tepeu choc - Segmentos & Fragmentos / Segments & Fragments - Project Room - Isabel Ruiz

5a ave. 11-16, zona 1, Edificio Passarelli, 2do nivel, Ciudad de Guatemala, Guatemala. Guatemala. 01001. T: +(502) 2238-3975. info@the9.99.gt www.the9.99.gt

tepeu choc: Secciones & Fragmentos Inauguración: Jueves 6 de octubre de 2016 / de 19 – 21 horas Las líneas de tepeu choc se comportan, actúan, son el horizonte de un nuevo paisaje o su esqueleto, al tiempo que son tránsitos del punto A al punto B y le sirven para dejar evidenciado ese movimiento. Para Kandinsky, la línea a veces funcionaba de una manera similar, “un juego de rayas y líneas verticales y horizontales, que por el movimiento mismo, tienden a diversas direcciones”. Pero sería muy limitado hablar de la obra de Choc solamente desde el estudio de la línea y el color, aunque sean estos elementos importantes. Hay mucho más allá de la forma; y cada pieza nos habla también de un proceso que generalmente parte de una concepción digital a un trabajo análogo, así como de un cuestionamiento constante al medio mismo. tepeu choc, en esta exposición de obra reciente, no solo habla de líneas y colores, sino de las formas, comportamientos, recorridos, procesos, equilibrios y soportes de esas secciones y fragmentos que también dicen mucho de nosotros y nuestros espacios.

Para el artista todo comienza con la reflexión sobre el soporte mismo. Por eso cada uno de sus lienzos tiene un tamaño distinto, y en algunas ocasiones desaparece por completo y plasma la obra directamente sobre la pared. “Registro No. 3” (2016) es uno de estos casos. La obra es un lienzo azul de ambos lados, con aberturas que nos recuerdan en primera instancia a trabajos de Lucio Fontana, pero se distancian de ser solamente un gesto de corte para convertirse en una estructura corpórea, una escultura pictórica que cae, se arruga, se dobla y se sostiene como una piel. La obra en su primera concepción es la plantilla de montaje utilizada para otro de sus trabajos “La importancia del volumen en la línea” (2015 – 2016), una serie de varillas de madera y acero que, puestas sobre la pared, dejan revelado su soporte y su volumen, generando sombras y una concepción (otra) del paisaje. Luego, choc toma esta plantilla como molde y crea un lienzo nuevo con su misma forma, dejando que lo previo al proceso final se vuelva el resultado.

Bajo la misma concepción, “Segmentos de línea No. 4” (2016) deja que las líneas se manifiesten solas fuera de un lienzo, que se trasladen, que caigan y cuestionen si estamos frente una pintura, una escultura, una instalación o un mural que abstrae no solo las formas dentro de él, sino el espacio mismo. Para choc, las distintas longitudes representan los recorridos que hacemos de un punto a otro. El ir y venir constante que registramos como dibujo de nuestro andar y estar en ese campo. La pared se convierte en el terreno recorrido. Otras pinturas como “El Almuerzo” (2015) nos representan una escena cotidiana abstraída en líneas y colores. Un bloque rojo para la carne roja; y un bloque gris para la carne blanca. Al lado, la línea vertical representa la calle, en una narrativa que de nuevo habla de nuestro andar en el paisaje vuelto gráfica.

Como mencionábamos antes, el estudio de las líneas y los colores primarios para formar estructuras es importante para el artista. Más allá de entablar un diálogo con movimientos y pintores modernos como Piet Mondrian, los constructivista o la abstracción geométrica, a Choc le interesan los colores primarios por ser estos los más presentes en la naturaleza; allí radica que 5a ave. 11-16, zona 1, Edificio Passarelli, 2do nivel, Ciudad de Guatemala, Guatemala. Guatemala. 01001. T: +(502) 2238-3975. info@the9.99.gt www.the9.99.gt

él considere el verde como un color principal dentro de su producción. Su paleta, además, está conformada solamente por seis colores. Pero en sus obras más recientes, como “Principios de la Teoría No.1” (2016), hay nuevas tonalidades que comienza a explorar. Hay algo importante también en el recorrido que hace el color sobre el lienzo y la forma en el que ese cuadro blanco quiebra toda la composición en seis partes iguales. De aquí que la exactitud de la forma no sea un juego de niños para Choc, pero sí su campo de juego.

A veces, el artista también invita a los otros a interactuar. Como en el caso de la pieza “Rectángulo Amarillo Fragmentado” (2016), realizada especialmente para esta exposición. Filas y columnas negras presentan la dispersión de un rectángulo amarillo fragmentándose en pequeños cuadros que, además, pueden reconfigurarse, a manera de rompecabezas. Aun así el patrón estará siempre disperso, siempre abstracto, siempre cambiante.

