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Revista de la Escuela de Diseño del Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

Abril 2021


La Cultura del Diseño

Ricardo Abuauad Decano Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. Arquitecto de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Master en Gestión Urbana en la École Nationale des Ponts et Chaussées en París.

Estamos habituados al concepto de “Cultura del Diseño”, ese amplio espectro de intereses que dicen relación con un estado del arte de la disciplina, con sus prácticas, su lenguaje, sus códigos. Esa “cultura del diseño”, sin embargo, con frecuencia se fragmenta en dos mundos que transitan por caminos paralelos: el de la actividad profesional y el de la academia. A pesar de sus indudables vasos comunicantes, a pesar de la retroalimentación entre ambos que resulta siempre tan provechosa, no siempre este vínculo es tan sólido como esperamos. Esta revista que aquí presentamos busca establecer ese puente que nos parece indispensable. En ella materializamos lo que entendemos como una de las misiones fundamentales de nuestro quehacer: la consolidación de esa “Cultura del Diseño” como resultado de esa mirada conjunta desde la obra y la crítica, desde el trabajo profesional y la mirada reflexiva, desde el ejercicio y la universidad. Así, creemos, se construye la Cultura del Diseño.

We are used to the concept of “Design Culture”, that wide spectrum of interests that are related to a state of the art of the discipline, with its practices, its language, its codes. This “design culture”, however, is often fragmented into two worlds that travel along parallel paths: that of professional activity and that of academia. Despite their undoubted communicating vessels, despite the feedback between the two that is always so helpful, this link is not always as solid as we hope. This magazine that we present here seeks to establish that bridge that seems indispensable to us. In it we materialize what we understand as one of the fundamental missions of our work: the consolidation of that “Culture of Design” as a result of that joint look from the work and the critic, from the professional work and the reflective look, from the exercise and the University. Thus, we believe, the Culture of Design is built.


Editorial Manuel Figueroa Diseñador. Director Escuela de Diseño. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. Diplomado en políticas públicas PUC. Diplomado en política y gobierno UDP. Magister en Comunicación Política y Asuntos Públicos UAI. Embajador Latinoamericano del Diseño. Universidad de Palermo. Miembro Consejo Asesor del Think Tank Instituto Desafíos para la Democracia (IDD).

Submarine es el nombre de esta revista que desea sumergirse en las profundidades para extraer desde el fondo el más deseado tesoro: el diseño. Este nombre corresponde a un homenaje casual al submarino que diseño y envío a construir Jacques Cousteau para observación del fondo marino, y los Beatles con la película del mismo nombre de esta revista. Sin querer cada uno en su propio ámbito son referentes, y produjeron un impacto donde el diseño se encontraba a la vista, pero “sumergido”. Es esto lo que pretende esta revista “sacar a flote” la cultura del diseño. Gracias a todo nuestro cosmopolita equipo editorial, y a todos nuestros colaboradores, y a quienes escribieron para esta “inmersión” número 1.

Submarine is the name of this magazine that wants to dive into the depths to extract from the bottom the most desired treasure: design. This name corresponds to a casual tribute to the submarine that Jacques Cousteau designed and sent to build for observation of the seabed, and the Beatles with the film of the same name in this magazine. Unintentionally, each one in their own sphere is a reference, and they produced an impact where the design was visible, but “submerged”. This is what this magazine aims to “bring out” the culture of design. Thanks to all of our cosmopolitan editorial team, and to all of our contributors, and to those who wrote for this “dive” number 1.


Revista Submarine Número 1 Abril 2021 Escuela de Diseño. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. Director: Manuel Figueroa A. Comité Editorial: Hernán Garfias (Chile) Trinidad Guzmán (Chile) Belén Diaz (España) Víctor Boldrini (Argentina) Leonardo Ficcardi (Argentina) Pía Montalva (Chile) Gabriela Olivares (Argentina) Marisa Santamaría (España) Juan Pablo Fuentes (Chile) Colaboradores: Marisol Camiroaga (Chile) Marcela García (Argentina) Daniel Berczeller (Chile) Pablo Ortuzar (Chile) René Perea (Chile) Natalia Urnia (Chile) Diseño: Awayo www.awayo.studio Campus Creativo Decano: Ricardo Abuauad Dirección Académica: Teresa Lyon Escuela de Diseño Director de Escuela: Manuel Figueroa A. Director Diseño Gráfico: Daniel Berczeller Coordinadora Vestuario y Textil: Natalia Urnia Coordinador Juegos Digitales: Pablo Ortuzar Coordinador Diseño de Productos: René Perea Director Diseño Gráfico Viña del Mar: Alan Fox Secretaria Académica Viña del Mar: Karla Silva Fotografía de portada: Enzo Mari por Jouko Lehtola Tipografías utilizadas en esta edición: Area, Blaze Type. Signifier, Klim Type Foundry. Monopol, David Gobber.



Taller de colecciones y editorial de moda


Diseñar colecciones para una marca requiere la interpretación de todo un universo donde no solo interviene la noción conceptual, sino además aquellos componentes Gabriela Olivares Docente. que contribuyen a respaldarla para Profesora de Taller. el éxito comercial Vestuario y Textil. Escuela de Diseño. a que aspira. Campus Creativo. En tal sentido, Universidad Andrés Bello. el taller VI de Campus Creativo busca trabajar todos estos atributos, sin excepción, con el fin de entregar aquellas herramientas necesarias para entrar en un mercado que cada vez demanda mayores estándares de excelencia y diferenciación. La pregunta entonces será, ¿cómo logramos diferenciarnos dentro de una industria que experimenta constantes cambios y solicita tantas exigencias? La respuesta a esta interrogante tiene varias aristas y quizás diversas respuestas; en rigor de ello, el taller de colecciones busca abrir la discusión y reflexiona, sobre todo, en aquellos logros que una marca requiere para alcanzar éxito en el mercado. Cuando hablamos de marca no hacemos referencia solo al nombre o logotipo que la respalda, sino a todo aquel atributo en que subyace la dimensión de ésta. Las marcas reclaman identidad, posicionamiento, cuentan historias, responden a un arquetipo, entre otras cosas. Y si hablamos de marcas de moda comprendemos que éstas figuran entre las más sostenibles a nivel mundial. Obvio que estamos hablando de aquellas que en el tiempo han ido creando reales imperios comerciales; sin embargo, eso no quita que nuestros estudiantes sepan que si hacen bien el trabajo desde el punto cero, pueden alcanzar el éxito. Si bien los hombres y mujeres de este planeta no vivimos de sueños, muchos de ellos sirven para darnos ese impulso y motivación que necesitamos para trabajar. De esto también trata el taller: motivar a los nuevos profesionales, darles ese empuje de fuerza y resolución para encarar sus proyectos, lo cual es vital en la formación académica que proyectamos, un espíritu de aprendizaje que buscamos inculcar por sobre todo. Somos seres emocionales y por tanto, debemos tener en cuenta aquellos atributos inmateriales que sustentan el quehacer de un experto. Taller VI es un espacio de aprendizaje y ejercicio en el primer paso al quehacer profesional. Explora el ser y el hacer como dos caminos que convergen en el mismo punto y que, consecuentemente, es el “punto de partida”. Los resultados hablan de un trabajo reflexivo en torno a las competencias, actitudes y formas de emprender el camino profesional; elementos de aquel momento inicial en la carrera del diseñador de vestuario. En este sentido, la creación de marca personal, gestión de los recursos, identidad y conceptualización aplicada son algunos de los contenidos que se abordan, los cuales culminan en la materialización de una colección de indumentaria que pueda

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combinar todas las dimensiones que el vestuario involucra. Finalmente, el proyecto culmina en el trabajo editorial, donde se reconoce y visibiliza el proceso completo. Acá es donde la comunicación se evidencia y plantea su postura. Si entendemos que la moda es aquella unidad de difusión por excelencia, entonces podemos comprender el rol que tiene “contar una historia” a través de imágenes y representaciones gráficas que logran conectar con el receptor. En este sentido, la editorial se considera el punto de cierre clave capaz de capturar momentos que no solo perduren en el tiempo, sino que también registren todo el trabajo interrelacionado entre profesores, estudiantes y colaboradores participantes en el proyecto de indumentaria.


Collections and fashion editorial. By Gabriela Olivares. Designing collections for a brand requires the interpretation of a whole universe where not only the conceptual notion intervenes, but also those components that contribute to supporting it towards the commercial success to which it aspires. In this sense, the Workshop VI of the Creative Campus seeks to work on all these attributes, without exception, in order to deliver those necessary tools to enter a market that increasingly demands higher standards of excellence and differentiation.

The question then will be, how do we manage to differentiate ourselves within an industry that experiences constant changes and requests so many demands? The answer to this question has several edges and perhaps several answers; strictly speaking, the collections workshop seeks to open the discussion and reflect, above all, on those achievements that a brand requires to achieve success in the market. When we talk about a brand we do not refer only to the name or logo that supports it, but to all that attribute in which its dimension lies. Brands claim identity, positioning,

tell stories, respond to an archetype, among other things. And if we talk about fashion brands, we understand that they are among the most sustainable ones worldwide. Obviously, we are talking about those that over time have managed to create real commercial empires; however, that does not exclude that our students know that if they do their job well from scratch they can achieve success. Although the men and women of this planet do not live on dreams, many of them serve to give us that drive and motivation we need to work. This is also what the workshop is about: motivating

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new professionals, giving them that push of strength and resolution to face their projects, something vital in the academic training that we project and a learning spirit that we seek to instil above all. We are emotional beings and, therefore, we must take into account those immaterial attributes that sustain the work of an expert. The Workshop VI is a space for learning and exercising in the first step towards professional work. It explores being and doing as two paths that converge at the same point and which, consequently, is the “starting point”. The results speak of a

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reflective work around the competencies, attitudes and ways of undertaking the professional path; the elements of that initial moment in the costume designer's career. In this sense, the creation of a personal brand, resource management, identity and applied conceptualization are some of the contents that are addressed, which culminate in the materialization of a clothing collection that can combine all the dimensions that clothing involves. Finally, the project culminates in the editorial work, where the entire process is recognized and made visible. Here is where communication becomes evident and poses its position.

If we understand that fashion is that unit of dissemination par excellence, then we can understand the role of "telling a story" through images and graphic representations that connect with the receiver. In this sense, the publishing house is considered the key closing point capable of capturing moments that not only last in time, but also record all the interrelated work between teachers, students and collaborators participating in the clothing project.


MODA CHILE


diferentes tejidos en lana natural, seda, algodón y algunas fantasías. Las intervenciones en pintura se logran con una mezcla de acrílico, óleo y tintas para tela. Las técnicas de moulage, collage y patchwork están presentes formal y visualmente desde el inicio de construcción en cada prenda, dejando abierta la posibilidad de variaciones de diseño a medida que se desarrolla cada pieza. La búsqueda de acomodar el proceso de construcción a técnicas libres, más experimentales y espontáneas, responde a la necesidad personal de darle más agilidad y personalidad al proceso de lo que permite la cadena tradicional de confección de una prenda (sketch, ficha técnica, patronaje, corte y confección). En particular, esta colección fue creada íntegramente por mí (Lupe), y con Tania en los últimos meses de confección, durante los tiempos de cuarentena obligatoria.

The Lupe Gajardo 2020.2 collection is inspired by various techniques and themes that constitute the foundations of the proposal: creation of zero-waste garments through upcycling; genderless trend and the fluidity of the silhouette. This collection concludes the years of research around the versatility of the silhouette that is achieved in accordance with the characteristics of the textile —fabric and weight— starting from a simple geometric figure that defines it through tensions and folds at strategic points of the body. The technical development in moulding to eliminate the origin of textile waste production —zero waste— is based on the creation of complex garments from square, rectangular and triangular geometric shapes that leave marginal residues. Many times these garments have a single cut and a single seam, minimizing the cost of materials and time in their production. 75% of this collection is made from

zero-waste shapes.This non-moulding technique also allows garments to define their shape in line with the body that holds them. In this way, it connects with our genderless and timeless proposal that through versatile pieces, formally and visually allow freedom of appropriation to whoever wears them, manifesting our enthusiasm for the aesthetic and identity difference of individuals in society.Most of the time, these garments are multi-size. In the line of upcycling there is the construction of new textile cloths with high aesthetic value from scraps, to be reused as a basis for new garments where the concepts of scarcity and spontaneity are manifested as a creative and reinventing engine. Upcycling is present as a conscious basis for a necessary change in the fashion industry and the overproduction of clothing. As materials, we use different fabrics made of natural wool, silk, cotton and some fantasies. The painting interventions are achieved with a mixture of acrylic, oil

and fabric inks. The moulage, collage and patchwork techniques are formally and visually present from the beginning of construction in each garment, leaving open the possibility of design variations as each piece develops. The search to accommodate the construction process to free, more experimental and spontaneous techniques, responds to the personal need to give more agility and personality to the process than what the traditional chain of making a garment allows (sketch, technical sheet, pattern making, cut and confection). In particular, this collection was created entirely by me (Lupe), and with Tania for the last months of making, during times of mandatory quarantine.

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MODA CHILE

El 75% de esta colección está hecha a partir de figuras zero waste. Esta técnica de no-moldaje permite además que las prendas definan su forma según el cuerpo que las soporte. De esa manera, conecta con nuestra propuesta genderless y atemporal que a través de piezas versátiles, formal y visualmente, permiten libertad de apropiación a quien las viste manifestando nuestro entusiasmo por la diferencia estética e identitaria de los individuos en la sociedad. La mayoría de las veces estas prendas son multitalla. En la línea del upcycling está la construcción de nuevos paños textiles con alto valor estético a partir de retazos, para ser reutilizados como base de nuevas prendas donde los conceptos de escasez y espontaneidad se manifiestan como motor creativo y de reinvención. El upcycling está presente como base consciente de un cambio necesario en la industria de la moda y la sobreproducción de ropa. En materialidades utilizamos

Lupe Gajardo

La colección Lupe Gajardo 2020.2 está inspirada en diversas técnicas y temáticas que constituyen los fundamentos de la propuesta: creación de prendas zero waste, a través de upcycling; tendencia genderless y la fluidez de la silueta. Esta colección concluye la investigación de años en torno a la versatilidad de la silueta que se logra según las características del textil —tejido y peso— partiendo de una figura geométrica simple que a través de tensiones y pliegues en puntos estratégicos del cuerpo la definen. El desarrollo técnico en moldaje para eliminar el origen de la producción de desechos textiles —zero waste— está basado en la creación de prendas complejas a partir de las formas geométricas cuadradas, rectangulares y triangulares que dejan residuos marginales. Muchas veces estas prendas tienen un solo corte y una sola costura, minimizando al máximo el gasto de materiales y tiempo en su producción.


Francisca Tornero Diseñadora Presidenta ModaChile @franciscatornero

Francisca Tornero

MODA CHILE

Francisca Tornero es una marca homónima de diseño de autor con más de diez años de experiencia en alta costura. Su propuesta está inspirada en sus raíces culturales, sabiduría ancestral y en la vegetación endémica que la representa. Paisaje Emocional es su nueva propuesta autoral. “La mitad de la belleza depende del paisaje y la otra mitad, de quien la mira” —Lin Yutang. La nueva colección ha sido elaborada cuidadosamente a mano, utilizando materias primas nobles, como la seda y el lino, que unidas al reciclaje textil, y junto a una paleta cromática experimental, van creando una composición que es a la vez elegante, pero también audaz. Basando sus principios en la sostenibilidad y comercio justo, proponen diseños que son dinámicos, atemporales y heredables en el tiempo.

Francisca Tornero is a homonymous designer brand with more than ten years of experience in. Its proposal is inspired by its cultural roots, ancestral wisdom and the endemic vegetation that represents it. Emotional Landscape is her new authorial proposal. “Half of the beauty depends on the landscape and the other half, on who looks at it” —Lin Yutang. The new collection has been carefully handcrafted, using noble raw materials, such as silk and linen, which united to textile recycling, and together with an experimental chromatic palette, create a composition that is both elegant, but also audacious. Basing their principles on sustainability and fair trade, they propose designs that are dynamic, timeless and inheritable over time.

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Queremos ser la inspiración contemporánea de la herencia cultural del sur del mundo, rescatando el patrimonio natural e inmaterial de las culturas que lo habitan, creando un diseño que lleve en su interior los valores de belleza, nobleza, sustentabilidad, protección y magia ancestral para el mundo. La marca, a través de sus prendas, invita a la contemplación, que es el estado espiritual del ser humano cuando practica el silencio mental.

MODA CHILE

Sur Origen

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We want to be the contemporary inspiration of the cultural heritage of the south of the world by rescuing the natural and intangible heritage of the cultures that inhabit it and creating a design that carries within it the values of beauty, nobility, sustainability, protection and ancestral magic for the world. The brand, through its garments, invites contemplation, which is the spiritual state of the human being when he practices mental silence.


DOCENTES


Fernando Gajardo Docente. Profesor de Taller. Diseño de producto. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

The Andes House presenta “Espino”, un proyecto de desarrollo, diseño e investigación que busca rescatar esta madera tradicionalmente utilizada para hacer carbón. A través de un estudiado plan de manejo, donde se considera no solo el ejemplar, sino el bosque y su entorno, se generan cosechas anuales que permiten cuidar este recurso natural. Como resultado de este proceso se obtiene una materia prima única, exclusiva y con una carga estética extremadamente particular. Para el proyecto se diseñaron y fabricaron productos y objetos funcionales de uso doméstico, tales como percheros, repisas y tablas.

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The Andes House, together with Fernando Gajardo (Cromolux FG) and Juan Francisco Lecaros (agricultural entrepreneur), investigated and searched for different materials in order to rescue new raw materials, which will be introduced to the market after having highlighted their beauty and functionality through our particular designs. The Andes House introduces “Espino”, a development, design and research project that seeks to rescue this wood traditionally used to make charcoal. Through a studied management plan, which considers not only the specimen but also the forest and its surroundings, annual harvests are generated that allow caring for this natural resource. As a result of this process, a unique and exclusive raw material is obtained with an extremely particular aesthetic load. For the project, functional products and objects for domestic use such as coat racks, shelves and tables were designed and manufactured.

DOCENTES

Espino

Fotografía: Carlos Molina.


Piedad Aguilar Docente. Diseño de vestuario y textil. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. MA in Fashion Goldsmiths. University of London.

A Whole New World

DOCENTES

A Whole New World es una marca de alfombras y textiles de muro que busca, por medio del hand tufting, nuevas maneras de ver, entender y hacer textiles. Existe desde octubre de 2018 y es diseñada y producida por Piedad Aguilar Izquierdo, artista visual e investigadora textil, docente de la carrera de vestuario y textil de la Escuela de Diseño, Campus Creativo. Utiliza lana 100% chilena y cada alfombra es terminada con un bordado a mano. Cree en la importancia de la materia prima de calidad y en el significado de los procesos, por lo que cuida del tiempo que requiere cada uno de ellos. El diseño de las alfombras se presenta como una vitrina donde distintas formas se complementan, generando mundos ficticios, pero quizás posibles, en donde el color y las formas orgánicas juegan un papel fundamental.

A Whole New World is a brand of wall textiles and rugs that seeks, through hand tufting, new ways of seeing, understanding and making textiles. It has existed since October 2018 and is designed and produced by Piedad Aguilar Izquierdo, a visual artist, textile researcher and teacher in the Clothing and Textile programme at the School of Design of the Creative Campus. It uses 100% Chilean wool and each rug is finished with hand embroidery. She believes in the importance of high-quality materials and in the meaning of the processes, so she cares about the time that each of them requires. The design of the rugs is presented as a showcase where different forms complement each other, generating fictitious worlds yet possible ones, where colour and organic forms play a fundamental role.

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Luis Pino Docente Adjunto. Diseño de vestuario y textil. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

Luis Pino, proyecto multidisciplinario, arte, psicología y diseño, explora la búsqueda incansable de un nuevo lenguaje que interprete cada una de las complejidades emocionales por las que atraviesan los protagonistas de sus relatos. Para desarrollar dicho objetivo, hace de la investidura una narración a partir de la transformación y traslación de elementos que generen nuevas posibilidades de adaptación del cuerpo, lo cual permita que el ser moldee el habitar desde la emocionalidad y la gestualidad. En sus creaciones se adentra en la experiencia de personas con trastornos psicológicos, haciendo de la indumentaria el medio de manifestación para quienes son dominados por sus emociones y se les hace difícil verter sus vivencias a través de la manera convencional. El desarrollo de cada pieza se genera desde un estudio acucioso en conjunto con un grupo de psicólogos, quienes asisten en la creación de un método donde sus pacientes, a través de creaciones, logran transmitir sus emociones. Dichas obras, en conjunto con la investigación de estas patologías, son los principales inspiradores del relato tangible que se puede experimentar en cada una de las piezas.

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DOCENTES

Luis Pino

Anhedonia Photo: Jon Jacobsen. MUA: Marcela Athens. Talents: Yeimy Navarro. Styling: Juan Gonzalez, Kevin Rosenberg.

Luis Pino, a multidisciplinary project of art, psychology and design, explores the tireless search for a new language that interprets each of the emotional complexities that the protagonists of their stories go through. To develop such objective, he makes the investiture a narrative based on the transformation and translation of elements that generate new possibilities for adapting the body, which allows the being to mould the living from emotionality and gestures. In his creations, it delves into the experience of people with psychological disorders, making clothing the means of manifestation for those who are dominated by their emotions and find it difficult to express their experiences through the conventional way. The development of each piece is generated from a careful study together with a group of psychologists, who assist in the creation of a method where their patients, through creations, manage to transmit their emotions. These works, together with the investigation of these pathologies, are the main inspirers of the tangible story that can be experienced in each of the pieces.


La primera portada de Kenzo Takada fue para la revista francesa ELLE en junio de 1970. Dos décadas después, siendo directora de la versión chilena de ELLE, me tocó en Marisol Camiroaga. Periodista. una oportunidad conseguir a secas Docente Escuela de Diseño. una entrevista Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. con él. Llegué al Fashion Week de París sin cita previa y logré abordarlo atolondradamente. Su respuesta fue: “Déjame ver tu sonrisa y te contesto”. Fue mi primera entrevista con el hombre de los mil colores, el de la silueta pequeña y ágil, gafas oscuras y piel al tacto extremadamente melancólica. Aquel a quien le robó la vida el coronavirus, en plena pandemia, hace algunas semanas. Y me hizo recordar, tras su partida, esa frase que repitió como mantra toda su vida cuando le preguntaban por la razón de sus triunfos: “¡Hay que ser curioso, generoso, vivir plenamente, ser amable, simple y buscar siempre sacar una sonrisa!”. El pionero japonés que puso de cabeza a París con sus colores vibrantes y estampas impredecibles. Amante del rojo. Aquel que patentó intuitivamente en los setenta el “see now, buy now” y revolucionó la entonces esquiva capital francesa al transformar la moda en la segunda mitad del siglo XX. Jinete del prêt-à-porter y de aquel life style que muy pocos alcanzan con exquisita naturalidad. De hecho, partió con una ingenua marca llamada Jungle Jap, que luego rebautizó como Kenzo. A secas. Tomó atrevidamente la tela de un kimono, la transformó con retazos que encontraba en los mercados de pulgas, y cosía con una máquina arrendada. Así nació su primera colección, sorprendente y libre. Y montó sus desfiles en un setentero Studio 54, con sus musas Jerry Hall y Grace Jones, que se tomaban la pasarela cigarrillo en mano. Kenzo era puro drama. Entre 1978 y 1981 sus presentaciones las desplegaba en carpas de circo y las terminaba con mujeres montadas a caballo ataviadas de transparencias y él

acompañándolas sobre un elefante. Entregó su rol como director creativo en 1999: “La moda se volvió negocio y se perdió parte de la diversión y del misterio”, sentenciaba en esos días. Takada fue uno de los primeros diseñadores en celebrar la diversidad cultural, mucho antes de que lo hicieran las campañas de Benetton. También fue impulsor del ready-to-wear y del diseño para el consumo masivo, aunque al final la nostalgia le pasó la cuenta: “Todo lo que hacíamos tenía un punto de novedad, era genial, no había reglas. Ahora hay demasiadas cosas, demasiados productos. Demasiado de todo”. “Con mis desfiles quería transmitir la alegría de vivir. El mundo es bello”. Hasta que la globalización de la moda y la nueva forma de crear y consumir empujó al diseñador japonés a desprenderse de su marca y abandonar la moda. “Lamento que ya no se encuentre el estilo que marcaban ciertas culturas locales en todo el mundo”. No podemos entender a este artista sino es también a través de sus dolores. Una vez más, demasiado de todo. Conoció en los ochenta a su gran amor, Xavier de Castella, en un cumpleaños de Paloma de Picasso, hija del pintor Pablo Picasso. Y se mantuvo junto a él hasta que a comienzos de los noventa se lo arrebató el Sida. Poco tiempo después, decidido a olvidar, partió a bordo de una fiesta eterna a navegar y no se enteró de la muerte de su madre hasta varios días después. En ocasiones el dolor lo acercó al precipicio, que, por cierto, expió con el pincel. Creador de un pantone de emociones, pintó cuadros, colaboró en la creación de perfumes, fue nombrado Caballero de la Legión de Honor Francesa y luego se sumergió en la creación de diseños para interiores de la mano de Roche Bobois. Reinterpretó un best seller, el sofá Mah Jong, inspirándose en los elaborados y exquisitos kimonos del teatro japonés Nô. Dio vida a una completa propuesta de decoración inspirada en la fusión de la estética oriental y occidental, gracias a sus inconfundibles códigos gráficos y culturales que obedecieron al propósito de su vida: “De la misma manera que lo hice en la moda, sigo intentando democratizar productos de alta calidad”.

