Foucault nennt dies Eintrittsritual. Im Innern gilt ein Kleidungscode und das Tragen einer venezianischen Karnevalsmaske verschleiert die Identität im ON und ermöglicht eine Neue im OFF. Die Orgie ist geprägt von Ritualen und einem eigenen Regelwerk – ebenfalls ein Kennzeichen heterotoper Räume, die die gesellschaftlichen Verhältnisse des ON reflektieren, indem sie sie herausfordern oder umkehren. Bill ist so fasziniert von dieser räumlichen Grenzüberschreitung und getrieben von der Sehnsucht nach dem Wiedererleben dieses erotischen Spielraums, dass er trotz mehrerer Warnungen seine Vernunft überwindet und den Betreibern und Umständen der Orgie nachforscht.

Eine ähnliche Art von Spielraum beschreibt Hakim Bey, wenn er über den von ihm geprägten Zustand der TAZ – temporäre autonome Zonen spricht. Auch hier handelt es sich um eine Interferenz, die aber anders als Foucaults räumliche Heterotopien ein Gewicht auf eine zeitliche Komponente legen.

Es geht vorrangig um die Erzeugung eines anarchischen Moments, in dem ein zeitlich abgegrenzter Raum- und Gesellschaftszustand entsteht.

Hakim Bey sieht in diesen temporären „Aufständen“ die Möglichkeit wirkliche autonome Räume aufzuspannen, bevor sie entdeckt werden und wieder in sich zusammenfallen.

Denn er zweifelt an der Effektivität der Revolution:

„Die Vision (des anarchischen Raumes) entsteht im Moment des Aufstandes - aber

sobald „die Revolution“ triumphiert und der Staat wiedersteht, sind Traum und Ideal bereits verraten.“ 7

Er sieht die offene Konfrontation mit dem übermächtigem Hegemonial als „sinnloses Märtyrertum“. Die von ihm beschriebenen anarchistischen Momente sind zwar ephemer, bleiben aber bestehen, solange sie unentdeckt bleiben. Die TAZ liegt also vorzugsweise im OFF, im Klandestinen:

„Die TAZ ist der Ort von Guerillaontologen: zuschlagen und abhauen. (...) Die Attacke gilt den Strukturen der Kontrolle, im Wesentlichen den Ideologien. Die Verteidigung ist „Unsichtbarkeit“, eine Kampfsportart (...).“

7

Trotz des anarchistischen Grundtenors beschreibt Hakim Bey durchaus alltägliche Situationen. Er erwähnt die „Dinner Party“ mit Verweis auf Stephen Pearl Andrews als Beispiel für eine anarchische Gesellschaft, „bei der jegliche Autoritätsstruktur sich in Konvivalität und Zelebration auflöst“.

In „Eyes Wide Shut“ gibt es mehrere Situationen, die als TAZ betrachtet werden könnten, die unschuldigste ist tatsächlich die Dinner Party am Anfang des Filmes, der auslösende Event des nachfolgenden Narrativs, an den sich wie auf einer Perlenschnur viele TAZ- und OFF-Momente anknüpfen.

Von einer ganz anderen Sichtweise auf das OFF und das spielerische Überwinden von Gestaltungs-, Gesellschafts- und ÄsthetikKodexen schreibt Susan Sontag in ihren „Notes on Camp“. 8 Ganz ähnlich wie Hakim Bey mit seiner „poetischen Spielerei“ zur Begriffsumkreisung der TAZ (s. INTRO), liefert Susan Sontag keine eindeutige Definition des Begriffes „Camp“. Sie formuliert stattdessen 58 Statements, die einen weiten Definitionsraum aufspannen und dem facettenreichen und durchweg subjektiven Begriff so gerechter werden.

„8. Camp is a vision of the world in terms of style – but a particular kind of style. It is the love of the exaggerated, the “off”, of thingsbeing-what-they-are-not. (…)”

Es geht letztendlich also um das Spiel und die Herausforderung des Gewohnten, eine Art OFF-Verschiebung: Lustvolles Übertreiben, schwülstiges Provozieren, schamloses Behaupten und Vortäuschen, die Ausreizung des Konzeptes „Geschmack“.

Foucault, Huizinga und Sonntag bieten so auf ihre ganz eigene Weise unterschiedliche OFF-Konzepte und verschiedene Spielwiesen um sich auszuprobieren: Let’s Play!

„ Human beings only play where they are human beings in the full meaning of the word, and they are only fully human where they play.“

1 Friedrich Schiller

OFF spaces, in contrast to the ON spaces of the determined city, are changeable, shapeable, uncoded and stimulate one to actively engage with them. They are places of experimentation, of negotiation, of overcoming the hegemonic and therefore also of transgressing boundaries.

OFF places can thus serve as productive laboratories for homo faber 2 where people experiment and develop in creative work. The atmosphere of freedom and the animating confrontation with a non-determined place triggers not only the desire (to try things out) but also the human „play instinct“ 3. OFF-places are therefore above all also „playgrounds“ of Homo ludens, the playing human being.

In his work „Homo Ludens“, Huizinga describes play as an indication of the existence of a spirit. Spirit not in the sense of an intelligence or a spiritual being, but spirit as a creative primal desire to try things out, to understand, to exploit, to exaggerate. For him, it is the overcoming of the rational, of mechanical thinking:

Play is thereby also always the conscious overcoming of the rational, the serious, the ultimately euphoric liberation from the pre-determined. So the potential of the dialectic between the ON and the OFF also becomes clear in play and in the playground. It is always about the awareness of the threshold between seriousness and play as well as the fascination and seductive drive of switching between the opposing worlds.

Arthur Schnitzler‘s book „Traumnovelle“5 and its film adaptation „Eyes Wide Shut“ 6 by Stanley Kubrick are fed by these ongoing transgressions. After an irritating accidental contact with a parallel world, its protagonists are attracted to it and driven by the desire to enter this world - the longing for (erotic) play and adventure.

In Kubrick‘s thriller, these playful transgressions take place on two levels and determine the suspense of the film. The relationship of the couple Bill and Alice and their dialogues are characterised by mutual seduction throughout the film. There is a lot of switching between fantasy and truth, dream and reality, a game that fascinates both of them and strains the relationship between them.

Bill furthermore experiences a spatial change between the bourgeois world he knows and a wild situation that is new to him. Through an acquaintance, he accidentally gains access to a secret orgy, a true heterotopia after Foucault. The entrance is only possible with a password, Foucault calls this an entrance ritual. Inside, a dress code applies and the wearing of a Venetian carnival mask disguises the ON identity and enables a new one in the OFF. The orgy is characterised by rituals and its own set of rules - another characteristic of heterotopic spaces that reflect the social relations of the ON by challenging or reversing them.

Bill is so fascinated by this spatial transgression of boundaries and driven by a longing to relive this erotic playspace that, despite several warnings, he overcomes his rationality and investigates the operators and circumstances of the orgy.

Hakim Bey describes a similar kind of playspace when he talks about the condition he calls TAZ - temporary autonomous zones.

„We play and know that we play, so we are more than just rational beings, because play is unreasonable“ 4 .

This is also an interference, but unlike Foucault‘s spatial heterotopias, it places an emphasis on a temporal component.

It is primarily a matter of creating an anarchic moment in which a temporally limited state of space and society emerges. Hakim Bey sees in these temporary „uprisings“ the possibility of opening up real autonomous spaces before they are discovered and collapse again.

This is because he doubts the effectiveness of revolution: „The vision (of anarchic space) emerges at the moment of the uprising - but as soon as „the revolution“ triumphs and the state resists, the dream and ideal are already betrayed.“ 7

He sees open confrontation with the overbearing hegemonic as „senseless martyrdom“. The anarchist moments he describes are ephemeral but persist as long as they remain undiscovered. The TAZ is thus preferably in the OFF, clandestine:

„The TAZ is the place of guerrilla ontologists: strike and run. (...) The attack is on the structures of control, essentially on ideologies. The defence is „invisibility“, a martial art (...).“

Despite the underlying anarchist tone, Hakim Bey does describe everyday situations. He mentions the „dinner party“ with reference to Stephen Pearl Andrews as an example of an anarchic society „where all authority structure dissolves into conviviality and celebration“. There are several situations in Eyes Wide Shut that could be considered TAZs, the most innocent of which is in fact the dinner party at the beginning of the film, the triggering event of the narrative that follows, with many TAZ and OFF moments following on from it like a string of pearls.

Susan Sontag writes in her „Notes On “Camp”“ 8 about a completely different view of OFF and the playful overcoming of codes of design, society and aesthetics.

Much like Hakim Bey with his „poetic playfulness“ on the conceptualisation of the TAZ (see INTRO), Susan Sontag does not provide a clear definition of the term „camp“. Instead, she formulates 58 statements that span a wide definitional space and thus do more justice to the multifaceted and thoroughly subjective term.

„Camp is a vision of the world in terms of style - but a particular kind of style. It is the love of the exaggerated, the „off“, of thingsbeing-what-they-are-not. (...)“

Ultimately, then, it is about playing with and challenging the familiar, a kind of OFF-shift: pleasurable exaggeration, flamboyant provocation, shameless claiming and pretending, the exhaustion of the concept of „taste“.

Foucault, Huizinga and Sonntag thereby offer different OFF concepts and different playgrounds to try yourself out in their very own specific way: Let‘s Play!

6 Stanley Kubrick, Eyes Wide Shut, 1999

7 Hakim Bey - T.A.Z., Die Temporäre Autonome Zone, Edition ID-Archiv, Berlin, 1994, Originalausgabe: T.A.Z. The Temporary Autonomous Zone, Ontological Anarchy, Poetic Terrorism, Autonomedia, New York, 1991

8 Susan Sontag, Notes On Camp, Partisan Review, 1964

2 Max Scheler, Die Stellung des Menschen im Kosmos, Reichl, 1928

Séparée PUFF Bar

Max Utech / Dina Dragoshinska

Eine intime Erweiterung einer bestehenden Cocktailbar für zweideutige Zwecke - ein Kontrast zwischen einer unbegrenzten Decke und der campy Enge des weichen Metallkäfigs darunter - kein Handy-Empfang - ein hartes Echo der ehemaligen Bordellnutzung - ein Ort an dem man nicht flüchtet, sondern sich verliert.

Die „Puff-Bar“ ist eine etablierte Cocktailbar in Wien und ein Etablissement mit einer bewegten Geschichte. Seit Anfang des letzten Jahrhunderts wurde das heutige Wohnhaus in der Girardigasse als Laufhaus genutzt. Dieses Erbe führte 2012 zu einer verspielten Gestaltung des Hauptraums durch das Wiener Designstudio Walking Chair: eine Melange aus bunten Objekten, verspiegelten Oberflächen und zerstreuter Beleuchtung.

Knapp zehn Jahre später bekam die Bar nun ein Update. Die Architekten Max Utech und Dina Dragoshinska verwandelten einen ehemaligen Lagerraum in eine vielseitige Erweiterung. In Anlehnung an die frühere Nutzung als Bordell ist der neue Raum als Séparée gedacht - ein Rückzugsort für verschiedene hedonistische Zwecke.

Eine umlaufende Sitzbank kann umgeklappt werden und erlaubt die Nutzung als Lounge oder Tanzfläche. Die Wandverkleidung mit Metall-

vorhängen und die mit Straußenlederimitat bezogenen Bänke schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Geborgenheit, Härte und Wildheit oszilliert. Sowohl die Metallvorhänge als auch die Sitzbänke haben ihre eigenen haptischen Sensationen: Die starren geflochtenen Kettenvorhänge werden weich und schmelzen in der Hand, sobald man sie anhebt. Das Straußenleder hat durch seine großporige Beschaffenheit Ähnlichkeit mit rauer menschlicher Haut.

