FIDAart N.11 Bruno Degasperi

PERIODICO della FIDA-Trento N.11 - Novembre ANNO 2013

FIDAart

In copertina: Bruno Degasperi, Tronchi, 2010, acrilico su tavola, 100x100 cm

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FIDAart sommario

Novembre 2013, Anno 2 - N.11

Editoriale

L’ex biblioteca di Botta

pag. 4

Politiche culturali

la CIVICA

pag. 5

Intervista ad un artista

Bruno Degasperi

pag. 6-19

Mercato dell’arte?

Barnett Newman

pag. 20

Barnett Newman

pag. 21

Nero perenne

Ju Chan Soo

Storia e arte

pag. 22 pag. 23

Rassegna mostre in regione Casa de Gentili - FIDA-Trento CIVICA Trento La Cerchia Mauro Berlanda Paolo Vivian Barbara Cappello e Renato Sclaunich Memorandum FIDA-Trento

Asta benefica - Sanzeno

pag. 26

L’AVANGUARDIA INTERMEDIA

pag. 27

SEQUENZE

pag. 28

Ardue vie

pag. 29

A GONFIE VELE

pag. 30

Sette opere per due artisti

pag. 31 pag. 33

Copyright FIDAart Tutti i diritti sono riservati L’Editore rimane a disposizione degli eventuali detentori dei diritti delle immagini (o eventuali scambi tra fotografi) che non è riuscito a definire, nè a rintracciare

EDITORIALE L’EX BIBLIOTECA DI BOTTA Avete notato che, oramai, i grandi edifici non vengono più indicati con la loro destinazione ma con il loro acronimo e il nome dell’architetto che li ha progettati? Il MART di Botta, il MUSE di Piano, il MAXXI di Zaha Hadid, l’AGO di Gehery, il MOCA di Isozaki, lo SFMOMA di Botta. Al punto tale che quasi nessuno sa cosa significhi MART, MUSE, MOMA o MAXXI, però molti si ricordano delle archistar che li hanno creati.

E’ di pochi giorni fa la decisione della PAT di non realizzare più la biblioteca universitaria “di Botta” a seguito di una serie di valutazione imposte dai bilanci sempre più smilzi e, magari, anche da altre considerazioni meno nobili tipo il flop del nuovissimo quartiere delle Albere che necessita di un aiutino esterno che gli insuffli un po’ di vita e stimoli il mercato immobiliare asfittico. Iniziato 10 anni fa il progetto dell’architetto svizzero Mario Botta, si presenta con delle caratteristiche dimensionali, architettoniche ed economiche eccezionali. Incuneata nell’angolo nord-ovest di piazzale Sanseverino, questa enorme torre triangolare di 27 metri di altezza e 36 mila metri cubi, nelle intenzioni del progettista doveva richiamare, con un po’ di fantasia, un “libro aperto”.

Certamente un lussuoso palazzo pubblico nello “stile di Botta” che avrebbe qualificato un luogo

degradato e risolto l’importante snodo dell’ingresso alla città. Molti i dubbi, però, sull’utilità di un simile fabbricato che -in netto contrasto con la normativa del Piano urbanistico- prevedeva un’altezza di 11 metri e un volume di 10mila metri cubi oltre i limiti ammessi. Anche il costo stimato di 50 milioni di euro sembra decisamente esagerato rispetto alle normali funzioni che svolge la biblioteca di un’università.

Nel dibattito che è seguito in questi anni, si sono confrontati i pro e i contro di chi privilegiava l’estetica, chi l’economia, chi la cultura e chi le grandi opere utili a lanciare l’immagine presente e futura del Trentino nel mondo.

L’impressione, però, è che questi edifici di rappresentanza siano un fiore all’occhiello delle archistar ma non “rappresentino” più di tanto la comunità e che puntare solo su questo tipo di opere, attiri (almeno inizialmente) un certo numero di visitatori ma non produca alcun altro beneficio diretto o indiretto alla città. Anzi, le cifre spropositate spese per strutture amministrative “monumentali” oltre a comportare impegnativi investimenti iniziali si risolve in pesanti costi di gestione perenni. In tempi di continui tagli al welfare, viene da chiedersi se fosse veramente indispensabile quello che è stato aulicamente definito il “tempio della cultura” oppure non servisse, invece, una bella biblioteca moderna, luminosa ed efficiente dove studiare (magari sugli Ebooks), fare ricerca e socializzare.

Alla fine, la real politik e il buon senso hanno prevalso consigliando di rinunciare al ‘Tempio di Botta’ e anche al ‘Palacongressi di Renzo Piano’ in costruzione nel quartiere delle Albere e optare, invece, per il suo riadattamento in corso d’opera a nuova biblioteca. Che sarà chiamata, probabilmente, la “BIBU di Piano”.