Sobre el proceso mismo de la pieza, tepeu parte de concepciones o primeros patrones digitales que luego interviene manualmente. “El aumento de la línea en el espacio (sobre negro) no.4” (2013), podría ser un ejemplo de ello. Cada color es un segmento de línea, a la vez que el cuerpo entero del lienzo es el acercamiento de una línea negra que se ensancha. Los colores entonces podrían bien parecernos pixeles dentro de la imagen, a su vez que un acercamiento real así solo sería posible en un plano digital.

Desde 2008, sus investigaciones con tipografía, como “P eccentric std” (2016), cuestionan también el diseño gráfico. Aquí la letra se vuelve un patrón, un ícono, una forma que se traslada y se mueve dentro del lienzo. La letra no forma palabras, forma dibujos; se constituyen como nuevas figuras geométricas. tepeu comenzó esta serie con retículas y módulos de la A a la Z, y en todas, la línea es una impresión digital que luego él pinta con acrílico, para trabajar esa misma concepción de la tecnología y la tradición; la evolución invertida o el regresar del proceso.

Una única escultura se presenta en esta exposición. Pero "Radiografía de escultura mármol y aluminio No. 1" (2016), no se aleja de cuestionar también su soporte. La palabra “radiografía” nos deja pensar que estamos ante el interior de la cosa, ante el esqueleto de la estructura en el que las barras dejan de ser simples materiales para convertirse en líneas. Los bloques sólidos, además, están pintados; pero como el mármol es un material tan rugoso que absorbe el color, los bloques cobran cuerpo, textura y volumen, y rompen también con la sacralidad tradicional de la piedra que debe mantenerse pura. Estos son modelos del artista para esculturas públicas penetrables, pero a escala funcionan también como dibujos tridimensionales.

Palabras que podemos usar para la obra de tepeu: volumen, trazo, naturaleza, geometría, soporte y espacio; y aunque cada pieza habla de sí misma, en conjunto encontramos una misma investigación del color sólido, del soporte como cuerpo, de la relación con los materiales y, sobre todo, del proceso que llevan todas sus formas. Pues la decisión de lo abstracto es también una postura política que habla sobre nosotros; y como menciona el artista, “la línea es una representación de nuestro estar”.

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tepeu choc: Sections & Fragments Opening: Thursday, October 6, 2016 / 7 – 9 pm tepeu choc’s lines behave, act, and are the horizon of a new landscape, or its skeleton, while being in transit from point A to point B and serve to make evident that movement. For Kandinsky, the line sometimes worked in a similar way, "a play of marks and vertical and horizontal lines, which by its action, tend to go in different directions." But it would be limiting to mention choc’s work only from the study of line and color, even though these are essential elements. There is much more than the form, and each piece also speaks of a process that usually originates from a digital conception or a similar idea, and a constant questioning of the medium itself. tepeu choc, in this exhibition of recent work, not only speaks of lines and colors, but of forms, behaviors, journeys, processes, and supports of those sections and fragments that also say a lot about us and our spaces.

For the artist, it all starts with a reflection on the support itself. Each painting is a different size, and sometimes the support disappears altogether when the work is placed directly on the wall.

"Registro No. 3" (Registration No. 3, 2016) is a case in point. The work is a blue canvas on both sides, with openings that remind us primarily of works by Lucio Fontana, but it distances from being merely a cutting motion to become a body structure, a pictorial sculpture that falls, wrinkles, folds, and holds like skin. The work in its first conception is the mounting template used for another of his works, “La importancia del volumen en la línea” (The importance of volume in the line, 2015 – 2016), a series of wood and steel rods, that once placed on the wall, reveal their support and volume, creating shadows and (another) conception of landscape. choc takes this template as a guide and creates a new canvas with the same shape, leaving that which was before; the final process becomes the result.

Under the same concept, “Segmentos de línea No. 4” (Line segments no. 4, 2016) lets the lines manifest themselves outside of a canvas, moving, falling, and questioning whether we are looking at a painting, a sculpture, an installation, or a mural that abstracts not only the forms within it but also the space itself. For choc, different lengths represent the paths we cross from one point to another; the constant coming and going that we register as a drawing of our experience and presence on that ground. The wall becomes the traveled path. Other paintings such as "El almuerzo” (Lunch, 2015) represent an everyday scene abstracted in lines and colors.

A red block for red meat; and a gray block for white meat. On the side, the vertical line stands for the street in a narrative that again speaks of our position in a landscape that has mutated into graphics.

As mentioned before, the study of the lines and primary colors to form structures is important for the artist. Beyond a dialogue with art movements and modern painters such as Piet Mondrian, the Constructivists, or geometric abstraction, choc is interested in the primary colors

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because these are the most present in nature; therein lies that he considers green a key color in his production. His palette consists of only six colors. But in his most recent works, such as "Principios de la Teoría No.1” (Principles of theory no.1, 2016), there are new colors he is starting to explore. There is also something important in the trajectory that makes the color on the canvas and the way in which the white box breaks the entire composition into six parts.