Die Enge des 15qm großen Séparées wird durch eine breite LED-Decke kontrastiert. Hohe Wandspiegel erzeugen einen Unendlichkeitseffekt und brechen die Enge des Raumes auf - eine Hommage an die American Bar von Adolf Loos, die er 1908 mit demselben Twist entwarf und die bis heute ein Wiener Klassiker ist.

Die LED-Rasterdecke fungiert als Low-TechLow-Definition-Screen und lässt sich mit der gespielten Musik zu passenden Visuals koppeln - ein peitschendes, pulsierendes Skylight für die kommenden Raves.

Das Wechselspiel zwischen Enge und Weite, zwischen Gemütlichkeit und Härte schafft einen eher ambivalenten und kinky Raum - ein Ort, um sich zu verlieren.

An intimate extension of an existing cocktail bar for ambiguous uses - contrasting an infinite ceiling with the campy narrowness of a soft metal cage below - no mobile phone reception – a hard echo of the former brothel use – a place not to escape but to get lost.

“Puff-Bar” is an established cocktail bar in Vienna and an etablissement with a rich history. Since the beginning of the last century, the now residential building in Girardigasse has been a running house. This heritage led in 2012 to a playful design of the main room by Viennese design studio Walking Chair: a mélange of colorful objects, mirrored surfaces and atmospheric lighting.

Nearly ten years later, the bar got an update. Architects Max Utech and Dina Dragoshinska turned a former storage room into a flexible extension. Echoing its former brothel use, the new space is thought as a séparée - a secluded space for various hedonistic uses.

A surrounding bench can be folded down and allows the use as lounge or dancefloor. The wall paneling with metal curtains and the benches covered with faux ostrich leather create an atmosphere that oscillates between coziness, hardness and sultriness.

Both the metal curtains and the bench seats have their own tactile sensations: the stiff woven chain curtains soften and melt in your hand as soon as they are lifted. The ostrich leather has a resemblance to rough human skin through its large-pored nature.

The narrowness of the 15sqm séparée is contrasted with a wide LED ceiling. High wall mirrors create an infinity effect and break the tightness of the room - an homage to the American Bar by Adolf Loos which he designed with the same twist in 1908 and is still a Viennese classic today.

The LED grid ceiling functions as a low-tech, low-definition screen and can be coupled with the music played to create matching visuals – a whipping pulsing skylight for the raves to come. The interplay between narrowness and wideness, between coziness and harshness create a rather ambigous and kinky space - a place to lose yourselves.

Temple Of –Caroline Wolf

Wie sieht ein Gebäude aus, das wilde Spielerei ermöglicht – diese sogar herausfordert? Wo findet sich in Wien ein entsprechender Ort an dem sich ein solcher Parallelraum aufspannen könnte?

Caroline Wolf’s Temple Of ist eine typologische Suche nach der inneren Ausformung, der konstruktiven Gestalt und der städtebaulichen Kontextualisierung eines räumlichen Gefäßes für das Wilde.

Es ist der programmatische Entwurf einer Reise, eines immer anderen Narrativ durch verschiedene Raumschichten von unten nach oben – vom heimlichen Eintreten, über das exzessive Loslassen, das sich Verausgaben, das Zu-sich-kommen, das Ausruhen und die eigene Pflege im kollektiven Ritual bis hin zur letztlichen Wiederverknüpfung mit der Stadt auf dem Dach.

Ein erster Versuch für Wien, den sie momentanen für ihre Diplomarbeit für eine ganz andere, weil dichtere, heterogenere und im Umbruch befindliche Stadt weiterentwickelt – ein weiterer hedonistischer Tempel, diesmal für Paris.

What does a building look like that allows wild playfulness - and even provokes it? Where in Vienna is there an adequate location where such a parallel space could be created?

Caroline Wolf‘s Temple Of is a typological search for the inner form, the constructive gestalt and the urban contextualisation of a three-dimensional vessel for the wild.

It is the programmatic concept of a journey, of an ever-changing narrative through different layers of space from the bottom to the top - from secretly entering, through the excessive letting go, the exhausting oneself, the coming back to oneself, the resting and one‘s own care in the collective ritual, up to the final reconnection with the city on the roof.

A first attempt for Vienna, which she is currently developing further for her diploma thesis for a completely different, because denser, more heterogeneous and transforming city - another hedonistic temple, this time for Paris.

Text: Caroline Wolf

Geprägt durch seine Kontraste strotzt das Areal der Spittelau vor Andersartigkeit. Kleinteilige Einfamilienhäuser und klassischer Blockrand stoßen auf eine breite fremdkörperartige Zunge, die sich entlang des Donaukanals in die Stadt hineinschlägt. Eine Zone, die sich deutlich von ihrer Umgebung absetzt und somit neue Bedingungen verspricht, wird ablesbar.

Erkennbar wird ein Rahmen des Konformen, ohne viele Ausschläge in Extreme, der in sich jedoch einen Kosmos birgt, welcher einen großen Handlungsspielraum zulässt. Ein Ort, welcher das Potential inne hat Scharnier zwischen zwei Welten zu sein, die Strenge seiner Umwelt aufzulösen und es durch seine Robustheit verträgt, Kulisse für ein wildes Spektakel zu sein. Implantiert wird nun eine Struktur, die genau auf diesen Wesenszug des Wilden eines Menschen ausgerichtet ist. Sie spricht zu der kindlichen Neugierde und dem daraus resultierenden instinktiven Handeln.

Die Struktur trägt einen Tempel der Fantasie in sich, einen Playground entfacht durch eine Anhäufung von Kuriositäten und Extremen, die zu einem Spiel mit dem Wilden in einem Selbst und mit dem der Anderen verführt.

Sie weckt. Sie intensiviert. Sie spielt.

Nähert man sich an, so gibt das Gebäude im Parterre nur ein diffuses Bild von sich Preis. Lediglich der Abdruck seiner tragenden Struktur und metallene Zylinder, deren Ziel man nicht kennt, werden sichtbar.

Der Beginn des Weges durch die kuriose Welt ist geprägt durch einen kompletten Kontrollverlust. Eine Ebene gewidmet dem Exzess. Entkoppelt von der Haupterschließung entsteht ein Sehnsuchtsort, der sich neckisch von der gegenüberliegenden Seite präsentiert. Durch ein kleines Schlupfloch tritt man in diese extatische Welt, die von ihrer Umwelt entkoppelt scheint. Mittig trägt sie eine wilde Abfolge von Nischen und Räumen, die das „Sich verlieren“ provoziert. Das wirre Gefüge mündet in einen kappelenartigen Raum, der sich wie ein Schlot durch das gesamte Gebäude schlägt und über das Dach heraus stößt. Verhüllt wird das Treiben im Inneren durch einen Kettenvorhang, welcher sich wie ein Negligé, als diffuse Hülle um sein Inneres legt.

Es folgt die Ebende der Kontrolle, jene ihres Rückgewinns. Entfacht wird hier ein ebenso ekstatischer Zustand, jedoch wird dieser von be-

wussten Handlungen und gerichteten Bewegungen geleitet. Sowohl durch die sich im Inneren aufspannende Arenensituation, als auch durch den schmalen Steg, der Einblicke in die untere Ebene preisgibt, wird der voyeuristische Charakter dieser Zone unterstrichen.

Den beiden Ebenen der Extreme folgt jene, die es erlaubt das Erlebte zu ordnen. Durch eine verspielte Landschaft aus Mulden und Hügelkuppen entstehen kleine geschützte Räume, aber auch exponierte Schauplätze, um sich in Szene zu setzen.

Darüber legt sich die Schicht des Verweilens. Eine Stätte, die sowohl für einen kurzzeitigen Besuch oder einen länger verweilenden Gast seine Pforten öffnet. Die einzelnen Räume schaffen kleine Mikrokosmen, welche sich nur mit einem Bett, einem Blick und der ihn innehabenden Person begnügen. Angelehnt ist diese Form des Wohnens an die japanische Tradition der Beherbergung von Reisenden. Auch das gemeinschaftliche Waschritual, hat seinen Ursprung in der japanischen Kultur. Im Alltag dient das Bad als Ritual zur Untermauerung von Hierarchien, gesellt sich jedoch ein Gast zum gemeinschaftlichen Bad, so wird jegliche Rangordnung außer Kraft gesetzt. Das leidenschaftliche Miteinander und die Körperlichkeit werden zelebriert.

Oben aus der kuriosen Welt herausgetaucht findet man sich auf einer Dachlandschaft inmitten der Dächer Wiens wieder. Das Tempo der Stadt wird wieder spürbar, der Bezug zur Realität wieder klarer.

Reboot.

Characterized by its contrasts, the Spittelau area bristles with otherness. Small-scale single-family homes and classic blocks meet a broad alienbody-like tongue, which winds its way into the city along the Danube Canal. A zone that clearly stands out from its surroundings and thus promises new conditions becomes visible.

A framework of conformity becomes recognizable, without many shifts to extremes, which nevertheless contains a cosmos that allows a great freedom of action. A place that has the potential to be a hinge between two worlds, to dissolve the strictness of its environment and, through its resilience, to be the backdrop for a wild spectacle. Implanted is now a structure that is directed precisely at this trait of the wild of a human being. It speaks to the childlike curiosity and the instinctive action that arises from it.

The structure carries within it a temple of imagination, a playground unleashed by an accumulation of curiosities and extremes that tempts one to play with the wild in oneself and with that of others.

It awakens. It intensifies. It plays.

If one approaches, the building on the first floor reveals only a diffuse image of itself. Only the imprint of its supporting structure and metal cylinders, whose destination is unknown, become visible.

The beginning of the path through this odd world is marked by a complete loss of control. A level dedicated to excess. Decoupled from the main circulation, a place of longing emerges, teasingly exposed from the opposite side. Through a small loophole one enters this extatic world that seems detached from its surroundings. In the middle it carries a wild succession of niches and spaces that are provoking to „lose oneself“. The labyrinthine structure culminates in a chapel-like space that cuts through the entire building like a chimney and bursts out over the roof. The hustle

and bustle inside is veiled by a chain curtain, which wraps itself around its interior like a negligé, like a diffuse shroud.

The next level is that of control, that of its regaining. Here, an equally ecstatic state is triggered, but this one is guided by conscious actions and directed movements. The voyeuristic character of this zone is underlined both by the arena situation that unfolds inside and by the narrow footbridge that reveals glimpses of the lower level.

These two levels of excess are followed by the one that allows one to sort out what has been experienced. Through a playful landscape of valleys and hills, small hidden spaces are created, as well as exposed locations to put oneself in the limelight.

On top of this lies the layer of dwelling. A place that opens its doors for both a short visit or a longer staying guest. The individual rooms create small microcosms, which are limited only to a bed, a view and the person occupying it. This form of living is based on the Japanese tradition of accommodating travelers. Also the communal washing ritual, has its origin in Japanese culture. In everyday life, the bath serves as a ritual to reinforce hierarchies, but when a guest joins the communal bath, any hierarchy is suspended. Passionate togetherness and physicality are celebrated.

Emerging from the curious world above, one finds themselves on a rooftop landscape amidst the rooftops of Vienna. The pace of the city becomes perceptible again, the connection to rea lity again is becoming clearer.

Reboot.

