“La CND debe poseer una verdadera fuerza creativa en la escena de la danza nacional...”
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Curiosidades
Cómo mantener nuestras metas
Creciendo juntos En Imágenes
Nuevo Reglamento Académico del TNT Dominando el arte del vestuario
CND: Creando comunidad
¡El TeLOn Se Levanta!:
Celebramos un hito histórico con la aprobación del nuevo Reglamento Académico del TN
El Teatro Popular Melico Salazar (TPMS) celebra con júbilo la aprobación del Reglamento Académico y Estudiantil para el Ciclo Básico del Taller Nacional de Teatro (TNT). Este hito, respaldado por la Junta Directiva del TPMS, consolida más de 45 años de trayectoria en la formación de profesionales de las artes escénicas en Costa Rica.
El reglamento, que regula el funcionamiento del Ciclo Básico del TNT, establece un marco jurídico que recoge y uniforma las prácticas académicas de la institución. Este logro garantiza la calidad y continuidad de la formación teatral, marcando un antes y un después en la
profesionalización del sector.
Pablo Piedra Matamoros, Director Ejecutivo del TPMS, expresó su entusiasmo: "La aprobación de este reglamento es un paso trascendental para el TNT. Establece un marco sólido para la formación de nuestros estudiantes, asegurando una educación de excelencia. Además, la publicación en La Gaceta, un hito histórico, refuerza nuestro compromiso con la transparencia y la profesionalización del teatro en el país".
El reglamento destaca la metodología única del TNT, basada en el "Taller" o "Laboratorio" de Oscar Fessler, y sus principios de correlación, retroalimentación,
adaptabilidad, experimentación, inducción, integralidad y unidad.
"Hoy es un día de gran importancia para el TNT. La publicación oficial de nuestro reglamento en La Gaceta marca un hito en nuestra historia y en el fortalecimiento institucional de nuestro querido TNT. Este logro es el resultado de un arduo trabajo y de una insistencia constante para garantizar que nuestro Taller cuente con un marco normativo sólido y transparente.
El proceso no fue sencillo, pasó por todas las instancias necesarias, incluyendo la revisión minuciosa en la Junta Directiva del TPMS y la consulta pública, asegurando que cada voz fuera escuchada y que este documento refleje el compromiso con la excelencia en la formación teatral. Quiero expresar mi más profundo agradecimiento al señor Jorge Rodríguez Vives, a la Dirección del TPMS y a su Junta Directiva por el respaldo y acompañamiento en este proceso.
Asimismo, mi reconocimiento al cuerpo docente del Taller Nacional de Teatro,
quienes, con su dedicación, compromiso y confianza en mi gestión, han sido pilares fundamentales para hacer posible este avance. Sigamos construyendo juntos el camino del teatro con pasión, esfuerzo y visión de futuro" finalizó Brigitte Vallejos, la Directora Artística del TNT
TRIVIA
¿Cuál es el origen etimológico de la palabra "teatro"?
a) Latín
b) Griego
c) Egipcio
Respuesta en penúltima página
¡Prohibido el amarillo!
Mitos y supersticiones
en el teatro
l color amarillo en el teatro está rodeado de una fuerte carga de superstición y simbolismo negativo. Aquí te mostramos algunas curiosidades y fuentes que explican esta creencia:
Origen de la superstición:
Molière y "El enfermo imaginario":
La superstición más extendida se remonta al siglo XVII, específicamente a Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière. Durante la representación de su obra "El enfermo imaginario" en 1673, Molière, quien vestía de amarillo, se
sintió indispuesto y falleció poco después.
Este trágico suceso marcó un antes y un después, asociando el color amarillo con la mala suerte en el teatro. La imagen de Molière, vestido de amarillo en su lecho de muerte, se convirtió en un símbolo poderoso de la maldición teatral
.
Asociación con la enfermedad:
Históricamente, el amarillo se asociaba con enfermedades como la peste, lo que pudo reforzar su connotación negativa.
Connotaciones negativas:
El amarillo también puede simbolizar la traición, la falsedad y la envidia, lo que contribuye a su mala reputación en el teatro.
