BRAVOS

groundbreaking Spanish design dise単o Espa単ol de vanguardia

BRAV S Juli Capella

BRAV S

Dedicado a mi bravĂ­sima hermana Cristina, genio en la sombra de nuestro estudio Dedicated to my sister Cristina, bravĂ­sima, the behind-the-scenes genius in our studio.

groundbreaking Spanish design dise単o Espa単ol de vanguardia

BRAV S Juli Capella

DESIGN AS AN IMAGE OF A NEW SPAIN

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any of the most advanced designers in Spain are better known abroad than they are at home. This is an indication of the impact that the discipline has made abroad in recent years, and a reminder that we in Spain often overlook the ability and capacity of our own creative talent. The magnificent book Bravos. Groundbreaking Spanish Design, published by the State Department for International Cooperation through the Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID), pursues two objectives: to support the work of these designers in other countries and to make them better-known in their homeland. The book offers us a view of contemporary Spanish design through 21 chapters of text and illustration dealing with 21 designers, all of whom were born after 1960. The volume ends with the websites of another 60 creative Spanish studios and an illustrated chronology showing the international influences and their effect on Spanish design through the 20th century. Bravos is the first book of its kind on this subject to be published in Spain.

There can be no doubt that design has joined the ranks of the sectors of Spanish culture which enjoy a high profile abroad. Alongside its attraction as a holiday destination, Spain already has a reputation for attractive museums and art centres, prestige in the world of fashion, and quality and innovation in its gastronomy. The growing recognition of Spanish design means that it can now be added to this list. After the eruption of the eighties, when Spain took full advantage of its period of transition, it had seemed that design had entered a phase of stagnation. That this was a misleading impression, however, is proved by the fact that one generation later, at the start of the 21st century, Spanish designers enjoy recognition across the globe, from London to Milan, from Tokyo to New York. The members of this generation have a few features in common, but they are interesting precisely because of their diversity, their independence and the sheer variety of their artistic projects. This breadth of styles and directions is an image of the new Spain, design that marries art and industry in ways that appeal to every kind of taste. This places the book Bravos in an ideal position to both raise awareness of new experi-

ences in the world of art and publicise their application in industry. The opportunity to bring these two objectives together is a highly stimulating one from the point of view of international cooperation.

The profiles of these 21 designers were selected to reflect the rich diversity of geographic origins, tendencies and approaches while displaying high standards of quality in product design. This remarkable book will show us on page after page how these talented creators were trained in Spain and rounded off their formative years abroad, how they combine the arts with other disciplines, how they manage a pragmatic combination of culture and industry and how they take advantage of the new technologies that have emerged in the last decade. The title, Bravos, is a Spanish word that has become an internationally recognised expression, just as Spanish design has achieved recognition on the international stage. To finish off this prologue, I would like to confess my pride in this new generation of designers whose ideas and projects transmit an image of Spain which is productive, attractive and plural.

Soraya RodrĂ­guez Ramos State Secretary for International Cooperation Ministry of Foreign Affairs and Cooperation

8 Presentation AECID

El diseño como imagen de una nueva españa

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uchos diseñadores españoles de vanguardia son más conocidos en el extranjero que en su propio país. Esta circunstancia revela la proyección exterior que ha tenido esta disciplina en los últimos años, al tiempo que demuestra que olvidamos en España, en ocasiones, el talento y las capacidades de nuestros creadores. El magnífico libro Bravos. Diseño español de vanguardia, editado por la Secretaría de Estado de Cooperación Internacional a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), pretende un doble objetivo: apoyar todavía más la labor de estos artistas en otros países y divulgar su trabajo en su tierra. A través de 21 reportajes gráficos y literarios de otros tantos diseñadores, todos ellos nacidos con posterioridad a 1960, el libro ofrece una panorámica de la situación del diseño español. El volumen se completa con las webs de otros 60 estudios creativos españoles y con una cronología ilustrada de las influencias internacionales en el diseño español a lo largo del siglo xx. De este modo, Bravos se convierte en el primer libro de estas características que aparece publicado en España.

No cabe ninguna duda de que el diseño ha pasado a integrar la lista de sectores con mayor imagen cultural de nuestro país en el extranjero. A los atractivos en materia de museos y centros de arte, al prestigio de la moda, a la calidad y la innovación de la gastronomía o a españanuestros destinos turísticos, se ha añadido el diseño como una nueva faceta en la que comenzamos a despuntar. Después de la eclosión de los años ochenta, cuando España aprovechó los frutos de la transición, parecía que el diseño se había estancado. Fue una falsa percepción porque una generación después, en estos inicios del siglo XXI, los creadores españoles gozan de un reconocimiento que abarca desde Londres a Milán, pasando por Tokio o Nueva York. Se trata de una generación con algunos rasgos comunes, pero cuyo mayor interés radica en su diversidad, en su independencia y en su variedad de propuestas artísticas. Amplitud de estilos y de tendencias para la imagen de una nueva España, oferta para todos los gustos de un diseño que combina el arte con la industria. Por todo ello, Bravos es un libro destinado a divulgar nuevas experiencias artísticas, y orientado

también a promocionar la industria. Desde el punto de vista de la cooperación internacional unir estos dos objetivos resulta una tarea muy estimulante.

El perfil de los 21 diseñadores seleccionados intenta recoger el rico abanico de tendencias, orígenes geográficos o enfoques tipológicos, siempre desde la perspectiva de la calidad del diseño de producto. Así pues, podremos comprobar a través de las páginas de este singular libro que los creadores se han formado en España, pero han completado estudios en el extranjero; que entrecruzan las artes plásticas con otras disciplinas; la combinación pragmática entre cultura e industria; o la utilización de las nuevas tecnologías surgidas en la última década. Que el diseño español comienza a ser considerado en todo el mundo figura como el hilo conductor de Bravos, el título del libro y una palabra española que se ha convertido en un término internacional.

Como final de este prólogo querría confesar mi orgullo por contar con una nueva generación de diseñadores que proyecta, a través de sus ideas y de sus propuestas, una imagen rica, plural y atractiva de España.

Soraya Rodríguez Ramos Secretaria de Estado de Cooperación Internacional Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación

Presentación AECID 9

BRAVOS Bravos Juli Capella 12

Antoni Arola 40

CuldeSac 78

Curro Claret 68

Emiliana Design Studio 106

Luis Eslava 118

Jaime Hayón 154

Martí Guixé 144

Diego Ramos 182

Ramón Úbeda 214

Mario Ruíz 190

Patricia Urquiola 222

Martín Azúa 48

díez+díez diseño 86

Nacho Carbonell 60

El Último Grito 94

Joan Gaspar 136

Guillem Ferran 128

Lagranja 166

Ernest Perera 174

Stone Designs 206

Héctor Serrano 198

Otros Bravos Other Bravos 234

Cronología del diseño español Chronology of Spanish design 241

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S VA RB groundbreaking Spanish design

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oes Spain have a place in the world of contemporary design? This book aims to give an affirmative, optimistic answer to that question. It does so, however, modestly and in full awareness of its limitations and of the fact that globalisation is speeding up the disappearance of nations. The early years of the 21st century have seen an upsurge in the consciousness of identity, which has paradoxically led to confrontations on the world stage.

The more international we become, the more highly we prize the local, or vice-versa, depending on how you see things. Is it therefore possible to talk of Spanish design in this context? Is it similar to what is being produced in Europe? Naturally, every country has its own contribution, which can be more or less relevant or singular. Most developed countries possess an active industrial base which forms part of the worldwide panorama in which some countries stand out while others struggle and fade away. Some countries with their rich historical traditions are currently disconcerted while others, with hardly any baggage raise their heads with certain defiance. Spain is doing very well at the moment, as it has an abundance of creative talent which is able to move at ease on the international scene. This book is about the latest talents to emerge in the field of product design.

This book is therefore dedicated to the people and not the objects for one obvious reason: design used to be an anonymous discipline in which the most vital element was the final product: today, the constant attention of the media has made the creator the centre of attention.

In these circumstances, it is more convenient to present

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the figures and then their products, and not the other way round. The signature, the creative genius, that legacy of the world of art, fashion and architecture has reached the sphere of everyday objects. This is not a personal point of view, nor the expression of a desire, but a simple fact.

While Spanish design in the 20th century could be described through its chairs, lamps and household appliances, the 21st will by described in terms of its designers.

Each chapter of this book will be headed by a portrait of each designer, as seen through the tendentious lens of the brilliant photographer Rafael Vargas.

The Spanish press often spoke of the situation of Spanish design at the end of the nineties as a kind of bluff. We collaborated in the premature death of a discipline which had barely taken its first steps. The writer Antonio Muñoz Molina wrote an article in El País in which he spoke of design as having been a short-lived mirage that was tied to the lavish events of 1992, a passing superficial fad that was another facet of the squander. Other commentators saw design as something superficial, a rash of aesthetics that caught on like measles in the creative euphoria that followed the end of the dictatorship. An excessive growth that had no foreseeable future. Other intellectuals, such as Manolo Vázquez Montalbán, saw it as hipness, a plaything of the idle young in contrast with the solid tradition of industrial design represented by the Bauhaus. For a time the popular chat-up line became “are you a student or a designer?” and the profession was ridiculed, or at least viewed with suspicion and condescension. Many businessmen continued to see

it as something effeminate or eccentric, and could not take it seriously as a profession which could form part of their business strategy. However, the imminent entry of Spain into the European Community, and the subsequent creation of larger marketplace without protection, brought with it the realisation that design was a necessity that had to be incorporated urgently to compete with the influx of foreign products that were conceived, manufactured and marketed to higher standards.

While the business community were reluctant to embrace design, and society did not take it altogether seriously, the cultural sector was more receptive and welcomed it as a new development. Spanish design was accepted first in the cultural journals, exhibitions and Sunday supplements, even in museums and in discussions about art than in the market itself.

Today, however, we can confirm with confidence that Spanish design is a real tangible consolidated force. Not only this, but it is one of the few areas of creativity in which we stand out on the international stage. One of the few areas, which is competitive and innovative. This is neither a boast nor an exaggeration. It is a fact that is backed up by objective data and which does not require expertise to be grasped. After a brief period in which it analysed our society, design is now all around us. Design is now a permanent part of the Spanish landscape and has shaped a lifestyle which is developing and fitting in.

Another sector in Spain to enjoy a boom is that of haute cuisine, where Spain has been an international leader

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Juli Capella

diseño español de vanguardia

Pinta algo España en el mundo del diseño actual?

Este libro pretende dar una respuesta afirmativa y optimista. Pero lo hace también de forma comedida y muy consciente de sus límites. Y constatando que los países se desvanecen a pasos agigantados en la era de la globalización. El arranque del siglo xxi, ha coincidido con una gran explosión identitaria, confrontada paradójicamente en un único escenario, el global. Cuanta más internacionalización, mayor valor de lo local, y viceversa, según queramos verlo. ¿Es por tanto posible hablar de diseño español en el contexto actual?, ¿o éste es similar al que se hace en Europa?

Por supuesto, cada país elabora su aportación, más o menos relevante y singular. La mayoría de países desarrollados tienen un contexto industrial vivo que ofrecen al panorama mundial, pero sin duda algunos destacan mientras otros colean y se difuminan. Algunos, con rica tradición histórica, viven ahora momentos de desconcierto y otros, sin apenas bagaje, asoman la cabeza con cierta valentía. España vive un buen momento, cuenta con un nutrido plantel de creativos que se mueven cómodamente en el panorama internacional de la disciplina. Los talentos más recientes, en el ámbito de producto, son los protagonistas de este libro.

¿

Éste es, por tanto, un libro dedicado a personas y no a objetos. Por una razón clarísima: si antaño el diseño fue una disciplina más anónima, donde lo importante era su fruto: el producto, ahora, bajo la presión mediática constante, el autor es el rey. Por eso resulta más conveniente presentar a los personajes y saber

qué hacen, y no al revés. La firma, el creativo, el ego heredado del mundo del arte, de la moda y de la arquitectura, ha llegado al objeto. No se trata de un enfoque personal ni de un deseo, sino de una constatación. Si el diseño español del siglo xx se explicaba con sillas, lámparas y electrodomésticos, el del siglo xxi se explica a través de sus autores. Por eso este libro encabeza sus capítulos con retratos tendenciosos de cada autor, según el personal punto de vista del brillante fotógrafo Rafael Vargas.

En recortes de prensa nacional de finales de los años 90, se hablaba a menudo del bluff del diseño español.

Nosotros mismos nos encargábamos de enterrar una disciplina que acababa de nacer entre balbuceos. El escritor Antonio Muñoz Molina escribía un artículo en El País diciendo que el diseño había sido un espejismo efímero, ligado a los fastos del 92, una eclosión epidérmica y fugaz, incluso ligada al despilfarro. Otros comentaristas consideraban el diseño como algo superfluo, un tic esteticista que había sido como un sarampión tras el eufórico boom creativo de la democracia. Un exceso pendular sin perspectiva de futuro.

Otros intelectuales, como Manolo Vázquez Montalbán, lo equiparaban a «modernez», a un artificio pijo y lo contraponían a la sólida tradición del industrial design bauhausiano. Durante mucho tiempo se utilizó la coletilla del «¿estudias o diseñas?» y la disciplina fue ridiculizada, o cuando menos, vista con suspicacia y condescendencia. Muchos empresarios lo seguían considerando como cosa de afeminados o excéntri-

cos, pero no como una profesión seria, que pudiese ayudarles en su estrategia empresarial. Sin embargo el horizonte del ingreso de España en la Comunidad Europea exigía incorporar el diseño con urgencia, para poder competir en un mercado mayor y no protegido, donde iban a inundarnos con productos foráneos mucho mejor concebidos, fabricados y comercializados.

Si el sector empresarial seguía siendo reacio al diseño, y socialmente se le tomaba un poco a choteo, el sector cultural sí supo hacerle un hueco y presentarlo como una novedad emergente. El diseño español llegó antes a las revistas culturales, a las exposiciones, a los suplementos dominicales, incluso a los museos y al debate artístico, que al propio mercado.

Pero hoy podemos afirmar con contundencia, que el diseño español es una realidad tangible y consolidada.

No sólo eso, sino que es una de las pocas herramientas creativas que tenemos con auténtica proyección internacional. Uno de los escasos recursos de competitividad e innovación. No es una voluntad o una exageración, sino una realidad que avalan datos objetivos y que es posible entender, sin ser experto. Tras un breve análisis social de nuestro entorno, el diseño está presente por doquier. El diseño llegó a España para quedarse y para conformar una peculiar forma de ser que está en pleno desarrollo y encaje.

Otro sector español en auge, es sin duda la cocina, donde reinamos internacionalmente desde hace una

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Exposición Produce, consume, recicla comisariada y diseñada por Lagranja, y organizada por el DDI y El Círculo de Bellas Artes. Sala Juana Mordó (Madrid, 2009) Produce, consume, recicla Exhibition, curated and designed by Lagranja, and organized by DDI and El Círculo de Bellas Artes. Sala Juana Mordó (Madrid, 2009)

for a decade. There are many parallels between cooking and design, even in the criticism they receive, and Ferran Adrià has described cooking as a way of designing food.

Architecture in Spain is also enjoying a fruitful period, and the fine art world has maintained a consistently high level since Miquel Barceló emerged.

There are a number of objective studies by the DDI (National Design and Innovation Society) which demonstrate beyond all doubt that Spanish design has consolidated its position. A report dating from 2001 calculated that the design services sector was made up of about 4,240 companies, including freelancers and studios, and there were 20,000 professional designers among all disciplines, with a total turnover of 819 million euros.

Today, these figures would probably be doubled. There is another study from 2009, from the Design Observatory, created by FAD (Arts and Design Association), titled “Realities and Opportunities. Design and companies in Catalonia”. This study reveals that 84% of the 396 companies consulted made use of design-related services, whether graphic design, industrial, spatial or process design, and valued them very highly, with an approval rating of 7.5. Almost half of those interviewed employed internal creative staff. Every company in the country can benefit from design, whether it is to shape the product, enhance services or simply to update the company’s image. Furniture, household appliances, vehicles, clothes, textiles, accessories, consumer products, foodstuffs, packaging, everything around us has been designed, and nobody today questions whether

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this has an effect on the purchaser. Design can improve an object’s function, and with it the pleasure it can give.

And these are the two facets of design’s usefulness, as a merchandising tool (for the company) and in functional and aesthetic terms (for the user). This is the space that design occupies, straddling the terrain between the market place and the world of art and creativity.

The year 2003 was designated the Year of Design, and over three hundred activities were organized across the country, promoted by FAD (The Decorative Arts Association) and with the support of Barcelona City Council, the Generalitat de Catalunya (the regional government of Catalonia), and the Spanish Ministry of Industry. This year was a landmark in the process of official recognition of the discipline. This recognition, though, was the result of a long, arduous process of establishing a profession that had hardly any tradition, having been conceived in the 1930s in central Europe and North America, and having begun in practice only after the Second World War.

OUR SHALLOW ROOTS Design came to Spain much later than other European countries. This was an echo of industrialisation, which had also arrived here late and did not even reach the whole of the country. This slow and uneven spread of industry began in the Basque Country and Catalonia, but it was nearly a century after England had begun its indus-

trial transformation. And it was precisely in these areas, and Valencia, where new models were needed for the growing manufacturing industry. The resulting products were primitive in design, often reproducing handmade goods, or clumsy copies of foreign products. It was not until the 1930s that the earliest designs appeared for furniture which could be mass-produced. Madrid saw the appearance of Rolaco-Mac, and Barcelona that of MIDVA (Furniture and Decoration for the Modern Home), which were an offshoot of the GATEPAC group, the defenders of functionalism in Spain. As a movement, it was an imitation that was associated with other central European groups that argued for a radical change in architecture.

This in turn sowed the seeds of a new concept of design, based specifically on household products and furniture which had been conceptualised by the Bauhaus.

These international links with the pioneers of design and rationalist architects were cut short by the outbreak of the Spanish Civil War, and this conflict and the subsequent dictatorship kept us far from the mainstream. The post-war years in Spain were dominated by an autarchy under which little attention was paid to making the goods that were desperately needed. The market was dominated by inferior local copies of products: shoddy materials, poor quality, lack of choice… there was hardly any room for anything but the most austere design and handmade items.

Industrial design as we know it today did not make its appearance in Spain until the start of the 1960s, when

FOTOS: ALBERT FONT

Exposición Rojo sobre diseño español comisariada y diseñada por Luis Eslava en el showroom Geoffrey Drayton de Londres en 2007. Organizada por ICEX y Nani Marquina.

Exhibition Rojo on Spanish design curated and designed by Luis Eslava at the Geoffrey Drayton showroom In London, 2007. Organized by ICEX and Nani Marquina.

década, y cuya similitud con el diseño (y su crítica) es mucha; más de una vez Ferran Adrià ha afirmado que cocinar es en definitiva, diseñar alimentos. La arquitectura española también vive un momento dulce, y en el sector artístico mantiene una sólida tradición, donde despunta Miquel Barceló.

Respecto a la consolidación del diseño español, basten algunos datos objetivos, ya que existen estudios del DDI (Sociedad Estatal para el Diseño y la Innovación) que lo avalan sin género de dudas. En un informe elaborado en el 2001 se calculaba que el sector de servicios de diseño en España ocupaba a unas 4.240 empresas, entre estudios y autónomos, con un total de 20.000 profesionales dedicados al diseño en todas sus disciplinas, alcanzando los 819 millones de euros de facturación. Hoy es posible que estemos doblando estas cifras. También hay un estudio del 2009, del Observatorio del Diseño, creado por el FAD (Fomento de las Artes y el Diseño) titulado Realidades y oportunidades. El diseño y la empresa en Cataluña. En este estudio se afirma que, de 396 empresas entrevistadas, el 84 % utilizaba los servicios de diseño, ya fuese gráfico, industrial, espacial o de procesos, y lo valoraban de forma muy positiva, con una puntuación de un 7,5.

Y prácticamente la mitad tenían su propio servicio creativo interno. Cualquier empresa del país necesita del diseño, ya sea para modelar sus productos, para mejorar sus servicios o simplemente para renovar su imagen corporativa. Muebles, electrodomésticos, vehículos, prendas de vestir, textiles, complementos,

productos de consumo, alimentación, packaging,... todo cuanto nos rodea presenta un diseño peculiar, que sin duda influencia en los hábitos del comprador.

Y además puede mejorar su uso y, por tanto, disfrute.

He aquí la doble faceta del diseño, por un lado mercantil (al servicio de la empresa) y por otro funcional y estético (al servicio del usuario). Así es el diseño, una disciplina dúplice, con un pie en el mercado y otro en el arte y la creación.

El Año del Diseño, celebrado en el 2003, promocionado por el FAD (Fomento de las Artes Decorativas) y apoyado por el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Cataluña y el Ministerio de Industria del Estado Español, con más de 300 actividades en todo el país, marcó sin duda un hito en cuanto al reconocimiento oficial de la disciplina. Pero eso aconteció tras un largo y lento proceso de introducción de una profesión sin apenas tradición, concebida en los años 30 en el centro de europa y en Norteamérica, e iniciada tras la segunda guerra mundial.

NUESTRAS DÉBILES RAÍCES El diseño llegó a España muy tarde respecto a otros países europeos. En consonancia con una industrialización que también llegó tarde y ni siquiera alcanzó a todo su territorio. La lenta y desigual industrialización española arrancó en el País Vasco y Cataluña con casi un siglo de retraso respecto a Inglaterra. Será

precisamente en estas zonas y en Valencia, donde se van a necesitar modelos para la emergente industria productiva. Pero es un tipo de diseño primitivo, a menudo reproducciones de piezas artesanas, o burdas copias de productos extranjeros. No es hasta los años 30 del siglo xx cuando surgen los primeros diseños de mobiliario con voluntad de reproducción seriada.

Por un lado en Madrid con Rolaco-Mac y en Barcelona con el MIDVA, (Muebles y Decoración para la Vivienda Actual), promocionado por el grupo GATEPAC, la agrupación hispana de defensores del funcionalismo.

Es un movimiento seguidor y hermanado con otros grupos centroeuropeos, defensores de un cambio radical en la arquitectura, que a su vez conlleva el germen del concepto de diseño, un proyecto específico para los productos cotidianos y el mobiliario, que había sido conceptualizado por la Bauhaus.

La guerra civil española trunca este engarce internacional con los pioneros del diseño y los arquitectos racionalistas. Eso nos va a descolocar de la escena durante toda la dictadura. En la posguerra, España cae en una autarquía que no presta ninguna importancia a la formalización de los bienes urgentes que necesita.

Impera el producto copiado al que se añaden «algunas peoras»: materiales pobres, escasa calidad, modelos únicos… apenas hay espacio para algún diseño muy austero y para la artesanía.

Habrá que esperar hasta principios de los años 60 para asistir al verdadero nacimiento del diseño industrial

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FOTOS: MANUEL BLANCO

100 metros de banco, instalación efímera de uso público diseñada por El Último Grito. Producida por La Casa Encendida (Madrid, 2007) 100 metros de banco, temporary installation for public use. Designed by El Último Grito. Produced by La Casa Encendida (Madrid, 2007)

the economic development of the times fostered a certain diversity among the products on offer. Companies began to identify themselves through their products, and the first timid calls were heard from a group of architects for design to be accepted as a profession with an essential role in modern society. 1957 saw the creation of SEDI (Society for Industrial Design Studies) in Madrid, while in Barcelona, the Italian architect Gio Ponti encouraged a group of architects to found a professional association which would eventually become ADI-FAD, the Industrial Design Association of the Decorative Arts Association (today called The Art and Design Association). This was a major step forward in the establishment of our design sector, and especially so when the Delta Awards for Industrial Design were launched, which have now reached their 33rd edition. The first school of design, Elisava, was founded in 1960, closely followed by Eina and Massana.

The 1970s were the period when the first manufacturing companies appeared which were openly design-oriented, such as BD Ediciones de Diseño (today Barcelona Diseño), Disform or Mobles 114. They were imitations of successful European models, from Italy and Northern Europe, but they were operating in a very immature market in which design was not valued. They were businesses based on the enthusiasm of their founders, who were themselves designers, and who had decided to set up as manufacturers because of the lack of interest that companies showed in their daring products. In any case, the movement gradually expanded, accompanied by official bodies set up to promote the activity, such as

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BCD (Barcelona Design Centre). The new administration resulting from the first democratic elections of 1977 was keen to make up for 40 years of isolation and was made up of many enthusiasts.

The 1980s were the years that saw design flourish as a social phenomenon. The profession emerged from the confines of its area of application to make its debut in society, and attracted the attention of the media. This was the so-called boom period of Spanish design, and it was based on a blending of categories: fashion, graphic design, furniture and, in more artistic fields, comics, pop music and other creative forces that were thriving in the euphoria that the arrival of democracy had inspired. In Madrid, the breakthrough was associated with the upsurge of creativity that was popularly known as “la Movida”, while in Barcelona, the cultural agitation took place in the “designer bars”, and the whole movement was registered in the magazine “De Diseño”. This was the first Spanish magazine with general distribution to be entirely devoted to design. In Valencia, an iconoclastic group of designers formed under the name of La Nave (the Ship) and with IMPIVA (Institute of the Small and Medium Businesses of Valencia) embarked on a campaign to promote design.

There were a number of excesses committed during the decade. Everyone was a designer, of spaces, of ambiences, of shop windows…. There were many who took advantage of the lack of definition and regulation of the new profession to operate with scant professionalism. The media soon latched onto the ridicule that

the profession was attracting. A designer chair was one which had three legs and fell over. A designer lamp had to cost a fortune and blind the user. We should not forget that the 1980s saw the rise of the post-modern movement on the international stage. This was a reaction to rationalism which opened the floodgates for extravagant aesthetics of all types, marked by a profusion of colours, textures and references to the past. Another phenomenon of the times was a lexical mutation in which couturiers started to call themselves fashion designers, decorators became interior designers and draughtsmen became graphic designers.

The fashionable appeal of design was not limited to the Spanish press, and at the end of the 1980s it went international. A number of foreign magazines gave space to lengthy articles and reports covering the highly visual appeal of this new Spanish design, ranging from “Time” and “Paris Match” to fashion magazines such as “The Face” or “Actuel”, and specialized journals such as “Domus”, “Design”, “ID” or “Modo”. Journalists and experts came to Spain on the lookout for new talents, as though Spain was some kind of secluded game reserve, which had only just been opened to the outside world, and where its peculiar creative fauna was waiting to be discovered. They came to seek out talents and new trends, but also to explore a new market where design was almost unknown. We should remember that Spain officially joined the European Economic Community (an early form of today’s European Union) in 1986, and its market was undergoing radical change.

Exposición Mutaciones, del colectivo de diseñadores Surtido, realizado en Espai Motel (Barcelona, 2009) Mutaciones exhibition by the design collective Surtido, at the Espai Motel (Barcelona, 2009)

español. El desarrollismo económico del momento ya permite cierta diferenciación en los productos. Las empresas comienzan a identificarse por sus creaciones y, de forma local y tímida, un grupo de arquitectos comienza a reivindicar de nuevo el diseño como disciplina necesaria para la sociedad moderna. Así en Madrid nace en 1957 la SEDI (Sociedad de Estudios de Diseño Industrial), y en Barcelona ese mismo año, el arquitecto italiano Gio Ponti incentiva a un grupo de arquitectos a fundar una asociación de profesionales, que finalmente desembocará en el ADI-FAD, Asociación de Diseñadores Industriales del Fomento de las Artes Decorativas (hoy en día Fomento de las Artes y el Diseño), que podemos considerar el hito de arranque de nuestro diseño, con la creación de los Premios Delta de diseño industrial, que han llegado a su 33 edición.

También nace la primera escuela de diseño en 1960, Elisava, a la que seguirán Eina y Massana.

La década de los 70 supone la aparición de las primeras empresas productoras con mentalidad ligada al concepto de diseño, como BD Ediciones de Diseño (actualmente Barcelona Diseño), Disform o Mobles 114. Imitan a otras empresas europeas exitosas, italianas y nórdicas, pero se encuentran un mercado muy inmaduro e indiferente al diseño. Son empresas voluntaristas, donde los promotores son a su vez diseñadores, que al no encontrar empresas que se atrevan a fabricar sus arriesgadas propuestas, deciden constituirse en productores. De todas formas el movimiento se va extendiendo, nacen organismos

oficiales de promoción, como el BCD (Barcelona Centro de Diseño) y se va creando un fuerte caldo de cultivo en la Administración a partir de las elecciones democráticas de 1977, toca espabilar tras 40 años de aislamiento.

En los años 80 se vive el verdadero florecimiento social del diseño. Esta disciplina creativa salta de su ámbito profesional, para proyectarse en los medios de comunicación y presentarse en sociedad. Es el denominado boom del diseño español, muy basado en la mezcla de disciplinas: moda, diseño gráfico, mobiliario, y acompañado del arte, el cómic, la música pop, y otras facetas creativas del momento, que vivieron una euforia en el despertar democrático. La nueva España irrumpió asociada a una efervescencia creativa que en Madrid fue denominada «la Movida», y en Barcelona una agitación cultural ambientada en los bares llamados «de diseño», de todo ello daba cuenta precisamente la revista De Diseño, la primera revista española dedicada exclusivamente al diseño que llegó a los kioscos. En Valencia surge el iconoclasta grupo de diseñadores La Nave y el IMPIVA, (Instituto de la Mediana y Pequeña empresa de Valencia) emprende una pionera acción en pro del diseño.

Ciertamente se cometieron muchos excesos en esa década, todo el mundo era diseñador, de espacios, de ambientes, de escaparates,... y de forma poco profesional mucha gente ejerció una nueva disciplina que aún no estaba regulada ni definida. Los medios de

comunicación se hicieron eco de cierto cachondeo al respecto. Una silla de diseño era aquella de tres patas que se caía. Una lámpara de diseño debía ser cara y encima deslumbrar. Recordemos que la década de los 80 coincidió internacionalmente con el auge del movimiento posmoderno, contrapeso al racionalismo, que permitió excesos esteticistas de todo tipo y donde el colorido, las texturas y las referencias históricas estaban en pleno auge. En cualquier caso, lo cierto es que hubo una mutación léxica, los modistas empezaron a llamarse diseñadores de moda, los decoradores diseñadores de interiores, los grafistas diseñadores gráficos, etc.

Pero el diseño no sólo se puso de moda en la prensa nacional, sino que a finales de los 80 dio un salto internacional. Muchas revistas extranjeras de la época, desde Time o Paris Match a publicaciones de tendencias como The Face o Actuel, o bien especializadas, como Domus, Design, I.D. o Modo, dedicaron profusos reportajes al vistoso nuevo diseño español. Periodistas y expertos visitaban España a la búsqueda de nuevos talentos, como si España hubiese sido una gran reserva ignorada, a la que finalmente accedían, y allí descubrían su peculiar fauna creativa. Venían a buscar talento y nuevas tendencias, pero también a tantear un nuevo mercado virgen en diseño hasta la fecha. Recordemos que España entraba oficialmente en la Comunidad Económica Europea (predecesora de la actual Unión Europea) en 1986, el mercado iba a sufrir cambios radicales.

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Portada de la revista de diseño d[x]i fundada en Valencia en el año 2000.

Cover of the design magazine d[x]i founded in Valencia In 2000.

Cartel del Phoenix Design Festival 2009 de Hangzhou, China, donde tuvo lugar la Infatuation Exhibition con la participación del diseñador español Jordi Llopis Poster for the Phoenix Design Festival 2009 in Hangzhou, China, which hosted the Infatuation Exhibition in which the Spanish designer Jordi Llopis participated.

The 1990s were a transitional period in which the status of design became more rational, and studies in design were recognised as the equivalent of a university degree.

Design became a standard feature of production, formed the backbone of the marketing effort and set about an international expansion through exports. At the same time as Spanish companies were beginning to rally around the flag of design, SIDI (International Design Salon for the Home) came to occupy a prominent position as the promoter of this new style in trade fairs.

In 1991, the DDI, the most senior public institution for the promotion of design, was set up within the Ministry of Industry, Commerce and Tourism It was created in order to run the Plan for the Promotion of Industrial Design, and was the first sign that the government was determined to back the sector in an effort to overcome the country’s backwardness and to “encourage the consolidation and awareness abroad of the distinctive character of Spanish design.” It was allotted a budget of 15,000 million pesetas (92 million euros) between 1992 and 1995. At present it forms part of the Ministry of Science and Innovation and enjoys an annual budget of 26 million euros. It is responsible for the assignation of another 65 million euros in subsidies to more than 3,500 companies and projects. 1991 also was the year in which of Barcelona City Council’s Culture Department and the Department of Industry of the Generalitat joined forces to create the spring design festival, the Primavera del Diseño. This is a biennial event which has raised public awareness of the achievements within the sector and the debates

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that take place among its members. Similar events were organised in a number of other cities and communities.

The new talents of Madrid began to congregate around certain schools, galleries and stores. The magazines “Experimenta” and “Diseño Interior” appeared. In 1998, the Reina Sofia Museum organized a major retrospective exhibition dedicated to Industrial Design in Spain. The fact that the chairs, vehicles, domestic appliances and lamps were at last accepted in the museum gave them a seal of cultural and artistic respectability which New York’s MOMA had bestowed on design half a century earlier. The Museum of the Decorative Arts of Barcelona opened its doors to contemporary design with its first permanent collection of Spanish Design in 1995.

The start of the new millennium was also the point at which Spanish design entered a phase of globalisation. In 2005, SEACEX (Spanish Organization for Cultural Activities Abroad) took the exhibition “300% Spanish Design” to ten different cities on three continents. It was a collection of 100 chairs, 100 lamps and 100 posters designed in the last 100 years. Design was finally accepted alongside artistic talent as one of the recognised facets of Spanish identity and other countries expressed their surprise and admiration. The organisers of the Trade Fair of Madrid set up an event specifically dealing with design issues, called Casa Pasarela. Dimad, the Madrid Designers’ Association was set up in the same year, and it was responsible for running the Central de Diseño, a permanent exhibition space for design in the old slaughterhouse, and in 2008 it organised the first Spanish and American Design Biennial.

Other autonomous regions created their own design centres, such as CEDIR in La Rioja, CADI in Aragon, IDI in the Balearic Islands, and Surgenia in Andalusia. Design competitions sprang up all over, sponsored by companies, consortiums, trade fairs, magazines and public institutions. Design found an ally in marketing as applied by recognised executive training centres such as ESADE and later, IESE. A country that had been principally an importer of design was prepared for the first time to export its locally made products. ICEX, the Spanish Institute for Foreign Trade became increasingly aware that design and design-related industries were among the elements that could be promoted in foreign markets. Many of the larger brands began at this time to explore other markets, many of which had not been considered before: fashion, furniture, footwear, and ceramics. There were, however, certain designers, namely Tusquets, Mariscal or Liévore who were already collaborating with foreign companies who had sought them out for their talent.

All this activity comes together to make a mature and inescapable reality, one that, moreover, has capacity for growth and improvement in the future: design as a creative tool for innovation.

THE CREATIVE PROTAGONISTS The pioneers of design in Spain were closely associated with the conception of design as a rationalist activity, and included André Ricard and Miguel Milà. The role of design

Exposición 300% Spanish Design, comisariada por Juli Capella y organizada por Seacex.

Desde 2005 ha itinerado por Japón, Lisboa, Atenas, Shanghai (en la foto), Pekín, Fortaleza, Sao Paulo, Bogotá, SanJosé de Costa Rica, México DF y Toluca.

Exhibition 300% Spanish Design, curated by Juli Capella and organized by Seacex. Since 2005, the exhibition has travelled to Japan, Lisbon, Athens, Shanghai (in the photograph), Beijing, Sao Paulo, Bogotá, SanJosé de Costa Rica, Mexico City DF and Toluca.

Los 90 representaron el tránsito hacia la normalización en cuanto al diseño se refiere, se equipararon los estudios de diseño a nivel superior universitario; se afianzó la incorporación del diseño a la producción, se ordenó la comercialización, y se inició la fase de internacionalización y exportación. A su vez las empresas españolas comenzaron a organizarse bajo la bandera del diseño, el SIDI (Salón Internacional de Diseño de equipamiento para el Hábitat) nacido en 1984 se iba a consolidar como promotor de este nuevo estilo a nivel ferial.

En 1991 se creó el DDI, máxima institución estatal para la promoción del diseño, adscrita al Ministerio de Industria, Comercio y Turismo. Nació para poner en marcha el Plan de Promoción del Diseño Industrial, donde por primera vez el Gobierno apostaba decididamente por el diseño, consciente del grado de retraso del país y buscando «favorecer la consolidación y difusión exterior de un modelo diferenciado de diseño español».

Contó con un presupuesto de 15.000 millones de las antiguas pesetas (92 millones de euros) entre 1992 y 1995. En la actualidad, depende del Ministerio de Ciencia e Innovación y cuenta con un presupuesto anual de 26 millones de euros, y se encarga de repartir otros 65 en subvenciones a más de 3.500 empresas y proyectos. También en 1991, se creaba la Primavera del Diseño, una bienal organizada por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona y el Departamento de Industria de la Generalitat de Cataluña, que iba suponer la presentación social a los ciudadanos de los logros del sector y su debate abierto y crítico cada dos

años. Otras ciudades y comunidades fueron creando acontecimientos similares. También Madrid agrupa a nuevos valores en torno a las escuelas, galerías y tiendas. Surgen las revistas Experimenta y Diseño Interior.

El Museo Reina Sofía por fin hace una gran retrospectiva sobre el diseño Industrial en España en 1998 que da rango cultural y artístico a esta disciplina, las sillas, los vehículos, los electrodomésticos, las lámparas, entran finalmente en el museo, como ya lo hiciesen medio siglo antes en el MOMA de Nueva York. El Museo de Artes Decorativas de Barcelona abre las puertas al diseño contemporáneo, con la primera colección permanente de diseño español en 1995.

La entrada en el nuevo milenio supone la fase de globalización del diseño español. En el 2005 la SEACEX (Sociedad Española para la Acción Cultural en el Extranjero) pasea por diez ciudades de tres continentes la muestra 300 % Spanish Design que reúne 100 sillas, 100 lámparas y 100 carteles de los últimos cien años. El diseño es por fin incorporado como uno de los rasgos identitarios españoles, en paralelo al arte, y se recibe con sorpresa y alabanzas en el extranjero. También se crea el certamen Casa Pasarela, orientado específicamente al diseño, dentro de la Feria de Madrid. Ese mismo año se crea Dimad, Asociación de Diseñadores de Madrid, que a su vez gestiona la Central de Diseño, un espacio dedicado permanentemente al diseño en el Matadero que en el 2008 organiza la Primera Bienal Iberoamericana de Diseño. Otras autonomías crean centros de diseño, como el CEDIR en la Rioja,

el CADI en Aragón, el IDI en Baleares, o Surgenia en Andalucía. Y proliferan los concursos de diseño por doquier, de empresas, consorcios, ferias, revistas, instituciones… El marketing comienza a funcionar como aliado del diseño, desde reputados centros formativos empresariales como ESADE y más tarde IESE. Un país principalmente importador de diseño, iba por primera vez a exportar sus productos generados localmente.

En ese sentido el ICEX, Instituto Español de Comercio Exterior, comenzó a considerar las industrias relacionadas con el diseño y el propio diseño como uno de los elementos a promocionar en los mercados extranjeros. De hecho muchas marcas comenzaron en este periodo a indagar mercados ajenos, que nunca habían explorado: moda, mobiliario, calzado, cerámica, … Sin embargo, sí es cierto que algunos diseñadores, como Tusquets, Mariscal o Liévore, ya estaban colaborando con compañías extranjeras que habían requerido su talento.

Todo este panorama conforma una realidad madura e irrefutable, que además tiene perspectivas de expansión y mejora: el diseño como herramienta creativa para la innovación.

LOS PROTAGONISTAS CREADORES Los pioneros del diseño nacional fueron gente muy ligada a la concepción racionalista del diseño, como André Ricard o Miguel Milá. El diseño debía resolver

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FOTO: XAVIER PADRÓS

Exposición Tradición Artesania y Diseño «Objetos con denominación de Origen», diseñada por Gerard Moliné dentro del programa La Incubadora del FAD. Cripta del FAD (Barcelona, 2008) Exhibition Tradición Artesania y Diseño «Objetos con denominación de Origen» [Tradition, Craftsmanship and Design “Objects with a certificate of origin”], designed by Gerard Moliné as part of the FAD’s ‘Incubator’ programme.

The Crypt at FAD (Barcelona, 2008)

was to enable the object to perform the function which it had been created for with maximum clarity and minimum fuss. Later figures such as Oscar Tusquets or Carlos Riart would break with this monolithic approach, producing objects that were more lyrical and less restrained in which aesthetic and symbolic values acquired greater relevance. There was not one sole form for each function as the school of Ulm had proclaimed. The following generation, which included Jorge Pensi, Josep Lluscà, Gabriel Teixidor and Alberto Liévore, produced a range of pieces which combined beauty with function, earning praise from critics and acceptance from the market. Many of their better-known products have gone on to become landmarks in Spanish design. Characters such as that of Javier Mariscal would champion greater freedom and eccentricity over the course of his career.

The economic crisis of 1993 came along just as the hangover of the Barcelona Olympics and the Expo of Seville set in. The descent from the glories of the preceding year set the mood for a more conservative period that would see the new century in. The companies continued to produce, but the pieces began to show symptoms of a certain repetition, playing cautious but safe. There was little experimentation or creative input, and the market soon tired of lacklustre pieces that aimed at no more than commercial acceptance. Designers were no longer offering daring pieces as they had in the previous decade, but their technical qualities and ease of production were improved. Design companies were maturing, and gradually came around to the idea that design was a

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powerful ally, not a pointless waste. It was an investment in their future. Nor could it be dismissed as a passing fad, it was part and parcel of any productive activity.

