Entre architecture et scénographie : les défilés de mode

Entre architecture et scénographie : les défilés de mode

Une anaylse architecturale de la scénographie des défilés de mode

Elisa Tonelli

Sous la direction de Éric Van Essche

Année académique 2021-2022

Faculté d’architecture La Cambre-Horta, Université libre de Bruxelles

“Travailler, c’est faire un boulot qu’on n’aime pas. Dès l’instant que vous aimez votre boulot, ce n’est plus du travail”

Karl Lagerfeld

Remerciements :

J’aimerais tout d’abord remercier mes parents qui ont fait tout ce qui était possible pour me permettre de réaliser mon souhait de rentrer dans une école d’architecture et de devenir architecte. Je les remercie aussi de m’avoir encouragé et soutenu durant toute ma scolarité.

Je remercie également la Faculté d’architecture la Cambre Horta qui m’a accueilli à bras ouvert, qui m’a offert un riche enseignement sur l’architecture et qui m’aura fait découvrir une multitude de choses ces cinq dernières années.

Je remercie mon promoteur Éric Van Essche pour le grand intérêt qu’il a donné à mon sujet, pour toutes les connaissances supplémentaires qu’il a pu m’apporter et pour son soutien et ses encouragements qui m’ont aidé durant ces deux dernières années.

Je remercie Sarah Martins,Claire Haemers et Alice Vanheu Waitforit Verzwijn pour la relecture et la correction de mon mémoire.

Pour finir, je remercie Kristine, Fanny, Théo, Quentin, Paul, Léa, Lucie, Julie, Laura et tous mes proches qui ont été là pour moi, pour me soutenir et m’aider dans les moments de doute et sans qui je ne serais jamais arrivée là.

Sans eux, rien de tout ça n’aurait été possible, et c’est grâce à eux que ce mémoire qui me tient tant à cœur voit le jour.

À tous, un grand merci.

Mots-clefs :

Architecture, scénographie, défilé de mode, maison de couture, décors

Table des matiEres

Remerciements

Introduction : identification de la problEmatique

Etat de l'art

MEthodologie

I. Notions et bases thEoriques

I.1 Qu’est-ce que la scénographie ?

I.2 Quels liens entretiennent la scénographie et l’architecture ?

I.3 Le capitalisme artiste, moteur du changement du monde de la mode ?

I.4 Conclusion

II. Une Etude de cas : Les dEfilEs Chanel

II.1 L’histoire de la création de la maison Chanel

II.2 La vie de Karl Lagerfeld, un génie de la mode

II.3 Avant-Propos

II.4 Analyse

II.4.1 Un seul objet/élément créant l’espace

II.4.2 L’espace extérieur paysagé II.4.3 L’espace urbain II.4.4 L’espace fantastique II.4.5 Dans l’espace existant II.4.6 Les défilés de mode durant la pandémie du Covid-19

II.5 Conclusion

Conclusion : Les dEfilEs de mode ont-ils une dimension architecturale ? Ou sont-ils seulement de la scEnographie ?

Notice Bibliographique

Table des Illustrations

ABstract

p.7 p. 11 p. 15 p. 18 p. 20 p. 22 p. 27 p. 30 p. 35 p. 36 p. 38 p. 42 p. 48 p. 52 p. 54 p. 61 p. 68 p. 75 p. 82 p. 87 p. 93 p. 95 p. 99 p. 106 p. 114

Identification de la problematique

« Si vous savez dessiner une maison, alors vous savez tout dessiner. Être architecte ne se limite pas à dessiner de l’architecture, ça va bien plus loin »1. Cette citation est l’une des premières phrases qu’a prononcées un de mes professeurs de projet en première année, elle a marqué ma scolarité et m’a permis de trouver le sujet de ce mémoire.

Entre architecture et scénographie : les défilés de mode. Il me semble important d’expliquer avant de commencer les trois motsclefs qui composent le titre de mon mémoire.

« L’architecture ». Quand on énonce ce mot, les gens pensent directement, à d’énormes et impressionnants gratte-ciels avec l’image du Burj Khalifa, à des magnifiques églises comme la Sagrada Familia, à l’architecture haussmannienne propre à Paris, à la grande muraille de Chine ou tout simplement à une maison. Et c’est normal, c’est par ces édifices,possédants souvent une connotation historique, que n’importe qui commence à découvrir la vaste discipline qu’est l’architecture. Pour pas mal de gens, un architecte est simplement quelqu’un qui dessine des bâtiments, de l’architecture et rien d’autre. Pourtant si j’ai bien retenu quelque chose de mes cinq années d’étude, c’est qu’être architecte ne se limite pas qu’à dessiner un projet. Grâce à tous les savoirs acquis, le métier d’architecte va beaucoup plus loin que la conception d’un projet d’architecture et s’ouvre sur un grand champ de possibilités de métier. Il peut être architecte d’intérieur, urbaniste, architecte paysagiste, agent immobilier, maquettiste, modélisateur ou encore scénographe.

« La scénographie ». Un mot que l’on entend de plus en plus dans le milieu de l’art. Le métier de scénographe devient très populaire de nos jours, dû à la diversité des champs d’action qu’il propose. À l’origine la scénographie est l’art d’organiser et de construire l’espace de la scène. On retrouvait la scénographie exclusivement au théâtre. Or ces dernières années on la voit se développer dans de nombreux domaines, la mise en scène des espaces est de plus en plus importante, principalement dans un but commercial. Les boutiques mettent en scène les produits qu’ils vendent dans leur vitrine pour donner envie aux passants d’acheter. Les musées réfléchissent de plus en plus à comment organiser

leur espace d’exposition pour attirer plus de public. N’importe quel concert sera accompagné d’un décorpour proposer un véritable spectacle aux publics. Les maisons de couture utilisent la scénographie pour transformer leurs défilés de mode en superproduction.

« Les défilés de mode ». Pour présenter leurs nouvelles collections, les maisons de couture organisent plusieurs fois par an lors des Fashion Week, des défilés de mode. La Fashion Week ou semaine de la mode a lieu quatre fois par an. Il existe deux Fashion Week pour la Haute Couture, qui n’a lieu qu’à Paris, une pour la collection printemps-été et une pour la collection automne-hiver. Et deux autres Fashion Week pour les collections de Prêtà-Porter. Tout comme pour la Haute Couture, une qui présente la collection printemps-été et l’autre la collection automne-hiver. Il y a quatre villes qui accueillent principalement la Fashion Week et ce pendant quatre semaines. La première a toujours lieu à New York, ensuite a lieu celle de Londres. La ville de Milan accueille la troisième et c’est avec Paris que se clôture les Fashion Week. Le but pour les maisons de couture durant ces semaines de la mode est de présenter leurs nouvelles collections aux journalistes, aux acheteurs, aux représentants de grands magasins mais aussi aux stars. Et ce durant un défilé, qui prend l’allure d’un véritable spectacle.

De nos jours, le lien entre la scénographie et l’architecture est un sujet d’étude qui se développe de plus en plus. L’architecture et la scénographie sont deux disciplines étroitement liées. Elles se sont mutuellement aidées dans leur développement. Toutes les deux organisent et construisent

« Si vous savez dessiner une maison, alors vous savez tout dessiner. Être architecte ne se limite pas à dessiner de l’architecture, ça va bien plus loin »

1 Carboni Maestri, G. Professeur de projet Ba1 en 2017-2018

l’espace et elles accueillent toutes les deux un « public ». Le lien si fort entre la scénographie et l’architecture a vu naître un nouveau métier ces dernières années, celui d’architecte-scénographe. Éric Charbeau met en avant d’ailleurs ce nouveau métier dans son article Architectescénographe2 ou il explique qu’être architecte lui permet d’être un meilleur scénographe et inversement.

La spectacularité des défilés de mode est arrivée grâce à l’entrée en scène de la scénographie. Ce ne sont que les plus grands scénographes qui vont organiser les défilés des maisons de couture. L’intervention de la scénographie a permis au défilé de devenir des événements à ne pas rater. À l’origine, les défilés avaient lieu au premier étage des boutiques de. luxe avec moins d’une cinquantaine d’invités Aujourd’hui un défilé de mode accueille plus de cinq cents personnes, il se déroule dans un lieu grandiose auquel le scénographe ajoute un décor extraordinaire qui surprend le public à chaque fois. Les scénographes n’ont aucune limite, leur seul but est de rendre chaque défilé mémorable. Faute d’avoir le centre Pompidou, la maison Louis Vuitton est venue reconstruire dans les moindres détails la façade du bâtiment parisien à l’occasion de son défilé de Prêt-à-Porter automne-hiver

2019-2020. Pour son défilé automne-hiver 20162017 la maison Chanel est, quant à elle venue reconstruire la tour Eiffel en plein cœur de la nef du Grand Palais. Rien n’arrête les scénographes dans cette grande course au défilé monumental.

Quand est-il alors du rapport entre l’architecture et les défilés de mode ? Les architectes et le monde de la mode ont de nombreuses fois travaillé ensemble que ce soit pour construire des boutiques ou des musées… Certains architectes ont eu la chance de collaborer avec certaines maisons de couture pour élaborer un produit. On peut prendre Zaha Hadid comme exemple, elle a travaillé avec Louis Vuitton ou elle a pu s’approprier le LV Buckel Bag3 . Il existe aussi de nombreux écrits qui parlent du lien qui uni l’architecture au monde de la mode. On peut retrouver des travaux qui comparent le travail de l’architecte à celui du couturier, deux professions qui enveloppent l’Homme. D’autres soulignent le lien entre l’architecture et la Haute Couture par la scénographie ou encore sur l’influence de l’architecture des points de ventes des maisons de couture. Cependant, aucun ne parle d’architecture dans un défilé de mode étant donné qu’ils sont déjà affiliés à de la scénographie. Pourtant lorsque je regarde les vidéos des défilés de mode de notre époque, tout en sachant que

2 Charbeau, E. (2012). Architecte-scénographe. Etudes théâtrales (53), pp.49-52. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales2012-1-page-49.htm

3 Périer, M. (2017). Mode et architecture : 8 collabs extraordinaires de Zaha Hadid à connaître.Vogue. https://www.vogue.fr/ mode/inspirations/story/zaha-hadid-mode-collaboration-architecture-lacoste-vuitton-fendi/403

Fig.1 : Défilé Prêt-à-Porter automne-hiver 2019-2020 Louis Vuitton

la scénographie est liée à l’architecture et au défilé de mode, je suis intimement convaincue que derrière ces superproductions se cache de l’architecture. Ce mémoire va donc aborder le rôle de l’architecture dans la scénographie des défilés de mode et pose la question suivante :

Les défilés de mode ont-ils une dimension architecturale ? Ou sont-ils seulement de la scénographie ?

Il existe un grand nombre de maisons de couture à travers le monde qui organisent des défilés de mode. De manière à réduire le champ d’étude et de le préciser, le corpus de défilé choisi se concentrera sur une maison en particulier : Chanel. Pour garder un corpus diversifié, il y aura autant de défilés de Haute Couture que de Prêt-à-Porter ou de défilé croisière. Le choix de la maison couture fut une décision méticuleusement réfléchie. Chanel fait partie des maisons de couture les plus connues au monde. Gabrielle Chanel, créatrice de la maison, a révolutionné le monde de la mode féminine. Pendant très longtemps pour être chic les femmes devaient porter des corsets, très serrés, des énorme armatures métalliques… Gabrielle Chanel a fait le choix de proposer une collection de vêtements chic mais confortables pour que les femmes puissent enfin se sentir bien dans leurs vêtements. Cette collection fut un énorme succès et a permis de fonder la réputation de la maison Chanel.

Les défilés de mode se sont transformés en superproduction ces trente dernières années avec une véritable accélération depuis dix ans. Karl Lagerfeld a été le moteur de cette transformation chez Chanel, grâce à sa grande imagination et son génie pour la communication. Les défilés de mode Chanel sont devenus de véritables événements ou à chaque fois, les invités sont surpris par la grandiosité des décors proposés. Karl Lagerfeld n’a jamais hésité à dépenser des sommes folles dans les défilés, jusqu’à même compléter avec son argent personnel pour être certain d’avoir un défilé spectaculaire dont tout le monde parlerait. En ce qui concerne mon avis personnel, la maison Chanel organise les plus beaux défilés de mode, et les plus originaux de notre époque. Je suis à chaque fois extrêmement surprise de voir comment la nef du Grand Palais est transformée pour chaque occasion ainsi que la qualité des décors. C’est pour cette raison mais aussi dû à la difficulté de trouver de la documentation plus ancienne, que j’ai décidé que le corpus de défilé choisi ne sera

composé que de défiler durant la période ou Karl Lagerfeld fut le directeur artistique de la maison.

Afin de répondre à la problématique énoncée précédemment, ce travail se décompose en deux parties. Au cours de la première partie de ce mémoire, nous allons retracer l’histoire de la scénographie, afin de mieux comprendre ses origines et voir son évolution dans le temps. Mais surtout comprendre quand et comment est-ce que la scénographie et l’architecture ont commencé à s’unir. Dans la continuité, nous verrons comment le scénographe et l’architecte abordent chacun un projet et le développe, pour découvrir quels sont les points communs entre les deux disciplines mais aussi ce qui les différencie l’une de l’autre. Cette partie se termine par l’explication de l’évolution des défilés de mode en gigantesque spectacle au travers d’une étude de l’histoire du capitalisme artiste et des nombreux changements que celui-ci à apporter au monde de la mode.

La deuxième partie débute avec un bref historique sur la maison Chanel, ainsi que sur sa créatrice Gabrielle Chanel. Cet historique sera accompagné d’un résumé de la vie du créateur Karl Lagerfeld, de son enfance en Allemagne jusqu’à ses derniers moments dans le monde de la mode. Pour ancrer l’analyse, une explication sur les différents types de défilés sera aussi réalisée, ainsi qu’une présentation du scénographe de la maison Chanel, et du lieu qui accueille chaque défilé de la maison. Enfin ce mémoire se terminera par une analyse d’une sélection de défilés Chanel. Et pour ne pas oublier le contexte dans lequel ce mémoire fut écrit, un dernier point sur les défilés des maisons de couture durant la pandémie du Covid-19 sera abordé.

Les défilés de mode ont-ils une dimension architecturale ? Ou sont-ils seulement de la scénographie ?

Anotre connaissance il n’existe pas encore à ce jour une analyse architecturale de la scénographie des défilés de mode. Pour pouvoir effectuer cette analyse,

mes recherches vont s’axer sur trois centres d’intérêt qui sont l’architecture, la scénographie et les défilés de mode. Jean Chollet raconte dans son article La scénographie4 toute l’histoire de la scénographie. Elle commence à l’époque grecque, puis connaît son premier tournant au Moyen Age avec la scène élisabéthaine. À la Renaissance, c’est le théâtre à l’italienne qui va créer un véritable bouleversement, puis la scénographie dite moderne d’Adolphe Appia et d’Edward Gordon Craig va permettre de mettre en avant le corps de l’acteur.5

La relation entre l’architecture et la scénographie est devenue un nouveau sujet d’étude ces dernières années. Il est important de constater que la documentation examinant le lien entre la scénographie et l’architecture passe en premier lieu par le théâtre, et le tournant qu’il a connu au XXe siècle. Avant cette époque, « l’architecture concerne le lieu de réception et de représentation, et la scénographie, le contexte scénique et son dessin ».6

Au XXe, la scénographie va venir créer des espaces qui ne sont, à l’origine, pas conçus pour y monter des pièces de théâtre ou des expositions7 .

C’est à partir de là que ce lien entre les deux disciplines se crée. L’architecte tout comme le scénographe sont des créateurs d’espaces, et organisent ces derniers autour de l’homme, le scénographe devient un architecte de scène8. Ce lien intime existant entre architecture et scénographie est développé par plusieurs auteurs9 dont Mahtab Mazlouman qui souligne que « l’architecte comme le scénographe invente et matérialisent l’espace et le cheminement d’un imaginaire auquel tant le théâtre que le musée et la ville convient le spectateur »10. De plus, la différence toujours soulevée entre ces deux disciplines est la temporalité, la scénographie étant considérée comme une architecture éphémère.11

4 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

5 Ibidem.

6 Brake, B. (2020). Le rôle et l’importance de l’architecture dans la scénographie aujourd’hui : étude de cas de la collaboration entre Sabine Theunissen, architecte-scénographe, et William Kentridge, plasticien. Mémoire de master, Université Libre de Bruxelles

7 Ibidem.

8 Pauly, D. (2012). Scénographie – Lieu de représentation – Architecture. Etudes théâtrales (54-55), pp 174-178. https://www.airn. info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-174.htm

9 Brake, B. (2020). Le rôle et l’importance de l’architecture dans la scénographie aujourd’hui : étude de cas de la collaboration entre Sabine Theunissen, architecte-scénographe, et William Kentridge, plasticien. Mémoire de master, Université Libre de Bruxelles

10 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

11 Ibidem.

"

L'architecture concerne le lieu de rEception et de reprEsentation, et la scEnographie, le contexte scEnique et son dessin"

Par la suite, je me suis concentrée sur la scénographie et la Haute Couture. La scénographie est là pour mettre en avant un objet comme elle le faisait à l’origine avec les acteurs, elle permet ainsi de créer un univers au cœur des boutiques qui est différent selon la marque de luxe12. La scénographie des vitrines dans le monde de la Haute Couture est très importante, les mémoires traitant de ce sujet expliquent qu’elle vise à captiver le passant, pour que le temps d’un instant le futur acheteur se retrouve ailleurs13, ces vitrines deviennent alors des spectacles14

De plus, Marion Boullier présente dans son mémoire le défilé comme paysage de mode, présent pour embellir le vêtement, il retient l’attention du spectateur. Elle analyse des univers créés par différentes maisons de Haute Couture avec chacune leur propre style15. On retrouve donc entre les vitrines et les défilés ce même objectif, la création d’un univers pour capter l’attention.

Enfin, un dernier mémoire a retenu mon intérêt, celui de Aubin Pradal, il est le seul ouvrage qui regroupe mes trois points de recherches. Il vient souligner le rapport entre l’architecture et la Haute Couture par la scénographie, et c’est cette scénographie qui va venir introduire les défilés qui sont considérés comme des pièces de théâtre. Dans son mémoire, il vient classer quatre catégories de lieu de défilé en fonction d’un point de vue architectural16

De manière générale, nous avons pu constater que la documentation traitant de scénographie et d’architecture est plutôt riche quand on se base sur le théâtre. Cependant, les ouvrages du point de vue des défilés de Haute Couture sont presque inexistants. Ce travail de recherche va donc être une réflexion architecturale au travers des scénographies des défilés de mode.

12 Andari, L.(2008). Vers une scénographie interactive pour la Haute Couture. . Mémoire de master, ENSCI.

13 Karabetian, J. (2019). La vitrine: l’imaginaire au service du luxe, le cas d’Hermés, 24 rue du Faubourg St Honoré. Mémoire de master, ENSA PARIS-La Villette

14 Labat, C. (2015). Vitrines: Entre communication et séduction, de la technique du merchandising à l’art de la scénographie Mémoire de master, Université de Toulouse II.

15 Bouillié, M. (2020). Les temporalités d’un paysage de mode. Mémoire de master, École Camando

16 Pradal, A. (2020). Architecture et Couture. Mémoire de master, ENSAM. 2020

Le défilé comme paysage de mode, présent pour embellir le vêtement, il retient l’attention du spectateur.

L’objectif de ce mémoire est d’analyser la scénographie des défilés de mode d’une grande maison de couture à travers l’architecture. Pour avoir les

acquis nécessaires pour effectuer cette analyse je répondrais en amont aux trois questions suivantes : qu’est-ce que la scénographie, quelles sont les corrélations entre un scénographe et un architecte, qu’est ce qui a permis l’évolution des défilés de mode en spectacle extraordinaire?

Pour répondre à la première question, une étude sur l’histoire de la scénographie sera développée à travers le théâtre, commençant par les débuts du théâtre et ses origines et évoluant jusqu’au début de l’intérêt pour la mise en scène et donc la scénographie grâce à l’article de Jean Chollet,

La scénographie17, ou il explique bien tous les tournant comme celui du Moyen Age avec la scène élisabéthaine. Ensuite, les différents acteurs, comme Adolphe Appia et Edward Gordon avec la scénographie moderne permettant de mettre en avant le corps des acteurs, qui ont donné lieu aux grands changements de la scénographie seront étudiés, pour comprendre comment en est-on arrivés à la scénographie que nous connaissons aujourd’hui.18

La deuxième question sera développée au travers d’une comparaison entre la scénographie et l’architecture. Elle débute par l’explication que donne Mahtab Mazlouman dans L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace, sur les similarités et les différences majeures entre les deux disciplines19. Il vient, dans un premier temps, retracer dans l’histoire, l’évolution des liens de ces deux disciplines en expliquant leurs points communs

comme l’espace, et la place de l’Homme/acteur dans celui-ci, mais aussi leur différence comme la temporalité, avec la scénographie comme architecture éphémère. Mazlouman raconte comment est enseignée la scénographie par rapport à l’architecture et ce que les deux enseignements s’apportent entre eux20, Les écrits d’Éric Charbeau permettent de comprendre que les méthodologies au projet de scénographie ou d’architecture sont quasiment les mêmes.21

Dans un troisième temps, le capitalisme artiste et son histoire vont être étudiés, en se penchant sur ses trois phases de développement. Avec en premier lieu l’industrialisation, et la révolution industrielle qui vont permettre la production de masse ainsi que de transporter dans le monde entier facilement n’importe quel produit. Ce qui amène à l’esthétisation du monde, et à la création de la Haute Couture qui engendre celle des défilés de mode.

Avant de débuter l’analyse et pour mieux comprendre les différents défilés que je vais analyser, des recherches sur la vie de Gabrielle Chanel, créatrice de la marque, seront effectuées. Elles porteront sur son début de vie compliqué, avec la mort de sa mère et la fin de son enfance dans un orphelinat, au début de Chanel comme une marque de Chapeau en passant par ses débuts en Haute Couture et la création de Chanel N°5. Grâce à la création de son tailleur en tweed, permettant aux femmes de s’habiller de façon chic tout en portant des vêtements confortables, une révolution pour cette époque, Chanel devient une maison de renommée.

Toujours en préambule de l’analyse, une recherche biographie sur Karl Lagerfeld sera réalisée, pour connaître l’évolution de ce génie de la couture qui

17 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

18 Ibidem.

19 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

20 Bouillié, M. (2020). Les temporalités d’un paysage de mode. Mémoire de master, École Camando

21 Pradal, A. (2020). Architecture et Couture. Mémoire de master, ENSAM. 2020

Qu’est-ce que la scénographie, quelles sont les corrélations entre un scénographe et un architecte, qu’est-ce qui a permis l’évolution des défilés de mode spectacle extraordinaire ?

a influencé de nombreux créateurs et marqué plusieurs générations. Cette recherche commencera dès son enfance en Allemagne, un enfant pas comme les autres, continuera sur son arrivé à Paris, et son début de carrière chez Balmain, en passant par la maison Chloé et les débuts du Prêt-à-Porter jusqu’à son arrivé chez Chanel où il restera jusqu’à la fin de sa vie. Son mode de vie personnel sera aussi étudié, exerçant une grande influence sur sa carrière, principalement marqué par sa relation avec sa mère, sa relation tumultueuse avec Yves Saint Laurent ou encore l’amour de sa vie Jacques de Bascher.

