DIRECTORIO
Directora
Noelia Gonzáles Santiago
Editor
Susana Méndez García
Arte y diseño
Susana Méndez García
Dirección
Prol. 24 Sur, Cd Universitaria, Ciudad. Universitaria, 72570 Puebla, Pue.
Contacto
+52 245 146 1034
Somos una revista nueva, trayendo para ustedes temas de interés para esas personas que son diseñadores o que quieren aprender más sobre este campo. Este es nuestro primer número, donde nos enfocaremos a trece temas muy distintos entre sí pero que juntos ayudarán al crecimiento de conocimiento. Sin más que agregar, ¡nos vemos en el siguiente número!
La Bauhaus funcionó entre 1919 y 1933 en Weimar, Dessau y Berlín. Su espíritu está vinculado a la modernidad, a la idea de crear con rebeldía y libertad, a la voluntad de ruptura y cambio. Boris Friedewald, curador de “El mundo entero es una Bauhaus”, cuenta en qué consiste la muestra y descubre la riqueza de la escuela, a casi un siglo de su creación.
Bauhaus es una palabra creada por el arquitecto alemán Walter Gropius, fundador de la Escuela de la Bauhaus en 1919. Responde a una combinación de dos palabras alemanas: bau, que significa construir, y haus, que significa casa: construir una casa. Al momento de crear el término Gropius pensaba en la labor, conjunta, de artistas y artesanos. La idea que subyace tiene que ver con construir algo nuevo, una nueva sociedad, un nuevo sentimiento, un nuevo ser. De ninguna manera se limitaba a una construcción arquitectónica.
Johannes Itten identificó siete categorías fundamentales de contraste: matiz, claro-oscuro, frío-cálido, complementario, análogo, saturación y extensión. La estrella de color modeló varios de estos. Presentaba seis círculos concéntricos, que representan la superficie de la esfera de Runge, con doce “meridianos” que irradian desde su circunferencia. Cada línea meridiana disecciona el centro de los círculos para golpear su opuesto polar en el espacio, mientras que una “zona ecuatorial” muestra los doce colores puros de una clásica rueda de colores de doce tonos. Itten explicó cómo se podría usar la estrella para estudiar los contrastes de color.
Las principales características del diseño gráfico de la Bauhaus son los impresos sin adornos, la articulación y acentuación de páginas con símbolos distintos o de elementos tipográficos destacados en colores planos, y la información directa, sin adornos, en una combinación de texto y fotografía, para la cual el nombre “Tipo foto” fue creado. Tipografía es la comunicación compuesta con tipos, fotografía es la representación visual de lo que puede ser capturado ópticamente, “tipo foto” es la representación visual más exacta de la comunicación.
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En la Bauhaus se busca la sistematización tipográfica. Importa enfatizar la claridad, pues la legibilidad debe quedar por encima de la estética. En la primera etapa de la Bauhaus como escuela, de 1919 hasta el 23, predomina la vanguardia alemana expresionista, a partir de 1923 por el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo ruso. En esta etapa el húngaro Laszlo Moholy Nagy, busca superar lo pictórico del expresionismo por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriados de posible uso industrial.
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Johannes Itten identificó siete categorías fundamentales de contraste: matiz, claro-oscuro, frío-cálido, complementario, análogo, saturación y extensión. La estrella de color modeló varios de estos. Presentaba seis círculos concéntricos, que representan la superficie de la esfera de Runge, con doce “meridianos” que irradian desde su circunferencia. Cada línea meridiana disecciona el centro de los círculos para golpear su opuesto polar en el espacio, mientras que una “zona ecuatorial” muestra los doce colores puros de una clásica rueda de colores de doce tonos. Itten explicó cómo se podría usar la estrella para estudiar los contrastes de color.
La Bauhaus influyó poderosamente en la arquitectura moderna, a tal grado de marcar la pauta. Se creó una nueva estética. El estilo de la Bauhaus se caracteriza por la ausencia de ornamentación incluso en las fachadas, así como por la armonía entre función y forma. Con su tipología de edificios rectangulares de concreto y cristal se intensificó la funcionalidad y la nueva estética en la exposición de materiales básicos. Esta nueva propuesta sigue hoy vigente en cuanto a conceptos de jerarquías, modulaciones, proporciones. Asimismo, la Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la creación de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela.
Hoy en día hemos aprendido a vivir con el diseño alrededor. Dejó de sorprendernos que una cosa responda a una función, pero también a una estética de manera simultánea. Ya no es raro que un objeto tenga diseño, sino por lo contrario… que no lo tenga.
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¿Cómo se relacionan estas dos profesiones?
La fotografía aplicada en el diseño gráfico es la composición que se hace con elementos digitales para elaborar un escenario, con mejoras aplicadas mediante los programas de edición fotográfica.
Algunas veces la imagen cobra mayor protagonismo en un diseño, principalmente cuando se quiere destacar un producto o servicio en la composición. Cuando el fin es llamar la atención se utiliza la manipulación digital en la fotografía como apoyo comunicativo; es ahí cuando el conocimiento de ambas profesiones juega un papel importante para crear una pieza gráfica consistente de calidad. Aquí te damos algunas herramientas y consejos que debes saber a la hora de realizar una fotografía y cómo implementar correctamente el diseño gráfico.
