La visión fotográfica cap 6, 7 y 8

LA VISIÓN FOTOGRÁFICA Eduardo Momeñe

Raquel Rodríguez Bueno 1ºB Fotografía

DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: RODRÍGUEZ BUENO

NOMBRE: RAQUEL

CURSO: 1ºB FOTOGRAFÍA LIBRO MOMEÑE Añadimos enlaces web a imágenes y datos que complementen. Completamos con alguna imagen relevante referida al párrafo donde aparezca autor/imagen en negrita.

FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: EDUARDO MOMEÑE TÍTULO: LA VISIÓN FOTOGRÁFICA EDICIÓN: AUTOR-EDITOR (editorial), MADRID (ciudad), 2009 (año), 168 págs. (nº de páginas).

RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN En estos tres últimos capítulos, habla sobre cómo debemos razonar el tipo de fotografía que la que tenemos que estar de acuerdo y defenderla. También hace una comparación entre la fotografía y el fotógrafo con la música, que acaba siendo un gran ejemplo.

Sigue insistiendo en el tipo de fotógrafos que somos porque es crucial ya que debemos conocer el porqué de nuestra fotografía. Muestra como el arte y la fotografía siempre van de la mano, ya sea por la obras o por los autores.

A continuación reflexiona como la fotografía aunque está dirigida a un público, ellos no ven las fotografías como nosotros los fotógrafos, ya que la visión fotográfica es importante y hay que tenerlo en cuenta. Finalmente, nos dice que hacer fotografía puede suponernos esfuerzo tanto físico como mental y económico.

2. TEMA PRINCIPAL (general) Los temas de estos tres últimos capítulos gira en torno otra vez al tipo de fotógrafos que somos, para qué hacemos fotografía, que nos aporta, como la vemos y como la ven, y que para hacer fotografía necesitamos un esfuerzo, como es la visualización y al tipo de público que va dirigido.

3. IDEAS PRINCIPALES Hay que saber narrar, sin una buena narración la historia no puede ser contada.

Nuestra misión no es la de contemplar el mundo, sino la de obtener una buena fotografía.

La fotografía no es solo la imagen, también debe tener una presencia adecuada.

La visualización es una parte fundamental de la visión fotográfica.

Reconocer la potencia de una futura imagen, pero sobre todo conceptualizar nuestra mirada.

4. IDEAS SECUNDARIAS Hay que saber diferenciar donde hay un testimonio del mundo y donde está el testimonio de una mirada.

Expresar como los grandes fotógrafos, captando como visualizaban el mundo.

5. VALORACIÓN PERSONAL La lectura de estos tres últimos capítulos no se me han hecho pesadas en sí, se me han hecho un poco pesadas porque tenía otros trabajos en la cabeza y me comía el coco por el tiempo, pero finalmente me lo he terminado de leer tranquila y he decir que me he entretenido buscando a algunos autores de los que no tenía ni idea, aunque la parte en la que vuelve a recalcar todo lo dicho en los capítulos anteriores se hace un poco cargante. Finalmente, me quedo con una frase que me ha llamado mucho la atención “La fotografía utiliza lo visible para hablar de lo invisible, de la realidad que se genera cuando las cosas son atravesadas, engullidas por el objetivo de una cámara”.

6. AUTORES DEL TEXTO 1.- ROBERT CAPA Robert Capa es considerado el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Con diecisiete años y esperando terminar su vida escolar, conoce a Lajos Kassak, quien, con tendencias socialistas, se dedicaba a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas y dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos de Jacob Riis y Lewis Hine en sus seminarios.

Estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agencia Dephot. Viajó a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular. Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña. Siempre en primera línea, es mundialmente famosa su fotografía Muerte de un Miliciano.

El prestigio internacional le llegó sobre todo a partir de sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la Segunda Guerra Mundial para la revista Life, al captar con su cámara episodios bélicos como los bombardeos japoneses sobre China, las campañas del norte de África y el desembarco de Normandía. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=robert+capa https://carretedigital.com/carrete_podcast/40-biografia-robert-capa-una-guerra-constante-erno-friedmannrobert-capa/ https://www.infobae.com/cultura/2017/10/28/robert-capa-el-fotografo-que-marco-el-pulso-de-la-historiavisual-del-siglo-xx/

2.- LARRY BURROWS Larry Burrows fue un fotoperiodista conocido por sus fotografías de la guerra del Vietnam.