Le monde de la mode étant un cercle très fermé, obtenir des informations sur les défilés de mode c’est révélé être un véritable défi. J’ai donc fait le choix de sélectionner les défilés en fonction de la quantité de photo et de vidéo disponible, pour pouvoir réaliser au mieux cette étude.

Grâce à toutes les connaissances acquises par les précédentes recherches ainsi que tout ce que j’ai appris au cours de mes études, une analyse architecturale d’une dizaine de défilés Chanel sera effectuée dans le but de mieux comprendre leur fonctionnement. Elle se basera donc sur une étude approfondie des quelques vidéos et photos que j’ai réussi à trouver. Une vidéo d’une modélisation 3D de la nef Grand Palais sera utilisée, pour essayer de savoir où sont positionnés chaque défilé dans celle-ci, mais aussi de déterminer leurs dimensions, l’objectif étant d’obtenir un maximum d’informations, pour avoir l’analyse la plus détaillée possible.

Un dernier point sera abordé, celui des défilés de mode pendant la pandémie du Covid-19. Pour voir comment les différentes maisons de couture ont réussi à présenter leur collection sans un défilé en présentiel et les différentes conséquences que cela a eu sur le monde de la mode.

Fig.2 : Adolphe Appia, scénographie du vagabond des étoiles

I. Notions et bases thEoriques

La scénographie créée l’espace de production dramatique, elle travaille sur l’espace réel et concret de la scène. Elle participe activement à tout projet théâtral. Le

scénographe est le penseur de l’ensemble des éléments visuels de la représentation22

Pour mieux comprendre ce domaine il s’avère important de revenir sur son origine et son histoire :

Le mot « scénographie » prend ses racines en Grèce antique, il provient de skênêgraphia, qui, en grec veut dire décoration de l’espace théâtrale, skênê désignant la scène et la graphein l’écriture. À l’origine, dans les théâtres grecs, on pouvait retrouver des panneaux peints reposant sur les façades des maisons des acteurs aux skênê, ces mises en scène étaient organisées lors des fêtes qui célébraient Dionysos. Au Vème siècle avant J-C, on peut retrouver des traces de scénographie dans les œuvres de Sophocle ou d’Eschyle, elle viendra s’adapter si la

pièce de théâtre est une tragédie ou une comédie. Un spectacle total se crée avec la skênêgraphia, la musique, le texte et les costumes. Plus tard dans l’histoire, à Rome, la skênê est remplacée par un mur de scène percé de trois baies. Dans un premier temps, ce mur sera décoré de toiles peintes qui réunit le trompe-l’œil et les images naturalistes. Aux alentours du Ier siècle avant J-C, des constructions représentant des éléments architecturaux, comme des colonnes ou des statues rejoindront ce mur23

Au Moyen Age, les pièces de théâtres sont jouées dans des bâtiments prévus à d’autres fins : une église, un palais, ou sur la place publique où des structures en bois éphémères seront construits pour jouer le spectacle. À la même période, en Angleterre, le théâtre se joue sur des chars mobiles, et dès la seconde moitié du XVIème siècle le théâtre élisabéthain apparaît, c’est à partir de ce changement que l’architecture et la scénographie s’associent. Il y a trois aires de jeu, une scène en éperon avec une 22 Scénographie. La Cambre. https://www.lacambre.be/fr/formations/scenographie 23 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

Fig.3 : Le théâtre de Pompée

trappe, une scène intermédiaire et une arrière-scène. La scène intermédiaire et l’arrière-scène sont toutes les deux couvertes d’un toit en chaume reposant sur deux piliers. Avoir trois scènes permettait de nombreuses possibilités de mise en scène. 24

À la Renaissance, la salle italienne crée un chamboulement dans l’histoire de la scénographie. En 1540, Sebastiano Serlio, auteur de traité sur l’architecture et la perspective, va proposer de séparer la salle de la scène qui est aménagée jusqu’au plancher et qui est incliné, permettant de créer des illusions d’optique. Le premier théâtre couvert en maçonnerie du monde sera le Teatro Olimpico de Vicence, il a été conçu par Palladio entre 1580 et 1585. L’intérieur est fait de bois, de plâtre ainsi que de stuc et peut accueillir jusqu’à quatre cents personnes. Véritable bijou, il est connu pour son décor de bois avec des illusions d’optique ainsi que des effets d’ombre et de lumière. La scénographie se fonde jusqu’au XIXème siècle sur des décors en perspective, sur l’utilisation d’éléments construits et de toiles peintes. Au théâtre, la hiérarchie sociale y est très marquée, c’est pour cela que le point idéal des lignes de fuites des perspectives des décors est nommé l’œil du prince qui est placé en fonction d’où seront installés les dirigeants dans la salle.

Fig.4 : La scène élisabéthaine, Le Swan

Dans la seconde moitié du XIXème siècle, les naturalistes vont chercher à réaliser des décors les plus proches possibles de la réalité. Le théâtre à l’italienne sera remis en cause avec la séparation entre architecte, décorateur et machiniste à cette même époque.25

Adolphe Appia, metteur en scène et scénographe suisse, va écrire dans différents essais ce qui est peut-être considéré comme une révolution de la scénographie contemporaine. Pour lui, l’espace théâtrale doit se tourner autour de l’action. Il privilégie le texte dramatique et les acteurs. Appia imagine un espace en trois dimensions qu’il combine avec la lumière pour mettre en avant l’expressivité du corps. Les espaces qu’il construit sont adaptables en fonction du drame et de l’acteur, permettant de limiter la représentation descriptive. Les toiles peintes sont remplacées par des dispositifs simples comme des cubes, des plots, des paravents… Il étudie le rapport entre la scène et la salle, il imagine le théâtre comme un « art vivant auquel tous participent »26 24 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

Fig.5 : Théâtre Olimpico de Vicence, Palladio

La mise en scène doit être unifiée, pour ceci il utilise trois éléments essentiels : Le paysage perpendiculaire, le mouvement dynamique et tridimensionnel par les acteurs et l’utilisation de la profondeur et de la dynamique horizontale de l’espace performance. Il voit la lumière, le corps humain et l’espace comme des matériaux qui doivent être intégrés pour créer cette idée de mise en scène unifiée27

Dix ans plus tard, Gordon Graig, metteur en scène et théoricien anglais, prône une scène architectonique pour venir remplacer la scène picturale. Dans La Libération de Stanislaw Wyspianski, Fig.6 : The Liberation. De Stanislaw Wyspianski

il imagine une scène nue sans rideau, l’acteur se change sous les yeux du public et les machinistes déplacent en même temps quelques éléments du décor. Toujours dans cette même continuité du rejet du naturalisme, Vsevolod Emilievitch Meyerhold vient développer un nouveau langage scénique, basé sur une redéfinition de formes et d’assemblages des composants de la représentation. Il conçoit la structuration du décor avec une sorte de machine qui prend vie et s’adapte à la mise en scène. Max Reinhart et Erwin Pscator cherchent à développer le rapport entre la science et le public. Pour ceci, ils vont expérimenter de nouveaux lieux pour le théâtre, comme le cirque, la rue ou encore l’arène… Au début du

XXème siècle, la fondation du théâtre du VieuxColombier créée par Jacques Copeau en 1913 sera un véritable tournant dans l’espace scénique en France. Il vient dépouiller le théâtre de ses artifices. Avec l’aide de Louis Jouvet, et s’inspirant de la scène élisabéthaine, ils inventent un dispositif scénique architecturé en bois qui occupe le fond de la scène avec les mêmes possibilités d’entrées et de sorties que la scène classique dans un espace réduit, le tout permettant de privilégier le jeu de l’acteur28.La scénographie permet une mise en dynamique de l’espace théâtral29

En parallèle, un autre mouvement esthétique s’est installé avec l’arrivée des ballets russes de

Fig.7 : Théâtre du Vieux-Colombier

27 Bablet-Hane, M-L. Scénographie - Adolph Appia. https://www.vagabond-des-etoiles.com/arts/scenographie-adolphe-appia

28 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

29 Devinat, F. (1997). Bref historique sur la scénographie. Libération. https://www.liberation.fr/culture/1997/07/21/bref-historique-scenographie_210456/#:~:text=comme%20une%20mise%20en%20dynamique,de%20jeu%20du%20th%C3%A9%C3%A2tre%20grec

Serge de Diaghilev. Pour combiner les arts au service de la danse, les chorégraphes vont s’aider de grands peintres comme Picasso, Mondrian, Braque ou encore Miro et bien d’autres. Cela a pour but de développer une vision picturale synthétique, en accord avec le thème du ballet. Cette tendance se poursuivra par certaines scénographies après la Seconde Guerre Mondiale, avec une évolution de ces formes. Les années soixante vont être au cœur d’une remise en question du lieu théâtrale pour des raisons sociologiques ainsi qu’artistique. L’architecture, en plus d’être une référence à un lieu ou une époque, va devenir la scène, dépendant toujours du jeu des acteurs. Dans les années quatre-vingt, une nouvelle génération de scénographes apparaît en même temps que la réhabilitation de l’édifice théâtrale. Dans cette nouvelle génération, Jeanneteau va troquer le spectaculaire pour faire des expérimentations par le vide, quant à Clolus, l’acteur va jouer avec l’espace et le décor et créer une harmonie30. Dans La scénographie à la scénographie31, Rodrigue Villeneuve nous explique que le scénographe n’est

plus un décorateur, il participe au processus de la conception de la mise en scène et pas seulement l’image finale.32

Au fur et à mesure du temps, la scénographie prend de plus en plus d’importance dans la représentation théâtrale, jusqu’à devenir un moteur pour celle-ci. L’architecture va aussi se lier à la scénographie, elles sont, en effet, toutes les deux des disciplines de l’espace.33

30 Chollet, J. La scénographie. http://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/jean-chollet-la-scenographie.html

31 Villeneuve, R. (1992). De la scénographie à la scénographie. L’annuaire théâtrale (11), pp.29-40. https://www.erudit.org/fr/revues/annuaire/1992-n11-annuaire3660/041157ar/

32 Ibidem.

33 Brake, B. (2020). Le rôle et l’importance de l’architecture dans la scénographie aujourd’hui : étude de cas de la collaboration entre Sabine Theunissen, architecte-scénographe, et William Kentridge, plasticien. Mémoire de master, Université Libre de Bruxelles

il imagine le théâtre comme un « art vivant auquel tous participent »

Fig.8 : Ballets Russes de Serge de Diaghilev

Comme expliqué dans le point précédent, plus le temps avance et plus la scénographie et l’architecture ont de nombreux points communs qui se

développent. Il est donc primordial pour la suite de comprendre ce qui lie la scénographie à l’architecture et d’énumérer leurs différents points communs :

La scénographie se nourrit des autres arts comme l’architecture, les arts plastiques, la littérature, la danse… mais à son tour elle les nourrit aussi. L’architecture et la scénographie sont toutes les deux des disciplines travaillant l’espace, qui devient le sujet principal de la création. Depuis longtemps la scénographie est étroitement liée à l’architecture. Les deux inventent et matérialisent l’espace. De nos jours, cette rencontre entre la scénographie et l’architecture se place dans des programmes d’édification des lieux de représentation, des expositions ou des musées. Il y a tout de même deux grandes différences qui séparent la scénographie à l’architecture : le temps et la narration. L’architecture est faite pour durer dans le temps or la scénographie est quant à elle éphémère, elle n’est là que pour le temps de la représentation34. L’écriture de l’espace sera aussi effectuée différemment : quand on donnera un programme à l’architecte, le scénographe lui aura un poème35. Même si l’architecte et le scénographe transforment tous deux l’imaginaire en espace, celui du scénographe n’est pas définitif au contraire de l’architecture. La scénographie pourrait donc être ramenée au titre «d’architecture éphémère»36. C’est une architecture imaginaire qui a pour but de faire apparaître les acteurs et la poésie du théâtre 37. Elle permet à l’architecte une nouvelle vision de la création, en ajoutant des significations précises pour chaque

élément construit permettant de relier l’espace créé aux concepts fondamentaux qu’il en résulte38. La conception et la démarche de création sont des points où la scénographie et l’architecture se rencontrent. Le lien entre l’espace public et l’espace de la représentation a toujours été un point d'intérêt important pour les architectes ainsi que les scénographes.

L’architecture a permis l’évolution de la scénographie en changeant l’architecture des théâtres. Les nouveaux espaces créés ont permis de mettre en avant le corps de l’acteur, ce changement à conduit à la scénographie moderne de Adolphe Appia et Edward Gordon Craig. Différentes formes de scènes vont se développer pour obtenir cette finalité : la scène tripartite, la scène centrale, la scène circulaire ou encore la scène architectonique39. Walter René Fuerst nous raconte que « l’art moderne, un art éminemment constructeur, plastique, qui, même pour la peinture, pose des principes d’architecture, devrait logiquement trouver son aboutissement au théâtre, dans une scène architecturée, constructive, plastique. »40. Dans cette citation, il expose les affinités qui existent entre l’architecture et la scénographie. Il explique que la sensibilité contemporaine s’exprime dans les goûts de l’époque pour la culture physique, le cirque, la danse… et ne peut s’exprimer qu’au travers de l’art de la scénographie qui devient un art plastique qui relève de l’architecture. La perception en trois dimensions de la scène va être étroitement liée à cette sensibilité. L’organisation de la scène va se faire autour du corps de l’acteur, tout comme l’architecte qui organise ses projets autour de l’Homme. L’Homme va être utilisé comme module, permettant de faire fonctionner l’ensemble. Le scénographe devient un architecte

34 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

35 François, G-C. Lors du séminaire Enseigner la scénographie qui s’est tenu les 3 et 4 mars 1998 à Clermont-Ferrand.

36 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

37 Moore, C. (2000). Jeunes scénographes. Catalogue de l’exposition de la Maison Jean Vilar. p. 18.

38 Ibidem.

39 Pauly, D. (2012). Scénographie – Lieu de représentation – Architecture. Etudes théâtrales (54-55), pp 174-178. https://www. cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-174.htm

40 Ruerst, W-R. (1925). Du décor. Paris, La Douce France. p. 40.

de la scène. La scénographie et l’architecture ont un point commun : l’organisation de l’espace autour de l’Homme/acteur, ils vont aussi tous les deux structurer l’espace. Le scénographe vient construire un espace éphémère qui explore toutes les circulations, directions et perspectives possibles, tout en synthétisant l’espace, la lumière, et le mouvement, comme le ferait un architecte pour un projet durable dans le temps.41

La scénographie est une pensée, elle permet de se poser des questions sur l’enseignement d’autres disciplines, comme l’architecture, les écoles d’arts, de design..., elle devient un outil permettant l’étude de l’espace. L’école du Bauhaus a par ailleurs eu un atelier théâtral, qui est un exemple important dans l’enseignement de la scénographie42. Walter Gropius souhaite une synthèse des arts au travers de l’architecture. Or, dans les années vingt, l’ Allemagne connaît une inflammation importante et traverse des problèmes économiques, il n’y a donc pas les ressources suffisantes pour créer des grands projets architecturaux. Mais il existe une autre possibilité pour unir tous les arts : le théâtre. Et c’est comme ça que l’atelier de théâtre fut mis en place, il remplacera les projets architecturaux et deviendra le centralisateur de l’énergie créatrice des étudiants. Il n’y aura pas de diplôme de théâtre mais permettra de penser et de construire l’espace dans la réalité.43 De nos jours, l’enseignement de la scénographie a rejoint le programme de certaines écoles supérieures d’architecture française. Les cours sont donnés comme un approfondissement de l’architecture ou dans le but de devenir architectecte-scénographe, un nouveau métier qui se développe de plus en plus. Le but étant d’apprendre un nouveau mode d’analyse et de création de l’espace.

Dans son article Architecte-scénographe44, Eric Charbeau commence par dire « JE SUIS ARCHITECTE. Je tiens à cette précision parce qu’elle définit ma façon

d’être scénographe, elle définit la scénographie comme un domaine de l’architecture. »45. Cette spécification n’est pas là pour désigner la scénographie, mais pour expliquer que le scénographe qu’il est prend les méthodes du projet qu’il utilise en tant qu’architecte. L’architecture et la scénographie sont des biens d’usage primordiale à la vie sociale, elles englobent toutes les deux divers corps de métiers qui la produit, permettant d’arriver à la finalité du projet. Comme vu un peu plus haut, pendant que l’architecte suivra un programme dit architectural qui lui sera imposé par un maître d’ouvrage, le scénographe suivra lui aussi un programme structurel et plastique, mais qu’il inventera en fonction de l’histoire que la pièce raconte. Le scénographe vient noter chaque déplacement, entrées et sorties des acteurs, l’enjeu de celle-ci, le nombre qu’ils sont dans chaque scène, il vient décortiquer le scripte pour pouvoir écrire son programme. Quand le programme est établi, les mêmes outils de travail seront utilisés par les deux professions, comme les croquis, les maquettes, les représentations 2D ou 3D… ce qui permettra de travailler au mieux l’espace et de se faire une idée proche de la réalisation finale.46 Dans les deux cas, la suite du projet, sa construction, sera la même, chacun s’entoure de différents artisans correspondant au besoin du projet et dont ils seront les coordinateurs.

La scénographie et l’architecture sont principalement liées par l’espace, et, la réalisation de projet dans celui-ci a pour principal intérêt l’Homme/ acteur. L’architecture nourrit la scénographie et inversement, les deux disciplines s’enrichissent mutuellement47. Ces deux disciplines mises ensemble permettent une nouvelle méthode d’analyse ainsi que de création de l’espace. On retrouve la même méthode de conception du projet où seule l’échelle et la temporalité diffèrent. Le scénographe est renommé architecte de l’éphémère.

41 Pauly, D. (2012). Scénographie – Lieu de représentation – Architecture. Etudes théâtrales (54-55), pp 174-178. https://www. cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-174.htm

42 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

43 Le théâtre au Bauhaus. https://www.maxicours.com/se/cours/le-theatre-au-bauhaus/

44 Charbeau, E. (2012). Architecte-scénographe. Etudes théâtrales (53), pp.49-52. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales2012-1-page-49.htm

45 Ibidem.

46 Ibidem.

47 Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

Le capitalisme artiste, moteur du changement du monde de la mode

’Lindustrie de la mode a, de nos jours, un grand impact sur nos vies. Tout le monde développe son propre style selon sa personnalité à travers

ses vêtements et ses accessoires. Pourtant, il n’y a pas si longtemps que ça, seules les classes aisées avaient accès aux beaux vêtements et seul leur style était imité par tout le reste de la population voulant par tous les moyens faire croire qu’eux aussi étaient fortunés. C’est avec l’arrivée du capitalisme artiste dans le milieu du XIXème siècle que l’on commence à voir ce changement.

Qu’est-ce que le capitalisme artiste ? « Le capitalisme artiste est le système économique qui fonctionne à l’esthétisation systématique des marchés de la consommation, des objets, et de l’environnement quotidien. »48. C’est « un nouveau mode de fonctionnement exploitant rationnellement et de manière généralisée les dimensions esthétiques-imaginaires-émotionnelles à des fins de profit et de conquête de marchés. »49. Il commence à se mettre en place avec l’industrialisation de la production en série mais aussi l’économie moderne qui se base sur la consommation. Avec la production industrielle et les transports modernes, dès 1870, la production ainsi que la distribution fonctionnent sur des marchés à grande ampleur. Les premiers marchés de masse se créent avec la production en masse de produits standardisés. Cette arrivée du capitalisme artiste se fait aussi avec l’arrivée des grands magasins, le design des packagings et de la publicité moderne. Une des caractéristiques du capitalisme artiste est la logique de séduction qui va passer par la mise en scène de la marchandise et la théâtralisation du lieu de vente. Avec l’invention du packaging, la séduction par l’esthétique connaît une montée importante, le produit est maintenant jugé selon son emballage et le nom de la marque que l’on peut retrouver inscrit dessus, cela créer une petite théâtralité décorative et suggestive. Le fait qu’il n’y

est plus de contact physique direct avec les produits, ne fait qu’augmenter la puissance de stimulation des goûts, qui, avec les jeux de scénographies, force le consommateur à imaginer le produit. Ce sont aussi les débuts de la publicité moderne, qui a pour but maintenant d’afficher des images spectaculaires des produits vendues par les marques. Le capitalisme artiste a pour objectif de séduire et distraire le consommateur en innovant et embellissant les produits50.

Le capitalisme artiste se divise en trois phases, qui correspondent aux phases historiques du capitalisme de consommation. La première couvre le premier siècle du capitalisme de consommation jusqu’à la fin de la Seconde Guerre Mondiale, cette phase voit naître la Haute Couture, les grands magasins, l’industriel design, la publicité, le cinéma et l’industrie musicale. La deuxième se situe entre 1950 et 1980, qui est la période des Trente Glorieuses. La logique artistique vient gagner en importance et en puissance économique et se répand dans le design, la mode, la publicité et les industries culturelles. La dernière phase découle du capitalisme artiste de 1980 à nos jours, avec la création des multinationales de la culture, de la planétarisation du système artiste, mais aussi d’hybridations où se croisent l’industrie, le commerce, l’art la mode, le design, la publicité… La capitalisme artiste voit gagner en puissance sa dimension transesthétique.51

48 Lipovetsky, G., & Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’âge du capitalisme artiste. Gallimard.

49 Poirson, M. (2014). Capitalisme artiste et optimisation du capital attentionnel. Sciences humaines. pp 267-285. https://www. cairn.info/l-economie-de-l-attention--9782707178701-page-267.htm

50 Lipovetsky, G., & Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’âge du capitalisme artiste. Gallimard.

51 Ibidem.

« Le capitalisme artiste est le sysTEme Economique qui fonctionne A l’esthEtisation systEmatique des marchEs de la consommation, des objets, et de l'environnement quotidien. »

Les « temples » du shopping, ou grands magasins inventés par le capitalisme de consommation, sont un mélange de commerce et de mise en scène. Cette invention sonne le départ du capitalisme artiste. Avant cette période d’esthétisation, les boutiques préféraient se concentrer sur le stockage que la mise en scène de leurs étales et avoir les produits en grande quantité. Elles étaient, à cause de ça, en bazars en comparaison aux boutiques de luxe, qui, elles, étaient celles qui présentaient correctement leur produit, ou avaient des produits de meilleure qualité. Les grands magasins sont gigantesques et pleins de couleurs, leur architecture et leurs décors font entrer les visiteurs dans un monde magique. Une atmosphère de fête est présente, le shopping devient une activité de plaisir à faire en famille et de plus en plus accessible à tous. Les magasins parisiens deviennent des modèles avec le Bon marché qui fait 50 000m², abritant des magasins ainsi que de quoi se restaurer, un exemple pour le reste du monde.