Una buena configuración facilita posteriormente la edición: equilibrar correctamente el ISO para evitar ruidos en la foto; lograr un correcto balance de blanco, etc. Se recomienda disparar siempre en RAW para tener un mayor campo de acción y también al editar identifica todos los colores.
TEmA
Ser detallistas con el entorno, la ropa, accesorios, productos, la pose. ¡Todo comunica y debemos integrarlo luego a la composición de diseño posterior!
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Se debe configurar correctamente la cámara para que el lente tenga una buena entrada de luz; así también según el escenario se puede utilizar flash, reflectores o rebotadores de luz, ayudando a agregar o eliminar sombras según el objetivo que se quiera lograr.
Los colores se deben complementar entre sí, para un buen equilibrio. Es por ello que elegir entre un escenario frío o cálido a nivel de colorimetría puede afectar en el significado y análisis de la fotografía.
Tener en cuenta el cuadro y escenario donde se realizará la fotografía. Un buen consejo es activar la cuadrícula en nuestra cámara o celular para poder ordenarnos visualmente al momento de tomar la fotografía.
Según lo que se quiera lograr con la fotografía, podemos jugar ya sea con un fondo pleno que simplifica posteriormente la edición, o con fondos más ambientales que requieren mayor atención en la combinación de todos los elementos implicados.
El diseño gráfico se trata de una disciplina que abarca muchas áreas, entre algunas de sus áreas encontramos la tipografía. Esta se encarga de materializar visualmente el lenguaje verbal, es decir la escritura.
Esta tiene un papel de gran relevancia dentro del diseño gráfico, ya que se trata de un elemento que es capaz de transmitir mensajes e ideas como por ejemplo la elegancia o alguna emoción, por lo que es una herramienta de comunicación muy importante.
Cada una de las tipografías tienen una forma y significado diferente, esto es lo que las caracteriza, respecto a la forma nos referimos a lo que observamos (trazo, geometría, estilo, inclinación…) y el significado hace referencia a lo que transmite, es decir el mensaje que genera en el receptor.
Por lo que cada tipografía provoca una serie de emociones y transmite un significado específico, que debe acompañar al mensaje que se quiere transmitir.
Se conoce por tipografía serif a las líneas unidas a las letras. Su origen es un misterio; una teoría dice que los escribas al usar pinceles o plumas dejaban pequeñas marcas al terminar cada trazo. Esto llevó a agregar trazos más pequeños y artísticos con más frecuencia, y estos trazos decorativos se convirtieron en una parte esencial de las letras.
En tipografía, un tipo de letra palo seco es aquel en el que cada carácter carece de las pequeñas terminaciones llamadas remates, gracias o serifas. Se usan para titulares pero no para cuerpos o bloques de texto grandes; los remates ayudan a guiar la mirada a través de toda la línea de texto; la falta de serifas obliga a esforzar mucho más la vista al leer grandes bloques de texto.
Las tipografías manuscritas o script parecen cursivas de caligrafía. En el diseño digital, estas fuentes suelen utilizarse para acentuar el título principal o la firma del autor, dado que los trazos más finos pueden desaparecer, afectando legibilidad.
Así como la tipografía resulta fundamental para el diseño del logotipo y demás elementos gráficos de una marca, igual importancia tiene el uso del color. Los colores producen diferentes emociones e influyen de manera decisiva en nuestra percepción de la realidad.
Colores primarios y secundarios, en sus infinitas combinaciones entre sí y con un determinado tipo de letra, tienen el poder de transmitir un mensaje o emoción concreta, así como definir por completo la personalidad de la empresa. Por ello, no es recomendable obviar ni subestimar la decisión de un diseñador de emplear un color específico a la hora de crear la identidad corporativa e imagen de una marca.
Existen estudios acerca de la psicología del color, es decir, de qué manera los colores comunican y transmiten emociones al espectador o cliente. Por ejemplo, el artista Josef Albers, quien en 1963 demostró en La interacción del color que nuestro ojo nunca percibe un color como realmente es. Esto supone un hecho a tener en cuenta, ya que un color puede ser percibido de diferente manera dependiendo del color con el que haga contraste. Es por ello importante que se realicen diferentes estudios de color, que se prueben diferentes combinaciones hasta dar con aquella que realmente funcione.
Son aquellas tipografías que comparten el estilo propio de una época o lugar. Por sus formas tan características y su personalidad definida y concreta, son apropiadas para dar un carácter histórico o cultural a un diseño.
En conclusión, la tipografía se trata de un elemento que debe acompañar armónicamente a otros elementos como son el color, el espacio o el logotipo, para crear así una armonía y coherencia en el mensaje que la empresa quiere transmitir.
Descarga fuentes en:
Otras investigaciones han profundizado en cuáles son las emociones ligadas a cada color, y cuáles son los más apreciados y utilizados por los diseñadores (Eva Heller, Psicología del color). Las conclusiones afirman que los colores preferidos son el azul, el verde, el rojo, el amarillo y el negro, frente al marrón, rosa, gris, violeta y naranja, que son menos preciados.
Azul
Es el más utilizado por las empresas. Evoca profundidad, seriedad, confianza y solemnidad.