„treibt es wild, aber passt auf euch auf!“

„Sei nicht so wild!“ – die einschneidendsten und einprägsamsten Kindheitserlebnisse sind genau die, wo man wild war. Wenn Grenzen ausgetestet und übertreten wurden, wenn (oft verbotene) Dinge und Orte ausprobiert und entdeckt wurden.

Das damit verbundene „Eroberungsadrenalin“ kann man als Euphorie beschreiben gesellschaftliche und physische Schwellen zu übertreten und sich neue Sphären zu erschließen. Andererseits aber auch als Freude sich diese Räume und Situationen anzueignen und sich in ihnen zu behaupten, zu positionieren.

Wild ist ein sehr ambigues Adjektiv und hat vielschichtige Bedeutungen, teils wertend, teils beschreibend – oft dialektisch über die Verneinung eines positiv konnotierten Adjektivs:

1. Nicht zivilisiert/kultiviert

Wild wird die Natur beschrieben, die sich selbst überlassen wurde. Sie ist das Gegenteil von Zivilisation, also dem schon vom Menschen kultivierten Raum. Eigentlich negativ konnotiert kann man im positiven Umkehrschluss aber das Potential eines noch nicht überschrieben Raumes erkennen, in dem die herrschenden Hegemonien der Zivilgesellschaft aufgehoben sind.

2. Nicht reglementiert

Unkontrollierte, nicht über Regeln eingeschränkte Orte werden zu Ermöglichungsräumen und somit zu Gefäßen für Experimente und das Sich-Ausprobieren. In der gemeinsamen Nutzung bedingen diese nicht reglementierten Räume aber auch das stetige Ausverhandeln des Verhaltens miteinander.

3. Lebhaft

Die Überlagerung der Eigenschaften als Verhandlungs- und Ermöglichungsraum bedingt eine dichte soziale Interaktion sowie vielfältigste Nutzungen und garantiert so eine anhaltende Lebendigkeit wilder Orte.

4. Ungezügelt

Im Zaum halten – wilde Orte überwinden diesen Zurückhaltungskodex und lassen der Kreativität, dem Experiment und dem Exzess freien Lauf. Sie sind somit gleichzeitig Ventil und Sammelbecken für gegenhegemoniale, non-konforme, anarchische, autonome und solidarische Momente, Positionen und Personen –

„treibt es wild, aber passt auf euch auf!“

„Don‘t be such a wild child!“

- the most incisive and memorable childhood experiences are precisely those where you were wild. When boundaries were being tested and transgressed, when (often forbidden) things and places were being tried out and discovered.

The associated „ conquest adrenaline“ can be described as the euphoria of crossing social and physical thresholds and opening up new spheres. At the same time, however, it can also be described as the joy of appropriating these spaces and situations in order to assert oneself, to position oneself in them.

Wild is a very ambiguous adjective and has multi-layered meanings, partly judgmental, partly descriptive - often dialectically through the negation of an adjective with positive connotations:

1. Not civilised/ not cultivated.

Wild is used to describe nature that has been left to itself. It is the opposite of civilisation, that is, space that has already been cultivated by man. Although it actually has a negative connotation, in the positive inverse one can see the potential of a space that has not yet been overwritten, in which the ruling hegemonies of civil society are suspended.

2. Not regulated

Uncontrolled places that are not restricted by rules become spaces of possibility and thus vessels for experimentation and trying things out. In their shared use, however, these non-regulated spaces also require the constant negotiation of mutual behaviour.

3. Lively

The overlapping of the characteristics as negotiation and enabling space causes a dense social interaction as well as the most diverse uses and thus guarantees a lasting liveliness of wild places.

4. Unbridled

Held in check - wild places overcome these codes of restraint and give free rein to creativity, experimentation and excess. They are thus both an outlet and a gathering place for counter-hegemonic, non-conformist, anarchic, autonomous and solidary moments, positions and people -

„go wild, but watch yourselves!“

Das Kommende Testament –

Thomas Volker, Thomas Buchsteiner, Michael Doppler

Das Projekt der drei Studierenden Thomas Buchsteiner, Michael Doppler und Thomas Volker kann als warnender, aber auch zynischer Kommentar für eine Zukunft sein, in dem der Klimawandel freien Lauf gelassen wird und dieser seine volle Schlagkraft entfaltet.

Sie nutzen die Aufgabenstellung – die Transformation einer Brache im 22. Bezirk Wiens – um ein überspitztes Szenario zu skizzieren, in der das Leben in nachverdichteten und versiegelten Städten bei steigenden Temperaturen zur Höchstbelastung wird.

Sie simulierten die zukünftige Nachverdichtung über eine extreme Extrusion der Wiener Bestandsstrukturen und erzeugten so ein Bild, dass eher dem einer ostasiatischen Metropole entspricht.

Anstatt die zur Verfügung gestellte Brache zu bebauen, entwickelten sie einen großen Freiraum, der als „Grüne Lunge“ dient. Durch ein ausgeklügeltes System von Schneisen, die den Wiener

West-Wind fangen und dichter Bepflanzung entsteht ein erholsames Mikroklima, dass im krassen Gegensatz zur überhitzten Stadt steht.

Der Titel des Projekts „Das kommende Testament“ kündet wortgewaltig das entstandene Buch an, das mit biblischem Vokabular und verführenden Bildern eine eigentümlich suggestive Kraft entwickelt. Ergänzt wurde dieses „Testament“ mit einem ebenfalls überspitzten Modell: die grüne Lunge leuchtet anziehend und die umliegende Stadt wurde mit stinkendem schwarzen Bitumen überzogen.

Letztendlich entsteht so eine neue Typologie Freiraum, die als extremer Gegenpol – also dialektisch gelesen werden will: als „Himmel“, als „Erlösung“ für die „Hölle“ der überhitzten Städte.

Also ein OFF-Szenario, das sich in den Collagen des Projektes andeutet: arkadische Landschaften, versteckte Seen, Höhlen und Grotten für die

ludischen Freuden der Bewohnenden durchdigitalisierter Großstädte und virtueller Welten. Sie knüpfen an die romantische Sehnsucht nach dem Wildem in der Natur und dem Entfliehen des gesellschaftlichen Alltags an, die es schon ganz ähnlich in den Parks des Barocks oder zur Zeit der Industrialisierung gab.

So erinnert die „Grüne Lunge“ ganz stark an den Parc des Buttes Chaumont in Paris, der um 1867 angelegt wurde: ein atmosphärisch verdichteter Freiraum mit starker Topografie, geschwungenen Wegen, Brücken, Tempelbauten, Cottages, aber auch vielen Nischen – neben dem Picknick also auch Platz für das OFF: Jugend, Hasch, Rave, Queers und Cruising.

The title of the project, „The Coming Testament“, vividly announces the book that has been created, which develops a peculiarly suggestive power with biblical vocabulary and seductive images.

This „testament“ was supplemented with an equally pointed model: the green lung glows appealingly and the surrounding city is covered with stinking black bitumen.

Ultimately, a new typology of open space emerges that wants to be read as an extreme antithesis - i.e. dialectically: as „heaven“, as „salvation“ for the „hell“ of overheated cities.

The project by the three students Thomas Buchsteiner, Michael Doppler and Thomas Volker can be seen as a warning but also cynical commentary on a future in which climate change is given free run and unleashes its full force.

They use the task - the transformation of a wasteland in Vienna‘s 22nd district - to sketch an exaggerated scenario in which life in postdensified and sealed cities becomes a maximum burden as temperatures rise. They simulated future redensification via an extreme extrusion of Vienna‘s existing structures, creating an image more like that of an East Asian metropolis.

Instead of building on the available wasteland, they developed a large open space that serves as a „green lung“. Through an ingenious system of aisles that catch the Viennese west wind and dense planting, a refreshing microclimate is created that stands in stark contrast to the overheated city.

An OFF scenario, then, which is hinted at in the collages of the project: Arcadian landscapes, hidden lakes, caves and grottos for the ludic pleasures of the inhabitants of digitalised big cities and virtual worlds. They tie in with the romantic longing for the wild in nature and the escape from everyday social life, which already existed in a very similar way in the parks of the Baroque or at the time of industrialisation.

The „green lung“ reminds one very strongly of the Parc des Buttes Chaumont in Paris, which was laid out around 1867: an atmospherically dense open space with a strong topography, curved paths, bridges, temple buildings, cottages, but also many niches - in addition to picnics, there is also space for the OFF: youth, hash, rave, queers and cruising.

das kommende testament

Bewohner

ERLÖSUNG

ERLÖSUNG

2

ZUR NATUR

2

ZUR NATUR

1 ADAM UND EVA IN DONAUSTADT

1 ADAM UND EVA IN DONAUSTADT

STUDIO STÄDTEBAU

Die Neue Agora –Felix Höhne, Edward Ramm

Ein Projekt wie eine Black Mirror-Folge. Schon das Einführungsvideo stimmt in seiner Schärfe auf die Urgenz aktueller Klima- und Gesellschaftsentwicklungen hin (QR-Code unten).

Felix Höhne und Edward Ramm skizzieren als Reaktion darauf die fast zynische Notwendigkeit bzw. zwangsläufige Entwicklung zu einer Dichotomie des menschlichen Habitats: die nurmehr schwer bewohnbare Außenwelt, die verlassen wird um seinen Alltag in einer weiteren Zweiteilung zu verbringen: monofunktionale Wohntürme und die Neue Agora als Raum fortwährender Spektakel.

Wie eine Überspitzung der Grundsätze des „Gesellschaft des Spektakels“ von Guy Debord reduzieren sie den Inhalt des zukünftigen Lebens darauf möglichst viele Likes zu sammeln. Schon im Mutterleib beginnt die eigene Performance und endet nicht mit dem Tod. Es geht um die Inszenierung des eigenen Lebens zur Unterhaltung aller in der Neuen Agora.

Diese kann als Interpretation des „Fun Palace“ von Cedric Price verstanden werden. Ein Konzept aus den 60er Jahren, das zum Ziel hatte eine flexible Gebäudestruktur zu schaffen, die niedrigschwellig alle Arten von Spaß und Unterhaltung ermöglicht.

Die Neue Agora ist dementsprechend eine langgezogene Halle, die -über eine U-Bahn-Strecke gesetzt- gleichzeitig Verkehrsknotenpunkt und den einzig übrigen öffentlichen Raum verkörpert. Auf einzelnen Plattformen, die über Kragarmen in der Halle schweben wird performt. Je mehr Likes die Eigeninszenierung erhält, desto größer wird die darüber gespannte Bubble.

Ein wahrlich orgiastischer Raum, der im Kontrast zu den klösterlichen Wohnzellen der daneben positionierten Türme und der harschen Außenwelt steht.

Diese wilde unwirtliche Außenwelt deutet aber wiederum die Möglichkeit eines OFF an. Nur hier bietet sich die Möglichkeit dem immerwährenden Spektakel der Neuen Agora zu entfliehen

um Inszenierung und Performance abzulegen. Das alles erinnert an die „Supersuperficie“-Collagen von Superstudio, die in den 70er Jahren mit ihren Bildern die Überwindung der Konsumkultur und die Befreiung von bürgerlichen Konventionen suggerierten: befreit wandern Menschen nomadisch lebend durch die Welt, mal Wüstenlandschaft, mal Spiegelraster, begleitet von Artefakten der zurückgelassenen Zivilisation.

Die Neue Agora ist also letztlich ein zynischer Kommentar und dystopische Aussicht auf die Durchdigitalisierung unseres Alltags und Inszenierung unserer Identitäten – triggert aber gleichzeitig Überlegungen, wie man dieser Zukunft entkommt.

the 1960s that aimed to create a flexible building structure that enables all kinds of fun and entertainment at a low threshold.