“Demasiado de todo” La disrupción de Kenzo Takada


Fotografía: Cedoc Perfil. Agradecimientos por gestión de fotos a Fernando Gómez Dossena, Editor, Marie Claire Argentina. @marieclairearg

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“Too Much Of Everything”. The disruption of Kenzo Takada. By Marisol Camiroaga M. Kenzo Takada's first cover was for the French magazine ELLE in June 1970. Two decades after, while being a director of the Chilean version of ELLE, I just had the opportunity to get an interview with him. I went to the Fashion Week event in Paris without an appointment and managed to tackle him giddy. His response was: “Let me see your smile and I'll answer you.” It was my first interview with the man of the thousand colours, the one with the small and agile figure, dark glasses and extremely melancholic skin to the touch. The one whose life was stolen by the coronavirus, in the midst of a pandemic, a few weeks ago. And it made me remember, after his departure, that phrase that he repeated like a mantra all his life when asked about the reason for his triumphs: “You have to be curious, generous, live fully, be kind, simple and always seek to get a smile!”.

The Japanese pioneer who turned Paris on its head with his vibrant colours and unpredictable prints. A red lover. The one who intuitively patented in the seventies the “see now, buy now” (concept, slogan?) and revolutionized the then elusive French capital by transforming fashion in the second half of the 20th century. Rider of the prêt-àporter and of that lifestyle that very few achieve with exquisite naturalness. In fact, he started off with a naive brand called Jungle Jap, which he later renamed Kenzo. Just like that. He daringly took the fabric from a kimono, transformed it from scraps he found at flea markets and sewed with a rented machine. Hence, his first collection was born, surprising and free. And he mounted his shows in a seventy-like Studio 54, with his muses Jerry Hall and Grace Jones, who took the catwalk with cigarettes in their hands. Kenzo was pure drama. Between 1978 and 1981, his presentations were displayed in circus tents and ended with women mounted on horseback dressed in transparencies and he accompanied them on an elephant. He gave up his role as creative director in 1999: “Fashion became business and part of the fun and mystery was lost”, he declared in those days. Takada was one of the first designers to celebrate cultural diversity, long before the Benetton campaigns did. He was also a promoter of ready-to-wear and design for mass consumption, although in the end nostalgia got the better of him: “Everything we did had a novelty point, it was great, there were no rules. Now there are too many things, too many products. Too much of everything”. “With my shows, I wanted to transmit the joy of living. The world is beautiful”. Until the globalization of fashion and the new way of creating and consuming constrained the Japanese designer to get rid of his brand and abandon fashion. “I regret that the style that marked certain local cultures throughout the world is no longer there.” We cannot understand this artist if it is not also through his pain. Once again, too much of everything. In the eighties, he met his great love, Xavier de Castella, on a birthday of Paloma de Picasso, daughter of the painter Pablo Picasso. And he stayed with him until the early nineties when AIDS took him away. A short time later, determined to forget, he set out in an eternal sailing party and did not learn of his mother's death until several days later. Sometimes the pain brought him closer to the precipice which, by the way, he expiated with the brush. Creator of a pantone of emotions, he painted pictures, collaborated in creating perfumes, was made a Knight of the French Legion of Honor and then immersed himself in the creation of interior designs at the hands of Roche Bobois. He reinterpreted a best-seller, the Mah Jong sofa, taking inspiration from the elaborate and exquisite kimonos of the Japanese theatre Nô. He gave life to a complete decoration proposal inspired by the fusion of Eastern and Western aesthetics, thanks to his unmistakable graphic and cultural codes that obeyed the purpose of his life: “In the same way that I did in fashion, I keep trying to democratize high-quality products”.


Boldrini & Ficcardi El estudio Boldrini & Ficcardi es una de las oficinas más reconocidas en Argentina, y se especializa en imagen de vinos y bebidas alcohólicas, contando con clientes en Brasil, Chile, España, Italia, Inglaterra y EE.UU. Los diseños de Boldrini & Ficcardi han recibido numerosas distinciones nacionales e internacionales, entre las que se destacan la Doble Medalla de Oro (packaging) en el San Francisco Wine Fest, el New York Festival y Malbec Top Design. Cabe destacar que American Graphic Design (Taschen) los seleccionó como los únicos diseñadores de vinos de Latinoamérica. El Centro Metropolitano de Diseño (Buenos Aires) eligió al estudio como uno de los diez estudios argentinos más influyentes de la década. Combinan su actividad de diseño gráfico con una labor docente dictando talleres y clases en diversas universidades de Argentina y Chile. En total, Víctor Boldrini & Leonardo Ficcardi han desarrollado cerca de 5.000 ideas para packaging de vinos, de las cuales cerca de 1.000 llegaron a las góndolas del mundo vistiendo botellas de unas 200 bodegas. bfweb.com.ar @boldrinivictor @gatoficardi #boldrinificcardi The Boldrini & Ficcardi studio is one of the most recognized offices in Argentina, and it specializes in the image of wines and alcoholic beverages, with clients in Brazil, Chile, Spain, Italy, England and the US. Boldrini & Ficcardi's designs have received numerous national and international distinctions, including the Double Gold Medal (packaging) at the San Francisco Wine Fest, the New York Festival and Malbec Top Design. It should be noted that American Graphic Design (Taschen) selected them as the only wine designers from Latin America. The Metropolitan Design Centre (Buenos Aires) chose the studio as one of the ten most influential Argentine studios of the decade. They combine their graphic design activity with teaching work by giving workshops and classes at various universities in Argentina and Chile. In total, Víctor Boldrini & Leonardo Ficcardi have developed around 5,000 ideas for wine packaging, of which nearly 1,000 reached the world's gondolas dressing bottles from some 200 wineries.

El packaging para vinos y bebidas alcohólicas es una especialidad dentro de la rama del diseño de packaging. Es un segmento profesional en donde se reúnen y complementan varias disciplinas, tales como la tipografía, la ilustración, el conocimiento de materiales y técnicas de impresión, la historia, la innovación y el marketing. No hay área tan compleja como el diseño de packaging para este sector. Los estudios y testeos para el lanzamiento de un producto pueden durar años e involucrar varios equipos interdisciplinarios hasta llegar al diseño final. Luego, las reproducciones se realizarán por cientos de millones para ser expuestas en el mercado. En esa instancia será el consumidor quien decida en tres segundos si comprará ese producto por solo una vez o durante toda su vida. Por dicha razón es que podemos asegurar que nada está garantizado. Cada elemento del packaging conforma la expresión tangible de una marca, en un universo donde hay tantas marcas y variedades de vinos como consumidores. En ese contexto nos encontramos con los puntos de venta, que son escenarios diversos, en los cuales el envase ya no solo sirve para contener el producto e identificarlo, sino que además cumple un rol de seducción, aspiración y valor, pasando por instancias dinámicas que pretenden reducir la distancia, de metros a centímetros, en la relación góndola-mano del comprador. De lo visual y llamativo a lo háptico y sutil, en esos difíciles campos se mueven nuestros diseños de etiquetas para vinos y espirituosos. Algunos; con complejas ilustraciones y otros, con una simple tipografía monocromática. Todos con un objetivo estratégico: captar la atención y establecer un diálogo específico con un consumidor visualmente ultraestimulado. Diseños lúdicos, coloridos, pop o minimalistas; lujosos, victorianos, art decó o ecológicos y sustentables, todos juegan en la misma cancha: Nuestro cerebro, quien nos hace recordar, vincular, conectar o despertar lo que hay en el interior de cada uno de nosotros y las infinitas fantasías e historias que nos motivan. Una etiqueta de vino bien diseñada hace la diferencia, define al vino, lo construye desde su percepción externa; luego, desde su cercanía, creando el valor del nombre y su procedencia. Muy pocos productos hoy en día pueden exclamar a viva voz su origen tal como lo pueden hacer los mostos de una microrregión de Latinoamérica que estarán en las góndolas de Rusia o China. El vino es una de las bebidas con más códigos, requerimientos, normativas y sensaciones abstractas. Todos ellos conviven en una etiqueta frontal, que generalmente no excede los 10 x12 cm, y otra por detrás, o como le llamamos habitualmente, la “contraetiqueta”. Además, es uno de los pocos alimentos que llega con su packaging a la mesa. La degustación viene mucho después junto con la satisfacción o el desencanto.

Una bote una etique


ella, eta

La tecnología en constante desarrollo ha aumentado las posibilidades comunicativas y mejorado las posibilidades de presentación del producto (botellas, tapones, cápsulas, papeles, tintas, etc). Sin embargo, los grandes vinos de guarda son reacios a estos avances tecnológicos y la sobriedad prima en las etiquetas de vinos de mayor calidad y precio. Las posibilidades estéticas son infinitas y la información invariable y estricta: Marca, Variedad, Procedencia y Cosecha. El mercado del vino es altamente competitivo y dinámico (hay más de un millón de marcas), de ahí que el diseño para este sector es siempre complejo y diverso. Por ejemplo, en una góndola de supermercado se pueden encontrar 20 marcas de pastas de dientes y unas 400 marcas de vinos. Podríamos sumar a este escenario enmarañado otro factor clave: el hecho que las marcas renuevan sus packagings cada tres años. El conocimiento del mercado es fundamental. Tener experiencia especializada en el tema hace que nuestro estudio pueda decidir por nuevas alternativas y descartar rápidamente aquellas que no sabemos si funcionarán. La etiqueta es como el póster de una película: en este caso, del vino que beberemos.

Diseño para Vinos y Bebidas Alcohólicas

y algo para contar


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A Bottle, A Label And Something To Tell. By Boldrini & Ficcardi. Packaging for wines and alcoholic beverages is a speciality within the branch of packaging design. It is a professional segment where various disciplines meet and complement each other, such as typography, illustration, knowledge of printing materials and techniques, history, innovation and marketing. There is no area as complex as packaging design for this sector. The studies and tests for the launch of a product can last for years and involve several interdisciplinary teams until reaching the final design. Then, the reproductions will be made in the hundreds of millions to be exhibited in the market. In that instance, it will be the consumer who decides in three seconds if they will buy that product for only one time or for their entire life. For this reason, we can ensure that nothing is guaranteed. Each element of the packaging forms the tangible expression of a brand, in a universe where there are as many brands and varieties of wines as there are consumers. In this context, we find the points of sale, which are diverse scenarios, where the packaging no longer serves solely to contain the product and identify it, but it also fulfils a role of seduction, aspiration and value, passing through dynamic instances that intend to reduce the distance, from meters to centimetres, in the gondola-hand relationship of the buyer. From the visual and eye-catching to the haptic and subtle, our label designs for wines and spirits move in these difficult fields. Some of them with complex illustrations, while others with a simple monochromatic typeface. All with a strategic objective: to capture attention and establish a specific dialogue with a visually ultra-stimulated consumer. Playful, colourful, pop or minimalist designs; luxurious, Victorian, art deco or ecological and sustainable, they all play on the same court: Our brain, which makes us remember, link, connect or awaken what is inside each one of us and the infinite fantasies and stories that we motivate. A well-designed wine label makes a difference, defines the wine and builds it from its external perception; then, from its proximity, it creates the value of the name and its origin. Very few products today can loudly exclaim their origin as can the musts of a micro-region of Latin America that will be in the gondolas of Russia or China. Wine is one of the drinks with the most codes, requirements, regulations and abstract sensations. All of them coexist in a front label, which generally does not exceed 10 x 12 cm, and another at the back, or as we usually call it, the ‘back label’. In addition, it is one of the few foods that comes with its packaging to the table. The tasting comes much later along with satisfaction or disappointment. Technology in constant development has increased communication possibilities and improved the possibilities of product presentation (bottles, caps, capsules, papers, inks, etc). However, the great ageing wines are reluctant to these technological advances and the sobriety

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prevails in the labels of wines of higher quality and price. The aesthetic possibilities are infinite and the information invariable and strict: Brand, Variety, Origin and Harvest. The wine market is highly competitive and dynamic (there are more than a million brands), hence the design for this sector is always complex and diverse. For example, in a supermarket gondola, you can find 20 brands of toothpaste and about 400 brands of wine. We could add to this tangled scenario another key factor: the fact that brands renew their packaging every three years. Knowledge of the market is essential. Having specialized experience in the subject allows our study to decide on new alternatives and quickly discard those that we do not know if they will work. The label is like a movie poster: in this case, the wine we will drink.

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“Unidos siempre seremos más fuertes”, es una premisa que llevo años repitiéndola en conferencias presenciales y ahora digitales, en mis redes sociales y en cada comunicación del proyecto @endchile. ¿Cuál es mi motivación es esta frase? Y qué tiene que ver con una silla diseñada y fabricada al otro lado de la cordillera, con la vista Juan Pablo Fuentes puesta en el Atlántico. Pues muy simple. Diseñador Industrial. La primera pregunta se responde desde Asesor Creativo. la necesidad de unir al diseñador con la @juanpablofuentes @juanpablofuentes_design sociedad, al diseñador con la empresa, al diseñador con la prensa y algo que Fotografías: por suerte cada vez cuesta menos, al Najt Lix Studio diseñador con el diseñador. Esto, porque (Matías Lix Klett). cada una de las partes necesita del otro para estructurarse de forma cómoda y adecuada en la sociedad y en el mercado. Ya no están los tiempos para solamente pensar en diseñadores autofabricándose o haciendo autoencargos (entiéndase lo último como diseño para sí mismo, con sus propios requerimientos, con una óptica más personal que del usuario). Hoy, nuestra Latinoamérica, cada vez menos industrializada, necesita formar y estructurar una nueva visión de la productividad, tal como lo hizo Europa post Segunda Guerra Mundial, donde las empresas familiares iniciaron una producción a pequeña escala, semiartesanal y con una fuerte carga y preocupación por la forma; característica visual y requerimiento primordial para seducir a sus compradores. Estas empresas, 30 años después, ya eran importantes editoras y hoy son las empresas referentes del diseño mundial. Esto tiene la Silla 40, creada el 2018 y diseñada por la dupla creativa y pareja conformada por Paz Cano y Santiago Rolón, que lejos de Buenos Aires, en la ciudad de Mar del Plata, diseñan una silla simple, con una identidad industrial, pero con terminaciones de alta relojería que parecen dejar sus mecanismos a la vista. Silla 40 no es un diseño ambicioso; de hecho, nos parece familiar a primera vista, lo cual la hace cómoda visualmente, no parece sobrediseñada. Para mí lo más importante es que destaca y no esconde sus entrañas; al contrario, deja a la vista cada doblado de metal sobre la pieza que genera el doblez, tal como como una máquina presentaría sus complicaciones. La edición y fabricación pasa por la editora porteña La Feliz, dirigida por el diseñador industrial Patricio Lix, experto en fabricación y comercializador de diseño. Además, lo destaco como uno de los fundadores del nuevo diseño industrial argentino, donde su gran aporte, y que lo diferencia de sus contemporáneos, es que da espacio en su empresa a nuevos creativos latinoamericanos dejando su ego del “todo lo diseño cho” para pasar a un plano empresarial e invitar a otros creadores, transformándose en un empresario, editor y curador del próximo diseño latinoamericano. Su catálogo incluso ya tiene a la empresa chilena The Andes House. Esto hace de La Feliz una empresa distinta, una empresa la cual necesitamos que crezca y siga creciendo como una gran editora, ya que así tendremos más lugares para trabajar. Destaco, celebro y disfruto desde este lado de la cordillera cómo en el diseño industrial de mi querida y hoy convulsionada Argentina, ya se hacen las cosas de distinta forma, con una lógica industrial, simple y humilde, y llevando a la practica el necesario “unidos somos más”.

Silla

de Cano


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Silla 40 de Cano Rolón. By Juan Pablo Fuentes. “United we will always be stronger” is a premise that I have been repeating for years in face-to-face and now digital conferences, on my social networks and in each communication of the @endchile project. What is my motivation is this phrase? And what does it have to do with a chair designed and manufactured on the other side of the mountain range and with an eye on the Atlantic? Well, very simple. The first question is answered from the necessity to unite the designer with society, the designer with the company, the designer with the press and something that luckily costs less and less, the designer with the designer. This, as each of the parties needs the other to structure themselves comfortably and adequately in both the society and the market. This is no longer the time to solely think of designers self-manufacturing or making self-orders (the latter is understood as a design for himself, with his own requirements, with a more personal perspective than that of the user). Our Latin America today, being less and less industrialized, needs to form and structure a new vision of productivity, just as Europe did after World War II, where family businesses started small-scale, semi-artisanal production with a strong burden and concern for shapes, a visual characteristic and an essential requirement to seduce your buyers. These companies, 30 years later, were already important publishers and today they are the leading companies in world design. This is what Chair 40 has. It was created in 2018 and designed by the creative duo and couple made of Paz Cano and Santiago Rolón, who far from Buenos Aires, in the city of Mar del Plata, design a simple chair having an industrial identity but high-level clockmaking finishes that seem to expose their mechanisms. Chair 40 is not an ambitious design; in fact, it looks familiar to us at a first glance, which makes it visually comfortable and it doesn't look overdesigned. For me, the most important thing is that it stands out and doesn't hide its guts; on the contrary, it exposes each bending of metal on the part that generates the bending, just as a machine would present its complications. The edition and manufacture go through the Buenos Aires publisher La Feliz, directed by the industrial designer Patricio Lix, an expert in manufacturing and design commercialisation. In addition, I highlight him as one of the founders of the new Argentine industrial design, where his great contribution, which is what differentiates him from his contemporaries, is that he gives space in his company to new Latin American creatives while leaving his ego of “everything has been designed by me” to move to a business level and invite other creators, becoming an entrepreneur, editor and curator of the next Latin American design. What’s more, its catalogue already includes the Chilean company The Andes House. This makes La Feliz a different company; a company that we need to grow and continue to grow as a great publisher since in this way we will have more places to work. I highlight, celebrate and enjoy from this side of the mountain range how in the industrial design of my beloved and today convulsed Argentina things are already being done differently, with an industrial logic, which is simple and humble, and putting into practice the necessary “united we are more”.


Entrevista a Edel Rodríguez, que a sus 26 años se convirtió en el director de arte más joven que jamás habían tenido las ediciones canadiense y latinoamericana de la revista Time. Un ilustrador y comunicador multidisciplinario, creador de portadas de libros y revistas emblemáticas, ilustrador de libros infantiles y hoy mundialmente conocido por sus ilustraciones de Donald Trump.

“A ver dónde me lleva


Victor Boldrini

Víctor Boldrini San Rafael, Mendoza 1968. Diseñador industrial especializado en gráfica UNC Mendoza (Argentina). Junto a Leonardo Ficcardi crean el estudio Boldrini & Ficcardi en el año 1991. Su área de especialización es el mercado global de vinos y bebidas alcohólicas. Latin American Graphic Design (Taschen) los seleccionó como los únicos diseñadores de vinos de Latinoamérica. El Centro Metropolitano de Diseño (Buenos Aires) eligió al estudio como uno de los diez estudios argentinos más influyentes de la década. Combina su actividad de diseño gráfico con una labor docente dictando talleres y clases en diversas universidades de Argentina y Chile. Víctor Boldrini, San Rafael, Mendoza 1968. Industrial designer specialized in UNC graphics (Mendoza Argentina). Together with Leonardo Ficcardi, they created the Boldrini & Ficcardi studio in 1991. His area of ​​expertise is the global market for wines and alcoholic beverages. Latin American Graphic Design (Taschen) selected them as the only wine designers from Latin America. The Metropolitan Design Centre (Buenos Aires) selected the studio as one of the ten most influential Argentine studios of the decade.

Tu salida de Cuba a temprana edad por ideas políticas, ¿puede haber influido en tu mirada provocativa en la ilustración?

Una cosa que Edel Rodríguez ocurrió como resultado de haber escapado en calidad de refugiado de Cuba es que me pasé años en los Estados Unidos tratando de entender por qué nos habíamos ido. Por qué tuve que dejar a mis abuelos detrás, por qué no podía ver a mis amigos, a mi pueblo. Me pasé 14 años sin poder ver a mi familia en Cuba. Nos escribíamos cartas que se demoraban meses en llegar… fue una época difícil. Estaba en los 80, en medio de la Guerra Fría, y esa década me la pasé estudiando sobre la política y la historia que causó que mi familia se tuviera que separar. Todo eso influyó en mis intereses artísticos cuando llegué a la universidad en Nueva York en 1990. Estudié Pintura en la universidad. Los maestros no me guiaban a lo que debía pintar, solamente que pintara lo que me interesaba y en lo que pensaba. Las memorias de Cuba y de mi familia fueron las primeras cosas que pinté. V.B.

¿Cómo te transformaste de ilustrador de libros para niños en el ilustrador anti Trump más conocido del mundo?

Yo empecé a ilustrar E.R. para el New York Times y El New Yorker cuando me gradué en Pratt Institute en 1995. Dibujaba muchas cosas de política He combines his graphic design activity with teaching work, para la página de Opinion del NY Times y giving workshops and classes at dibujos culturales para El New Yorker. En 4 various universities in Argentina and Chile. o 5 años hice cientos de dibujos para el New Yorker, los cuales dieron muchas vueltas mundialmente y me trajo trabajo para obras de teatro, óperas y otras cosas. En el 2000 me llamó una representante de libros de niños porque había visto mis obras en el New Yorker. Tenía un libro para niños basado en Cuba y pensaba que yo era el ilustrador perfecto para ese proyecto. Lo terminé ese año y de ahí en adelante me empezaron a entrar libros. Los seguí haciendo junto con los proyectos editoriales y carteles de teatro. Y también trabajando como director de arte en la revista TIME. Era un tiempo en que no paraba: en la oficina de TIME por el día y dibujando por la noche. V.B.

Lo más importante para mí es que una portada comunique la idea claramente. Siempre ha sido así. Cuando teníamos solamente las tiendas de revistas, la idea era crear algo que te llamara la atención, que te dieran ganas de leer lo que estaba adentro. Hoy en día la portada tiene esa función, pero también funciona como objeto de conversación en el internet. Así, de la misma forma, quiero que te detenga, que la mires y que te haga pensar. Como gráfica, quiero crear algo que se aparte de todas las fotos y memes que andan rondando. Creo que la claridad y el foco de algunas portadas recientes vienen de ese deseo de estar aparte de lo que anda circulando. Me interesa crear íconos. Algo que se pueda entender rápido, tanto por gente que trabaja duro en una finca o industria, hasta los que tienen maestrías de universidades. Mientras más universal sea una imagen, mejor. E.R.