Es un color tranquilo y apacible, y representa aspectos como la esperanza, la salud, y la paz.
NARANJA
Es dinámico y radiante, y transmite una sensación amigable, de confidencia.
Es un color que refleja la creatividad en estado puro, así como la imaginación y la sabiduría.
Link para la página PANTONE
Es un color pasional, intenso, excitante, en cierto modo agresivo, y refleja valores como la vitalidad y la fortaleza. Es un color luminoso y cálido, y refleja cualidades como el optimismo y la claridad.
se asocia con sentimientos de limpieza, pureza y seguridad. Se puede utilizar para proyectar la ausencia de color o neutralidad.
Simboliza negación, el color de la elegancia, de la exposición al peligro. Transmite nobleza.
Como vemos, el color tiene un papel decisivo en la manera en que percibimos la realidad. En diseño gráfico su importancia reside fundamentalmente en la manera en la que el cliente percibe la marca a primera vista. Las diferentes combinaciones de colores y su juego con la tipografía pueden dar como resultado una gran variedad de diseños con distintas interpretaciones a su vez. Es labor del diseñador, en colaboración conjunta con la empresa, encontrar la conexión perfecta de letra, forma y color, dando como resultado la imagen y mensaje que pretende transmitir la marca.
En estos días, no puedes hacer un clic del mouse sin tropezar con contenidos digitales. También conocidos como medios digitales, los contenidos vienen en muchas formas. Desde archivos de texto y audiovisuales, hasta animaciones e imágenes. Vamos a profundizar a continuación en la organización de contenidos.
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Digamos que publicas 10 piezas de contenido o artículos en tu blog al día. En un año, puedes publicar fácilmente más de 3.000 piezas de contenido. Ahora que tienes un volumen tan grande, puedes proporcionar ese contenido a tus lectores de formas interesantes. Esto se logra a través de la organización de contenidos de manera inteligente.
Como puedes inferir, la organización de contenidos es el ejercicio de saber quién está creando tus contenidos, dónde se van a publicar y cuándo saldrán a la luz. Igualmente, es la mejor forma de administrar dónde están alojados y los temas que lo componen, estructurando toda la data bajo temas y subtemas.
más sobre organización
Estas son algunas formas destacadas en las que los especialistas organizan su contenido en línea:
ETiqUETAS
Las etiquetas son palabras clave y frases asociadas con cada contenido. Para una sola pieza de redacción digital o video, permite que la audiencia comprenda rápidamente los conceptos importantes mencionados durante su desarrollo. En conjunto, proporcionan una forma poderosa de detectar tendencias recientes al destacar las etiquetas más populares.
AgRUPACIÓN
Realizar la organización de contenidos relacionados tiene dos propósitos. Primero, ayuda a reducir el desorden de la pantalla al reunir contenido similar. En segundo lugar, la agrupación permite a los lectores encontrar rápidamente diferentes perspectivas sobre el mismo tema.
RECOmENDACiONES
Realizar la organización de contenidos relacionados tiene dos propósitos. Primero, ayuda a reducir el desorden de la pantalla al reunir contenido similar. En segundo lugar, la agrupación permite a los lectores encontrar rápidamente diferentes perspectivas sobre el mismo tema.
NAVEgACiÓN POR FACETAS
Permite a los lectores desglosar rápidamente sólo el contenido en el que están interesados. De esta manera la organización de contenidos se agrupa por palabras clave. Como consecuencia, el simple hecho de hacer clic en uno de estos nombres te lleva a más contenido sobre ese mismo tema.
Por nombrar solo algunos ejemplos, sitios como Quora o Pinterest se basan en páginas temáticas.
Con las páginas que realizan una organización de contenidos en temas, los lectores encuentran todo en una sola página.
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Wucius Wong (1936) es un famoso pintor que trabaja con tinta china, siendo uno de los principales referentes del movimiento conocido como Nueva Tinta en Hong Kong. A su vez, es considerado el exponente más importante del diseño bidimensional y en tres dimensiones.
Es originario de la provincia de Guangdong, China, aunque creció en Hong Kong. Fue influenciado por Lui Shou-Kwan, con quien dio sus primeros pasos en la pintura china con tinta en 1955.
Su rol ha sido fundametal para la promoción de la literatura y arte moderno, siendo además miembro del One Art Group. También ha tenido un papel importante como educador y administrador de arte, llevando a Hong Kong muchas de las teorías y conceptos utilizados en la era moderna por los occidentales. Se encargó de propagar estas ideas gracias a la publicación y la organización de eventos.
Su influencia ha sido tan importante que ayudó a desarrollar e impartir cursos de diseño que han servido para formar a un gran número de diseñadores.
Los fundamentos básicos del diseño gráfico se componen de algunos elementos sin los que el profesional no podría crear, desarrollar y proyectar sus grandes trabajos. Estos son la base de todo producto visual y por separado no cobran el mismo sentido. Un diseñador gráfico es capaz de combinar:
Elementos conceptuales
El punto, la línea, el plano o el volumen, los que cobran especial relevancia con las nuevas técnicas 3D.
Elementos visuales
Representan todo lo visible por el ser humano, que se percibe por su forma, tamaño, color y textura.