Consequently, the New Agora is an elongated hall that - set over an underground line - simultaneously embodies a traffic hub and the only remaining public space. Performances take place on individual platforms that hover over cantilevers in the hall. The more likes the self-staging receives, the bigger the bubble that is stretched over it.

A project like a Black Mirror episode. The sharpness of the introduction video already points to the urgency of current climate and social developments (QR code below).

In response to this, Felix Höhne and Edward Ramm sketch the almost cynical necessity or inevitable development towards a dichotomy of the human habitat: the outside world, which is only barely habitable, is abandoned in order to spend one‘s everyday life in a further dichotomy: monofunctional residential towers and the New Agora as a space of continuous spectacle.

Like an exaggeration of the principles of Guy Debord‘s „Society of the Spectacle“, they reduce the meaning of future life to collecting as many likes as possible. One‘s own performance already begins in the womb and does not end with death. It is about the staging of one‘s own life for the entertainment of one and all in the New Agora.

The latter can be understood as an interpretation of Cedric Price‘s „Fun Palace“. A concept from

A truly orgiastic space that contrasts with the monastic living cells of the towers positioned next to it and the harsh outside world. But this wild hostile outside world again hints at the possibility of an OFF. Only here is there the possibility of escaping the everlasting spectacle of the New Agora in order to abandon staging and performance.

All this is reminiscent of the „Supersuperficie“ collages by Superstudio, who suggested in the 1970s with their images the overcoming of consumer culture and the liberation from bourgeois conventions: liberated, people wander nomadically living through the world, sometimes a desert landscape, sometimes a mirror grid, accompanied by artefacts of the civilisation left behind.

The New Agora is ultimately a cynical commentary and dystopian prospect on the digitalisation of our everyday lives and the virtual staging of our identities - but at the same time it triggers thoughts on how to escape this kind of future.

WILD –

Claus Kornigg Cosma Kremser, Fabian Fröhlinger

Die Wichtigkeit des Wilden als suggestive Präsenz in unseren Städten – eine Epiphany, die die Studierenden Fabian Fröhlinger, Cosma Kremser und Claus Kornigg wie der Blitz traf, als sie sich mit der Petite Ceinture in Paris auseinandersetzten. Eine schmale aufgelassene Bahntrasse, die sich einmal um Paris legt und zum größten Teil nicht betretet werden darf. Die so entstandene naturräumliche Wildnis kontrastiert stark mit den dichten Stadtvierteln, die sie durchschneidet. Konfrontiert mit der Aufgabenstellung das Transformationspotential dieses Raumes zu untersuchen, entstand ein anhaltender Wiederwille der Studierenden diesen zu verändern. Fasziniert von der Schärfe des Kontrastes vom Wilden der Petite Ceinture in der extremen Dichte der Pariser Stadtstruktur begannen sie sich mit den Qualitäten und Möglichkeiten sich selbst überlassener Orte auseinanderzusetzen – um sie letztendlich zu erhalten.

Diese Untersuchungen setzten ein enormes aktivistisches Potential frei und resultierten in einem „Manifest für die Wildheit als urbane Qualität“. Durch die Corona-Pandemie an der Reise nach Paris gehindert, wandten sie Taktiken der Pariser Situationisten aus den 60er Jahren an. Diese prägten den Begriff der Psychogeographie und erlebten die Stadt als Aneinanderreihung von

verschiedenen Situationen und Atmosphären. Dafür erzeugten die Situationisten Stadtpläne, die aus zusammengesetzten Stadtfragmenten bestanden oder sie erkundeten Paris mit Hilfe Stadtplänen anderer Städte.

Das Trio legte dafür den Grundriss der Pariser Petite Ceinture auf Wien und radelte in einer zweitägigen Expedition den so entstandenen Kurs ab - immer auf der Suche nach dem Wilden im realen Wien und imaginären Paris.

The importance of the wild as a suggestive presence in our cities - an epiphany that struck the students Fabian Fröhlinger, Cosma Kremser and Claus Kornigg like a lightning strike when they started exploring the Petite Ceinture in Paris. A narrow abandoned railway line that runs once around Paris and for the most part may not be walked on. The resulting natural wilderness contrasts sharply with the dense city districts through which it cuts.

Confronted with the task of investigating the transformative potential of this space, the students developed a persistent unwillingness to change it. Fascinated by the stark contrast between the wildness of the Petite Ceinture and the extreme density of the Parisian urban fabric, they began to explore the qualities and possibilities of places abandoned to themselves - ultimately to preserve them.

These investigations unleashed an enormous activist potential and resulted in a „manifesto for wildness as an urban quality“. Prevented from travelling to Paris by the Corona pandemic, they applied tactics from the Parisian Situationists of the 1960s. The latter coined the term psychogeography and experienced the city as a string of different situations and atmospheres. To do so, the Situationists created city maps consisting of composite city fragments or explored Paris with the help of city maps of other cities. The trio laid the ground plan of Paris‘ Petite Ceinture on Vienna and cycled the resulting course in a two-day expedition - always in search of the wild in real Vienna and imaginary Paris.

Manifest für die Wildheit als urbane Qualität –auf den Spuren der situationistischen Avantgarde

Es gibt Irritationsbedarf! Die Situationistische Internationale erforschte bereits in den 1960er Jahren die Potentiale von offen strukturierter Ermöglichungsarchitektur im städtischen Raum.

Der durch kapitalistische Bild-und Werbewelten von seinen eigenen Bedürfnissen entfremdete homo oeconomicus werde dort zu Aktivität angeregt und könne sich durch die räumliche Negierung vorgegebener Rollen selbst entfalten.

Dieses Gedankengut scheint in Anbetracht des mehr und mehr realitätsbildenden Instagram-Habitus mittlerweile relevanter denn je. Unsere wissenschaftliche Untersuchung befasst sich mit der Petite Ceinture, einer ringförmigen Eisenbahnstrecke in Paris aus dem Jahr 1852.

Die Arbeit stellt in Frage, inwiefern die Petite Ceinture ein transformativer Raum für die in Banlieue und Kernstadt geteilte Stadt sein kann.

Birgt die 1980 stillgelegte Bahntrasse als nicht-finanzialisierte Stadtwildnis in einer musealisierten Altstadt genug Aneignungspotential, um die vielfältige Metropole besser in sich zu vernetzen?

Wie viel gestalterischer Eingriff ist gefragt, um den homo ludens zu erwecken – ohne den Ort über eine soziale Kodierung in die Monofunktionalität zu drängen? Lässt sich Halböffentlichkeit planen, um ein Gefühl der Stadt als Hausflur zu generieren? Gibt es in der leistungsorientierten industriellen Gesellschaft öffentliche Räume, die ein Ablegen der stets geforderten Zielstrebigkeit fördern?

In einem situationistisch-empirischen Selbstversuch folgen die Autor_innen dem dérive und erkunden das generelle Potential von urbaner Wildnis als Ermöglichungsraum am Beispiel von Wien in Bild, Film, Grafik und Schrift.

There is a need for irritation! As early as the 1960s, the Situationist International explored the potentials of openly structured enabling architecture in urban space.

Homo oeconomicus, alienated from his own needs by capitalist image and advertising worlds, was stimulated to become active there and could develop himself through the spatial negation of predetermined roles.

In view of the more and more reality-forming Instagram habitus, this idea seems more relevant than ever.

Our research deals with the Petite Ceinture, a ring-shaped railway line in Paris dating from 1852, and questions the extent to which the Petite Ceinture can be a transformative space for the city divided into a banlieue and a core city.

As a non-financialized urban wilderness in a museumized old town, does the railway line, which was shut down in 1980, hold enough potential for appropriation to better connect the diverse metropolis within itself? How much creative intervention is required to awaken the homo ludens - without pushing the place into monofunctionality via social coding? Can semi-public spaces be planned to generate a feeling of the city as a hallway? Are there public spaces in the performance-oriented industrial society that encourage a departure from the always demanded single-mindedness?

In a situationistic-empirical self-experiment, the authors follow the dérive and explore the general potential of urban wilderness as a space of enabling using the example of Vienna in pictures, film, graphics and writing.

Manifesto for the Wild as urban quality –on the tracks of the Situationist avant-garde

Soziale Durchmischung war von Anfang an wichtig in unserem Projekt, weil wir demografische Mikrokosmen in räumlicher Abgrenzung voneinander als ein Grundsatzproblem vieler Großstädte sehen. Sozial unkodierte Räume könnten zu dieser erwünschten Durchmischung führen.

Eigentlich wollten wir einen solchen Raum entwerfen, bis wir gemerkt haben, dass wir den gar nicht planen müssen, weil es ihn schon gibt. Wir hatten ihn nur nicht wahrgenommen.

Das heißt, wir haben uns am Anfang gedanklich verlaufen. Und dann haben wir uns und die Lösung im Verirren gefunden. Weil wilde Orte das schon erfüllen, was wir wollen. Jedenfalls wenn man sich den Raum und die Zeit gibt, sie

zu erkunden. Genau das hat die französischen Intellektuellen-Gruppe der Situationisten in den 1960er-Jahren als Dérive bezeichnet – sich von der Stadt leiten und treiben lassen. Diese Kurzreisen haben sie mit einer Psychogeografie kartografiert; das Endprodukt ist ein subjektiver Stadtplan. Dabei werden Räume, die als zusammenhängend empfunden werden, auch so dargestellt und die gefundenen Situationen ortsunabhängig.

Also haben wir ein Selbstexperiment gestartet und geschaut, was passiert, wenn man sich in Wien mit einer Karte von Paris orientiert. Bewegt man sich dort die Petite Ceinture entlang, entrollt sich der Weg wie ein Querschnitt durch verschiedenste Stadtatmosphären und soziale Schichten. Wenn man diese Strecke auf Wien projiziert und entlangfährt, erlebt man genau das gleiche.

Text: Claus Kornigg, Cosma Kremser, Fabian Fröhlinger

Es wäre also spannend zu sehen, was sich entwickelt, wenn mehr Menschen anfangen, diese riesige urbane Wildnis zu erkunden. Ist es möglich, dass hier tatsächlich Begegnungen auf Augenhöhe stattfinden, weil der Ort in seiner Unberührtheit nicht sozial kodiert ist? Raum, der nichts von einem verlangt und nichts vorgibt. Wo sein können, statt tun sollen möglich ist – aber auch tun können. Es gibt keine vorgefertigten Verhaltensmuster an einem Ort, der für alle ein unbeschriebenes Blatt ist. Die Rollen werden mit jeder Interaktion neu verhandelt. Und Interaktion ist hier notwendig, um sich zurechtzufinden: Wo sich niemand auskennt, wird viel nach dem Weg gefragt und gemeinsam gesucht, Erlebnisse geteilt. Die Stadt braucht Räume für Zufälle. In der Offenheit ihrer Struktur birgt die Stadtwildnis ein enorm hohes Aneignungspotenzial und regt zum Entdecken und Gestalten an.

Genau diese Aktivität ist auch das Ziel des Dérive: Es geht darum, in seiner Verlorenheit offen zu sein für alles, was einen umgibt, und so in neue Situationen zu geraten. Das aktive Erleben wird so intensiv und holt laut den Situationisten den Homo oeconomicus aus seiner modernen Passivität. Durch seinen Ausbruch aus den kapitalistisch vermarkteten idealen Rollenbildern in der Gesellschaft wird er zum Homo ludens und führt ein aktives, selbstbestimmtes und erfüllendes Leben, eignet sich seinen Lebensraum an und macht so die wohnliche Erfahrung einer Stadt auf Augenhöhe. In der heutigen Zeit scheint dieser Gedanke genauso relevant wie in den 1960ern. Die Medien haben sich gewandelt von Fernseher und Zeitschriften zu Netflix und Instagram; die Inszenierung und Entfremdung von der eigenen Lebenswelt ist die gleiche geblieben.