Abandonó la escuela con 16 años y encontró trabajo en la oficina en Londres de la revista Life, donde revelaba fotografías. Se especuló con que fuera Burrows quien estropeara los negativos de Robert Capa del día-D, pero parece ser que fue otro técnico quien lo hizo.

Burrows llegó a ser fotógrafo y cubrió la guerra de Vietnam desde 1962 hasta su muerte en 1971, cuando su helicóptero, que acompañaba a las fuerzas de Vietnam del Sur invadiendo Laos, cayó, muriendo junto a él los periodistas Henri Huet, Ken Potter y Keisaburo Shimamoto. Su libro póstumo Vietnam ganó el premio Nadar. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=+LARRY+BURROWS http://culturainquieta.com/es/foto/item/2756-larry-burrows.html

3.- SALLY MANN Sally Mann es una fotógrafa estadounidense cuyo trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa.

Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.

Es una fotógrafa que utiliza los diferentes recursos fotográficos para contar su historia, siempre con una cámara de gran formato y la técnica de colodión húmedo. Es capaz de producir un trabajo absolutamente profundo, melancólico y luego abstraerse para contar una historia desde un tono neutral, sin añadir ni un ápice de emoción.

Podríamos decir que pertenece al grupo de fotógrafos documentales como Tina Barney o Diane Arbus, pero se nos quedarían fuera aquellas las preparadas y pensadas, las que cuentan con una narrativa ficticia, tampoco entrarían en el saco documental las que pese a contar una historia real podrían clasificarse por su estética más que por su técnica. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=SALLY+MANN https://www.xatakafoto.com/fotografos/sally-mann-la-maestra-que-fotografia-la-vida-sincensura

4.- RINEKE DIJKSTRA Rineke Dijkstra es una fotógrafa holandesa que, desde principios de los noventa, se ha dedicado a inmortalizar con su cámara a individuos que viven en situación de cambio, de transformación de su identidad.

Estuvo trabajando como retratista formal hasta principios de los 90 en los que comenzó a desarrollar su propio estilo. Un año clave en la trayectoria artística de Dijkstra fue 1991, cuando realizó un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa.

Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en las playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. Realizadas con una simple cámara técnica de formato 4×5 pulgadas, a veces con luz de flash añadida a la natural, sus obras no son nada complejas en cuanto a los aspectos técnicos, pero sí en su contenido, al buscar respuestas sobre la identidad y sobre las relaciones familiares y culturales en la sociedad contemporánea.

El trabajo de Dijkstra es paradigmático de una nueva manera de interrogar la realidad en busca de respuestas contemporáneas sobre la identidad, las relaciones familiares y culturales, la naturaleza y el lenguaje. Situaciones de calma y estados de extraña armonía en los personajes, descolocan al espectador, que siente cierta incomodidad ante una imagen que inquieta por su fragilidad o por la intemporalidad que interpreta. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=RINEKE+DIJKSTRA http://www.elcultural.com/noticias/arte/Rineke-Dijkstra-La-mejor-foto-es-la-que-deja-mas-espacio-a-lainterpretacion/7179 https://i-d.vice.com/es_mx/article/wjdqww/nadie-captura-la-incomodidad-de-la-juventud-como-rinekedijkstra

5.- WILLIAM CHRISTENBERRY William Christenberry tiene un lugar destacado en la historia reciente de la fotografía americana por su peculiar visión del paisaje tradicional del Sur de los Estados Unidos, y es considerado como uno de los pioneros de la fotografía en color. Pero es también un creador versátil que ha utilizado otros medios (pintura, dibujo, escultura o instalación) para fijar la memoria de un paisaje transitado y vivido por él a lo largo de su vida.

Sus fotografías podrían considerarse un estudio sobre la arquitectura vernácula del Sur; podría parecer también que quiere dejarnos un testimonio sobre algunas situaciones vividas por él en la Alabama racista de los años sesenta, como los encuentros de los clanes o sus rallyes secretos de Tennessee; pudiera parecer que pretende capturar el paisaje del Sur americano o el rastro dejado por los anuncios publicitarios de la época.

Sus fotos van más allá de esa función meramente documental, que parece inherente a la fotografía, para establecer relaciones con cuestiones más complejas: memoria, identidad, autobiografía, decadencia, pérdida, envejecimiento, muerte y transmutación. http://www.centroguerrero.es/expos/william-christenberry-no-son-fotografias-son-historias/ http://exposiciones.fundacionmapfre.org/exposiciones/es/christenberry/exposicion/

6.- WILLIAM EGGLESTON William Eggleston es un fotógrafo muy conocido por lograr el reconocimiento de la fotografía en color como modo de expresión digno de exponerse en las galerías de arte.