Elementos de relación
Como la dirección, posición, gravedad y espacio, son a su vez los que enlazan a los conceptuales y visuales.
Elementos prácticos
Son la función de ese diseño, su representación y significado.
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Dentro de este ámbito se sitúa también uno de los conocimientos imprescindibles de todo diseñador gráfico: la psicología del color. Se trata del estudio del efecto que tienen los distintos colores en el comportamiento, las emociones y el estado de ánimo de las personas. Esta información es imprescindible para poder usarlos de manera apropiada y de acuerdo a lo que se busca transmitir.
Textura
Se trata de la impresión que generan las superficies de las formas y objetos utilizados. La textura se encarga de evocar sensaciones táctiles a partir de la vista, creando cuerpos suaves, duros, rugosos, ondulados, etc.
Tipografía
Se refiere a la elección de los tipos de letras y la manera en la que se integran con el resto de los elementos. Las características de la tipografía seleccionada dependerá de los objetivos del diseño. De hecho, existen profesionales que se dedican exclusivamente a diseñarlas como parte de su especialidad.
Fotografías
Hoy en día son parte habitual de cualquier proyecto publicitario, editorial o de redes sociales. Pueden abarcarlo todo, sirviendo de base o funcionar como un complemento.
Equilibrio
Contraste
Una propiedad que se basa en la relatividad de los colores, pues estos se aprecian de una u otra manera según su entorno. Así, el contraste se refiere a la diferencia de intensidad entre los distintos elementos, y es esencial para equilibrar cualquier composición.
Dentro de estos cuatro grupos, existen también algunos elementos principales que conforman los principios del diseño gráfico y que todo profesional debe conocer a fondo para proyectar y concebir sus composiciones. Aunque los criterios para definirlos pueden ser diversos, y dependen del nivel de detalle que se considere, estos son los más importantes:
Es un conjunto sucesivo de puntos que suele definir la dirección de las composiciones. La línea, además, separa planos, denota movimiento y delimita las áreas de cualquier diseño.
Es una línea cerrada que se inicia y termina en el mismo punto, creando figuras bidimensionales bien definidas. Se divide en formas geométricas, como los triángulos, cuadrados y círculos, y libres, que representan cualquier otro objeto en un plano 2D.
se refiere a la distribución de todos los elementos de la composición. Puede existir un equilibrio simétrico o asimétrico, según si dicha disposición se produce de forma equitativa alrededor de un eje o no. En esta última categoría tiene mucho peso la regla de tercios, que divide el plano en tres partes iguales y coloca los objetos en una de las situadas en los extremos, dejando las otras dos despejadas.
Realizar un curso de diseño gráfico te abrirá las puertas para comunicar a través de la imagen de una manera eficaz, haciendo uso de múltiples elementos. Esta es la opción más práctica y rápida para acercarte a este arte y obtener los conocimientos básicos necesarios tanto en el ámbito de la teoría como en el software a utilizar.
Es uno de los elementos más relevantes en el diseño. Influye en la percepción de saturación, temperatura e incluso brillo. No solo se refiere a la presencia de tonos del círculo cromático, sino también a la ausencia de ellos, en zonas blancas, negras y cualquier graduación de ambos colores.
Sin embargo, si te quieres desenvolver de forma profesional, la opción del máster en diseño gráfico es la ideal para ti. Con un enfoque especial en el diseño web, esta formación más prolongada te preparará para una de las profesiones más demandadas en el mundo digital.
wucius wong <Sin vínculo de intersección>©
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La creatividad y la innovación son dos claves del éxito del diseño gráfico, pero en muchas ocasiones no es fácil encontrarla y cada uno utiliza diferentes técnicas para inspirarse. La inspiración puede encontrarse en cualquier parte y en cualquier momento, lo único que hace falta es mirar, observar y empezar a diseñar. La creatividad es mágica, pero no es magia y nos debemos de inspirar recogiendo información de diferentes medios y de diferentes formas, pero saber cómo activar esa creatividad, es parte importante de ser un profesional creativo.
El mundo es una forma fantástica de encontrar contenido que está influyendo en tu entorno, y los grafismos están en todas partes: anuncios, imágenes en galerías e incluso en ropa. Busca esas imágenes creativas y llamativas que nos rodean en la vida cotidiana para crear tu próxima obra maestra. Observar es, sin duda alguna, la más importante de las técnicas, así como en el arte en general. La creatividad se encuentra en todas partes, y observando a nuestro alrededor podremos adquirir ideas de pequeños detalles. Es importante observar constantemente, pero sin querer forzarse a encontrar ideas para nuevos proyectos. Los carteles publicitarios, posters y papeles pegados a las paredes pueden servir de gran inspiración.
