Dossier Aaron santos Comesaña

DOSSIER DOSSIER DE OBRA Aarón Santos Comesaña

aaron9santos@gmail.com www.aaronsantos.com

“The past is never where you think you left it.�

Katherine Anne Porter

INDICE iNTRODUCCIÓN Presentación del contenido del dossier

No Monumento:“Rest in Pieces” - Contextualización geográgica y social de la pieza - Descripción formal y técnica - Significado y mensaje

Instalación en la Tate Modern: “Marine Debris” - Historia de la “Turbine Hall” y relación con la obra (referentes) - Información de la problemática tratada - Descripción técnica y formal de la intervención - Mensaje y función social

READY- MADES: “Waste Series” - Relación entre estos objetos y referentes - Descripción formal - Contenido social

Introducción En este dossier se incluirán las piezas realizadas para la asignatura de “Obxecto e Espazo”.

Estas, se dividen en tres propuestas marcadas bajo una temática específica de forma individual.

La realización de un No-Monumento, que desafíe la lógica formal e histórica de estos mismos, la presentación de una instalación para la Tate Modern de Londres y, finalmente, el desarrollo de tres Ready-Mades. Todos estos, pese a sus singulariades, siguen un mismo eje y línea temática, aportándole a todas las obras desarrolladas una cohesión entre ellas que permite generar un dicurso global y una apreciación en común del trabajo.

Las piezas, están inspiradas, en gran parte, por el Land Art que surje a partir de los años 70, pero recibe gran influencia de muchos otros.

Artistas cómo Joseph Penone, Olafur Eliasson, Chris Jordan, Paulo Grangeon, Letha Wilson, Nancy Holt... Han supuesto una gran fuente de inspiración en diversos aspectos y conceptos, que, establecen una sinergia con la obra realizada.

“Rest in Pieces”

Localización geográfica

“Rest In Pieces”, presenta una gran cohesión con el lugar geográfico del que fue adquirida. Más allá de su resolución formal, el significado de dicho “No-monumento”, guarda gran relación con su entorno y la memoria histórica de este mismo, aportándole una carga significativa y emocional a través de una óptica social.

Cada uno de los elementos que la conforman, provienen de los restos dispuestos entorno al casco abandonado de un barco, situado en las proximidades de la “Praia do Cocho”.

Esta, se encuentra localizada, de forma específica, en “A Guía”. Un pueblo desarollado, situado en Meira, dentro de la provincia de Pontevedra.

Este ha mantenido y mantiene una particular relación con el mundo marítimo y el oficio naval, siendo ambos, los mayores generadores de ingresos de la zona. Desde hace cerca de 60 años, han sido las profesiones más expandidas, marcadas por un territorio propenso a ellas y la necesidad de las generaciones anteriores de buscar una forma de subsistir, basándose en el medio en el que vivían y del cual poder sacar beneficio.

Dicha zona se ha nutrido y nutre por completo de la “Ría de Vigo”, situando la pesca como núcleo central tradicional del pueblo.

Sin embargo, pese a esta importancia dentro del círculo cultural de la zona, en la actualidad, los avances y la búsqueda de las nuevas generaciones de un futuro diferente, han provocado que lo que en este pasado tan cercano conformaba prácticamente todo, se haya convertido en una actividad pasajera que se mantiene viva, únicamente, en casos aislados.

Casco del barco

Lugar del cuรกl fueron tomados los materiales de la pieza

“Dentro de la ciudad los monumentos públicos deberían captar y revitalizar la historia del entorno original de su emplazamiento” Alan Sonfist

La obra busca dignificar estos fragmentos de un pasado que sigue estableciendo una relación narrativa con el presente, expresando de forma física y visual el entendimiento que tenemos de estos en la actualidad (meros objetos o desperdicios del ámbito naval).

Así, para llegar a comprender la pieza, es necesario conocer la historia que esconde y el contexto en el que se desarrollaron dichos materiales.

Estos, abarcan una gran diversidad de tipologías: redes de batir y de tiro con copo, cabos de distintas gamas cromáticas, maderas, corchos, metales con gran nivel de oxidación…

Todos ellos, expuestos de forma conjunta y bajo una normativa basada en su cromatismo, conforman lo que es presentado como “Rest in Peaces”, y por lo tanto como monumento. La obra, de forma literal, es entendida como una mera acumulación de restos marítimos. Sin embargo, al igual que todos estos elementos olvidados de un cercano pasado, busca generar el mismo diálogo que estos mismos. Provocar, en su primera impresión, un discurso similar al que la población mundial ejerce al contemplar estos objetos, lugares o establecimientos abandonados.