Design had established itself and it was here to stay, and its status as an essential component was guaranteed in an economy like that of Spain. There was no surplus of raw materials, no cheap labour, and little in the way of advanced technology. Only design, meaning the intelligent combination of form and function, could offer Spanish industry an edge with which to compete against the enormous productivity of more developed countries.

THE GENERATION OF THE 21ST CENTURY The ascendancy of commercial interests at the end of the nineties gave way to the current crop of young designers who are both more experimental and removed from the manufacturing sector. They want to underline their differences with the previous generation and seek openings. They have studied in design schools, and are not trained as architects nor have they drifted over from the fine arts or other disciplines. They were trained in the specialist centres set up in the 1960s and 1970s which have over the years developed powerful courses. It should not be forgotten that the designers of the 20th century were usually architects or had picked their skills up by themselves.

Many of these designers have completed their studies abroad, possibly in the Domus Academy of Milan, the

Royal College of Arts in London or Fabrica, in Treviso.

They have outgrown the limits of Spain and it is more and more common to find Spanish students abroad.

There is more mobility than ever before. This generation speaks English and is not put off by the idea of moving around in order to complete its training. It is also aware that the first division of creativity does not play in Spain.

One should have no misgivings about going abroad to learn, and maybe to stay. They know that design in Spain is still fraught with uncertainties.

Barcelona has established itself as the traditional capital of Spanish design, but the new generations of designers can come from any part of the country. Valencia has emerged as a significant alternative, probably due to the support of its important Furniture Fair, the third largest in Europe, and the NUDE salon which is a showcase for the most experimental fringes of design. There are also institutions such as IMPIVA and the Cardinal Herrera University CEU and an innovative magazine “D(x)i”. Madrid has also proved itself a seedbed of talent with the support of the European Design Institute which founded its Barcelona campus in 2002.

THE FEATURES OF NEW DESIGN The new Spanish design of the 21st century possesses a number of identifying features, but there is no overall unity as there was with the functionalist pioneers of the 1960s or the organic boom of the 1980s. Not only are there no

FOTO: MARCOS SORIA

El Salón Nude de la feria de Valencia acoge anualmente las propuestas de los diseñadores más jóvenes desde el año 2002.

The Nude Salón at the Valencia Trade Fair is an annual event held since 2002 that displays the work of the youngest designers.

con claridad y sin artificios la función para la cual habían sido creados los objetos. Posteriormente personajes como Oscar Tusquets o Carlos Riart, rompieron ese monolitismo generando piezas más poéticas y libres, donde los valores estéticos y simbólicos también tenían su relevancia. No existía una única forma para una única función, como pretendía la escuela de Ulm. La generación posterior, con Jorge Pensi, Josep LLuscà, Gabriel Teixidor o Alberto Liévore, lograron un repertorio de piezas de gran belleza y funcionalidad, ganándose plenamente el favor de la crítica, pero también del mercado. Muchas de sus emblemáticas piezas han alcanzado el lugar de hitos del diseño hispano. Un personaje como Javier Mariscal iba a reivindicar una mayor libertad y locura en su personal trayectoria.

La crisis económica del 93 se sumó a la resaca de las Olimpiadas de Barcelona y la Expo de Sevilla, momento glorioso de la nueva España, y dio paso hacia el cambio de siglo, a un periodo más conservador. Las empresas siguieron adelante, pero las piezas comenzaron a caer en un cierto estilo repetitivo, contenido pero seguro. Nada de experimentos ni alardes creativos, sólo piezas presuntamente comerciales, pero que, carentes de alma innovadora, caían pronto del mercado. Los diseñadores no ofrecían piezas atrevidas como en la década anterior, pero mejoraba su calidad técnica y facilidad constructiva. Las empresas estaban madurando y empezaban a asumir que el diseño era un gran aliado, no un gasto inútil, sino una inversión de futuro. No una coyuntura pasajera, sino algo consus-

tancial a cualquier actividad productiva. El diseño había llegado para quedarse, no era ya una moda, sino una herramienta necesaria, sobre todo para un país como España: sin materias primas excedentes, sin mano de obra barata, sin alta tecnología disponible, sólo el diseño, es decir el ingenio formal y funcional, podían ayudar a diferenciar a las empresas españolas frente a la enorme competencia de países más desarrollados.

LA GENERACIÓN DEL SIGLO XXI La preeminencia comercial de fin de los años 90, da paso a una generación actual de diseñadores jóvenes más experimentales y alejados del ámbito productivo. Quieren diferenciarse de la generación anterior y buscan un hueco. Han estudiado en las diferentes escuelas de diseño, no son arquitectos ni proceden de artes plásticas u otras carreras, sino gente formada en los centros especializados creados en los años 60 y 70, que empiezan a tener un corpus educativo potente. Recordemos que los diseñadores del siglo xx fueron preferentemente arquitectos o autodidactas de formación.

Además muchos de estos jóvenes diseñadores han completado su formación en el extranjero, tal vez en la Domus Academy de Milán, el Royal College of Arts en Londres o en Fabrica, en Treviso. España se les ha quedado pequeña y empieza a ser habitual completar los estudios fuera del país. Hay más movilidad, es

una generación que habla inglés y a la que no le da pereza desplazarse para mejorar su formación, son conscientes de que la primera división creativa no se juega precisamente en España. Hay que salir afuera sin complejos para aprender, pero incluso para quedarse. Son conscientes de que el diseño en España aún cojea.

El origen geográfico de estos diseñadores ya no es preponderantemente barcelonés, ciudad que había ostentado tradicionalmente la capitalidad del diseño español. Ahora surge con fuerza una gran cantera en Valencia, seguramente apoyada por su potente Feria del Mueble, la tercera más grande de Europa, y su salón NUDE, dedicado en exclusiva al diseño más experimental, o por entidades como el IMPIVA, y sin duda por la Universidad Cardenal Herrera CEU o la innovadora revista D(x)i. También Madrid ofrece un buen caldo de cultivo, apoyado por el Instituto Europeo de Design, que funda su segunda sede en Barcelona en el 2002.

RASGOS DEL DISEÑO DE VANGUARDIA El nuevo diseño español que arranca en el siglo xxi, tiene una serie de rasgos que lo califican, pero de entrada no hay una unidad relevante, como sucedió entre los pioneros funcionalistas de los 60, o con el boom organicista de los 80. Ya no hay escuelas, ni tendencias claras y homogéneas, ni siquiera dos corrientes contrapuestas. Hay más variedad, pocos quieren

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Exposición Laboratorio de Diseño del Injuve (organismo público para la promoción de la juventud española), comisariada por Marcelo Leslabay, en la Sala Amadís (Madrid, 2008) Exhibition Laboratorio de Diseño [Design Laboratory] of Injuve (public body for the promotion of works by young Spaniards), curated by Marcelo Leslabay, in the Sala Amadís (Madrid, 2008)

schools or obvious homogeneous tendencies, there is not even a clash of conflicting styles. There are few that desire to belong to any particular movement, and most prefer to make their own way. There are no common features which can serve to categorize them.

Individuality Each designer has his or her style, or at least a personal way of working. Nobody wants to belong to a movement or identifiable style. Each lives in his or her own world, however, this does not prevent them from working with like-minded colleagues or even sharing studio space, as is customary. Even so, the majority of them work independently of any style.

Ecodesign Another distinguishing feature of new designers is their awareness of environmental issues. Their forays into ecodesign are neither intellectual posturing nor acts of militancy, but part of a natural, logical and coherent attitude. This generation has grown up with the emergence of green culture. Many started out by doing work related with recycling, whether taking advantage of old furniture or rubbish, or giving it a new lease of life.

Conceptualisation It is not about designing objects, but coming up with new concepts, often theoretical challenges with no practical application. The project is an intellectual proposition which is valuable for its own sake. It is a way of attracting attention to a subject by proposing an abstract solution.

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Experimentation There is an obvious tendency towards experimentation. It is not a question of making small aesthetic modifications to existing products but provoking small scale revolutions.

Laboratory experiments are therefore the starting point, the creative technique and sometimes the end in itself.

Intersections The frontiers that separated disciplines in the 20th have faded and blurred. Graphic design, industrial design and interior design are no longer wholly separate entities; every designer is able to interact with any other specialization.

Fashion, jewellery, craftsmanship, audio-visuals, architecture, engineering…everything interrelates promiscuously with design.

Process Design is not just the result of a process. The process is not something that has to be concealed, but an element that can become an end in itself. The pathway is part of the project, which comes to an end, but not a final conclusion. What is important is not the finished product but the incidents on the way.

Irony and humour Spanish design has taken itself quite seriously. There was a timid aperture in this façade for a few years when the Disueño competition and the Transatlantic group were active, and figures such as Mariscal are a perpetual source of amusement. This new generation has shown a decided affinity for a playful approach to its objects. Many

pieces are meant to appeal to the intelligence of the spectator, or to the playful side of the user. Not only in terms of their forms, but also their names and format. They are sometimes also a form of protest.

The frontier with art Design and fine art have begun to cross over into each other’s territory. There is a broad frontier between the disciplines which is under siege from both sides. A number of designers have exhibitions in art galleries at the same time as they produce works. They occasionally create more poetic objects that are freer from the constraints of function, but which have an influence on later products.

Artists have also taken to exploring the world of design, often presenting design-related objects, interiors or graphic works, which may even be intended for the market.

New uses Ordinary life sees many changes every day, and our new habits and customs are being constantly evaluated to create pieces for imminent use. It is not enough to produce a new form of an old product, such as a chair, but to find new products that may become essential in the new environment, such as USB memories for computers, covers for mobile phones. The new designers want to be the first to come up with the designs that satisfy the demands that our evolving lifestyles create.

Cosmopolitan This generation is more receptive, has travelled more and thinks internationally, refusing to limit itself to the demands

Exposición Spain Playtime, fresh air in Spanish Design, comisariada y diseñada por Emiliana Design Studio, y organizada por el ICEX en Tokio y en el Fuori Salone de Milán (2008).

Exhibition Spain Playtime, fresh air in Spanish Design, curated and designed by Emiliana Design Studio, and organized by ICEX in Tokyo and In the Fuori Salone of Milan (2008).

pertenecer a un estilo determinado, cada uno prefiere encontrar su propio camino. No hay rasgos comunes donde englobarlos a todos.

Individualidad Cada autor tiene su estilo, o cuando menos su forma particular y propia de hacer. No quieren pertenecer a tendencias ni a grupos estilísticos. Cada uno tiene su mundo propio. Eso no significa que no puedan colaborar con otros colegas afines, incluso, como es habitual, que compartan estudio. Pero prioritariamente trabajan desde la independencia estilística.

Ecodiseño Otro de los rasgos principales de los nuevos diseñadores es la sensibilidad hacia los temas medioambientales. Su acercamientos hacia el ecodiseño no es una postura intelectual, tampoco un acto de militancia, sino más bien una actitud natural, lógica e integral.

Son una generación nacida al calor de la cultura verde.

Muchos han iniciado sus trabajos desde el territorio del reciclaje, aprovechando muebles viejos o basura, y dándole nueva vida.

Conceptualización No se trata de diseñar objetos, sino de crear nuevos conceptos, muchas veces retos teóricos, sin aplicación práctica. El proyecto es una propuesta intelectual que tiene valor en sí mismo. Se trata de llamar la atención sobre algún tema proponiendo una solución abstracta.

Experimentación Existe una clara tendencia a la experimentación. No se trata de hacer cambios estéticos a los productos habituales, sino de provocar pequeñas revoluciones.

El experimento en el laboratorio es, por tanto, el punto de partida, es el sistema creativo y a veces el fin en sí mismo.

Cruces Las fronteras entre las disciplinas del siglo xx se desvanecen y entrecruzan. Ya no hay cajones estancos con diseño gráfico, diseño industrial, diseño de interiores,… cada autor es capaz de interactuar en cualquier especialidad. La moda, la joyería, la artesanía, el audiovisual, arquitectura, ingeniería… todo se interrelaciona promiscuamente con el diseño.

Proceso El diseño no es tan sólo un resultado. No sólo no hay que ocultar el proceso, sino que éste se convierte en sí mismo en un fin. El camino es ya parte del proyecto, donde habrá un final, pero no una única conclusión. El producto final no es lo relevante sino el azaroso camino.

Ironía y humor El diseño español ha sido tradicionalmente bastante serio. Apenas hubo un tímido paréntesis durante pocos años en la convocatoria Disueño, el grupo Transatlàntic o gente permanentemente divertida, como Mariscal.

Sin embargo esta nueva generación sí ha apostado claramente por jugar con los objetos. Muchas piezas son

un guiño a la inteligencia del espectador, o un juego con el usuario. No sólo las formas, sino sus nombres y presentaciones. También a menudo una denuncia.

La frontera con el arte El diseño se adentra en el mundo del arte. Y viceversa.

Un amplio territorio fronterizo es asaltado indistintamente por artistas o diseñadores. Muchos diseñadores exponen en galerías de arte, en paralelo a su producción más seriada. Elaboran de vez en cuando objetos más poéticos, más libres, sin cordón umbilical con la función, pero que retroalimentan posteriormente sus productos. También los artistas plásticos exploran en el mundo del diseño, a menudo presentando creaciones volumétricas, objetuales, interiores o graficas, relacionadas con el diseño e incluso dirigidas finalmente al mercado.

Nuevos usos La vida cotidiana cambia día a día. Sus propuestas investigan los nuevos hábitos del momento y crean piezas para usos incipientes. No se trata de hacer otro producto, la enésima silla, sino de encontrar nuevos productos que puedan ser necesarios en los nuevos escenarios, por ejemplo un USB para el ordenador, una funda de móvil. Quieren ser los primeros en descubrir diseños que aporten soluciones a las nuevas necesidades de nuevas formas de vida.

Cosmopolita Ya no se piensa únicamente en el mercado español.

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Exposición Living Spain, comisariada y diseñada por Marcelo Leslabay y organizada por el AECID en 2006. En itinerancia: Bienale Internationale Design Saint-Étienne 2006, Copenhague, Palermo Design Week, Lujbiana, Tallin, Sarajevo, Belgrado, Helsinki, Montevideo, Asunción, São Paulo…

Exhibition Living Spain, curated and designed

by Marcelo Leslabay and organized by AECID in 2006. Travelling to: the Bienale Internationale Design Saint-Étienne 2006, Copenhagen, Palermo Design Week, Ljubjana, Tallin, Sarajevo, Belgrade, Helsinki, Montevideo, Asunción, São Paulo…

of the Spanish market. Although they may work on a local scale and make use of traditional elements, their outlook is global. This is one difference that lends them a territorial advantage. Many of them have studied abroad or spent long periods in other countries, sometimes even deciding to live and work there permanently.

The Internet generation Another of their defining characteristics is their use of the internet. They have grown up at the same time as it has, and they are adept at using it to find information for their work, to communicate and to organize themselves. But if there is one area which they excel at, it is that of selfpromotion, using the web as a curriculum vitae carefully calculated to seduce. Many designers have their own website, even before any of their designs are produced.

User, not a client They design with a new kind of active, collaborative end-user in mind. Some of their designs are for unique pieces which are meant to be finished by the user.

They do not aim to attract consumers for their works, but a kind of accomplice who will be able and willing to customise or finish the product. It is one way to avoid simple consumerism by attracting a clientele that desires a greater degree of participation.

Do-it-yourself Faced with the reluctance of companies to produce their early, and often risky, pieces, many start out in the market by producing their own works. They usually

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take the form of limited editions that are sold within a small circle or through the internet.

Social conscience Some designers have clear ideas about the social implications of their profession. They do not work in a vacuum, but show a critical awareness of their relations with the capitalist system of consumption, which they also work for. They are not political activists, and generally steer clear of politics, but their projects often express concern or condemnation of this system, or an affinity with alternative systems.

Competitions and grants They are skilled at applying for public subsidies and grants, and entering competitions, whether locally, nationally or internationally. They make use of every available platform to obtain resources and continue their work, to put it on display, broadcast it and add to their CV. Obviously, the points mentioned above do not constitute any kind of strict, exclusive classification. They are simply aspects that these designers share in different degrees, and which may feature in their professional development as they adopt some, combine others and abandon them, only to take them up again. They do, however, distinguish them from previous generations. The key question is whether these traits are exclusive to Spanish design. They are definitely not. Most of the young creative entrepreneurs across the globe share a number of these characteristics.

In Spain, however, there does seem to be a formula, a

special combination of these factors. Whenever we ask about how we are seen abroad, the answers reflect a number of clichés: daring, organic shapes, use of colour without restraint, simple yet ingenious pieces or overelaborate, folksy pieces with a sense of humour. There is broad agreement above all in the last description, and we are attributed with a refreshingly entertaining style which is regarded as latin and mediterranean. The influence of Spain’s rich artistic legacy also makes itself felt, and many see traces of Picasso, Dalí and Miró in our works. Gaudí is also present in the freedom of gesture and naturalism which usually accompanies our works.

The new generation have been influenced above all by the most recent experiences of the avant-garde towards the end of the 20th century, but also by the post-modern rupture of the 1980s. They owe a debt to a great many “isms”, such as Neo-brutalism, minimalism, bolidism, low-tech, Neo-baroque. They have all studied the inexhaustible experimentation of Milan and the recent revolution in the Netherlands with the Droog Design movement. The different editions of Droog Design were engineered in Holland although they were presented to the world in Milan, and they have been the showcase for the most radical experimental design of recent times. They have invited collaborations from designers all over the world, and some of the Spanish designers in this book have exhibited there.

The Furniture Fair is probably the most outstanding element of the Milan platform, being the most important in

Portada de la revista ID diseñada por Mariscal.

Cover of ID magazine designed by Mariscal.

Cartel de la exposición Sueños de un grifo, comisariada y diseñada por Héctor Serrano y Javier Esteban, y organizada por el Círculo de Bellas y la Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2009).

Poster for the exhibition Sueños de un grifo,[Dreams of a tap] curated and designed by Héctor Serrano and Javier Esteban, and organized by the Círculo de Bellas Artes and the Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2009).

Es una generación muy abierta, viajera, internacional.

Por tanto sus propuestas suelen tener un enfoque global, aunque a menudo proyecten temas locales o recreen motivos tradicionales. Esa es su diferencia y ventaja territorial. Muchos han estudiado fuera o han decidido pasar temporadas en el extranjero. Incluso deciden establecerse de forma permanente fuera de nuestras fronteras.

Generación Internet Otro de sus rasgos definitorios es su carácter internauta, el haber crecido en plena eclosión de Internet, herramienta que han sabido usar hábilmente, tanto para informarse ampliamente, como para comunicarse y agruparse. Pero sobre todo para promocionarse, la web es un currículo ambulante meticulosamente estudiado para seducir. Muchos tienen web, incluso antes que diseños producidos.

Usuario, no cliente Sus diseños se enfocan hacia un nuevo comprador activo y colaborativo. Muchos de sus diseños son piezas únicas que deber ser acabadas por el usuario. Ya no se trata de conseguir consumidores de sus creaciones, sino en cierta medida cómplices, que sepan acabar el producto, o personalizarlo. De esta forma se bandea el consumismo buscando un universo clientelar más participativo.

Autoproducción Al no encontrar empresas productoras que quieran

editar sus primeras y a menudo arriesgadas propuestas, suelen comenzar autoeditando sus piezas. Son pequeñas series que se venden en un circuito reducido o por Internet.

Conciencia social Algunos diseñadores tienen clara la implicación social de su profesión. No ejercen un trabajo aséptico, sino con claras interrelaciones críticas con el sistema de consumo capitalista, al que finalmente sirven. No son activistas políticos, más bien huyen de la política, pero a veces expresan con sus proyectos la denuncia social del sistema. Muestran un carácter alternativo y de denuncia.

emprendedores creativos de cualquier rincón del planeta. Pero en España se dan en una combinación determinada y especial. La fórmula sí es propia. Cuando preguntamos cómo nos ven desde afuera, las respuestas coinciden con los tópicos: formas atrevidas y orgánicas, apuesta por el colorido sin vergüenza, piezas simples e ingeniosas, o bien recargadas y folclóricas, y sentido del humor. En esto último coinciden ampliamente, en adjudicarnos un refrescante estilo simpático, que adjetivan de latino y mediterráneo.

También es patente la influencia de la riquísima tradición artística española, y muchos ven en nosotros resquicios picasianos, dalinianos, y mironianos. Y sin duda gaudinianos, toda una tradición gestual libre y naturalista que nos acompaña habitualmente.

Concursos y becas Se han vuelto profesionales de las ayudas oficiales, de los concursos, de las becas. Locales, nacionales o internacionales. Utilizan todas las plataformas posibles para obtener recursos y poder seguir su producción.

También poder mostrarla y difundirla, y crear currículo.

Lógicamente los puntos anteriores no pretenden ofrecer una clasificación ni estricta ni excluyente. Son rasgos que se entremezclan, que predominan de forma cambiante en su trayectoria, que se solapan, abandonan, retoman,… Pero sí los distinguen de generaciones anteriores de diseñadores españoles. Y la pregunta clave, ¿son estos rasgos identificativos del diseño español en exclusiva? Ciertamente no. Muchos son compartidos por buena parte de los jóvenes

Los referentes de esta nueva generación, han sido las experiencias vanguardistas más recientes, de fin de siglo xx. Pero que a su vez son herederas de la ruptura posmoderna de los 80. Son deudoras de muchos «ismos». Como el neobrutalsimo, el minimalismo, el bolidismo, el low-tech, el neobarroco,… Todos han mamado de la inagotable experimentación milanesa, y de la reciente revolución holandesa, encabezada por el movimiento Droog Design. Las diversas ediciones de Droog Design, capitaneadas desde Holanda, pero presentadas al mundo desde Milán, han sido el escaparate reciente del diseño más rompedor y experimental, y han contado con la colaboración de diseñadores invitados de todo el mundo, entre ellos varios españoles presentes en este libro.

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FOTOS: JORDI ADRIÀ

Exposición Spain Emotion, comisariada y diseñada por Héctor Serrano. Organizada por el ICEX, esta exposición mostraba más de 50 productos de diseño español durante la Tokio Designer’s Week 2008.

Exhibition Spain Emotion, curated and designed by Hector Serrano. Organized by ICEX, the exhibition displayed over 50 products of Spanish design during Tokyo Designer´s Week 2008.

the world. One of its internal activities is the Salone Satellite, which highlights new non-commercial talents, and is an annual cascade of stimulating ideas. Even so, the most outstanding element of the Milan show is the “off salone”, a fringe activity with hundreds of parallel activities that flood the city during the fair. It has created an avant-garde underground movement which is now attracting mainstream attention. Every one of our designers has experienced this phenomenon, whether as keen observers or notable protagonists, such as Jaime Hayón or Patricia Urquiola.

The first concern of any contemporary designer is to be noticed, to present projects capable of attracting maximum media attention, which makes it easier to achieve the creation and production of the pieces. Companies and brands are always in need of an infusion of fresh talent. Any new products to be launched must be capable of attracting attention and, if there is a niche for them, they can become commercially viable, albeit with a few modifications. If not, however, they will at least have publicised the brand and graced the covers of a few magazines.

Many companies employ a double strategy: groundbreaking products to attract the media (the way to reach the decision maker), and conventional mass-produced pieces which are the ones that are finally sold.

Designers do exactly the same. First they attract the investor’s attention, and then they get a commission.

In fact, several young Spanish designers who identified themselves with more experimental postures in their

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beginnings later took pains to offer another more formal and reasonable image more acceptable to the demands of the market. It is simply impossible to survive in Spain if one dedicates oneself to experimentation, and after years of effort and willpower most have no choice but to abandon uncompromising positions and conform to the demands of the market. Even so, there is always a determination to elevate the creative level of the firms that offer them employment. There is a fine balancing act that requires that the risky, innovative side of the proposal be offset by commercial appeal. It has to satisfy the businessman and be a source of royalties for the designer so that he can pursue his career. There is nothing new here. The energy and radical postures of the avant-garde cool down with the passage of time and financial pressure. A few, however, hold out in their immaculate ivory towers. Their work, however, is destined to be seen in art galleries rather than in stores. The unluckier or more impatient ones finally throw in the towel.

The schools of design in Spain turn out approximately 500 graduates every year, and it is clear that the many of these will not be able to find a place in the profession.

Instead of confronting the previous generations of designers, the new generations have generally preferred to simply avoid them. There is little contact, and while there is a certain amount of respect, there is also an awareness that this is their moment and that they have to stake out their territory. There is a general feeling that the previous generation can serve as examples but not as teachers, and they have not been supportive or en-

couraging. The new professionals are conscious that their training has been more complete, and are convinced, as young generations often are, that the future is theirs. This future is still uncertain, and began with the euphoria of the new millennium only to plummet alarmingly in the crisis of 2008, just when many were readying themselves for their great leap forwards.

In the final analysis, the story is always the same. A new generation, armed with naivety and bravery, explode onto the scene in a welter of criticism and alternatives.

A new generation of groundbreaking talents that will eventually get swallowed up by the industry, but only after stimulating improvements which the users will benefit from. But in the end, this is one of design’s goals: it is not just about business, important though that is, nor is it just about aesthetic creativity, which also counts for something. It is also a way towards making the world a better place, making it possible for society to get more out of the material culture in which it lives. And this is precisely what an emerging group of creative Spaniards have done with their immense talent in this crucial stage in their careers. People like those featured in this book and fortunately a great many more. We can be confident in affirming that Spanish design has never had it better than at the moment, despite what the naysayers and nostalgic pessimists might think. Admittedly, it is not our traditional Spanish design, but a freer, more varied and spontaneous version. The design of the 21st century is in their hands, and above all in their heads.

They are the brave ones!

Inauguración del Año del Diseño 2003 en Barcelona. Este evento, organizado por el FAD en la conmemoración de su centenario, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Cataluña y el Gobierno de España, congregó múltiples actividades que tenían como objeto la difusión y promoción del diseño español.

Inauguration of Design Year 2003 in Barcelona.

This event was organized by FAD as part of the celebrations of its centenary year, Barcelona City Council, the Generalitat of Catalonia and the Spanish Government and brought together many activities aimed at the promotion and support of Spanish design.

De la plataforma milanesa destaca la Feria del Mueble, la más importante del mundo y una de sus actividades internas, el Salone Satellite, dedicado a nuevos valores no comerciales, una auténtica cascada anual de ingenio refrescante. Pero sobre todo, de la cita anual milanesa destaca el denominado «off salone», cientos de manifestaciones paralelas a la feria, que atiborran la ciudad durante su celebración. Se ha ido creando un submundo vanguardista, que ahora está saltando a la palestra. Todos nuestros diseñadores han pasado por esta experiencia, sea como fervientes espectadores visitantes o también como conspicuos protagonistas, como Jaime Hayón o Patricia Urquiola.

El primer objetivo de todo diseñador contemporáneo, es hacerse notar, presentar proyectos de gran atracción mediática que posteriormente sirvan de llave de paso para acceder a su materialización y producción. Las empresas y marcas necesitan constantemente una ración de savia fresca. Para lanzar nuevos productos, éstos deben ser llamativos, y si encajan en el mercado, con ciertas modificaciones, llegarán a convertirse en piezas comerciales. Si no, al menos han cubierto las portadas de las revistas y han difundido su marca. Muchas empresas desarrollan una doble estrategia: productos rompedores y mediáticos (con los que consiguen llegar al prescriptor), y piezas más convencionales y masivas, que son las que finalmente acaban comprándole.

Los diseñadores hacen lo mismo, llamar la atención del empresario, para finalmente conseguir un encargo.

De hecho, algunos de los jóvenes valores españoles que han jugado la baza experimental como rasgo definitorio, al cabo de los años, se apresuran a ofrecer otra imagen, mucho más razonable y formal, adaptada a las necesidades del mercado. En España, es imposible vivir del diseño experimental, y tras años de ingente esfuerzo y voluntarismo, no les queda más remedio que rebajar ciertos postulados maximalistas y adaptarse a la lógica empresarial, eso sí, siempre con la intención de elevar el nivel creativo de las diversas firmas que confían en ellos. Se trata de lograr un equilibrio entre la innovación y el riesgo de la nueva propuesta, y su aceptación y por tanto comercialidad del producto.

Que satisfaga al empresario y provea de royalties al diseñador para seguir adelante con su carrera. Nada nuevo bajo el sol, las fogosas y radicales vanguardias, van apaciguándose con el paso del tiempo y la presión crematística. Aunque otros pocos, resisten numantinamente en la impoluta torre conceptual. Su destino final será más las galerías de arte que las tiendas. Los menos afortunados o pacientes, tirarán finalmente la toalla. Está claro que de los aproximadamente 500 estudiantes de diseño industrial que generan las escuelas españolas cada año, sólo unos pocos acabarán ejerciendo este oficio.

Los nuevos diseñadores españoles, más que enfrentarse con las generaciones anteriores, las han obviado.

Hay muy poco contacto en general. Por un lado existe un respeto, pero por otro son muy conscientes de que ha llegado su turno y empujan buscando su hueco. No

se han sentido muy arropados por los mayores, han sido un ejemplo, pero no maestros que les hayan acogido y echado una mano. Ahora son conscientes de su mayor capacitación profesional, y están convencidos, como corresponde al espíritu joven, de que el futuro es suyo. Un futuro incierto, que comenzó con euforia en el cambio de siglo, pero que se abatió drásticamente con la crisis global del 2008, cuando muchos estaban a punto de dar un paso adelante.

Al final siempre sucede lo mismo: una nueva generación más joven, ingenua y osada, irrumpirá en el panorama para analizarlo críticamente y proponer alternativas. Una nueva vanguardia, que volverá a ser engullida por el sistema, pero a la vez habrá aportado mejoras para el usuario. Porque de eso va el diseño en última instancia, no de generar más negocio, que también; no de generar nuevas estéticas creativas, que también; sino de proporcionar los medios para configurar un mundo mejor, para que la sociedad disfrute más de la cultura material que la envuelve.

Y en eso anda un grupo de creativos españoles con grandísimo talento que vive un momento crucial y emergente. Gente como los que ocupan este libro y afortunadamente un largo etcétera. Podemos afirmar que el diseño español nunca había alcanzado un mejor nivel que en este momento. Aunque pese a cenizos y pesimistas nostálgicos. Eso sí, ya no es un diseño patrio tradicional, sino otro más libre, variado y francotirador. El diseño del siglo xxi está en sus manos. Y sobre todo sus cabezas. ¡Son bravos!

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多C坦mo ves el dise単o espa単ol actual?

WHAT IS YOUR VIEW OF CURRENT SPANISH DESIGN?

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ANTONI AROLA Es muy difícil, hoy en día, hablar del diseño de un país. En España siempre ha habido grandes contrastes, somos una mezcla heterogénea de culturas. Estas características le han otorgado al mundo del diseño gran variedad de registros. No existe un estilo uniforme, sino que está compuesto por un grupo de personajes, con un nivel alto de creatividad, que cada uno plasma de una manera muy personal en sus proyectos. Quizás las nuevas generaciones sí tienen un factor común, basado en la búsqueda y en la experimentación. Pero creo que esta forma de hacer responde en general a los tiempos globales actuales, no sólo a España.

It’s very hard to talk about design in terms of countries nowadays. Spain has always been a country with huge differences because there is such a cultural mix here. This means that the design community covers a wide variety of different styles.

There is no uniform style, only a group made up of a number of highly creative individuals who each go about tackling their projects in their own particular way. It may be that the new generations of designers spend a lot more time on research and experimentation, but I think that this approach is more a response to the situation that the world is in rather than anything specific to Spain.

MARTÍN AZÚA El diseño español ya tiene historia, ha superado la fase de tener que explicarse, quizás por esta razón el diseño español ha dejado de ser noticia.

Los productos bien diseñados ya están en las tiendas y en nuestras casas, no simplemente en exposiciones. Las empresas saben que el diseño es un componente indispensable para innovar y ser competitivas, de hecho muchas empresas utilizan el diseño de la mejor manera para racionalizar la producción, abaratar costes, para comunicar sus productos, para mejorar las prestaciones y finalmente para prever todos los problemas que pueden aparecer en su proceso. Los productos españoles quizás no sean los que más aparecen en las revistas pero llegan a mercados muy amplios de una manera muy competitiva.

El diseño español se define por un ingenio que muchas veces nace de la precariedad.

Quizás no seamos líderes en tecnología pero nuestra forma de vida relajada mediterránea propicia objetos lúdicos, convivenciales y creativos.

Para mí, el auténtico potencial del diseño español está en las nuevas generaciones de diseñadores formadas en las escuelas de diseño. Creo que sólo ellos tienen la capacidad y el entusiasmo para enfrentarse a una crisis sin precedentes, una crisis que implicará cambios profundos en nuestra manera de vivir, en nuestro sistema de valores, diseñar para esta eventualidad será apasionante, les envidio, espero vivirlo con ellos.

There is such as thing as the history of Spanish design now. It doesn’t have to be explained anymore, and maybe that is why it is no longer in the news.

There are well-designed products in the stores and in our houses, not just on display in exhibitions. Businesses know that design is essential if they want to innovate and be competitive. In fact, many companies are making good use of design in reorganizing their processes of production, lowering overheads and getting their products known, improving their features and finally, avoiding many of the problems that may crop up in the process.

Spanish products may not be the ones that appear in the magazines, but they do compete very well in a wide range of markets.

Spanish design is characterised by a brilliance that is often the product of precarious circumstances.

We might not be leading the world in technology, but our easygoing Mediterranean lifestyle gives us objects that are playful, creative and social.

I think that the real potential of Spanish design lies with the new generation of designers trained in the schools of design. I think they are the only ones with the capacity and enthusiasm to face this unprecedented crisis, which will trigger important changes in our way of life and our values. Designing with these changes in mind will be a fascinating experience which I envy them for, and one I hope to share with them.

NACHO CARBONELL España es una tierra de inspiración. Si uno observa, la geografía española siempre ha estado llena de brillantes mentes en el mundo de la creación.

La pluralidad geográfica y cultural existente en este país genera una gran fuente de inspiración para el creador. El español es una figura dedicada y apasionada por aquello que siente. Esto genera grandes figuras.

Spain is a land of inspiration. If you look closely, the whole of Spain has been continuously producing gifted minds in terms of creativity. The sheer plurality of its geography and culture ensures that creative types find in it a great source of inspiration. A Spaniard is one who is dedicated and passionate about what he feels. This makes for great figures.

CURRO CLARET ¡Creo que nos falta muchísimo! Hay que hacerlo mucho mejor. A menudo el diseño se limita solo a tratar con la cuestión formal y de estilo, haciendo ligeras variaciones sobre lo ya hecho. El diseño que a mí más me interesa es ése que quiere afrontar los retos verdaderos del momento, que intenta cuestionar y reflexionar sobre los problemas del sistema capitalista, sobre las desigualdades sociales, sobre el problema del medioambiente, etc. El diseño, lo quiera o no, siempre tiene también una lectura política. ¿En qué medida el diseño español es sensible a estas cuestiones? Por desgracia me temo que no mucho, y hasta que los países verdaderamente punteros e innovadores no se metan un poco más a fondo, nosotros no tomaremos ninguna iniciativa.

Como decía alguien, España en general, es más un país de seguidores que de innovadores. Afortunadamente unos pocos personajes, empresas y diseñadores, están desarrollando en España algunos proyectos en esa otra dirección.

A menudo la parte más importante del diseño, no es fácilmente visible. ¿De qué sirve hacer algo estéticamente muy atractivo si más allá de esa apariencia no intenta incidir positivamente en la sociedad, el medio ambiente o el sistema pro-

¿Cómo ves el diseño español actual? 31

ductivo y económico? Con frecuencia parece que el diseño practica simplemente un ciego y cínico servilismo al poder económico. Sin embargo una parte de la población está cambiando los viejos y peligrosos paradigmas de vida vigentes, y adopta nuevas maneras de vivir más armoniosas, limpias y responsables. Confiemos que pronto de forma masiva los políticos, la industria, los diseñadores y los ciudadanos cambiemos la actitud y las maneras de vivir y hagamos ese paso necesario para ir en otra dirección. Y es que además, hacerlo, puede resultar un gran negocio.

I think we still have a long way to go! We have to do much better. Design can sometimes be reduced to a question of form and style, making slight variations to something that already exists.

The kind of design that interests me most is that which takes on the real challenges of the times, which aims to question and reflect on the problems of the capitalist system, social inequalities, environmental problems etc. Whether you like it or not, design does have a political interpretation. How sensitive is Spanish design to these questions?

Unfortunately, not very, and I’m afraid that there will be no initiatives in this sense until more advanced and innovative countries begin to take these issues more seriously.

As somebody once said, in general, Spain is more a country of followers than innovators.

Fortunately, there are a few people, companies and designers who are developing projects in Spain that are moving in the right direction. Often the most important part of a design is the hardest part to see. What is the use of making things that are aesthetically appealing if they have no more to offer society, the environment, the system of production or the economy than their attractiveness. All too often, design appears to be nothing but a blind and cynical servant of economic power. However, there is now a part of the population that is changing these outdated and dangerous paradigms of life to adopt new lifestyles that are more harmonious, cleaner and more responsible. We have to trust that politicians, industry, designers and citizens will be able to change their attitudes and ways of living en masse, and that we can take this necessary step in the right direction. After all, it would be very good business to do so.

32 How do you see the current Spanish design?

Culdesac Aunque la mayoría de las veces que se habla de diseño español, sólo se hace referencia a los diseñadores, deberíamos de entender que el panorama del diseño es siempre un contexto plural, una película donde actúan tres actores principales: el fabricante, el diseñador y el usuario. En este sentido el panorama del diseño español es la suma de diferentes realidades: la de los que nos dedicamos a imaginar soluciones, la de los que se dedican a producirlas y por último la realidad de aquellos que las utilizan. Y estas tres realidades avanzan de manera independiente, por un lado asistimos a una globalización del diseño español de la mano de los propios diseñadores españoles, hasta la fecha inédita tanto por su número como por su calidad. Sin embargo este salto al ruedo de manera masiva, no ha tenido la misma respuesta por parte de las empresas españolas. Sólo en casos muy aislados se erigen como referentes en su sector.

En esta situación de crisis actual se va a poner de manifiesto el nivel evolutivo del parque empresarial nacional. Los dinosaurios desaparecieron, pero la vida en la tierra no, nuevas formas de vida más depuradas, más eficientes lograron continuar y repoblar la tierra, y en esta batalla andamos. Por último el tercer elemento, el usuario español. De un tiempo a esta parte, estamos asistiendo a su conversión, al refinamiento de su paladar, la época de bonaza que hemos atravesado tal vez haya tenido algo positivo, se ha vuelto más exigente, más consciente de sus necesidades. A su alrededor gira todo proyecto.

El panorama actual es un panorama de drásticos reajustes, económicos, pero sobre todo mentales, de filosofía y estrategias… Esta crisis es la resaca de la borrachera anterior. Para un gran porcentaje de empresas españolas será la última, pero las que logremos sobrevivir tendremos que ser capaces de entender que otro mundo es posible, después de tantos años, todo está de nuevo por hacer.

Most of the time, people talk about Spanish design only in terms of the designers involved, but it should be understood that design always takes place in a plural context; it is a film with three protagonists: the manufacturer, the designer and the user. The current condition of Spanish design can be described as the sum of these different stances: those of us who work at imagining solutions, those who are

dedicated to producing them and finally those who use them. These three positions move at different speeds, and on one hand we are witness to a globalisation of Spanish design at the hands of the designers themselves, unprecedented in terms of both their numbers and the quality of the work. However, this massive outpouring of new talent has not met with a similar response on the part of Spanish industry. There are only a few exceptions, which have become references in the sector.

The present crisis is putting the progress that the bulk of Spanish industry has achieved to the test.

The dinosaurs will die out, but life on Earth will continue. New, sleeker and more efficient forms of life will manage to survive and repopulate the face of the planet, and this is precisely what we are about.

Finally, there is the third element, the Spanish customer. For some time now, we have observed a conversion, a gradual refinement of the customer’s palate. The period of abundance we have lived through has had a positive effect inasmuch as it has created a more demanding client who is more aware of his or her needs. Every project is centred on this figure.

The current situation is one in which both economic and mental terms are subject to drastic adjustments, philosophies and strategies have to be rethought. The crisis is like a hangover after a party.

For many Spanish companies, it will be their last crisis, but those who manage to survive will have to come to terms with the idea that another world is possible, and that after all these years it is time to start over again.

DIEZ + DIEZ diseño «En realidad la situación es desesperada pero no grave». Así es como describía la situación mundial el camaleónico Otto al final de la trepidante y vertiginosa comedia (¿o sería mejor decir bomba de relojería cinematográfica?) Uno, dos, tres de Billy Wilder; y así es como nosotros vemos la situación del diseño español. ¿Por qué desesperada? Porque ésta es la sensación que tenemos muchísimas veces, no todas afortunadamente, los diseñadores al enfrentarnos a una industria, a un tejido productivo, a unos empresarios que siguen viendo en nuestro trabajo únicamente su componente cosmético, publicita-

rio y mediático; seguimos intentando convencer a estos empresarios de que el diseño es o debería ser un valor, no añadido, como tantas veces, con más buena intención que criterio, se ha dicho, sino intrínseco a cualquier proceso productivo coherente que se precie y que entienda que se encuentra inmerso en una realidad global cambiante y compleja. ¿Y por qué no grave? Porque entendemos que el mundo es cada día más grande, las fronteras se han difuminado y nuestro trabajo puede encontrar su materialización más allá de los límites geográficos que nuestro entorno físico y económico más inmediato nos marcan; creemos sinceramente que España puede llegar a convertirse en un exportador de creatividad, originalidad y talento, y que los diseñadores españoles pueden llegar a dejar su huella en cualquier lugar donde se precisen soluciones certeras a preguntas complejas, precisamente como las que le hacía a Otto su futuro suegro.

