TBA - The Green Edition - Issue #01

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G R E E N

I S S U E

E D I T I O N

N ° 1

SPECIALE

W R O N G O N YO U S E M & S T È N N C O G I TO R OV E R E CA R A CA L M A CA S E M U R AT E S OV I E T S OV I E T T I N Y M OV I N G PA R T S T H R I C E M I C R OWAV E L I Z Z Y FA R R A L SIX IMPOSSIBLE THINGS DUTCH NAZARI COUNTERFEIT TOUCHÉ AMORÉ

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INTRO

LET’S SPEND SOME TIME FOREVER WE’LL NEVER FEEL BAD ANYMORE.

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INDICE

AUTUMN PLAYLIST | 4

RECENSIONI | 42

ITALIAN SCENE | 7 Wrongonyou, Sem&Stènn, Cogito, rovere, Cara Calma, Casemurate, soviet soviet.

PHOTO REPORT | 52 On tour with Six Impossible Things, Dutch Nazari, Tiny Moving Parts, Counterfeit, Touché Amoré.

TINY MOVING PARTS | 29

STAFF ACCESS - No Reason | 60

THRICE | 32

THROWBACK - TOUCHÉ AMORÉ | 63

MICROWAVE | 35

TO THE MOVIES, TO THE BOOKSTORE | 66

LIZZY FARRALL | 39

CALENDARIO TBA | 68

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AUTUMN Baby Metal Metal Galaxy – BMD Fox Records Dopo aver ascoltato il terzo album delle idol giapponesi che cantano in modo kawaii su melodie metal davvero pesanti, non si può fare altro che rimanere confusi. Rispetto ai lavori passati infatti, il sound varia di continuo, lasciando spazio a esperimenti rap, death metal e mettendo da parte il lato più pop del gruppo, che emerge solamente nel singolo Pa Pa Ya! Metal Galaxy è un album eclettico, che sembra quasi ambientato durante l’ultimo film di Godzilla, quando tutti i kaiju si risvegliano e imperversa una guerra terribile. (MP)

Bayside Interrobang – Hopeless Records Interrobang è un segno di punteggiatura nuovo, a metà tra il punto esclamativo e il punto di domanda che serve per intervenire in modo brusco con una domanda per così dire retorica. Interrobang, che segna i venti anni di carriera dei Bayside, è anche il loro disco più heavy e al tempo stesso più orecchiabile, grazie ai riff potenti e ai ritornelli melodici. Un lavoro eclettico e interessante musicalmente che non manca di trattare argomenti spinosi con un’incredibile schiettezza. (MR)

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Chris Farren Born Hot – Polyvinyl Continua il viaggio nell’onirico mondo folk rock di Chris Farren fatto di amore nel senso più zuccheroso (e tragico) del termine e di quella comicità disarmante che in effetti può appartenere solo a Chris Farren. Brani semplici dalle strutture minimali ma decorati con inserti elettronici ed elementi pop, che lasciano sempre che i testi, mai così ben scritti, stiano al centro di tutto. (MR)

DIIV Deceiver (Captured Tracks) Il nuovo disco dei DIIV, Deceiver, non è altro che è il tentativo del cantante Zachary Cole Smith di parlare apertamente del proprio passato e degli effetti che la sua dipendenza da droghe ha avuto sulle persone che vivevano a stretto contatto con lui. Tutto questo viene presentato dai DIIV con il loro album più corposo e maturo fino a oggi: il disco mantiene uno stile classico in termini di struttura delle canzoni, ma, con chitarre piene e atmosfere molto cupe, si allontana dal dreampop leggero con cui sono diventati famosi per abbracciare sonorità shoegaze più robuste con grande sicurezza e maturità. (ES)

Giallorenzo Milano Posto di Merda – Tempesta La provincia milanese è un posto magico dove non succede niente ma al tempo stesso succede tutto. Da queste premesse nasce Milano posto di merda, un album che trasuda spontaneità tra sonorità punk e lo-fi da camerata, in un mondo indie sempre più confezionato. Il disco è un atto d’amore verso una città in continuo cambiamento dove spesso chi non resta al passo è perduto. Proprio come Giallorenzo, personaggio trovato morto dopo due mesi dal decesso, nel palazzo milanese dove la band ha vissuto, e a cui è stato dedicato un album di storie metropolitane dove il diverso è considerato pazzo e fuori luogo. Un album provinciale, nella sua accezione migliore. (LA)

Kublai Khan Absolute – Rise Records A due anni dal devastante Nomad, i Kublai Khan tornano finalmente a raccontarci il mondo virulento nel quale viviamo attraverso ogni singola nota della loro nuova fatica discografica, il dieci tracce Absolute. Mentore moderno del metallic hardcore di fine anni ’90, il quartetto texano guidato da Matt Honeycutt non molla il colpo, anzi riunisce tutte le forze per sferzarci il volto con breakdown al rallentatore e 2-step di rara oscurità, proiettili musicali di grosso calibro sparati con decisione e nessuna remora. Ascoltare Us_Them e The Truest Love per credere. (LC)

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Nick Cave & The Bad Seeds Ghosteen – Bad Seed Ldt Se Skeleton tree parlava del dolore della perdita del figlio adolescente di Nick Cave, Ghosteen affronta l’elaborazione e le conseguenze di questo dolore e serve anche come mezzo per trovare un po’ di pace interiore.

Musicalmente, Ghosteen è un disco molto etereo – chitarre e batteria sono completamente assenti - ed è ricco di musiche rarefatte, immagini religiose e ballate minimali, come Sun Forest e Bright Horses, a cui si alternano brani spoken words. Può essere visto come la fine del percorso musicale iniziato con il disco precedente. (ES)

Stray From The Path Internal Atomics – UNFD Con quasi vent’anni di attività sulle spalle, gli Stray From The Path continuano a sbatterci in faccia le realtà di un mondo in frantumi, facendosi colonna sonora di una rivolta contro il sistema tutto, fonte di alienazione e diseguaglianze. Internal Atomics ci consegna il quartetto in piena forma, con un Reynolds sugli scudi dietro ai fusti e il solito Dijorio incazzato nero, con il suo cantato sospeso tra hip-hop e hardcore, catalizzatore di una rabbia che la band di Long Island ci spinge a portare nelle strade. Se una rivolta di piazza dovesse avere una colonna sonora beh, sarebbe senza dubbio quest’album. (LC)

The Lumineers III – Dualtone/Decca A tre anni dall’uscita di Cleopatra si sentiva il bisogno di avere del nuovo materiale dai The Lumineers, e il loro ritorno non ha deluso le aspettative.

Sempre coerente con il loro stile, III è un’opera divisa in tre capitoli, ognuno dei quali composto da tre canzoni, che racconta storie tormentate ispirate da esperienze che hanno segnato la vita del cantante. Il fulcro è la narrazione, resa estremamente efficace dalla struttura, dalla serie video uscita in contemporanea, dall’emotività che si ritrova nei testi profondi. (SC)

City And Colour A Pill For Loneliness – Still Records Un viaggio attraverso una crisi esistenziale e il senso di smarrimento che ne consegue. Questo è quello che Dallas Green ci propone nel suo sesto album come City and Colour, una serie di canzoni composte da testi estremamente tetri accompagnati da un sound figlio della costante ricerca di diversità ed evoluzione. (SC)

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DI MICHELA ROGNONI

Se siete dei millennial dediti alla filosofia del “Netflix and chill” probabilmente avrete già sentito parlare di Wrongonyou perché il suo brano Killer è stato inserito nella colonna sonora della controversa serie Baby.

E non è l’unico brano tratto dal primo disco Rebirth a essere scelto per colonne sonore, programmi TV e playlist.

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Rebirth è un disco solido e moderno che con le sue sonorità electro folk e l’aiuto della lingua inglese è riuscito a portare Wrongonyou non solo sui palchi italiani ma anche su quelli internazionali come il Primavera Sound e il South by Southwest.

Ma per Marco è arrivato il momento della svolta: il trasferimento a Milano e l’esigenza di utilizzare nei |

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testi la sua lingua madre portano alla realizzazione del secondo album Milano Parla Piano: “avevo bisogno di farlo per me stesso, per riconoscermi in quello che stavo facendo”. E il risultato infatti è un disco onesto e coerente con il passato dell’artista ma anche innovativo per il genere proprio per il suo essere cantato in lingua italiana.

ATLANTE

Il disco è ampiamente influenzato dalla riscoperta dei classici del cantautorato italiano, che Marco ammette di avere un po’ ignorato durante l’infanzia e l’adolescenza: “i classici italiani parlano della quotidianità della loro epoca e lo fanno nella semplicità di quattro accordi dando maggiore importanza ai testi, è da questo che mi sono lasciato ispirare”.

20/11 Locomotiv – Bologna 22/11 Mood – Cosenza 29/11 Viper – Firenze 30/11 Spazio221 – Torino 07/12 Officina degli Esordi – Bari 13/12 New Age Club – Treviso 14/12 Vox Club – Nonantola (MN) 13/02 Santeria Toscana 31 – Milano 29/02 Largo Venue – Roma

Come si può evincere dal titolo il rapporto con la città di Milano rimane sempre centrale nell’interezza del disco: “Milano parla piano è una richiesta che faccio a una città irrequieta e frenetica dove però c’è molto fermento. Ora mi trovo bene in città, è una comodità che prima non conoscevo e che mi ha stimolato a livello produttivo”.

Wrongonyou porterà il suo nuovo disco Milano Parla Piano in giro per l’Italia a partire dal 20 novembre.

Qui a lato le date del suo Atlante Tour.

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FOTOGRAFO DUILIO SCALICI MAKE UP ARTIST MARTINA CASSARINO OUTFIT FEDERICO CINA, MARIA LENTINI

DI ALESSANDRO MAININI

Estrosi ed estroversi sul palco, rilassati e amichevoli quando li incontriamo un sabato pomeriggio circondati dai gattini del Crazy Cat Café di Milano. Tra un brownie e un caffè, chiacchieriamo con Sem&Stènn per un’oretta buona mentre cerchiamo disperatamente di accattivarci le simpatie di qualche micio, con un risultati tutto sommato scarsi. Del duo siculo-lombardo si è detto molto, dalla loro presenza nel

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mondo LGBT alla loro partecipazione a X Factor, ma per questa volta preferiamo concentrarci principalmente sul tema portante della musica. Salvatore e Stefano ci raccontano quindi della sfida rappresentata dal nuovo album tutto in italiano, delle incomprensioni nate con una parte della stampa dopo l’album di debutto, e di come si sentano una band essenzialmente pop.

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– Sem è originario della Sicilia mentre Stènn è di Chiari, paese nel quale attualmente vivete. Come mai avete deciso di vivere “in provincia”? Che rapporto avete con la città di Milano?

rispettare i canoni prestabiliti. “Ok vabbè” è un’espressione leggera, che però rende bene l’idea di una sorta di menefreghismo verso le opinioni altrui. È questo il concetto principale che vorrei far passare.

Sem: In realtà all’inizio non è stata una nostra scelta, ma per una serie di circostanze ci siamo ritrovati a dover tornare per un attimo in provincia… dopodiché in realtà ci siamo resi conto che non era affatto male: lì abbiamo molto più spazio rispetto al nostro vecchio bilocale di Milano perché abitiamo in una vera e propria casa e abbiamo anche un giardinetto. Poi credo che dopo un po’ di tempo passato lontano si senta anche il bisogno fisiologico di tornare alle proprie radici, parlo soprattutto per lui. Restiamo comunque molto legati a Milano: quando ci chiedono di dove siamo come gruppo, rispondiamo sempre che siamo di Milano. E poi è una città in cui veniamo spesso.

– Oltre a Ok Vabbè state lavorando a un disco nuovo che sarà cantato in italiano a differenza del precedente Offbeat. Come si pone il nuovo singolo in relazione all’album? È una buona indicazione del sound che avete ricercato nel disco o il disco seguirà direzioni diverse?

Sem: Diciamo che noi non facciamo mai dischi dove tutte le tracce sono uguali e cambiano solo i titoli dei brani, che è una cosa che invece in Italia è abbastanza comune. Ogni pezzo sul disco ha una propria storia anche a livello di sound. Se il primo disco era una sorta di omaggio alle nostre radici, al synth-pop, al new age, complessivamente questo avrà sonorità molto più urban.

Stènn: A questo giro rispetto a Offbeat abbiamo cercato di guardare al futuro. [qui veniamo interrotti da un gattino che si infila sotto la sedia di Stènn, anche se poi non si fa prendere. Breve excursus sul gattino che ha rovinato con le unghie la sedia di Sem nella veranda di casa loro] L’idea del disco è quella di prendere ispirazione da quello che noi consideriamo il futuro della musica pop. Ci siamo rifatti a esponenti come Tove Lo, Charli XCX, Tommy Cash che per noi sono la direzione del futuro, che stanno creando qualcosa di nuovo.

– Credete che Milano in questo momento abbia qualcosa che altre città italiane non hanno? Che cosa le manca invece secondo voi?

Stènn: Milano è sicuramente speciale. È la città italiana più vicina al modello europeo, anche per tutto quello che riguarda la comunità LGBT, ambito in cui secondo me è due o tre passi avanti a tutte le altre. È anche per questo che qui ci continuiamo a sentire come a casa nonostante non sia più la nostra città di residenza. Viva Milano sempre!

Sem: Per quanto riguarda quello che le manca, direi che spesso le manca un po’ di umanità. Essendo una grande città in fin dei conti è anche normale, però venendo dalla Sicilia è una cosa di cui mi accorgo sempre. Ad esempio il video del nostro ultimo singolo Ok Vabbè l’abbiamo girato in Sicilia, e quando chiedevamo disponibilità alle persone si facevano avanti in mille per aiutare senza mai farti pesare nulla; qui invece ti chiedono i soldi anche solo se devi prendere in prestito una sedia. Su certe cose a volte è una città poco easy, molto competitiva.

– Secondo voi quindi come suonerà il pop del futuro?

Sem: In Italia secondo me il panorama è molto diverso rispetto al resto del mondo. All’estero hanno un po’ superato la fase della trap ed emergono tante cose diverse, vedi Billie Eilish con la sua immagine molto dark; in Italia stiamo ancora sguazzando fra la trap e l’indie. Con questo non sto dicendo che questi generi siano una cosa negativa, anche perché hanno dato la possibilità a tantissimi artisti ed etichette anche underground di farsi sentire, però poi come al solito appena si capisce che una cosa funziona, finiamo con il ripeterla fino allo sfinimento. L’indie stesso in Italia deriva molto dalla musica degli anni ’80.

Stènn: Credo che all’estero abbiano una visione del futuro più coraggiosa e sono molto più propensi a

– Visto che avete menzionato proprio il nuovo singolo Ok Vabbè, cosa sperate che chi ascolta la canzone faccia suo? Quale messaggio vorreste che le persone traessero dal brano?

Stènn: L’idea è un po’ quella di prendere alla leggera il fatto di essere considerati sbagliati o diversi, o non TBA

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mischiare cose diverse, anche incorporando suoni più aggressivi che in passato erano relegati a generi particolari.

– Com’è stato il passaggio della scrittura delle canzoni dall’inglese all’italiano? Credete che sia cambiato il vostro approccio alla composizione e ai testi?

– Ma voi rispetto alla scena indie come vi ponete? È un ambiente in cui vi piace essere inseriti o cercate di prenderne un po’ le distanze?

Sem: A livello di sound non credo che questo abbia influito: avevamo già di base l’idea di fare musica in italiano con un sound diverso e “futuro”. A livello di testi, il primo pezzo è stato traumatico perché ovviamente sono due lingue molto diverse. Però una volta sverginato il primo pezzo in realtà abbiamo notato che siamo ancora più stimolati.

Stènn: La cosa che ci aveva un po’ delusi dell’accoglienza del primo disco era stata proprio il fatto che nessuno avesse considerato i testi. Per noi invece erano una parte fondamentale dell’album, per cui è come se l’album fosse stato analizzato e capito solo a metà. C’è una sorta di esclusione, come se tu non fossi davvero parte del music business italiano se canti in inglese. Le prime recensioni di magazine importanti non entravano nemmeno nel merito, per cui era

Stènn: Mah, è un mondo dove ci inseriscono spesso, anche se secondo me in modo un po’ forzato. Ti dico, a me non dispiace essere inserito in questa corrente che secondo me ha tante ottime caratteristiche, però io di base mi sento pop. Non credo di sembrare Bjork o un qualcosa che sia per pochi: secondo me la musica che facciamo è potenzialmente accessibile per tutti.

