URL Noviembre 2013 by URL Magazine

DIRECTORIO Sergio Hernández Juárez Dirección Editorial y Editor en Jefe sergio@urlmagazine.com.mx

Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Erick Castro Coordinador Editorial MTY erick@urlmagazine.com.mx Alejandra Caballero Relaciones Públicas y Prensa Fresale@urlmagazine.com.mx Carolina Calvo Ceja Asistente Editorial Erika Anallely Corrección de Estilo Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx

Colaboradores: Mirna Torres Nathaly Soto Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Juan Manuel López Ani Atilano Ale Noise Alberto Granados Alfonso Saldaña Daniel “El Jimmy Lurias” David Ovando Gabriel Torres Mariana Pérez Nallely Sanchez Ricardo Ramos Samuel Nava Ivie Laguna Federico Jara Rodrigo Guerrero Octavio Garduño Fernando Castillo Carlos Francisco Pérez Mejía “Frasko” Co-Fundador frasko@urlmagazine.com.mx

#GraciasLou El hijo bizarro del underground nos ha dejado, Lou Reed ha muerto Siempre marcado como un antihéroe, Lou provoco maravillas poéticas y musicales tanto con Velvet Underground como con su carrera de solista, creatividad, vanguardismo, extravagancia todo esto fue Lou, p o r t o d o e s t o y m a s l o v a m o s a e x t r a ñ a r. Se nos fue el encantador de serpientes, contador de historias a través de versos, critico del sistema, Lou Reed era un inmortal atrapado en el cuerpo de un mortal, sus sonido, sus versos nunca nos dejaran. Este número de URL Magazine esta dedicado al GRAN Lou Reed, que nos dejo el pasado 27 de octubre a los 71 años, los invitamos a leer el texto de Yiruim dedicado a Lou este mes también encontraran una breve reseña de los que fue el Corona Capital, reseñas de libros de películas y mucho mas. Por otro lado este es el último número de este 2013, los conteos de lo mejor del año están a la vuelta de la esquina y como cada año URL Magazine tendrá sus propias listas de que fue lo mejor y lo peor de este año convaleciente. Los invitamos a leer URL Magazine Noviembre 2013 Equipo Editorial URL Magazine @URLMagazine

Gravedad

Coronel

10 Nada

12 Jobs

14 Corona Capital 2013

26 Gracias Lou

32 RockSound

40 Entrevista Estereox

Contacto: Contacto@urlmagazine.com.mx

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#URL REVIEWS

GRAVEDAD Carolina Calvo // @CarolinitaCC ¿Qué tan lejos tendrías que viajar para encontrarte contigo mismo? La doctora Bryan Stone tuvo que cruzar la atmósfera y enfrentarse con las adversidades del espacio, para darse cuenta de cuánto deseaba permanecer en el planeta Tierra. La historia de Gravity gira alrededor de un trío de astronautas, entre ellos Ryan Stone (Sandra Bullock) y Matt Kowalsky (George Clooney), que se encuentran a 600 km sobre la tierra reparando el telescopio Hubble, ella en su primer viaje al espacio, él, en el último; inesperadamente una lluvia de basura espacial pone en riesgo sus vidas, lo que los llevará a tomar decisiones que les ayuden a sobrevivir en una situación tan hostil como flotar en gravedad cero. Es cierto que la nueva película del cineasta Alfonso Cuarón tiene grandes adelantos tecnológicos, creó escenarios que le tomó cuatro años crear, pero sin dejar de lado una historia con importante significado que muestra la valentía y entereza de un ser humano ante las adversidades. El mexicano Alfonso Cuarón, dirigió el filme que escribió junto con su hijo Jonás. El cineasta ha comentado que cuando tuvo la idea, la compartió con otros directores, entre ellos, James Cameron, quienes le mencionaron que la creación de Gravity era posible, pero podía costar 200 millones de dólares y que la tecnología necesaria para realizarla, tardaría por lo menos 10 años en desarrollarse. De acuerdo con Cuarón, ambos comentarios fueron acertados, pero le tomó la mitad del tiempo realizarlo y la inversión fue de 80 millones de dólares.

En conjunto con Emmanuel Lubezki, cineasta y fotógrafo que ha trabajado con Alfonso Cuarón en varios filmes (Grandes esperanzas, Y tu mamá también, Harry Potter, entre otros), realizó el trabajo de iluminación y fotografía que es excepcionalmente hermoso, dan la sensación buscada: ser un astronauta perdido en el espacio. El trabajo visual es impecable, a tal grado que puede confundir al espectador con la posibilidad de que realmente se haya filmado en el espacio, sobre todo si se desconocen las características atmosféricas que pueden impedir una tarea de este tipo, como le sucedió a un reportero conocida televisora mexicana, que tuvo a bien preguntar a Cuarón: “¿cuáles fueron las dificultades técnicas y humanas para grabar en el espacio?”, historia de la que seguramente se habrán enterado pues circuló en varios medios y se convirtió en Trending Topic en Twitter (#PreguntocomoreporterodeAzteca). Es de aplaudirse la actuación de Sandra Bullock, quien lleva todo el peso de la historia, aunque cuestiono si fue la mejor opción, aunque después de todos los rechazos (voluntarios e involuntarios) de varias actrices invitadas antes que ella, las alternativas se redujeron. Recomiendo ampliamente ver Gravity siempre y cuando se separen los conceptos efectos especiales – acción, el ritmo es un poco lento y para quienes no comprendan el mensaje de la historia, cabe la posibilidad de que se torne aburrida, pero reto a cualquiera a decir que los efectos visuales no lo transportaron al espacio y a sentir la desesperación de intentar regresar a la Tierra.

