T25 / Programa de sala - Gran cierre aniversario 70 Orquesta Filarmónica de Santiago
Fecha de publicación: Diciembre 2025
La bohème
Puccini / Bortolameolli / Gallardo-Domâs 7 al 18 de mayo
Andrea Chénier
Giordano / Alapont / Maestrini 3 al 11 de julio
Romeo y Julieta
Gounod / Pidò / Torres 21 al 29 de agosto
Carmen
Bizet / Pérez-Sierra / Navarrete 6 al 17 de octubre
Elektra
Strauss / Bortolameolli / Muñoz 17 al 29 de noviembre
El lago de los cisnes
Nagy & Burr / Tchaikovsky / Prudencio 9 al 20 de enero
Romeo y Julieta
Cranko / Prokofiev / Bortolameolli - Prudencio 10 al 18 de abril
La Cenicienta
Monaghan / Prokofiev / Prudencio 29 de mayo al 6 de junio
Orgullo y prejuicio
Tindall / Moon / Prudencio 23 de julio al 1 de agosto
Noche de grandes coreógrafos
Forsythe / Malandain / Pett & Clausen-Knight / Zúñiga 27 al 30 de octubre
Cascanueces
Gielgud / Tchaikovsky / Prudencio 15 al 30 de diciembre
C1: Romántica
Frolyak / Tchaikovsky / Bruckner
Oksana Lyniv 13 y 14 de marzo
C2: Sinfonía Secreta
Ravel / Shostakovich
Paolo Bortolameolli 20 y 21 de marzo
C3: El universo
según Mahler
Gustav Mahler
Paolo Bortolameolli 27 y 28 de marzo
C4: Fantástica
Fauré / Kilar / Berlioz
Patrick Fournillier 12 y 13 de junio
C5: Conexiones
Dvořák / Brahms
Katharina Wincor 4 y 5 de septiembre
C6: Danzas Sinfónicas
Gershwin / Rachmaninov
Paolo Bortolameolli 12 y 14 de septiembre
C7: Réquiem de Guerra
Benjamin Britten
Paolo Bortolameolli 5 y 6 de diciembre
NUEVA TEMPORADA
Pierre-Laurent Aimard 17 de marzo
Claire Huangci 9 de junio
Kotaro Fukuma 26 de julio
Svetlana Kotova 8 de octubre
FAMILIAR
Teatro de sombras
La danza del oso
E. Restucci / S. Restucci 18 al 26 de abril
Ballet
La Cenicienta
Monaghan / Prokofiev 30 de mayo al 6 de junio
Concierto dramatizado
Oboes y fábulas: El patito feo
Pinzón / Pizarro 7 y 14 de junio
Concierto dramatizado
Vientos y fábulas: Los tres chanchitos
Pinzón / Pizarro 5 y 12 de julio
Concierto dramatizado
Música UC niños y niñas: Cuadros de una exposición 8 y 9 de agosto
Ballet Juvenil
El rey que quería bailar 5 al 13 de septiembre
Teatro musical
Estación ópera
Gonzalo Cuadra 17 al 25 de octubre
Ballet Juvenil
Clarita y su amigo
Cascanueces 12 al 19 de diciembre
SALA ARRAU
Concierto
Música UC: Bach Santiago 26 y 28 de marzo
Teatro María, Mater Dei
Muñoz / Pueller 1 y 2 de abril
Radioteatro
Martín Rivas
Stevenson / Oyarzún 20 al 28 de noviembre
CICLO SONATAS BEETHOVEN
Pianista
Boris Giltburg
Sesión 1 10 de mayo
Sesión 2 12 de mayo
Sesión 3 19 de noviembre
Sesión 4 22 de noviembre
GRANDES ESTRELLAS
Concierto Exposición Reflejos de Macondo 6 y 7 de marzo
Concierto
Asmik Grigorian 12 de diciembre
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UN LUGAR DONDE SE FORJAN RECUERDOS Y SE APRECIA LA BELLEZA EN SU MÁXIMA EXPRESIÓN
El Teatro Municipal de Santiago es un ícono de la vida artística chilena y es un placer para mí, como nuevo alcalde y presidente de la Corporación Cultural de la Ilustre Municipalidad de Santiago, invitarles a disfrutar de la excepcional programación cultural que ofrece este año.
Desde su inauguración en 1857, este espacio ha sido fundamental en la promoción y difusión de las artes, consolidándose como el principal centro cultural de Chile. Su prestigio trasciende fronteras, siendo reconocido no solo por su rica historia, sino también por la calidad de sus presentaciones y su excelencia artística.
La Orquesta Filarmónica de Santiago, el Ballet de Santiago y el Coro del Teatro Municipal son los tres pilares que sostienen nuestra oferta. Cada uno de ellos ha demostrado un compromiso inquebrantable con las artes escénicas, y a través de sus presentaciones enriquecen nuestra comunidad, llevando a cabo un trabajo que se traduce en emociones y experiencias inolvidables.
Durante la variada programación de esta temporada 2025 será posible sumergirse en lo mejor del ballet, la música sinfónica y el canto coral. Quiero aprovechar la oportunidad para agradecer los
importantes aportes del ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, las municipalidades de Las Condes, Providencia y Vitacura, y al apoyo de los Amigos del Teatro Municipal e instituciones que impulsan la cultura en nuestra comuna.
Pero el Teatro Municipal de Santiago es mucho más, es un lugar donde se forjan recuerdos y se aprecia la belleza en su máxima expresión, se fomentan vínculos con la comunidad, se forman niños y jóvenes, y se impulsa la educación, construyendo así espacios de participación ciudadana y respeto por las instituciones.
Les extendiendo una cálida invitación para que sean parte de esta experiencia única. Vengan a compartir momentos mágicos en el Teatro Municipal de Santiago, donde cada función es una celebración del arte.
Mario Desbordes Jiménez
Alcalde de Santiago
Presidente de la Corporación Cultural Ilustre Municipalidad de Santiago
SENTIR EN LA ERA DE LA IA
Los personajes arquetípicos que hemos conocido a lo largo de la historia a través de la literatura —desde los mitos griegos a los protagonistas de autores universales como William Shakespeare, Molière o Johann Wolfgang von Goethe— se repiten una y otra vez en el amor, el desamor, la venganza, la ilusión o el engaño. En este mundo o en otro. Es el perpetuo reencuentro del ser humano con aquello que lo reafirma como tal: sentir. En todas las épocas, en todos los tiempos, pese a los cambios permanentes. Incluso en la era de la inteligencia artificial.
Para este 2025 queremos emocionarles con la voz, la música y el movimiento, con cada gesto y cada nota, con cada color o textura, navegando por historias, todas fascinantes, que los sorprendan, que los capturen por el corazón o la razón, protagonizadas por seres humanos excepcionales o comunes, con los que nos reconozcamos o diferenciemos.
La tensión de la Austria invadida en los albores de la Segunda Guerra Mundial, con su imponente montaña que tanto
nos recuerda a la nuestra, con la familia Von Trapp incluida, tomará vida en el musical La Novicia Rebelde , con la celebrada puesta en escena de Emilio Sagi —que triunfara en el Teatro del Châtelet de París hace algunos años— protagonizada por brillantes cantantes chilenos.
En código ballet y danza, en medio de las celebraciones internacionales del centenario del natalicio de Sir Frederick Ashton , llegará por primera vez a Chile una obra completa del trascendente coreógrafo británico: The Dream, basada en Sueño de una Noche de Verano de William Shakespeare. Luego se desplegará el universo de mil colores y dolores de Frida Kahlo en Frida , así como la eterna y magnética presencia de Maria Callas en Callas, La Divina , ambas obras responsabilidad de la creadora belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa. El puro romanticismo no podía estar ausente, y la historia de Giselle llega una vez más para hacernos transitar por la fuerza del amor desde el más allá. Y cerrando el año, la magia sempiterna del
Cascanueces de Maina Gielgud. La voz, en tanto, tomará el desafío de revivir historias cruzadas por la traición y la muerte. Madama Butterfly, que transcurre en el Japón milenario de los cerezos en flor, marca el debut de la querida Verónica Villarroel en la dirección de escena para el Teatro Municipal de Santiago; mientras la permisiva ciudad de París, abrazará una vez más la historia de La Dama de las Camelias en La Traviata para emocionarnos hasta lo más profundo. El romanticismo en su veta alemana, quizás la más pura, aunque cantada en francés, estará presente con Werther en la voz escénica de Emilio Sagi; hasta terminar con la bíblica historia Salomé, del gran Richard Strauss, que descubre el poder y el deseo en su faceta más cruda.
Mención aparte merece la Orquesta Filarmónica de Santiago que celebra 70 brillantes años de existencia . A la actual pléyade de directores chilenos —Maximiano Valdés, Paolo Bortolameolli, Pedro-Pablo Prudencio, Helmuth Reichel, Luis Toro Araya y Alejandra Urrutia— estarán presentes ya sea dirigiendo para
la Temporada de Conciertos o de Ópera, se sumarán Evelino Pidó y Sini, quien debutá en nuestro Teatro.
Regresa el ciclo Pianistas “ Claudio Arrau”, así como el programa Pequeño Municipal para toda la familia con propuestas que encantarán por su creatividad.
Como siempre y cada temporada, gracias por acompañarnos en este camino que juntos recorremos para proyectar con fuerza al Teatro Municipal de Santiago los próximos 100 años. Un espacio noble que se ha transformado en un lugar de encuentro de todos y para todos a 167 años de su inauguración.