Sem: Molti addetti ai lavori trattano i nostri pezzi un po’ come quelli di Bjork, cioè una cosa che non tutti possono capire. È un po’ il contrario di quello che succede di solito, quando l’artista cerca di essere quello un po’ alternative mentre le etichette lo vogliono pop. Noi siamo felicemente pop.

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una cosa molto limitante.

Sem: Anche perché per quanto riguarda noi, qui in Italia già a stento ci giudicano per il sound, perché la prima cosa su cui tutti si focalizzano è che siamo “la coppia gay”, persino nelle recensioni. Alcuni per questo motivo ci accostavano anche a Tiziano Ferro, che sinceramente non c’entra nulla. Quindi a questo giro volevamo essere ancora più diretti.

– Com’è il vostro rapporto con i live? Qual è il vostro punto di forza e in cosa dovete ancora migliorare secondo voi?

Sem: Il punto di forza è che nei nostri live c’è tanta performance fisica; è un aspetto che teniamo a mettere sempre in primo piano. Potremmo migliorare le produzioni degli show, però lì ovviamente ci vogliono i soldi!

– E al di fuori della musica, nel tempo libero che cosa vi piace fare? Come passate una serata-tipo quando siete in casa e quando uscite con gli amici?

Sem: In casa ultimamente ci stiamo sparando cinque puntate a sera di Versailles, la serie di Netflix. Poi io adoro cucinare qualsiasi cosa; faccio tanti primi, mentre Stènn fa i lavori scomodi come tagliare le cipolle. Adoro le cipolle; sono la base della mia cucina.

Stènn: Quando siamo in giro invece camminiamo tanto. Ci piace fare lunghissime passeggiate anche a Milano; di solito parcheggiamo la macchina da qualche parte e ce la facciamo a piedi a destra e a manca.

Sem: A Milano la nostra tappa fissa per beccare gli amici è il Rocket. Quando vivevamo in città uscivamo tutte le sere; ora invece veniamo a Milano in situazioni più mirate, soprattutto per concerti. Il prossimo è quello di Charlie XCX, ma andiamo spesso anche all’Ohibò per ascoltare qualcuno di nuovo e scoprire nuove situazioni. Ci piace molto scoprire gli artisti dal vivo: quando ci incuriosisce qualcuno e vediamo che c’è un suo concerto nei giorni successivi, ascoltiamo poche canzoni su Spotify e ci lasciamo sorprendere dalla resa dal vivo.

Sem: A fine novembre uscirà il nuovo singolo che vede un feat. con CRLN: non vediamo l’ora, anche perché con CRLN ci vogliamo molto bene, e poi è la nostra prima collaborazione con una donna finalmente, quindi si crea sul pezzo anche un contrasto di voci e di stili che spacca.

– Per concludere l’intervista, cosa c’è nel vostro futuro prossimo oltre al disco a cui state lavorando? Avete qualche singolo in uscita?

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DI MICHELA ROGNONI

Dall’underground veneto Cogito si fa strada nella scena musicale in un anno ricco di avvenimenti e di musica che culmina l’8 novembre con l’uscita del suo primo EP “Come Va?” fuori su UMA Records.

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– Abbiamo avuto il piacere di vederti dal vivo quest’estate in apertura ai Rovere, è stato un anno impegnativo per te, quali sono i traguardi di cui sei più orgoglioso?

dall’uscita e noi rispondiamo così: con la musica.

Il secondo è legato al fatto che una domanda così al giorno d’oggi sembra frivola, vogliamo che veramente le persone si prendano un momento per riflettere e si chiedano come va, cosa che è molto impegnativa al giorno d’oggi perché siamo distratti per la velocità con cui accadono le cose, per i ritmi frenetici che impone la vita di tutti i giorni. Il terzo motivo che è quello principale è legato al fatto che dentro ai miei testi si parli tanto di amore ed esperienze mie personali in cui però le persone si possono anche ritrovare e rispecchiare. Quindi è un po’ una domanda che faccio a me stesso “Come stai Cogito?” . Risponderò più avanti, non c’è fretta.

Sì è stato un anno molto produttivo e sono successe molte cose positive di cui neanche avevamo idea. Sinceramente non credo che ci siano dei traguardi di cui vado ‘’orgoglioso’’ perché con i traguardi che abbiamo raggiunto quest’anno l’orgoglio non c’entra molto (non vorrei sembrare troppo serio, è solo che non credo di poter mettere smile e risate ma immaginatemi con il sorriso mentre leggete queste risposte). I live sono senza ombra di dubbio la cosa che ci ha regalato più emozioni. A Milano siamo stati veramente bene e per noi che siamo di Venezia, venire a suonare a Milano è davvero un piccolo sogno che si avvera.

Speriamo capiti ancora e ancora. A mente lucida la cosa che più mi ha reso felice è stato il concerto che abbiamo fatto in casa qui nel festival di paese che abbiamo. Sono salito sul palco e avevamo circa 400 persone davanti, tutte per noi. Mi sono sentito bene e ho pensato: “La gente ci crede, noi della crew ci crediamo, dobbiamo dare il massimo e non mollare mai.’’

Mi ha messo una carica incredibile anche essere andato al Miami Festival da spettatore, ancora prima del concerto di Milano, e sotto al palco essere stato fermato da un ragazzo che mi ha detto ‘’Ei ma tu sei Cogito?!‘’. Ok allora sta succedendo qualcosa. Per noi che siamo emergenti anche piccoli gesti come questo significano tantissimo.

– In realtà l’EP raccoglie i brani che ci hai già fatto ascoltare più un inedito, questa scelta quanto è legata alle modalità di fruizione moderne della musica? Un singolo cattura molta più attenzione di un intero album?

Domanda difficile (sto ridendo). Questa scelta è molto legata sia all’aspetto della fruizione moderna della musica sia al fatto che quando sei un artista emergente le cose cambiano in continuazione mese dopo mese. Per quest’ultimo motivo abbiamo scelto quindi di procedere passo a passo ed ecco perché l’EP. Non vogliamo strafare e vogliamo sempre dare il massimo e nel miglior modo possibile. In più quando sei emergente non hai quell’attesa che c’è come per i big nell’uscita di un album. Gli ascoltatori hanno bisogno di scoprirti un po’ alla volta. Questa scelta combacia molto bene con il modo di ascoltare oggi la musica. Rapido e forse a volte distratto. Il nostro EP si ascolta nel tempo di una doccia, un allenamento, un tragitto in macchina per andare a lavoro o a studiare. Non per questo però non può lasciare un segno in chi lo ascolta.

Credo che un intero album abbia comunque molta più attenzione di un singolo. Pensiamo solamente a tutta l’idea, la concezione del progetto artistico e la promo. Con un singolo hanno un peso molto più piccolo rispetto ad un Album. L’Album è anche molto più rappresentativo, nella sua forma trovi tutti i lati dell’artista. Un album in più ha la forza di rimanere nel tempo. Rimanere davvero. Mentre scrivo sto ascoltando ‘’Hyperview’’ un album del 2015 dei Title Fight un gruppo punk. Ho scelto di ascoltare un album non un singolo così a caso. Esempio più attua-

– Stai per pubblicare il tuo primo EP, “Come Va?”, ti piacerebbe parlarcene un po’?

Il mio primo EP ‘’Come va?’’ uscirà l’8 Novembre ed è interamente prodotto da J Milli. Ci tengo molto a citarlo perché è parte fondamentale del progetto, non un producer da cui semplicemente mi faccio produrre dei beat. È la chiusura di un cerchio. Un anno di vita del progetto partendo con l’uscita del primo singolo fino ad oggi. Un anno come avete detto voi dove son successe molte cose. Un anno a cui abbiamo sentito il bisogno di dare una specie di contenitore che è in questo caso l’EP. Il fatto che si intitoli ‘’Come va?’’ ha principalmente tre motivi. Il primo è come se fosse una persona esterna, tipo mia nonna che ogni volta mi chiede ‘’Come va con il complesso’’ e mi cita Gianni Morandi, a chiederci come stiamo dopo un anno TBA

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le è ‘’Persona’’ di Marracash. Dopo tre anni di stop è uscito con un Album, importante e pieno di contenuto, non un singolo.

Questo rapporto tra base e testo è anche dato dal rapporto umano che abbiamo io e J Milli. Prima di tutto siamo amici e quindi non è distaccato il nostro approccio. Non è lui che fa il beat e poi io ci scrivo sopra e finisce lì ma anzi interagiamo molto quando produciamo una canzone, come se fossimo una band in sala prove. Niente di più e niente di meno. Stiamo spesso insieme sia in giornate grigie bevendo un tè sia quando è il momento di bere una birra e farsi due risate.

Non manca però lo spazio per la nostra intimità personale come artisti e quindi si crea un bell’equilibrio tra lo stare insieme e da soli, tra essere una band ed essere singoli artisti. Questo probabilmente è dato dal fatto che entrambi veniamo da esperienze con una full band, lui tutt’ora suona in un gruppo, e quindi abbiamo una visione diversa magari da chi nasce direttamente rapper e rappa sopra i beat. Ci troviamo bene così.

– La cosa che sicuramente colpisce è il contrasto tra le parti strumentali di J Milli e i testi...

Questa è una cosa che ci piace molto. Caratterizza molto questo EP perché c’è un continuo contrasto tra spensieratezza e malinconia. Questo è un contrasto molto presente quando è passato un po’ di tempo usciti da una relazione perché hai sia voglia di quella forza per guardare avanti che anche la malinconia di riprenderti tutto quello che c’era e che hai perso. È anche la rappresentazione dei nostri caratteri personali. Cerchiamo sempre di essere molto sorridenti e facciamo spesso e volentieri gli scemi ma non per questo vuol dire che dentro stiamo sempre bene.

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– È evidente anche l’importanza che hanno i Social network nella narrazione, il che rappresenta perfettamente la tua età e l’epoca in cui stiamo vivendo, vuoi parlarmene un po’?

ni emerge anche il fattore Social Network. Il titolo ‘’Come va?’’ è infatti anche una provocazione da questo punto di vista. È una domanda a cui tendenzialmente facciamo molta fatica a rispondere e se rispondiamo lo facciamo di fretta. Sembra che non ci sia mai il tempo per fermarsi e riflettere. Ci rifugiamo dietro ad uno schermo perché tanto poi sia che ci stia scendendo una lacrima o scappando un sorriso nessuno lo vede e la risposta alla fine è sempre la stessa: tutto bene. Credo che non sia il tempo che manca ma che manchi a volte il coraggio. Io stesso ho molta paura.

Io stesso come tutte le persone che ascoltano e ascolteranno le nostre canzoni.

Per rispondere a questa domanda inizio citando Rudy Bandiera, un esperto di marketing e comunicazione, che in un TEDx a Bologna dice ‘’Noi non ANDIAMO online, noi SIAMO online’’. Questo per dire che rappresenta molto la mia età ma non solo perché ormai come dite voi, è una cosa di tutti, riguarda quest’epoca. Ecco siccome io parlo molto di quotidianità e nei testi si trovano riferimenti alla vita di tutti i gior-

Questo EP è per tutti.

La musica è di tutti.

Cogito Come Va? – UMA Records “Come va” è una di quelle frasi che quasi danno fastidio quando le sentiamo pronunciare.

Spesso sono sinonimo di indifferenza e di poco interesse sul nostro effettivo benessere. Cogito ce lo chiede con il titolo del suo primo EP e il significato è proprio questo: una domanda frivola che ai tempi dei social network ha perso potere, rispondiamo quasi sempre “bene” senza neanche pensarci troppo. I testi mixano felicità e malinconia, un sentimento che conosciamo sin troppo bene e che sono il simbolo perfetto di questa generazione. Cinque brani, quattro già usciti in precedenza, più l’inedito “Portiera” che forse è il pezzo forte dell’album, adatto ad una serata tornando a casa con le cuffie (o le Airpods, come preferite) alle orecchie. (LA)

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FOTO DI ILENIA TRAMENTOZZI

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Tra un piatto di tortellini e una lasagna al ragù, nell’ultimo anno i bolognesi rovere si sono fatti largo nella scena itpop, riuscendo a conquistarsi una cospicua dose di fan. A marzo è uscito l’album di debutto, dal titolo disponibile anche in mogano, seguito poi dall’inaspettato EP ultima stagione, con il quale è stato lanciato il nuovo tour invernale.

Ci siamo fatte raccontare da loro come sono andati questi mesi.

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– Eravamo alla data di Milano del vostro tour estivo, che è stato una bomba: quali erano le vostre aspettative prima che iniziasse il tour e siete riusciti a soddisfarle?

21/11 Largo Venue – Roma 22/11 Smav – Santa Maria a Vico (CE) 23/11 The Alibi – Foggia 28/11 Magazzini Generali – Milano 30/11 The Cage – Livorno 07/12 Vidia Club – Cesena 11/12 Sanbapolis – Trento 12/12 Hiroshima Mon Amour – Torino 14/12 Mamamia – Senigallia 20/12 Hall – Padova 21/12 Locomotiv – Bologna

Grazie mille! Siamo andati ben oltre le nostre aspettative, perché erano nulle! Non avevamo mai fatto un tour, non avevamo mai fatto così tanti concerti vicini tra loro, girando l’Italia così tanto. A dirla tutta non avevamo praticamente proprio mai fatto concerti.

Volevamo goderci il momento, cercare di fare il meglio possibile e divertirci.. e l’abbiamo fatto! Abbiamo vissuto e scoperto tantissime cose che ci porteremo dietro a lungo. Ecco, forse questo più di quanto ci aspettassimo.

– Avete appena pubblicato il vostro EP “ultima stagione”, era materiale che avevate già prodotto insieme a “disponibile anche in mogano” o è stato creato successivamente? E come mai la scelta di rilasciarlo a così poca distanza?

Durante il tour estivo volevamo scrivere una canzone, qualcosa che vivesse in quel momento, fatta anche un po’ di fretta, nei buchi tra una data e l’altra, così che fosse più vera. Alla fine sono uscite tre canzoni, non una, e abbiamo deciso di farle uscire tutte insieme in quanto, appunto, figlie del momento, di quello che stavamo scoprendo e cambiando. Oltretutto, da un punto di vista meramente tecnico, siamo una band giovane, penso sia importante tenere vivo lo spirito, sia nostro che del nostro pubblico, farsi sentire presenti da entrambe le parti. Chiaramente sono tre canzoni che fanno ancora parte di “disponibile anche in mogano”, infatti vanno un po’ a chiuderlo. Per questo il titolo “ultima stagione”. Le sonorità sono magari maturate ed evolute, ma siamo sempre i rovere di questo momento. In futuro chissà cosa succederà. Ci serve un po’ di tempo per lasciare fermentare ciò che abbiamo appreso durante queste primissime esperienze per noi.

di vista: siamo felici-tristi. Non so se sia un problema o una forza, ma involontariamente finisce che pur volendo scrivere canzoni che facciano cantare, saltare e ballare, alla fine i testi ci escono così. Ci piace.

– In “ultima stagione” avete sfoderato tutto il vostro lato nerd, nonostante si parli principalmente di storie d’amore, con un sentimento di sottofondo piuttosto nostalgico, come riuscite a far conciliare tutti questi aspetti scrivendo?

Il nostro lato nerd è ancora all’1%! Diciamo che ispirandoci al mondo delle serie TV non ci è venuto difficile. L’agrodolce è il pane quotidiano di Netflix.

– Parlando della seconda canzone dell’EP, qual è la cosa che vi ha deluso di più del finale di Game of Thrones?

Tutto. Si salva solo la fotografia e qualche scena epica qua e la. Forse se dobbiamo proprio accanirci, Daenerys.

– I brani dell’EP sembrano allegri all’apparenza, ma c’è sempre una vena malinconica che si trova spesso nelle vostre canzoni…

– “Ma la bici che è sempre più sgonfia”, “Ho la macchina senza più freni”: da queste due citazioni da “stupido clark kent” e dai vostri post sui social abbiamo notato che non avete molta for-

Noi siamo un po’ fatti così. Apparentemente siamo allegri, scherziamo e sorridiamo, ma lo sguardo a volte si perde un po’. Ci troviamo molto da questo punto TBA

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tuna con i mezzi di trasporto, come pensate di uscire da questa maledizione?

soprattutto per gli artisti emergenti?