Ca’ Pesaro, Moggioli e la contemporaneità a Venezia 1913-2013

POLITICHE CULTURALI

la CIVICA

l’accesso risulta ancora un po’ anonimo scomparendo in mezzo alle vetrine dei negozi: forse ci vorrebbe più coraggio e ricordarsi che il messaggio artistico dovrebbe cominciare già sulla strada, sia per denotare la speciale destinazione del luogo, sia per incuriosire ed attirare turisti e trentini, soprattutto giovani. Se una galleria civica d’arte non attira, incuriosisce e stimola la potenziale utenza, allora perde buona parte della sua ragion d’essere.

La mostra in corso, programmata fino a gennaio 2014, ha svoltato rispetto alla passata Civica troppo sbilanciata sulla sperimentazione, optando per un mix tra modernità e contemporaneità nella giusta convinzione di dover venire incontro (almeno in questa prima fase) ai gusti di un maggior numero di utenti e non solo alle ‘elite’ più esigenti. La scelta di mettere a confronto più artisti di epoche diverse presentando anche le opere di un pittore trentino molto conosciuto come Umberto Moggioli, dovrebbe favorire il riavvicinamento all’arte anche del grande pubblico così da riannodare un rapporto continuativo della città con la sua CIVICA.

Se da una parte si assiste al progressivo ridimensionamento di alcuni grandi progetti dei lontani ‘tempi pre-crisi’ (vedi editoriale a lato sulla Biblioteca di Botta), dall’altra si deve prendere atto con soddisfazione della promessa mantenuta da parte del Mart relativamente alla nuova Galleria Civica di Trento.

La “CIVICA”, come sinteticamente si definisce oggi, è stata ristrutturata e ha riaperto nei tempi previsti - cosa assolutamente unica in Italia - inaugurando il 19 ottobre la mostra “L’AVANGUARDIA INTERMEDIA - Ca’ Pesaro, Moggioli e la contemporaneità a Venezia 1913-2013”.

La nuova sistemazione della galleria è minimalista e, compatibilmente con la difficile e complicata distribuzione degli spazi interni, più razionale e gestibile. La decisione di portare l’ingresso principale su via Belenzani è sicuramente ottimale perché, nonostante non esista continuità tra l’ingresso stesso e la galleria retrostante, adesso l’istituzione riacquista la necessaria importanza e visibilità. Piuttosto, 5

Intervista a BRUNO DEGASPERI Sono molti i diplomati dell’Istituto d’arte di Trento che ricordano con piacere gli insegnamenti del loro professore di Disegno dal vero; e anzi, in alcuni, diventati artisti a loro volta, si può ancora riconoscere il particolare stile grafico appreso da Bruno Degasperi.

Degasperi, infatti, è prima di tutto disegnatore e, ancor oggi, questo è il linguaggio che predilige e meglio gli permette di esprimere la propria personalità. Non perché nelle sue opere il colore sia secondario o subordinato al segno, ma solo perché l’artista, sia per questa sua attitudine naturale, sia per il successivo lavoro di insegnante e la ricerca scaturita dalla lezione di Paul Klee, ha affinato e portato ad una immediata riconoscibilità la sua tecnica personale di rappresentazione grafica.

Uomo del fare e trentino verace, Bruno non ama parlare troppo di sè stesso e preferisce far parlare le proprie opere che, cariche di spunti e di stimoli, necessitano di un approccio visivo e anche tattile approfondito per comprenderne la complessità pittorica e materica; in particolare, in quei personali effetti che simulano illusoriamente una tridimensionalità inesistente. In tutti i lavori, inoltre, sono sempre riscontrabili l’adesione alla realtà e l’interesse per tutte le sue manifestazioni sia organiche che inorganiche. La padronanza del mezzo tecnico, sia del disegno come della pittura, dell’affresco o dell’incisione, gli consentono di operare nell’immediatezza del gesto libero, veloce, ridondante perché privo di ripensamenti, sul colore steso sulla tavola. Centralità del segno, rapidità del tratto e ricchezza esuberante sono la cifra distintiva che connota i dipinti di Degasperi perché caratteristica della sua lunga attività artistica è la capacità di sperimentare indifferentemente, e con eguali risultati, sia il linguaggio figurativo della classicità sia quello astratto della modernità.

Paolo Tomio A sinistra: La scatola di cartone, 2009, acrilico su tavola, 70x50 cm

Sasso, 2004, monotipo acrilico, 50x70 cm

Quando e perchĂŠ hai cominciato a interessarti alla pittura?

dalla realtĂ . Pensavo erroneamente e privo di esperienza che la bravura di un artista fosse strettamente legata alla riproduzione fedele della realtĂ , nel corso della mia vita ho maturato concetti ben diversi.

