Take Care of Nature - #80

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#80 TAKE CARE OF NATURE

#80 TAKE CARE OF NATURE Cover: Illustration Treat with care, Noemi Patriarca and Alessio Lalli

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MANIFESTO The Moodboarders is a glance into the design world, capable of capturing, in all of its many facets, what is extraordinary in the everyday. It is a measure of the times. It is an antenna sensitive enough to pick up on budding trends, emerging talents, and overlooked aesthetics. It is an adventure towards discovering the most original creativity. It is a savoury mix of contemporary news acquired through persistent involvement in even in the farthest corners of the design world, as well as an occasional dive into fashion, seeing as the two go hand in hand.

The Moodboarders Magazine è un occhio spalancato sul mondo del progetto, in tutte le sue multiformi declinazioni, capace di cogliere, anche nel quotidiano, lo straordinario. È la misura della temperatura epocale. È l’antenna sensibile capace di captare le tendenze sul nascere, i talenti che sbocciano, le estetiche trascurate. È un viaggio avventuroso alla scoperta delle creatività più originali. È una miscela sapida di notizie contemporanee, recuperate grazie alla frequentazione assidua del mondo del design, conosciuto nelle sue più segrete pieghe e, saltuariamente, in quello della moda, poiché le due discipline si tengono per mano.

www.themoodboarders.com

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#80 TAKE CARE OF NATURE

CONTRIBUTORS CRISTINA MOROZZI

DOMITILLA DARDI

MELODIE LEUNG

Journalist, critic and art-director on the border between art, fashion

As a historian and curator, I observe design by reading and visiting exhibitions.

Observing, wondering and creating in between of architecture, art and design.

Giornalista, critica e art director sul confine tra design, arte e moda.

Storica e curatrice, osservo e studio il design attraverso libri e mostre.

Tra architettura, arte e design: osservo, mi stupisco, creo.

FRANCESCA TAGLIABUE

LI JUN

Moving above the lines as much as needed, I would love to live in tree house designed by Mies van der Rohe

I’d be surrounded by the rich colors of this world, and continue to push the boundaries of design and art.

Sopra le righe quel poco che basta, vorrei abitare in una casa sull’albero progettata da Mies van der Rohe.

Vorrei essere circodata dal colore pieno di Memphis e continuare spingere i confini di arte e design.

GENNARO ESPOSITO It was 1991, and the only thing I knew for sure was that I would never do what other restaurants were doing.

Era il 1991 e l’unica certezza che avevo era che non avrei fatto le stesse cose degli altri ristoranti.

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PETE BREWIS After over a decade of editing design magazines, I’ve taken to the road for a year, traversing the world in search of wonder Dopo un decennio trascorso scrivendo per riviste di design, mi sono messo in viaggio per un anno alla ricerca delle meraviglie del mondo.

EDITORIAL STAFF

CRISTINA MOROZZI Editor- in-Chief

MELISSA MARCHESE Translator

ERIKA MARTINO

LUCA MAZZA

ELENA BERTOLINI

MASSIMO LUTTAZI

Founder and Managing Editor

Editorial Staff

Founder and Art Director

Web Content Editor

NOEMI PATRIARCA Graphic Designer

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#80 TAKE CARE OF NATURE

CONT ENTS SOMMARIO

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GIUSEPPE PENONE He hails from Piemonte, and attended Torino’s Accademia di Belle Arti, where he met Giovanni Pistoletto and became part of the Arte Povera movement in 1967...

Piemontese, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Torino, dove conosce Giovanni Pistoletto con il quale entra a far parte del movimento dell’Arte Povera nel 1967...

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BLOOM The seventh edition of Milan’s Film Festival was tinted with green: Antonio Perazzi curated the newest section, Bloom, dedicated to the relationship between man and...

La settima edizione del Design Film Festival si è tinta di verde con la nuova sezione Bloom, dedicata alla relazione tra uomo e natura, affidata alla curatela di Antonio...

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CONSIDER YOURSELF A GUEST Torino’s Artissima saw company FPT, leader in industrial engines, as a sponsor for American artist Christian Holstad’s environmentally conscious installation; he was...

A Artissima di Torino (3/5 novembre 2019) l’azienda FPT Industrial, leader nel settore dei motori industriali, ha sponsorizzato l’installazione dell’artista statunitense...

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INHOTIM Inhotim Institute is located in Brazil’s red-earthed mining town Minas Gerais, just 60 kilometers from architect Oscar Niemeyer and Brazil’s president and founder...

In Brasile, nel Minas Gerais, la terra rossa delle miniere, a 60 chilometri da Belo Horizonte, città natale di Oscar Niemeyer, il mitico architetto di Brasilia e di Juscelino...

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TAILORING SARTORIAL LIGHT Slamp was born under a shining light in 1994, and baptised by Alessandro Mendini, the first in a long line of remarkable collaborations with giants from...

Slamp è nata ufficialmente nel 1994, sotto una buona stella. A tenerla a battesimo è stato Alessandro Mendini, avviando il percorso di collaborazioni dell’azienda con grandi maestri...

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HENRIQUE OLIVEIRA A Brazilian painter and sculptor, class of 1973, residing in San Paolo: Henrique Oliveira combines art and nature in spectacular installations that dominate, if...

Brasiliano, classe 1973, residente a San Paolo, pittore e sculture, Henrique Oliveira coniuga arte e natura in installazioni spettacolari, che dominano lo spazio con...

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NOUS LES ARBRES Paris’ Fondation Cartier’s exhibition, running from July 12 to January 5, 2020, was curated by Bruce Albert, Hervé Chandès, and Isabelle Gaudefroy, who chose...

L’esposizione alla Fondation Cartier di Parigi dal 12 luglio al 5 gennaio 2020, accompagnata da un lussuoso catalogo con foto illustrazioni e testi critici, curata...