Determinate playlist editoriali di Spotify come Indie Italia hanno il potere di farti scoprire parecchio. Devi riuscire a “scalare la classifica” e arrivare in alto alla playlist per sentire effetti enormi, ma comunque è molto utile. Purtroppo e per fortuna, la canzone in questione deve riuscire a conquistare il pubblico abbastanza da rimanere ancorata in playlist. Ci son stati dei periodi per “tadb” in cui una percentuale veramente grande di ascolti arrivava dalla playlist.

Purtroppo non ne abbiamo idea, abbiamo già rotto 3 furgoni in una sola estate. Ormai ci ridiamo sopra e quasi ci diverte la cosa. Anche da casa, tramite Instagram, diamo la possibilità al nostro pubblico di seguire le nostre disavventure.

– Arriviamo a un argomento dal quale immagino non possiate mai scappare: è risaputo che Nelson sia uno YouTuber, questo vi mette in una situazione certamente di maggiore visibilità, ma al tempo stesso vi espone molto di più a un certo tipo di critiche gratuite. Avevamo affrontato nel nostro progetto precedente questo discorso con gli As It Is, che hanno una storia simile alla vostra.

Sembra che a voi questa situazione non sia mai pesata più di tanto, come la gestite?

– Dopo il tour estivo avete già annunciato le date invernali per promuovere questo EP, che segnano per voi un altro traguardo. Pensando al fatto che i vostri primi live risalgono a poco più di un anno fa, vi aspettavate di fare così tante cose e di ricevere il feedback che avete ricevuto?

Assolutamente no, per noi è pazzesco. Sono pazzesche sia l’idea di suonare in posti come i Magazzini Generali e il Locomotiv, sia l’idea che queste date 1/2 mesi prima siano già sold out.

Già quest’estate abbiamo avuto delle soddisfazioni enormi, come ad esempio la serata al Biografilm festival di Bologna, dove mai mai mai avremmo pensato di suonare. Ora chiudiamo proprio in bellezza, siamo contentissimi e speriamo di regalare a chi ha deciso di spendere i propri soldi per sentirci, una serata all’altezza delle aspettative. Continuiamo a goderci quello che ci sta succedendo, con la carica e la voglia di fare di sempre.

Ogni tanto qualche critica superficiale sulla questione arriva, ad esempio qualcuno che sceglie a priori di non dare una chance all’ascolto, demonizzandoci perché abbiamo uno YouYuber come cantante. Questo però per fortuna succede poco e sempre meno.

Quello che cerchiamo di fare è differenziare il pubblico il più possibile. Proviamo infatti ad arrivare alla gente sfruttando anche altri metodi, così che YouTube sia secondario. Per fare un esempio le playlist di Spotify ci hanno aiutato molto, come anche aprire il tour dei Pinguini Tattici Nucleari. Detto questo, cerchiamo invece a favore della band, di sfruttare YouTube non come “trampolino”, ma come mezzo per chi arriva appunto da altri luoghi per conoscerci meglio, tramite i vlog. Certamente il nostro uso dei social è massiccio, rispetto ad altri artisti, un po’ per deformazione professionale, un po’ perché ci piace rendere il nostro pubblico partecipe di tutto.

Tornando alle critiche, chiaro è che se un ascoltatore arriva dal pubblico di Nels su YouTube, rimane solamente se gli piacciono le canzoni. Anzi, rischia di arrivare pronto a criticare “l’invasione di un altro media”, quindi a maggior ragione bisogna proprio conquistarlo… e a quel punto poco importa da dove arriva.

4/5

Tre tracce dal sound vivace, ma con testi romanticamente malinconici. Con ultima stagione i rovere chiudono il ciclo di “disponibile anche in mogano”, ricalcandone i temi, ma con nuove sfumature.

– Siete finiti su un po’ di playlist di Spotify come per esempio Indie Italia, quanto è significativo secondo voi essere inseriti in playlist importanti, TBA

rovere ultima stagione – Sony

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FOTO E TESTO DI DENISE PEDICILLO

I Cara Calma sono un quartetto bresciano che sgomita nel panorama indie/rock odierno. L’esperienza passata con i diversi progetti ha permesso loro di fare la famosa gavetta e di girare all’interno e fuori dai confini italiani. Macinano chilometri dentro a furgoni e ti urlano in faccia quello che non vorresti mai sentirti dire e con il loro secondo album “Souvenir” sembrano non avere intenzione di abbassare il volume.

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insieme, dopo tutti i nostri progetti precedenti, con la voglia di esprimerci in italiano, per cercare di essere più precisi e immediati nel raccontare quello che sentivamo. Per quanto riguarda il rock invece è stata una scelta obbligata, era l’unico genere che ci rappresentasse perché il denominatore comune di tutti i nostri ascolti precedenti, dei generi che suonavamo prima, era proprio quello.

– Vi siete formati abbastanza recentemente, nel 2016, e in questi tre anni avete già fatto uscire due album, avete girato l’Italia per suonare e avete aperto ad artisti importanti. Come vi sentite?

Ci sentiamo bene, stiamo vivendo un momento molto felice della nostra carriera e non possiamo che esserne contenti. In poco più di due anni abbiamo pubblicato due dischi e siamo continuamente in tour quindi direi che non potremmo essere più felici di così.

– Abbiamo detto che venite quasi tutti da background più metal dove i testi erano in inglese.

Come mai avete deciso di ritornare a scrivere nella vostra lingua madre? Pensate che l’italiano possa aiutarvi a esprimere meglio quello che volete dire nelle vostre canzoni?

– Venite quasi tutti da un background molto diverso rispetto al genere che suonate ora. Come e quando avete capito che dovevate/volevate cambiare direzione?

L’italiano è un terreno minato, ma è il modo più chiaro e trasparente che abbiamo per interfacciarci con il mondo. Abbiamo preso questa decisione grazie

Non c’è stata una vera e propria decisione, è avvenuto tutto in modo molto spontaneo. Ci siamo ritrovati

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all’urgenza espressiva che avevamo nel voler comunicare qualcosa che tutti potessero capire. Non è stato un passaggio facile, soprattutto perché è stata la prima volta in cui abbiamo provato a scrivere nella nostra lingua madre, ma è stata senza dubbio la scelta migliore.

questo tipo di collaborazione che abbiamo accettato e apprezzato a braccia aperte!

– L’album è stato prodotto da Karim Qqru (The Zen Circus), proprio come il precedente. Com’è nato questo incontro artistico? E com’è stato lavorare di nuovo con lui?

– “Sulle Punte Per Sembrare Grandi” è il vostro primo album. Cosa è rimasto uguale e cosa è cambiato da allora?

Karim è una persona stupenda, oltre che un musicista di grande cultura. Sicuramente il suo apporto alla produzione dei due album è stato decisivo. Decidemmo di scrivergli poco prima delle sessioni di registrazione di “Sulle Punte” e dopo aver ascoltato i nostri provini decise di lavorare con noi. Ci siamo trovati bene dal primo giorno ed abbiamo instaurato un bellissimo rapporto umano oltre che lavorativo, di conseguenza un anno dopo abbiamo deciso di lavorare di nuovo insieme per “Souvenir”.

È passato poco più di un anno e mezzo dall’uscita del nostro primo disco, ma da allora abbiamo vissuto tantissime esperienze che ci hanno fatto crescere sia personalmente che musicalmente. Siamo stati in tour per un anno intero, abbiamo conosciuto un sacco di persone fantastiche ed imparato a conoscere meglio noi stessi. Sono cambiate molte cose, ma la voglia di starcene su si un palco non cambierà mai.

– A tutti quelli che dicono che i Cara Calma sono il figlio dell’unione di Ministri e Fast Animals and Slow Kids, cosa rispondete? Questo paragone vi sta stretto o lo accettate?

– A un anno di distanza dal vostro album di esordio, è uscito lo scorso 8 marzo il vostro album “Souvenir”. I souvenir di solito sono un oggetto che servono a ricorrere quindi voi cosa volevate ricordare?

Siamo sicuramente onorati di essere paragonati a due band del calibro di Ministri e Fask, due gruppi che secondo noi hanno saputo lasciare il segno nella scena rock italiana. Ci viene mossa spesso come una critica ma sinceramente noi la prendiamo come un complimento.

Vogliamo ricordarci di questi momenti quando tra qualche anno ci guarderemo indietro. Vogliamo ricordarci di noi, della felicità che stiamo vivendo e di tutti gli amici che abbiamo conosciuto lungo la strada in questo viaggio bellissimo. Souvenir è una raccolta di tutte queste cose che abbiamo impacchettato e spedito ai Cara Calma del futuro.

– Avete da poco finito il tour estivo e state per iniziare quello invernale. Raccontateci un aneddoto simpatico successo in tour (se non ne avete allora il vostro miglior ricordo).

– “Souvenir”, come anche l’album precedentemente, vede alcune collaborazioni. Come avete convinto Luca Romagnoli (Management) e Ivo Bucci (Voina) a far parte delle canzoni dei Cara Calma?

Sicuramente di aneddoti divertenti o semplicemente particolari ce ne sarebbero parecchi, ma se devo pensare ad una scena che mi ricorderò per molto tempo scelgo sicuramente quella successa a cena, prima di suonare alla festa della birra di san Claudio, nelle Marche, con punkreas. Siamo a cena e Paletta decide di sedersi con noi, comincia a parlare e raccontare episodi da piegarsi in due dal ridere (un maestro in questo). Ad un certo punto il discorso si fa più serio ma nella mia mente torna un’immagine di uno dei racconti precedenti e non riesco a trattenermi dal ridere, peccato che avessi la bocca piena di vino rosso e non abbia potuto fare altro che sputargli tutta la

Con Ivo è stato amore a primo bicchiere diciamo.

Ci siamo incontrati ad un nostro concerto a Viterbo e da lì è nata una bella amicizia e la promessa di una sua collaborazione nel nostro disco, siamo molto contenti di come ha lavorato e crediamo che “Otto ore” sia stata abbellita e caratterizzata anche dalla sua presenza. Luca è stato un’idea di Karim, il nostro produttore; ha sentito fin da subito un’affinità tra la voce di Luca e la nostra “Universo” consigliandoci

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sorsata in faccia, lavandolo completamente. La cosa più assurda è che lui, impassibile ha continuato il discorso come se niente fosse dicendo semplicemente “mi succede tutte le volte”. Ridiamo ancora ora di quell’episodio.

15/11 Spazio23 – Gallarate (VA) 23/11 Fabrik – Cagliari 06/12 Circolo Ohibò – Milano

– Consigliateci la canzone con cui siete in fissa ultimamente.

14/12 Vecchia Scuola – Fiorenzuola D’Adda (PC)

Se devo pensare ad una canzone che ci accompagna in ogni viaggio dico sicuramente “Rivers And Roads dei The Head And The Heart”, un pezzo che che è un inno alla fratellanza e alla nostalgia per le persone incontrate lungo il percorso di ognuno di noi.

11/01 Bradipop – Rimini 17/01 Edelweiss – San Benedetto del Tronto (AP) 24/01 Officina Klee – Cavriglia (AR) 25/01 Suburbia – Cuneo

I Cara Calma calcheranno diversi palchi italiani con il loro Souvenir - Tour Invernale. Qui a lato le prossime date.

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08/02 Mercato Nuovo – Taranto

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DI DENISE PEDICILLO

Casemurate è il nuovo progetto di casa V4V che nasce dalle pianure stagnanti dell’Emilia.

Le sonorità che seguono l’ondata beats lo-fi e emo-trap dell’ultimo periodo, si accompagnano a testi emozionali. Abbiamo raggiunto Francesco Galavotti per parlare di questo suo nuovo progetto e del singolo di debutto ‘Miseria’ per capire cosa si cela tra quelle mura.

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evocava il pezzo e siamo approdati alla fotografia di Todd Hido (House Hunting) e agli scatti di Gregory Crewdson. Infine, sembra sciocco, ma io sono nato e cresciuto a Casinalbo. Così si è chiuso un cerchio, al plurale.

– Hai da sempre fatto musica e hai avuto diversi progetti e tutti seguendo un genere diverso. Come mai questa scelta di approdare all’emo-trap?

– Hai recentemente annunciato un nuovo progetto dal nome Casemurate. Parlacene un po’: quando e come è nato?

Casemurate è nato idealmente un anno fa proprio con Miseria, un brano che non trovava collocazione in nessuno dei miei progetti precedenti. Ho sentito subito una stretta allo stomaco, quel misto di eccitazione e paura di affrontare il nuovo. Da lì in poi proseguire è stato piuttosto naturale e assolutamente liberatorio.

Il fil rouge è sempre stato quello dello sfogo, più o meno rassegnato, e dal processo di autoanalisi che ne deriva. Una rabbia che ho urlato e che ho accompagnato con accondiscendenza fino ad oggi. Il centro di tutto è sempre stata l’emotività e la chitarra che è anche l’unico strumento che bene o male so suonare.

Poi è arrivata la passione per l’elettronica e l’hip hop quattro o cinque anni fa, l’una per la composizione e l’altro per la scrittura, mi hanno fatto pensare che la musica possa essere vista da altre angolazioni, creativamente parlando. Ho pubblicato un primo tentativo ormai tre anni fa e ho continuato a produrre tra le quattro mura di casa, condividendo il tutto con pochi amici.

– Tu vieni dall’Emilia Romagna e Casemurate è anche una frazione di Forlì-Cesena. C’è un nesso tra le due cose?

Casemurate all’inizio era “Casamurata”, il trigger principale è stato un manga di Junji Ito, tratto dalla raccolta Lovesick Dead, in cui una casa dalle finestre completamente murate fa da sfondo a vicende macabre. Ero incerto sul nome, continuavo a procrastinare, poi ho collegato un po’ di punti. Il testo di Miseria parla tanto della casa, inteso come contenitore di ricordi - fantasmi che non trovano espiazione. In quel periodo inoltre io e il mio amico Andrea (Out Stack Records) stavamo ragionando sulle immagini che

– Il brano d’esordio, “Miseria”, esce per V4V. Come è nato? Hai da subito capito che sarebbe stato un brano beats-lofi o è stata un’evoluzione graduale?

Il brano nasce banalmente, come spesso accade. Mi succede qualcosa che non riesco a tenere dentro e lo scrivo senza tante pretese, poi lo guardo da lontano e a lungo. Questo è il grosso del lavoro e in questo mi ha affiancato tantissimo l’amico Luca (LucaBi audio) e le sere passate in studio a costruire gradualmente beat, scambiarci idee, bere e registrare.

– Hai trovato difficoltà o differenze nel lavorare in questo nuovo panorama? Se si, quali?

Non direi. Mi sento solo grato di poter fare questo e farlo ascoltare in giro, niente di più.

– Hai già altro materiale pronto? Il 2020 sarà l’anno di Casemurate?

Ci sono canzoni che ogni giorno ribalto come un calzino, non so se quando le ascolterete saranno le stesse, ma ci sono.

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D I SA R A CAVA Z Z I N I

Con i loro suoni ricercati, ibridi tra veloci e delicati, non limitabili a solo uno tra i generi alternative, wave e post-punk, e l’immediatezza che li caratterizza, i Soviet Soviet sono considerati da anni una delle band italiane piÚ valide in circolazione.

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I TA L I A N S C E N E

in Sud America, prima del quale, ad agosto, hanno pubblicato l’EP di b-side Ghost. I tre brani che lo compongono erano già pronti per il loro ultimo disco Endless (2016) ed erano stati gli unici a esserne rimasti fuori, quindi avendoli già nel cassetto sono stati pubblicati ora proprio per aver nuovo materiale da portare ai fan in Sud America, un regalo per loro.

Li incontro a Milano a metà ottobre prima del loro show al Circolo Ohibò, una delle loro rare date in Italia. Da questo punto parte una delle prime riflessioni che faccio insieme alla band, il fatto è che, generalizzando, le band italiane di norma puntano molto al successo in patria e poi eventualmente all’oltrepassarne i confini, mentre per loro sembrerebbe sia quasi più facile suonare all’estero. Mi spiegano che per loro è ormai abbastanza normale andare fuori ed è anche molto gratificante, al tempo stesso a loro piacerebbe poter replicare allo stesso modo in Italia, dove però il panorama musicale è legato a dei meccanismi un po’ strani: “per esempio, ieri a Bologna i Pixies erano sold out, vuol dire che la gente è andata a vederli. Ora non vogliamo assolutamente paragonarci ai Pixies, che sono una band enorme, però non sono una band che fa pop, rap o trap in italiano. Quelli che sono andati a vedere i Pixies hanno un certo tipo di gusto musicale e ascoltano anche quella faccia della medaglia, quindi è molto difficile per me capire perché ci siano scenari così sproporzionati”.

