URL Magazine Junio 2014

E Q U I P O

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CONTENIDOS FEATURES Acidandali

El canto del Cuco

No es fácil describir el sonido de Acidandali, hay quienes lo definen como post-rock, otros como si fuese música incidental dentro de una película surrealista y algunos más como simple y sencillamente música autentica.

Pocas mujeres son tan conocidas y tan ricas como J.K. Rowlings, inglesa a la cual le debemos la serie de Harry Potter. Pues bien, la escritora ha tratado de desmarcarse del mundo escrita bajo el pseudónimo de Robert Galbriath.

Guadalupe Plata

The Paints of Being

<<No es un secreto que vivimos tiempos en los que algunas raíces musicales emergen y son expresadas no sólo en ella sino hasta en las fórmulas de acción, distribución, adquisición (la renovada simpatía por el vinil, el involucramiento autogestivo de producir un álbum, etc.) de la misma.>>

Este artículo, mas que ser mi acostumbrado artículo de ruquichavo que no entiende lo que pasa en el mainstream y no entiende como una gran parte de las generaciones contemporáneas cree que el rock es mas pose y moda que sentimiento, huevos y resistencia; este es un espacio que decidí abrir a diferentes personas que rondan el circulo

BAND TO FOLLOW

ENCORE Nosie Afair

Deer Murray

Es un sello discográfico enfocado a dar espacios a sonidos difíciles de categorizar, no sólo para compartirlos con la gente, sino también entre bandas. . .

Deer Murray es una banda que incluye una mezcal entre Canadá y México, por cierto, nombrada así por el actor Bill Murray, regresa con un cambio de vocalista: Jazz Leyva, junto a Omar y Alberto Estévez

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NOISE AFFAIR Es un sello discográfico enfocado a dar espacios a sonidos difíciles de categorizar, no sólo para compartirlos con la gente, sino también entre bandas.

Eso es Noise Affair, creatividad y trabajo en conjunto, que es lo que ha logrado dar a conocer este gran proyecto que tiene como fin permitir que las bandas sean descubiertas y apreciadas por un público nuevo.

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EL SONIDO ILUSTRADO DE NOISE AFFAIR Es un sello discográfico enfocado a dar espacios a sonidos difíciles de categorizar, no sólo para compartirlos con la gente, sino también entre bandas.

Texto Mariana Gámez @ m_a_y_ I Imagenes Felipe Gutiérres @FeliGutierres

Eso es Noise Affair, creatividad y trabajo en conjunto, que es lo que ha logrado dar a conocer este gran proyecto que tiene como fin permitir que las bandas sean descubiertas y apreciadas por un público nuevo. Este proyecto está conformado por Acidandali, AUXVJ, My Black Heart Machine, Muuk, Plasma Zero y Talks in Math.

En está ocasión platiqué con Camilo Montenegro (My Black Heart) Eduardo Palacio, Jonathan Arellano y Muuk sobre este interesante proyecto. ¿Cómo comenzó el proyecto de Noise Affair?

Comenzamos hace aproximadamente 9 meses y cada grupo llegó al proyecto de manera distinta. Muuk llegó por un amigo que recomendó a una banda que quisiera colaborar en conjunto y sin pensarlo los recomendó. A Eduardo lo recomendó un amigo que le hizo video a una de sus piezas. Al principio, Noise Affair era colectivo para promover la música y luego salió la idea del documental y la pieza, sería interesante grabarlo y que eso diera lugar a comenzar otra etapa en la que surgió Plasma Zero. Con Jonathan Arellano sucedió de otra

manera, un día estábamos sentados comentando sobre hacer cosas nuevas, hacer una galería de arte o nuevos proyectos y gracias a eso entró a colaborar con Noise Affair.

Para Muuk fue diferente comienzo, teníamos unos demos que habíamos subido a Soundcloud y teníamos muchas ganas de tocar en vivo, pero no conseguíamos tocadas. Era chistoso porque habíamos tocado en varios colectivos en los que había mucho Punk, mucho Hardcore y nos dimos cuenta que Muuk no encajaba.

Camilo se acercó a nosotros para entrar al proyecto de Noise Affair, para abrir este canal y en conjunto picar piedra.

Ha sido un cambio constante para este proyecto, hace 9 meses no esperábamos estar aquí platicando sobre un documental o teniendo una entrevista. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en Noise Affair?

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#URLaño4 Está increíble que se vayan abriendo nuevos canales para dar a conocer la música, a todas las bandas nos ha ayudado y esto va a ayudar a dar pie a otras cosas más grandes. No hay movimientos del tipo experimental, te sientes rezagado pero con Noise affair todos somos “feitos” y somos una hermandad.

recursos. La mayoría hemos estudiado música, pero no por eso la música no está hecha con el corazón y a veces cuesta trabajo pasar de la mente al cuerpo, llevar tu cabeza y cuerpo al límite. En Muuk llegué a hacer texturas, hago bases, pero esta onda de alguien que está pintando.

Todos tenemos esa energía y las ganas para hacer algo, al mismo tiempo han pasado cosas en conjunto que también han impactado en la grabación del disco de Muuk.

Luis Muuk: Yo estudiaba composición y estaba acostumbrado a otras formas, con Muuk fue muy cagado porque las rolas las comenzamos nosotros y luego agregamos otras piezas. En la banda toco libremente y no hago cosas controladas, sólo hecho desmadre con la guitarra, meto pedales y eso lo hace parte de mi proceso. Con Plasma Zero es más de feeling, la pieza ya estaba hecha y yo me incorporaba con lo que Eduardo ya había hecho y conecto perfecto con las ideas que ya tenía.

¿En qué ha favorecido estar en Noise Affair?

Muuk: Uno como banda, llega a un cierto grupo y no perteneces ahí ya que no suenas similar a ellas, sientes que no encajas y por eso no te invitan a tocar. Lo satisfactorio como colectivo es que hay gente en la escena que está en el mismo canal y lo único que falta es unir las piezas, esa es la parte buena. Lo padre del proyecto es que las bandas somos similar en esencia experimental, pero si nos escuchas por separado no sonamos a lo mismo y cada una le aporta algo diferente.

Camilo: Hay muchos colectivos y lo que nos hace diferente es la conexión entre músicos dispuesto a hacer cosas diferentes, por eso existe Plasma Zero que es agarrar músicos de diferentes proyectos para armar un ente aparte, que es una característica que no ubico en otros colectivos.

Eduardo: Plasma Zero nació con Noise Affair, no existía la banda y cuando Camilo me habló dije estaría buenísimo, junto a Luis y Jonathan y salió esto. Lo que le he ha dado fuerza es permitir estar tocando constantemente y le da la fuerza a las bandas.

Lo bueno de todo esto es que se abrió un camino, no sabemos a dónde, al subsuelo de los chinos –risas- es como una bola de nieve que se va haciendo más grande. ¿Cómo viven el proceso creativo en su vida personal?

Azael Muuk: Tengo otras bandas y lo que hacía era buscar ese sonido propio, comencé con Muuk y ahí somos técnicos y la creatividad técnica, es utilizar los

Emiliano Muuk: En mi caso es que vengo de una familia de artística, por lo que mi impulso creativo es nato, me cuesta trabajo que alguien no se despierte a las 4am a tocar la guitarra, en mi caso es normal. En Muuk todo el tiempo estamos trabajando muy libre, no me preocupo por si algo no suena bien o si mi bajo está saturado, no me importa y eso hace que funcione.