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BETTER NATURE SHOW Artist Alexandra Daisy Ginsberg’s personal exhibition for Vitra Design Museum (from this past June 20 to November 24), focused on our role in the natural...

La personale al Vitra Design Museum (20 giugno-24 novembre) dell’artista Alexandra Daisy Ginsberg con i suoi sei progetti pone domande sul nostro ruolo nel mondo...

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#80 TAKE CARE OF NATURE

The natural world is nearing collapse, and this 80th edition focuses on contemporary projects and pieces centred on the immediacy of caring for the environment through responsible relationships

between an object’s lifespan and the natural world

La natura è prossima al collasso, e questa 80esima edizione della rivista si concentra sui progetti e sulle opere contemporanee che esprimo l’urgenza di instaurare un nuovo rapporto responsabile con la vita delle cose e della natura

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EDITORIAL

by Cristina Morozzi

TAKE CARE OF NATURE The natural world is nearing collapse. There are more plastic objects than fish floating our seas.

Brazil’s president Jair Messias Bolsonaro has been setting the Amazon rainforest, the literal lungs of this earth, on fire since January 1, 2019.

Visits to Australia’s desert-central Ayers Rock have been suspended, and even the Aborigine’s sacred mountain needs a rest. Indian scientist Vandana Shiva writes about the Chipko women’s ecological movement, where 300 years ago, 300 of Rajasthan’s Bishnoi community members, led by Amrita Devi, sacrificed everything to save sacred trees, encircling them, arms locked. Southern France’s Dryade foundation recently entrusted Pascale Laussel to organise groups of people willing to hug trees in the forest, transmitting wellbeing. The Japanese created “forest baths” in the 80’s with scientifically proven benefits: lowered stress, artery tension, and glycemic levels, enhancing cardiovascular wellness. Japan created 10 forest itineraries in 2018. The fourth edition of Bologna’s “Biennale della Fotografia dell’ Industria e del Lavoro,” sponsored by Fondazione MAST (October 23 to November 24), hosted the exhibition of artist and photographer Yosuke Banzai’s images devoted to installations made from common waste, in conversation with natural settings, to remind us that even these items have a right to exist in our post-industrial world. The 2019 “Milano Design film Festival,” (October 23 to 27), presented landscape painter Antonio Perazzi’s Bloom, dedicated to greenery, and man’s connection to nature. In my book, Oggetti Risorti (Costa&Nolan, Genova,1998), I documented the beginnings of the ecological movement, highlighting publications and exhibitions that covered transformation, recycling, and reuse. This 80th edition of The Moodboarders Magazine features a look back at a number of the themes in “Oggetti Risorti”, translated into contemporary projects and pieces that focus on the urgency of caring for the environment, and the need for a responsible relationship between an object’s lifespan and the natural world.

La natura è prossima al collasso. Nei mari nuotano più plastica che pesci. Jair Messias Bolsonaro, presidente del Brasile dal 1 gennaio 2019, incendia la foresta amazzonica, che ossigena la nostra aria, per aumentare i terreni coltivabili. Nel deserto australiano le visite turistiche a Ayers Rock sono state sospese: anche la montagna sacra degli aborigeni ha bisogno di riposare. La scienziata indiana Vandana Shiva nel suo libro “Sopravvivere allo sviluppo” (Isedi,Torino,1998) documenta il movimento ambientalista delle donne Chipko: “300 anni fa, più di 300 membri dalla comunità Bishnoi nel Rajasthan, guidati da una donna di nome Amrita Devi, scarificarono le proprie vite per salvare dall’abbattimento gli alberi sacri, cingendoli con le braccia.

E’ recente, invece, la fondazione, nel sud della Francia, di Dryade ad opera di Pascale Laussel, che organizza passeggiate nella foreste, invitando i partecipanti ad abbracciare gli alberi per trarne benessere. I “bagni nella foresta” sono stati teorizzati negli anni 80 dai giapponesi e i loro benefici sono stati dimostrati scientificamente: fanno abbassare lo stress, la tensione arteriosa e i livelli di glicemia e hanno effetti positivi sulla memoria e sul sistema cardiovascolare. Nel 2018 in Giappone sono stati creati diecine di percorsi terapeutici nella foresta. A Bologna, nell’ambito della quarta edizione della “Biennale della Fotografia dell’Industria e del Lavoro”, promossa dalla Fondazione MAST, dal 23 ottobre al 24 novembre, sono esposte le fotografie di Yosuke Banzai, artista-fotografo, dedito alla trasformazione dei rifiuti quotidiani in installazioni e opere d’arte, che semina nella natura, per parlare all’uomo del diritto all’esistenza degli oggetti scartati dalla nostra società post industriale”. L’edizione 2019 del “Milano Design Film Festival” (23/27 ottobre) ha presentato la nuova sezione Bloom, affidata alla curatela del paesaggista Antonio Perazzi, dedicata al verde e alla relazione tra uomo e natura. Nel mio libro "Oggetti Risorti" (Costa&Nolan, Genova,1998) ho documentato il nascere del movimento ambientalista, segnalando pubblicazioni e mostre sul tema della trasformazione, del riciclo e del recupero. Nel numero 80 di The Moodboarders, riprendo il filo delle riflessioni del volume “Oggetti Risorti”, raccontando progetti e opere contemporanee, dedicate al tema della cura dell’ambiente, per segnalare l’urgenza di un nuovo rapporto responsabile con la vita delle cose e della natura.

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GIUSEPPE

PENONE

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He hails from Piemonte, and attended Torino’s Accademia di Belle Arti, where he met Giovanni Pistoletto and became part of the Arte Povera movement in 1967. He’s used unconventional materials from the beginning: lead, copper, wax, pitch, and wood. His gaze has fallen upon the relationship between man and nature, bringing to life large-scale environmental installations centred on trees and trunks.