V.B.

¿Qué imaginas para cuando Trump no esté?

Quiero vivir de nuevo en un país donde no sepa lo que está pasando con mi presidente. Que se sepa algo del presidente una vez al mes o algo así. Esto ahora es una distracción nacional y mundial. Quiero volver a pintar más y a escribir libros, hacer dibujos, etc. Yo he estado haciendo esta campaña para confrontar a este presidente, para robarle docenas de portadas de revista, y lo he hecho. Quiero marcar lo que ha pasado en estos tiempos para la historia con tal que no pase de nuevo. O si se pone mala la cosa, para que la gente en un futuro sepa que alguien estaba contra este tipo de fascismo en Los Estados Unidos. Los dibujos son rápidos y medio brutales, porque la verdad es que no tengo interés en dibujar a esta persona. Los hago en diez o veinte minutos y sigo con mis actividades. Cuando esto se acabe, seguiré con mi vida y otros proyectos, tengo muchas ideas. E.R.

V.B.

¿Cuáles son tus trabajos privados cuando el encargo no existe?

Mi cosa favorita es dibujar y pintar sin tener un plan. A ver dónde me lleva la tinta y la pintura. Hago esculturas, instalaciones, collages. Se tratan de memorias, relaciones, amor, guerra; de todo un poco. Cada cierto tiempo tengo exhibiciones de ellos. E.R.

V.B.

¿Cuáles son tus ilustradores favoritos? Y si hay alguno que te haya inspirado de modo particular.

Las inspiraciones me vienen más de los pintores y escultores en la historia del arte. Gente como Picasso y Matisse, Pop Art, Dada, todo eso. Me paso mucho tiempo dando vueltas por las galerías y los museos de Nueva York. Me encantan las ideas del arte contemporáneo y me atraen los pintores alemanes como Gerhard Richter, Anselm Kiefer y todos los que pintaban antes de la Guerra Mundial en Alemania. El tema político de sus obras es algo que siempre me ha inspirado. Como ilustradores, le tengo mucho respecto a mis amigos Gerard Dubois, Marc Burckhardt, Hanoch Piven y Olimpia Zagnoli, entre muchos. En Argentina está Pablo Lobato, tremendo talento. Hay tantos ilustradores de alta clase hoy en día. E.R.

¿Qué te planteas al realizar una ilustración para una cubierta de carácter político, en un contexto actual que su promoción mediante medios digitales supera la publicación misma?

a la tinta y la pintura”


Let's see where the ink and paint take me. By Victor Boldrini. Interview with Edel Rodríguez, who at age 26 became the youngest art director ever seen in the Canadian and Latin American editions of Time magazine. A multidisciplinary illustrator and communicator, creator of iconic book and magazine covers, illustrator of children's books and today known worldwide for his illustrations of Donald Trump. Victor Boldrini: Your departure from Cuba at an early age for political ideas, could it have influenced your provocative look at the illustration? Edel Rodríguez: One thing that happened as a result of my escaping as a refugee from Cuba is that I spent years in the United States trying to understand why we had left. Why did I have to leave my grandparents behind, why couldn't I see my friends, my people (la traducción al inglés presenta un formato de pregunta, por lo que el punto interrogativo se requeriría). I spent 14 years without being able to see my family in Cuba. We wrote letters to each other that took months to arrive… it was a difficult time. I was in the 80s, in the middle of the Cold War, and that decade I spent studying the politics and history that caused my family to have to separate. All of this influenced my artistic interests when I went to university in New York in 1990. I studied painting at university. Teachers did not guide me on what to paint, only to paint what interested me and what I thought about. The memories of Cuba and my family were the first things I painted.

VB: How did you transform from a children's book illustrator to the world's best-known anti-Trump illustrator? ER: I started illustrating for the New York Times and The New Yorker when I graduated from the Pratt Institute in 1995. I drew a lot of things related to politics for the NY Times Opinion page and cultural drawings for The New Yorker. In 4 or 5 years I did hundreds of drawings for the New Yorker, which went around the world many times and brought me work for theatre plays, operas and other things. In 2000 a children's book representative called me because she

had seen my works in the New Yorker. She had a children's book based on Cuba and thought I was the perfect illustrator for that project. I finished it that year and from then on I started getting books. I continued to do them together with editorial projects and theatre posters. And also working as an art director at TIME magazine. It was a non-stop time for me: in the TIME office during the day and drawing at night. VB: What do you think about when making an illustration for a cover of a political nature, in a current context where its promotion through digital media exceeds the publication itself? ER: The most important thing for me is that a cover communicates the idea clearly. It has always been like this. When we only had magazine stores, the idea was to create something that would catch your eye, that would make you want to read what was inside. Today the cover has that function, but it also works as an object of conversation on the internet. So, in the same way, I want it to stop you, to make you look at it and think. As a graphic, I want to create something that separates itself from all the photos and memes that are around. I think the clarity and focus of some recent covers come from that desire to be apart from what is circulating. I am interested in creating icons. Something that can be understood quickly, both by people who work hard in a farm or industry to those who have master's degrees from universities. The more universal an image is, the better.

ER: The inspirations come to me more from painters and sculptors in the history of art. People like Picasso and Matisse, Pop Art, Dada, all of that. I spend a lot of time wandering around the galleries and museums in New York. I love the ideas of contemporary art and I am drawn to German painters like Gerhard Richter, Anselm Kiefer, and everyone who painted before the World War in Germany. The political theme of their works is something that has always inspired me. As illustrators, I have a lot of respect (la versión en español dice “respecto”) for my friends Gerard Dubois, Marc Burckhardt, Hanoch Piven and Olimpia Zagnoli, among many. In Argentina, there is Pablo Lobato, a tremendous talent. There are so many high-class illustrators today.

VB: What do you imagine for when Trump is gone? ER: I want to live again in a country where I don't know what is happening with my president. Like letting someone know about the president once a month or something like that. This is now a national and global distraction. I want to go back to painting more and writing books, drawing pictures, etc. I've been running this campaign to confront this president, to steal dozens of magazine covers, and I did. I want to mark what has happened in these times for history as long as it does not happen again. Or if things get bad, so that people in the future know that someone was against this type of fascism in the United States. The drawings are quick and half brutal because the truth is that I have no interest in drawing this person. I do them in ten or twenty minutes and continue with my activities. When this is over, I will continue with my life and other projects, I have many ideas. VB: What are your private jobs when the assignment doesn't exist? ER: My favourite thing is to draw and paint without having a plan. Let's see where the ink and paint take me. I do sculptures, installations, collages. They are about memories, relationships, love, war; a little of everything. From time to time I have exhibits of them. VB: What are your favourite illustrators? And if there is one that has inspired you in a particular way.

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Imágenes cortesía Edel Rodríguez www.edelrodriguez.com www.edelr.com @edelrodriguez


Life is Strange o el valor artístico de los videojuegos Durante décadas los videojuegos se han visto cuestionados como forma de arte por diversos medios. Por suerte, desde hace ya bastante que esa discusión está zanjada —por la Academia al menos— y a pesar de que siguen apareciendo casos y controversias que gatillan el juicio público sobre la disciplina, poco se cuestiona el valor artístico que tiene el medio, especialmente en la industria independiente. Sin embargo, ¿cuál es la ventaja o valor que aportan los videojuegos como medio artístico? Muchos dirían que la interactividad, sin darle más racionamiento al tema, pero a mí no me gusta quedarme con las respuestas fáciles y rápidas, lo cual me lleva a reflexionar: ¿qué es la interactividad? Al menos desde un punto de vista más filosófico y no tan técnico, ¿qué factor central tiene esa interactividad y qué aporte tiene? Si tuviera que responder estas preguntas, diría que es la capacidad de tomar resoluciones. Si bien se podría decir que el tomar decisiones no es propio de los videojuegos, argumentando que uno puede decidir leer un libro o en qué orden leerlo. O en el caso de una pintura, se puede escoger cómo mirarla y desde qué lente interpretarla. No obstante, será al final del día en que nos demos cuenta que solo los videojuegos logran sacar el verdadero potencial que tiene la decisión de un espectador. Para ejemplificar este punto, veamos un poco por encima el videojuego “Life is Strange”. Este juego trata sobre tomar decisiones, pertenece a un género denominado Aventuras Gráficas, que gira en torno a ofrecerle múltiples opciones

a los jugadores, cada una con sus respectivas consecuencias. Personificamos a Max Caulfield, una estudiante de fotografía de un pueblo costero estadounidense. Para no hacer spoilers de la trama, no especificaré mucho más, puesto que es un juego que recomiendo mucho probar. Lo importante del juego es que toda su mecánica principal gira en torno a tomar decisiones; tales como qué decir a otros personajes en determinadas situaciones, qué acción tomar frente a ciertos conflictos, qué tipo de relación tenemos con nuestros compañeros, etc. Todas estas determinaciones logran que la experiencia de cada jugador sea completamente única, pues muchas de estas acciones se basan en distintos tipos de personalidades que los usuarios puedan tener. O sea, habrá jugadores más sociales que les interese más compartir con sus compañeros, u otros más egoístas que al ver un problema prefieran no involucrarse y quedarse al margen. Pero lo más importante es que estas decisiones conllevan sus consecuencias. Hay una escena en el juego en la cual un personaje con el que hemos compartido mucho tiempo quiere quitarse la vida, es un momento fuerte, con una carga emocional potente que sirve como clímax de una temática que el juego trata durante la primera mitad. Nosotros somos los únicos que podemos evitar este fatal desenlace. Sin embargo, no siempre vamos a poder. La opción de salvarle depende únicamente de cómo nos hayamos relacionado con este personaje, puesto que lo único que evitará que acabe con su vida es

recordarle una frase muy específica de un libro, pero si no nos interesamos en este personaje desde el principio, nunca conoceremos esa frase. Obviamente, no le vamos a poder salvar, nunca nos interesó, nunca nos preocupó. Las únicas interacciones que teníamos con este personaje eran porque estaba ahí, no teníamos opción. O quizá sí buscábamos preocuparnos, pero no a conciencia, lo hacíamos porque era parte del juego y ya. A menos de que verdaderamente te interese sumergirte en este mundo y decidas realmente ser parte de él, tendrás en tu conciencia la muerte del personaje por el resto del juego, y esa es una decisión que no tomas conscientemente. Tu propia actitud frente al juego ya es una decisión, y el juego se basa en las consecuencias. Ejemplos como aquel hay cientos, tanto en este como en muchos otros juegos. La capacidad de decisión que tiene el espectador en el medio llega a niveles y grados tan diferentes que permite poder explorar temas y tópicos que, de otra forma, serían imposibles o muy difíciles. Con esto tampoco quiero decir que los videojuegos son de algún modo una forma de arte superior —como sí creen algunos—. En ese sentido, cada rama del arte tiene fortalezas únicas que permiten ser exploradas de formas que ningún otro medio puede. Así, uno de los valores intrínsecos de los videojuegos está en poder explorar la capacidad de decidir y, por ende, captar la esencia en sí de la consciencia humana. Pero esto no es más que una pequeña pincelada de una reflexión de alguien que le gusta sobrepensar las cosas…

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Matías Mellado Estudiante Diseño de Juegos Digitales. Escuela de Diseño. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

Life is Strange or the artistic value of video games. By Matías Mellado. For decades video games have been questioned as a form of art by various media outlets. Luckily, this discussion has been settled for quite some time — by the Academy at least — and despite the fact that cases and controversies that trigger public judgment on the discipline continue to appear, little is questioned about the artistic value of the field, especially in the independent industry. However, what is the advantage or value that video games provide as an artistic field? Many would say that interactivity, without giving more rationing to the subject, but I do not like to remain with the easy and quick answers, which leads me to reflect: what is interactivity? At least from a more philosophical and not so technical point of view, what central factor does this interactivity have and what contribution does it provide? If I had to answer these questions, I would say it is the ability to make resolutions. Although it could be said that decision-making is not exclusive of video games, arguing that one can decide to read a book or in what order to read it. Or in the case of a painting, you can choose how to look at it and from which lens to interpret it. Even so, it will be at the end of the day that we realize that only video games manage to bring out the true potential that a viewer's decision has. To exemplify this point, let's take a look at the video game “Life is Strange”. This game is about making decisions, it belongs to a

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genre called Graphic Adventures, which revolves around offering multiple options to players, each with its respective consequences. We personified Max Caulfield, a photography student from an American coastal town. To avoid spoilers of the plot, I will not specify much more, since it is a game that I highly recommend trying. The important thing about the game is that all its main mechanics revolve around making decisions; such as what to say to other characters in certain situations, what action to take when faced with certain conflicts, what kind of relationship we have with our peers, etc. All these determinations make the experience of each player completely unique since many of these actions are based on different types of personalities that users may have. In other words, there will be more social players who are more interested in sharing with their teammates or others who are more selfish which prefer not to get involved and stay on the sidelines when facing a problem. But the most important thing is that these decisions come with their consequences. There is a scene in the game in which a character with whom we have spent a long time wants to kill himself; it is a strong moment, with a powerful emotional charge that serves as the climax of a theme that the game treats during the first half. We are the only ones who can avoid this fatal outcome. Yet, we will not be always able to. The option to save him depends solely on how we have related to this character, as the only thing that will prevent him from ending his life is to remind him of a very specific phrase

from a book, but if we are not interested in this character from the beginning, we will never know that phrase. Obviously, we are not going to be able to save him, we were never interested, we were never worried. The only interactions we had with this character were because he was there, we had no choice. Or maybe we did seek to worry, but not conscientiously, we did it because it was part of the game and that's it. Unless you truly care to dive into this world and really decide to be a part of it, you will have the character's death on your conscience for the rest of the game, and that is a decision that you do not consciously make. Your own attitude towards the game is already a decision, and the game is based on their consequences. There are hundreds of examples like that, both in this and many other games. The viewer's decision-making capacity in the field (como “medio”?) reaches such different levels and degrees that it allows exploring themes and topics that, otherwise, would be impossible or very difficult. With this, I don't mean either that videogames are somehow a superior form of art —as some do believe—. In that sense, each branch of art has unique strengths that allow it to be explored in ways that no other medium can. Thus, one of the intrinsic values of video games is to be able to explore the ability to decide and, therefore, to capture the core essence of human consciousness. But this is just a small brushstroke of a reflection from someone who likes to overthink things…


Werner Fett Diseñador. Oficina Wernerfett Studio. Estudio con especialización en proyectos de Branding. Miembro del grupo The Tremendos. Desarrolladores de intervenciones lumínicas.

Quim Mientras las grandes y medianas agencias de diseño luchan por adquirir una posición frente al desarrollo de los proyectos de branding, buscando mejores y más profundas estrategias, dejan de lado lo principal: el buen diseño. ¿Qué es el buen diseño? ¿Cuáles son los parámetros y quién los da? No hay respuestas claras y siempre termina en una mirada de juicio de valor. Pero lo que sí se pueden ver son las tendencias y cómo algunas oficinas de diseño van marcando y adoptando esos códigos visuales apetecidos por los amantes del diseño. Por ejemplo, la emblemática e histórica oficina de diseño Pentagram viene dando cátedra de ese uso al límite de lo confuso, lo extraño y por sobre todo, lo extraordinario de la visualidad profunda. En ese entorno, lleno de gráfica y experimentación con sentido y

estrategia, nos encontramos con quien hoy para mí es un gran referente en el nuevo diseño, Quim Marin. Diseñador independiente español, quien hoy se encuentra trabajando por diferentes partes del mundo con una amplia variedad de clientes. El diseño de Quim es ese que logra mutar según los encargos, pero siempre manteniendo aquel carácter contemporáneo, experimental y cargado de gestos visuales que llenan las piezas de vida. Los procesos de este imparable diseñador son los mismos que se viven en las grandes agencias, pero en este caso la preocupación por el diseño final y su carácter estético terminan por dejarnos sorprendidos cada vez que vemos una nueva publicación en su Instagram. Son procesos de branding tradicional con la mirada fresca de un diseñador que tiene una gran sensibilidad por la simpleza y la

búsqueda cromática en sus composiciones. A veces, un pequeño gesto o aplicación de color pueden detonar una solución y transformarla en algo muy grande, y esa es la especialidad de este diseñador. Por otro lado, Quim viene dejando un legado muy amplio en diferentes publicaciones y sitios especializados en diseño y tendencia, ya que esa potencia gráfica que tiene es digna de libro. Lo de Quim es el trabajo non-stop, la búsqueda constante de soluciones para resultados mejores y más correctos. Es por esto que hoy su portafolio es casi infinito, no solo por la cantidad, sino más bien por la variedad y la gran pantonera de soluciones gráficas que nos muestra y nos enseña día a día. Yo defino al branding de Quim Marin como el de la “Nueva Era”. Correcto o incorrecto para los más puristas, los resultados son magníficos.

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El branding de la nueva era

Marin Quim Marin. Branding of the new era. By Werner Fett. While large and medium-sized design agencies struggle to acquire a position in the development of branding projects and seek better and deeper strategies, they put aside the main thing: good design. What is good design? What are the parameters and who gives them? There are no clear answers and it always ends in a look of value judgment. But what can be seen are the trends and how some design offices are setting and adopting those visual codes desired by design lovers. For example, the emblematic and historic design office Pentagram has been teaching this use to the limit of confusion, the strange and above all, the extraordinary of

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deep visuality. In this environment, full of graphics and experimentation with sense and strategy, we meet who today, to me, is a great reference in the new design, Quim Marin. A Spanish independent designer, who is working today in different parts of the world with a wide variety of clients. Quim's design is one that manages to mutate in accordance with the orders but always maintains that contemporary, experimental and loaded character with visual gestures that fill the pieces with life. The processes of this unstoppable designer are the same as those experienced in large agencies, but in this case, the concern for the final design and its aesthetic character end up leaving us surprised every time we see a new publication on his Instagram. They are traditional branding processes with the fresh gaze of a designer who has a great

sensitivity for simplicity and the chromatic search in his compositions. Sometimes a small gesture or application of colour can detonate a solution and transform it into something very big, and that is the speciality of this designer. On the other hand, Quim has been leaving a very broad legacy in different publications and sites specialized in design and trends, since that graphic power that he has worths a book. Quim's thing is non-stop work, the constant search for solutions for better and more correct results. This is why today his portfolio is almost infinite, not only in terms of the quantity but rather as a result of the variety and the great pantone palette of graphic solutions that he shows us and teaches us every day. I define Quim Marin's branding as one of the “New Era”. Right or wrong for the most purists, the results are magnificent.


Imágenes cortesía Quim Marín www.quimmarin.com @quimmarin_studio

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Moda Argentina

La pandemia puso al mundo en una situación de emergencia global. En Argentina, en donde la capacidad de adaptación y la resiliencia frente a situaciones críticas son parte Marcela García del ADN nacional, PR. Speaker. Consultora en hubo respuesta Comunicación e Imagen de inmediata por Marcas de moda, belleza y parte de la lifestyle para el segmento de Lujo, con 20 años de industria con trayectoria internacional. un rápido giro focalizado exclusivamente en la venta a través de e-commerce, para paliar el cierre brusco de centros y circuitos comerciales de todo el país durante siete meses. Sin embargo, más allá de la industria vernácula, la moda como lenguaje social se ha pronunciado a través de nuevas formas de comunicar, ganar clientes y abrir mercados que han emergido de las fauces de la emergencia. Por supuesto que se trata de los nuevos talentos, ese semillero inagotable que también es parte del ADN argentino basado en esa creatividad invencible que derriba obstáculos imposibles en pro de la supervivencia. Sobre quienes han llevado a cabo esta labor es que nos proponemos indagar. Desde Crónicas de Moda, espacio joven virtual y presencial de conversación, observación y lectura del devenir de la moda local e internacional, su directora Celeste Nasimbera, periodista especialista en productos digitales y editora digital de L’Officiel Argentina, considera este momento como una oportunidad para nivelar la comunicación de las marcas de diseño emergente con aquellas ya establecidas. Esto se debe, según su criterio, a que lo digital es accesible a presupuestos acotados, y a que la conversación y el diálogo se corrieron al espacio virtual, por lo que todos los actores de la moda tuvieron un lugar de encuentro común. Otro punto que destaca Nasimbera, es el crecimiento del storytelling como vehículo de acercamiento en reemplazo de la experiencia, resaltando en este sentido marcas de diseño joven como Daniela Sartori, Valentina Karnoubi y Clarabella. Esta última observación resulta puntualmente interesante, ya que el storytelling es una construcción nacida y sostenida en el tiempo por el segmento de lujo, lo cual demuestra otro punto de nivelación entre las marcas tradicionales y aquellas incipientes que se abren camino en medio de la contingencia. Proyectos de autor con foco de ventas en el mercado externo, vieron suspendidas su posibilidades de viajar y acceder a los showrooms europeos, como el caso de Maydi, la marca de tejidos artesanales de lujo argentina, única con certificación Wild Life Friendly, que atrae a consumidores de boutiques en Japón, Francia, Corea y Londres. La marca supo encontrar equilibrio en la coyuntura, rediseñando su estrategia digital para mantener viva su cercanía con la clientela internacional, pero redirigiendo parte del mensaje hacia el mercado local. Así accedió a las más


en tiempos de pandemia

Colección SS21 Maydi de María Abdala Zolezzi.

importantes producciones de moda en revistas como Elle, Marie Claire y L’Officiel en sus ediciones locales y Vogue Méjico, en su edición Latam. Desde el punto de vista del diseño de la nueva colección, María Abdala, diseñadora y dueña de Maydi, respetó su esencia orientada al consumidor internacional y se puso al frente de la atención personalizada de su nueva clientela local implementando el made to measure a través de entrevistas vía zoom y entregas puerta a puerta con personal propio. En otro orden de cosas, la experiencia personal ha comenzado a desplazarse hacia espacios internos preexistentes que, bajo protocolos de cuidado, retomaron la venta presencial con cita previa individual. Un ejemplo es Casa Pop Up, el concept store a puertas cerradas, curado por su creadora Michelly Torres, quien reconoce que la pandemia ha acercado su negocio hacia su esencia inicial, ya que al desaparecer la urgencia social de mostrarse, los tiempos se desaceleraron. Con esto, las citas hicieron que la experiencia de compra fuera más cualitativa, haciendo que los consumidores se volvieran más conscientes en la valoración de piezas de lujo sustentables o realizadas a mano. Por otro lado, Casa Pop Up se consolida como refugio para el diseño de autor cualitativo latinoamericano, ofreciéndole un espacio que concentra un círculo de consumidores A Class, ávidos de propuestas de diseño no convencionales en contextos de privacidad y exclusividad. Como conclusión preliminar, aún inserta en la pandemia, se percibe que, como siempre, la moda expresa y trae a la superficie comportamientos latentes y los transforma en futuros hábitos expandidos. Los casos que describimos son referencias acerca de cómo, lentamente, están cayendo los ideales dominantes de la industria comercial y hay un regreso hacia la esencia del lujo más primario, reivindicando valores éticos y estéticos que nunca debió perder y que renacen en pro de una nueva conciencia que no admite hipocresías.