Hence the accuracy of the form is not child's play for choc, but his playground.

Sometimes the artist also invites others to interact. As in the case of the piece "Rectángulo Amarillo Fragmetado” (Fragmented yellow rectangle, 2016), made especially for this exhibition.

Rows and black columns show the dispersion of the rectangle broken into small squares that also can be reconfigured, like a puzzle. The pattern will always be scattered, always abstract, always changing.

About the process of the piece itself, tepeu primarily begins with ideas or digital models that he then intervenes manually. “El aumento de la línea en el espacio (sobre negro) no.4” (Increasing the line in space [on black] no.4, 2013), could be an example. Each color is a line segment, while the whole body of the canvas is the approach of a black line that widens. Colors may well then seem pixels within the image; simultaneously a real close up would only be possible on a digital plane.

Since 2008, his research with typography, as in "P eccentric std" (2016), also questions graphic design. Here the letter becomes a pattern, an icon, and a form that travels and moves within the canvas. The letter does not form words; it creates drawings, which constitute themselves as new geometric figures. tepeu began this series with grids and modules that go from A to Z, and in all, the line is a digital impression that he then paints over with acrylic to work on both methods of technology and tradition; the inverted evolution or the return of process.

There is only one sculpture in the exhibition. But "Radiografía de escultura mármol y aluminio No. 1" (X-ray of sculpture (marble and aluminum) no. 1, 2016) is not far from questioning its support. The word "x-ray" makes us imagine that we are looking at the inside of something, facing the structure’s skeleton in which the bars are no longer simple materials but lines. The solid blocks also are painted; but as marble is a rough material that absorbs color, the blocks gain body, texture, and volume, and also break with the traditional sacredness of the stone that must remain pure. These are models the artist has conceived for penetrable public sculpture, but on a smaller scale, they also function as three-dimensional drawings.

Words that we can use for tepeu’s work: volume, trace, nature, geometry, support, and space; and although each piece speaks for itself, in their totality, we find along the same research on solid color, support as body, the relationship with the materials and, above all, the process that lead all its forms. The decision of working in the abstract is also a political stance that speaks of us; and as mentioned by the artist, "the line is a representation of our being."

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Tepeu Choc (1983)

El aumento de la lĂ­nea en el espacio (sobre negro) no.4, 2013 Synthetic fabric, acrylic paint and Acryloid 59 x 39 1/4 in (150 x 100 cm) TCHO 09.71.16

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Tepeu Choc (1983)

Registro No. 3, 2016

Canvas and acryilic paint 53 1/8 x 35 3/8 in (135 x 90 cm) TCHO 10.52.16

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Tepeu Choc (1983)

"P" eccentric std, 2008 - 2016 Canvas, pigment ink and acrylic paint 59 x 39 1/4 in (150 x 100 cm) TCHO 10.63.16

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View of the exhibition of tepeu choc, Segmentos & Fragmentos / Segments & Fragments the 9.99 gallery, Guatemala, Guatemala.

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Tepeu Choc (1983)

La importancia del volumen en la lĂ­nea, 2015 -2016 Wood, acrylic paint, automotive varnish and steel Variable measues Option 1: 150 x 225 x 2.5 cm. (59 1/16 x 89 9/16 x 1 in.)

Option 2: 200 x 300 x 2.5 cm. (78 3/4 x 118 1/8 x 1 in.)

Option 3: 300 x 450 x 2.5 cm. (118 1/8 x 157 1/2 x 1 in.)

TCHO 10.73.16

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View of La importancia del volumen en la lĂ­nea, 2015 -2016

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Tepeu Choc (1983)

Rectรกngulo amarillo fragmentado, 2016 MDF, acrylic paint and Acryloid 98 3/8 x 244 in (250 x 620 cm) TCHO 10.84.16

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View of Rectรกngulo amarillo fragmentado, 2016

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Tepeu Choc (1983)

Segmentos de lĂ­nea No. 4, 2016 Aluminum, polyurethane paint and automotive varnish Variable measues Option 1: 150 x 225 x 1 cm. (59 1/16 x 88 9/16 x 3/8 in.)

Option 2: 200 x 300 x 1 cm. (78 3/4x 118 1/8 x 3/8 in.)

Option 3: 300 x 450 x 1 cm. (118 1/8 x 177 3/16 x 3/8 in.)

TCHO 10.95.16

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Tepeu Choc (1983)

RadiografĂ­a de escultura mĂĄrmol y aluminio No.1, 2016 Marble, aluminium and acrylic paint 25 1/8 x 12 1/2 x 9 3/4 in (64 x 32 x 25 cm) TCHO 11.06.16

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Tepeu Choc (1983)

Principios de la teorĂ­a No.1, 2016 Cotton paper and acrylic paint 59 x 39 1/4 in (150 x 100 cm) TCHO 11.17.16

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Isabel Ruiz: Algo que viví Inauguración: Jueves 6 de octubre de 2016 / de 19 a 21 horas The 9.99 Gallery tiene el honor de volver a presentar el trabajo de la artista Isabel Ruiz, esta vez en el Project Room. Se trata de “Algo que viví”: una selección de obra gráfica de distintos períodos de su producción.