Otra técnica para inspirarse en el diseño gráfico es coleccionar. Postales, panfletos, páginas de revistas, folletos publicitarios… Todos ellos contienen colores, imágenes, dibujos, tipografías y muchísimas ideas. Tal vez en un primer momento no te inspiran mucha creatividad, pero revisarlos de vez en cuando, en diferentes momentos, puede ayudarte a adquirir ideas que en un primer momento tal vez no se te habrían ocurrido. Los recortes y montajes a partir de imágenes encontradas en revistas también son una técnica muy eficaz para inspirarse en el diseño gráfico. Te ayudará a descubrir nuevas ideas, nuevas combinaciones de colores e innovadoras combinaciones de conceptos. Dibujar constantemente también es imprescindible. No es necesario ser un experto en el dibujo para ser un diseñador gráfico profesional, pero se trata, sin duda alguna, de una técnica muy eficaz para inspirarse en el diseño gráfico. Podrás probar diferentes técnicas de dibujo e inventar nuevas tipografías. Guardar todos los dibujos, a pesar de que el resultado no sea profesional, también puede servirte de gran inspiración en el futuro. También es recomendable llevar un block de notas donde escribir cualquier idea o realizar simplemente esbozos o dibujos.
Para leer más
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Las imágenes son más que solo decoración. En diseño, son el gancho que atrae al espectador. Te pueden ayudar a conectar con la audiencia y dar una buena impresión, antes de que lean una sola palabra.
No tienes que ser un artista para usar imágenes en tu trabajo. Todo lo que se necesita es un poco de creatividad y motivación para pensar fuera de lo común.
Con los recursos correctos, puedes aprender a destacar tus diseños. Para iniciar, debes encontrar imágenes de alta calidad para cualquier tipo de proyecto. Hay innumerables fuentes en internet que ofrecen imágenes exactamente para este propósito.
La mayoría de personas, incluyendo profesionales, usan imágenes gratis o de bajo costo que se llaman “stock” o archivo. Estas son perfectas cuando necesitas algo específico, pero no tienes el tiempo o los recursos para hacerlo por tu cuenta.
Muchos de los sitios de imágenes de archivo te permiten navegar en sus galerías. Busca resultados que sean relevantes para tu proyecto, pero que también sean únicos de alguna manera.
Tus espectadores están naturalmente atraídos a imágenes que se sientan auténticas; fotos distintivas, pero creíbles, e ilustraciones que cuenten una historia.
Para un diseño más moderno y profesional, evita usar imágenes que no tienen contexto o son muy literales en su significado.
No importa si la foto que escogiste es casi perfecta en todos los aspectos. Si está borrosa o pixelada, podría dar una mala impresión de tu trabajo. Busca imágenes de alta calidad que sean nítidas, claras y libres de distorsión. En general, entre más grandes sean, tendrás más opciones para trabajar.
Una imagen grande y en alta resolución siempre puede ser recortada o reducida, dependiendo de las necesidades del proyecto.
El tamaño y la resolución de las imágenes son dos conceptos que suelen confundirse, generando errores y produciendo una imagen final defectuosa o de mala calidad. La resolución inadecuada de las imágenes es uno de los motivos principales de impresos de baja calidad.
El tamaño de una imagen digital está dado por sus dimensiones en píxeles (por ej, 1200 píxeles de ancho x 800 píxeles de alto).
La resolución es la relación que existe entre la cantidad de píxeles que contiene la imagen y el tamaño final al que ésta será impresa. Se expresa en ppp (píxeles por pulgada) o ppi (pixels per inch).
También se suele referirse a la resolución en dpi (dots per inch, puntos por pulgada), aunque esta última denominación debería utilizarse solamente para definir la resolución de un dispositivo de salida (por ej. una impresora).
Por lo tanto, una imagen de 300 x 300 píxeles, impresa a un tamaño de 2.54 cm x 2.54 cm (1 pulgada), tendrá una resolución de 300 ppp.
La misma imagen, impresa a un tamaño de 5.08 cm x 5.08 cm (2 pulgadas), tendrá una resolución de 150 ppp.
Si pensamos primero en la resolución que necesitamos para imprimir la imagen a una cierta calidad (ej. 300 ppp), la misma será la que determine el tamaño al que puedo imprimir la imagen:
Una imagen de 300 píxeles x 300 píxeles, a una resolución de 300 píxeles por pulgada, se podrá imprimir a un tamaño de 2.54 cm (1 pulgada).
Una imagen de 600 píxeles x 600 píxeles, a una resolución de 300 ppp, se podrá imprimir un tamaño de 5.08 cm (2 pulgadas).
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El diseño 3D consiste en utilizar software para crear una representación matemática de un objeto o una forma tridimensionales. El objeto creado se denomina modelo 3D; estos modelos tridimensionales se usan para el diseño generado por computadora. El diseño 3D se usa en una variedad de industrias para ayudar a los artistas a desarrollar, comunicar, documentar, analizar y compartir sus ideas.
Estos son solo algunos de los tipos de métodos de diseño 3D utilizados en las industrias de la arquitectura, la construcción, la manufactura, los medios y el entretenimiento.
CAD 3D
La tecnología CAD 3D, usada por arquitectos, ingenieros y otros profesionales, proporciona una dimensión adicional para visualizar y compartir diseños con precisión.
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El modelado 3D, es decir, el uso de software para crear modelos 3D, se utiliza ampliamente en muchas industrias para visualizar, simular y renderizar diseños gráficos.
Los artistas de efectos visuales (VFX) crean efectos atractivos, personajes 3D verosímiles y entornos impactantes para cine, televisión y juegos de video.
La realidad virtual (VR) sustituye el mundo real por uno simulado en 3D, transformando un diseño 2D en un modelo digital interactivo y envolvente para los usuarios.