Precaución en el escenario:
Debido a estas creencias, muchos actores y compañías teatrales evitan el uso del color amarillo en vestuarios y escenografías para prevenir la mala suerte.
Se considera un color de mal augurio, capaz de atraer la desgracia sobre la producción.Es importante señalar que, aunque estas creencias persisten en el mundo del teatro, no tienen una base científica. Sin embargo, forman parte del folclore y la tradición teatral.
Fuente: Prohibido nombrar 'Macbeth' o vestir de amarillo: la superstición sigue presente en el teatroAragón Noticias
LOGROS UPE-TPMS 2024
•Un año de logros escénicos y diversidad artística
La Unidad de Producción Escénica (UPE) cerró el 2024 con resultados sobresalientes, consolidándose como un referente en la promoción y difusión de las artes escénicas. El segundo Encuentro Nacional de Danza Teatro y Circo, realizado en octubre en Goicoechea y Quepos, fue un hito, con un presupuesto asignado de ¢63.428.750.
El encuentro abarcó diversas categorías artísticas, desde circo y danza hasta teatro, con proyectos como "Grillos del Mar", "Ejecución de una gallina urbana" y "CUENTO CON DEDOS". Se beneficiaron artistas como Jorge Rojas Álvarez, Laura Cordero Corrales y Anselmo Navarro Prados, entre otros.
La UPE también destacó en la Producción de Eventos, con talleres nacionales e internacionales y
conversatorios.
Se realizaron 17 talleres nacionales, 9 conversatorios y 3 talleres internacionales, con la participación de figuras como Pamela Rodríguez, Jairo Antonio Cuero y Luisa Huertas. La producción de eventos incluyó "Talleres y Reflexión" y "Programación", con un presupuesto asignado de ¢31.891.750.
Además, la UPE tuvo una destacada actividad en la Sala Principal, atendiendo 122 funciones con un público total de 52.270 personas. Se realizaron eventos de danza, teatro, música, conversatorios y actividades protocolarias, consolidando la Sala Principal como un espacio cultural vibrante y accesible para la comunidad.
Este apoyo fue fundamental para el éxito del festival, permitiendo llevar
las artes escénicas a nuevas audiencias en la región.
Otras colaboraciones
La UPE también brindó apoyo en el Festival Internacional de las Artes, Guanacaste, atendiendo dos sedes en Nicoya y Cañas, con una inversión superior a los 92 millones de colones en equipo humano, logística y técnico. Finalmente, la UPE realizó colaboraciones interinstitucionales con la Casa Presidencial, el Despacho del Ministerio de Cultura y Juventud, y el Ministerio de
77 artistas becados
39 artistas invitados
Trabajo. Estas colaboraciones fortalecieron el trabajo de la UPE y permitieron ampliar su impacto en la sociedad.
En resumen, la UPE 2024 impulsó la diversidad artística, fortaleció la escena cultural con eventos de alta calidad y alcance nacional e internacional, consolidó su rol como un actor clave en el desarrollo de las artes escénicas en el país, y amplió su impacto a través de colaboraciones estratégicas.
15 propuestas seleccionadas como becarios
4217
asistentes al ENDTC 2024
35 funciones de espectáculos
26 actividades e Talleres y Reflexión
5 funciones espectáculos en el Marco FIA
¿CÓMO MANTENER NUESTRAS METAS DE FIN DE AÑO?
El inicio de un nuevo proyecto o meta suele estar lleno de entusiasmo y motivación. Sin embargo, mantener ese impulso a lo largo del tiempo puede ser un desafío. ¿Cómo evitar que nuestras metas queden en el olvido?
1. Establece Metas Claras y Realistas
Es fundamental que tus metas sean específicas, medibles, alcanzables, relevantes y con un límite de tiempo (conocidas como metas SMART). Por ejemplo, en lugar de decir "quiero hacer ejercicio", establece "voy a correr 3 veces por semana durante 30 minutos"
2. Divide las Metas en Pasos Más Pequeños
Dividir tu objetivo en tareas manejables hace que parezca menos abrumador. Cada paso alcanzado te dará un sentido de progreso y motivación para continuar.