Carmen Gloria Larenas Directora General
Teatro Municipal de Santiago
DIRECTORIO Y EQUIPO EJECUTIVO
Presidente del Directorio
· Mario Desbordes Alcalde de Santiago
Vicepresidente
· Jorge González Granic
Directores
· María Cecilia Guzmán
· Juan Manuel Santa Cruz
· Paula Escobar Chavarría
· Amalà Saint-Pierre
· Paulina Urrutia
Directora General
· Carmen Gloria Larenas
Gerente General
· Rodrigo Astudillo
Directora de Coordinación
Artística y Producción
· Marianne Lescornez
Director Técnico
· Alberto Browne
Subdirectora de Comunicaciones
· Evelyn Aravena
Subgerente Comercial y Marketing
· Francisca Vásquez
Jefa de Relaciones Corporativas
· Soledad Larrea
Coordinadora Ejecutiva Subvenciones y Educación
· Paulina Fuentes
Coordinadora Ejecutiva Extensión Cultural
· Verónica Apiolaza
CUERPOS ESTABLES
Director Titular nombrado Orquesta Filarmónica de Santiago
· Paolo Bortolameolli
Director Residente Orquesta Filarmónica de Santiago
· Pedro-Pablo Prudencio
Director Emérito Orquesta Filarmónica de Santiago
· Juan Pablo Izquierdo
Director Artístico Ballet de Santiago
· César Morales
Anderson
Subdirector Coro del Municipal de Santiago
· Alejandro Reyes
FORMACIÓN
Directora Escuela de Ballet
· Macarena
Montecino (S)
Directora Orquesta de Cámara
· Alejandra Urrutia
Directora Ballet Juvenil
· Macarena Montecino
CON EL APOYO DE
PATROCINADORES INSTITUCIONALES
AUSPICIADORES
MEDIOS ASOCIADOS
COLABORADORES
CONVENIOS Y BENEFICIOS
RECOMENDACIONES
PROGRAMA TU VISITA CON ANTICIPACIÓN
Las funciones comienzan puntualmente. Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el ingreso a la sala, hasta el intermedio o en intervalos apropiados. Se recomienda llegar con 30 minutos de anticipación.
ENTRADAS EN LA MANO
Al momento de ingresar al Teatro Municipal, recuerda tener a mano tu entrada para evitar retrasos. En el caso de ser digital (e-ticket), debe ser descargada en tu celular con anterioridad, sin necesidad de imprimirlo.
IDENTIFICA TU PUERTA DE ACCESO
Sala Principal
- Platea y Palcos 1° y 2° piso: Ingreso por entrada principal calle Agustinas.
- Balcón 3° piso, Anfiteatro, Galería y Sala Arrau: Ingreso por el costado de boletería.
DESCUENTO PARA NIÑOS/AS
El descuento etario “Niño” aplica sólo a menores de hasta 12 años, presentando su cédula de identidad el día de la función. Válido para funciones de Pequeño Municipal y Visitas Guiadas.
CONVENIO DE ESTACIONAMIENTOS
El Teatro Municipal no cuenta con estacionamiento propio, sin embargo, tiene una tarifa preferencial en SABA Plaza
Mekis. Recuerda validar tu ticket en la caja manual del estacionamiento, antes o después de la función.
Valor ticket $3.000 / 4 horas.
BOLETERÍA ABIERTA ANTES DE LA FUNCIÓN
Para consultas y más información sobre la programación, puedes acercarte a la Boletería de Agustinas en los siguientes horarios:
- Lunes a jueves: 10:00 a 18:00 hrs.
- Viernes: 10:00 a 17:00 hrs.
Sábado y domingo: Solo si hay función, se abrirá desde una hora y media antes.
PERMANECE EN TU UBICACIÓN
Durante la función es importante que permanezcas en tu asiento. Salir de la sala puede afectar la continuidad del espectáculo y la experiencia del público asistente. No se permite el reingreso hasta que haya una pausa adecuada, si es que la hay durante el espectáculo.
CUIDEMOS EL PATRIMONIO
Por tratarse de un Monumento Nacional, se pide especial cuidado con esculturas, mobiliario y objetos en general. Agradecemos no apoyarse, tocar ni dejar basura donde no corresponda.
ALIMENTOS Y BEBIDAS FUERA DE LA SALA
Para preservar el patrimonio en óptimas condiciones, no se permite ingresar ni consumir alimentos y bebidas al interior de la sala. Solo es posible fuera de esta y en áreas designadas.
CELULARES SILENCIADOS DURANTE LA FUNCIÓN
Una vez ubicado/a en la sala, recuerda apagar o silenciar tu celular durante toda la función. Las luces y sonidos de los dispositivos interrumpen a los artistas y al público asistente.
FOTOGRAFÍAS Y VIDEOS EN MOMENTOS INDICADOS
Antes y después de la función podrás tomar fotos sin flash y para uso personal. Durante la misma, no está permitido tomar fotografías ni grabar videos.
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CONTENIDOS
¿Cómo celebramos a nuestra orquesta?
Biografías
Orquesta Filarmónica de Santiago
Coro del Municipal de Santiago
GRAN CIERRE ANIVERSARIO 70
ORQUESTA FILARMÓNICA DE SANTIAGO
Dirección musical: Paolo Bortolameolli
PROGRAMA
Orquesta Filarmónica de Santiago
Dirección musical: Paolo Bortolameolli
Johann Strauss II (1825 – 1899)
Obertura
El Murciélago (Die Fledermaus) (9’)
Richard Strauss (1864 – 1949)
El caballero de la rosa
(Der Rosenkavalier, Op. 59)
Extracto del acto III · Trío final
Marie Theres’!... Hab’ mir’s gelobt (9’)
Mariscala: Paulina González
Octavian: Verónica Villarroel
Sophie: Vanessa Rojas
Camille Saint-Saëns (1835 – 1921)
Concierto para violín y orquesta n.º 3 en si menor, op. 61 (9’)
I.Allegro non troppo
Solista: Richard Biaggini
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Concierto para clarinete en la mayor, KV 622 (9’)
II. Adagio
Solista: Jorge Levín
Sergei Rachmaninoff (1873 – 1943)
Concierto para piano n.º 2 en do menor, Op. 18 (12’)
III. Allegro scherzando
Solista: Danor Quinteros
- INTERMEDIO -
Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 – 1893)
El lago de los cisnes: pas de deux, segundo acto (9’)
Dirección musical: Pedro-Pablo Prudencio
Odette: Katherine Rodríguez
Sigfrido: Emmanuel Vazquez
Gustav Mahler (1860 - 1911)
Sinfonía n. º 6 en la menor, “Trágica” (6’)
I. Allegro enérgico ma non troppo. Heftig, aber markig
Homenaje a Juan Pablo Izquierdo
Leonard Bernstein (1918-1990)
Salmos de Chichester (19’)
I. Salmo 108. Salmo 100
II. Salmo 23. Salmo 2
III. Salmo 131. Salmo 133
Coro del Municipal de Santiago Solista: José Andrés Muñoz
Ottorino Respighi (1879 - 1936)
Pinos de Roma, P 141: (16’)
I. I pini di Villa Borghese. Allegretto vivace
III. I pini del Gianicolo. Lento
IV. I pini della Via Appia. Tempo di marcia
Créditos editoriales:
Obra Chichester Psalms , de Leonard Bernstein, Editorial Boosey & Hawkes.
DURACIÓN APROXIMADA
2 hora y 10 minutos
Incluye intermedio de 20 minutos
FUNCIONES
Viernes 5 de diciembre 19:00 horas / Serie C1
Sábado 6 de diciembre 17:00 horas / Serie C2
SALA PRINCIPAL
BAJO LA LUPA
Johann Strauss hijo
Nacionalidad: Austriaca.
Nacimiento: Martes 25 de octubre de 1825 en Neubau (Imperio austrohúngaro).
Muerte: Sábado 3 de junio de 1899 en Viena (Imperio austrohúngaro).
Corriente estilística: Romanticismo.
Géneros musicales cultivados: Valses, polcas, marchas, mazurcas, operetas y ballets.
Obras notables: Ritter Pásman, Tritsch-Tratsch-Polka, Eine Nacht in Venedig, An der schönen blauen Donau, Künstlerleben, Kaiser-Walzer, Rosen aus dem Süden, Wiener Blut y Pizzicato-Polka.
Hitos biográficos
Johann Strauss II nació en Viena en 1825 y creció en un ambiente musical dominado por la fama de su padre. Recibió una sólida educación musical gracias a maestros locales y a su impulso personal por superar las expectativas familiares. Desarrolló su estilo dentro de un entorno marcado por la música de salón y el auge del vals.
Johann trabajó como compositor y director de orquesta en numerosos bailes y conciertos vieneses. Fundó su propia orquesta y compitió en popularidad con la de su padre; también realizó extensas giras internacionales que difundieron su célebre estilo. De esta manera, se convirtió en un referente indiscutido del entretenimiento musical del siglo XIX.
A lo largo de su vida, Johann creó obras como El Danubio azul y Cuentos de los bosques de Viena que consolidaron su reputación mundial. Llevó el vals a un nivel de sofisticación sin precedentes y amplió la proyección de la música ligera vienesa en la cultura europea.
Johann Strauss hijo aportó una elegancia formal al vals que influenció la música popular y la música de concierto, y elevó géneros sociales a un nivel artístico apreciado en todo el mundo. El músico dejó un legado que definió la identidad sonora de Viena y que se mantiene vigente en el repertorio orquestal festivo.
El murciélago
Título: Die Fledermaus.
Música: Johann Strauss hijo.
Libreto: Carl Haffner ty Richard Genée.
Género: Opereta.
Estreno: Domingo 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien (Viena).
Instrumentación: Flautas, flautín, oboes, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, percusión (timbales) y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
El murciélago es una opereta de Johann Strauss hijo, considerada la obra cumbre de la época dorada de la opereta vienesa. Strauss compuso las melodías y armonías de la obra en apenas 42 días, tras lo cual le encargó la orquestación a Richard Genée. La obertura y el csárdas, no obstante, son de autoría completa de Strauss.
La danza de csárdas se estrenó en un concierto a beneficio en 1873. Tuvo tanto éxito que Strauss y sus colegas debieron adelantar el estreno de la opereta; sin embargo, las crisis económicas obligaron a retrasar todo el trabajo a pesar de las intenciones de sus creadores.
Si bien el estreno no se consideró un éxito rotundo, El murciélago tuvo consistentemente críticas positivas durante toda la temporada en que se interpretó. En los siguientes 14 años, se representó nada menos que 199 veces en el teatro de su estreno.
Richard Strauss
Nacionalidad: Alemana.
Nacimiento: Sábado 11 de junio de 1864 en Múnich (Reino de Baviera).
Muerte: Jueves 8 de septiembre de 1949 en Garmisch-Partenkirchen (República Federal de Alemania). Corriente estilística: Posromanticismo.
Géneros musicales cultivados: Lieder, óperas, poemas sinfónicos y conciertos.
Obras notables: Desde Italia, Don Juan, Muerte y transfiguración, Las travesuras de Till Eulenspeigel, Así habló Zaratustra, Don Quijote y Una sinfonía alpina.
Hitos biográficos
Richard Strauss nació en Múnich en 1864 y creció en una familia profundamente ligada a la música. Recibió clases de composición, teoría y dirección desde temprana edad. El ambiente musical de la corte bávara nutrió su formación y estimuló su creatividad, lo que le permitió desarrollar una sólida base académica que definió su primera etapa estilística.