#URL REVIEWS

N A D A JANNE TELLER Fernando Castillo // @bajomispies “Nada importa. Hace mucho que lo sé. Así que no merece la pena hacer nada. Eso acabo de descubrirlo”. Así empieza Nada, novela juvenil de la escritora danesa Janne Teller, y que por recomendación de una entrañable amiga leí en un día (no me halago, sólo tiene 100 páginas). Me gustan las obras que me desafían, que narran escenas escalofriantes en las que lo moralmente correcto se hace pedazos con argumentos sólidos y debatibles, y fue el caso de esta novela llena de claroscuros y sobre todo de esperanza. La historia se sitúa en un pequeño pueblo de Dinamarca al inicio de un nuevo ciclo escolar. En el primer día de clases, Pierre Anthon decide abandonar el salón para subir a un árbol a hacer nada, porque para él absolutamente nada tenía sentido. Sus compañeros de clases tratan de hacerlo bajar pero no lo logran así que deciden reunir cosas que tuvieran sentido para convencerlo: mascotas, artículos de todo tipo, cadáveres y hasta una virginidad, son depositadas en una pila que al ser descubierta, da un giro en las vidas de todos esos jóvenes. Nada es un libro que estuvo prohibido en varios países durante mucho tiempo, bajo el argumento de que daba ejemplos negativos a la juventud, y sin embargo sus planteamientos existenciales claramente me hicieron evocar mi propia adolescencia, recordar toda esa confusión y sinsentido que tenían las cosas (muchas aún no lo tienen), y creo que me hubiera encantado que esta obra de Jann Teller hubiera estado a la mano en mis años formativos.Es fácil perderse en la prosa sencilla, pero sobre todo conectarse con personajes que representan un auténtico tapiz de personalidades y expresiones culturales y religiosas en el que estamos bordados todos, razón quizá por la que a muchos críticos y lectores ligeros les incomodó enfrentarse a un espejo tan cruel como nuestro deseo de darnos por vencidos. En mi opinión la tesis central de Nada es que las cosas realmente significan algo; son íntimas y efímeras, pero no por ello carecen de importancia aun cuando en el largo plazo estén condenadas al mismo destino de todo y todos: a la nada.

#URL REVIEWS

JOBS Nathaly Soto// @nath_wonka

Jobs es una película dirigida por Joshua Michael Stern, escrita por Matt Whiteley y producida por Mark Hulme y Marcos A. Rodriguez, se trata de un filme biográfico sobre la vida de Steve Jobs, interpretado por Ashton Kutcher. Es una película interesante si eres fan de la marca Apple, de otra manera es un poco aburrida. Ashton Kutcher, aunque sea difícil de creer, hace un buen papel y su caracterización es excelente, tanto que, al inicio de la película hacen una toma alejada del personaje recreando una de sus clásicas presentaciones, la toma comienza con un zoom out y podrías jurar que estás viendo al mismo Steve Jobs. La película tiene muchos huecos debido a que deja cosas sin explicar, parecería que el director lo hace a propósito dando por hecho que nosotros “ya sabemos” lo que ocurrió en esos momentos. Considero que el filme hubiera tenido mucho material para ser una película inspiradora y motivadora, que al final nos dejara con el pensamiento de “yo quiero ser como él”, pero me queda claro que el objetivo del director no era “ensalzar” al personaje, sino retratarlo. Es una buena película si quieres conocer los inicios de lo que ahora es el imperio Apple, pero no esperes mucho, es plana, no juega con las emociones, no te hace parte de las “injusticias” por las que atraviesan los protagonistas, no te hace reir, no te hace llorar, sólo te hace enojar un poco.

Es atrayente por la parte del contexto y de la persona de la que se habla, pero insisto, no es la película del año, no te darán ganas de volverla a ver, no la vas a comprar a menos que seas un geek fan from hell de Steve Jobs. Mi recomendación: Acude a verla por mera curiosidad, para tener una idea de dónde es que salió el iPod que ahora usas o el iPhone que no cambiarías ni porque te regalaran un año de renta con el mejor Andrioid del mundo. No recomendada para menores de 12 años.