3. Crea un Plan de Acción
Diseña un calendario o una lista de tareas para visualizar lo que necesitas hacer y cuándo. Establecer fechas límite claras para cada paso ayuda a mantener el enfoque y evita la procrastinación.
Reflexiona sobre la razón detrás de tus metas. Cuando tengas claro por qué quieres lograrlas, será más fácil mantener la motivación, incluso en momentos difíciles.
4. Encuentra Tu “Por Qué” 05
5. Monitorea Tu Progreso
Evalúa regularmente tus avances. Usa un diario, una app o un tablero visual para registrar tus logros. Celebrar las pequeñas victorias te recordará lo lejos que has llegado y te impulsará a seguir adelante.
6. Rodéate de Apoyo
Compartir tus metas con amigos, familiares o colegas puede ser una gran fuente de motivación. Ellos pueden animarte, ofrecerte consejos o incluso trabajar contigo hacia objetivos comunes.
7. Anticipa y Enfrenta Obstáculos
Es normal encontrar obstáculos en el camino. Identifica posibles barreras desde el principio y diseñaestrategias para superarlas. Recuerda que los contratiempos son oportunidades para aprender y ajustar tu plan.
8. Ajusta y Sé Flexible
No todas las metas se desarrollan como lo planeamos. Si algo no está funcionando, no tengas miedo de ajustar tus objetivos o estrategias. Lo importante es seguir avanzando
9. Visualiza el Éxito
Imagina cómo te sentirás al alcanzar tu meta. La visualización positiva puede ayudarte a mantener la determinación y recordarte por qué comenzaste.
10. Sé Paciente y Persistente
El cambio y el crecimiento llevan tiempo. Mantén una actitud positiva y recuerda que cada esfuerzo, por pequeño que parezca, te acerca a tu objetivo.
Conclusión
Lograr metas no es cuestión de suerte, sino de consistencia y enfoque. Implementar estas pautas puede marcar la diferencia entre abandonar un objetivo o verlo realizado. Con compromiso y un plan bien diseñado, tus metas estarán al alcance de tus manos.
Referencias
Covey, S. R. (1989). The 7 Habits of Highly Effective People.
Duhigg, C. (2012). The Power of Habit. Mayo Clinic. (n.d.). “Goal Setting: Why It’s Important and How to Set Realistic Goals.”
Dominando el Arte del Vestuario: Taller Técnico de la CNT
En un esfuerzo por descentralizar la formación artística y empoderar a las mujeres de la región, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) llevó a cabo un taller de introducción a la confección de vestuario teatral en Limón.
La actividad, liderada por la experimentada vestuarista de la CNT, Wendy Hall Fernández, se realizó en el Instituto Tecnológico de Costa Rica (TEC), Centro Académico de Limón, y contó con la participación de 16 mujeres entusiastas.
Durante el taller, las participantes exploraron los fundamentos del diseño y la confección de vestuario. Aprendieron técnicas básicas de costura, patronaje y selección de materiales, así como la importancia del vestuario en la creación de personajes y la narrativa visual de una obra de teatro.
El taller se enmarcó en el programa RIDE
Cultural del Ministerio de Cultura y Juventud, una iniciativa que busca promover el acceso a la cultura y fortalecer las capacidades de los agentes culturales en todo el país. La colaboración con el TEC, un centro académico de gran prestigio en la región, permitió ofrecer un espacio adecuado para el desarrollo del taller y facilitar la participación de las mujeres limonenses.
La CNT reafirma su compromiso con la formación y el desarrollo de las artes escénicas en todo el país, y continuará trabajando para llevar sus programas y talleres a todas las regiones, democratizando el acceso a la cultura y fortaleciendo el tejido artístico nacional.
"El vestuario es un elemento esencial en la puesta en escena. No solo viste al actor, sino que también comunica información sobre el personaje, la época y el contexto de la obra. A través de este taller, buscamos brindar a las mujeres limonenses las herramientas necesarias para desarrollar sus habilidades en este campo y contribuir al enriquecimiento de la escena teatral local"
Laura Santamaría Villegas, Directora CNT
Día Mundial del Teatro: Un Escenario para la Vida
Cada 27 de marzo, el mundo levanta el telón para celebrar el Día Mundial del Teatro, una jornada que rinde homenaje a este arte milenario y su capacidad para reflejar, cuestionar y transformar la realidad. Desde su instauración en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), esta fecha se ha convertido en un símbolo de la importancia del teatro como expresión cultural y herramienta de diálogo.