Richard trabajó como compositor, director de orquesta y administrador cultural a lo largo de su vida; además, dirigió teatros importantes y colaboró con figuras destacadas de la ópera alemana. Combinó sus talentos para impulsar nuevas producciones escénicas y ejerció una influencia decisiva en la vida musical germana del siglo XX. El alemán escribió poemas sinfónicos como Así habló Zaratustra y Don Juan, que marcaron hitos en su carrera, así como las óperas El caballero de la rosa y Salomé, que ampliaron sus horizontes artísticos. Logró reconocimiento internacional gracias a su audacia armónica y narrativa, y consolidó su figura como uno de los grandes innovadores del repertorio orquestal.
Richard Strauss aportó avances significativos en la orquestación y el drama musical. Expandió los límites expresivos de la armonía posromántica y dejó modelos estéticos que influyeron en generaciones posteriores.
El caballero de la rosa
Título: Der Rosenkavalier.
Música: Richard Strauss.
Texto: Hugo von Hofmannsthal.
Género: Ópera en tres actos.
Estreno: Jueves 26 de enero de 1911 en la Königliches Opernhaus (Dresde).
Otros datos
Strauss compuso El caballero de la rosa luego de haber cosechado éxito y polémicas con Salomé (1905) y Elektra (1909). Después de haber experimentado con técnicas vanguardistas como el expresionismo y la atonalidad, deseaba volver a lo simple, por lo que tomó como ejemplo las óperas mozartianas.
Dentro de su carácter cómico, la ópera integra temas complejos, como la infidelidad y el acoso. Es uno de los ejemplos de obras del siglo XX en que los roles femeninos interactúan entre sí y toman el protagonismo más allá de un solo personaje.
La trama es la siguiente: la Mariscala observa con lucidez el paso del tiempo mientras su joven amante Octavian conoce a la ingenua Sophie. Octavian se enamora de Sophie cuando la acompaña a recibir la rosa de plata destinada a su compromiso con el grotesco barón Ochs. Finalmente, la pareja desafía los planes del barón y logra un final feliz mientras la Mariscala acepta con dignidad la pérdida de su amor.
Camille Saint-Saëns
Nacionalidad: Francesa.
Nacimiento: Viernes 9 de octubre de 1835 en París (Francia).
Muerte: Viernes 16 de diciembre de 1921 en Argelia (Francia).
Corriente estilística: Romanticismo.
Géneros musicales cultivados: Conciertos, música de cámara, música sacra, melodies, óperas y sinfonías.
Obras notables: Concierto para violonchelo en la menor, Samson et Dalila, Le carnaval des animaux y Danse macabre.
Hitos biográficos
Camille Saint-Saëns nació en París en 1835 y creció en un entorno familiar que alentó su talento precoz. Recibió formación musical rigurosa desde muy temprana edad y destacó como prodigio. El contexto cultural francés le ofreció variadas oportunidades para desarrollar sus habilidades, con lo que consolidó una preparación académica que lo impulsó hacia una carrera temprana.
Camille trabajó como compositor, pianista, organista y ensayista; también ocupó cargos prestigiosos como organista de la Madeleine en París. Viajó frecuentemente y difundió su obra en Europa y América, equilibrando su actividad interpretativa con una vasta producción musical.
Durante su carrera, Camille creó obras como el Segundo concierto para piano y El carnaval de los animales. Con su Tercera sinfonía fortaleció su prestigio internacional. Asimismo, el francés produjo música de cámara y óperas que mostraron su versatilidad y una identidad estética basada en claridad y equilibrio.
Camille Saint-Saëns aportó una síntesis entre tradición clásica y virtuosismo romántico. Defendió la renovación moderada del lenguaje musical francés y se opuso a las innovaciones de los modernistas de fin de siglo. Tras de sí, dejó un legado que combina solidez técnica y expresividad refinada.
Concierto para violín
Título: Concerto pour violon n.º 3 en si mineur.
Música: Camille Saint-Saëns.
Género: Concierto para solista y orquesta.
Estreno: Viernes 15 de octubre de 1880 en Hamburgo. Instrumentación: Flautas, flautín, oboes, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, timbales, violín solista y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
Saint-Saëns compuso su tercer Concierto para violín para dedicarlo a su colega, el virtuoso español Pablo de Sarasate, quien ya había tocado el primero de sus conciertos. Además de ser intérprete, el navarro también era compositor; sus obras más conocidas son Aires gitanos (1878) y Danzas españolas (1882).
Se dice que el Tercer concierto es técnicamente menos complejo que los dos anteriores para el mismo instrumento de Saint-Saëns, pero que, sin embargo, es expresivamente más difícil que los otros dos debido a sus características modernas.
Wolfgang Amadeus Mozart
Nacionalidad: Austriaca.
Nacimiento: Martes 27 de enero de 1756 en Salzburgo (Imperio austrohúngaro).
Muerte: Lunes 5 de diciembre de 1791 en Viena (Imperio austrohúngaro). Corriente estilística: Clasicismo vienés.
Géneros musicales cultivados: Sinfonías, óperas, conciertos, cuartetos de cuerdas, sonatas, misas, motetes, variaciones, fantasías, serenatas, divertimentos, marchas, danzas y oratorios.
Obras notables: Réquiem en re menor, Don Giovanni, Las bodas de Fígaro, Concierto para piano n.º 21, Cossi fan tutte, Concierto para tres pianos n.º 7 y Misa de coronación.
Hitos biográficos
Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo en 1756 y se formó en un ambiente familiar dedicado a la música. Recibió instrucción de su padre Leopoldo y demostró un talento prodigioso desde los primeros años. La familia viajó extensamente y expuso al joven músico a los principales centros culturales de Europa, lo que le permitió absorber diversas influencias que moldearon su genio temprano.
Wolfgang trabajó como compositor, intérprete y maestro de capilla en diferentes ciudades. Aunque se destacó como pianista y violinista en conciertos públicos y cortes europeas, buscó estabilidad laboral en Viena, sin demasiada suerte. Pese a ello, produjo obras en casi todos los géneros de su tiempo y equilibró su actividad creativa con una intensa vida profesional como intérprete.
El austriaco creó óperas como Las bodas de Fígaro y Don Giovanni, revolucionarias en el teatro musical. También produjo música sinfónica, de cámara y obras sacras que mostraron su profundidad expresiva.
A través de su producción, Wolfgang Amadeus Mozart aportó una síntesis única entre emoción, claridad y equilibrio estructural. Con sus óperas y sinfonías, dejó un legado universal que sigue siendo central en la historia de la música.
Concierto para clarinete
Título: Klarinettenkonzert in A-Dur.
Música: Wolfgang Amadeus Mozart.
Estreno: Domingo 16 de octubre de 1791 en Praga.
Instrumentación: Flautas, fagotes, cornos, clarinete solista y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
El Concierto para clarinete de Mozart fue escrito para clarinete di bassetto, un instrumento con una tesitura especial, algo más grave que el clarinete común. Mozart lo compuso para su amigo Anton Stadler, quien también era parte de la logia francmasona en que participaba el compositor.
La estructura del concierto es la habitual, con tres movimientos ordenados en tempos rápido-lentorápido. A diferencia de las obras de la época, no obstante, la cadenza virtuosa no se encuentra en el primer movimiento, sino en el segundo. El concierto es una de las últimas obras que Mozart logró concluir antes de su fallecimiento. El manuscrito autógrafo, sin embargo, se perdió durante mucho tiempo y solo pudo conocerse gracias a las adaptaciones que hizo Stadler para pasar el clarinete di bassetto a clarinete común, lo que permitió que las primeras ediciones circularan en 1801 y 1802.
Sergei Rachmaninov
Nacionalidad: Rusa.
Nacimiento: Martes 1 de abril de 1873 en Veliki Novgorod o Staraya Rusa (Imperio ruso).
Muerte: Domingo 28 de marzo de 1943 en Beverly Hills (Estados Unidos).
Corriente estilística: Posromanticismo.
Géneros musicales cultivados: Conciertos y sinfonías.
Obras notables: Rapsodia sobre un tema de Paganini, Las vísperas, Sinfonía n.º 3 en la menor, El caballero avaro y Sonata para violonchelo.
Hitos biográficos
Sergei Rachmaninov nació en 1873 en una familia rusa noble que enfrentaba dificultades económicas. El joven recibió una educación musical estricta en los conservatorios de San Petersburgo y Moscú, que despertaron en él una especial sensibilidad hacia la tradición romántica.
Sergei trabajó como compositor, pianista y director de orquesta, y realizó giras internacionales que consolidaron su fama como intérprete virtuoso. Dirigió orquestas en Rusia y posteriormente en Estados Unidos, donde permaneció después de su exilio.
Dentro de sus obras más conocidas se encuentra la Rapsodia sobre un tema de Paganini, que representa una definición de su identidad artística. Asimismo, escribió sinfonías y preludios para piano que ampliaron su repertorio y fortalecieron su prestigio gracias a la combinación de emoción y técnica.
Sergei Rachmaninov aportó una continuidad al romanticismo en pleno siglo XX. Defendió el valor de la melodía dentro de un lenguaje armónico rico y expansivo, influyó en pianistas y compositores por su estilo distintivo, y dejó un legado que conecta tradición y sentimiento profundo.
Concierto para piano
Título: Piano concerto n.º 2.
Música: Sergei Rachmaninov.
Género: Concierto para solista y orquesta.
Estreno: Domingo 27 de octubre de 1901.
Instrumentación: Flautas, oboes, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, tuba, percusiones (timbales, bombo, platillos), piano solista y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
El Segundo concierto para piano de Rachmaninov es una de sus obras sinfónicas más famosas. Fue creada entre 1900 y 1901, en un periodo de recuperación de la depresión que siguió al estreno de su primera sinfonía, y se convirtió en una reafirmación de que sí era talentoso, a pesar de todo.
Rachmaninov dedicó el concierto a su psiquiatra, el doctor Nikolai Dahl, cuyo trabajo clínico fue fundamental en el tratamiento de la depresión del compositor. Dahl pasó a la historia por este trabajo, en el que aplicó no solo psicoterapia, sino también hipnoterapia.