Guy Debord, der Gründer der Situationisten, beschreibt dieses Phänomen als „globale gesellschaftliche Praxis, die sich in Realität und Vorstellung aufgespalten hat“ und sagt weiter: „Die Entfremdung des Zuschauers drückt sich

so aus: Je mehr er zuschaut, umso weniger lebt er; je mehr er sich in den her rschenden Bildern vorgefertigter Bedürfnisse wiedererkennt, desto weniger versteht er seine eigene Existenz und seine eigenen Begierden.“ Die Macht der Bilder besteht in den Sehnsüchten, die sie erwecken und auch scheinbar erfüllen. Doch ein schaler Rest von Unerfülltheit bleibt erhalten, wenn das wirkliche Erleben fehlt. In unserer heutigen Zivilisierung und Sicherheit ist wenig Raum für subtile Verlockungen und Mehrdeutigkeiten, die zum Sehnen und Erkunden anregen. Das Schöne an der Freiheit ist die Unplanbarkeit, die Überraschung, die Inspiration. Der Reiz des Abenteuers liegt im unklaren Ausgang, einem Gefühl von Lebendigkeit durch kreativen Umgang mit dem, was gerade im Moment passiert.

Moderne Stadtviertel haben oft die Unart, von vorne bis hinten durchgeplant zu sein. Es gibt Irritationsbedarf! Die Wildnis löst in ihrer Unzugänglichkeit einen verspielten Eroberungsreiz aus. Ihre Erhaltung ist eine Gegenbewegung zur Finanzialisierung des Bodens und der Musealisierung der Stadt, was gerade in der Dichte moderner Metropolen bedeutend ist. Eine innovative Gesellschaft braucht Räume, die mehr zulassen als das Gängige, bereits Getane und Gedachte – der freie Wille kann sich erst dort entfalten, wo er eine Wahl hat. Lebendiges kann sich nicht in rigider Monofunktionalität entwickeln, es braucht Raum und Zeit. Ruhe und Assoziation. Warten. Wahrnehmen. Wundern.

Das gelingt in transformativen Räumen. Was ist überhaupt ein transformativer Raum?

Transformativ. Das bedeutet für mich veränderbar. Ein Potenzial, das zu etwas Anderem wird, sobald Energie zugeführt wird.

Je nach Dimensionierung der zeitlichen und räumlichen Skala, in der man den Wandel eines Zustands betrachtet, verändern sich verschiedene Faktoren.

Beobachtet man einen Tag lang einen Garten, merkt man, dass die Atmosphäre untertags ganz anders ist, als in der Dunkelheit. Dass die Stimmung von graunass frischem Regen durch Sonnenschein völlig verwandelt wird. Obwohl „der Ort“ per se – falls es so etwas geben kann –derselbe bleibt, verändert er sich ständig. Beobachtet man denselben Garten für einige Monate im Frühling, wird aus dem Samen ein Keimling, dann ein Pflänzchen, ein Strauch und letztlich trägt er Früchte. In 1000 Jahren passiert in einem Garten so viel, dass man den einzelnen Strauch nicht wahrnimmt, dafür aber den Wandel des Gesamtsystems. Vom Wald zum Acker zum Gemüsebeet zum Friedhof zum Kirchenvorplatz. Und so steht man plötzlich zwischen Tourist*innenscharen am Stephansplatz. Die Stadt ist ein Ort geballter transformativer Energie. Wo früher Natur war, ist daraus – momentan – Kultur entstanden. Selbst wenn wir uns in „freier Natur“ wähnen, befinden wir uns meistens in menschlich gezähmten Kulturlandschaften.

Gibt es irgendetwas auf der Welt, das nicht verändert und damit veränderbar ist?

Alles scheint in einen kontinuierlichen Transformationsprozess eingebunden. Die Welt besteht ausschließlich aus transformativen Räumen. Entscheidend ist, dass wir als Gestaltende dem ohnehin ablaufenden Wandel stellenweise einen Impuls geben können.

Sobald wir unseren Entwurf loslassen, verselbstständigt sich der Ort wieder und entwickelt sich weiter – durch seine Nutzer*innen, vorhergesehene, unvorhergesehene und unvorhersehbare Nutzungen, das Klima, die Zeit.

Was ist überhaupt ein transformativer Raum?

Transformativ. Das bedeutet für mich verändernd. Ein Impuls, der aus einem vorhandenen Potenzial etwas Anderes macht. Etwas, das verändert.

Wer die Scheuklappen der Zielstrebigkeit ablegt, ermöglicht Umwege und damit neue Entdeckungen und Inspiration – und stellt Fragen:

Was ist ein transformativer Raum?

Was ist kein transformativer Raum?

Ab wann wird Gestaltung beengend?

Wie viel Angebot braucht der digitale Mensch?

Kann Reizüberflutung lähmend sein?

Wieviel Struktur will der Mensch?

Inwiefern sind Wildnis und Freiheit und Freiraum planbar?

Was beginnt dort, wo Kontrolle endet?

Ist der Tod der Sehnsucht ihre Erfüllung?

Kann erlebte Freiheit der Sehnsucht danach jemals gerecht werden? Auch wenn es in Wirklichkeit manchmal einfach regnet, wenn man gerade wandert?

Wir nutzen diese Sehnsucht als Werkzeug: Der Film und das Bild an sich sind ja die spektakulären Medien schlechthin: Er verführt die Zuseher*innen mit seinen lebendigen Bildern und bannt sie passiv hinter den Bildschirm. Gleichzeitig aber regen wir dazu an das Spektakel zu verlassen, in einer Sprache, die der moderne Mensch versteht:

Die Sprache des Spektakulären.

Social mixing was important in our project from the very beginning, because we see demographic microcosmos in spatial demarcation from one another as a fundamental problem of many large cities. Socially uncoded spaces could lead to this desired mixing.

Actually we wanted to design such a space until we realized that we don‘t have to plan it at all because it already exists. We had just not noticed it. That means we got lost in our thoughts at the beginning. And then we found ourselves and the solution by getting lost. Because wild places

already fulfill what we want. At least if you give yourself the space and time to explore them. That‘s exactly what the French Situationist intellectuals called derive in the 1960s - to be driven and guided by the city. They mapped out these short trips with a psychogeography. The end product is a subjective city map. Spaces that are perceived as coherent are also represented in this way, and the situations found are independent of location.

So we started a self-experiment and saw what happens when you orientate yourself in Vienna with a map of Paris.

If you move along the PC, the path unrolls like a cross section through different city atmospheres and social classes. If you project this route onto Vienna and drive along it, you experience exactly the same thing. So it would be exciting to see what develops when more people start to explore this huge urban wilderness.

Is it possible that encounters at eye level actually take place here because the place is not socially coded in its unspoiled state? A space that demands nothing from you and gives nothing in advance. Where it is possible to be instead of should do is possible - but also can do.

There are no prefabricated patterns of behaviour in a place that is a blank slate for everyone. The

roles are redefined with every interaction. And interaction is necessary here in order to find your way around: Where no one knows their way around, a lot of questions are asked about the way, and experiences are shared. The city needs spaces for coincidences. In the openness of its structure, the urban wilderness holds an insanely high potential for appropriation and encourages discovery and design.

It is precisely this activity that is the aim of the Derive: to be open to everything that surrounds you in your lost state and thus to be able to get into new situations. The active experience becomes so intense and, according to the Situationists, brings homo oeconomicus out of his modern passivity. By breaking out of the ideal role models in society marketed by capitalism, he becomes a homo ludens and leads an active, self-determined and fulfilling life, appropriating his living space and thus making the homely experience of a city at eye level. This idea seems as relevant today as it did in the 1960s. The media have changed from television and magazines to Netflix and Instagram, staging and alienation from own living environment has remained the same.

Guy Debord, the founder of the Situationists, describes this phenomenon as a „global social practice that has split into reality and imagination,“ and goes on to say: „The viewer‘s alienation is expressed in the following way: the more he watches, the less he lives; the more he recognizes himself in the prevailing images of preconceived needs, the less he understands his own existence and desires. The power of images lies in the desires they arouse and also seemingly fulfill. But a stale residue of unfulfilled desire remains when the real experience is missing. In today‘s civilization and security, there is little room for subtle temptations and ambiguities that inspire longing and exploration. The beauty of freedom is its unpredictability, surprise and inspiration.

The attraction of adventure lies in the unclear outcome, a feeling of liveliness through creative handling of what is happening at the moment.

Modern city districts often have the bad habit of being planned from start to finish. There is a need for irritation! The wilderness in its inaccessibility triggers a playful stimulus to conquer. Its preservation is a counter-movement to the financialisation of the land and the museumisation of the city, which is especially important in the density of modern metropolises. An innovative society needs spaces that allow more than the usual, already done and thought - free will can only develop where it has a choice. Living things cando not develop in rigid monofunctionality, it needs space and time. Peace and association. Waiting. Perceiving. To wonder. That succeeds in transformative spaces.

What is a transformative space anyway?

transformative. For me that means transformable. A potential that becomes something else when energy is applied.

Depending on the dimensioning of the temporal and spatial scale in which one considers the change of a state, different factors change.

If you observe a garden during the day, you will notice that the atmosphere during the day is completely different from that in the dark. That the atmosphere of greyish fresh rain is completely transformed by sunshine. Although „the place“ per se - if there can be such a thing - remains the same, it is constantly changing.

If one observes the same garden for a few months in spring, the seed turns into a seedling, then a plant, a shrub and finally fruit. In 1000 years, so much happens in a garden that you don‘t notice the individual shrub, but the Change of the overall system. From forest to field to vegetable patch to cemetery to churchyard. And so you

suddenly find yourself standing between flocks of tourists at Stephansplatz. The city is a place of concentrated transformative energy. Where there used to be nature, there is now culture. Even if we think of ourselves as being in „free nature“, we are mostly in humanly tamed cultural landscapes.

Is there anything in the world that cannot be changed and therefore changeable?

Everything seems to be involved in a continuous process of transformation. The world consists exclusively of transformative spaces. What is decisive is that we, as designers can give an impulse to the change that is taking place anyway. As soon as we let go of our design, the place becomes independent again and develops further - through its users, foreseen, unforeseen and unpredictable uses, the climate, the time.

What is not transformative space at all? transformative. For me that means transforming. An impulse that turns an existing potential into something else. Something that changes.

Whoever removes the blinkers of single-mindedness allows detours and thus new discoveries and inspiration - and asks questions:

What is a transformative space?

What is not a transformative space?

At what point does design become restrictive?

How much supply does the digital man need?

Can sensory overload be paralysing? How much structure does the human being want?

To what extent can wilderness and freedom and open space be planned?

What begins where control ends?

Is the death of longing its fulfillment? Can experienced freedom ever do justice to the longing for it? Even ifit actually sometimes just rains when you‘re hiking?

We use this longing as a tool: The film and the image itself are the spectacular media par excellence: it seduces the audience with its vivid images and passively captures them behind the screen - but at the same time we encourage the spectacle toin a language that modern man understands: the language of the spectacle.