El teatro, con su diversidad de formas y estilos, nos invita a explorar la condición humana, a conectar con nuestras emociones y a reflexionar sobre el mundo que nos rodea. Es un espacio donde convergen la palabra, el cuerpo, la música y la escenografía, creando experiencias únicas e irrepetibles.
En América Latina, el teatro ha desempeñado un papel fundamental en la construcción de identidades y la lucha por la justicia social. Dramaturgos y dramaturgas como Griselda Gambaro, Augusto Boal y Sara Uribe han utilizado el escenario como plataforma para denunciar la desigualdad, visibilizar la memoria histórica y promover el cambio social.
En este Día Mundial del Teatro, celebremos la diversidad de voces que hacen posible la magia del escenario. Reconozcamos el trabajo de nuestros compañeros actores, directores, dramaturgos, técnicos y todos aquellos que contribuyen a enriquecer nuestra cultura a través del teatro.
Fuente: Día Mundial del Teatro: ¿por qué se celebra el 27 de marzo? - Billiken URL: https://billiken.lat/interesante/dia-mundial -del-teatro-por-que-se-celebra-el-27-de -marzo/
CND: CREANDO COMUNIDAD
En el marco del Día Internacional de la Mujer, la Compañía Nacional de Danza junto a la Colectiva R3m propuso una experiencia llamada “Cuerpas y Resistencias”.
El encuentro se desarrolló en dos partes: Un taller de exploración corporal, donde la respiración se plantea como un hilo conductor para la construcción compositiva entre varias cuerpas, conectándonos y creando comunidad.
En la segunda parte, se abrió el espacio al diálogo, donde se mapearon los retos que enfrentan las participantes como mujeres en el gremio de la danza, se categorizaron inquietudes del grupo y se
plantearon algunas estrategias para transformar esa realidad, tanto a nivel individual como colectiva.
“Esta fué una iniciativa más para encontrarnos, escucharnos y apoyarnos. Fue un espacio hermoso, intergeneracional y lleno de perspectivas diversas” finalizó Karol Marenco, directora artística de la CND
2. ¿Cuál es tu visión para la Compañía Nacional de Danza?
La CND debe poseer una verdadera fuerza creativa en la escena de la danza nacional, ser el referente de creación, producción y difusión coreográfica para nuestro país en un sentido amplio. Capaz de acoger a nuestros talentos locales, utilizar nuestro valioso patrimonio y ser una vitrina internacional con un resultado escénico de calidad. Quiero fortalecerla de adentro hacia afuera, todo cuenta, desde el entrenamiento equilibrado, la visión y sabiduría de los y las maestras que comparten su conocimiento con el elenco y potencializan sus destrezas, el trayecto que toma cada proceso coreográfico con el compromiso de crear con profundidad la investigación temática y la exploración del movimiento, ser una plataforma para el intercambio con artistas de otros géneros como los compositores, dramaturgos, vestuaristas, escenógrafos, diseñadores, técnicos etc. y por supuesto, la mística de trabajo desde la Dirección Artística. Es fundamental alimentar una dinámica de respeto entre nosotros, en nuestro espacio y hacia nuestro entorno. Esto emana un respeto hacia nuestra institución que afianza la dignidad de nuestro quehacer diario y alimenta la identidad colectiva.
3. ¿Cuáles consideran que son los principales desafíos que enfrenta la CND actualmente?
Convertir la diversidad de edades y experiencias de los integrantes del elenco en una fortaleza es un gran desafío. Los bailarines tienen diferentes necesidades conforme van superando etapas en su carrera. Sin embargo, son más los elementos que los unen que los que los
separan. Buscaré los mecanismos para potenciar el talento individual y lograr el reflejo más auténtico de cada uno pero sin perder la maravillosa capacidad de trabajar en equipo y recuperar la sinergia que se genera a partir de la unificación de propósitos y el enfoque hacia una sola dirección: ¡Crecer como Compañía!