En los años ochenta, fue con el grabado que Isabel Isacomenzó sus estudios en arte en la Universidad Popular; y después también trabajó la pintura y el performance. Sin embargo, ella nunca ha dejado de llamarse a sí misma dibujante, pues del grabado, lo que más le interesa es, justamente, el primer boceto, el dibujo, ese esbozo que captura la primera emoción, la primera idea. Cada uno de sus trabajos responde a algo que ha vivido, especialmente a los sucesos de desgracia y dolor de su época, por lo que cada pieza es un refugio en el que Isabel se abre, se sincera, para encontrar sanación y un espacio de catarsis. “Toda mi obra trata sobre sacarle estética al horror”, menciona la artista.

En obras como “Te espero” y “Se me hizo tarde” (2010), de la serie Fluídos Urbanos, se nos aclara mucho más esta obsesión de la artista con la gráfica y con la realidad social del país, pues su obra por más poética y personal que se conciba, nunca se aleja de ser crítica. Un diálogo interesante que crea paralelos con la producción de la artista mexicana Teresa Margolles.

Estas dos obras parten de escenas de asesinatos de choferes de buses en la Ciudad de Guatemala, que Isabel encontró en fotografías de periódicos y en la televisión. De estas imágenes, lo que rescata es el derramamiento de sangre que se extiende por las escenas. Ella los vio como dibujos. Estos después se convirtieron en trazos sobre un lienzo, como abstracciones gráficas de una escena violenta y cínica.

Lo literario es también un elemento que jamás abandona su obra, por lo que el tríptico narra historias anónimas con frases que aluden a lo que estos choferes pudieron haber dicho o escuchado antes de un inminente final. El último de los cuadros es la documentación de estos dibujos colocados en vitrinas del Centro Histórico para ser encontradas por el peatón como historias en exhibición que no nos son ajenas en la vía pública.

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Isabel formó parte del grupo “Imaginaria” en los años ochenta, grupo de artistas que le sirvió de casa para experimentar y formular ideas sobre el rol del arte en relación con su contexto social. Pero para ella, su obra trasciende lo local, y habla del dolor, la pérdida, la violencia y el horror universal. Su trabajo es una prueba personal de que el dolor puede metaforizarse. Así, trabajos como “Homenaje” (1982), son sinceras referencias a su vida y su tiempo. Este es un grabado de principios de los años ochenta, dedicado a su primo, un médico sin fronteras desaparecido por el ejército hondureño en 1982. Su cuerpo fue encontrado dentro de un tronco vacío, y esa historia, como muchas otras nunca abandonó su memoria. Por eso al personaje le crecen ramas, como si “el cuerpo fuera multiplicándose en la naturaleza”, y el perfil le saca la lengua a un féretro cuadrado, como el mundo en el que vivimos. A la vez, el grabado es del color del recuerdo; un sepia que ilustra el pasar del tiempo y la memoria; y fue utilizado como portada para el libro Señores bajo los árboles (1994) de Mario Roberto Morales, publicado por Editorial Cultura.

La conciencia crítica de Isabel también se refleja en la serie “Gráficas de Emergencia” (1982 - 1996). Aquí la artista nos presenta personajes que parecen bestias. Estas no son solo criaturas, sino representaciones de los males sociales como el miedo, la codicia o los mismos personajes políticos que aparecen como figuras de inframundo o como toros danzantes que más nos narran historias y tradiciones locales. “Yo veo la sociedad cargada de monstruos”, menciona la artista. Así Isabel, sin timidez, pero nunca desde el panfleto, nos invita a la reflexión sobre una emergencia social, y para ello, parte de un contexto que no ha cambiado en su totalidad, pero que continúa arraigado a una identidad milenaria que usa la danza, la música y la plástica como una vía de sanación personal que también le sirve para comunicar, registrar y denunciar su historia. “No trabajo sin la base de algo real”, dice la artista. “Todo lo que hago, lo trabajo porque responde a algo que viví, pero que cualquiera puede vivir también”, así este Project Room es un recorrido no solo por su obra, sino por su vida.

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Isabel Ruiz: Something that I lived Opening: Thursday, October 6, 2016 / 7–9 pm The 9.99 Gallery has the honor of presenting again the work of the artist Isabel Ruiz, this time in the Project Room. It is a selection of works on paper belonging to different periods of her production titled "Something that I lived."