Capta la realidad como al pasar; ver sus fotos se asemeja a mirar a fotos de un niño, pero ésta es sólo la primera impresión. Cuando vemos bastantes fotos comenzamos a darnos cuenta de que es un artista real, puro, que arroja fuera de borda todas las directivas de composición y de uso cromático y captura la vida, se concentra en los objetos, la ropa, las construcciones, los adornos y en el entorno de los humanos.

Así es que podemos calificar sus fotografías de banales o de extraordinarias; más allá de un impresionismo, más acá de lo puro, sustancial y piezas de la realidad.

Entre 1973 y 1974 estuvo enseñando en Harvard y descubrió el proceso conocido como Dye-transfer a través de un anuncio de laboratorios fotográficos, quedando impresionado por la saturación de colores y la calidad de las tintas. En 1979 realizó una exposición en el M0MA compuesta de 75 fotografías que causó escándalo.

En sus primeras etapas, Eggleston hacía fotografía en blanco y negro. Pronto comenzó a trabajar a contrapelo. Rebelde hasta la médula, en lo fotográfico contravino dos reglas no escritas: si se quería hacer arte había que realizar fotografías de sujetos hermosos y en blanco y negro. Estos criterios le tuvieron a Eggleston sin cuidado. Trabajó las zonas cercanas a Memphis realizando fotografías en color de sujetos comunes y corrientes. A finales de la década de 1960 y principios de 1970 el reportaje era el formato fotográfico documental dominante. Eligió hacer fotografías de cuanto le rodeaba, pero sin una intención registral, sino abiertamente artística. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=WILLIAM+EGGLESTON https://oscarenfotos.com/2013/10/19/william-eggleston-y-su-mundo-de-color/ https://culturafotografica.es/fotografia-en-color-william-eggleston/

7.- ADAM BARTOS Adam Bartos es un fotógrafo que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas, buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados.

Se ha centrado mucho en su New York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos.

Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O’Sullivan y Carleton Watkins, Bartos se centra en el paisaje contemporáneo. Con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal.

Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía. https://adambartos.com/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=adam+bartos https://www.pinterest.es/pin/382594930818797856/

8.- NICK WAPLINGTON Nick Waplington es un artista y fotógrafo inglés. Waplington, hacia 1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Nottingham, comenzó a fotografiar su entorno inmediato. Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema predilecto. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros (Living Room y Weddings, Parties, Anything) y numerosas exposiciones.

Su libro Other Edens (1994) se centró en preocupaciones medioambientales y, a pesar de que se concibió y trabajó al mismo tiempo que Living Room, fue visto como un cambio importante en su estilo y contenido. Otros de sus ensayos son Safety in Numbers (1997), un estudio sombrío de la cultura de la droga éxtasis a mediados de la década de los 90.

En You Love Life (2005) utilizó imágenes tomadas en un período de 20 años para la construcción de una narrativa autobiográfica. Waplington participó en el colectivo This Place, fundado por Frédéric Brenner, al que contribuyó con el libro Settlement, un estudio de los colonos judíos que viven en Cisjordania, con retratos y paisaje tomadas con una cámara de gran formato. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=NICK+WAPLINGTON

9.- LES KRIMS Les Krims es un fotógrafo conceptual americano conocido por sus cuidadosamente montadas fotografías fabricadas (llamadas “ficciones”), varias series candid, su lado satírico y su humor negro.

Krims estudió arte en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art y en el Pratt Institute. Durante más de 40 años ha enseñado fotografía, en el Rochester Institute of Technology y en el Buffalo State College. Es un autor controvertido, y objeto de numerosas críticas por parte de feministas e izquierdistas. https://lineassobrearte.com/2015/11/29/les-krims-el-temible-burlon/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=LES+KRIMS

10.- MITCH EPSTEIN Mitch Epstein es un fotógrafo estadounidense que con sus obras a gran tamaño y con saturados colores consigue fusionar los términos opuestos del foto-conceptualismo y la llamada fotografía documental.

A principios de la década de los 70, estudió en el Union College de Nueva York, Rhode Island School of Design en Rhode Island y en la Cooper Union de Nueva York, donde fue alumno de fotógrafo Garry Winogrand e influido por William Eggleston.