Otros desafíos siempre van ligados al presupuesto. Los recursos son limitados en todas las dimensiones (para producción, para creación, para contratación de recurso humano, para proyectarnos en cada escenario en el que somos invitados) por lo que la meta será desarrollar estrategias que nos permitan multiplicar esos recursos, rendir con lo que tenemos, participar en proyectos interinstitucionales que resultan colaborativos y nos cobijan de cierta manera.
4. ¿Qué tipo de montajes o colaboraciones te gustaría impulsar en esta nueva gestión?
Creo en la versatilidad de la Compañía. Es una cualidad que permite impulsar tanto obras coreográficas de investigación y de vanguardia, estimulando así la reflexión del espectador, como también, la participación en obras de entretenimiento, con música en vivo, llenas de vida y color que se convierten en una alegoría y en un disfrute para el público tanto rural como urbano. En las obras de investigación, me gustaría proponer coreografías que indaguen en el ser humano como individuo y también como parte de la sociedad, que reflejen las transformaciones que vivimos y que influyen en como actuamos, las luchas
de las personas según los acontecimientos históricos, personales o sociales.
En cuanto a las colaboraciones, compartiremos escena tanto con las compañías universitarias como con agrupaciones independientes, invitaremos maestros para impartir el entrenamiento a nuestro elenco tanto del medio independiente como a partir de los convenios interinstitucionales, invitaremos coreógrafos y coreógrafas tanto nacionales como internacionales para crear el nuevo repertorio, seremos parte de las propuestas de las Orquestas del MCJ, daremos en préstamo los salones de entrenamiento y el teatro para que artistas independientes puedan desarrollar sus propuestas.
5. ¿Cómo trabajará la CND para seguir acercando la danza a diferentes comunidades del país?
Nos proponemos facilitar el acercamiento de la danza a nuevos públicos dentro y fuera de nuestras fronteras.
El Ministerio de Cultura creó un programa muy bonito llamado “Ride Cultural” con una visión colaborativa e inclusiva, a través de la cual, se moviliza no solo la danza, sino que también, se realiza todo un despliegue artístico en la Costa Rica más rural que ha tenido poco o nulo acceso al arte, es un trabajo que reúne la sensibilidad de muchos artistas y ¡Ya somos parte de esto!
Por otro lado, atendemos muchas solicitudes para que la CND se presente en otros puntos geográficos que tienen un gran deseo de ver la magia de nuestros espectáculos, para esto, creamos coreografías de pequeño y mediano formato que pueden ser adaptadas a los espacios alternativos que vamos encontrando en las localidades y hacernos presentes con obras de calidad. Nuestra infraestructura (compañía, teatro, salones y recurso humano), ya está puesta a disposición de la comunidad.
6. ¿Qué te impulsó a estudiar danza? Estudiar en el Conservatorio de Castella, por decisión de mi madre
(una amante del arte) fue lo que me permitió crecer en este fascinante mundo artístico que despertó mi imaginario. Comencé a tomar clases de danza desde muy pequeña y con los años entendí que ese sería mi camino, porque sentía una gran necesidad de entrenar y bailar. Luego decidí entrar a la carrera de Danza en la Universidad Nacional, donde conocí grandes Maestros que fueron clave en mi decisión de continuar bailando profesionalmente como parte de la Compañía Cámara Danza UNA. Mi experiencia como maestra de danza, coreógrafa y directora, se generó en diferentes países como República Dominicana, Brasil, El Salvador y Colombia. Esto me permitió conocer otros universos alrededor de la danza, que me han provocado otras reflexiones y me han enriquecido desde otras ópticas. Hice mi maestría en Artes Escénicas con la Universidad Rey Juan Carlos de España para ampliar mi mundo creativo.
Así que pienso que la danza es parte fundamental de mi vida, porque es ella la que me ha llevado a conocer otros espacios, otras culturas y otras personas relevantes, y cuando he estado a punto de desfallecer, la danza me ha llamado para retomar el camino.