Fig.9 : Intérieur du Bon Marché

Fait de fer et de verre, le Bon marché propose un nouveau rapport entre la lumière et l’espace, permettant avec la lumière de mettre en avant les produits proposés, et ainsi de sortir de ces petites boutiques sombres qui existaient auparavant. La façade plus qu’imposante dans la rue de Sèvre donne une impression de temple. Ces shopping center sont des symboles de l'architecture moderne. Dès 1880, le bazar va laisser place à la décoration des vitrines, donnant lieu à la mise scène des produits dans un décors choisis spécialement, permettant de transformer la vitrine en un spectacle qui attirera l’œil des passants. Grâce à cela, un nouvel art apparaît : celui de l’étalagiste. Dès la fin du 19ème siècle, les faux mannequins apparaissent dans les vitrines et ne les quittent jamais, tout d’abord sans bras ni tête, les figurines que nous connaissons sont installées en 1900. La vitrine devient un lieu de création important, les plus grands décorateurs seront demandés pour élaborer les show window52. L’intérieur des grands magasins affiche une architecture de richesse et on y voit aussi un majestueux spectacle, au Bon marché un escalier monumental occupe le premier plan et affirme la grandiosité du bâtiment, il est comparable à celui de l’Opéra de Paris de Charles Garnier. On retrouve là, la spectacularisation des décors de la profusion ostentatoire des étalages. Le rationalisme marchant et la logique féerique seront le maître mot du capitalisme artiste, les grands magasins à travers leurs décors théâtraux et leur architecture imposante vont diffuserle rêve de la consommation. Par ailleurs, à partir de 1900, aux Etats-Unis, ils organisent des défilés de mode dans leurs grands magasins.53

53 Lipovetsky, G., & Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’âge du capitalisme artiste. Gallimard.

Fig.10 : Le Bon Marché

chaque collection pour que son nom ne s’essouffle pas. Au début du XXème siècle, les grands magasins parisiens pouvaient commander jusqu’à dix milles nouveaux modèles par an, c’était du jamais vu, cela signait le début de la production de masse du textile. Au même moment, les débuts de la Fashion Week apparaissent, les collections sont présentées deux à quatre fois par an à Paris à date fixe. Les collections vont faire naître un nouveau système de promotion et de commercialisation : les défilés de mode. La Haute Couture vient créer les podiums, où des mannequins défilent en montrant leur beauté irréelle. En 1858, Charles Frederick Worth ouvre, à Paris, la première maison de Haute Couture. Dès 1910, la Haute Couture est encadrée de règle stricte qui sont dictées par la Chambre syndicale de la couture, pour être considérée comme de la Haute Couture « les maisons doivent faire de la couture sur mesures, elles doivent employer au moins vingt salariés dans les ateliers, présenter deux fois par ans au moins septante-cinq modèles sur des mannequins vivant et proposer ces mêmes collections au moins quarante-cinq fois par ans à la clientèle particulière »54 .

La mode de cent ans est une organisation de longue durée mise en place par la Haute Couture qui a pour but de contrôler le monde de l’élégance féminine pendant environ un siècle. Avec cette tendance, le créateur n’est plus un simple exécutant à la demande du client mais un créateur de mode et aura une influence sur ce que vont porter les femmes, il devient le « roi des élégances », Worth va même jusqu’à se proclamer « artiste en robe » et « compositeur de toilettes ». Le couturier devient un artiste adulé par la presse mode, il devient une célébrité comme un chanteur, un acteur ou un peintre. Ce dernier ne sera plus seulement jugé sur son travail et sa technique, mais aussi sur ses inspirations et son originalité. Les créations sont signées et sont protégées par des lois, ce ne sont plus que de simples vêtements mais de véritables œuvres d’art. Comme tout artiste, le grand couturier doit se renouveler et se surpasser à

La mode ne se sépare plus du spectaculaire et de la mise en scène féerique avec le capitalisme artiste55 . Comme pour les grands magasins, les défilés de mode vont au fil du temps se théâtraliser, au départ quelques mannequins tenant des panneaux avec un numéro, comme référence de la tenue, défilaient dans une pièce en haut des magasins avec comme seul public quelques privilégiés et la presse. La musique va faire son entrée en rythmant les défilés, et les décors vont apparaître. De nos jours, les défilés de mode sont des énormes spectacles avec des décors les plus grandioses les uns que les autres, reflétant souvent le thème de la collection, ils s’organisent dans de grands bâtiments historiques, sur les grands boulevards ou encore dans un lieu créé de toute pièce pour l’occasion. Le public intime laisse place aux plus grandes stars du monde entier, acteurs, influenceurs, chanteurs se battent pour avoir une place au premier rang des défilés lors de chaque Fashion Week, la presse a toujours sa place et un impact important sur la réussite d’un défilé. Le changement des défilés se voit à travers le changement d’intérêt au niveau des spectateurs, à l’origine prévu pour les acheteuses, se sont maintenant des shows qui sont là dans le but d’appâter la presse et pour avoir le plus de retombé médiatique. Pour se faire remarquer parmi les autres, chaque maison n’hésite pas à créer à chaque fois un défilé marqué par l’excès et la démesure, c’est un hyper-spectrale avec une

Lipovetsky, G., & Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’âge du capitalisme artiste. Gallimard.

Fig.11 : Atelier de Charles Frédérick Worth

surproduction pour vingt minutes tout juste de spectacle. Les défilés de mode sont devenus des véritables performances artistiques, un tableau vivant.56

Les pièces créées, que l’on retrouve sur les défilés, ne sont pas uniques, elles vont être produites en centaine voire milliers d'exemplaires sur mesure pour la clientèle particulière, la Haute Couture peut être considérée comme la première industrie moderne de prototypes du capitalisme artiste. Lors de la phase deux du capitalisme artiste le système de commerce commence à se transformer, avec ça, Dior réussit à construire son empire. Pour cela, il a mis en place un système de licences appelé «à faire florès». La force financière a de plus en plus d’importance pour les créateurs et s'impose avec la phase trois du capitalisme artiste. Les créations ne sont plus suffisantes, il faut que son travail soit vu à travers le monde pour vendre plus, d’importantes stratégies commerciales sont mises en place, prenant presque le dessus sur la créativité, tout ceci se transforme en véritable business.57

L’époque contemporaine où l'esthétique et l’économie triomphent, les « usine sont construites selon de somptueux programmes architecturaux, des magasins scénographiés comme des galeries d’art aux luxueuses décorations hors du commun, les objets du quotidien stylisés selon les techniques du design, les défilés de mode conçus selon de savantes mises en spectacle »58. Sans véritable limite, une maison peut réaliser une véritable forêt tropicale à l’intérieur d’un monument historique ou encore créer des toitures parisiennes, les vitrines sont des scénettes de théâtre, celles des Galerie Lafayette à Noël sont un point de tourisme important. En bref, le monde de la mode ne connaît plus aucune limite avec le capitalisme artiste. Chaque année le public pense avoir tout vu et pourtant comme tout artiste, les créateurs arrivent encore et toujours à nous surprendre.

56 Lipovetsky, G., Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’âge du capitalisme

57 Ibidem.

58 Poirson, M. (2014). Capitalisme artiste et optimisation du capital attentionnel. Sciences humaines. pp 267-285. https://www. cairn.info/l-economie-de-l-attention--9782707178701-page-267.htm

artiste. Gallimard.

Fig.12 : Défilé organisé à Florence par Giovanni Battista Giorgini en 1951

Fig.13 : Fendi sur la Grande Muraille de Chine

Pour résumer cette première partie de mémoire, nous avons vu que la scénographie commence par des pièces de théâtre organisées à l’occasion de cérémonie, qui était de simple panneau peint reposant sur les maisons des acteurs. Puis elle se développe en même temps que le théâtre et s’adapte en fonction du genre de la pièce qui est jouée. Les panneaux sont remplacés par un mur de fond et la musique, les costumes et le texte viennent s'y ajouter. Au fil du temps, la scénographie rentre plus dans les détails, et représente des éléments architecturaux. Avec l'arrivée du théâtre italien à la Renaissance, la scénographie sera basée sur la perspective. Et c’est avec Adolphe Appia que la scénographie contemporaine apparaît. Le but étant de mettre en avant les acteurs en venant remplacer la scène picturale par une scène architectonique et en jouant avec la scénographie de celle-ci. L’architecture est venue se lier à la scénographie car toutes deux inventent et matérialisent l’espace, la grande différence est que l’architecture reste dans le temps. Les deux disciplines se rejoignent tellement que l’enseignement d’une permet de

compléter le savoir de l’autre. L’enseignement des deux disciplines simultanées permet d’avoir une vision beaucoup plus large de l’espace et de la manière de la construire. Avec l’arrivée du capitalisme artiste, la scénographie sort du théâtre et vient agencer les allées des grands magasins, cette mise en scène permettant de faire vendre les produits par le biais de l’esthétique. Ce besoin de vendre du rêve au client va permettre à la scénographie de se développer aussi dans les vitrines de ses magasins, pour que les divers passants s’arrêtent devant, émerveiller du spectacle agencé dans les vitrines. Sans surprises, les défilés de mode n’ont pas échappé au capitalisme artiste et sont devenus des superproductions mises en scène par des scénographes. Les maisons de couture sont en compétition à chaque Fashion Week pour avoir le prix de la scénographie la plus surprenante, extravagante… Et la maison Chanel en fait partie, avec, il n’y a pas encore si longtemps, Karl Lagerfeld à la tête de cette maison de couture, chaque défilé surpasse le précédent, étonnant toujours les invités. Et c’est sur cette grande maison de couture et ses défilés que va traiter la deuxième partie de ce mémoire.

Fig.14 : Gabrielle Chanel. Fig. 15 : Karl Lagerfeld

II. Une Etude de cas : Les dEfilEs Chanel

Chanel, maison de Haute Couture dont la réputation n’est plus à faire. L’histoire de la maison

commence avec la naissance de Gabrielle Chanel, plus connu sous le nom de Coco Chanel, née le 19 août 1883 à Saumur en Auvergne, elle connaît un début de vie difficile, son père l’abandonne elle et sa sœur dans un orphelinat après la mort de sa mère. À dix-sept ans, elle quitte l’orphelinat et devient cousette pour une petite boutique de couture. Par la suite, à vingt ans elle décidera de vivre d’expédient, elle chantera dans les bars, c’est d’ailleurs en chantant « Qui a vu Coco dans l’Trocadéro » que les gens commenceront à la surnommer Coco Chanel, elle ira jusqu’à devenir une cocotte59. Grâce à ça, Gabrielle Chanel va rencontrer un officier : Etienne Balsan. Il va l’entretenir comme si c’était sa compagne, lui laissant du temps pour confectionner des pantalons, style à la garçonne, elle va aussi se mettre à créer des chapeaux, Étienne Balsan va même l’aider à monter son atelier de chapeau. Durant une balade à cheval, elle va tomber amoureuse de Arthur Capel, surnommé Boy Capel. Très vite, elle va le rejoindre à Paris. Grâce à cet homme qui l’encourage énormément dans sa passion pour la mode Coco Chanel, accompagnée de la modiste Lucienne Rabaté, va ouvrir sa première boutique en 1910, au 21, rue Cambon, la boutique de chapeau sera entièrement financée par son compagnon60.Avec son style avant-gardiste, la boutique va connaître un grand

60 Mademoiselle Coco Chanel : Un héritage au parfum de scandale… (2022, 24 mars). NRJ12.

Fig.16 : Gabrielle Chanel devant sa boutique à Deauville en 1913

Fig.17 : La boutique maison de couture à Biarritz, 1931

succès, les chapeaux seront portés par de grandes actrices françaises, et lui ont permis de façonner sa réputation.61

Trois ans plus tard, Coco Chanel ouvre à l’aide de Boy une deuxième boutique cette fois-ci à Deauville, où elle y mettra en vente sa première collection de vêtements d’un style simple et confortable. Très rapidement après, elle ouvre une boutique à Biarritz, dont elle va donner la direction à sa sœur cinq mois plus tard pour rejoindre la maison mère Chanel à Paris et retrouver Boy. Dès 1914, elle gère trois cents employés, elle est maintenant en mesure de rembourser Boy et de gagner enfin son indépendance, encore quelque chose de très rare

pour une femme à l’époque. Malheureusement pour la créatrice, Boy Capel va se fiancer avec une autre en 1918. C’est en 1919 que la maison Chanel s’installe au fameux 31, rue Cambon qui reste encore aujourd’hui l’adresse principale de la maison. Deux ans après la mort de Boy Capel, l’amour de sa vie, Gabrielle Chanel lance les parfums Chanel, elle souhaite un parfum qui change de l’ordinaire, et c’est au bout du cinquième essaie que naît Chanel N°5 qui est encore de nos jour un parfum iconique. Pour pouvoir produire son parfum à grande échelle, elle s’associe aux frères Wertheimer, Paul et Pierre.62

Ce parfum est devenu un incontournable, Marylin Monroe va même sans s’en rendre compte faire un énorme coup de pub pour le parfum en déclarant qu’elle dort avec « quelques gouttes de Chanel N°5 ». En 1924, elle propose une collection de maquillage Chanel, prouvant au monde entier, qu’importe ce qu’elle entreprend, la réussite lui sourira. En 1926, Madame Chanel créait un des plus grands succès de la maison, la petite robe noire, le noir était encore à l’époque utilisé seulement pour le deuil63 Elle aura un énorme succès aux État Unis et sera standardisée. La maison Chanel toujours en développement, une collection de bijoux sera créée en 1932. Très populaire au État Unis, Coco Chanel commence à habiller les actrices américaines du

Fig.18: La boutique Chanel, 31 rue Cambon en 1929

61 L’histoire de Chanel. Chanel. https://www.chanel.com/fr/about-chanel/l-histoire/1883/

62 Mademoiselle Coco Chanel : Un héritage au parfum de scandale… (2022, 24 mars). NRJ12.

63 Gleye, N., & Léger, M. (2020) L’histoire de Chanel : tout savoir sur cette maison mythique, de sa création à aujourd’hui. Vogue. https://www.vogue.fr/communaute/wiki-de-la-mode/articles/chanel-haute-couture-et-parfums-de-luxe-la-franaise/20583)

studio United Artists. Pendant la Seconde Guerre Mondiale, la vente et production de vêtement sera arrêtée pour se focaliser sur les accessoires. Sa sœur décédée quelque temps avant, elle va prendre la garde de son neveu, qui est la seule famille qui lui reste. Durant la Seconde Guerre mondiale, le garçon va être fait prisonnier, et en plus de ça attrapera la tuberculose. Madame Chanel va donc se concentrer sur la libération de son neveu durant cette période sombre de l’histoire. Pendant cette même période, elle gère ses problèmes avec les deux frères Wertheimer, qui possèdent septante pourcents des parts, et elle seulement dix. Sous l’occupation allemande, les juifs ne peuvent être propriétaires de société, les deux frères étant juifs, ils ont été obligés de donner leur action de la société de parfum Chanel à leur ami Félix Amiot. Coco Chanel va en profiter pour se débarrasser d’eux. Elle gagnera son procès contre les deux frères en 1948, et pour fêter cela elle lancera une nouvelle ligne de parfum : mademoiselle Chanel.64

En 1954, Gabrielle Chanel organise son premier défilé qui sera un grand échec… Entre-temps, un nouveau

nom dans le monde de la mode s'était imposé, celui de Dior, elle vendra à Pierre Wertheimer sa boutique, son nom, et elle gardera juste deux pourcents des parfums pour son train de vie personnel, grâce à cela elle pourra se concentrer sur la mode. Elle connaît un vrai succès avec son tailleur en tweed que les américaines vont s’arracher, ainsi que les sacs et les chaussures bicolores65. Le succès des nouvelles créations de Coco Chanel est dû au concept simple : élégant mais simple, au contraire de ce que propose Christian Dior à la même époque. Elle a permis aux femmes de s’émanciper de tous les vêtements inconfortables qu’elles étaient obligées de porter. La femme Chanel s’habille d’un tailleur en tweed, toujours accessoirisé de son collier de perle. Gabrielle Chanel meurt le 10 janvier 1971. Après quelques années à vide, c'est en 1983 que Karl Lagerfeld66 prend la succession et redonne son image de splendeur à Chanel. Gabrielle Chanel a marqué l’histoire du luxe, avec ses différentes créations. Aujourd’hui, la maison est encore présente sur quatre marchés du luxe : la Haute Couture, le parfum, la joaillerie et la cosmétique.67

: Un héritage au parfum de scandale… (2022, 24 mars). NRJ12. 65 Ibidem.

64 Mademoiselle

66 L’histoire de Chanel. Chanel. https://www.chanel.com/fr/about-chanel/l-histoire/1883/

67 Gleye, N., & Léger, M. (2020) L’histoire de Chanel : tout savoir sur cette maison mythique, de sa création à aujourd’hui. Vogue. https://www.vogue.fr/communaute/wiki-de-la-mode/articles/chanel-haute-couture-et-parfums-de-luxe-la-franaise/20583)

Coco Chanel

Fig.19 : Portrait de Gabrielle Chanel en 1962

Fig.20 : Publicité de Chanel N°5

La vie de Karl Lagerfeld, un génie de la mode

Karl Lagerfeld, créateur pour Chanel pendant trente-six ans, a su transformer la maison. C’est pour mieux comprendre ce changement, qui permet aujourd’hui à Chanel d’être la marque de luxe qu’elle est, qu’il me semble important de revenir sur la vie de créateur de ce génie.

Karl Lagerfeld est né le 10 septembre 1933 à Hambourg, il vit pratiquement seul avec sa mère, car durant la Seconde Guerre Mondiale son père Otto Lagerfeld a transformé son entreprise d’importation de lait en conserve américain, en une production de lait en conserve en Russie. Très jeune, il dessine énormément au lieu de jouer avec les enfants de son âge, il détestait être un enfant, et être surtout catégorisé comme tel, Elisabeth sa mère le protégera énormément contre les nombreux préjugés qu’il va subir étant un enfant différent des autres. C’est à seulement dix-neuf ans, aidé par ses parents, que Karl aménage à Paris, et en moins de deux ans il aura pénétré le monde de la mode. En 1954, il remporte un prix,

au concours organisé par la chambre syndicale de la couture parisienne et la marque Woolmark, avec un manteau de cheviotte couleur jonquille, ce jourlà à ses côtés Yves Saint-Laurent qui à remporter deux prix pour une robe cocktail. C’est ici que l’amitié entre les deux commence68. Grâce à ce concours Karl Lagerfeld travaille comme assistant chez Balmain pendant quatre ans et Yves Saint-Laurent chez Dior69. Victoire Doutreleau, Karl Lagerfeld et Yves Saint-Laurent vont former un véritable trio ensemble, il se retrouvent tous les soirs pour discuter ou boire un verre, sauf Karl qui lui ne touche ni à l’alcool ni à la cigarette, et pourtant un début de rivalité se fait sentir entre Yves et Karl dont joue énormément Victoire. Cette rivalité va en grandissant, quand en 1957 Christian Dior meurt d’une crise cardiaque et qu’Yves Saint-Laurent rentrera dans le comité de direction de Dior. Ce changement va éloigner les garçons, qui ne se fréquentent plus au quotidien comme à leur début. Et c’est dans cette suite de success story que connaît Yves Saint-Laurent et avec l’aide de son amant Pierre Bergé qu’il fonde en 1962

68 Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel

69 Drake, A. (2008). Beautiful People : Saint-Laurent, Lagerfeld : splendeurs et misères de la mode. Denoël.

Fig.21 : Karl Lagerfeld au concours de la chambre syndicale de la couture parisienne en 1954

sa propre maison de couture, et présente sa première collection de Haute Couture en son nom. Karl raconta que pendant cette période il n’était pas jaloux d’Yves car il savait que son moment de gloire arriverait un jour, il savait qu’il allait marquer le monde de la mode un jour. Karl Lagerfeld aura développé pendant cette période une grande qualité en dessin, il est capable de réaliser en quelques minutes un croquis parfait ou l’on retrouve tous les détails techniques.70 Cette aisance en dessin lui permet de dessiner pour de nombreuses marques, comme Valentino ou Repetto, son travail en free-lance lui assure une aisance financière remarquable.71

Gabrielle Aghion prit contact avec Karl en 1963, pour l’aider avec sa marque de Prêt-à-Porter Chloé (première marque de Prêt-àPorter de luxe). Karl apportait tous les matins des dessins, et Gabrielle venait trier, le poussant à épurer ses dessins, elle trouvait qu’ils avaient toujours un truc en trop. Les ouvrières l’adoraient dû à la précision de ses croquis qui leurs simplifient le travail. L’effet Karl commence doucement à se faire sentir dans le milieu des années soixante, mais c’est très léger car de nombreux petits créateurs apparaissent à cette même époque. En même temps, il se met à dessiner pour les sœurs Fendi, son grand atout et qu’il produit très rapidement de nombreux dessins, qui sont toujours « vendeurs ». Pendant son temps libre, il fait de nouvelles rencontres qui viennent enrichir sa vie, et lui permettent de l’ouvrir sur de nouvelles choses. Lisant de nombreux livres avec son ami Juan Ramos, il vient compléter sa bibliothèque visuelle, il apprend à devenir plus qu’un couturier : un inventeur. Il veut que tout ce qu’il crée soit prestigieux, et soit mis correctement en valeur. Alors, lorsque madame Aghion n’a pas le budget nécessaire pour Chloé, il viendra rajouter la différence de sa poche pour que cela soit comme il le souhaite. Il veut « avoir la responsabilité de la création du défilé, entouré de belles et jeunes personnes dans son cercle

d’amis proches, il leur offre des vêtements de ses collections, permettant la promotion de son travail. Karl Lagerfeld a de la publicité, et des vitrines, tout ce qui donne envie à une femme de pousser la porte ».72 Karl Lagerfeld a très vite compris tout le côté business de la mode et sait très bien comment faire pour que ses vêtements se vendent. Anna Piaggi, chroniqueuse pour Vogue Italie, vient rejoindre la « bande de Karl », cette jeune femme au style excentrique va être la nouvelle muse de ce dernier, elle le suivra partout. Chaque détail des tenues de la demoiselle se transforme en une idée brillante sous les coups de crayon du créateur. Il vient ajouter de la dentelle aux robes de chez Chloé qu’il vient agrémenter de sac et de bijoux qu’il aura lui-même dessiner.73

C’est dans le début des années septante, que Jacques Bascher va apparaître dans la vie du couturier, simple stewart pour Air France il va essayer de nombreuses fois d’être présenté à Karl Lagerfeld pour qui il a un béguin. Et c’est un soir d’été en 1972, dans une boite de nuit que les deux hommes se rencontrent. Karl expliquera plus tard qu’il n’avait jamais rencontré quelqu’un comme lui :« beau, cultivé, insaisissable»74. Il a totalement capté l’attention de Karl, Karl

70 Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel 71 Drake, A. (2008). Beautiful People : Saint-Laurent, Lagerfeld : splendeurs et misères de la mode. Denoël. 72 Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel. 73 Ibidem. 74 Ibidem.