A mediados de los 70, comenzó a viajar, embarcándose en una exploración fotográfica de los Estados Unidos, de la que 10 fotografías formaron parte de la exposición en grupo en 1977 en la Light Gallery en Nueva York.

Su serie de 1999 The City investiga la relación entre la vida pública y privada en Nueva York. En 1999, volvió a su ciudad natal de Holyoke, Massachusetts, para documentar la desaparición de las dos empresas de su padre: una tienda de muebles al por menor y una pequeña inmobiliaria. El proyecto resultante, con fotografías de gran formato, videos, material de archivo, entrevistas y escritos, dio lugar al libro Family Business, que ganó el premio Krazna-Kraus al mejor libro del año en 2004.

Fue uno de los fotógrafos pioneros del NewAmerican Color. Ha sido uno de los autores que han aportado una estética policromática a un discurso de conciencia social.

Con su cámara de placa de gran formato, Mitch fue conformando un cuerpo de obra fotográfico que reflexionaba sobre las contradicciones de un pueblo estadounidense que se imagina a sí mismo con un poder ilimitado, y que se queda sin poder eléctrico. Su trabajo no es documental, pues sus fotografías hacen que sus temas y sujetos se conviertan en objetos simbólicos, que reinventan y trascienden a sus referentes originales. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=MITCH+EPSTEIN https://oscarenfotos.com/2017/03/27/mitch-epstein-galeria-mini-bio/

11.- KENNETH JOSEPHSON Es un fotógrafo estadounidense, que ha sido un fotógrafo conceptual muy influyente desde la década de los 60, utilizando su trabajo para llamar la atención sobre el acto físico de la fotografía, como, por ejemplo, utilizando técnicas como capas de fotografías en las fotografías con el fin de determinar los grados tanto de veracidad como la ilusión dentro del medio. En 1953, después de haber sido enviado en Alemania por el ejército de Estados Unidos fue entrenado en la fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento, en 1957 obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Rochester Institute of Technology, con sede en Nueva York. Allí le dio clases Minor White. Sus obras en los años 60 y 70 se centran en la fotografía conceptual, y o colocaron en la vanguardia de dicha fotografía. En 1972 fue galardonado con la beca Guggenheim Fellowship y en 1975 y en 1979 fue galardonado con la beca NEA por el National Endowment for the Arts. Muchas de sus colecciones se encuentran en museos como el Contemporary Art de Chicago, Smithsonian Institution en Washington, National Museum of American Art, Foograficka Maseet en Estocolmo, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. y la Bibliothèque National de París. Ha expuesto en Austria, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Suecia, Suiza y Francia. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=KENNETH+JOSEPHSON http://culturainquieta.com/es/foto/item/3594-ken-josephson.html

12.- MARTIN PARR Es un fotógrafo británico reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña. Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado. Estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973, a principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color, también ha trabajado en el cine documental. Su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 1990-1992, realizando fotografías de la película Signs of the Times. Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. En 1997 comenzó a producir sus propios documentales de televisión con Mosaic Film. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D’Arles. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=martin+parr https://hipertextual.com/2017/04/martin-parr-sony-awards http://pro.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL5357TF

13.- NICHOLAS NIXON Es un fotógrafo estadounidense, que cree en el papel crítico del arte y, por ello, lo utiliza como relato que pueda ser comprendido, compartido y recordado.

Escoge temas que destacan precisamente por su normalidad, que están siendo vividos por el artista, que pertenecen a su experiencia privada y que, muy probablemente compartan, con nosotros la experiencia de nuestra vida. Tras realizar sus estudios de postgrado en Fotografía por la New Mexico State University, compaginó sus clases como profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art de Boston con su labor como fotógrafo.

Comenzó a trabajar con cámaras de gran formato, su interés por el retrato y la fotografía de carácter social se ha plasmado en conocidas series como The Brown sisters o People with AIDS (1991), donde se observa la influencia de grandes artistas como Walker Evans y Edward Weston. Influenciado por la exposición New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House en 1975, se dedicó inicialmente al paisaje urbano, pasando poco a poco al interés por las personas que lo habitaban. A finales de los años noventa, documentó los cambios en el panorama urbano de Boston durante el proyecto de desarrollo vial Big Dig. Desde 1975, realiza todos los años una fotografía de su mujer Bebe y sus cuñadas Mimi, Laurie y Heather. Las cuatro mujeres aparecen retratadas siempre en el mismo orden, mirando al objetivo. Esta serie, llamada The Brown sisters, está compuesta por más de 33 fotografías realizadas en gelatina de plata.