#URL COLUMNAS

RETIRARSE CON DIGNIDAD Erick Castro // @ecastroo

Hablar de retiro es un tema delicado, ya que debemos de tomar en cuenta varios aspectos, significa tomar una decisión que puede perjudicar o beneficiar la carrera de una agrupación, pero ¿cuándo es el momento indicado para retirarse? Si bien hay bandas que nunca han dejado de estar vigentes y en el gusto del público, hay otras que merecen que alguien les diga: “Ya fueron suficientes discos para que sigas vivo, ¿no crees?” Vivir del recuerdo es algo sencillo, tienes un hit, lo tocas en todos tus conciertos, haces que la audiencia se vuelva loca pero todo producto tiene fecha de caducidad. El retirarse a tiempo no es mal negocio, al contrario, tus ventas aumentan; tu número de fans incrementa exponencialmente, buscan el boleto de tu última gira e incluso sufren porque te vas a retirar de la escena musical dejando un vacío que “nadie podrá llenar”. ¿Qué hay detrás de un retiro? Principalmente problemas, ganas de hacer cosas en solitario, dedicarte a otros proyectos o simplemente descansar pero, ¿cuándo y como hay que hacerlo? Fácil, cuando estás en la cumbre del éxito, te vas cuando la gente más te aclama y cuando te van a extrañar más de lo que puedas aburrirles.

Así que el consejo va dirigido a esas bandas que están apunto o en su límite de caducidad: retírense a tiempo, las ideas se les acaban, ya ni siquiera quieren hacer discos pero tienen que cumplir con contratos; sus discos cada vez están más feos, sus fans van creciendo y escuchando más propuestas frescas. Retírate con dignidad: haz una gira del adiós (no 20, por favor), despídete de tus fans en los conciertos (no con firmas de autógrafos), toca canciones de todos tus discos (no sólo los hits) y da un show sin igual (no te subas tan ebrio que ni siquiera puedas coordinar las estrofas que tú mismo compusiste). En este universo de bandas hay muchisimas que se pudieran nombrar, pero tendríamos que abarcar mucho espacio de la revista y la verdad es que mencionarlas daría flojera, ya que ustedes mismos saben qué bandas necesitan retirarse YA. ¿Podemos ayudar para que estas bandas se retiren? Hacérselos saber es buena opción, pero tal vez no lo tomen en cuenta, así que deja de asistir a sus conciertos, deja de visitar sus canales de Youtube y deja de pedirlos en toquines masivos. ¿Para qué vas a escuchar los mismos setilist que los años pasados?

#URL COLUMNAS

DIVAGANDO CON ASES FALSOS El Showcast

-Todas las personas deberían de ir a un concierto en su vida, por lo menos a uno. De todas las frases que se dijeron esa noche, ésta fue la que me hizo eco. Habíamos tomando unas chelas y compartido parte de la música que descubrimos durante el último mes, platicando sobre los proyectos que tenemos en puerta y de la “evolución” que han tenido aquellos en los que hemos trabajado por años, literalmente AÑOS. Habíamos hablado de lo mismo de siempre, lo único diferente era la música, hablamos hasta que escuchar esa frase me llevó lejos del lugar donde estaba. Y es que es cierto, TODOS deberíamos de ir a un concierto por lo menos una vez en la vida, sentir la emoción de esperar ansiosamente por el día del evento, ponerte tu camisa con el nombre de la banda, peinarte como Rockstar (en un concierto, todos somos rockstars, todos cantamos como si estuviéramos arriba del escenario), sentir las luminarias robóticas en tu rostro mientras bailas, abrazar a gente que no conoces, descubrir que tu voz está entonada cuando se mezcla junto con la de otros mil desentonados, olvidarte de que mañana vuelves a ser uno solo… TODOS deberíamos experimentar por lo menos una vez en la vida esa sensación de comunidad, de unidad entre desiguales. -Este cabrón está bien loco! ¿Como dices que se llaman?

Regreso de golpe a la reunión de “amigos” en la que estaba, y aunque no sé cuanto tiempo me ausenté, escucho en las bocinas una entrevista que hicimos hace poco para “El Showcast” (mi programa de radio). La banda invitada se llama Ases Falsos y, en efecto, Cristobal Briseño (vocal de la banda) está loco, loco en el sentido chido de la palabra, habla de contrabando y del aborto como en broma y se pasea felizmente por temas que muchos evitan cuando están siendo entrevistados. Hablamos de todo y nada, de la ilusión de venir a tocar a este país del que muchos quieren huir por la situación que atravesamos, de música, de la suya y la de Luis Miguel, hasta llegar a Juan Gabriel. Hablamos de poco y nos reímos de todo. Parte de lo mágico de ir a un concierto es descubrir bandas nuevas, llegar a tiempo a un festival o a un concierto y escuchar las propuestas que tal vez no conoces, pero que llevan tiempo trabajando para ganar su lugar en el escenario; la sensación de escuchar a una banda “nueva” en vivo que te vuele la cabeza, es igual o más gratificante que encontrar dinero olvidado en las bolsas de tu ropa. Ases Falsos viene en noviembre a nuestro país, y terminan su gira Internacional como banda principal en el ya MUY conocido festival All My Friends en Tijuana, a su paso tocan tierra en Distrito Federal y Toluca entre otras ciudades. Si no los conoces, o si quieres reírte un rato, escucha el resultado de una entrevista que nos da una buena idea de lo que nos espera en el momento que los chilenos pisen tierra Azteca.