Fig.22 : Karl Lagerfeld avec des modèles à la maison Chloé

était amoureux de Jacques et ce sera l’amour de sa vie, il l’aime d’un amour profond et absolu. Jacques sera entretenu par Karl, comme il le fait avec toutes les personnes qui l’entourent, il va le loger dans un appartement, lui donner des vêtements de Haute Couture, et lui offrir tout ce qu’il souhaite, il va très vite être pris pour le gigolo de Lagerfeld. Jacques va collectionner les amants tout en profitant de la générosité et de l’amour de Karl75. Le couturier adore entendre le soir les histoires de Jacques sur toutes ses aventures, il apporte de la folie qui manque cruellement à la vie de Lagerfeld76. Mais, c’est quelque temps plus tard qu’un scandale éclate : Jako est le nouvel amant d’Yves Saint-Laurent, qui va par ailleurs lui aussi tombé fou amoureux du jeune homme, fou est le bon terme a employé, de nombreuse fois, sous les effets de la drogue et de l’alcool il viendra crier sous la fenêtre de Brascher son amour pour lui, et sera même arrêter par la police une fois pour le bazar qu’il faisait77. Cet amour non réciproque va encore plus faire plonger dans le mal être le créateur. Pendant ce temps Karl Lagerfeld, très déçu de Jacques Brascher a qui il a tout donné, va faire ce qu’il sait faire de mieux : travailler. Il cartonne chez Chloé, c’est le seul styliste de la maison, et grâce

à lui Chloé devient la marque la plus populaire des années septante et en même temps il collabore avec plus d’une trentaine de marque, rien ne l’arrête, et son travail acharné va bientôt être récompensé. Il reçoit un appel de Kitty d’Alessio, directrice mode de Chanel État Unis, en 1982.78

Après la mort de Gabrielle Chanel en 1971, la marque avait perdu de sa prestance et les vêtements ne connaissaient pas le même succès qu’à l’époque, elle l’appel lui parce qu’à part Yves Saint-Laurent et lui sont les deux seuls créateurs français qui sont connus aux État Unis. Et c’est le quinze septembre 1982 que Chanel communique la nouvelle : « La vie et l’imagination de la collection Haute Couture Chanel bénéficiera de l’orientation artistique de Karl Lagerfeld à partir de janvier 1983 »79. Pour constituer sa première collection, il va rechercher l’ADN même de Chanel, il va se plonger dans les archives et les examiner dans les moindres détails, il veut tout savoir sur l’histoire de la maison. Adrien Wertheimer finira par dire que Karl en sait plus que Chanel lui-même. Et pourtant quand le 25 janvier 1983 son premier défilé n’a pas eu un grand succès, c’était

75 Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel 76 Allen – Caron, L. Karl Lageld. Etre et paraitre. (2017, 10 avril). France Tv 77 Ibidem.

78 Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel 79 Ibidem.

Fig.23 : Karl Lagerfeld et Jacques de Bascher en 1979

trop Coco Chanel, le public n’arrivait pas à savoir s’il était face à un travail de Coco Chanel ou Karl Lagerfeld. Par ailleurs, c’est lors de ce premier qu’il affiche sa nouvelle muse : Inès de la Fressange, elle a un air de Coco Chanel, elle deviendra un atout commercial important pour Karl. Après ce défilé qui n’a pas obtenu le succès attendu, le couturier décide de reprendre les inventions à succès qui ont fondé la maison et de les transformer pour les adapter aux années quatre-vingt. Le fameux tailleur en tweed va être raccourci, les mannequins vont porter des jeans, il perpétue cette idée de la femme chic mais dans des vêtements confortables, qu’avait introduit Gabrielle Chanel à son époque en voulant diminuer le succès du corset de Dior80. Après ça, il connaît un grand succès, grâce à lui tout le monde voudra être habillé en Chanel, alors que six mois plutôt plus personne ne portait la marque81. Pour continuer dans cette lancée, Chanel va lui donner carte blanche, et il dépense énormément pour pouvoir réussir. Il souhaite donner envie aux femmes de s’habiller en Chanel, il va pour ça habiller les filles en vue, offrir des cadeaux au chef de magazine, bref tout est bon pour que la maison Chanel soit mentionnée quelque part. Tout va très vite, en 1983 il signe chez Bidermann industries pour créer en même temps sa propre marque de Prêt-à-Porter et de sportwear, et en 84 il instaure dans le Prêt-à-Porter de Chanel le port du denim et les baskets, il sait ce qui fait vendre. Du côté

de sa vie privée, il continue d’entretenir Jacques, car un part de lui l’aime, mais il ne fait plus attention à lui, Jacques vient, ivre la journée, demander de l’argent à Karl et repart aussitôt. Il va même arranger des fiançailles entre Diane de Beauvau et Jacques de Barscher pour essayer de le calmer mais rien n’y fait. Et c’est en 1987 que Jako apprend avoir le sida, avec Diane, Karl va rester au chevet de Jacques du début à la fin, il va faire des dons pour la recherche, tous les soirs en rentrant de ses journées épuisantes de travail chez Chanel, il viendra se coucher dans un lit de camps dans la chambre d’hôpital où réside Jacques, jusqu’au décès de celui-ci le 3 septembre 1989.82

Après le décès de Jacques de Bascher, personne n’avait vu Karl Lagerfeld si malheureux, il vivait une autre vie qu’il s’interdisait par procuration avec Jacques. Et même dans cette période difficile, il a continué à travailler, préparant la future collection de Fendi, Chanel et KL, il préférait pleurer en dessinant que de s’arrêter de travailler. Il se retrouve dans la même période fâchée avec sa muse Inès de la Fressange car elle a prêté son visage pour être le buste de Marianne dans les mairies de Frances, Karltrouve que « Marianne est le symbole de tout ce qui est ennuyeux, bourgeois et provincial »83, mais serait un prétexte pour dissimuler les nombreux problèmes et rivalités entre le créateur et sa muse. Après Inès, il jettera son dévolu sur Claudia Schiffer, une jeune allemande à l’opposé de sa prédécesseuse, avec elle fini les robes droites, il l’a fait défiler en mini short en tweed rose pâle sous une petite veste ouverte, avec le monogramme Chanel qui se balance au bout d’une chaîne entre les seins. Il ne s’arrête plus, , il va être le premier à installer des rails de travelling au podium pour filmer les mannequins qui défile et diffuser les images. Désormais pour Chanel, Chloé, Fendi et KL, il dessine, crée et oriente la communication,

Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel

Allen – Caron, L. Karl Lageld. Etre et paraitre. (2017, 10 avril). France Tv

Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel.

Fig.24: Karl Lagerfeld et Inès de la Fressange en 1983

il veut avoir le contrôle sur tout. Il consacre énormément de temps à faire de la communication, il réalise des interviews et des séances dans le monde entier. En sortant une collection avec H&M le 12 novembre 2004, il va être le premier créateur à proposer des vêtements à moins de cent cinquante euros, cette collection est un énorme succès. Il va continuer de collaborer avec de nombreuse marque du grand public, comme coca, Sephora, Volwasgen, et même en 2008 avec la sécurité routière pour promouvoir le gilet jaune où le slogan sera : « C’est moche, ça ne va avec rien, mais ça peut vous sauvez la vie »84 On le voit de partout, il a, on peut le dire, réussi, comme il l’avait prédit plus tôt quand il était enfant.85

Il souhaite être dans la démesure, toujours marqué les esprits, il va pour ça faire comme John Galliano chez Dior, il va concevoir des défilés spectaculaires et en fera sa signature, à chaque défilé de l’une des marques pour laquelle il dessine on ne sait pas à quoi s’attendre mais on sait que l’on va être éblouit. Les mannequins défileront sur la muraille de Chine pour Fendi, un supermarché est réalisé dans le Grand Palais pour un défilé Prêt-à-Porter pour Chanel… En bref, plus rien ne peut arrêter Karl Lagerfeld. Il connaît une gloire planétaire, il sait plaire aux jeunes de tous les milieux sociaux, Karl Lagerfeld

“C’est moche, ça ne va avec rien, mais ça peut vous sauvez la vie”

84

85

86 Ibidem.

devient un modèle pour de nombreuses personnes. Toujours très secret sur sa vie personnelle même quand il a appris pour son cancer il n’a rien ne dit à personne, seul son garde du corps Seb était au courant. Il fut son plus proche compagnon dans ses derniers jours, et les autres ont plus deviné que su. Jusqu’à son dernier souffle, il a travaillé avec des horaires à rallonge, son travail sera toute sa vie, et c’est le 19 février 2019 que sa maladie l’emporte, faisant disparaître ce créateur de génie.86

Le travail acharné de Karl Lagerfeld, tout au long de sa vie, lui a permis de réaliser son rêve d’enfant et de devenir quelqu’un de connu, que des générations prennent comme modèle. Il aura aussi apporté un changement important dans la manière de travailler comme créateur, au contraire de ses confrères, il choisit le travail en free-lance, c’est lui qui lancera ce nouveau modèle de travail dans le milieu de la mode, lui permettant de se faire un nom dans le monde de la mode, de travailler dans plusieurs maisons de Haute Couture et d’avoir donc un pouvoir important sur la mode dans le monde entier. En ayant très vite compris les secrets de la communication, il a transformé la mode française en véritable show hors norme qui permet encore de nos jours de garder ce fantasme du luxe.

Slogan de la sécurité routière en 2009

Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel

Fig.25 : Karl Lagerfeld et les couturières de l’atelier Chanel

Dans le monde de la mode, il faut savoir faire la différence entre les différents types de collections, il y a trois catégories : La Haute Couture,

le Prêt-à-Porter, et la collection Croisière. Ces trois types de collections ont le droit à leur défilé. Il me semble donc important d’expliquer les trois.

couture peuvent défiler, mais sous le nom de défilés de couture et non de Haute Couture, ils sont des « membres invités ». Toujours dans cette catégorie de Haute Couture on retrouve les « membres correspondants » ce sont des maisons qui ne sont pas originaires de Paris. On y retrouve Elie Saab, Versace, Valentino… Il existe la Haute Couture femme et celle pour les hommes, chacun avec un défilé pour la saison printemps-été et autre pour la saison automne-hiver. Il est difficile de devenir une maison de Haute Couture, le but de cette difficulté étant de conserver les traditions, et la beauté de cet art87

Fig.26 :Défilé Haute Couture Dior automne-hiver 2015

Le terme Haute Couture est une appellation juridiquement contrôlée depuis 1945 par la chambre syndicale de la couture parisienne et du ministère de l’industrie. Il désigne une tradition française, symbole d’excellence, de savoir-faire et de luxe, les vêtements issus des collections de Haute Couture doivent être fait sur-mesure, ils doivent être réalisés à la main dans des ateliers de minimum vingt personnes. La maison doit posséder un atelier de « flou » pour les matières et les silhouettes fluides ainsi qu’un atelier de « tailleur » pour les vestes, manteaux, pantalons… Chaque année la maison de Haute Couture doit défiler deux fois par an et présenter à chaque fois au minimum vingtcinq pièces. En plus de toutes ses conditions pour pouvoir acquérir l’appellation Haute Couture, une demande d’inscription doit être effectuée quatre ans à l’avance. Il existe tout de même quelques maisons qui sont des membres permanents, comme Chanel, Alexandre Vauthier, la Maison Martin Margiela, Dior… Pour pouvoir devenir membre permanent comme eux, il suffit de faire sa demande d’inscription au moins pendant trois ans. Durant la Fashion Week de Haute Couture d’autres maisons de

Le Prêt-à-Porter apparaît en 1950 en France et provient des État Unis, ce terme désignait des vêtements produits en série qui sont prêts à être portés. Cette arrivée permet de créer des modes pour le plus grand nombre. Cette production en série des pièces crée la standardisation des tailles, et permet la grande production,88 c’est une des conséquences du capitalisme artiste. Les maisons de couture vont suivre le mouvement et créer leur collection de Prêtà-Porter qui occasionne entre deux et quatre défilés par an. Les collections de Prêt-à-Porter des maisons de couture vont impacter celle des grands groupes industriels, on retrouvera les mêmes couleurs, les mêmes motifs utilisés pour les vêtements des grandes maisons de couture pour leurs collections de Prêtà-Porter, dans les boutiques de fast fashion. Beaucoup plus facilement que la Haute Couture, on a pu voir plusieurs H&M participé à la Fashion Week du Prêt-à-Porter , pour présenter sa nouvelle collection.

87 Tout savoir sur l’appellation Haute Couture. Fashion Skills. https://www.fashion-skills.com/magazine/tout-savoir-appellation-haute-couture.htm#:~:text=Juridiquement%20prot%C3%A9g%C3%A9e%20depuis%201945%20en,pour%20des%20clientes%20tr%C3%A8s%20prestigieuses.

88 Mode : Histoire et composantes. Universalis. https://www.universalis.fr/encyclopedie/mode-histoire-et-composantes/2-preta-porter/#:~:text=Le%20terme%20%C2%AB%20pr%C3%AAt%2D%C3%A0%2D,s%C3%A9rie%2C%20pr%C3%AAts%20 %C3%A0%20%C3%AAtre%20port%C3%A9s.

Fig.27: Défilé Prêt-à-Porter Balmain printemps-été 2020

La moins connue des trois est la collection croisière. Ce sont des collections qui se situent entre deux saisons. À l’origine, elles étaient destinées à une clientèle fortunée qui fuyait le froid de l’automne et de l’hiver, pour se réfugier sur des bateaux et partir en croisière au soleil. Elles sont apparues au début des années vingt au État Unis pour permettre au membre de la jet-set américaine de trouver des vêtements en boutique adapter au climat de leur destination. C’est Coco Chanel, mais surtout Jean Patou qui vont répondre aux attentes de la clientèle américaine. Patou va créer un nouveau style dans le luxe : le sportswear de luxe. Ce nouveau style va avoir un si grand succès qu’il va réussir à séduire les mondaines parisiennes pourtant très attachés à leur tailleur et leur robe de cocktail. Le succès des défilés croisière s’estompe, par le fait que partir en vacances n’est plus réservé qu’à une certaine classe sociale, et s’habiller de manière décontractée est devenu le maître mot des tenues du quotidien. Ce n’est qu’au début des années 2000 que la collection croisière revient sur les devants de la scène. De nos jours, les collections croisières sont très attendues par la presse mode, les acheteurs, les professionnels de l’industrie mais surtout par les clientes. Les défilés croisière sont eux aussi devenus des superproductions qui se passent la plupart du temps dans des lieux de rêve, rappelant le thème des vacances pour lequel les collections sont toujours imaginées. Le but de la collection croisière

étant de proposer une multitude de silhouettes pouvant plaire à une grande variété de personne, variant du bikini à la robe de soirée en passant par le manteau. Cela permet aussi de donner un coup de fraîcheur aux vêtements proposés en boutique, avec l’importance du capitalisme artiste, les collections qui durent six mois ne sont plus suffisantes, les collections croisière permettent donc de varier les produits présentés en boutique, et de continuer à faire vendre.89

Pour l’analyse j’ai fait le choix de prendre des défilés des trois catégories, qu’importe la catégorie, les défilés sont tous des superproductions intéressantes à étudier pour ma problématique.

Durant la période Karl Lagerfeld chez Chanel, les défilés de mode sont devenus de véritable show lorsqu’il a décidé de travailler en collaboration avec le scénographe Stefan Lubrina et les Atelier Devineau. Les deux se sont rencontrés dans les années nonantes. Quand Karl Lagerfeld travaillait encore pour la maison Chloé, Stefan Lubrina a réalisé pour lui en premier un showroom, les deux ayant apprécié travailler ensemble, tout s’est très vite enchaîné, avec des vitrines puis des défilés. Pour préparer les décors du défilé, ils s’y prennent en générales trois mois à l’avance. C’est Karl Lagerfeld qui va donner le thème au scénographe, quand il imagine sa collection il imagine en même temps le décor, il disait même qu’il en rêvait la nuit90, c’est d’ailleurs la seule personne qui donne l’idée du concept de chaque défilé91. Après avoir donné le thème, Stefan Lubrina commence à imager le décor selon les contraintes comme le nombre de spectateurs (environ 600 personnes), la sécurité, les coulisses… Stefan Lubrina explique qu’il adorait travailler avec le créateur, car celui-ci ne revient jamais en arrière quand il a une idée, cela lui permet de travailler en symbiose avec le créateur, pendant qu’un dessine la collection l’autre dessine le décor. En général, il faut compter entre trois ou quatre semaines pour la fabrication du décor et une semaine supplémentaire pour le montage sur les lieux du défilé.92

89 Les collections croisières c’est quoi au juste ?. Fashion Skills. https://www.fashion-skills.com/magazine/collection-croisiere-c-est-quoi.htm#:~:text=Au%20d%C3%A9part%2C%20les%20collections%20croisi%C3%A8re,de%20longues%20 croisi%C3%A8res%20au%20soleil

90 Huon, J. (2017). Stefan Lubrina : Karl ne revient jamais en arrière. Le soir. https://www.lesoir.be/103089/article/2017-07-05/ stefan-lubrina-karl-ne-revient-jamais-en-arriere

91 Chatenet, A. (2014). Rencontre avec Stefan Lubrina, scénographe pour la maison Chanel. Le monde. https://www.lemonde. fr/m-styles/article/2014/02/03/a-chaque-decor-une-nouvelle-aventure-passionnante_4359383_4497319.html

92 Huon, J. (2017). Stefan Lubrina : Karl ne revient jamais en arrière. Le soir. https://www.lesoir.be/103089/article/2017-07-05/ stefan-lubrina-karl-ne-revient-jamais-en-arriere

Fig.28: Défilé croisière Dior 2020

Chaque fois le défis est aussi de dompter la nef du Grand Palais ou les défilés Chanel se produisent depuis de très nombreuses années. Karl Lagerfeld a présenté un premier défilé au Grand Palais en 2006, et depuis, même les travaux ne font pas changer cette coutume. La passion du créateur pour cette grande verrière est née durant son enfance, lors d’un Salon de l’auto. Le plus beau souvenir qu’il garde dans ces lieux date de la fin des années soixante avec une représentation des ballets de Maurice Béjart dans cet espace93. Il a décelé un énorme potentiel au Grand Palais pour pouvoir réaliser les décors des défilés Chanel. Selon le thème donné par Karl Lagerfeld, Stefan Lubrina va essayer de faire oublier au maximum aux spectateurs qui sont dans le Grand Palais ou alors il va l’utiliser comme décor. Stefan Lubrina explique dans une interview que le Grand Palais est « un espace fabuleux, majestueux mais dangereux tellement il a du caractère. Quatre fois par an, à nous de le dompter. Mais ça vaut la peine. »94. La nef du Grand Palais crée de nombreuses limites à prendre en considération pour le scénographe, avec la lumière qu’apporte cette imposante verrière, l’espace que peut prendre le décor pour pouvoir accueillir un grand nombre d'invités. Et même la hauteur du décor qui doit être

pensée en fonction de la hauteur sous plafond mais aussi de l’entrée par laquelle passe la grue permettant le montage de la scénographie.

Pour pouvoir réaliser l’analyse, j’ai effectué une recherche approfondie des défilés de mode Chanel durant la période Karl Lagerfeld, pour sélectionner ceux qui me semblaient les plus intéressants à étudier. Lors de cette recherche je me suis rendu compte que cinq thématiques de défilés ressortaient, et donc que je pouvais classifier les défilés en différentes catégories. Les catégories sont : un seul objet/élément créant l’espace, un espace extérieur paysagé, un espace urbain, un espace fantastique, dans un espace existant. Par ailleurs, ces concepts de défilés sont les mêmes pour chaque marque/maison qui organise ce type d’événement. Pour chaque catégorie, deux défilés seront analysés, permettant de faire des comparaisons et d’étudier un large panel de défilés, et d’avoir un résultat de recherche le plus détaillé possible. En plus de ces défilés, une parenthèse sur les défilés de mode pendant la pandémie du Covid-19, et ses nombreuses restrictions, qui ont poussé les maisons de couture, a abordé d’une nouvelle manière les défilés, sera effectuée permettant d’ouvrir mon discours à une plus grande sélection de défilé de mode.

Fig.29: Nef du Grand Palais

93 Pons, S. (2020). Le Grand Palais éphémère, nouveau lieu des défilés Chanel. Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/style/ le-grand-palais-ephemere-nouveau-lieu-des-defiles-chanel-020920-182149

94 Huon, J. (2017). Stefan Lubrina : Karl ne revient jamais en arrière ». Le soir. https://www.lesoir.be/103089/article/2017-07-05/ stefan-lubrina-karl-ne-revient-jamais-en-arriere

Fig.30: Défilé Chanel Prêt-à-Porter printemps-été 2019

seul objet/élément créant l’espace

Notre quotidien est rythmé par des objets, comme des meubles, des vêtements, de la décoration, des voitures, ou encore des lampadaires. C’est sur ces objets, auquel il peut y avoir une attache émotionnelle, un souvenir, que la première catégorie de défilé s’inspire. Les deux défilés seront chacun composés d’un seul élément, avec lequel la scénographie va plus ou moins jouer.

Le premier défilé est le défilé Haute Couture automne-hiver 2010-2011 présenté au Grand Palais pour la Fashion Week en juillet 2010. Arrivé en dessous du dôme du Grand Palais, des murs d’un gris foncé cachent la scène ou va se dérouler le défilé. En montant les quelques marches d’une des sept entrées qu’a prévu Stefan Lubrina, les invités ont l’impression de rentrer dans une arène, un gigantesque lion doré avec une patte reposant sur

une perle de couleur nacrée, trône au centre d’une scène ronde, de couleur crème, permettant de mettre en lumière le roi de la savane. Tout autour, de nombreuses assises positionnées en escalier, comme on peut le retrouver dans des arènes, permettent d’accueillir les centaines de personnalités qui sont attendues. Arrivé en bas, quelques marches, chacune à leur tour un peu plus foncé, sépare la scène des spectateurs, permettant de créer une limite subtile.

Construction du lion géant

Fig.31: Défilé Haute Couture automne-hiver 2010-2011 Chanel

Fig.32:

Fig.33: Construction du lion géant

Le camaïeu de gris utilisé permet de différencier quatre espaces. En gris foncé, les murs coupant les spectateurs du reste du Grand Palais, ainsi que les zones d’accès, le gris un peu plus clair permettant de délimiter les endroits où l’on peut s’assoir, le gris clair, à la frontière avec les marches de la scène, l’espace ou peuvent circuler les invités, et la scène, par laquelle on accède grâce à quelque marche ou le dégradé s’accentue, de couleur crème. Les différentes couleurs utilisées vont permettre de mettre en avant les vêtements des mannequins quand ils vont circuler. De plus, la lumière produite par les spots lumineux, ainsi que la lumière qui passe à travers la verrière du dôme du Grand Palais, vont pouvoir se réfléchir sur la couleur crème de la scène, toujours dans cet objectif de mettre en avant la collection mais aussi le lion.