Giovanissimo, frequentavo le scuole elementari,avevo una profonda attrazione nei confronti del disegno e della pittura. Era sufficiente una matita per divertirmi a rappresentare tutto quello che mi circondava, piĂš tardi cominciai ad osservare con interesse determinate opere artistiche di vari periodi e stili, attratto principalmente dall`arte figurativa,

Quali sono state le correnti artistiche e gli artisti che ti hanno condizionato agli inizi La Bauhaus e in particolare Paul Klee mi hanno decisamente supportato, attraverso teorie e opere, permettendomi di elaborare un

Chiusure mentali, 1974, acrilico su tela, 80x80 cm

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Figure, 2006, acriliico su tavola, 46,5x59 cm modello personale che ho applicato nelle opere e nell`insegnamento.

Klee ha dato insegnamenti ricercati e approfonditi per leggere gli elementi fondamentali della figurazione, punto, linea, superfici, strutture, colore… così anche nel campo delle figure geometriche piane, suggerendo chiavi di lettura che possono variare dal figurativo all’astratto, un bagaglio teorico che mi ha permesso sia come artista che come insegnante di avere validi strumenti teorici . Ovviamente ho apprezzato Klee artista amando il suo segno e la sua grande capacita di usare il colore. Instancabile ricercatore,

mi ha fatto capire molte cose....in modo differente dai numerosi artisti altrettanto da me guardati, lui è stato un “educatore”.

Hai conosciuto e frequentato artisti locali o nazionali?

Ho conosciuto molti artisti locali a partire dai tempi della scuola, all`Istituto d`Arte di Trento: Carlo Bonacina, Bruno Colorio ,Cesarina Seppi, Martino Demez ,Marco Bertoldi ,Remo Wolf e molti altri 9

meno noti. Gli anni di insegnamento mi hanno permesso di incrociare numerosi artisti( tra cui anche colleghi ): Giancarlo Vitturini, Mauro Decarli,Silvio Cattani, Luigi Senesi,Ivo Fruet, Aldo Schmidt, Remo Wolf, Carlo Girardi, Mariano Fracalossi....e molti altri,ho contribuito alla formazione di giovani ed affermati artisti quali Paolo Tait, Gianni Rocca, Rolando Trenti, Rolando Tessadri. Attraverso gemmellaggi organizzati dal gruppo artistico “la Cerchia” ho avuto modo di conoscere pittori stranieri: Messicani, Cileni, Tedeschi. Nell’ambito locale Martino Demez m’insegnò molto, sia come insegnante che come artista,

Viaggio all’interno di un sogno 3, 2003, acrilico su tavola, 100x100 cm

frequentai per anni il suo studio aiutandolo. Nell’ambito nazionale, ho avuto la fortuna di frequentare un corso di aggiornamento attraverso la scuola, con Bruno Munari,a Firenze.

Tu nasci pittore figurativo e hai realizzato, in un passato anche recente, numerose grandi opere pubbliche di tipo tradizionale.

Mi ritengo molto fortunato per essermi potuto cimentare nella realizzazione di opere pubbliche di grandi dimensioni in ambito religioso,con tecnica in affresco,mia specializzazione al Magistero d`Arte di Venezia.Tali opere richiedono una lettura comprensibile a tutti, ho utilizzato il linguaggio

Viaggio nella mia infanzia, 2008, acrilico su tavola, 50x70 cm

figurativo rielaborandolo in maniera personale sotto l`aspetto formale e compositivo.

figurativo classico e quello moderno?

Sì. Normalmente quando analizzo un soggetto, disegnandolo, attraverso vari passaggi lo semplifico nella forma e nella struttura, diventa mio, lo metabolizzo, lo astraggo con la predominanza dell`uso del segno.

Quando hai cominciato a sviluppare il tuo interesse per un linguaggio più astratto?

Mi sono sempre sentito libero, non ripetitivo, sperimentale, arrivare all`astrazione e`stato per me un processo naturale e inevitabile, ho analizzato tematiche, usato e scoperto tecniche personali, e ciò e` alla base del mio percorso e della mia continua evoluzione artistica.

Come definiresti il tuo stile? Quali sono, secondo te, le caratteristiche che ti rendono riconoscibile?

Mi definirei “SEGNICO”. Il segno e` la mia “forza” traduco con esso tutte le cose che mi circondano.

Si può dire che in te convivano, senza contraddizioni, entrambi i linguaggi: quello 11

Oggi che cosa ti interessa e cosa non ti piace dell’arte contemporanea?

Mi interessa scoprire modi diversi di fare arte, rimango attratto quando incontro un linguaggio, uno stile molto personale, legato a una traduzione interiorizzata del soggetto, indipendentemente dal mezzo artistico usato.