Juan Muuk: Dentro del proceso creativo, yo no estudie música, a mí me gustaba la música electrónica los beats y sin instrucción no te sale nada concreto. Conforme fue pasando el tiempo y la influencia de mis hermanos mayores, me di cuenta que si no podía darle a los beats electrónicos podía darle al trihopera, más ambiental.

Le enseñe mi proyecto a Luis y me comento “quedaría bien chido una lira” y ya después entro Emiliano y luego Azael En Muuk hay una conexión creativa muy chida entre nosotros, eso hace que todo fluya muy cabrón.

Jonathan Arellano: Estoy con Plasma Zero y AUXVJ tengo una formación de jazz y luego clásico, y ahora en experimental. Tengo muchas formas de componer, depende de la banda, normalmente en piano o guitarra, en saxofón no sé por qué, pero me cuesta trabajo pensar en melodías, siempre pienso en referencias espaciales. Mi forma de crear es en piano ahí me permite una búsqueda en el instrumento muy diferente. Me gusta que el instrumento sea suficiente para crear atmosferas e historias.

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#URLaño4 En mi composición a través de los géneros, busco tratar de buscar un común denominador y siempre deben tener una introducción, tensión y desenlace. Lo bello de tener una banda en vivo que te ayuda y te fortalece, la banda te ayuda si te equivocas y mi forma de crear siempre es tratando de hacer una historia. ¿Qué es más fácil para ustedes, poner una imagen a su sonido o un sonido a una imagen?

Eduardo: He partido de las dos puntos y con Plasma Zero no hubo ninguna imagen, pero ya que está hecha la música, es una música que invita a que haya una imagen que este como narrando la música, se busca tener visuales. Cuando escucho esa música si veo muchas cosas que tendrían que estar conectadas.

Camilo: A mí su música la conocí en un video y es difícil imaginarme sin una imagen. Dentro de Plasma Zero, los 3 coinciden en que componen piezas y coinciden en que quieren desarrollar cosas más complejas que te cuenten una situación.

Eduardo: Por ejemplo, la pieza del Oceano es una pieza larga y Camilo me obligo – risas- en sí el grupo no tenía nombre y cuando escuche la canción la imagen que me vino fue del mar, es una rola que tiene un movimiento muy particular, de pronto está muy calmado y luego muy rápido y luego muy calmado, con un vaivén. Pensé el nombre en francés y la pieza se llama L’oc1, que es una grabación muy especial, porque es una historia sonora.

Jonathan: En el caso similar a Luis, en Plasma Zero me integre hace poco y para mi experiencia es más fácil hacer música sobre la imagen, la imagen ya tiene un ritmo marcado por la vida misma y la música tú la riges. En mi experiencia he musicalizado cortometrajes y cuando hago sonidos sobre la música y al contrario la música tiene una rítmica. En Plasma Zero tiene esos espacios que aunque no tiene imagen, tiene una profundidad visual. Tú puedes cerrar los ojos en un concierto de Plasma Zero y la mente te da cabida para muchas imágenes, piezas de 15 minutos que no tienen una estructura. ¿Cómo están viviendo el boom de las redes sociales con su música?

Camilo: Estoy en una disyuntiva porque no sé la postura se pueda tomar.

El rock es una minoría en el país y menos el rock experimental. En redes sociales en ese contexto corres el riesgo que se puede tomar que tienes 10 o 20 seguidores y pensar que hiciste algo o que la canción la escucharon 20 veces o 100 veces. Por un lado te distorsiona la realidad, porque como que es satisfacción inmediata, basada en vanidad y ego. También tienes 20 likes en una foto y luego quieres 25 likes, pero ¿qué estás logrando en realidad?

Por otro lado, sería imposible difundir el documental, editarlo, darlo a conocer.

Azael: Hay que saber usar las herramientas, por ejemplo yo uso Youtube, subía los videos no pensando en ser famoso, si no para saber cómo usarlas. En Instagram, los hashtags y quizá puedo discrepar en los contactos, pero las redes sociales es un arma de doble filo.

Tienes que ser muy inteligente en esto y por fortuna todas mis conexiones se han movido por redes sociales, pero tienes que darle al clavo. Tienes que saber venderte y jugar el juego de una manera sabia.

Como músico eres un producto y te tienes que vender, esto no es nuevo.

En mi página quiero que la gente se entere de lo que hago, proyectos y que doy clases de batería, y es darle esa otra parte que a veces se nos olvidan. Es como subir una foto a Instagram y no poner de qué se trata.

Juan: Se complementan los eventos con algo físico. A los eventos que organizo la mayoría de los asistentes es porque tú quieres ir, generalmente les entrego un flyer que voy a repartir a La Lagunilla.

Jonathan: En mi caso es ir a repartir flyers al Chopo, preventas o usar otros métodos. Usar el punk rock y jalar a la gente. Facebook es un empuje, visión diferente que sirve para contactos, pero no dejamos de existir como personas aunque tengamos nuestros perfiles.

Hay que utilizar los métodos de la tecnología, pero no dejar el 1x1 y la música es 1x1 aunque veas un streaming nunca se compara con chelear con la gente o estar crudo en un concierto.

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#URLaño4 ¿Cuál es el problema por lo que las bandas no son conocidas?

Jonathan: Voy a citar una frase de Woody Allen “El 10% es talento el 90% son contacto.” Toda música debe tener una razón u objetivo, aunque tiene mucho que ver la suerte. Puedes tener el proyecto más chido, pero la suerte siempre será un volado.

Azael: A las bandas no les dicen que son un producto y tienen que saber venderse. Eso está pasando con Noise Affair, estamos haciendo el trabajo bien.

Camilo: Cuando eres más chavo y agarras una guitarra por primera vez, no te das cuenta del trabajo administrativo de llamadas, correo, organización de calendarios o logística, es lo último que te imaginas y es un trabajo muy fuerte. Se necesita incentivos que también las bandas u organizadores no hacen. ¿Cómo fue el proceso de la rola colectiva?

Jonathan: Te respondo primero porque fui el último en grabar. Para mí fue muy cómodo porque ser saxofonista siempre hay un espacio más grande. Había 2 bateristas, proponiendo cosas una amalgama de sonidos y creo que salió un gran experimento.

Luis Muuk: Fue incierto porque para nosotros cuando grabamos fue ver qué sale y el resultado fue sorpresivo y aunque la rola no se escucha tan rara, sí improvisamos.

Eduardo: Despertaba mucha curiosidad, ya estando ahí era incierto e inquietante, no sabía qué iba a pasar. Todos estamos muy contentos.

Plasma Zero: Tenemos fechas en Junio.

AUXVJ: En junio estrenamos un trabajo conjunto que hice con un artístico plástico que se llama Ramsés Olalla. Fue el primer jam visual sonoro que grabé en la galería Alfredo Ginocchio el documental y el proceso en el que musicalicé un cuadro del artista a mediados de junio.

También el documental se va a presentar en julio un festival organizado por el festival Macabro llamado Festival Internacional de Música en el Cine y pidieron el documental para la gira.

My Black Heart Machine toca el 14 de junio en el Foro 246.

Seguimos haciendo ruido y haciendo colaboraciones en distintas bandas.