Una impresión basada en la ignorancia provocada por el entendimiento visual y la gran falta de memoria histórica que se expande en la población actual.

No saben ni dónde están viviendo el presente, a causa del olvidado pasado, provocando un nocivo futuro.

Catรกlogo de materiales

Plรกstico grueso 50x17

Red plรกstica 1metro long.

Bloque de madera

Cabos de pesca

Corcho industrial

Plรกstico

A su vez, tras esta primera fase, tiene como meta proporcionar un estos desperdicios presentados, que son mostrados bajo su entend proceso de reflexión en el público.

¿De qué monumentos nos estamos rodeando en la actualidad?,¿P reflejan en su totalidad, o debemos focalizar nuestra atención en e gráfico-personal de forma clara?

Esta pieza contiene de este modo, un trasfondo político y social, c dad y principalmente a su pasado.

Pieza cojunta de todos los materiales

na sensibilidad histรณrica mediante la informaciรณn y recorrido de todos dimiento global, con unos รกpices dignificantes que buscan generar un

Preferimos vivir en una realidad representada por piezas que no la estos desarrollados de forma natural, que establecen un diรกlogo geo-

criticando la sociedad actual y su pasividad respecto a su propia reali-

Instalaciรณn en la Tate Modern

Antigua Central EnergĂŠtica

Tate Modern en la actualidad

Historia del lugar La“Tate Modern”, situada en el centro de Londres, es el nombre con él que se conoce al Museo Nacional Británico de Arte Moderno.

Se encuentra situada en lo que anteriormente era una central de energía de Bankside, diseñada por Giles Gilbert Scott.

Su realización abarcó el periodo de tiempo dispuesto entre los años 1947 y 1963, y durante este mismo, se desarrolló un imponente edificio de ladrillo con una estructura metálica de gran alcance.

La construcción, alberga en su interior, una sala de turbinas de 152 metros de largo por 35 m. de altura y, una sala de calderas más pequeña.

Esta central cerró en 1981, hasta que en 1994 se convocó un concurso internacional para su rehabilitación.

Este, fue ganado por el equipo de arquitectos suizos Herzog & de Meuron, los cuáles, le proporcionaron su imagen actual.

La estructura de la central fue, en general, respetada y, en su interior, se crearon grandes espacios por los que la luz podía fluir de forma armónica y lógica.

En la actualidad este lugar recibe el nombre de la Tate Modern y se ha convertido en una de las galerías nacionales de mayor relevancia e importancia dentro del sector artístico, destacando por sus exposiciones y eventos, relacionados con el arte contemporáneo.

Ha contado con exposiciones de artistas de gran renombre cómo: Ai Wei Wei, Olafur Eliasson, Damien Hirst... Se ha convertido debido a todo estos factores en uno de los núcleos artísticos de mayor exposición social y prestigio, estableciéndose cómo destino deseado por cualquier artista

La intervención propuesta para la sala de las turbinas recibe el nombre de “Marine Debris”.

Busca proponer el espacio expositivo como mero contenedor. Realizar una contraposición del ser humano frente al mundo y, en cómo este, se está convirtiendo en un receptor de nuestra tóxica forma de vida.

Así, pretende llenar el espacio, en su totalidad, de plásticos y materiales de diversas tipologías, unidos por el hecho de haber sido encontrados en diferentes playas del país.

Mediante esta producción artística, que se podría definir como ecológica, se transportan de forma sensitiva y espacial los restos del ecosistema con los que el mundo animal se está encontrando en el desarrollo de su vida.

Convierte la sala en un contenedor, lleno de todos los restos que intentamos ignorar y que continúan dañando todo aquello que no se ve.

De esta forma, busca, que los espectadores que vayan a observar la instalación, se encuentren un lugar ahogado por los materiales, repleto por todas sus esquinas y desfigurado por la disposición de muchos de ellos en la sala.

El público, presentará ciertas dificultades para desenvolverse por el lugar, ya que los plásticos, alcanzarán la medida de un metro dispuestos en el suelo y en algunos puntos superarán esta altura debido a su colocación conjunta.