“In reality, the situation is desperate but not serious” This is how the chameleonic Otto in Billy Wilder’s vibrant comedy (or should that be cinematic time bomb?) “One two three” described the situation of the world, and it is also pretty much the way we see the situation of Spanish design.

Why is it desperate? Because this is the feeling that usually, although thankfully not always, comes over designers when we have to deal with an industrial sector, a manufacturing base and a business class that persists in seeing our work as a mere cosmetic addition, useful only for advertising and media publicity. We have tried over and over to explain to these businessmen that design is, or should be, an integral value, not a supplement as it usually is, tagged on with more good intentions than criteria. It should be an intrinsic value for any coherent manufacturing process, and aware at the same time that it exists in a shifting, complex global context.

And why is it not serious? Because we see that the world is a little bigger every day, that frontiers are vanishing and our work need not be limited to production within the geographic limits that our physical and economic circumstances mark out for us. We sincerely believe that Spain can become an exporter of creativity, originality and talent, and that Spanish designers can make their mark in any place where viable solutions are sought for complex issues, just like those that Otto presents his future father-in-law with.

EMILIANA DESIGN STUDIO

Luis Eslava

Ya llevamos unos diez años en esta profesión, y a nuestro entender en este periodo el diseño español ha vivido una renovación importante en todos los sentidos, diseñadores, empresas y público.

Sin duda en España la gente de la calle poco a poco empieza a valorar el buen diseño, aunque no sea plenamente consciente de ello…

Si durante unos años el diseño se ha asociado a algo exclusivo y «glamoroso», ahora la gente empieza a relacionar el diseño con aspectos como la funcionalidad, la eficiencia, la sostenibilidad, etc.

Y aprende que no solamente se diseñan sillas y lámparas, sino que el diseño también existe en otros objetos domésticos como envases, juguetes, electrodomésticos, etc. En este sentido hemos ganado en madurez y esto repercute en el nivel de exigencia del consumidor.

Aún así creemos que todavía falta mucho trabajo por hacer, hay demasiadas empresas que no invierten en diseño y esto afecta en la calidad de sus productos y su percepción en el exterior.

España, en los últimos años, no para de lanzar buenos diseñadores al mercado. Los diseñadores más o menos de mi generación, han sido muy valorados fuera de España y, en consecuencia, dentro.

En los últimos tiempos han ido surgiendo nuevas generaciones de diseñadores con ganas de decir y hacer cosas y esto es genial, porque durante una época hemos vivido mucho de renta. Hoy podemos presumir de tener un plantel tremendo de diseñadores con mucho potencial. Más quizá del que pensamos. Necesitamos creérnoslo un poquito más. Pocos países están lanzando tantos diseñadores buenos al mercado como España en los últimos años. En el mundo del diseño, todos se dan cuenta de que cada año, en el circuito internacional hay más y más diseños relevantes realizados por creadores españoles. Y que además no están producidos solamente por empresas españolas. Una institución que está potenciando mucho la imagen de España como un país fresco e innovador, es el Instituto Español de Comercio Exterior (ICEX). Quizá necesitaríamos también acciones similares dentro de España pues, aunque hemos evolucionado mucho, hace falta más cultura en torno al diseño, tanto en el mundo empresarial como en la calle. En España no tenemos un museo del diseño con la proyección que tiene por ejemplo el Design Museum de Londres.

Ni tampoco un organismo con el presupuesto que tiene el Design Council británico, que no sólo se dedica a culturizar sino que también promueve todo tipo de acciones relacionadas con el diseño.

Especialmente a nivel de empresa, en España necesitamos más cultura sobre diseño, pues diseñadores tenemos un montón y muy buenos. Lo que hace falta es que el empresario se dé cuenta de que el diseñador es uno de sus mejores aliados en un mercado tan competitivo como el que vivimos.

Hace falta que la industria nos dé a los diseñadores más confianza. España es un hervidero de cabecitas pensantes esperando una oportunidad por parte de la industria.

We have been in this business for about ten years, and in this time we have seen a significant renovation in Spanish design on several fronts, among designers, companies and the public.

There is no doubt that ordinary people in Spain are beginning to appreciate the value of good design, although they may not be fully aware of the fact. Design was associated for many years with the ideas of exclusiveness and glamour, but now it is being recognised for other facets, such as practicality, efficiency and sustainability. The public has also learned that designers create more than just chairs and lamps, and that design is present in many household items such as packaging, toys and domestic appliances.

There is greater maturity about what we do, and that in turn affects the level demanded by the consumer.

Even so, we feel that there is still a lot to do, that there are still too many companies that do not invest in design, so that their products, and the company itself, are seen abroad as inferior.

Spain has been a consistent source of talented professionals in recent years. The designers of my generation have been highly praised in other countries, and as a result, in Spain too. There is a new generation of designers with things to say and who are keen to get things done, which is great be-

¿Cómo ves el diseño español actual? 33

cause we’ve been coasting for a while now. Today we can claim to have a tremendous reserve of designers with plenty of potential, probably more than we imagine, but we need to have a little more faith. Few countries have produced as many good designers in the last few years as Spain. The international design scene has woken up to the fact that every passing year sees Spanish designers behind more and more of the most significant creations. They are not, however, being produced only by Spanish companies. The Spanish Institute for Foreign Trade (ICEX) has worked hard to spread the message that Spain is a lively country and a centre of innovation. Maybe we should be taking similar actions within Spain because, although we have made great progress, there is still a lack of awareness about design among both the business sector and the public. There is no museum of design in Spain that has anything like the prominence of the Design Museum of London, nor is there an organization like the British Design Council, which does not just promote design as a cultural asset, but supports all kinds of designrelated activities. Spain needs greater awareness of design, especially in the business sector, as we already have plenty of excellent designers.

Businessmen need to realise that designers can be their most significant allies in the struggle to survive in an ever more competitive market. Industry needs to show greater faith in us, the designers. Spain is teeming with brilliant minds that are waiting for industry to give them a chance to prove themselves.

Guillem ferran A veces positivo. Hay esperanza. Existe un gran potencial industrial. Existen naves llenas de máquinas increíbles y potentes unidades de producción, industrias olvidadas, abandonadas y paradas.

Profesionales, artesanos, maestros, gente que conocen técnicas y oficios, materiales y conocimientos excepcionales, tecnología rudimentaria pero óptima, «gurús» y seres singulares, infraestructuras grandes y competitivas realizando productos anticuados, nefastos e invendibles. Sólo se necesita lubricante, imaginación, creatividad y estrategia para hacerlo resbalar.

A veces negativo. Falta conciencia y valoración del diseñador. El diseñador es tratado como

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un mendigo, la sociedad española debe hacer un esfuerzo para darse cuenta de que el diseño puede ser un valor añadido que favorecerá no sólo nuestro nivel económico, sino social, cultural y de desarrollo para nuestro país.

Los empresarios deben aprender que gastar más dinero, apostando más en crear productos únicos, potentes y singulares puede ser mucho mas rentable que lo que se gasta en publicidad y marqueting. Es una inversión. Los buenos productos se venden solos.

Sometimes positive. There is hope. There is a powerful industrial sector. There are factories primed with powerful, incredible machinery and production facilities, industries that are forgotten, abandoned and stopped.

Professionals, craftsmen, experts, workers trained in special techniques and professions, exceptional materials and experience, primitive but optimal technology, “gurus” and individuals, large competitive infrastructures producing outdated, shoddy products which are impossible to sell. What is missing is the lubricant, the imagination, creativity and strategy to make it all work smoothly.

Sometimes negative. A lack of awareness and appreciation of the designer. Designers are treated like beggars, Spanish society must make an effort to realise that the added value that design brings is not just limited to the financial aspects, but it also benefits society, culture and the development of the nation.

Businessmen should learn that by spending more money, by banking on the creation of unique, powerful products, they might stand to earn more than what they spend on advertising and marketing. It is an investment. After all, good products sell themselves.

se transmite una imagen del diseño industrial español excesivamente frívola y alejada de la realidad de la profesión. Da la sensación que se busca más el impacto mediático del personaje que la representación del diseño industrial español y de su industria en su conjunto. En cualquier caso, pienso que nuestro nivel de diseño es alto y competitivo en creatividad y desarrollo.

I think that industrial designers in Spain are very creative and able to work to the highest standards.

Thanks to the efforts of the Spanish manufacturing sector, they are able to make their products better than ever, so that the high quality of the design is matched by the production values. The results are as good as anything produced abroad. However, I also think that the public sector has sometimes transmitted an excessively frivolous image of industrial design in Spain that has little to do with reality. It seems that the media interest in the designer is more important than the image of Spanish industrial design, and the industry as a whole. In any case, I think Spanish design has a very high level in terms of creativity and development, and is competitive.

MARTÍ GUIXÉ Todo muy entramado, con niveles distintos, y con muchas posibilidades.

Everything is intricate, with different levels and many possibilities.

JAIME HAYÓN JOAN GASPAR Creo que en España hay un nivel muy alto de diseñadores industriales, muy creativos y preparados, y gracias a que las empresas editoras españolas hacen los productos cada vez mejor, con niveles de realización y fabricación de alto nivel, el resultado es que no tiene nada que envidiar al diseño que se hace en otros países. Pero también creo que en ocasiones, desde las instituciones públicas

Hemos empezado a andar pero creo que el diseño español tiene mucho camino por recorrer. Hay grandes designers en España así que estoy convencido que poco a poco, y creando manifestaciones desde aquí hacia el extranjero el panorama español, se podrá colocar en el top del design y la creatividad internacional.

Me formé profesionalmente fuera de España pero he trabajado con empresas nacionales y veo que vamos creciendo. Aún tenemos mucho

que aprender respecto a valorizar el talento local y apostar por un lenguaje nuestro, único y auténtico.

Tenemos las herramientas humanas y culturales.

Sólo nos falta jugar con éstas a nuestro favor.

We have started our journey, but I feel that Spanish design still has a long way to go. There are fantastic designers in Spain, and I am convinced that they will make their way to the top of the ladder of international creativity step by step and by producing things in this country with international appeal.

I received my professional training outside Spain, but I have worked with Spanish companies and I can see how we have grown. We still have lessons to learn with regard to our appreciation of local talent and in our choice of a true, unique language all our own. We have the talent and the culture; we only need to learn how to use them in our favour.

LAGRANJA A veces, para ver con más claridad, para entender algo, es preciso dar un paso atrás. Poner cierta distancia entre el objeto observado y el observador.

Preguntarse sobre la salud del diseño español esconde cierta complejidad.

Entrevemos un «panorama» de muchos diseñadores y pocas empresas. Intentamos explicarlo. Sí, industria hay mucha. Muchas son las empresas que gracias al coraje y la creatividad crean empleo y producen bienes de consumo.

Pero ¿cuántas de ellas promueven los valores de la investigación? ¿Cuántas de ellas buscan la calidad por encima de los beneficios? ¿Cuántas en fin están dispuestas a correr riesgos? Siempre oímos hablar de las empresas «de diseño», normalmente éstas se relacionan con el mobiliario, la automoción, … ¿pero... y las que fabrican sillas de ruedas, taladros, bicicletas? ¿Y las empresas de servicios? ¿Están acaso esperando tiempos mejores?

Pues un deseo: que el diseño se instale allí donde ahora no es bienvenido.

Que nosotros diseñadores seamos capaces de demostrar con los hechos que el buen diseño puede ser un buen negocio. ¿Acaso Ferran Adrià no nos ha enseñado que investigación + comunicación = business?... y justo en un sector, el de la cocina, que parecía ser el más ajeno.

Una cosa más. En este «panorama de crisis» ¿dón-

de están los jóvenes empresarios? A lo mejor el próximo libro se tendría que hablar de ellos.

es importante hacer buenos productos sino también comunicarlos mejor.

Sometimes, one must take a step back in order to see more clearly what one aims to understand.

One must put a little distance between the object and the observer.

Any enquiry into the health of Spanish design involves certain complications.

We can see a panorama of many designers and few companies. Let’s try to explain this.

There is plenty of industry, and there are many companies whose boldness and creativity create jobs and produce consumer goods. But how many of these actively promote the values of research?

How many place quality before profit? How many are prepared to run risks? We hear a lot about “design companies”, and these are normally involved in the furniture or automobile industries,…but what about the companies that make wheelchairs, drills, bicycles? And what about service companies?

Could they be waiting for the right moment?

Here’s a wish: may design take root where it is not welcome now.

And may we designers be capable of demonstrating with hard facts that good design is also good business. Hasn’t Ferran Adrià already shown us how research + plus communication = business? And this precisely in the field –cuisinewhich seems least likely.

One more thing. Where are the young entrepreneurs in this “panorama of crisis”? Maybe the next book should tackle this issue.

The map of design in Spain reveals a new series of hotspots. Areas which depend on the furniture industry or public administration are now keen to bolster their existing industrial and cultural activity.

On the other hand, a new generation is stepping forward with a large number of young designers setting up platforms on which to display their projects, some with the activity of the mid-to-late nineties in mind. The emergence of new design companies willing to take risks to stand out means that we are beginning to see interesting pieces by new names in Spanish design. Many companies now see that it is not only important to make good products, but also to improve their communications.

ERNEST PERERA Están surgiendo nuevos puntos calientes de diseño en el panorama nacional. Zonas muy ligadas a la industria del mueble o a instituciones públicas que quieren potenciar la actividad industrial y cultural existente. Por otra parte un gran grupo de jóvenes diseñadores está creando plataformas para mostrar sus proyectos, algunos recordando la actividad de mediados-finales de los 90, aportando renovación generacional. La aparición de nuevas editoras que arriesgan por diferenciarse contribuye a que se empiecen a ver piezas interesantes de nuevos nombres del diseño español. Por otra parte cada vez más empresas ven que no sólo

DIEGO RAMOS Sólo hace falta darse una vuelta por las ferias del mueble internacionales, para ver propuestas de diseñadores españoles de gran talla. Un grupo joven, creativo y muy preparado, que hace que cada proyecto suyo venga seguido de un ¡olé!. Proyectos frescos, imaginativos y, lo mas importante, competitivos en un mercado cada vez más feroz. Sólo me faltaría decir una cosa: lo mejor está aún por llegar.

You only have to visit one of the international furniture fairs to see what the finest Spanish designers can offer the market. There is a group of well-trained young designers who manage to make every project worthy of an “Olé!” Their projects are fresh, imaginative and most importantly, competitive in an ever more fiercely contested market. I have only one more thing to add: the best is yet to come.

MARIO RUíZ España ha conseguido en los últimos años una posición muy buena en el panorama del diseño internacional, se ha convertido en un referente importante. Por primera vez los profesionales tenemos una imagen excelente fuera de

¿Cómo ves el diseño español actual? 35

nuestras fronteras gracias a algunos diseñadores-embajadores que han conseguido con su trabajo dar una identidad sólida al diseño español de cara a los fabricantes foráneos. Y a esto se suma que tenemos una buena cantera de gente joven. También existen fabricantes españoles que han apostado fuerte por el diseño y siguen apostando. La pena es que se trate de esfuerzos individuales y que no se haya aprovechado una circunstancia tan buena para dar un importante apoyo público al diseño nacional, a las empresas y a los profesionales. Seguro que eso nos habría dado mucha fuerza porque aunque, como digo, se han hecho cosas interesantes en los últimos años, encuentro que en general a nuestra industria le falta «musculatura» fabril, una estructura industrial potente y una tradición industrial como la que existe en otros países donde se ha generado una situación mucho más favorable en la suma entre industria y diseño. Muchas empresas españolas carecen de departamento técnico interno, muchas marcas no desarrollan el producto dentro de la propia empresa, deben subcontratarlo, y eso creo que no nos favorece.

Recent years have seen Spain occupy a very good position in the international design scene, to the extent of becoming an influential reference. For the first time ever, Spanish professional designers have acquired an excellent image abroad thanks to a few ambassador-designers whose work has endowed Spanish design with a sound reputation in the eyes of foreign manufacturers. We can also count on an excellent supply of young designers. There are also a number of Spanish manufacturers who have backed our designers, and who continue to place their trust in them. It is a pity that these are only individual efforts, and the chance to lend significant public support to Spanish design, companies and professionals has not been taken.

I am sure that this would have given us greater strength because, despite the interesting things that have been done in the last few years, I feel that in general, our industry lacks productive “muscle”, a powerful industrial structure and tradition like that of other countries in which the meeting of industry and design has generated a far more favourable situation. Many Spanish companies lack an internal technical department, many brands do not develop their products within the company but prefer to subcontract this work out, and I think that this does not help.

36 How do you see the current Spanish design?

HéCTOR SERRANO Creo que el diseño español está pasando un momento de esplendor, se está dando una situación única que no está sucediendo en ningún otro país. La colaboración entre una innovadora generación de diseñadores con una industria establecida. Tanto en Inglaterra como en Holanda existe mucha creatividad pero poco empresa que saque partido a ésta, y en Italia pasa exactamente lo opuesto muchas productoras con gran tradición pero que compran creatividad de fuera, sólo hay que analizar los diseñadores de las empresas italianas más importantes. En España la balanza está equilibrada y esto es una ventaja a la hora de establecer buenas relaciones que acaben con un final feliz.

I believe that Spanish design is enjoying a moment of splendour, and we are in a unique situation which no other country is experiencing: the collaboration between a generation of innovative designers and an established industry. There is a lot of creativity in Britain and the Netherlands, but not many companies who can take advantage of it, while in Italy the reverse is true; there are a lot of companies with a great tradition but which have to buy creativity abroad. One only has to look at the designers of the most important Italian companies. Spain is more evenly balanced, and this is an advantage when it comes to establishing relations which have a happy ending.

STONE DESIGNS Pues la verdad es que no lo veo nada mal. Sinceramente creo que hay un grupo de diseñadores españoles que tienen un nivel y una proyección internacional de altísima calidad. Creo que además el contraste cultural tan grande que tenemos en España, ayuda muchísimo a que haya gran diversidad de ideas y formas de entender el diseño.

Bajo nuestro punto de vista el diseño español esta siendo ahora mucho más internacional que antes, tanto por el tipo de trabajo, como por la inquietud de los diseñadores por llegar a cualquier punto del planeta.

Creo que los diseñadores españoles por fin

hemos entendido que no tenemos que quedarnos dentro de nuestras fronteras, que podemos salir perfectamente, y que nos buscan precisamente por nuestra capacidad de crear nuevas topologías de producto y de dar nuevas soluciones. Una de las cualidades que consideramos más importantes del diseño español frente a otros, es que tenemos un punto de equilibrio entre lo estético y lo conceptual mucho más desarrollado que otras culturas, y eso nos da una cierta ventaja y provoca que se nos demande por esa cualidad, la pasión latina mezclada con la capacidad industrial europea.

To tell the truth, it’s not bad at all. I honestly believe that there is a group of Spanish designers who represent the highest quality in skills and international recognition. Besides this, there is an enormous cultural contrast within Spain, and this gives us a great diversity in our ideas and ways of seeing design.

From our point of view, Spanish design is far more international now than ever before, both in terms of the type of work we do and the determination of designers to reach out to all parts of the globe.

I feel that Spanish designers have finally grasped that we don’t have to stay within our borders, that we can venture abroad and that we are sought after precisely because of our capacity to create new topologies for products and provide new solutions. One of the most important qualities that Spanish design has compared with others is that we have a balance between the aesthetic and the conceptual that is far more advanced than in other cultures. This gives us a certain advantage and means that we are in demand for this quality, which is a blend of latin passion and European industrial capacity.

RAMóN ÚBEDA Me gusta más hablar de un diseño que tiene acento español. Pienso que es una visión más real, porque las fronteras de la creatividad están cada vez más desdibujadas; también una visión más optimista, porque aquella generación de los ochenta no ha tenido todavía un relevo claro ni puro; y una visión más competitiva, porque para poder sacar pecho por el mundo tenemos que encontrar una seña de identidad. El estilo se lo han apropiado

los italianos, aunque no diseñen ellos. Las tendencias llegan de los holandeses o de lo s suecos. Los clásicos renacen ahora desde Vitra, que es más alemana que suiza… Siempre hemos pensado que a nosotros nos queda el ingenio, pero hace falta construirle una identidad.

Y una unidad. Que no la hay. Siento envidia cuando veo a los cocineros españoles pasearse por el mundo en grupo y sumando esfuerzos. Los diseñadores —y las empresas— deberían arroparse más entre ellos, que no es lo mismo que asociarse.

También es saludable que se les bajen un poco los humos y entiendan que su papel no es siempre el protagonista. Que forman parte del espectáculo, pero que para tener éxito no se bastan solos: además de un buen diseñador, hace falta un buen empresario, un buen encargo, una buena idea, una buena dirección creativa, un buen equipo técnico, una buena producción, una buena imagen, una buena promoción, un buen equipo comercial, una buena distribución, un buen punto de venta y, finalmente, un poco de suerte para que un bendito cliente compre.

En ese sentido necesitamos educar más al público para que sepa distinguir y apreciar el buen diseño, como sucede en otros países de Europa. Es necesario también «educar» al empresario, que es quien a fin de cuentas se juega los cuartos, para que acierte a contratar buen diseño.

I would like to talk about design that has a Spanish accent. I think that this is a vision which is more real because the frontiers of creativity are becoming more and more blurred. It is also a more optimistic vision, because the generation of the 1980s have not had a clear or pure successor. It is also a more competitive view because if we want to claim the merit we have to find some common trait that identifies us. The Italians have laid claim to the mantle of style, although they don’t actually do the designing. Trends are generated by the Dutch or the Swedes. The classics now come from Vitra, which is more German than Swiss… We have always felt that we possessed genius, but lacked an identity and unity. And they really don’t exist. I am envious of Spanish chefs when I see them jet around the world in groups and working together.

Designers and companies should offer more support to one another, which does not mean that they should merge. It would also be healthy if they were to learn a little humility and assume that they cannot always be the centres of attention. They are all

part of the show, but to be successful they cannot perform solo. Besides a good designer, there has to be a good businessman, a good project, a good idea, good creative management, a good technical team, good production, a good image, good promotion, a good sales team, a good distribution network, good outlets and finally, a bit of luck so that the client decides to buy.

In this sense, we need to educate the public so that it can distinguish and appreciate good design, as in other parts of Europe. Our entrepreneurs must also be “educated” to employ good design, as they are the ones who put their money down.

patriciA urquiola Creo que la actual crisis económica puede llevar al diseño español a una tercera fase. La década de los ochenta fue un empujón de entusiasmo increíble, pero después, el diseño español ha seguido evolucionando de manera un poco conformista, intentando seguir tendencias de éxito en otros países.

Se plantean nuevos interrogantes sobre la sostenibilidad en todos los ámbitos, desde la producción al uso y al reciclaje. Y me parece que es el momento de encontrar respuestas a todas estas preguntas manteniendo la esencia del diseño español, pero participando a la vez de una manera activa en el escenario global. Hace falta invertir en investigación y crear una propia línea de trabajo sin seguir a nadie. Resulta primordial relacionarse con nuevas generaciones de diseñadores, tanto españoles como extranjeros; esta medida ha aportado mucho a la industria italiana en los últimos años.

En España ha cambiado la percepción que se tenía del diseño. El término, utilizado como una etiqueta, está cambiando. Me acuerdo cuando, todavía no hace mucho, mis amigos me preguntaban: «¿Qué compro, una lámpara o una lámpara «de diseño»?

Pero ahora el diseño es cada vez más y más parte de nuestra vida cotidiana.

Creo que los diseñadores tenemos el potencial de alcanzar en el ámbito del diseño la misma credibilidad que hemos alcanzado en arquitectura o en artes gráficas. Pero es fundamental que se acepte que para ser innovador técnica y estéticamente hay que realizar una inversión de tiempo y dinero que debe ser respetada.

I think that the current crisis could push Spanish design into a third phase. The eighties were a time of incredible expansion, but since then Spanish design became a little more staid as a result of latching onto successful movements taking place in other countries.

There are a number of questions arising in every field about sustainability, from the production phase to product use and recycling. I feel that it is now time to find answers to these issues while holding on to the essence of Spanish design and simultaneously taking an active part in the global scene. There has to be investment in research, and in creating a line of work that owes nothing to anybody.

First, there must be contacts with new generations of designers, both at home and abroad. This approach has given Italian design a boost in recent years.

People’s perception of design in Spain has changed.

The term used to be a label, but it is now changing. I can remember when my friends asked me not so long ago whether they should buy a lamp or a “designer” lamp. However, design has now come to form part of our daily lives.

I believe that our designers have the potential to achieve the same credibility in design that we have already achieved in architecture and the graphic arts. Even so, it is fundamental that any technical or aesthetic innovation calls for an investment of time and money, and this investment must be taken seriously.

¿Cómo ves el diseño español actual? 37

AntoniMartín Arola Azúa Nacho Carbonell Curro Claret CuldeSac díez+díez diseño El Último Grito Emiliana Design Luis Eslava Guillem Ferran JoanMartí Gaspar Guixé JaimeLaGranja Hayón Ernest Perera Diego Ramos Mario Ruíz Héctor Serrano Stone Designs Ramón Úbeda Patricia Urquiola

antoni arola Tarragona, 1960

This is a playful small desk lamp, based on a shuttlecock cone made of feathers. It is very practical in those cases where what is needed is a point of light in the darkness. Akin to one of Marcel Duchamp’s ready-mades, the Bad Lamp is a fun, cheap and efficient lamp. “It was started when I bought a badminton set to play with in the studio when I was stressed. We were surprised by the intricacy of the skirt, and as we have the custom of putting light bulbs everywhere, we turned it into a lamp.” The length of cable on the Bad Lamp means you can put it wherever you want, for practical reasons, or just for decoration.

FOTO: CARME MASIÀ /LAIA ROVIRAS

Bad Lamp (2001) Prod.: Santa & Cole Un pequeño foco emplumado de carácter lúdico, realizado a partir a partir de un volante de bádminton. Resulta muy práctico en situaciones que requieran emplazar un punto de luz entre las sombras. Como un ready-made de Marcelo Duchamp la Bad Lamp resulta una lamparita simpática, económica y eficiente. «Todo comenzó cuando compré un juego de bádminton, con el que jugábamos en nuestro estudio en momentos de mucho estrés. Al sorprendernos por la filigrana del volante y movidos por nuestra afición a poner bombillas en cualquier sitio, acabó convirtiéndose en una lámpara.» Su largo cordón eléctrico permite colocarla a voluntad ya sea con una intención práctica o simplemente por placer.

Basi Femme / Homme (2000) Prod.: Idesa Parfums Gráfica / Graphics: Pati Núñez Associats El envase dentro del envase. La caja de formas geométricas y connotaciones urbanas da paso, al abrirla, a las formas orgánicas el frasco de perfume inspirado en las formas caprichosas que la erosión natural otorga a las piedras, pequeñas joyas de la naturaleza. La exaltación de lo natural y el carácter esencial de la vida desde el universo urbano. La tecnología ante la naturaleza, aquí se funden para extraer lo mejor de cada entorno. En el interior, la fragancia, que sin olerla huele a agua fresca de río, a guijarro, a orilla del mar.

The most important aspect of my projects is that they all derive from a clear concept, an idea. Naturally, this is linked to my personal life, by which I mean my memories and experiences through the observation and collection of objects, images and sensations. This baggage is a kind of unsorted raw material, but it corresponds to what my true essence is, to what I am. It gives me the basic ingredients for the development of my ideas. When these ideas come together, when they shape the metaphors, it is not me that is working but

42 Antoni Antoni Arola Arola

Packaging within packaging. A geometric box with urban echoes opens up to reveal the organic forms of the perfume flask inspired by the fanciful shapes that natural erosion sculpts in stones, turning them into little jewels. The veneration of nature and the essence of life from within the urban environment. Technology meeting nature and blending to extract the best out of each. Inside, a fragrance which, without smelling it, reminds us of fresh streams, pebbles and the seashore.

a universal energy. It is a truly magical moment, a sensation that cannot be explained rationally and which gives me pleasure. If I can transmit faithfully what I have inside me, the best thing that can happen is that the result is interesting, timeless and universal.

Light is a fundamental element in my work, it is the most subtle material, the most fleeting and so the most beautiful.

And beauty interests me. I think it is a value that must be recognised and protected.

«Concept, universal energy and light»

FOTOS: DESIGN MIX

Faces (2006) Prod.: Ferran Adrià Faces nace de la mano de Ferran Adrià como una nueva colección de productos para la cocina y la mesa, en la que se pone de manifiesto el talento creativo de un selecto equipo de diseñadores, entre los que figura el Estudio Arola, con su colección de utensilios de cocina. Un nuevo set de cuchillos y pinzas para cocinar con un diseño que potencia y optimiza su úso y paralelamente, una serie de boles para preparar y servir.

Faces is a project by Ferran Adrià for a new collection of kitchenware and tableware. It is a demonstration of the creative talent of a select group of designers, with Estudio Arola among them, in a collection of implements for use in the kitchen. A new set of knives and tongs for cooking with a design that optimises their use, and a set of bowls for preparing and serving food.

«concepto, energía universal y luz» www.estudiarola.com

El factor más importante de mis proyectos es que respondan a un concepto claro, a una idea. Naturalmente esta idea está vinculada con mi mundo personal, es decir, con mis recuerdos y experiencias a través de la observación y la recolección de objetos, imágenes, sensaciones,... Este bagaje, que es como una materia prima sin orden —pero que responde verdaderamente a mi esencia, a lo que soy— me da ingredientes fundamentales para desarrollar las ideas. En el instante en que se catalizan estas ideas, en el que se conforman las metáforas, no soy yo quien

trabaja, sino una energía universal. Es un momento realmente mágico, una sensación que no puedo explicar racionalmente y que además me produce placer. Si soy capaz de traducir verdaderamente lo que guardo dentro de mí, el resultado es interesante, atemporal, y universal en el mejor de los casos.

La luz, es un elemento fundamental en mi trabajo, es la materia más sutil, la más fugaz, por lo tanto la más bella. Y la belleza me interesa, creo que es un valor que hay que reivindicar y proteger.

Antoni Arola Arola 43 Antoni

Peled (2008) Prod.: Viabizzuno Sistema de iluminación para interiores de estructura modular, de empotrar o para aplique. Los módulos están integrados por una placa de acero y una serie de astas de aluminio conectadas mediante una articulación esférica que permite una orientación máxima de 30º respecto del eje vertical. Cada asta incorpora un led para crear una luz de acento sobre la superficie de trabajo. Es posible crear varias combinaciones modulares mediante uniones de efecto.

Modular interior lighting system which can be built in or applique. The modules consist of a steel plate and a series of aluminium bars connected through a ball articulation which can be oriented as much as 30º with respect to the vertical plane. Each bar carries a led to create a highlight on the work surface. Other combinations are possible by joining together extra modules.

FOTO: CARME MASIÀ

Moaré (2003) Prod.: Santa & Cole La Serie Moaré alude al efecto que crean dos pantallas cilíndricas de tejido entrelazado superpuestas. En esta serie se redescubren las cualidades de un material industrial como es el «screen», utilizado habitualmente para tamizar la luz solar, cuya superposición retroiluminada provoca un efecto de aguas asimétricas, llamado moiré. Este efecto óptico es reproducido al anidar dos cilindros concéntricos de malla, de colores intercambiables, en blanco, rojo o gris metalizado. El resultado es un doble cilindro de reflejos ondulantes que varían según la incidencia de la luz.

The Moaré Series is a reference to the effect of two superimposed cylindrical meshed screens . This series involves the discovery of the qualities of an industrial material such as the “screen”, usually used to filter sunlight. The lighting from within of this superimposed material gives an effect like that of asymmetric waves, known as “moaré”. The optical effect is reproduced by putting two concentric cylinders of coloured mesh, white, red or metal grey. The result is a double cylinder with undulating reflections that change with the light.

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Corso (2008) Prod.: Santa & Cole La peculiaridad de esta lámpara de pared es la capacidad de conseguir variaciones cromáticas en el espacio gracias al movimiento de un brazo luminoso a través de un panel que incorpora una imagen con diferentes colores que se funden en un degradado.

The Oven light was inspired by a jellyfish, and was created for the restaurant of the same name which we were designing in the studio in Barcelona It is an enormous translucent globe with a diameter of 125cm, and a glowing core, colourful and changeable. The application of colour theory to the light made it possible to change the tone of the light emitted by using a remote control dimmer. The range of the colour spectrum can be achieved by varying the intensity of the three light sources with the three primary colours of light: red, green and blue (RGB).

On a more practical note, at maximum strength the light Oven gives off white light.

FOTOS: CARME MASIÀ / JOSEPH M. SERRA

Oven (2002) Prod.: Santa & Cole Inspirada casualmente en una medusa, la lámpara Oven fue creada para el restaurante del mismo nombre que se estaba proyectando en el estudio, simultáneamente al momento de su gestación. Un enorme globo translúcido de 125 cm de diámetro, con un núcleo cromático, luminoso, colorista y cambiante. La teoría del color aplicada a la luz hizo posible que mediante un mando a distancia (dimmer) se pudiera cambiar la tonalidad de la iluminación emitida, reproduciendo las gamas del espectro cromático, mediante la graduación de la intensidad de tres fuentes luminosas con los tres colores primarios de la luz: rojo, verde y azul (RGB). Del mismo modo, con una finalidad más funcional, la máxima intensidad aportaría una luz blanca.

The special feature of this wall lamp is the ability to achieve chromatic variations through the movement of an illuminated bar across a panel decorated with different colours that blend into each other.

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FOTOS: CARME MASIÀ

Leonardo (2003) Prod.: Santa & Cole Finas tiras de madera de arce anudadas a un armazón de acero envuelven una intensa fuente de luz, dotándola de cualidades volumétricas. Una de las peculiaridades de esta lámpara es que, gracias a la elasticidad y resistencia que posee la fibra del arce, permite montarla al gusto de cada uno. Existe en dos tamaños: la menor, de 60 cm de diámetro con tiras de 10 cm de anchura; y la mayor, creada para grandes espacios, con 120 cm de diámetro y tiras de 20 cm. Todas las tiras están numeradas para seguir un un correcto montaje, engarzándolas en las aristas de un núcleo cúbico de acero niquelado, semejante a una jaula.

El resultado es un nudo luminoso que proyecta la luz en distintos planos, con transparencias variables. Su nombre fue inspirado por la exposición que en el momento de su gestación se estaba desarrollando en el estudio sobre Leonardo Da Vinci, aunque bien podría haberse llamado «Tagliatelle» o «Ghery».

Thin strips of maple wood attached to a steel structure form a knot around a powerful light source, giving it volumetric qualities.

One of the peculiar features of this light is that the strength and flexibility of the fibre of maple means that the consumer can arrange it as he or she wants. It comes in two sizes: the smaller one measures 60 cm in diameter and has 10 cm wide strips while the larger one is intended for larger spaces and measures 120 cm, with 20 cm wide strips. The strips have been numbered to ensure that they can be correctly fitted onto the cage like cubic nucleus of nickel-plated steel. The result is a luminous knot which projects light onto different surfaces, with variable transparencies. The name was inspired by an exhibition on Leonardo Da Vinci which was installed in the studio when it was being designed, so that it could just as well have been called “Tagliatelle” or “Ghery”.

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FOTOS: CARME MASIÀ

Cubrik (2006) Prod.: Santa & Cole La búsqueda de materiales y soluciones innovadoras fue el resultado de la lámpara Cubrik. Una luminaria cúbica de suspensión, donde se encajan unas láminas de plástico orientables en su estructura reticulada de acero, disponible en diferentes colores.

The Cubrik lamp was the result of a search for innovative materials and solutions. A hanging cube of light, with a steel lattice structure overlaid with tilting plastic flaps, available in various colours.

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MARTíN AZúA Vitoria-Gasteiz, 1965

Martín Azúa creó junto con Gerard Moliné (Barcelona, 1977) el estudio Azuamoliné, donde trabajaron asociados desde 2003 hasta 2006.

Martín Azúa founded the Azuamoliné studio with Gerard Moliné (Barcelona, 1977), and they worked as partners there from 2003 until 2006.

Casa Básica (1999) Prototipo / Prototype Volumen habitable de prestaciones básicas; plegable, hinchable, reversible. Una casa casi inmaterial (pesa 250g) que se hincha a partir del calor de nuestro propio cuerpo o del sol, tan versátil que dándole la vuelta nos protege del frío o del calor, tan ligera que flota y que, además, se puede plegar y llevar en un bolsillo. Una vida en transito sin ataduras materiales. Tenerlo todo sin tener apenas nada.

Habitable space with basic features; folding, inflatable, reversible. An almost immaterial house (weighing 250g) which inflates with the heat from our own bodies or in the sun, so versatile that it can protect us from the cold or heat simply by turning it inside-out, so light it floats and can be folded and put in your pocket. A life in transit with little material burden.

To have everything while having hardlyanything.

I don’t find it easy to define my method of creation, in fact I usually claim not to have one. I approach each project differently, but with time I suppose I have established a way of handling the creative process.

I think of myself as an observer and a storyteller, I like to imagine stories, use my intuition to supply the missing parts of my incomplete knowledge of things. The principal source of my work is the people and the things going on around me. I have been lucky enough to travel a lot in the last few years and this has broadened my outlook.

In 2007 I was in Beijing, Venice and Lake Mamori in the Amazon in the space of a few weeks. I saw an immense contrast between landscapes and cultures, but they were all part of the same reality, a complex world where everything is related; the history, economics and material limitations of the environment. Travelling takes us away from our problems and lets us compare them with other situations. I am receptive to a wide range of references. One begins by asking oneself questions and then developing possible hypotheses from an intuitive use of the references at your disposal. I think that my

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approach in the early phases of creation and conceptual analysis borders on the artistic, and perhaps my training in the fine arts plays a part. Anything is possible at this stage, my imagination is the only limit. Afterwards there is a process where the thinkable is honed down to the feasible, and here is where the technological, material and economic limitations kick in, as well as the social and environmental implications. I’m lucky in that I can combine purely speculative projects for exhibition or publication with more commercial work in my studio. There is quite a bit of feedback between the two activities; the first keeps me thinking creatively and the second gives me the means to make these ideas a reality.

I’m tempted to think that the current crisis is also affecting the design scene, and that we all have to change our ways of handling projects. In this sense, I think that the challenge is in finding the solution to real needs and problems, ignoring design’s other use as a sales tool or a form of seduction. While seduction is certainly one of our attributes, I prefer to do it in the context of commitment and sustainability.

«I would like to seduce in the terrain of commitment»

I believe that our future environment will be a highly technological simplicity, with fewer objects but which are far more efficient. We will move beyond the idea of the functional object to one of a more rational functional space. Maybe once we have simplified our surroundings, we will come to like and appreciate objects again.

FOTOS: IONA

Medallas y trofeos para los campeonatos mundiales de natación Barcelona (2003) Medals and trophies for the World Swimming Championships in Barcelona (2003) Los campeones de Barcelona03 recibieron las medallas y trofeos más sorprendentes de unos Mundiales de natación, con un innovador diseño en el que el agua destaca como elemento principal. El agua no solo es el medio físico en el que sé desarrolla la natación, es también el premio.

The champions of Barcelona 03 received the most surprising medals and trophies ever awarded in any World Swimming Championships, with an innovative design where water is the principal element. Water is not only the physical medium where swimming takes place, it is also the prize.

«me gustaría seducir en el terreno del compromiso» No me resulta fácil definir mi método creativo, suelo presumir de no tenerlo, de abordar cada proyecto de forma diferente, pero seguramente con el tiempo me he creado unas maneras de abordar el proceso creativo…

Me considero una persona observadora y fabuladora, me gusta imaginarme historias, completar intuitivamente el conocimiento parcial que tengo de las cosas. La actualidad, el entorno, la gente, son mi principal fuente de trabajo. He tenido la suerte de poder viajar mucho en los últimos años y esto me ha permitido tener una visión más amplia. En el 2007 estuve en Pekín, Venecia

www.martinazua.com

FOTO: MARTÍN AZÚA

Copa FAD (2009) La copa del Fad 2009 es un homenaje a Mater el proyecto mas emblemático del Fad relativo a los materiales. La copa se hace real gracias a un imaginario material, con el sencillo gesto de verter un líquido la copa se revela, una copa fluida y efímera para una era donde los nuevos materiales serán los protagonistas.

The Fad Cup 2009 is a homage to Mater, the most important project FAD has made on the subject of materials. The cup becomes real through an imaginary material, and the simple act of pouring liquid into the cup makes the fluid, ephemeral cup visible, for a period in which the protagonists will be new materials.

y en el lago Mamori, en el Amazonas, en un periodo de semanas. Percibí unos contrastes de paisaje y culturales enormes pero todos forman parte de una misma realidad, un mundo complejo en el que todo tiene que ver con todo; la historia, la economía, las limitaciones materiales del entorno…., viajar es alejarse para relativizar nuestros problemas, para tener conciencia de otras realidades. Soy permeable a recoger referencias muy dispares. Primero uno empieza planteándose preguntas y después, de una manera intuitiva, utilizando todos los referentes de que dispones, empiezas a desarrollar hipótesis. Creo que las primeras fases de creación y conceptualización las abordo desde un punto de vista casi artístico, aquí juega un importante papel mi formación en Bellas Artes. En esta fase todo es posible, la imaginación es el límite. Después hay un proceso de concreción donde lo pensable ha de ser también posible, y es en este punto donde aparecen la limitaciones tecnológicas, materiales, económicas, las de índole social y medioambiental. Tengo la suerte de poder compaginar proyectos muy especulativos

destinados simplemente a ser mostrados o publicados con un trabajo más comercial en mi estudio. Estas dos actividades se retroalimentan: la primera me mantiene en forma creativa y la segunda me da herramientas para poder hacer realidad estas ideas.