Esta es una gran prueba de cuando el sonido, la cola boración y el talento se reúnen en un solo lugar para dar pie a un sonido explosivo y único. En lo personal fue muy reconfortante escuchar como si se trabaja en equipo pueden llegar a hacer piezas únicas.

Fue una gran entrevista y no me queda más que agradecerles a todos ellos.

Para seguir el proyecto pueden hacerlo en distintos medios: http://flavors.me/noiseaffair Youtube: Noise Affair Twitter: @noiseaffai Facebook: www.facebook.com/noisepopaffair

Camilo: Del lado de producción también fue incierto, porque teníamos horas de capas y teníamos que darle una narrativa. También teníamos el problema de ser justo con todas las bandas, quizá en la estructura de la canción no van ciertas cosas. Si para las bandas fue incierto, del lado de producción fue mucho más. ¿Cuáles son próximas fechas?

Muuk: En Julio estrenamos el disco entero que ya podrán escuchar.

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EL CANTO DEL CUCO Texto Fernando Castillo @bajomispies I Imagenes Archivo

Pocas mujeres son tan conocidas y tan ricas como J.K. Rowlings, inglesa a la cual le debemos la serie de Harry Potter. Pues bien, la escritora ha tratado de desmarcarse del mundo mágico de Hogwarts en dos ocasiones: Una vacante imprevista (un fracaso editorial y un plomo para lectores como yo) y más recientemente El canto del cu-cu, escrita bajo el pseudónimo de Robert Galbriath.

Esta última cuenta los pormenores de la investigación que el detective privado Cormoran Strike hace sobre el aparente suicidio de una súper modelo londinense, en una trama en la que a ratos todos los personajes resultan sospechosos (característica intrínseca de la novela policiaca) y en la que sin embargo se repiten fórmulas gastadas que hasta en Scooby-Doo hemos visto.

Veladamente Rowlings hace una crítica a la vorágine de la fama, a la frivolidad de la clase acomodada de Londres y a la presión a la que son sometidos los personajes públicos por parte de los medios para alimentar a esa fiera insaciable llamada sociedad.

Sin embargo la obra carece de estridencia y a pesar de que la autora se permite utilizar un lenguaje más libre es escándalo que uno quizá esperaría hallar para

establecer con claridad el antes y el después de Harry Potter; como si la escritora quisiera soltar y a la mera hora se arrepintiera.

En un ardid de su editorial o de ella misma, la novela fue publicada con mucho sigilo recopilando buenas críticas para ser la primera obra de Robert Galbriath, pero la buena prensa duró poco al revelarse a la autora detrás del pseudónimo y tasarla contra el resto de su obra.

No es posible pensar en J.K. Rowlings como en un one hit wonder pero este experimento en mi opinión no hace una diferencia y tal vez lo que uno esperaría de ella es más fantasía, aunque sea ambientada en otro tipo de contexto totalmente diferente. Stephen King, Michael Crichton y otros escriben de muchos temas pero sin abandonar un denominador común que hace que los lectores sepamos que están ahí entre las letras.

No se trata de inventar el agua tibia.

No todo es malo sin embargo: la secretaria de Strike es alguien a quien quisiera conocer…

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ACIDANDALI #URLINTERVIEW

No es fácil describir el sonido de Acidandali, hay quienes lo definen como post-rock, otros como si fuese música incidental dentro de una película surrealista y algunos más como simple y sencillamente música autentica.

Texto Mariel Argüello @mnphnc_grrrl Fotografía Cortesía de Acidandali

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Recién tuvimos una plática “virtual” con AleNoize, Poli Random y Yiruim Riot donde nos despejaron las dudas acerca del nombre, con quienes se sienten identificados, que hace tan distintivo a Acidandali de las demás bandas y qué cambiarían de la industria musical si estuviese en sus manos.

¿De donde se origina el nombre de Acidandali?

Poly: Ácidos y Dalí: Es un juego de palabras relacionadas al surrealismo y la percepción alterada Algo similar a lo que relacionamos con el sonido de la banda.

Yiru: De que no teníamos idea de como le íbamos a poner, un día estando en una fiesta solo se me ocurrió la combinación de lo que estábamos creando, no sonaba a algo que hubiéramos premeditado, entonces solo surgieron los conceptos de ácidos y Dalí, es en realidad un juego de palabras muy absurdo o sencillo, pero con el tiempo ha obtenido un significado hermoso para lo que creamos y para la evolución de la banda.

Poly: Experimentar más con diferentes sonidos, no limitarse a lo que ya existe, sino jugar con los colores y las texturas tan Ricas que la música puede ofrecer a uno como creador.

Nunca tener miedo a sus propios intrumentos.

Inventarse y reinventarse.

Ale: Considero les hace falta respeto, respeto hacia el público tanto para ofrecer un sonido y eventos buenos como con los horarios. Lamentablemente nuestra escena está llena de impuntualidades con eventos que empiezan tarde y no se les ve final, covers caros con bandas malonas. Pero lo que más le falta a la escena es humildad, hay gente que se clava muy pesado en su papel de rockstar, si tienes un talento es para que lo explotes no para que te mamones.

Yiru: Hacer lo que quieren hacer y no hacer lo ¿Que es lo que le hace falta a la escena actual que los demás quieren, ya me harté de tantas de músicos en México? bandas que suenan en el radio y son todas igual, los proyectos monótonos, la soberbia de la United Rock League / 18

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gente sin nada que decir, creo que la gran mayoría de la escena que ronda el mainstream son solo copias al carbón de conceptos muy aburridos, si me preguntas la salvación y redención de la música nacional se encuentra en la escena de abajo, el under. ¿Con quienes se identifican o a quienes consideran como influencia para la banda (ya sea musicales, literarias y visuales)?

Yiru: Infinidad, creo que como banda estamos influenciados no solo por lo que escuchamos, mas que nada es por lo que todos los días nos rodea, el compartir discos, ideas, todo influye en la manera en el que salen las cosas, personalmente yo empecé a hacer música al escuchar la cancion de ‘Seven nation army’ de The White Stripes y cuando escuché a The Velvet Underground me volaron la cabeza, y así, poco a poco me fui empapando y seleccionando que era lo que mas me motivaba y movía para querer crear.

Poly: Como influencia clara para los tres tenemos a Blonde Redhead.

Personalmente me inspiran los textos creacionistas y cualquier cosa que logre transportarme. Visualmente los paisajes, los bosques, los desiertos, la soledad, los sueños bastante raros que suelo tener. El sonido fragmentado, los objetos...

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<< Hacer lo que quieren hacer y no hacer lo que los demás quieren, ya me harté de tantas bandas que suenan en el radio y son todas igual, los proyectos monótonos, creo que la gran mayoría de la escena que ronda el mainstream son solo copias al carbón de conceptos muy aburridos.>> ¿Que tanto ayudan o destruyen las maquinas en la música?

Ale: No importa si tocas con uno palos y una cubeta o usas el mejor programa para hacer música en la computadora más moderna, lo realmente importante es que el mensaje sea bueno, que le aporte algo al oyente.

Poly: Uno como creador de piezas sonoras, debe de ver a las máquinas como un instrumento que ayudará a complementar a la pieza. Es bastante rico jugar con construcción y destrucción de sonoridades, más no se debe abusar de la facilidad de la automatización en la producción musical. Todo debe tener alma por más digital que sea. Así es la esencia de la música.