The immersive “Foglie di Luce” installation became part of Abu Dhabi’s Louvre’s permanent collection in 2016. Rome’s Palazzo della Civiltà Italiana, Fendi’s official offices, hosted Penone’s “Matrice” exhibition in 2017, that saw a selection of 15 pieces, some never seen before. The exhibition got its name from the exceptional “Matrice” (2015), a 30 metre fir trunk that was excavated and replaced with a bronze base. Fendi gave Rome the gift of “Foglie di Pietra” the same year, an immense installation in Largo Goldoni; two 18 and 19 metre bronze trees hold an eleven ton block of marble in their branches.

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Piemontese, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Torino, dove conosce Giovanni Pistoletto con il quale entra a far parte del movimento dell’Arte Povera nel 1967. Sin dall’inizio del suo percorso artistico si distingue per l’uso di materiali non convenzionali, come piombo, rame, cera, pece, legno. Il suo interesse si concentra sul rapporto tra uomo e natura, dando l’avvio a grandi installazioni ambientali che hanno alberi e tronchi come protagonisti. Molti suoi lavori, come i grandi alberi in bronzo, sono destinati a spazi pubblici. Nel 2016 un’installazione di ampie dimensioni “Foglie di Luce” entra a far parte della collezione permanente del Louvre di Abu Dhabi. Nel 2017 al Palazzo della Civiltà Italiana dell’ Eur a Roma, sede degli uffici di Fendi, viene allestita la mostra “Matrice”, una selezione di 15 opere alcune delle quali inedite.

La mostra prende il nome dallo spettacolare tronco “Matrice” del 2015, un tronco di abete di 30 metri scavato, nel quale è incastonata una forma di bronzo. Nella primavera dello stesso anno Fendi regala alla città di Roma l’opera “Foglie di Pietra”, imponente installazione, costituita da due alberi di bronzo alti 18 e 19 metri che sostengono tra i rami un blocco di marmo di oltre 11 tonnellate, pensata per riqualificare l’area di Largo Goldoni.

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Penone has used unconventional materials from the

beginning: lead, copper, wax, pitch, and wood to depict large-scale work surrounding the theme of trees; his immersive

Foglie di luce installation became part of Abu Dhabi’s Louvre’s permanent collection in 2016

Sin dall’inizio del suo percorso Penone si distingue per l’uso di materiali non convenzionali, dando l’avvio a grandi installazioni che hanno alberi e tronchi come protagonisti; l’opera di ampie dimensioni “Foglie di Luce” è entrata a far parte della collezione permanente del Louvre di Abu Dhabi nel 2016

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He attended Torino’s Accademia di Belle Arti, where

he met Giovanni Pistoletto and became part of the Arte Povera movement in 1967.

Penone’s work focuses on the relationship between man and the natural world

Ha frequentato l’ Accademia di Belle Arti di Torino, dove conosce Giovanni Pistoletto con il quale entra a far parte del movimento dell’Arte Povera nel 1967. Il suo interesse si concentra sul rapporto tra uomo e natura

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The seventh edition of Milan’s Film Festival was tinted with green: Antonio Perazzi curated the newest section, Bloom, dedicated to the relationship between man and nature. Landscape painter, gardener, and writer Perazzi confesses that his move towards landscape design stems from an infatuation as a child that never quite left him, one that continues to drive his curiosity. He notes that botanicals establish a sincere relationship between man and territory, allowing fora welcoming, seductive place to integrate into one’s surroundings.

Inspiration comes from existing in natural places. Gardens have strong local notes, where climate and flora should be paid attention to Gardens exist thanks to the gardeners who sustain them, not the creator who designed them, as they always waft from ephemeral to eternal. Plants follow, they are “opportunistic organisms, stubborn, community members, and in some way, our planet’s immune system”.

He continues, remarking that landscape painters are like directors; they tell stories, often moving ones. One of his goals is to evoke a sense of awareness. Taking care of a garden, apart from its aesthetic value, is a lifestyle choice. His Bloom section presented various garden films, including Derek Jarman (The Garden) around his wooden cottage and at the beach; he describes his greenery as postmodern and sensory, inhabited by stones, like Dolmen.

La settima edizione del Design Film Festival si è tinta di verde con la nuova sezione Bloom, dedicata alla relazione tra uomo e natura, affidata alla curatela di Antonio Perazzi, paesaggista, giardiniere e scrittore che confessa di essersi avvicinato alla progettazione del paesaggio in seguito a una sua infatuazione infantile che non ha perduto e che ancora oggi nutre la sua curiosità. “Attraverso la botanica”, racconta, “innesco una relazione sincera tra l’uomo e il territorio che lo ospita, creando uno spazio accogliente e seducente, integrato con l’ambiente circostante. L’ispirazione deriva sempre dalla frequentazione dei luoghi naturali. Il giardino ha sempre una forte connotazione locale in cui il clima e la flora sono importanti e vanno ascoltati. I giardini esistono perché ci sono i giardinieri, non basta la sola figura dell’ideatore a far sopravvivere una forma d’arte, sempre in bilico tra l’eterno e l’effimero….

Le piante” prosegue, “sono organismi opportunisti, molto testardi, che operano in comunità, sono, in qualche misura, il sistema immunitario del nostro pianeta. I paesaggisti sono come dei registi: raccontano storie, talvolta commuovono. Per me uno dei traguardi è riuscire a innescare un senso di consapevolezza. Prendersi cura di un giardino, indipendentemente dal suo valore estetico, è una scelta di vita.” La sezione Bloom ha presentato vari filmati tra i quali “Il giardino” del regista Derek Jarman, attorno al suo cottage in legno sulla spiaggia, descritto dal suo autore, come postmoderno e sensitivo. E’ abitato da pietre, simili a Dolmen. continue - continua >>

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Hans Op de Beeck

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It is bleak, seemingly untended, almost wild with random yellow-toned blooms, stained with hits of red. Japan’s “The Tea Gardens of Dazhangshan” presents precisely designed nature in undulating terraces adhering to this mountainous area.