En este periodo de crisis en que vivimos quiero pensar que el diseño también lo está, y que de alguna manera tenemos que cambiar nuestra forma de enfrentarnos a los proyectos, en este sentido pienso que el reto está en dar solución a las auténticas necesidades y problemas, olvidando el diseño como un simple argumento de venta o seducción. Si bien es cierto que seducir forma parte de nuestras atribuciones, me gustaría hacerlo en el terreno del compromiso y la sostenibilidad.

Creo que en el futuro nuestro entorno será de una sencillez muy tecnológica, tendremos muchos menos objetos, pero en su conjunto serán mucho más eficaces, superaremos la idea de objeto-función por otra de entorno funcional mucho más racional. Quizás cuando hayamos simplificado nuestro entorno volveremos a querer y apreciar los objetos.

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FOTOS: MARTÍN AZÚA

Casa Nido, ne(s)t house (2005) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: Droog Design Aprendiendo de los pájaros que se instalan en un lugar y utilizan los recursos mas próximos, sus nidos se integran de forma natural en el paisaje. La casa nido es una sencilla estructura de metal y cuerda que se completa con materiales naturales; ramas, hojas, etc. No ocupa el territorio, se cuelga de un árbol con una cinta gruesa para no dañarlo, una vez instalada puede servir como punto de observación o un hábitat esencial en el que pasar una noche.

La casa nido permite una percepción del espacio natural como un escenario de vida animal, vegetal y humana.

Diseñado para la exposición Neorrural en Ego Gallery, en Barcelona, en marzo del 2005.

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A lesson learned from birds that settle in a location and use the closest resources to build their nests, integrating them into the landscape. The bird house is a simple metal and rope structure which is completed with natural materials such as branches, leaves, etc. It does not occupy any land, it hangs from a tree by a wide strap so as not to damage it. Once in place it can be used as an observation point or a basic room where you can spend a night. The nest house enables you to see a natural area as a setting for animal, vegetable or mineral life.

Designed for the Neo-rural exhibition in Ego Gallery, Barcelona, March 2005.

Zapatos (2004) Diseño / Design: Azúamoliné Diseño gráfico / Graphic design: Toormix Diseñador Moda / Fashion design: Gabriel Torres Graffiti / Graffiti: Alejandro Cruces, Israel Frutos Equipo Camper / Camper Team Prod.: Camper

Designed using the traditional Catalan handkerchief for making bundles. A bag with a large carrying capacity, with two versions, Catalan and Catalan/African.

FOTO: MARTÍN AZÚA

Bossa catalana (2004) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: C.I.R.E. Diseñada a partir del pañuelo tradicional de hacer hatillos típico catalán. Una bolsa de gran capacidad que se fabrica en dos versiones la catalana y la catalana/africana.

Cazando Sombras (2005) Chasing Shadows (2005) Diseño / Design: Azúamoliné La naturaleza es la protagonista y creadora de su representación, se trata de fotografiar sombras naturales proyectadas sobre un lienzo para después aplicarlas sobre prendas de vestir. Las sombras capturadas estarán identificadas con la fecha, hora y las coordenadas GPS (Global Position Sistem). Diseñado para la exposición Neorrural.

Nature is the protagonist and creator of this representation. These are photographs of naturally occurring shadows projected onto a canvas which are then applied to items of clothing. The shadows photographed are identified by date, hour and GPS (Global Positioning System) coordinates. Designed for the Neo-rural exhibition.

Martín Azúa 53

FOTOS: MARTÍN AZÚA

Exposición Exhibition La Sed (2008) Con / With: Xia Arquitectes, Base Design, Base Motion Comisario / Curator: Pietro Laureano Un espacio de reflexión medioambiental sobre el agua, dentro de la Exposición Internacional de Zaragoza, dedicada al «Agua y desarollo sostenible».

A space for environmental meditations on the subject of water, as part of the International Exhibition of Zaragoza which had “Water and Sustainable Development” as its theme.

54 Martín Azúa

Species evolution (2008) Colaboración / Collaboration: Nacho Martí Espacio Roca en Casadecor. Agua, luz, sensaciones táctiles, sonoras y visuales las species evolution Roca son de este mundo y están diseñados para ofrecernos experiencias «Tecno naturales».

La tecnología en el baño nos acerca a la naturaleza.

Roca space in Casadecor. Water, light, audible, visual and tactile sensations, the Roca “species evolution” form part of this world and are designed to offer us “techno natural” experiences.

Bathroom technology takes us closer to nature.

Martín Azúa 55

56 Martín Azúa

Rebotijo (1999) Prod.: Aguadé Cerámica El botijo tradicional rediseñado que recupera para el presente una manera convivial y ecológica de beber agua fresca. Enfría el agua a pleno sol gracias a la porosidad del barro cocido, con una capacidad de 1,5 litros, se adapta mejor a las necesidades actuales. Hay una versión de verano que enfría el agua y otra de invierno barnizada en su interior para que el botijo no rezume.

The traditional flask, the botijo, has been redesigned to recover this pleasant and ecological way to keep water cool. It cools water in direct sunlight due to the porosity of the earthenware. Its 1.5 litre capacity make it ideal for present-day use. There is a summer version which cools the water and a winter version with a varnished interior so that water does not seep out.

FOTO: MARTÍN AZÚA

Mancha natural (2000) Es una reflexión sobre la ornamentación natural. Una serie de jarrones de cerámica blanca y muy porosa se depositaron en lugares singulares en plena naturaleza, durante un año han sido colonizados por musgos y líquenes creando micropaisajes que evidencian el poder de la naturaleza para apropiarse de lo artificial. La primera versión fue dessarollada en un workshop dirigido por Martín Azúa en la escuela de Beaux-arts de Saint Etiene. Posteriormente en el año 2004 se desarrollaron nuevas versiones para la exposición Open Borders comisariaza por Droog Design. Fue el motivo de un encargo por parte de la empresa Escofet para desarrollar una serie de texturas sobre revestimientos arquitectónicos (Texturas biocolonizables).

This is a reflection on the subject of natural ornamentation. A series of highly porous white ceramic jugs are placed in striking locations in the countryside. They are left for a year so that the are colonised by mosses and lichens, creating tiny landscapes which are evidence of nature’s capacity to take over the artificial. The first version was developed in a workshop directed by Martín Azúa in the School of Fine Arts of Saint Etienne. A new version was commissioned by Droog Design for the Open Borders exhibition in 2004 It was the motive for a commission from the company Escofet to develop a series of textures for architectural surfaces (Biocolonisable Textures).

Lavabo, taburete (2005) Washbasin, stool (2005) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: Cosmic Un lavabo de polipropileno rotomoldeado que se pueda utilizar en muy diversos contextos además del baño; instalaciones, cuartos de limpieza, garajes, almacenes, incluso en exteriores o jardines equipado con una manguera.

A rotomoulded polypropylene washbasin that can be used in a variety of contexts besides a bathroom; installations, laundries, garages, storerooms, even outdoor or in gardens with a hose.

Taburete Flod (2005) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: Mobles 114 Se trata de un taburete enteramente de plástico de rotomoldeo, su forma es muy orgánica pero en realidad es el resultado de la transición más natural entre la base, el apoyo para los pies y el asiento, este proyecto es el compromiso entre las formas creadas por ordenador y la técnica del rotomoldeo que implica volúmenes cerrados donde pueda repartirse el plástico.

La utilización de un solo material simplifica al máximo el proceso de producción facilita también su reciclaje.

This is a stool made entirely out of rotomolded plastic. Its form is organic but is actually the result of a natural transition from the base, the support for the feet and the seat. This project is a compromise between computer created forms and the rotomoulding technique which creates closed volumes where the plastic is distributed. The use of a single material simplifies the production process as well as its recycling.

Martín Azúa 57

7 Bowls (2005) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: Design-mix para Ferran Adrià Sistema de boles para cocina u mesa, siete boles que combinados o por separado sirven para , batir, mezclar, emulsionar, colar, medir, transportar, guardar, escurrir, manipular y presentar los alimentos…casi todo lo que se puede hacer en la cocina… además apilados ocupan el lugar de uno y optimizan al máximo el espacio en la cocina.

A system of bowls for the table or kitchen that combined or separately can be used to beat, mix, blend, sieve, measure, carry, keep, drain, manipulate and serve food (practically anything you can do in the kitchen). When stacked they only take up the space of one and can therefore maximise the available space.

FOTO: MARTÍN AZÚA

Panera (1998) Diseño / Design: Azúamoliné Prod.: Design-mix para Ferran Adrià Dos aros de acero que nos permiten hacer una panera con cualquier servilleta.

Two steel rings that let us make a bread basket out of an ordinary napkin.

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Sillón Om Prod.: Mobles 114 Om es un sillón con la altura y anchura de una silla. Esta pensado para sentarse en una mesa de un restaurante o mesa de reuniones. Por esta razón su anchura no podía sobrepasar los 60cm. La pieza se diseño con los grosores y ángulos mínimos que permite el rotomoldeo. Se trata de una silla que se puede presentar en plástico para exteriores o tapizada con una funda en interiores. La forma del Om permite que la funda se tense en toda la superficie y no genere arrugas.

El proceso de diseño se inicio con una exploración de formas que permitiesen una buena circulación del material dentro del molde y que además facilitasen el enfundado con costuras bien posicionadas todo dentro de unas medidas próximas a una silla. La ergonomía se trabajó a partir de una maqueta de papel construida a partir de las secciones ergonómicas. Para la versión desnuda se valoraron diferentes acabados: con motivos gráficos y texturas que recordasen los sillones de mimbre.

Las texturas protegen al sillón de las ralladuras del uso.

Om is an armchair with the height and width of a chair. It has been designed for sitting at a restaurant or meeting table. This limits its width to 60cm. The piece was designed with the minimum thickness and angles that rotomoulding can allow. The chair can be used outdoors as it is with a plastic surface, or with a cover for interior use. The shape of Om keeps the cover tight all over the surface and does not wrinkle.

The design process began with an exploration of the shapes that permitted a good circulation of material within the mould and which was also easy to cover using well-positioned seams, all with the dimensions similar to those of a chair. The ergonomics were studied using a paper model made up of ergonomic sections. Different finishes were considered for the uncovered version with patterns and textures that recalled wickerwork chairs.

The textures protect the chair from scratches in use.

Martín Azúa 59

nacho carbonell Valencia, 1980

Skin Collection (2009) Los muebles están recubiertos de una membrana elástica que permite esconder dentro unos «intestinos» que conectan mesa y silla.

The furniture is covered by an elastic membrane that lets us conceal the “intestines” connecting the table and the chair.

Evolution Collection (2008) Evolution One Man Chair Evolution Lover’s chair Mobiliario en papel reciclado.

«Viviendo en una era donde estamos saturados de información a un ritmo frenético, he buscado crear un refugio donde se pueda escapar y digerir este delirio en el que estamos sumergidos.

La idea es proporcionar un poco de paz consigo mismo o con otra persona.»

I like to think of objects as living organisms, imagining them coming to life and being able to surprise me with their behaviour. I want to make things with my hands, so I can give them my personality. I would make them into communication devices that stir the imagination and transmit sensations. I want to make objects with an element of fiction or fantasy, which take you away from your daily life.

62 Nacho Carbonell

Furniture of recycled paper.

“Living as we do in a state of frenzied information overload, I have tried to create a refuge where one can escape and digest this delirium around one. The idea is to find a little peace with yourself or with somebody else.”

«I like to think of objects as living things»

Craft Punk (2009) Modelo de la serie de «bestias» creadas sobre una estructura metálica recubierta con retales de ropa y cuero de marca Fendi grapados.

Realizado en Spazio Fendi de Milán y de Miami.

Model of the “beasts” series created by stapling rags and Fendi brand leather onto a metal structure. Created in the Spazio Fendi of Milan and Miami.

«Me gusta ver a los objetos como organismos vivos» www.nachocarbonell.com

Me gusta ver a los objetos como organismos vivos imaginándomelos viniendo a la vida y ser capaz de sorprender con su comportamiento. Quiero crear objetos con mis manos, así puedo darles mi personalidad. Los convierto en objetos de comunicación que pueden despertar la imaginación y transmitir sensaciones. Lo que quiero es crear objetos con un elemento de ficción o fantasía, que te permitan escapar de la vida cotidiana.

Nacho Carbonell 63

Por las ramas (2006) Proyecto experimental sobre el hábitat en el paisaje. Realizado en plástico biodegradable, este diseño entre lo natural y lo artificial se inspira en los nidos de insectos.

Propuesta biomórfica efímera.

Experimental project on habitat in the landscape. Made of biodegradable plastic, this design falls between the natural and artifical and is inspired by a bee hive.

An ephemeral biometric proposition.

Balonas Esferas creadas en material biodegradable pensadas para alojar velas y dejarlas en el exterior. Poco a poco en la intemperie el tiempo las irá descomponiendo.

Spheres made of biodegradable material as supports for candles outdoors. The weather will erode them little by little.

64 Nacho Carbonell

Dream of Sand (2007) Se trata de un sofá modelable in situ. El recubrimiento exterior de caucho contiene arena que puede ir acomodándose de forma personalizada según queramos.

This is a sofa which can be changed in situ. The rubber outer coating contains sand so that it can adapt to our forms, making it personalised.

Hot Kettle Proyecto de tetera eléctrica que al calentar el agua reacciona mostrando en su superficie la palabra «HOT».

A project for an electric kettle that reacts to hot water by displaying the word “HOT” on the surface.

Nacho Carbonell 65

Soft Concrete (2007) Sofás elaborados in situ con hormigón blanco o coloreado. La apariencia es similar al sofá blando de toda la vida, pero su textura es pétrea y resistente al exterior.

Sofas made on site with white or coloured concrete. The appearance is that of a normal, soft sofa, but its texture is hard and suitable for outdoors.

66 Nacho Carbonell

Pump it up (2008) Es un sofá que insufla vida a unas mascotas. Cuando te sientas en él, distribuye aire a través de tubos que inflan diversos animales que te dan compañía. Cuando te levantas, desaparecen desinflándose y vuelves a estar solo. Presentado por Droog en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

This sofa breathes life into pets. When you sit on it, the air is distributed through some tubes to inflate various animals which keep you company. They deflate and disappear when you get up, leaving you alone again.

Presented by Droog in the Venice Biennal of Architecture.

Nacho Carbonell 67

Curro Claret

Barcelona, 1968

FOTO: EVA GONZÁLEZ

Biombo-colgador Amalia (2008) Screen-coatstand Amalia (2008) Prod.: Mooa A partir de una estructura básica ligera, permite colgar las chaquetas, bolsos, cascos, etc. de modo que hagan también de pantalla visual. Puede funcionar desde un solo módulo suelto apoyado en la pared hasta tantos como desee el usuario (hay tres módulos con tres anchuras diferentes), con libertad para darle distintas formas, juntándose los módulos con juntas tóricas.

A lightweight basic structure where you can hang jackets, bags, helmets etc. so that they also form a visual screen. It may consist of a single module attached to the wall, or as many as the user wants (there are three modules of different widths), with complete freedom to combine them in different ways using O rings.

It rarely happens directly, spontaneously, although it has happened.

In general, I like to give “the question” plenty of thought, to consider the different aspects that are involved in the project and get a little obsessed with it.

I like to read a book which is more or less directly related with the subject, whether theoretical, fictional or one that simply falls into my hands by chance.

Sometimes (I hope always) I revert to asking myself about the why and wherefore of the object or subject that is to be designed.

I try to avoid immediately formulating mental images of what the finished product will be. If one pops into my head,

70 Curro Claret

I treat it with mistrust (unless the deadline is closing in).

I usually have a file (physical and virtual) for each project where I bring together the brief, the information on the subject, photos, cuttings and sketches.

Once things start to happen, such as sketches being made, we begin by generating renders and quick models, meetings and dialogue with the client and with myself, and whenever possible a prototype.

I have the feeling that nearly all designers must work in the same way.

I like the diagrams and figures which relate and assess the different issues to be considered, although I don’t think I really use them much (possibly because the pro-

«It rarely happens spontaneously...» jects I have been working on until now have not been particularly complicated).

I am quite slow and thoughtful, and I think I probably need more time to design than other designers.

In any case, I don’t think I have a single, unshakeable method, and different things happen with each project.

«Raramente sucede de manera espontánea...»

Raramente sucede de manera espontánea y directa, aunque a veces pasa. Por lo general me gusta darle muchas vueltas a «la cuestión» a tratar, entender los diferentes aspectos que rodean el proyecto y comerme un poco la cabeza. Me gusta leer algún libro en

www.curroclaret.com

FOTO: XAVIER PADRÓS

Bolsa de basura de viaje (2009) Prototipo para la exposición malab 5 años Travel bin bag (2009) Prototype for the exhibition malab 5 years Bolsa de basura para llevarse de viaje a países sin infraestructura para gestionar adecuadamente los residuos.

La bolsa recogería todos los residuos que el visitante va generando para llevárselos de vuelta a su país de origen.

Refuse bag for trips to countries that do not have infrastructure for the correct handling of waste. The bag will contain all the waste that the visitor generates so that it can be returned to his own country.

relación más o menos directa con el tema, teórico, novelesco o el que por casualidad pueda caer en mis manos. En ocasiones (espero que siempre) recurro a aquello del preguntarse por el porqué y para qué de la cosa o tema a diseñar. Intento evitar tener enseguida imágenes mentales finales de a dónde llegar. Y si me vienen a la cabeza, desconfío de ellas (a menos que la fecha de entrega esté muy próxima).

Suelo tener una carpeta (física y virtual) para cada proyecto, donde recojo el brief, informaciones varias sobre el tema, fotos, recortes y croquis. Una vez empieza a pasar algo, a aparecer algún croquis, comienzan por lo general a generarse renders y maquetas rápidas. Encuentros

y diálogos con el cliente y conmigo mismo. Y prototipo siempre que se puede. Pero tengo la sensación de que casi todos los diseñadores lo debemos hacer así. Me gustan mucho los esquemas y diagramas para relacionar y valorar las distintas cuestiones a tener en cuenta, aunque me parece que al final no recurro mucho a ellos (quizás porque los proyectos que he estado realizando hasta ahora no son de una gran complejidad).

Soy muy lento y dubitativo y creo que necesito por lo general más tiempo para diseñar que los otros diseñadores. Pero en cualquier caso, sin embargo, no creo que tenga un único e inamovible método, en cada proyecto pasan siempre cosas distintas.

Curro Claret 71

FOTOS: EDUARD PUERTAS

FOTO: XAVIER PADRÓS

Cajas pizarra (1996) Colección particular Blackboard boxes (1996) Private collection Cajas de cartón con una cara pintada de pizarra para poder escribir o dibujar lo que se guarda dentro.

Cardboard boxes with one side painted to function as a blackboard where the contents can be written or drawn.

Cortador de pan y comedero de pájaros (1997) Bread cutter and bird feeder (1997) Al cortar el pan las migas caen por unos agujeros a un embudo y de ahí a una manguera que las lleva al exterior a un recipiente para los pájaros libres.

When cutting bread, the crumbs fall through some holes into a funnel and from there into a tube that takes them outside to a container for wild birds.

72 Curro Claret

FOTO: EDUARD PUERTAS

Cajonera (2003) Prototipo Box cupboard (2003) Prototype Cartelas de diferentes longitudes para soportar cajas de cartón, plástico, madera, etc. aportadas por el usuario para generar una cajonera con la forma que él quiera darle.

Panels of different lengths to support cardboard, plastic, wooden boxes etc. which the user provides to create a chest of drawers in the form desired.

Curro Claret 73

FOTO: XAVIER PADRÓS

FOTOS: EDUARD PUERTAS

Paperina de castañas doble (1997) Prototipo / Prototype Rediseño de la paperina para castañas utilizada en los puestos ambulantes de la calle.

Tiene dos recipientes, uno para las castañas y el otro para sus cáscaras.

New design for the paper cone for roasted chestnuts sold in the street. It has two pockets, one for the chestnuts and another for their shells.

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Pica de baño (2005) Prototipo para una empresa de baño, propuesta descartada Prototype for a bath furnishings manufacturer, proposal rejected Pica con un recipiente independiente sin desagüe para permitir un segundo uso del agua como por ejemplo para rellenar la cisterna del baño, fregar el suelo, limpiar un perro, regar las plantas, etc.

This basin has an independent recipient without a drain so that the water can be used again, for example, to refill the cistern, mop the floor, wash the dog, water the plants, etc.

FOTOS: XAVIER PADRÓS

FOTOS: XAVIER PADRÓS

Lámpara gorra (2002) Prod.: Cha-Cha Aplique de pared en el que una gorra, sombrero, casco de bici, etc. aportado por el usuario hace la función de pantalla tamizando y coloreando la luz.

Wall applique which allows the user to place a hat, cap or cyclist helmet on it to act as a shade, giving texture and colour to the light.

Joya «no me olvides» (2004) Prototipo “Forget me not” jewel (2004) Prototype Joya de amor realizada a partir de una copia de un fragmento de la dentadura de la persona querida.

Love jewel made from a copy of a fragment of the loved one’s teeth.

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Trofeo de Teatro (2006) Serie limitada para los premios de La Muestra de Teatro de Barcelona Limited edition for the La Muestra Awards of Barcelona Theatre Trofeo diseñado para unos premios de teatro; parten del dicho que tienen los actores antes de salir a actuar para desearse buena suerte de «mucha mierda».

Trophy designed for theatre awards. They are based on the phrase used by actors to wish each other luck before going on stage, “Mucha mierda” [loads of manure], the equivalent of “break a leg”.

Jardineras blandas (2007) Prototipo para el Departament de Medi Ambient de la Generalitat de Catalunya Prototype for the Environment Department of the Generalitat de Catalunya Jardineras blandas, flexibles y ligeras realizadas en caucho rehusado, para potenciar la presencia de las plantas en muchos más lugares que las jardineras sólidas y pesadas no permiten; como en terrenos inclinados, colgadas de fachadas o sobre marquesinas de autobús.

Light, soft, flexible plant pots made of cast off rubber which encourage the presence of plants in those places where solid, heavy plant pots cannot go, such as sloping land, hanging on façades and on top of bus stops.

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FOTO: XAVIER PADRĂ“S

Florero Chapapote (2006) Prototipo / Prototype Floreros para ser realizados con el chapapote recogido del petrolero hundido Prestige tras su accidente en las costas gallegas.

Flower vases made of the spilled oil from the sunken tanker Prestige which collected on the coasts of Galicia.

Curro Claret 77

culdesac

Bri Alcover (Castellón, 1978) Rafa Arexavaleta (Valencia, 1981) Maite del Mundo (Barcelona, 1983) Lucia del Portillo (Valencia, 1981) Paloma del Portillo (Beneixama, Valencia, 1979) Natalia Ferrero (Valencia, 1985) Pepe Garcia (Valencia, 1974) Smara Iglesias (Alcalá de Henares, Madrid, 1977) Loli Juan (Valencia, 1969) Jordi Lahuerta (Valencia, 1983) Josep Llopis (Ontinyent, Valencia, 1982) Alberto Martinez (Nules, Castellón, 1974) Garen Moreno (Los Angeles, EE.UU., 1978) Juan Poveda (Valencia, 1974) Xavi Sempere (Valencia, 1974) Raquel Torres (Valencia, 1986) Eugenio Viñas (Alaquàs, Valencia, 1986) Sophie von Schonburg (Málaga, 1979)

Atlantic (2009) Prod.: Bernhardt Design Queríamos explorar un nuevo lenguaje entre el armazón de madera y la tapicería, queríamos explorar la manera en que ambos materiales se comunican entre sí, utilizando palabras como «integración». Para ello acuñamos el término «virtuoso tecnológico», como concepto de integración en el que la combinación de las piezas que conforman el conjunto se perciben como tal. Nos concentramos en el automóvil, como ejemplo de industria contemporánea desarrollada según estas premisas.

We wanted to explore a new language between the wood structure and the upholster, we wanted to explore the way both materials communicate with eachother, based on words like: Integration. For this we coin the term “Technological Virtuoso” as a concept of integration where the combination of the pieces conform and are perceived as a whole. We centered in the automobile, as a contemporany industry that was developed along these premises.

We were once described by Antonio Monerris (president of Spain’s strategic planners) thus, “CuldeSac is the human experience of innovation”. This is what shapes our activity, the human touch that impregnates everything we do. The human relations that are generated by each project are a fundamental part of our work. The emotional input of the client forms part of the design we create. There are clients who think that their relation begins and ends with the money invested and are unaware of the details that cannot be bought on any budget, they do not know that the personal relation that is created is directly proportional to the sensitivity and soul that the object designed is capable of capturing and transmitting. Design is a more enriching journey if taken in good company.

CuldeSac was set up in order to have more time. Time to allow for a more profound reflection on everything that was proposed or which troubled us. CuldeSac was not set up to be anybody’s studio but to become a creative space shared by 18 superheroes with a single superpower each. Time has shown CuldeSac to

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be a work platform from which each of its members can stand out, can grow. The ideas in CuldeSac belong to the group and are the sum of a collective effort. CuldeSac always offers the chance to participate; there is a primary stage in which everyone is invited and where the aim is to suggest points of view.

Of course, the main idea behind each project comes from one person, but from this moment the idea begins to mature and transform through the contribution of the group. We might say that the initial idea is like the raw material of any industrial process, it is at the base of the result but would not have achieved its potential without the action of transformation. This is why we have control and criticism sessions where the team assigned to the project present their progress and solutions, and in which the whole group takes part.

At present CuldeSac has become a form of life, a place where our projects, families, friends, travels, celebrations and clients are all mixed in together.

As we usually say: The whole is greater than the sum of the parts.

«CuldeSac is the human experience of creation»

We have not stopped working since we started 6 years ago. They have been six intense years in which we have dedicated our lives and passions, marked by occasions like becoming the first design studio in Spain to win a Compasso d’Oro, something that encourages us to keep working every day to improve our processes and feeding our passion for design.

Timeless (2003) Prod.: Product & passion Un objeto incrustado en la memoria: reeditarlo en un nuevo material, para conseguir una pieza actual, con una gran carga psicológica, capaz de convertirlo en objeto de deseo.

An object buried in our memories: reproduced in a new material to create a modern piece with a powerful psychological charge, capable of becoming an object of desire.

«Culdesac es la experiencia humana de la innovación» Como una vez nos definió Antonio Monerris (presidente de los planners estratégicos de España) «CuldeSac es la experiencia humana de la innovación». Eso es lo que marca nuestra actividad, el carácter humano que impregna todo lo que desarrollamos. Para nosotros las relaciones humanas que se generan en cada proyecto son fundamentales, lo que el cliente te aporta durante el proyecto a nivel emocional se lo devolvemos nosotros con nuestro diseño. Hay clientes que se creen que su relación comienza y acaba con su aporte económico y no se dan cuenta de que hay matices que no se

www.culdesac.es

compran con ningún presupuesto, que la riqueza de esa relación personal que se establece es directamente proporcional a la sensibilidad y el alma que el objeto de diseño es capaz de captar y transmitir. El diseño es un viaje más rico si se realiza en buena compañía.

CuldeSac se creó para disponer de tiempo, tiempo para poder reflexionar de una manera más visceral sobre todo aquello que se nos plantease o aquello que nos inquietara. CuldeSac se creó no para ser el estudio de nadie en concreto sino para convertirse en un espacio creativo en el que conviven en la actualidad 18 superhéroes, cada uno con un superpoder único, con el tiempo CuldeSac se ha convertido en una plataforma de trabajo desde la que cada uno de sus componentes es capaz de proyectarse, es capaz de crecer. Las ideas en CuldeSac, pertenecen al grupo, todas son la suma de un trabajo colectivo, en CuldeSac, siempre existe la posibilidad de proponer, hay una primera fase en la que todos estamos invitados y donde se trata de sugerir puntos de vista propios.

Por supuesto, en cada proyecto la idea principal parte de

una persona, pero a partir de ese momento, la idea comienza a madurar, a transformarse a partir del aporte del grupo, podríamos decir que las ideas iniciales son como la materia prima de cualquier proceso industrial, son la base del resultado, pero sin esa actividad posterior de transformación, no alcanzarían su plenitud. Para ello se establecen sesiones de control y critica donde el equipo asignado expone los avances y soluciones a las que se va llegando, y donde de nuevo participa todo el grupo.

En la actualidad CuldeSac se ha convertido en un estilo de vida, un lugar donde se mezclan proyectos, familia, amigos, viajes, celebraciones, clientes…

Como solemos decir: El todo está por encima de la suma de las partes.

Desde que empezamos no hemos parado, han sido seis años muy intensos a los que les hemos dedicado toda nuestra vida y pasión, hitos como ser el primer estudio de diseño español en ganar un Compasso d´Oro, nos reafirman en nuestra postura de seguir trabajando cada día por mejorar nuestros procesos y continuar alimentando nuestra pasión por el diseño.

CuldeSac 81

El Mil del Poaig (2008) Prod.: El Poaig Contenedor y embalaje para aceite de gran calidad. Proteger y comunicar el gran valor de un aceite procedente de olivos milenarios. Un aceite que viajará del Maestrat, Valencia, al mundo.

Container and packaging for a high quality oil. To protect while communicating the enormous value of an oil produced from millennial olive trees. An oil that will reach out from Maestrat, in Valencia, to the world.

Aplique Loop (2009) Prod.: Vibia + Swarovski Diseño que utiliza la innovación como clave y espacio común entre dos empresas aparentemente lejanas, Vibia, empresa productora de lámparas, y Swarovski, productora de cristal. Utiliza luz de leds que se proyecta sobre la superficie acristalada evitando deslumbrar.

Innovation is the key to this design and a common feature of two apparently distant companies, Vibia, a company producing light fittings and Swarovski, glass manufacturer. It uses led lights which project on the glass surface, avoiding glare.

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Re-Cyclos (2005) Prod.: Lladró A partir de elementos clásicos de la empresa cerámica Lladró (como bolas navideñas y campanas) se realizaron nuevos productos, como coronas, y una espectacular campana formada por 200 bolas.

Fue presentado en New York y Los Angeles (EE.UU.).

Classic elements of the ceramic company Lladró, (Christmas baubles and bells) were used to create a new series of products, such as crowns and a spectacular bell made up of 200 baubles.

It was presented in New York and Los Angeles (USA).

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FOTO: RAFAEL VARGAS

Welding Wood (2009) Hemos combinado dos técnicas diferentes de producción de mobiliario tradicional —las juntas de madera con torneado y el curvado de la madera— de modo muy claro para crear lo que hemos definido como Welding Wood: donde dos piezas se conectan, la sección de la madera aumenta, después, la madera se curva con el fin de conseguir la estructura y funcionalidad.

We have combined two different production techniques of traditional furniture —lathe joined wood and steam bentwood— in a clear way to generate what we have defined as Welding Wood: Where two pieces connect, the section of the wood increases, and once this is done the wood is curved to achieve the structure and functionality.

84 CuldeSac

Neos (2006) Prod.: Lorenz La legendaria empresa relojera milanesa Lorenz propuso a CuldeSac renovar su repertorio con la nueva colección Neos. El uso de nuevos materiales y el diseño ligero fueron las claves de la propuesta, ganadora del prestigioso premio de diseño Compasso d’Oro en 2008.

The legendary watch making company Lorenz asked CuldeSac to update their catalogue with the new Neos collection. The use of new materials and a lightweight design were the key concepts of the project, which won the prestigious design award Compasso d’Oro in 2008.

Bowler project (2009) Prod.: Indera Basándose en la idea de un sombrero de fieltro y su técnica de producción para crear una colección de piezas diferentes, desde mesas bajas a taburetes y pufs, trabajando con diferentes proporciones y en los pequeños detalles, para crear piezas simplemente atractivas, llenas de gracia y personalidad.

Working around the idea of a felt hat and its production technique, to create a collection of different pieces from low tables to stools and poufs, working with different proportions, and on the little details, to create simply desirable pieces, full of softness and personality.

CuldeSac 85

díez+díez diseño

Javier Díez (Madrid, 1966)

José Luis Díez (Madrid, 1968)

Librería Virtual (2000) Prod.: MiSCeL·LàNia La librería Virtual está concebida como un verdadero homenaje al libro, convirtiendo la arquetípica columna inestable, pesada e inaccesible de volúmenes que invade mesas, suelos y cualquier rincón de nuestras bibliotecas, en una imagen ligera y dotada de un carácter mágico y poético que manifiesta de alguna manera la acumulación del conocimiento humano a lo largo de los siglos.

Virtual se convierte de esta manera en un diseño no ya minimalista sino que podríamos definir como esencialista, alejada de modas o tendencias, que consigue transformar una imagen tópica y por otra parte universal en otra totalmente actual ligada a conceptos tales como son la ligereza o la virtualidad.

Our work aims to be essential, sincere and simple.

We are purchasers and end-users before we are designers.

What matters is the result of our work, not us.

We look on people as containers of feelings, ideas, dreams, sensations….. not as potential purchasers and consumers We don’t like to shout, we prefer to talk. In any case we prefer our designs to whisper.

We understand design as an excuse to understand the world.

We don’t like to be hurried, nor fashions or trends. We would like our work to be timeless.

We are not artists. We leave art for our days off, but we prefer our working days.

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We consider objects to be transmitters of sensations and ideas.

See, hear, feel, think, live...., then design.

We work for a present that is to endure in time.

We have no interest in predicting a future that will soon be obsolete.

We do not claim to have a style. Every one of our works has its own style.

We look for the idea, the concept behind the project before the image of the object.

We are not minimalists, we work with essences.

We design from our experience, not from a formula.

Simple objects for a complex world, slow objects for a changing world.

We work for people; we don’t design for the front

The Virtual bookshelf is conceived as a true homage to books, converting the archetype of an unstable, heavy and inaccessible column of volumes that invades tables, floors and any corner of our libraries, into a light image endowed with a magical and poetical character that shows in some way the accumulation of human knowledge over the centuries.

In this way, Virtual becomes not so much a minimalist design, as something that could be defined as essentialist, remote from fashions and trends, and which succeeds in transforming a clichéd and universal image into a totally modern one related to concepts like lightness and virtualness.

«Our work aims to be essential, sincere and simple» pages of magazines, nor for museums, nor exhibitions or awards.

We would prefer to sell a million objects worth one euro than an object worth a million euros.

Déjà vu (o la magdalena de Proust) (2008) Prod.: díez+díez diseño Déjà vu es una magdalena en cerámica, cuya misión es la de albergar en su interior lo que uno elija (arena de una playa, los pétalos de una flor, el algodón en la colonia del ser amado, etc.), de tal manera que al acercarla y olerla, nos evocará imágenes y recuerdos asociados a dicha fragancia, como Proust explica en un pasaje de «Por el camino de Swann» en su libro «En busca del tiempo perdido».

Lo que Proust dice en el texto es que un aroma puede evocar imágenes y recuerdos de una manera más potente que otros sentidos como la vista o el oído. Lo que hemos creado de alguna manera es una magdalena «con memoria interna.»

Déjà vu is a ceramic magdalen, which is used for holding whatever one chooses in its interior (sand from a beach, petals of a flower, cotton with the cologne of a loved one, etc.) in such a way that approaching it and smelling it, it evokes images and memories associated with the fragrance, as Proust explains in a passage from “Swann’s Way” in his novel “In Search of Lost Time”. What Proust says in the text is that an aroma can evoke images and memories more powerfully than other senses like sight and hearing. In some way, what we have created is a magdalen “with internal memory”.

«Nuestro trabajo pretende ser esencial, sincero y sencillo» Somos compradores y usuarios antes que diseñadores.

Lo importante es el resultado de nuestro trabajo, no nosotros mismos.

www.diezmasdiez.com

Vemos a la gente como contenedores de sentimientos, ideas, sueños, sensaciones…, no como potenciales compradores y consumidores.

No nos gusta gritar, preferimos charlar; en todo caso preferimos que nuestros diseños sólo susurren.

Entendemos el diseño como una excusa para entender el mundo.

No nos gustan las prisas, ni las modas, ni las tendencias; pretendemos la atemporalidad para nuestros diseños.

No somos artistas, dejamos el arte para los días festivos; preferimos los días cotidianos.

Consideramos los objetos como trasmisores de sensaciones e ideas.

Ver, oír, sentir, pensar, vivir…, después diseñar.

Trabajamos para un presente que perdure en el tiempo.

No estamos interesados en predecir un futuro que pronto quede obsoleto.

No pretendemos tener un estilo; cada uno de nuestros trabajos tiene su estilo.

Buscamos la idea, el concepto del proyecto, antes que la imagen del objeto.

No somos minimalistas, somos esenciales.

Diseñamos desde la experiencia, no desde la fórmula.

Objetos sencillos para un mundo complejo, objetos lentos para un mundo cambiante.

Trabajamos para la gente, no diseñamos para las portadas de las revistas, ni para los museos, ni las exposiciones, ni los premios.

Preferimos vender un millón de objetos de un euro, que un objeto de un millón de euros.

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Bancos Godot (2003) Prod.: Escofet 1886 Concebimos el espacio urbano como un ámbito de encuentros casuales, de citas esperadas, de pensamientos azarosos hallados sin buscar; un espacio a modo de mirador de tiempos pretéritos y a la vez cotidianos, o de atalaya de sueños proyectados en el horizonte; un lugar donde compartir soledades o explorar descubrimientos lúdicos; un entorno con islas de quietud para el descanso del caminante o del lector, otro viajero en definitiva.

Queremos plazas donde se encuentren los recién llegados y calles donde los que ya estaban descubran otros mundos. Por ello hemos creado Godot, un banco lento, ligado íntimamente a un elemento tan intemporal como lo es el árbol, a cuya sombra esperamos, no se sabe bien a quién ó qué, ¿a los otros, a ella, a él, a nosotros mismos?

We conceive urban space as a place for chance meetings, arranged dates, of random thought found without being sought; a kind of look-out over past and, at the same time, everyday moments, or a watchtower of dreams projected on the horizon; somewhere to share loneliness or explore new amusements; an ambience with islands of peace for the traveller’s rest or for the reader, who is in fact another traveller.

We would like squares where new arrivals meet and street where those already there can discover other worlds. For this reason we have created Godot, a slow bench, intimately related with such a timeless element as a tree, in whose shadow we wait, we know not for whom or what: for others, for her or him, or for ourselves?

Bancos Pleamar (2006) Prod.: Gitma Realizados en hormigón.

El banco Pleamar fue seleccionado en 2007 para participar en la 2ª Bienal de la Mediterrània celebrada en Barcelona, y a raíz de esta selección forma parte de la colección permanente de arte del Museo Marítimo de esta ciudad. La idea de este banco nació al querer continuar el camino comenzado con el banco Zen, inspirado en una roca, de recuperación de lo natural en el espacio urbano; para ello tomamos como referencia el poemario Marinero en tierra de Alberti y trabajamos sobre la idea de llevar la mar hasta el interior de cualquier plaza o calle, hasta cualquier ciudad o plaza donde aquella es simplemente un sueño, una quimera ó un recuerdo.

Made in concrete.

The Pleamar bench was selected in 2007 to take part in the 2nd Mediterrania Biennial held in Barcelona, and as a consequence of this it forms part of the permanent collection in the Maritime Museum of the city. The idea of this bench was born as the continuation of the way begun with the Zen bench, inspired by a rock, of recovering natural things in urban space. To do this we took as our reference the poem Sailor on Dry Land by Alberti and worked on the idea of taking the sea into the middle of any square or street, to any city or place where that might simply be a dream, a chimera or a memory.

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Bancos Zen (2000-2008) Prod.: Urban La idea original que ha marcado el diseño de este producto ha sido la de crear un elemento, una roca en realidad, fácilmente integrable tanto en espacios naturales como en ámbitos de creación proyectual por parte de arquitectos, urbanistas, paisajistas, etc.; con una geometría alejada de la racionalidad y minimalismo imperantes, y si se quiere incluso orgánica, Zen busca una comunión fluida tanto con el entorno en el que sea instalado como con el potencial usuario que pueda hacer uso de él.

The original idea that marked the design of this product has been to create an element, a rock in fact, easily integrated in natural areas and spaces designed by architects, town-planners, landscapers, etc, with geometry different from the reigning rationality and minimalism, if you like, even organic. Zen seeks fluent communion both with the environment in which it is installed and with the potential user who might use it.

Bolardo Haiku (2007) Prod.: Tecnología & Diseño Cabanes Haiku ha sido creado con la intención de dotar a un elemento habitualmente tan rígido y monolítico como es el del bolardo de unas connotaciones de fluidez y naturalidad que faciliten su integración visual en el espacio público; la ligera torsión ascendente de su sección triangular imprime una agradable sensación de movimiento, similar a la que provocaría en una columna de humo una ligera brisa.

Haiku bolard has been created with the aim of endowing such a usually rigid and monolithic element as a bollard with connotations of fluidity and naturalness, to facilitate its integration in public space; the light ascending torsion of its triangular cross-section gives it a pleasant feeling of movement, like a column of smoke in a light breeze.

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Banco Miriápodo (2004) En colaboración con Trem Diseño Industrial In collaboration with Trem Diseño Industrial Prod.: Tecnología & Diseño Cabanes El banco Miriápodo nace de la idea de formalizar un banco que no se percibiese como fragmento, como segmento parcial de una entidad mayor; queríamos crear un elemento de asiento potencialmente infinito, que en una especie de travelling lateral recorriese espacios, atravesando ciudades y campos, plazas y edificios, permitiendo acoger gente con diferentes necesidades, que permitiese diversos usos, que definiese, en una metamorfosis continua, diversas conformaciones.