Los fabricantes y los diseñadores de productos usan programas de diseño gráfico 3D para diseñar productos, automóviles, fábricas, edificios y equipos industriales.
El modelado de información para la construcción (BIM, Building Information Modeling) es un proceso basado en modelos 3D que ayuda a los profesionales a planificar, diseñar, construir y gestionar edificios e infraestructura con más eficiencia.
El diseño generativo utiliza algoritmos informáticos para realizar miles de diseños optimizados, junto con los datos necesarios para descubrir qué diseño brinda el mejor funcionamiento.
Las aplicaciones CAD/CAM usan el software informático para diseñar un producto y programar los procesos de manufactura, especialmente, el fresado y el mecanizado por CNC.
La tendencia del diseño 3D no es exactamente nueva, para ser justos, pero se está volviendo más y más genial. Esta tendencia de diseño es una que ciertamente ha aprovechado al máximo los avances tecnológicos y las capacidades de software más modernos. Un gran ejemplo de tendencias de diseño que surgen de nuevas posibilidades de «hacer». El auge y auge de la realidad aumentada y la realidad virtual en el diseño web y las aplicaciones de IU de alto rendimiento, el aumento de la velocidad de Internet y la tecnología, el increíble software listo para usar, todo esto significa que los diseñadores están mejorando su juego 3D. La tendencia popular será hacia imágenes increíblemente realistas e hiperrealistas para difuminar lo digital y lo físico. Para correr junto con esto, predecimos que estas imágenes en 3D serán increíblemente impactantes, no solo empujadas como un elemento menor sino que tomarán el centro del escenario, incluso dominarán toda la página. La tendencia actual de combinar imágenes fotográficas con elementos ilustrativos también está influyendo en el 3D. Los diseñadores de tendencias combinan diseños en 3D con fotos o ilustraciones planas. Otros están agregando movimiento y animación, todo para hacer que el sitio se destaque del aluvión de otros.
El diseño gráfico es un elemento esencial en el marketing digital: es la representación visual de la estrategia de una marca, provoca sensaciones y emociones que la vinculan con sus clientes. Y eso no es casualidad, pues 93 % de los consumidores piensa que los elementos visuales afectan su decisión de compra.
Actualmente hay programas y recursos especializados que se adaptan a las necesidades de las empresas para este ámbito: optimizan y agilizan sus servicios de diseño gráfico de acuerdo con los recursos disponibles.
Por eso que en este artículo queremos compartir contigo algunas de estas alternativas de diseño gráfico que pueden ayudarte a lograr los resultados que buscas.
es la herramienta de Adobe perfecta para los trabajos editoriales digitales: te ayuda a maquetar páginas y hacer la composición de textos. Es el instrumento ideal para hacer folletos, revistas y libros (tanto en formato digital como físico). En InDesign podrás crear documentos online interactivos pues te permite combinar distintos tipos de formatos de audio, video, diapositivas o animaciones.
Adobe Photoshop se mantiene como el líder en el ramo por ser una herramienta muy completa, debido a los recursos que ofrece y el sinnúmero de cosas que pueden realizarse con ella. Permite mejorar fotografías, así como realizar ilustraciones e imágenes en 3D. Además no se limita al campo de las imágenes, sino también que también edita videos y simula cuadros reales.
Es fácil de utilizar, incluso para usuarios principiantes por ser un programa muy intuitivo y pone a tu disposición diversas plantillas. Tendrás acceso al programa favorito de muchos expertos del marketing para las tareas de diseño gráfico más elaboradas y al usar tu creatividad, puedes
de diseño gráfico más elaboradas y al usar tu creatividad, puedes crear efectos impresionantes (inspírate en algunos de los mejores trabajos en Photoshop que existen).
Adobe Illustrator es otro programa de la paquetería Adobe que permite la creación de logotipos para tu marca, así como dibujos, tipografías e ilustraciones.
Este software se especializa en gráficos con vectores con los que puedes crear desde tus propios iconos para tu sitio web hasta ilustraciones para revistas, libros e incluso vallas publicitarias.
El cine engloba distintas disciplinas como la iluminación, cámara, escenografía, guion, música, vestuario, etc. pero ¿y el diseño gráfico? a nadie se le ocurre pensar que ocupa una parte importante en la elaboración de cualquier película. Su participación se intuye en los carteles promocionales, pero su papel dentro del cine va mucho más allá. El cartel promocional es la primera imagen que el posible espectador tiene de la película, es, el que, en muchas ocasiones, va a determinar que se decida a ir a verla. Por tanto, hay que tener especial cuidado en su elaboración. Un cartel sugerente hará que el espectador no pase de largo, le interese y quiera consultar la sinopsis de la película.