La fotografía de Nixon forma parte de algunas de las más prestigiosas colecciones de todo el mundo como la del MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museum of Fine Arts de Houston, el Fogg Art Museum de Cambridge o la Maison Européenne de la Photographie de París. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=NICHOLAS+NIXON http://www.hoyesarte.com/evento/nicholas-nixon-entre-lo-visible-y-lo-invisible/

14.- STANLY KUBRICH Fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense, considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.

Comenzó a trabajar en el cine a partir de 1951, año en el que se estrenó su primer proyecto, el cortometraje documental Day of the Fight, que fue comprado por RKO Pictures, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico.

En 1968 alcanzó la cumbre de su carrera con 2001: A Space Odyssey, film de ciencia ficción con el que ganó su único Óscar a título personal, por el diseño de efectos especiales. Además, la película es considerada como una de las mejores de la historia dentro de su género, posteriormente, dirigió La naranja mecánica, una de las cintas más polémicas de la historia, más que nada por su alto nivel de censura. https://hipertextual.com/2015/05/stanley-kubrick-como-fotografo http://culturainquieta.com/es/foto/item/12584-fotografias-del-joven-stanley-kubrick-que-nos-transportana-las-calles-del-new-york-de-los-anos-40.html

15.- JEFF WALL Es un fotógrafo canadiense cuyo “primer acto creativo” consiste en “no fotografiar nada”, es decir, “abstenerse de capturarlo, aunque sí experimentarlo, atestiguarlo, sea lo que sea”.

Posteriormente emprende un proceso “reconstructivo o constructivo”, en el que busca la manera de que la experiencia tenida en torno al tema halle la forma de convertirse en una imagen.

Con 15 años su padre, mostrando confianza en sus capacidades artísticas, acondicionó un pequeño cobertizo en la parte trasera de casa para poder utilizarlo de estudio, fue su primer estudio y sigue siendo su favorito. Empezó a experimentar con todo lo nuevo que encontraba a su alrededor, lo conceptual y el minimalismo.

En Vancouver en los años 60 hubo dos grandes exposiciones de arte contemporáneo, una de arte norteamericano, la otra de arte europeo que fueron una oportunidad para ver cuadros de Pollock, Newman, Franz Kline, Bacon, Giacometti, Fontana... Aquello tuvo un efecto formativo para todos los artistas jóvenes de la zona.

En aquella efervescencia cultural y artística Wall estudiaba historia del arte en la University of British Columbia, inmerso en la experimental escena artística de Vancouver, aprendió de forma autodidacta fotografía, viéndola como la mejor herramienta para expresar sus ideas conceptuales. Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo, sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transparencias colocadas en cajas de luz. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=JEFF+WALL

16.- ANDRÉS SERRANO Es un fotógrafo y artista estadounidense que se hizo famoso a través de sus fotos de cadáveres y su uso de heces y fluidos corporales en su trabajo, en particular su controvertida obra “Piss Christ “, una fotografía teñida de rojo de un crucifijo sumergido en un recipiente de vidrio de lo que se pretendía que era la propia orina del artista.

Trabajó como asistente de director de arte en una empresa de publicidad, antes de crear sus primeros trabajos en 1983. El 5 de octubre de 2007, su grupo de fotografías llamado “La historia del sexo” estuvo en exhibición y varias fueron destrozadas en una galería de arte en Lund, Suecia por personas que se creía que eran parte de un grupo neonazi. El 16 de abril de 2011, después de dos semanas de protestas y una campaña de correo de odio y llamadas telefónicas abusivas a una galería de arte que muestra su obra, orquestada por grupos de fundamentalistas católicos franceses, aproximadamente mil personas marcharon por las calles de Aviñón, para protestar fuera de la galería. El 17 de abril de 2011, dos de sus obras, Piss Christ y The Church, fueron vandalizados. El director de la galería planea reabrir el museo con las obras dañadas “para que la gente pueda ver lo que los bárbaros pueden hacer”.

Serrano adoptó el alter ego “Brutus Faust” para crear el álbum de larga duración Vengeance Is Mine en julio de 2010. En 2013, Serrano realizó una obra de arte llamada Sign of the Times al recolectar 200 señales de personas sin hogar en la ciudad de Nueva York, generalmente pagando $ 20 por cada cartel. Describió el trabajo como “un testimonio de los hombres y mujeres sin hogar que deambulan por las calles en busca de comida y refugio. También es una crónica de los tiempos en que vivimos.” https://fotografonofotografo.com/2016/11/18/andres-serrano-el-fotografo-hereje-y-vulgar/

17.- SOPHIE CALLE Es una escritora, fotógrafa, directora y artista conceptual francesa. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia. Para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.