Comme il le fait depuis le début, Karl Lagerfeld s’inspire des archives de Chanel et de la vie de Gabrielle Chanel, afin de lui rendre hommage. Ce lion est une reproduction d’un petit lion en bronze qui était dans l’appartement de Coco Chanel, et la perle est elle aussi un clin d’œil à Coco Chanel qui avait l’habitude de porter un collier de perle au

Fig.34: Construction du lion géant

Fig.35: Construction du lion géant

quotidien95. De plus, Gabrielle Chanel est née en août donc le lion est son signe astrologique, avoir cet animal au cœur du spectacle permet d’avoir un peu de la grande créatrice pour le défilé. Le lion mesure à lui seul douze mètres de haut sur vingt mètres de long, et pèse un total de sept tonnes96. C’est une sculpture en frigolite fixée à une structure en métal et recouverte de peinture dorée.

lion, leur permettant de rejoindre la sortie située derrière la porte arrière droite, en dehors de la scène97

Dans ce cas, ce sont les codes architecturaux de l’arène romaine qui sont repris, des gradins entourent une piste ou le spectacle va avoir lieu, en dessous de celle-ci on retrouve les coulisses, ou tout le monde se préparent avant de monter sur la piste. Le lion au centre rappelle les spectacles de chasseur, ou les fauves étaient pourchassés par des chasseurs professionnels, même si les . On peut dire que comme Karl Lagerfeld qui s’inspire des archives de la maison Chanel pour ses projets, Stephan Lubrina s’inspire des archives du spectacle, recréant des arènes modernes pour ce défilé.

Fig.36: Plan du défilé Chanel Haute Couture automne-hiver 2010-2011

https:// . YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=. https://www.connaissancedesarts.com/

Fig.37: Défilé croisière Chanel 2018

Le deuxième défilé est le défilé croisière de mai 2018, cette fois-ci les invités se retrouvent de nuit sur un quais où est accosté un gigantesque paquebot avec son fond étoilé. Et c’est ce paquebot qui va organiser l’espace du défilé. Cette fois si, la forme générale de l’espace est un rectangle, et se divise en trois sous espaces différents. Tout d’abord, la zone pour les assises avec les gradins de couleur noir, permettent aux invités de voir le défilé de manière qualitative, au centre de ce rectangle, le quai, de couleur clair, est le catwalk ou vont défiler les mannequins. Et dans la dernière zone la plus au fond de l’entrée du Grand Palais, on retrouve le gigantesque paquebot flottant dans l’eau avec

en fond les étoiles. Le fait que les assises soient de couleur sombre, mais aussi que la coque du bateau soit elle aussi noir, permet de mettre en avant et d’attirer le regard des spectateurs sur le quai où défilent les mannequins qui lui est de couleur clair. Le défilé se passe de nuit, le fond étoilé est la continuité du ciel étoilé que l’on peut observer à travers la verrière. Étant de nuit, des spots lumineux sont utilisés pour éclairer les mannequins qui défilent, la lumière va venir se refléter dans le sol clair. Mais étant donné que tout le reste du décor est composé de couleur sombre, qui elles absorbent la lumière, l’obscurité de la nuit reste présente.

Un bateau de croisière pour un défilé croisière, cela pourrait être un peu trop évident pour la maison Chanel. Karl Lagerfeld n’a pas pensé à un simple paquebot, ce fameux bateau fait encore écho au début de la maison française et à la vie de Gabrielle Chanel. Lors d’une croisière, Coco Chanel tombe sous le charme du village de Roquebrune-Cap-Martin et va s’installer dans une villa portant le nom de La Pausa, nom donné au paquebot pour ce défilé, et que l’on retrouve sur de nombreux vêtements de la

Fig.38: Construction du paquebot

Fig.39: Plan du défilé croisière Chanel 2018

collection99. Le bateau de croisière est fait d’une structure métallique et de bois recouverte de planche de bois peintes. Des petites fenêtres rondes, comme sur les véritables bateaux, sont éclairées, donnant vie au paquebot.

La circulation sur le quai se fait de manière plus traditionnelle que le défilé précédent. Les mannequins sortent par derrière des caisses, où se cache l’entrée des coulisses. Elles avancent tout le long du paquebot jusqu’à une zone plus large qui se situe devant le bateau. Elles prennent la pose devant les photographes puis opèrent un demi-tour pour passer devant les invités et sortir par l’endroit par lequel elles sont rentrées.

Fig.40: Construction du paquebot

99 Sallesy, H. (2018). Les 10 choses à retenir du défilé Chanel croisière 2019. Vogue. https://www.vogue.fr/mode/inspirations/diaporama/10-choses-retenir-defile-chanel-croisiere-2019-grand-palais-paris-la-pausa-paquebot/50610

Après chaque défilé, les maisons organisent des after party permettant de rencontrer le créateur et de discuter de la collection autour d’un verre. Ces soirées ne sont presque jamais organisées sur le lieu où se déroule le défilé. Or, cette fois-ci, la maison Chanel va déroger à cette règle, et organiser sa soirée sur une reproduction d’un pont d’un bateau de croisière. L’accès au pont, qui est caché derrière le navire qui sert de décor, se fait par la grande ouverture, situé au centre et entourée de deux escaliers en fer blanc par lequel les mannequins sont sorties pour le passage final. Arrivé sur le pont, on se dirait vraiment en mer en train de passer une soirée entre amis pendant les vacances. Une touche moderne est ajoutée dans le design des tables et des chaises, créant une frontière avec l’extérieur d’un style plutôt du début du vingtième siècle.

Cette fois-ci, ce sont les codes de l’architecture portuaire qui sont utilisés, on peut retrouver des bites d’amarrage auquel le navire est

accroché avec de véritables cordes, des caisses de livraisons, le paquebot est, quant à lui, dans les dimensions réelles d’un bateau qui pourrait aller en mer, on peut voir son ancre, mais aussi les différentes cheminés, et même l’espace où se situe la barre du bateau.

L’étude de ces deux premiers défilés a permis de voir que l’objet ou l’élément qui crée l’espace du défilé, n’est pas le seul décor à prendre en compte. Tout autour il y a une impressionnante organisation de l’espace, qui permet de mettre en avant l’énorme objet ou élément et qui sert donc à ce que les invités se concentrent uniquement sur celui-ci. Stefan Lubrina vient s’inspirer de l’architecture et de l’histoire de l’architecture pour la mise en place des différents éléments que constituent les deux premiers défilés analysés. Comme on a pu le voir avec le défilé Haute Couture automne-hiver 2010-2011, les différentes installations, comme le catwalk ou les assises, qui permettent d’accueillir les nombreux invités, sont inspirés des arènes romaines et permettent de mettre en avant ce gigantesque lion doré qui lui aussi est lié à l’histoire des jeux romains. Le défilé croisière 2018 quant à lui s’inspire de l’architecture portuaire avec tous les éléments qui permettent d’amarrer un paquebot ainsi que son gigantesque bateau de croisière, le public à l’impression d’être dans un port de nuit alors qu’ils sont en plein cœur de Paris. Ces deux défilés montrent que ce n’est pas seulement l’élément monumental qui crée le décor, mais qu’il fait partie d’un ensemble, avec d’autres éléments plus discrets, qui vont permettre de créer la spectacularité d’un défilé.

Fig.41: Construction du paquebot

Fig.42: Construction du paquebot

Fig.43: Défilé croisière Chanel 2018

Pour cette catégorie, j’entends par espace extérieur paysagé, tout espace extérieur non urbanisé, comme un cours d’eau, un jardin, un champ, des grottes… L’enjeux des deux défilés est de donner l’impression aux invités d’être à l’extérieur alors qu’ils seront comme d’habitude dans la nef du Grand Palais en plein cœur de Paris.

Pour le défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018, Stefan Lubrina ramène un peu du Sud de la France à Paris. Après avoir monté quelques marches pour accéder à l’espace où va se dérouler le défilé, les différents invités se retrouvent face à un gigantesque mur de pierre, accompagné de sa végétation et de ses cascades. Dans ce cas, l’espace est organisé différemment dû à la présence de deux catwalk Tout au fond, il y a donc le premier espace qui est

le mur rocheux, puis devant celui-ci le premier catwalk est installé, c’est un ponton juste au-dessus de l’eau. Ensuite, le troisième espace est la première partie des assises. Les deux espaces d’assises sont séparés l’un de l’autre par le deuxième podium, qui permet aux photographes de prendre leurs photos, mais aussi au spectateur situé dans la deuxième espace des gradins de mieux voir la collection défilée

Cette fois-ci c’est en Provence que Karl Lagerfeld tire son inspiration. Pour cet collection printemps-été il ne va pas s’inspirer de n’importe quel canyon, mais du plus grand d’Europe : Les Gorges du Verdon100. Pour amener ces gorges en plein de cœur Paris, une structure faite de bois et de métal fut construite pour venir supporter l’énorme sculpture de polystyrène qui, peinte, ressemble à un vrai mur de roche, cette sculpture est divisée

100 Périer, M. (2017). Les 7 choses à savoir du défilé Chanel. Vogue. https://www.vogue.fr/mode/news-mode/diaporama/fwss18chanel-defile-choses-a-savoir-karl-lagerfeld/46368

Fig.44: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel

en plusieurs partie permettant d’être facilement montable et démontable. Six cascades composent l’ensemble dont une haute de quinze mètres. Pour pouvoir faire fonctionner les cascades deux récupérateurs d’eau sont mis en place au pied du bassin. Pour que les spectateurs aient l’impression d’être vraiment en plein milieu des gorges, des arbustes ainsi que de la fougère et d’autres plantes que l’on peut retrouver proche d’une rivière sont mises sur la façade rocheuse et sur les différentes roches qui sont dans le plan d’eau. Au-dessus de ce plan d’eau, un ponton fait de bois permet aux mannequins de défiler au plus près des cascades.

Ici, les mannequins sortent d’une première grotte qui sert d’entrée et avancent pour prendre la pose au centre du mur de roche, sur l’espace le plus large du ponton. Puis, elles continuent d’avancer en passant devant la deuxième grotte, jusqu’à quitter le ponton pour rejoindre le podium situé entre les deux espaces d’assises. Pour quitter l’espace de défilé, chacun des mannequins reprend le ponton et va rejoindre la deuxième grotte qui est affectée à la sortie. La circulation des mannequins forme Fig.45: Construction du mur de roche

Fig.46: Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel

une boucle. Le défilé se déroulant de jour, c’est principalement la verrière de la nef du Grand Palais qui va venir éclairer le défilé, mais de nombreux spot lumineux sont ajoutés pour venir éclairer les mannequins qui défilent permettant de les mettre en avant.

C’est tout un monde vivant qui prend place au cœur du dôme du Grand Palais, le bruit, la végétation, les cascades… Les spectateurs ont vraiment cette impression d’être en plein milieu de la Provence. Les savoirs de l’architecture se retrouve dans la logique de construction, avec une super structure, des parties de sculpture montable et démontable à l’infini permettant une mise en place simple, et de même garder certaines parties pour peut-être, comme dans certain cas, se retrouver dans les vitrines qui présentent la collection qui vient de défiler. La mise en place tout en long dans les bras de la nef et le double catwalk permet à la maison de couture de recevoir beaucoup plus d’invités et que tous aperçoivent bien les vêtements. Le seul bémol qui pourrait être mis en avant est le fait que tout le monde ne peut apercevoir les mannequins défiler devant le mur fait de roche.

Fig.47: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel

Fig.48: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel

Le défilé de Haute Couture printemps-été 2018 donne vie à la vision de Karl Lagerfeld et de Stefan Lubrina des jardins de Versailles. En rentrant dans la nef du Grand Palais, les invités arrivent sur une galerie en berceaux recouverte de plantes, quelques marches permettent d’y accéder. Après avoir traversé l’arche, le public tombe sur une magnifique fontaine, composée de plusieurs jets, qui est entourée d’un véritable gazon. Le défilé est donc composé de quatre espaces, le premier est celui des pavillons qui permettent les aller et venu des invités et des mannequins pour l’événement. Un de ces pavillons possède une petite scène qui sera le lieu où les mannequins prendront la pose, pendant qu’elles défileront pour les photographes qui se situeront sur quelques marches plus basses. Ensuite, l’espace sous la galerie où une partie des invités sera assis mais en même temps un espace où les mannequins vont défiler. À l’intérieur de l’espace où se situe la fontaine, d’autres bancs sont installés sur le sol sableux, les modèles circuleront aussi dans cet espace, et en dernier au cœur du défilé l’espace de la fontaine.

Cette fois-ci, ce sont des bassins et des bosquets du XVIIème siècle que les deux créateurs vont s’inspirer, ils transforment la nef du Grand Palais en un paysage verdoyant digne des jardins de Versailles. La galerie en treillage est faite de voûte en berceau en bois, et de diverses plantes grimpantes, comme des

Fig.49: Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel

Fig.50: Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel

roses, des jasmins et du lierre101, qui viennent recouvrir les arches et donnent vie au défilé. Quatre pavillons vont permettre les allers et venues des mannequins et des invités lors du défilé. Sur les quatre élévations de la galerie on retrouve toujours au centre une arche permettant les allées et venues des spectateurs ou des mannequins, ces arches sont surplombées d’une toiture en bois avec des corniches. De chaque côté des arches des colonnes décoratives sont installées, avec des pots de fleur, pour les encadrés. Dans les

quatre angles intérieurs de la galerie une ouverture est créée permettant d’accéder au bassin. Les angles extérieurs sont quant à eux encadrés par des niches. Le bassin situé au centre mesure dix mètres sur cinq, et est alimenté par une vingtaine de jets d’eau.

La circulation ici ressemble au défilé vu précédemment, avec la présence de deux espaces où circule les mannequins. Une à une elles vont arriver par la même arche et faire le tour de la fontaine pour montrer la collection à la première partie des spectateurs.

Fig.51: Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel Fig.52:

Fig.53: Plan du défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel

Puis, elles accèdent à l’intérieur de la galerie par la même arche que celui où elles sont arrivées et en font le tour pour venir poser devant les photographes sur la petite scène, et ensuite continuer leur trajet jusqu’à leur point de départ qui va donc aussi leur servir de sortie. Les modèles ne marchent que sur le sol qui est recouvert de sable et de petit gravier, comme dans les jardins traditionnels du XVIIème siècle on ne marche pas sur le gazon.

Le défilé dans ce magnifique jardin à la française à lieu en journée, donc comme d’habitude il va être en grande partie éclairé à la lumière naturelle de la verrière de la nef du Grand Palais. Pour une meilleure qualité lumineuse, chaque angle de la galerie en treillage aura de grands spots lumineux, permettant aux invités assis à l’intérieur de la galerie d’avoir plus de lumière. Le bassin d’eau et sa fontaine ont un jeu de lumière, mettant en avant la fontaine et le thème de ce défilé sur les jardins à la française du XVIIème siècle.

La construction de ce défilé suit les codes des jardins à la française et de l’architecture du paysage du XVIIème siècle. Le bassin et la fontaine articulent la galerie en treillage et ses quatre pavillons d’entrée, les nombreuses fleurs et plantes permettent aux invités de s’évader du froid de janvier, pour profiter d’une balade dans un petit jardin comme durant le printemps et l’été. Ajouté

à cela l’odeur des fleurs fraîches et le bruit de la fontaine les invités sont transportés dans un autre monde le temps du spectacle. Le jardin est comme à l’époque, très ordonné et marqué par la symétrie. Il est dessiné comme un édifice, avec une succession de pièces que les invités parcourent, et où dans chaque nouvelle pièce une surprise les attend.

Les défilés de la catégorie espace extérieur paysagé ne sont pas la simple création d’espace vert à l’intérieur du Grand Palais, ce sont de véritables machines à voyager dans le temps et dans le monde. Les différentes constructions que ce soit le mur de roche ou la galerie en treillage et l’ajout pour chacun de détails, comme le bruit de l’eau qui coule des différentes cascades ou l’odeur des différentes fleurs utilisées, permettent de transporter le public. Stefan Lubrina joue avec la magie de l’architecture en se servant de ses différents codes et règles permettant de faire voyager les invités de la maison Chanel. Il vient se servir des savoirs en structure et construction de l’architecture pour le premier défilé avec son gigantesque mur et le ponton dans l’eau. Il se base sur l’histoire de l’architecture pour confectionner un jardin à la française pour le défilé Haute Couture printemps-été 2018. Grâce aux constructions les spectateurs n’ont plus l’impression d’être à Paris, ni à l’intérieur d’un bâtiment, mais dans un espace paysagé en extérieur.

Quand on est en ville, on s’attend à avoir certains bâtiments que l’on ne retrouvera pas forcément dans un village. Que ce soit une très grande bibliothèque, un aéroport, un théâtre ou de longues et grandes avenues. En bref, tous les éléments qui nous rappellent le milieu urbain. Et c’est sur ce type d’espace que vont se baser les deux défilés analysés de cette partie. Pour plus de diversité, un des deux défilés se basera sur un espace urbain extérieur, et l’autre sur un espace urbain intérieur.

Le défilé Haute Couture automne -hiver 2013-2014 de la maison Chanel est un théâtre partiellement détruit. Les invités du couturier rentrent soit sur les côtés soit en face de la scène, tout dépend où est situé leur place. Dès qu’ils entrent par l’une des deux grandes portes, ils sont face à de nombreux gravats tout autour d’eux. Le toit du théâtre est quasiment entièrement détruit, les murs sont très abîmés et les bouts du théâtre qui trainent au sol donnent l’impression au spectateur qu’à tout moment le reste du théâtre peut leur tomber sur la tête. En s’avançant le long des nombreux sièges jusqu’à la scène, ils peuvent observer cette ville futuriste dans le fond, peutêtre la raison de ce théâtre abandonné. Il est organisé de manière très simple et comme on le retrouve le plus souvent. Le centre se nomme l’espace orchestre, il y a plusieurs rangées de sièges, il y en a aussi dans le fond du théâtre. Entre les deux portes d’entrée sur

Fig.54: Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel

Fig.55: Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel

les côtes, il y a au rez-de-chaussée des gradins auxquels on accède grâce à des escaliers. Au-dessus des gradins, la corbeille fait tout le tour du théâtre, pour le défilé elle ne sera pas utilisé. Tout au fond, c’est la grande scène qui prend place.

Karl Lagerfeld a dit « nous sommes entre hier et demain »102 pour expliquer le décor de la collection Haute Couture. En faisant construire ce théâtre dévasté ouvert sur une mégalopole futuriste, le couturier montre à sa manière l’évolution et les changements que notre époque et que le monde connaît. Le théâtre était il n’y a encore pas si longtemps un endroit où il était important de se montrer et où de nombreuses affaires se concluaient. Mais avec le temps il a laissé place à d’autres lieux de divertissement comme le cinéma, qui lui-même est en train de disparaître avec les nombreuses plateformes internet ou des millions de films sont disponibles. Le théâtre détruit représente hier. Et cette ville futuriste observable dans le fond est le demain de l’explication de Karl Lagerfeld. Cette ouverture montre le monde vers lequel on va, des buildings toujours plus hauts et grands, où tout change très vite. Ce que nous connaissons un jour peu, le lendemain

être détruit et laisser place à quelque chose de plus moderne. Karl Lagerfeld ne craint pas ce changement, il a même dit un jour que le changement permet de survivre. À travers ce défilé, il montre que le monde change et que c’est maintenant que tout se joue.

C’est une structure en treillis métallique qui permet de faire tenir les murs ainsi que le plafond du théâtre. Les murs, la corbeille, le plafond et les gravats sont faits en polystyrène sculpté. Les détails de la peinture qui recouvre le polystyrène, donnent vraiment l’impression de brûler et de moisissure sur les murs et les gravats. Quant au siège et le devant de la scène, ils sont en bois. En haut au niveau de la corbeille, plusieurs fenêtres avec des petits carreaux plus ou moins détruits sont disposées tout le long des murs. Aux quatre coins du théâtre on retrouve des spots lumineux, en plus de la lumière naturelle de la verrière du Grand Palais. Ils servent à éclairer l’espace central du théâtre, l’espace où les mannequins vont circuler pour montrer la nouvelle collection Haute Couture.

Pour la circulation, les mannequins vont arriver 102 Saillant, O. (2013). Décor du défilé « entre hier et demain ». Chanel. https://www.chanel.com/fr/mode/news/2013/07/show-decor.html

Fig.56: Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel

sur la scène, par les coulisses dissimulées derrière. Elles n’arrivent pas sur scène par le même côté. À chaque fois, elles vont une à une alterner, permettant de créer une plus grande dynamique et que de chaque côté du théâtre il y ait toujours un mannequin qui passe. Ensuite, elles descendent de la scène par l’escalier opposé au côté par lequel elles sont arrivées, pour venir circuler entre les chaises situées dans l’espace orchestre du théâtre. Après être passées devant tout le public, elles sortent par l’une porte située aux extrémités du bas de la scène, du même côté par lequel elles sont arrivées sur scène.

Le fait que les mannequins circulent entre les assises, permet aux invités de la maison de couture d’être au cœur du défilé, on pourrait même dire au cœur d’une pièce de théâtre. Ils sont en pleine immersion de ce défilé assis dans ce théâtre abandonné regardant en face d’eux leur avenir avec cette ouverture sur cette mégalopole futuriste.

Le théâtre détruit du défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 a tous les traits architecturaux d’un petit théâtre que l’on peut retrouver dans n’importe quelle ville. On y retrouve des assises dans l’espace orchestre, et une corbeille sans

assises étant trop détruite. Les mannequins, qui pourraient être comparées à des actrices, sortent par les coulisses cachées derrière la scène. Stefan Lubrina met en scène pour ce défilé une véritable mini pièce de théâtre, ou comme on peut le voir par exemple avec le cirque du soleil, les spectateurs sont en pleine immersion du show qui s’offre à eux.

« nous sommes entre hier et demain »

Fig.57: Plan du défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel

À l’occasion du défilé Prêt-à-Porter printemps-été

2015, Karl Lagerfeld fait construire Le Boulevard Chanel. Quand les invités pénètrent à l’intérieur du Grand Palais, ils arrivent en plein centre de cette rue par la petite cour d’un des immeubles du Boulevard Chanel. Dans cette rue, reprenant l’architecture des boulevards haussmanniens, avec certains immeubles faisant jusqu’à huit étages, les invités peuvent retrouver des passages piétons, des nids-de-poule, des bouches d’égout ou plus simplement des trottoirs. Des gradins sont disposés sur les trottoirs contre les façades des bâtiments et aux extrémités du boulevard. Il y a des radars qui servent à fixer une limite pour le public et les photographes qui eux sont debout. Les invités observent du trottoir le spectacle comme on observe tous les gens dans la rue. Coco Chanel disait : « il n’y a pas de mode si elle ne descend pas dans la rue »103. La rue est la première source d’inspiration de la mode, et c’est ce que cherche à mettre en avant Karl Lagerfeld dans ce défilé en reconstituant un boulevard haussmannien qui est propre à l’architecture parisienne. Et ça dans le but de faire descendre de son piédestal la mode du luxe. Les immeubles haussmanniens sont des impressions qui reposent sur des châssis

103 Fashion Week, les mannequins manifestent pour Chanel. (2014). Journal du Luxe. https://journalduluxe.fr/fr/mode/fashion-week-les-mannequins-manifestent-pour-chanel

Fig.58: Construction du Boulevard Chanel

Fig.59: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015 Chanel

Fig.60: Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015 Chanel

en bois, qui eux sont maintenus par une structure métallique en treillis. Certains des balcons, eux aussi imprimés, sont en volume. Cela permet de donner une impression de 3D aux bâtiments et permet aux invités de vraiment se sentir dans la rue, comme s’ils n’étaient jamais rentrés dans le Grand Palais.