Pensando che il loro ultimo disco risale al 2016, sorge spontanea la domanda riguardante del possibile nuovo materiale in produzione, visti anche i ritmi a cui si muove al giorno d’oggi l’industria musicale. “Non abbiamo un tipo di progettualità per il quale definiamo quando fermarci e scrivere. Semplicemente ora non abbiamo un nuovo disco pronto, perché fino ad adesso siamo sempre stati in tour, quindi ora che abbiamo finito vedremo quando avremo modo di lavorare a del nuovo materiale” mi dicono. “Non abbiamo pensato prima al fatto che avendo questo EP appena pubblicato avremmo potuto continuare ancora con qualche tour, portare avanti in questo modo la promozione di quei tre pezzi, mi ci abbiamo pensato solo pochi giorni fa purtroppo”.

C L I C C A S U L L’ I M M AG I N E Q U I A L AT O P E R A S C O LTA R E I L D I S C O.

Il trio di Pesaro è da poco tornato dal suo ultimo tour

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D I SA R A CAVA Z Z I N I

In occasione dell’uscita di Breathe, i Tiny Moving Parts hanno fatto tappa a Bologna, per suonare il nuovo album davanti al malinconico pubblico del Locomotiv.

Non potevamo perderci una data tanto carica di emozioni e cosĂŹ ne abbiamo approfittato per avventurarci in un road trip che ci ha condotto dritte da Dylan Mattheisen, con il quale abbiamo scambiato qualche parola.

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T I N Y M OV I N G PA R T S

– Siete una band da quasi dieci anni e Breathe è il vostro quinto album, ma è un po’ come se il tempo fosse volato...

“sto sprecando il mio tempo scrivendo musica? Dovrei star facendo altro nella mia vita? Essere arrivato a un altro punto?”. Ovviamente la situazione è diversa in base alla persona, ma credo che tutti se lo chiedano; è una razionalizzazione del fatto che non c’è davvero una risposta a queste domande, dobbiamo solo seguire il nostro istinto e fare quello che pensiamo ci renda più felici.

Vero! Ma non ci pensiamo poi così tanto. Scriviamo musica, andiamo in tour, scriviamo musica, andiamo in tour e continuiamo a divertirci come all’inizio. Ci annoiamo facilmente a casa, quindi ci piace passare quanto più tempo possibile in tour!

– Ci sono canzoni del nuovo disco delle quali sei più orgoglioso?

– Invecchiare è uno dei temi principali di Breathe, come lo è diventato?

È difficile da dire perché abbiamo scritto così tante canzoni per questo disco! Ne abbiamo lasciate fuori una decina, quindi quelle che ci sono, sono ovvia-

Penso che crescendo si inizi a pensare un po’ troppo a tutto, anche alle più piccole cose. Si inizia a pensare TBA

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T I N Y M OV I N G PA R T S

mente le canzoni delle quali siamo davvero felici. Di Medicine, che è stata anche il primo singolo, siamo molto orgogliosi: siamo andati in studio con un produttore nuovo, che non avevamo mai incontrato prima, John Fields, che si è rivelato essere una persona fantastica, abbiamo iniziato a lavorare a nuove idee e alla fine è una delle mie canzoni preferite dell’album.

in qualsiasi situazione, aiuta davvero molto. Volevamo che la copertina fosse molto pacifica e carina.

Matt ha fatto l’artwork, gli abbiamo lasciato tutta la parte creativa, noi amiamo la natura e lui ha fatto un ottimo lavoro.

– Sulla strada verso il vostro concerto abbiamo ascoltato la vostra playlist Party Zone e abbiamo solo una domanda a riguardo: perché non c’è Wannabe delle Spice Girls.

– Medicine, come anche in generale il disco, cerca di trovare il risvolto positivo di tutte le cose che ci troviamo ad affrontare, come la perdita di qualcuno. Avete parlato molto della paura di morire e cose simili nei dischi precedenti, ma per la prima volta affrontate questi temi in questo senso.

(ride tantissimo) Non abbiamo messo le Spice Girls?

Sono sorpreso che non ci siano, pensavo di si! Ascoltiamo spessissimo le Spice Girls, insieme a Britney Spears, ‘Nsync, Backstreet Boys e tutte quelle cose lì, quelli sono proprio i classici, avremmo davvero dovuto metterli. Magari faremo una Party Zone 2 solo per mettere loro, sarebbe fantastico.

Sì. (pausa infinita e risate) Si ricollega anche alla questione del crescere, assicurarsi di utilizzare il proprio tempo facendo quel che è giusto per gli altri e per se stessi. La paura di morire o di perdere tempo o di non apprezzare le cose sono effettivamente tra i fattori che hanno influenzato maggiormente la scrittura del disco.

TINY MOVING PARTS

– Avete ri-registrato e pubblicato For The Sake Of Brevity, come mai? Siete contenti del risultato?

Sì, lo siamo. È stato un esperimento divertente, perché è una delle prime canzoni che abbiamo scritto come band, avevo probabilmente 17 anni e ora ne ho 28, quindi sono passati 11 anni, ed è stata la canzone che abbiamo suonato a ogni show per anni, è un po’ come se fosse il nostro inno, l’highlight della serata.

Volevamo dargli una seconda possibilità, perché non era stata registrata così bene, e magari anche questo fa parte della magia che ha e del perché le persone ci si sono affezionate, ma volevamo farlo ed è andata bene, siamo stati tutti molto soddisfatti. Eravamo anche un po’ preoccupati che le persone iniziassero a dire “la versione vecchia era meglio”, ma per quanto abbiamo visto nessuno se n’è lamentato, quindi bene.

ALBUM 2019 Oso Oso Basking in the Glow

– Il titolo e la copertina del disco sembrano essere un riferimento alla natura, cosa ha ispirato questa parte più visiva del vostro album?

È un disco fantastico, ed è proprio il primo che mi viene in mente se ci penso.

Siamo stati in tour insieme e sono molto felice di come gli stiano andando le cose.

Sapevamo di voler chiamare il disco “Breathe”, e il significato che volevamo dargli era quello di fare un passo indietro e un respiro profondo, tranquillizzarsi; cose così semplici sono davvero molto importanti TBA

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THRICE

DI MICHELA ROGNONI

Con dieci dischi all’attivo i Thrice sono ormai un vero e proprio pilastro per i fan del post hardcore della nostra generazione.

Abbiamo parlato con Riley Breckenridge di tutto quello che è successo dopo lo hiatus di quattro anni, dal sound eclettico dell’album Palms agli anniversari dei vecchi dischi.

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THRICE

demo, tutte le discussioni, l’evoluzione di ogni canzone e capire meglio cosa vogliamo fare.

– Ascoltando i vostri ultimi due album sembrate quasi diventati un’altra band, in senso buono.

Cosa è successo in questi quattro anni di stop prima della loro uscita?

– A proposito delle influenze di cui parlavi prima, sono quelle il motivo di questo nuovo ritmo che avete trovato negli ultimi dischi, rispetto a quelli precedenti alla pausa?

Credo sia principalmente una questione di nuove influenze. Prima ascoltavamo tutti principalmente punk rock, hardcore e qualcosina di metal qua e là, poi andando avanti i nostri gusti musicali si sono sviluppati sia in modo corale come band, ma siamo cresciuti anche individualmente prendendo direzioni musicali diversi: a Dustin per esempio piacciono i The National, gli Arcade Fire, Bon Iver, a Teppei piace il jazz e gruppi più indie, Ed è fan del math rock mentre io ascolto cose un po’ più heavy o shoegaze. E quando ci siamo riuniti e abbiamo iniziato a scrivere ognuno di noi ha buttato dentro queste idee e abbiamo cercato di modellare il tutto fino a trovare il nostro stile, in questo modo abbiamo capito quale sia ora il nostro stile. Non sto dicendo che faremo solo dischi che suoneranno in questo modo da ora in poi, ma credo che siamo riusciti a comunicare meglio durante il processo creativo e a mescolare le nostre influenze in modo più coerente.

Penso che sia solo dovuto all’incorporare tutti i suoni che ora fanno parte di noi. Non è una cosa che facciamo di proposito, non ci mettiamo lì a pensare “dobbiamo suonare in questo modo”, è semplicemente quello che ci viene fuori e credo che come band questa evoluzione sia stata positiva perché ci ha permesso di fare dei dischi differenti. Non ci sono mai idee a cui diciamo “no, non possiamo assolutamente farlo”; prendiamo in considerazione ogni idea anche se sembra diversa o troppo strana o non abbastanza strana, l’importante è che a noi sembri buona, che ci dica qualcosa.

– Anche perché con una carriera così lunga immagino che vogliate sempre trovare qualcosa che vi stimoli, che vi faccia spingere oltre...

Si, se avessimo solo ripetuto il nostro primo o secondo album più volte in varie versioni... come hanno fatto band come i NOFX. Loro hanno un sound e hanno mantenuto quel sound per tipo 35 anni. Non dico sia una brutta cosa, ma penso che se noi avessimo fatto lo stesso, sia noi che il nostro pubblico avremmo perso interesse e ci saremmo annoiati. È una cosa che funziona per alcune band, ma per come siamo fatti noi, a livello creativo, non avrebbe funzionato.

– Il processo di scrittura è cambiato anche a livello di tempistiche tra il prima e il dopo la pausa?

Scrivete ancora tutto velocemente mentre siete in tour o trovate i vostri momenti per sedervi e ragionare con calma sui brani futuri?

Un po’ è cambiato. Inizialmente non scrivevamo molto in tour, ma appena finito scrivevamo il più possibile tra la fine del tour e la data prevista per registrare. Ora però credo che siamo diventati più consistenti nello scrivere individualmente e non appena finiamo di registrare un disco iniziamo già a buttare giù le idee per il successivo. Ognuno di noi lavora individualmente e usiamo un’app per organizzare al meglio le idee: ci diciamo “questa è la mia visione, cosa ne pensate?” e iniziamo a parlarne e a svilupparla. È un po’ come parlare in una chat, e meno come trovarsi tutti nella stessa stanza. In passato ci saremmo detti “ecco il mio ipod, adesso vi faccio sentire tutte le mie idee” e poi avremmo scelto quelle su cui lavorare e ci avremmo lavorato appunto ritrovandoci tutti insieme nella stessa stanza. La cosa bella di quel metodo era che c’era un altro livello di spontaneità però mancava di organizzazione. Ora possiamo ritrovare facilmente online tutti i TBA

– Ed è anche sfidante vedere se quanto di nuovo portate nel vostro materiale di volta in volta viene apprezzato dai fan, giusto?

Certamente, è stimolante e allo stesso tempo spaventoso.

– Palms è uscito da un anno ormai, qual è la cosa di cui sei più felice?

Sono orgoglioso del suo eclettismo, ci sono più molti elementi elettronici, c’è la bellissima ballad Beyond The Pines, ci sono canzoni rock come The Grey, e poi ci sono tutti i b-side raccolti in Deeper Wells, c’è una

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canzone punk rock old school e poi ce n’è una ispirata agli anni 80… La diversità è una cosa di cui vado molto fiero e poi mi piace come vengono live, sono veramente fighe!

È divertente. Siamo migliorati come musicisti, quindi è molto bello riapprocciarsi alle vecchie canzoni, cercando di essere coerenti con il loro spirito ma riuscendo a suonarle più agevolmente.

Io, come molti altri musicisti, non ascolto il mio materiale molto spesso, per niente anzi, a meno che non debba esercitarmi. Non ho più sentito Beggars da quando abbiamo finito di mixarlo; stessa cosa con Vheissu, non l’ho mai ascoltato dall’inizio alla fine, quindi ora che sto reimparando quelle canzoni, le ascolto, prendo degli appunti su come le voglio fare.

Penso che entrambi quei dischi abbiamo superato bene la prova del tempo e ne sono molto orgoglioso, è bello sentire quei dischi e non sentirsi in imbarazzo, perché ce ne sono alcuni invece che mi fanno un po’ rabbrividire...

– Se dovessi scegliere, qual è la canzone del disco della quali sei più fiero?

La prima a cui penso è Beyond the Pines. La stiamo usando come chiusura ai concerti e ci fa molto piacere vedere l’effetto che ha sulle persone. Alcuni si emozionano davvero molto quando la suoniamo e moltissima gente la canta a squarciagola.

– Ti volevo chiedere come ti senti riguardo al fatto di essere in tour con i Refused che sono una band molto importante per chiunque in questa scena… Èfantastico. Loro sono una grandissima influenza. Ma sono anche delle ottime persone. C’è quella cosa che si dice “non incontrare mai i tuoi eroi” perché se non sono gentili e simpatici potresti cambiare il tuo modo di vedere anche la loro arte. Ma i Refused sono veramente fantastici, sono umili e modesti, ci si possono fare lunghe chiacchierate, non necessariamente sulla musica, ma anche sulla vita in generale. È sempre bello andare in tour con band che non solo stimolano a essere musicisti migliori ma anche persone migliori.

– Ultima domanda: quali sono i vostri piani per il futuro?

Tra una settimana torneremo a casa, e nella nostra città faremo uno show per il decimo anniversario di Beggars, suonandolo dall’inizio alla fine più qualche altra canzone. Poi l’anno prossimo negli Stati Uniti faremo un tour con mewithoutyou, i Drug Church e gli Holy Fawn e sarà il 15 anniversario di Vheissu, quindi dobbiamo impararci tutte queste vecchie canzoni e nel frattempo cercheremo di scrivere del nuovo materiale. Siamo stati in tour per un po’ quindi credo sia il momento di fermarci un attimo e concentrarci sulla scrittura così da riuscire a fare un nuovo disco entro la fine dell’anno e poi tornare in tour.

C L I C C A S U L L’ I M M AG I N E Q U I S O P R A P E R A S C O LTA R E I L D I S C O.

– Com’è dopo 10-15 anni ritornare ai vecchi dischi, imparare di nuovo tutti i pezzi, rivivere un po’ quello che quei pezzi raccontano…

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M I C R OWAV E

DI ALESSANDRO MAININI

Una band punk. O meglio, le nuove promesse dell’emo. Anzi no: un gruppo hardcore arrabbiato. I Microwave hanno attraversato tutte queste fasi creative nei sette anni della loro carriera, fino a giungere al terzo album, Death Is a Warm Blanket, uscito a settembre su Pure Noise Records. Abbiamo incontrato il frontman della band, Nathan Hardy, prima dello show bolognese in apertura ai Tiny Moving Parts. Nella lunga chiacchierata ci ha spiegato la sua concezione nichilistica del mondo, aprendosi a considerazioni sul successo, sull’arte e sull’invidia, oltre a regalarci alcuni aneddoti sulla vita in tour e sull’economia di una band emergente nel 2019.

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M I C R OWAV E

d’intenti e anche un’audace rappresentazione dello stato attuale della band. Parlando del disco nel suo complesso, quale obiettivo volevate raggiungere con queste canzoni?

– È la prima volta che voi Microwave suonate a Bologna, hai avuto modo di esplorare un po’ la città?

Sì, ho fatto due passi da qui al centro con Tito [il batterista della band, NdR] e un paio di amici. Dopo il concerto di stasera andremo tutti insieme a Roma e a Capri per farci un giro. È la prima volta che vengo in Italia! Ho visto una grande piazza, anche se poi sono andato in un magazzino a comprare del Velcro [ride].

Mi hanno colpito le strade che sono tutte in selciato, e ho visto delle stradine davvero strette!

Mi è sempre piaciuta la musica “heavy”, ed era arrivato il momento di fare un album più pesante: “ora o mai più”, mi son detto. Le prime 6-7 canzoni che abbiamo completato erano abbastanza pesanti, per cui da lì in poi abbiamo capito che la direzione sarebbe stata quella. Prima del disco avevamo pubblicato due canzoni più tranquille: Keeping Up e la cover di Georgia on My Mind e credo che la gente si aspettasse che l’album avesse quel sound, diciamo più accessibile. In realtà le canzoni che sono finite sul disco sono quelle che sono riuscito a completare: ho sempre un sacco di canzoni non finite o appena abbozzate sul mio computer, e allo stesso modo ho anche moltissimi testi o parti di testo appena accennate. Ogni tanto le rispolvero in base a quello che mi passa per la testa in quel momento.

– Cosa ti piace dell’Europa rispetto all’America e cosa invece non ti piace?