Yiru: Creo que todas las maquinas pueden ser un recurso increíble si lo sabes explotar bien, conocer mas a fondo, crear tus propias maquinas, solo creo que son destructivas si eres de esas personas que pueden comprarse cientos y cientos de juguetes caros que solo usaran para repetir algo previamente creado. ¿Existe algún corte de este material que estan presentando que les resulte especial?

Ale: Para mí Lucky ‘until the jellyfish breaks’, es de los temas que más capturan el aroma de la banda, es un tema rasposo, seco, fuerte y delirante.

Poly: ‘Until theJelly fish break’ porque es casi

habitable. Es un ecosistema.

Yiru: Todo es especial ya que prácticamente el 90% de este EP es mera improvisación, todas las voces, a excepción del primer track (‘Null Landscape’) las escribi y grabé en 2 noches, los arreglos posteriores y ruidos extras tardaron mas ya que me clavó mucho en los elementos sutiles que puedo colar entre las canciones, pero si tuviera que elegir una canción en especifico sería el track 3 ‘Lucky until the jelifish breaks’, es la canción mas larga y con mas variaciones que hay. ¿Que hace tan distintivo a Acidandali del resto de las bandas que hay actualmente?

Yiru: No creo que seamos un parteaguas o estemos descubriendo el hilo negro de la música actual, simplemente hemos aprendido de una manera casi inconsciente a dejar del lado las pretenciones y ser totalmente honestos a la hora de hacer música, el factor principal es que nos gusta mucho el convivir, nos gusta mucho el pasar un rato juntos, ya sea haciendo música o pasando la tarde escuchando música, creo que es eso, disfrutamos de convivir como banda y como amigos.

Ale: Que nos gusta tocar tan fuerte como sea posible, que una presentación supera a la otra y aunque no ensayemos o estemos todo el tiempo metidos componiendo como locos, tenemos una conexión en vivo que resulta en presentaciones muy enérgicas

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Poly: La forma como fluye el ruido armonizado y melódico sin que esté planeado. Quizá.

Poly: No recuerdo... Un disco viejo: Fridge Disco nuevo: tUnE yArDs

¿Cómo describirían esta generación que están viviendo y que les gusta el trabajo que ustedes están realizado?

Si estuviera en sus manos la industria musical, ¿Que cambiarían?

Yiru: No entiendo porque les gusta tanto, me encanta que eso pase, quiere decir que estamos conectando con mas personas, que de cierta manera generamos algo en ellos, el hecho de que alguien totalmente desconocido se acerque a ti al final de un show a felicitarte por lo que haces es un sentimiento increíble.

Poly: Personas más abiertas a propuestas nuevas. Prestan más atención sin embargo tienen un modo de ver las cosas sujeto a la temporalidad de las mismas. ¿Cómo se ven ustedes de aquí a 10 años?

Yiru: Mas viejos y felices Ale: Tocando por todos lados.

Ale: Es que como tal a nuestra generación no nos tocó esa convivencia con una disquera, lo cual está muy bien pues así uno no depende de una disquera para grabarse, tocar y moverse de gira. Sin embargo sabemos de bandas que entran en esa industria y en vez de favorecerles les perjudica por contratos.

Yiru: A las mafias que organizan festivales para vender cerveza y no para el disfrute de la gente, a las radios “jovenes” que como requisito para que suenes constantemente es cubrir la cuota del señor payola, al exceso de bandas repetidas que hablan de amores espaciales, asteroides, y esas cosas que son lo mismo solo que con diferentes adjetivos, hace falta difusión a las bandas que hablan de otra cosa, hace falta equidad y exposición.

Poly: Creando, inventando y experimentando.

Siempre. ¿Cual fue el último disco que adquirieron o que escucharon?

Ale: Apenas escuché a una banda llamada Giardini di Mirò, me impresionaron mucho, soy un adicto a su música.

Yiru: El “Untrue” de Burial, me empezó a mover mucho todas las atmósferas obscuras que crea, sencillas, sutiles, pero aún así muy refinadas.

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#URL COLUMNAS

THE PAINTS OF BEING...

INDEPENDIENTE Texto Yiru @Yiruim Este artículo, mas que ser mi acostumbrado artículo de ruquichavo que no entiende lo que pasa en el mainstream y no entiende como una gran parte de las generaciones contemporáneas cree que el rock es mas pose y moda que sentimiento, huevos y resistencia; este es un espacio que decidí abrir a diferentes personas que rondan el circulo de la música independiente, que todavía no los invitan a festivales patrocinados por cervezas y que sus canciones no suenan 5 veces al día en la radio “joven” de la ciudad, estas son las voces de los que verdaderamente viven, ríen y lloran el D.I.Y., personas que no maquilan hits, personas que crean entornos personales que afectan a las personas que están viéndolos en un festival local y que mueven ese “algo” en un puñado de personas.

El formato fue muy sencillo, que me dieran (a su parecer) los pros y contras de ser un artista independiente, este fue el resultado: Mariana (Cantante, Compositora, Vyctoria) Pro: Total control sobre las decisiones “artísticas” (que al mismo tiempo puede ser un contra cuando no se es consciente de la responsabilidad que representa).

Contra: El ritmo de progreso depende de la disposición de recursos (que, obviamente, nunca es constante).

Pro: Disponibilidad (por no decir necesidad) de participar en donde se guste.

Contra: Rezago en la organización de eventos contra bandas con más “difusión”.

Pro: Es muy reconfortante obtener logros de tu propio esfuerzo.

Contra: Es posible que los músicos, por el hecho de estar haciendo las cosas por sí mismos, y probablemente ver buenos resultados, consideren que están en una “siguiente etapa” cuando en realidad apenas empiezan a tener exposición.

José (Guitarrista/Compositor/Vyctoria) Pros: - El ser independiente te ayuda a decidir el camino que quieres para tu banda. Te libras de la necesidad de entrar apretujadamente a una escena que probablemente no cumple tus expectativas y está manejada por terceros. - El enfoque y motivaciones de todo tu trabajo se encasillan en lo meramente musical. - Al estar haciendo las cosas de manera independiente se revive ese aire de transgresión que por sí sola justifica todo lo que uno hace musicalmente. Contras: - Muchas veces los poryedctos que uno quiere dar rienda se ven bloqueados por cuestiones tan molesta como es el dinero. Por más que uno quiera hacer todo sin miras monetarias, Don Dinero estará allí para decirte que no es tan fácil. - Para lograr que las cosas salgan bien y tengan las magnitudes que uno espera, requiere apoyo de terceros, y qué mejor otras bandas que teóricamente se encuentran en el mismo barco. Sin embargo, no es generalización, aun existen grupos que esperan que un ente llamado escena les cumpla todos sus deseos con el simple hecho de rasgar cuerdas y tener un buen manager.

Se conforman con acoplarse al modus operandi de los últimos años: tocada en el circuito de bares conocidos, entrevistas por aquí, allá y por ahí un

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festival “chido” y así hasta que su proyecto entre en el hartazgo o muera. - Metafóricamente hablando, existen puertas que dan acceso a otros públicos y recursos para expandir tu música y la misma experiencia que esta genera. Pero, muchas de estas puertas requieren un santo y seña el cuál está bajo resguardo de grupos de interés específicos.

Clio (Cantante/Compositora/Astronomy for lovers) I graduated with several degrees in classical music. In both my activities as a classical and as an indiepop musician, I mostly work independently.