Otro ejemplo clásico de utilización del diseño en el cine son los créditos. Existen créditos iniciales y finales, siendo más común estos últimos. En los títulos de los créditos se enumeran todas las personas que han trabajado en la producción de la película. En un primer momento, se limitaban a una imagen de fondo sobre la que iban apareciendo rótulos con los nombres. Actualmente podemos encontrar créditos de todo tipo imágenes estáticas o en movimiento, animaciones, etc., siempre acompañados de la banda sonora de la película Pero como hemos dicho al principio de este artículo, el papel del diseño gráfico va mucho más allá. A lo largo de la película, el diseño gráfico se encarga de introducir al espectador dentro del mundo de la película. Hace posible que elementos tan cotidianos como un periódico, se conviertan en narradores de la historia. Esta disciplina diseña los elementos que interactúan con los actores para dar vida a la trama, como los carteles de metro, de las tiendas o simples tarjetas de visita. Por ejemplo, ¿alguien se imagina a Harry Potter sin el “Mapa del Merodeador”? o ¿de dónde salían las publicaciones de “El Profeta”? El estudio que se encargó de estos diseños y de las películas de “Harry Potter” en general, fue MinaLima. Este estudio también se ha encargado de todo el diseño gráfico de la película “Animales fantásticos y donde encontrarlos”. También podemos encontrar la huella del diseño gráfico en el cine de animación. Pero, a pesar de su importancia, el diseño gráfico es el gran desconocido dentro del mundo del cine. Aunque en los últimos años, se ha empezado a dar a conocer gracias a figuras como Annie Atkins, diseñadora gráfica a cargo de la creación de películas como “El Gran Hotel Budapest” o “Boxtrols”, que se encarga de ir enseñado su trabajo con conferencias por todo el mundo.
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La inteligencia artificial (IA) es un conjunto de tecnologías que permiten que las computadoras realicen una variedad de funciones avanzadas, incluida la capacidad de ver, comprender y traducir lenguaje hablado y escrito, analizar datos, hacer recomendaciones y mucho más.
La IA es la columna vertebral de la innovación en la
La inteligencia artificial es un campo de la ciencia relacionado con la creación de computadoras y máquinas que pueden razonar, aprender y actuar de una manera que normalmente requeriría inteligencia humana o que involucre datos cuya escala exceda lo que los humanos pueden analizar. La IA es un campo amplio que abarca muchas disciplinas diferentes, incluidas la informática, el análisis de datos y las estadísticas, la ingeniería de hardware y software, la lingüística, la neurociencia y hasta la filosofía y la psicología.
La inteligencia artificial se puede organizar de varias maneras, según las etapas de desarrollo o las acciones que se están realizando. Por ejemplo, se suelen reconocer cuatro etapas de desarrollo de la IA.
IA limitada que solo reacciona a diferentes tipos de estímulos basados en reglas preprogramadas. No usa memoria y, por lo tanto, no puede aprender con datos nuevos. Deep Blue de IBM, que venció al campeón de ajedrez Garry Kasparov en 1997, fue un ejemplo de una máquina reactiva.
computación moderna, lo que libera valor para las personas y las empresas. Por ejemplo, el reconocimiento óptico de caracteres (OCR) usa la IA para extraer texto y datos de imágenes y documentos, y convierte el contenido no estructurado en datos estructurados listos para las empresas, además de brindar estadísticas valiosas.
Una forma más útil de categorizar ampliamente los tipos de inteligencia artificial es según lo que puede hacer la máquina. Todo lo que llamamos inteligencia artificial actualmente se considera inteligencia “estrecha” porque solo puede realizar un conjunto reducido de acciones en función de su programación y entrenamiento. Por ejemplo, un algoritmo de IA que se use para la clasificación de objetos no podrá realizar procesamiento de lenguaje natural. La Búsqueda de Google es una forma de IA estrecha, al igual que las estadísticas predictivas o los asistentes virtuales. La inteligencia artificial general (AGI) sería la capacidad de una máquina de “sentir, pensar y actuar” como lo haría una persona. La AGI no existe actualmente. El siguiente nivel sería la superinteligencia artificial (ASI), en la que la máquina podría funcionar de manera superior a la humana en todo aspecto.
A nivel operativo para el uso empresarial, la IA es un conjunto de tecnologías que se basan principalmente en el aprendizaje automático y el aprendizaje profundo, que se usan para el análisis de datos, la generación de predicciones y previsiones, la categorización de objetos, el procesamiento de lenguaje natural, las recomendaciones, la recuperación inteligente de datos y mucho más.
La IA puede automatizar flujos de trabajo y procesos, o trabajar de forma independiente y autónoma de un equipo humano. Por ejemplo, la IA puede ayudar a automatizar aspectos de la seguridad cibernética mediante la supervisión y el análisis continuos del tráfico de red. De manera similar, una fábrica inteligente puede tener decenas de tipos diferentes de IA en uso, como robots que usan visión artificial para navegar por las fábricas o inspeccionar productos en busca de defectos.
mEmORiA LimiTADA
Se considera que la mayor parte de la IA moderna es de memoria limitada. Puede usar la memoria para mejorar con el tiempo mediante el entrenamiento con datos nuevos, por lo general, a través de una red neuronal artificial o algún otro modelo de entrenamiento. El aprendizaje profundo, un subconjunto del aprendizaje automático, se considera inteligencia artificial con memoria limitada.
Un paso más allá de la IA con teoría de la mente, el concepto de IA con autoconocimiento describe una máquina mítica que tiene conocimiento de su propia existencia y tiene las capacidades intelectuales y emocionales de un ser humano.