The Miriápodo bench was born from the idea of formalising a bench that is not seen as a fragment, as the partial segment of a larger entity. We aimed to create a seating element that was potentially infinite, that in a kind of lateral travelling could cross spaces, run through cities, fields, squares and buildings, welcoming people with different needs, that would enable different uses, that would define in a continuous metamorphosis, different configurations.

Taza Tímida (1995) Prod.: díez+díez diseño (Serie limitada / Limited series) Ejercicio creativo, (no sabemos si es diseño o si es arte, tampoco nos importa), de reflexión personal alrededor de un objeto cotidiano al que se le dota de una personalidad, de un carácter, de una cualidad humana, haciéndolo así más cercano a nosotros. Las tazas habitualmente te dan la mano, el asa, al saludarte; ésta no, ésta taza es tan tímida que esconde su manita aunque enseguida le tomas cariño y te hace sonreír. Un guiño surrealista y poético, simpático e íntimo.

A creative exercise (we do not know whether it is design or whether it is art, and neither do we care), a personal reflection on an everyday object to give it a personality, a character, a human quality, bringing it nearer to us. Cups usually offer their hand, the handle, when they greet you; not this one, this cup is so shy that it hides its little hand even though you soon get fond of it and it makes you smile. A surrealistic and poetic gesture, amusing and intimate.

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Neobotijo (2006) Prod.: Porcelanas Bidasoa El Neobotijo surge a partir de la idea de redefinir formal y conceptualmente una pieza tan tradicional en la imaginería popular como es la del botijo, para adaptarla a una estética y a unos usos actuales; para ello lo que hemos hecho ha sido fusionar dicho elemento con el conocido brik de leche; hemos tomado del primero su característico pitorro e integrado su tradicional asa, hasta convertirla en un orificio central, a una pieza prismática y limpia que aprovecha el espacio tanto a la hora de su utilización en la mesa como de su colocación en la nevera.

The Neobotijo arose from the idea of redefining formally and conceptually such a traditional object in people’s imagery as the botijo or earthenware jug with spout. It was adapted to modern aesthetics and uses, by fusing this element with the familiar milk carton. From the former we have taken its characteristic spout and integrated its traditional handle, making it into a central orifice, with a prismatic and clean object which makes the best use of space both on the table and in the refrigerator.

Cuenco Introvertido (2007) Prod.: díez+díez diseño La realización de este bol constituye un ejercicio intimista y personal, lúdico y surrealista, alejado por tanto de la producción industrial y masiva, definida por la funcionalidad, habitual del resto de proyectos del estudio díez+díez diseño. El rasgo definitorio y distintivo de esta pequeña pieza de loza es la orientación de su pico que, al contrario de lo que sucede en el resto de piezas destinadas a contener y verter diferentes líquidos, está orientado hacia el interior; este gesto trasgresor se convierte en metáfora de todo aquello que de manera simbólica, desde sueños a esperanzas, quisiéramos verter en este recipiente.

Posteriormente, y una vez materializada esta pieza, descubrimos que a las cualidades metafóricas de la misma se podrían añadir otras de carácter ergonómico; esto es así ya que la hendidura hacia su interior facilita el que este bol sea sujetado con mayor facilidad en un uso más utilitario del mismo.

The production of this bowl was a intimate and personal exercise, a surrealistic amusement, remote therefore from massive industrial production, defined by functionality, as is usual in other products from the diez+diez diseño studio. The defining and distinctive feature of this small piece of china is the orientation of its lip, which unlike other objects used to hold and pour liquids, is turned towards the interior. This unconventional gesture becomes a metaphor for everything, from dreams to hopes, that symbolically we would like to pour into this container.

Later, once the object had been made, we discovered that to these metaphorical qualities we could other ergonomic ones. This is because the lip towards the interior makes the bowl easier to hold in its more practical uses.

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El Ăšltimo Grito Rosario Hurtado (Madrid, 1966)

Roberto Feo (Londres, 1964)

«We call ourselves a post-disciplinary design studio, because we do not acknowledge the existence of disciplines, only an inter-related whole» People say that we at El Ultimo Grito work on the border between art and design.

This means that “the art world sees us as designers, and the design world considers us artists”. To be frank, we have trouble in understanding this distinction. Our work, like our life, is nourished by a wide range of influences which include philosophy, sociology, cinema, painting, sculpture, furniture, products, science, languages, literature, comics, food,… all of which is reconfigured in the course of our work emerging at once without discrimination.

We probably form part of the generation that Baricco called “the barbarians”. We understand culture and its objects from multiple perspectives, seeing the world around us through a collage of information where each of the elements relates to the rest without establishing a cultural hierarchy. These new forms of generating knowledge do not tie in with the divisions into disciplines that the Academy and the Market has imposed on us. There is therefore a clear gap between what the “market” with its incomplete products offers us, and what our new generation of users require.

This generation is one that we refer to as being Post Disciplinar. As a consequence, we, El Ultimo Grito, declare ourselves a Post Disciplinar Design studio. We are post disciplinar because we do not recognise the existence of disciplines, but an interrelated whole and “Design” because design is not a discipline but a process through which people materialize their thoughts, whether in the form of signs, symbols, objects, food, images, buildings, languages, etc. We shall refer to these materializations from now on as objects. We, humans, need to represent our ideas and observations about the world through these objects in order to decode it, to understand it and establish our relationship with it and other humans. The whole mass of these objects is called our culture or knowledge, and is therefore also an object.

Knowledge is acquired and analysed through the design process. For example, in a laboratory context, different theories are tested (theories are objects created through the use of languages, grammatical, mathematical or chemical) For the analysis to take place, we first have to design the experiment-object that will enable us to materialise the theory in an object we can manipulate.

Finally, then, the purpose of design is to decode the world around us so we can transform it into a more “pleasant” and/or “manageable” environment for mankind.

We have developed tools which allow us to interpret the world we live in by creating social, material and spiritual constructs which in turn help us to convert ever more complex ideas into “objects”. For example, we have the word “mountain”. The word “mountain” represents the object “mountain”, and if we ask someone to draw it (supposing they had seen one at some time) everyone would draw more or less the

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same thing: a line that would rise at an angle to a point then descend at an angle to a point roughly level with the starting point. The word “mountain” therefore has a graphic correspondence with an object that represents “the mountain” in our minds. To put it simply, we call this the typology.

Chuck Palahniuk gives us a good example of how typologies are created and knowledge mediated through the character of the mother in his novel “Choke”.

“That big glorious mountain. For one transitory moment, I think I may have actually seen it.” (…)

For one flash, the Mommy had seen the mountain without thinking of logging and ski resorts and avalanches, managed wildlife, plate tectonic geography, microclimates, rain shadow, or yin-yang locations. She’d seen the mountain without the framework of language. Without the cage of associations. She’d seen it without looking through the lens of everything she knew was true about mountains.

What she’d seen in that flash wasn’t even a “mountain.” It wasn’t a natural resource.

It had no name.

“That’s the big goal.” she said. “To find a cure for knowledge.”

For education. For living in our heads.”

The contemporary western world’s need to compartmentalize knowledge does not allow us to see the “mountain” from all these points of view at the same time, or even to see it at all as the Mother in Palahniuk’s novel does, without some acquired framing device.

The challenge that we at El Ultimo Grito face is therefore how to create “objects” that are not associated with the acquired forms of representation dictated by certain modes of living, working and communication. As a consequence, our work always has an exploratory character, creating “probe objects” which we send out into the world through our speculative, commercial and educational projects.

They contribute to the formation and expansion of a new concept of design as a central process in the creation of culture.

Most of the industry is still unaware of the changes that are happening in the world and blame the crisis for its incapacity to readjust to this new generation whose values it does not represent.

As we see it, the first step for industry, and especially non-technological industry, would have to be to understand the concerns of the citizens in contemporary society and suggest ways in which it could find its place, redefining its role for the 21st century. This should be the principal function of design within the industrial sector, enabling it to connect with this “super-sophisticated” generation which does not accept totalitarian versions of what we call culture.

«Nos declaramos un estudio de diseño Post-Disciplinar porque no reconocemos la existencia de disciplinas, sino un todo interrelacionado» Se dice de El Último Grito que trabajamos en el límite entre el arte y el diseño. Lo que quiere decir que «para el mundo del arte somos diseñadores y para el del diseño artistas». A nosotros, francamente, nos resulta difícil llegar a entender esta diferenciación.

Nuestro trabajo, como nuestra vida, se nutre de un amplio abanico de influencias como son la filosofía, sociología, cine, pintura, escultura, muebles, productos, ciencia, lenguajes, literatura, cómics, comida, ... que reconfiguramos en el desarrollo de nuestro trabajo manifestándose a un mismo tiempo, sin discriminaciones.

Probablemente somos parte de esa generación a la que Baricco llama «los bárbaros».

Entendemos la cultura y sus objetos desde una multiplicidad de perspectivas, generando interpretaciones del mundo que nos rodea a través de un collage informativo donde todos sus elementos se tratan sin establecer una jerarquía cultural. Estas nuevas formas de generar conocimiento no concuerdan con las divisiones disciplinarias que nos han sido impuestas desde la academia y el mercado. Por tanto, existe un claro desajuste entre lo que el «mercado» nos ofrece a modo de productos parciales y lo que la nueva generación de usuarios reclamamos.

A esta generación es a la que nosotros denominamos, post-disciplinar. En consecuencia, nosotros, El Último Grito, nos declaramos un estudio de diseño post-disciplinar.

Post-disciplinar porque no reconocemos la existencia de disciplinas, sino un todo interrelacionado, y de «diseño» porque el diseño no es una disciplina sino el proceso mediante el cual las personas materializamos pensamientos, bien sea a través de signos, símbolos, objetos, comida, imágenes, edificios, lenguajes, etc. A estas materializaciones, para entendernos, a partir de ahora vamos a llamarlas objetos. Los humanos necesitamos convertir nuestras ideas y observaciones sobre el mundo en estos objetos para ser capaces de descodificarlo, de entenderlo y relacionarnos con él y con el resto de los humanos. Al conjunto de estos objetos le llamamos cultura o conocimiento, que por tanto, también es un objeto.

El conocimiento se adquiere y analiza a través de procesos de diseño. Por ejemplo, en el contexto de un laboratorio se prueban diferentes teorías (las teorías son objetos elaborados mediante lenguajes gráficos, tanto gramáticos como matemáticos o químicos). Para que este análisis pueda tener lugar hace falta diseñar el objeto experimento que nos va a permitir materializar la teoría en un objeto manipulable.

En última instancia pues, el propósito del diseño es descodificar el mundo que nos rodea con el fin de transformarlo en un ámbito mas «amable» o/y «manejable» para el hombre. Para ello hemos desarrollado herramientas que nos permiten interpretar el mundo que nos rodea creando arquitecturas sociales, materiales y espirituales que nos ayudan a convertir en «objetos» ideas más complejas. Pongamos como ejemplo la palabra «montaña». La palabra «montaña» representa el objeto «montaña», si preguntásemos a cualquier persona que la dibujase (suponiendo que hayan visto una

www.eugstudio.com

alguna vez) todas dibujarían más o menos lo mismo: una línea que sube en un cierto ángulo hasta un cierto punto desde el que empieza a bajar en ángulo hasta otro punto seguramente a la misma altura que el punto en el que comenzó. Así que la palabra «montaña» tiene una correspondencia grafica con un objeto que representa en nuestras mentes «la montaña». A esto, simplificando, le llamamos tipología.

Chuck Palahniuk, a través del personaje de la madre en Asfixia, nos da un buen ejemplo de la mediatización del conocimiento y la creación de tipológicas.

«Esa grande y gloriosa montaña. Por un momento, creo que realmente la he visto». (…)

Por un momento, la Mami vio la montaña sin pensar en pistas de ski ni avalanchas, ni parques naturales, placas tectónicas y geología, ni microclimas, lluvia o puntos yingyang. Vio la montaña sin el marco del lenguaje. Sin la presión de las asociaciones.

La vio sin mirar a través de la lente de todo lo que sabía que era verdad sobre las montañas.

Lo que vio, en un flash, ni siquiera era una «montaña». No era un resorte natural. No tenía nombre.

«Esa es la meta», dijo. «Encontrar la cura contra el conocimiento».

«Contra la educación. Contra el vivir dentro de nuestras cabezas.»

La necesidad del mundo occidental actual de compartimentar el conocimiento no nos permite contemplar la «montaña» desde todos estos puntos de vista simultáneamente e incluso mas allá, sin ningún enfoque aprendido como consigue hacer la madre de la novela de Palahniuk.

El desafío entonces, para nosotros en El Último Grito, es crear «objetos» que se disocien de maneras aprendidas de representación que dictan ciertos modos de vida, de trabajo y de comunicación. Como consecuencia nuestro trabajo tiene siempre un carácter explorativo, creando «objetos sondeo» que mandamos al mundo a través de proyectos especulativos, comerciales y educativos, que contribuyen a ir formando y expandiendo una nueva visión del diseño como proceso central en la creación de cultura.

La mayor parte de la industria todavía es ajena al cambio que se está produciendo en el mundo y achacan a la crisis su incapacidad para reajustarse a esta nueva generación cuyos valores ya no representan.

A nuestro entender, el primer paso para la industria, especialmente para la industria no tecnológica, tendría que ser entender cuáles son las inquietudes de los ciudadanos en la sociedad actual y proponer direcciones en las que la industria pueda volver a encontrar su sitio, redefiniendo su papel en el siglo XXI. Ésta debería ser la labor central del diseño dentro de la industria, para así conectar con esta «súper-sofisticada» generación, que ya no acepta visiones totalitarias de esto que llamamos cultura.

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FOTO: NATHALIE DE LEVAL

Bombay Sapphire, espacio de uso público en Berlín (2008) Bombay Sapphire space for public use, in Berlin (2008)

FOTO: MARIO FEO

Showroom Griffin, en Soho, Londres (2003) Griffin Showroom, in Soho, London (2003)

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IMÁGENES: ANDREA MURER

Public Seating System (2008-2009) Proyecto para el Darwin Centre, Museo de Historia Natural, Londres.

Project for the Darwin Centre, Natural History Museum, London.

Farolas de interior (2006) Indoors lamp-posts (2006)

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FOTOS: GARETH GARDNER

Mesa y estructura / Table and Structure (2008)

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FOTO: MARIO FEO

FOTO: MARIO FEO

Tape Chair (2005)

Círculos de techo / Ceiling Circles (2008)

FOTO: FRITH KERR

Lámpara Guau (2008) Prod.: Arturo Alvarez La lámpara Guau esta concebida como un híbrido entre una luz de ambiente y una luz direccional. Cuando esta cerrada crea simplemente una luz ambiental. Su círculo interior puede abrirse, moderando la intensidad de luz, pero también, gracias a su doble giro, se puede dirigir su haz de luz hacia cualquier zona del espacio.

The Guau lamp is conceived as a hybrid between an ambience light and a directional one. When it is closed it simply creates ambience light. Its inner circle can be opened, to moderate the intensity of light, but also, thanks to its double swivel, its beam can be directed towards any part of the room.

Land Ho! espacio de uso público (2003) Prod.: Nola Land Ho es una ‘isla’ urbana a la que llegas como náufrago a descansar tus pies.

The space for public use Land Ho! is an urban “island” to which you arrive like a shipwrecked person in order to rest your feet.

Club Chair (2009) Prod.: Uno Design La Club Chair es una butaca con una pantalla incorporada. La pantalla biombo esta construida con un material translúcido en tensión para crear un sub-espacio dentro del espacio que habita.

The Club Chair is an armchair with a built-in screen. The folding screen is made from tensioned translucent material in order to create a sub-space within the space in which you live.

El Último Grito 101

Lámpara Gritito (2005) Prod.: Mathmos

Bubble container (2005) Prod.: B-SIGN

Dr. Moreau sistema de bancos (2008) Prod.: Uno Design Si consideramos la tipología como la huella genética del objeto, entonces podríamos comparar este proceso de diseño con el del personaje de la novela de H.G. Wells. Diferentes tipologías se cruzan en el diseño de este sistema, haciendo que las piezas resultantes aúnen funciones y materiales distintos, lo que las diferencia de otras especies. Los distintos elementos se acoplan fácilmente uno a otro, facilitando la posibilidad de crear combinaciones personales para dar respuesta a proyectos específicos.

If we consider typology as the genetic footprint of the object, then we can compare this design process with that of the character in H.G. Wells’ novel. Different typologies are mixed in the design of this system, which means that the resulting pieces combine different functions and materials, which differentiates them from other kinds. The various elements are easily connected to one another, facilitating the possibility of creating personal combinations in response to specific projects.

102 El Último Grito

FOTOS: GARETH GARDNER

Mico objeto polivalente (2006) Prod.: Magis Objeto polivalente. Colección permanente MoMA, New York. Es un objeto «abstractofigurativo» no representa nada concreto y al mismo tiempo cada una de sus posiciones sugiere un tipo de carácter de una forma.

No esta diseñado con una función definida sino que sus dimensiones son adecuadas para que pueda ser explorado físicamente.

A multipurpose object. Permanent collection MoMA, New York. It is an “abstract-figurative” object that does not represent anything in particular and at the same time, each of its positions suggests a type of character of a form. It was not designed with a definite function in mind, but its dimensions are appropriate for it to be explored physically.

Add Up colección de mesas (2008) Prod.: Uno Design La coleccion Add Up comienza con la idea de deconstruir una mesa. Una vez separados sus elementos, se pueden introducir fácilmente variaciones en dimensiones y materiales. El resultado es un nuevo grupo de piezas independientes que permiten la posibilidad de crear mesas únicas para proyectos específicos.

The Add Up collection began with the idea of deconstructing a table. Once its elements had been separated, variations in size and material could easily be introduced. The result is a new group of independent pieces, enabling the possibility of creating unique tables for specific projects.

El Último Grito 103

Aparcamiento Parking

Spa

Apartamentos Apartments

Hotel

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Teatro Theatre FOTOS: MICHAEL TOLKE

Arquitecturas Imaginarias (2009) Imaginary Architectures (2009) Son piezas donde el contenido y el contenedor These are objects where the contents and the conson una misma entidad. Son vehículos para espa- tainers are one and the same thing. They are vehicles cios donde proyectarse mentalmente. Contienen for spaces where we can project ourselves mentally. elementos tipológicos de espacios conocidos They contain typological elements of known spaces que nos permiten imaginarnos cómo sería nave- that allow us to imagine what it would be like to navigar su interior. Realizados en Pyrex, el proceso gate their interior. Manufactured in Pyrex, the blowing de soplado influenció su diseño imaginándonos technique influenced their design, by imagining what como seria soplar el cristal dentro de estos espa- it would be like to blow the glass within these spaces cios y las formas que obtendríamos al hacerlo. and the shapes we could obtain in that way.

IMAGEN: ANDREA MURER

Lost Typografía (2009) Con las tipografías exploramos el potencial del papel, donde una simple arruga crea un mundo de tonalidades y sombras, para crear espacios evocativos, mapas mentales de lugares inexistentes al tiempo que experimentamos con la representación gráfica de palabras.

With typography we explore the potential of paper, where a simple crease creates a world of shades and shadows, to create evocative spaces, mental maps of inexistent places, at the same time as we experiment with the graphic representation of words.

Jarrón Vasubio (2009) Prod.: UP group Vasubio evidencia un diálogo entre la oportunidad y el control, a través de un sistema generativo. De esta manera el jarrón conlleva ese sentido del tiempo, congelado en su materia, como los restos de un viejo artefacto que habría podido ser descubierto en Pompeya o de una formación de la lava del mismo Vesubio.

Vasubio shows the dialogue between opportunity and control, through a generative system.

In this way, the vase involves that sense of time, frozen in its matter, like the remains of an old artefact that could have been discovered at Pompeii or a lava formation from Vesuvius itself.

El Último Grito 105

Emiliana Design Studio

Ana Mir (Valencia, 1969) Emili Padr贸s (Barcelona, 1969)

Biombo Tokyo (2008) Prod.: Uno Design Tokyo es un biombo para dividir espacios de manera sugerente, rápida y eficaz. Tokyo utiliza solamente un tablero de madera contrachapada y una pieza separadora que mantiene el biombo abierto y estable. La reiteración de las lamas confieren un ritmo visual de luces y sombras, que se acentúa además con los diferentes acabados gráficos.

Tokyo is a screen to divide spaces in a suggestive, quick and efficient way. Tokyo only uses a wooden plywood board and a separating piece which keeps the screen open and stable. The reiteration of the slats confers a visual rhythm of light and shadows, which is highlighted even more by different graphic finishes.

Several times we have been asked about our design philosophy, and the answer is never a closed formula.

In Emiliana, different ways of designing exist, depending on the starting point of each project. In some cases we sign the designs separately and then each one tackles the project in a personal way.

When we design as a group there are a number of variables, and our approach to design depends on how precise the brief from the company is, whether it is an “open” piece or an experimental project for an exhibition.

In general our method of working begins with us cooking up the ideas that occur to us, by exchanging, discussing and enriching them, by putting them under stress…until we gradually establish the objective of the project. We are very interested in the relationships bet-

108 Emiliana Design Studio

ween the objects we design and the end users. We feel that objects have a story, they can lead to situations, they can stimulate emotions and transform spaces. This is why our minds are filled with ideas about participation, playfulness, humour and sometimes a desire to provoke when we begin to design something.

We rarely begin by drawing something straight away.

Sometimes we make notes and ask questions of ourselves, other times we look for or generate images and start looking into materials.

For us, it is fundamental that we can touch something with our own hands, make models, test something…

We do it when we are working on the design of a space, an object, some furniture, a perfume, some chocolate.

As we always work of such different projects, our appro-

FOTO: XAVIER PADRÓS

Hot Urban Service (2003) Es un proyecto que intenta proporcionar un servicio útil, en forma It is a project which tries to provide a useful service, in the form of warmth, for those people who spend a large part de calor, a todas aquellas personas que pasan gran parte de su of their time outdoors, in the areas of the city where they tiempo expuestas a la intemperie, en las áreas de la ciudad donlive or usually work. Hot box is a translucent volume that de viven o trabajan habitualmente. Hot box es un volumen transcomes up out of the floor to welcome those people who lúcido que emerge del suelo para acoger a aquellas personas que pasan largas horas de espera en la calle, como es el caso de spend a lot of time waiting in the street, such as sex workers. This platform, installed in different parts of the city, las trabajadoras/es sexuales. Esta plataforma, instalada en varios puntos de la ciudad, desprende calor proporcionando confort gives off heat, providing comfort, and light so that it can be y emite luz, siendo visible en la oscuridad y desde la distancia. seen in the dark and from a distance. When nobody is usCuando nadie la está utilizando la Hot box queda integrada en el ing the Hot box, it is integrated in the urban pavement. Hot Urban Service was presented in Urban therapies, pavimento urbano. Hot Urban Service / se presentó en Teràpies College of Architects of Catalonia, 2003. urbanes, en Colegio de Arquitectos de Cataluña, 2003.

«All the senses intervene in our design» ach has to involve all of our senses, our sense of touch, smell and even taste.

We are very interested in seeing how the things we design are made, in following their progress by going to the workshops and talking with the technicians. For us it is another way to keep learning every day.

Flying Carpet is more than just a simple carpet. Its shape makes it into a comfortable and three-dimensional space where we can sit, stretch out and relax, both in domestic and public places.

Each of its corners can be raised by wedges lined in natural grey felt.

FOTO: ALBERT FONT

Flying Carpet (2002) Prod.: Nani Marquina Flying Carpet es algo más que una simple alfombra. Su topografía la convierte en un espacio tridimensional cómodo y lúdico para sentarnos, estirarnos y relajarnos, tanto en ámbitos domésticos como en públicos. Cualquiera de sus esquinas puede ser elevada mediante cuñas forradas de fieltro gris natural.

«en nuestro diseño intervienen todos los sentidos» Nos han hecho varias veces la pregunta acerca de nuestra filosofía de diseño y la respuesta nunca es una fórmula cerrada. En Emiliana existen diferentes formas de diseñar dependiendo del punto de partida de cada proyecto. En algunos casos firmamos los diseños por separado y entonces cada uno afronta el proyecto de manera personal.

Cuando diseñamos juntos también entran en juego

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muchas variables, nuestra manera de diseñar varía si se trata de un encargo de una empresa con un brief muy preciso, de un encargo «abierto» o de un proyecto experimental para mostrarse en una exposición.

Por lo general, nuestro método de trabajo empieza por ideas que «encendemos», intercambiamos, discutimos, enriquecemos, ponemos en crisis hasta que poco a poco vamos marcándonos el objetivo del proyecto.

Nos interesan mucho las relaciones que se establecen entre los objetos que diseñamos y los usuarios, creemos que los objetos pueden contar cosas, pueden desencadenar situaciones, provocar emociones o transformar espacios, por esta razón aspectos como la participación, lo lúdico, el humor e incluso en algún caso una cierta provocación aparecen a menudo en

nuestras cabezas cuando empezamos a diseñar.

Raramente empezamos dibujando directamente, a veces escribimos notas y nos hacemos preguntas, otras buscamos o generamos imágenes, tocamos materiales.

Para nosotros es fundamental tocar con nuestras manos, hacer maquetas, ensayar...lo hacemos tanto si estamos trabajando en el diseño de un espacio, como en un objeto, un mueble, un perfume, un chocolate...

Como trabajamos en proyectos tan diferentes, en nuestro proceso de diseño a menudo intervienen todos los sentidos, el tacto, el olfato, incluso el sabor.

Nos interesa muchísimo conocer cómo se hacen las cosas que diseñamos, seguir su desarrollo, entrar en talleres y hablar con los técnicos, para nosotros es otra manera más de seguir aprendiendo.

Emiliana Design Studio 109

FOTO: ALBERT FONT

Tomato (2005) Prod.: Nani Marquina Tomato es un puf confortable por su forma organica, su acabado blando y sus dimensiones generosas. Tanto en casa como en espacios publicos tomato ofrece un punto de descanso informal a pocos centimetros del suelo.

Tomato is a pouffe, comfortable because of its organic shape, its soft finish and its generous size. Both at home and in public places, tomato offers an informal place to rest, a few centimetres above the floor.

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FOTO: ALBERT FONT

Mantas Deployé (2006) Prod.: Nani Marquina Las mantas Déployé experimentan con el corte como un elemento decorativo, como alternativa al estampado o bordado. Los cortes además modifican el aspecto de las mantas cuando están siendo usadas.

Deployé blankets experiment with the cut as a decorative element, as an alternative to patterns or embroidery. The cut also modifies the appearance of the blankets when they are being used.

Emiliana Design Studio 111

FOTO: ALBERT FONT

Alfombras Irregulars (2006) Prod.: Nani Marquina Los tres modelos de alfombra irregulars permiten crear infinitas configuraciones y la posibilidad de ocupar grandes espacios de manera dinámica y flexible.

The three models of irregulars carpets allow infinite configurations to be created and the possibility of occupying large spaces in a dynamic and flexible way.

ZigZag (2009) Prod.: Kettal Las piezas que componen la colección ZigZag están inspiradas en líneas geométricas angulosas. El juego volumétrico de perfiles sobrios, junto a las proporciones generosas de las piezas, les confiere un aspecto casi totémico. El particular uso de los materiales como la cuerda, la porcelana o la varilla de aluminio, aplicado a las técnicas artesanales utilizadas para su fabricación, le aportan además un plus de carácter diferenciador a la colección.

112 Emiliana Design Studio

The pieces making up the ZigZag collection are inspired in angular geometrical lines. The volumetric play of sombre profiles, together with the generous size of the pieces, gives them an almost totemic appearance. The particular use of materials like rope, porcelain or aluminium rods, applied to crafts techniques used in their manufacture also provides a differentiating added value to the collection.

Collector (2004) Prod.: Metalarte La Collector es una vitrina con luz para proteger y exponer objetos pequeños y delicados, tanto en casa como en una galería o en espacios comerciales. Una bombilla halógena se esconde, para no deslumbrar, en un portalámparas tradicional y su intensidad de luz puede ser dimerizada.

Fondo del Museu d’Arts Decoratives de Barcelona The Collector is a glass cabinet with light to protect and exhibit small delicate objects, both at home and galleries, and in commercial areas. A halogen light is hidden so as not to dazzle, in a traditional bulb holder, and its light intensity can be dimmed.

Collection of the Museu d’Arts Decoratives de Barcelona

Silla Palet (2008) Prod.: Uno Design La silla Palet toma el nombre de los populares palets de transporte de mercancías. Al igual que los palets, la estructura de madera maciza queda atrapada entre el asiento y unas lamas de contrachapado que estabilizan el conjunto. En todas sus versiones, con o sin brazos, patas de madera o de patín, Palet es una silla de construcción básica y honesta que respira un gran carácter.

The Palet chair takes its name from the typical pallets used to transport goods. Like pallets, the solid wooden structure is trapped between the seat and some plywood slats that stabilize the whole. In all its versions, with or without arms, wooden legs or runners, Palet is a chair with a basic, honest construction that exudes character.

Emiliana Design Studio 113

FOTO: XAVIER PADRÓS

Ana Mir

Anal Toy (2005) Juguete anal realizado en Corian.

Presentado en Plaques Sensibles, 25 ans du Magazin Intramuros, Centre Pompidou, París.

Anal toy made in Corian Presented in Plaques Sensibles, 25 ans de Magazin Intramuros, Pompidou Centre, Paris.

FOTO: XAVIER PADRÓS / ANA MIR

Tampón dedo (1994) Prototipo de tampón vaginal.

Prototype of a vaginal tampon.

Kleensex® clean contact (2001) Sábanas de bolsillo desechables, recomendadas para un Disposable pocket sheet, recommended for a contacto limpio en el mundo de las/los trabajadoras/es clean contact in the world of sex workers. Its main sexuales. Su principal función es la de proteger a las/los function is to protect the users from those dubious usuarios de aquellas superficies de dudosa o escasa higiene, or unhygienic surfaces, providing a decent surface ofreciendo un soporte digno donde mantener un contacto for a clean contact. Kleensex® is made from a limpio. Kleensex® está fabricado con un material resistente, resistant material, light and compact and with a agradable a la piel, ligero y compacto. Kleensex® es 100% pleasant feel. Kleensex® is 100% recyclable polietileno reciclable y está disponible en diferentes colores. polyethylene and is available in different colours.

114 Emiliana Design Studio

FOTO: ALBERT FONT

Pillow Play (2004) Prod.: Nani Marquina Pillow Play es una serie de ligeros y elásticos cojines que se adaptan a tu cuerpo. Son maleables e invitan al juego y a experiencias sensoriales en diferentes situaciones: relajarse, dormir e incluso sumergirlos dentro del agua. Realizados con una sola pieza de malla de lycra y rellenados de poliestireno expandido.

Pillow Play is a series of light and elastic cushions that adapt themselves to your body, They are soft and invite you to play and sensorial experiences in different situations: relax, sleep and even submerge them under water. Made from a single piece of lycra mesh and filled with expanded polystyrene.

FOTO: EMILIANA DESIGN

Comme des Garçons (2007) Prod.: Antonio Puig para Comme des Garçons Sellos para aplicar sobre la piel y que contienen tinta perfumada con las fragancias de CdG2 y CdG2 Man. El símbolo del ojo representa el carácter sofisticado, erótico, complejo y misterioso que personalmente identifico en las fragancias de Comme des Garçons.

Stamps to be applied on the skin and which contain perfumed ink with the fragrances of CdG2 and CdG2 Man. The symbol of the eye represents the sophisticated, erotic, complex and mysterious nature that I personally identify with the fragrances of Comme des Garçons.

Emiliana Design Studio 115

Emili Padrós

N.S.S, non stop shoes (1999) Prototipo / Prototype Los N.S.S. non stop shoes son zapatos que se cargan de energía durante la jornada. Cuanto más camina el individuo, más energía recogen; al llegar a casa esta energía será aprovechada para alimentar diversos objetos domésticos, una lámpara, una radio, un ventilador, etc. Los N.S.S. devuelven a la gente su esfuerzo físico, estableciendo entre objeto y usuario una relación afectiva basada en la reciprocidad y la mutua «dependencia».

The N.S.S. non stop shoes are shoes that charge with energy during the day. The more a person walks, the more energy they charge with. On arriving home, this energy will be used to supply various domestic objects: a lamp, a radio, a ventilator, etc.

The N.S.S. return their physical work to people, establishing between object and user an a ffective relationship based on reciprocity and mutual “dependence”.

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FOTO: ENRIC ROVIRA

FOTO: XAVIER PADRÓS

Chocodosis (2004) Prod.: Enric Rovira Chocolatero Chocodosis es una tableta con una geometría singular que invita a jugar, solo o acompañado, dosificando la porción ideal para cada ocasión. Chocolate negro (77% cacao).

Chocodosis is a bar with an unusual shape, which invites you to play, alone or accompanied, measuring out the ideal portion for each occasion. Plain chocolate (77% cacao).

0 km/h (1997) Prod.: Emiliana Design Studio (2004) …a todas las motocicletas que nos pasearon por Barcelona.

Apto para una o dos personas, no precisa carné de conducir. Todos los 0 km/h son diferentes según la marca, año o modelo de la motocicleta. La base, construida a medida para cada asiento, está realizada en madera de pino de flandes. Taburete “ready made” serie limitada. …to all the motorcycles that took us for rides around Barcelona. Apt for one or two people, no driving licence required.

All the 0 km/h are different according to the make, year and model of the motorcycle. The base, constructed to measure for each seat, is made in Flanders pinewood.

Ready made stool, limited series.

Emiliana Design Studio 117

Luis Eslava Valencia, 1976

Boomerang (2008) Prod.: Almerich Un boomerang que gira a toda velocidad prácticamente sobre sí mismo en un reducido espacio, describiendo una trayectoria imaginaria y sutil casi imperceptible para la vista.

De ese movimiento nace la apariencia de la pantalla de la lámpara Boomerang, toda dinamismo. Está realizada con láminas de plancha de acero lacado que buscan reflejar la trayectoria del movimiento de un boomerang. El resultado es una pantalla de forma irregular en la que la luz se escapa por las rendijas que esa trayectoria imaginaria ha dejado libres.

Está disponible en versión de suspensión y de pie.

Your approach to design changes a lot in the time between leaving design school and settling down comfortably and securely in your chosen profession. It is of vital importance who you share your earliest work experience with. I think that this shapes the way you will behave once you become a designer, and above all it will shape your way of designing. For example, my experience of entering the studio of Gemma Bernal as soon as I finished my degree means that I immediately had my head cleared of any nonsense about how this profession works. I was engaged in real projects from the first day.

This was a tremendous shock to one like me who had left design school with fairly childish ideas, but I think it helped me to be realistic about the profession from the very beginning. Then I went to work for Camper, and this helped me to see how a major company works with design, and this is something I find useful to understand my clients. After five years of work, I decided to go back to study some more. It was precisely Beatriz Delgado, my project supervisor at Camper, who encouraged me to take a Product Design Masters at the Royal College of Art (RCA) in London. I spent two years there. I am sure that the experience of five years in the business

120 Luis Eslava

enabled me to take greater advantage of the course, as I was no longer thinking like a student but a professional.

What I had not anticipated was that by studying again, by stepping outside the profession, I would discover what my future was going to be. The RCA made me capable of defining my priorities as a designer and of designing my own method of working. Since then, I have been working more and more with secondary materials.

These are materials which are slaves to others, such as Velcro®, emery or coconut fibre. I like to get the most out of materials which are usually seen as inferior, to see what they can do if they are given protagonism. Another transformation I underwent in the RCA was how they taught me to handle any kind of project. I gained a lot in self-confidence. My tutor, Daniel Charny, was very hard on me. Now I see how much that helped me. I was later given Roberto Feo as my tutor, one of the members of El Ultimo Grito, with whom I would later collaborate in his studio. We got on well, partly because we are both Spanish. My approach to design still has a trace of what I found when I worked at El Ultimo Grito, a remainder of what both Roberto and Rosario gave me. For me, they represent the essence of sound, functional and in-

A boomerang that turns at full speed practically around itself in a small space, describing an imaginary and subtle line almost imperceptible to sight. From this movement was born the appearance of the Boomerang lamp shade, full of dynamism. It is made from laminas of lacquered steel sheets that seek to reflect the movement of a boomerang. The result is a shade with an irregular shape where the light escapes through the cracks that imaginary movement has left free. It is available in versions for hanging and as a standard lamp.

«I like to exploit materials that have been pushed into the background» novative design, and they lace it with a great sense of humour. And in a certain way, I too look for an element of surprise and humour in my design, something I have always admired in them and which was strengthened by my good fortune in being able to train alongside them at that time. I also like to observe. This is my greatest source of inspiration. I also like to work on my ideas in the workshop by using my hands. More or less like the rest of designers.

Face to Face (2008) Prod.: Almerich Tras haber sido protagonista de una instalación en el atrium del Design Museum de Londres en 2006, la lámpara Face to Face llegó al mercado de la mano de Almerich. Una pieza cuya pantalla está hecha con Velcro®, un material sencillo que se usa como cierre en multitud de aplicaciones y que generalmente tiende a permanecer oculto. Se trata de una aplicación completamente nueva convirtiéndolo en material para la pantalla de una lámpara.

Las características intrínsecas del Velcro®, tan fácil de pegar y despegar, hacen que se pueda modificar la apariencia de la pantalla si se desea. Por otro lado, crea un juego de luces y sombras muy particular debido a los cambios de densidad de las diferentes tiras de Velcro® que conforman la pantalla.

After taking a leading place in an installation in the atrium of the Design Museum in London in 2006, the Face to Face lamp was put on the market by Almerich. An object whose shade is made from Velcro®, a simple material that is used to close many applications and which generally tens to be hidden. It is a completely new application where it becomes the material for a lamp shade.

The intrinsic characteristics of Velcro®, so easy to stick and unstick, mean that the appearance of the shade can be modified if wanted. On the other hand, it creates a very particular play of light and shadows, due to the changes of density of the different Velcro® strips that make up the shade.

«Me gusta exprimir materiales relegados a un segundo plano» Desde que sales de la escuela hasta que empiezas a sentirte a gusto y a adquirir algo de seguridad en tu profesión, se producen muchos cambios en tu forma de diseñar. Con quién compartas tus primeras experiencias laborales es crucial. Creo que van perfilando cómo te vas a comportar después como diseñador y, sobre todo, van modelando tu forma de diseñar. Por ejemplo, el hecho de haber aterrizado en el estudio de Gemma Bernal nada más terminar la carrera fue algo que me puso automáticamente con los pies en el suelo sobre cómo funciona esta profesión. Desde el primer segundo me encontré realizando proyectos reales.

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Con lo infantil que sale uno de la escuela, aquello fue un shock tremendo pero creo que gracias a ello he sido desde el principio un diseñador muy realista con mi profesión. Después pasé por Camper, esto me hizo comprender cómo funciona una empresa grande en el campo del diseño, algo que ahora me sirve mucho para comprender a mis clientes. Tras haber trabajado durante unos cincos años decidí estudiar algo más. Fue precisamente Beatriz Delgado, la persona responsable de mi proyecto en Camper, quien me animó a hacer un master de diseño de producto en el Royal College of Art de Londres (RCA). Y allí que me fui dos años. Seguro que el hecho de haber trabajado durante cinco años hizo que aprovechara mucho más el master pues yo ya casi no tenía mentalidad de estudiante sino de profesional. Quizá lo que no esperaba es que estudiando de nuevo, en definitiva saliéndome del mundo profesional, iba a descubrir realmente cuál era mi camino. En el RCA fui capaz de definir cuáles eran mis inquietudes como diseñador y de desarrollar una metodología de trabajo propia. Desde entonces, cada vez trabajo más con materiales secundarios. Esos materiales que son esclavos de otros, como el Velcro®, la lija o la fibra

de coco. Me gusta exprimir materiales relegados a un segundo plano, a ver qué pueden dar de sí como materiales protagonistas. Otra transformación que experimenté en el RCA fue que me enseñaron a afrontar todo tipo de proyectos. Gané muchísima confianza en mí mismo. Mi tutor, Daniel Charny, era muy duro. Ahora me doy cuenta de lo bueno que fue aquello. Luego tenía también como tutor a Roberto Feo, integrante del dúo El Último Grito, con quien incluso después trabajé como colaborador en su estudio. Nos entendíamos muy bien, en parte porque éramos españoles. En mi forma de diseñar hay un ingrediente que creo que es el poso que El Último Grito, tanto Roberto como Rosario, han dejado en mí. Ellos representan para mí la esencia del diseño sólido, funcional, innovador y con un gran sentido del humor. Y yo, de alguna manera, busco en el diseño un elemento sorpresa y de humor que es algo que siempre había admirado en ellos y que potencié al haber tenido la suerte de formarme a su lado en aquellos años. Por lo demás, me gusta observar. Es mi mayor fuente de inspiración. Y también suelo trabajar las ideas en el taller con las manos. Más o menos como la mayoría de los diseñadores.

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Self (2008) Prod.: Almerich Con su base zigzagueante y su pantalla en forma de caperuza, esta lámpara de sobremesa recuerda a la campana de una trompeta enredada en sí misma. Realizada con un tubo de hierro, la Self busca crear un juego visual por el cual toda la lámpara, tanto su estructura como la pantalla, serían una sola pieza.

With its zigzagging base and its shade in the shape of a hood, this table lamp is reminiscent of the horn of a trumpet twisted on itself. Made from an iron tube, Self aims to create a visual game according to which the whole lamp, both its structure and its shade, form a single object.