Japans Masaaki Miyazawa’s “In Between Mountains and Ocean” shows the dark greens and thick underbrush of a dense, wild forest. Illustrator Katie Scott depicts bouquets that look as if they were carved in stone. Emilio Tremolada’s “Il Tempo del Casoncello” tells the story of Gabriella Buccioli and her garden in Casconcello, nestled in the Bolognese Appennino range. Tremolada began filming the garden’s evolution in 2013 after having photographed it times before. Emilio noted that, “I was interested in filming not only different times of the day, but in different seasons throughout the year. I waited for snow, for fog, sun, the wind to carry seeds, to accompany the passing of seasons and recreate a narrative of the garden within a year. I listened to Gabriella about every single plant, and how she constructed the garden over time: a garden that is her reason to live, and her artistic expression”.

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E’ brullo, apparentemente incolto, quasi selvaggio, con fioriture spontanee nei toni del giallo, macchiata da qualche tocco di rosso.

“I giardini del tè di Dazhangshan” in Giappone presentano, invece, una natura disegnata con precisione da piantagioni ondulate, che accompagnano i declivi di questa zona montuosa. Il film giapponese “In Between Mountains and Ocean” di Masaaki Miyazawa introduce in una foresta selvaggia, dominata da una vegetazione spessa, nel toni del verde scuro. L’illustratrice Katie Scott dipinge composizioni floreali che paiono scolpite nelle pietre dure. Infine “Il Tempo del Casoncello” film girato da Emilio Tremolada, racconta la storia di Gabriella Buccioli e del suo giardino al Casoncello sull’Appennino Bolognese.

Tremolada ha realizzato diversi reportage fotografici sul giardino di Gabriella e nel 2013 ha iniziato a filmarlo per seguirne l’evoluzione. “M’interessava, dice Emilio, “riprendere il giardino, non solo nei vari momenti della giornata, ma anche nelle diverse stagioni dell’anno. Ho atteso la neve, la nebbia, il sole, il vento che porta i semi, per assistere al passaggio delle stagioni e costruire il racconto di un giardino nell’arco di un intero anno. Ho ascoltato Gabriella raccontare di singole piante e di come si è costituita questa opera nell’arco del tempo: un giardino che è ragione di vita e di espressione artistica”.

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Ph. Masaaki Miyazawa 27

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The seventh edition of Milan’s Film Festival was tinted with green: landscape painter

Antonio Perazzi

curated the newest section, Bloom, dedicated to the relationship

between man and nature, with

work spanning the precise terraces of Japan to the evolution of a garden in Bologna’s mountains

La settima edizione del Design Film Festival di Milano si è tinta di verde con la nuova sezione Bloom, dedicata alla relazione tra uomo e natura, affidata alla curatela di Antonio Perazzi, con lavori che spaziano dalle ordinate terrazze giapponesi all'evoluzione di un giardino sulle montagne di Bologna

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He notes that

landscape painters are like directors; they tell

stories, often moving ones.

Gardens exist thanks to the gardeners who sustain them, and plants follow; inspiration comes from existing in natural places

"I paesaggisti sono come dei registi: raccontano storie, talvolta commuovono� dice Perazzi. I giardini esistono perchÊ ci sono i giardinieri che li seguono e l’ispirazione deriva sempre dalla frequentazione dei luoghi naturali

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yourself CONSIDER A GUEST

Torino’s Artissima saw company FPT, leader in industrial engines, as a sponsor for American artist Christian Holstad’s environmentally conscious installation; he was invited by curator Milovan Farronato to show from November 3-5, 2019.

The artist created a sort of immense cornucopia, an ancient symbol of wealth and abundance, made of plastic waste, standing as a tangible sign of what seizes our daily lives. The iconic, colourful installation uses heterogenous plastic bits as a warning against the growing contamination of oceans and seas, conjuring up the trash floating on their surfaces, taking the place of marine life. Its strong aesthetics solicit awareness, inviting concrete collective action, speaking far more than the current litany of progressively growing mundane terms spoken on repeat. Holstad’s work assembles plastic fished out of the sea, creating a sort of ludic yet monstrous, archetypal creature, a long lost cousin of a walrus or seal, that illustrates how art can be one of the most effective tools in reminding us of the insurmountable quantity of non-recyclable, non-degradable waste that has built up thus far.

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A Artissima di Torino (3/5 novembre 2019) l’azienda FPT Industrial, leader nel settore dei motori industriali, ha sponsorizzato l’installazione dell’artista statunitense Christian Holstad, invitato dal curatore Milovan Farronato per la sua attenzione ai temi del consumo e del loro effetto sul mondo. L’artista ha creato una specie di grande cornucopia, simbolo antico di fortuna e abbondanza, prodotta interamente con rifiuti plastici, quasi volesse rendere tangibile l’assedio dei rifiuti plastici sul nostro quotidiano. L’iconica, policroma installazione, utilizzando gli scarti di plastica eterogenea, si pone come monito per una riflessione sull’urgenza di affrontare l’inquinamento degli oceani, evidenziando la quantità dei rifiuti plastici che galleggiano nei mari al posto dei pesci. Il suo forte impatto estetico, più di molte parole, ripetute, ormai come una litania, che progressivamente perde di senso, colpisce le coscienze, invitando a azioni collettive concrete. L’opera di Holstad, che assemblando rifiuti pescati nel mare, ha costruito una sorta di mostruosa/giocosa creatura segnaletica, lontana parente di una foca o di un tricheco, dimostra che l’arte può essere uno degli strumenti più efficaci per segnalare l’enorme quantità raggiunta dagli scarti di materiali, non degradabili e non riciclabili.