Argentine Fashion in Pandemic. By Marcela García. The pandemic put the world in a global emergency situation. In Argentina, where the ability to adapt and resilience to critical situations are part of the national DNA, there was an immediate response from the industry with a quick turnaround focused exclusively on sales through e-commerce, to alleviate the closure brusque from shopping centres and circuits across the country for seven months. However, beyond the vernacular industry, fashion as a social language has been pronounced through new ways of communicating, winning customers and opening markets that have emerged from the jaws of the emergency. Of course, this is about new talents, that inexhaustible seedbed that is also part of the Argentine DNA based on that invincible creativity that knocks down impossible obstacles in favour of survival. We intend to inquire about those who have carried out this work. From Chronicles of Fashion, a virtual and face-to-face young space for conversation, observation and reading of the future of local and international fashion, its director Celeste Nasimbera, a journalist specialized in digital products and digital editor of L'Officiel Argentina, considers this moment as an opportunity to level the communication of emerging design brands with those already established. This is due, according to her criteria, to the fact that digital is accessible to limited budgets and that conversation and dialogue moved to the virtual space so that all the fashion actors had a common meeting place. Another point emphasised by Nasimbera is the growth of storytelling as a vehicle for rapprochement in replacement of experience, which in this sense it highlights young design brands such as Daniela Sartori, Valentina Karnoubi and Clarabella. This last observation is particularly interesting since storytelling is a construction born and sustained over time by the luxury segment, which shows another levelling point between traditional brands and the incipient ones that make their way in the midst of contingency. Author projects with a focus on sales in foreign markets saw their possibilities to travel and access European showrooms suspended, such as Maydi, the Argentine luxury artisanal brand and the only one with Wild Life Friendly certification, which attracts boutique consumers in Japan, France, Korea and London. The brand was able to find balance in the current situation by redesigning its digital strategy to keep its closeness to international customers alive while redirecting part of the message to the local market. Hence, she gained access to the most important fashion productions in magazines such as Elle, Marie Claire and L'Officiel in their local editions and Vogue Mexico Latam edition. From the point of view of the design of the new collection, María Abdala, designer and owner of Maydi, respected its essence oriented to the international consumer and took charge of the personalized attention of her new local clientele by implementing the made to measure through interviews via zoom

Diseños de Valentina Karnoubi.

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and door-to-door deliveries with her own staff. In another order of things, personal experience has begun to move towards pre-existing internal spaces that, under care protocols, resumed face-to-face sales with individual appointments. An example is Casa Pop Up, the concept store behind closed doors and curated by its creator Michelly Torres, who recognizes that the pandemic has brought her business closer to its initial essence because as the social urge to show up disappears, time slows down. With this, appointments made the shopping experience more qualitative, inducing consumers to be more conscious in the valuation of sustainable or handmade luxury pieces. On the other hand, Casa Pop Up is consolidated as a refuge for Latin American qualitative author design, offering a space that concentrates a circle of A-Class consumers, eager for unconventional design proposals in contexts of privacy and exclusivity. As a preliminary conclusion, still embedded in the pandemic, it is perceived that, as always, fashion expresses and brings to the surface latent behaviours and transforms them into future expanded habits. The cases we have described are references about how, slowly, the dominant ideals of the commercial industry are falling and there is a return towards the essence of the most primary luxury, claiming ethical and aesthetic values ​​that it should never have lost and that revive in favour of a new conscience that does not admit hypocrisies.

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Un hombre, un filósofo, un socialista, un ser humano que siempre profundizó las ideas de diseñar para todos, dando soluciones simples a las necesidades de la población. Hernán Garfias Todo lo contrario a Director Escuela Diseño, lo que sucedía en Arte y Comunicación AIEP. su época, donde el diseño se volvía más banal y meramente comercial. Este es mi homenaje a esa persona que me llenó de admiración por su consecuencia y humanidad. Enzo Mari (Novara 1932 — Milán 2020) falleció el 18 de octubre, sorprendiendo a todo el mundo del diseño mundial. Recientemente, se había inaugurado la retrospectiva con su obra en el museo Triennale di Milano, bajo la curatoría de Hans Ulbrish Obrist, gran conocedor de su trabajo. Al día siguiente falleció su mujer y compañera de toda una vida, Lea Vergine. Una historia de amor que trascendió a su propia existencia. Durante esos días en todas las redes sociales aparecían fotos de ellos que homenajeaban al maestro debido a su notoria influencia en muchas generaciones como consecuencia de su quehacer profesional, sus pensamientos, sus escritos y su forma de habitar. Inconfundible era su figura quijotesca; un hombre alto, delgado, con una gran barba y cejas espesas, su mirada penetrante con sus ojos negros y una semisonrisa un poco irónica; aspectos característicos que permitían reconocerlo a distancia. Recuerdo cuando lo conocí en los noventa, en encuentros memorables en Milán, ya fuera en una comida con sus amigos Alessandro Mendini, Achille Castiglioni o Ettore Sottsass, que pasaron a ser mis amigos también; o cuando intercambiábamos largas conversaciones, las cuales se transformaron en entrevistas para la revista Diseño que había fundado en esos años. En esas tertulias podía preguntarme sobre Chile, Allende, el Golpe de Estado, cómo había sido la dictadura, el ejemplo del No en el plebiscito del 88, la recuperación democrática y su admiración por este país tan lejos del mundo europeo, que él encontraba un ejemplo por su democracia y capacidad de superar sus problemas políticos a través del diálogo y su espíritu cívico; una pauta a seguir para Latinoamérica. Y complementaba diciendo que en Italia se lo pasaban cambiando de gobierno, pero que igual, en ese caos aparente, el país funcionaba. Siempre decía que su trabajo era una reflexión acerca del significado de la forma y el proyecto. Desde el diseño de una silla para la industria, un juego de animales en madera, las serigrafías de frutas y animales para Danese o el r egalo de mobiliario para armar en la casa llamado “autoprogettazione”. “Autoprogettazione”, un modelo para armar. Enzo Mari pensó crear una línea de mobiliario de madera en 1974 para que cualquier persona pudiera armar en su casa a partir de los planos detallados

entregados por su autor, para luego ser llevados a la barraca y solicitar las piezas dimensionadas, comprar los clavos o tornillos y hacerlos realidad en su espacio privado. Esa generosidad tenía que ver con cómo pensaba Mari su relación con el diseño, que debía ser para todos, de manera sencilla y de bajo costo. “Un proyecto —nos escribe Mari— para realizar muebles con montajes simples, usando clavos y tablones sin pulir. Una técnica elemental para que cualquiera pueda desarrollar la propia capacidad crítica ante la producción actual. Todos, a excepción de la industria y el comercio, pueden usar estos diseños para llevarlos a cabo ellos mismos. El autor espera que la idea perdure y le pide a quienes fabriquen estos muebles y, particularmente a los que construyen variaciones de ellos, que envíen fotos a su estudio en el número 10 de Piazzale Baracca, 10-20123 Milán”. En la edición chilena de la editorial Hueders, reeditada del original el 2016, se puede leer que Mari repite su idea de que en el diseño la calidad se manifiesta cuando la forma de un producto no “parece”, sino que simplemente “es”. Y en el catálogo de una exposición de su obra, afirma que “en un día de trabajo, dos a lo máximo, es posible amoblar tu departamento completo con camas, sillas, mesas, un armario, un librero, un escritorio y también una banca. El costo sería de 40 mil liras si se usan tableros de madera previamente dimensionados y pulidos”. Y así, este proyecto se transformó en un mito mundial, atrayendo la admiración y estudio de su obra que sigue persistiendo hasta las generaciones actuales. Quisiera terminar este pequeño escrito, agradeciendo a mi querido Enzo Mari por todo lo que nos entregó y heredó a la historia del diseño, por su perseverancia con el proyecto ético, verdadero y para todos. Su último deseo antes de morir fue donar sus archivos a la ciudad de Milán para que los abrieran 40 años después de su muerte, a fin de ver si esas ideas todavía podían tener vigencia en el futuro. Estoy convencido que así será, porque nunca creó nada que fuera una moda pasajera y banal. Todo lo hizo para que persistiera en el tiempo, en forma silenciosa, sin gritos; más bien, en susurros.

Enzo


El maestro que democratizó el diseño

o Mari


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Enzo Mari, The Master Who Democratized The Design. By Hernán Garfias. A man, a philosopher, a socialist, a human being who always deepened the ideas of designing for everyone, giving simple solutions to the needs of the population. Quite the opposite of what happened in his time, where design became banaler and merely commercial. This is my homage to that person who filled me with admiration for his consequence and humanity. Enzo Mari (Novara 1932 — Milan 2020) passed away on October 18 surprising the entire world of global design. Recently, the retrospective with his work had been inaugurated at the Museum Triennale di Milano, under the curatorship of Hans Ulbrish Obrist, a great connoisseur of his work. The next day, his wife and lifelong companion Lea Vergine passed away. A love story that transcended its own existence. During those days, there were photos of them in all social networks that paid tribute to the teacher due to his notorious influence on many generations as a result of his professional work, his thoughts, his writings and his way of living. Unmistakable was his quixotic figure; a tall, thin man, with a great beard and bushy eyebrows, his gaze penetrating with his black eyes and a slightly ironic half-smile; characteristic aspects that allowed his recognition from a distance. I remember when I met him in the nineties, in memorable meetings in Milan, either at a dinner with his friends Alessandro Mendini, Achille Castiglioni or Ettore Sottsass, who became my friends too; or when we exchanged long conversations, which turned into interviews for the Diseño magazine that he had founded in those years. In those gatherings he could ask me about Chile, Allende, the coup, what the dictatorship had been like, the example of the No vote in the plebiscite of 88, the democratic recovery and his admiration for this country so far from the European world that he deems an example due to its democracy and ability to overcome their political problems through dialogue and civic spirit; a guideline to follow for Latin America. And he complemented by adding that in Italy they were always changing government, yet in that apparent chaos, the country moves on. He always said that his work was a reflection on the meaning of the form and the project. From the design of a chair for the industry, a game of animals made of timber, the serigraphs of fruits and animals for Danese or the gift of furniture for assembling at home dubbed “autoprogettazione”. “Autoprogettazione”, a model to assemble.

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Enzo Mari thought of creating a line of wooden furniture in 1974 so that anyone could assemble at home from the detailed plans provided by its author, then be taken to the stall and request the dimensioned pieces, buy the nails or screws and make them come true in your private space. That generosity had to do with how Mari thought about his relationship with design, which should be for everyone, in a simple and

low-cost way. “A project — Mari writes to us to make furniture with simple assemblies, using nails and unpolished boards. An elementary technique so that anyone can develop their own critical capacity in the face of current production. Everyone except industry and commerce can use these designs to carry out them by themselves. The author hopes that the idea will last and asks those who make this furniture and, particularly those who build variations of it, to send photos to his studio at 10 Piazzale Baracca, 10-20123 Milan”. In the Chilean edition of the Hueders publishing house, reissued from the original in 2016, it can be read that Mari repeats his idea that quality in design manifests itself when the shape of a product does not "seem", but simply “is”. And in the catalogue of an exhibition of his work, he states that “in one working day, or two at the most, it is possible to furnish your entire apartment with beds, chairs, tables, a closet, a bookcase, a desk and also a bench. The cost would be 40 thousand Italian lire if previously dimensioned and polished wooden boards are used”. And so, this project became a world myth, attracting the admiration and study of his work that continues to persist until current generations. I would like to finish this little writing by thanking my dear Enzo Mari for everything he gave us and inherited from the history of design, for his perseverance with the ethical project, real and for everyone. His last wish before he died was to donate his archives to the city of Milan to be opened 40 years after his death, in order to see if those ideas could still be valid in the future. I am convinced that it so will be because he never created anything that was a passing and banal fad. He did everything so that it would persist in time, silently and without screaming; rather, in whispers.


Libro

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Patricio Pozo (Santiago, 1971) Diseñador Altos de Chavón/ Parsons School of Design, Magíster en Historia del Arte UAI. Profesor Escuela de Diseño UC. Socio Pozo Marcic Ensamble. Premio Chile Diseño (2005) y Premio Altazor (2008). Cofundador y curador del festival de diseño Área en Santiago, Buenos Aires y Madrid. Director artístico y curador de exposiciones como Geological Baldness (Lisboa, 2007), Gimme Shelter! (Hong KongShenzhen, premio mejor exposición, 2011), Passion + Vision (Milán, 2012), Chilean Design Now (Londres, 2012), High Noon (Londres, 2013), Emergency Pavilion (Bienal de Venecia, 2013), Loop Marghera (Bienal de Venecia, 2018), Gran Sur (Madrid, 2020).

Selección de 100 diseños chilenos y ensayos por: Florencia Adriasola, Macarena Aguilar, José Manuel Allard, Pedro Alonso, Pedro Álvarez, Nicole Andreu, Moisés Arancibia, Alejandro Aravena, ArchDaily, Beals & Lyon, Renato Bernasconi, Umberto Bonomo, Rodrigo Bravo, Sebastián Bravo, Ángeles Briones, Josefina Bunster, Carolina Castro, Macarena Cortés, JP Corvalán, Nicole Cristi / Luisa Rivera, Luciano Cruz-Coke, Emilio De la Cerda, Manana De Soto, Alejandra Domínguez, Elton + Léniz, Daniela Escobar, Denisse Espinoza, Estudio Recoleta, Delfina Fantini, Gracia Fernández, Werner Fett, Pepa Foncea, Constanza Gaggero, Fabrizio Gallanti, Carmen García, Isabel García, Marisol García, Soledad García-Huidobro, Hernán Garfias, Manuela Garretón, Justine Graham, Martín Gubbins, Patrick Hamilton, Weichi He, Daniel Hernández, Guillermo Hevia, Soledad Hoces de la Guardia, Martín Huberman, Sebastián Irarrázaval, Sandra Iturriaga, Cristián Izquierdo / Alejandra Celedón, Cristóbal León, Simoné Malacchini, Emilio Marín, Carolina Martínez, Pablo Martínez, Justo Pastor Mellado, Beltrán Mena, Guta Moura Guedes, Ximena Muñoz, Ignacia Murtagh, David Neustein, Max Núñez, Magdalena Olazábal, Cristián Ordóñez, Cristóbal Palma, Hugo Palmarola, Colombina Parra, Rodrigo Pérez de Arce, Pezo Von Ellrichshausen, Cristián Plana, Jeannette Plaut, Fernando Portal, Rodrigo Ramírez, Sergio Recabarren, Óscar Ríos, Daniel Riveros (Gepe), Matías Ruiz, Florencia San Martín, Javier Sanfeliú, Gloria Saravia, Marcelo Sarovic, Alejandro Soffia, Gastón Soublette, Ignacio Szmulewicz, Jorge Tacla, Juan Guillermo Tejeda, The Andes House, Martín Tironi, Horacio Torrent, Ximena Ulibarri, Carola Ureta, Mále Uribe / José Quintanilla, Iván Vial / Angélica Quintana, Christian Viveros-Faune, Andrea Von Chrismar, Cristián Warnken, Paula Wuth, Cazú Zegers / Teresa Montero / Sylvia Arriagada, Felipe Zegers. Editado por Patricio Pozo Introducción por Vicente Larrea, Felipe Taborda, Cecilia Vicuña. Ensamble Ediciones, 2020.

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Cristofer Diaz

¿Cómo fue la selección de los entrevistados?

Fue a partir de una visión selectiva del diseño en nuestro país, el libro 100 x 100 Diseño en Chile expone las respuestas de 100 destacados diseñadores, arquitectos, artistas, periodistas, científicos, escritores, agentes culturales y académicos; quienes presentan los hitos, piezas y momentos más destacados del diseño producidos en nuestro país desde tiempos precolombinos hasta hoy. Evitamos un tono uniforme, la edición prefiere trabajar en terreno, respondiendo al contexto de cada proyecto escogido desde la voz y experiencia personal de cada autor invitado en su selección. El proyecto nació desde una pregunta simple —y por lo mismo compleja— de una alumna de la escuela de diseño UC donde soy profesor hace años: "¿Qué es el diseño chileno?", "¿qué le es propio? Y no es que la pregunta no se haya formulado muchísimas veces antes, pero esta vez venía con un candor y una urgencia nueva. En un principio intenté hacer esta lista de 100 casos de estudio por mí mismo, pero fracasé rápidamente en la tarea. Resultaba una lista muy individual y guiada por mis gustos personales. Ahora bien, si esta lista la armamos con 100 destacados arquitectos, diseñadores, académicos y artistas; ya es otra cosa. Estos intereses y pasiones personales se convierten así en una interesante voz colectiva. Todos los convocados aceptaron participar de esta tarea con gran generosidad y entusiasmo.

C. D.

Patricio Pozo

Tostador de Pan Diseño original anónimo. Presentado en el libro por el profesor Óscar Rios. Foto: Thomas Wedderwille. © Gentileza Pozo Marcic Ensamble.

Es una selección de obras de diseño bien amplia. En ese sentido, ¿con qué concepto de diseño trabajaron para este libro?

100 x 100 Diseño en Chile es una recopilación dedicada al tema del diseño en nuestro país. No es una historia del diseño narrada a través de sus mayores logros. Tampoco pretende ser la lista definitiva de los 100 hitos sobre el tema. Separar el grano de la paja, por decirlo de alguna manera, no es la función de este libro; es más bien una puesta en página festiva y afable de la construcción de la cultura del diseño en nuestro país. P. P.


C. D.

¿Hay ciertas definiciones, tendencias o líneas que caractericen el diseño en Chile?, ¿cuáles por ejemplo? Al ver las obras publicadas, ¿crees que hay una manera de definir la evolución del diseño en Chile?, ¿o más que todo prima la uniformidad? ¿Hay elementos cíclicos en el diseño chileno?, ¿tendencias que se repitan?

Me parece que lo que se impone como un plus es la escasez como una virtud y no como un defecto. También el ingenio popular y cierta picardía en la transformación y adaptación de materiales, diseños y objetos de un fin para otro. Resulta un territorio fértil para la aplicación de la vieja máxima de Mies van der Rohe: “Menos es más”. Al mismo tiempo, no creo que el futuro del diseño chileno esté en alcanzar los estándares y modos que tiene el diseño en sociedades como Japón, los países escandinavos, Italia u Holanda; por citar países donde la cultura del diseño es destacadísima. Eso no significa que no tengamos nuestro modo y lenguaje propio al respecto y que no sepamos reconocernos y actuar desde ahí. Todos los países tienen cultura del diseño, a mayor o menor escala, y mientras más propia y particular sea, resulta más interesante en un mundo tan globalizado y uniforme como el nuestro de esta última década.

C. D.

P. P.

Es interesante la definición de Mark Wigley, donde comenta que el diseño se pinta como al servicio del humano; pero, en verdad, su definición es redefinirlo. De todas maneras, el diseño parece ser también un reflejo de un momento cultural y social. ¿Esto es así?, ¿crees que lo que estemos viviendo desde el 18 de octubre marque un antes y un después que se manifieste en las obras de diseño?

Los libros y exposiciones de diseño son designados con demasiada frecuencia como artefactos visuales bonitos y creativos, y se olvidan del carácter crítico en la construcción de nuestro imaginario como país. En lo relativo a lo que comentas acerca del momento cultural y social y citando nuevamente a Beatriz Colomina y Mark Wigley: "¿De qué sirve que sea bueno, si el buen diseño sólo es bueno para un pequeño grupo de personas?". Es muy pronto para hacer evaluaciones y proyecciones de lo que ha significado y significará el 18-O, pero sí pienso que es notable el uso del espacio público por parte de la ciudadanía como un espacio realmente de todos. Se han destacado de manera machacante los casos de daño al espacio público, y que son lamentables. Sin embargo, estos son una minoría comparados con el uso colectivo, alegre y ciudadano que se ha dado en la mayor parte de los casos. Lo que pasa es que estos no son noticia. P. P.

Revista Mampato Diseñada por Eduardo Armstrong, Themo Lobos, Óscar Vega, 1968. Presentado en el libro por el escritor Cristián Warnken. Colección Biblioteca Nacional de Chile.


C. D.

De los ejemplos del libro, ¿cuáles son tus favoritos?

El resultado final es muy variado y la P. P. elección de los favoritos será diferente en cada lector según sus propias pasiones e intereses. Resulta obvio que este libro encontrará una resonancia natural en diseñadores, arquitectos, artistas y personas afines a la práctica del diseño, pero también creo que encontrará a sus lectores en cualquier persona que se reconozca en nuestros diseños más conocidos: la caja de fósforos Andes, el tostador de pan, el poncho, revista Mampato, las medialunas de rodeo, las citronetas, los diseños de Gui Bonsiepe e INTEC o incluso Arch Daily. Tú mismo me comentabas la sorpresa y gusto de encontrarte al arquitecto Alejandro Aravena contando su experiencia con el programa de televisión 31 Minutos de Peirano y Díaz. Me siento muy cercano a todos los casos presentados en el libro, pero quiero destacar la vitalidad y sabiduría de Don Gastón Soublette, quién redactó de puño y letra, y a los 92 años, un extraordinario ensayo acerca de nuestro pabellón nacional, la bandera de la Estrella Solitaria. Para mí esto sobrepasa lo profesional y entra directamente en el terreno de lo emotivo. Creo que esta colección de ensayos aquí reunida revela que lo más importante de estos libros es que se transforman en un relicario de nuestra cultura popular.

Escoba de Curahuilla Diseño original anónimo. Presentado en el libro por el estudio de diseño The Andes House. Foto: Carlos Molina. © Gentileza The Andes House.