Apenas cinco días antes del estreno, Rachmaninov recibió una carta de un colega del conservatorio donde trabajaba sugiriéndole que revisara algunas partes del concierto, ya que identificaba posibles problemas en la composición de los temas. El ruso no tenía tiempo de tomar los comentarios de su compañero aun si hubiera querido, pero el estreno fue un éxito y no hubo de cambiar nada.
Piotr Ilich Tchaikovsky
Nacionalidad: Rusa.
Nacimiento: Jueves 7 de mayo de 1840 en Votkinsk (Imperio ruso).
Muerte: Lunes 6 de noviembre de 1893 en San Petersburgo (Imperio ruso).
Corriente estilística: Romanticismo tardío.
Géneros musicales cultivados: Ballets, conciertos, oberturas, óperas, sinfonías y suites.
Obras notables: El lago de los cisnes, Concierto para violín en re mayor, Eugene Onegin, El cascanueces y la Sinfonía n.º 5.
Hitos biográficos
Piotr Ilich Tchaikovsky nació en 1840 en una familia rusa culta que valoraba la educación artística. Estudió música formalmente en el Conservatorio de San Petersburgo, pese a que también tuvo que graduarse como funcionario público para satisfacer a sus padres. Esto lo llevó a desarrollar un estilo marcado por la emoción y la introspección.
Piotr trabajó como compositor, profesor y director de orquesta; enseñó en el Conservatorio de Moscú y participó en la vida musical rusa. Realizó giras internacionales que difundieron su obra y dirigió sus propias composiciones en numerosas ocasiones.
Su fama indiscutida proviene de la composición de ballets como El lago de los cisnes y El cascanueces. De la misma forma, escribió sinfonías y conciertos que expandieron su proyección internacional, así como también óperas como Eugenio Oneguin. Con estas obras consolidó una identidad estética basada en melodías intensas y colores orquestales brillantes.
A través de su música, Piotr Ilich Tchaikovsky aportó una emoción directa y accesible al repertorio sinfónico y teatral, uniendo la tradición europea con el sentimiento eslavo en un legado perdurable.
El lago de los cisnes
Título: Lebedínoye óziero..
Música: Piotr Ilich Tchaikovsky.
Género: Ballet.
Estreno: Domingo 4 de marzo de 1877 en el Teatro Bolshoi (Moscú).
Instrumentación: Flautas, flautín, oboes, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, tuba, percusiones (timbales, caja, platillos, bombo, triángulo, pandero, castañuelas, tam-tam, glockenspiel) y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
El lago de los cisnes fue compuesto por Piotr Ilich Tchaikovsky entre 1875 y 1877, por encargo del Teatro Bolshoi de Moscú. Desde el inicio del proceso de escritura, el director del teatro seleccionó al coreógrafo y el cuerpo de baile, lo que ayudó a Tchaikovsky a conocer la estructura de las danzas.
En un principio, Tchaikovsky despreciaba las composiciones para ballet porque creía que la música era demasiado ligera y carente de arte. Sin embargo, al recibir al encargo se puso a estudiar a compositores especialistas en danza, como Cesare Pugni y Leon Minkus, y se dio cuenta de que había mucho arte en la música de baile y que, de hecho, era muy importante dominar la armonía y la orquestación para hacer que la música fuera rica y, al mismo tiempo, sonara sencilla para el oído del público.
A pesar de que Tchaikovsky disfrutó del proceso de escritura, a la hora de estrenar recibió un fracaso demoledor. La crítica consideró que la obra era demasiado compleja, la historia tonta y la coreografía burda. Pese a ello se siguió interpretando en la temporada de ese año, lo que hizo surgir al famoso Pas de deux.
En 1877, la bailarina Anna Sobeshchánskaya hizo el papel de Odette, pero solicitó a Minkus que reemplazara el pas de deux por uno diferente. Cuando Tchaikovsky se enteró, exigió que la obra se interpretase solo con su música, por lo que Sobeshchánskaya le pidió que, entonces, escribiera un nuevo pas de deux. El problema era que ya lo había coreografiado, por lo que necesitaba que la partitura de Tchaikovsky siguiera las métricas y acentos de Minkus. El ruso aceptó y este pas de deux se incorporó al ballet en su coreografía habitual.
Gustav Mahler
Nacionalidad: Austriaca.
Nacimiento: Sábado 7 de julio de 1860 en Kaliště (Imperio austrohúngaro).
Muerte: Jueves 18 de mayo de 1911 en Viena (Imperio austrohúngaro).
Corriente estilística: Posromanticismo.
Géneros musicales cultivados: Sinfonías, música de cámara, música vocal y canciones sinfónicas.
Obras notables: Kindertotenlieder, Rückert-Lieder, Octava sinfonía, Das Lied von der Erde y Lieder eines fahrenden Gesellen.
Hitos biográficos
Gustav Mahler nació en 1860 en una región del Imperio austrohúngaro marcada por la diversidad cultural. Estudió en el Conservatorio de Viena y recibió formación rigurosa en composición y piano.
Desde temprana edad trabajó como director de orquesta en teatros de ópera en Hamburgo y Viena. Alcanzó fama por su precisión y su intensidad interpretativa, lo que lo obligó a componer principalmente durante sus descansos estivales.
En su juventud, Gustav creó sinfonías monumentales que unieron autobiografía y visión universal, así como ciclos de canciones sinfónicos que ampliaron su expresividad, como El canto de la tierra. Aunque enfrentó críticas en vida, consolidó su prestigio póstumamente, pues sus obras transformaron la concepción moderna de la sinfonía.
Aunque su vida fue corta, Gustav Mahler aportó una expansión emocional y estructural del género sinfónico. Renovó el vínculo entre música y experiencia humana con un legado que une introspección y vastedad sonora, en línea con los procesos filosóficos y posrománticos en boga a inicios del siglo XX.
Sinfonía trágica
Título: 6. Sinfonie in a-Moll.
Música: Gustav Mahler.
Género: Sinfonía posromántica.
Estreno: Domingo 27 de mayo de 1906 en la Saalbau de Essen.
Instrumentación: flautas, flautín, oboes, corno inglés, clarinetes, fagotes, trompas, trompetas, trombones, tuba, percusiones (timbales, glockenspiel, cencerros, xilófono, bombo, triángulo, caja, platillos, látigo, tam-tam, baqueta, martillo), arpas, celesta y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
La Sexta sinfonía de Mahler fue escrita entre 1903 y 1904, durante sus primeros años de matrimonio con Alma Schindler. Fue una etapa personal feliz para él, pues estaba muy enamorado y había recibido a su segunda hija. Sin embargo, poco después de terminar la obra una serie de tragedias lo afectaron: la muerte de su niña mayor, el despido de su trabajo y el diagnóstico de una enfermedad sin cura.
Si bien Mahler no le dio el nombre de “Trágica”, el carácter lúgubre del final llevó a los músicos de la época a considerarla de esta manera, pues ninguna de las sinfonías anteriores del austriaco era tan demoledora como esta. El mito sobre la pieza se fortaleció aún más luego de que las circunstancias de Mahler se complicaran tanto después del estreno, lo que la inmortalizó con este título.
Uno de los elementos más famosos de la Sexta sinfonía es el toque de tres tiempos que hace el martillo. Se cree que este toque es el del destino y que Mahler lo habría incorporado de esa forma, pero que, al ver cómo le sucedían cosas malas una tras otra, decidió quitar un golpe y dejar solo dos, de manera tal que no estuviera invocando a la mala suerte. Tras la muerte de Mahler, los directores reintegraron los tres golpes, al igual que las editoriales musicales en sus ediciones críticas.
Leonard Bernstein
Nacionalidad: Estadounidense.
Nacimiento: Domingo 25 de agosto de 1918 en Lawrence (Estados Unidos).
Muerte: Domingo 14 de octubre de 1990 en Nueva York (Estados Unidos).
Corriente estilística: Eclecticismo.
Géneros musicales cultivados: Conciertos, sinfonías, óperas, teatro musical, música de cámara, música vocal y suites.
Obras notables: West Side Story, Candide, A Quiet Place, Serenade y Missa brevis.
Hitos biográficos
Leonard Bernstein nació en 1918 en Estados Unidos y creció en un hogar que descubrió su talento al recibir un piano inesperadamente. El contexto musical estadounidense estimuló su interés por múltiples estilos, desde la tradición clásico-romántica hasta la modernidad de los locos años veinte.
Durante toda su vida, Leonard trabajó como director, compositor, pianista y divulgador musical. Mientras que a nivel mundial alcanzó fama internacional en su rol de conductor, particularmente de las sinfonías de Mahler, en su patria se hizo conocido mayormente por su trabajo televisivo con conciertos educativos, los llamados Conciertos para la juventud. Una de sus obras más famosas fue el musical West Side Story, una reversión del clásico Romeo y Julieta de Shakespeare que trata sobre la inmigración puertorriqueña en Estados Unidos. Con esta música, Leonard innovó en el lenguaje sinfónico del teatro musical estadounidense.
Con su trabajo como director, Leonard Bernstein renovó la interpretación orquestal con su estilo apasionado. Esto, sumado a su trabajo de divulgación y educación musical, le permitió dejar un amplio legado en grabaciones sonoras y audiovisuales que ha sido estudiado por varias generaciones.
Chichester Psalms
Título: Chichester Psalms.
Música: Leonard Bernstein.
Género: Música sacra.
Estreno: Jueves 15 de julio de 1965 en el Philharmonic Hall (Nueva York).
Instrumentación: Contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión.
Otros datos
Los Chichester Psalms fueron comisionados a Bernstein por la catedral de Chichester. Este decidió musicalizar seis textos del Libro de los Salmos en el idioma hebreo original.
A pesar de que la composición fue por encargo, Bernstein dirigió el estreno de la obra fuera de la catedral de Chichester. Solamente dos semanas después, el 31 de julio de 1965, se hizo por primera vez en la iglesia, bajo la conducción de John Birch.
Para Bernstein, esta fue la primera ocasión de componer luego de que hubiese completado su Tercera sinfonía, «Kaddisch» en 1963. Con los Chichester Psalms, el músico logró consolidar una sección puramente judía en su producción, y, de hecho, los salmos son vistos como una reafirmación de sus creencias religiosas.
A nivel musical, los Chichester Psalms incluyen muchas de las innovaciones propias del siglo XX, aunque no tan notorias ni extremas. Por ejemplo, se hallan leitmotivs en las voces solistas y corales que van apareciendo en los distintos movimientos. También se usan heterometrías y acentos en lugares diferentes de lo habitual, lo que da una permanente sensación de cambio métrico.
