Sofía Pucher

EXTENSIONES DE LO TEXTIL Un proceso constructivo a través de telas y packaging

Memoria para optar al grado de Licenciatura de Artes Visuales

SOFIA JOSEFA PUCHER CANALES

Profesora guía: Macarena García Moggia

FACULTAD DE ARTES, ARQUITECTURA Y DISEÑO

Santiago, Chile 2020

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Contenidos Introducción

Primera parte 1.1 Una autobriografía textil

Pág. 9

1.2 Observación de lo orgánico

Pág. 15

1.3 La fractura entre el arte y el diseño

Pág. 17

1.4 Volver a lo artesanal

Pág. 21

Segunda parte Una nueva materialidad: los packaging en sus relaciones con el material textil 2.1 La industria del packaging

Pág. 28

2.2 De lo orgánico a la industria

Pág. 29

2.3 Displays: formas de replegar y desplegar

Pág. 34

2.4 Telas e hilvanes

Pág. 38

Conclusión Bibliografía Indice de imágenes

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Introducción

En la siguiente memoria voy a desarrollar mi proceso creativo durante el último año de Universidad, haciendo un recorrido por las diferentes zonas que permiten comprender mi trabajo.

Esta memoria trata en su totalidad sobre cómo se resuelven los procesos constructivos con el material textil, planteándome el problema artístico de las extensiones de lo textil en base a materialidades que puedan ser símiles en puntos clave.

Para empezar, explicaré cómo la pandemia influyó totalmente en lo que sería el descubrimiento de nuevos procesos constructivos y de nuevos materiales, puesto que, producto de ello, volví a vivir a mi casa en el sur, en el campo. La figura de mi madre aparece entonces como mi mayor referente en este proceso; de no ser por ella, nunca hubiera conocido el material textil, gracias a ella tuve un acercamiento único con él, me hizo conocerlo desde que nací pese a que este nunca llamó mi atención a la hora de querer expandir mis materiales. Tuvo que ocurrir un evento mundial para volver a juntarnos y conocernos por segunda vez.

Esta primera parte continúa con un repaso por mis referentes artísticos. Entre ellos se encuentran Anni Albers, artista textil que me inspiró a descubrir tratamientos en la tela diferentes a los que había conocido, además de sus exhaustivas investigaciones en torno al material textil. Esta artista me sirvió para comprender la fractura que hay entre el arte y el diseño, y cómo las piezas artesanales también están dotadas de arte.

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El proceso de investigación me llevó a descubrir una nueva forma de tratar el material textil a través del teñido con pigmentos orgánicos. Para aprender a convivir con el material fue importante estudiar a mi artista favorita, Eva Hesse, sus obras con formas orgánicas y rupturistas de su época, fueron una inspiración a la hora de resolver las formas que les fui dando a mis piezas. De ella aprendí la constancia y a hacernos uno con el material.

En la segunda parte de esta memoria, presentaré una nueva materialidad para mi trabajo, producto de recolecciones y derivas hechas durante la cuarentena: los packaging, en sus relaciones con el material textil.

Visito entonces mis referentes como puentes que permitan explicar parte de mi proceso. Eugenio Dittborn es el artista perfecto para relacionarlo con la última pieza en la que trabajé, de él pude rescatar las aeropostales, las cuales me interesan no por la poética de la obra, si no por cómo se construyen, siendo bolsas contenedoras de un cuerpo que se puede plegar una cantidad limitada de veces y desplegar por completo en la pared.

Al término de esta memoria describo parte del proceso de obra a partir de algunos procedimientos esenciales: el hilván, las capas, el collage, la intervención, los pliegues y la portabilidad.

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Primera parte

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1.1 Una autobiografĂ­a textil

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El nuevo estado de confinamiento producto de la pandemia para asegurar el estado vital, resultó en mi caso un giro en lo que respecta a mi sistema de vida, en el cual me veía obligada a vivir fuera de mi hogar, puesto que estudiaba en una región alejada de la mía.

El autor supone una coincidencia entre tres entidades, autor, narrador y protagonista, las que son tres personas y supuestamente son las mismas, como él dice: la que vive, la que ha vivido y la que escribe.