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100 X 100 Design In Chile. Edited by Patricio Pozo Introduction by Vicente Larrea, Felipe Taborda, Cecilia Vicuña. Ensamble Ediciones, 2020. Selection of 100 Chilean designs and essays by Florencia Adriasola, Macarena Aguilar, José Manuel Allard, Pedro Alonso, Pedro Álvarez, Nicole Andreu, Moisés Arancibia, Alejandro Aravena, ArchDaily, Beals & Lyon, Renato Bernasconi, Umberto Bonomo, Rodrigo Bravo, Sebastián Bravo, Ángeles Briones, Josefina Bunster, Carolina Castro, Macarena Cortés, JP Corvalán, Nicole Cristi / Luisa Rivera, Luciano Cruz-Coke, Emilio De la Cerda, Manana De Soto, Alejandra Domínguez, Elton + Léniz, Daniela Escobar, Denisse Espinoza, Estudio Recoleta, Delfina Fantini, Gracia Fernández, Werner Fett, Pepa Foncea, Constanza Gaggero, Fabrizio Gallanti, Carmen García, Isabel García, Marisol García, Soledad García-Huidobro, Hernán Garfias, Manuela Garretón, Justine Graham, Martín Gubbins, Patrick Hamilton, Weichi He, Daniel Hernández, Guillermo Hevia, Soledad Hoces de la Guardia, Martín Huberman, Sebastián Irarrázaval, Sandra Iturriaga, Cristián Izquierdo / Alejandra Celedón, Cristóbal León, Simoné Malacchini, Emilio Marín, Carolina Martínez, Pablo Martínez, Justo Pastor Mellado, Beltrán Mena, Guta Moura Guedes, Ximena Muñoz, Ignacia Murtagh, David Neustein, Max Núñez, Magdalena Olazábal, Cristián Ordóñez, Cristóbal Palma, Hugo Palmarola, Colombina Parra, Rodrigo Pérez de Arce, Pezo Von Ellrichshausen, Cristián Plana, Jeannette Plaut, Fernando Portal, Rodrigo Ramírez, Sergio Recabarren , Óscar Ríos, Daniel Riveros (Gepe), Matías Ruiz, Florencia San Martín, Javier Sanfeliú, Gloria Saravia, Marcelo Sarovic, Alejandro Soffia, Gastón Soublette, Ignacio Szmulewicz, Jorge Tacla, Juan Guillermo Tejeda, The Andes House, Martín Tironi, Horacio Torrent, Ximena Ulibarri, Carola Ureta, Mále Uribe / José Quintanilla, Iván Vial / Angélica Quintana, Christian Viveros-Faune, Andrea Von Chrismar, Cristián Warnken, Paula Wuth, Cazú Ze gers / Teresa Montero / Sylvia Arriagada, Felipe Zegers. Interview By Cristofer Diaz. Cristofer Diaz: How was the selection of the interviewees? Patricio Pozo: It was from a selective vision of design in our country. The book 100 x 100 Diseño en Chile exposes the responses of 100 outstanding designers, architects, artists, journalists, scientists, writers, cultural agents and academics, who present the milestones, pieces and most outstanding moments of design produced in our country from preColumbian times until today. We avoid a uniform tone; the edition prefers to work in the field thus responding to the context of each chosen project from the voice and personal experience of each guest author in their selection. The project was born from a simple — and therefore complex — question from a student at the UC design school where I have been a teacher for years: “What is Chilean design?”, "What is unique in it? And it is not that

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this question has not been asked many, many times before, but this time it came with a new urgency and candour. I initially tried to make this list of 100 case studies myself, but quickly failed at the task. It turned out to be a very individual list and guided by my own personal tastes. Now, if we put together this list with 100 outstanding architects, designers, academics and artists, that is something else. These personal interests and passions thus become an interesting collective voice. All those summoned agreed to participate in this task with great generosity and enthusiasm. CD: It is a very wide selection of design works. In that sense, with which design concept did you work for this book? PP: 100 x 100 Design in Chile is a compilation dedicated to the theme of design in our country. It is not a design story told through its greatest achievements. Nor is it intended to be the definitive list of 100 milestones on the subject. Separating the wheat from the chaff, so to speak, is not the function of this book; rather, it is a festive and amiable page setting of the construction of design culture in our country. CD: Are there certain definitions, trends or lines that characterize design in Chile? Which ones, for example? By looking at published works, do you think there is a way to define the evolution of design in Chile? Or, above all, its uniformity prevails? Are there cyclical elements in Chilean design? Recurring trends? PP: It seems to me that what is imposed as a plus is scarcity as a virtue and not as a defect. Also, popular ingenuity and a certain mischief in the transformation and adaptation of materials, designs and objects from one purpose to another. It is a fertile territory for the application of the old Mies van der Rohe maxim: “Less is more”. At the same time, I do not believe that the future of Chilean design lies in reaching the standards and modes that design has in societies such as Japan, the Scandinavian countries, Italy or the Netherlands; to mention countries where the culture of design is outstanding. That does not mean that we do not have our own way and language about it and that we do not know how to recognize ourselves and act from there. All countries have a design culture, on a larger or smaller scale, and the more their own and particular it is, the more interesting it is in a world as globalized and uniform as ours in the last decade. CD: Mark Wigley's definition is interesting, where he comments that design is painted as serving the human; but, in truth, its definition is to redefine it. However, the design also seems to be a reflection of a cultural and social moment. Is this so? Do you think that

Letrero Monarch Diseñado por Letreros Parragué, 1953. Presentado en el libro por el artista Patrick Hamilton. Foto: Thomas Wedderwille. © Gentileza Pozo Marcic Ensamble.

what we have been experiencing since October 18 marks a before and after that is manifested in design works? PP: Design books and exhibitions are too often designated as beautiful and creative visual artefacts, and they forget the critical character in the construction of our imaginary as a country. Regarding what you comment on the cultural and social moment and again quoting Beatriz Colomina and Mark Wigley: “What good is it to be good if good design is only good for a small group of people?” It is too early to make evaluations and projections of what 18-O has meant and will mean, but I do think that the use of public space by citizens as a space truly owned by everyone is remarkable. Cases of damage to public space have been highlighted in a crushing way, and they are regrettable. However, these are a minority compared to the collective, happy and citizen-led use that has occurred in most cases. What occurs is that these are not news. CD: From the examples in the book, which are your favourites? PP: The end result is very varied and the choice of favourites will be different for each reader according to their own passions and interests. It is obvious that this book will find a natural resonance in designers, architects, artists and people related to the practice of design, but I also believe that it will find its readers in anyone who recognizes themselves in our best-known designs: the Andes matchbox, the toaster, the poncho, Mampato magazine, the rodeo croissants, the citronnets, the designs of Gui Bonsiepe and INTEC or even Arch Daily. You yourself told me about the surprise and pleasure of meeting the architect Alejandro Aravena telling about his experience with the television program 31 Minutos of Peirano and Díaz. I feel very close to all the cases presented in the book, but I want to highlight the vitality and wisdom of Mr Gastón Soublette, who wrote in his own hand and at the age of 92 an extraordinary essay about our national flag, the flag of the Lonely Star. For me, this goes beyond the professional and goes directly into the realm of the emotional. I believe that this collection of essays gathered here reveals that the most important thing about these books is that they become a reliquary of our popular culture.


Visualizaciones

del

Modelo: Dalel Bacre. Foto: Christian Weber. Styling: Arturo Lujo.

futuro pasado


Hablar de Jorge Alderete implica reconocer y celebrar a uno de los autores más relevantes de la gráfica latinoamericana contemporánea. Nacido en la Patagonia Argentina y avecindado en México desde hace más de dos décadas, su incesante obra ha construido un universo visual único donde conviven moais, música garage, extraterrestres de toda clase, la lucha libre, el Che Guevara, más una cantidad indeterminada de referencias a la cultura latina y mundial. Para abril de 2020 estaba programada en el Campus Creativo UNAB la primera exposición oficial de Dr. Alderete en nuestro país, Silkscreen Extravaganza, una exhibición que reúne más de 60 carteles impresos en serigrafía que dan cuenta de sus obsesiones y reconocida trayectoria. La pandemia y el confinamiento nos obligaron a suspender el montaje, pero mientras esperamos una recalendarización hablamos con Lo primero, ¿cómo has llevado este período de Jorge sobre estos extraños pandemia y encierro a nivel personal, familiar y profesional? tiempos que corren y parte A nivel personal y familiar muy bien, hemos de su multifacética carrera. Manuel Córdova

Manuel Córdova Docente. Profesor de Taller. Diseño Gráfico. Escuela de Diseño. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

El Gabinete del Dr. Alderete

Jorge Alderete

tenido que cambiar las rutinas y demás, pero afortunadamente nos vamos acomodando mejor de lo esperado. A nivel profesional lo mismo, volver al estudio en casa no implicó mayor novedad. Salvo los últimos años que tuve mi estudio dentro de la Galería Vértigo, toda mi vida trabajé en casa. Al comienzo de la pandemia, estaba preparado para no poder hacer nada creativamente hablando. Estaba listo para ver Netflix el resto del año, pero algo sucedió y nuevas ideas se activaron en mí; no podía dejar pasar el momento. Me encontré dibujando a diario, mucho. Terminé alrededor de 80 ilustraciones que hablan de un futuro distópico, influenciado indirectamente por la pandemia. De pronto ya tenía un libro ilustrado (llamado El Año de la Rata), que luego una vieja amiga empezó a escribir desde Buenos Aires. Mariana Enríquez acababa de ganar varios premios con su última novela y se unió a la idea. Escribió un libro completo a partir de mis imágenes. Al mismo tiempo, desde Los Ángeles, otra amiga, la coreógrafa y bailarina Dalel Bacre, adaptó algunas de las imágenes del libro en pequeñas coreografías. Invitamos a otro amigo para hacer la música para estas coreografías, el músico portugués The Legendary Tigerman, quien escribió y grabó música especialmente para el proyecto de Lisboa. Ahora, mi esposa está comenzando con el diseño del libro que esperamos salga antes de fin de año y planificando la exposición. Globalmente estamos pasando por el mismo momento y eso nos conecta. Así que debemos buscarle el lado positivo a esto, aunque sea en una mínima medida. M.C.

En 2010 inauguraste Vértigo en plena crisis de la influenza H1N1 y en 2020 la galería cierra con la pandemia del COVID 19, ¿cómo evalúas esa década y la experiencia de activar un espacio tan memorable dedicado a la gráfica?, ¿cómo vivieron la evolución del espacio en medio de estas dos crisis sanitarias?

Cuando abrimos la galería hace 10 años, junto con mi esposa Clarisa Moura, fue como consecuencia de creer que mucha gente necesitaba ese espacio independiente dedicado J.A.


al Diseño y la ilustración, a la Música y a la Literatura, al Cine y al Arte. El espacio fue cambiando a lo largo de los años, y ahora atravesamos un nuevo cambio, nos enfocaremos más en el estudio de Diseño y la parte de Gestión Cultural y cerramos las puertas del espacio físico de la Galería. Fue una década buena, pensando en el espacio, incluso con todas las dificultades que implica llevar un espacio independiente durante tanto tiempo. Ahora es un momento de cambio, y muchas son las razones por las cuales empezamos esta nueva etapa, contentos y esperanzados. M.C.

En abril de este año teníamos todo listo para inaugurar tu exposición Silkscreen Extravaganza en el Campus Creativo, pero la pandemia lo impidió. Cuéntanos un poco de qué trata y cuál es tu relación con el oficio de la impresión serigráfica.

La exposición es un recorrido a lo largo de varios trabajos de los últimos años, cuyo único vínculo es haber estado impresos en serigrafía. Bueno, único vínculo formal, ya que hay muchas otras conexiones que están presentes en mi trabajo a lo largo de los años. La mayor parte de mi trabajo es como diseñador, cada proyecto de diseño tiene una fuerte presencia de la ilustración. Siempre pensé la reproducción de mis trabajos de diseño de una manera artística, sin ser piezas de arte necesariamente. Es por eso que fui haciendo de esos métodos de reproducción en serie mi forma de expresarme artísticamente. Sobre todo viviendo en un país como México, con una gran tradición en artes gráficas. J.A.

M.C.

Hay un vínculo evidente entre tu obra gráfica y la música. Empezaste diseñando carteles y portadas de discos para músicos independientes, luego diste un salto y trabajaste con figuras de alcance popular, como Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro o Café Tacuba. Hoy tienes tu propia banda. ¿Cómo ves ese tránsito y evolución de más de dos décadas?, ¿secretamente, siempre quisiste tener tu propia banda y vivir la vida del rockstar o fue una consecuencia natural? ¿Qué disfrutas más hoy: dibujar o tocar el theremin?

Fue una evolución natural, secretamente siempre me consideré un músico frustrado y esa fue mi excusa para estar cerca de algo que me apasiona, como lo es la música. Empecé, como bien dices, trabajando con bandas underground, directamente con los músicos, nunca con disqueras. Soy un convencido de que los músicos y los artistas gráficos podemos hablar un idioma muy parecido, distinto al que hablan las disqueras. Y lo seguí haciendo así cuando tuve la oportunidad de trabajar con Los Cadillacs o con Andrés Calamaro. Trabajo directo con ellos, la parte artística al menos. Lo más cerca que estuve de vivir la vida del rockstar fue irme de gira durante un año con LFC para dibujar en vivo en cada show. Fue una experiencia increíble, pero también lo fue hacerlo por un tiempo limitado y volver a la realidad. Con Sonido Gallo Negro, la banda de la que formo parte, divido cada show entre dibujar y tocar el theremín, casi en un 50–50. Disfruto mucho ambas cosas. J.A.

M.C.

En 2018 editaste tu libro Tike’a Rapa Nui, un volumen monumental que da cuenta de tu obsesión con la Isla de Pascua que te ha llevado a investigar y representar visualmente –de manera profusa– este enigmático lugar. ¿Cómo surge este interés y cuál ha sido la evolución de esta verdadera devoción que sientes por la isla, su cultura y su gente?

El interés surge muy casualmente. Apropiándome de su iconografía de una manera muy superficial y casi sin analizarlo. Pero había ahí algo que con el tiempo se volvió obsesión y necesidad de conocimiento. Algo que empezó casi irrespetuosamente derivó en muchísimas horas leyendo, investigando, buscando, analizando cuanto encontraba acerca J.A.


de la historia, arqueología, etnografía y demás de Rapa Nui y transformando todo ese conocimiento en imágenes. Empecé a Investigar y tratar de entender cierta obsesión también de parte de la cultura pop occidental por la iconografía de un lugar tan remoto, y eso, con los años, me llevo incluso a tomar cursos de lingüística con expertos rusos en escritura rongorongo… difícilmente pueda explicar el porqué de una obsesión. M.C.

Otra de las características que define tu obra es la sensibilidad por temas políticos y sociales. ¿Sientes que en estos momentos de crisis política mundial la gráfica tiene que jugar un rol más activo a nivel social, más allá del trabajo comercial? ¿Cómo ha sido tu experiencia colaborando con Amnistía Internacional y recientemente con la Defensa Civil de Haití?

La gráfica siempre ha tenido un rol activo a nivel social. También creo que vivimos constantemente en crisis sociales y/o políticas. Nada nuevo a fin de cuentas, pero sí, siempre existe la posibilidad de mejorar nuestra realidad un poco desde nuestra profesión. Y siempre fui un convencido que lo poco que podamos hacer (aunque suene utópico o a veces sea muy poco lo que se puede) es necesario. Eso siempre me llevó a mantener una parte de mi tiempo dedicado a esos trabajos. Trabajar con Amnistía Internacional México fue increíble, hice para ellos desde carteles a cortometrajes. Lo de Haití es muy reciente y fue bastante más complejo. A raíz del trabajo realizado sobre Rapa Nui, hace unos años asesoré a un amigo, Emiliano Nuesch de la agencia Pacífico, que viajaría a la Isla de Pascua para realizar un trabajo de relevamiento en la isla, interesados en campañas participativas sobre el fuego y el problema de los incendios que la están afectando; además de la relación de la isla con el océano y los tsunamis. Este relevamiento derivó en un nuevo viaje a la isla el 2019, ahora invitado por la agencia Pacífico y el Banco Interamericano de Desarrollo, para realizar un taller de cartel con jóvenes rapanuis enmarcado en las distintas actividades que se desarrollaron en torno a la prevención de incendios y tsunamis en la isla; siendo esta la primera colaboración con Emiliano. Después vino otra, ahora en Galápagos, un proyecto para acercar a chicos en edad escolar que viven en las distintas islas del archipiélago al conocimiento de su propio entorno, cultura e historia. A raíz de la apertura del archipiélago al turismo, viajar a otra isla de las más de 20 que forman el archipiélago de Galápagos, es realmente caro para los propios habitantes locales. Un año antes de empezar con el proyecto yo mismo había estado en algunas de las islas de Galápagos, así que fue natural volver a colaborar juntos. La última colaboración que hicimos juntos fue en Haití, para desarrollar la gráfica que acompaña a un programa más amplio sobre la prevención de huracanes y evacuación a los refugios durante la pandemia de Covid 19. Quizás el proyecto más complejo de los tres que hemos hecho, por distintas razones. Primero, nunca estuvimos en Haití (en otro momento lo primero que hubiéramos hecho es viajar a conocer el lugar y los distintos actores que participan del proyecto). Además, toda la comunicación era en creole, la lengua criolla hablada en Haití, idioma que no entendemos y por tanto dependíamos de traductores. Junto a eso, trabajamos con una población que presenta un alto grado de analfabetismo, a diferencia de los otros dos proyectos. Este trabajo fue realizado con la agencia Pacífico para el Banco Mundial, a distancia y de manera virtual entre México, Argentina y Haití, debido al momento que estamos atravesando mundialmente. J.A.

M.C.

Bueno, llegamos hasta acá. Esperamos que cuando toda esta crisis sanitaria acabe puedas visitarnos y así poder inaugurar tu exposición. Un gran abrazo y gracias por la gentileza.

Sí, quiero volver a Santiago, siempre lo disfruto mucho. También nos quedó pendiente una gira con Gallo Negro por allá, que esperamos retomar ¡ni bien se pueda! Expo y Show. Todo. J.A.


Visualizations of the future past. The Cabinet of Dr Alderete. Talking about Jorge Alderete implies recognizing and celebrating one of the most relevant authors in contemporary Latin American graphics. Born in Patagonia Argentina and living in Mexico for more than two decades, his incessant work has built a unique visual universe where moais, garage music, aliens of all kinds, wrestling, Che Guevara, plus an undetermined amount of references to Latin and world culture. For April 2020, the first official exhibition of Dr Alderete in our country, Silkscreen Extravaganza, was scheduled at the UNAB Creative Campus; an exhibition that brings together more than 60 posters printed in silkscreen that give an account of his obsessions and recognized career. The pandemic and confinement forced us to suspend the montage, but while we await a rescheduling we talk with Jorge about these strange times and part of his multifaceted career. Manuel Córdova: First of all, how have you handled this period of pandemic and confinement on a personal, family and professional level? Jorge Alderete: On a personal and family level it goes very well, we have had to change routines and others, but fortunately, we are accommodating better than expected. On a professional level the same, returning to the study at home did not imply any major novelty. Except for the last few years when I had my studio inside the Vertigo Gallery, I worked all my life at home. At the beginning of the pandemic, I was prepared so that I could not do anything, creatively speaking. I was ready to watch Netflix for the rest of the year, but something happened and new ideas were activated in me; I couldn't let the moment pass. I found myself drawing daily, a lot. I finished around 80 illustrations that speak of a dystopian future indirectly influenced by the pandemic. Suddenly, I already had an illustrated book (called The Year of the Rat), which an old friend began to write from Buenos Aires later on. Mariana Enríquez had just won several awards with her latest novel and she joined the idea. She wrote a complete book from my images. At the same time, from Los Angeles, another friend, the choreographer and dancer Dalel Bacre adapted some of the images from the book into small choreographies. We invited another friend to make the music for these choreographies, the Portuguese musician The Legendary Tigerman, who wrote and recorded music especially for the Lisbon project. Now, my wife is starting to design the book that we hope will be out before the end of the year and planning the exhibition. Globally, we are going through the same moment and that connects us. So we must look for the positive side of this, even if it is to a minimum extent. MC: In 2010 you inaugurated Vertigo in the midst of the H1N1 influenza crisis and in 2020 the gallery closes due to the COVID 19 pandemic. How do you evaluate that decade and the experience of activating such a memorable space

dedicated to graphics? How did you experience the evolution of space in the middle of these two health crises? JA: When we opened the gallery 10 years ago, together with my wife Clarisa Moura, it was as a consequence of believing that many people needed that independent space dedicated to design and illustration, music and literature, cinema and art. The space has changed over the years, and now we are going through a new change. We will focus more on the design study and the cultural management part and will close the doors of the Gallery's physical space. It was a good decade, in terms of the space, even with all the difficulties involved in running an independent space for so long. Now is a time of change, and there are many reasons why we started this new stage, happily and hopefully. In April of this year, we had everything ready to inaugurate your Silkscreen Extravaganza exhibition at the Creative Campus, but the pandemic prevented it. Tell us a little about what it is about and what is your relationship with the serigraphic printing trade. The exhibition is a journey through various works in recent years, whose only link is having been printed in serigraphy. Well, the only formal link, as there are many other connections that are present in my work over the years. Most of my work is as a designer and every design project has a strong illustration presence. I always thought about reproducing my design works in an artistic way but without necessarily being pieces of art. That is why I was making serial reproduction methods my way of expressing myself artistically. Especially living in a country like Mexico, with a great tradition in graphic arts. MC: There is an obvious link between your graphic work and music. You started out designing posters and album covers for independent musicians, then you took a leap and worked with figures of popular reach, such as Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro or Café Tacuba. You even have your own band today. How do you see that transit and evolution of more than two decades? You always secretly wanted to have your own band and live the rockstar life, or it was rather a natural consequence? What do you enjoy the most today: drawing or playing the theremin? JA: It was a natural evolution, secretly I always considered myself a frustrated musician and that was my excuse to be around something that I am passionate about, such as music. I started, as you say, working with underground bands and directly with musicians, never with record labels. I am convinced that musicians and graphic artists can speak a very similar language, different from the one spoken by record labels. And I continued to do so when I had the opportunity to work with Los Cadillacs or with Andrés Calamaro. I work directly with them, at least the artistic part. The closest I came to living the rockstar life was touring for a year with LFC to draw live at every show. It was an incredible experience, but so was doing it for a limited time and getting back to reality.

With Sonido Gallo Negro, the band I'm a part of, I divide each show between drawing and playing the theremin, almost 50–50. I really enjoy both things. MC: In 2018, you edited your book Tike’a Rapa Nui, a monumental volume that accounts for your obsession with Easter Island that has led you to investigate and visually represent - in a profuse way - this enigmatic place. How did this interest arise and what has been the evolution of this true devotion that you feel for the island, its culture and its people? JA: Interest arises very casually, by appropriating its iconography in a very superficial way and almost without analyzing it. But there was something there that over time became an obsession and a need for knowledge. Something that began almost disrespectfully resulted in many hours of reading, investigating, searching, and analyzing everything I found about the history, archaeology, ethnography and others of Rapa Nui and transforming all that knowledge into images. I began to investigate and try to understand a certain obsession also on part of Western pop culture for the iconography of such a remote place, and that, over the years, even led me to take linguistics courses with Russian experts in Rongorongo writing ... I can hardly explain the reason for an obsession. MC: Another of the characteristics that defines your work is the sensitivity to political and social issues. Do you feel that in these moments of worldwide political crisis graphics have to play a more active role at the social level, beyond commercial work? How has your experience been collaborating with Amnesty International and recently with the Haitian Civil Defense? JA: Graphics has always had an active role on a social level. I also believe that we constantly live in social and/or political crises. There is nothing new at the end of the day, but yes, there is always the possibility of improving our reality a bit from our profession. And I was always convinced that the little we can do (even if it sounds utopian or sometimes very little that can be done) is necessary. That always led me to keep a part of my time dedicated to those jobs. Working with Amnesty International Mexico was incredible; I made for them from posters to short films. The Haiti thing is very recent and it was much more complex. As a result of the work done on Rapa Nui, a few years ago I advised a friend, Emiliano Nuesch from the Pacific agency, who would travel to Easter Island to carry out survey work on the island related to participatory campaigns on fire and the fire problems that are affecting it, plus the island's relationship with the ocean and tsunamis. This survey led to a new trip to the island in 2019, now sponsored by the Pacific agency and the Inter-American Development Bank, to hold a poster workshop with young Rapanuis framed in the different activities that were developed around fire prevention and tsunamis on the island, and this became the first collaboration with Emiliano. Then another came in, now in Galapagos, which consists of a project to bring school-age children who live on

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the different islands of the archipelago closer to the knowledge of their own environment, culture and history. As a result of the opening of the archipelago to tourism, travelling to another island of the more than 20 that make up the Galapagos archipelago is really expensive for the local inhabitants themselves. A year before starting the project I had been to some of the Galapagos islands myself, so it was natural to collaborate together again. The last collaboration we did together was in Haiti to develop the chart that accompanies a larger program on hurricane prevention and evacuation to shelters during the Covid 19 pandemic. It

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was perhaps the most complex project of the three we have done, for different reasons. First, we have never been in Haiti (at another time, the first thing we would have done is travel to get to know the place and the different actors involved in the project). In addition, all communication was in Creole, the local language spoken in Haiti and a language we do not understand, therefore, we depended on translators. Along with that, we worked with a population that has a high degree of illiteracy, unlike the other two projects. This work was carried out with the Pacific agency for the World Bank, remotely and virtually between

Mexico, Argentina and Haiti, due to the moment we are going through worldwide. MC: Well, we got until here. We hope that when all this health crisis is over you can visit us and thus be able to inaugurate your exhibition. A big hug and thanks for your kindness. JA: Yes, I want to go back to Santiago, I always enjoy it a lot. We also had a pending tour with Gallo Negro over there, which we hope to resume as soon as possible! Expo and show. Everything.