Ottorino Respighi
Nacionalidad: Italiana.
Nacimiento: Miércoles 9 de julio de 1879 en Bolonia (Italia).
Muerte: Sábado 18 de abril de 1936 en Roma (Italia).
Corriente estilística: Neoclasicismo.
Géneros musicales cultivados: Conciertos, suites, óperas y música de cámara.
Obras notables: Concierto gregoriano para violín y orquesta, Sonata para violín y piano en si menor, Lauda per la Natività del Signore.
Hitos biográficos
Ottorino Respighi nació en Bolonia en 1879 y creció en una familia con interés por la música; de hecho, su padre, un pianista aficionado, alentó sus primeros pasos en el arte musical. En su ciudad natal estudió violín, composición y musicología.
El contacto con tradiciones antiguas y modernas influyó decisivamente en su estilo, orientado a la investigación histórica. Tomó contacto con Nikolai RimskyKorsakov, de cuyas orquestaciones era un profundo admirador.
Ottorino trabajó como compositor, director y arreglista; enseñó en instituciones romanas, como el Conservatorio di Santa Cecilia, y participó en la vida cultural italiana. Su primera ópera fue Semirama, la que obtuvo un considerable éxito en su estreno. También dio giras en Estados Unidos, donde estrenó como solista su Concierto para piano. Dentro de su trabajo como investigador y compositor, exploró repertorios antiguos y los adaptó para nuevas audiencias,
combinando actividad creativa y labor pedagógica. Una de sus obras más famosas es la tetralogía de Roma, la que le dio reconocimiento internacional. Además, se dedicó a escribir numerosas piezas en estilo antiguo tal como Stravinsky hiciera con Pulcinella, en lo que después se conocería como neoclasicismo.
Ottorino Respighi aportó una renovación del sinfonismo italiano mediante recursos modernos y evocaciones históricas. Su trabajo se destacó por un lado, por integrar la tradición y la modernidad en un lenguaje propio, y por otro, por consolidarse como un claro ejemplo de la composición neoclásica.
Pinos de Roma
Título: Pini di Roma.
Música: Ottorino Respighi.
Género: Canción clásica napolitana.
Estreno: Martes 14 de diciembre de 1926 en el Teatro Augusteo (Roma).
Instrumentación: Flautas, oboes, corno inglés, clarinetes, fagotes, contrafagot, cornos, trompetas, trombones, tuba, percusiones (timbales, bombo, caja, platillos, tam-tam, triángulo, matraca, pandero, glockenspiel), piano, órgano, celesta, arpa, fonógrafo, buccinas y sección de cuerdas (violines I, violines II, violas, violonchelos y contrabajos).
Otros datos
Pinos de Roma es el segundo de tres poemas sinfónicos que Ottorino Respighi dedicó a la ciudad de Roma. Forma un retrato musical de los jardines de Villa Borghese, las catacumbas, la colina de Janículo y la Vía Apia.
Respighi se encontraba motivado por la geografía y arquitectura de su ciudad, por lo que también escribió las obras Fuentes de Roma (1916) y Fiesta romana (1928). Llevaba trabajando en su trilogía desde 1913.
De acuerdo a la esposa de Respighi, Elsa, el estreno fue tan exitoso que el final del tercer movimiento no se llegó a escuchar de tantos aplausos que dio el público. La segunda presentación, hecha dos semanas después del estreno, fue a teatro lleno, con todas las butacas agotadas.
Cada movimiento tiene un programa escrito por Respighi. El primer movimiento dice: «Se arremolinan los niños en el pinar de Villa Borghese: bailan a corro, fingen marchas soldadescas y batallas,
chillan como golondrinas al atardecer y se alejan como enjambres». El tercero es como sigue: «Se siente en el aire un estremecimiento: en la luna llena serena se revela el perfil de los pinos de la colina Janículo. Un ruiseñor canta». El cuarto movimiento se describe así: « Amanecer con neblina en la Vía Apia. La trágica campiña es vigilada por pinos solitarios. Indistinto, incesante, el ritmo de innumerables pasos. A la fantasía del poeta aparece una visión de antiguas glorias: resuenan las buccinas y un ejército consular irrumpe, en el fulgor del nuevo sol, hacia la Vía Sacra, para ascender triunfante al Campidoglio».
¿CÓMO CELEBRAMOS A NUESTRA ORQUESTA?
Paolo Bortolameolli · Director titular Orquesta Filarmónica de Santiago
El Teatro Municipal de Santiago es un lugar único, mágico. Un espacio que transforma e inspira. Todos tenemos una historia con él. Algún espectáculo que nos hizo desconectar, estremecer, reflexionar, emocionar. La belleza respira en este lugar y los aplausos resuenan en los ecos de sus paredes. Pero ¿cuál es el hilo conductor? ¿Cuál es el factor común en todo lo que ocurre acá? Al menos si tomamos en cuenta los pilares fundamentales de sus espectáculos –ópera, ballet y conciertos— la respuesta surge espontánea: la música. La música es la narrativa común a todos y por ende, la Orquesta Filarmónica de Santiago podría identificarse como el alma del Teatro. Cada sinfonía de Beethoven, el pas de deux de Tchaikovsky o el aria de Puccini vive a través de la interpretación de esta legendaria agrupación. Porque la música ES cuando suena. Antes e incluso después es sólo un recuerdo. Por eso festejar a la Filarmónica es celebrarla desde el reconocimiento a su transversalidad y versatilidad. Y por eso hoy, cada ángulo estará presente.
OBERTURA
El origen de una obertura es el que tiene que ver con la palabra misma: del francés ouverture “apertura”, derivado de ouvrir “abrir”. De ahí que su carácter sea un anticipo de lo que vendrá. En este caso esta será una noche de festejos, sorpresas y buen humor. ¿Qué mejor que la obertura de la opereta El murciélago de Johann Strauss II? En primer lugar, porque nos da la oportunidad de hacer nuestro propio saludo al cumpleaños número 200 de su compositor. En todo el mundo la música de Johann Strauss ha estado presente en los teatros más importantes, pues su música es parte del ADN cultural universal. Resulta casi imposible imaginar a alguien que no pueda tararear al menos uno de sus valses. ¡Ese sí es un legado!
Por otra parte, esta obertura permite presentar de manera festiva lo que viene. Con sus polkas y valses, Strauss nos muestra que, no por ser música ligera de ánimo y espíritu, deja de ser profundamente bella y muy bien lograda.
ÓPERA
Con humor y sus propios alcances musicales, nos vamos a los terrenos de otro Strauss: Richard. Por fácil que resulte caer en la confusión, lo cierto es que estos músicos tienen raíces familiares completamente distintas. El primero es austríaco mientras que el segundo es alemán. Sin embargo en su ópera El caballero de la rosa, Richard Strauss se aprovecha de esta singular coincidencia y hace una deliberada conexión estilística al adoptar el espíritu y la forma del vals vienés para hacer un guiño no sólo al “Rey del vals” sino además a la tradición y herencia cultural de Viena (aunque anacrónica —la ópera de Richard Strauss está ambientada en una época anterior a aquella en la que este baile en 3/4 se convirtió en la banda sonora de toda una sociedad—, la tentación de permitir que un Strauss homenajeara a otro era demasiado grande como para dejarla pasar). El trío final de El caballero de la rosa es reconocido como uno de los momentos más inspirados, líricos y hermosos de la historia de la ópera. Si, así de superlativo. Pregúntele a cualquier operático y seguro éste lo ratifica.
La Mariscala renuncia al amor pues entiende que Octavian y Sophie son una joven pareja que merecen vivir su amor en plenitud. Este acto, de entrega por cierto, esconde más significado que el literal pues de alguna forma tiene que ver con el tiempo, el pasado, la nostalgia, la aceptación y el dejar ir. La música es de un tejido que a partir de una idea muy simple –cuatro notas que se repiten múltiples veces— va desarrollando una textura rica en armonías inquietas, anhelantes que buscan un clímax que finalmente llega de una forma muy emotiva. Luego de esto, conectamos con un cierre festivo y muy en la línea de lo que quizás el otro Strauss –el de los valses— hubiese querido.
CONCIERTO
Nos referimos a la forma musical: aquel diálogo fascinante entre la orquesta y un solista. Porque sí, es un diálogo, una conversación, y no simplemente un acompañamiento. Un concierto es una bella expansión del concepto de la música de cámara, aquella que nace de la escucha mutua, donde la narrativa musical es única en conjunción, y donde la naturaleza de cada instrumento solista condiciona la dirección que ésta quiera tomar. Por eso, hoy la sorpresa es que tendremos un concierto como nunca lo han experimentado: uno que represente lo mejor posible esta variedad. Es un concierto en tres movimientos, como suelen ser la mayoría, y también cumple con la condición de tener movimientos RÁPIDO - LENTO - RÁPIDO. Pero, la sorpresa está en sus protagonistas.
Primer movimiento:
Concierto para violín y orquesta n.º 3 en si menor, op. 61 de Camille Saint-Saëns.
Es el más conocido de los tres conciertos para violín que escribió. Fue dedicado al violinista español Pablo de Sarasate por lo que su virtuosismo es fruto de esto. Es un obra madura respecto al buen uso del instrumento, a su potencial tanto lírico como efectista y cómo éste se ve potenciado por una orquestación colorida y contrastante.
Segundo movimiento:
Concierto para clarinete en la mayor, K. 622 de Wolfgang Amadeus Mozart.
Obra maestra del clasicismo fue su última gran composición instrumental. Compuesto poco antes de su muerte y dedicado a su amigo y virtuoso clarinetista Anton Stadler. Su segundo movimiento es sin duda un pináculo de madurez y profundidad emocional. A través de una orquestación más bien liviana, el hermoso timbre del clarinete conversa con la orquesta con apacible nobleza e incluso sabiduría.
Tercer movimiento:
Concierto para piano y orquesta n.º2 en do menor, op. 18 de Sergei Rachmaninov
Es sin duda, una de las obras más reconocidas de todo el repertorio no tan solo para piano si no de la música clásica en general. Esta pieza fue un punto de inflexión crucial en la carrera de Rachmaninov, quien la dedicó a su psiquiatra, el Dr. Dahl, por haberle ayudado a superar una profunda depresión y bloqueo creativo causado por el fracaso de su primera sinfonía. Es un obra que combina lirismo, virtuosismo, grandiosidad y profunda inspiración melódica.