Mi riesce difficile attribuire un valore artistico a forme d’arte che non hanno un legame diretto con la manualità dell’artista, probabilmente per mia formazione, mi lascio del tempo per comprenderle e scoprirne il valore.

Tu hai elaborato, tra le altre, una tecnica pittorica personale che definisci “monotipo” e che richiede materiali particolari e grande manualità. Vuoi spiegare come funziona?

Quando uso il termine monotipo, intendo -pezzo unico- ,una tecnica artistica non inventata da me, nel mio caso attraverso molteplici sperimentazioni ho individuato un processo particolare di stampa.

Ritengo che ognuno possa essere “geloso” delle proprie scoperte e non svelarne quindi i meccanismi più intimi.

Come spieghi questo tuo interesse, per la materia, in particolare, le pietre che ritornano Vegetazione 2, 2010, acrilico su tavola, 120x120 cm

Superfici 2, 2003, acrilico su tavola, 100x100 cm

spesso nei tuoi dipinti?

Ho vissuto in una cava di pietra trentina “la predara” a Trento, in città.

Dalle finestre della mia camera quello che vedevo e osservavo giornalmente era parete rocciosa, mutava a seconda delle stagioni, l’ho guardata, l’ho toccata, l’ho scalata, l’ho giocata,

l’ho rotta, l’ho accarezzata, l’ho annusata, e` entrata dentro di me e si e fatta segno, graffio, ferita, volume, suono.

Senza che io me ne accorgessi naturalmente .....

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In quasi tutte le tue opere il segno grafico è la struttura compositiva di base su cui, poi, intervieni con il colore. Cosa rappresentano per te il segno, la forma e il colore?

Come piĂš volte espresso il segno e` la mia predominante, attraverso esso

Sasso, 2012, acrilico su tavola, 100x100 cm

analizzo la forma: volumetricamente , geometricamente e strutturalmente, in tal modo riesco a memorizzarla, ricavandone modifiche e traduzioni personali. Ho una visione “chiaroscurale� del colore, come lo sono i miei grafismi, lo utilizzo per dare ulteriore valore, forza volumetrica ed equilibrio compositivo al mio segno.

Viaggio all’interno di un sogno 2, 2008, acrilico su tavola, 100x100 cm

Come ex insegnante di disegno dal vero dell’Istituto d’arte ritieni che il disegno sia importante anche per gli artisti astratti?

cose semplici e genuine, di natura, animali e vegetazione.....

Il sasso, che spesso e`il mio foglio, il supporto dei miei ricordi.... le superfici….

Ho dedicato gran parte della mia vita ad educare ad un osservazione attenta della realtà interpretata attraverso il disegno. Quindi considero fondamentale per un artista il disegno.

Dal momento che si sa disegnare, si e liberi di scegliere il figurativo o l’astratto.

Pur essendo essenzialmente bidimensionali, nei tuoi dipinti lavori il colore in modo da ottenere un effetto illusionistico di materia scavata in profondità

Hai altri dei temi su cui hai lavorato più a lungo e che ritornano spesso nei tuoi dipinti?

Forse questa particolarità di dare ai miei lavori un aspetto tridimensionale, deriva da un`attrazione verso i bassorilievi, in particolare quelli assiro-

La mia infanzia: bella, ricca di intensi momenti, di socialità, di giochi, di 15

babilonesi ed egizi. L`elemento della luce radente, evidenzia l`anatomia delle forme e gli aspetti compositivi.

Ritieni di rappresentare nelle tue tele concetti o emozioni? Sei interessato ad un “messaggio” nell’opera?

Esprimo un messaggio personale, qualcosa che io voglio condividere, che nasce da una mia profonda esigenza espressiva.

Emozioni, concetti, frammenti di vita, ricordi che nascono da impulsi interni non da temi dati o richieste esterne.

Cos’è la bellezza? E’ un valore che ricerchi o è subordinato ad altri valori?

necessariamente umana, può essere anche un oggetto o un paesaggio o una forma naturale, la intravedo in questi “soggetti” ma non scelgo di cercarla ostinatamente.

E, per finire, cosa è per te l’arte? E chi è l’artista?

Arte per me e` riuscire a tradurre con i mezzi che ho a disposizione quello che io sento nei confronti di ciò che mi sta attorno, non solo le cose materiali ma tutto ciò che la vita porta alla mia attenzione.

Non è artista colui che non ha idee originali.

Essere artisti veri è prima di tutto un bisogno proprio, una necessità, il riscontro esterno è per me secondario.