Invita a observarse a uno mismo y mirar hacia atrás, pensar en cómo cada una de las cosas que suceden, construyen el presente. Mirar hacia atrás como un El año pasado al fin había encontrado un lugar mero espectador, para poder narrar todo lo que se cómodo y seguro donde vivir, luego de 3 años de bús- vivió. queda y estilo de vida nómada, donde abundaba la incertidumbre de cuál sería mi próximo paso.

Nuevamente la estabilidad se volvió algo lejano, el lado positivo: volví a vivir donde nací. Para mí poder asistir a clases de forma remota se convirtió en una oportunidad económica, ya no debo pagar elevados precios por arrendar una habitación con extraños en Santiago.

Nunca me sentí afortunada de vivir en el campo, la descentralización ya hace lo suyo, qué queda para un pequeño pueblo del cual pocos saben de su existencia. Y me refiero a un pueblo ubicado en la séptima región, a kilómetros de la ciudad más cercana, devastado ahora que recuerdo después del terremoto en 2010.

Necesito situar la historia de mi vida para explicar mi proceso creativo, ya que mis decisiones son producto de mis circunstancias. En El pacto autobiográfico y otros estudios, Lejeune (1994) define a la autobiografía como: Un relato retrospectivo en prosa que una persona real hace de su propia existencia, y pone el acento en su vida individual, en particular sobre la historia de su personalidad.

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Sol LeWitt

Autobiography (1980) es un libro donde LeWitt muestra más de mil instantáneas en blanco y negro dispuestas en una cuadricula, donde cataloga cada detalle de su casa, esquinas, grietas, objetos, un estudio en Nueva York, donde vivió hasta mediados de los ochenta. Podemos ver su cotidiano reflejado en las cosas que lo rodean. Según LeWitt: La mejor imagen de mí mismo no es tanto la de un retrato ordinario, sino las fotografías de todos los objetos con los que he vivido. (Citado en Autobiografías visuales, Guash 2009: 67) Sol LeWitt es conocido por sus obras minimalistas, en este libro pareciera que las formas cuadradas y el cubo utilizadas en sus trabajos, se repiten en Autobiography a través de las cuadriculas que utilizó para catalogar cada una de las imágenes; como sucede también en Incomplete open cubes de 1974, en el libro se genera una tridimensionalidad a partir de la simetría de las fotografías.

El artista hizo su biografía a la manera que le resonaba mejor, identificándose con los objetos cotidianos, y haciendo que al mismo tiempo el espectador se reconociera y se sintiera identificado con ellos.

Lo que me interesa de la obra de LeWitt son las relaciones que establece entre autobiografía y los objetos que nos rodean, y estoy de acuerdo con él cuando nos comunica con su trabajo que esos objetos no están ahí porque sí, también cuentan una historia y aquella es la propia.

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Mi madre aprendió y ejerce el oficio de la costura, mis progenitoras fueron modistas, la tradición familiar llegó hasta la pasada generación, donde se encuentran mi mamá y sus hermanas. Mi abuela fue la modista de su pueblo, no solo recurrían a ella para zurcir un pantalón, era más: los más delicados trajes de huaso nacieron de sus manos, repitió la historia de su madre y mi bisabuela, y a así para atrás.

Estoy ligada al mundo textil directamente, fui aprendiendo inconscientemente de técnicas y reglas de la costura. Crecí entre telas, colores y texturas, aprendí con ella a distinguir la calidad de una tela, a mirarla, a tocarla y percibir su esencia. Vi a mi mamá convertir su pasión en negocio. Empezó con su taller en el living de nuestra casa, fuimos inmersos en su mundo, dentro y fuera de nuestro hogar. Al menos una vez a la semana me llevaba con ella a buscar insumos a la ciudad más cercana, recuerdo esa espera interminable a que terminara de comprar, me sentaba siempre en el mismo lugar de la tienda donde me pudiera ver, desde allí la miraba, a ella y a las telas, a veces jugaba, pero recuerdo que la mayoría de las veces estaba aburrida.

Gracias a su mundo es que mi intuición fue creciendo. Cuando llegué a la universidad todo ese conocimiento adquirido inconscientemente, se transformó en intuición, me ayudó a conocer la teoría del color sin saberlo; al final todo lo aprendido estaba más cerca de lo que imaginé.