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Pussy Lawn (2005) Pussylawn es un proyecto de investigación que trata de llevar al campo doméstico a la naturaleza con materiales naturales. Realizado en fibra de coco compactada con látex. Este material ha sido utilizado para usos específicos, tapizados en colchones, plastillas para zapatos, pero siempre como un objeto secundario y oculto, nunca como protagonista. Es hora de ser el protagonista, y ser usado, aparte de por sus características funcionales, por su apariencia, estética y textura. Rellena de semillas, al regar su superficie, crece la hierba.

Pussy Lawn is a research project that aims to take the domestic field to nature with natural materials. Made from coconut fibre compacted with latex. This material has been used for specific purposes, upholstery in mattresses, pads for shoes, but always as a secondary and hidden object, never as the main material. It is time it took a leading role, and be used, apart from its functional materials, for its appearance, aesthetics and texture, Filled with seeds, the grass grows when its surface is watered.

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My mess (mi desastre y Yo) Celebracion del desastre como aceptacion de la conducta humana.

Soy una persona perezosa y mi casa es un desastre, montones de ropa, cd’s y libros‌ estos montones de ropa se convierten en parte de nuestra vida. Este proyecto invita a la gente de estar orgullosa de su desastre. Ayudando a descubrir asi, la belleza en el caos.

Este proyecto es un colgador de ropa o de cualquier objeto que funciona a modo de cortina, divisor de espacios, difusor de la luz etc.. El usuario lo personaliza con sus ropas y objetos dia a dia.

El colgador se propone en diferentes materiales.

A celebration of mess as a part of human behaviour. I am a lazy person and my home is a disaster, piles of clothes, CDs and books‌these piles of clothes become part of our lives. This project invites people to be proud of their mess; thus helping to discover the beauty of chaos. This project is a hanger for clothes or for any other object, which works as a kind of curtain, dividing spaces, diffusing the light, etc. The user personalises it with their clothes and objects from day to day. The hanger is made in different materials.

124 Luis Eslava

FOTO: ALBERT FONT

Magnificent (2009) Prod.: Almerich Un aro magnético y un juego de pletinas en duotono son la sencilla base de esta lámpara de suspensión que permite al usuario modificar su aspecto cuanto quiera. Las pletinas curvadas se adhieren perfectamente al aro imantado de manera que transformar su aspecto es realmente sencillo. Se puede hacer más opaca o más luminosa. Pero también se puede modificar según el estado de ánimo que tenga uno. Puede pasar en cuestión de segundos de tener una presencia muy ordenada a adquirir de repente un aspecto muy loco.

A magnetic ring and a set of slides in duotone are the simple base of this ceiling lamp which allows the user to modify its appearance whenever they like. The curved slides adhere perfectly to the magnetic ring, so it is really simple to change its aspect.

It can be made more opaque or more luminous. But it can also be modified according to the mood you are in. In a matter of seconds it can go from a very tidy appearance to suddenly taking on a wilder look.

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Tría (2009) Prod.: Almerich Inspirada en los diseños clásicos, la lámpara Tría entraña un sugerente ejercicio de actualización estética. Se ha simplificado al máximo el estilo de las lámparas de antaño, eliminando todo tipo de detalles y quedándose sólo con lo imprescindible, creando así una pieza totalmente contemporánea con cierto sabor clásico. La Tría no es más que una sencilla estructura creada a partir de unos delgados tubos de hierro doblados que siguen diferentes trayectorias, coronados cada uno de ellos por un conjunto de pantallas de tela de tamaño mínimo.

Inspired by classic designs, the Tria lamp involves a suggestive exercise of aesthetic updating. The style of the old lamps has been simplified as much as possible, eliminating all kinds of details and keeping only the essential. In this way a totally contemporary object, with a certain classic taste, has been created. Tria is no more than a simple structure made from thin iron tubes that have been bent to follow different directions, each of them crowned by a set of small cloth shades.

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María USB (2007) Prod.: ABR Un dispositivo de memoria USB con carcasa en forma de Virgen María. Ante la deshumanización que los ordenadores y la tecnología están potenciando en nuestra vida diaria y nuestras relaciones, este dispositivo de memoria busca generar un vínculo humano transformando algo electrónico y frío, prácticamente sin alma, en un objeto que nos resulte más cercano y familiar. Quién mejor que la Virgen María para encomendar la seguridad de nuestros datos más preciados.

A USB memory stick with a casing in the shape of the Virgin Mary. In the face of the de-humanisation that computers and technology are creating in our daily lives and in our relationships, this memory stick seeks to generate a human link by transforming something electronic and cold, practically soulless, in an object that is closer to us and more familiar. Who better than the Virgin Mary to entrust with the security of our most valued data.

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Guillem Ferran

Tarragona, 1983

Clothes flying on the wall. Alas is an individual hanger, a simple object made by cutting and bending a piece of metal. The object acts as a metaphor as it ends up being the wings of your coat or jacket that you want to fly on the wall. The interesting thing about its elegance is that they can be placed in line on different levels, as if they were a collection of butterflies, which disappear when you cover them with their utility. Their simplicity makes them fully economical.

FOTO: GUILLEM FERRAN

Alas (2008) Prod.: Amor de Madre La ropa volaba en la pared. Alas es un colgador individual, un objeto sencillo surgido del recortar y doblar una pieza de metal. El objeto actúa como metáfora pues acaba siendo las alas de tu abrigo o tu chaqueta que quieres que vuele en la pared. Lo interesante de su elegancia es que puede colocarse en línea mediante varios niveles, como si fuesen una colección de mariposas, que desaparecen al cubrirlas con su utilidad. Su simplicidad lo hace completamente económico.

I base my work on trying to transmit an idea or concept.

To endow the object with the intention behind its creation.

Give it a reason to exist among us.

The object is a volume; it takes our space and money.

It must be forced to give us something in return.

We must use this exchange to give the object unseen qualities.

It is like creating a seduction, creating and preparing for love at first sight. Seduction is essential to make a consumer fall in love and to make a lasting relationship between the object and its owner.

Design is a way of communicating, of sending messages, it makes the act of ownership more emotive and human.

130 Guillem Ferran

FOTO: ADM

Luz de luz (2007) Targetti Light Award Las lámparas hacen luz. Las lámparas son de diferentes materiales. La lámpara podrían ser hechas de luz. La lámpara, durante el día, es algo transparente, por lo que deja pasar completamente la luz, y vemos a través de ella, por la noche, sigue siendo la misma, solo que nos deleita con luz mediante su silueta.

Lamps make Light. Lamps are made of different materials. Lamps can be made of light. This lamp, during the day, is a transparent thing, so it allows light to pass through it, and we can see through it. At night, it is still the same, only that now it delights us with light through its silhouette.

Strengthen the meeting, called purchasing, and encourage an eternal dialogue called use.

Objects are our silent friends, they walk with us throughout our lives, and through their use, they make us aware that we still live.

I do not have a strict methodology that I apply over and over again, every project calls for experimentation, demands a distinct analysis, an observation from different points of view.

I try not to stay with the first idea, it needs time, repose, that our beliefs precipitate into thoughts, when there is a strong emotional involvement and it becomes personal.

Time is needed to be completely sure, I define this as a contribution, and it is like a gift, an ingredient.

«Objects are silent friends»

FOTO: GUILLEM FERRAN

«los objetos son amigos silenciosos» Me baso en intentar transmitir, una idea o concepto.

Incorporar al objeto una intencionalidad en su propia existencia. Darle una cualidad o motivo para traerlo entre nosotros.

www.guillemferran.com

Donde la memoria solía sentarse (2007) Prod.: Casa Constante La silla de boga es un objeto en peligro de extinción, ante esa amenaza debe mutarse, transformándose en nuevas propuestas tipológicas, ofreciendo nuevas funcionalidades para nuevos contextos. Se pretende impulsar la silla de boga tradicional y dar un nuevo valor al objeto tradicional. La silla que pintó Vincent Van Gogh, silla de paja, de espaldaño, es un objeto icónico de la cultura popular tradicional en varios países europeos, Italia, España, Portugal, Holanda, Reino Unido...

The traditional chair is an object in danger of extinction, in the face of that threat it must change, taking on new typological proposals, offering new functionalities for new contexts. The idea is to promote the traditional chair and give new value to the traditional object. The chair that Vincent Van Gogh painted, a chair with straw seat, with a straight back, is an iconic object in the traditional popular culture of several European countries: Italy, Spain, Portugal, Holland, United Kingdom…

El objeto es un volumen, nos roba espacio y dinero.

Entonces, se ve obligado a darnos algo a cambio. En ese intercambio debemos nutrir a los objetos de cualidades invisibles.

Es como crear una seducción, elaborar y preparar un amor a primera vista, la seducción es básica para poder enamorar a un consumidor y mantener una buena relación entre el objeto y su amo.

El diseño es una forma de enviar mensajes, de comunicación, hace del acto de poseer bienes, algo más emotivo y humano. Fortalecer ese cruce, llamado compra y propiciar un eterno dialogo llamado uso.

Los objetos son amigos silenciosos, nos acompañan a

lo largo de nuestra vida, mediante su uso, nos sensibilizan de que seguimos vivos.

No tengo una metodología estricta que practique de forma repetitiva, cada proyecto, exige una experimentación, exige un análisis diferente, una observación desde diferentes puntos de vista.

Intento no quedarme con la primera idea, se necesita maduración, solaje, que las creencias se depositen en pensamientos, que haya una fuerte implicación emocional y se convierta en algo personal.

Es necesario tiempo para estar completamente seguro de lo que defino como una contribución. Es como un regalo, una aportación.

Guillem Ferran 131

Distendido (2008) Prod.: Amor de Madre Tumbona-tendedero. Transforma las relaciones que se producen entre un objeto, el tendedero y su amo. La pieza otorga placer y dolor vinculando a una relación de amor y odio con su propietario. El tendedero es un objeto engorroso, que estorba y desprestigia la serenidad de nuestro hogar. El tendedero suele ser utilizado para realizar la tarea de descolgar y secar la ropa. Una tarea doméstica por excelencia, preocupación para todos. Para que el tendedero no sólo sea un objeto de dolor, sufrimiento, malestar, se modifica al objeto para que éste pueda transformarse en placer, descanso, relajación... La relación con el objeto se convierte en amable, relajada, distendida, elegante, despresurada, bondadosa, de amor, de mutuo sacrificio...

Sun-lounger – clotheshorse. It transforms the relations that are produced between an object, the clotheshorse and its owner. The object gives pleasure and pain in a love-hate relationship with its owner. The clotheshorse is an awkward object, which gets in the way and shatters the peace of our homes. The clotheshorse is normally used to hang and dry clothes. A domestic chore par excellence, everyone’s business. So that the clotheshorse is not only an object of pain, suffering, ill-feeling, it is modified to change it into pleasure, rest, relaxation…The relationship with the object becomes friendly, relaxed, calm, elegant, unhurried, kindly, of love and mutual sacrifice.

FOTO: ANDREA EINDENHAMMER

FOTO: GUILLEM FERRAN

Desmarcos (2006) Taller de marcos Arnau / Arnau picture-frame workshop Los marcos son esos objetos milenarios, que silenciosamente han delimitado el arte a través de los siglos, lo han enmarcado y perpetuado para su deleite y observación. La industria de marcos produce de una forma local a medida de su comprador, el objeto. Desmarcos es una serie de propuestas de nuevos marcos, el diseño propone nuevos formatos al nuevo arte del siglo xxi. El diseño actúa en los bordes del arte. Los objetos son singulares, ejercicios intelectuales para nuevas perspectivas, la pantalla dejará de ser cuadrada, el arte expandirá sus límites. El proyecto es una propuesta a la industria local de marcos.

Picture-frames are those ancient objects, which silently have bounded art over the centuries, they have framed it and perpetuated it for our pleasure and observation. The picture-frame industry produces the object locally, made to measure for the buyer. Desmarcos is a series of ideas for new frames; design proposes new formats for the new art of the 21st century. Design acts on the fringes of art. The objects are singular, intellectual exercises for new perspectives, the screen will no longer be square, art will expand its limits. The project is a proposal for the local picture-frame industry.

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FOTO: ANDREA EINDENHAMMER

Muela Palillero (2007) Prod.: Cha-Cha Interpretación satírica del palillero, es ese objeto casposo y considerado barriobajero. El objeto alerta al usuario de las consecuencias de no usarlo.

Satirical approach to the toothpicks, those old objects set adrift, marginalized and unwanted. The object alerts users to the consequences of not using them.

FOTO: ALEXANDRA PALMA

FOTO: CHA-CHA

Cono (2008) Cerámica de la Bisbal d’Empordà Ceramic of La Bisbal d’Empordà Para los que no les gusta tomarse el helado en cucurucho de barquillo.

Proyecto realizado con la colaboración de Estudi Moliné para el Ofici Singular de la Ceràmica de la Bisbal d’Empordà, Girona.

For those who prefer their ice-cream without a biscuit cone. This project was carried out in collaboration with Estudi Moliné for Ofici Singular, the Singular Crafts exhibition of Ceramics from La Bisbal d’Empordà, Girona.

Set de calçotada (2009) Prod.: Yuma La calçotada es un ritual típico catalán, consiste en comer de pie una cebolla llamada calçot. El calçot se acompaña de una salsa llamada romesco, normalmente se come de pie y es de costumbre ensuciarse las manos y llevar un babero. Mi propuesta es que el babero ya esté ensuciado de origen.

The calçotada is a typical Catalan ritual, consisting of eating, on foot, an onion called calçot. The calçot is accompanied by a sauce called romesco. Normally it is eaten while standing, and it is usual to dirty your hands and to wear a bib. My proposal is that the bib is already dirty at the outset.

Botella que reinterpreta el clásico porrón (2009) Realizado en el Museu del Vidre de Vimbodí, Tarragona Bottle which is a new version of the classic porrón (2009) Created in the Glass Museum of Vimbodí, Tarragona

Guillem Ferran 133

FOTOS: GUILLEM FERRAN

Llevas (2009) Prod.: Cristine Harwart Llevas es una colecci贸n de pendientes que presume de la cantidad de plata y el peso que sustenta en sus orejas quien las lleva.

Llevas is a collection of earrings which boasts of the amount of silver and the weight supported by the ears of the wearer.

134 Guillem Ferran

FOTO: ANDREA EINDENHAMMER

Diamond (2009) Prod.: IMade. Isidre Magre Lampara grande realizada de un bloque de alabastro.

Cortada en laminas y unidas conformando un diamante.

El alabastro se trabaja con el corte y el pulido, considerar el material como si fuera un diamante, le confiere una componente de lujo y justifica su precio.

Large lamp made from a block of alabaster, cut in slices and put together in a diamond shape. The alabaster is cut and polished, as if the material were a diamond, which gives it a luxurious appearance and justifies its price.

FOTO: SURTIDO

N=12 (2009) Prod.: Apparatu N=12 es un jarrón, pensado para poder contener doce flores en sus doce agujeros.

Doce flores es un numero secreto que sólo es conocido por alguien especial. Un ramo normalmente consta de diez flores. Si alguien regala un ramo superior a diez flores significa mucho, pues ha tenido que incorporar dos flores más al ramo estándard.

N=12 is a vase, intended to hold twelve flowers in its twelve holes. Twelve flowers is a secret number that is only known by someone special.

A bouquet normally comprises ten flowers. If anyone gives a bouquet of more than ten flowers, it means a great deal, as they have had to add two extra flowers to the standard bouquet.

Clocks (2005) Se presenta una colección de relojes vela que calculan el paso del tiempo mediante la combustión.

Adquiere protagonismo la vela de las 7 horas como una reivindicación de la salud laboral. Para los que trabajan demasiado, hacen más horas de las que deben, para los estresados y palmfobios.

A collection of candle clocks that calculate the passing of time by combustion. The most important is the 7 hours candle, as a vindication of professional health. For those who work too much, do more hours than they should, for the stressed and the palmphobic.

FOTO: GUILLEM FERRAN

FOTO: GUILLEM FERRAN

Tipo Navetta (2008) Prod.: Cerámicas Ferres Se actualiza el módulo de pavimento antiguo, que era utilizado como delimitador de pavimentos de sanitarios, Se adapta a la construcción de Tipografías Digitales Modernas. Proyecto realizado para el Ofici Singular de la Cerámica de la Bisbal d’Empordà, Girona.

An updating of the kind of old pavement that was used to delimit washroom pavements. It is adapted to the construction of Modern Digital Typographies.

A project made for the Ofici Singular de la Cerámica de la Bisbal d’Empordá, Girona.

Guillem Ferran 135

Joan Gaspar Barcelona, 1966

Atlas (1999) Prod.: Marset Atlas es un sistema de focos cuya particularidad principal es el material en que están fabricados, policarbonato transparente, ya que permite ver completamente el interior del foco.

Atlas is a system of lights whose main particularity is the material in which they are made; transparent polycarbonate, as it allows the inside of the light to be seen completely.

Atila (1998) Prod.: Marset Lámpara de trabajo que simplifica el tradicional flexo a su mínima expresión.

A working lamp that simplifies the traditional reading lamp to its minimum expression.

I always use paper and pencil to sketch out my projects: it means I can work on projects anywhere and it is the only way I know to do it, it is the best way I have to transmit concepts to those who work with me. I have recently stopped using two-dimensional programmes to create the elevations: I have started using the mythical paralex again. I even enjoy spending time colouring the sketches I make to give them a greater sensation of reality, and I enjoy intervening in the technical aspects and in the solution of the details As regards the look of the projects, I opt for a simple appearance which doesn’t attract too much attention, but I like to make the small details stand out so that they do not go unnoticed. I enjoy talking about the

138 Joan Gaspar

inner workings of the products, about how they have been arranged to create one effect or another.

It often happens that what I consider to be the most interesting aspect of a product I design is what least interests the general public, but I get the impression that this is common among other professionals. I think that professionals who work in industrial design take a more comprehensive view and consider more variables when we evaluate or analyse a product although success mostly depends simply on how good it looks.

I would like to give these products a discourse so that they are not simply reduced to their formal aspect, although this is essential to make them enjoyable and communicative.

«I believe in simple appearance» I don’t feel that I am influenced by trends, at least not in a conscious, premeditated way, although this is a rather thorny point given that I also believe that any kind of creative endeavour is impossible unless you are aware of what is happening around you to a greater or lesser extent.

Nolita (2007) Prod.: Marset Familia de lámparas decorativas que con una morfología de corte clásico pero con una aplicación de materiales y prestaciones, consiguen un aspecto moderno y tecnológico.

Nolita busca una integración en los espacios interiores ofreciendo un tipo de iluminación cálida y agradable.

A family of decorative lamps that with a classic morphology and an application of materials and features, achieves a modern and technological appearance. Nolita seeks integration in interior spaces by offering a warm and pleasant type of lighting.

Mercer (2005) Prod.: Marset La Mercer es una lámpara que busca la belleza y la elegancia. En ella, la fusión de materiales de distinta naturaleza consigue un producto de gran armonía.

Mercer is a lamp seeking beauty and elegance. The fusion of materials of different kinds achieves a product of great harmony.

«apuesto por la apariencia simple» Siempre utilizo el papel y el lápiz para esbozar mis proyectos: es la forma de poder proyectar en cualquier lugar, además es la única forma en que sé hacerlo. Y es la que mejor me funciona para transmitir el concepto a mis colaboradores. Últimamente ni siquiera utilizo los programas de dos dimensiones para realizar los alza-

www.joangaspar.com

dos: he recuperado el mítico paralex. Me gusta incluso recrearme en colorear los croquis que voy realizando para dar mayores dosis de realismo, y me gusta mucho incidir en los aspectos técnicos y en las pequeñas soluciones.

En cuanto al aspecto de los proyectos, apuesto por la apariencia simple y sin demasiadas estridencias y me gusta presumir y realzar los pequeños detalles para asegurarme que no pasan inadvertidos... Disfruto hablando de las entrañas de los productos, de cómo se han resuelto para crear tal o cual efecto.

Me ocurre a menudo que lo que considero más interesante de los productos que diseño es realmente lo que menos interesa al público en general. Pero intuyo que

esto es muy habitual en otras profesiones. Creo que los profesionales del diseño industrial tenemos una forma más completa y con más variables a la hora de juzgar o analizar un producto, y la mayoría de veces, el éxito depende de si gusta o no gusta, así de simple.

Intento conseguir que los productos tengan discurso y no queden reducidos simplemente a un aspecto formal, aunque es indispensable que ésta sea agradable y comunicativa.

No considero estar sujeto a las tendencias, al menos de forma consciente y premeditada. Aunque este punto siempre es algo complejo ya que también pienso que en mayor o menor medida cualquier trabajo creativo no es posible hacerlo ignorando lo que ocurre a tu alrededor.

Joan Gaspar 139

Chicago (2003) Prod.: Perobell Chicago está concebido como un sistema de bancada modular especialmente apto para su instalación en colectividades. Formalmente huye del aspecto antivandálico que tradicionalmente caracteriza este tipo de productos. Su solidez y fortaleza no las exterioriza, estas propiedades físicas son integradas en unas formas de gran simpleza y elegancia, dando como resultado un producto impecable, poco estridente, de líneas suaves y a su vez contundentes.

Chicago is conceived as a system of modular benches especially suitable to be installed in collective settings. Formally it avoids the anti-vandalism aesthetics that traditionally characterize this type of product. Its solidness and strength are not exteriorized, these physical properties are integrated in forms of great simplicity and elegance, creating an impeccable product, not strident, with gentle lines that at the same are powerful.

Bob (2007) Prod.: Dd Asiento bajo de plástico. Una propuesta simple para silloncitos versátiles e informales.

A low plastic seat. A simple proposal for versatile and informal small chairs.

140 Joan Gaspar

TXL (2005) Prod.: Marset Una pantalla de gran volumen con una base de pizarra son los elementos que conforman esta luminaria y que le proporcionan una imagen de solidez y resistencia. El tejido es de fibra de vidrio recubierto con material plástico, utilizado en los muebles de exterior por su gran durabilidad.

La pantalla de esta luminaria se lo apropia creando un efecto distinto al tamizar la luz a través de su trama. Gracias a ella, esta lámpara pensada para iluminar jardines y terrazas emite una luz de gran calidez como si de una lámpara de interior se tratara.

A large shade with a slate base are the elements that make up this lamp and give it an image of solidness and durability. The textile is glass fibre covered with plastic material, used in outdoor furniture because of its great durability. The lampshade is appropriate for creating a different effect as its screens the light through its mesh, Thanks to this, this lamp intended to light gardens and terraces gives off light of great warmth as if it were an indoor lamp.

Rail (2008) Prod.: Vilagrasa Sistema de jardinera con diversas posibilidades de integrar un dispositivo de autorriego. El sistema tiene accesorios como luz y bandejas que pueden integrar elementos decorativos.

La extrusión de aluminio está muy asociada a la imagen de marca del editor y permite hacer un estándard de 3m de longitud en una sola pieza.

Gardening system with different possibilities for integrating a self-watering device. The system has accessories such as lights and trays that can integrate decorative elements.

Aluminium extrusion is closely associated with the image of the editor’s brand, and allows a standard of 3m length in a single piece.

Joan Gaspar 141

Inter (2002) Prod.: DAE Farola urbana que, por su morfología y ubicación del punto de luz, protege de contaminación lumínica tanto a los cielos (muy de moda afortunadamente) y añade un aspecto igualmente notable como es la protección de contaminación lumínica a peatones y usuarios de las vías públicas.

Urban lamp, its morphology and position of the light avoids light pollution both of the sky (fortunately now in fashion) and adds the equally important aspect of the protection of light pollution for pedestrians and passers-by in the streets.

Lisboa (2005) Prod.: Dd Silla realizada en polipropileno inyectado mediante tecnología de inyección de gas. Apilable y apta para interior y exterior. Con un aspecto formal que recuerda a las sillas de corte clásico de cafeterías y restaurantes hechas en madera, este modelo es versátil para su uso en contract y hogar.

A chair made in injected polypropylene using gas injection technology. Can be piled up and is suitable for indoors and outdoors. With a formal aspect reminiscent of the classic wooden chairs in cafes and restaurants, this model is versatile to be used in contracts and at home.

142 Joan Gaspar

West (2003) Prod.: Aguadé Jarra de agua realizada en porcelana o vidrio soplado.

Water jug made from porcelain or blown glass.

Drink (2005) Prod.: ABR Jardinera autoregable.

Self-watering window box.

Frida (2004) Prod.: Dd Silla realizada en plástico y patas en acero pintado.

El asiento y el respaldo están formados por dos partes lo que permite hacer combinaciones cromáticas.

Apilable y robusta es apta para interior y exterior.

Chair made from plastic with painted steel legs. The seat and back are made of two parts which allows chromatic combinations to be made. Can be piled up and robust for indoors and outdoors use.

Joan Gaspar 143

Martí Guixé Barcelona, 1964

Football tape (2004) Prod.: Magis Cinta adhesiva con dibujos de tema futbolístico. Permite crear pelotas de fútbol.

Funciona mejor si se las rellena con publicaciones deportivas. Presentada en la Bienal de Saint-Étienne de 2000.

Adhesive tape with a football pattern.

Allows you to construct footballs. Works better if you stuff them with sports publications. Presented in Saint-Etienne Biennale 2000.

Do frame (2000) Prod.: Droog Design Cinta adhesiva con dibujos de Adhesive tape with golden frame marco dorado, que permite crear pattern, enabling you to rapidly rápidamente un museo personal. set up a personal museum.

«Radically contemporary» 146 Martí Guixé

News rug (2006) Prod.: Nani Marquina

«radicalmente contemporáneo» www.guixe.com

Martí Guixé 147

Rollbag (1999) Prod.: Authentics Expuesto en Design Tide, Tokyo, 2007.

Exhibited at Design Tide, Tokyo 2007.

148 Martí Guixé

FOTOS: IMAGEKONTAINER/I. KNÖLKE

Plant-me Pets (2003) Prod.: The Original Cha-chá La mascota Plant-me («plántame») con semillas de vegetales como ojos, no tiene ninguna utilidad hasta que se le hace desaparecer, enterrándolo cabeza abajo, de manera que pueda crecer para convertirse en una hortaliza comestible. Es una mascota que te obliga a decidir entre emoción y función.

The Plant-me Pet, with vegetable plant seeds for eyes, is useless until you make it disappear, burying it so that it might grow into an edible food plant. It is a pet that forces you to decide between emotion and function.

FOTOS: IMAGEKONTAINER/I. KNÖLKE

Canvas Furniture Expuesto en Design Tide, Tokyo, 2007.

Exhibited at Design Tide, Tokyo 2007.

Martí Guixé 149

FOTOS: IMAGEKONTAINER/I. KNÖLKE

Elemento para tv XYZ Taburete Torino Cama Biombed Mesa 6 to 14 Sofá Scala (2008) Prod.: Mixing Media

150 Martí Guixé

Martí Guixé 151

Cau lamp (2008) Prod.: Danese Un elemento con la forma de una lámpara actuando como una especie de avatar a fin de recontextualizar la mundialmente famosa «lámpara de trabajo».

152 Martí Guixé

An element with the shape of a lamp acting as a kind of avatar in order to re-contextualize the world famous “workers lamp”.

Produce: Danese

Xarxa seat (2008) Prod.: Danese Un asiento compuesto por 5 cojines diferentes de distintos materiales y características, pero unidos entre sí, de manera que pueden convertirse en una cama, un sofá o una silla, dependiendo de la posición, el orden y la secuencia en que se ponen los cojines. De esta manera despliega un comportamiento cuántico.

A seat, made of 5 different pillows of different materials and characteristics, but united together, so that you can use it as a bed, a sofa or a chair, depending on the position, order and sequence you arrange the pillows taking in this way a quantic behaviour.

Martí Guixé 153

Jaime Hay贸n Madrid, 1974

Crystal Candy Set (2009) Prod.: Baccarat Colección de jarrones en cristal para la empresa Baccarat que fue presentada en la Galería Rossana Orlandi en Milán.

Collection of glass vases for the Baccarat company that was presented in the Rossana Orlandi Gallery in Milan.

I believe in my freedom to express myself and tell stories with my work. I am completely myself when I am creating something. I think it’s important that work reflects an idea and a story. My style is very personal. It is difficult to describe and classify. I don’t like labels. I see myself as a creator and I do whatever interests me.

Quality is an essential, imperative component of my style. I am fascinated by noble materials because of their capacity to resist the passage of time and retain their beauty. I am fascinated by sophistication, the combination of themes, observing everything around me with a third eye.

I think that art and craftsmanship contain essential cultural references and reflect what we are. I have great respect for skilled craftsmanship and this can be seen in my work. I look to work closely with craftsmen because it seems vital to me and I like it; it offers possibilities that I could not otherwise consider.

Art installations have been useful to me as a platform

156 Jaime Hayón

for experimentation and I enjoy them very much. As a format it offers full freedom for me to play with my ideas. Experiments are useful tools for the imagination and I base my work on them to explore the limits of my freedom.

As regards my inspiration, there are many things that might attract my attention, and the focus of my interest changes. Nature is always attractive, but there are many cultural forms that exert a particular attraction on me. At different times it has been the circus, or Hollywood, a picture, the sun, animals, races, lost worlds… My projects can start from an image, an idea, or some material. I look for inspiration in very simple things. Talent consists of mashing up influences to produce a new recipe…

My idea always starts on paper. I love drawing and the warmth of a hand-drawn design. Every single piece is a world. In some cases, the final result is almost identical to the original concept, while in others the piece

«Quality is an essential and imperative quality of my style» changes as it enters into production.

A good design is one with a soul, which works, has character, lasts, and tells us something… It must have unity and be both artistically and functionally satisfying.

It should touch our emotions and be useful. I always move between these points. There is a lot of contact among my pieces. I work to create beautiful things which have quality and character.

Toys (2004) Prod.: Toy2R Colección de muñecos articulados para la empresa japonesa Toy2R con la marca de la casa Hayón en la barriga.

A collection of articulated dolls for the Japanese company Toy2R with the mark of the Hayón house on their stomach.

«la calidad es una cualidad esencial e imperativa en mi estilo» Creo en la libertad de expresarme y narrar historias con el trabajo. Al crear, soy muy mío. Para mí, lo importante es que el trabajo refleje una idea y una historia. Mi estilo es muy personal. Es difícil describirlo o categorizarlo.

No me gustan las etiquetas. Me considero un creador y toco todo lo que me interese.

La calidad es una cualidad esencial e imperativa en mi estilo. Tengo fascinación por los materiales nobles porque son capaces de resistir el tiempo y seguir siendo

www.hayonstudio.com

hermosos. Soy un apasionado de la sofisticación, de mezclar temas, de observar con un tercer ojo a todo lo que me rodea Creo que el arte y la artesanía arrastran claves culturales esenciales y reflejan lo que somos. Valoro la artesanía mucho, y esto se evidencia en mi trabajo. Busco colaborar de cerca con el artesano porque me parece esencial y me gusta; me permite conocer posibilidades que de otra manera no podría evaluar.

Las instalaciones artísticas me han servido como una plataforma para experimentar y disfruto mucho de ellas.

Es un formato de mucha libertad, donde puedo jugar con mis ideas. La experimentación es una buena herramienta para soñar y me baso en ella para explorar el rango de mis libertades.

En cuanto a la inspiración, hay muchos temas que llaman mi atención y estos focos de interés son cambiantes. La naturaleza me seduce, pero también hay mucho elemento cultural que me causa una atracción particular:

en cierto momento ha sido el circo, en otro Hollywood, un cuadro, el sol, animales, las razas, los mundos perdidos… Yo empiezo a proyectar a partir de una imagen, de una idea, de un material. Intento buscar inspiración en cosas muy sencillas. El talento consiste en mezclar las influencias para sacar una nueva receta…

Mi idea siempre arranca del papel. Me encanta dibujar y la calidez que puede dar la mano a un diseño. Cada pieza es un mundo. En algunos casos, el resultado es casi idéntico a la concepción original mientras que en otros, la pieza va cambiando a medida que entra en producción.

Un buen diseño es un diseño que tenga alma, que funcione, que tenga carácter, que dure, que cuente algo…

Tiene que haber unidad y tiene que ver con el arte y con la funcionalidad; debe emocionar y, además, ser útil. Yo siempre me muevo en esos parámetros. Hay mucha comunicación entre mis piezas. Busco crear cosas bellas y cargadas de calidad y personalidad.

Jaime Hayón 157

Showtime Collection (2006) Multileg cabinet Prod.: Bd Barcelona Design

158 Jaime Hay贸n

Josephine Gold (2004) Prod.: Metalarte Interpretación en clave contemporánea de la clásica lámpara de sobremesa. Arriba, la versión en lámpara de techo.

An interpretation of the classic table lamp with a contemporary approach.

Above, the ceiling lamp version.

Jaime Hayón 159

Showtime Collection (2006) Sillón individual con cubierta Single poltrona with cover Prod.: Bd Barcelona Design Es una colección de mobiliario inspirado en los musicales clásicos de la MGM. Una combinación entre formas orgánicas con detalles clásicos. Expresa la pasión por encontrar fórmulas desde las cosas que parecen no encajar, que encuentran sin embargo una elegante coexistencia.

This is a collection of furniture inspired by the classic MGM musicals. A combination of organic shapes with classic details. It expresses the passion of finding formulas for things that do not seem to fit together and yet find an elegant coexistence.

160 Jaime Hayón

Mobiliario para el baño (2005) Prod.: Artquitect «En los lavabos es es todo tan blanco, tan clínico. Y es una habitación escondida a la gente. ¿Por qué no tratarlos como muebles y hacer piezas que se puedan usar en cualquier habitación de la casa?»

Arriba, cuaderno de dibujos de Jaime Hayón sobre la colección de Artquitect.

“Everything is so white and so clinical in toilets.

And it is a room hidden from people. Why don’t we try to make furnishings and objects that can be used in any room in the house?”

Above, notebook with Jaime Hayón’s drawings for the Artquitect collection.

Jaime Hayón 161

Grafismo en el escaparate de la tienda Camper en Carnaby Street, en Londres (2006) Graphism in the window of the Camper shop in Carnaby Street, London (2006)

Pink and yellow summer shoes 09 Prod.: Camper Tras el diseño de varios show-rooms para la empresa de calzado Camper, Hayón ha pasado a diseñar también algún modelo de zapato. Los cordones están tintados del mismo color que la piel para ofrecer un contudente monocromatismo.

After designing several showrooms for the Camper shoe company, Hayón has also designed some models of shoes. The laces are dyed in the same colour as the leather to provide striking monochromatism.

Terraza del Casino de Madrid (2007) Interiorismo del nuevo restaurante del Casino de Madrid. Destaca el sillón orejero y las lámparas diseño también del autor.

Interior design for the new restaurant at Madrid Casino. Note the wing chairs and lamps also designed by the author.

162 Jaime Hayón

Jaime Hay贸n 163

Grid Vases (2008) Prod.: Gaia & Gino Colecci贸n de jarrones en cobre, inspirada en la Edad Media inglesa, y en las artes aplicadas turcas. La manufactura est谩 realizada por talleres artesanos turcos con siglos de experiencia.

A collection of copper vases inspired by the English medieval period and Turkish craftsmanship. The pieces are made by Turkish craftsmen who have accumulated centuries of experience.

164 Jaime Hay贸n

The Fantasy Collection The Lover II The Family portrait (2008) Prod.: Lladró De «contaminación positiva» puede considerarse la colaboración entre Hayón y la empresa cerámica Lladró, que comenzó en 2005 y que llevó al diseñador a ser nombrado asesor artístico de la firma.

Se trata de combinar su fantástico universo con la tradicional calidad de Lladró.

The collaboration between Hayón and the ceramics company Lladró began in 2005 and led to the designer being appointed the firm’s artistic consultant, in a case of what could be described as “positive contamination”. The result is a combination of his whimsical vision with the traditional quality of Lladró.

Jaime Hayón 165

LaGranja

Gerard Sanmartí (Barcelona, 1974) Gabriele Schiavon (Padua, 1973) María Ruíz Ulibarri (Sevilla, 1977) José Manuel Fernández (Burgos, 1976) Cristian Marin Santos (Masnou, 1976)

Belloch (2009) Prod.: Santa & Cole Nos preocupa el medioambiente y nuestra contribución es entender el diseño como un proceso de creación en que la inquietud principal ya no es cómo nacer, sino cómo desaparecer. Por ello, hemos dedicado tiempo y esfuerzo al estudio del material y no hemos cesado hasta conseguir producir una silla contemporánea y económica con un material innovador, una singular mezcla de polipropileno reciclado y fibras de madera, ambas recicladas y reciclables.

Theory goes hand in hand with practice at Lagranja, we listen to our instincts as much as our reason. Our only style is our attitude, the energy that our projects give off: optimistic, full of vitality and consideration towards people. A design that is never self-referential or complacent, the aim of which is a project idea free of conceptual barriers: eclectic and versatile, capable of moving among different disciplines and typologies.

We could call it “Logical fantasy”. The project is a balance between risk/invention and vocation/profes-

168 Lagranja

sionalism. To imagine a goal and find the path that leads to it.

Lagranja works as a team, with 4, 6 or 8 hands. The design process is not based on a single pattern.

Projects will most likely get started anywhere, when talking in the car or waiting for a train. On returning home, drawings, notes and models get passed around until the definite form begins to take shape little by little. Everyone can contribute, comment, polish or kill off a project…. Because many fall by the wayside. We are our own harshest critics.

We care about the environment and our contribution is to understand design as a creative process in which the main concern is not how it originates but how it disappears. We have therefore devoted time and effort to studying materials, unceasingly until we have succeeded in producing a contemporary economical chair with an innovative material, a unique mix of recycled polypropylene and wood fibre, both recycled and recyclable.

«The only style is attitude, the energy that emanates from the projects»

Lula (2008) Prod.: Uno Design ¡Lula no es trono de presidente! Es una silla de aluminio que le da igual estar en una terraza frente al mar, entre las rosas del jardín de mi madre o en la sala reuniones de Chavi. Le gustan mucho los colores… aunque el blanco y el negro le sientan de maravilla. Su respaldo es un abrazo que no quieres dejar nunca. Es tan robusta, que ni los niños le dan miedo…

Lula is not a president’s throne! It is an aluminium chair which just as equally could be on a terrace opposite the sea, among the roses in my mother’s garden, or in Chavi’s meeting room. It likes colours very much…although white and black suit it wonderfully. Its back is an embrace you never want to leave. It is so robust that it is not even afraid of children…

«el único estilo es la actitud, la energía que emana de los proyectos» www.lagranja.it

En Lagranja la teoría va mano a mano con la práctica, escuchando tanto el instinto como la razón. El único estilo es la actitud, la energía que emana de los proyectos: optimistas, llenos de vitalidad y atención hacia las personas. Un diseño nunca autorreferencial y autocomplaciente, cuyo objetivo es una idea de proyecto exenta de barreras conceptuales: ecléctica y versátil, capaz de moverse entre disciplinas y tipologías distintas.

«Fantasía lógica», le podríamos llamar. El proyecto como equilibrio entre riesgo/invención y oficio/profe-

sionalidad. Imaginar una meta y encontrar el camino para alcanzarla.

En Lagranja se trabaja en equipo: a cuatro, seis y ocho manos. El proceso de diseño no sigue un patrón constante. Lo más probable es que los proyectos empiecen por ahí, hablando en el coche o esperando un tren. De regreso a casa, dibujos, apuntes y maquetas van pasando de una mesa a la otra hasta tomar, poco a poco, la forma definitiva. Cada uno aporta, comenta, pule o mata el proyecto... sí, muchos se quedan por el camino. Solemos ser muy críticos con nosotros mismos.

Lagranja 169

Trofeo Godó (2008) Prod.: Banc de Sabadell El trofeo que premió al ganador del 56º torneo internacional de tenis de Barcelona, el Open Sabadell Atlántico, no fue la típica copa de metal de formas clásicas que abundan en las vitrinas de los campeones. Siluetas siempre iguales entre sí en forma y concepto, y que a menudo ni los mismos ganadores saben diferenciar. El Banco de Sabadell encargó a Lagranja la realización de un trofeo que sepa ser símbolo y paradigma de este noble deporte. Nació así, empezando por las herramientas de la disciplina – la raqueta, sus formas y sus materiales tecnológicos – un trofeo cuya copa, icono desmaterializado se transforma en una red entramada de fibra de carbono. A la derecha, el tenista Rafa Nadal recogiendo el trofeo.

The trophy for the winner of the 56th International Barcelona tennis tournament, the Open Sabadell Atlántico, was not the typical metal cup of classic form that fill champion’s cabinets.

Silhouettes that are always the same in shape and concept, and often not even the winners themselves can differentiate. The Bank of Sabadell commissioned Lagranja to make a trophy that could be the symbol and paradigm of this noble sport. Thus it was born, beginning with the tools of the trade – the racquet, its shapes and technological materials – a trophy whose cup is a dematerialized icon transformed into a network of carbon fibre. On the right, the tennis player Rafa Nadal collecting the trophy.

Key (2008) Prod.: Santa & Cole Aparcabicicletas. Alma de perfiles de acero, acabado con espuma integral de poliuretano de alta densidad coloreado en masa. La base, de fundición de aluminio, es de color gris plateado y sirve de zócalo.

Bicycle park. Steel profile soul, finished with integrated polyurethane high density foam coloured in mass. The base, of cast aluminium, is silver grey and acts a plinth.

170 Lagranja

Coral (2009) Prod.: Pallucco Coral es una familia de l谩mparas visualmente ricas y articuladas. Un m贸dulo sencillo se repite, como un fractal, seg煤n un principio similar al que regula el crecimiento en la naturaleza. De un m贸dulo sencillo a la complejidad.

Coral is a family of visually rich and articulated lamps. A simple module is repeated, like a fractal, according to a similar principal to that which regulates growth in nature. From a simple module to complexity.