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American artist

Christian Holstad’s environmentally conscious installation was on display during Torino’s Artissima; the sort of

immense cornucopia, an ancient

symbol of wealth and abundance, made of plastic waste, stood as a tangible sign of what seizes our daily lives

L’installazione dell’artista statunitense Christian Holstad, in mostra presso l’Artissima di Torino, è una specie di grande cornucopia, simbolo antico di fortuna e abbondanza, prodotta interamente con rifiuti plastici per rendere tangibile l’assedio dei rifiuti nel nostro quotidiano

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The iconic, colourful installation uses heterogenous plastic bits as

a warning against the growing contamination of oceans and seas.

Its strong aesthetics solicit awareness

L’iconica, policroma installazione, utilizzando gli scarti di plastica eterogenea, si pone come monito per una riflessione sull’urgenza di affrontare l’inquinamento degli oceani, evidenziando la quantità dei rifiuti plastici che galleggiano nei mari

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INHOTIM Inhotim Institute is located in Brazil’s redearthed mining town Minas Gerais, just 60 kilometers from architect Oscar Niemeyer and Brazil’s president (and founder of the capital built out of nothing thanks to Don Bosco’s prophecy), Juscelino Kubitschek’s hometown of Belo Horizonte. The Institute is the most important outdoor foundation supporting contemporary art, all exhibited in the sprawling, 7860 sq. m Atlantica forest, commissioned by mining magnate Bernardo Paz. The artwork by international contemporary artists like Anish Kapoor,Yayoi Kusama, Matthew Barney, Chris Burden, and Giuseppe Penone, to name a few, are spread throughout a botanical garden and park, a literal “library” of Brazilian greenery and flora; architect and landscape/garden artist Roberto Burle Marx designed the reserve.

The visit takes a full day, winding through lakes, fields, vegetable gardens, and forests, filled with surprise after surprise. The works seem to suddenly appear, like Penone’s tree, in the centre of a field, its roots pointing straight towards the sky. Others are housed in the perfectly created spaces designed by a group of architects selected by Bernardo Paz. For example, just on the edge of a hill, Doug Aitken’s flying saucer-type disc, covered with a frosted glass dome; inside there is a circular wooden bench surrounding a round opening. While sitting, an unsettling roar rises from below; the noise, generated from the earth, invites one to reflect on telluric energy. Brazilian Adriana Varejao’s work is housed in a two-story building in the middle of a lake, and Mattew Barney’s rudimental tractor is inside a glass geodesic dome.

Brazilians sustain that the world is divided between those who have visited Inhotim, and those who have not had the pleasure. I have, and I believe I came to understand the relationship that binds nature and creativity.

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In Brasile, nel Minas Gerais, la terra rossa delle miniere, a 60 chilometri da Belo Horizonte, città natale di Oscar Niemeyer, il mitico architetto di Brasilia e di Juscelino Kubitschek, presidente del Brasile, fondatore della capitale, costruita nel nulla, sulla base di una profezia di Don Bosco, c’è Inhotim Museum, la più importante fondazione per l’arte contemporanea all’aperto, nel vasto territorio della Foresta Atlantica (7860 kmq), voluta dal magnate Bernardo Paz. Le opere d’arte d’importanti artisti contemporanei internazionali, quali Anish Kapoor, Yayoi Kusama, Matthew Barney, Chris Burden, Giuseppe Penone, tanto per citarne alcuni, sono disseminate in un parco/orto botanico, vera e propria biblioteca della vegetazione brasiliana, creata dal noto architetto, paesaggista e artista dei giardini Roberto Burle Marx. La passeggiata, che richiede più di una giornata, si snoda tra laghi, prati, orti, foreste, di sorpresa in sorpresa. Le opere appaiono, quasi all’improvviso, al centro di un prato, come l’albero di Giuseppe Penone che vive con le radici rivolte verso il cielo, oppure collocate in architetture, realizzate da una equipe di architetti, messi a disposizione degli artisti da Bernardo Paz per costruire lo spazio ideale per le loro opere. Sulla sommità di una collina, ad esempio, è posata una specie di disco volante, realizzata da Doug Aitken, una struttura circolare coperta da una cupola in vetro smerigliato: all’interno una panca in legno circolare, al centro un buco rotondo. Ci si siede, si attende e, d’improvviso, s’avverte un boato angosciante.

Ci viene spiegato che si tratta del rumore della terra. Un effetto misterioso che induce a riflettere sull’energia tellurica. Ci sono artisti ai quali sono dedicate architetture a due piani, al centro di un laghetto, come la brasiliana Adriana Varejao, altri come Matthew Barney, che ha collocato un rudimentale trattore con ruote in legno all’interno di una cupola geodetica in vetro…. I brasiliani sostengono che il mondo si divide tra chi ha visitato Inhotim e chi non ha avuto questa fortuna. Io l’ho avuta e credo di aver compreso molto sulla relazione tra arte e natura.

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Elevazione, Giuseppe Penone. Inhotim Collection, Brazil, Pedro Motta.

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Visiting Brazil’s Inhotim takes a full day, winding through lakes, fields, vegetable gardens, and forests, filled with contemporary surprises.

The works seem to suddenly appear, like Giuseppe Penone’s tree, its roots on full display

Visitare l’Inhotim Museum, in Brasile, richiede un'intera giornata. La passeggiata si snoda tra laghi, prati, orti, foreste, di sorpresa in sorpresa.