Sus clientas, la mayoría mujeres de todas las clases sociales, llegaban a nuestra humilde casa, lo que me molestaba, sentía que invadían mi espacio personal y que de alguna forma no me permitían aflorar la

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imaginación, quizás por eso nunca quise aprender de lo que hacía mi mamá.

Viví en medio de influencias de la artesanía, por parte de mis tíos aprendí de la carpintería, y del oficio del mueblista. Podía convivir con dos talleres de artesanos, uno inmerso en mi casa y el otro cruzando la calle.

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1.2 Observación de lo orgánico

La experiencia de vivir la pandemia en el campo y no en la ciudad, es algo que definitivamente hace que estos meses sean más llevaderos y no tan negativos, quizás es una de las pocas veces en la que siento que vivir aquí es algo positivo, haciendo referencia a la conectividad en que se vive, y que algunas veces trae más de un dolor de cabeza, pero esta vez es distinto y la situación es distinta, no hay grandes restricciones de confinamiento, y si las hubiera, estar viviendo con un paisaje verde a través de tu ventana hace de toda la experiencia distinta a lo que se vive en las ciudades.

Aproveché esta oportunidad en un principio para hacer mini excursiones en el cerro y recolectar distintas hierbas: hinojo, menta, romero, ortiga, entre otras.

En las caminatas me daba cuenta de las formas orgánicas del paisaje, el camino, las nubes, los árboles y las montañas; y lo orgánico de lo tangible como las hierbas y las hojas.

El uso de las hierbas como medicina natural sirvieron para pensar en alguna otra propiedad en las que pudiera darles uso;, investigando, me enteré de que sirven para teñir material textil, telas que tuvieran un alto porcentaje de algodón, lo que llamó profundamente mi atención.

El poder de la cascara de cebolla, ver como desprende de ella un color marrón en el agua, el violeta

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azulado potente y vibrante que entrega hervir en agua una betarraga, de la cual se usa solo el jugo que desprende para teñir, y por supuesto, el color verde que se obtiene de las hojas de un eucaliptus.

Es impresionante que de tales formas orgánicas se pueda obtener color, ya lo hacían en la antigüedad, y es una buena manera de ser sustentable con el medio ambiente y al mismo tiempo es un rico proceso que permite generar propios tintes.

El campo entrega una alta gama de colores, se puede apreciar el azul del cielo, el verde del cerro, y el marrón de la tierra, así como también los colores que entregan los frutos de los árboles, el amarillo del limonero, el verde del palto y el naranjo del naranjo. A su vez en las flores, el rosado en las rosas, el amarillo del girasol, y el blanco de las gladiolas. Cada color puede ser extraído de un recipiente orgánico y puede imitar su paisaje.

1.3 La fractura entre el arte y el diseño

Tal como señala la curadora Brenda Danilowitz:

de otra forma el paso del tiempo haría lo suyo en la tela trabajada y el color se perdería. Lo primero que Soslayar el no del material con el sí de una tuve que hacer fue hervir el agua y poner una porción solución inventiva, ésa es la manera en que correspondiente de vinagre en ella, para luego dejar surgen cosas nuevas: en una competencia con el remojar la tela que escogí durante una hora. La material. (Citado en Annie Albers 2019: 22) primera tela que trabajé fue el lino, disfruté mucho las posibilidades que me entregó, al tener un alto Una competencia entre las bellas artes y las artes porcentaje de algodón me permitió manejar los tonos aplicadas fue lo que encaró Albers en su obra de que quería de manera infinita. Definitivamente pentextiles, una dicotomía entre arte y artesanía, su sar en armar una pieza a través del trabajo directo del obra demostró que cualquier obra de artesanía tiene material, transformó la experiencia de hacer arte en potencial de ser arte. Ir donde el material nos lleve, y una pieza artesanal dotada de arte. empujar su capacidad hacia límites inesperados, Anni Albers tenía una convicción enfática, era su fe en que Albers, (1937) afirma: los materiales contienen la clave del proceso creativo.

Mientras más posibilidades de ataque ofrezca el material en su apariencia y en sus elementos Para mí este pensamiento sirvió para probar el estructurales, mejor podrá convocar imaginamaterial textil, no solo como de costumbre lo usaba ción y productividad. (Citado en Albers, 2019: mi madre, dándole vida a distintas prendas que se 16-17) acomodaban al cuerpo de su próximo dueño.