This means that for most of my concerts, I oversee the entire process, from the creation of a piece of music, to performance, staging, advertising, booking, and organization. I am unsigned, and I do not have an agent. I did, however, work for a time in the classical music management field, where I learned a lot about what exactly goes on behind the scenes I would like to begin with the cons of being an independent artist. As an indie, it is difficult to secure more prominent performance venues. It’s extremely hard to negotiate a performance or recording contract. Studio space for recordings is difficult or expensive to find. One must rely much more on oneself and one’s friends. Agencies and labels tend to form cliques that exclude indie artists from some prominent events and other opportunities.

Another issue is finances. With little to no contractual stability, many independent artists must either take on a second day job to pay the bills or live quite a luxury-free life, even if they are lucky enough to find work in their field.

given time, and I am always able to take on projects that are of interest to me. The ability to say no to projects with which I do not agree or have no interest in also plays a large part in my decision, at present, to remain unsigned.

If one does choose the indie route, one must prepare and become one’s own agent. For my own activities, I used my arts management experience and create online marketing campaigns for myself.

Social media is a necessity for artists, and I try to maintain a solid presence on both global and more local networks. In addition, one must always be ready to approach venues, sponsors, and arts organizations with conviction and persistence.

Am I happy with my decision to work as an independent artist? At present, it is the best solution for me. I don’t discount the possibility of signing with a label or an agent one day. If I do, I will read all contracts carefully and make sure that it is a decision that will take my own wishes, dreams, ambitions, and rights into account. (...)

Tal cual se escribió, sin editar nada, sin cambiar ni traducir, tal cual es la escencia de las opiniones y de las visiones de los 3 hermosos seres que colaboraron, háganlo ustedes mismos y háganlo bien..

However, there are many pros to being an independent musician, and in my opinion, these outweigh the cons. Independent artists have the freedom to decide their own schedule and repertoire. They own all the rights to their creations, and are able to control the release of their works. For me, one of the most important factors is that I am able to build my creativity in whichever direction I choose at a

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GUADALUPE PLATA Texto Eduardo Camacho // @Edd_eCamacho

<<No es un secreto que vivimos tiempos en los que algunas raíces musicales emergen y son expresadas no sólo en ella sino hasta en las fórmulas de acción, distribución, adquisición (la renovada simpatía por el vinil, el involucramiento autogestivo de producir un álbum, etc.) de la misma.>>

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Con ello por delante, florece el desarrollo de bandas independientes a las que, irónicamente, se les empaqueta dentro de un sonido no necesariamente rústico, lo que resulta un error, no porque no exista una tendencia musical –siempre con referencias-, sino porque el ‘indie’ corresponde más a una condición que a un sonido característico.

Aquí un ejemplo claro, una agrupación española enteramente independiente que se empodera de los medios digitales actuales y trae las referencias más antiguas de lo que hoy existe musicalmente, por lo que es una banda cuyas producciones son difícilmente catalogables dentro de los estándares sonoros de la corriente ‘Indie’.

Trío digno de mención y claro ejemplo, no sólo por su sonido sino por sus métodos y sus objetivos, los cuales, proveniendo directamente de la arena, los colocan como una banda más ‘Indie’ que muchas a las que les encanta autoproclamarse con tal nombre. Seguro que a ellos no les sienta tan bien dicha delimitación de lo que hacen.

Y Guadalupe Plata no tiene esa pendeja urgencia de sonar en la radio –aunque ya lo ha hecho-, y no ha estirado un dedo para señalar una discográfica internacional.

Es el Blues, nada más, ese género antiquísimo propio de la marginación por la que mantiene muy vivo su espíritu, el que a sus integrantes, Pedro ‘Perico’ de Dios, Carlos Jimena y Paco Luis Martos les vacía y llena constantemente el alma.

Blues de una crudeza y podredumbres ambientales que, a la escucha te despiertan, te ubican en un lodo tan fresco que coges con ambas manos sonriendo, en tanto te sientes miserable y poderoso a la vez. Se trata de una banda ceñida claramente a otra era, una

que cuenta con más de 100 años de historia y de la que no se quieren desprender, mas su irremediable vida en el presente, les regala referencias más bien actuales y de su natal España.

Su actitud corrosiva es expuesta en los slides de la guitarra, en lo tosco de sus líneas de su bajo -de barreño y una cuerda-, en los resonantes tambores y en sus gritos desesperados. Y el arte de sus discos lo pone también en manifiesto, trazos sucios que parecen a lápiz o en tinta china, y que -en gran medida con tonos en gris-, muestran panoramas desérticos y desolados.

El crío flaco que se aferra con las garras a evitar que lo separen de su mamá. Inevitable acudir al legado de John Lee Hooker, de Hound Dog Taylor, de Ry Cooder, Howlin Wolf, re-expresados por Guadalupe Plata en un presente más sucio y una vida más acelerada.

Sobre la tarima es que se desgarran con más fuerza, y con ello dan forma al alma de la palabra ‘independiente’. Sus más altas aspiraciones no rebasan las de que sus lamentos se cimbren bajo la tierra o logren nublar el cielo. Guadalupe Plata es una banda regia, fiel a sí, que merece cuanto hoy tiene.

Los apasionados del rock and roll y sus orígenes merecen y agradecerán darse una vuelta por el trabajo de este trío, que en español desentraña las fórmulas de antes y les da vida. Ya han llegado a destrozar las tarimas de México, y es muy probable que pronto regresen, denles una oportunidad.

United Rock League / 28

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United Rock League / 29

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LA INDIE

(PENDENCIA) DEL JUEGO <<La industria ya no sorprende, no emociona y no divierte. Según la (irónicamente) popular subcultura hipsteriana diríamos que el videojuego iza con orgullo la bandera Mainstream>>

Texto Sayl @JoystickCloud Imagenes Archivo

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#URLaño4 La industria ya no sorprende, no emociona y no divierte. Según la (irónicamente) popular subcultura hipsteriana diríamos que el videojuego iza con orgullo la bandera Mainstream, esta moda, es ultra popular, es el río que impulsa la corriente cultural predominante y por ende debo rechazarlo. Hemos caído (recientemente todo hay que decirlo) en el circulo vicioso del entretenimiento mercantilizado y cómodamente asentado. Nos estamos transformando en el Hollywood palomitero más rancio que sobrevive a base de la enésima producción mediocre, plagada de lugares comunes donde el protagonista es varón, sufre, cree en sí mismo, vence al malo, salva a la chica y la besa. La mayoría gravitan alrededor de esta estructura básica, temen despegarse porque cualquier tropiezo significa millones de dólares tirados a la basura (aunque no les importa invertirlos en basura, que extraño), todo sea en favor de darle la producción bien masticadita al consumidor para que se la trague fácil, quede impresionado con los apabullantes efectos especiales y no dude en volver a la continuación número 24.

Por suerte nuestra industria cuenta con Call of Duty, Assasin’s Creed, Pokemon, Halo, FIFA, Mario, Battlefield, entre muchas otras que la alejan radicalmente de esta tendencia… La generación pasada dio el pistolazo de salida (nunca mejor dicho) a la era de los shooters, popularizados y masificados en todo el mundo gracias a la facilidad con que internet permite que los jugadores se asesinen unos a otros, se insulten en vivo pero

no paguen las consecuencias de sus actos. Esto aunado al agotamiento de la industria japonesa dio como resultado la hegemonía occidental en producción del videojuego que se traduce en militares musculosos salvando al mundo de X situación disparando para ello una cantidad de balas solo medibles en notación científica. Pero, afortunadamente dicho ciclo rutinario era insostenible a largo plazo y pronto un movimiento innovador comenzó a surgir de las entrañas de este monstruo: el juego independiente.