Qui è tutto molto bello e verde, e poi ogni luogo è antico e pieno di storia. Dell’America mi manca la varietà di opzioni riguardanti il cibo, perché io purtroppo non posso mangiare cibi con il glutine e qui ci sono pane e pasta ovunque. E altra cosa: io soffro spesso di sinusite, e qui in Europa non avete i sali che trovo in America e che sono perfetti per curarmi da questo tipo di infezioni. Forse voi qui in Europa non soffrite di sinusite? [ride] Anche il Pedialyte è praticamente introvabile qui: in America lo usiamo parecchio come rimedio per il post-sbronza.

– E le persone che erano già fan dei Microwave come hanno reagito a questo cambio di stile?

In realtà abbiamo sempre cambiato stile da un disco all’altro, quindi credo che fino a un certo punto i nostri fan sappiano che non devono mai aspettarsi due dischi uguali e siano pronti ad accettare il cambiamento. Facciamo un po’ come gli Ween: sono una band che adoro, e loro hanno suonato praticamente

– Avete da poco pubblicato il vostro nuovo album Death Is a Warm Blanket su Pure Noise. Credo che quest’album sia una netta dichiarazione

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ogni genere, hanno persino fatto un album country, ma sono sempre rimasti genuini. Un po’ di ispirazione mi è anche arrivata dai Daughters: loro tendono a scrivere canzoni con un sound ricco di chitarre corpose e anche un po’ caotico, ma sempre con una spiccata sensibilità pop. E poi non potrei non citare i Nirvana, vedi In Utero. Ti dirò che al momento sto scrivendo anche delle canzoni r’n’b, ma credo che quello sarà un progetto solista o dove collaborerò con una serie di amici; penso che abbia più senso per i Microwave restare una rock band! Anche perché dal vivo le canzoni che escono meglio sono quelle più scatenate: quelle più lente tendono un po’ ad ammosciare l’atmosfera.

con: in vita ha fatto delle cose terribili, come spingere il proprio amante al suicidio per poi ritrarlo morto su un gabinetto in un quadro, o ancora diceva di volersi scopare suo padre… eppure i suoi quadri erano venduti a cifre milionarie. Questo perché la gente vedeva il valore intrinseco delle sue opere. Oggi invece se una persona è problematica o immorale, la gente scredita completamente la sua arte, non riesce a vedere alcun valore in opere che non rispettino una certa cornice etica. Mi sembra che questo vada contro il concetto stesso di arte. Non dico di dare una piattaforma a persone in grado di fare del male: capisco perfettamente il problema di questa eventualità, ma screditare un artista per un’opinione non aiuta certo a rendere il mondo un posto migliore.

– Vorrei parlare di una delle canzoni dell’album, ovvero Hate TKO. Nel testo sembra che tu te la prenda con alcune delle cose che sono successe all’interno della scena punk/emo in questi ultimi anni. Ci parleresti del significato della canzone e dei sentimenti che provavi quando l’hai scritta?

– Che cosa significa TKO? C’è una canzone di Teddy Pendergrass che si chiama Love TKO. Lui era un artista soul, un po’ sul genere di Marvin Gaye. Faccio sempre partire quella canzone al jukebox della waffle house che frequento dalle mie parti, per cui volevo semplicemente fare questo gioco di parole.

Ho l’impressione che soprattutto negli ultimi cinque-dieci anni la gente tenda a odiare molto più facilmente. Tra i miei amici ci sono persone con idee politiche molto diverse, e se prima riuscivano a sopportarsi, ora si odiano tutti a vicenda. Se uno di loro sa che mi vedo con altri, è capace di venirmi a dire “se tu frequenti quella gente non possiamo più essere amici”. Ma a me invece non me ne frega un cazzo: io sono un nichilista. Quando ho scritto la canzone avevo in mente specificamente l’ambito musicale. Appena una band comincia ad avere successo, molte persone se ne distaccano e cominciano a tirarle merda addosso per affossarla; forse perché si sentono superiori e vogliono ascoltare solo gruppi che non conosce nessuno? È un atteggiamento stupido; è il contrario del motivo per cui la gente dovrebbe apprezzare l’arte. Io credo che ognuno abbia il diritto di esprimere il proprio parere; credo che nel mondo le cose non siano mai del tutto bianche o del tutto nere, e che ci siano persone intelligenti in ogni fazione o corrente di pensiero. Ripeto, io sono un nichilista, non voglio avere figli, non me ne frega niente del futuro del mondo e dell’umanità; semplicemente mi piace la musica, mi piace suonare e far parte di questo ambiente, per cui quando vedo che per motivi politici o di altra natura la gente comincia a cercare di distruggere una band resto davvero senza parole. Prendi il pittore Francis BaTBA

– Secondo te per una band in questo momento è più importante avere un bravo booking agent o un bravo pubblicista?

Domanda spinosa. Un pubblicista fino all’anno scorso neanche l’avevamo. Forse sono importanti allo stesso modo… La cosa più importante secondo me è finire nella playlist giusta su Spotify! Di questi tempi andare in giro a suonare non fa crescere di molto la tua fanbase; è più che altro una cosa divertente da fare. Se pubblichi una canzone nuova su Internet raggiungi lo stesso numero di nuove persone che raggiungeresti facendo un mese di tour. E poi penso che ci sia meno gente che legge e presta davvero attenzione alla musica e alle nuove band. Diciamo che avere un buon pubblicista può aiutare, soprattutto per darsi un tono e aumentare la credibilità della band e la sua percezione: una feature di due pagine su una buona pubblicazione contribuisce a far sì che la gente ti prenda più sul serio. Come in molte altre industrie, la percezione è molto importante: se riesci a creare l’idea che la tua band sia figa e importante, molta gente comincia a crederlo veramente. Trovarsi nel posto giusto al momento giusto può determinare il tuo suc|

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nuovi tragitti e nuovi posti o fai sempre il solito percorso?

cesso anche quando magari non sei la band migliore del mondo. Finire nella playlist giusta di Spotify resta però la cosa più importante. Anche perché da Spotify ci si può pure ricavare qualcosa: il nostro primo album l’abbiamo pubblicato senza un’etichetta, per cui tutti i soldi derivanti dallo streaming vanno direttamente a noi, e con quei 2,000$ al mese ci paghiamo le bollette!

Quando sono in tour purtroppo non corro, anche se faccio yoga e qualche esercizio. Ma dalla prossima volta mi sa che mi porto dietro le scarpe da corsa, così faccio come i Tiny Moving Parts: loro corrono spesso in tour. È la terza volta che andiamo in tour con loro; la prima volta erano molto meno salutisti: mi hanno visto mangiare un’insalata e mi hanno preso in giro per un quarto d’ora, ora invece sono molto più attenti alla salute! Anche perché quando cominci ad andare verso i trent’anni, se non ti prendi un po’ cura di te stesso stai di merda tutto il tempo.

– Parliamo di abitudini, buone e cattive. Qual è l’abitudine peggiore che hai quando sei in tour?

Forse prendere le cose troppo sul serio e quindi lasciarsi abbattere se succede qualcosa di negativo, tipo se qualcuno di noi ha una serata storta sul palco o se ti sembra che l’acustica quella sera faccia schifo.

– Quali sono i tre dischi preferiti da ascoltare quando corri?

– Anche perché non avete un fonico vostro, giusto?

Uno è You Won’t Get What You Want, il nuovo album dei Daughters; poi Yeezus di Kanye West; e The Battle of Los Angeles dei Rage Against the Machine.

Esatto. Sono io che faccio un po’ da fonico ormai.

Fino a qualche tempo fa se mi sembrava che l’acustica non fosse buona mi toglievo i tappi dalle orecchie per capire cosa non funzionasse, e dopo qualche concerto cominciavano a fischiarmi le orecchie. Siccome quando non sono in tour faccio anche il produttore, l’udito è estremamente importante per me, per cui ora non mi levo più i tappi quando suono!

– Ultima domanda: cosa farai nel prossimo mese di “libertà” fra questo tour e il tour con i Boston Manor?

Devo produrre una band doom/punk di Atlanta, e poi continuerò a lavorare sulle mie canzoni r’n’b con il mio amico Aaron, che suona nei Bliss (Sargent House Records). Mi piace tenermi impegnato! Se non faccio qualcosa mi sembra di stare sprecando il mio tempo.

– E invece per quanto riguarda le buone abitudini, so che di recente hai cominciato a correre.

Dove vai a correre di solito? Ti piace esplorare TBA

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DI MICHELA ROGNONI

Una tipica ragazza inglese con una voce straordinaria che sa fondere insieme melodie synth pop a testi tutt’altro che spensierati.

Quattro chiacchiere con Lizzy Farrall nel retro del suo van, festeggiando con una bottiglia di vino la fine del tour e il successo del suo EP Barbados.

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GRL PWR

meno questo stesso stile e questo tipo di suoni e sarebbe stato un po’ scioccante passare dai miei pezzi acustici a un album synth pop, alt rock. Ci voleva qualcosa in mezzo che evitasse ai fan di dire “Ma che cavolo sta succedendo?”.

– Sei partita con un progetto acustico ma ora hai la tua band e sei diventata una pop princess... (ride) – Non sono io a dirlo, è la tua descrizione di Instagram quindi deve essere vero!

– Ti abbiamo vista suonare in acustico lo scorso maggio allo Slam Dunk. Ovviamente è stato molto diverso per noi sentire i brani in acustico e full band, ma per te qual è la differenza principale?

Beh senza dubbio! Se è su Instagram allora è vero!

– Dicevamo, come sei arrivata a questa decisione che ha portato poi all’uscita del tuo ultimo EP, Barbados?

Secondo me con la band esce meglio l’anima di ciò che ho da dire. Quando suono con la band posso muovermi di più e riesco a entrare meglio nelle canzoni. I miei testi sono molto personali ma con la parte strumentale più pop sembrano anche più allegri anche quando canto di cose tristi e oscure, mentre quando suono in acustico sembro sempre dire “questa canzone è depressa, questa canzone è molto triste” e va a finire che mi sento veramente triste quando le canto. è bello avere questa doppia natura, e poter fare entrambe le cose ma se potessi scegliere, sceglierei sempre di suonare con la band.

Facevo pezzi acustici perché scrivevo da sola e scrivevo canzoni che sarebbero venute bene anche suonando da sola. Poi quando ho firmato con Pure Noise ho avuto l’opportunità di lavorare con più persone e di dare vita a tutto questo. Ma ho sempre voluto che la mia musica fosse full band, ho sempre voluto questo suono più synthy perché adoro la musica elettronica e le combinazioni che si possono fare tra i diversi generi. Ora finalmente posso scrivere la musica che ho sempre voluto e sono molto fortunata ad avere un’etichetta così aperta alle mie idee e che mi lascia libera di sviluppare la mia visione.

– Come ci stavi dicendo anche se si tratta di canzoni pop i testi sono spesso tristi o comunque esplorano delle tematiche importanti e complesse…

– Non ci sono molte donne su Pure Noise vero?

Sì, infatti prima un ragazzo è venuto da me e mi ha chiesto di cosa parlasse Barbados perché lui si è sposato alle Barbados sei mesi fa. Io gli ho detto “Congratulazioni, che bello! Ma in realtà questa canzone non è molto felice…”

Barbados parla di salute mentale: Amy Winehouse e moltre altre celebrità vanno in un centro di riabilitazione alle Barbados e da lì il titolo. Nella canzone, il protagonista si confronta con la persona che vorrebbe essere ma sa di non esserlo, sa di essere ancora triste, c’è questa cosa nella sua mente che non gli permette di diventarlo.

Ma so che per chi la ascolta potrebbe sembrare che parli di una relazione con qualcuno che è innamorato di qualcun altro, mi piace il fatto che pur scrivendo di cose personali le persone possano comunque trovare una connessione con la mia musica.

No credo che per il momento siamo solo io, Meg & Dia che hanno appena firmato, e poi c’è la cantante degli Sharptooth.

– Barbados è fuori da qualche mese ormai, sei felice di com’è stato accolto? O ti aspettavi qualcosa di diverso?

Ero molto tesa per l’uscita di Barbados, la canzone.

Perché è così diversa da tutto ciò che avevo pubblicato in precedenza. Era come se stessi dicendo “Okay, questa è la musica che suonerò da adesso in poi”.

Ma non ho mai avuto miglior risposta a un’uscita, è piaciuta moltissimo e anche l’EP ha avuto un ottimo riscontro considerando che è stato pubblicato a sorpresa, senza preavviso senza campagne stampa.

Nessuno si aspettava che sarebbe uscito ma alla fine è piaciuto e per me è molto importante perché l’EP Barbados fa un po’ da collegamento tra i miei vecchi lavori e il mio prossimo album. L’album avrà più o TBA

– Mi piace molto il concetto di “Bruises” che sarà il tuo primo album: tutti ci provochiamo dei lividi anche semplicemente vivendo…

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GRL PWR

Niente è permanente. Per me i lividi sono una rappresentazione di questo. Guarda le mie ginocchia adesso, sono piene di lividi perché mi inginocchio sul palco eccetera ma non dureranno molto perché appunto non sono permanenti. E tutto il tema sul viola che sto utilizzando è legato appunto a questo concetto: il viola rappresenta i lividi mentre il bianco dei nostri outfit rappresenta una rinascita, un nuovo inizio, come una tela bianca. è questa la visione che ho in testa.

Sì, infatti all’inizio anche io pensavo che non mi interessava, che sarei sempre salita sul palco in jean e maglietta ma sai cosa? Avevo caldo! Sudavo un sacco in jeans e maglietta e allora ho pensato: se mi va di indossare i classici abiti succinti li indosserò, mi sentirò a mio agio e darò il massimo. Lo faccio per me stessa e per nessun altro, non ho paura dei commenti della gente. Durante questo tour c’è stato un tizio che è venuto da me, forse l’avrete visto sui miei social, e mi ha detto “nessuno è qui per la tua voce, sono tutti qui per la tua gonna” e io gli ho risposto tipo “bè, il batterista dell’altra band ha i pantaloncini corti, andrai anche da lui a dirgli che sono tutti qui per i suoi pantaloncini?”. In che modo la mia gonna e i suoi pantaloncini, della stessa identica lunghezza sono diversi? Solo per il fatto che quel tizio stava sessualizzando la nostra musica, la nostra arte. E sapete cosa ho fatto la sera dopo? Mi sono messa ancora meno vestiti addosso perché vaffanculo, questo è il mio corpo e se tu vuoi sessualizzarmi per quello che indosso è solo perché sei un cazzone. Quel tizio poi è venuto a un altro concerto e l’abbiamo buttato fuori, Volevo che tornasse a casa con una lezione: non puoi sessualizzarmi perché sono una donna quando gli uomini possono salire sul palco anche senza maglietta.

– Parliamo di Make Up Sex, in questo brano ci parli molto apertamente di una relazione tossica ed è molto interessante sentirne parlare dal punto di vista femminile...

L’ho scritta a seguito di una relazione non troppo salutare ma nella canzone la situazione è totalmente esagerata; io avevo una relazione tossica ma non era minimamente come quella descritta in Make Up Sex! Il fatto è che crescendo mi è capitato spesso di vedere persone a cui voglio bene infilarsi in relazioni tossiche, ed è una cosa molto comune purtroppo, soprattutto in quest’epoca ma comunque nessuno affronta veramente il problema perché è considerata una cosa normale e avere un partner possessivo e autoritario nel senso peggiore del termine non sembra essere poi così grave. Anzi sta persino diventando un meme, hai presente le battute sulla psycho girlfriend? Per questo ho ritenuto importante affrontare questo argomento che tocca allo stesso modo uomini e donne perché non sono solamente gli uomini ad avere manie di controllo, anche le donne possono essere altrettanto pericolose. E trovo molto preoccupante che soprattutto per la mia generazione, questi atteggiamenti vengano scambiati per romanticismo; con la mia canzone voglio dire che tutto questo è sbagliato e il video così dark è servito per intensificare questo messaggio.

— Ci sono artisti recenti che hanno influenzato particolarmente il tuo EP?

– Al momento ci sono molte artiste donne a dominare le classifiche, tutte diverse tra loro ma tutte molto caratterizzate, da Lizzo a Billie Eilish… pensi che le donne nella musica debbano prestare più attenzione a come si presentano rispetto agli uomini per riuscire ad emergere? Voglio dire, in questo tour, i membri delle altre band si sono limitati a salire sul palco in jeans e maglietta…

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The Band Camino THE WLDLFE |

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RECENSIONI <30

UNDER 30

OGNUNO H A L’ E TÀ CHE SI SENTE.