Transformándolo en color y forma, me apropié del material y lo llevé a su límite, con un resultado que nunca imaginé.

Lo rico de los pigmentos naturales es también su conservación en el tiempo, qué pasa con la tela, con el color y los tonos a medida que pasan los días y los meses. Para recuperar pigmentos de frutas, verduras y hiervas se siguen una serie de pasos, se trabaja con agua, sal de mar y vinagre. La sal de mar y el vinagre sirven como mordientes, lo que significa que la sustancia sirve para fijar los pigmentos en la tela,

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El material textil se compone de cualidades como áspero, liso, opaco y brillante, duro y suave, incluye también color. Lo que permite experimentarlo en múltiples formas, entregando infinidad de posibilidades, por ello concuerdo con Annie Albers cuando menciona aquello: el material textil evocó en mí la imaginación y la productividad, de una manera que antes no había experimentado.

Lo bonito de este proceso es que trabajé en paralelo con dos formas de materialidad, la extracción de

pigmentos de las frutas verduras y las hierbas, que me permitieron estudiar las formas de los colores, y el material textil, que finalmente se transformó en el contenedor de toda esta información.

El trabajo de un artesano es contener en sus manos el tiempo de principio a fin, así se pueden hacer los arreglos que necesite la pieza cuando ella lo requiera, esto le hace estar bastante cerca del material, positivo para aprender a conocerlo y manejarlo. Este principio fue fundamental en mi proceso de trabajo, trabajar el material textil en bruto para teñirlo y darle forma, tiene una serie de procedimientos, cada uno requiere de atención y constancia.

con el material sería con el primero que fue creado.

Era solo un metro de material ligero y moldeable con el cual podía incursionar. Empezamos a trabajar juntas, la idea era recortar figuras orgánicas y volverlas a conectar mediante puntadas con hilo a mano, las fuimos armando y logrando generar relieves gracias a las propiedades del material. Ese momento tan bonito de compartir saberes más adelante se convertiría en una apropiación de su material.

No obstante como alguien que hace algo de principio a fin y lo tiene literalmente a mano, está lo bastante cerca del material y del proceso de trabajo para sentir las influencias procedentes a estas fuentes. (Albers 2019: 38)

En palabras de Albers: Pues el artesano si es buen escucha, recibe instrucciones del material, y el material no se equivoca.(2019: 38) Hoy en día quedan pocas cosas formadas una por una como lo hace el artesano, todo esto ha sido emplazado por la producción en masa, el artesano se encuentra al margen de la producción industrial, no así el diseñador.

En estado pandémico no es simple conseguir material y empezar a trabajar, elegir el textil no fue fortuito, estaba en mi entorno, podía conseguirlo y pedirle a mi mama que me prestara algunas telas de su taller, la primera que me pasó fue el fieltro, para mi coincidencia, el fieltro es considerado el primer material textil creado por el hombre, en la prehistoria, lo que significa para mí que mi primer acercamiento directo

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El artesano tiene la posibilidad de controlar lo que tiene en sus manos de principio a fin, elaborar su figura y añadir ornamentos adicionales de la forma que guíe su intuición. Y quizás es aquí donde ocurre la fractura entre el arte y el diseño, la producción en masa no contiene intuición en su proceso de “nacimiento”, así como lo contiene en sus manos el artista y el artesano.

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1.4 Volver a lo artesanal

Walter Gropius proclamaba en 1922: Arquitectos, pintores, y escultores ¡debemos regresar al oficio, a la manufactura, al hecho!

Los artistas son artesanos en el sentido original de la palabra, y es solo en extraños y benditos momentos que una revelación surge del trabajo de sus manos. Pintores y escultores ¡sean artesanos! (Citado en Albers 2019) Las palabras de Gropius hacen que reconozca que mi trabajo proviene de la artesanía, de la investigación y conocimiento del material.

Comprendo el porqué de mi trabajo con el textil, comprendo por qué quiero apropiarme de él a través de los pigmentos naturales. Comprendo por qué cambiar su forma original a través del color.

Las industrias rebasaron a la artesanía, vivimos en una época en donde necesitamos tantas cosas y de manera tan rápida que el trabajo a mano no cubre la demanda. No dependemos de la artesanía, se ha visto derrotada, pero aun así necesitamos de su contacto con el material y de su lento proceso de configuraciones.