Pero ¿qué significa juego independiente? ¿Independiente de que y quiénes? ¿De las productoras? ¿De las editoras? En realidad tratamos con una abreviación que hace referencia al videojuego de desarrollo independiente, es decir el equipo de desarrollo (quienes) son los únicos encargados de absolutamente todo el proceso de producción, de ellos dependen desde la concepción inicial hasta la comercialización del videojuego, son autónomos a cualquier tipo de injerencia externa sea de la índole que sea (compañía, editora, distribuidora, publicistas, publico inclusive, etc.)

Este particular tipo de videojuego en realidad ha existido desde el nacimiento de nuestra joven industria, pero es el objeto de todas las miradas hoy debido al agotamiento que sufren las nefastas producciones clásicas.

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#URLaño4

Esta degradación le ha otorgado a lo indie (en general) una segunda juventud, una especie de renacimiento que le ha sentado de maravilla. El primer indicio de esta reinvención debemos situarlo en Cave Story (Pixel, 2004) curiosamente surgido de la Isla del Sol Naciente (ya en inicios de su triste depresión) desarrollado únicamente por una persona Daisuke Amaya. Lo que ha venido después ha sido el ascenso meteórico del juego indie que es sin ninguna duda a día de hoy el más fructífero, autentico, artístico y por consiguiente divertido.

Obras como Braid, Limbo, Super Meat Boy, VVVVVV, Bastion, Machinarium, Fez y más recientemente Brothers: Tales of to Sons, Guacamelee, Outlast, Minecraft o Papers Please! reivindican la auténtica esencia lúdica del videojuego, obras valientes que no temen ir más allá y dialogar directamente con los sentimientos de los jugadores, sin recurrir a los hipnóticos gráficos fotorrealistas (la mayoría usan sprites 2D) o apelar bellas fuentes de sangre adornadas con cascadas de violencia. No caen en las continuaciones infinitas, ni milimétricos controles de calidad que se aseguren de erradicar la diversión, nada de esa basura, estamos hablando de una idea brillante expresada en jugabilidad pura sin censura, se trata de tener el valor para plasmar sentimientos en pantalla y manipularlos a través del mando sin complejos.

Pero no es oro todo lo que reluce, también es cierto que el videojuego indie está de moda y la moda tiende a desvirtuar la naturaleza de sus víctimas. Hoy el término indie es confuso, impreciso, ominoso, surgen dudas sobre su delimitación como las que plantea Toni Martin: ¿Se continúa siendo indie después de que se triunfa? ¿Se es indie si se desarrolla con beneficio económico en mente? ¿Son Journey o Candy Crush realmente indie? ¿El que se autoproclama indie es indie?

Yo desde mi tendencia a la exactitud respondería que no a las 4 interrogantes, pero ciertamente son complejas y necesitan precisión.

Los invito a liberarse de los atavismos comerciales y ver un poco más allá de las gráficas, Assasin’s Creed, FIFA, Call of Duty o franquicia asentada de turno, que ellas pocas veces aguantan la comparativa objetiva contra cualquier videojuego indie medianamente cuidado. Larga vida al verdadero arte interactivo.

Pocos años después de Cave Story y todo lo que supuso, la monopolizadora macroempresa olfateo otra vía para extraer dinero de los consumidores y comenzó a explotarla sin vacilar. Mirror Edge (DICE, 2009) es quizá uno de los primeros ejemplos de obras con esencia indie pero apadrinados por grandes compañías por lo cual (estrictamente) no podemos catalogarlas como tales, lo mismo pasa con ICO, Shadow of the Colossus (Sony Japan Studios), Journey, The Unfinished Swan, Flow (ThatGameCompany). Con resultados sobresalientes por supuesto, las grandes compañías se han visto obligadas a admitir el potencial que atesora la video-experiencia independiente y hasta se han comprometido a apoyarlos (Sony es quizá de las impulsoras mas importante), esto aunado a la democratización del desarrollo de la mano de la distribución digital han permitido la proliferación de estas grandes maravillas.

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AGUA MALDITA Molotov Texto Sergio Hernández @sergio810511 Después de una larga espera , mas larga de lo que realmente fue (7 años) Molotov presenta su sexto disco de estudio “Agua Maldita” producido por el británico Jason Perry que ha trabajado con artistas como McFly, The Blackout entre otros, pero ¿realmente es maldita esta agua? Veamos...

El disco abre con “Oleré y Oleré y Oleré El UHU” track cargado de dinamismo, en el cual se nota que la banda esta mas “suelta” en todos los sentidos, vamos, se nota que en este disco la banda se divirtió en el momento de crearlo, algo que en sus ultimas producciones no se notaba en su sonido, el segundo track “La Raza Pura Es la Pura Raza” nos muestra el camino que va tomar todo el disco “un disco que aborda problemáticas que aquejan a la ciudadanía en su día a día” casi todos los tracks de Agua Maldita tienen un acido y vertiginoso juego

de palabras como “fuga”, “La Necesidad” y el sencillo con el cual anunciaron la salida de este disco “Lagunas Mentales” en estos tracks abordan temáticas que van desde el acceso a las drogas que tienen los jóvenes en las escuelas, la política entre otras.

Como lo mencionamos la banda suena mas libre en la creación y ejecución de su música, indudablemente “Agua Maldita” mezcla géneros musicales como el Rock Alternativo, hip-hop y punk, todo envuelto en 10 tracks adictivos y contagiosos.

Al final es un buen regreso de Molotov, se aplaude y festeja, pero, el disco nos deja la sensación de ser muy corto, nos dejan con ganas de mas...

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BALLENAS MUERTAS DE SAN SEBASTIAN El Columpio Asesino Texto Alfonso Saldaña @poooonch La agrupación originaria de Pamplona, España. En este 2014 nos traen su más reciente material discográfico y quinto en lo que llevan de carrera artística.

Después del gran éxito que les dejo su anterior álbum, Diamantes. Ballenas Muertas en San Sebastián, llega con el firme objetivo de mantener el éxito y el gusto entre sus seguidores.

Este nuevo álbum, intenta llegar más lejos con su propuesta musical del rock y punk que viene inmerso en cada uno de los temas, la utilización de sintetizadores con electrónica, dejando en segundo plano las guitarras, con percusiones, mezcladas hacen de este disco una muy buena propuesta, con letras que van desde lo repetitivo y sencillo, algunas cargadas de cierta crudeza. Pero no dejan de ser un motivo necesario para darle el toque adecuado a cada uno de los temas.

Continuando con el viaje dentro de lo agresivo, lo burdo, lo poco sutil, de sus interpretaciones. Anzuelos es un tema que hace bajar un poco la intensidad del álbum llegando teniendo por delante tres temas más.

Pero aunque las melodías y acordes, nos dan ese respiro para continuar explorando y llegando al final.

Susúrrame es el título de uno de los temas, con que nos muestran la irreverencia de sus letras, pero juegan con esas mezclas, que en algún momento han sido comparados con el dueto de synthpunk, Suicide, pero sin perder su poderoso estilo combinando sintetizador con percusiones, dan como resultado una línea que te lleva a buscar la locura encantadora de este álbum. Con este álbum la agrupación está decidida a seguir conquistando a sus fans de corazón y buscando nuevos seguidores que les dejan sus mejores reconocimientos.