Imágenes cortesía Jorge Alderete www.jorgealderete.com @dralderete


El Salvador Townsite

“La arquitectura es la voluntad de la época traducida al espacio” Ludwig Mies Van Der Rohe


Corría el año 1959, y al mediodía del 28 de noviembre, se inauguraba a partir del principio de Tabula Rasa, la ciudad industrial más avanzada del siglo XX. Tal hazaña, casi desconocida Rodrigo Ledezma Urtubia en los anales del Profesor. modernismo, fue Escuela de Diseño. llevada a cabo Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. por la empresa norteamericana Anaconda en la precordillera de la región de Atacama, a raíz del descubrimiento de un rico yacimiento de cobre: El Salvador. El corte de cinta fue realizado como si de un campamento más se tratase. Nada más alejado de la realidad, y por qué no decirlo, de los alcances históricos de dicho evento. Escarbando en su génesis, nos encontramos con el anteproyecto realizado por el arquitecto Raymond Olson en 1957, denominado El Salvador Project, el cual finalmente será bautizado en 1958 como El Salvador Townsite: un complejo industrial para 6.500 personas, que con el paso de los años alcanzará a albergar a más de 17.000 habitantes. El proceso proyectual fue desarrollado en la ciudad de Nueva York, entre los años 1957 y 1958. El resultado será una propuesta con un riguroso peso racionalista, marca indeleble del Estilo Internacional. Será asimismo una ciudad con características radiantes, que se proyectará con una eficiencia deslumbrante, gracias a los principios del Movimiento Moderno: «Habitar, trabajar, circular y recrearse» (Punto 70. Carta de Atenas). Y que Olson, en su manifiesto de los 10 puntos de diseño, conceptualizará en una frase: “For good living, health and recreation” (“Para un buen vivir, con salud y recreación”). Estos planteamientos se pueden comprender junto al pensamiento moderno y la pretensión de implantar un “estilo internacional”. Serán distintos matices los que se desprendan del concepto “moderno”, los cuales sin duda generarán grandes cambios en el diseño y la arquitectura, lo que devendrá en un urbanismo científico, funcionalismo y movimiento moderno. Todas estas ideas finalmente se consolidarán en los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM), y en particular en la Carta de Atenas. De esta manera, se aplicará, casi como dogma religioso, el precepto de una nueva arquitectura: Espacio, Sol y Jardín, a lo que se sumará la productividad. Así podemos entender un modelo de ciudad que buscará responder a los anhelados e históricos

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deseos de la humanidad: habitar, producir y relacionarse, en una dinámica inagotable de bienestar. Esta idea se puede comprender como una propuesta racional del hábitat humano, que viene precedido de los grandes y contundentes planteamientos del Stijl y Bauhaus. “La casa es una máquina de habitar”. Esta frase de Le Corbusier puede sintetizar con exactitud los principios de una nueva arquitectura, proponiendo un todo interconectado para el máximo beneficio función/espacio/tiempo. En El Salvador Townsite, el principio de la máquina lo podemos comprender como un sistema de funciones, que en su interconexión, produce sinergia, brindando eficiencia, comodidad y salud a quienes habitan este espacio. Se puede considerar a El Salvador Townsite como una actualización formal, técnica y sociocultural de la ciudad industrial, lo que la relacionará con la Brasilia de Niemeyer y Costa unos años más tarde (los dos únicos modelos de Ciudades de Nueva Fundación). Cabe destacar que la ciudad de El Salvador estará condicionada corporativamente por una transnacional. Por lo tanto, también

estamos frente a una ciudad industrial intrínsecamente capitalista, lo que se interpreta como un experimento social a escala, y que el urbanista Eugenio Garcés en su publicación Las Ciudades del Cobre, denominará como un modelo de ingeniería social. En cuanto a la propuesta de arquitectura, el modelo se diseñará como una ciudad mecano, y sus componentes prefabricados en acero, vidrio y hormigón, serán transportados desde los EE.UU. hasta el puerto de Barquito (Chañaral) en partes y piezas. El Salvador Townsite se emplazará a 7 km de la zona productiva, en un complejo urbano de radios convergentes a centros de utilidad, compuesto de espacios para habitar y desplazarse, en el cual destacará la vivienda obrera y americana (de 90 a 140mt2 con antejardín y patio de servicios), un complejo de parques, jardines y zonas de esparcimiento, junto a una serie de edificios administrativos y sociales. Será una organización a gran escala, condicionada por una estudiada circulación, diseñada como un verdadero sistema algorítmico, pues plantea el uso calculado y eficiente del espacio

(desplazamientos, tiempos, ubicaciones, etc). En cuanto a sus ejes, estos serán avenidas de cuatro y seis pistas, enlazadas con el complejo de calles interiores, en un sistema circular continuo (antítesis de la cuadrícula de Damero), perfectamente emplazado en la suave pendiente, por lo cual Olson la definirá como un gran anfiteatro y también como una ciudad para caminantes o peatones. El diseño del proyecto responderá a un riguroso estudio territorial (El Buen Establecer del Movimiento Moderno), que permitirá a cada vivienda del casco, el goce de un soleamiento generoso todo el año, además de una eficiente protección frente a las inclemencias climáticas. Los simbolismos también serán relevantes. Por ejemplo, la utilización del color en el complejo, con una paleta de 4 colores pastel, donde destacará el rosado, verde agua, celeste y amarillo; los cuales serán distribuidos en todo el casco, con una estudiada composición y ritmo aleatorio “que no permita la monotonía”, según lo definido por Olson, lo que le otorgará una singularidad nunca antes vista en ciudad industrial alguna. El color de la vivienda se coronaría con un acabado blanco brillante en techos para la regulación de temperatura, lo que también muestra un gesto altamente poético: el destellar de la ciudad, propuesta que desgraciadamente no se concretó. Finalmente, un simbolismo revelador: el modelo panóptico. Este ordenamiento se entenderá como dispositivo para el control y la vigilancia. Sin duda, El Salvador es una ciudad metódica y científica. Será justamente en este aspecto donde se abre la cancha del análisis de contextos (los cuales se tratarán en una próxima publicación en proceso). Y como corolario de esta magnífica ciudad moderna, veremos aparecer en 1969 en el centro del casco, una obra singular que analizaremos más adelante. Es indudable que una ciudad industrial con estas características irrumpa frente a todo lo conocido. Por esto, les invito a conocer esta magnífica obra del modernismo y la ciencia social llamada El Salvador Townsite. Proyecto en desarrollo junto a Ciudad Utopía, compuesto por Lorena Estai y Juan Barría, arquitectos, y desde este año junto a la arquitecta invitada, Alejandra Ávalos, tesista de Harvard Graduate School of Design. En un período de cambios y nuevas definiciones, donde los símbolos se conjugan en nuevos significados, capaces de señalarnos nuevos rumbos y objetivos, es que se hace imprescindible reconocer nuestra historia y su patrimonio, lo que nos permitirá vislumbrar con claridad el camino correcto para avanzar hacia una sociedad que pueda reafirmar su valioso sentido humano.


“La casa es una máquina de habitar” Le Corbusier

Esta frase de Le Corbusier puede sintetizar con exactitud los principios de una nueva arquitectura, proponiendo un todo interconectado para el máximo beneficio función/espacio/ tiempo. En “El Salvador Townsite”, el principio de la máquina lo podemos comprender como un sistema de funciones, que en su interconexión, produce sinergia, brindando eficiencia, comodidad y salud a quienes habitan este espacio.




«Architecture is the will of the time translated into space.» Ludwig Mies Van Der Rohe. It was 1959 and at noon on November 28, the most advanced industrial city of the 20th century was inaugurated under the Tabula Rasa principle. Such a feat, almost unknown in the annals of modernism, was carried out by the North American company Anaconda in the foothills of the Atacama region, as a result of the discovery of a rich copper deposit: El Salvador. The ribbon cutting was done as if it were just another camp. Nothing could be further from reality, and why not say it, from the historical reach of such an event. Digging into its genesis, we find the blueprint made by the architect Raymond Olson in 1957, called El Salvador Project, which will finally be baptized in 1958 as El Salvador Townsite: an industrial complex for 6,500 people which will be able over the years to house more than 17,000 inhabitants. The project process was developed in New York City, between 1957 and 1958. The result will be a proposal with a rigorous rationalist weight, an indelible mark of the International Style. It will also be a city with radiant characteristics, which will be projected with dazzling efficiency, thanks to the principles of Modern Movement: "To inhabit, work, circulate and recreate" (Item 70. Charter of Athens). And that Olson, in his manifesto of the 10 design points, will conceptualize in one sentence: “For good living, health and recreation”. These approaches can be understood together with modern thought and the aspiration to implement an “international style”. There will be different nuances that detach from the "modern" concept, which will undoubtedly generate great changes in design and architecture, (“los cuales” y “lo que devendrá” son las expresiones usadas en esta muy larga frase en español, pero se quedan en una repetición del “which”) which will become a scientific urbanism, functionalism and modern movement. All these ideas will finally be consolidated in the International Congresses of Modern Architecture (CIAM) and, in particular, in the Charter of Athens. In this way, it will be applied, almost as a religious dogma, the precept of a new architecture: Space, Sun and Garden, to which productivity will be added. Hence, we can understand a city model that will seek to respond to the longed-for and historical desires of humanity: to inhabit, produce and relate, in an inexhaustible dynamic of well-being. This idea can be understood as a rational proposal of the human habitat,

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which is preceded by the great and forceful proposals of the Stijl and Bauhaus. “The house is a dwelling machine.” This phrase from Le Corbusier can accurately synthesize the principles of a new architecture, proposing an interconnected whole for maximum function/space/time benefit. In El Salvador Townsite, the principle of the machine can be understood as a system of functions, which in its interconnection it produces synergy, providing efficiency, comfort and health to those who inhabit this space. El Salvador Townsite can be considered as a formal, technical and sociocultural update of the industrial city, which will relate it to the Brasilia of Niemeyer and Costa a few years later (the only two models of New Foundation Cities). It should be noted that the city of El Salvador will be corporately conditioned by a transnational. Therefore, we are also facing an inherently capitalist industrial city, which is interpreted as a social experiment at scale, and that the urban planner Eugenio Garcés in his publication Las Ciudades del Cobre will refer to a model of social engineering. Regarding the architectural proposal, the model will be designed as a Meccano

city, and its prefabricated components made of steel, glass and concrete will be transported from the USA to the port of Barquito (Chañaral) in parts and pieces. El Salvador Townsite will be located 7 km from the productive area, in an urban complex of radiuses convergent to utility centres and composed of spaces to live and move around, in which the workingclass and American housing (from 90 to 140mt2 with front garden service yard), a complex of parks, gardens and recreation areas will stand out, along with a series of administrative and social buildings. It will be a large-scale organization, conditioned by a studied circulation, designed as a true algorithmic system since it proposes the calculated and efficient use of space (movements, times, locations, etc.). As for its axes, these will be avenues of four and six lanes, linked with the complex of interior streets in a continuous circular system (the antithesis of the checkerboard grid), perfectly located on the gentle slope, for which Olson will define it as a great amphitheatre and also as a city for walkers or pedestrians. The design of the project will respond to a rigorous territorial study (The Good

Establishment of the Modern Movement), which will allow each house in the quarter to enjoy generous sunshine all year round, as well as efficient protection against inclement weather. The symbolisms will also be relevant. For example, the use of colour in the complex with a palette of 4 pastel colours, where pink, aqua green, light blue and yellow will stand out; which will be distributed throughout the quarter, with a studied composition and random rhythm “that does not allow monotony” as defined by Olson, which will give it a uniqueness never before seen in any industrial city. The colour of the house would be crowned with a glossy white finish on the ceilings to regulate the temperature, something that also shows a highly poetic gesture: the sparkle of the city, a proposal that unfortunately did not materialize. Finally, a revealing symbolism: the panopticon model. This order will be understood as a device for control and surveillance. Without a doubt, El Salvador is a methodical and scientific city. It will be precisely in this aspect where the field of context analysis opens (which will be elaborated in a forthcoming publication in process). And as a corollary of this magnificent modern city, we will see the appearance in 1969 in the centre of the quarter a unique work that we will analyze later. There is no doubt that an industrial city having these characteristics burst in front of everything known. For this reason, I invite you to know this magnificent work of modernism and social science called El Salvador Townsite. A project under development together with Ciudad Utopía, composed by Lorena Estai and Juan Barría, architects, and since this year together with the guest architect, Alejandra Ávalos, a thesis candidate at Harvard Graduate School of Design. In a period of changes and new definitions, where symbols are combined in new meanings, capable of pointing out new directions and objectives, it is essential to recognize our history and its heritage, as they will allow us to clearly glimpse the correct path to move forward towards a society that can reaffirm its valuable human sense.


Sabemos que Haití carga un imaginario difícil de revertir, pero también sabemos que es un país con una cultura inmensamente creativa en todos sus aspectos, Marcelo Rojas Arriagada donde el color y el Creative Director. Hispanic America arte son parte del FutureBrand. día a día de esta tierra golpeada, pero profundamente exótica y con una historia única y potente. Evidentemente, el terremoto de 2010 marca un hito en la economía del país y desde esa época hasta hoy se busca un mayor trabajo en conjunto entre el sector público y privado para potenciar el desarrollo y así dejar de depender (tan fuertemente) de la ayuda internacional. Es ahí donde la necesidad de muchos sectores es patente en cuanto a una propuesta de valor clara para unificar diversas instituciones con una estrategia, identidad y objetivo común hacia el futuro. Desde FutureBrand habíamos tenido la oportunidad de trabajar en marcas destino y países, pero este brief definitivamente era un desafío en todo sentido; la distancia, la cultura y todo el contexto político, social y económico del país era, y sigue siendo, bastante complejo. Abordamos el proyecto con una fase de diagnóstico que contempló más de setenta entrevistas, se hicieron más de diez viajes a la capital y a otras ciudades, se trabajó con expertos locales (economistas, sociólogos e historiadores) y así comenzó esta linda aventura que tiene como objetivo a largo plazo ayudar a la percepción del país: de ser un país asistido, debe evolucionar a ser un país potenciado económicamente. Para esto las iniciativas apuntan a fortalecer los factores competitivos y comunicar estas cosas buenas como parte de la estrategia de promoción de diversos sectores. Por ejemplo, el tener una ubicación geográfica privilegiada cerca de EE.UU. y América Latina, además de poseer un gran potencial para sustituir las importaciones agrícolas, exenciones de impuestos y acuerdos comerciales con EU (EBA), EE.UU. (HOPE) y el Caribe. A eso agrega una fuerza laboral joven, competitiva y eficiente, cuya fortaleza respecto a otros países es única con el idioma (60% son trilingües). Con estos elementos es factible potenciar industrias consolidadas, como las textiles— las cuales lograron crecer en exportaciones—, además de activar nuevas zonas francas y parques industriales que faciliten el establecimiento de nuevos negocios. Por tanto, se planteó trabajar en estos puntos, en provocar ganas de escuchar y conocer las oportunidades que ofrece Haití, donde definitivamente “está todo por hacer”. Estratégicamente se definió salir del territorio típico ya ganado en el Caribe relacionado con el turismo clásico y su rama all inclusive donde “se viven experiencias diferentes”. Se recomendó tener más foco en inversiones y lograr posicionarlo como un “lugar para hacer negocios”. Para esto se diseñó una propuesta de identidad llamativa, flexible y versátil para captar la

atención de quienes tienen awareness (negativo principalmente). Se trabajó conceptualmente "la coherencia inconsistente" de la que todos nos hablaban y “vivimos”, en la cual muchos elementos gráficos conviven entre sí (no hay espacio para lo minimalista), teniendo como ejemplo los muros y su arte callejero, junto al transporte típico y colorido, que brinda una paleta saturada y vibrante. Además, se propuso un trazo irregular que genere morfologías llenas de simbolismos con un lenguaje iconográfico que contribuya a la comunicación de las diversas virtudes y características propias del país, como es el vudú. Con todo esto, se gatilla un sistema gráfico que además, fotográficamente, se escapa de las imágenes sensacionalistas y presenta a su gente como creativa, trabajadora, abierta y dispuesta a aprender con el fin de llevar a cabo las ideas en conjunto y convertirlas en hechos concretos. Reflejo de esto es su capacidad creativa de hacer artesanía a partir del reciclaje. Todo esto se materializa con el desafío de una aplicación doble que mantenga el lenguaje propio de su esencia (creole). Así, la palabra “Ayiti” debe convivir con la versión internacional “Haiti” del logotipo. Esta mezcla de elementos enriquece la marca, tanto desde el punto de vista conceptual como desde el diseño. Hoy se trabaja para levantar un país que no se ha vencido, a pesar de las adversidades. Un país donde están floreciendo las oportunidades y no precisamente porque estén llegando; sino porque el conjunto de muchos sectores las está creando y buscando. Y sin duda, en este proceso el branding es una herramienta que ayudará a forjar el futuro deseado de esta nación.

Marca País: Haití, un país golpeado que vive creativam


s e mente

Country Brand Haiti. Haiti, a beaten country that lives creatively. By Marcelo Rojas Arriagada. We know that Haiti carries an imaginary that is difficult to reverse, but we also know that it is a country with an immensely creative culture in all its aspects, where colour and art are part of the daily life of this beaten, but deeply exotic land having such a unique and powerful story. Evidently, the 2010 earthquake marks a milestone in the country's economy and from that time until today greater joint work is being sought between the public and private sectors to promote development and thus stop the dependence (so forcefully) on international aid. This is where the need of many sectors is plain in terms of a clear value proposition to unify various institutions with a common strategy, identity and goal for the future. From FutureBrand we had had the opportunity to work in destination brands and countries, but this brief was definitely a challenge in every way; the distance, the culture and the entire political, social and economic context of the country was and continues to be quite complex. We approached the project with a diagnostic phase that included more than seventy interviews. More than (sugerido un punto: interviews. More than…) ten trips were made to the capital and other cities, we worked with local experts (economists, sociologists and historians) and thus this beautiful adventure began, which core objective in the long term is to help with the

perception of the country: FROM BEING an assisted country, it must evolve TO BEING an economically empowered country. To do this, the initiatives aim at strengthening competitive factors and communicating these good things as part of the promotion strategy of several sectors. For example, having a privileged geographical location close to the US and Latin America, as well as having great potential to substitute agricultural imports, tax exemptions and trade agreements with the US (EBA), US (HOPE) and the Caribbean. It also adds a young, competitive and efficient workforce, whose strength compared to other countries is unique in terms of language (60% are trilingual). With these elements, it is possible to promote consolidated industries like textiles —which managed to grow in exports—, in addition to activating new customs-free zones and industrial parks that facilitate the establishment of new businesses. Therefore, it was set out to work on these points, to provoke a desire to listen and to know the opportunities that Haiti offers, where definitely “there is everything to do.” Strategically, it was defined to leave the typical territory already won in the Caribbean related to classic tourism and its all-inclusive branch where “different experiences are lived”. It was recommended to have more focus on investments and to position it as a “place to do business”. To do so, a striking, flexible and versatile identity proposal was designed to capture the attention of those having awareness (mainly negative). Conceptually, the "inconsistent coherence" that we all talked about and “lived” was worked on, in which many graphic elements coexist with each other (there is no space for minimalism), taking as an example the walls and their street art, along with the typical and colourful transport system, which offers a saturated and vibrant palette. Moreover, an irregular line that generates morphologies full of symbolism was proposed, together with an iconographic language that contributes to the communication of the various virtues and characteristics of the country, such as voodoo. With all this, a graphic system is triggered that also, photographically, escapes from sensational images and presents its people as creative, hard-working, open and willing to learn in order to carry out ideas together and turn them into concrete facts. A reflection of this is its creative ability to make crafts from recycling. All of this becomes materialized with the challenge of a double application that maintains the language at its essence (Creole). Thus, the word “Ayiti” must coexist with the international version "Haiti" of the logo. This mix of elements enriches the brand, both from the conceptual point of view and from the design. Today we are working to lift up a country that has not been defeated despite the adversities. A country where opportunities are flourishing and not precisely because they are arriving; but because the set of many sectors is creating and looking for them. And undoubtedly, in this process branding is a tool that will help shape the desired future of this nation.


El diagnóstico es catastrófico y ampliamente conocido: hoy es innegable que vivimos la peor crisis ambiental en la historia de la humanidad. Las causas son múltiples, pero existe cierto acuerdo de que entre las principales se cuentan nuestros hábitos de consumo y los estilos de vida depredadores que conllevan. ¿Qué estamos haciendo para contrarrestar este escenario? Durante los últimos años ha sido habitual escuchar ciertos conceptos, como la economía circular, el ciclo de vida de las cosas, cradle to cradle y otros tantos términos que, en definitiva, se refieren a la importancia de prestar atención a la dimensión temporal de las cosas en función de una mayor sostenibilidad. Es evidente que ha habido logros. Sin embargo, estos tienden a concentrarse en el comienzo y final del ciclo de vida de los productos. Basta con mirar la literatura académica sobre el tema, los acuerdos internacionales y la política pública, para darse cuenta que, por un lado, hay un interés especial en el “qué” y “cómo” se produce; y por otro, en el qué hacemos con aquello que ya no usamos o descartamos. En concreto, esto se traduce en nuevos procesos de producción que buscan disminuir el gasto de energía y privilegiar ciertos materiales y diseños más amigables con el medio ambiente. También tiene su correlato en procesos de descarte que velan por una adecuada gestión de los residuos, favoreciendo el reciclaje y la reutilización.

TEMPORADA 2021 Si comparamos lo logrado con el escenario que primaba hace una década, podemos quedarnos tranquilos y satisfechos de haber cumplido. Si miramos, en cambio, el pronóstico para los próximos diez años, las mejoras son claramente insuficientes. Por más que se recicle y generen procesos de producción «sostenibles», se sigue consumiendo a un ritmo inaceptable. Esta situación se ilustra con una imagen sencilla: si todas las personas del mundo decidieran sentarse al mismo tiempo, aún sobrarían sillas. Pese a ello, la producción de sillas, como la de celulares, electrodomésticos, vehículos, y tantos otros productos, no se detiene. Es evidente que no basta con centrar la atención en el comienzo y final del ciclo. La mayor preocupación debe estar en quiénes se sientan en las sillas. Los y las usuarias son los que, en última instancia, determinan la demanda, deciden las formas en que algo se consume y resuelven el destino de las cosas. Cabe preguntarse entonces, ¿qué deberíamos esperar de estas personas? O para plantearlo en forma más directa, ¿cuál es el rol que nos toca cumplir en todo esto? Un problema estructural requiere transformaciones estructurales. Ya sabemos que no es suficiente comprar productos ecológicos, reciclar o compostar. Para revertir esta crisis se requiere modificar nuestro estilo de vida, nuestros hábitos y conductas. Debemos


descubrir nuevas formas de relacionarnos con el entorno, privilegiando la desaceleración, el decrecimiento, el cuidado de los recursos, la vinculación con el territorio cercano y la búsqueda de formas sociales más colaborativas. Aunque en el papel suena sencillo, en la práctica no lo es. Si bien el escenario es adverso, la buena noticia es que para generar este cambio no se parte desde cero. La economía de compra y descarte compulsiva es reciente. El modelo de consumo que primaba hasta hace pocas décadas era el de una ética del cuidado de las cosas y los recursos que privilegiaba el mantenimiento, la reparación, el guardado, la reutilización y la circulación de los bienes. Basta con pensar en la casa donde nos formamos, en la de los abuelos y abuelas, o en las casas que hoy forman parte del mundo rural. Si partimos de la base que la sobreabundancia es un rasgo reciente y que es la escasez el factor clave que configura la historia del consumo, podemos deducir que las prácticas culturales adoptadas para hacer frente a esta escasez no desaparecen de la noche a la mañana. En otras palabras, significa que estas «otras» formas de consumo menos nocivas, aunque hoy no son preponderantes, siguen presentes en nuestras casas y vidas cotidianas. Sólo debemos descubrirlas y resignificarlas. Ha llegado el momento de difundir esta ética del cuidado que, aunque hemos ido olvidando, sigue presente

No compres, no botes, imagina. en nuestros hogares. A diferencia de los objetos que habitualmente encontramos en tiendas, las piezas que necesitamos volver a valorar no brillan, ni presentan novedad alguna. Al contrario, seguramente ya las han visto todas y puede que incluso las tengan, sin pena ni gloria, olvidadas en algún rincón de sus casas. Un trapero hecho a partir de una vieja polera, muebles hechizos o refaccionados, frascos y envases de productos que siguen sirviendo de contenedores para otros productos, maceteros improvisados, juegos de loza y cubiertos formados con los restos de juegos anteriores, adornos hechos en casa, conchas que se usan como ceniceros; entre tantos otros, dan cuenta de la persistencia de una cultura del cuidado y aprovechamiento de los recursos. Aunque a primera vista nada de esto parece muy atractivo, no se engañen. La ética del cuidado de las cosas tiene alcances sorprendentes en campos como la creatividad, los afectos y la construcción de identidades. El desafío está en aprender a mirar con otros ojos: así como lo haríamos con un catálogo o vitrina de una gran tienda en donde se exhibe algo que deseamos. Esta temporada 2021 la invitación es a «vitrinear» en nuestras propias casas, en la de familiares, amigos y vecinos para ojalá volver a «comprar» estas viejas prácticas que hoy, en contexto de crisis, adquieren nuevos significados.