Dream State Primrose Path – UNFD Visti in apertura a Neck Deep e The Amity Affliction dove hanno rubato la scena con una carica live fuori dal comune, i gallesi sono alla prova del debutto con quest’album per UNFD. Se il singolo Primrose prometteva faville con un gran mix di melodia e aggressività, il resto del disco si affloscia su melodie gradevoli ma poco memorabili. Perfetti i brani d’apertura e chiusura, ma in mezzo molti pezzi faticano a emergere, e a volte si spererebbe di sentire qualcosa di più cattivo, anche nel cantato. (AM)

3/5

Dayseeker Sleeptalk – Spinefarm Records

4/5

Sleeptalk è il quarto full length dei Dayseeker, quartetto californiano che torna sulle scene con dieci nuove tracce post-hardcore. Con pochissimi punti deboli – messi in ombra dalla sapiente scrittura dei pezzi, sempre caratterizzati dall’energia giusta nei punti giusti – ogni canzone si differenzia dall’altra: ciò che ne risulta è un album mai banale né noioso, pur restando uniforme e senza elementi che possano sembrare fuori posto. Menzione speciale per le melodie vocali del terzetto d’apertura “Drunk”, “Crooked Soul” e “Burial Plot”, che sono talmente azzeccate da avermi convinta fin dal primo ascolto.

(IC)

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RECENSIONI <30

3/5

Of Mice & Man Earth & Sky – Rise Records

Counterparts Nothing Left To Love – Pure Noise 5/5

2/5

Ormai ultimi baluardi di quel melodic hardcore che tantissime band ci ha consegnato – e poi, pian piano, tolto – negli ultimi 15 anni, i Counterparts di Brendan Murphy continuano a emozionare, colpendo ancora una volta le corde della perdita, della lontananza e della (auto) salvezza con il nuovo dieci tracce Nothing Left To Love. Un lavoro che mette insieme il meglio del quintetto canadese, dai breakdown intricati di Prophets alle melodie di You’re Not You Anymore, accelerando ulteriormente (come se ancora ce ne fosse bisogno) un percorso di crescita musicale da dieci e lode. (LC)

Bad Wolves N.A.T.I.O.N. – Eleven Seven

3/5

The Devil Wears Prada The Act – Solid State

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RECENSIONI <30

PVRIS Hallucinations – Reprise/ Warner Records

3/5

Sainte Bad Summer – Good Problems

4/5 Dopo due anni di assenza, i PVRIS sono tornati con un EP sperimentale dalle sonorità danzerecce. In questo lavoro hanno spazio tutte le varie sfaccettature della musica dei PVRIS, infatti è possibile incontrare brani pop, alcuni più dance e altri più alternative rock, ma anche una delicata ballad. Insomma questa band sa di essere irriverente e di non voler rientrare in nessuno schema che li annoveri in una determinata branchia della musica.

Che siate alla ricerca di qualcosa su cui ballare ai party, o di uno di quei brani catchy da mettere a tutto volume durante un road trip, o ancora una canzone su cui piangere un po’, Hallucinations è quello che fa per voi. (MP)

La Superluna di Drone Kong La Superluna di Drone Kong

4/5

Issues Beautiful Oblivion – Rise Records / BMG Gli Issues si confermano una band fuori dagli schemi e con il loro r&b/metalcore provano ancora una volta a scalare le classifiche. In Beautiful Oblivion, gli elementi caratteristici della band – come le melodie vocali pop, i riff dai suoni pesanti che strizzano l’occhio al funky e un’elettronica sempre più presente – sono riproposti nella loro forma più estrema, senza però rinunciare all’energia. Se cercate qualcosa di diverso dal solito, gli Issues sapranno accontentarvi. (MP)

3/5 Gli ascoltatori di Radio Deejay non avranno strabuzzato gli occhi leggendo il nome di questa band, ma avranno subito associato il tutto a un nome, quello del conduttore radiofonico Fabrizio Lavoro, in arte Nikki. La Superluna di Drone Kong è il suo nuovo progetto: brani ambientati intorno al 2040 in un futuro di umani che parlano solo per acronimi e astronavi che partono verso Marte, con la Terra resa ormai inabitabile. Un progetto lunare, psichedelico e al tempo stesso molto anni ’90. 7 brani composti tutti di notte, chitarra e cuffie. E quando si ascoltano le canzoni, si sente proprio questo mood.

Un disco sincero che per chi rimpiange un certo tipo di musica indie, non può che essere una ventata di aria fresca.(LA)

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RECENSIONI <30

Nervus Tough Crowd – Big Scary Monsters Tough Crowd è la terza fatica dei Nervus, band punk inglese di punta della Big Scary Monsters, che continua a non dare mai per scontata la propria piattaforma musicale. Il loro album di debutto Permanent Rainbow, e il successivo, Everything Dies, erano incentrati sulle esperienze della cantante, Em Foster, con la disforia di genere. Ma anche Tough Crowd non è da meno in quanto a tematiche, anzi è un disco impegnato, che con un sound accattivante - a momenti più punk e a momenti più indie e power pop rispetto ai lavori precedenti – racconta storie cariche di rabbia che trattano di politica e attualità, cercando di sensibilizzare l’ascoltatore e merita decisamente di essere ascoltato. (ES)

4/5

Nostromo Minuetto – Trident Music / Sony

3/5

Un album sentimentale e romantico, nel significato più alto possibile del termine. Parla di amore con nostalgia, desiderio e nella maniera più sincera e realistica possibile. Non vende immagini idealistiche, ma parla dell’amore come ne parleresti con il tuo migliore amico. I primi due singoli, Giradischi e Le canzoni di mia madre sono la rappresentazione perfetta dell’album, composto da 10 pezzi: amore e nostalgia con un tocco moderno ma al tempo stesso vintage. Sonorità che non colpiscono a primo impatto, ma che permettono all’ascoltatore di immettersi subito nel testo che è la parte fondamentale delle canzoni. (LA)

Our Last Night Overcome The Darkness Con l’EP Overcome The Darkness, si conclude il progetto in due parti iniziato con Let Light Overcome, pubblicato a marzo 2019. I sette pezzi post-hardcore che lo compongono rispecchiano lo stile consolidato negli ultimi anni dagli Our Last Night: il disco risulta uniforme e in linea con le aspettative, nonostante manchi qualche pezzo capace di spiccare sugli altri ed entusiasmarmi come avrei voluto. Apprezzo però l’idea di dividere l’album in due EP concettualmente simmetrici, mettendo in risalto la contrapposizione tra luce e oscurità. (IC)

3/5

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RECENSIONI <30

Yungblud The Underrated Youth EP – Geffen

Willie Peyote Iodegradabile – Virgin Records 3/5 Iodegradabile è il disco che rappresenta la maturità per l’astro nascente del cantautorato rap italiano Willie Peyote. Nei nove brani più tre skit troverete un Willie maturo, la cui ironia fa da filo conduttore per tutto il disco, che spazia da sonorità funk a latine, senza snaturare l’essenza di un artista completo. Il flow e gli incastri di Willie Peyote non sono rinnegati e sono ancora parte integrante dei suoi testi. Lo è Torino e lo è il suo stile. Semplicemente, Willie è voluto diventare adulto e lo fa con pezzi come Mostro, La Tua Futura Ex Moglie e Mango dove ricorda l’omonimo cantautore scomparso cinque anni fa. Un album maturo e adulto, ma al tempo stesso piacevole dove Willie non rinnega le sue origini, facendo qualcosa di completamente diverso di quello che ha fatto fino ad adesso. (AL)

TBA

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La giovane rockstar inglese continua a colpire e affondare con un EP solidissimo capace di districarsi tra molteplici generi e sonorità senza mai risultare estemporaneo o ridondante.

La rabbia adolescenziale si fonde con la speranza della generazione che può e deve cambiare il mondo in una collezione di brani brillanti che toccano tematiche contemporanee con giusto una punta di cinismo. (MR)

5/5

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RECENSIONI >30

OVER 30

OGNUNO H A L’ E TÀ CHE SI SENTE.

Can’t Swim Foreign Language – Pure Noise

2/5

Chris LoPorto e soci si affidano alle collaborazioni per questo nuovo EP targato Pure Noise Records, e il risultato è dolceamaro. Foreign Language infatti suona lontano mille miglia dal sound proposto fino a un anno fa dal quintetto del New Jersey, risultando uno stranissimo mix di hardcore patinato e riff hard che nulla hanno a che fare con il rock a tinte emo che aveva caratterizzato la discografia della band. I Can’t Swim si erano fatti apprezzare - e non poco - per delle sonorità avvolgenti e melanconiche, e ora questo nuovo lavoro rischia di stravolgere parecchio quanto di buono fatto sentire fino a un anno fa. Foreign Language può essere un passo falso o una nuova strada da percorrere: si rimette il giudizio nelle mani dei fan. (LC)

Deez Nuts You Got Me Fucked Up – Century Media Con un approccio ancora inedito rispetto ai lavori passati i Deez Nuts sono tornati sulla scena hardcore con il loro You Got Me Fucked Up. Tra riff incalzanti e sonorità heavy, la band si spinge più in là del solito avventurandosi nel mondo del cantato melodico. Sono diverse le occasioni in cui l’ascoltatore può trovarsi incluso in sing-along e attimi danzerecci seguiti da dei breakdown. You Got Me Fucked Up dura 30 minuti, durante i quali si balla senza fermarsi, quasi come se la band avesse deciso di creare una droga tutta sua, suddivisa in dieci tracce di fuoco. (MP)

4/5

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RECENSIONI >30

3/5

Refused War Music – Epitaph

Delta Sleep Younger Years – Big Scary Monster 4/5

2/5

Lasciando un po’ da parte i ghirigori che hanno caratterizzato la loro discografia, eleggendoli a maestri dell’emo/math moderno, i Delta Sleep si fanno trasportare dalla melodia più naturale e personale per affrontare il nuovo, bellissimo EP Younger Years. Nato durante il tour europeo con i Mineral della scorsa primavera, questo sei tracce prende dritto allo stomaco per intensità ed emotività, capitanato da brani come In The Air, Constant Dreamer e la title track Younger Years, capaci di farci mettere in fila sensazioni contrastanti ma bellissime, semplicemente nostre. (LC)

Municipal Waste The Last Rager – Nuclear Blast

2/5

Hawthorne Heights Lost Frequencies – Pure Noise

TBA

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RECENSIONI >30

4/5

Cory Wells The Way We Are – Pure Noise

Foals Everything Will Not Be Saved Part 2 – Warner UK 4/5

3/5

Jimmy Eat World Surviving – Exotic Location Il decimo disco della carriera della storica emo band è sicuramente più pesante rispetto a tutti i lavori precedenti soprattutto sul piano narrativo.

Musicalmente non si distacca molto dal tipico sound guitar driven della band se non per la batteria un poco più pestata e qualche riff vagamente metal, come quelli proposti nel disco precedente.

Tuttavia pochi brani riescono veramente a colpire nel segno e a diventare dei singalong memorabili. (MR)

I Foals, band inglese famosa il proprio indie/rock caratterizzato da una complessa interazione ritmica e da chitarre in stile quasi math, ritornano con la seconda parte del disco Everything Not Saved Will Be Lost. Più canonico dal punto di vista sonoro rispetto alla prima parte, e con uno spazio più ampio lasciato alle chitarre, questo lavoro ci ricorda il pop rock sofisticato ed energico di What Went Down. Fra i pezzi più riusciti spiccano lo space rock atmosferico di Neptune, il rock di The Runner e Wash Off; 10,000 Feet e la ballad Into The Surf.

Tutto il disco tratta di argomenti molto attuali, dalla separazione dei migranti, alle lotte ambientaliste, alla Brexit, e, nonostante, il quadro molto incerto dipinto dalla band, non manca di certo l’energia. La band consiglia di considerare le due parti di Everything Not Saved Will Be Lost come un disco unico, e, in questo contesto, il risultato è sicuramente uno dei lavori più completi dei Foals. (ES)

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RECENSIONI >30

Lagwagon Railer – Fat Wreck Chords

3/5

Spielbergs Running All The Way Home – By The Time It Gest Dark A meno di un anno dall’acclamato album This Is Not The End gli Spielbergs tornano con un EP che funge da controprova per chi non fosse ancora pienamente convinto del potenziale della band. Un mood infuso di quel grunge classico ma rivisitato quanto basta per essere rilevante al giorno d’oggi senza perdere le cose belle degli anni ‘90. Una raccolta di potenziali hit energiche e sfacciate. (MR)

4/5 Railer è il nono album dei Lagwagon e Joey Cape ha scritto questi undici pezzi con l’intento di dimostrare che è ancora in grado di scrivere una canzone come ai vecchi tempi, e c’è riuscito in pieno. Ma i Lagwagon che ascoltiamo in Railer non sono più la stessa band di Duh o Trashed; sono una band con decenni di esperienza alle spalle e con un’abilità compositiva sempre in crescita. Nonostante le atmosfere catchy anni 90, Railer è un disco serio e attuale nelle tematiche. È forse un passo indietro rispetto alla strada che la band aveva intrapreso con il disco precedente (Hang), ma, nonostante questo, Railer colpisce con un’immediatezza davvero incredibile. (ES)

Norma Jean All Hail – Solid State Records 3/5

Tegan And Sara Hey, I’m Just Like You – Sire Records Tegan and Sara ritornano all’indie rock, e assieme all’indie rock tornano anche alla propria adolescenza: tutte le canzoni di Hey, I’m Just Like You sono brani composti quando le due sorelle erano teenager, aggiornati e riregistrati per l’occasione.

Mancano i pezzi trascinanti dei precedenti due dischi synthpop, ma tutte le canzoni si fanno ascoltare piacevolmente nella loro semplicità: non male per 12 pezzi scritti da due adolescenti canadesi negli anni ‘90. (AM)

4/5 Con All Hail i Norma Jean tornano prepotentemente sulle scene, a tre anni da Polar Similar, continuando il rinato sodalizio con Solid State Records. Intelligente, concreto, potente e suonato con la proverbiale forza che i Nostri ci hanno trasmesso in più di due decadi di album e tour, All Hail riporta indietro le lancette a quando il metalcore era un genere di punta e brani come – with_errors e Safety Last avrebbero scalato le classifiche. I tempi sono cambiati, ma fortunatamente i Norma Jean continuano a prenderci per il bavero, portandoci a quando le dissonanze erano splendida linfa vitale. (LC)

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RECENSIONI >30

The Almost Fear Caller – Fearless Records È passato troppo inosservato il ritorno dei The Almost, side project di Aaron Gillespie (Underoath), che – dopo qualche anno di inattività – sono tornati alla carica con un nuovo album intitolato Fear Caller. Le dodici tracce alternative rock che lo compongono sono introdotte dalla opener e primo singolo “Chokehold”, capace di trasportarci nel sound caldo e melodico che caratterizza il disco, dove però non mancano anche elementi post-hardcore (che hanno segnato l’intera carriera del fondatore e lead singer) e pezzi acustici. (IC)

3,5/5

Third Eye Blind Screamer – Mega Collision Non seguo i Third Eye Blind più o meno da 10 anni e non so esattamente da quanto tempo siano passati al sound che troviamo in Screamer, il nuovo disco pubblicato il 18 ottobre. Sono rimasta spiazzata ma, dando una chance all’album, mi sono ritrovata ad ascoltare qualcosa di leggero e per lo più piacevole, con qualche traccia molto valida e qualche altra un po’ più banale e anonima. Può non piacere a tutti e sicuramente va affrontato con una mentalità diversa, immaginandoli come una band totalmente nuova e non come i Third Eye Blind dei primi anni 2000. (IC)

2,5/5

Turnover Altogether – Run For Covers

4/5

Con il loro quarto album, i Turnover continuano a dimostrarci che sono disposti a non adagiarsi sugli allori, a non fare mai due volte lo stesso disco e intraprendere nuove vie. Altogether ha influenze che vanno dal bossanova, al funk e all’armonia jazz in generale. Alcuni di questi sound erano già stati introdotti nel precedente Good Nature ma è qui che vengono esplorati a pieno, attraverso linee di basso, chitarre e parti con il sax. Anche i testi, ricchi di metafore, sono fra i più interessanti della band. Nonostante sia un disco da ascoltare solo quando sei in un determinato mood, Altogether è complessivamente un’ottima aggiunta alla discografia dei Turnover. (ES)

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ON TOUR WITH

FOTO E TESTO DI DENISE PEDICILLO

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Abbiamo passato una settimana in tour con i Six Impossible Things, il duo di Lodi composto da chitarra e tastiera. Abbiamo condiviso l’esperienza in van, dormito in situazioni improvvisate e attraversato confini di cinque stati in sette giorni. Vi siete mai chiesti com’è la tour life? Noi vi diamo una risposta.