Los materiales que utiliza la artesanía son más difíciles de manejar, carpintería, tejeduría, ceramistas, etc.

Y esta lucha con ese material áspero es lo mejor para aprender de la disciplina constructiva.

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Eva Hesse

La figura de Eva Hesse como inspiración en mi trabajo ha tomado un particular protagonismo este último tiempo. Hesse vivió el arte desde la pintura y la escultura, explorando y explotando los materiales en este último, solo diez años ejerció de artista, pero su figura es fuente de inspiración y un legado, para mí.

Fue en una vieja fábrica abandonada donde se situó con su primer estudio, desde ese momento como pintora empezó a incursionar en lo que sería la escultura.

Poco a poco fue añadiendo tridimensionalidad a sus obras, hasta posicionarse totalmente dentro de la escultura. Empezó con materiales encontrados en el estudio, látex, cuerdas, restos de maquinaria y papel maché.

La cuerda fue sin duda su primera aproximación a lo que sería su obra de vida, en el contexto social y artístico protagonizado por hombres que se encontraba la artista, era muy difícil que se pudiera posicionar en un mundo donde solo lo masculino se valora.

Grandes nombres emergían en el momento, y ella no se quedó atrás.

Empezó a experimentar con la cuerda, mojándola en yeso, atándola en rejillas de metal, y pegando alambres cubiertos de tela en círculos enrollados que simulaban ser pechos gigantes.

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Como señala Lucy Lippard: La vida y obra de Eva realmente se unían, ella no estaba solo manipulando materiales, ella era los materiales. (2016: s/p) Cuando Hesse empieza a trabajar con el látex, poco a poco pasó de convivir con el material a volverse el material. Su proceso de trabajo era constante y minucioso, empezaba con una profunda investigación de lo que tenía en sus manos, fue llenado su bitácora con sabrosos descubrimientos que servirían para el próximo paso. Cuando llegaba la hora de trabajar el material no había limites, solo miles de posibilidades de ser trabajado y convertido en una obra de arte.

Ese es el proceso productivo que aprendí de ella, poder hacer una investigación exhaustiva del material permite conocerlo y hacerlo parte de uno, lo consiguiente es que es tan fácil trabajar con él, siempre con inimaginables posibilidades de resultado final.

Hesse escribía mucho y enviaba cartas, en una de ellas declaró: No ha habido una sola cosa normal en mi vida, ni una. El arte es lo más fácil. No significa que trabaje poco, pero es la única cosa en la que no me ha costado trabajar. (Hesse 2016) Eva Hesse aspiraba a lo artesanal en una época donde emergía el minimalismo y la perfección, sus obras contenidas en formas orgánicas y geométricas al mismo tiempo era su manera de plasmar el material de manera única. Su idea era hacer un arte que estuviera en el borde de lo incontrolable y si no lograba

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llegar ahí, es allí donde quería ir. Hesse no trabaja en escalas pequeñas, era alguien de hacer grandes obras, tenía mucha sensibilidad e intuición, era capaz de terminar una obra y no cambiar de opinión.

Es allí donde yo también aspiro a llegar, a lo incontrolable y a una sensibilidad e intuición que me permitan conocer y manejar mis materiales.

Segunda parte

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Una nueva materialidad: los packaging en sus relaciones con el material textil

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2.1 La industria del packaging

La industria del packaging en estos últimos años, pero sobre todo en esta pandemia ha tomado tal importancia dentro del diseño, que aparentemente nos encontramos rodeados de estas envolturas que pretenden ser hermosas y bellas, con el fin de responder supuestamente a una necesidad del consumidor.

Byung-Chul Han señala: El objeto es bello en su envoltorio, en su encubrimiento, en su escondrijo. El objeto bello solo sigue siendo igual a si mismo bajo el velo.

Cuando se desvela, se vuelve infinitamente inaparente. Ser bello es básicamente, estar velado.

(2017: 47) Relaciono directamente estas palabras con lo que hace el diseño y la industria del packaging, la idea de que el producto que se vende más allá de que si viene, por ejemplo, de una cadena de comida rápida, donde entendemos que estamos comprando algo que no es de la mejor calidad que uno desearía, esta industria se encarga de cubrir esa entrega con un velo y un envoltorio bello, el cual vuelve inaparente lo que se esconde bajo él. Ser bello en este caso, es estar velado.