A finales de los años ‘70 presenta su primera serie de fotografías. De 1980 es su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana), donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad. De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, y las compara. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=SOPHIE+CALLE

18.- KATY GRANNAN Es una fotógrafa estadounidense. Su trabajo ha aparecido en The New York Times Magazine, se incluyó en la Bienal Whitney 2004, y está en colecciones públicas, incluyendo el Museo Metropolitano de Arte, el Solomon R. Guggenheim Museum y el Whitney Museum of American Art. También recientemente tomó un retrato del Sr. presidente Barack Obama para el New York Times.

Su preferencia por fotografiar extraños comenzó cuando todavía estaba en la Escuela de Arte de Yale, cuando colocó anuncios en periódicos pidiendo “personas para retratos”.

En su serie “Dream America”, los voluntarios a veces posaban desnudos y a menudo optaban por posar en lotes vacíos o habitaciones con techos bajos. En otro trabajo, fotografió a las personas en sus hogares y se centró en la forma en que sus entornos, muebles o aspectos de la vida privada, iluminaron el carácter de las personas, este trabajo culminó en la monografía “The Model American”.

Para su serie Boulevard, fue influenciado por su nuevo entorno en California. Ella fotografiaba extraños en Los Ángeles y San Francisco contra las paredes blancas como telón de fondo. Cada fotografía es el resultado de una colaboración sobre el terreno, realizada con la participación voluntaria de sus sujetos, a quienes compensa por su tiempo.

19.- SOUTHWORTH AND HAWES Fue una de las primeras firmas fotográficas en Boston, 1843-1863. Sus socios, Albert Sands Southworth (1811-1894) y Josiah Johnson Hawes (1808-1901), han sido aclamados como los primeros grandes maestros estadounidenses de la fotografía, cuyo trabajo elevó los retratos fotográficos al nivel de las bellas artes. Sus imágenes son prominentes en todos los libros y colecciones importantes de la fotografía estadounidense temprana.

Southworth y Hawes trabajaron casi exclusivamente en el proceso de daguerrotipo.

Trabajando en el formato de placa entera de 8 ½ x 6 ½ pulgadas, sus imágenes son brillantes, con forma de espejo y finamente detalladas. Escribiendo en el Photographic and Fine Art Journal, agosto de 1855, el daguerrotipista contemporáneo de Filadelfia Marcus Aurelius Root les hizo este elogio: “Su estilo, en verdad, es peculiar a ellos mismos, presentando bellos efectos de luz y sombra, y dando profundidad y redondez junto con una maravillosa suavidad o suavidad. Estos rasgos han logrado para ellos una gran reputación entre todos los verdaderos artistas y conocedores “. Señaló además que la empresa había dedicado su tiempo principalmente a los daguerrotipos, prestando poca atención a la fotografía en papel.

20.- JOEL-PETER WITKIN Es un fotógrafo americano cuyas imágenes de la condición humana son muy llamativas.

Encontrando belleza dentro de lo grotesco, Witkin persigue esta visión compleja a través de la gente apartada por la sociedad: hermafroditas, enanos, lisiados, andróginos, reses muertas, gente discapacitada, fetichistas y “cualquier mito vivo… cualquier persona que lleve los estigmas de Cristo”.

Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam, en 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos, esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante, quien había sido arrancado. Su fascinación con el físico de la gente ha inspirado trabajos que enfrentan nuestro sentido de la normalidad y de la decencia, mientras que constantemente pone en cuestión las enseñanzas impuestas por el cristianismo.

Joel-Peter Witkin nos deja mirar en su mundo recreado, que es espantoso y fascinador, ya que él intenta desmontar nuestras nociones preconcebidas sobre sexualidad y belleza física. Con sus imágenes, ganamos una mayor comprensión sobre la diferencia y tolerancia humanas. Su referencia constante a las pinturas de la historia de arte, incluyendo trabajos de Picasso, Balthus, Goya, Velázquez y Miró, testifica su necesidad de crear una nueva historia para sí. Su artista favorito y gran influencia en su obra es Giotto. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Joel-Peter+Witkin https://culturafotografica.es/joel-peter-witkin-retrato-macabro/

21.- MARCEL DUCHAMP Fue un artista y ajedrecista francés, especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento dada en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores, nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Comenzó a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento, el primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras.