*elShowcast es un programa de radio en vivo que se transmite los viernes a las 9:00 p.m a través del 104.3 fm. Radio Universidad de puerto Vallarta.

#BANDTOFOLLOW

CORONEL Mirna Torres // @MirnaTF

Foto cortesía de Coronel

Mes con mes trato de escuchar la mayor cantidad de bandas mexicanas posibles, se preguntarán ustedes ¿para que? Simplemente, para darle un pequeño espacio a aquellas que lo merecen. Hoy en día, las bandas en México han ido en crecimiento pues la gente se interesa más en escuchar lo que pasa a su alrededor..

Como Coronel, quienes nos cuentan que “ésta vez se han equivocado, pero está bien”… rock o no rock, al final lo que importa es la música que te hace bailar hasta el final. Iván y Juan Saénz son 2 hermanos regimontanos que mezclan rimas, pop, electro cobijado con mucha influencia francesa, logrando tener ese sonido particular gracias al “pop alternativo” proveniente de países como Francia y Australia, dando como resultado su primer EP homónimo en el 2011. Este material fue producido, mezclado y masterizado por Gil González (ex-Genitalica). Pasando a “Doble Diablo” su primera producción de larga duración podemos decir que es música para cualquier ocasión, letras, rimas, y un electropop mejor logrado, estilizado y cuidado por los hermanos Saénz en donde siempre encontrarás un sonido variado en cada canción de Coronel. Mi favorita: “Lo sé”.

GRACIAS LOU #URLFEATURES

Yiru // @yiruim

El último fin de semana de octubre, domingo por la mañana, desayuno con mi hermana y mi chica, preparando todo para las fiestas del mañana, mi hermana revisa su teléfono celular y dice “Murió Lou Reed” a lo que respondo “Que triste situación” muy a secas, muy frío, tal vez las tempranas horas o el hecho de que no llevaba despierto más de 20 minutos hizo que no pudiera procesar del todo bien la noticia que me habían dado; “murió Lou Reed”. 26

Al transcurrir el día, venían diferentes cosas en mente: los deberes de la semana que estaba por comenzar, el artículo que debía escribir, ensayos, ideas, nueva música, etcétera, pero había algo en particular que me despegaba un poco de la realidad y que a su vez era una espinita en el zapato que no tenía puta idea del método con la cual extraerla de mi pie, era eso, ese sentir raro, ese que sólo ocurre cuando la realidad te pasa la cuenta de forma indirecta, esa que hasta el día de hoy me tiene con un grado de tristeza, esa de que uno de mis grandes héroes de vida ha dejado de existir en este plano. No soy de esas personas mamonas que se hacen llamar a sí mismos melómanos y presumen de su infinita sabiduría en el ramo del rock & roll de todos los tiempos por el simple hecho de tragarme a diario el blog de Stereogum o de la NME, o peor tantito, de Pitchfork; eso sí, puedo presumir que en el lapso de mis 14-16 años tuve la revelación más cabrona que una persona puede tener, no hablo de la música, de un concierto, de una película, hablo de una experiencia de vida, en esos ayeres toda mi cabeza giraba en torno al skate, el punk y las malas calificaciones, en esos ayeres pasaba las tardes de verano viendo vídeos de la Flip, Element, Transworld y cualquier copia pirata que estuviera disponible en el Chopo o en la Lagunilla, los días sin Youtube valían mas la pena. Fue precisamente en uno de esos videos en el que tuve mi primer acercamiento a la música que había creado Lou Reed acompañado de un puñado de megos del sonido primitivo y elegante, fue ahí cuando escuché por primera vez “Venus in Furs”, fue cuando el tercer ojo se asoma para entender y desear conocer y crear sonidos, imágenes, acciones, movimiento, fue cuando inconscientemente The Velvet Underground se convirtió (y hasta la fecha) en mi banda favorita. Uno puede indagar en las biografías y los Wikis de miles de artistas, miles de bandas, pero eso resulta un poco inútil a no ser de que quieras ser uno de los blogs “especializados” que parecen monografías del rock, todos “compran” en la misma papelería, cortan y pegan, con una bonita foto del archivo de Google, esa idea en específico fue la que Lou Reed detestaba, fue lo que pisoteó cuando salió a la luz el Velvet Underground & Nico, fue a la que le escupió