Lagranja 171

Mamba (2008) Prod.: Metalarte Mamba —lámpara de lectura de pie y de pared—, impacta por su versatilidad y sobriedad, por la capacidad, en un objeto de dimensiones muy contenidas, de satisfacer la necesidad de luz y armonía. Su elegancia discreta le permite pasar casi desapercibida; el cuidado diseño y la atención extrema al detalle exprimen un carácter sobrio. La cabeza de fundición de aluminio con difusor en policarbonato se inserta en un flexo metálico enfundado que permite orientarla en un sinfín de posiciones. El uso del LED como fuente de luz permite dimensiones contenidas que hacen de Mamba un objeto nada invasivo en el paisaje doméstico. Asimismo le otorgan una sensibilidad ecológica en virtud de sus reducidos consumos y larga duración.

Laika (2006) Producción propia, edición limitada de 100 ejemplares Own production, limited edition of 100 copies Lámpara de pie de escala reducida.

Estructura de varilla metálica lacada en blanco, pantalla de plakene y cable de tejido de color rojo.

Standard lamp of small size. Structure of metallic rod lacquered in white, plakene shade and red textile cable.

172 Lagranja

Mamba – reading standard or wall lamp – impresses with its versatility and sobriety, with its capability, in an object of very contained dimensions, of satisfying the need of light and harmony. Its discreet elegance allows it to go almost unnoticed; the careful design and extreme attention to detail express a sober character. The cast aluminium head with polycarbonate diffuser is inserted in a sheathed flexible metal tube which allows it to be turned in endless positions. The use of LED as the light source enables the contained dimensions, making Mamba an object that is not at all invasive in the domestic landscape. It also gives it its ecological sensitivity, because of the low consumption and long duration.

Infiore (2008) Prod.: Inlight Una lámpara sincera, que nace con el deseo de crear un gran objeto a partir de un pequeño módulo. Infiore es a la vez una obra figurativa y sintética. Los pétalos, en policarbonato bi-inyectado, difunden y reflejan la luz creando efectos cromáticos. Funcional y decorativa. Huye de esquemas preconcebidos y de clasificaciones: abre sus pétalos en manera armónica y ordenada.

A sincere lamp, born with the desire of creating a great object from a small module.

Infiore is at one and the same time a figurative and a synthetic work. The petals, in biinjected polycarbonate, diffuse and reflect light, creating chromatic effects. Functional and decorative. It flees preconceived schemes and classifications: it opens its petals harmoniously and tidily.

Uto (2005) Prod.: Foscarini Lámpara multiuso —colgante, de apoyo o aplique— tanto de interior como de exterior. Goma de silicona con pantalla de policarbonato.

Multi-use lamp – ceiling, table or wall – both interior and exterior. Silicon rubber with polycarbonate shade.

Lagranja 173

Ernest Perera Vilanova i la GeltrĂş (Barcelona), 1974

FOTO: AMOR DE MADRE

Flow (2003) Prod.: Amor de Madre (2009) Florero de pared que parte del sistema de producción de los blister del supermercado.

Wall flower-vase based on the system of the production of supermarket “blister” packaging.

My approach to each project is determined by where it comes from.

As a freelance designer, I get my inspiration mostly from observing the way people behave. Observing how they relate to their surroundings and the elements around them is often the starting point for the definition of a new object. It is important to grasp what the element means and what message it has for the person who uses it.

How an object can question the way we do an every-

176 Ernest Perera

day activity or surprise us with its function.

Since I have assumed the task of manufacturing my own work, the system of production is another factor to bear in mind.

On the other hand, as a designer employed by a company, creating highly engineered pieces requires an exhaustive design and constant communication with the other participants of the project. It is about improving the existing pieces and helping to smooth production.

Comebagagain (1999) Prod.: Amor de Madre Soporte para bolsas de supermercado. ¿Por qué comprar bolsas de basura? Un elemento que va directamente al contenedor. Reutilizar una bolsa de supermercado reduce la fabricación de estas bolsas grises. En acero inoxidable para una larga duración.

Container for supermarket bags. Why buy bin-liners? Items that go straight in the bin. Reusing supermarket bags reduces the manufacture of these grey items. In stainless steel to be long-lasting.

«Observing people is my main source of inspiration»

FOTOS: MARTÍN AZÚA

Apretting (2002) Ya no hace falta ir al gimnasio para «marcar» figura. En una sociedad donde prima la velocidad y los resultados inmediatos, una camiseta donde lo único que se precisa para marcar es apretar por detrás. Ajustable a cualquier situación diaria (ir a comer con los padres o estar desesperado a las 5 de la noche en una disco sin ligar...)

It is no longer necessary to go to the gym to “show off” your figure. In a society where speed and immediate results are what count, a shirt where all you need to do to show your figure is to tighten it at the back. Adjustable for any daily situation (going out for lunch with your parents or feeling desperate at 5 in the morning at a disco because you haven’t pulled anyone…)

«Observar a la gente es mi principal fuente de inspiración» www.ernestperera.com

Como diseñador freelance observar el comportamiento de la gente es mi principal fuente de inspiración. La relación que tiene ésta con su entorno y con los elementos que la rodean es muchas veces el inicio para la resolución de un nuevo objeto. El significado del elemento y lo que comunica a quien lo está utilizando es importante. ¿Cómo puede un objeto replantear una manera de hacer una acción cotidiana, o sorprender por su manera de funcionar?

Desde que soy el editor de alguna de mis piezas en la empresa Amor de Madre, el sistema de producción es un factor que tengo más en cuenta.

Por otro lado, como diseñador en un departamento de una empresa, solucionar piezas con un alto grado de ingeniería exige un diseño detallado y constante comunicación con todos los participantes del proyecto.

Tratar de mejorar las piezas existentes y ayudar a una fácil producción.

Ernest Perera 177

Encanal (2008) Prod.: Amor de Madre Cortador de cocina hecho en polietileno.

Sus dos pliegues permiten canalizar la comida hacia la olla o sart茅n.

Kitchen cutter made from polyethylene. Its two folds allow the food to be channelled towards the saucepan or frying-pan.

Rain drops keep fallin (2001) Prod.: Amor de Madre Plato que se aguanta vertical para su auto secado. Ya no es imprescindible tener escurreplatos. Ideal para una persona que vive sola y s贸lo quiere un plato.

Plate that stands up vertically to be selfdrying. It is no longer necessary to have a plate drainer. Ideal for someone who lives alone and only wants one plate.

178 Ernest Perera

Uncut (2007) Prod.: Amor de Madre Babucha que se adapta al pie (no al revés). Ideal para viajar. Una misma plantilla nos sirve para pie de la talla 32 hasta una 46. Reducción drástica en el proceso de producción y participación del usuario.

Slipper that adapts to your foot (and not the other way round). Ideal for travelling. The same insole can be used from a size 32 to a 46. Drastic reduction in the production process and user-participation.

Ernest Perera 179

Bonustrack (2000) Prod.: Amor de Madre Soporte mínimo para aguantar 30 CD. Realizado en cartón, su canal interno proporciona la estructura suficiente para su uso.

Reciclado y reciclable.

Minimal support to hold 30 CDs. Made from cardboard, its internal channel provides sufficient structure for its use. Recycled and recyclable.

FOTO: MERITXELL ARJALAGUER

Laika (2006) Prod.: Producción propia, edición limitada de 100 ejemplares Lámpara de pie. Estructura de varilla metálica lacada en blanco, pantalla de plakene y cable de tejido de color rojo.

Lámpara de pie. Estructura de varilla metálica lacada en blanco, pantalla de plakene y cable de tejido de color rojo.

Hot Dogs (2007) Prod.: Amor de Madre No es sólo un puf, también podemos tener los pies calentitos o guardar revistas, etc. Realizado en lana virgen.

It is not only a pouffe, we can also keep our feet warm or store magazines, etc.

Made from pure wool.

180 Ernest Perera

FOTOS: MARTÍN AZÚA

My cigars Speak to me (2003) Colección de cigarrillos que hacen una reflexión sobre el acto de fumar. Lung nos marca cómo nos van quedando nuestros pulmones. Duets reflexiona sobre el acto de pedir un cigarro como punto de partida para entablar una relación.

A collection of cigarettes that make a reflection on the act of smoking.

Lung shows us what our lungs will be like. Duets reflects on the act of asking for a cigarette as the starting point to begin a relationship.

Aurea (2008) Prod.: Delica Colección de tres piezas para almacenar platos, mugs o botellas. Parte de la idea de crear un marco para la cocina.

El cuadro resultante es una composición de los platos y cubiertos que utilizamos a diario.

A collection of three objects to store plates, mugs or bottles. It is based on the idea of creating a framework for the kitchen. The resulting picture is a composition of the plates and cutlery we use every day.

Ernest Perera 181

Diego Ramos

Barcelona, 1978

Alehoop (2004) Prototipo / Prototype Alehoop es un sistema de almacenamiento de CD compuesto por dos elementos principales: una plancha de metal y una serie de imanes espumosos. Estos imanes de gran fuerza se introducen en el hueco lateral de las cajas de los CD. Realizando esta simple operación damos al CD una libertad total de movimiento en la zona metálica, pudiendo colocar de cualquier manera el CD, tanto verticalmente, horizontalmente, inclinado, abierto, cerrado o de manera frontal. Este sistema se aleja de los engorrosos sistemas de clasificación, creando una unidad simple, limpia y fácil de usar.

Alehoop is a storage system for CDs comprising two main elements; a metal plate and series of foamy magnets. These powerful magnets are introduced in the side gap of the CD cases. In this simple way, we give the CDs total freedom of movement in the metallic area, and they can be placed in any way, vertically, horizontally, diagonally, open, closed or frontally. This system is different from the messy classification systems, creating a simple, clean, easy-to-use unit.

We live in a rapidly changing world where every day brings us into contact with new forms of behaviour, new fears, new forms of communication, new technologies and new materials…

This is the world in which I develop and create my ideas.

Most of these products are based on an idea, a comment or a reflection on our society and its values, on the people and their activities…to put it simply, on our immediate surroundings.

Among these reflections there are elements that define my understanding of design, and which can be classified in the following way.

The narrative-emotional link between the object and the end user. A link which lets the user identify him or herself with it, to rediscover it every timer it is used. A link which gives the object its soul, a meaning, and which is transformed as it is used, so that the role of the user

184 Diego Ramos

becomes one of a spectator.

Play as an element adding dynamism. A game that is reinforced by the material employed, by our physical limitations, by our perceptions, by our surroundings and even by the laws of physics. A game that tells us things about ourselves and the world around us.

The object as a therapeutic device. This acts as an element which lets us tackle, explore, understand and control our uncertainties. The product helps us to understand our immediate environment and helps to alter our perceptions.

Experimentation as an essential element in the creative process. Experimentation in the fields of materials, forms and analysis provide substantial benefits for the finished products. This experimentation allows us to come up with much more interesting ideas, and suggests new directions for future projects.

Hole in one (2006) Prototipo / Prototype Hole in one es un taburete realizado en espuma de alta densidad. Gracias a las propiedades de este material conseguimos que la forma del vacío sea el elementos que nos permita crear una estructura lo suficientemente rígida para poder sentarnos.

La forma del vacío representa la silueta de un taburete. Al sentarnos en él, el peso queda soportado por la base interior de la silueta. Gracias al material utilizado este taburete es ligero y fácilmente transportable.

Hole in one is a stool made from high density foam. Thanks to the properties of this material we succeed in making the shape of the space be the element that allows us to create a rigid enough structure to support our weight. The shape of the space represents the silhouette of a stool.

When we sit on it, the weight is borne by the interior base of the silhouette. Thanks to the material used, this stool is light and easily transportable.

«Play as the revitalising element»

The contribution of different creative disciplines towards a working method. Disciplines such as interior design, architecture, graphic design, jewellery, art or cinema provide a theoretical, technical, formal and communicative base on which to develop my projects.

«El juego como elemento dinamizador» Vivimos en un mundo que cambia de manera vertiginosa, donde día a día se presentan nuevos comportamientos, nuevos miedos, nuevas formas de comunicación, nuevas tecnologías, nuevos materiales…

Es en este entorno, en el que desarrollo y planteo mis propuestas. Son en su mayoría productos que presentan una idea, un comentario o una reflexión sobre nuestra sociedad y sus valores, sobre sus personajes

www.diegoramos.es

y sus comportamientos… en definitiva, sobre nuestro entorno más directo.

Dentro de estas reflexiones encontramos elementos que definen mi manera de entender el diseño, que se podrían agrupar en las siguientes reflexiones: El vínculo narrativo-emocional entre el objeto y el usuario. Un vínculo que permite al usuario sentirse identificado con él, redescubrirlo cada vez que lo utiliza. Un vínculo que otorga al objeto un alma, un significado y que se transforma a lo largo del uso, pudiendo modificar el papel del usuario convirtiéndolo en espectador.

El juego como elemento dinamizador. Un juego potenciado por el material utilizado, por nuestras limitaciones físicas, por nuestras percepciones, por nuestro entorno temporal e incluso por las leyes físicas. Un juego que nos ayuda a entender más sobre nosotros mismos y nuestro entorno.

FOTO: DIEGO RAMOS

X-NOGRAFICS

Graphite Chair (2009) Pieza única / Unique object Graphite Chair es resultado de la experimentación de diferentes materiales y técnicas. Es la combinación de Tyvek, látex resinas y tintas para serigrafía . La estructura interior de la silla está realizada a partir de un elemento metálico y de espuma expandible.

La superficie exterior está realizada con Tyvek tratado con látex y resinas, el acabado exterior está realizado a partir de tintas negras y barnizes UV. Graphite Chair is the result of experimenting with different materials and techniques. It is the combination of Tyvek, latex, resins and dye for silkscreen printing. The interior structure of the chair is made from a metallic element and expandable foam. The outer surface is made from Tyvek treated with latex and resin, and the exterior finish is made with black dye and UV varnish.

Coolsex (2002) Prod.: Pornografics Si se escribe la palabra sexo en el buscador Google aparecen 10.320.000 resultados. Es el reflejo del auge que está teniendo la pornografía gracias a Internet, festivales eróticos, 906, webcams, sexo vivo, etc. Demuestra el gran número de personas, aunque nadie lo confiese, que practicamos sexo en solitario, ya sea a través de Internet, la televisión o acudiendo a las cabinas de un sexshop. Por tanto, si la práctica de la masturbación está cambiando y de alguna forma liberalizándose, ¿por qué no plantear una idea acorde con las nuevas maneras de practicar tan íntimo acto?

Coolsex es una superficie de celulosa de un solo uso que nos proporciona la comodidad, higiene y discrección que la era del cibersexo requiere.

If you write the word ‘sex’ in Google search engine you get 10,320,000 results. This is a reflection of the increasing interest in pornography, because of Internet, erotic festivals, 906 telephone calls, webcams, live sex, etc. It is a sign of the large number of people, although no one admits it, who practise sex alone, either through Internet, television, or in the cabins of a sex-shop.

Therefore, if the habit of masturbation is changing and in some way being liberated, why not propose an idea in accordance with the new ways of taking part in such an intimate act? Coolsex is a cellulose surface for a single use that provides the comfort, hygiene and discretion that the age of cybersex requires.

El objeto como elemento terapéutico. Éste actúa como elemento que permite afrontar, explorar, entender y controlar nuestros miedos. El producto nos ayuda a comprender nuestro entorno más directo y lograr transformar nuestra percepción.

La experimentación como elemento esencial en el proceso creativo. La experimentación en el campo material, formal y analítico enriquece de manera sustancial las propuestas finales. Esta experimentación nos permite propuestas mucho más interesantes, al mismo tiempo que nos presentan nuevas posibilidades para futuros proyectos.

El apoyo de diferentes disciplinas creativas como metodología de trabajo. Disciplinas como el diseño de interiores, la arquitectura, el diseño gráfico, el diseño de joyas, el arte o el cine proporcionan una base teórica, técnica, formal y comunicativa importante en el desarrollo de mis proyectos.

Diego Ramos 185

20/1 (2009) Edición limitada / Limited edition 20/1 es un jarrón multi-posicional que se reinventa a sí mismo en cada uso. Dividido en seis elementos diferentes combinables entre sí, permite crear un número casi ilimitado de posiciones.

20/1 is a multi-positional vase that reinvents itself each time it is used. It is divided into six parts that can be combined in different ways, and which allows an almost limitless number of positions to be created.

186 Diego Ramos

“Gold Series” Geo Vases is a collection of vases made from Tyvek geometrical patterns joined together by thermo-adhesive. In this new the collection, the geometrical patterns are combined with a gold electro-plated element.

The combination between a material developed for industrial applications, like Tyvek, with a precious metal like gold, gives the collection a new perspective. This combination tries to explore how we can give a distinctive quality to designs made from industrial materials, which are normally hidden and theoretically have no “aesthetic quality”.

Tyvek is a synthetic material produced and commercialised by the Dupont company. It consists of high density polyethylene fibres, which make it very hard. It is difficult to tear but easily cut with sharp objects, at the same time as it is impermeable, 100% recyclable and similar to paper. Normally it is used as insulating material in building and in the chemical industry.

fotos: Caterina Barjau

Geo Vases «Gold Series» (2008) Prod.: Diego Ramos. Edición limitada / Limited edition Geo Vases «Gold Series» es una colección de jarrones realizados a partir de patrones geométricos de Tyvek unidos entre sí mediante un termo-adhesivo. En esta nueva colección los patrones geométricos están combinados con un elemento electro-plateado en oro.

La combinación entre un material desarrollado para aplicaciones industriales, como es el Tyvek, con un material precioso como el oro, dan a la colección una nueva perspectiva. Esta combinación trata de explorar cómo podemos dar un distintivo a diseños realizados a partir de materiales industriales, materiales que normalmente se esconden y que teóricamente no tienen ninguna «calidad» estética. Tyvek es un material sintético producido y comercializado por la compañía Dupont. Este material está compuesto por fibras de polietileno de alta densidad, que le otorgan una gran dureza, es difícil de rasgar, pero fácilmente recortable con objetos punzantes, al mismo tiempo es impermeable, 100% reciclable y se asemeja al papel. Normalmente se utiliza como aislante en la construcción y en la industria química.

Domestic Pets (2006) Prototipo / Prototype Domestic Pets se presenta como un conjunto de elementos que recrean, fuerzan o ayudan las relaciones personales.

Estos elementos representan actitudes presentes en la sociedad: superioridad, individualismo, aislamiento, integración, al mismo tiempo que también muestran comportamientos sociales tales como compartir, dividir... Estos elementos nos permiten ver a través de representaciones objetuales los comportamientos humanos.

Domestic Pets is presented as a set of elements that recreate, strengthen and help personal relationships. These elements represent attitudes found in society: superiority, individualism, isolation, integration; at the same time as they show social behaviour, like sharing, dividing… These elements allow us to see human behaviour through representations in the form of objects.

Geo Vases “Gold Series” (200?)

Prototipos Geo Vases “Gold Series” es una colección de jarrones realizados a partir de patrones geométricos de Tyvek unidos entre si mediante un termo-adhesivo. En esta nueva colección los patrones geométricos están combinados con un elemento electro-plateado en oro.

La combinación entre un material desarrollado para aplicaciones industriales, como es el Tyvek, con un material precioso como el oro dan a la colección una nueva perspectiva. Esta combinación trata de explorar como podemos dar un distintivo a diseños realizados a partir de materiales industriales, materiales que normalmente se esconden y que teóricamente no tienen ninguna “calidad” estética. Tyvek es un material sintético producido y comercializado por la compañía Dupont. Este material esta compuesto por fibras de polietileno de alta densidad, que le otorgan una gran dureza, es difícil de rasgar, pero fácilmente recortable con objetos punzantes, al mismo tiempo es impermeable, 100% reciclable y se asemeja al papel. Normalmente se utiliza como aislante en la construcción y en la industria química.

Geo Vases “Gold Series” es una colección de jarrones realizados a partir de patrones geométricos de Tyvek unidos entre si mediante un termo-adhesivo. En esta nueva colección los patrones geométricos están combinados con un elemento electro-plateado en oro.

La combinación entre un material desarrollado para aplicaciones industriales, como es el Tyvek, con un material precioso como el oro dan a la colección una nueva perspectiva. Esta combinación trata de explorar como podemos dar un distintivo a diseños realizados a partir de materiales industriales, materiales que normalmente se esconden y que teóricamente no tienen ninguna “calidad” estética.

Tyvek es un material sintético producido y comercializado por la compañía Dupont. Este material esta compuesto por fibras de polietileno de alta densidad, que le otorgan una gran dureza, es difícil de rasgar, pero fácilmente recortable con objetos punzantes, al mismo tiempo es impermeable, 100% reciclable y se asemeja al papel.

Normalmente se utiliza como aislante en la construcción y en la industria química.

Diego Ramos 187

fotos: Caterina Barjau

Knife!!! (2006) Edición limitada / Limited edition ¿Quién ha clavado un cuchillo en la pared! Ésta es la reacción al ver este colgador.

Knife!!! es un colgador que toma prestada la forma de un cuchillo. La hoja de acero está doblada en un ángulo deteminado, que hace que tengamos visiones contradictorias del colgador. Por un lado podemos ver el cuchillo clavado en la pared y por otro vemos el cuchillo flotando en el aire. Un juego visual que provoca reacciones muy diversas.

Who has stuck a knife into the wall? That is the reaction when someone sees this hanger.

Knife!!! is a hanger which borrows the form of a knife. The steel blade is bent at a certain angle which means we have contradictory views of the hanger. On one side we can see the knife stuck in the wall, and on the other we see the knife floating in the air. A visual game that produces very different reactions.

Marta’s choice (2004) Prototipo / Prototype Marta’s choice es una percha fetiche. Gracias a su forma y a sus propiedades físicas esta percha nos permite clasificar nuestra ropa en el armario de una manera diferente. De un lado podemos diferenciar nuestra prenda favorita de la más odiada, la ropa de verano de la ropa de invierno, nuestra ropa de la de nuestra pareja, con un simple movimiento de la percha. Gracias a la distribución del peso interior de la percha conseguimos variar el eje de gravedad para crear dos posiciones diferentes de la percha.

Marta’s Choice is a fetish coat-hanger. Thanks to its shape and physical properties, this coat-hanger allows us to classify our clothes in the wardrobe in a different way. On one side we can differentiate, with a simple movement of the coat-hanger, our favourite clothes from the ones we hate the most, summer clothes from winter outfits, our clothes from those of our partner. Thanks to the distribution of the interior weight of the coat-hanger, we are able to vary the centre of gravity to create two different positions of the hanger.

188 Diego Ramos

FOTOS: CATERINA BARJAU

Scaramouche (2006) Prototipo / Prototype Es un candelabro que nos permite su uso en dos posiciones: dejarlo encima de una superficie plana o cogerlo con la mano. El conjunto formal total recrea la forma de una espada, protegiendo tanto las manos como las superficies de la cera caliente.

This is a candelabra that can be used in two positions: we can leave it on a flat surface or we can hold it in our hands. In its overall formal shape it recreates the form of a sword, protecting both our hands and the surfaces from hot wax.

Random chair (2005) Prototipo / Prototype Random chair es una silla realizada con caras poligonales posicionadas en diferentes inclinaciones. Este juego de inclinaciones y de piezas, potenciado por el tipo de pintura utilizada, crea un lenguaje estĂŠtico y formal diferente, creando un juego visual muy interesante. La luz, al inserir en cada una de las caras crea diferentes juegos de color mostrando diferentes tonalidades del mismo, reinterpretando contĂ­nuamente la forma de la silla. La luz da una vida y forma diferente a cada momento.

Random Chair is a chair made from polygonal faces placed at different angles. This play of angles and shapes, heightened by the type of paint used, creates a different aesthetic and formal language, producing an extremely interesting visual effect. Light, as it strikes each of the faces, creates different effects of colour, which display different shades, continually reinterpreting the form of the chair. Light gives life and a different form to each moment.

Diego Ramos 189

mario ruĂ­z

Alicante, 1965

Programa K22 (2005) Prod.: Haworth-Castelli Este es un proyecto de oficina singular por la natuThis is a unique office project because of the raleza del encargo para el grupo Haworth, y en su nature of the commission by the Haworth Group fabricación destaca la aportación de profesionales and in its manufacture participate professionals de diferentes países procedentes de las variadas from the different countries belonging to the empresas del grupo. Formalmente, se trata de un various companies in the group. Formally, it is sistema constructivo de elementos geométricos en a constructive system of geometric elements los que el color tiene un importante papel. in which colour plays an important role.

Contenedores Play (2008) Prod.: Dona Living El ejercicio del proyecto de esta serie de contenedores pone el acento expresivo en la superficie de las puertas, un juego de planos facetados en distintos sentidos que componen un frente dinámico y característico.

The exercise of the project of this series of containers highlights expressively the surface of the doors, a play of faceted planes in different directions which make up a dynamic and characteristic front.

I never approach a project as something global or predefined, because my way of designing is based on a focus on small areas, on the build up of solutions for tiny, almost invisible points which, when grouped together make up a whole that is the object. There has always been a hierarchy in the details from the start: the order depends on the importance of the element in the use of the object, according to the product.

This might be because I don’t want to make products that attract attention by their appearance; I prefer the object that works well because it’s been well thought through. My highest aspiration is to make honest products as part of an intelligent project, objects that are not noticed but which last a long time. If any of my projects turns out to be noticeable or remarkable it is not

192 Mario Ruíz

because I had planned it to be that way, but because the sum of the parts, due to my obsession with making the object useful, comes together in a visual identity which also works well.

I am quite introverted and shy, and I think that affects the way I approach a project: I handle people in much the same way, with a lot of respect and discretion, circling around until I feel I have a grasp of the situation and find the solution I’ve been looking for. That’s when I feel more comfortable and spontaneous in creating the design.

This approximation is always from a manual sketch. The computer comes later and is an indispensable part of the process, a translator who takes the idea from the drawing and puts it into a language which I can work with, it converts it into the language I need for production.

«My aspiration is to achieve honest products»

Tumbona Flat (2007) Prod.: Gandía Blasco Éste es un ambicioso proyecto de mobiliario de exterior que realizamos para Gandía Blasco, cuyo primer fruto es esta tumbona. El color, con el que se juega para dar lugar a diversas combinaciones, es uno de los signos de identidad más rotundos de la pieza. Formalmente supone una incorporación respetuosa con la imagen del catálogo de este fabricante y, al tiempo, se ha tratado de lograr una pieza refinada en su perfil, en su superficie e imagen general. Se fabrica en polipropileno y aluminio.

«mi aspiración es llegar a conseguir productos honestos» Nunca afronto el proyecto como algo global y definido a priori, sino que mi forma de diseñar se basa en el trabajo en pequeñas partes, en la suma de soluciones sobre

www.marioruiz.es

This is an ambitious outdoor furniture project made for Gandía Blasco, whose first result is this sun-lounger. The colour, with which we play to produce various combinations, is one of the clearest signs of identity of the item. Formally, it is respectful with the catalogue image of this manufacturer, and at the same time, the aim has been to achieve an object that is refined in its profile, in its surface and general image.

It is made in polypropylene and aluminium.

puntos minúsculos, casi invisibles, que, en su conjunto, dan lugar a un todo que es el objeto. Desde el inicio, existe una jerarquía en esos pequeños detalles: voy siguiendo un orden por su nivel de importancia en el uso del objeto, dependiendo de qué producto se trate.

Tal vez todo esto que cuento sea así porque no me gusta hacer productos que llamen la atención por su apariencia, prefiero el objeto que funciona bien porque está bien resuelto. Mi mayor aspiración es llegar a conseguir productos honestos fruto de un proyecto inteligente, objetos que pasan más desapercibidos pero que son más perdurables. Si en algún momento alguno de mis proyectos llega a resultar más llamativo o más singular no es porque yo lo haya imaginado a priori, sino porque esa suma de partes, que surgen de mi obsesión por

responder a la misión del objeto de ser útil, logra también una identidad visual que funciona bien.

Mi forma de ser es bastante introvertida y tímida, y creo que eso también influye a la hora de enfrentarme al proyecto: me acerco igual que a las personas, con mucho respeto, discretamente, voy dando vueltas a su alrededor hasta que siento que controlo la situación y encuentro la solución que busco. Entonces me siento cómodo y soy más espontáneo en la consecución del diseño.

Esta aproximación es siempre a partir del dibujo a mano. El ordenador llega después y es para mí una herramienta imprescindible, un traductor que convierte la idea contenida en el dibujo a mano en un lenguaje que sirve para poder hacer las cosas, lo transforma en el idioma necesario para fabricar.

Mario Ruíz 193

Altavoz SoLine (2005) Prod.: Vieta Entre nuestros trabajos de diseño industrial en el mundo del sonido, éste es uno de los productos más innovadores porque es un objeto sin cables, que funciona con baterías y sirve tanto para exterior como para interior. Estas características técnicas hacen que se pueda colocar el objeto en lugares poco habituales, lo que les convierte en un objeto más cercano al usuario, se traslada de lugar con más facilidad y, por lo tanto, se manipula más a menudo.

Among our industrial design work in the world of sound, this is one of the most innovative products because it is a wireless object, it works with batteries and can be used both outdoors and indoors. These technical characteristics mean it can be placed in unusual places, transforming it into an object that is closer to the user, can be moved from place to place more easily and, therefore, is handled more often.

Cafetera Stila (2008) Prod.: Iberital En el diseño de esta máquina de café para oficina, buscamos la creación de un elemento compacto, cúbico, resuelto para ser utilizado siempre en una misma dirección, y así su imagen sería más limpia y, al tiempo, más fácil entender su funcionamiento.

El concepto es una caja forrada con una piel lateral y frontal que se fabrica en distintas opciones de color, un volumen con una geometría sencilla y una identidad rotunda. Va iluminada interiormente para hacer más fácil su uso y se ha calculado que el espacio en el que se coloca la taza sea de una medida especial para permitir el uso de cualquier medida de vaso o taza, hasta los más grandes. Además puede utilizarse cartuchos de cualquier marca de café e infusiones.

In the design of this compact coffee maker aimed at office environments we strived for a design that created a cubic volume of a compact appearance, intended to be located always in one unique orientation which results in a clean image and a clear and easy- to-understand functioning. The styling concept is based on a simple geometry which confers a well defined identity. It’s built upon the idea of a box wrapped on the side and front emulating a skin that allows for color differentiation. Its interior is illuminated in order to offer more visibility, and it can hold cups of any measure, even the largest ones. One of Stila’s advantages is that it can use any commercial coffee or tea refill cap Cafetera M270 (2005) Prod.: Moka Expres Moka Expres nos encargó el diseño de esta cafetera electrónica y nuestra respuesta fue crear un objeto que aprovechara al máximo el espacio sobre la encimera de la cocina —lo que explica su base rectangular— desde una imagen rotunda. En este sentido, se ha trabajado minuciosamente el desarrollo de las superficies del objeto, mediante una envolvente piel de aluminio que cubre de forma fluida todo el cuerpo, rematado con una liviana bandeja de acero.

194 Mario Ruíz

Moka Expres entrusted us with the design of this electronic coffee maker and our response was to create an object that would take full advantage of the space on the kitchen counter- which justifies its rectangular base. As such, a very detailed work has been carried out on the surfaces of the object by means of a wraparound aluminum skin that fluidly covers the entire object, finished off with a light steel tray.

Banco Fuori (2008) Prod.: Viccarbe Es un banco de lamas de madera de fresno de distinta anchura sobre una estructura de acero lacado. El proyecto, pensado para espacios de instalación o contract, contempla diversas versiones en longitud y acabados: blanco, negro y madera natural.

Lo que caracteriza el diseño de Fuori es su configuración sobre un perfil seccionado en lamas de distinto tamaño. Tiene un peculiar alzado lateral, con dos alas a los lados que funcionan como mesas o elementos de apoyo. Estas no se separan o desvinculan del cuerpo del banco, sino que se constituyen como un todo continuo sobre la misma superficie del asiento y el respaldo.

This is a bench with ashwood slats of different widths, on a structure of lacquered steel. The project, intended for installation or contract areas, envisages different versions in length and finish; white, black and natural wood. What characterises the Fuori design is its shape on a sectioned profile with slats of different size. It has a peculiar side elevation, with two wings at the side that act as tables or supporting elements.

These are not separated or cut off from the body of the bench, but form a continuous whole on the same surface of the seat and back.

Park (2008) Prod.: Gandía Blasco Es éste un proyecto basado en el cromatismo y en geometrías multiplicadas, en juegos de luz e intensidad cromática que marcan contrastes entre los distintos planos de la lana tejida. En este diseño de alfombras para Gandía Blasco hemos utilizado y combinado el color como apoyo a las estructuras del dibujo para expresar dinamismo, enfatizando una composición basada en la repetición de motivos geométricos para darle su carácter.

This is a project based on color and geometrical modularity, light interplay and chromatic intensity that create contrast among the diverse planes of the interwoven piece of wool. In this project of carpets for Gandia Blasco we’ve used and combined color to act as a support of the structures of the drawings in order to convey dynamism, emphasizing a composition based on the repetition of geometric volumes that confers its personality.

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Butaca Nova (2008) Silla Nova Operativa (2008) Prod.: Dynamobel Concebida para espacios de oficina de alta dirección, el planteamiento en el diseño de esta butaca fue cumplir lo mejor posible con dos exigencias indispensables en una butaca para ese ámbito. Una, dotarla de una imagen sofisticada desde la sobriedad, para marcar la atmósfera de poder de los grandes despachos utilizando el lenguaje de la esencialidad. En segundo lugar, seleccionar cuidadosamente los materiales para terminar de tejer ese traje necesariamente especial.

Conceived for the offices of high executives, the reasoning behind the design of this armchair was that it had to comply with two essential requirements that this setting calls for. First of all, it had to use the language of essences to achieve the sophisticated, restrained look that distinguishes the high offices of power. Secondly, the materials had to be chosen with the utmost care in order to dress it in a most special outfit.

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Lámpara Panamá (2007) Prod.: Metalarte A partir de dos volúmenes sencillos: un cilindro y un prisma rectangular de aristas redondeadas, se ha llevado a cabo un ejercicio de vaciado para alojar la fuente de luz en estas luminarias de exterior. El resultado es una serie de objetos luminosos de equilibrado perfil, suave y redondeado, y que huye de las clásicas construcciones de baliza en forma tubular.

These outdoor lamps are composed of two simple volumes, a cylinder and a rectangular prism with rounded edges. The piece is cast so that the light source fits inside it. The result is a luminous object with a smooth, rounded and balanced form which strays from the classical forms of tubular beacons.

Luminaria Frame (2007) Prod.: B- Lux Para la empresa B. Lux realizamos estas balizas luminosas para el exterior. Baños de luz que comparten con la arquitectura en la que se integran su silencio y su geometría. Son piezas con un cuerpo de aluminio cuya fuente de luz ilumina hacia el suelo y emite también haces de luz cruzados.

These outdoor light fittings were created for the B. Lux company.

They are pools of light that share their silence and geometry with the architecture where they are to be located. They consist of an aluminium body which directs the light down onto the ground in beams that criss-cross over one another.

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HĂŠctor Serrano Valencia, 1974

FOTO: MAURICIO SALINAS

Clothes Hanger (2001) Prod.: Droog Design Personalizas la lámpara con tu propia ropa, así puedes conseguir diferentes ambientes e intensidades de luz dependiendo de tu vestuario.

Personalize your lamp with your own shirts so it becomes a totally different lampshade. Clothes hanger allows you to create a different ambience depending of your clothes.

Top secret (2001) Prod.: Metalarte Esta lámpara está hecha de acetato que ha pasado a través de una máquina desfibradora utilizada para destruir documentos confidenciales. Las tiras de acetato se mantienen unidas mediante una red transparente de nylon utilizando el mismo proceso que en el embalaje de naranjas. La naturaleza caótica de la lámpara implica que es imposible controlar la forma final.

This lamp is made from acetate that has been passed through a shreading machine used to destroy confidential documents. The acetate stripes are held together with a clear nylon net using the same process that the packaging for oranges. The chaotic nature of the lamp means it is impossible to control the final shape.

Our aim is to create products and projects that people feel identified with in the most human, emotional and extraordinary way possible. We try to combine two apparently opposing concepts: innovation and

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familiarity. The former gives the project an unexpected, novel quality and the latter plays with our memories so that we identify and are seduced at the same time.

«Innovation and familiarity»

Reduced Carbon Footprint Souvenirs (2007) Prod.: 3D Systems Una colección de souvenirs que pueden enviarse por correo electrónico y materializarse utilizando una impresora 3D (desarrollo rápido de prototipos mediante estereolitografía). No se requiere transporte ni métodos de producción convencionales, de manera la huella de carbono puede reducirse al mínimo. El proyecto pone en causa la manera en que se fabrican los objetos y en que se aplican las nuevas tecnologías, para proponer maneras alternativas para reducir su impacto en el medio ambiente.

A collection of souvenirs that can be send by e-mail and then materialize using a 3D Printer (stereolithography rapid prototyping). No transport or standard production methods are required so the object carbon footprint is 10 reduced to the minimum. The project questions the way objects are manufactured and new technologies are applied to propose alternative ways of reducing their impact on the environment.

«Innovación y familiaridad» www.hectorserrano.com

La Siesta (1999) Diseño / Design: Héctor Serrano, Alberto Martínez, Raky Martínez Prod.: La Mediterranea Un nuevo recipiente de terracota para agua, que combina el aspecto de una botella de plástico con las ventajas de un botijo tradicional, una nueva manera de beber. La terracota blanca especial mantiene el agua fresca, incluso a pleno sol.

Puede utilizarse como botella y como jarra.

Tratamos de crear productos y proyectos con los que las personas se sientan indentificadas de la manera más humana, emocional y extraordinaria posible. De alguna forma están combinados dos conceptos aparentemente

A fresh terracota vessel for water, combining the look of the plastic bottle with the advantages of a traditional “botijo”, a different way to drink. The special white terracotta make the water stay cold, even when the sun is hitting it. It can be use as a bottle or as a jar.

opuestos: innovación y familiaridad, el primero trae al proyecto el elemento inesperado y novedoso y el segundo juega con la memoria para que podamos sentirnos identificados y al mismo tiempo seducidos.

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Dress for dinner napkins (2008) Prod.: Worldwide Una pequeña intervención en un objeto cotidiano basada en una situación familiar que da como resultado un objeto inesperado y divertido.

A small intervention of an everyday object based on a familiar situation that results on a unexpected and fun object.

New bus for London (2008) Prod.: Transport for London Colaboración / Collaboration: Miñarro García, Javier Esteban Representa la evolución del icónico Routemaster (el autobús de dos pisos). Un vehículo innovador que combina lo mejor del pasado con lo mejor de hoy en día.

Un autobús único diseñado a medida para Londres. Un nuevo clásico londinense que mantiene la apreciada, familiar y cálida sensación del Routemaster. Autobús compacto para una ciudad compacta, el vehículo cuenta con una distancia entre ejes pequeña, lo que significa que puede circular con facilidad por las estrechas calles de Londres. Una de sus características más notorias es la ventanilla diagonal que celebra los autobuses de dos pisos londinenses externalizando visualmente las escalerillas. A fin de aumentar la seguridad hemos incorporado un sistema de alumbrado en el suelo de la plataforma de entrada trasera, que avisa a pasajeros y vehículos cuando el autobús va a iniciar la marcha. Se trata de un vehículo verdaderamente sostenible que utiliza un sistema motor híbrido diesel-eléctrico. Su tamaño más pequeño también implica un peso menor y por lo tanto menos consumo de combustible y menos humos.

Welcome back represents the evolution of the iconic Routemaster. An innovative vehicle combining the best of the past with the best of now. A unique bus tailored to London. A brand new London classic that retains the much appreciated friendly and warm feeling from the Routemaster. A compact bus for a compact city, the vehicle has a small wheelbase which means it can move easily around London’s narrow streets. One of the most characteristic features is the diagonal window that celebrates London’s double decker buses by visually externalizing the stairs.

To improve safety we have incorporated a lighting system into the floor of the rear entrance platform that informs passengers and vehicles when the bus is about to move. This is a truly sustainable vehicle using a Hybrid Diesel-electric Drive System.

Its smaller size also means less weight so less fuel compsumption is required and less exhaust emissions are produced.

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V (2007) Prod.: Arturo Álvarez V, una familia de luces tipo OVNI que nos permite crear un mundo maravilloso, a la vez particular y cálido. Hizo su aparición tras experimentar con un objeto común, una diadema para el pelo. El proyecto surge a partir de un interés en su forma geométrica y las posibilidades que ofrece.

Un objeto ordinario que se ha transformado en un artículo extraordinario al reinterpretarlo. La repetición de las tablillas comunica elegancia, creando un interesante efecto muaré.

La luz procede sobre todo de dos partes principales de policarbonato inyectado repetidas a lo largo de la estructura metálica. V viene como luz colgante o de pie y sus dos tamaños permiten que pueda instalarse tanto en espacios pequeños como grandes, como en el caso de vestíbulos de hoteles.

V, a UFO-like family of lights that enables us to create a wonderful but close and warm world. It comes up after experimenting with a common object, a hair band. The project arises from an interest in its geometric shape and the possibilities it offers. An ordinary object which has been transformed into an extraordinary item by re-interpreting it.

The repetition of the slats communicates elegance, creating an interesting moare effect. The light is mainly built by two main injected polycarbonate parts repeated along the metallic structure. V comes as pendant and floor lights and Its two sizes allows to install it either in small spaces or large ones as hotel halls.

Borealis (2009) Borealis realza la experiencia de un concierto visualizando e interactuando con el sonido. Se utilizan mil globos de helio y diodos como un mapa de píxeles, creando una pantalla volumétrica con formas y posibilidades infinitas.

Borealis enhance the experience of the concert visualizing and interacting to sound. 1000 helium balloons and leds that are used as a pixel, creating a volumetric screen with infinite patterns and possibilities.