It was in the eighties with engraving that Isabel Ruiz began to study art at the Universidad Popular; and later, she worked on painting and performance as well. However, she has never ceased to call herself an artist who draws, for in engraving, which interests her the most is precisely the first sketch—the drawing—, that design that captures the first emotion, the first idea. Each of her works responds to something that she has lived, especially the events of misfortune and distress of her day, so each piece is a refuge where Isabel opens up and is sincere and finds healing and a space for catharsis. "All my work is about how to create something appealing out of horror," says the artist.

In works like "Te espero" (I'll wait for you, 2010) and "Se me hizo tarde" (I'm late, 2010), from the series Fluídos Urbanos (Urban fluids), the artist's obsession with

both

the

engraving

process

and

her

country’s

social

reality

becomes apparent; for even though her work is considered far more poetic and personal, it never moves away from being critical: an interesting dialogue that generates parallels with the production of the Mexican artist Teresa Margolles.

The works mentioned above are based on pictures of bus driver killings in Guatemala City that Isabel found in newspaper photographs and television.

From these images, what she rescues is the blood spots that appear on the scenes. She saw them as drawings. These, later became marks on a canvas like graphic abstractions of a violent and cynical event.

The literary is also an element that never abandons her work, so the triptych tells anonymous stories with phrases alluding to what these bus drivers may have said or heard before their imminent end. The last picture in each one of the triptychs is the documentation of these drawings placed in downtown storefronts to be found by pedestrians as stories on display that are not alien to us in the street.

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Isabel was part of "Imaginaria" in the eighties, a group of artists that served as a place to experiment and formulate ideas about the role of art in its social context. But for her, her work transcends the local; it speaks of pain, loss, violence, and universal horror. Her work is a personal proof that pain can become a metaphor. Thus, pieces such as "Homenaje" (Tribute, 1982) are real references to her life and times. "Homenaje" is an engraving of the early eighties, dedicated to her cousin, a doctor without borders disappeared by the Honduran army in 1982. His body was found inside an empty tree trunk, and that story, like many others, never left her memory. That is why branches grow out of the figure, as if "the body was multiplying in nature," and the head in profile sticks out his tongue to a square coffin, as is the world in which we live.

At the same time, the etching is the color of memories: a sepia illustrating the passage of time and remembrance; it was used as the front cover for the book Señores bajo los árboles (Lords under the trees, 1994) by Mario Roberto Morales, published by Editorial Cultura.

Isabel's critical awareness is also reflected in the "Gráficas de emergencia" (Engravings of Emergency, 1982–1996) series. Here the artist presents us with characters that seem beasts. These are not just creatures, but representations of social ills such as fear, greed, or the same political figures who appear as underworld figures or dancing bulls who tell local stories and traditions. "I see a society full of monsters," says the artist. So Isabel, without timidity, but never from a political propaganda position, invites us to reflect on a social emergency, and for that she starts from a context that has not changed in its entirety, but that continues rooted in an ancient identity that uses dance, music, and visual arts as a means of personal healing that also serves to communicate, record, and report its history. "I do not work without the basis of something real," says the artist. "Everything I do, I work on it because it responds to something I experienced, but that anyone can live too," so this Project Room is a journey not only through her work but also her life.

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Isabel Ruiz (1946)

Grรกficas de emergencia, 1996 Cotton paper and ink 26 15/16 x 21 1/16 (68.5 x 53.5 cm) IRUI 05.51.16

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Isabel Ruiz (1946)

Grรกficas de emergencia, 1984 Cotton paper and ink 21 1/16 x 16 7/8 in (53.5 x 43 cm) IRUI 059.2.16

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Isabel Ruiz (1946)

Torito con rombo, grรกficas de emergencia, 1982 Cotton paper and ink 21 1/16 x 16 7/8 in 53.5 x 43 cm IRUI 060.3.16

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Isabel Ruiz (1946)

Grafica de emergencia "Siglo y pesas", 1982 Cotton paper and ink 21 1/16 x 16 7/8 in 53.5 x 43 cm IRUI 061.4.16

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Isabel Ruiz (1946)

Homenaje, 1982

Cotton paper and ink 21 1/16 x 16 7/8 in (53.5 x 43 cm) IRUI 058.7.16

5a ave. 11-16, zona 1, Edificio Passarelli, 2do nivel, Ciudad de Guatemala, Guatemala. Guatemala. 01001. T: +(502) 2238-3975. info@the9.99.gt www.the9.99.gt

View of the Project Room of Isabel Ruiz, Algo que vivĂ­ / Something That I Lived, the 9.99 gallery, Guatemala, Guatemala.

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Isabel Ruiz (1946)

Te espero (from the series Fluidos Urbanos), 2010 Cotton paper and ink 43 1/4 x 35 in (110 x 89 cm) IRUI 065.5.16

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Isabel Ruiz (1946)

Se me hizo tarde (from the series Fluidos Urbanos), 2010 43 1/4 x 35 in 110 x 89 cm IRUI 067.6.16

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View of the Project Room of Isabel Ruiz, Algo que vivĂ­ / Something That I Lived, the 9.99 gallery, Guatemala, Guatemala.