Les mannequins circulent sur le boulevard comme si elles déambulaient dans la rue. Elles arrivent, soit toute seule, soit par groupe par l’une des deux petites rues tout en haut du boulevard, qui permet d’accéder au catwalk. Puis, elles descendent le boulevard en discutant et riant entre elles. Arrivées tout en bas du boulevard, elles sortent par une des deux autres petites rues. Les groupes de mannequins qui circulent dans la rue sont quand même organisés. Elles portent des vêtements de la même couleur et du même tissu en fonction de leur groupe de passage. En faisant différents groupes qui défilent, Karl Lagerfeld retranscrit la diversité de la rue à la perfection. Que ce soient ses oppositions ou son harmonie. De plus, le fait qu’elles circulent librement sur ce boulevard donne l’impression qu’elles se baladent entre amies.

Fig.61: Construction du Boulevard Chanel

Pour le final du show, les mannequins défilent comme si elles participaient à une manifestation. Elles scandent toutes ensemble des slogans féministes et portent des panneaux avec de nombreux slogans féministes également. À travers cette fausse manifestation Karl Lagerfeld met en avant les nombreuses problématiques de l’époque qui sont encore d’actualité aujourd’hui104. Il prône l’égalité homme/ femme que ce soit dans la manifestation ou même avec les différents vêtements de cette collection et celles avant, comme le faisait Gabrielle Chanel à son époque. À travers ce défilé de Prêt-à-Porter, Karl Lagerfeld montre son engagement ainsi que celui de la maison Chanel pour l’égalité des sexes.

Ce défilé reflète parfaitement l’urbanisme de Paris. Stefan Lubrina reproduit les façades haussmanniennes, et rassemble tous les éléments que l’on peut retrouver dans une rue. Les invités sont comme des personnes qui seraient assises sur un banc et qui observeraient les piétons qui passent. La manifestation organisée par le créateur, représente à elle-même les rues parisiennes. Le Boulevard Chanel regroupe avec Fig.62:

tout ça, tous les éléments architecturaux de la rue.

À travers les deux derniers défilés, on ressent vraiment l’espace urbain. Avec les nombreux défilés sur cette thématique, Chanel pourrait presque construire une petite ville. Le théâtre, même si détruit, pourrait accueillir des pièces et on pourrait facilement se promener sur Le Boulevard Chanel. Stefan Lubrina utilise ce qu’il connaît de l’architecture urbaine pour ses défilés. Il se sert de ce qu’il peut observer dans les lieux qu’il côtoie. Le fait que dans ces défilés le public est à chaque fois en immersion dans les décors, leur permet de beaucoup plus ressentir l’ambiance de l’espace dans lequel ils sont et ainsi de mettre à profit les constructions faites pour les défilés. En particulier avec ces deux défilés, Karl Lagerfeld profite des constructions pour faire passer des messages sur ce qui se passe dans le monde et montre son engagement et celui de la maison de couture dans différentes causes qui sont d’actualités. Grâce au respect des caractéristiques de l’architecture urbaine, les personnes invitées au défilé ont l’impression d’être dans un espace urbain.

104 Fashion Week, les mannequins manifestent pour Chanel. (2014). Journal du Luxe. https://journalduluxe.fr/fr/mode/fashion-week-les-mannequins-manifestent-pour-chanel

Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015 Chanel

L’espace fantastique

Le fantastique est défini par « quelque chose qui est créé par l’imagination »105. L’imagination s’inspire souvent de ce qui nous entoure au quotidien pour le transformer en quelque chose de fantastique, qui n’existe pas dans la réalité. Le fantastique est souvent utilisé dans les livres, les bd, les films… Il a pour but de faire voyager les gens dans un nouvel univers, et de faire en sorte qu’ils s’échappent, le temps d’un instant, de la réalité. Les deux prochains défilés imaginés par Karl Lagerfeld, sont inspirés d’éléments réels, mais seront totalement transformés pour créer deux univers fantastiques distincts l’un de l’autre.

coraux, des plantes aquatiques, un hippocampe, bref tout ce qui appartient au monde aquatique. Ce qui donne le côté fantastique ici, c’est le fait que tout soit recouvert de blanc ou de couleur nacre sans exception. Cela permet aussi aux invités de faire travailler leur imagination, en se demandant de quelles couleurs sont tous ces éléments à l’origine. Un élément se distingue des autres, le sac rempli de perle de différentes tailles, c’est par là que les mannequins vont arriver pour défiler. Juste à côté, une huître à perle est grande ouverte et va accueillir, pendant le show, la chanteuse Florence Welch, qui est représentée comme la perle de ce coquillage.

L’espace du défilé ici n’est pas régulier dû au rideau blanc et au rideau en plastique, la forme ondulée qu’ils prennent rappelle la forme des vagues. Quand ils rentrent dans cet espace en passant par ces fameux rideaux, les invités ont vraiment l’impression de rentrer au cœur de la mer. Le fait que l’espace s’adapte en fonction des ondulations fait écho également aux plages et à l’espace que va prendre la mer dessus. À l’intérieur il y a donc trois espaces. Tout d’abord, les assises Fig.63: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel

Sous le nom « Vingt millions sous la mer »106, le défilé Chanel Prêt-à-Porter printemps-été 2012 propose aux invités une vision moderne du monde sous-marin. En pénétrant les deux rideaux qui cachent le décor prévu pour le défilé, les invités tombent sur de gigantesques coquillages et poissons, le tout totalement blanc. Parmi les différentes sculptures il y a une pieuvre, une raie, des galets, un poisson, différentes formes de coquillages, des

105

106

Définition du dictionnaire Le Robert. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/fantastique

Défilé Chanel Printemps-été 2012 Prêt-à-Porter. (2015). Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/defiles/chanel/printemps-ete-2012/pret-porter-0/181470

qui sont encore une fois en gradins, elles font le tour du rideau transparent et suivent sa forme. Puis, il y a le catwalk ou va être présentée la collection de Prêt-à-Porter et au centre se trouvent tous les éléments qui rappellent le monde marin.

Karl Lagerfeld s’est inspiré du musée d’océanologie de Monaco ainsi que de nombreux livres qu’il a lu pour réaliser ce décor.107 La couleur nacre et la présence de perle sont un clin d’œil au collier de perle que porte Gabrielle Chanel au quotidien. Les différents poissons, coquillages, rochers sont tous des sculptures de polystyrène, recouvertes de peinture blanche. Ces constructions ne correspondent pas aux proportions habituelles des différents poissons et coquillages. En jouant avec les proportions, Stefan Lubrina donne un nouveau point de vue aux invités, et cela permet aussi qu’ils se sentent vraiment dans un autre monde. Le sac de perle est quant à lui fait d’une structure en bois qui a été recouverte et les perles sont symbolisées par des demi-sphères en plastique. Pour rappeler le sol de la mer, le sol du catwalk ainsi que l’espace où sont disposés les différents éléments du décor est fait dans une sorte de sable, lui aussi blanc, réparti en fine couche. Le rideau de plastique et le rideau blanc, sont tous les deux fixés sur une structure métallique

Fig.64: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel

Fig.66:

qui leur permet d’avoir cette forme ondulée.

Les mannequins vont donc arriver sur le catwalk par le sac de perle, puis vont s’avancer pour prendre la pose pour les photographes. Après ça, en alternance, elles vont chacune partir soit à droite soit à gauche, pour ensuite faire tout le tour du décor, en formant une boucle. Cette alternance permet de créer du dynamisme dans le défilé et permet également que les invités aient toujours la collection en vue. À la fin, elles reviennent chacune au sac de perle par lequel elles vont retourner dans les coulisses du défilé.

Les invités de la maison Chanel voyagent dans un monde marin fantastique, où ils sont les observateurs de ces créatures gigantesques. Stefan Lubrina joue avec l’espace grâce aux ondulations des rideaux, créés avec sa structure métallique, qui rappelle les vagues de la mer. Les différentes constructions qu’il conçoit et qui constituent le décor sont toutes plus grandes les unes que les autres et magiques. Elles permettent de créer un véritable univers. Le scénographe construit l’espace, comme s’il représentait sa vision de l’architecture sous-marine. Le public est en totale immersion de ce monde fantastique qui s’offre à lui.

Fig.67: Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel

Fig.68: Construction du décor

Fig.69: Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel

C’est dans une serre botanique circulaire que les invités du défilé Chanel Haute Couture printemps-été 2015 sont reçus. Arrivés dans la nef du Grand Palais, ils découvrent cette serre mystérieuse dont l’intérieur est caché par de nombreuses plantes blanches. En pénétrant à l’intérieur, les spectateurs découvrent un décor qui rappelle une végétation bien familière, mais qui dans le même temps, diffère du réel par sa couleur blanche. La serre

circulaire est composée de quatre espaces ; le premier est une zone végétalisée qui fait le tour de celle-ci, puis viennent des gradins qui font le tour du premier espace, où vont prendre place les spectateurs du défilé. Dans la continuité il y a le catwalk où vont circuler les mannequins, et enfin, au centre de la serre se trouve une deuxième zone végétalisée. Avec les gradins situés entre un espace végétalisé et le catwalk, les invités sont encore une fois en immersion

Fig.70: Défilé Haute Couture printemps-été 2015 Chanel

Fig.71: Fabrication des fleurs

dans le décor, et peuvent vraiment ressentir l’ambiance de ce monde imaginaire qui s’ouvre à eux.

Fig.72: Construction de la serre

sont arrivées sur le catwalk. Les fleurs de couleurs vives sont un rappel des couleurs employées pour cette collection printemps-été. De plus, le fait que le reste soit totalement blanc renforce le rappel et mets en avant les couleurs des vêtements. On distingue trois accès à la serre ; deux permettent l’accès des mannequins, dont un qui sera utilisé pour le passage durant le défilé, et l’autre sera celui par lequel tous les mannequins vont passer pour le passage final. Le troisième, entre les deux, permet l’accès des invités. La différence entre les accès se fait grâce à la serre qui couvre seulement l’accès des mannequins, comme pour les protéger.

Fig.73: Plan du défilé Haute Couture printemps-été 2015 Chanel

L’inspiration cette fois-ci vient des parfums iconiques de la maison. Avec cette serre fantastique, la collection Karl Lagerfeld rend hommage aux camélias, aux roses de Grasse, aux iris, aux violettes ou encore aux gardénias, toutes des fleurs qui composent les parfums les plus mythiques de la maison Chanel.108 Les fleurs du décor sont des pliages en papier qui sont faits grâce à la méthode de l’origami. La floraison des fleurs est réalisée grâce à un mécanisme de poussé situé à l’intérieur des plantes. La serre quant à elle, est constituée d’une ossature en fer, recouverte de peinture verte. La serre étant en intérieur et montée pour une courte durée, au lieu de recouvrir la structure métallique avec du verre, elle est recouverte de plastique. Avec son design, la serre fantastique de Stefan Lubrina se fond très bien dans le décor de la nef du Grand Palais. On pourrait très bien la comparer aux serres royales de Laeken.

Le défilé Haute Couture printemps-été 2015 offre aux invités un voyage dans une serre magique où les fleurs fleurissent en un instant. L’architecture des serres botaniques est reprise par le scénographe dans ce défilé. Les fleurs en papier magique apportent une touche fantastique grâce à la couleur de la végétation et des fleurs. Encore une fois les spectateurs sont plongés dans le

décor et en font partie, et cette fois-ci ils pourraient être les simples visiteurs d'une serre botanique. Cette serre fantastique est, une fois de plus, une grande réussite et une preuve de l’imagination débordante de Karl Lagerfeld et de Stefan Lubrina. Fantastique et imaginaire sont les maîtres mots de ces deux derniers défilés. En jouant avec l’organisation spatiale mais aussi avec l’architecture, Stefan Lubrina crée avec les idées de Karl Lagerfeld, deux univers bien distincts. Dans l’un ils sont plongés au fin fond de la mer pour découvrir différentes espèces aquatiques et des coquillages aux proportions démesurées, comme si leurs dimensions respectives étaient échangées le temps du défilé. Puis, pour le défilé Haute Couture printemps-été 2015 ils sont amenés à première vue dans une serre botanique, mais cette serre abrite pourtant des plantes aux couleurs peu communes, qui ont des fleurs magiques qui fleurissent en un instant. Dans les deux défilés, le public prend encore une fois place dans les décors, ce qui permet de vraiment ressentir l’ambiance fantastique qui les entoure, mais aussi de mettre en avant les différentes constructions que comportent les défilés. Le ressenti des invités d'être transporté dans un espace fantastique est dû aux différents aménagements architecturaux qu’a effectués Stefan Lubrina.

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Défilé Chanel printemps-été 2015 Haute Couture. (2015). Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/defiles/chanel/printemps-ete-2015/haute-couture-0/94038

Fig.74: Défilé Haute Couture printemps-été 2015 Chanel

Dans l’espace existant

Contrairement à beaucoup de maisons de couture, qui varient les lieux où elles vont présenter leur nouvelle collection et se servent simplement du décor que propose le lieu. Comme Jacquemus a pu le faire avec son défilé dans un champ de lavande ou OffWhite dans un lycée parisien. Karl Lagerfeld, a quant à lui pris l’habitude de présenter ses diverses collections pour Chanel dans la nef du Grand Palais. Mais à l’occasion de quelques défilés croisière, il a décidé de faire voyager ses invités dans des lieux splendides autres que le Grand Palais.

Le défilé croisière de 2013 a eu lieu dans les jardins du château de Versailles. Les invités se rendent au cœur du bosquet des Trois Fontaines où des tentes royales ont été installées pour l’occasion, permettant d’installer en dessous les assises des spectateurs. Le bosquet des Trois fontaines est composé de trois plateaux chacun avec sa fontaine, ce sont les deux plateaux du bas qui vont être utilisés pour le défilé. Le premier plateau est composé d’une fontaine centrale hexagonale, un escalier encadré par deux cascades permet d’accéder au deuxième plateau, qui a lui un bassin de forme rectangulaire. Pour accéder au troisième, deux escaliers encadrent cette fois

une cascade, et donnent accès au dernier bassin qui est de forme circulaire. Les tentes qui abritent es gradins où s’assoient les invités sont installées le long du bosquet qui entoure les trois fontaines.

Les mannequins vont arriver au cœur du bosquet par l'allée gauche, située au premier plateau, qui permet d’accéder au cœur du bosquet. Elles vont, dans un premier temps, prendre la pose devant la fontaine hexagonale, puis vont rejoindre le premier escalier pour faire le tour de la fontaine rectangulaire. Ensuite, dans un deuxième temps, elles vont redescendre et passer de l’autre côté du bassin hexagonal pour sortir du bosquet par le même endroit par lequel elles sont arrivées.

Mais alors pourquoi Versailles ? Karl Lagerfeld a toujours été un grand fan du XVIIIème siècle, de l’histoire, du style vestimentaire, des couleurs… Pour sa collection, il vient s’inspirer des femmes qui ont laissé une trace à Versailles, comme Yolande de Polignac, qui était la favorite de Marie-Antoinette, ou encore Lady du Barry, favorite de Louis XV. Ce que le couturier aime chez Lady du Barry c’est qu’elle cassait les codes de son époque en s’habillant à

Fig.75: Défilé croisière 2013 Chanel à Versailles

la garçonne en portant des culottes à la française109. Elle aurait été une parfaite égérie pour la maison Chanel, car comme Gabrielle Chanel, elle utilisait et s’inspirait de la garde de robe des hommes

pour avoir des vêtements chic et confortable.

Les tentes royales, construites pour l’occasion, permettent de protéger les invités du soleil. Sous les seize tentes sont installés des gradins, de trois étages, pour accueillir le plus de spectateurs possibles. La structure des tentes est métallique et est recouverte d’un tissu de couleur bleu-nattier avec des détails de couleur or. Les couleurs utilisées font échos aux couleurs du XVIIIème siècle.

En réalisant le défilé croisière 2013 directement sur les lieux d’où est inspirée la collection, cela permet aux invités d’être vraiment plongés dans l’ambiance du XVIIIème siècle. Le défilé et son aménagement s'adaptent aux contextes si particuliers du bosquet des Trois Fontaines, avec une circulation adaptée pour les mannequins. Ainsi que des espaces où les invités peuvent s'asseoir et ne dénaturalisent pas les lieux en permettant de garder ce côté authentique avec des tentes qui rappellent encore une fois le XVIIIème siècle. Ici le défilé joue avec l’architecture du lieu et surtout s’y adapte. Le but étant que les invités ressentent l’ambiance de Versailles durant le XVIIIème et s’en imprègnent. Que ce soit grâce à l’appropriation du lieu ou à la collection haute en couleur et en dentelle ; une vision moderne de Versailles. Avec cette collection et ce défilé, Karl Lagerfeld rappelle que « la France, c’est le parfum, la Haute Couture, des robes, des bals… »110

Fig.77: Défilé croisière 2013 Chanel à Versailles

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Le défilé Chanel croisière 2013 à Versailles. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=49SiSYi5YWg

110 Mouzat, V. (2015). Chanel à Versailles, un délicieux parfum de transgression. Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/style/ chanel-versailles-delicieux-parfum-de-transgression-150512-230474

Fig.76: Plan du défilé croisière 2013 Chanel à Versailles

La team Chanel s’envole pour Cuba plus précisément dans la ville de La Havane. À l’occasion de son tout premier défilé en Amérique Latine, Karl Lagerfeld a choisi d’y présenter la collection croisière 2017. Les plus de six cents invités ont rendez-vous sur le Paseo del Prado, une avenue à moins de trois cents mètres de la mer, entre l’ancienne et la nouvelle Havane. En toute simplicité, les spectateurs sont invités à s’asseoir sur les bancs en métal et en bois ainsi que les bancs en béton déjà présents. Pour les derniers arrivés qui n’auraient pas de place, il faudra regarder le défilé debout. L’avenue est entourée d’arbres mais cela n’empêche pas les habitants des immeubles voisins d’observer depuis leur balcon le défilé.

C’est au tombé de la nuit que va commencer le défilé. L’orchestre situé au début de l’avenue, dans la partie arrondie, va commencer à jouer, et va voir passer devant eux les premiers mannequins. L’arrivée des mannequins va être plus ou moins régulière permettant de créer un dynamisme dans la circulation, de sorte que les invités ont toujours quelque chose à observer. Elles vont tout d’abord s’avancer jusqu’au bout de l’avenue en marchant dans le centre puis arrivées au bout, elles vont opérer un demi-tour et cette fois-ci marcher sur les côtés de l’avenue, offrant une meilleure visibilité de la collection aux invités. Cette circulation entremêlée des mannequins donne l’impression qu’elles se promènent juste sur le Paseo del Prado, comme n’importe qui peut le faire tous les jours, et rend le défilé plus naturel. Les mannequins remontent une dernière fois l’avenue en dansant librement sur le tempo du mambo accompagné par l’orchestre et les invités rappelant le Cuba d’avant.111

Le Paseo del Prado est une avenue entre l’ancienne et la nouvelle Havane, elle se situe donc entre le passé et l’avenir et c’est pour cette raison que Karl Lagerfeld a décidé de présenter la collection croisière de Chanel sur ce lieu. La collection renvoie au Cuba prérévolutionnaire où les touristes s’y rendaient pour sa vie nocturne pleine de vie et ses casinos plus bruyants les uns que les autres. Les vêtements imaginés par le créateur sont le reflet

Fig.79: Plan du défilé croisière 2017 Chanel à La Havane

111 Bougère, M-C., & Vincent, A. (2016). Défilé Chanel Croisière 2017 : quand Karl Lagerfeld fait danser Cuba. Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/style/defile-chanel-croisiere-2017-quand-karl-fait-danser-cuba-040516-114110

Fig.78: Défilé croisière 2017 Chanel à La Havane

de cette ancienne période avec des bérets en clin d’œil à Che Guevara ou encore le panama, accessoire fétiche des Sud-Américaines. Plongée au cœur de la ville, la collection rappelle les couleurs des différentes façades des bâtiments de la Havane.112

La maison Chanel fusionne avec la culture cubaine pour ce défiler et c’est une grande réussite. En plein cœur de La Havane, les invités sont plongés dans la culture et l’architecture locale, et ressentent totalement l’ambiance de l’Amérique Latine. Les mannequins se promenant sur l’avenue observés par un public assis simplement sur des bancs déjà présents, pourraient donner l’impression de touristes qui s’arrêtent pour s’imprégner du pays. La collection est une vision moderne de ce qu’était l’ancien Cuba et à toute sa place sur le Paseo del Prado situé entre l’ancien et la nouvelle Havane, correspondant totalement à Karl Lagerfeld qui aime réanimer d’anciens styles pour les remettre au goût du jour. Le contexte de cette avenue est parfait pour le défilé croisière 2016, pas besoin de rajouter quoi que ce soit, il se suffit à luimême. Seules quelques lumières sont ajoutées pour éclairer les mannequins. Ici l’architecture

est tout simplement déjà présente, c’est le lieu lui-même qui va servir de décor permettant de mettre en avant l’authenticité de la ville.

Utiliser un lieu existant comme décor pour un défilé, peut paraître au premier abord simple, pourtant ce lieu doit raconter une histoire et le choix doit être fait méticuleusement pour correspondre à la collection. Karl Lagerfeld s’inspire à chaque fois du lieu où va se dérouler le show et lui apporte la touche Chanel. Ici, comme on a pu le voir, rien n’est ajouté comme à la Havane où certains ont dû regarder le défilé debout, cette décision permet de garder l’authenticité de l’avenue et de mettre les invités dans l’ambiance de la ville. Quelquefois des assises sont ajoutées pour accueillir les invités. On peut relier ça à Versailles, avec les tentes royales qui rappellent le XVIIIème siècle, le thème du défilé. Dans ce genre de cas, l’architecture est déjà présente et en plus de mettre en avant la collection, le défilé met en avant la beauté du lieu. Ce genre de défilés permettent aussi une super publicité pour la ville où le défilé se déroule. Il n’y a besoin de rien de plus pour plonger les invités dans l’histoire ou dans une autre culture.

112 Bougère, M-C., & Vincent, A. (2016). Défilé Chanel Croisière 2017 : quand Karl Lagerfeld fait danser Cuba. Madame Figaro. https://madame.lefigaro.fr/style/defile-chanel-croisiere-2017-quand-karl-fait-danser-cuba-040516-114110

Fig.80: Défilé croisière 2017 Chanel à La Havane

Le monde de la mode fut lui aussi chamboulé par l’arrivée du Covid. Les rassemblements interdits, la Fashion Week a donc dû être organisée en ligne. Évidemment comme pour de nombreuses entreprises les maisons de couture ont, elles aussi, connu une baisse conséquente de leur chiffre d’affaires. Les maisons ont dû trouver rapidement comment présenter, de la meilleure manière possible, leur collection au plus grand nombre.

La première Fashion Week virtuelle a eu lieu pour la Haute Couture automne-hiver 2020-2021. Différentes méthodes vont être utilisées par les maisons de couture pour promouvoir leur nouvelle collection. Chez Chanel, c’est un lookbook en vidéo, qui est diffusé sur les réseaux. C’est sur un fond blanc que les mannequins Chanel posent au rythme de la musique. Chanel met en vidéo la séance photo qui présente la collection Rock and Roll, un hommage au créateur Karl Lagerfeld.