Actualmente no existe IA con teoría de la mente, pero se están investigando distintas posibilidades. El término hace referencia a IA que puede emular la mente humana y tiene capacidades de toma de decisiones similares a las de un ser humano, lo cual incluye reconocer y recordar emociones, y reaccionar en situaciones sociales como lo haría un ser humano.
La ilustración en el mundo del arte es la “estampa, grabado o dibujo que adorna o documenta un libro”. Esa es la definición de la RAE, pero una más completa podría ser esta:
La ilustración es un dibujo, pintura u obra impresa de arte que explica, aclara, ilumina, visualmente representa, o simplemente decora un texto escrito, que puede ser de carácter literario o comercial. Los orígenes de la ilustración – antes de la invención de la «escritura» – se remontan a la pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban carbón y ocre en sus cuevas para ilustrar lo que veían a su alrededor. Históricamente, la ilustración de libros, revistas y periódicos han sido las formas predominantes de este tipo de arte visual, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en las áreas de creación de carteles, anuncios, libros de historietas, animación, tarjetas de felicitación, tiras etc.
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Existen muchos tipos de ilustraciones, pero para empezar podemos describir dos grandes clases:
son representaciones metafóricas (no realistas) de escenas, objetos, ideas o teorías. Las imágenes pueden contener elementos de la realidad, pero en su conjunto tienen una forma o significado diferente.Ejemplos de ilustración conceptual incluirían historietas, gráficos, dibujos abstractos…
estas ilustraciones tienden a representar verdades pictóricas. Aquí hay generalmente una descripción exacta de la realidad, e incluso si la imagen representa la ficción narrativa de carácter fantástico o dramática, se hace hincapié en la creación de una escena que sea creíble. Ejemplos de ilustración literal incluirían los siguientes: foto realismo, hiperrealismo…
En cuanto cómo se realizan las ilustraciones, volvemos a encontrar dos grandes tipos:
es el tipo “clásico” de ilustración, en el que se di-
la ilustración digital, en cambio, usa las nuevas tecnologías (a través de diferentes tipos de software) para la producción de imágenes.
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Por último, los campos en los que se emplea la ilustración son muchos y muy variados. Por poner algunos ejemplos tendríamos:
• ILUSTRACiÓN iNFANTiL
• ILUSTRACiÓN EDiTORiAL
• ILUSTRACiÓN FANTáSTiCA
• ILUSTRACiÓN PARA CiNE
• ILUSTRACiÓN PARA jUEgOS
• COmiC
• HUmOR gRáFiCO
• ILUSTRACiÓN DE PORTADA
• ILUSTRACiÓN PARA CONCEP ART
• ILUSTRACiÓN PUBLiCiTARiA
• ILUSTRACiÓN TéCNiCA
• ILUSTRACiÓN DE mODA
Nombre:
Apellido:
Ocupación: Profesor
Estudiante
Freelancer
Otro:
• https://www.mique.es/la-importancia-del-color-en-el-diseno-grafico/#:~:text=En%20dise%C3%B1o%20gr%C3%A1fico%20su%20importancia,distintas%20interpretaciones%20a%20su%20vez.
• https://escuelaeuropeadeempresa.eu/la-importancia-de-la-tipografia-en-el-diseno-grafico/
• https://www.planetaweb.com.mx/la-organizacion-de-elementos-graficos.htm#:~:text=La%20 organizacion%20de%20elementos%20graficos,forma%20lo%20est%C3%A1%20por%20partes.
• https://onoffsolutions.com.ar/2019/08/01/tamano-y-resolucion-de-imagenes/
• https://www.upaep.mx/micrositios/bauhaus/durante/diseno.html#:~:text=Las%20principales%20caracter%C3%ADsticas%20del%20dise%C3%B1o,para%20la%20cual%20el%20nombre
• https://www.soul.com.uy/novedad/79/fotografa-y-diseo-grfico-cmo-relacionarlas-correctamente#:~:text=La%20fotograf%C3%ADa%20aplicada%20en%20el,los%20programas%20de%20edici%C3%B3n%20fotogr%C3%A1fica.
• https://gadebs.es/blog/formacion/formas-inspiradoras-en-el-diseno-grafico/
Tema de interés
Wucius Wong
Elementos del diseño
Color
Tipografía
Organización de contenido
Resolución de imágenes
Diseño de la Bauhaus
Fotografía
Autor de inspiración.
Diseño 3d
Programas de diseño
El diseño gráfico en el cine
• https://www.autodesk.mx/solutions/3d-design-software#:~:text=El%20dise%C3%B1o%20 3D%20consiste%20en,el%20dise%C3%B1o%20generado%20por%20computadora.
• https://blog.hubspot.es/marketing/programas-diseno-grafico
• http://www.etsididesign.com/ultimos/papel-del-diseno-grafico-cine/
• https://www.arteneo.com/blog/definicion-de-ilustracion-y-tipos-de-ilustraciones/#:~:text=La%20ilustraci%C3%B3n%20es%20un%20dibujo,de%20car%C3%A1cter%20literario%20o%20comercial.
• https://www.wearecontent.com/blog-comunidad/tips-consejos-para-freelacers/organizacion-de-contenidos
• https://edu.gcfglobal.org/es/conceptos-basicos-de-diseno-grafico/la-imagen-en-diseno/1/
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