BALLET
Si nos quedamos tarareando a Rachmaninov durante el intermedio entonces reconoceremos en lo que viene a un gran inspirador. Porque sin duda alguna, si hay un compositor ruso que influyó en cómo escribir desde el lirismo y la prioridad melódica fue Tchaikovsky. Piotr Illich Tchaikovsky es por lejos de los compositores más populares hasta hoy. Su música es también parte de un inconsciente colectivo. Y sí, tenemos las sinfonías, el concierto para violín y orquesta y el primer concierto para piano y orquesta como buenos ejemplos de esto, pero sin pensarlo mucho, donde cuantitativamente más huella dejó es en su maravillosa música para Ballet. En todo el mundo todos los años se llenan las funciones de Cascanueces y El lago de los cisnes. Es un éxito que no dejará de acompañarnos y mucho se debe al perfecto matrimonio que existe entre coreografía y música. Es por eso que para celebrar esta virtuosa unión hoy escucharemos y veremos el pas de deux del segundo acto de El lago de los cisnes. Este dueto es la manifestación coreográfica del encuentro entre Sigfrido y Odette. Musicalmente se divide en tres secciones: la primera comienza con una importante introducción del arpa. Luego se une el violín solista en una melodía melancólica y lenta. Luego viene la segunda
sección: ágil y vivaz. El violín sigue liderando el aspecto melódico pero esta vez acompañado por el resto de la cuerda en pizzicati e intercalándose con comentarios de los vientos. Luego se uno como contrapunto el violonchelo que nos hace volver al tempo y carácter de la primera sección. Es un diálogo tremendamente expresivo ¡la veta melódica de Tchaikovsky en todo su esplendor! Y finalmente la tercera sección que sirve como una coda conclusiva.
CORO
Lo sinfónico coral es también una parte esencial del repertorio de la Orquesta Filarmónica de Santiago. Tanto en la ópera como en los conciertos, este natural cruce siempre nos emociona. Y eso porque la voz humana es nuestro instrumento. Todos nos identificamos con ésta y de alguna forma el colectivo coral es una expresión quizás inconsciente de nuestro vínculo con la experiencia comunitaria. Nuestro sentido de pertenencia a una ‘tribu’ que además busca expresarse a través de sonidos que resignifican el valor de la palabra.
Los Salmos de Chichester, de Leonard Bernstein, es una obra que le fue comisionada en 1965 para el Festival de Música de la Catedral de Chichester. Es una obra en tres movimientos, cada uno basado
en textos de salmos bíblicos. Un claro ejemplo del múltiple cruce de influencias estéticas que identifica la música de Bernstein. Acá todo puede convivir: las melodías líricas, las sonoridades más modernas, con disonancias más propias del siglo XX; los ritmos sincopados del jazz; e incluso un sonido propio de los musicales de Broadway, para terminar con un momento a capella del coro, de gran emotividad y misticismo. Desde un punto de vista orquestal, la obra es un despliegue de imaginación. La percusión es protagónica, pero siempre al servicio de un todo coherente. El segundo movimiento incluye el menos común y hermoso timbre del contratenor. La obra fue concebida como un llamado interreligioso a la paz y la unidad en un mundo convulso y dividido.
SINFÓNICO
Y, finalmente, el final de fiesta debe terminar a lo grande. La orquesta, ahora numerosa e incluso acompañada de una banda externa que corona el cierre, aborda una de las obras más queridas del repertorio sinfónico; quizá porque nos recuerda que vivir esta música en vivo jamás se comparará con escucharla, incluso con el mejor equipo de sonido disponible. Es que la música sinfónica es un rito del aquí y el ahora: no se trata sólo de sentir sus contrastes y su fuerza expansiva de alto voltaje, sino también de compartir ese instante electrizante con quienes nos rodean y acompañan en este momento de hermosa subjetividad.
Lo que escucharemos son tres movimientos del poema sinfónico Los pinos de Roma, del compositor Italiano Ottorino Respighi. En el primero, niños –ruidosos— juegan a ser soldados y marchan entre los pinos del Jardín de la Villa Borguese. La música es festiva, alegre y plagada
de sonidos en registros agudos, ya que esa es la manera de describir voces infantiles. De hecho, noten que los contrabajos no tocan en este movimiento. Luego saltamos a los Los pinos de Gianicolo: una hermosa escena nocturna, evocadora e impresionista. Estamos junto al templo del dios romano Jano, en la colina que lleva su nombre. El solo de clarinete es el hilo conductor que nos guía entre pasajes llenos de sensualidad y delicadeza.
Hacia el final, un tenue susurro de pajaritos nos prepara para la gran experiencia inmersiva que se viene. Los Pinos de la Vía Apia evocan la majestuosidad de los árboles que recorren la gran vía. El amanecer, cubierto de neblina; una legión romana avanza. Es imposible no dejarse llevar por un imponente crescendo orquestal que nos hace sentir que, por un momento, estamos en medio de la acción: rodeados y sobrecogidos por el impacto sonoro del momento. El final de fiesta más espectacular.
¡Felices 70 años querida
Orquesta Filarmónica de Santiago!
BIOGRAFÍAS
Paolo Bortolameolli
Dirección musical
Actualmente, Paolo Bortolameolli es el director titular nombrado de la Orquesta Filarmónica de Santiago y de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ) de Chile. Su exitosa trayectoria internacional y su pasión por la divulgación cultural han estado marcadas por un fuerte compromiso con la conexión de nuevas audiencias, la expansión del impacto de la música clásica y la formación de nuevas generaciones de músicos.
Reconocido como uno de los directores musicales más destacados de Latinoamérica, Bortolameolli ha sido galardonado en siete ocasiones por la Asociación de Críticos de Arte y, en 2024, fue incluido por Forbes entre ‘Los 50 chilenos más creativos’. En 2025, se convirtió en el primer artista de música clásica en formar parte del jurado del prestigioso Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde destacó la profunda conexión entre la música popular y la clásica, así como el poder de la música para unir a las personas.
Bortolameolli ha debutado con numerosas orquestas internacionales en algunas de las salas de concierto y casas de ópera más prestigiosas del mundo, como la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Nueva York, la Ópera de París, el Gran Teatre del Liceu en Barcelona, la Orquesta della Toscana en Florencia, la Orquesta Sinfónica de San Francisco, la Filarmónica de Hong Kong, la Royal Philharmonic Orchestra de Liverpool, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Polonia y la Orquesta Gulbenkian de Portugal, entre otras. Una de sus iniciativas recientes es el ciclo Clásica No Convencional, una propuesta que lleva la música clásica a escenarios inusuales, ofreciendo experiencias multisensoriales que permiten a niños, jóvenes y adultos descubrir su belleza. En 2020, publicó su primer libro, Rubato: procesos musicales y una playlist personal.
paolobortolameolli.com
Paulina González
Soprano
Licenciada en interpretación musical de la Universidad de Chile. Ha recibido destacados premios en la Competizzione dell en Dresden, en el Concurso Luis Sigall en Viña del Mar, además de ser finalista en el Concurso Teatro Colón en 2012. En 2013 recibió el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile por sus roles en Romeo y Julieta y Cosí fan Tutte y una mención especial por sus roles en Turandot y Otello en 2014. Ha sido parte de las temporadas de ópera del Teatro Municipal de Santiago en sus versiones internacional y estelares, en los roles principales de Carmen, Romeo y Julieta, Otello, Turandot, I Pagliacci, La bohème, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, Così fan tutte, Der Rosenkavallier y Fausto. Además ha participado en los roles titulares de La Traviata, Il trovadore y Otello en el Teatro Regional del Maule. Ha sido solista invitada en el Sodre de Uruguay, el Teatro El Círculo de Argentina y el Théâtre du Capitole de Toulouse en Francia.
Verónica Villarroel
Soprano
Reconocida como una de las grandes intérpretes del repertorio verista y pucciniano. Su carrera ha estado marcada por hitos excepcionales, como su debut como Cio-Cio-San en Japón y su histórica presentación en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio, siendo la primera extranjera en interpretar este rol. Desde su proyección internacional en 1990, ha interpretado emblemáticos roles en títulos como Madama Butterfly, La Bohème, Turandot, La traviata , Don Carlo , Adriana Lecouvreur , Otello y Carmen , entre otros, presentándose en los principales teatros del mundo como el Met de Nueva York, La Scala de Milán, Royal Opera House de Londres, Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelona y el Teatro Colón de Buenos Aires.
Ha colaborado con grandes figuras del mundo lírico como José Carreras, Andrea Bocelli y Plácido Domingo, con quien ha compartido escenario y grabaciones en cuatro continentes. En 2009 marcó un hito en el Festival de Viña del Mar al interpretar por primera vez una pieza lírica, siendo ovacionada con todos los premios del público. En 2011 fundó su Academia y, más tarde, su Fundación Cultural, con el objetivo de formar nuevas generaciones de cantantes.
Entre sus reconocimientos figuran el Premio Presidente de la República y haber sido destacada como una de las 50 Mujeres Influyentes de Chile. En los últimos años ha dirigido y protagonizado diversas producciones, y hoy regresa al Teatro Municipal de Santiago para dirigir esta producción.
Vanessa Rojas
Soprano
Chilena. Formada en la Universidad Católica de Chile (2014), y miembro de la primera generación del Fundación Ibáñez Atkinson Young Artists Program (2020-2022). En 2017 debutó como solista en la Ópera UC, y desde entonces ha sido parte de diversas programaciones del medio nacional, entre las que destacan las temporadas de ópera y conciertos del Teatro Municipal de Santiago, donde ha interpretado a Zerlina en Don Giovanni , Musetta en La bohème , Frasquita en Carmen , la Contessa di Folleville en El viaje a Reims , Adina en El elixir de amor y María Rainer en La novicia rebelde, títulos en los que ha colaborado con maestros como Roberto Rizzi Brignoli, Pedro-Pablo Prudencio, Paolo Bortolameolli, Rodrigo Navarrete y Emilio Sagi. Ganadora del concurso “Solistas siglo XXI” (2017), segundo lugar del certamen “Laguna Mágica V” (2020) y semifinalista en el Paris Opera Competition (2020). Se ha perfeccionado en Houston Grand Opera (Estados Unidos) y la Royal Opera House (Londres). Asimismo debutó como Beatriz en el estreno de La Garza en Panguipulli.