a la cara con las guitarras de Sister Ray, fue lo que ahora todos quieren imitar de una manera amable; la belleza de lo retorcido, la belleza de escuchar “The Murder Mistery” con un ácido encima, la belleza de escuchar “Afterhours” y dedicarla al amor en turno, la belleza de un domingo por la mañana con resaca escuchando “Sunday Morning”. Y para que se den idea del peso que tuvo Lou Reed en la cultura popular mundial sólo entren a Youtube y descubran todos los tributos póstumos que le han hecho pesos pesados como Neil Young y Pearl Jam, hasta las más chafas y hypeadas del momento, el que más feo estuvo fue la versión de los Arctic Monkeys a Walk on the Walk Side, pero bueno, seguramente este texto le parezca un asco a muchas personas, o tal vez no. Es en estos días cuando sólo quiero escuchar discos de Velvet y de Lou, queriendo revivirlo en documentales, en actos en vivo, en donde también quiero imaginar que estoy en una realidad alterna y que un día tendré el enorme placer de ver en vivo, o de conocer el festival de All Tomorrows Parties y poder estrechar su mano en alguna genial aparición de este ser extraterrestre con una historia de vida excepcional. Tristemente, al momento de escribir éstas líneas caigo en cuenta que sólo quedará el recuerdo y la obra de este monstruo, irremplazable monstruo, este monstruo con un genio increíble, la leyenda que como toda leyenda nunca va a morir. Este no es un homenaje textual como todos los que he leído en estos días, esta es una crónica del vacío que deja en el mundo un genio, del vacío que deja en más de una generación un sólo ser humano, del vacío inexplicable que deja el héroe de un niño de 16 atrapado en el cuerpo de un vago de 25. Ésta es la crónica del vacío que se llenará con todo lo hermoso que creó Lewis Allen Reed. Por habernos creado, gracias Lou.

†

REFLEKTOR

#RECOMENDACIÓN DEL MES

ARCADE FIRE

Nayeli Díaz // @nayeli_yda Luego de una campaña publicitaria bien estructurada, basada en la imagen con el nombre de su nuevo álbum, una cuenta en Instagram con las fotos de los lugares en cuyas paredes, pisos y demás superficies aparecía esta imagen a modo de “stencil”, “grafitti” o “pinta”, una sitió web con un Teaser que anunciaba la proximidad de dicho material y demás estrategias para levantar las expectativas a cerca del cuarto álbum de estudio de la banda canadiense más versátil de la escena Indie Rock; Arcade Fire, lanza su disco Reflektor, con el cual no sólo vinieron a reafirmar por qué son una excelente banda con integrantes virtuosísimos, sino también por qué actualmente son la mejor banda de su país. He de señalar antes de comenzar de lleno con la reseña de Reflektor, que nunca he sido una fiel seguidora de la banda, sin embargo, me he dado la oportunidad de escucharlos en diferentes momentos, pues resulta que muchas de las personas que me rodean hablaban regularmente de Arcade Fire, la mayor parte de los comentarios que externaban siempre, no eran buenos, sino excelentes, y aún con estas referencias había algo que no me terminaba de convencer al oírlos (quizá al disco que más le entre fue The Suburbs”), pero lo anterior no me hacía pensar que fueran malos, pues siempre he reconocido que son de esas bandas llenas de entusiasmo y amor puro por la música,

perfeccionistas y dedicados. Es evidente que más allá de la fama y las banalidades a las cuales se enfrentan todas las bandas famosas y no tan famosas, Arcade Fire hace lo que hace porque les apasiona hacerlo y punto. Me dispuse a escuchar Reflektor, cuando poco tiempo atrás había oído su primer sencillo bajo el mismo nombre del álbum, entonces pensé “James Murphy impregnó a Arcade Fire de esa atmosfera rítmica ideal para las pistas de baile, dejó su sello muy al estilo LCD Soudsystem dirigiendo a la banda hacía un universo electrizante” pero yo me quedaba corta con esa descripción; al escuchar Reflektor pude comprender cuan equivocada estaba, ya que si bien es un material muy distinto a los tres anteriores, y en muchos temas incita a mover los pies e incluso levantarte a bailar, no todo el disco sigue esta línea, pues la banda liderada por el matrimonio de multiinstrumentistas, Win Butler y Régine Chassagne experimentó en sonidos tan distintos y tan diversos entre sí, que dieron como resultado la síntesis todo el esfuerzo y aprendizaje a lo largo de su carrera, enriquecida por todo lo que han podido escuchar, ver, sentir y percibir. Canciones que disparan ritmos entre la música disco, el rock progresivo, el punk rock, la música electrónica, el ska y hasta el pop en su sentido más puro y rico, regalando flashbacks de sonidos que rosan canciones de los “Talking Heads”,

“The Clash”, “David Bowie” y el mismo “James Murphy” dentro su banda, todo lo anterior sin perder el sello que los identificó discos atrás, es decir, lograron lo que pocos han hecho, conciliar su sonido característico por la pulcritud y fineza del mismo, con sus influencias basadas en diferentes estilos e inquietudes convertidas en ritmos que fueron ensamblados armónicamente en un disco doble llamado Reflektor. En cuanto a las líricas puedo decir que a pesar de que el sonido es más alegre, fluido y enérgico… las letras resultan un tanto oscuras por las temáticas de desolación y desilusión que aborda en algunos de sus temas creando la dicotomía bastante atractiva para el escucha. Quizá los puristas podrán decir que dieron un cambio radical tratando de entrarle por el lado de la mercadotecnia al público, que perdiendo su esencia, que dieron un mal paso y fracasaron en el intento por cambiar, etc. Pero yo considero que no sólo acertaron al dar este paso, también se arriesgaron y experimentaron con las influencias que tenían de la música haitiana (gracias a que los padres de Régine Chassagne, quiénes durante la dictadura del Papa Doc huyeron a Haití y de ahí el descubrimiento de otros estilos y sonidos tan variados) africana, canadiense y estadounidense sin defraudarse a sí mismos, pues fueron fieles a sus