Season 2021. Don't buy, don't throw away, imagine. By Tomás Errázuriz. The diagnosis is catastrophic and widely known: today it is undeniable that we are experiencing the worst environmental crisis in the history of humanity. The causes are multiple, but there is some agreement that among the main ones are our consumption habits and the predatory lifestyles that they entail. What are we doing to counteract this scenario? In recent years it has been common to hear certain concepts, such as the circular economy, the life cycle of things, cradle to cradle and many other terms that, in short, refer to the importance of paying attention to the temporal dimension of things in line with greater sustainability. It is evident that there have been achievements. However, these tend to focus on the beginning and end of the product life cycle. It is enough to look at the academic literature on the subject, international agreements and public policy, to realize that, on the one hand, there is a special interest in the "what" and "how" is produced; and on the other, in what we do with what we no longer use or discard. Specifically, this translates into new production processes that seek to reduce energy consumption and favour certain materials and designs that are more environmentally friendly. It also has its correlate in discard processes

Esta situación se ilustra con una imagen sencilla: si todas las person sillas. Pese a ello, la producción de sillas, como la de celulares, electr that ensure proper waste management, favouring recycling and reuse. If we compare what has been achieved with the scenario that prevailed a decade ago, we can remain calm and satisfied with having delivered. If we look instead at the forecast for the next ten years, the improvements are clearly insufficient. No matter how much it is recycled and "sustainable" production processes are generated, consumption continues at an unacceptable rate. This situation is illustrated with a simple picture: if everyone in the world decided to sit down at the same time, there would still be plenty of chairs. Despite this, the production of chairs, such as cell phones, electrical appliances, vehicles, and many other products, does not stop. Clearly, it is not enough to focus the attention on the beginning and end of the cycle. The biggest concern should be who sits in the chairs. Users are the ones who, ultimately, determine demand, decide the ways in which something is consumed, and resolve the fate of things. Then we should ask ourselves, what should we expect from these people? Or to put it more directly, what is the role that we have to fulfil in all this? A structural problem requires structural transformations. We already know that it is not enough to buy ecological products, recycle or compost. To reverse this crisis requires modifying our lifestyle, habits and behaviours. We must discover new ways


of relating to the environment, giving priority to slowing down, decreasing, caring for resources, linking with the nearby territory, and seeking more collaborative social forms. Although on paper it sounds simple, in practice it is not. Although the scenario is adverse, the good news is that to generate this change we do not start from scratch. The compulsive buy-and-discard economy is recent. The consumption model that prevailed until a few decades ago was that of an ethic of caring for things and resources that privileged the maintenance, repair, storage, reuse and circulation of goods. It is enough to think of the house where we grow up, of our grandparents and grandmothers, or of the houses that today are part of the rural world. If we start from the premise that overabundance is a recent feature and that scarcity is the key factor shaping the history of consumption, we can deduce that the cultural practices adopted to deal with this scarcity do not disappear overnight. In other words, it means that these less harmful "other" forms of consumption, although not prevalent today, are still present in our homes and everyday lives. We just have to discover and resignify them. The time has come to spread this ethic of care that, although we have been forgetting, is still present in our homes. Unlike the objects that we usually find in stores, the pieces that we need to reassess do not shine, nor do they present

nas del mundo decidieran sentarse al mismo tiempo, aún sobrarían rodomésticos, vehículos, y tantos otros productos, no se detiene. any novelty. On the contrary, they surely have already seen them all and may even have them, without pain or glory, forgotten in some corner of their houses. A rag made from an old t-shirt, spelt or refurbished furniture, jars and containers of products that continue to serve as containers for other products, improvised flower pots, sets of crockery and cutlery made from the remains of previous sets, homemade decorations, shells that are used as ashtrays, among many others, they show the persistence of a culture of care and use of resources. While none of this looks very attractive at a first glance, don't be fooled. The ethics of caring for things has surprising implications in fields such as creativity, affection and the construction of identities. The challenge is to learn to look with different eyes: just as we would do with a catalogue or a large store window where something we want is displayed. In this 2021 season the invitation is to “window-shop” in our own homes, in that of relatives, friends and neighbours so that we would hopefully “buy” these old habits again, which today, in the crisis context, acquire new meanings.

Tomás Errázuriz Colectivo Cosas Maravillosas. www.cosasmaravillosas.cl


Hace siete años, cuando Local fue fundado, el principio por el cual existió tenía fundamento en la realización de un proyecto colectivo que trabajaba por el bien común. Se podría haber descrito o definido como un proyecto esencialmente colaborativo de diseño nacional, que nace desde la necesidad de un grupo de diseñadores de exhibir, de forma conjunta, sus productos y colecciones en un espacio que tuviera las condiciones para fomentar la interacción entre los creadores, los productos y el público, con el fin de promover y difundir las obras e impulsar así su masificación: un “Encuentro Local”. Esta definición permitió, con la experiencia y el paso de los años, comprender de forma conceptual cuál era el valor más importante de Local. Ser un articulador entre mundos desconectados nos permitió realizar instancias donde se generaban interrogantes para producir intercambios, enlaces y vínculos nuevos entre personas. Este fenómeno era, sin duda alguna, el centro del proyecto ya que permitía volcar una muestra de diseño, desde lo comercial hacia lo cultural, para educar a nuevas audiencias y así generar un tipo de comercialización ideal e informada: consciente. ¿Cuán relevante es que las personas entiendan los procesos, las virtudes de los materiales, los conceptos detrás de las colecciones o los principios/ valores humanistas que hay detrás del diseño? ¿Cómo cambiaría el entorno comercial si el diseño fuese comprendido por todos? Como organización comprendimos rápidamente que el proyecto, desde el logotipo hasta la última imagen en nuestras redes sociales, tenía que encarnar la fuerza y efectos que genera la educación. Las repercusiones en las personas que observábamos tras cada proyecto que realizábamos dejaban declarado de forma empírica que nuestro rol iba más allá de la gestión de recursos para el desarrollo de eventos culturales. Más bien, nos perfilábamos como creadores de contenidos con sentido. La curiosidad frente a la creatividad es la que puede gatillar la comprensión de esta forma de cultura y así, quizás, podríamos incrementar la valoración que se puede tener por la manufactura y la creatividad local. Por lo tanto, con el tiempo, comprendimos que nuestra gestión era la de generar contenidos y articular instancias para construir preguntas, fortalecer un network inclusivo (una gran comunidad de diseñadores que se sintieran representados) y ser un agente de confianza para los diseñadores con el fin de cocrear proyectos, entrelazando necesidades, aspiraciones y sueños. Con el pasar de los años el proyecto evolucionó en un proyecto elástico que intenta cada vez más romper con su autodefinición. Ha sido una práctica interna siempre adaptarse a las condiciones que el entorno determinaba. Para el caso de esta publicación queremos relatar cuál fue el cambio de paradigma que realizó Local para la realización del evento digital “Encuentro Local: versión Inédito”, que sin duda marcó un hito en nuestra organización y nuestra relación con los aspectos recién mencionados: educación, comunidad,

comercialización y valorización de lo local. Y, por otra parte, nos preguntábamos cuál iba a ser nuestro rol en un contexto de incertidumbre e inestabilidad y cómo nuestra definición de organización debía mutar para adaptarse a los cambios drásticos de un mundo absolutamente nuevo. “Encuentro Local: versión Inédito” es un proyecto digital de diseño colaborativo que nació desde los efectos de dos momentos álgidos que cambiaron el contexto cultural de Chile en los últimos meses. En octubre de 2019 el país vivió la manifestación social más grande de su historia por el descontento acumulado con respecto al poder político-económico. Sucesivamente, cinco meses después, el mundo se vio

impactado por la pandemia del Covid-19 lo cual afectó nuevamente el corazón del sector del diseño. Estos dos hechos desaceleraron las dinámicas de la producción cultural, por lo que decidimos en abril del 2020 mapear las condiciones económicas en las que estaban las marcas de diseño y entender qué podíamos hacer juntos. Los datos fueron alarmantes y requerían acción inmediata. Necesitábamos comprender que lo hecho anteriormente solo nos daba espalda social y cultural para actuar, pero nuestra experiencia como gestores no era aplicable ya que todo estaba volcado a la interacción fría y distante del mundo digital. ¿Cómo podíamos aprovechar las oportunidades digitales sin olvidar la esencia de la

Local,

Color Support. AIL.

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conexión humana? Así es como nació “Encuentro Local: versión Inédito”, un proyecto colaborativo para impulsar y reactivar económicamente las marcas de diseño nacional aprovechando las tendencias de venta online y la facilidad de conexión de la sociedad en periodo de confinamiento. Esta reactivación debía contar con la educación en torno al diseño como eje para todos los efectos de venta. Debíamos como colectivo empujar comunicacionalmente un mensaje único que remeciera las redes para posibilitar la reacción de un público digital bombardeado de información catastrófica y carente de simbolismo esperanzador. Reunimos a un equipo de cerca de

cien personas (contando a todos los participantes) con quienes desarrollamos un proyecto colectivo que solo podía ser ejecutado si el network estaba organizado y motivado con el desarrollo de nuevas piezas, nuevas obras que serían abiertas al público al unísono. La creatividad podía ser el gancho perfecto para garantizar que los contenidos más profundos llegaran a las audiencias y además provocaran ventas clave para la subsistencia de las alicaídas economías de los participantes. Es decir, el proyecto construyó una estrategia basada en la creación y el orgullo, en el que 53 marcas de diseño participaron desarrollando proyectos inéditos en tiempos de crisis para generar el efecto de curiosidad en el público y así potenciar

ahora. 7 7

las ventas y la educación del diseño. Charlistas, exhibiciones fotográficas, montajes, proyectos audiovisuales, colaboraciones; entre algunos recursos, fueron lanzados abiertamente en un contexto asombrosamente perjudicial y sin embargo, las reacciones y efectos que tuvimos fueron lo más potente que hemos recibido en nuestra historia como organización. La elasticidad, colaboración y empatía pueden transformar cualquier entidad en un catalizador de proyectos con sentido cultural para la sociedad; pero está en la voluntad del colectivo la búsqueda del bien común con el cual se sienta representado, y así poder hacer que un evento de diseño se transforme en un movimiento local.


Joaquín Béjares Emprendedor Cultural. Miembro del Grupo Local junto a la diseñadora Fabiola Lopez. Encargado de Internacionalización. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

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Local, now. Seven years ago, when Local was founded, the principle by which it existed was based on the realization of a collective project that worked for the common good. It could have been described or defined as an essentially collaborative project of national design which was born from the need of a group of designers to jointly exhibit their products and collections in a space that had the conditions to encourage interaction between creators, the products and the public, in order to promote and spread the works and thus encourage their massification: a “Local Meeting”. This definition allowed, with experience and the passing of years, to understand in a conceptual way what was the most important value of Local. Being an articulator between disconnected worlds allowed us to create instances where questions were generated to produce exchanges, links and new bonds between people. This phenomenon was, with no doubt, the centre of the project since it allowed to reveal a design sample, from the commercial to the cultural, to educate new audiences and generate, hence, an ideal and informed type of commercialisation: conscious. How relevant is it that people understand the processes, the virtues of the materials, the concepts behind collections or the humanistic principles/values ​​behind the design? How would the business environment change if design were understood by everyone? As an organisation, we rapidly understood that the project, from the logo to the last image on our social networks, had to embody the power and effects that education generates. The repercussions on the people that we observed after each project we carried out made it empirically stated that our role went beyond the management of resources for the development of cultural events. Rather, we profiled ourselves as creators of meaningful content. Curiosity in the face of creativity is what can trigger the understanding of this form of culture and like that, perhaps, we could increase the appreciation that can be got for local manufacturing and creativity. Therefore, over time, we understood that our management was to generate content and articulate instances to build questions, strengthen an inclusive network (a large community of designers who felt represented) and be a trusted agent for designers with the goal of cocreating projects by intertwining needs, aspirations and dreams. Over the years the project evolved into an elastic project that increasingly tries to break away from its self-definition. It has always been an internal practice to adapt to the conditions that the environment determined. In the case of this publication, we want to tell what was the paradigm shift carried out by Local for the realization of the digital event “Local Meeting: Unreleased version” (Decidir si: dejar el título castellanizado y tratamiento de evento como entre comillas o italianizado), which undoubtedly marked a milestone in our organization and our relationship

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with the above-mentioned aspects: education, community, commercialisation and appreciation of the local. And, on the other hand, we asked ourselves what our role would be in a context of uncertainty and instability and how our definition of organisation should change to adapt to the drastic changes of an absolutely new world. “Local Meeting: Unreleased version” is a collaborative design digital project that was born from the effects of two decisive moments that changed the cultural context of Chile in recent months. In October 2019, the country experienced the largest social demonstration in its history due to the accumulated discontent with respect to political-economic power. Successively, five months later, the world was impacted by the Covid-19 pandemic, which once again affected the heart of the design sector. These two events slowed down the dynamics of cultural production, so we decided in April 2020 to map the economic conditions that design brands were in and understand what we could do together. The data was alarming and required immediate action. We needed to understand that what we did before only gave us social and cultural backs to act, but our experience as managers was not applicable since everything was turned to the cold and distant interaction of the digital world. How could we take advantage of digital opportunities without forgetting the essence of human connection? This is how “Local Meeting: Unreleased version” was born, a collaborative project to promote and economically reactivate national design brands, taking advantage of online sales trends and the ease of connection of society in a period of confinement. This reactivation ought to have education around design as the axis for all sales purposes. As a collective, we had to push a single communicational message that would shake the networks to enable the reaction of a digital public bombarded with catastrophic information and deprived of hopeful symbolism. We brought together a team of about a hundred people (counting all the participants) with whom we developed a collective project that could only be executed if the network was organized and motivated with the development of new pieces, new artworks that would be open to the public in unison. Creativity could be the perfect hook to ensure that the most in-depth content reached audiences and also led to key sales for the subsistence of participants' depressed economies. In other words, the project built a strategy based on creation and pride, in which 53 design brands participated developing unprecedented projects in times of crisis to generate the effect of curiosity in the public and thus enhance sales and design education. Speakers, photographic exhibitions, montages, audiovisual projects, collaborations; among some resources, they were openly launched in a staggeringly damaging context and yet the reactions and effects we got were the most powerful we have received in our history as an organization. Elasticity, collaboration and empathy can transform any entity into a catalyst

for projects with a cultural sense for society; but it is in the collective's will to search for the common good with which it feels represented, and thus to be able to transform a design event into a local movement.

Costa Pacifica. Semangad.

Contenedor Kew Pie. Ceramicas Diogenes.

Todo el resto. ASMA.


Entrevista de Manuel Figueroa al embajador de Italia en Chile, Maur

Manuel Figueroa

Estoy en la embajada de Italia. Voy a hablar con su representante, ya que si hay algún país al cual se le atribuye la palabra diseño, ese es, Italia. Embajador, si hay algo en el mundo que inmediatamente se reconoce de Italia es, precisamente, que toda la industria italiana está atravesada por el diseño. ¿Qué representa el diseño para Italia?

Mauro Battocchi Mira, Manuel, de verdad tenemos una tradición artesanal muy grande. La artesanía significa combinar objetos de uso cotidiano con una tradición de belleza, de arte figurativo. Esta combinación es ahora una industria, la cual se ha desarrollado a partir de los años 50, 60 y hoy tenemos productos italianos o espacios italianos, mobiliario italiano, cafetera italiana…o sea funciona en lo que sea en nuestra vida cotidiana, también en Chile. Estamos muy orgullosos de esto. M.F.

Si hay algo que también caracteriza al diseño italiano es que muchas veces, en vez de preguntarse ¿por qué?, se preguntaron ¿y por qué no?, ¿por qué no hacerlo?

Dise It

M.B. Yo pienso que el tema es cómo combinar la utilidad con la belleza. Porque cada objeto tiene una utilidad. En el mundo había una tradición minimalista que significaba darle un sentido práctico a un objeto y utilizarlo, pero los italianos dijeron: “cuidado, aquí hay que añadir algo más, un contenido emocional, una emoción. Tenemos también que añadir una relación entre el objeto y la persona de manera que el objeto llegue a ser vital, que no esté muerto”. Eso me parece, de verdad, el sentido más profundo del diseño italiano. El objeto no solo es un elemento útil, que funciona, es un objeto bello que cambia el estado anímico de las personas, da alegría. Te mencioné el tema de la cafetera. Me crié en una familia en que la cafetera era parte de la familia, casi tenía su dimensión vital. Este objeto fue tan importante también, por ejemplo, para la familia Bialetti, que cuando murió el señor Renato Bialetti, creador de las cafeteras Moka, se hizo cremar y sus cenizas se pusieron en una gran cafetera cuando se desarrolló su funeral. Eso te dice la importancia del objeto; que no solo es útil, sino que es parte de tu vida, se crea una relación. Matteo Rigoni, que es un diseñador que nos visitó hace poco, dijo una cosa muy cierta: “Si el objeto no está vivo, no te habla; entonces el diseño no es un buen diseño”. M.F.

Quiero agradecerle nuevamente, ha sido una gran charla, estaría toda la tarde conversando con usted. Espero que tengamos otros encuentros para que sigamos contándole a la gente la importancia del diseño y lo bien que lo ha hecho Italia, y de lo cual nosotros deberíamos aprender. Sé que ustedes nos llevan mucha delantera, pero sé que Chile también tiene elementos para poder hacerlo. En eso confiamos y nos queremos abastecer de las experiencias de otros países como ha sido el caso italiano. Muchas gracias, señor embajador.

M.B.

Muchas gracias, seguiremos conversando.

Fotografía: Vespa.com

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ro Battocchi, para el programa “Esto es Diseño” de Canal 13 Cable.

eño taliano Italian Design. By Manuel Figueroa. Manuel Figueroa's interview with the Italian ambassador to Chile, Mauro Battocchi, for the program “Esto es Diseño” on Canal 13 Cable. Manuel Figueroa: I'm at the Italian embassy. I am going to talk to its representative because if there is a country to which the word “design” (entre comillas para dar énfasis a el concepto de diseño de la frase) is attributed, that is Italy. Ambassador, if there is something in the world that is immediately recognized in Italy, it is, precisely, that the entire Italian industry is traversed by design. What does design represent for Italy? Mauro Battocchi: Look, Manuel, we really have a very great artisan tradition. Craftsmanship means combining everyday objects with a tradition of beauty and figurative art. This combination is now an industry which has been developed from the 50s, 60s and today we have Italian products or Italian spaces, Italian furniture, Italian coffee maker... that is, it works in whatever in our daily life, also in Chile. We are very proud of this. MF: If there is something that also characterizes Italian design it is that, many times, instead of asking why? they asked themselves and why not? why not doing it?

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MB: I think the issue is how to combine utility with beauty. Because each object has a utility. In the world, there was a minimalist tradition that meant giving an object practical meaning and using it, but Italians said: “be careful, here you have to add something else like an emotional

Manuel Figueroa Diseñador. Director Escuela de Diseño. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello. Diplomado en políticas públicas PUC. Diplomado en política y gobierno UDP. Magister en Comunicación Política y Asuntos Públicos UAI. Embajador Latinoamericano del Diseño. Universidad de Palermo. Miembro Consejo Asesor del Think Tank Instituto Desafíos para la Democracia (IDD).

content, an emotion. We also have to add a relationship between the object and the person so that the object becomes vital and is not dead”. That seems to me, really, the deepest sense of Italian Design. The object is not only a useful element that works, but it is also a beautiful object that changes the mood of people and gives joy. I mentioned the topic of the coffee pot. I grew up in a family where the coffee maker was part of the family, it almost had its own vital dimension. This object was also so important, for example, for the Bialetti family that when Mr. Renato Bialetti, creator of the Moka coffee makers, died he was cremated and his ashes were put in a large coffee pot when his funeral took place. That tells you the importance of the object which is not only useful but is also part of your life; it creates a relationship. Matteo Rigoni, who is a designer who visited us recently, said something very certain: “If the object is not alive, it does not speak to you; therefore, its design is not a good design”. MF: I want to thank you again, it has been a great talk, I would be the whole afternoon talking with you. I hope we will have other meetings so that we continue to tell people about the importance of design and how well Italy has done it and from which we should learn. I know that you are far ahead of us, but I also know that Chile also has the elements to do so. We trust on that and want to draw on the experiences of other countries, such as the Italian case. Thank you very much, Mr. Ambassador. MB: Thank you very much, we will continue talking.


ALUMNI


Ian Wallace, Socio Fundador y Director Creativo de Anartista. Ha tenido la oportunidad de haber recibido, hasta hoy, 23 premios internacionales y trabajar con grandes marcas alrededor de todo el mundo. A esto se suma el reconocimiento que obtuvo este año como el 41er Mejor diseñador de packaging del mundo y el 2° mejor diseñador gráfico de Chile, por los World Design Rankings 2020 y D’AC World Leading Designers 2020, a su corta edad de 25 años. Elegido como Joven Líder el año 2018 y expositor en varios congresos de diseño en Centroamérica y América del Sur.

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Ian Wallace, Founding Partner and Creative Director of Anartista. He has had the opportunity to have received to date 23 international awards and to work with major brands around the world. Added to this, there is the recognition he obtained this year as the 41st Best Packaging Designer in the World and the 2nd Best Graphic Designer in Chile by the World Design Rankings 2020 and D'AC World Leading Designers 2020 at his young age of 25 years. He was chosen as Young Leader in 2018 and exhibitor at various design congresses in Central and South America.

ALUMNI

Ian Wallace

Bình Coffee, 2018 @anartistacl


Helen Guldman Alumni. Diseñadora de Vestuario y Textil. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

Game Over

ALUMNI

Game Over es una nueva forma de hacer moda. Como la industria del vestuario es una de las más dañinas, queremos contribuir aminorando ese impacto. Nos cuestionamos cada proceso que involucra la producción y realizamos estos de la forma más consciente posible. Nuestra materia prima está constituida por textiles destinados a ser basura, por lo que evitamos ese desperdicio y la producción de nuevos textiles que signifiquen miles de litros de agua, contaminación y pesticidas. El diseño lo vemos como una solución, buscando crear prendas que trasciendan. La confección es a nivel local y así aseguramos el trabajo ético y se disminuye la combustión fósil que involucra el transporte desde otros países. Nuestra estética se basa en el empoderamiento y la libertad identitaria. Queremos revolucionar la industria, crear conciencia y construir un mundo mejor.

@gameover.scl

Game Over is a new way of doing fashion. As the clothing industry is one of the most damaging, we want to contribute by reducing this impact. We question each process that production involves and we carry out these in the most conscious way possible. Our raw material is made up of textiles destined to be garbage, so we avoid that waste and the production of new textiles that imply thousands of litres of water, pollution and pesticides. We see design as a solution that seeks to create garments that transcend. Dressmaking is at a local level and thus we ensure ethical work and a reduction of fossil combustion that involves transportation from other countries. Our aesthetic is based on empowerment and identity freedom. We want to revolutionize the industry, raise awareness and build a better world.

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Milena Rojas es una marca de indumentaria vanguardista y experimental que trabaja la innovación desde la investigación y desarrollo conceptual; elementos que siempre están relacionados con la naturaleza humana y su entorno. Busca ser atemporal, agénero, sustentable y consciente.