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TEPEU CHOC

Ciudad de Guatemala, 1983 Guatemala City, 1983 Vive y trabaja en la Ciudad de Guatemala Lives and works in Guatemala City

SELECCIÓN DE EXPOSICIONES PERSONALES / SELECTED ONE-PERSON EXHIBITIONS 2016 "Segmentos & Fragmentos / Segments & Fragments", the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala "Tepeu Choc", Alianza Francesa, Ciudad de Guatemala, Guatemala 2013 “Proceso”, the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala

SELECCIÓN DE EXPOSICIONES COLECTIVAS / SELECTED GROUP EXHIBITIONS 2016 "Traslape / Overlap", the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala 2015 “La desintegración de la forma” the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala “Festival Cultural Paseo de la Sexta”- Pabellón Cultural, Parque central, Ciudad de Guatemala.

2014 “La delgada línea - The thin line”, the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala “Largo x Ancho x Largo”, the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala

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2013 “¿Y entonces...?”, the 9.99 gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala

2011 3er. Salón nacional del grabado en Guatemala 2do. Salón nacional del grabado en Guatemala Centro Cultural de España en Guatemala, Walter benjamín

2008 “Llamémosle arte”[Let’s call it art], Universidad Rafael Landívar, Ciudad de Guatemala, Guatemala.

“Horror vacui” Primera Muestra de Performance en Guatemala, Ciudad de Guatemala, Guatemala.

RESIDENCIAS / RESIDENCIES Festival de Escultura, Museo Nacional de Arqueología y Etnología, 2010.

Festival de Escultura, Museo Nacional de Arqueologíay Etnología., 2007.

Festival de Escultura, Atila Rath Geber Hungría, 2010.

Festival de Escultura, Colin Figue, Inglaterra, 2007.

COLECCIONES PÚBLICAS / PUBLIC COLLECTIONS Space Collection (Sayago & Pardon) Irvine, California.

Museum of North Dakota of Art NDMOA, North Dakota.

Private Collection in Guatemala City, Bogota, Colombia and Los Angeles, California.

Collection Dorte and Nils Staerk, Copenhagen, Denmark.

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ISABEL RUIZ Guatemala City, 1946 Lives and Works in Guatemala City

RESIDENCIAS Y PREMIOS / RESIDENCIES AND AWARDS

1994

Artist in Residence, Yaddo Corporation, Saratoga Springs, New York

1988

First Prize of engraving in the V Bienal de Arte Paiz. Guatemala City, Guatemala

1985

First Prize of engraving in the Certamen Permanente Centroamericano 15 de Septiembre, Guatemala City, Guatemala

1983

First Prize in the IV Salón de la Acuarela (Free creativity), Antigua Guatemala, Guatemala

SELECCIÓN DE EXPOSICIONES PERSONALES / SELECTED ONE-PERSON EXHIBITIONS

2016 “Algo que viví / Something That I Lived,” the 9.99 gallery, Guatemala City, Guatemala

2015 “30 años de silencio,” the 9.99 gallery, Guatemala City, Guatemala

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2011 "Retrográfica,” Arte Centro Graciela Andrade de Paiz, Guatemala City, Guatemala

2008 "Matemática sustractiva,” Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua Guatemala, Guatemala

2004 "Asepsia e intersección,” Banco del Café y Centro Cultural Luis Cardoza y Aragón, Guatemala City, Guatemala

2000 “Diálogo,” Universidad Rafael Landívar, Guatemala City, Guatemala

1999

"Autoinmersión,” Galería Velia de Vico, Guatemala City, Guatemala

1997

"Historia sitiada,” Sala Mujeres del Arte Contemporáneo, Mujeres en las Artes Leticia Oyuela, Tegucigalpa, Honduras; Sala Julián Marchena, Galería Nacional de Arte Contemporáneo, San Jose, Costa Rica (1996); Galería Internacional de Arte, Guatemala City, Guatemala (1993); Galería Franceska, Aarhus, Denmark and Galería de Arte Gala, Valencia, Venezuela (1992)

1991 "Sahumerios,” Galería Imaginaria, Antigua Guatemala, Guatemala

1989 “Acuarelas y grabados,” Galería Imaginaría, Antigua Guatemala, Guatemala

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1982

"Acuarelas y grabados,” Universidad Autónoma de Querétaro, Santiago de Querétaro, Mexico “Grabado sobre metal y madera,” Galería Forum, Guatemala City, Guatemala

1979 "Homenaje a la infancia,” Banco de Guatemala, Guatemala City, Guatemala

1977 “Óleos,” Instituto Guatemalteco de Cultura Hispánica, Guatemala City, Guatemala