Uncodierte, klandestine und heterotope Orte eröffnen Interpretationsräume und Möglichkeiten der Anders-Nutzung. Sie animieren zur individuellen Auseinandersetzung mit ihnen, denn die Rolle des Subjekts in ihnen ist offen, wandelbar und umkehrbar. Es können sich so ganz individuelle subjektive Narrative zu diesen Räumen entwickeln.

Ein regelrechtes „Imaginationsarsenal“ 1 ist hier das Berghain. Der Berliner Club in einem ehemaligen Kraftwerk kann als prototypische Heterotopie unserer Zeit gesehen werden. Hier darf nicht fotografiert und gefilmt werden, die Handykameras werden am Eingang abgeklebt. So wird nicht nur eine diskrete Raumsituation geschaffen – alles was im Berghain passiert, bleibt im Berghain –auch die antrainierten Repräsentationsmechanismen des eigenen Lifestyles über Instagram & Co fallen weg. Der Clubbesuch wird so umgehend zu einem rein physischen Life-Erlebnis - meist enhanced über Ketamin & Co.

Neben den fehlenden Bildern des Innern füllt auch das „Eingangsritual“ 1 des Berghain dieses „Imaginationsarsenal“. Nach oft stundenlangem Anstehen vor dem Club muss man die „Schwelle“ Türsteher überwinden. Diese selektieren eine passende und durchmischte Crowd – keiner kann Gewiss sein, diese Nacht dazu zu gehören. Das lange Warten und der ungewisse Ausgang überhöhen die Berghain-Fassade zum Tempelportal, die Auserwählten treten mit Eroberungseuphorie ein, die Abgewiesenen saugen mit ihrem Frustpotential die Narrative des verpassten Spektakels auf. Das alles bedient die Mystik und die Faszination für das Berghain – jede*r stellt sich vor, was drinnen passiert und collagiert aus den Fragmenten der aufgeschnappten Erzählungen wilde Bilder.

OFF-Orte sind mit ihren „offenen“ und „anderen“ Eigenschaften prädestinierte Projektionsflächen und Kulissen für fiktive Narrative. Beispielhaft kann hier der Film „Holy Motors“ von Leos Carax2 genannt werden. Dieser besteht aus einer Aneinanderreihung von OFF-Momenten in Paris und verfolgt den Alltag der Hauptfigur Mr. Oscar – eine Art OFF-Person. Dieser spielt von morgens bis in die Nacht verschiedenste Rollen, meist etwas schräg, verschroben und mysteriös, für die er sich jeweils stark kostümiert und schminkt. Dies erfolgt zwischen den Szenen in einer weißen Stretch-Limousine, die von einer Chauffeurin von Ort zu Ort gefahren wird.

Diese Orte sind kongeniale Partner seiner Hauptfigur und verstärken den Eindruck einer Odyssee durch aneinandergereihte Parallelwelten: vom Friedhof Père Lachaise, der mit seiner Topografie, Kopfsteinpflaster und Mausoleen wie eine steinerne Miniaturstadt mit eigenen Regeln wirkt, geht es über einen Kanaldeckel in die Katakomben – der großflächige Negativraum, der sich unter Paris erstreckt.

Später im Film fährt die weiße Limousine in eine mehrgeschossige Hochgarage über der sich auf einer Platte eine Wohnanlage aus den 70er Jahren mit hohen Wohntürmen erhebt. Den „Bauch“ darunter, der Logistik, Parken, Lager und wohl kleinkriminellen Machenschaften aufnimmt kennen wohl wenige.

Im Film wird er als wuselige Parallelwelt im Dunkeln dargestellt, ein lebendiger Ameisenbau unter einer großen Betonplatte – imaginieren kann man es sich gut.

Ob es allerdings der Wahrheit entspricht ist für den Imaginationsraum irrelevant.

Uncoded, clandestine and heterotopic settings open up interpretive spaces and possibilities for different uses. They encourage individual engagement with them because the role of the subject in them is open, changeable and reversible. In this way, very individual subjective narratives can develop in relation to these spaces.

A veritable „arsenal of imagination“1 in this regard is Berghain. The club in a former power station in Berlin can be seen as a prototypical heterotopia of our time. Photography and filming are not allowed here, mobile phone cameras are taped off at the entrance. This not only creates a discreet spatial situation - everything that happens in Berghain stays in Berghain - but also eliminates the habitual mechanisms of representing one‘s own lifestyle via Instagram & Co. The club visit therefore immediately becomes a purely physical life experience - mostly enhanced via Ketamin & Co. In addition to the missing images of the interior, the „entrance ritual“ 1 of Berghain also fills this „arsenal of imagination“. After often queuing for hours in front of the club, one has to overcome the „threshold“ of the bouncer. They select a suitable and mixed crowd - nobody can be sure to be part of it this night. The long waiting and the uncertain outcome heighten the Berghain façade

to a temple portal, the chosen enter with conquest euphoria, the rejected soak up the narratives of the missed spectacle with their frustration potential.

All this serves the mystique and fascination for the Berghain - everyone imagines what happens inside and assembles wild images from the fragments of the narratives they have picked up.

With their „open“ and „ other“ qualities, OFF places are predestined projection surfaces and backdrops for fictional narratives. The film „Holy Motors“ by Leos Carax2 can be cited as an example. It consists of a series of OFF moments in Paris and follows the everyday life of the main character Mr. Oscar - a kind of OFF person. He plays a wide variety of roles from morning to night, usually somewhat quirky, cranky and mysterious, for each of which he dresses up in a heavy costume and make-up. This is done between scenes in a white stretch limo driven from place to place by a chauffeur.

These places are congenial partners for his main character and reinforce the impression of an odyssey through parallel worlds that have been lined up in a row: from the Père Lachaise cemetery, which with its topography, cobblestones and mausoleums seems like a miniature stone city with its own rules, it goes over a manhole cover into the catacombs - the large-scale negative space that stretches beneath Paris. Later in the film, the white limo drives into a multi-storey high-rise garage above which rises, on a slab, a 1970s housing complex with tall residential towers. Few people know the „belly“ below, which houses logistics, parking, storage and probably petty criminal activities.

In the film it is portrayed as a bustling parallel world in the dark, a living anthill under a large concrete slab - it is easy to imagine.

Whether it corresponds to the truth, however, is irrelevant for the imaginary space.

Spaces Of Ambiguity–Max Utech

Kollisionen bekannter Fragmente, Maßstabsverschiebungen, Queering, Détournement, Bricolage – Strategien zum Entwurf einer poetischen Ambiguität

Clashes of known fragments, shifts in scale, queering, détournement, bricolage - strategies for the draft of a poetic ambiguity

Hekabe –Hatice Dayakli, Laura Huber, Susanne Stampf

Hekabe, die Mutter des Paris in der griechischen Mythologie – der Titel beschreibt die Faszination der Studierenden Hatice Dayakli, Laura Huber und Susanne Stampf mit ihrer Entdeckung, dass die Stadt Paris durch unterirdischen Gesteinsabbau oberirdisch errichtet wurde.

In ihrem Narrativ entstand Paris so aus dem Bauch der Hekabe - Mutter und Sohn.

Intensiv untersuchen sie das Verhältnis von Paris mit seiner Unterwelt, den großflächigen Katakomben und labyrinthartigen Gängen. Sie sehen die Erdoberfläche als Spiegel zwischen Positiv- und Negativraum, zwischen Helligkeit und Dunkelheit, zwischen Öffentlichkeit und dem Klandestinen.

Sie schaffen über Texte, Performance, Collagen und Modelle eine raumpoetische Auseinandersetzung mit den Qualitäten und dem Potential der im OFF liegenden Hekabe.

Durch Andeutungen, Interpretationsoffenheit und Abstraktion wird ein Imaginationsraum aufgespannt, der für jeden ein individuelles subjektives Bild dieser unsichtbaren Stadt ermöglicht.

Hecuba, the mother of Paris in Greek mythology - the title describes the fascination of students Hatice Dayakli, Laura Huber and Susanne Stampf with their discovery that the city of Paris was built above ground through mining rock underground.

In their narrative, Paris thus emerged from the belly of Hecuba - mother and son.

They intensively explore the relationship of Paris with its underworld, its vast catacombs and labyrinth-like corridors. They see the ground surface as a mirror between positive and negative space, between brightness and darkness, between the public and the clandestine.

Through texts, performance, collages and models, they create a spacepoetic exploration of the qualities and potential of the Hecuba that lies in the OFF.

Through allusions, interpretative openness and abstraction, a space of imagination is created that enables an individual subjective image of this invisible city for everyone.

Die Stadt und der Spiegel

Es setzt besonderen Ehrgeiz voraus, den Weg nach Hekabe zu finnden, doch erst einmal dort, steht der temporäre Bewohner der Stadt vor einer neuen, gar größeren Herausforderung: sich in ihr zu orientieren. Nur mit Geduld und vor allem Licht gewappnet, lässt sich die Stadt in ihrer Mystik erforschen. Die endlos langen Gänge im Netz der Verwirrung sind kaum überschaubar, doch einige Menschen wagen die Odyssee, deren Sklave man in Hekabe wird. Über Hekabe liegt eine Stadt, die anders als sie nicht sein könnte und zugleich ihr Spiegelbild ist. Die Straßen Hekabes re“ektieren jene, deren Stadt über Hekabe emporragt. Dort aber ist der Mensch transparent, da das Licht durch ihn hindurchscheint – in den Untergrund steigt er hinab, um sichtbar zu werden, in einer Welt, die von Dunkelheit gezeichnet ist. Beim Abstieg gilt es, jegliche sozialen Gefüge der Oberstadt abzulegen, hingegen scheint, als würden diese unten wiederum von Neuem aufgebaut werden. Denn die, die als Erste in Hekabe waren, sehen sich nun als Könige und Königinnen der Stadt. Die Forscherin, die den Mut zusammenfasst, Hekabe zu !nden, muss dies allein tun, denn die selbsternannten Herrschenden der Unterwelt sind nicht gewillt Neulinge in ihrer Stadt der Freiheit willkommen zu heißen. Hekabe ist ein Raum der Leere, der gebaut wurde, indem sich die Stadt über ihr gründete. Während sich die eine Stadt leerte, füllte sich die andere. Als jedoch Hekabe zu kahl wurde, wurden die Toten des Oben in ihr Reich gebracht, um die Gebeine zu Mauern und die Stadt zur Sage zu formen. Doch weder die Toten noch die Lebenden geben der Leere ihre Autorität. Denn in Wahrheit regiert dort das Wort, die Besuche-

rinnen werden Untertan ihrer eigenen Gedanken und solange sie sich nicht darin verlieren, gelangen sie womöglich wieder nach Oben aus den Kammern und Gängen einer verborgenen Stadt.