7. ¿Tienes alguien que te haya inspirado o un mentor? He conocido innumerables personas en el entorno del arte, artistas valiosas con las que compartí escenas maravillosas, pero puedo mencionar algunas: Elena Gutiérrez fue una de mis principales maestras, me inspiró mucho respeto y disciplina, me enseñó que los artistas tenemos un rol social relevante en
nuestra sociedad que debemos hacer valer. Elsa Flores me enseñó que la cohesión de grupo es más importante que un talento aislado cuando diriges una Compañía y Jorge Ramírez fue una luz que me mostró que la intuición forma parte de saber abordar las oportunidades y a no dejarse caer fácilmente.
8. ¿Qué crees que define tu estilo y enfoque como creadora y gestora en el mundo de la danza?
Conecto mucho con los temas que tocan la humanidad, la justicia, el género y la equidad.
En mis coreografías, quiero ver una enorme intensidad de energía dentro de una estética interesante, con una entrega tanto física como mental de los intérpretes. Obras que toquen la sensibilidad humana y que logren, a través del universo visual y sonoro de la danza, la música y la plástica, extender puentes entre las personas, a pesar de no compartir historia, religión, creencias o lenguajes; que contribuya, de manera modesta, a crear un mundo más amable en el que se viva mejor.
Como creadora me gusta dejar el alma en el escenario y provocar que los bailarines se entreguen apasionadamente. Generar complicidad entre todos los que aportamos ideas en una obra y diseñar escenas que lo reflejen. Ver las individualidades en cada intérprete, pero también la fuerza de grupo. Colocar recursos escénicos de forma cuidadosa y compenetrada con la temática. Utilizar elementos sugerentes.
Visualizar el virtuosismo de los bailarines mezclado con el movimiento orgánico y gestual. ¡Es un mundo fascinante! Como gestora, creo que cada momento es valioso e irrecuperable y que debemos ser eficientes al momento de producir. Suelo trabajar generando alianzas, porque reconozco que muchos artistas, instituciones y países, compartimos intereses que nos enriquecen a todos.
9. Un momento en tu carrera profesional que te haya marcado Me marcaron varios momentos en mi vida:
a. Haber sido Directora de la CND de El Salvador, una compañía con tantos talentos y pocos recursos hizo que mi disposición fuera total para multiplicar mis destrezas y lograr una gestión relevante (Adecuar una nueva planta física, encontrar los mecanismos para invitar coreógrafos internacionales a crear nuevas obras de repertorio, planificar las giras para proyectarnos al interior y exterior del país, invitar bailarines y artistas de diferentes géneros para crear obras multidisciplinarias.
b. El haber dirigido la Compañía de Danza de Centroamérica y El CaribeCODACA con integrantes de 7 países y un coreógrafo europeo, las embajadas, el SICA y los Centros Culturales involucrados fue también una experiencia muy valiente.
c. El sentido de “comunidad y hermandad” que me enseñó ser parte de la Escuela Nacional de Danza de República Dominicana ENDANZA de la cual me sigo sintiendo parte.
d. Haber sido bailarina de Cámara Danza UNA, donde forjé mis valores fundamentales.
10. ¿Qué mensaje le darías a los compañeros y sobretodo a quienes integran la CND?
Escuchar y explorar esa necesidad innegable e incesante de bailar, ser siempre una fuente de inspiración para los demás artistas que comparten la escena y los procesos creativos, para el público espectador y sobre todo para sí mismos. Se requiere de mucha entereza para ser un intérprete de calidad y a la vez un funcionario público, existe el compromiso inherente de seguir creciendo para ser merecedor de ese lugar “privilegiado” por la estabilidad, pero a la vez implacable, porque sabemos que los bailarines muchas veces se lastiman el cuerpo (que es el instrumento de trabajo) y tienen muy poco tiempo para la recuperación.
“Cuando el telón se abre, solo queda estar listos y entregar lo mejor, pero la cálida energía del público será el alimento que nutre la gratificación”
RESPUESTA TRIVIA
Opción B) La palabra "teatro" proviene del griego "théatron", que significa "lugar para mirar".
Fuente: https://etimologias.dechile.net/?teatro