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PICS BY DENISE PEDICILLO

Dopo un anno importantissimo per la sua carriera, partito lo scorso novembre con l’uscita di Ce lo chiede l’Europa e segnato da una tour schedule fittissima, Dutch Nazari ha chiuso questo ciclo trionfale suonando ai Magazzini Generali. La serata parte con DOLA sul palco, che insieme a Dutch è nel roster di Undamento, a presentare il suo disco di debutto MENTALITÀ, preparando il pubblico per quella che per Dutch sarà una vera e propria festa. Partendo da Diecimila Lire si arriva dopo una ventina di pezzi a Calma le onde, e Dutch ripercorre tutta la sua carriera, attraversando tutte le sfaccettature che ci sono tra il rap e il cantautorato. Non mancano incursioni di amici sul palco, Maurizio Carucci degli Ex-Otago e Frah Quintale, che se inseriscono in uno show già di per sé sorprendente. Le onde si sono calmate, Duccio può adesso riposare, ma non vediamo l’ora di scoprire al suo risveglio cosa di nuovo succederà. (SC) TBA

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TESTO E FOTO DI MICHELA ROGNONI

A poco piĂš di un mese dallâ&#x20AC;&#x2122;uscita di Breathe, i Tiny Moving Parts sono tornati in Italia per farci saltare sorridenti pur provocandoci una profonda fitta allo stomaco. Ad accompagnarli, la scatenata pop princess Lizzy Farral, sorprendente in versione full band; e i nuovi re del trasformismo, i Microwave che hanno saputo adattare alla situazione i loro periodi punk, emo e hardcore. (SC) TBA

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Microwave Lizzy Farrall

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PICS BY NADIA CAMILLERI

Dopo l’uscita a sorpresa del singolo “It Gets Better”, i counterfeit sono tornati in Italia a presentarcelo. Con un sound fresco e una visione più positiva, come anche il titolo del singolo suggerisce, hanno entusiasmato tutti i presenti in Santeria, accompagnati dai Vukovi. (EC) TBA

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Vukovi

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PICS BY DENISE PEDICILLO

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Deafheaven Portrayal Of Guilt Siamo state a quella che per tutti gli amanti del post (e altre varie sfaccettature)-hardcore può definirsi una serata perfetta. In occasione del tour con il quale hanno celebrato i dieci anni di ... To The Beat Of A Dead Horse, i Touché Amoré sono arrivati a Milano, accompagnati da Deafheaven e Portrayal Of Guilt.

Jeremy Bolm nel pomeriggio mi aveva detto di esser curioso di capire quanto il loro primo disco fosse rilevante qua, e la risposta che si è trovato davanti durante il live è stata decisamente incredibile. (SC) TBA

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TESTO E FOTO DI DENISE PEDICILLO

Siamo soliti intervistare gli artisti e i gruppi musicali ma molto spesso ci dimentichiamo che alle spalle ci sono delle figure professionali che passano in secondo piano ma che sono comunque di vitale importanza.

Per la prima intervista di questa nuova rubrica sugli addetti ai lavori abbiamo Luca Mazza come portavoce di No Reason che ci parlerĂ della sua storia e dellâ&#x20AC;&#x2122;imminente futuro con la seconda edizione del festival.

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Sì, almeno un paio di volte in questi anni. Lavorare in Italia nel mondo del booking vuol dire avere a che fare con un sacco di persone che lavorano in modo approssimativo, o che vogliono fare i furbetti su cose come soldi, alloggi ecc; con promoter da rincorrere per avere le informazioni che ti servono. É snervante a volte e devi dedicarci un sacco di tempo. Molte volte mi sono domandato “ma perché lo faccio ancora?”

Però alla fine torno sempre al principio: lo faccio per passione e perché è ciò che mi piace fare. Una volta mi ha fatto cambiare idea una semplice pausa di un mese: ho staccato da tutto, da tutte le mail, le chiamate e ho riflettuto sul perché sono arrivato a questo punto. L’ultima volta invece è stato l’entusiasmo, la voglia di fare e la grinta di una persona (tra l’altro non ancora del “nostro” giro all’epoca). Gasato e spronato a continuare e fare ancora di più. Mi ha aperto il cuore pensare che ci sono altre persone volenterose e con la voglia di crescere, imparare e dedicarsi a questo nostro ramo della musica.

– Usa tre parole per descrivere NoReason: Passione; Dedizione; Unione.

– Raccontaci come nasce NoReason Records & Booking: NoReason Records nasce oramai 13 anni fa come etichetta punk rock ed è tutt’ora attiva. Mentre la sezione Booking è nata per una mia voglia di organizzare, promuovere e aiutare band “piccole” a uscire dal loro paese e farle conoscere il più possibile. Entrambe le parti sono nate per passione, per la gran voglia di fare e di sbattersi per portare e far conoscere band e generi musicali che noi adoriamo, principalmente in Italia ma anche all’estero. Una sera di circa sei o sette anni fa ero allo SGA di Arese e suonavano gli Astpai se non ricordo male. In quell’occasione ho conosciuto meglio il fondatore di NoReason Records (Stefano) e Matt. Da quel giorno, io e Matt, ci siamo trovati subito e abbiamo proposto a Stefano di entrare a far parte di quel gruppo che a noi sembrava un sogno Nel corso degli anni ci siamo impegnati tanto ma tanto e insieme a noi si sono aggiunte altre presone, sempre in giro per concerti con le nostre distro. Da quel giorno non ci siamo mai più fermati, anzi oserei direi che anno dopo anno cresciamo sempre di più!

– Quali sono il migliore e il peggior ricordo che hai legati a NoReason?

Singolo momento peggiore non saprei, ne ho passate tante in questi anni ma bene o male sullo stesso piano e cose relativamente piccole. Parlando in generale, i momenti peggiori sono quando hai a che fare con persone che sono nel campo della musica e non guardano in faccia a nessuno, zero cuore e zero rispetto… solo soldi. Capita piuttosto spesso purtroppo ed è molto triste per me. Io ho sempre pensato che se alla base non ci metti il cuore non vai da nessuna parte e per ora i “risultati” mi stanno ripagando da dieci anni a questa parte!

Anche i momenti belli e di gloria sono più di uno: tra trasferte fuori Italia con la distro NoReason e vari concerti andati molto bene sia in termini di organizzazione che di entusiasmo del pubblico. Ma forse i migliori momenti sono quando dal palco la band ti ringrazia per aver organizzato tutto per loro e per il pubblico, per aver creato la serata.

Sembra una cosa strana ma se ci fate caso, l’80% delle band ringrazia il fonico, il cuoco (per la solita pasta del rock), il locale, lo staff, il pubblico logicamente, tutti tranne te che hai tirato in piedi la serata (ride).

In genere sono consapevole di quello che ho fatto e sono contento così di mio… però ogni tanto sentirsi ringraziare per tutto non è affatto male, anzi sprona

– In un periodo in cui la musica di nicchia ha sempre più difficoltà ad affermarsi, quali sono le difficoltà che avete incontrato nel portare avanti una realtà come NoReason?

Parlo della mia sezione, ovvero l’organizzazione dei concerti e la loro promozione. Lo si vede che in Italia c’è sempre più difficoltà, anno dopo anno, a far conoscere generi meno diffusi come punk rock, emo, pop punk e simili. Detto sinceramente, non mi pongo tanto il problema. Porto le band che mi piacciono e che mi trasmettono qualcosa quando le ascolto e poi cerco di trasmettere quello che sento a tutti, agli amici, a chi è appassionato del genere. Alla fine lo scopo è di portare band e far conoscere la musica, ampliare la conoscenza musicale, ampliare i generi, gli stili, i sound delle nuove realtà e non fossilizzarsi alle solite band “storiche”.

– Hai mai pensato di lasciar perdere tutto? e se sì, cosa ti ha fatto cambiare idea?

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ad andare avanti perchè ti convinci in qualche modo che è grazie a te se certe serate si fanno. Piccole ma grosse soddisfazioni!

scegliamo le band che secondo noi meritano e hanno da dire qualcosa sul palco e le facciamo suonare. Insomma non prendiamo band a caso o con un “nome”, per noi l’importante è portare qualità all’interno delle nostre serate.

– L’anno scorso si è tenuta la prima edizione del NoReason Fest, dicci com’è andata e come è nata l’idea?

– Ultima domanda: quale band porteresti in Italia se potessi scegliere?

Il NoReason Fest era già in programma da diversi anni, purtroppo tutti noi lavoriamo e in contemporanea mandiamo avanti NoReason Records/Booking.

Creare e organizzare un festival da zero ci vuole molto tempo e l’anno scorso ci siamo impuntati nel farlo e così è stato. Il festival non è nato per un’idea, è nato perché sentivamo il bisogno di crearlo.

Siamo rimasti molto soddisfatti dell’organizzazione generale, le band che ci hanno ringraziato molto e soprattutto è stato un modo per ritrovarsi tutti un solo giorno, sotto un unico tetto. É stato un pò un ritrovo familiare e di amici, dal momento che le band che hanno preso parte al festival, in un modo o nell’altro, sono tutte legate a NoReason. L’unione e l’amicizia per noi sono la base di tutto.

Ci sono tantissime band che vorrei portare in Italia e anche di diversi generi, ma credo che restando un nel circuito NoReason e nei miei gusti, porterei senza ombra di dubbio i Latterman.

– Concludi questa intervista dicendo quello che ti passa per la testa: Solite cose alla fine ma meglio ribadirle ogni tanto: andate a sentire i concerti, scoprite band nuove, ampliate un po’ il vostro bagaglio musicale e non state lì fermi ad ascoltare le solite robe. La musica è tantissima e tutta da scoprire. Ci si becca ai concerti!

– La seconda edizione del fest si terrà in aprile.

Cosa dobbiamo aspettarci? Hai qualche anticipazione? Perché dovremmo partecipare?

Esatto, il prossimo anno, il 25 aprile, si terrà la seconda edizione del NoReason Fest e siamo molto contenti di portare avanti questo nostro festival. La novità è che ci sarà un Pre-Fest il 24 aprile oltre al Fest vero e proprio. In più, si svolgerà in due location diverse a Milano.

La formula sarà quasi sicuramente quella della prima edizione, ovvero alternare artisti acustici con band elettriche. Vado a un sacco di concerti ed è proprio stupenda la situazione live perchè oltre a sentire band incredibili, sei sempre circondato da amici e persone che condividono bene o male il tuo stesso genere e il tuo stesso amore per quelle situazione. Prendere parte a questi concerti o festival è bello, l’ho sempre vista come una cosa piacevole e interessante per conoscere band/persone nuove.

– Come scegliete i gruppi che si esibiscono al NoReason Fest?

Li scegliamo un pò secondo i nostri gusti musicali;

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THROWBACK D I SA R A CAVA Z Z I N I

Anche in questo numero per la rubrica Throwback, un luogo sicuro per ricordare i bei tempi andati, ci ritroviamo a parlare di 2009, ovvero l’anno in cui è uscito To The Beat Of A Dead Horse dei Touché Amoré.

Il fato ha voluto che la band statunitense capitasse a Milano proprio al momento giusto con una data del tour con il quale stanno riportando in vita al completo questo disco, dopo averlo ri-registrato quest’anno per l’occasione.

Prima dello show ho incontrato Jeremy Bolm, per parlare del disco originale, del suo decimo anniversario, di cosa ha imparato e come è cambiato nel frattempo.

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– Partiamo dall’inizio. 2009: esce To The Beat Of a Dead Horse, album di debutto dei Touché Amoré. Com’è stato il vostro approccio alla sua creazione, essendo il primo e non avendo un paragone precedente?

Abbiamo iniziato a lavorare al disco pensando che fossimo in ogni caso destinati a scioglierci, perché avevamo appena perso il nostro batterista, e volevamo solo registrarlo perché ne eravamo molto fieri, ma non avevamo idea di cosa sarebbe stato il futuro.

Siamo entrati in studio con un nostro amico, Alex, lo abbiamo registrato in tre o quattro giorni e dopo averlo sentito abbiamo deciso di rimanere insieme e trovare un altro batterista. Lo abbiamo registrato più per noi stessi, il mio migliore amico Joey ha l’etichetta 6131 Records che lo ha rilasciato, quindi siamo rimasti insieme.

– È un disco arrivato proprio al momento giusto, mentre l’attenzione nei confronti di questo genere che mischia hardcore e emo con altre band come La Dispute, Defeater…

dramma a un certo punto perché ho detto che non avremmo mai suonato al Warped Tour, non pensavo fosse un problema, era solo buon senso per me, invece un sacco di persone si sono incazzate, ma questo è un perfetto esempio del perché preferiamo fare quello che ci sembra giusto piuttosto che compromettere quello in cui crediamo, e penso che abbiamo mantenuto questa posizione dall’inizio e che questo ci abbia portato fino a qui.

Non li conoscevamo neanche al tempo, ci siamo trovati poi con i vari tour; è solo successo che tutte queste band in parti diverse degli Stati Uniti abbiano iniziato a emergere contemporaneamente, è stato un caso fortunato.

– Quest’anno in occasione del decimo anniversario dell’uscita, avete deciso di ri-registrare l’album, scelta dovuta anche al fatto che le registrazioni originali sono andate perse, e non avreste potuto fare solo un nuovo mix. Penso che in generale per natura umana non si sia mai felici del tutto dei propri lavori fatti in passato, in tanti dicono che cambierebbero certe cose, ma poi non tutti si mettono a registrare di nuovo un disco, cosa vi ha fatto decidere di farlo?

– Quali sono state le cose più importanti per il resto della vostra carriera che avete imparato con quel disco?

La prima cosa che mi viene in mente per quanto mi riguarda è l’importanza dell’onestà. Non avevo mai cantato in una band prima, ho sempre suonato la chitarra, e non avevo molte influenze per quello che cercavo di scrivere, quindi scrivevo solo testi molto arrabbiati, cose che mi disturbavano della mia vita personale, e quando ho visto la reazione del pubblico a quei testi più personali e diretti di quelli tipici hardcore, mi ha fatto capire che l’onestà era l’unica strada che potevo prendere.

Parlando invece dell’aspetto più promozionale, abbiamo fatto in modo di circondarci solo con band e messaggi giusti e focalizzarci su quell’aspetto più DIY per fare le cose, per non compromettere quello che rappresentiamo come band. Si è scatenato un TBA

Gli altri non sono nevrotici come noi (ride).

Avremmo rifatto solo mix e master se fosse stato possibile, e volevamo fare il libro, ma sarebbe stato difficile farlo singolarmente o con solo il vecchio disco e aspettarsi che la gente volesse comprarlo. Sono sicuro che qualcuno lo avrebbe fatto, ma senza alcun nuovo aspetto musicalmente, neanche una nuova versione, è difficile convincere qualcuno a spenderci dei soldi, quindi visto che suoniamo da anni quelle |

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canzoni in modo diverso, abbiamo due membri della band che non c’erano quando abbiamo fatto il disco, Elliot è ora il nostro batterista, Tyler suona il basso, Nick suona la chitarra e non più il basso, abbiamo deciso di andare in studio un paio di giorni e farlo come ce lo sentiamo ora, ho cambiato alcuni testi, qualcuno ha aggiunto parti di chitarra, è una versione più attuale.

più di dargli troppo credito, perché più o meno ogni sei mesi dice qualcosa di così terribile che ti mette in imbarazzo. Continuano a piacermi i The Smiths, ma non mi trovo così invogliato ad ascoltarli, se partono non corro a spegnere comunque. E Leonard Cohen è diventato una luce guida molto più di lui negli ultimi dieci anni.

E ho cambiato il testo su Ian Curtis perché al tempo pensavo fosse perspicace, con “you left me hanging”, ma invecchiando mi sono reso conto che non è divertente fare una battuta sulla morte di qualcuno, qualcuno ha perso un padre, chi sono io per scherzarci sopra? Non era intenzionalmente una cosa cattiva, ma non era proprio la cosa più bella da fare, quindi mi sono sentito di cambiare quel pezzo per migliorare un po’ la qualità rispecchiando chi siamo ora.