Le opere sembrano apparire all'improvviso, come l'albero di Giuseppe Penone, che vive con le radici rivolte verso il cielo

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The Institute is the most

important outdoor foundation supporting contemporary art, all exhibited in the sprawling, 7860 sq. m Atlantica forest; I have had the pleasure of visiting, and I believe I came to understand

the relationship that binds nature and creativity Cristina Morozzi

L’Inhotim Museum è la più importante fondazione per l’arte contemporanea all’aperto, nel vasto territorio della Foresta Atlantica (7860 kmq). “Io che ho avuto il piacere di visitare questo luogo credo di aver compreso molto sulla relazione tra arte e natura” dice Cristina Morozzi

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TAILORING

SUSTAINABLE

light

The ladies who tailor light quickly form a relationship with the product they specialise in, and this evolving know-how goes hand in hand with the pride and affection they feel for each piece produced.

Le sarte della luce acquisiscono una tale capacitĂ di dialogare con il prodotto che giĂ dopo poche settimane sentono una forte affezione nei confronti del modello di cui sono incaricate di seguire la manifattura.

Ph. Pedro Sadio.

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Cold-cutting sheets of the technopolymers exclusively manufactured for Slamp.

Fase di taglio a freddo dei tecnopolimeri in lastra prodotti in esclusiva per Slamp.

Ph. Pedro Sadio.

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Slamp was born under a shining light in 1994, and baptised by Alessandro Mendini, the first in a long line of remarkable collaborations with giants from the design world. Roberto Ziliani has made Slamp unique with his innovative idea to use luxurious technopolymers; their flexibility and resistance bend and fold into shapes and decorative elements that are impossible to create using other materials. Slamp applies haute couture culture to each lamp, transforming a two-dimensional sheet into three-dimensional shapes using a system of precise incisions and folds all executed by hand. Just like those who bring embroidered designs to life with a needle and thread, the ladies who tailor the light exemplify expertise while constructing a vast gamut of products from the catalogue. Agile hands bend and fold sheets, and cut fringe, petals, and halos to create crystalline landscapes.

The Roman company has been the ideal incubator for a multitude of international designers looking to experiment with evolving, elaborate shapes, and talented budding creatives have been able to work alongside the likes of Bob Wilson, Zaha Hadid, Daniel Libeskind, and the Fuksas, to name a few. This past September saw the inauguration of an 8.000 sq. m headquarters just south of Rome, housing 70 staff members, 30 assembly lines, and 7 cold die cutters. Slamp is sensitive to sustainability, as well as corporate social responsibility, activating a program geared towards the wellbeing of their personnel: free training, discounts at gyms and even a Tai Chi course. The manufacturing process uses renewable energy, avoids the creation CO2 of emissions, and ensures recycling of generated waste.

Just this year they signed an agreement that will utilise waste from the assembly lines to create durable, environmentally friendly products, including beehives.

Slamp è nata ufficialmente nel 1994, sotto una buona stella. A tenerla a battesimo è stato Alessandro Mendini, avviando il percorso di collaborazioni dell’azienda con grandi maestri del design. L’unicità di Slamp ha origine dall’idea innovativa di Roberto Ziliani di utilizzare tecnopolimeri nobili, flessibili e durevoli, che permettono di realizzare forme e decori impossibili con altri materiali. Come in un atelier di alta moda, la creazione di una lampada Slamp parte da un foglio bidimensionale di tecnopolimero che, mediante un minuzioso sistema di tagli e piegature eseguite a mano, viene trasformato in un volume tridimensionale. Osservare la creazione di molti dei modelli del variegato catalogo suggerisce l’operosità di provette ricamatrici, che fanno germogliare disegni con ago e filo, le cosiddette “Sarte della Luce”. Mani agili piegano fogli, ritagliano frange, petali e corolle per comporre un paesaggio simile a una natura cristallizzata. Nel corso degli anni si sono moltiplicati i progetti di grandi maestri internazionali del design, che hanno trovato nell’azienda romana l’interlocutore ideale per dare vita a esperimenti formali elaborati. Tra i progettisti illustri Slamp annovera Bob Wilson, Zaha Hadid, Daniel Libeskind, i Fuksas, affiancati da talentuose nuove leve. Per il suo 25esimo compleanno a settembre di quest’anno, ha inaugurato un nuovo stabilimento alle porte di Roma di 8.000mq con 70 addetti, dotato di 30 linee di assemblaggio e 7 macchine da taglio a freddo. Sensibile alle tematiche ambientali e alla responsabilità sociale d’impresa, Slamp ha messo in atto un programma di welfare per i dipendenti (corsi di formazione gratuiti, convenzioni con centri benessere e persino un corso di Tai Chi) oltre che mantenuto un ciclo produttivo a impatto zero: nessuna emissione di CO2, impiego di energie rinnovabili e completo abbattimento degli scarti. Proprio quest’anno è infatti partito un accordo di filiera per cui lo sfrido delle lavorazioni si trasforma in nuovi oggetti durevoli e che fanno bene all’ambiente, come le arnie per le api.

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Controlled number cutting uses blades, cutters, and cordons to create decorative elements that would be impossible to produce with other materials.

Con il taglio a controllo numerico, eseguito con lame, frese e cordoni, si riescono a realizzare decori irrealizzabili con altri materiali.

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Slamp’s poetic aesthetics are illuminated through meticulous attention to patented LED circuits, assembled by specialised operators within our atelier in Pomezia, just outside of Rome.

La poesia di Slamp si mostra anche nella meticolosa attenzione con cui i circuiti LED brevettati vengono assemblati dagli operatori specializzati direttamente nell’atelier manifatturiero di Pomezia, alle porte di Roma.

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Slamp has seen budding, talented creatives joined by a long line of remarkable

collaborations with giants from the design world,

all wanting to experiment with the Roman company’s

low-impact technopolymers and zero emission manufacturing processes

Slamp ha visto creativi in erba e di talento uniti da una lunga serie di straordinarie collaborazioni con giganti del mondo del design, tutti desiderosi di sperimentare i tecnopolimeri a basso impatto dell'azienda romana e i processi di produzione a emissioni zero

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#80 CURATING TAKE CARENATURE OF NATURE AND OTHER THINGS The ladies who tailor light are the stars of workshops held outside the company; clients, critics, and the curious get an exclusive demonstration of Slamp’s unique approach to handcrafting.