La maison Dior va quant à elle proposer une vidéo réalisée par un vidéaste italien, Matteo Garone113. La vidéo débute dans les ateliers de la maison, on y découvre plusieurs couturières en train de confectionner de très petites robes, de la taille de robe de poupée. Après cette scène, le nom de la collection s’affiche en grand sur l’écran : Le mythe de Dior. La scène d’après on aperçoit deux lobby boy entrain de porter une malle qui prend la forme du bâtiment où se trouve les ateliers de la maison Dior, à travers une forêt. Ils sont en direction de la rivière où se trouve une sirène. Après la sirène, les deux couturiers de la malle rendent visitent à des nymphes qui s’amusent avec l’eau de la rivière. Ils vont s’arrêter près d’elles et ouvrir la malle pour leur présenter son contenu. À l’intérieur de celle-ci se cache toutes les petites robes qu’ont confectionnées, au début du court-métrage, les couturières. Les nymphes vont regarder avec fascination les robes Dior, comme si elles découvraient une des plus belles merveilles du monde. Le périple des jeunes garçons au travers de la forêt continue jusqu’à ce qu’ils rencontrent une femme

Fig.81: Le mythe de Dior

Fig.82: La statue de Vénus

113 Tissot, C. Haute Couture Automne-Hiver 2020-2021. Elle. https://www.elle.fr/Mode/Les-defiles-de-mode/Christian-Dior/ Haute-Couture/Automne-Hiver-2020-2021/Paris

coquillage. Après lui avoir tendu une des robes qu’elle va valider d’un geste de la tête, ils vont prendre ses mesures comme deux couturiers. La même scène va se dérouler avec les prochaines femmes qui sont, respectivement, une statue de Vénus et une femme arbre. Juste après on retrouve les couturières, qui cette fois confectionnent les robes en taille réelle, en fonction des mesures qu’ont pris les couturiers de la malle durant leur périple dans la forêt. Le court-métrage se termine avec un plan sur chaque femme qui porte les robes que leur ont confectionner les couturières de la maison Dior. À travers cette vidéo fantastique, la maison Dior raconte à sa manière comment sont créés les vêtements de leurs collections de Haute Couture. En réalisant un monde fantastique, ce courtmétrage permet aux personnes qui le visionnent de quitter pour quelque minute la réalité du Covid. Avec son courtmétrage, Dior révolutionne vraiment la manière de présenter une collection, elle la rend encore plus exceptionnelle.

Fig.84:

Pour le défilé Balmain, Olivier Rousteing, va proposer un live sur TikTok114, un nouveau réseau social qui connaît un véritable succès auprès des jeunes générations, et qui a connu un fort développement durant la pandémie. À l’occasion du 75ème anniversaire de la maison, Balmain se met en Seine. Sur une péniche qui porte le nom de « sans soucis », un nom en contraste avec la période115. On découvre sur ce live la chanteuse Yseult, portant une magnifique robe blanche de la maison. Dans la première partie, des mannequins positionnées sur des cubes en plexiglass, comme si elles étaient exposées dans un musée, portent les robes les plus cultes de la maison en hommage au créateur Pierre Balmain. Entre deux scènes, on aperçoit rapidement des danseurs qui dansent sur le pont de la péniche avec Olivier Rousteing. Pour la deuxième partie, les mannequins portent cette fois-ci les tenues de la nouvelle collection. Les zooms sur les mannequins sont coupés par des courtes vidéos des préparations du défilé. Olivier Rousteing organise une véritable fête sur l’eau pour célébrer l’anniversaire de la maison Balmain, durant cette période difficile pour tous.

114 Réseau social de partage de vidéo

115 Claudel, M. (2020). Balmain a présenté un défilé exclusif à bord d’une péniche sur la Seine. Vogue. https://www.vogue.fr/ mode/article/balmain-defile-haute-couture-seine-paris

Fig.83: Le mythe de Dior

Balmain se met en Seine

Pour la collection printemps-été, les règles se sont un peu assagies, mais les grands rassemblements restent interdits. Pour cette saison, la maison Dior va encore une fois proposer un court-métrage mis en scène par le même réalisateur italien. Encore plus magique que la précédente, dans cet univers onirique on suit les aventures d’une jeune femme à travers les cartes de tarot, en référence à Christian Dior qui les utilisait au quotidien pour se rassurer sur son présent. On voit que cette foisci, que ce soit pour Dior ou les autres maisons, le temps de préparation fut plus long.116

Fig.86:

Fig.87: Balmain remplace ses invités par des écrans

Saint Laurent, va faire voyager les personnes qui vont visionner la vidéo, en proposant un défilé dans le désert, sans aucun public.117 Les mannequins apparaissent une à une comme caché par la dune de sable, les mannequins défilent en plein cœur du désert, comme elles pourraient le faire sur un podium à Paris. Elles se promènent entre les différentes dunes, laissant place à un spectacle envoûtant. Le défilé se termine de nuit, les dernières mannequins parcourent le chemin illuminé par un feu qui prend place sur le côté du chemin qu’empruntent les modèles.

La maison Balmain va trouver une alternative pour avoir une sorte de public, en plus des très rares personnes qui ont pu assister au show directement dans le jardin des plantes de Paris, une cinquantaine d’écrans placés sur des gradins sur les côtés du podium. Chaque écran projette un invité qui n’a pas pu se déplacer et qui regarde le défilé en direct. À travers ce défilé, la maison essaye de faire revivre les défilés de mode classique.118

116 Nedbaeva, O. (2021). Dior tire les tarots pour présenter la Haute Couture en plein Covid. Fashion Network. https://fr.fashionnetwork.com/news/Dior-tire-les-tarots-pour-presenter-la-haute-couture-en-plein-covid,1274856.html

117 Shaw, S. (2020). Pour sa collection printemps-été 2021, Saint Laurent défile dans le désert. L’officiel. https://www.lofficiel.be/ mode/saint-laurent-printemps-ete-2021-decouvrez-tous-les-looks-de-la-collection

118 Tissot, C. (2020). Prêt à Porter Printemps-été 2021. Elle. https://www.elle.fr/Mode/Les-defiles-de-mode/Balmain/Pret-a-porter/ Printemps-ete-2021/Paris

Fig.85: Le tarot de Dior

Saint Laurent au coeur du désert

Chanel retourne aussi au traditionnel. Sous la classique nef du Grand Palais, on voit tous les mannequins descendre l’escalier majestueux, pour rejoindre les quelques amis proches de la maison qui ont été invités pour l’occasion. Parmi ces invités on retrouve Marion Cotillard, Vanessa Paradis et sa fille Lily-Rose Depp ou encore Penelope Cruz.119 Arrivées au bout du décors conçu par Stefan Lubrina, elles se séparent en deux et font le tour pour passer une première fois devant les invités. Une ambiance familiale et amicale entre les mannequins se fait ressentir dans la vidéo. Avant même qu’elles rejoignent toutes les coulisses, les premières mannequins se mettent à défiler sur le sol remplie de pétale de fleur. Chacune à leur tour elles traversent une première fois l’espace centrale puis passent en dessous de toutes les arches fleuries. Ensuite, elles remontent l’aller qu’elles ont descendu précédemment et vont venir prendre place sur l’une

Fig.89: Plan du défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel

119 Deprez, C. (2021). Défilé Haute-Couture printemps-été 2021 : la fête rêvée de Chanel. Marie Claire. https://marieclaire.be/fr/ defile-haute-couture-printemps-ete-2021-la-fete-revee-de-chanel/

Fig.88: Défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel

des chaises disponibles, montrant que la famille Chanel est à nouveau réunie. Quand toutes les mannequins sont assises, le modèle portant la robe de mariée arrive sur un cheval blanc pour conclure ce défilé aux airs de mariage. On retrouve sur ce défilé trois espaces. Tout d’abord, l’espace central de forme circulaire qui est recouvert de pétale de rose, puis des arches fleuries, lié entre eux par des guirlandes lumineuses, font le tour de cette place. Et pour terminer, les chaises qui sont installées sur un parquet en bois sont placées autour de l’espace des arches. Dans le fond on retrouve une énorme tente blanche qui rappelle les tentes où se déroulent souvent les mariages. La maison propose une véritable réunion de famille, chose qui était encore presque impossible à réaliser à cette époque du au nombreuse restriction.120

Les maisons de couture réinventent la manière de présenter une collection de mode durant la pandémie, Balenciaga est même allé jusqu’à présenter sa collection automne-hiver 2021 totalement

en réalité virtuelle, grâce à des casques de réalité virtuelle envoyés à chaque invité121. Mais, dès que les restrictions ont été enlevées, toutes sont retournées au défilé traditionnel. Mais les changements dû au Covid ont permis de rendre plus accessible les défilés des grandes maisons de couture. Maintenant, il est possible pour tout le monde d’assister au défilé en direct sur les réseaux sociaux de la marque. Et c’est une véritable révolution pour toutes les personnes qui s'intéressent de près ou de loin à la mode, ils n’ont plus besoin d’attendre la vidéo du défilé. Pendant la période du covid, il y a eu très peu de construction pour les décors, les seules créations ont été faite en virtuel. L’architecture vient souvent servir de décors que ce soit dans les vidéos de Dior, ou au jardin des plantes avec Balmain. La pandémie, va aussi permettre d’avoir plus de défilés dans des lieux existant, mais aussi d’exporter les défilés des grandes maisons autre part qu'à Paris, Londres, New York ou Milan, permettant de mettre en valeur la beauté des paysages et de l’architecture qui nous entoure.

120 Deprez, C. (2021). Défilé Haute-Couture printemps-été 2021 : la fête rêvée de Chanel. Marie Claire. https://marieclaire.be/fr/ defile-haute-couture-printemps-ete-2021-la-fete-revee-de-chanel/

121 Von Bardeleben, E. (2020). Balenciaga a osé le défilé en réalité virtuelle. Le Monde. https://www.lemonde.fr/m-styles/article/2020/12/07/balenciaga-a-ose-le-defile-en-realite-virtuelle_6062519_4497319.html

Fig.90: Défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel

Comme on a pu le voir dans cette deuxième partie, Gabrielle Chanel grâce à son génie a su construire très rapidement un empire avec la maison Chanel, qui, avec

l’arrivée de Karl Lagerfeld après la mort de la créatrice, n’a fait que s’agrandir. Le directeur artistique sachant très bien manier les codes de la communication a propulsé la maison de couture et a fait de Chanel l’une des dix maisons de couture les plus connues au monde. Par la suite, l’analyse de n’importe quelle catégorie de défilé nous permet de conclure que l’on retrouve la même organisation spatiale, avec les mêmes types d’espaces. Il y a toujours un espace pour les assises des invités, situé le plus souvent dans le décor lui-même, ou en dehors de celui-ci. L’espace du catwalk, quant à lui, va plus ou moins jouer avec le décor, il en fait soit parti comme avec le Boulevard Chanel, soit comme pour le défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018, il est ajouté au décor. Et le dernier espace étant celui du décor, qui lui varie de taille et de forme à chaque défilé, selon sa thématique. Dans chaque défilé analysé, que ce soit dans un espace existant ou dans un décor construit sous la nef du Grand Palais, transportent les

invités dans un monde plus ou moins proche de la réalité. Tous les défilés qui ont eu lieu à Paris sous le dôme du Grand Palais sont composés d’un grand nombre de constructions qui permettent d’organiser l’espace. Chacune des constructions que nous avons pu voir se sert de l’architecture. Les matériaux utilisés pour ces constructions sont souvent les mêmes. Ce sont des matériaux éphémères qui sont le plus souvent utilisés dû au fait que le décor ne reste au Grand Palais que le temps de la présentation et qu’ils soient créés en amont du défilé, ils sont transportés sur place une semaine avant et doivent donc être assez légers pour permettre de les transporter. Les nombreuses sculptures comme le mur de roche ou le théâtre, le lion encore les coquillages du monde sous-marins sont tous en polystyrène. Chaque défilé suit le même programme avec les mêmes objectifs, la seule différence entre chaque est la thématique que Karl Lagerfeld a imaginé. Les défilés qui ont eu lieu durant la période de la pandémie du Covid-19, montrent bien que les maisons de couture ont encore beaucoup de nouvelles expériences à proposer à leurs clients, pour leur présenter leur nouvelle collection et les surprendre encore et encore.

Ce mémoire avait pour but d’étudier, à travers un corpus de défilés de la maison Chanel pendant la période où Karl Lagerfeld y travaillait, la manière dont

l’architecture y est utilisée, ainsi que l’importance qu’elle a dans la scénographie de ces défilés. Avec les différents exemples utilisés, cette recherche a tenté de mettre en évidence l’utilisation des notions d’architecture dans les décors, mais aussi le fait que la scénographie d’un défilé de mode peut être considérée comme de l’architecture.

Tout au long de ce mémoire j’ai donc essayé de comprendre si un défilé de mode pouvait être considéré comme de l’architecture. Les défilés de mode sont catégorisés comme étant de la scénographie. Comme vu dans la première partie, l’histoire de la scénographie commence avec le théâtre. Elle s’occupe d’organiser et de construire l’espace de la scène à l’aide d’un script...

L’architecture permet également d’organiser et de construire l’espace en suivant un programme à la place d’un script. Les deux disciplines inventent et construisent donc l’espace. Les façons d’imaginer et de concevoir un projet de scénographie ou d’architecture sont identiques. De plus, la proximité entre les disciplines se confirme par leur enseignement commun.

Les deux disciplines sont tellement proches qu’il est de plus en plus courant de les enseigner ensemble. La temporalité vient cependant différencier les deux disciplines. En effet, l’architecture est considérée comme éternelle alors que la scénographie est éphémère. En suivant cette logique, toute organisation et construction éphémère de l’espace s’apparente à de la scénographie. C’est cette hypothèse qui a guidé mon questionnement.

Étant intimement convaincue que les défilés de mode que nous connaissons aujourd’hui peuvent être considérés comme de l’architecture, il m’a semblé pertinent de comprendre comment ils sont devenus des supers productions. Cette évolution peut être expliquée par l’arrivée du capitalisme artiste qui a fait faire un énorme bond au monde de

la mode. Il a permis de créer des grands magasins où la mise en scène est plus importante que le produit lui-même. Le maître mot du capitalisme artiste est d’utiliser l’esthétique pour vendre le plus possible. Les défilés de mode n’ont évidemment pas été épargnés par cette évolution. À l’origine, ils se déroulaient en petit comité, sans mise en scène, même simple. Ils sont alors devenus des événements incontournables au sein desquels la grandiosité de chaque défilé dépasse celle du précédent.

Afin de confirmer mon hypothèse, un travail d’analyse des défilés de mode a été réalisé. Au regard du temps imparti, l’analyse de l’intégralité des défilés des différentes maisons était irréalisable. Ce mémoire est donc centré sur une unique maison, la maison Chanel.

Comme on a pu le voir lors du début de la seconde partie de ce mémoire, Gabrielle Chanel, créatrice de la marque, a révolutionné le monde de la mode par ses idées. Elle a permis quelque chose qui semblait impossible à l’époque : qu’une femme soit chic en s’habillant confortablement. Cette idée a eu un franc succès à travers le monde, principalement aux Etats-Unis. Cela a permis à la maison Chanel de devenir une maison de Haute Couture mondialement connue. M’intéressant aux défilés de mode de notre époque, j’ai donc choisi de me concentrer sur les défilés ayant eu lieu alors que Karl Lagerfeld était le directeur artistique de la maison Chanel. Karl Lagerfeld a rapidement compris les secrets de la communication, et avec ce savoir il a pu donner envie à tout le monde de s’habiller en Chanel. Les défilés de la maison n’ont pas échappé à ce changement, Karl Lagerfeld a réussi à transformer ces évolutions en tradition, en donnant à chaque fois rendez-vous aux quelques centaines d’invités dans la nef du Grand Palais. Et même si les années passent les invités sont toujours surpris par la grandiosité proposée. Chaque défilé est un événement où il est bon d’être vu et grâce à la spectacularité et l’imagination de Karl Lagerfeld accompagné du travail Stefan Lubrina, vous êtes sûr d’en entendre parler.

Au cours de mes recherches pour trouver des défilés à analyser, un premier point a attiré mon

Conclusion : Les dEfilEs de mode ont-ils une dimension architecturale ? Ou sont-ils seulement de la scEnographie ?

attention. Que ce soit chez Chanel, ou dans une autre maison comme Dior, Jacquemus ou Versace, on retrouve différents types de défilés comme il existe différents types d’architecture. Cinq types différents de défilés se sont alors dessinés : un seul objet/élément créant l’espace, un espace eytérieur paysagé, un espace urbain, un espace fantastique, et un espace existant. Cette liste n’est pas exhaustive, comme on a pu, par exemple, le voir avec les défilés qui se sont déroulés durant la pandémie du Covid-19 en réalité virtuelle ou sous forme de court-métrage. Le découpage en différentes catégories de défilés m’a permis de sélectionner plus précisément les défilés pertinents à analyser au cours de ce travail.

circulation des mannequins joue avec les différentes fontaines présentes, mais pour le défilé croisière 2018 avec le paquebot, c’est une circulation plus commune avec un podium qui fait simplement la longueur du paquebot. Le dernier espace étant celui du décor, qui lui varie à chaque défilé selon sa thématique. Chaque défilé suit donc le même programme dont le résultat variera selon le thème imaginé par Karl Lagerfeld.

Antoine Pecqueur dit dans Les espaces de la musique121 qu’une « scénographie sera réussie, si vous ne savez plus où vous vous trouvez. Par ailleurs, l’architecture sera d’autant plus valeureuse si vous savez où vous êtes »122. Dans une scénographie, le spectateur ne doit donc plus savoir où il est au contraire de l’architecture. Dans chaque défilé analysé, que ce soit dans un espace existant ou dans un décor construit sous la nef du Grand Palais, la scénographie transporte les invités dans un monde plus ou moins proche de la réalité. Même dans le décor s’inspirant des Gorges du Verdon, les spectateurs ne peuvent réellement se localiser. Sur ce point les défilés de mode répondent plus à la catégorie de scénographie.

Pour l’analyse, qui est la partie la plus importante de ce mémoire, j’ai décidé d’étudier deux défilés par catégorie, pour un total de dix défilés. J’ai aussi fait le choix d’aborder chaque défilé sous un œil d’architecte, comme si la scénographie n’existait pas. J’ai donc étudié le plan, l’élévation (si c’était possible), la circulation, la construction, les matériaux utilisés ainsi que les inspirations de chaque défilé, comme si j’analysais un bâtiment tel que l’on me l’a appris durant mes études.

Tous les défilés qui ont eu lieu dans la nef du Grand Palais sont composés d’une multitude de constructions qui permettent d’organiser l’espace. Nous retenons le paquebot avec tout l’essentiel pour qu’il reste à quai, le mur rocheux avec ses cascades, tout un théâtre, la serre et ses plantes, etc…Chacune des constructions que nous avons pu voir se sert de l’architecture. Le théâtre, avec des rénovations, pourrait très bien accueillir une pièce, la serre pourrait être utiliser pour accueillir de véritables plantes, le quai et le paquebot ressemblent à n’importe quel quai et paquebot que l’on peut observer dans le port de Marseille, et le mur de roche utilise les notions de structure qui sont apprises en architecture avec, par exemple, l’utilisation de colonnes métalliques en treillis.

Ce sont les matériaux utilisés pour ces différentes constructions qui, d’après ce qu’on a vu dans la première partie, ne correspondent pas à de l’architecture mais à de la scénographie. Après chaque défilé, chaque décor est démonté, et si certains éléments sont utilisés pour les vitrines des différentes boutiques de la maison, la plupart du temps ces décors 121 Pecqueur, A. (2016). Les espaces de la musique : Architecture des salles de concert et des opéras. Parenthèses. 122 Ibidem.

Pour chaque défilé, on retrouve la même organisation spatiale, avec les mêmes types d’espace. Il y a toujours un espace pour les assises des invités, situé soit dans le décor lui-même comme pour le Boulevard Chanel, ou en dehors du décor comme pour le paquebot. Le catwalk va plus ou moins jouer avec le décor, par exemple pour le défilé croisière 2012 à Versailles, la

«une scénographie sera réussie, si vous ne savez plus où vous vous trouvez. Par ailleurs, l’architecture sera d’autant plus valeureuse si vous savez où vous êtes»

sont détruits. De plus, les décors sont créés en amont du défilé et sont transportés sur place une semaine avant. Ils doivent donc être légers pour permettre le transport. Il est évident que les décors vont être dans des matériaux différents d’une construction qui va durer dans le temps. En effet, les murs du théâtre, au lieu d’être en béton, sont en polystyrène, et la verrière de la serre va être en plastique au lieu d’être en verre. Ce sont des matériaux considérés comme éphémères, les constructions sont ainsi elles aussi éphémères. De ce point de vue là, ça ne peut être que de la scénographie, comme vu précédemment.

Pourtant l’architecture est définie dans le dictionnaire Le Robert comme « l’art de concevoir et de construire les édifices »123. En aucun cas il n’est précisé que la construction doit durer dans le temps et donc ne puisse être éphémère. Et quand on définit la scénographie, on nous dit que c’est « l’art et la technique de l’aménagement de la scène »124. Les deux définitions sont très proches l’une de l’autre. L’analyse des différents défilés a bien montré qu’il y avait de l’architecture dans chacun d’eux, que ce soit dans la construction des décors, ou même dans les décors déjà existants, mais aussi dans l’organisation des différents espaces. La scénographie influence elle aussi l’organisation spatiale, avec une circulation qui peut être qualifiée de « mise en scène », que l’on ne retrouve pas dans un projet d’architecture. Elle permet aussi de faire voyager les invités, le temps du défilé. Un défilé de mode s’apparente donc autant à de la scénographie qu’à de l’architecture, je pense même que la spectacularité des défilés de mode provient du mélange de l’architecture et de la scénographie, les deux disciplines se complétant parfaitement.

Pour aller plus loin, de plus en plus de défilés évoluent, comme on a pu le voir dans la petite partie qui explique comment se sont déroulés les défilés de mode durant la pandémie mondiale du Covid-19. Les défilés de mode se transforment en court-métrage chez Dior ou sont proposés en réalité virtuelle chez Balenciaga. Burberry a même lancé pendant cette période un jeu de plateforme nommé B Bounce125 pour promouvoir ses doudounes. Plus rien ne semble arrêter les maisons de couture, tout est bon pour vendre au maximum leur collection.

123

L’objectif dans ces nouvelles méthodes commerciales est d’ouvrir l’accès aux maisons de couture à un public plus large. Le monde de la mode de luxe a toujours été un cercle très fermé, tandis que la période de confinement a permis à n’importe qui d’assister en direct, sur son téléphone, à la présentation des nouvelles collections de chaque maison. Les maisons de couture se sont rendu compte que l’utilisation des réseaux sociaux pouvait leur permettre de toucher un public beaucoup plus large. Les défilés postCovid-19 montrent que le défilé en présentiel, avec ses invités de marque, reste tout de même indispensable mais les différentes maisons ont quasiment toutes gardé cette nouvelle habitude de diffuser en direct leurs défilés sur leurs réseaux sociaux. Sachant que le monde de la mode est en constante évolution, on peut penser que les méthodes de diffusion des collections adoptées pendant le Covid-19 pourraient être améliorées et réemployées dans cet objectif de conquérir un public plus diversifié. Mais alors, pourrait-on considérer que ces défilés soient de la scénographie et de l’architecture ? Et est-ce-que le mot défilé serait toujours le mot juste pour définir ces nouvelles méthodes de présentation de collection ?