impulsos, dejando que estos guiaran sus sentidos hacia una madurez musical. Después de haberlo escuchado por primera vez, no dejé de hacerlo. Por fin logró atraparme un disco completo de Arcade Fire, por fin logré sentir que todo embonaba perfectamente y me hacía repetir el álbum entero sin hartazgo, por primera vez sentí –con esta banda- que era casi una obligación darle una revisada con mayor atención a sus antecesoras producciones para entender por completo Reflektor y la riqueza del mismo. Considero que para que un disco cumpla su cometido tiene que estimular en los escuchas sensaciones que provoquen la apropiación y se dé una reinterpretación personal a su música, yo siento que estos músicos lo hicieron con su más reciente producción. Reflektor es, en pocas palabras, un material excitante que viene a consolidarlos como una de las mejores bandas a nivel internacional, que dominan casi cualquier sonido sin perder el estilo.

ROMANTISÍSMICO BABASÓNICOS

LOUD LIKE LOVE PLACEBO

David Ovando//@Ovandoous

Iveth Laguna //@trixivie

Uno más y la creatividad no ha desaparecido. Romantisísmico es el décimo primer disco de los Babas, banda cuya carrera ha formado parte de los soundtracks en la vida de millones de personas. Ahora regresan al sello discográfico Sony, casa de muchos para trabajar con los habituales en la parte técnica, Phill Brown en la mezcla, en la grabación Gustavo Iglesias y Adrew Weiss y Babasónicos en la producción del mismo.

Loud like Love comienza con guitarras y bajo incorporando lentamente la batería y la voz de Molko en un primer track homónimo sucesor de Battle for the sun (2009), y el EP B3 (2012) de Placebo quienes continuan con su angustia, no tan adolescente pero todavía relacionable para sus escuchas.

¿A qué suena lo nuevo? Babasónicos es una banda que implementa ciertos riesgos en cada disco, no adhiriéndose a una nueva tendencia musical pero en cuanto los roles de los integrantes al interior sí, aunque el resultado en términos musicales no sea notorio. Romantisísmico es un álbum múltiple dentro de la monotonía de la banda. “La Lanza” es la rola que abre el disco y tal vez sea la canción más digerible, seguido viene “Aduana de Palabras” cuyo coro y frase principal resulta sabia y grandilocuente. Guitarras densas y letras desvergonzadas, faceta nada ajena a los porteños, eso es “El Baile de Odín” La canción progresiva se planta en “Humo” cuya guitarra final gana protagonismo volviéndola arrebatada, la vorágine dentro de la calma, pues el disco bien se puede dividir en una parte activa y para el final viene la parte pasiva, fiel reflejo de una banda detonante.

Son una de las pocas bandas noventeras todavía vigentes y relevantes, ahora con canciones que incorporan lo que hoy en día se ha vuelto en la manera más rápida, no por ello efectiva, para comunicarnos: las redes sociales. Lo vemos en todo relacionado con el primer sencillo “Too many friends”, desde la letra hasta el video realizado con CGI, al estilo SIMS. Destaca dos canciones: “Hold on to me”, muy cerca de ser una balada, suplicante pero tranquila y con la voz profunda de Brian Molko. “Exit wounds” desde el inicio con ese tono musical que suena familiar pero no alcanzamos a reconocer del todo y la letra más sufrida de todo el disco. No queda duda que Placebo ha encontrado el balance ideal para que cada producción discográfica, aportando algo nuevo al mismo tiempo que recuerda, levemente, a los anteriores.

PROGRAMATON ZOÉ

CHANGING OF SEASONS

Samuel Nava // @stupidtobegin

Selene Victores // @selene_vic_su

Luego de estar inmiscuidos en diferentes proyec-

Two Door Cinema Club llega después de un año de “Bacon” su anterior trabajo el cual tuvo mucho potencial con ritmos de guitarras digitales, funk y hasta toques de jazz. Y es con este EP que los volvemos a oir, compuesto de 3 nuevos temas y un remix de su ya sencillo “Changing of The seasons” nombre de esta última placa.