– Ora lo state suonando per intero, è in qualche modo diverso suonarlo tutto ora? È divertente. Non so mai quanto è stato rilevante in ogni posto in cui andiamo e come sarà preso dal pubblico, magari solo 5 persone stasera saranno felici di sentirlo, ma poi dopo quei 20 minuti facciamo molti altri pezzi.

Una grande lezione che ho imparato in tour è stato capire che culturalmente in stati diversi il pubblico risponde in modi diversi. Non devo far entrare in gioco troppo il mio ego, le persone allo show hanno pagato per esserci, vogliono essere qua per quanto io possa pensare che non sia così.

Quando abbiamo portato questo tour negli Stati Uniti pensavo che non importasse davvero a nessuno, poi vedere invece la reazione delle persone alle quali davvero importava di quelle canzoni, alcune delle quali non facevamo da anni, mi ha scaldato il cuore e mi ha fatto sentire davvero bene riguardo questa cosa, perché quasi sembra di trarre vantaggio dalla coincidenza dell’anniversario senza che sia davvero importante, e non sembra genuino, ma è stato bello, sono molto felice di quello che stiamo facendo.

– Come mai avete deciso di includere sia la nuova che la vecchia versione del disco in vinile nell’edizione limitata uscita quest’anno?

Per fare avere sia la storia originale, sia quella nuova.

Se qualcuno non aveva il nostro primo disco in vinile, ora lo ha e ha anche quello nuovo.

– In questa edizione limitata c’è anche appunto un libro, è sempre bello vedere una band aprirsi anche oltre la musica, dare l’opportunità ai fan di vedere di più, di completare in qualche modo l’esperienza che non si limita più solo all’ascoltare. E sembra molto naturale da parte vostra mostrarvi in questo senso.

Più o meno si torna al ragionamento sui testi, riguardo l’essere più trasparenti possibili. Facendolo con Nick, il nostro chitarrista che se n’è occupato, il libro racconta una fantastica storia: da dove è iniziato tutto, fino a quando abbiamo firmato per Deathwish, a Parting the Sea, che è stata la cosa su cui abbiamo dovuto lavorare di più, organizzandoci i tour da soli, tutto molto DIY; ci sono dentro le mail del nostro chitarrista che ha mollato, c’è dentro di tutto, e abbiamo iniziato a farlo senza nemmeno pensarci troppo, ci piace molto dare la nostra storia completa su tutto.

Penso che se fossi un fan sarei molto entusiasta di vedere quel tipo di cose, oltre alle foto in tour, vedere proprio la realtà di cosa volesse dire essere in questa band in quel momento, ed è così che ci approcciamo a tutto quello che facciamo.

– Nella versione originale di “And Now It’s Happening in Mine” citavi Morrisey, mentre ora è stato cambiato in Leonard Cohen. Penso che le ragioni siano comprensibili, ma perché proprio questa scelta? È comunque da considerare un gesto tramite il quale prendete una posizione?

Ho cambiato il testo in Leonard Cohen, e ho anche cambiato il riferimento a Ian Curtis, da molto tempo. Riguardo la prima su Morrisey, ho imparato di più da Leonard Cohen di quanto abbia mai imparato da Morrisey, non sono mai neanche stato un grande fan del suo materiale solista, mi piacciono i The Smiths molto, e come scrittore non si può negare che sia un grande scrittore, ha influenzato tutti, ma me la sento

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WHEREVER.

DI MARTINA PEDRETTI

Questo è uno spazio dedicato al mondo del cinema, delle serie TV e dei libri, dove anche voi lettori potete esprimere un vostro pensiero. Condivideremo consigli spassionati su sfere di interesse diverse dalla musica, e il vostro aiuto potrebbe esserci davvero utile.

Se avete qualche tip non esitate a inviarci contenuti che secondo voi sarebbero perfetti per questa rubrica all’indirizzo hello@tbamagazine.it.

Questo mese la parola d’ordine è revival, perché i cinema di tutto il mondo stanno per ospitare due pellicole che vi faranno tornare giovani.

Nel 2009 eravate abbastanza grandi da vedere e apprezzare il genio che c’è dietro il film Benvenuti a Zombieland? Se la risposta è sì, vi vogliamo bene. Se la risposta è no, non vi preoccupate, perché oggi, dieci anni dopo, è uscito al cinema Zombieland 2 - Doppio Colpo. Stiamo parlando di un film super trash, ma che conta la presenza di svariati attori candidati o vincitori di Oscar, come la sempiterna Emma Stone. L’ambientazione sono gli Stati Uniti, cancellati dalle mappe per via di un’epidemia zombie, che i pro-

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tagonisti del film combattono con tutte le loro forze.

I personaggi poi si chiamano tutti con nomi di città Columbus, Tallahassee, Wichita, Little Rock, del tipo Casa di Carta sii un po’ più originale, dai. Insieme a Emma nel cast troviamo anche Woody Harrelson, quello di Hunger Games, Jesse Einsberg, quello di Facebook, e Abigal Breslin, quella di Little Miss Sunshine.

La categoria revival prosegue anche con le serie TV. Che siate abbonati a un servizio streaming, o che facciate i pirati, nonostante il terrore che quella pubblicità prima dei film al cinema ha suscitato in voi da piccoli, qui non conta nulla perché parliamo di Disney+, che in Italia chissà quando arriverà.

Voi lo sapevate che Hilary Duff è sul set del revival di Lizzie McGuire, che farà il suo debutto chissà quando? Non ci credete, eh? Beh la storia è questa, durante il Disney D23, un evento dove vengono annunciati tutti i progetti dell’azienda, la cantante è salita sul palco, annunciando il ritorno della serie come originale Disney+. Il web è impazzito molto più di quando i My Chemical Romance hanno annunciato la reunion e la situazione è peggiorata quando sono state pubblicate le prime foto dal set.

Il secondo revival è quello di Jumanji, perché dopo la pellicola sequel con Nick Jonas, unico motivo per cui sono andata al cinema a vederlo,alla fine sono rimasta scioccata da quanto fosse esaltante questo film. Ma la mia gioia è sconfinata quando ho scoperto che a Natale 2019 esce il sequel del sequel! Infatti Jumanji - The Next Level riporterà i protagonisti del film dentro al videogioco Jumanji, anche se nessuno di loro vestirà più i panni del proprio personaggio. Insieme al cast già conosciuto nel primo film, si aggiungono Danny DeVito e Danny Glover, che fanno due vecchietti molto spassosi. Poi ve lo devo ripetere che c’è Nick Jonas?

Insomma mentre aspettiamo novità in merito, ecco una lista di serie TV da guardare. Se vi rispecchiate in una categoria, allora la serie TV proposta è quella che fa al caso vostro.

Quelli che odiano la propria vita e cercano soluzioni che si rivelano essere sempre sbagliate:

Quelli che amano l’amore e aspettano che la loro anima gemella arrivi da un momento all’altro:

FLEABAG

MODERN LOVE

Disponibile su

Disponibile su

Quelli che si sono sentiti ribelli tutta la vita ma alla fine hanno capito che purtroppo bisogna crescere:

Quelli che hanno voglia di ridere ma anche di piangere ininterrottamente:

THE END OF THE F**KING WORLD

AT Y P I CA L

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CA L E NDAR I O

16/11 The Chemical Brothers @ Mediolanum Forum, Assago (MI) Coez @ Unipol Arena, Casalecchio di Reno (BO) Dufresne + Youngest @ Pop Punk Mosh Party, Mu Parma Legno @ Ottobit, Montelupo Fiorentino (FI) Myss Keta @ Duel Club, Pozzuoli (NA) Scarda @ Circolo Ohibò, Milano

N OVEMBRE 14/11 Badflower @ Circolo Magnolia, Segrate (MI) Cigarettes After Sex @ Alcatraz, Milano Deerhunter + Orville Peck @ TPO, Bologna Lagwagon + Satanic Surfers @ Estragon, Bologna Moderntears @ Jack Rabbit, Massa P.O.D. + Alien Ant Farm @ Live Club, Trezzo sull’Adda (MI) Sinkane @ Circolo Ohibò, Milano

McCafferty – The House with No Doorbell 17/11 The Chemical Brothers @ Modigliani Forum, Livorno Legno @ Spaghetti Unplugged, Marmo, Roma Nicola Lombardo + Ciulla + Skoob @ Brilla, Circolo Ohibò, Milano

15/11 Cara calma @ Spazio23, Gallarate (VA) Han @ Lio Bar, Brescia Lagwagon + Satanic Surfers @ New Age Club, Roncade (TV) Legno @ Rocket, Milano Myss Keta @ Demodé, Modugno (BA) Rival Sons @ Live Club, Trezzo sull’Adda (MI) Pup + Slotface @ Circolo Ohibò, Milano

18/11 Charli XCX @ Fabrique, Milano Godspeed You! Black Emperor @ Magazzini Generali, Milano Listener @ Antica osteria del fico, Cremona 19/11 Bjrg + Fiori di Cadillac + Brattini + Molla @ Circolo Ohibò, Milano Godspeed You! Black Emperor @ Hall, Padova Of Monsters and Men @ Fabrique, Milano

Breathe Carolina – Deadthealbum Cory Wells – The Way We Are Fall Out Boy – Greatest Hits Believers Never Die: Volume 2 Meg & Dia – December, Darling

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20/11 Ron Gallo + Chickpee @ Circolo Ohibò, Milano Wrongonyou @ Locomotiv Club, Bologna

23/11 Alice Phoebe Lou + Salami Rose Joe Louis @ Circolo Ohibò, Milano Cara calma + Bumbe Orchestra @ Fabrik, Cagliari Rejoyce/Rejoice + Mending Maeve + Action Dead Mouse @ Circolo Arcipelago, Cremona Rovere @ The Alibi, Foggia Seun Kuti & Egypt 80 + Doomsquad & Nava + Al Doum & The Faryds @ Linecheck, Base, Milano Venerus @ Lattepiù, Brescia

21/11 Cecco & Cipo @ Circolo Ohibò, Milano Myss Keta @ Tenax, Firenze Rovere @ Largo Venue, Roma Skid Row + Hollowstar + Electric Mary @ Phenomenon, Fontaneto d’Agogna (NO) Sleeping with Sirens @ Alcatraz, Milano

24/11 Greta Van Fleet @ Alcatraz, Milano Nicolò Carnesi @ Circolo Ohibò, Milano

22/11 Animatronic @ Circolo Ohibò, Milano Crystal Lake + In Hearts Wake + King 810 + Our Hollow, Our Home + Polar + Alpha Wolf + Great American Ghost @ Legend Club, Milano Giorgio Poi + Hubert Lenoir + Arlo Parks + Ginevra + Eugenia Post Meridiem @ Linecheck, Base, Milano Youngest + Rejoyce/Rejoice + I Like Allie @ Circolo Agorà, Milano Rovere @ Smav, Santa Maria a Vico (CE) Skid Row @ Campus Industry Music, Parma Wrongonyou @ Mood, Rende (CS)

26/11 Coez @ Mediolanum Forum, Assago (MI)

27/11 Venerus + Mr Everett + Day Koda + Manuel Pistacchio @ Emergo, Cesena Myss Keta @ Alcatraz, Milano

28/11 Arto @ Circolo Ohibò, Milano Rovere @ Magazzini Generali, Milano

Northbound – Soul Kiss

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CALENDARI O

DI CE M BR E

29/11 Sonata Arctica + Edge of Paradise + Temple Balls @ Hall, Padova Cassel + Modern Rituals @ Cox 18 Federica Abbate @ Circolo Ohibò, Milano Wrongonyou @ Viper Club, Firenze

01/12 Di-Rect @ Serraglio, Milano

02/12 Alter Bridge @ Mediolanum Forum, Assago (MI) Motionless in White + Skold @ Magazzini Generali, Milano

30/11 Angelica @ Le mura, Roma Calabi @ Circolo Ohibò, Milano Cogito + The Last Confidence + Antartica @ Life Is Strage, Bocciodromo, Vicenza Dying in Designer @ Emo Night, Circolo Svolta, Rozzano (MI) Lantern + Six Impossible Things @ Musici per caso, Piacenza Lauren Ruth Ward @ Spazio Ligera, Milano Rejoyce/Rejoice + Palm Down @ Circolo Mesa, Montecchio Maggiore (VI) Rovere @ The Cage, Livorno Sonata Arctica + Edge of Paradise + Temple Balls @ Live Club, Trezzo sull’Adda (MI) Venerus @ Magazzini Generali, Milano Wrongonyou @ Spazio211, Torino

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03/12 Dente @ Santeria Toscana 31, Milano Skillet @ Fabrique, Milano 04/12 Walter Celi + Valentina Rizzi + Fagiani @ Circolo Ohibò, Milano

05/12 Dente @ Monk, Roma Fulminacci @ Santeria Toscana 31, Milano Ghost + All Them Witches + Tribulation @ Grana Padano Arena, Mantova Han @ Le mura, Roma Il buio + I boschi bruciano @ Circolo Ohibò, Milano

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06/12 Cara calma @ Circolo Ohibò, Milano Finley @ Le muse, Bovolone (VR) Fulminacci @ New Age Club, Roncade (TV) Han @ Coopera, Putignano (BA) Venerus @ Hiroshima Mon Amour, Torino

12/12 Coez @ Palapartenope, Napoli Rovere @ Hiroshima Mon Amour, Torino Skindred @ Legend Club, Milano

13/12 At the Gates + Nifelheim + Deserted Fear @ Live Club, Trezzo sull’Adda (MI) Atlante + Lenin @ Spazio Ligera, Milano Contini + Joe Elle @ Circolo Ohibò, Milano Finley @ Spazio211, Torino Fulminacci @ Auditorium Flog, Firenze Wrongonyou @ New Age Club, Roncade (TV)

07/12 Angelica @ Limonaia, Fucecchio (FI) Coez @ Pal Art Hotel, Acireale (CT) Finley @ Capanno Black Out, Prato Fulminacci @ Locomotiv Club, Bologna Han @ Mercato nuovo, Taranto The Low Anthem @ Circolo Ohibò, Milano Rovere @ Vidia Club, Cesena Wrongonyou @ Officina degli esordi, Bari

Harry Styles – Fine Line

14/12 Fulminacci @ Spazio Rossellini, Roma Knocked Loose + Malevolence + Justice for the Damned + Renounced + Oltrezona + Shelf Life @ CS Rivolta, Marghera (VE) Rovere @ Mamamia, Senigallia (AN) Venerus @ The Cage, Livorno Wrongonyou @ Vox Club, Nonantola (MO)

08/12 Angelica @ Mattatoio, Carpi (MO) Geoff Farina @ Circolo Ohibò, Milano 10/12 Attila + Veil of Maya + Sylar @ Locomotiv Club, Bologna

18/12 Enzo Moretto @ Circolo Ohibò, Milano

11/12 Attila + Veil of Maya + Sylar @ Legend Club, Milano Rovere + Lemandorle @ Sanbapolis, Trento

19/12 Delmoro @ Circolo Ohibò, Milano

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GE NNAI O

20/12 Barrier Reef / The Great + McBain + I Like Allie @ Spazio Ligera, Milano Funk Shui Project & Davide Shorty + Johnny Marsiglia @ Circolo Ohibò, Milano Rovere @ Hall, Padova

09/01 Joe Victor @ Circolo Ohibò, Milano

21/12 Brenneke + Telestar @ Circolo Ohibò, Milano Rejoyce/Rejoice @ CSOA Strike, Roma Rovere @ Locomotiv Club, Bologna

10/01 Julie’s Haircut @ Circolo Ohibò, Milano Beach Slang – The Deadbeat Bang of Heartbreak City Echosmith – Lonely Generation Poppy – I Disagree

22/12 Coez @ Palaflorio, Bari Esposito @ Circolo Ohibò, Milano Rovere @ Locomotiv Club, Bologna

14/01 Anti-Flag @ HT Factory, Seregno (MB)

27/12 Finley @ Bloom, Mezzago (MB)

28/12 Angelica @ Capitol, Pordenone Finley @ Off, Modena

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GREEN EDITION

CREDITS

CREDITS FOUNDERS Sara Cavazzini Denise Pedicillo Michela Rognoni EDITOR Martina Pedretti WRITERS Ilaria Collautti Elisa Susini Luca Cescon Lorenzo Allamprese Elena Cavazzini ONLINE TEAM Maria Chiara Cerra Alessandro Mainini PHOTO Nadia Camilleri Denise Pedicillo Michela Rognoni DESIGN Federica Confalonieri ILLUSTRATOR Matteo Capirossi THANKS TO Ivan Campagnuolo Ilaria Chinelli

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