La bellezza e` qualcosa di armonico che mi attrae istintivamente, non

Frammenti di paesaggio 2, 2011, acrilico su tavola, 70x100 cm

A destra: Il muro, 1999, acrilico su tavola, 70x50 cm

Ai Carmini di Venezia e successivamente ottiene, prima a Genova e poi a Padova, le abilitazioni per l’insegnamento rispettivamente in disegno e storia dell’arte e in discipline pittoriche.

Dopo una significativa esperienza come disegnatore tecnico in uno studio di progettazione trentino, che aveva sede nella casa del grande artista impressionista dei primi del Novecento Umberto Moggioli, Degasperi si avvia all’insegnamento in scuole diverse e infine ottiene la cattedra di “Disegno dal vero ed Educazione visiva” all’Istituto d’Arte A. Vittoria dove egli stesso si era inizialmente formato.

Insegnare e dipingere diventano un tutt’uno per Bruno Degasperi e, a partire dalla fine degli anni sessanta, la copiosa produzione, soprattutto a colori acrilici, gli vale prestigiosi riconoscimenti (Rassegna nazionale di pittura Giovanni Segantini di Arco, Biennale Nazionale di pittura Valle dei Laghi) e scaturisce in una prima mostra personale alla galleria d’arte Fogolino, cui seguono altre importanti esposizioni a Pergine (1986) e a Castel Stenico (1989).

Nel 1986 co-fonda il Gruppo di artisti trentini La Cerchia, a cui partecipa ancora oggi, nello spirito del cenacolo artistico che si fonda sul rapporto e sul confronto con altri artisti, quali Mariano Fraccalossi, Marco Berlanda, Carla Caldonazzi, Domenico Ferrari, Carlo Girardi, Anna Maria RossiZen, Cesarina Seppi, Tullio Gasperi, Giorgio Tomasi, Ilario Tomasi, Giuseppe Varne, Pietro Verdini, Carlo Bonacina, Livio Conta e Cirillo Grott. Con La Cerchia Degasperi espone non solo in Trentina, ma anche in Germania, Austria, Belgio, Spagna, Messico, Cile, Argentina, Brasile, Paraguay, Stati Uniti e Canada.

Altra importante esperienza è la partecipazione all’attività dell’UCAI (Associazione Cattolica Artisti Italiani) che è molto legata alla realizzazione di alcune note-

BRUNO DEGASPERI Bruno Degasperi nasce nel 1944 in un piccolo paese alla periferia di Trento a Torchio di Civezzano, dove i genitori erano sfollati in seguito ai bombardamenti della città di residenza della famiglia. Trascorre l’infanzia principalmente a Trento, ma i luoghi della vacanze estive nel vecchio casone della nonna paterna a Cirè di Pergine diventano sernpre più irnportanti fino a quando, neo sposo, Degasperi vi si trasferisce definitivamente in seguito alla costruzione di un’ampia casa in mezzo ai campi.

Fin da piccolo Degasperi mostra una forte attitudine al disegno, incoraggiato dai genitori che gli regalano matite e colori ad olio, iscrivendolo undicenne all’Istituto Statale d’Arte applicata di Trento, sotto la guida prestigiosa di insegnanti come Bruno Colorio, Carlo Bonacina, Marco Bertoldi, Gino Novello, Cesarina Seppi e Martino Dernetz.

Conseguito il diploma di “maestro d’arte” con la specializzazione in decorazione pittorica, Degasperi si diploma all’Istituto 18

voli opere a tema religioso come i grandi affreschi della Chiesa di San Martino a Trento (1996 e 2008), le pitture della Chiesa dei Santi Angeli di Monte Terlago (1997), e l’ampia tela ad olio per la Chiesa di Vigolo Baselga (2000). Altre importanti opere di dimensioni ragguardevoli sono alla scuola materna di Lavis,presso la sede dell’impresa di costruzioni Garbari e l’istituto Pavoniano Artigianelli aTrento.

La presenza delle opere di Degasperi è diventata mano a mano imprescindibile laddove si parla di arte trentina, cosicché negli ultimi decenni le sue opere sono state parte integrante delle maggiori mostre collettive, fra le quali Correnti & Arcipelaghi. Attualità dell’arte in Trentina (Castel Ivano, 1995) e Situazioni. Trentina Arte 2003 (Mart, 2003).

Dopo trentaquattro anni di insegnamento, Bruno Degasperi si dedica interamente alla pittura collaborando con la Scuola Grafica dell’Istituto Pavoniano Artigianelli di Trento e con il Gruppo Arti Visuali di Trento. Nel 2009 il Comune di Pergine dedica all’artista l’esposizione “Bruno Degasperi - I segni della materia”; corredata da un importante catalogo delle opere e dei testi critici, curata da Alessandro Fontanari, che dà una chiara idea dell’imponenza della produzione dell’artista.