Con un intro, en su mayoría con sintetizadores, voces y muy buena acústica, nos van preparando para el tema Babel, una batería nos da la entrada, con esos sintetizadores hacen que la voz sea adecuada para este primer tema.

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INDIE CINDY Pixies

I NEVER LEARN

Lykke Li

Texto Alberto Granados @Altokapo

Texto Iveth Laguna @trixivie El primer trabajo de estudio de Pixies desde 1991, cuando lanzaron Trompe Le Monde, se trata de la compilación de los 4 EPs lanzados por la banda en el transcurso de este y el pasado año. También, es el primer álbum en donde no participa la bajista, y compositora, Kim Deal.

Por lo demás, Pixies conservó su alineación y hasta cierta medida, el sonido y la creatividad musical. Por momentos parece que estamos escuchando canciones inéditas del periodo anterior de la banda, sobre todo del tercer disco de la banda, Doolittle (1989). Sin embardo, Indie Cindy suena totalmente nuevo, con la misma energía de antes pero con intención distinta. Escuchamos una banda ya consolidada que volvió para seguir el camino empezado décadas atrás.

Hasta el momento, han lanzado dos sencillos: Bag Boy y Silver Snail. Ambas canciones sirven tanto para reconocer el sonido de Pixies, con guitarras fuertes, lírica sencilla y voces acompañantes, sea en el coro o en el fondo, que resultan tan interesantes y poderosas como la del vocalista principal, Black Francis.

Entre las 12 melodías, destacan What Goes Boom, la canción con la que empieza el disco y una manera de describirlo, ya que su sonido es potente y permite ver la intención de la banda de seguir tocando, no sólo del recuerdo. Another Toe In The Ocean y Jaime Bravo redondean la idea de fusión tanto del material anterior de la banda, como de lo que se trata este disco y otros que quizá le sigan.

La sueca Li Lykke Timotej Zachrisson viene a refrendar el gran trabajo que ha hecho con sus discos anteriores y en este, el tercero de su carrera titulado ‘I Never Learn’ pone la muestra de como se hace el índie en las tierras nórdicas.

Lleno de un poderoso sonido antiguo, el cual pareciera que el disco está grabado en cinta y lo estamos escuchando en acetato ‘I Never Learn’ canción homónima al nombre del álbum abre de una manera bastante emotiva con una letra y un sonido bastante profundos que pueden incluso transportarnos a algún lugar frío durante una nevada y este disco sería el soundtrack perfecto para hacernos entrar en calor el alma.

9 tracks son suficientes para que el álbum sea una buena pieza y no pase a ser tedioso, debido a que el ritmo es tranquilo y los instrumentos como el piano, la guitarra, tambores y panderos le agregan mayor armonía y ‘pasividad’. Esto no se ve reflejado en tracks como ‘ No rest for the wicked’ ‘Silver líne’ o ‘’Heart of steel’ que a pesar de tener este toque melancólico no pierden armonía y se convierten en canciones agradables que puedes repetir una y otra vez.

Un excelente álbum que se puede disfrutar sólo o acompañado, con una botella de whisky y una plática bastante interesante, a los fans de Lykke Li seguro les agradará y a los que no la conocen, es un buen disco para tener su primer acercamiento con la artista sueca.

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#URLaño4

XSCAPE Michael Jackson Texto Selene Tajin @selene_Vicsu Cuando se muere un músico algo que se espera de forma sucesiva es que se realicen lanzamientos de discos con canciones inéditas, por supuesto no es la excepción para Michael Jackson, de quien el 25 de junio se cumple su quinto aniversario luctuoso, por lo que “Xscape” es un buen motivo para conmemorarlo.

El lanzamiento de este LP, fue realizado a principios de mayo, del cual ya se ha desprendido el primer single “Love never felt so good” un tema, con producción de Timbalan que además incluye un ingrediente que lo hace repuntar dentro del disco, lo cual es la voz de Justin Timberlake, del que se asegura una buena fórmula comercial para el posicionamiento de esta producción.

este contiene sonidos contemporáneos, que como mencionamos contiene la participación de productor principal a Timbalan y de los productores Rodney “Darkchild” Jerkins, el equipo noruego Stargate, Jerome J-Roc Harmon y John McClain.

Se resume en un trabajo lleno de creatividad, talento y de canciones que a pesar de haber sido remontados desde los ochentas y noventas han sido “contemporizadas”. Ocho temas, donde se deja claro por qué fue y seguirá siendo “El rey del Pop”.

Grabaciones que incluyen mezcla de funk, R&B obviamente pop y el sello incomparable de Jackson, incluso a punto de vista personal, mejor que su anterior disco póstumo “Michael”, pues

United Rock League / 37

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EVERYDAY ROBOTS Damon Albarn Texto Samuel Nava @stupidtobegin Everyday Robots es el primer disco solista de Damon Albarn, un disco que levantó muchas expectativas al tratarse del primer material en solitario de uno de los músicos más productivos, influyentes y reconocidos de los últimos años. Y es, un disco, en muchos aspectos, tal y como se esperaba. Es un disco que denota nostalgia, plagado de armonías y letras reflexivas, muy del estilo que ha manejado Damon al estar lejos de Blur o Gorillaz, jugando con una dualidad entre melodías sencillas y amables que se vuelven densas y casi obscuras durante ciertos pasajes.

El inicio, con Everyday Robots y Hostiles es así, muy tranquilo, con la peculiar voz de Albarn sobre un par de dulces melodías. Es la constante, aunque después vienen canciones como Lonely Press Play, con una base rítmica más importante y Mr Tembo, uno de los temas más alegres y esperanzadores del disco, en el cual la melodía se vuelve entusiasta y los coros femeninos, al estilo góspel dan otra tonalidad a este inicio obscuro y reflexivo.

Parakeet es un bonito interludio de 46 segundos, casi justo a la mitad del disco. Un piano constante jugando con ejecuciones de lo que parece ser un xilófono, para crear una melodía grandiosa. The Selfish Giant nos regresa a un estado melancólico e introspectivo, cortesía de un piano (instrumento omnipresente en todo el disco) y una letra que habla sobre drogas. You & Me , musicalmente, es una de las canciones con mayor número de arreglos; a medio tema aparece un sintetizador que “engancha” a la perfección con la línea melódica, haciendo de esta otra bonita canción.

Hollow Ponds es, en cierto sentido, la pieza más cercana a lo que es Damon Albarn como músico.

No es que las anteriores no parezcan canciones del frontman de Blur, pero en este punto aparecen pasajes más obscuros, además cuenta con la intervención de instrumentos peculiares, como lo que parece ser un corno, percusiones y sintes que hacen una canción casi solemne. Aquí se ve mucho de aquel Dr Dee de 2012. Seven High es otro interludio bien cimentado; otra vez, solo una melodía de piano con un mix interesante de sonidos “vanguardistas” cuya duración es de apenas un minuto. Muy del estilo de Albarn.

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JAMES HOLDEN Texto Nayeli Díaz Arriaga @nayeli_yda Imagenes Archivo

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Como bien sabemos, desde hace un tiempo, gracias al avance y evolución tecnológica que ha crecido de manera exponencial, producir música, promocionarla, repartirla, expandirla, difundirla y demás, se ha vuelto una tarea y un quehacer más sencillo para muchos, además de que la accesibilidad de un software y un hadware es casi para cualquier clase social.