Richard Biaggini
Violinista
Nacido en Venezuela. Comenzó sus estudios musicales en el Sistema Orquestal de su país. En 1997 recibió una beca para estudiar en la Universidad Duquesne en Pittsburgh; y en 1999 una beca de Mérito Artístico en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana. En 2001 continuó sus estudios en la Universidad de California y fue el primer violinista del cuarteto del programa de postgrado. Ha participado en clases magistrales de Yo-Yo Ma, Dorothy Delay, Janos Starker, Itzhak Perlman, Cuarteto de Cuerdas Guarneri, Cuarteto de Cuerdas Juilliard y Cuarteto de Cuerdas Emerson.
Como músico invitado, de cámara y concertino se ha presentado con destacadas agrupaciones en Estados Unidos, Europa y América Latina como la Santa Barbara Symphony Orchestra, Evansville Philharmonic, Orquesta Sinfónica de Owensboro, Orquesta Sinfónica de Wheeling, Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, Orquesta de Berkeley, Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia; Orquesta Filarmónica de Cali; Filarmónica Central de la Costa; Orquesta de Young Bows y la Orquesta Sinfónica de El Paso, entre otras. Desde 2016 forma parte del Ensamble Filarmónico junto a solistas de la Orquesta Filarmónica de Santiago, conjunto que en 2019 recibió Medalla de Oro en el Primer Concurso Internacional Vienna Music Competition convocado por el Musikverein de Viena.
Actualmente es Concertino y jefe de fila de los primeros violines de la Orquesta Filarmónica de Santiago.
Jorge Levín Clarinetista
Clarinete solista y jefe de fila de la Orquesta Filarmónica de Santiago. Realizó sus estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Fue asistente de solista entre 1997 y 2006 y, desde 2007, ocupa el cargo de solista y jefe de fila de clarinetes. Docente destacado, ha sido profesor de clarinete en el Conservatorio de la Universidad Mayor (2008–2012), titular de la cátedra de clarinete en la Escuela Moderna de Música e instructor de ensambles de viento-madera en la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile. Ha impartido clases magistrales en la Academia de Música del Teatro Colón y en importantes instituciones nacionales e internacionales, y fue artista residente y profesor en el festival Music Mundi (Bruselas).
Su actividad camerística incluye la participación en el Quinteto de Vientos Pro Arte ,el ensamble Quadrivium, Ensemble Filarmónico, con registros discográficos de música contemporánea chilena; además ha colaborado en producciones discográficas y bandas sonoras cinematográficas. Se presenta regularmente como solista con orquestas nacionales y del cono sur. Artista Buffet-Crampon (Francia).
Danor Quinteros
Pianista
Ganador del Premio del Círculo de Críticos de Arte 2024, ha sido elogiado como “un virtuoso que suma profusa imaginación” y “uno de los solistas chilenos más sólidos actualmente”. Su ascendente carrera lo ha llevado a presentarse en destacados escenarios de Europa, Asia y América del Norte, como el Toppan Hall de Tokio, el Klavierfestival-Ruhr, el Helsinki Chamber Music Festival, el OneMonth Festival en Corea y el Banff Music Festival en Canadá. En Chile ha sido invitado habitual de este escenario, del Teatro Oriente y Teatro del Lago.
Formado en la Universidad Católica de Chile con María Iris Radrigán, rindió su examen de título junto a la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la batuta de Víctor Hugo Toro. Posteriormente se graduó con honores en la Escuela Superior de Música de Colonia y en la Universidad Mozarteum de Salzburgo. Es uno de los pianistas chilenos más premiados, con distinciones en concursos como el Steinway-Preis (Alemania), Santa Cecilia (Portugal), Enescu (Rumania) e Île-de-France (Francia).
En música de cámara ha obtenido el Premio de Lausanne al mejor dúo de violín y piano, y fue reconocido como mejor pianista acompañante en el Concurso Enescu. Como solista ha actuado con importantes orquestas bajo la dirección de maestros como Helmuth Reichel, Paolo Bortolameolli, John Axelrod y Leonid Grin. Ha recibido becas del DAAD/CONICYT, el Ministerio de las Culturas y la Corporación Amigos del Teatro Municipal. Sus grabaciones incluyen producciones para Leaf Music (Canadá), SOLFA (España) y el Ministerio de las Culturas de Chile.
Pedro-Pablo Prudencio
Director musical
Director Residente de la Orquesta Filarmónica de Santiago desde 2016. Estudió dirección de orquesta y coros en la Escuela Superior de Música de Hannover y fue asistente de Johannes Mikkelsen. Se ha perfeccionado con los maestros Helmuth Rilling, Paul Goodwin, John Neschling, Kurt Masur e Isaac Karabtchevsky. Ha dirigido las principales orquestas chilenas, además de la Klangforum Wien, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica de Montevideo, la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata y la Orquesta del Teatro Mariinski. Se ha presentado en el Teatro del Lago de Frutillar y en el Teatro Avenida de Buenos Aires. En este escenario, además de ballets, ha dirigido óperas como La italiana en Argel, Tosca, Aída, Carmen, Lucrezia Borgia, La traviata, Lulú, Norma, La fuerza del destino, El caballero de la rosa y el estreno mundial de El Cristo de Elqui, además de producciones para el Pequeño Municipal. Ha sido premiado por el Círculo de Críticos de Arte de Chile en 2012, 2016, 2018 y 2024.
Katherine Rodríguez
Primera Bailarina
Egresó de la Escuela de Ballet del Municipal de Santiago en 2011, integrándose al Cuerpo de Baile del Ballet de Santiago inmediatamente. Rápidamente asumió roles solistas con la Compañía, destacando como Swanilda de Coppelius, el mago de Marcia Haydée, y como una de las tres solistas del segundo acto en La bayadera de Luis Ortigoza. Además, ha asumido los roles principales de Odette y Odile en el Lago de los cisnes de Haydée y la princesa Stephany en Mayerling de MacMillan. En 2015 debutó en el rol de Manon y en 2016 fue ascendida a Solista. En 2018 fue nombrada Primera Bailarina.
Emmanuel Vazquez
Primer Bailarín
Formado en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y con Mario Galizzi. Se integró al Ballet de Santiago en 2010 y fue ascendido a Solista en 2013. Ha asumido roles en La bayadera, Romeo y Julieta , Gaîté parisienne , Raymonda , El lago de los cisnes y La bella durmiente, entre otros. En 2012 ganó la medalla de bronce en Cape Town International Ballet Competition. En el 2014, junto a la São Paulo Companhia de Dança interpretó La Sylphide, El espectro de la rosa y el pas de deux del cisne negro. En 2016 fue invitado al Teatro Colón a bailar el rol de Basilio en Don Quijote. En 2017 estuvo en la Ópera de París en Sueño de una noche de verano.
José Andrés Muñoz
Contratenor
Ha realizado estudios de canto lírico con Evelyn Ramírez, Gonzalo Cuadra, Patricio Saxton, Ana Navarro e Isabel Fredes. Ha participado en clases magistrales con Patricia Cifuentes, Cristina Gallardo-Domâs y Eduardo Rojas. En 2020 fue becado para participar de la clínica vocal para contratenores de Juventus Lyrica dictada por la mezzosoprano Adriana Mastrángelo. Sus inicios musicales comenzaron en el Coro del Liceo Abate Molina de Talca, dirigido por Héctor Guerrero, donde fue jefe de cuerda y solista de la cuerda de tenores. En 2015 fue parte del coro de La traviata de G. Verdi en el Teatro Regional del Maule y se presentó en diversos conciertos sinfónico-corales. Desde ese mismo año, es integrante de la Camerata Vocal Vox Lumini de Chile, agrupación con la que se ha presentado en escenarios de Chile, Ecuador, Argentina y Perú, siendo solista en la cuerda de mezzosopranos. Desde 2020 es integrante y solista del Coro de la Universidad de Talca, dirigido por Paula Elgueta, actividad que realiza paralelamente a sus estudios de medicina en la misma institución. Ha realizado conciertos en Chile y el extranjero, interpretando repertorio de cámara, oratorio y ópera, de compositores como Bach, Handel, Vivaldi, Mozart, Beethoven, Bernstein y Britten, entre otros. Ha estado bajo la batuta de Francisco Rettig, Octavio Torres, Felipe Ramos Taki y Mika Eichenholz. Interpreta repertorio de cámara, oratorio y ópera de compositores como J. S. Bach, G. F. Handel, A. Vivaldi, W. A. Mozart, L. V. Beethoven, L. Bernstein y B. Britten, entre otros. Es becado de la Corporación de Amigos del Teatro Municipal de Santiago.
Orquesta Filarmónica de Santiago. Patricio Cortés (2024).
ORQUESTA FILARMÓNICA DE SANTIAGO
Formada en 1955, la Orquesta Filarmónica de Santiago es uno de los pilares fundamentales del Municipal de Santiago y cuenta entre sus filas a destacados músicos nacionales e internacionales. La agrupación domina un amplio repertorio, que recorre desde la era barroca a la contemporánea y ha tenido importantes directores titulares, entre los que sobresalen Juan Mateucci, Enrique Iniesta, Juan Carlos Zorzi, Enrique Ricci, Fernando Rosas, Juan Pablo Izquierdo, Roberto Abbado, Maximiano Valdés, Gabor Ötvös y Jan Latham-Koenig.
Actualmente Paolo Bortolameolli es su Director Titular nombrado, Pedro-Pablo Prudencio es su Director Residente y Juan Pablo Izquierdo su Director Emérito.