“Marine Debris”, se convierte así, en cierto modo, en una obra procesual e interactiva, que se va modelando con la transición del público a través de ella. Este factor, es uno de los más importantes, ya que, refleja el camino que cada ser humano decide seguir, enfrentarse y abrirse paso o simplemente mantenerse de forma pasiva y no apreciar más que superficialmente la instalación.

Esta dualidad en la actitud con la que se puede afrontar la instalación, busca retar el espíritu y moral del público, haciéndoles reflexionar sobre el papel que quieren adquirir en el mundo.

Dicha instalación se nutre principalmente de distintos artistas que han tratado con anterioridad el tema ecológico y la importancia de hacer conocer el estado actual del mundo y el qué lo está provocando.

Uno de sus más destacados referentes es el fotógrafo Chris Jordan.

Un autor que representa en sus fotografías, a través de basura y acumulaciones de elementos industriales, el consumismo norteamericano y cómo este está contribuyendo masivamente a la destrucción del ecosistema.

Otra obra que ha servido de germen para la producción de esta instalación es “Travel Pandas” (Pandas de viaje) del artista francés, Paulo Grangeon. En esta instalación, unido a la fundación mundial de vida salvaje, creó 160 esculturas de osos panda que fueron viajando alrededor del mundo. Estas representan el número de ejemplares que quedan de la especie en la actualidad, proprocionando una visión completa de la situación mundial al público, que pueden observar en su totalidad la existencia limitada de este ser.

Olafur Eliasson, también realizó una instalación de concienciación social que inspiró “Marine Debris”. “Ice watch” (Reloj de hielo), presentando distintos bloques de este material dispuestos en forma circular, simulando la silueta de un cronómetro con el fin de representar el problema del deshielo del ártico Todos ellos presentan en común una temática, desenvuelta a su vez en la instalación, de forma que el público pueda apreciar de forma decorativa una oscura realidad que deben leer entre líneas.

Los materiales dispuestos en la sala, tanto por el suelo como por las paredes, siguen una gama cromática que tratan de simular el propio mar.

De este modo, abarcarán distintas tonalidades de azul, buscando transmitir una cierta sensación de profundidad y una presentación, con sus ápices pictóricos. Otro de los elementos claves es la sencilla lectura de la propuesta. Con mayor o menor conocimiento artístico, todo espectador que contemple la situación de la sala comprenderá, en mayor o menor medida, en qué se está focalizando.

Se trata de una propuesta efectiva en la que participa de forma muy activa el sonido.

Todos los pasos que decidan dar, repercutirán en el material y generará un sonido que, en conjunto con el de muchas otras personas, producirá una sonoridad que busca representar el gran ruido que está generando el consumismo y por consecuencia la gran contaminación que se está generando en el planeta.

Busca cuestionar de forma clara y contundente el mundo en el que estamos viviendo y el papel en sociedad que decidimos tomar, ¿Vamos a seguir un sistema que está acabando con nuestra propia existencia o tomamos la iniciativa de comenzar un cambio?

Esa es la reflexión que plantea, pretende que el público, más que obtener respuestas, se genere preguntas e intente comprender el porqué de la instalación. Esta se podría entender como mera basura dispuesta en una sala con cierta orden lógico, que es lo que es, pero más allá de lo formal se encuentra el contenido.

“Waste Series”

“Waste Series” recoge del ámbito natural tres botes de pintura naútica,marcados por la actividad física ejercida sobre ellos, presentándolos bajo un eje común pero indidualizado.

Este último, es uno de los factores de mayor importancia en esta serie, la individualización de cada uno de ellos debido a sus circunstancias pasadas y factores externos a la actividad humana.

Estos botes de diferentes marcas, tales como “Proa” y “Hempel”, han sufrido de forma directa la energía del mar y lo que esta provoca, generando en ellos mismos una plasticidad azarosa que genera un interés en cada uno de ellos.

La estética de “Waste Series” recuerda a la obra “Latas Campbell” de Andy Warhol, presentando a diferencia de este último, como obra de arte un residuo abandonado que establece una cohesión narrativa con el entorno del que fueron apropiados y un discurso estético que expresa de forma clara aquello que las palabras y lo racional no consiguen plasmar.

El proceso no ha dependido de nadie, ha sido natural, puro, elementos de funcionalidad práctica para el ser humano en los que interrumpen la fuerzas de la naturaleza, produciendo resultados ajenos al mundo establecido.-+

Aaron Santos ComesaĂąa aaron9santos@gmail.com www.aaron9santos.com