United Rock League / 40

#URLaño4

<<En cada uno de sus discos nos ofrece no sólo calidad, también los refresca con sonidos vanguardistas, que pueden rayar desde el techno más puro, un mínimal tan complejo >>

Por ende ahora podemos encontrar millones de bandas que desde la comodidad de su hogar hacen sus propias producciones musicales y claro, ya no es necesario llevarla a esos grandes corporativos para que se encarguen de las otras labores de difusión y comercialización, es más, hasta si queremos y tenemos la herramientas necesarias, podemos armar nuestra propia disquera independiente, ahora más que nunca, todo es posible –ja, suena a slogan.

Lo anterior es del dominio público, pero pensando en toda esta onda de lo independiente, la creatividad y el talento, creo que no todos cumplen ciertos requisitos y por ello se quedan estancados y no avanzan del garaje o el cuarto de sus casas a un escenario más grande, un EP, colaboraciones, presentaciones por todas partes, etc., etc. Entonces me quedé pensando en las bandas que si lo habían logrado, -pasar del garaje a un festival, por ejemplo- y me saltaron varias, tanto de México como del mundo, recordé una de mis favoritas, que empezó a hacer ruido durísimo en My Space por ahí del 2006 y que gracias a la oportunidad de proyección que proporcionaba esta plataforma a los músicos independientes, muchos como los Arctic Monkeys pudieron llegar a nuestros oídos y por supuesto, a nuestros corazones.

Luego, en mi debraye también pensé en esas disqueras independientes que apoyan los nuevos talentos y los viejos, claro, pero como a mí siempre me han atraído más los sonidos híbridos entre lo sintético y lo análogo combinados con instrumentos orgánicos, pues mi mente se iba hacia los ritmos electrónicos, y como de esas revelaciones que tienes, leí una noticia sobre un

United Rock League / 41

#URLaño4 cabrón que me encanta, que participará en el próximo Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de Barcelona, El Sónar (que además de apoyar también lo nuevo en la escena electrónica, da impulso a proyectos independientes tanto a nivel musical como creativos, aunque no todos tengan esa etiqueta de “Independiente”, pero si una gran parte de su cartel). Estoy hablando de un tipo que creó su propio sello en el que selecciona cosas con una calidad increíble como las que él mismo compone, James Holden; entonces me dije ¿por qué chingados no hablar de él? Si cumple todos los aspectos de lo independiente, solo que a este güey, ahora, seguro le sobra el dinero y la creatividad.

James Holden no necesita una gran presentación puesto que su solo nombre ya tiene un status dentro de los genios de la electrónica, él es un británico que inició más o menos desde 1999 como productor, de ahí hasta la fecha se ha caracterizado por su mutabilidad en los géneros electrónicos, es de esas personas que no va con la moda de lo que está sonando en el momento, sino que crea un punto de referencia para lo que sonará en un futuro, ya sea cercano o no tanto. Sin duda alguna, me atrevo a decir que es una persona que no teme arriesgarse y experimentar con nuevas plataformas, sonidos y atmósferas, regalándole a nuestros oídos texturas que nos trasladan a escenarios posibles.

Si no me creen chequen esta joya de su más reciente producción: En cada uno de sus discos nos ofrece no sólo calidad, también los refresca con sonidos vanguardistas, que pueden rayar desde el techno más puro, un mínimal tan complejo que lo único que puedes hacer es dejarte llevar, hasta sonidos que es mejor no clasificar, hacerlo sería un completo error y limitaríamos su creatividad.

Por esto fue que pensé que sería buena idea hablar de este cabrón, porque de verdad lo es, sus producciones y todo lo que él hace y apoya, no parecerían ser generadas por algo independiente, pues todo es tan impecable; desde el arte hasta el contenido sonoro, son cuidados perfectamente, dando esa impresión de que se invirtió además de mucho tiempo, mucho dinero, cuando no necesariamente es así. Claro que en Inglaterra la situación económica y el apoyo a todo lo indie deben de ser distintos que en nuestro país, pero no estoy acá para comparar necesariamente, sino para decir, “escúchenlo”.

Por otro lado, con su sello Border Community ha abierto las puertas a otros músicos, productores que al mismo tiempo le hacen a la pinchada, compartiendo ese amor por la música, que si bien no quiero entrar en el eterno debate en el que se expone que la música electrónica no es música –jaja- digo a su favor que tiene un amplio grado de complejidad y no debería de ser demeritada sin antes prestar atención a su ensamblaje y los procesos de producción que hay tras ella, en fin, regresando al tema, Border Community alberga grandes talentos como son Nathan Fake, Fairmont, Ricardo Tobar, Margot, entre otros.

Y por si eso fuera poco, al señor Holden le encanta innovar en sus presentaciones con nuevas tecnologías, generando abstracciones musicales acompañadas con visuales; y ahora para Sonar, una presentación con todo y danza al ritmo de su “The Inheritors”, una especie de performance, que seguramente fascinará a los espectadores de dicho acto en vivo.

Alguna vez tuve la oportunidad de verlo, en uno de esos festivales que llegan a nuestro país y que son realmente imperdibles debido a la curaduría musical y artística.

A Holden le tocó cerrar el evento de esos Nocturnos, ahora no puedo explicar con palabras lo grande que es este hombre en el escenario, pero, pese a que no tuvo un Live Act fue bastante disfrutable porque como Disc Jokey realizó una fina selección que volvió locos a los que ahí aguardamos el cierre de esa noche en una bodega muy ah doc para la ocasión, si alguna vez tienen el chance de verlo, háganlo, seguro no serán defraudados.

Está por demás decir que recomiendo ampliamente a este maestro de la electrónica, porque ya lo hice en los anteriores párrafos –jaja-, pero si no le han echado una oída, nunca es tarde para hacerlo, además de que con ello quiero enfatizar que definitivamente las producciones independientes pueden ser de una enorme calidad, y de que no hay que cerrarnos en lo local, que si bien es bueno apoyar todos esos miles de talentos, también hay que abrir nuestros horizontes y ver que se hace del otro lado, partiendo del punto de que todo es cultura, pues esto enriquece nuestro bagaje sonoro y sensibiliza nuestros oídos.

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Texto Mirna Torres @mirnatf I Imagenes Archivo

Deer Murray es una banda que incluye una mezcal entre Canadá y México, por cierto, nombrada así por el actor Bill Murray, regresa con un cambio de vocalista: Jazz Leyva, junto a Omar y Alberto Estévez Breaking Down, es el sencillo que estará incluido en su nueva producción discográfica “Airport Promises”, teniendo al guitarrista (Omar Estévez) como director del video.

Bajo una influencia de New Order, Thieves Like Us, Supergrass, Metronomy y The Kills por mencionar algunas bandas, Deer Murray nos da una mezcla de sonidos electrónicos, guitarras y una voz con una pequeña calidez, que logran un synth pop que nos ayuda a crear pequeñas emociones que se asoman en cada canción.

Podría compararla con distintas bandas que ahora no existen o tocan, pero como cada mes a mes, ustedes mismos son sus mejores críticos, entren a sus redes y escuchen su nuevo sencillo sin olvidarse del disco anterior: Songs from An Apartment.

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