1976 “Dibujos y témperas,” Galería Cuscatlán, San Salvador, El Salvador

1975 “Acuarelas,” Universidad Rafael Landívar, Guatemala City, Guatemala “Dibujos al carbón y en tinta china,” Galería El Túnel, Ciudad Guatemala, Guatemala

1973 “Acuarelas,” Nueva Escuela Nacional de Artes Plásticas, Guatemala City, Guatemala

1971 “Tintas,” Sala Nacional de Exposiciones, San Salvador, El Salvador

1970 “Óleos,” Sala Enrique Acuña, Antigua Escuela Nacional de Artes Plásticas, Guatemala City, Guatemala

1968 “Acuarelas,” Universidad Popular de Guatemala, Guatemala City, Guatemala

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SELECCIÓN DE EXPOSICIONES COLECTIVAS / SELECTED GROUP EXHIBITIONS

2016 “Traslape / Overlap,” the 9.99 gallery, Guatemala City, Guatemala

2015 “Imaginaria, disidente,” Centro Cultural de España en Guatemala, Guatemala City, Guatemala “Sueño interrumpido,” Gallery, Fundación G&T Continental, Guatemala City, Guatemala

2012

“En la curvatura del tiempo: arte y mujer,” Museo Nacional de Arqueología y Etnología, Guatemala City, Guatemala

2010 XVII Bienal de Arte Paiz “Ver para creer,” Casa Ibargüen, Guatemala City, Guatemala

2009 “Pintura: El proyecto incompleto,” Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua Guatemala, Guatemala

2008 “Cabal: Experiencia gráfica digital,” Centro Cultural Metropolitano, Guatemala City, Guatemala “Horror Vacui,” Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua Guatemala, Guatemala XVI Bienal de Arte Paiz, Museo de la Universidad San Carlos de Guatemala, Guatemala City, Guatemala

2005 “La América precolombina en estampa,” Centro Cultural Metropolitano, Quito, Ecuador

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2004 “Pintando a Neruda - Homenaje a los cien años del poeta,” Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua Guatemala and Centro Cultural, Instituto Guatemalteco Americano, Guatemala City, Guatemala

2003 “In-TANGIBLE Ritual: Cold Warm 7 Frío cálido. Artistas escandinavos y centroamericanos,” Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, San Jose, Costa Rica “Play Back: Artistas de Argentina, Brazil, Costa Rica y Guatemala,” Galería Sol del Río, Guatemala City, Guatemala

2002 “ARTistmo,” Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, San Jose, Costa Rica "Contemporary Art from Central America,” Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan “Selección Nacional,” Coloquia, Centro de Arte Contemporáneo, Guatemala City, Guatemala “Zonas en tensión,” Gallery de Gang, Harlem, Holland

2001 “Contexto: Arte Contemporáneo en Guatemala,” Sala der Las Francesas, Valladolid, España

2000 “Festival Octubre Azul,” Palacio de Correos, Guatemala City, Guatemala

1999 “Bocetos,” Museo de Arte Moderno, Guatemala City, Guatemala “MUA INSTALA: Centroamérica y El Caribe,” Tegucigalpa, Honduras

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1998 “1265 km, arte de Guatemala en Cuba,” Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, Havana, Cuba

1997 "Arqueología del silencio,” Museo de Arte Moderno, Guatemala City, Guatemala; Museo Universitario del Chopo, Mexico, D.F. and Pabellón de Arte Contemporáneo, Tecali, Puebla, Mexico (1996) “Futuro, presente y pasado” parallel exhibition to the 47th Biennale Internazionale di Venezia, Museo della Fondazione Querini Stampalia, Venice “Mesótica II. Centroamérica: re-generación,” Casa de América, Madrid; Istituto Italo-Latino Americano, Rome; Maison de L’Amerique Latine, Paris; and Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San Jose, Costa Rica (1996)

1996 "Historia Sitiada,” Sala Mujeres del Arte Contemporáneo, Mujeres en las Artes Leticia Oyuela, Tegucigalpa, Honduras “Six Contemporary Guatemalans: Works on paper by Moisés Barrios, Irene Torrebiarte, Daniel Chauche, Erwin Guillermo, Luis González Palma and Isabel Ruiz,” Art Gallery of the Department of Art University of Central Florida, Orlando, Florida “Women Beyond Borders,” Santa Barbara Contemporary Arts Forum, Santa Barbara, California

1994-1996 “Land of Tempests: New Art from Guatemala, El Salvador and Nicaragua,” Arts Council of Northern Ireland, Belfast, Ireland and City Library y Arts Centre, Sunderland, The Harris Museum & Art Gallery, Preston, The City Gallery, Leicester, and Brighton Museum and Art Gallery, Brighton, England

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1994 "Indagaciones,” Galería Sol del Río, Guatemala City, Guatemala