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Milena Rojas is an avant-garde and experimental clothing brand that works on innovation from research and conceptual development; elements that are always related to human

ALUMNI

Milena Rojas

Pieza Fractal @milenarojasdesign


Ser o Estar en la Ubicuidad

El bienestar en la C


Las ciudades y las áreas urbanas son centros de desarrollo económico, de servicios, de conocimiento y de creatividad. El espacio público es el alma de la ciudad, el lugar donde todas sus características se unen. Es un área de interconexión, el espacio en el que se materializa el carácter y cultura de una sociedad.

Ciudad Inteligente


Si el espacio público en el que vivimos hoy en día se construyó básicamente antes o durante la revolución industrial, la sociedad de la información está empezando a traer nuevos principios y tecnologías con el fin de replantear el funcionamiento, la estructura de las calles, avenidas, plazas y parques; y consecuentemente, la vida y las experiencias de las personas en ese espacio abierto. Las tecnologías de información y comunicación y su relación con el espacio público, disponibilizadas para el bienestar de la vida de los usuarios de la ciudad; constituyen un desafío que demanda nuevas estrategias y una visión para abordarlo y replantear su funcionamiento para las personas que conforman una sociedad de la información. Estas, a su vez, hoy tienen más profundamente integrado el sentido de bienestar asociado a un estilo de vida que integre de modo más pleno el balance entre lo sustentable ambiental y lo inclusivo social, como valor propio de su hábitat local. En este nuevo escenario que relaciona de un nuevo modo personas, tecnología y territorio, son fundamentales el uso de tecnologías inteligentes que permitan la captura en tiempo real, la gestión del tiempo y la disponibilización de información. Esto desarrollaría una nueva interacción espacio-ciudad de las personas en su calidad de usuarios de esta, al permitir que las redes de servicios y prestaciones sean interoperables, en un espacio urbano abierto y acostumbrado a desplegarse históricamente sólo en tres dimensiones (largo, alto, ancho), y que hoy empieza a coquetear con la ubicuidad: una cualidad y valor en la ciudad no disponible en la era anterior para las personas. La digitalización ya está ocurriendo en todos los sectores, y ahora también en el espacio público en nuestra vida cotidiana urbana, a través de plataformas digitales y progresivamente hacia infraestructura inteligente también. La velocidad de adopción no tiene precedentes, y la escala de utilización es exponencial en nuestras actuaciones diarias, asociándose a nuestra movilidad, seguridad, ocio, comunicación, socialización y otros tantos ámbitos de nuestras prácticas humanas que conforman nuestro bienestar. Esta disponibilidad tecnológica que se despliega en un proceso de transformación digital, constituye una oportunidad única para mitigar y estrechar la brecha de desigualdad socio-territorial reflejada en el acceso a servicios y oportunidades. Dichos factores nos ha instalado, como nunca antes en nuestra historia, una crisis de relación con el espacio y el tiempo a nivel de las personas y de las organizaciones privadas y públicas en tiempo de pandemia y post-confinamiento. Esto ha provocado una desactivación de las prácticas y procesamientos cotidianos habituados, de naturaleza individual y colectiva, tanto en los ámbitos productivos como del habitar. Desde Lab U, unidad experta en el dominio de Smart City, nos hemos hecho cargo de este escenario, asumiendo el desafío de trabajar junto a la ciudad y las comunidades en el desarrollo de un modelo de gestión replicable. El objetivo será articular

una red de intereses relativos de escala barrial en los territorios —habilitante de servicios y prestaciones de proximidad— disponibilizados a través de TI y Tecnologías Inteligentes que permitan disponer una mejor calidad de vida para los residentes y usuarios, favoreciendo e incentivando, desde esta iniciativa, el desarrollo económico, ambiental y social. A este proyecto en coejecución con nuestro Partner Territorial, la Ciudad de Viña del Mar, lo hemos denominado BIG Barrio (Gestión Inteligente del Barrio). ¿Pero qué hay de fondo a resolver en esta arena de innovación y cambios? ¿En qué producto de la digitalización el avance hacia el bienestar y el bien común, articulado en el espacio público, requiere cuidar y poner fina atención más allá de la ciberseguridad y la privacidad de las personas? A partir de la interacción con las plataformas programadas en nuestros dispositivos móviles, con procesadores inteligentes (smartphones), conectadas en red y con acceso a información alojada en Nubes; la generación de un insumo clave del siglo XXI nos da una guía y nos indica dónde focalizar la atención: la Data. Para este activo de la digitalización, debemos preocuparnos de disponibilizarlo (como entregable) y de analizarlo (como emergente) como un contenido. Esto es, con sentido para las personas en su dimensión de usuarios. El “Contenido Útil” es el Valor de la Data, y se perfila, desde los gustos y preferencias que las personas entregamos como evidencia de nuestro comportamiento; y se valida a su vez en la adopción dentro de nuestras prácticas humanas. Como por ejemplo, en el modo de uso del espacio público, la relación con otros, las actividades que desarrollamos; en la valoración de la geografía, el clima, la flora nativa, la infraestructura y el patrimonio. A eso se agregan la conversación, el recuerdo y el aprender que experienciamos en este nuevo escenario público de cuatro dimensiones. Las personas situadas como centro para un diseño de sociedad “smart”, posibilitará que la captura, análisis y entendimiento del insumo clave, que es la Data— activo de esta transformación digital en la que nos encontramos transitando—pueda tener sentido de bienestar en esta era de la digitalización.

Rene Perea Docente. Escuela de Diseño. Gestor de la Línea de Investigación y Proyectos de Smart City. Co-Fundador del Laboratorio U. Coordinador del Laboratorio de Modelos Digitales. Campus Creativo. Universidad Andrés Bello.

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Being or Being in Ubiquity. Well-being in the Smart City By Hugo Rojas / René Perea.

Hugo Rojas Docente. Investigador y Consultor en Innovación y Procesos Creativos centrado en las personas. Diseñador Industrial, Magister en Gestión de Tecnologías de la Información y Telecomunicaciones. Académico de la Universidad Andrés Bello, gestor de la línea de investigación en el dominio Smart City desde 2016 y actualmente Coordinador de Contenidos y Proyectos SC en Lab U, unidad orientada al desarrollo de Territorios y Comunidades Inteligentes.

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Cities and urban areas are centres of economic development, services, knowledge and creativity. The public space is the soul of the city, the place where all its characteristics come together. It is an area of ​​interconnection, the space in which the character and culture of a society materialize. If the public space in which we live today was essentially built before or during the industrial revolution, the information society (la relación es comparativa?) is starting to bring new principles and technologies in order to rethink functionality, the structure of streets, avenues, squares and parks; and consequently, people’s lives and experiences in that open space. Information and communication technologies and their relationship with public space, made available for the well-being of city users’ lives, constitute a challenge that demands new strategies and a vision to address and rethink its functioning for those people who constitute an information society. These, in turn, have today a more deeply integrated sense of well-being associated with a lifestyle that more fully integrates the balance between environmental sustainability and social inclusion as a core value of their local habitat. In this new scenario that relates people, technology and territory in a new way, the use of intelligent technologies that allow real-time capture, time management and information availability are essential. This would develop a new space-city interaction of people in their capacity as users of this, by allowing the networks of services and benefits to be interoperable, in an open urban space historically used to unfold only in three dimensions (length, height, width) and that today begins to flirt with ubiquity: a feature and value in the city not available in the previous era for people. Digitization is already occurring in all sectors, including now also in the public space of our daily urban life, through digital platforms and progressively towards smart infrastructure as well. The speed of adoption is unprecedented and the scale of use is exponential in our daily actions, and it gets associated with our mobility, safety, leisure, communication, socialization and many other areas of our human activities that make up our well-being. This technological availability that unfolds in a digital transformation process constitutes a unique opportunity to mitigate and narrow the gap of socioterritorial inequality reflected in access to services and opportunities. These factors have established, as never before in our history, a crisis of relationship with space and time at the level of people and private and public organizations in times of pandemic and post-confinement. This has led to the (a sort of - tipo de?) deactivation of habitual daily practices and processes, of both individual and collective nature, as well as in both the productive and living areas. From Lab U, an expert unit in the Smart City domain, we have taken charge of this scenario, assuming the challenge

of working together with the city and its communities in the development of a replicable management model. The objective will be to articulate a network of relative interests on a neighbourhood scale in the territories —enabling services and benefits nearby— made available by means of IT and Smart Technologies that allow a better quality of life for residents and users and supporting and encouraging, from this initiative, economic, environmental and social development. We have dubbed this project ‘BIG Barrio’ (Smart Neighborhood Management), in co-execution with our Territorial Partner, the City of Viña del Mar. But what should be ultimately resolved in this arena of innovation and change? In what product of digitization does the advance towards well-being and the common good, articulated in the public space, require care and pay careful attention beyond cybersecurity and people’s privacy? From the interaction with the platforms programmed in our mobile devices, having intelligent processors (smartphones) and connection to a network with access to information hosted in Clouds, the generation of a key input of the 21st century gives us a guide and tells us where to focus our attention: Data. For this digitization asset, we must ensure its availability (as a deliverable) and its analysis (as emerging) as content. This is, with meaning for the people in their dimension of users. This “Useful Content” is the Value of the Data. It is outlined (un punto fue agregado para legibilidad) from the tastes and preferences that people deliver as evidence of our behaviour and it becomes validated in turn through its adoption in our human practices, for example, in the way of using the public space, the relationship with others, the activities that we develop, and in the valuation of geography, climate, native flora, infrastructure and heritage. To that are added conversation, the memory and the learning that we experience in this new four-dimensional public stage. The people situated as the centre for a “smart” society design will enable that the capture, analysis and understanding of the key input, which is Data— an asset of this digital transformation in which we are moving — could have a sense of wellbeing in this era of digitization.


Diplomado en

Interior En una alianza entre la Academia y Proveedores de la Construcción para el Desarrollo de proyectos de Interior Design para la Industria AEC, la Universidad Andres Bello a creado un programa académico dirigido a profesionales, sean diseñadores industriales, de ambientes, arquitectos o diciplinas afines con el Interior Design que busquen dar mayor valor comercial a sus proyectos.


r Design


Alessandra Lorca Aicardi Directora.

Orlando Gatica CEO Orlando Gatica Studio.

MID del Politécnico di Milano - Italia y Diseñadora Industrial de la Universidad Diego Portales.

Diseñador y emprendedor con 25 años de oficio, ha participado en el diseño de diversas casas, edificios de vivienda, oficinas, hoteles, tiendas, restaurantes y centros hospitalarios siendo ganador de diversos premios y concursos donde se destacan 5 Premios Chile Diseño y un premio Avonni a la innovación en Diseño.

Sus experiencias laborales la llevaron a desarrollar fuertemente las habilidades comerciales dentro del área del diseño y la arquitectura. Formando un carácter determinado y una seguridad personal que la han llevado a tener cargos estratégicos en el área de innovación y especificación siendo responsable de generar nuevas oportunidades de negocios en la industria AEC. Actualmente lidera la Gerencia de Servicios de Imperial S.A. donde gestiona programas de innovación y capacitación a través del CEM, Centro de Experiencia del Mueble, genera nueva oportunidad de negocios y posicionamiento de materiales y sistemas para proyectos de Interior Design a través de Área de Especificación.

Ha sido docente, conferencista e invitado recurrente como jurado a concursos de diseño y arquitectura. Relacionándose con proyectos y encargos fuera de Chile en donde el trabajo colaborativo con empresas extranjeras ha sido un elemento constante en su trabajo.

Bito Feris Director Creativo Bito Feris SpA.

Alejandro González Director de Desarrollo de Proyectos en SIEN Estudio.

Diseñador de Interiores independiente, Director Creativo y Socio Fundador de Estudio Bito Feris SpA. Más de 5 años de experiencia en decoración e interiorismo, cuenta con un equipo de diseñadores, arquitectos y un ingeniero comercial, con quienes ha dirigido y supervisado trabajos de remodelación, interiorismo, decoración y ambientación en más de 20 proyectos.

Diseñador Industrial con 15 años de experiencia en la industria del mueble. Amplio conocimiento en áreas Técnicoproductiva, Diseño y Desarrollo, análisis de costos, optimización de materias primas, modulación, software CAD-CAM y Herrajes.

Hoy, desde su estudio de diseño en Santiago, trabaja en una variedad de encargos, donde vuelca con energía toda la experiencia enfocada en el mejor vivir de las personas.

Workshop 1 Real Estate

Yuri Trechswjakow Ex Director Creativo Instore. Diseñador Industrial y Licenciado en Diseño, con mas 13 años de experiencia como diseñador industrial y de interiores, en Chile y Australia en diferentes tipo de proyectos desde retail, restoranes, oficinas entre otros. Se he desarrollado como Docente en la Universidad Diego Portales y AIEP lo cual lo llevo a participar en asistencias y workshops en la Universidad de NSW, Sydney. Apasionado del buen diseño, las artes, el patrimonio cultural y los viajes, todas esas experiencias inspiran su trabajo. Cada aspecto del diseño se superpone y se retro-alimenta entre sí cuando se trata de tener los mejores resultados creatives y comerciales.

Marcela Fuentes Subgerente de Diseño de Tiendas y Visual Merchandising Imperial S.A. Diseñadora, Universidad Diego Portales, con más de 20 años de experiencia en gestión, planificación, control y desarrollo del diseño, en comunicación gráfica y exhibiciones, asegurando la imagen de marca, así como en la implementación de proyectos (remodelaciones, réplicas comerciales, tiendas nuevas); dando soporte y apoyo a los puntos de venta, contribuyendo a los procesos operacionales, para entregar una mejor experiencia de compra a los clientes.

Workshop 2 Retail


Consuelo Larrea Gerente de Arquitectura & Diseño Contract Wokplaces. Arquitecta Universidad de Chile, Master en Dirección de Empresas Constructoras e Inmobiliaria de la Universidad Politécnica de Madrid, con más de 15 años de experiencia en diversos ámbitos de la arquitectura tanto en el rubro inmobiliario como en el mundo de la habilitación de espacios de trabajo. Se ha destacado por una manera de mirar analítica, los mercados en que le ha tocado participar, buscando sus particularidades y proponiendo una forma innovadora de aportar valor al negocio, que le ha permitido a las empresas en que ha sido parte, transformarse en referentes de su rubro.

Sebastián Bello Gerente General en Composit. Fundador y Gerente General de Composit, donde representa a más de 20 marcas de diseño original europeo, italiano, danés y holandés. Apasionado del Diseño, con más de 10 años en experiencia en la consultoría a especificadores y clientes finales en la selección de mobiliario e iluminación para proyectos de interior design como hoteles, restaurantes, centros comerciales, educacionales, y en general grandes superficies.

Workshop 3 Workspaces

Paula Pino Especificadora Materiales & Soluciones en Imperial S.A.

Fernando Gajardo Socio / Gerente de Producción Cromolux S.A.

Diseñadora de Arquitectura de Interiores y Decoración con más 15 años de experiencia en especificación en el rubro de terminaciones y proyectos de mobiliario de espacios habitacionales, comerciales y laborales para oficinas, constructoras e inmobiliarias.

Diseñadora Industrial, Universidad Andrés Bello, con más 15 años de experiencia en docencia y gestión en procesos de producción, retail, desarrollo de productos, maquinaria industrial, innovación en materias primar, prototipado y desarrollo de líneas de producción.

Ramos Transversales

Claudia Lattes Ergónoma, Coordinadora Carrera de Diseño y Docente de Ergonomía Unab. Diseñadora Industrial, Universidad Andrés Bello, Magister en Ergonomía de la Universidad Politécnica de Cataluña, Barcelona, con más 15 años de experiencia en docencia y asesoría ergonomía física, cognitiva y ambiental, usabilidad y diseño inclusivo.

Rafael Rivera Director Rafael Rivera Iluminación. Profesional dedicado al diseño de iluminación desde el año 2003, gestor de proyectos orientados tanto del ámbito arquitectónico como de interiorismo, tanto en espacios comerciales, residenciales y museo. Junto con eso, desde el 2012 he realizado clases de iluminación y temas asociados al diseño en general.


Hernán Garfias Chile

Marisa Santamaría España

Remy Bardin Francia

Imperial Chile

Codelpa Chile

Hernán Garfias Arze título Diseño Gráfico Universidad Católica de Valparaíso. Director de Arte diario El Mercurio, fundó AG&P asociados. Director de Arte Campaña Presidencial Patricio Aylwin. Crea la revista Diseño y la dirige por 10 años. Socio fundador y presidente Asociación Empresas de Diseño QVID. Decano fundador Facultad Arquitectura, Arte y Diseño UDP.

Analista de tendencias Internacionales de diseño, arquitectura, estilos de vida y movimientos contemporáneos. Está especializada en la investigación y análisis de las nuevas corrientes actuales en todas las áreas creativas relacionadas con la innovación, especialmente en los escenarios globales del ámbito de los jóvenes -nuevos talentos- y la evolución del diseño internacional.

Originario de Cantal y Parisino de adopción desde hace 15 años, se formó Artista y Arquitecto de Interiores en ENSAAMA - Olivier de Serres donde.

www.imperial.cl @imperial_cl

www.codelpa.cl @codelpa_chile

Imperial nació en 1974 como una ferretería tradicional, destacando por su cálido estilo de atención y el excelente precio de sus productos y servicios.

Grupo CODELPA Colores del Pacífico nace el año 2011 cuando se fusionan las marcas Ceresita, Sipa, Chilcorrofín y Soquina, convirtiéndose en la empresa de pinturas y revestimientos más grande del país, al ofrecer marcas reconocidas en el mercado nacional.

Ha dictado conferencias en más de 40 países. Premio Pericles CAYC Argentina, Premio Bienal de Quito, Premio Mauricio Amster, Premio Asociación Internacional Críticos de Arte, Premio Colegio de Diseñadores de Chile, Premio Colegio de Diseño, Cavalieri di la Orden di la Stella di Italia, Curador Pabellón Chileno en Milán, actualmente es Director Escuela DAC AIEP.

Escribe regularmente artículos, entrevistas y reportajes sobre diseño, arquitectura, arte, estilos de vida, tendencias y viajes, para El País, Condé Nast Traveler, AD España, Revista Ottagono -Design and Architecture-, LifeStyle Design and Architecture Magazine del Grupo Porcelanosa.

Guest Speakers Interior Design en el mundo

En 2011 crea el Colectivo de Arquitectura HOLDUP con Guillaume Jounet. Ambos colaboran en proyectos de arquitectura de interiores, arquitectura (ganadores del concurso Europan), instalaciones artísticas (bienal de arte contemporáneo de Kobé en Japón) o incluso granjas urbanas. Rémy fundó BARDIN ARCHITECTE a principios de 2015, donde ejerce hoy rodeado de un equipo sólido y calificado de colaboradores y proveedores de servicios (topógrafos, ingenieros, contratistas, artesanos).

Durante años la empresa se mantuvo como un negocio de ferretería y material de construcción, atendiendo a maestros, contratistas y constructores. En 1990, incorporó a su negocio los tableros de madera, atendiendo las necesidades de un importante grupo de cliente: los mueblistas.

El trabajo va desde el asesoramiento hasta la realización y se adapta a los requerimientos del cliente, alrededor de los cuales se construyen los proyectos.

Marcas Clase Magistral Materiales y Soluciones


Arauco Chile

Composit Chile

Lamitech Colombia

Hettich Alemania

Finsa España

www.arauco.cl @arauco_soluciones

www.composit.cl @compositmobiliario

www.lamitech.com.co @ilaminar

web.hettich.com @hettich_official

La Celulosa de Arauco se caracteriza por contar con excelentes cualidades, destacando entre ellas sus propiedades mecánicas y limpieza. Se comercializa en múltiples mercados y cuenta con un sinfín de usos relacionados con la industria del papel y sus derivados, productos con los que interactuamos día a día.

Con casi 20 de años de experiencia, Composit se posiciona como empresa líder en equipamiento con productos de diseño internacional original. Mobiliario, iluminación, decoración y soluciones integrales para proyectos de todo tipo: contract, corporativo, oficina, hotelería, restoranes, cafeterías y residencial.

Empresa líder de laminados decorativos de alta presión con la mejor calidad y versatilidad.

El Grupo Hettich es uno de los principales fabricantes mundiales de herrajes para muebles. La sede de la empresa se encuentra en la ciudad de Kirchlengern, en el este de Westfalia.

www.finsa.com @finsa_latam @grupo_finsa

Su moderna y amplia planta, está ubicada en el puerto de Cartagena - Colombia, sobre el mar Caribe, en donde cuentan con el espacio ideal para sostener el crecimiento que demandan los cambios, las necesidades de los mercados y las nuevas tecnologías.

Día tras día, 6.700 empleados y empleadas se enfrentan al desafío de desarrollar tecnología inteligente para muebles.

FINSA ha sido pionera en la fabricación de tableros de madera aglomerada y MDF en la Península Ibérica. En 1931 inicia la actividad industrial en un aserradero en Portanxil (Ames). Unos años más tarde, en 1937, D. Manuel García Cambón dió forma empresarial al proyecto que en 1946 pasó a denominarse FINANCIERA MADERERA S.A.

Canales de comunicación: Universidad Andrés Bello Campus Creativo Escuela de diseño CC Para mayor información llenar solicitud en https://www. postgradounab.cl/ diplomadoen-interiordesign


PER Minerva Segovia minerva@perfo.studio

El equilibrio del caos: la creación a través de la intuición; del no conocimiento académico que permita crear mediante la curiosidad, el sentido común y el nolímite. PERFO es un estudio experimental que aborda la arquitectura y el diseño desde la inmersión. Creamos espacios futuristas atrapados en el presente. Nuestros escenarios contienen múltiples realidades, materializadas en reflejos, desfragmentación de la imagen a través de espejos facetados, texturas espejadas

y alto brillo. La instalación de luz parece ser el centro de nuestro trabajo, pero en realidad no lo es, solo existe para mostrarnos una percepción diferente del espacio, alterándolo con el fin de ser distorsionado en diferentes superficies y crear realidades paralelas. Somos una nueva generación de artistas que trabajamos de manera inclusiva en todas las disciplinas para generar inmersiones, desde la arquitectura y el diseño de interiores hasta el diseño de luces, arte digital,

diseño de sonido, realidad virtual, performance y films. Percibimos cada espacio como una experiencia completa. Buscamos romper con el tiempo y el espacio, cuestionar el realismo ingenuo de afirmar que la realidad existe, sin cuestionarla: la ruptura de la perfección y el deber/ser. Provocar un shock, teniendo como fin, abrir nuevos imaginarios sociales y cuestionarnos lo que creíamos ver.


RFO The balance of chaos: creation through intuition; of academic non-knowledge that allows creating through curiosity, common sense and non-limit. PERFO is an experimental studio that approaches architecture and design from immersion. We create futuristic spaces trapped in the present. Our scenarios contain multiple realities, materialized in reflections, image defragmentation through faceted mirrors, mirrored textures and high brightness. The installation of light seems to be the centre of our work, but in reality, it is

not, it only exists to show us a different perception of space, altering it in order to be distorted on different surfaces and create parallel realities. We are a new generation of artists who work inclusively in all disciplines to generate immersion, from architecture and interior design to lighting design, digital art, sound design, virtual reality, performance and films. We perceive each space as a complete experience. We aim at breaking with time and space, questioning the naive realism which

affirms that reality exists but without questioning it: the rupture of perfection and having to be/being. Provoke a shock, with the aim of opening new social imaginaries and questioning what we thought we saw.


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Gabriela Olivares, Francisca Tornero, Alejandra Bobadilla, Lupe Gajardo, Piedad Aguilar, Luis Pino, Fernando Gajardo, Marisol Camiroaga, Víctor Boldrini, Leonardo Ficcardi, Juan Pablo Fuentes, Matías Mellado, Werner Fett, Marcela García, Hernán Garfias, Manuel Córdova, Patricio Pozo, Rodrigo Ledezma, Marcelo Rojas, Tomás Errázuriz, Joaquín Béjares, Manuel Figueroa, Helen Guldman, Milena Rojas, Ian Wallace, René Perea, Hugo Rojas, Minerva Segovia.


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