Le Sarte della Luce sono spesso protagoniste di workshop presso sedi esterne dell’azienda per mostrare a clienti, curiosi e critici, l’unicità della manifattura di Slamp.

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Slamp applies haute couture culture to each lamp, transforming a two-dimensional sheet into three-

dimensional shapes using a system of precise incisions and folds all executed by hand; the ladies who

tailor the light exemplify expertise while crafting each piece

Come in un atelier di alta moda, la creazione di ogni lampada parte da un foglio bidimensionale di tecnopolimero che, mediante un minuzioso sistema di incastri e piegature eseguite a mano, viene trasformato in un volume tridimensionale; osservare la creazione di molti dei modelli suggerisce l’operosità di provette ricamatrici, le “Sarte della Luce”

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Slamp’s handmade approach is a precise ritual of cuts, folds, and bends that transform a flat technopolymer sheet into an original and decorative three-dimensional shape. Pictured: Clizia.

L’allestimento manuale delle lampade Slamp segue una precisa ritualità che trasforma, tramite tagli, incastri e piegature, una lastra piana di tecnopolimero in un volume tridimensionale, originale e decorativo. In questa foto Clizia.

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HENRIQUE

OLIVEIRA A Brazilian painter and sculptor, class of 1973, residing in San Paolo: Henrique Oliveira combines art and nature in spectacular installations that dominate, if not try to escape the places they inhabit, with twists and tangles. The installations are made from recycled, time-worn wood, representing urban decay; both the size and patina of his weaving and braiding reveal nature to be brutal, powerful. The coils are almost carnal, the deteriorated wood has age-old veins like those within wrinkled skin, and the knotted, boa constrictor-like twists resemble the intestines of a giant. Oliveira’s massive works bring back the sense of vindictive domination that nature seems to have lost.

Brasiliano, classe 1973, residente a San Paolo, pittore e sculture, Henrique Oliveira coniuga arte e natura in installazioni spettacolari, che dominano lo spazio con grovigli e anse, quasi volessero liberarsi dalla prigionia dei muri per tornare nella natura.

Le sue sculture sono realizzate con vecchi legni riciclati, che recano evidenti i segni del tempo, per segnalare il decadimento dello spazio urbano. Le dimensioni e la patina dei suoi intrecci lignei esprimono una idea di natura brutale e possente. I suoi grovigli possiedono suggestioni carnali: il legno deteriorato con le sue venature, rese evidenti dal tempo, suggerisce le rughe della carne umana, mentre le anse, che si snodano come giganteschi boa nello spazio, possono essere associate a quelle intestinali di un gigante. Con le sue opere imponenti Oliveira ci restituisce una visione di natura dominante, pronta a vendicarsi delle aggressioni umane.

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Brazilian painter and sculptor Henrique Oliveira combines art and nature in

spectacular

installations that dominate, if not try to escape the places they inhabit,

with twists and tangles. His massive works bring back the sense of vindictive

domination that nature seems to have lost

Il pittore e scultore brasiliano Henrique Oliveira coniuga arte e natura in installazioni spettacolari, che dominano lo spazio con grovigli e anse, quasi volessero liberarsi dalla prigionia dei muri per tornare nella natura.

Oliveira ci restituisce una visione di natura dominante, pronta a vendicarsi delle aggressioni umane

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Paris’ Fondation Cartier’s exhibition, running from July 12 to January 5, 2020, was curated by Bruce Albert, Hervé Chandès, and Isabelle Gaudefroy, who chose photos, illustrations, and critical writing for an accompanying, luxe catalogue. The exhibition looks to invite and reinvent how we look “at these emblematic giants” and to consider them as living beings on our planet. It walks visitors through a forest, following three guidelines: scientific research surrounding trees, their aesthetic value, moving from natural observation to fairytale transposition, then to wooden works like utensils, masks, and ex-voto, without ever overlooking the dramatic reality of deforestation, expressed through images, paintings and illustrations. There are multitudes of artwork: botanist and biologist Francis Hallé’s illustrations, architect Cesare Leonardi’s designs taken from his book, created in collaboration with Franca Stagi (“L’architettura degli alberi”, Mazzotta, Milano, 1982), the religious paintings of Brazilian artist Louis Zerbini, and illustrations by Ehuana Yaira (representative the Brazialian Yanomami community). Others are George Leary Love’s photography of Amazonia, Efacio Alvarez and Angelica Kassen’s naif designs of forest animals, the work of Italy’s Giuseppe Penone, France’s Fabrice Hyber, and America’s Tony Oursler, unknown wooden ex-voto, and Alfonso Tostes’ archaic utensils. The catalogue features pieces by philosopher Emanuele Coccia, (“La vita delle piante”, Il Mulino, 2018), Stefano Mancuso, plant neurobiology professor at the Università di Firenze, author of numerous publications, including “L’incredibile viaggio delle piante” (Laterza, Bari 2018), “ La nazione delle piante” (Laterza 2019), “Uomini che amano le piante” (Giunti 2014). His “Verde brillante” (Giunti, 2013) explains Darwin’s theory of plants as complex organisms, both intelligent and relationship-orientated, following community patterns much like a school of fish or a flock of geese.