1992 “Plástica centroamericana,” II Encuentro de Intelectuales Chiapas-Centroamérica, San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México

1991 “Drawings,” Galería Iturralde, La Jolla, California “Latin American Drawing Today,” San Diego Museum of Arts, San Diego, California

1990 “Nueva figuración en Guatemala,” Galería de Arte Plástica Contemporánea, Guatemala City, Guatemala “Plástica centroamericana,” I Encuentro de intelectuales Chiapas-Guatemala, San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México “Primer Salón Centroamericano de Pintura,” Instituto Hondureño de Cultura Interamericana, Tegucigalpa, Honduras VII Bienal de Arte Paiz, Guatemala City, Guatemala

1989 "Imaginary Presence: Guatemalan Art of the 80's,” Museum of Contemporary Hispanic Art, New York

1988 "Angelogía,” Galería Imaginaria, Antigua Guatemala, Guatemala

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"Presencia imaginaria, plástica contemporánea guatemalteca”Museo de Arte Moderno, Mexico, D.F., Mexico y Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala City, Guatemala "Refigura,” McNay Art Museum, San Antonio, Texas Latin American Graphic Arts Biennial, Museum of Contemporary Hispanic Art, New York

1987 “Grabado guatemalteco,” Managua, Nicaragua y La Habana, Cuba “Tres pintores: Isabel Ruiz, Moisés Barrios y Luis González Palma,” Galería Imaginaria Antigua Guatemala, Guatemala III Bienal internacional de impresión, Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan VIII Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, Chile

1986 “Grafica dal Guatemala,” Istituto Italo-Latino Americano, Roma Latin American Graphic Arts Biennial, Museum of Contemporary Hispanic Art, New York VII Bienal de Grabado Latinoamericano, San Juan, Puerto Rico

1985 II Bienal internacional de impresión, Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan

1984 “Exposición Internacional de Grabado,” Curitiba, Brazil “Pintura Contemporánea de Guatemala,” Museo Nacional de Historia, Taipei, Taiwan

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1983 II Bienal internacional de impresión, Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan VI Bienal de Grabado Latinoamericano, San Juan, Puerto Rico

1982 II Mini Print internacional de Cadaqués, Cadaqués, España

1980 Primer Congreso de Creación Femenina, Museo Hispánico, Mayagüez, Puerto Rico

1978 “CREAGRAF,” Universidad de Costa Rica, San Jose, Costa Rica I Bienal de Arte Paiz. Guatemala City, Guatemala

1977 "Pintores guatemaltecos,” Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, Santo Domingo, Dominican Republic

1974 "Arte Guatemalteco Contemporáneo,” San Antonio, Texas "La mujer en la plástica guatemalteca,” Escuela Nacional de Artes Plásticas, Guatemala City, Guatemala

1973 "Grabado guatemalteco,” Biblioteca Nacional, Guatemala City, Guatemala

1970 “Acuarelas,” Galería Amighetti, San Jose, Costa Rica

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1969 “Dibujos,” Galería Vértebra, Guatemala City, Guatemala.

BIBLIOGRAFIA / BIBLIOGRAPHY

Cuevas Molina, Rafael. "Dice mi querida amiga Isabel Ruiz, la pequeña pintora que se inclina sobre sus cuadros en la casa cercana a al Cementerio General de Guatemala, que ser guatemalteco es como tener una mamá ‘bola’, es decir, alguien (o algo) a quien no se puede dejar de amar pero que duele y se rechaza.”

Identidad y cultura en Centroamérica: nación, integración y globalización a principios del Siglo XXI, San José: Editorial Universidad de Costa Rica, 2006.

Riveaux, Ariel. “Isabel Ruiz: radiografía”. Revista de la Universidad de San Carlos de Guatemala, abril/junio 2003 No.4.

Méndez de Penedo, Lucrecia. "Los cortes transversales de Isabel Ruiz" Siglo Veintiuno, abril 1991, Guatemala.

Rodas, Ana María. "El colorido de Isabel Ruiz" Crónica, número 28, Junio 1988, Guatemala.

Quiñonez, Delia. "Las visiones de Isabel Ruiz" Revista Universidad de San Carlos, marzo 1987.

Sierra, José Luis. "El grabado, oficio obligado para el artista consciente: Isabel Ruiz,” entrevista, El Excélsior, marzo 1982, México.

De Mendonça, Casimiro. "Artes na Guatemala: O desenho de Isabel Ruiz" FoIha da tarde, junio 1975, São Paulo.

Arango, Luis Alfredo. “Isabel Ruiz: Pintura” La Nación, octubre 1973, Guatemala.

Méndez de la Vega, Luz. “Psicoanálisis y tintas de Isabel Ruiz” La Nación, diciembre 1970, Guatemala.

Acevedo, Anabella. “Isabel Ruiz conversa con Anabella Acevedo,” Colección Pensativo, V.2 Tomo 9, El Librovisor, 2008.

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