El embalaje o empaque es un recipiente o envoltura que contiene productos de manera temporal principalmente para agrupar unidades de un producto pensando en su manipulación, transporte y almacenaje. Otras funciones del embalaje son: proteger el contenido, facilitar la manipulación, informar sobre sus condiciones de manejo. (Definido en Wikipedia) 28

Estos embalajes han permitido la portabilidad de los productos que recibimos en nuestras casas, protegen el contenido en el trayecto y facilitan su manipulación una vez entregado.

Esta nueva materialidad en su totalidad se compone de elementos gráficos hechos para llamar la atención del consumidor, además de eso son bellos y ricos en patrones que simulan de alguna forma ser un mantel, es aquí el punto donde uno esta nueva materialidad al material textil.

2.2 De lo orgánico a la industria

El mayor problema de esta nueva materialidad es lo completamente diferente que es de las telas teñidas con pigmentos orgánicos, desde la composición hasta de donde ambas provienen. El material del packaging no puede ser intervenido con elementos orgánicos, vienen ya desde la industria del diseño. Lo mejor fue encontrar similitudes entre ambos materiales, para dar paso al desarrollo de la obra. De ellos, a medida que los trabajaba me di cuenta de varios aspectos que los hacia amigos.

El pliegue Uno de los principales conceptos de mi obra se centra en el pliegue, y en cómo replegar el material un limite de veces permite que este mismo pueda ser desplegado en la pared. La tela teñida y el packaging me permitieron trabajar ese concepto, ambos tienen la liviandad y flexibilidad para generar en ellos repliegues.

La intervención Al igual que en el proceso de teñido de la tela con pigmentos naturales como forma de intervención, a los elementos encontrados del packaging los intervine desde su composición gráfica, color, tipografías y contenido, a través de telas que fuesen similares, lo resultante fueron piezas alteradas en su origen, dotadas de arte.

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Tanto, así como el pliegue y la intervención fueron conceptos claves que me permitieron juntar estas dos materialidades en un solo cuerpo, a través del hilvane y usando la tela como el soporte, uní los packaging intervenidos a ella, el hilvane actuó además como puntadas que recorrían este cuerpo como en una especie de mapa.

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Eugenio Dittborn

Eugenio Dittborn (Santiago de Chile, 1943) se convirtió en un referente en mi obra en diferentes aspectos que estaban contenidos en sus obras, tales como composición, ordenamientos y montaje.

En 1984, en plena dictadura militar, Dittborn estaría inventando lo que sería el formato Pintura Aeropostal. Estas pinturas, como alude el nombre, son grandes materiales que permiten la flexibilidad de ser plegables en un sobre que luego se envía por correo postal. Cuando se reciben en el lugar de la exposición son desplegados y se cuelgan en la pared.

En el montaje, los sobres que llegan son colgados junto al contenido desplegado.

Estos sobres contienen huellas de un viaje, desde su origen en un contexto histórico, donde el país es sometido a una dictadura militar y con ello a una atmosfera de violencia hacia países en el exterior. Las aeropostales permitieron a Dittborn poder comunicarse más allá de las fronteras.

Las pinturas aeropostales consisten en una serie de paños de entre tela sintética, que han sido intervenidos a través de la pintura y diferentes técnicas como la serigrafia y el frotage, y que unidos forman un paño de gran tamaño. El contenido de los estampados sobre la entre tela, las manchas son algo que se repite en las aeropostales de Dittborn como elemento gráfico y responden a la interacción con el color de fondo. Las imágenes corresponden a imágenes coleccionadas y encontradas, públicas y ya vistas por mucha gente.

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2.3 Displays: formas de replegar y desplegar

En una conversación para Universidad Diego Portales, Dittborn comenta: Para que esta superficie fuera grande tenía que ser chica en el transporte, y los pliegues es lo que hace que una pintura aeropostal, sea una pintura aeropostal. Es decir, sea una carta en viaje y una pintura en el lugar de destino.

(2020) El artista explica cómo el repliegue y despliegue de la obra forman parte de dos cuerpos distintos, pero que en forma original es solo uno, el cual cambia según se pliega en un sobre, y se despliega en la pared como una pintura.