L’esposizione alla Fondation Cartier di Parigi dal 12 luglio al 5 gennaio 2020, accompagnata da un lussuoso catalogo con foto, illustrazioni e testi critici, curata da Bruce Albert, Hervé Chandès e Isabelle Gaudefroy, ha nell’intenzione dei curatori “l’ambizione d’invitare a reinventare il nostro sguardo su questi giganti enigmatici e d’insegnarci a considerarli come delle persone viventi del nostro pianeta”. La mostra è una passeggiata nella foresta accompagnata da tre linee guida: la conoscenza scientifica degli alberi, la loro estetica, dalla contemplazione naturalista alla trasposizione onirica, passando per le opere in legno come utensili, maschere e ex voto, senza dimenticare la sagra drammatica della loro devastazione attuale mediante una documentazione fotografata, dipinta e disegnata. Numerose sono le opere esposte, tra queste i disegni di Francis Hallé, botanico e biologista; i disegni dell’architetto Cesare Leonardi tratti dal suo libro realizzato assieme a Franca Stagi “L’architettura degli alberi” (Mazzotta, Milano, 1982); i dipinti rigogliosi del brasiliano Louis Zerbini; i disegni di Ehuana Yaira, esponente della comunità brasiliana Yanomami; le fotografie dell’ Amazzonia di George Leary Love; i disegni naif di animali nelle foreste del paraguaiano Efacio Alvarez e di Angelica Kassen; quindi le opere dell’artista italiano Giuseppe Penone; dell’artista francese Fabrice Hyber, dallo statunitense Tony Oursler; gli ex voto lignei di sconosciuti; gli utensili arcaici di Alfonso Tostes. Il catalogo contiene saggi del filosofo Emanuele Coccia, autore del libro “La vita delle piante” (Il Mulino, 2018); di Stefano Mancuso, biologo, professore neurobiologia vegetale all’Università di Firenze, autore di numerose pubblicazioni, tra le quali, “L’incredibile viaggio delle piante” (Laterza, Bari 2018) “La nazione delle piante”. Laterza 2019; “Uomini che amano le piante” (Giunti 2014) e di “Verde brillante” (Giunti, 2013) dove ci spiega, seguendo le teorie Darwiniane che le piante sono organismi complessi, intelligenti e relazionali e che possiedono comportamenti di gruppo, simile a un branco di pesci o a uno sciame di uccelli.

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Paris’ Fondation Cartier’s Nous les Arbres exhibition features multitudes of examples how we can reinvent the way we look at trees as emblematic giants, and living beings on our planet, without ever turning a blind eye to the dramatic

reality of deforestation

La mostra Nous les Arbres alla Fondation Cartier di Parigi ha, nell’intenzione dei curatori, “l’ambizione d’invitare a reinventare il nostro sguardo su questi giganti enigmatici, gli alberi, e d’insegnarci a considerarli come delle persone viventi del nostro pianeta”, senza mai chiudere un occhio sulla drammatica realtà della deforestazione

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Artist Alexandra Daisy Ginsberg’s personal exhibition for Vitra Design Museum (from this past June 20 to November 24), focused on our role in the natural world with six projects. Each examines the relationship between nature and technology, looking to define how design can improve it. One piece, in collaboration with scent-expert Sissel Tolaas, reproduces the perfume of extinct flowers. Others look at places destined for cultivation, constructed amongst greenery; design helps us look at our decisions and values. This earth will not last long if we keep moving at this pace, and it certainly doesn’t need us…it would be better without humanity.

Ginsberg says her work tries to tell stories that create reactions to climate change and endangered species; “ we tend to think that technology goes against nature.

We need to change our approach. Technology, when used correctly, can help it survive. We should never forget that a lot of solutions aren’t technological, but social”.

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La personale al Vitra Design Museum (20 giugno-24 novembre) dell’artista Alexandra Daisy Ginsberg con i suoi sei progetti pone domande sul nostro ruolo nel mondo naturale. Ogni suo lavoro prende in considerazione il rapporto tra natura e tecnologia, per individuare cosa può fare il design per migliorare questa relazione. Ci sono opere che riproducono, grazie alla collaborazione con l’esperta di odori Sissel Tolaas, il profumo di fiori che non esistono più; ci sono progetti di luoghi destinati alla coltivazione che possono svilupparsi in mezzo alle piante … Il design aiuta a pensare sulle nostre scelte e sui nostri valori. Il mondo attuale non vivrà ancora a lungo, ha una scadenza. Non ha bisogno dell’uomo, anzi potrà sopravvivere molto meglio senza la presenza umana. “Con le mie opere”, dichiara, “cerco di raccontare storie che possano sollecitare risposte emotive alla questione climatica e alla sopravvivenza delle specie naturali”. “Pensiamo” prosegue, “alla tecnologia in contrapposizione alla natura. Va cambiato l’approccio. La tecnologia, se utilizzata in modo corretto, può contribuire alla sua sopravvivenza. Inoltre, non bisogna dimenticare che molte soluzioni dei problemi non sono tecnologiche, ma sociali”.

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Artist Alexandra Daisy Ginsberg’s personal exhibition for

Vitra Design Museum consists

of six works focusing on the relationship

between nature and technology, looking to define how design can

improve it

La personale al Vitra Design Museum dell’artista Alexandra Daisy Ginsberg consiste in sei progetti che si concentrano sul rapporto tra natura e tecnologia, per capire come il design possa migliorare questa relazione

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She notes that design

helps us look at our decisions and values.

The earth will not last long if we keep moving at this pace, and it

certainly doesn’t need us…it would be better without humanity

Il design ci aiuta a ragionare sulle nostre scelte e sui nostri valori.

Il mondo attuale non vivrà ancora a lungo, ha una scadenza.

Non ha bisogno dell’uomo, anzi potrà sopravvivere molto meglio senza la presenza umana.

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THE MOODBOARDERS MAGAZINE

AN AVANTGARDE LENS ON UNUSUAL CREATIVIT Y

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photo: Thomas Pagani

ATMOSFERA - LAMPADA DA TAVOLO design by Lorenza Bozzoli

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