PERSONALI 1974 - Galleria d’Arte “M. Fogolino”, Trento; 1986 - “La Vecchia Pergine”, Pergine Valsugana; 1986 - Galleria d’Arte “Novecento”, Pergine Valsugana; 1989 - “Premio Castel Stenico”; 1992 - Centro Culturale UCAI, S. Giorgetto (Vr); 1996 “Tre artisti trentini”, Galleria “Il Sigillo”, Padova; 2000 - “Uomo e natura”, Sala “Tre Castelli”, Roncegno; 2003 - “Mostra di pittura di Bruno Degasperi”, Scuole Elementari, Cembra; 2009 - “Bruno Degasperi - I segni della materia”, Sala Mayer, Pergine Valsugana

Tutti i numeri 2012-2013 della rivista FIDAart sono scaricabili da: www.fida-trento.com Tutti i numeri 2012-2013 della rivista FIDAart sono sfogliabili su: http://issuu.com/tomio2013

FIDAart copertina del N.11 2013 Periodico di arte e cultura della FIDAart

PERIODICO della FIDA-Trento N. 10 - Ottobre ANNO 2013

FIDAart

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MERCATO DELL’ARTE ? milioni di dollari (32,52 milioni di euro) stabilendo il record assoluto per il lavoro dell’artista.

Il quadro realizzato nel 1953, un quadrato blu di circa tre metri per tre, tagliato a metà da una riga bianca verticale, è considerato una delle più importanti della corrente all’interno dell’Espressionismo astratto del “color field paintings”.

“Onement VI” è stata al centro di un’accesa gara al rialzo tra sei compratori e alla fine ad avere a meglio è stato un acquirente italiano che, si dice, sia Miuccia Prada. Il collezionista privato ha pagato la tela di Newman oltre 21 milioni di dollari in più rispetto al precedente record di vendita dell’artista stabilito solo un anno fa da “Onement V”, battuto per 22,4 milioni di dollari nel 2012. “Onement VI” del 1953, è l’ultimo di una serie di sei pezzi, chiamata “Onement” e realizzata da Newman a partire dal 1948.

Tutta la serie è caratterizzata dalla caratteristica sottile striscia verticale detta ‘zip’ (cerniera) che corre lungo la metà della tela e che, tra l’altro, contraddistingue la quasi totalità della sua produzione, la cui funzione è quella di dare la scala del lavoro e di fungere da contrasto con il campo del colore.

Dopo aver iniziato con dipinti di dimensioni piccole o normali, Newman, sulla falsariga di altri Espressionisti astratti, movimento di cui era membro (nonostante lo stile rigidamente geometrico e anti espressionista), è andato orientandosi verso opere sempre più grandi fino a realizzare nel 1953 “Vir eroicus sublimis” (vedi a destra), una tela di 5 metri e mezzo, con l’intento di produrre il massimo impatto e il coinvolgimento totale dello spettatore.

BARNETT NEWMAN (1905-1970), Onement VI, 1953, olio su tela, 259x305 cm.

Stima 30.000.000 - 40.000.000 $, venduto a 43.845.000 Sotheby’s New York.

Nel corso dell’asta “Contemporary art evening auction” svoltasi a New York a maggio, il top price della vendita è stata la grande tela dell’artista americano Barnett Newman, dal titolo “Onement VI” che è stata aggiudicata per 43,84

A destra: Vir eroicus sublimis, 1950, olio su tela, 242x541 cm 20

BARNETT NEWMAN La storia del pittore americano Barnett Newman, figlio di immigrati ebrei polacchi, nato nel 1905 a New York e morto nel 1970, è anomala nel panorama dei pittori statunitensi del dopoguerra. Dopo gli studi d’arte e una laurea in filosofia, Newman si dedica ad attività varie come pubblicista sindacale, scrittore di recensioni, curatore di mostre, critico, tentando contemporaneamente la via dell’arte con risultati mediocri. Diventa amico di Adolf Gottlieb, conosce Mark Rothko, ed entra in contatto con la galleria Betty Parson con cui collabora organizzando mostre di Rothko, Gottlieb, Jackson Pollock, Clyfford Still, Teodoros Stamos e altri. Dopo le prime modeste esperienze artistiche Barnett comincia a fare arte dal 1944 e nel 46 partecipa alla sua prima esposizione alla Parson, a cui farà seguito, nel 47, quella degli otto artisti della scuderia. Nel 1948 dipinge “Onement I” che egli ritiene un importante passo avanti; scrive anche un saggio “Il sublime è ora” in cui teorizza la nascita di una pittura americana liberata dal peso della cultura europea. Nel 1950 la sua prima personale alla galleria Parson ottiene giudizi critici totalmente negativi.