La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda, se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones. Desnudo, que empezó en diciembre de 1911, sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo.

El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. Aúna elementos del cubismo y futurismo, movimiento que atacaba al cubismo del grupo de Puteaux. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salon des Indépendants, pero Albert Gleizes les pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el título, que les parecía caricaturesco, a lo que estos accedieron. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/duchamp.htm

22.- THOMAS RUFF Es un fotógrafo alemán, es uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80. Autor de imágenes de gran formato muestra espacios aparentemente lejanos al alcance de la vista del espectador. Explora una amplitud de temas que reflejan la gama de técnicas que emplea: las exposiciones analógicas y digitales tomadas por el artista coexisten con las imágenes creadas en ordenador, fotografías de archivos científicos, de periódicos, de revistas y de Internet.

Empezó con una pequeña cámara Nikon cuando tenía 16 años, inspirándose en las fotografías de revistas tan amateurs como él, con 19 años, fue aceptado en la clase de Bernd Becher en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf. Pronto demostró que su idea de lo fotográfico se desmarcaba de la de otros famosos alumnos de esta escuela: Tomas Struth, Axel Hütte, Cándida Höffer o Andreas Gursky.

De 2000 a 2006 fue profesor en la misma academia en la que estudió, tomando el relevo de Jeff Wall, sucesor, a su vez, de Bernd Becher.

Su relación con la arquitectura se inicia a raíz de sus trabajos con fotografías de viviendas sociales alemanas durante la década de los ochenta. En 1992 comenzó a colaborar con el estudio de arquitectura de Herzog y Meuron, fotografiando sus edificios y estudiando su interacción con el entorno. Sus imágenes arquitectónicas de carácter serial, formato monumental y extrema precisión ya son parte del legado visual de los años ochenta, pero además cultiva otros géneros como el interior, el retrato, el desnudo etc., manipulando por medio de ordenador las escalas de color, el contraste y la definición. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=THOMAS+RUFF

23.- MARK KLETT Es un Investigador, docente y fotógrafo estadounidense interesado en la Intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo.

En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en volver a fotografiar los escenarios del oeste norteamericano que fotógrafos tan conocidos como Timothy O’Sullivan, entre otros, realizaron en el transcurso de las expediciones encargadas por el Gobierno Federal durante la segunda mitad del siglo XIX. Con este proyecto, generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía, el equipo humano necesario para abarcar los ambiciosos propósitos de sus proyectos, y un discurso sobre la construcción del imaginario colectivo.

A finales de los años noventa retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX. En sus trabajos iniciales utilizaba película Polaroid positiva y negativa dejando una trama irregular alrededor de sus imágenes que se asemejaba a las asperezas de negativos en placa de vidrio utilizados por los fotógrafos del siglo XIX. Los bordes fueron recortados por razones estéticas, antes de su inclusión en libros. En sus trabajos más recientes, todavía utiliza a menudo una cámara de 4x5”, pero la técnica digital le permite mezclar las imágenes de otros fotógrafos con las suyas propias. Es profesor regente de Arte en la Arizona State University. Klett ha recibido becas de la Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Buhl Foundation y Japan/US Friendship Commission. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=MARK+KLETT http://www.markklettphotography.com/

24.- ANNIE LEIBOVITZ Annie Leibovitz es una fotógrafa, que fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, horas antes de que éste fuera asesinado en 1980. Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

En la secundaria, Annie se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte, pero empezó a interesarse por la fotografía en una base aérea de Filipinas y continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.

El editor Jann Wenner, de la entonces emergente revista Rolling Stone, quedó impresionado con su portafolio y le aceptó en la revista, en la que dos años después llegó a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo 10 años y en el que realizó 142 portadas. El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por un admirador.

Desde 1983, ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993.

A pesar de ser la fotógrafa mejor pagada, no escatima medios a la hora de producir sus fotografías ni repara en gastos para su disfrute personal y en los últimos años ha tenido graves problemas financieros y tiene hipotecada su producción fotográfica para los próximos años. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=ANNIE+LEIBOVITZ https://clubdefotografia.net/annie-leibovitz/

25.- CARLETON WATKINS

Fue un fotógrafo estadounidense muy conocido en la California del siglo XIX, es conocido por su serie de fotografías del valle de Yosemite en los 860 que consiguieron del Congreso de los EEUU convertir el valle en Parque Nacional y por sus fotografías estereográficas.