J’aimerais terminer ce mémoire par une citation de Karl Lagerfeld, proposant l’idée que le monde ait autant besoin d’architecture qu’il a besoin de mode, et que ces deux disciplines se sollicitent entre elles :

Définition du dictionnaire Le Robert. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/architecture 124 Définition du dictionnaire Le Robert. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/scenographie 125 Mayeur, M. Burberry lance son premier jeu vidéo. Le Soir. https://sosoir.lesoir.be/burberry-lance-son-premier-jeu-video

126 Mauriès, P., & Napias, J-C. (2019). Le monde selon Karl. Flammarion

« On a besoin de maisons comme on a besoin de vEtements, l’architecture stimule la mode. C’est comme la faim et la soif, vous avez besoin des deux. »

Ouvrages :

- Bacqué, R. (2019). Kaiser Karl. Albin Michel.

- Drake, A. (2008). Beautiful People : Saint-Laurent, Lagerfeld : splendeurs et misères de la mode. Denoël.

- Lipovetsky, G., & Serroy, J. (2013). L’esthétisation du monde : vivre à l’age du capitalisme artiste. Gallimard.

- Mauriès, P., & Napias, J-C. (2019). Le monde selon Karl. Flammarion

- Pecqueur, A. (2016). Les espaces de la musique : Architecture des salles de concert et des opéras. Parenthèses.

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Articles de revue:

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- Malzlouman, M. (2012). L’architecture et le scénographe, regards croisés sur l’espace. Etudes théâtrales (54-55), pp 54-55. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-284.htm

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- Pauly, D. (2012). Scénographie – Lieu de représentation – Architecture. Etudes théâtrales (54-55), pp 174-178. https://www.cairn.info/revue-etudes-theatrales-2012-2-page-174.htm

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- Tout savoir sur l’appellation Haute Couture. Fashion Skills. https://www.fashion-skills. com/magazine/tout-savoir-appellation-haute-couture.htm#:~:text=Juridiquement%20 prot%C3%A9g%C3%A9e%20depuis%201945%20en,pour%20des%20clientes%20tr%C3%A8s%20 prestigieuses

- Von Bardeleben, E. (2020). Balenciaga a osé le défilé en réalité virtuelle. Le Monde. https:// www.lemonde.fr/m-styles/article/2020/12/07/balenciaga-a-ose-le-defile-en-realite-virtuelle_6062519_4497319.html

- Von Bardeleben, E. Le défilé, toute une histoire. Libération. https://www.liberation.fr/ mode/2015/09/09/le-defile-toute-une-histoire_1369333/#:~:text=Les%20Britanniques%20ont%20 une%20longueur,couture%20ou%20les%20grands%20magasins.

Documentaires et vidéos :

- Allen – Caron, L. Karl Lageld. Etre et paraitre. (2017, 10 avril). France Tv

- Chanel – Fashion Show – printemps été 2015. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=9NEhhvyw5dk

- Cruise 2016/17 Show in Cuba – Chanel Shows.Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=o6PEVrQNk4w

- Cruise 2018/19 show – Chanel Shows. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=gYPDowm0tho

- Défilé Chanel Printemps-été 2012 Prêt-à-Porter. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=vIUesiuUWj0

- Défilé Haute Couture Automne-Hiver 2010-11 « Sous le signe du Lion » Chanel. Youtube. https:// www.youtube.com/watch?v=JOLzcx831tQ

- Défilé Chanel Haute Couture printemps-été 2021. Youtube. https://www.youtube.com/ watch?v=WFHr2V-azD0

- Dior Autumn-Winter 2020-2021 Haute Couture. Youtube. https://www.youtube.com/ watch?v=yxBFwqRbI8c

- Fall-Winter 2013/14 Haute Couture Show – Chanel Shows. Youtube. https://www.youtube.com/ watch?v=9KdjKGwjVyI

- Le défilé Chanel croisière 2013 à Versailles. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=49SiSYi5YWg

- Le Grand Palais en 3D. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=jEUKxFIAXZ8

- Mademoiselle Coco Chanel : Un héritage au parfum de scandale… (2022, 24 mars). NRJ12

- Saint Laurent Spring Summer 2021. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=XbWIe2KCxqg

- Spring-Summer 2015 Haute Couture Collection – Chanel Shows. Youtube. https://www.youtube. com/watch?v=PiVxqpaRRVI

- Spring-Summer 2018 Haute Couture Collection – Chanel Shows. Youtube. https://www.youtube. com/watch?v=2FCp3DU_x1U

- Spring-Summer 2018 Ready-to-Wear – Chanel Shows. Youtube. https://www.youtube.com/ watch?v=jmPD4BSyRUE

Mémoires :

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- Bouillié, M. (2020). Les temporalités d’un paysage de mode. Mémoire de master, École Camando

- Brake, B. (2020). Le rôle et l’importance de l’architecture dans la scénographie aujourd’hui : étude de cas de la collaboration entre Sabine Theunissen, architecte-scénographe, et William Kentridge, plasticien. Mémoire de master, Université Libre de Bruxelles

- Karabetian, J. (2019). La vitrine: l’imaginaire au service du luxe, le cas d’Hermés, 24 rue du Faubourg St Honoré. Mémoire de master, ENSA PARIS-La Villette

- Labat, C. (2015). Vitrines: Entre communication et séduction, de la technique du merchandising à l’art de la scénographie. Mémoire de master, Université de Toulouse II.

- Pradal, A. (2020). Architecture et Couture. Mémoire de master, ENSAM. 2020

Table DEs illustrations :

Première de couverture :

- 1 : Fuentes, G. (2014). Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. Photographie. lexpress.fr/styles/ mode/defiles-fashion-week/defiles/fashion-week-de-paris-karl-lagerfeld-fait-descendre-chanel-dansla-rue_1603162.html

- 2 : Publicité Chanel. Photographie. https://www.chanel.com/fr/l-art-du-detail/

- 3 : Corbijn, A. (2021). Défilé Haute Couture printemps-été 2021. Photographie. https://www.lofficiel. be/mode/chanel-haute-couture-printemps-ete-2021-5-choses-a-retenir-du-defile

- 4 : Défilé Prêt-à-Porter automne-hiver 2014-2015. (2014). Photographie. https://www.venus-isnaive.com/2014/03/chanel-supermarche-andy-warhol-revival/

- 5 : Gallet, S. (2019). Défilé Prêt-à-Porter ürintemps-été 2020. Photographie. https://www.lesechos.fr/ weekend/mode-beaute/fashion-week-printemps-ete-2020-la-modernite-de-chanel-1212896

- 6 : Saillant, O. (2017). Défilé des métiers d’art 2017. Photographie. https://www.pointdevue.fr/lifestyle/mode/video-le-defile-chanel-a-hambourgs

Mémoire :

Fig. 1 : Défilé Prêt à Porter automne-hiver 20219-2020 Louis Vuitton. (2019). Photographie.https://www. mazarine.com/fr/louis-vuitton-defile-pret-a-porter-femme-lamodeenimage

Fig. 2 : Adolphe Appia, scénographie du vagabond des étoiles. (1890). Photographie. https://www.vagabond-des-etoiles.com/arts/scenographie-adolphe-appia/

Fig. 3 : Schill, A. (1908). Le théâtre de Pompée. Dessin. https://fr.vikidia.org/wiki/ Th%C3%A9%C3%A2tre_de_Pomp%C3%A9e#/media/File:Pompdraw.gif

Fig.4 : Van Buchel, A. (1596). La scène élisabéthaine, Le Swan. Dessin. https://www.worldhistory.org/ image/12362/elizabethan-stage-the-swan-theatre/

Fig. 5 : Teatro Olimpico. Dessin. https://wiki.ead.pucv.cl/

Fig. 6 : Bulhal, J. (1925). « The liberation » by Stanilaw Wyspianski. Photographie. https://artsandculture. google.com/asset/the-liberation-by-stanis%C5%82aw-wyspia%C5%84ski-jan-bu%C5%82hak/9gGPire17eu18Q?hl=en

Fig. 7 : L’intérieur du théâtre. Photographie. https://www.telerama.fr/idees/ete-1913-aux-vieux-colombierjacques-copeau-veut-reinventer-le-theatre,100659.php

Fig. 8 : Le Train Bleu. Photographie. https://www.britannica.com/art/ballet/The-era-of-the-Ballets-Russes

Fig. 9 : Le Bon Marché Rive Gauche. (1920). Photohraphie. https://www.connaissancedesarts.com/monuments-patrimoine/le-bon-marche-une-cathedrale-du-commerce-moderne-11147417/

Fig. 10 : Bianchetti, S. Le Bon Marché au XIXe siècle. Photographie. https://www.francetvinfo.fr/culture/ mode/videos-decouvrez-l-histoire-du-grand-magasin-le-bon-marche-et-de-ses-fondateurs-aristide-et-marguerite-boucicaut_3948231.html

Fig. 11 : Charles Frédérik Worth. Photographie. https://www.forbes.fr/luxe/charles-frederick-worth-pere-dela-haute-couture/

Fig. 12 : Défilé organisé à Florence par Giovanni Battista Giorgini. (1951). Photographie. https://magazine. luxus-plus.com/petite-histoire-du-luxe-la-fashion-week-de-milan/

Fig. 13 : Fendi sur la Grande Muraille de Chine. (2007). Photographie. https://fr.fashionnetwork.com/news/ Les-cinq-defiles-emblematiques-de-karl-lagerfeld,1069888.html

Fig. 14 : Morand, P. (1976). L’Allure de Chanel. Photographie. https://www.chanel.com/fr/about-chanel/ gabrielle-chanel/

Fig. 15 : Karl Lagerfeld. (2013). Autoportrait. Photographie. https://fr.fashionnetwork.com/news/karl-lagerfeld-sur-le-point-de-laisser-chanel-,684319.html

Fig. 16 : Gabrielle Chanel devant sa boutique à Deauville. (1913). Photographie. https://www.chanel.com/ fr/about-chanel/l-histoire/1910/

Fig. 17 : La Maison de Couture à Biarritz. (1931). Photohgraphie. https://www.chanel.com/fr/about-chanel/l-histoire/1910/

Fig. 18 : Bonney, T. (1929). La boutique CHANEL, 31 rue Cambon. Photographie. https://www.chanel.com/ fr/about-chanel/l-histoire/1910/

Fig. 19 : Kirkland, D. (1962). Coco Chanel. Photographie. https://www.vogue.fr/communaute/wiki-de-lamode/articles/coco-chanel-le-chic-tout-simplement/20593

Fig. 20 : Kolla, F. (1937). Publicité N°5. Photographie. https://espritdegabrielle.com/a-lire-chanel-n5-unbeau-livre-pour-les-100-ans-du-parfum/

Fig. 21 :. Karl Lagerfeld premier prix concours Secrétariat international de la laine. (1954). Photographie. https://espritdegabrielle.com/le-couturier-karl-lagerfeld-est-mort/karl-lagerfeld-premier-prix-concours-secretariat-international-de-la-laine-1954/

Fig. 22 : Karl Lagerfeld avec des modèles de la Maison Chloé. (1972). Photographie. https://www.alamyimages.fr/karl-lagerfeld-avec-des-modeles-de-la-maison-chloe-1972-image68845215.html

Fig. 23 : Marinau, G. (1979). Karl Lagerfeld et Jacques de Bascher. Photographie. https://www.vanityfair.fr/ actualites/articles/en-18-ans-de-relation-karl-lagerfeld-na-jamais-eu-de-rapports-sexuels-avec-son-ex-petitami/55377

Fig. 24 : Vauthey, P. (1983). Karl Lagerfeld et Inès de la Fressange dans le studio de la maison Chloé en 1983. Photographie.https://www.vogue.fr/mode/galerie/vogue-rend-hommage-a-la-carriere-exceptionnellede-karl-lagerfeld

Fig. 25 : Borde, O. (2016). Karl Lagerfeld et les couturières de l’atelier Chanel. Photographie. https://www. purepeople.com/media/karl-lagerfeld-et-les-couturieres-de-l-a_m2459283

Fig. 26 : Défilé Christian Dior collection Haute Couture automne-hiver 2015-2016 au Musée Rodin à Paris. (2015). Photgraphie. https://www.purepeople.com/media/defile-christian-dior-collection_m1875237

Fig. 27 : Défilé Prêt à Porter Balmain printemps-été 2020. (2020). Photographie. https://www.lamodeenimages.com/fr/balmain-4

Fig. 28 : Défilé croisière Dior 2020. (2019). Photographie. https://www.francetvinfo.fr/culture/mode/createurs/defile-croisiere-dior-2020-un-vent-d-afrique-souffle-sur-le-palais-badi-a-marrakech_3421793.html

Fig. 29 : Nef du Grand Palais. Photographie. https://www.grandpalais.fr/fr/les-musees

Fig. 30 : Défilé Chanel Prêt-à-Porter printemps-été 2019. (2018). Photographie. https://www.closermag.fr/ people/photos-karl-lagerfeld-retour-sur-les-defiles-chanel-les-plus-fous-936006

Fig. 31 : Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. (2009). Photographie. https://espritdegabrielle.com/les-incroyables-decors-des-shows-chanel-signes-karl-lagerfeld/defile-chanel-haute-couture-automne-hiver-2010-2011/

Fig. 32 : Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. (2009). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-lion

Fig. 33 : Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. (2009). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-lion

Fig. 34 : Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. (2009). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-lion

Fig. 35 : Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. (2009). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-lion

Fig. 36 : Tonelli, E. (2022). Plan du Défilé Chanel haute couture automne-hiver 2010-2011. Schéma

Fig. 37 : Guillot, F. (2018). Défilé croisière 2018 Chanel. Photographie. https://www.lexpress.fr/actualites/1/ societe/chanel-jette-l-ancre-au-grand-palais-pour-son-defile-croisiere_2005831.html

Fig. 38 : Défilé croisière Chanel 2018. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/ chanel-le-paquebot

Fig. 39 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé croisière Chanel 2018. Schéma

Fig. 40 : Défilé croisière Chanel 2018. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/ chanel-le-paquebot

Fig. 41 : Défilé croisière Chanel 2018. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/ chanel-le-paquebot

Fig. 42 : Défilé croisière Chanel 2018. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/ chanel-le-paquebot

Fig. 43 : Saillant, O.(2018). Le défilé croisière de Chanel à bord de La Pausa. Photographie. https://www. pointdevue.fr/lifestyle/mode/video-le-defile-croisiere-de-chanel-a-bord-de-la-pausa

Fig. 44 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel. (2017). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-les-cascades

Fig. 45 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel. (2017). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-les-cascades

Fig. 46 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018. Schéma

Fig. 47 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel. (2017). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-les-cascades

Fig. 48 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2018 Chanel. (2017). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-les-cascades

Fig. 49 : Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-encelade

Fig. 50 : Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-encelade

Fig. 51 : Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel. (2018). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-encelade

Fig. 52 : Défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel. (2018). Photographie. https://www.ellequebec. com/mode/tendances/les-plus-belles-creations-des-defiles-haute-couture-printemps-ete-2018

Fig. 53 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Haute Couture printemps-été 2018 Chanel. Schéma

Fig. 54 : Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel. (2013). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-theatre-ruine

Fig. 55 : Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel. (2013). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-theatre-ruine

Fig. 56 : Défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel. (2013). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-theatre-ruine

Fig. 57 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Haute Couture automne-hiver 2013-2014 Chanel. Schéma

Fig. 58 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. (2014). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/ fr/realisation/chanel-haussmann

Fig. 59 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. (2014). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/ fr/realisation/chanel-haussmann

Fig. 60 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. Schéma

Fig. 61 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. (2014). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/ fr/realisation/chanel-haussmann

Fig. 62 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. (2014). Photographie. Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2015. (2014). Photographie.

Fig. 63 : Charriau, D. (2011). Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012. Photographie. https://www.cosmopolitan.fr/karl-lagerfeld-the-chanel-shows-une-expo-pour-rever,2033084.asp

Fig. 64 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. (2011). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-fonds-marins

Fig. 65 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. (2011). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-fonds-marins

Fig. 66 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. (2011). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-fonds-marins

Fig. 67 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. (2011). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-fonds-marins

Fig. 68 : Défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. (2011). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-fonds-marins

Fig. 69 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Prêt-à-Porter printemps-été 2012 Chanel. Schéma

Fig. 70 : Défilé Haute Couture Printemps-été 2015 Chanel. (2015). https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-la-serre

Fig. 71 : Défilé Haute Couture Printemps-été 2015 Chanel. (2015). https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-la-serre

Fig. 72 : Défilé Haute Couture Printemps-été 2015 Chanel. (2015). https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-la-serre

Fig. 73 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Haute Couture Printemps-été 2015 Chanel.. Schéma

Fig. 74 : Koviarik, P. (2015). Défilé Haute Couture Printemps-été 2015 Chanel. Photographie. https:// www.centrepresseaveyron.fr/2018/06/27/haute-couture-retour-sur-les-defiles-chanel-les-plus-spectaculaires,4638439.php

Fig. 75 : Défilé croisère 2013 Chanel à Versailles. (2012). Photographie. https://www.francetvinfo.fr/france/ defile-chanel-sous-le-soleil-des-jardins-de-versailles_95309.html

Fig. 76 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé croisière 2013 Chanel à Versailles. Schéma

Fig. 77 : Le défilé croisière Chanel 2013. (2012). Photographie. https://www.vogue.fr/mode/inspirations/diaporama/les-decors-les-plus-spectaculaires-des-defiles-chanel/25071

Fig. 78 : Roque, A. (2016). Chanel a défilé à Cuba le 3 mai. Photographie. https://www.rtl.fr/culture/ arts-spectacles/en-images-chanel-organise-son-premier-defile-a-cuba-7783099029

Fig. 79 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé croisère 2017 Chanel à la Havane. Schéma

Fig. 80 : The Chanel cruise 2017 show in Havana. (2016). Photographie. https://fashionista.com/2016/05/ chanel-cuba

Fig. 81 : Le mythe de dior. (2020). Pphotographie. https://www.dior.com/fr_be/fashion/mode-femme/defiles-haute-couture/folder-collection-haute-couture-automne-hiver-2020-2021/le-film

Fig. 82 : Le mythe de dior. (2020). Pphotographie. https://www.dior.com/fr_be/fashion/mode-femme/defiles-haute-couture/folder-collection-haute-couture-automne-hiver-2020-2021/le-film

Fig. 83 : Le mythe de dior. (2020). Pphotographie. https://www.dior.com/fr_be/fashion/mode-femme/defiles-haute-couture/folder-collection-haute-couture-automne-hiver-2020-2021/le-film

Fig. 84 : 75ème anniversaire de Balmain. (2020). Photographie. https://www.elle.fr/Mode/Les-news-mode/ Autres-news/Les-3-choses-a-retenir-du-defile-Balmain-3869616

Fig. 85 : Dior Haute Couture printemps-été. (2020). Photographie. https://www.vogue.fr/mode/article/diorhaute-couture-printemps-ete-2021-tarot Fig. 86 : Saint Laurent par Anthony Vaccarello printemps-été 2021. (2020). Photographie. https://www.vogue.fr/mode/article/tendances-saint-laurent-defile-printemps-ete-2021

Fig. 87 : Balmain Haute Couture printemps-été 2021. (2020). Photographie. https://www.elle.fr/Mode/Lesnews-mode/Defile-Balmain-Olivier-Rousteing-souhaite-a-la-mode-de-ne-plus-respecter-les-regles-3884970

Fig. 88 : Défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel. (2020). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-coco-gypsy

Fig. 89 : Tonelli, E. (2022). Plan du défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel. Schéma.

Fig. 90 : Défilé Haute Couture printemps-été 2021 Chanel. (2020). Photographie. https://www.atelierdevineau.com/fr/realisation/chanel-coco-gypsy

Quatrième de couverture :

- 1 : Portrait de Karl Lagerfeld. Photographie. https://fr.fashionnetwork.com/news/Karl-lagerfeld-ledernier-empereur-de-la-mode,1069577.html

- 2 : Défilé Chanel Prêt-à-Porter printemps-été 2021. (2021). Photographie. https://www.viedeluxe.fr/ defile-chanel-collection-pret-a-porter-printemps-ete-2021/

- 3 : Kovarik, P. (2017). Défilé Prêt-à-Porter automne-hiver 2017-2018 Chanel. Photographie. https:// www.rtl.fr/actu/economie-consommation/video-fashion-week-chanel-a-fait-decoller-une-fusee-augrand-palais-7787578302

- 4 : Inès de la Fressange lors du défilé Chanel Haute Couture auomne-hiver 1986-1987. (1986). Photographie. https://www.vogue.fr/mode/galerie/le-style-chanel-par-karl-lagerfeld-dans-les-annees-80

- 5 : Défilé Haute Couture printemps-été 2019. (2019). Photographie. https://espritdegabrielle.com/ haute-couture-printemps-ete-2019-un-jardin-reve/

- 6 : Défilé Chanel Prêt-à-Porter printemps-été 2009. (2009). Photographie. http://dandyz.canalblog. com/archives/2009/01/28/12262811.html

“La mode est architecture : c’est une question de proportions.”

Chanel

Gabrielle

Qui n’a jamais rêvé d’assister à un défilé de mode ?

Plusieurs fois par an a lieu la Fashion Week, de nombreux défilés vont se succéder à travers le monde. New York City, Milan, Londres et Paris vont chacune accueillir à leur tour des dizaines de défilés de mode, plus extravagants et spectaculaires les uns que les autres. Derrière chacun de ces shows, on retrouve des décors fous, toujours plus grands et plus beaux d’année en année. Rien n’arrête les maisons de couture.

Dans le monde de la Haute Couture, l’arrivé de ces superproductions s’est vu par l’évolution du lieu de défilé qui au départ se déroulait au premier étage des boutiques des maisons de couture et qui de nos jours se retrouve dans des bâtiments historiques, la rue, ou encore en plein milieu d’un désert. Mais aussi par la création de décors les plus fous les uns des autres. Les défilés transformés en véritable spectacle accueillent même quelquefois des performances de chanteurs mondialement connus.

Ce changement des défilés de mode en superproduction est dû à l’intervention de la scénographie dans le monde de la mode. Le scénographe vient créer tout un décor et organise l’espace du défilé en fonction. Les scénographes n’ont aucune limite, leur seul but est d’aider les maisons de couture à mettre en avant leur collection grâce à des décors extraordinaires.

Même si depuis quelque temps, il y a de plus en plus d’écrits au sujet du lien entre l’architecture et le monde de la mode, aucun ne parle d’un quelconque lien entre l’architecture et les défilés. Pourtant la scénographie, créatrice des défilés de mode que nous connaissons aujourd’hui, est étroitement liée à l’architecture depuis le début de son histoire. Et quand j’observe les défilés de mode de notre époque, je suis intimement convaincu que derrière ces énormes superproductions se cache de l’architecture. Les défilés de mode ont-ils alors une dimension architecturale ? Ou sont-ils seulement de la scénographie ?