Lo stesso anno è nel gruppo di diciotto artisti

newyorkesi detti “Gli irascibili”, che contestano la mostra al MOMA alla quale non erano stati invitati e che diverranno i futuri Espressionisti astratti. Nel 51, ha luogo la seconda personale alla Parson dove espone “Vir Heroicus Sublimis” ma i critici condannano la mostra, i dipinti non vendono e Newman si ritira dall’attività della galleria. Fino al 55 non espone più e, dato che non vende quasi nulla, è mantenuto solo grazie al lavoro d’insegnante della moglie. Newman non esegue alcun dipinto durante il 56 e il 57.

Nel 56 un collezionista, su suggerimento di Pollock, acquista due dipinti, “Adamo” e “La Regina della Notte” per $ 3.500. Nel 58 quattro sue opere sono esposte al MOMA e Newman viene invitato in alcune mostre itineranti; nel 59, il museo di Basilea e poi il MOMA, acquistano un suo quadro dando inizio alla sua futura carriera.

Con la nascita della corrente minimalista, la sua pittura riceve un forte impulso fino a diventare un modello per i giovani artisti americani.

Oggi, i quadri che nessuno voleva, caratterizzati da un’assoluto azzeramento del linguaggio grazie alle campiture piatte monocromatiche attraversate da sottili linee verticali, sono diventati le nuove icone dell’arte contemporanea.

NERO PERENNE La Cina è ormai un gigante economico, geopolitico e militare che, senza clamore, si sta preparando a togliere il primato in tutti questi settori agli Stati Uniti. Solo a livello culturale e artistico, l’evoluzione di questo paese non è proceduta con altrettanta forza e impeto a causa delle contraddizioni che un’eccessiva libertà intellettuale potrebbero sviluppare in un sistema ancora troppo legato al passato che impone il controllo del pensiero da parte del partito unico.

Ciononostante, in questi ultimi anni si è ampliato il numero degli artisti che, abbandonando le indicazioni stilistiche e contenutistiche del “realismo socialista”, hanno adottato un linguaggio in linea con le correnti avanzate dell’Occidente.

Al punto tale che molti pittori cinesi sono entrati a pieno diritto nel grande giro delle case d’aste raggiungendo prezzi di tutto rispetto.

E’ abbastanza prevedibile che, in tempi brevi, la Cina inonderà gallerie e musei con migliaia di suoi artisti cercando di diventare leader anche nell’arte contemporanea sia per dimostrare la propria superiorità anche in questo settore sia, più prosaicamente, per inserirsi in un mercato mondiale estremamente ricco e, potenzialmente, in costante crescita.

Tra gli astri nascenti che stanno riscuotendo l’interesse di molti operatori e critici attenti ai segnali provenienti da Oriente, si è distinto il giovane artista di Shangai, Ju Chan Soo, il quale, a soli 28 anni si è già fatto notare per delle innovazioni artistiche che hanno contribuito a renderlo immediatamente riconoscibile nelle esposizioni internazionali.

Dopo degli inizi sostanzialmente tradizionali in cui i suoi dipinti si rifacevano scolasticamente ai grandi nomi della pittura moderna, in particolare i monocromi di Kline, l’artista ha messo a punto un proprio tipo di nero definito ‘Nero perenne’. La caratteristica di questo nero risiede nel particolare materiale utilizzato per il fondo di cui non si conosce la composizione: si tratta di un agglomerato a base marmorea e quarzifera, amalgamato con una resina sintetica inventata e brevettata da Soo, la JUCS, grazie alla quale è possibile ottenere una texture della superficie dal colore madreperlaceo assolutamente omogeneo con effetti sempre cangianti a seconda del tipo di illuminazione e della posizione dell’osservatore.

Fino al 2010 le dimensioni dei quadri eseguiti dal pittore cinese erano limitate perché forte-

STORIA E ARTE

mente condizionate dalle difficoltà connesse con i tempi e i modi di indurimento della resina che tendeva a produrre un reticolo di sottili screpolature sulla superficie dei dipinti (craquelure) disturbando l’effetto “color field” del monocromo.

Il grosso salto qualitativo si è visto alla mostra “BlackkcalB” inaugurata lo scorso anno presso la Hong Kong Central Gallery dove sono state esposti quadri di lunghezze mai viste finora.

L’opera più importante intitolata “Blackkkk” (vedi foto n.1), è un quadro monolitico che raggiunge i 18 metri di lunghezza per un’altezza di 3 metri. Il “dipinto”, irrealizzabile con le altre tecniche (a parte quelle di stampa oppure i teleri incollati su parete) ha entusiasmato anche la critica occidentale più diffidente che ha parlato del “nuovo Klein del terzo secolo”. Sottoposto al fuoco di fila delle domande di giornalisti, l’artista cinese ha spiegato di aver messo a punto una tecnica di preparazione del suo agglomerato rivoluzionaria che aveva risolto i precedenti problemi ottenendo, per di più, la possibilità di lavorare su superfici “teoricamente illimitate”.