Director Titular nombrado
· Paolo
Bortolameolli
Director Residente
· Pedro-Pablo Prudencio
Director Emérito
· Juan Pablo Izquierdo
Primeros violines
· Richard Biaggini, Concertino
· Alexander Abukhovich, Concertino
· Manuel Leiva, Ayte. Concertino
· Arcadia Aquiles
· Pablo Leiva
· Svetlana Tabachnikova
· Julio Zapata
· Viviana Angulo
· Pablo Vidal
· Byron López
· Robert Ramos
· Anaís Burgos
Segundos violines
· Francisco Rojas, Solista
· Mauricio Vega, Solista
· Macarena Ferrer, Ayte. Solista
· Marine
Augustin-Lucile
· Juan Canales
· Omar Cuturrufo
· Zdzislaw Czarnecki
· Eduardo Roa
· Roderick Labrador
Violas
· Evdokia Ivashova, Solista
· Vilius Zaikin, Solista
· Rodolfo Zapata, Ayte. Solista
· Margarita
Krivorotko
· Leonardo Rojas
· Sarah Scanlon
· Oswaldo Guevara
· Carlos Brito
Violonchelos
· Katharina Paslawski, Solista
· Olga Levkina, Solista
· Carlos Herrera, Ayte. Solista
· Cristián Peralta
· Eduardo Franco
· Matías Toro
Contrabajos
· María Teresa Molina, Solista
· José Miguel Reyes, Solista
· Pablo Fuentealba, Ayte. Solista
· Bastián Borje
· Javier Cordero
Refuerzos cuerdas
· David Palominos, Violín
· Jairo González, Violín
· Esteban Vergara, Violín
· Arianne
Guerra, Viola
· Francisco Martínez, Violonchelo
· Bruno Peralta, Contrabajo
Flautas
· Carlos Enguix, Solista
· Eduardo Perea, Ayte. Solista
· Gonzalo García
· Beatrice Ovalle, Flautín
Oboes
· Jorge Pinzón, Solista
· Luis Ronald
Barrios, Ayte. Solista
· Claudia Fonseca
· Tatiana Romero, Corno inglés
Clarinetes
· Jorge Levín, Solista
· Nicolás Carrasco, Ayte. Solista
· Hernán Madriaza, Clarinete bajo
Fagotes
· Zilvinas Smalys, Solista
· Alejandro Vera, Ayte. Solista
· Monzerrat Miranda
· Camila Benítez, Contrafagot
Cornos
· José Luis Guede, Solista
· John Tyler Dodge, Ayte. Solista
· Edward Brown
· Eugenio Cáceres
· Javier Mijares
· Sebastián Lizana
Trompetas
· Rodrigo Arenas, Ayte. Solista
· Javier Contreras
· Maciej Wollenski
Trombones
· Mauricio Arellano, Solista
· Matías Tapia, Ayte. Solista
· Sebastián Torrejón
· Isaac Sanabria, Trombón bajo
Tuba
· Pablo Briones, Solista
Percusión
· Yaraslau Isaev, Solista Timbal
· Vania Calvil, Ayte. Solista
· Mario Góngora
· Diego Marabolí
Arpa
· Cristina Di Bernardo, Solista
Jefa administrativa
· Victoria Hidalgo
Asistente administrativo
· Fernando Navarro
Inspectora
· Carmen Díaz Vivanco
Archivo musical
· Angélica Rivera
· Macarena Aguayo
· Marcos Vargas
Utileros
· Fernando Latorre
· Sebastián Baeza
· Yerko Pizarro
Músicos invitados
· Marlly Palacios, Violín
· Drachen Quintanilla, Violín
· Naylimar Álvarez, Violín
· Felipe González, Violín
· Javiera Espinoza, Viola
· Vicente Burgos, Viola
· Germán Vega, Violonchelo
· Erick Delgado, Clarinete
· María Eugenia
Villegas, Arpa
· Salvador Pizarro, Arpa
· Edwin González, Trompeta
· Gustavo Oliveros, Trompeta
· Gamaliel Roa, Percusión
· Iván Muñoz, Percusión
· Luis Balcazar, Percusión
· Natalia Vega, Percusión
· Pedro Pablo Cruz, Trompeta banda interna
· Cristian Rivera, Trompeta banda interna
· Michael Rojas, Trombón banda interna
· Martín Cayupi, Trombón banda interna
· Eun Seong
Hong, Piano
· Jorge Hevia, Celesta / Órgano
CORO DEL MUNICIPAL DE SANTIAGO
Fundado en abril de 1982, el Coro del Municipal de Santiago fue el primer coro profesional de Chile. Dirigido desde sus inicios por el maestro Jorge Klastornick, posee un extenso repertorio que incluye ópera italiana, francesa, inglesa, alemana y rusa, además de obras sinfónico-corales de gran envergadura.
Su desempeño artístico y vocal, junto con su extraordinaria calidad musical, han sido ampliamente reconocidos por directores y cantantes nacionales y extranjeros, así como por la crítica especializada.
Subdirector
Alejandro Reyes
Sopranos
· Carmen Flores
· Isabel Garay
· Sylvia Montero
· Constanza Olguín
· Jessica Poblete
· Jennifer Ramírez
· Paola Rodríguez
· Regina Sandoval
· Berta Soto
· Madelene Vásquez
Jefas de cuerda
· Sonia Vásquez
Mezzos
· Miriam Caparotta
Jefa de cuerda
· Loreto Mardones
· Carolina Ortiz
· Florencia Romero
· Ma. José Uribarri
Contraltos
· Jaina Elgueta
· Lina Escobedo
· Mónica Ferrada
· Ma. Francisca
Muñoz
· Nurys Olivares
· Gloria Rojas
Tenores
· Gonzalo Araya
· José Castro
· Claudio Cerda
· Nicolás Fontecilla
· Ricardo González
· Fernando Latorre
· Gustavo Morales
· Nicolás Noguchi
· Pablo Ortiz
Jefe de cuerda
· David Rojas
· Enrique Salgado
· Jaime Salinas
·
Alexis Sánchez
Barítonos
· Patricio Álvarez
· Carlos Guzmán
· Cristián Lorca
· Pablo Oyanedel
Jefe de cuerda
· Felipe Ulloa
Bajos
· Jorge Cumsille
· Augusto De La
Maza
· Cristóbal Gutiérrez
· Francisco Salgado
Pianista
· Bárbara Pavez
Inspector/ Administración
· Diego Rojas
Asistente Administrativa Francisca Montenegro
CORO
DE APOYO
Suplentes
· Valeria Severino
· Andrea Betancur
· Camila Guggiana
· Ingrid Leyton
· Andrea Manque
· Ma. Carolina
Muñoz
· Yeanethe
Muzenmayer
· Valeria Vega
· Franssia
Villalobos
· Diego Alvarez
· Jorge Beccera
· Roberte Berner
· Felipe Catalán
· José Cordova
· Nelson Duran
· Francisco Espinoza
· Anibel Fernandez
· David Gaez
· Marco Huento
· Arturo Jimenez
· Waldo Pozo
· Alexis Valencia
PRODUCCIÓN
EQUIPOS DE REALIZACIÓN ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Coordinación Artística y Producción
· Jefa de producción: Daniela Cortés
· Coordinadora de Producción Artística: Valentina Ruiz
· Coordinadora de Hospitalidad de Artistas: Christiane Maier
Producción Musical
· Director musical residente:
Pedro-Pablo Prudencio
· Pianistas acompañantes residentes: Jorge Hevia
Producción Escénica
· Director de escenario:
David Figueroa
· Asistente Director de escenario: Carla Vilches
Producción Técnica y Jefes de área
· Director de proyectos escénicos: Carlos Bruna
· Iluminador Residente: Ricardo Castro
· Jefe de Vestuario y Caracterización: Pablo Núñez
· Jefe de Vestuario: Carlos Mora
· Jefe de Construcción: Miguel Tobar
· Jefe de Escultura: Claudio Marín
· Jefe de Pintura: Carlos Foweraker
· Jefe de Utilería: Andrés Sepúlveda
· Jefe de Tramoya: Germán Rosales
· Jefe de Iluminación: Juan Meza
· Jefe de Sonido y Audiovisual: Óscar Medina
· Jefe de Ambientación: Jorge Latorre
Las ilustraciones y piezas impresas conmemorativas de este concierto ha sido realizada en colaboración con estudiantes de la carrera de diseño de la Universidad Diego Portales y Lab360 junto al equipo de Marca y Diseño del Teatro Municipal de Santiago.
Agradecemos a Amparo Leigh, Fernanda Durán, Rocio Garcias y al docente Angello García Bassi por su dedicado trabajo.
La experiencia de mapping sonoro y lumínico proyectada en el frontis del Teatro Municipal de Santiago, como homenaje a los 70 años de la Orquesta Filarmónica de Santiago fue realizado por Omni Sound Lab y Delight Lab, con apoyo de Canal 13c.
Gracias por ser parte de esta especial celebración.
FUENTES
Retrato de Johann Strauss II. Recuperado de Wikicommons.
— Fotografía de Richard Strauss. Recuperado de Wikicommons
— Fotografía de Camille Saint-Saëns. Recuperado de Wikicommons.
— Retrato de W. A. Mozart. Recuperado de Wikicommons.
— Fotografía de Sergei Rachmaninov. Recuperado de Wikicommons.
— Retrato de P. I. Tchaikovsky. Recuperado de Wikicommons.
— Fotografía de Gustav Mahler. Recuperado de Biography.com.
— Fotografía de Leonard Bernstein. Recuperado de Biography.com.
— Fotografías de ensayo concierto 8. Alberto Díaz, 2025.
EQUIPO DE CREACIÓN Y DISEÑO PROGRAMA DE SALA
Creación, gestión y edición
Evelyn Aravena, Subdirectora de Comunicaciones
Francisca Vásquez, Subgerenta Comercial y Marketing
Diseño y diagramación
Ignacia Yávar, Jefa de Marca y Diseño
Isidora Nicolás, Coordinadora de Marca y Diseño
Belén Sabaté, Coordinadora de Marca y Diseño
Teatro Municipal de Santiago - Temporada 2025
INFORMACIONES
Plaza de Armas
Plaza de Armas
MONJITAS
Iglesia de San Agustín Catedral Metropolitana
HUÉRFANOS MERCED
Visítanos
Línea 1: Santa Lucía y Universidad de Chile
Línea 5: Bellas Artes y Plaza Armas
AGUSTINAS
Horarios:
Lun a Vie 6:00 a 23:00 hrs.
Sáb 6:30 a 23:00 hrs.
Dom 7:30 a 23:00 hrs.
• Calle Tenderini.
Basílica de la Merced
SANTA LUCÍA
CERRO SANTA LUCÍA
BOLETERÍAS
Teatro Municipal de Santiago
Agustinas 794, Santiago Centro
Horario de atención:
- Lunes a jueves: 10:00 a 18:00 hrs.
- Viernes: 10:00 a 17:00 hrs.
- Sábado y domingo: cerrado
EJECUTIVAS
• Patricia Durán Supervisora de puntos de ventas y atención a clientes
pduran@municipal.cl
+56 22 463 8803 / +56 9 9895 9070
• María Cecilia Urrutia Ejecutiva comercial
mariacecilia.urrutia@municipal.cl
+56 22 463 8807 / +56 9 4181 4210
• Brenda Ribal Ejecutiva comercial
bribal@municipal.cl
+56 22 463 8804 / +56 9 4181 3897
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