tos (solistas y grupales) resulta interesante escuchar lo que trae bajo el brazo una de las bandas más importantes de Latinoamérica (nos guste o no, así es) con este, su último material inédito en cinco años. Puedo decir que entre lo que esperaba era, tal vez, nuevas formas de concebir el sonido e incluso la instrumentalización, luego de lo presentado en Música Libre. Pero no. Se vuelve a la misma fórmula, una fórmula que parece seguir gustando, al menos a los fans. Rodeados de detractores, muchos relacionan este material con el álbum solista de León Larregui. Imposible no hacer la comparación. Si bien las letras llevan la misma temática (amores cósmicos y demás), son letras típicas de la banda. ¿Y quién creen que se encarga de la lírica? Sí, León Larregui. Por otro lado, la parte musical es más contrastante, pues en el álbum solista se trabajó con un sonido un tanto más orgánico y hasta “clásico”, acá se da protagonismo a las átmosferas creadas en base a los sintetizadores. Y es así como el disco abre con “10 AM” primer sencillo y uno de los temas más destacados, quizá porque se escucha en menor medida la línea melódica que después se vuelve constante. Junto a “Cámara lenta”, “Arrullo de Estrellas” y “Game Over Shangai”, son lo más destacado del disco, que se caracteriza por las átmosferas melancólicas y por momentos psicodélicas.

TDCC

Esta banda irlandesa toma la ayuda del DJ Monsier Adi para realizar el remix de ’”Changing of The seasons” tanto el tema normal como remix, son canciones bailables acompañado de sintetizadores y guitarras con mucho movimiento, lo mismo sucede con el tema “Goldein Veins” un tema con ritmo bailable así como coro repetitivo. Finalmente un tema muy simple “Crystal” balada donde lo más sobresaliente es la voz de Alex Trimble que no sólo la letra sino el sonido también genera un poco de depresión. La pregunta de este último trabajo es si estos cuatro temas eran una urgencia de lanzamiento, ya que estos músicos se caracterizan por tener buenas propuestas, presentaciones y composiciones dentro de su trayectoria musical, así que esperemos en su próximo no nos den una sorpresa de otro EP con sólo 3 propuestas musicales.

DAYS ARE GONE HAIM

DEAD LANGUAGE THE FLATLINERS

Alfonso Saldaña // @poooonch

El Jimmy Lurias

Es un grupo formado originalmente en 2006 en Los Ángeles, Californiay que en el 2012 decidieran conquistar el medio musical. La banda está formada por las hermanas Este Haim, Danielle Haim y Alana Haim, acompañadas por el baterista Dash Hutton.

La evolución de The Flatliners desde sus inicios en el ska -punk exuberante, pero muy verde para un poderoso punk, ha sido toda una experiencia divertida de oír. “Cavalcade” de 2010 tenía todas las características de los amantes del género que busca guitarras ruidosas, estribillos melódicos himnos y letras introspectivas. Las letras eran mucho más que simples notas sobre estar borracho y triste, la musicalidad era mucho más que eso, las canciones tenían un aire atractivo de identificación personal.

Para este 2013 llegaron con su primer álbum de estudio titulado “Days Are Gone”. Las hermanas Haim, nos entregan una una propuesta bastante fresca, con estilos y ritmos ochenteros, del género indie-pop, con unos toques de R&B muy contemporáneos. Es un disco en el que incluyen 11 tracks, donde en cada uno podemos notar esa mezcla ochentera y mostrando sus habilidades de cada una de ellas en varios de los instrumentos. Aunque desde el 2012 ya sonaban en la radio fue hasta este año que decidieron lanzar el álbum completo. Su primer sencillo “The Wire” es un track bastante digerible, expresando ese toque particular con dulces voces y ritmos que de alguna manera no pueden pasar desapercibidos sin que intentes mover alguna extremidad de tu cuerpo. Podemos clasificar a este disco dentro de las promesas musicales pero sin llegar a ser uno de los mejores que he escuchado. En su corta carrera han logrado irse colando entre la crema y nata de la música del viejo mundo, fueron consideradas por la revista británica NME como una de las promesas musicales a seguir durante el 2013.

Dead Language es un disco mucho más directo hasta el momento. Con la excepción de no poseer el factor sorpresa que Cavalcade hizo en el momento de su lanzamiento, aun así, es un muy buen disco que en todo caso, muestra una banda finalmente cómoda en su propio sonido. Dead Language contiene una parte justa de las joyas que seguramente se convertirán en alimentos básicos en vivo en los próximos años. El track abridor “ Resuscitation of the Year “, cuenta con un montón de rápidos tambores, guitarras fogosas y frescas con una voz divertida. “Drown in Blood” quizás es la mejor interpretación vocal de Chris Cresswell en el álbum, acompañada de su voz gruñendo alrededor y dentro de un excelente coro de la canción , la armonía comienza a recuperarse en los tracks “ Hounds” y “ Caskets Full “. Seguido de esto toca el turno de “ Quitters “, que a las 2:04 provoca una sensación de estar entre demasiada gente debido a todos sus cambios de ritmo y percusión salvajes. Las 13 canciones y 40 minutos en Dead Language “ genera una ligera duda ya que no es suficiente para quitarle lo que es un registro de punk completamente sólido. Por primera vez en sus 11 años como banda, The Flatliners parecen cómodos. Esta es su banda, y este es su mejor sonido.