Il segreto è stato parzialmente svelato quando

si è saputo che “Blackkkk” era stata trasportata in galleria in un imballaggio cilindrico del diametro di pochi metri e poco più alto di tre metri e si è così compreso che l’artista era riuscito ad arrotolare l’intera opera (semirigida!) nel senso della lunghezza.

Ju Chan Soo ha spiegato come la sua nuova tecnica consenta di stendere a caldo mediante un dispenser lineare l’impasto del suo agglomerato a base di IUCS in uno strato di spessore costante e calibato su un supporto elastico armato con fibre di vetro prodotto in rulli dall’industria aerospaziale. La pasta di circa 10 mm appena stesa sul piano viene calandrata a pressione mediante rulli in acciaio inox per ottenere uno strato uniforme e ben aggrappato al tessuto portante di sottofondo e, soprattutto, per fargli assumere la struttura elastica che permetta di arrotolarlo o piegarlo (vedi foto n.2). Dichiaratosi molto soddisfatto del risultato artistico raggiunto, Ju Chan ha annunciato di avere in programma la realizzazione di opere di dimensioni sempre maggiori e che è sua intenzione arrivare a coprire con un unico telo la facciata di un edificio lungo un centinaio di metri.

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Novembre 2013, Anno 2 - N.11

Mostre in regione Casa de Gentili - FIDA-Trento CIVICA Trento La Cerchia Mauro Berlanda Paolo Vivian Barbara Cappello e Renato Sclaunich

Asta benefica - Sanzeno

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L’AVANGUARDIA INTERMEDIA

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SEQUENZE

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Ardue vie

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A GONFIE VELE

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Sette opere per due artisti

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Ca’ Pesaro, Moggioli e la contemporaneità a Venezia 1913-2013

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Vezzano

teatro valle dei laghi inaugurazione

venerdì 8 novembre ore 20.00

alla presenza della critica d’arte Nicoletta Tamanini

Ardue vie La seduzione della montagna nella pittura di

Mauro Berlanda Con il patrocinio della Presidenza del Consiglio regionale

La mostra sarà visitabile fino a venerdì 30 novembre 2013 negli orari di apertura del Teatro Valle dei Laghi

ese ont agna

COMUNE DI VEZZANO

Provincia autonoma di trento assessorato alla cultura

Giunta e Consiglio Regione Autonoma Presidenza del della Consiglio regionale Trentino-Alto Adige Con il patrocinio della

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PAOLO TOMIO: “Omaggio a Piero Manzoni”, 2013, fine art su plexiglass, 75x75 cm Nel 2013 ricorre il cinquantesimo anniversario della scomparsa di Pietro Manzoni (1933-1963).

Sua la “Merda d’artista” (Artist’s shit, Merde d’Artiste, Künstlerscheiße) del 1961, scatoletta di latta, carta stampata e (presunte) feci, cm 4,8×6 cm. 90 barattoli del peso di circa 30 grammi ciascuno furono messi in vendita ad un prezzo pari all’equivalente in oro del loro peso.

MEMORANDUM INDIRIZZO FIDA-Trento C/o arch. Paolo Tomio Via Cernidor 43 - 38123 Trento Tel. 0461 934276 INDIRIZZO MAIL Indirizzo Mail ufficiale di FIDA-Trento è: info@fida-trento.com SITO FIDA-Trento Sito di FIDA-Trento è: www.fida-trento.com FIDA-Trento su FACEBOOK IDA-Trento è presente con un sua pagina: www.facebook.com/fida.trento?ref=tn_tnmn

IMPORTANTE Per ragioni fiscali e contabili, TUTTI i versamenti (ad es. per l’iscrizione, la quota annuale, partecipazioni a mostre o eventi FIDA ecc.) dovranno essere effettuati sul conto corrente della FIDA-Trento: Volksbank-Banca Popolare dell’Alto Adige - Piazza Lodron 31 38100 Trento IBAN: IT47 B058 5601 8010 8357 1214 752 NB! INSERIRE SEMPRE LA CAUSALE (es. iscrizione 2013) Poiché questo Conto Corrente dovrà essere utilizzato sempre si consiglia di stamparlo e di tenerlo sul computer in una cartella FIDA Segretario-tesoriere: Alessando Goio info@alessandrogoio.it

QUOTA DI ISCRIZIONE PER L’ANNO 2013 E’ stata mantenuta la quota d’iscrizione di euro 50.00 Il versamento dovrà essere effettuato con la causale: ISCRIZIONE ANNO 2013