Su contacto con la fotografía comenzó trabajando como asistente de Robert Vance, en su estudio de retrato de San Francisco, y comenzó a hacer fotografías propias en 1861. Se interesó en la fotografía del paisaje y pronto comenzó a hacer las fotografías de las explotaciones mineras de California y del valle de Yosemite. Experimentó con varias nuevas técnicas fotográficas, y creó su “cámara mamut” de 18x22”, donde utilizaba grandes negativos de placa de cristal.

Se hizo famoso por su serie de fotografías y estereogramas históricos del valle de Yosemite en los 60s que motivaron en parte la decisión del Congreso Norteamericano de establecer el valle como Parque Nacional en 1864. Watkins también tomó una gran variedad de imágenes de California y de Oregón en los 70s y posteriormente.

Ganó muchos premios durante su carrera, comenzando en 1865 con un premio por “Mountain Views” en la Exposición del Instituto de Mecánicos de San Francisco. En 1867 ganó una medalla por fotografías de paisaje en la Exposición Internacional de París Compró los negativos estereográficos de Alfred A. Hart, fotógrafo oficial del Central Pacific Railroad, sobre la construcción del ferrocarril y continuó su publicación durante los 70. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=CARLETON+WATKINS

26.- RAFAEL GOLDCHAIN Es un fotógrafo canadiense muy respetado, sus fotografías están incluidas en las colecciones de importantes museos como la Galería Nacional de Canadá, la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo de Arte Moderno, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (México) y la Biblioteca Nacional de Chile.

Las raíces de Goldchain en Chile y México lo llevaron a trabajar en México y América Central en los años ochenta y noventa, este prolífico período produjo obras que incluyeron retratos y documentales personales para escenificar una visión desde el exilio de diversas tierras y culturas convulsionadas por el conflicto y el cambio rápido. La nostalgia por una Tierra Desconocida, como se dio a conocer la obra, recibió elogios de críticos, curadores y coleccionistas y se exhibió en Canadá, Estados Unidos, México, Cuba y Chile.

A finales de la década de 1990 y principios de 2000, se mudó al estudio para realizar una serie de autorretratos de sí mismo como sus antepasados, muchos perdidos en el Holocausto y muchos que se extendieron por Sudamérica y América Central a principios del siglo XX. Recogidos en un libro titulado I Am My Family: Photographic Memories and Fictions (Princeton Architectural Press 2008), estas imágenes performativas sugieren un vínculo íntimo entre la identidad, la memoria, la historia y el retrato fotográfico.

En los últimos trabajos (Beautifully Broken, 2011 y posteriores) recurre a temas arquitectónicos y naturales, concebidas como una forma de autorretrato, las imágenes de pilares que se desmoronan y arbustos enredados son meditaciones sobre el envejecimiento, la belleza, la complejidad y la mortalidad que buscan un equilibrio entre la vulnerabilidad y la fuerza. Las distinciones de Rafael Goldchain incluye https://culturacolectiva.com/arte/realidades-inventadas-rafael-goldchain/ https://rafael-goldchain.squarespace.com/

27.- WOLFGANG TILLMANS Es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín, su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.

Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó a Bournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres.

En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Obtuvo el premio Turner en el 2000. En 2002 grabó un documental titulado Light para el grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=WOLFGANG+TILLMANS https://graffica.info/wolfgang-tillmans/

28.- YASUMASA MORIMURA Es un artista plástico japonés, conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como Apropiacionismo, procedimiento mediante el cual el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación.

Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo...), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad.

A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra, a través de la cámara, analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón.

En 1985, exhibió un gran retrato en color de Van Gogh insertándose él mismo en ella, en 1988, fue seleccionado como artista de Aperto of Venice Biennale y fue catapultado a la fama. A través de la amplia utilización de utilería, vestuario, maquillaje y de la manipulación digital, se transforma magistralmente a sí mismo en temas reconocibles que jalonan el cañón de la cultura occidental. Sus series incluyen obras basadas en pinturas seminales de artistas como Frida Kahlo, Velázquez o Goya y sobre las fuentes pictóricas de la historia y los medios de comunicación. Su habilidad para satirizar y al mismo tiempo crear un homenaje de su material de origen es lo que hace la obra de Morimura especialmente contundente y eficaz.

A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo - instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo, su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Yasumasa+Morimura https://www.artsy.net/artist/yasumasa-morimura