Lo que más me llama la atención de la obra de Dittborn, son los pliegues, me pregunto qué pasaría si uno plegara infinitas veces, quizás el material responde a un límite de plegaduras, en mi caso mi soporte y primera capa que corresponde a telas teñidas a mano responden a un límite de pliegues.

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Lo interesante del packaging es la riqueza de ser desplegados para poder sacar el contenido que traen dentro de ellos, se vuelven cuerpos que solapan a otro, y que de alguna manera los consumen y los hacen desaparecer. O son cuerpos que usan una máscara para ocultar la fealdad, que nos engañan con una cara totalmente maquillada.

Una vez develado el contenido, el contenedor ya no puede volver a velar lo que traía, es por eso por lo que empiezo yo misma el ejercicio de volver a plegarlos, pero a mi manera y en forma de origamis que pueden ser replegados y desplegados.

El material que principalmente utiliza la industria del packaging son papeles ecológicos y amigables con el medio, esta industria ha crecido de tal manera que en Latin Pack afirman que: Los consumidores actuales son más sensibles al impacto en sus hábitos de compra. El porcentaje de los que están dispuestos a pagar más por alimentos envasados, frescos y ambientalmente conscientes o amigables se ha incrementado en los últimos dos años. También ha aumentado el porcentaje de quienes sienten que los envases reciclables influyen en la compra de bebidas.

(2020) Esto comprueba que estos envoltorios se han vuelto indispensables en la forma de vivir que ha adaptado el ser humano, lo positivo es que tratan de ser consientes con la contaminación ambiental.

Para que un papel sea amigable con el medio, debe estar compuesto por propiedades que permitan su

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flexibilidad y a su degradación más rápida al pasar del tiempo, es por eso que empecé a poner mi atención en estos envoltorios, son muy ricos al tacto, tienen un gramaje específico para que cumplan su función, son impermeables, una vez que quise ponerlos a prueba terminé mi hamburguesa de una cadena de comida rápida, y fui a la cocina a lavar con agua el papel, para sacar el residuo de la comida, para mi sorpresa el papel no se rompió ni perdió el color.

Parte de la composición de la obra se centra en el pliegue, ya que es la unidad que une al repliegue y al despliegue, la composición que nace de la unión entre el material textil con el packaging resulta en un collage que puede ser replegado a si mínimo tamaño, para ser contenido en una bolsa de plástico que actúa en forma de portabilidad de la obra, y que puede ser desplegado en su totalidad en la pared, gracias a su liviandad y flexibilidad.

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2.4 Telas e hilvanes

En mi proceso de producción de obra, quise incorporar lo aprendido durante el primer semestre, y de alguna forma combinar estos dos mundos de los pigmentos orgánicos en la tela, y los displays recolectados.

La mejor manera de resolver este problema fue la composición en capas de una pieza, donde mi primera capa serían las telas intervenidas.

Los colores que se hayan en mis telas no son coles planos, si no que contienen información del proceso de teñido, como las manchas que se pueden producir cuando esta es teñida por el color orgánico, además de no dejar un resultado uniforme en la tela, es por eso por lo que cada una es diferente a la otra y única en su especie.

Utilicé el formato rectangular en las telas, y las hilvané en sus orillas, además las forré para darle peso a la caída, lo que pasa con esto, es que el peso ayuda a darle una forma que sea firme visualmente, de lo contrario la tela se vería liviana y poco llamativa.

Hilvanar los objetos encontrados a la tela es un proceso difícil ya que el cartón impide el paso de la aguja y más aun si debe pasar por la tela que además esta forrada. Mi hilvanado transforma a la pieza total en un mapa, donde las puntadas son las que lo recorren y los objetos de cartón son sus tesoros encontrados.

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Conclusión

Escribir esta memoria justo en el proceso de construcción de mi última pieza, sirvió para ordenar mis ideas y hallar un sistema de construcción de la obra, el cual me permitiera juntar dos materialidades, textil y packaging; a través de sus similitudes: el pliegue, la intervención, el hilvane y la portabilidad.

Aprender del material textil a través de referentes como Anni Albers y mi mamá, me enseñaron sobre la fractura entre el arte y el diseño, donde la mayor diferencia son las formas de crear, en donde el diseño tiene su fundamento en la producción en masa.

Al mismo tiempo aprendí sobre la artesanía en sus relaciones con el arte, y en como una pieza artesanal también puede estar dotada de arte.