Texte: Hatice Dayakli, Laura Huber, Susanne Stampf

Jetzt Seh’ ich

Wir brauchten einen direkten Weg ins Paradies

Fakten

Das Spiegelbild spiegelt blind Sie drängt sich dazwischen

Was ich glaube hier zu verrichten

Ob sie nicht sieht, was da vor meinen Füßen Da ist das Morgen Da ist die Gegenwart Da ist Jetzt Fakten Sieh dich um Sieh nach unten Es geht noch tiefer

Da ist nichts Da bist nur du Und trotzdem seh’ ich dich

Beweg ich mich

Tust dus’

Tust dus’

Tus’ ich

Spieglein, spiegle mich nicht weg von hier

Ich muss im Dunkeln die Einzigartigkeit spüren

Ich muss im Dunkeln die Einzigartigkeit sein

Ich muss im Dunkeln einzigartig sein

Die Menschen sind hier gut zueinander

Die Menschen sind hier gut zueinander

Die Menschen sind hier gut zueinander

Mutter

HEKABE und der Ursprung

Schichten

Hekabe ist eine Stadt der Schichten, in ihr lagern Millionen Jahre an Geschichte. In ihrem Leib formten sich vor Abertausenden von Jahren Organe. Kabrium und Oligozän zeichnen sich dort ab. Je älter die Schicht, desto tiefer muss gegraben werden, jedoch lässt man die ohnehin etwas schwächliche Hekabe damit lieber in Ruhe und bedient sich der jüngeren Ablagerungen. Hekabe wird mancherorts eins mit der Stadt über ihr, denn manchmal ragt sie über die Grenzen der Stadt hinaus, während das Oben sich, wenn auch ganz selten, in sie hineinbohrt. Wenn sich Hekabe durch die Erdoberfläche durchstanzt, so nennt man sie oberorts Übertage, da dort die Nacht in den Tag hineinsticht. Dort wurden einst auch Schichten der Hekabe abgetragen, heute jedoch wird sie feierlich gewahrt und geschmückt und als Kult gepriesen. Untertage, im tiefsten Herzen der Hekabe, will die Oberwelt eine Passage zu den Übertagen schaffen und beschlagnahmt einen kleinen Teil ihrer Mutter, um sie für eine breite Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Auch dort wird sie übermäßig verziert und inszeniert.

Gäste erfreuen Hekabe und sie ist dankbar für den kontrollierten Abschnitt, denn so viele Besucher*innen täglich könnte ihre Beschaffenheit andernorts nicht ertragen.

HEKABE und der Ursprung

Magnétique

Es war ein überaus warmer Nachmittag, als sich eine Gruppe junger Studierender an einem vereinbarten Ort am Stadtrand versammelte. Nachdem zunächst nur zwei Personen beieinanderstanden, tröpfelten mit der Zeit immer mehr hinzu, sodass sich gut zwei Dutzend Menschen zusammenfanden. In Sehnsucht nach Schatten machten sie sich auf, um den heißen Beton!ächen zu entkommen. Sie schlenderten schon ein Weilchen an der Rue Didot entlang, als sie endlich Grün!ächen vor die Augen bekamen. Immense Erleichterung spiegelte sich in ihren Schweißperlen wieder. Das Gebiet, das die Gruppe hier gefunden hatte, senkte sich an dieser Stelle in den Boden hinab, ausgestanzt aus der Fläche des Grundrisses der Stadt. Aus der prallen Sonne stiegen sie hinab in eine von Schatten und P!anzen getränkte Trasse, auf deren Boden sich alte Schienen präsentierten.

Sie folgten den verrosteten Gleisen, allen voran zwei Lehrpersonen, die, ihrem Enthusiasmus und ihrer Euphorie zufolge, diesen Ort vermutlich schon einmal gesehen hatten. Aufmerksam stap“e der Großteil hinterher, viele mit Kameras und Skizzenblöcken ausgestattet. Drei junge Frauen allerdings begannen zu tuscheln, machten einen Schritt zurück und mit einem Mal waren sie verschwunden. Dem Rest der Gruppe #el das zunächst nicht auf, sie waren mit gutem Grund abgelenkt von der märchenha“en Atmosphäre, in der sie sich momentan au$ielten.

In einem verrottenden alten Bahnhofshäuschen standen die drei Studentinnen nun vor einer unverschlossenen Falltür. Sie wussten, wenn sie diese ö%neten, wird es kein Zurück mehr geben. Kein Wort war von Notwendigkeit, einstimmige Blicke wurden ausgetauscht und innerhalb weniger Sekunden waren die Drei der Welt, wie sie sie kannten, entschwunden.

Was anschließend hinter der Tür passiert war, wissen zur Gänze nur die Drei, jedoch erzählten sie später, es war wie ein Magnet, der sie an sich zog. Der Ort zwang sie zu forschen, immer weiter zu gehen und jeglichen Raum zu erfassen. Es war ein Labyrinth, das die Frauen in sich fesselte und sie zugleich in ihren Gedanken befreite. Sie verbrachten Tage und Nächte gemeinsam, umschlungen von Dunkelheit, deren Erleuchtung Ziel ihrer Reise wurde.

Als sie Wochen später den Weg hinausfanden, trafen sie den Rest der Gruppe auf der alten Bahntrasse wieder, die dort noch immer verweilten, und dem Zauber des Ortes verfallen waren.

HEKABE und die Ausdehnung

Sanatorium

Routine wird hier großgeschrieben. Morgens wird das Frühstück immer um dieselbe Zeit serviert, darauf folgt etwas Gartenzeit für uns alle bis exakt zwölf Uhr mittags, anschließend geht es wieder in den Speisesaal für das Mittagsmahl. Am Nachmittag stehen Gespräche mit den Ärzten an, die immer wieder in denselben Räumen statt nden. Vor dem Zubettgehen werden wir noch mit Abendbrot verköstigt. Keine Überraschungen, reichlich Ordnung und generelle Strenge prägen den Alltag und sollen meine psychische Gesundheit aufrechterhalten.

Dieser robuste Charakter drückt sich auch in der Bescha enheit des Ortes aus – in St. Anne verlaufen die Gänge parallel zueinander, rechte Winkel fördern die Orientierung und Konsequenz veranschaulicht sich mitunter in der kontinuierlichen Nummerierung der Räume. Hier soll sich niemand verlaufen. Das Licht in St. Anne ist bläulich gefärbt und bis auf das gelegentliche Flackern einer der Leuchtsto röhren sind all die Gänge und Räume bis in die letzte Ecke ausgeleuchtet. O mals steigt einem der Du von Chlorreiniger in die Nase, was einige Patienten nicht ausstehen können und sich lautstark darüber echau eren. Ich persönlich versuche von jedem Tag aufs Neue lautlos die Stunden über mich ergehen zu lassen, kein Drama zu entwickeln und möglichst nicht aufzufallen.

An einem grauen Nachmittag mache ich mich nach dem Mittagessen auf, um mein tägliches Gespräch mit Docteur Blanc zu führen. Als ich in unserem üblichen Zimmer ankomme, ist dieses bereits belegt. Die Besetzenden des Raumes geben an, immer hier zu sein und ich müsse mich wohl in der Raumnummer geirrt haben. Als ob ich mich irren würde. Ich schließe diese Vermutung aus und mache mich zunächst wieder zurück auf den Weg zu meinem Zimmer. Der Korridor erscheint mir heute jedoch als besonders lang. Endlich an einer Abbiegung angekommen, mündet diese in eine noch ausgedehntere Strecke, deren Ende ich nicht zu erahnen vermag. Je weiter ich voranschreite, desto dunkler

und tiefer wird es. Der Verputz der Wände wird immer spärlicher und nach kurzer Zeit fällt mein Blick auf die nun nackten Ziegelwände, die sich jedoch ebenfalls nach und nach au ösen und sich ein Kalksteintunnel vor mir ö net. Ich gehe weiter, jedoch sind die Kreuzungen hier unten nicht so leicht zu lesen wie die in St. Anne. Eine Ecke hat mehrere Auswahlmöglichkeiten, die Wahl bleibt mir selbst überlassen. Befreit von Zwang, entscheide ich mich für den Weg, der mir noch schwärzer erscheint als der andere. Die Gänge sind eng und rau, abgestandene Lu bohrt sich in meine Nase. Licht bringt mir einzig und allein ein Feuerzeug, das ich mir von einem anderen Patienten geliehen hatte.

Ein mühsam geschlichteter Haufen von Knochen, die einen ron formen, markiert das Ende dieses Weges. Ich bin in eine Sackgasse gelangt. Nach Obduktion des eindeutig nicht mehr lebenden Herrscher dieses Sessels mache ich kehrt. Die Wände hier, tiefer im Tunnel, sind verziert mit Kunstwerken, alten und neuen, zwei- und dreidimensional. Kurz stoße ich auf eine Gruppe junger Leute, die aber außer einem Bonjour und einem kleinen Funkeln in meinen Augen nichts hinterlassen. Ich nehme meinen Weg darauf wieder auf, auch wenn ich nicht genau weiß wohin. Diesmal entscheide ich mich für den Pfad, der scheinbar eine Hauptachse ist, denn dieser ist um einiges höher als der vorige, in dem ich etwas gebückt gehen musste. Ich schreite langsam voran. Langsam weisen die Wände wiederum Verputz auf und der Raum nimmt an Licht zu und in kürzester Zeit stehe ich vor der Tür mit meinem Namen.

HEKABE und die Ausdehnung

Myriapoda

Der Tausendfüßler, wenn im Terrarium gehalten, benötigt keine zusätzliche Beigabe von Nahrung. Er ernährt sich aus den Stoffen, die im Boden enthalten sind. Der Körper des Vielgliedler verfügt über zwei Abschnitte, dem Kopf und dem gleichartig gegliederten Rumpf. Auf seinem Rücken trägt er Schilder, um sich vor der Außenwelt zu schützen. Die Last, die auf seinen Rückenschildern aufliegt, verteilt sich auf tausende kleine Beinchen.

In Hekabe lebt ein riesiger Tausendfüßler, auch Myriapoda genannt, der so mächtig ist, dass sich sein Körper über das gesamte Gebiet entlang schlängelt. Seine Beine tragen die Welt über sich und helfen Hekabe dabei, nicht einzustürzen. Der Tausendfüßler ist aus sich selbst gewachsen, in dem er die Bodenstoffe zu Beinen geformt hat. Myriapoda und Hekabe leben in einer symbiotischen Beziehung, ohne den jeweils anderen können sie selbst nicht als solches bezeichnet werden.

HEKABE und der Mensch

Choose your ghter

Sich im Sessel zurücklehnen und www.ckzone. org in die Leiste tippen. Das Licht des Computers während des Ladeprozesses auf Nachtmodus stellen. Zur Kategorie Ceux d‘en bas gehen und Catacombes et Ossuaires souterrain auswählen. Den meist kommentierten read, der die Suche nach einem Guide durch die Katakomben behandelt, auswählen. Popcorn machen. Um kommentieren zu können, einen Account erstellen. Das Akronym gut auswählen. Dieses zukün ig als Namen in den Katakomben führen. Sich nicht beim Klarnamen nennen, ungeschriebene Regel der Kataphilen. Kaltes Cola aus dem Kühlschrank holen.

Did you choose your ghter? Ready?

Nach einem Guide fragen. Davor eine lange Geschichte erzählen, die den Besuch der Katakomben rechtfertigt. Nur französisch sprechen. Französisch lernen. Währenddessen Popcorn essen. Auf Antwort warten. Sich als Tourist beschimpfen lassen. Französisch verbessern. Etwas von einem Kunst-Uniprojekt erzählen. Fundiertes Wissen über die Geschichte der Katakomben durchblitzen lassen. Eine weitere Antwort bekommen. Ein Angebot einer bezahlten Führung im Wert einer vierstelligen Summe dankend ablehnen. Sich wiederum attackieren lassen. Diesen Vorgang zwanzig Mal wiederholen. Allein den Eingang nden.

eindringen

HEKABE und der Mensch

Kataphilie

Hinter mir lag eine Stadt, so mysteriös und doch so aufschlussreich wie keine andere. Meine Hose, durchnässt und dreckig von der Wanderung durch überflutete Gänge mit kalkgetränktem Wasser, tropfte noch mehrere Kilometer einen Pfad hinter mir her. Ich war froh, als kurz vor dem Ausgang ein Wechsel dieser anstand. Überwältigt von der Reise durch Hekabe kletterte ich die Kanalleiter hoch. Die rostige Oberfläche drückte sich fest in meinen Handballen. Zwiegespalten sah ich noch einmal zurück auf die Untergrundstadt. Einzig und allein bewogen durch die Vorfreude auf die Sehnsucht, die mich bald wieder hinuntertreiben würde, schaffte ich es, mich aus dem Bann Hekabes zu entziehen. Doch als ich den ersten Fuß wieder an der Oberfläche ansetzte, leuchtete mir ein greller Lichtstrahl

ins Gesicht. Mein Erschrecken war deutlich auf meinem Gesicht abzulesen, es war zu spät umzudrehen. Diese verflixten Kataflics!