LIGHTNING BOLT PEARL JAM

Eduardo Camacho // @edd_aCamacho Al 2013 –año musicalmente muy productivo y prolífico- no le caía mal un nuevo álbum del quinteto de Seattle, por lo que éste reapareció para entregar nueva placa tras 4 años de espera. Y bien, con Pearl Jam y su Lightning Bolt existe un dejo de incompletud, que no obstante trae consigo una vibra de satisfacción y de madurez. La banda liderada por Eddie Vedder no ha conseguido durante los últimos años encontrar un vuelco en su sonido que los sitúe en un renovado camino, sin embargo, no deja de sentirse bien que se les perciba tan cómodos como en esta producción. La desenfadada y poderosa canción que abre el disco, “Getaway”, lo sentencia: But I found my place and it’s alright, I got my own way to believe. Pearl Jam se deshizo de la necesidad de satisfacer expectativas y se ha dedicado a hacer canciones honestas pisando fuerte y confiadamente. Lightning Bolt comienza potentemente y así continúa al llegar “Mind your Manners” con luces que claramente recuerdan a “Spin the Black Circle”, como se ha mencionado desde su aparición como sencillo. Tras la ira de un hombre por ser justamente el hijo de su padre en “My Father’s Son”, llega una power ballad que será coreada en los siempre diversos conciertos del quinteto.

El intermedio tiene dos de las más grandes piezas del álbum: “Infallible”, en la que la banda asume humildemente su condición humana, y “Pendulum” -ambas provistas por Stone Gossard y Jeff Ament- para dar paso a un cierre muy americano, con “Swallowed Whole” y “Let the Records Play”, que coquetea con el country/blues del sur de la unión americana. Las últimas 3 canciones representan la parte más suave del disco, con “Sleeping By Myself” traída por Vedder desde su Ukelele Songs, una “Yellow Moon”, que brinda tintes de psicodelia espiritual, y “Future Days”, pieza cursi que confirma que Pearl Jam está alegre sea cual sea su porvenir. En definitiva, los de Seattle no son los mismos del Ten, del Vs, ni siquiera del Binaural, y con Lightning Bolt dejan en claro que necesitan exprimir sus bastas influencias para darle vuelta a su música, sin embargo, creen en ellos mismos y sin medianías siguen entregando producciones genuinamente propias que los mantiene como uno de los más importantes portavoces del rock and roll de los Estados Unidos.

MECHANICAL BULL KINGS OF LEON

Shanick Barker //@shanickbarker Los Followill lanzan su 6ta producción que lleva por nombre Mechanical Bull. En un inicio, cuando se dio a conocer su lanzamiento, se dijo que este disco tendría un sonido como el de los inicios de Kings Of Leon, una esencia muy parecida a la de Youth & Young Manhood y Aha Shake Heartbreak, y con eso, este disco se volvió, al menos para mí, de los más esperados en este segundo semestre del año. Las expectativas hacía este disco eran altas y el regreso de la esencia original de este grupo originario de Tenessee era algo un tanto emocionante (en especial a los que no son gustosos de su gran éxito “Sex On Fire”). Mechanical Bull es el punto medio entre KOL antes y KOL después, partiendo desde “Only By The Night”. Un disco donde Caleb y compañía regresan a demostrar sus raíces, ese rock garage con el que se dieron a conocer y del que todos éramos fanáticos pero sin salirse de lo que son ahora, ese rock pop que hizo que salieran en todas las estaciones de radio habidas y por haber. Quizá esa combinación no suene bien, pero al escuchar estos 11 temas, esa opinión cambia. La canción que nos da la bienvenida es “Supersoaker”, en esta canción claramente se ve que ya no están tan apegados, es un buen inicio para lo que pretenden demostrar. “Rock City” es el segundo track que al escucharla se puede sentir esa esencia sureña donde esos mismos Followill con largas cabelleras que cantaban muy a su estilo, hacen un rock disfrutable.

“Beautiful War” es la canción tranquila, una canción muy bien elaborada y más complicada que no se asemeja a las baladas que tocaron en sus 2 discos anteriores. “Temple” es la parte pop rock del disco, un coro repetitivo y pegajoso, música nada complicada al igual que la letra, algo que ellos vienen haciendo desde el 2008. Pero lo mejor de todo el disco es “Family Tree”, es las canción que más se apega a lo antaño y que saca a relucir esas guitarras estruendosas, esas que hacen movernos; cuenta con un bajo constante y la voz característica de Caleb, algo que te deja con una sensación muy buena y entrañable, que al terminar de escucharla, deseas probar más. Mechanical Bull es un material medio; es malo porque las expectativas eran altas, todos pensábamos que iban a regresar completamente con el rock sureño, con el sello que ellos dejaban en sus primeros discos, y lo hicieron, pero no del todo, es sólo una pequeña parte de lo que alguna vez llegaron a hacer. Pero es bueno porque Kings Of Leon está dejando ese pop rock y se está concentrando en regresar a sus raíces, al sonido original que todos (o la mayoría) queremos regresar a escuchar y es algo que se agradece.

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