La intervención del material textil a través del teñido con pigmentos orgánicos me ayudó a conocer el material desde cero, y al paso del tiempo el poder apropiarme de él, permitiéndome darle diferentes formas que fueran contenidas en tres piezas que daban cuenta de la información de manera compositiva en color y forma.

Luego, conocer los packaging me abrió nuevas puertas hacia la creación e intervención de nuevas materialidades. Lo que me posibilitó la intervención de este material, fue la composición visual que generaba en mí, me refiero a que no parecían simples papeles que tenían diseños de patrones de la marca a la que representaban, si no que eran una puerta a nuevos diseños con color y formas que se podrían generar a partir de aquello.

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El nuevo desafío seria juntar ambas materialidades en una sola composición, gracias a todo lo aprendido fue que eso se convirtió en algo tangible. A través de conceptos fundamentales como: el hilván, las capas, el collage, la intervención, los pliegues y la portabilidad.

El hilván, fue el principal cursor que me permitió la formación de capas en la tela. Las capas fueron las que unieron las telas teñidas con pigmentos orgánicos a los elementos del packaging, y lo que se formó de esta unión resultó en un collage. La intervención que se produjo entre ambos materiales los convirtió en un solo cuerpo, donde la primera capa seria el material textil teñido, y a ella hilvanados con despuntes los packaging intervenidos compositivamente. Los pliegues fueron la unidad que permitió replegar la pieza a su menor tamaño posible, tanto como desplegarla a su totalidad en la pared. Y la portabilidad fue representada en una bolsa capaz de contener a la obra replegada.

Es en este punto donde pude construir mi obra, entendiendo cómo componer desde la portabilidad de los materiales, el repliegue y despliegue de la pieza y la unidad mínima que los unía, el pliegue.

La riqueza que llevo conmigo después de este proceso es haber encontrado dos materialidades completamente diferentes, pero que en ciertos aspectos eran más las similitudes que las diferencias, y el objetivo de poder contener la información de ambas fue lo más gratificante para mí.

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En palabras de Albers: La mayor parte de nuestras vidas vivimos encerrados en nosotros mismos, con la añoranza de no estar solos… Para hacerla visible y tangible necesitamos luz y material, cualquier material.

Y cualquier material puede asumir la carga de lo que se ha incubado en nuestra conciencia o subconsciente, en nuestra vigilia o nuestros sueños. (Citado en Albers, 2019: 157)

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Bibliografía 1.

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Guash, A. M. (2009). Autobiografías visuales (p. 67). Ediciones Siruela..

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Han, B.-C. (2015). La salvación de lo bello (p. 47). Herder.

10.

Ciudad en llamas. (2020). Santiago de Chile: Universidad Diego Portales. https://www.youtube. com/watch?v=Frvoa6jkhhU 11.

Anni Albers: Del diseño (22.ª ed., p. 157).

(2019). (22.ª ed.). Alias.

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Indice de imágenes Bolsa ziploc nro. 4 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 73 cm x 110 cm [ pág. 4]

Bolsa ziploc nro. 1, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 10 cm x 18 cm [ pág. 30 ]

Sin título, 2020 Técnica mixta Hilo sobre papel 14 cm x 21 cm

Bolsa ziploc nro. 1, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 10 cm x 18 cm [ pág. 31 ]

[ pág. 10]

Sol LeWitt Autobiography, 1980 Sin título, 1980 Fotografía 12 cm x 21 cm

[ pág. 13 ] Eugenio Dittborn 8 Sobrevivientes (8 Supervivientes ) 1986 [ pág. 33 ]

[ pág. 15 ]

Sin título, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos 80 cm x 100 cm [ pág. 19]

Bolsa ziploc nro. 4, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 73 cm x 110 cm [ pág. 36 ]

Sin título, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos 80 cm x 100 [ pág. 20 ]

Bolsa ziploc nro. 5, 2020 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 130 cm x 160 cm [ pág. 41]

Sin título Fotografía

Bolsa ziploc nro. 5 Técnica mixta Material textil teñido con pigmentos orgánicos y packaging 130 cm x 160 cm [ pág. 42 ]

[ pág. 23]

Collage en el packaging, 2020 Técnica mixta Packaging intervenido con papel 14 cm x 24 cm [ pág. 27 ]

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