Inspection Générale des Carrières stand fett gedruckt auf den Ja cken der jungen Frau und des etwas betagteren Herren. Etwas an ihr strahlte Bekanntes, ja gar eine Verbundenheit aus. Ich war absolut nicht vorbereitet auf das, was jetzt kommen würde. Zwar hatte ich schon von einigen anderen Kataphilen gehört, die von den Kataflics erwischt worden waren, jedoch war ich bisher immer ungeschoren davongekommen. „Madame!“, ermahnte mich der Polizist, „Sie wissen, dass es strengstens verboten ist, in die alten Steinbrüche hinabzusteigen! Ich befürchte, wir müssen Sie mit auf die Wache nehmen.“

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Mein anfänglicher Schock, der in Zorn über mich selbst ausartete, verwandelte sich in bloßer Verwirrung, als ich einen mitleidigen Blick der Inspektorin erhaschte. Der Weg zum Auto der Polizisten erschien mir länger als jeder der vielen Meter, die ich zuvor in Hekabe zurückgelegt hatte.

Was sich allerdings als noch zäher und merkwürdiger als diese erste Begegnung erwies, war die Standpauke, die ich mir durch meine illegalen Aktivitäten eingeheimst hatte. Der Polizist erklärte mir ungefragt all die Gefahren, die da unten lauerten. „Sie können sich wohl nicht vorstellen, welchen Risiken Sie sich aussetzen, wenn Sie in die alten Steinbrüche hinabsteigen. Die Stollen brechen regelmäßig ein und wir wollen doch nicht, dass darunter noch jemand begraben wird, es sind doch wohl schon genug Knochen da unten zu finden. Außerdem, denken Sie mal darüber nach, was wäre, wenn es zu brennen beginnt – es ist schon so nicht einfach, den Weg aus dem Labyrinth zu finden, aber in Panik und ohne Lüftung, wo soll denn der ganze Rauch hin. Unvorste-“ „Ich bin mir sicher, dass sich die Dame dieser Unsicherheiten bewusst ist, Monsieur“, unterbrach ihn die junge Beamtin. „Denn wer in die faszinierende Welt von Hekabe hinabsteigt, der kennt nicht nur die Risiken, sondern auch die Geschichte, ist sowohl Forscherin als auch Bewohnerin einer Welt, die anders ist, als alles was wir hier oben kennen. Die Erzählungen, die hier oben verbreitet werden, entsprechen nur in geringem Ausmaß dem Universum der Hekabe.“ Ihre stechend grünen Augen blitzen vor Leidenschaft. „Unser Amt der Generalinspektion der Steinbrüche wurde ursprünglich gegründet, um den Einbruch von Häusern an der Oberfläche zu verhindern, aber ich denke wir haben nun eine viel wichtigere Aufgabe: unsere Begeisterung und insbesondere die Wertschätzung für den Ort unten weiterzugeben!“. Der Polizist händigte mir einen Strafbescheid mit einer Verwaltungsstrafe von 60 Euro aus, während er die Augen

über das Gesagte der jungen Polizistin verdrehte. „Und gehen Sie mir da nicht mehr runter, ja Madame?!“ „Ehrenwort!“, erwiderte ich und konnte mein verschmitztes Lächeln gerade noch zurückhalten. Ich verließ die Wache verwirrt, jedoch froh darüber, nochmal glimpflich davongekommen zu sein.

Ein paar Wochen später, als ich in Hekabe auf ein Gruppe Leute stieß, machte alles etwas mehr Sinn. Ich wusste doch, dass ich dieses grüne Leuchten schon einmal zu Gesicht bekommen hatte.

„Transpierce the mountains instead of scaling them, excavate the land Instead of striating it, bore holes in space instead of keeping it smooth, turn the earth into swiss cheese.“ - Gilles Deleuze and Felix Guattari, A Thousand Plateaus

ATTENTION

L‘accés aux consolidation des anciennes carriéres est dangereux et illègal.

Descendez à vos risques et párils.

Ungleichheit

Biographies

EDITOR

Max Utech

Max Utech is a licensed architect currently based in Vienna and Paris with projects between urbanism, architecture, research and art.

He finished his architecture studies in Wuppertal with a focus on conceptual design and planning methodology. Before setting up his own studio, he gained extensive work experience in different studios in Paris, Cologne and Vienna – especially in the fields of social housing and urbanism. In his position as research assistant at TU Wien, he teaches at the departments of Housing and Urban Design. There he published in 2021 together with Angelika Psenner “Paris transformatif”, a study about the potential of transformative spaces in Paris. He was invited as guest critic for design studios at the Architectural Association London, Politecnico di Milano, ENSA Paris-Belleville and Università degli Studi di Palermo.

In 2020, he was awarded the „Margarete-Schütte-Lihotzky“ scholarship by the Austrian Federal Ministry of Arts and Culture and was in 2021 a resident at the Cité internationale des arts in Paris and the ZK/UCenter for Art and Urbanistics in Berlin.

https://www.maxutech.com

CONTRIBUTORS

Kristine Hymøller

Kristine Hymøller is a visual artist based in Copenhagen, Denmark. She finished her studies with a BA in Fine Arts from Gerrit Rietveld Academie and a MFA from Sandberg Institute in Amsterdam and participated in many international group and solo art shows.

Her practice investigates the relation between culture and aesthetics, in a historic and analytic spectrum. The main focus oscillates between architecture and body politics, a long-lasting relation between the perceptual negotiations of structure with content. Her works examine the “embodiment of place” and what constitutes a sense of belonging from an analytical and cultural perspective. It explores the aesthetic form, its characteristics, and its role in society. The formation of ideas through materiality and material investigation is a central component of her practice.

Her research and artistic work is manifested in a wide series of installations with performative interventions, sculpture, video, photography, collages and frottage-prints.

https://kristinehymoller.com

Corentin Darrée

Corentin Darrée is a visual artist based in Paris. He finished his studies at École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy (ENSAPC) in 2020. In 2021 he had his first solo show at «Never kill a boy on the first date’’ at galerie du Crous in Paris.

“The sensitive self in the face of love, sex and violence: this is what Corentin Darré explores through his contemporary mythologies. In multimedia installations combining sculpture, video and computer-generated images, deeply disillusioned hybrid entities question our relationship to the digital, and the splits and mutations it originates.

With virtual universes and game forums as the raw material of an almost anthropological fieldwork, Corentin creates over-empathetic fictions which lead us into the intimacy of

its protagonists, exposing the open wounds of loneliness. Pop culture references in these stories are a portal to the implacable ambiguity of what it is to be human, and more specifically to be a man in relation to representations of hegemonic masculinity. These tales of a new era are in line with the meta-modernism as described by Luke Turner.

How can we speak of vulnerability when our models of masculinity impose themselves even in intimacy? What can be said or done about masculinity as it is represented in our collective digital imagination, and as it is experienced by individuals in their most sincere subjectivity?

In these narratives where the mainstream is used to access the private, the aesthetic forms from the medieval universe frequently present in video games are modernized and given substance. Hyper technology is subverted by the tangible and it is no longer the body that is immersed in the virtual but the virtual itself that is embodied in raw textures. Extreme cruelty and tenderness are then confronted to reveal the shape of the mechanisms of desire, addiction and violence.” (Amélia Donnier about Corentin Darré’s work, 2020)

http://www.corentindarre.com

Nathalie Harb

Nathalie Harb is a multidisciplinary artist and designer. She creates public interventions, installations and set design that question the notions of home, shelter and agency by proposing an alternative use of our daily habitat. Harb founded Nathalie Harb Studio in 2009, bringing together practitioners from the arts, design and architecture with whom she develops projects that range from urban interventions to film, theatre to interiors and exhibitions to events. The work has been installed and exhibited in cities across the Middle East, Asia and Europe, funded by major institutions including the Goethe Institute, Unesco, the American University Beirut’s Neighborhood Initiative, the London Design Biennale, the British Council, the Municipality of Beirut and the Ministry of Culture, Lebanon. A recent focus has been on two projects: The Silent Room and Urban Hives, urban interventions that respond to a need for community space within the increasingly depersonalized urban landscape. The Silent Room has to date been installed in Beirut and London. A flexible project

that can either occupy existing space or be created as a standalone structure, this cocoon-like space offers visitors respite from the relentless noise and activity of 24/7 city culture. Urban Hives brings green spaces to the concrete jungle of city car parks. Low-cost, modular structures are erected over open-air parking, creating platforms that are accessible to all as food growing and garden space. The aim is to generate a network of Hives across cities where cars are choking the life out of residential neighborhoods.

Graduating with an MA in Cinema and Audio-Visual Practices from ALBA, Beirut in 2000 and an MA in Design Performance and Practice from Central St Martins in 2004, Harb continues to teach and lecture around the world alongside her studio practice. She lives and works between London and Beirut.

https://nathalieharb.com

Thomas Buchsteiner, Hatice Dayakli, Michael Doppler, Fabian Fröhlinger, Felix Höhne, Laura Huber, Claus Kornigg, Cosma Kremser, Edward Ramm, Susanne Stampf, Thomas Volker, Caroline Wolf

are architecture students at TU Wien. Their projects had very different research questions and are set in quite different contexts and scales. Nevertheless, they have one thing in common: the desire to challenge the given task, the search for irrational and uncommon solutions and ultimately explore the condition of the „OFF”.

Imprint

EDITOR

Max Utech

DESIGN DIRECTION

Magdalena Steininger

TEXTS

Max Utech – if not stated otherwise

CONTRIBUTORS CONTENT

Thomas Buchsteiner, Corentin Darré, Hatice Dayakli, Michael Doppler, Fabian Fröhlinger, Felix Höhne, Laura Huber, Kristine Hymøller, Nathalie Harb, Cosma Kremser, Claus Kornigg, Edward Ramm, Susanne Stampf, Magdalena Steininger, Max Utech, Thomas Volker, Caroline Wolf

PROOF READING

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PRINTING tba

PUBLISHER

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ISBN tba COPYRIGHT

2021 by the authors and the photographers Image cover – Magdalena Steininger Cover graphic – Max Utech Reproduction without permission prohibited

FUNDINGS

This research and publication project was financially funded through a “Margarete Schütte-Lihotzky-Projektstipendium” awarded by the Austrian Federal Ministry of Arts, Culture, Civil Service and Sport to Max Utech in 2020

SCIENTIFIC SUPPORT

Many thanks to

Angelika Psenner, Associate Professor, Department of Urban Design, TU Wien

INSTITUTIONAL SUPPORT

Many thanks to

Austrian Federal Ministry of Arts, Culture, Civil Service and Sport

Michael Obrist, Professor, Department of Housing and Design, TU Wien

Académie d’Architecture in Paris

Jörg Stollmann, Professor, Chair of Urban Design, TU Berlin

Cité international des arts in Paris

Austrian Cultural Forum in Paris

ZK/U – Center for Art and Urbanistics, Berlin