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Sofa Lamp (2008) Colaboración / Collaboration: CuldeSac Prod.: Moooi Inspirada en el icónico sofá Chester, la Sofa Lamp toma su reconocible estética y la saca de contexto reinterpretándola.

La esencia del Chester se mantiene y se adapta a la iluminación, creando una lámpara que, a través de su diseño y connotación, transmite todos los valores sociales de esta emblemática pieza de mobiliario, además de la natural atracción de la luz en sí misma.

Inspired by the iconic Chester Sofa, the Sofa Lamp takes its recognizable aesthetics out of context and reinterprets it. The essence of the Chester is maintained and adapted to lighting, creating a lamp that through its design and connotation transmits all the social values of this emblematic piece of furniture, in addition to the natural attraction of the light effect itself.

Superpatata (2000) Prod.: Droog Design Mientras se juega, es posible controlar la intensidad de la luz, que puede ser tanto directa como ambiental. Superpatata puede utilizarse como lámpara, pero también como almohada, utensilio antiestrés o como objeto para calentar la cama. Las Superpatatas pueden apilarse con facilidad unas sobre otras.

While playing, one controls the intensity of the light, so the light can be either direct or ambient. Superpatata can be used as a lamp but also as a pillow, antistress device, an objectto warm your bed. The Superpatatas can be easily stacked on top of each other.

204 Héctor Serrano

FOTO: MAURICIO SALINAS

Waterproof (2003) Prod.: Metalarte Luz diseñada para ser utilizada en el agua: piscinas, fuentes, lagos… La lámpara se mantiene fuera del agua en posición apagada, boca abajo durante el día, y por la noche se tira al agua, donde flota boca arriba cuando está encendida. Producida en polietileno con molde rotatorio, es impermeable y resistente al agua. Accionada mediante una batería recargable que dura hasta seis horas. El proyecto lidia con la importancia del contexto y juega con nuestra percepción de los objetos. En este caso, no con el diseño de una nueva lámpara, sino de un nuevo contexto.

El resultado es un nuevo tipo de luz caracterizada por la relación surreal y mágica del arquetipo de una lámpara y el agua.

A light designed to use in the water: swimming pools, fountains, lakes...The lamp is standing outside of the water in off p osition upside down during the day, at night is throw to the water where floats facing up in the on position. Produced in rotationmoulded polythene, is waterproof and water-resistant. Powered by a rechargeable battery, which will last for up to six hours. The project deals with the importance of the context and plays with our perception of objects. In this case, It hasn’t been design a new lamp but a new context. The result is a new typology of lights characterize by the surreal and magic relation of the archetype of a lamp and the water.

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stone designs

Cutu Mazuelos (Madrid, 1973) Eva Prego (Logro単o, 1974)

Asi Table (2004) Prod.: Rs Life Una mesa como una tabla de surf. Su pie desplazado acentúa el desequilibrio que se siente al ponerse de pie en una tabla sobre las olas. Una pieza dinámica capaz de cautivar a los amantes del diseño orgánico de los años 60.

A table like a surfboard. Its leg, moved to one side, highlights the off-balance feeling you get when you stand on a board on the waves. A dynamic object capable of enthralling lovers of organic design in the 1960s.

Nenúfar (Water Lily) (2008) Prod.: Stone Designs Es tan evidente que casi sobra explicar nada. Su nombre deja claro de dónde viene, una vez más nos inspiramos en la naturaleza que nos rodea y en ella encontramos las formas más bellas. Poco mérito tenía utilizar una forma tan perfecta como la que tienen los nenúfares para convertirlo en una mesa. Porque la planta lo hizo todo por nosotros, apenas tuvimos que dibujarla con los ojos cerrados y salió directamente bautizada con este nombre, Nenúfar.

It is so evident that it is almost unnecessary to explain.

Its name clearly shows where it comes from; once more we were inspired by nature around us and in it we find the most beautiful forms. There is little merit in taking such a perfect form as a water lily to turn it into a table. Since the plant did everything for us, we simply had to draw it with our eyes closed and it appeared directly christened with that name, Nenúfar.

The truth is that we don’t really like being the ones who are asked this question, because we would be delighted if people could see the process that has led to this result just by looking at our pieces.

I would really say that what we do is raw design, without many formalities or strict discipline. We avoid using English terms, and expressions such as “project crisis” are not applied in our method of working.

Design is an attitude, something which is stimulated every day by the things you see, feel or hear, so that

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it doesn’t make much sense to be dogmatic or impose restrictions on it.

The result of our pieces in the end is something that comes straight from our hearts, without qualification or censure. It is the truth we hold inside.

We cannot design for everybody, that would be too ambitious and pretentious. We simply throw ideas up in the form of pieces which some people might like and others not.

«Our work comes directly from our hearts»

Bee stool (2006) Prod.: Stone Designs Los asientos Bee representan un panal de miel. Plasma lo importante del trabajo en equipo. Un solo individuo es capaz de muy poco y, como ocurre en las colmenas, el éxito radica en el trabajo en común de todas las abejas. Así funciona el Bee, cada asiento depende directamente del que está unido a él para poder mantenerse en pie. Además, al tener una forma hexagonal, podemos hacer que crezca en cualquier dirección todos los metros que sean necesarios, pudiéndolo adaptar a casi cualquier espacio.

«Nuestras piezas emergen directamente de nuestros corazones» www.stone–dsgns.com

Bee seats represent a honeycomb. They capture the importance of working in a team. A single individual is capable of very little and, like in a beehive, success lies in all bees working together. That is how Bee works, each seat depends directly on the one it is joined to to stay upright. In addition, as it has a hexagonal shape, we can make it grow in all directions as far as necessary, and thus adapt it to any space.

La verdad es que es algo que no nos gusta demasiado que sea a nosotros a quien se haga la pregunta de cómo es nuestra manera de diseñar, porque nos encantaría que la gente fuera capaz de ver a través de nuestras piezas cómo ha sido todo el proceso hasta obtener ese resultado.

Realmente, yo diría que intentamos diseñar en crudo, sin demasiados formalismos ni una disciplina estricta, nada de anglicismos ni de expresiones como «crisis de proyecto», no son términos que apliquemos en nuestro método de trabajo.

Diseñar es una actitud, es algo que se alimenta día a día

con todo lo que ves, sientes o escuchas, de manera que intentar acotarlo con dogmas o métodos muy estrictos no tiene demasiado sentido.

El resultado de nuestras piezas al final es sencillamente algo que emerge directamente de nuestros corazones, sin condicionantes ni censuras, tan sólo la verdad que llevamos dentro.

No diseñamos para todo el mundo, eso sería demasiado ambicioso y pretencioso, tan sólo arrojamos ideas en forma de piezas de las que algunas personas se sentirán afines y otras no.

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Bicho (2003) Prod.: Stone Designs Se diseñó originalmente para un centro It was originally designed for a shopping comercial en el que existe una pista de nieve centre with a covered snow slope. That is cubierta. De ahí la parte frontal que recuerda why the front part is reminiscent of skiing unas gafas de esquiar. Se dejó el frente goggles. The front part was left open and abierto y el interior hueco para poderlo apro- the inside is hollow so that it can be used vechar para guardas revistas u otros objetos. to hold magazines or other objects.

Bon Voyage (2006) Prod.: Stone Designs Es una balda que representa un ala de avión. Una pieza con gran carga decorativa sin necesidad de artificios. El extremo del ala vuela sobre el vacío de la estancia con elegancia.

This is a shelf that represents a plane’s wing. An object with a large decorative content with no need for artifices. The tip of the wing flies over the emptiness of the room with elegance.

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Tú y Yo (2004) Prod.: Stone Designs A classic in our catalogue. Even though Un clásico de nuestro catálogo. Aún hawe thought of withdrawing it because of biendo pensado en retirarlo por problemas production problems, it has been kept on de producción, se ha mantenido porque because people literally fall in love with it. enamora literalmente al público. Eso es That is what this union seeks, as it consists lo que busca este lazo que conforma dos of two chaise long facing each other. It crechaise longue enfrentadas y que crea un vínculo especial entre las dos personas que ates a special bond between the two people lo utilizan, sintiéndose uno especialmente who use it, as you feel a special relationship with the person lying opposite you. ligado a quien se tumba enfrente

By Yourself Metal (2007) Prod.: Rs Life Por qué no decir que es una de las piezas de las que más orgullosos estamos. Es tan sencilla en su concepto que requirió un largo proceso de prototipado hasta conseguir el resultado que buscábamos. Consiste en una librería que funcionalmente busca tener algo de inclinación para que los libros se queden siempre ordenados sin caer ni doblarse y para darle cierto movimiento al conjunto. Pero a su vez se compone de un módulo de unos 40x40 cm que se repite las veces que sean necesarias hasta obtener el tamaño deseado. Al ser modular, podemos además combinar los diferentes colores a nuestro gusto haciendo así nuestra librería única. El encuentro de las baldas y cómo se soportan unas a otras, le da un resultado muy arquitectónico y una respuesta directa de su sistema de sustentación.

Why not say it? This one of the objects of which we feel most proud. It is so simple in its concept that it needed a long process of prototypes until we achieved the result we were seeking. It consists of a bookcase which functionally is intended to have a slight slope so that the books are always in order without falling or folding, and to give certain movement to the whole. But at the same time, it comprises a module of about 40 x 40cm, which is repeated as many times as necessary to obtain the required size. As it is modular, we can also combine the different colours to our taste, making our bookcase unique. The connection between the shelves and how they support each other gives it a very architectonic result, as a direct response to its support system.

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Sunset (2007) Prod.: Rs Life Los colores base de la librería Sunset no son al azar. Son el resultado directo de su inspiración.

Sunset es una puesta de sol vista a través de una ventana. Sunset, como las últimas luces del día, se pierde en diferentes direcciones con sus baldas telescópicas que rompen la frontera física que crea la ventana, salen de manera incontrolada, porque hay cosas en la vida que hay que dejarlas libres, como nuestra imaginación.

The basis colours of Sunset bookcase are not a product of chance. They are the direct result of its inspiration. Sunset is the setting of the sun seen thought a window. Sunset, like the last light of the day, is lost in different directions with its telescopic shelves that break the physical frontier created by the window, they emerge in an uncontrolled way, because some things in life must be left free, like our imagination.

Line-house (2005) Prod.: Stone Designs ¿Alguna vez has jugado, aburrido en clase, a dibujar sin levantar el lápiz del papel? Esta idea es el punto de partida de este proyecto. Un área habitable construida a base de una línea estructural roja que lo recorre desde el inicio hasta el final.

Have you ever played, when you were bored in class, at doing a drawing without lifting your pencil off the paper? That idea is the starting point of this project. A living-area constructed according to a structural red line that runs all the way round it from start to finish.

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Guerrilla Containers (2007) Prod.: Rs Life Unos contenedores con forma de sacos terreros, como los que se usan en las trincheras, le dan el nombre. Es una pieza con un carácter muy onírico y conceptual, que bien sirve como contenedor, separador de espacios o asientos para el suelo. Los Guerrilla Containers, realizados y cosidos a mano con la misma técnica que los sacos de café, reinterpretan este elemento de fines bélicos, para convertirlo en una pieza doméstica y cercana, que representa el anhelo de redefinir algo originalmente tan dramático en un objeto cotidiano y amigable.

These containers take the form of earth-filled sacks like those used in trench warfare, from where the name derives. It is a piece with a conceptual, oniric character, and it can serve as a container, a divider of spaces or a cushion for sitting on the floor. The Guerilla Containers were created and hand-sewn using the same techniques as used in coffee sacks, and are an attempt to rethink this product of wartime to adapt it to a familiar domestic environment, symbolising the desire to convert an object with dramatic overtones into a useful, everyday object.

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ramón úbeda Jaén, 1962

Ramón Úbeda colabora habitualmente con Otto Canalda (Barcelona, 1977) en el diseño de producto Ramón Úbeda usually collaborates with Otto Canalda (Barcelona, 1977) in product design

FOTO: IBAI ACEBEDO FOTO: ESTUDICOLOR / JORDI VERBO

Janet (2008) Diseño con / Design with: Otto Canalda Prod.: Bd Barcelona design Nació inspirada en los dos diseñadores más memorables de la historia de las sillas —Jacobsen y Thonet—, y tiene vocación de clásica.

Es moderna y elegante. Confortable, ligera y resistente. También apilable.

This was born, inspired by the two most memorable designers in the history of chairs – Jacobsen and Thonet – and it has the vocation of a classic. It is modern and elegant; comfortable, light and resistant. It can also be piled up.

I am not an ordinary designer. I was trained as an architect and came to design through working in journalism. I do not have any specific or classical training as a designer. I am self-taught. I play by ear, as musicians say. I handle the more technical aspects of the profession by collaborating with figures such as Otto Canalda, who does have training as an industrial designer. We are a marriage of convenience.

My strength is my intuition – my sixth sense – and my experience accumulated through working as an art director or consultant in companies such as Bd Barcelona design, ArtQuitect, Metalarte or Camper where I developed the designs of others.

I don’t have a style, but I do have an advantage: I have seen the world of design from its four cardinal points. From within the profession, as an industrial

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and a graphic designer, to give both the form and the image to a product. From within the companies, with their pros and cons, to ensure that the product reaches the market in optimum conditions. From the press, taking part in the spread of design through the media, so that others can know about it. From the side of the activists, promoting the culture, publishing books, curating exhibitions and organizing anything that might serve to add value.

Being a designer is not my only or principal occupation, and that gives me a certain distance and freedom to develop my work. I like to work in my kitchen.

I always try to be alert to new materials and the appearance of new technology in manufacturing, and I look for new applications for those I already know.

I try to use my experience and intuition to find that gap

Triana (2008) Diseño con / Design with: Otto Canalda Prod.: Metalarte Nació del encargo de diseñar una lámpara clásica. Una lámpara de pie como las de antes.

Elegante y señorial. De cuerpo escultural y fina pantalla de chinz fabricada a mano. La novedad es que dispone de tres medidas de pantalla que son aptas para la misma base y le confieren tres personalidades distintas según sea su medida.

It was born with the commission of designing a classic lamp. A standard lamp like in the old days. Elegant and stately. With a sculptural body and a thin hand-made chintz shade. The novelty is that it is available with three sizes of shade that fit on the same base and give it three different personalities according to their size.

«My characteristic is intuition and the experience as a consultant» in the market that everyone looks for. I am not a name.

I would rather be profitable than prominent. I work so that companies can earn money, and recognition, whenever possible, for developing good designs.

«lo mío es la intuición y la experiencia como consultor» No soy un diseñador al uso. Me formé como arquitecto y llegué al diseño a través del periodismo. No tengo una formación específica o clásica como diseñador.

Soy autodidacta. Toco de oído, como dirían los músicos. La parte más técnica de la profesión la he suplido

www.ramonubeda.com

FOTOS: CARLOS IGLESIAS

Lavabo Ninfo (2000) Prod.: Rapsel Nació para ilustrar las posibilidades de un nuevo material, el Maderón, que se obtiene a partir de la cáscara de las almendras. Tiene el aspecto cálido de la madera y se mantiene inalterable al agua. Se fabrica de una sola pieza, por moldeo, y aporta un beneficio ecológico evidente porque no hay que talar un árbol para producirlo.

En su momento aportó, además de la nota de color, un nuevo concepto formal y una propuesta hasta entonces inédita en el baño contemporáneo, heredera de los muebles de jofaina que siempre había en las habitaciones de nuestros abuelos.

It was born to show the possibilities of a new material, Maderon, which is made from almond shells. It possesses the warm appearance of wood and is unaffected by water. It is manufactured in a single piece, in a mould, and offers a clear ecological benefit as no trees need to be cut down to produce it.

In its time, as well as a touch of colour, it contributed a new formal concept and a completely new proposal in contemporary bathrooms, the heir of the washstand there always used to be in our grandparents’ rooms.

colaborando con personajes como Otto Canalda, que sí tiene una formación de diseñador industrial. Somos una pareja de conveniencia. Lo mío es la intuición —el «olfating»— y mucha experiencia acumulada trabajando como art director o consultor —en empresas como Bd Barcelona design, ArtQuitect, Metalarte o Camper— para desarrollar los diseños de otros.

Creo que no tengo un estilo, aunque sí una ventaja: la de conocer el mundo del diseño desde sus cuatro puntos cardinales. Desde la profesión, como diseñador industrial y también gráfico, para poder darle cuerpo y también imagen a un producto. Desde dentro de las empresas, con sus pros y con sus contras, para lograr que ese producto llegue al mercado en buenas condiciones. Desde la prensa, participando en la difusión del diseño en los medios de comunicación, para que

lo conozcan otros. Desde el activismo, fomentando su cultura, publicando libros, comisariando exposiciones y organizando cualquier cosa que pueda servir para darle valor.

El oficio de diseñador no es mi única ni mi principal ocupación, lo que me da una cierta distancia y mucha libertad para desarrollar los proyectos. Me gusta trabajarlos desde la cocina. Trato de estar siempre atento a los nuevos materiales y a la aparición de nuevas tecnologías de fabricación o procuro encontrar nuevas aplicaciones para las que ya conocemos. Trato de encontrar, desde la experiencia y la intuición, este hueco en el mercado que todos buscan. No soy un autor. Prefiero ser rentable antes que figura. Trabajo para que las empresas ganen dinero y si es posible reconocimiento por desarrollar buenos diseños.

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FOTOS: ESTUDICOLOR

Geometrías (2001) Prod.: Mosaics Martí Nació de la voluntad de recuperar una técnica artesanal de fabricación de pavimentos, la del mosaico hidráulico, que había caido en desuso tras la aparición de los terrazos, cerámicas y greses a mediados del siglo xx. De hecho habían cerrado todas las fábricas españolas hasta que Pere y Albert Martí decidieron reflotar el negocio que en 1913 inició su abuelo. La colección Geometrías es la apuesta de futuro de esta empresa rescatada del pasado, Mosaics Martí, que ha puesto lo mejor de la producción artesanal al servicio del diseño contemporáneo.

Este diseño, que forma parte de esa colección contemporánea firmada por arquitectos como Lluís Clotet o Elías Torres, llamada Geometrías, es una propuesta muy gráfica y colorista que le saca un partido insólito a la trepa de latón que se emplea en la fabricación del mosaico. Está dividida en seis partes que pueden rellenarse de otros tantos colores, iguales o diferentes. Se fabrica pieza a pieza y las posibilidades de combinación dependen de la imaginación de cada uno.

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It was born out of the desire to recover artisan techniques in the manufacture of pavements, the hydraulic mosaic, which had stopped being used after the appearance of terrazzo and ceramic tiles in the mid-20th century. In fact all the Spanish factories had closed until Pere and Albert Martí decide to relaunch the business their grandfather had started in 1913. The Geometrías collection is the commitment to the future of this company rescued from the past. Mosaics Martí, has put the best of artisan production at the service of contemporary design.

This design, which forms part of the contemporary collection planned by architects like Lluis Clotet or Elias Torres, called Geometrías, is a very graphic and pictorial proposal which makes an unusual use of the brass trimming used in the manufacture of the mosaic. It is divided in six parts that can be filled with as many colours, the same or different. It is manufactured piece by piece and the possibilities of combinations depend on the imagination of each person.

FOTO: NIENKE KLUNDER

Lámpara Inout (2003) Diseño con / Design with: Otto Canalda Prod.: Metalarte Nació de la intuición de que existía un espacio en el mercado para una lámpara decorativa de interior —in— que también pudiera instalarse sin problemas en el exterior —out—. Aunque llueva.

Seguramente fue la primera de su especie. Se fabrica con la técnica del plástico rotomoldeado, en este caso polietileno 100% reciclable, teñido en masa en varios colores y en tres tamaños. El tamaño, en este caso, si que importa. La versión mayor alcanza los dos metros y veinte centímetros de altura. Es una lámpara monumental y monomaterial que se produce de una sola pieza (estructura y pantalla son una misma cosa) y es autoportante. Una idea sencilla que ha tenido un enorme éxito, seguramente porque tiene la silueta de una lámpara de toda la vida. Es diferente pero sin embargo no resulta extraña.

It was born from the intuition that a space existed in the market for a decorative indoor lamp – in – that could also be fitted with no problems outdoors – out – even when it rains. This was surely the first of its kind. It is manufactured with the technique of rotomoulded* plastic, in this case 100% recyclable polyethylene, dyed en masse in several colours and in three sizes. There is also a ceiling lamp version. The size, in this case, does count. The largest version is two metres and twenty centimetres tall. It is a monumental and monomaterial lamp that is produced in a single piece (structure and shade are the same thing) and is self-supporting. A simple idea that has been hugely successful, probably because it has the outline of a traditional lamp. It is different and yet it does not seem strange.

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FOTOS: CARLOS BOSCH

Lámpara Nanit (2006) Diseño con / Design with: Otto Canalda Prod.: Metalarte Nació como un proyecto híbrido de iluminación y señalización exterior. Pone al día ese clásico de nuestras calles que es el farol de bola, seguramente la luminaria de exterior más difundida en el mundo, con una estética más amable y la vocación de prestar un servicio extra.

It was born as a hybrid project for street lighting and signs. It updates such a classic of our streets as the spherical street lamp, surely the most common outdoor lighting all over the world, with more friendly aesthetics and the vocation of offering an extra service.

Cul is cool (2006) Diseño con / Design with: Otto Canalda Prod.: ABR Nació para una exposición titulada Bath Love —inspirada en el libro Sex Design—, que finalmente no llegó a realizarse, donde tomó cuerpo tallado en mármol, como si de una pieza artística se tratase. Esta versión del asiento que produce ABR tiene exactamente la misma forma, aunque un fin bien distinto, porque se pensó para comercializarse.

Sorprende por su ligereza porque apenas pesa un par de kilos. Se fabrica con EPP, un poliuretano expandido de alta calidad que se emplea habitualmente en ciertos sectores de la industria, pero raramente en el mobiliario. Todo lo demás es lo que se ve, una forma reconocible y muy orgánica para un asiento simpático y versátil. Una hermosa nalga a la que hemos puesto un nombre explícito, Cul is cool. Podríamos decir que para modelarlo pasamos horas y horas estudiando las esculturas clásicas. Que hicimos una docena de viajes a Florencia para contemplar y calcar el famoso trasero del David de Miguel Ángel. Pero no, tras fracasar con los renders, fueron las habilidosas manos de un modelista las que dieron forma escultórica a nuestros deseos.

It was born for an exhibition entitled Bath Love – inspired by the book Sex Design – which finally did not happen, and for which it took shape carved in marble, as if it was an artistic work. This version of the seat produced by ABR has exactly the same shape, although with a very different aim, as it is intended to be marketed. Its lightness is surprising, as it weighs barely a couple of kilograms. It is made from EEP, high quality expanded polyurethane which is often used in certain industrial sectors, but rarely in furnishings. All the rest is what you can see, a recognisable and very organic shape, for an amusing and versatile seat. A beautiful buttock to which we have given an explicit name. Cul is cool. We could say that to shape it we spent hours and hours studying classical sculptures. That we made a dozen trips to Florence to observe and copy the famous backside of Michelangelo’s David. But no, after failing with the renders, it was a modeller’s skilful hands that gave sculptural form to our wishes.

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FOTO: JUAN GATTI

patricia urquiola Oviedo, 1961

Bague (2003) Prod.: Foscarini

I was born in Asturies, but my father came from the Basque country, and I have been an adopted daughter of Milan for over twenty years. I have been fortunate in being able to choose my teachers. When you are young, you are not weighed down with the baggage of responsibilities, you feel carefree, and with nothing to lose you can set your own course.

While still at university I came into contact with a remarkable man: Achille Castiglioni. Getting to know this “little” big man has been one of the most significant events in my career. Achille helped me to realise that the ‘d’ of design could be as powerful as the ‘a’ in architecture, if not more so. He made me understand his passion for the creative process of design: his observation and curiosity about everyday objects, the importance of research and especially the relationship between the designer and the manufacturer (a figure that is in many ways similar to that of an editor), comparing it to marmalade, which loses its consistency and value if unaccompanied by bread.

I went on to work alongside Vico Magistretti and Maddalena de Padova, the “princes of understatement”, where I saw a new approach. I worked in a technical micro-department in a company where only a few people had to do everything, and worked side by side with both of them. Vico would say things like “You’ve got expression”. I was immensely proud that I was able to co-sign some of the projects for De Padua.

I believe that many of the designers of my generation see both Vico Magistretti and Achille Castiglioni as

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references, and as such they are much more valuable than any pedigree.

My approach to design is the result of what I have learned, and the way in which I have adapted it to my life. I enjoy working with objects, creating analogies between them, taking inspiration from my surroundings, my origins, my journeys, the area where I live but also art, music, cinema and tradition.

The figure of the project designer as someone outside the company is unique, and is exclusively concerned with the task of shifting its cultural, commercial and technological limits.

I approach my projects in different ways, by mixing traditional materials with new technologies and vice versa, and I always include cultural elements of diverse origins.

I do not wish to be identified with a single style. My “head” is one of a kind. However, the results of my work vary depending on the project in question and the client; the work is always a joint effort. The only way I know how to work is to start from scratch with each project.

I relish the whole process, from the first notion of the object to the creation of a series to be produced industrially. The ability to respond to any potential contamination that might arise, by adapting to it or not, is what distinguishes the designer from the artist, who rejects any form of contamination.

I do not believe in luxury, but I do believe in quality, and the hidden qualities of a project, so I appreciate intelligent dialogue with the producer. It is important to understand

«I think with my hands» the history of the company, to know it and use it, and transform it where necessary.

I am intuitive. I am instinctive. I think with my hands.

I love making prototypes. We are constantly making them in the studio, whether we are working on architecture or design.

I like to think of design as a way of finding a balance between objects, people and their surroundings. The end result should be an expression of modernity, but above all it should provide comfort and satisfy the mind. I feel that technology is important, but that it should not stand out.

It should be perceived as an almost invisible element.

Every project has “something”, a reason, but it should not be made obvious to the end user, only suggested by subtle means.

I don’t think that products should be considered important in themselves. They are simply tools for everyday activities that have to be used and adapted to people’s requirements.

I think that the creative process consists of absorbing everything that inspires you, digesting it slowly and, when the time is right, creating honest syntheses that reveal yourself, and show how much fun you have had. If you haven’t had fun, then forget it.

Frilly (2008) Frilly Stool (2009) Prod.: KartellAt. Na

«Pienso con las manos» Soy asturiana de nacimiento, de padre vasco, e hija adoptiva milanesa desde hace más de veinte años. He sido muy afortunada al tener la oportunidad de elegir a mis maestros. Cuando se es joven, no se tiene mucho «equipaje», ni tantas responsabilidades, te sientes ligero, no tienes nada que perder y es más fácil embarcar y encontrar tu camino.

En la Universidad, conocí a un hombre excepcional: Achille Castiglioni. El conocer a este «pequeño» gran hombre supuso uno de los encuentros más significativos en mi carrera. Achille me ayudó a comprender que la «d» de diseño puede ser igual o más potente que la «a» de arquitectura. Él me hizo entender la pasión por el proceso creativo del diseño: la observación y la curiosidad por los objetos cotidianos, la investigación y, sobre todo, la importancia de la relación entre el diseñador y el fabricante (figura, en muchos casos, cercana a la de editor), comparándola a la mermelada, que sin pan pierde consistencia y valor.

Después empecé a trabajar al lado de Vico Magistretti y Maddalena de Padova «príncipes del understatement», una perspectiva nueva. Yo formaba parte de un microdepartamento técnico de la compañía donde poquísimas personas hacíamos todo, codo con codo con ambos.

www.patriciaurquiola.com

Vico hacía observaciones del tipo: «tienes gesto». Y me enorgulleció muchísimo que me dejara cofirmar en algunos de sus proyectos para De Padova.

Creo que Vico Magistretti y Achille Castiglioni han sido un verdadero punto de referencia para muchos de los diseñadores de mi generación, mucho más que un pedigrí.

Mi manera de diseñar es el resultado de lo que he aprendido y cómo lo he adaptado a mi vida. Me gusta trabajar con objetos, creando analogías entre ellos, inspirándome en todo lo que me rodea, mis raíces, mis viajes, el barrio donde vivo y también en el arte, la música, el cine y la tradición.

La figura del proyectista, ente externo a la empresa, es única y trata exclusivamente de mover los límites culturales, comerciales y tecnológicos.

Intento orientar mis proyectos de maneras diferentes, mezclar materiales tradicionales con nuevas tecnologías, y viceversa, incorporando siempre elementos culturales de diferentes proveniencias.

No me gusta definirme con un estilo particular. Mi «cabeza» es una sola. Pero el resultado de mi trabajo varía dependiendo del proyecto y el cliente; es un trabajo a cuatro manos. Siempre se empieza desde cero, no conozco otra manera.

Amar todo el proceso que va desde idear un objeto hasta conseguir una posible serie realizable industrialmente con todas las posibles contaminaciones a las cuales hay que saber reaccionar, adaptándose o no, es lo que creo que distingue un designer de un artista, que no

acepta contaminaciones de ningún tipo.

No creo en el lujo, pero sí en la calidad y en las cualidades ocultas del proyecto, por tanto, agradezco un diálogo inteligente con el editor. Es importante entender la historia de la compañía, conocerla, usarla y transformarla si es necesario.

Soy intuitiva. Soy instintiva. Pienso con las manos. Me encanta trabajar haciendo prototipos. Los hacemos continuamente en el estudio, sean de arquitectura o de diseño.

Me gusta mucho pensar en el diseño como un acto de reequilibrio entre los objetos, las personas y su entorno.

El resultado final debería llegar a ser una expresión contemporánea que, primordialmente, aporte cierto confort y satisfacción mentales. En mi opinión, la tecnología es muy importante, pero no debe ser evidente; debe percibirse como un elemento interno casi invisible.

Todo proyecto tiene que tener un «algo», una razón, pero ésta no debe manifestarse de forma evidente al usuario final, sino de una manera sutil.

Creo que los productos no deben ser demasiado importantes por sí mismos; son, simplemente, herramientas para la vida cotidiana que necesitan ser utilizadas y adaptadas a las necesidades de la gente.

Creo que el proceso creativo es absorber en el tiempo todo lo que te inspira, digerirlo lentamente y, en el momento justo, conseguir síntesis honestas, que te reflejen y que se note claramente que te has divertido; si no, mejor dejarlo correr.

Patricia Urquiola 225

Tropicalia daybed (2008) Prod.: Moroso

Bloomy (2004) Prod.: Moroso

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Tropicalia outdoor armchair (2008) Prod.: Moroso

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Antibodi (2008) Prod.: Moroso

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Crochet (2005) Prod.: Paola Lenti

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Caboche (2005) Prod.: Foscarini

Chasen (2007) Prod.: Flos

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Maia Collection (2006) Prod.: Kettal

Lazy (2003) Prod.: B&B Italia

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Crinoline (2008) Prod.: B&B Italia

Flo Chair (2004) Prod.: Driade

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LOG (2006) Prod.: Artelano

Smock (2005) Prod.: Moroso

Patricia Urquiola 233

SóLO HAN CABIDO 21, PERO TENEMOS MUCHOS MáS there is only room for 21, but we have many more It is always unpleasant and unfair to make a selection, and especially so when we are talking of people instead of chairs. Even so, it is unavoidable in a book that aims to present contemporary Spanish creativity. I am aware that others could have been chosen, but also that there could have been a great many more. Spain has an enormous pool of talented designers capable of producing first-class work. We finally settled on this 21, because they have marked the passage into the 21st century, but it could easily have been three times this number.

Es siempre antipático e injusto tener que seleccionar. Y mucho más si en vez de sillas, se trata de personas. Pero es ineludible en un libro que se ha propuesto presentar a creadores españoles del momento. Soy muy consciente de que podrían ser otros, pero sobre todo, me he dado cuenta de que podrían ser muchos más.

Sinceramente, hay una gran cantera de gente preparada que hace diseño de interés en España. Finalmente he seleccionado 21, porque ellos han ocupado el tránsito hacia el siglo xxi. Pero podrían ser perfectamente el triple.

I must therefore beg forgiveness from all those who are not included and who think they belong here. I am sure you are right, and I hope there could be a Bravos 2 and 3 etc. in which we can present more brave designers.

Pido, pues, disculpas a todos los que se han quedado afuera y que piensen que aquí hubiesen encajado, seguramente tengan razón. Ojalá pueda hacer un Bravos 2, 3, etc., presentando a más bravos diseñadores.

The choice has been based on two objective criteria: people born after 1960, and who work mainly in product design, not interior design or decoration. Other criteria for inclusion in the book are varied, but above all else it has been the quality of the work, without considering whether it has actually gone into production. Many of the chosen designers are primarily experimental, but others work regularly and satisfactorily with industry, offering innovative commercial design. Some are closer to the art world, because this is one of the emerging trends of the times, while others keep strictly to the professional protocol of industrial commissions.

Fortunately there are others who divide themselves schizophrenically between both worlds, alternating between delirium and common sense. I have made an effort to offer geographic and thematic diversity, in order to offer a wider range of projects without lowering the standard of creativity without applying quotas by region or institution.

La selección sólo tiene dos criterios objetivos: gente nacida a partir de 1960, y dedicada al diseño de producto principalmente, no al interiorismo o la decoración. El resto de criterios para su inclusión en este libro han sido muy variados, desde luego en primer lugar se ha valorado la calidad de su obra, pero sin importar si estaba producida o no. Muchos de los seleccionados son prioritariamente experimentadores, pero otros trabajan asidua y felizmente con la industria, ofreciendo un diseño comercial innovador. Los hay muy cercanos al mundo del arte, porque es, sin duda, una tendencia pujante del momento, pero también quien se ciñe estrictamente al protocolo profesional del encargo industrial.

Y afortunadamente los hay que dividen esquizofrénicamente su tarea entre ambos mundos y tanto deliran como concretan. Sí que he buscado ofrecer una diversidad geográfica y también temática, para ofrecer un mayor abanico de propuestas, pero sin rebajar el listón creativo ni aplicando cuotas territoriales o institucionales.

What follows is a brief guide to emerging Spanish designers which is intended to complement those previously published. Their work can be seen in more detail on their websites.

A continuación sigue una pequeña guía de diseñadores españoles emergentes que completa a los publicados anteriormente. Su trabajo puede verse más ampliamente en sus web.

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Portraits by Rafael Vargas retratos de Rafael Vargas This book contains portraits of 21 emerging Spanish talents. There is a written account of their methods and photographs of their works. There is also a large portrait of each designer at the start of their chapter. Identities are important now. Behind every object there is a designer who gives it character and a name.

Rafael Vargas (Barcelona 1959) is a photographer who has taken it upon himself to pursue them at home and abroad to make a psychological portrait of them in accordance with his artistic criteria. He has captured many of them working in their studios or laboratories, but he took some of them out to the countryside, the street or the beach in his attempt to identify their singularity. 21 personal visions forming a mosaic of these Bravos by another of Spain’s formeost creative talents.

Este libro contiene retratos de 21 talentos españoles emergentes. Un resumen de su forma de trabajar con palabras y obras fotografiadas. Pero también precisamente con un gran retrato de cada creador encabezando su capítulo. Hoy en día la firma cuenta mucho, detrás de cada objeto hay un diseñador que da la cara y pone su nombre.

El fotógrafo Rafael Vargas (Barcelona, 1959) se ha encargado de perseguirlos por España y parte del extranjero, para hacerles un retrato psicológico según su docto criterio artístico. A muchos los ha pillado en su estudio laboratorio, pero a otros los ha sacado al campo, a la calle o a la playa, intentado desmenuzar su esencia singular. 21 visiones personales de otro gran creativo español formando un mosaico de Bravos.

www.rafaelvargas.com

CuldeSac Págs. 78-79 Nave anexa al estudio CuldeSac en Valencia.

Sofa Lamp (diseñada junto con Héctor Serrano) CuldeSac Pages 78-79 Building adjoining the CuldeSac studio in Valencia.

Sofa Lamp (designed in collaboration with Héctor Serrano)

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Antoni Arola Págs. 40-41 Estudio Antoni Arola en Poblenou, Barcelona.

Lámparas Nimba y Leonardo.

El Último Grito Págs. 94-95 Videoconferencia desde el estudio El Último Grito en Berlín y la bodega l’Avi Manel en Barcelona.

Antoni Arola Pages 40-41 Antoni Arola studio in Poblenou, Barcelona.

Lamps Nimba and Leonardo.

El Último Grito Pages 94-95 Videoconference linking the studio of El Último Grito in Berlin and the bar “l’Avi Manel” In Barcelona.

Martín Azúa Págs. 48-49 Pont del Petroli, Badalona.

Taburetes Flod.

Martín Azúa Pages 48-49 Pont del Petroli, Badalona.

Stools Flod.

Nacho Carbonell Págs. 60-61 Finca familiar en Benissa, Alicante.

Nacho Carbonell Pages 60-61 Family residence In Benissa, Alicante.

Curro Claret Págs. 68-69 Calle Tánger, Barcelona.

Separador carril bici.

Curro Claret Pages 68-69 Calle Tánger, Barcelona.

Separator for bicycle lane.

díez+díez diseño Págs. 86-87 Estación de metro Roquetes en Barcelona.

Banco Dove. díez+díez Pages 86-87 Roquetes metro station in Barcelona.

Bench Dove.

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Emiliana Design Studio Págs. 106-107 Emiliana Design Studio en el Ensanche, Barcelona.

Espejo Alla Francesca.

Emiliana Design Studio Pages 106-107 Emiliana Design Studio in the Ensanche, Barcelona.

Mirror Alla Francesca.

Luis Eslava Págs. 118-119 Fábrica LZF-Lamps en Chiva, Valencia.

Lámparas Agatha.

Luis Eslava Pages 118-119 LZF-Lamps factory in Chiva, Valencia.

Lamps Agatha.

Guillem Ferran Págs. 128-129 Estudio Guillem Ferran en el Ensanche, Barcelona.

Taburetes Donde la memoria solía sentarse.

Guillem Ferran Pages 128-129 Estudio Guillem Ferran in the Ensanche, Barcelona.

Stools Donde la memoria solía sentarse (Where memory used to sit)

Joan Gaspar Págs. 136-137 Estudio Joan Gaspar en el Ensache, Barcelona.

Joan Gaspar Pages 136-137 Joan Gaspar studio in the Ensanche, Barcelona.

Martí Guixé Págs. 144-145 Estudio Martí Guixé en el Ensanche, Barcelona.

Piezas del autor.

Martí Guixé Pages 144-145 Martí Guixé studio in the Ensanche, Barcelona.

Pieces by the designer.

Jaime Hayón Págs. 154-155 Estudio Jaime Hayón en el Soho, Londres.

Bocetos y prototipos del autor.

Jaime Hayón Págs. 154-155 Jaime Hayón studio in Soho, London.

Sketchbooks and prototypes by the designer.

Lagranja Págs. 166-167 Granja avícola en L’Espunyola, Barcelona.

Lagranja Pages 166-167 Poultry farm In L’Espunyola, Barcelona

Ernest Perera Págs. 174-175 Estudio Rafael Vargas en Glorias, Barcelona.

Postproducción digital con imagen del calabozo de la policía de Barcelona.

Ernest Perera Págs. 174-175 Rafael Vargas studio in Glorias, Barcelona.

Digital post-production with the image of the cells in a police station in Barcelona.

Diego Ramos Págs. 182-183 Estudio Diego Ramos en Gracia, Barcelona.

Diego Ramos Págs. 182-183 Diego Ramos studio in Gracia, Barcelona.

Mario Ruíz Págs. 190-191 Estudio de Rafael Vargas en Glorias, Barcelona.

Butaca Nova y lámparas Frame.

Mario Ruíz Pages 190-191 Rafael Vargas studio in Glorias, Barcelona.

Armchair Nova and lamps Frame.

Héctor Serrano Págs. 198-199 Ebury Street, en Belgravia BLVD, en Londres.

Lámparas Waterproof.

Héctor Serrano Págs. 198-199 Ebury Street, in Belgravia BLVD, in London.

Lamps Waterproof.

Stone Designs Págs. 206-207 Estudio Stone Designs en La Latina, Madrid.

Piezas y prototipos de los autores.

Stone Designs Págs. 206-207 Stone Designs studio in La Latina, Madrid.

Pieces and prototypes by the designers.

Ramón Úbeda Págs. 214-215 Estudio Ramón Úbeda en Poblenou, Barcelona. Con Otto Canalda.

Lámpara Inout y taburetes Cul is cool.

Ramón Úbeda Pages 214-215 Ramón Úbeda studio in Poblenou, Barcelona. With Otto Canalda.

Lamp Inout and stools Cul is cool.

Patricia Urquiola Págs. 222-223 Estudio Patricia Urquiola en Milán.

Piezas y prototipos de la autora.

Patricia Urquiola Pages 222-223 Patricia Urquiola studio in Milan.

Pieces and prototypes by the designer.

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CRÉDITOS / CREDITS

Agradecimientos / Thanks

© AECID Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo.

Departamento de Relaciones Culturales y Científicas.

Av. Reyes Católicos, 4, 28040, Madrid.

A la AECID por tener la sensibilidad de saber que faltaba un libro para promocionar el diseño español internacionalmente. A Ramón Úbeda por los enriquecedores comentarios al proyecto. A Rafael Vargas, por tomarse este encargo no como mero retratista, sino como un reto artístico.

Y a cada unos de los autores, que en mayor o menor medida se han involucrado en esta obra colectiva:

© Juli Capella © Textos / Texts Juli Capella, Antoni Arola, Martín Azúa, Nacho Carbonell, Curro Claret, CuldeSac, díez+díez diseño, El Último Grito, Emiliana Design Studio, Luis Eslava, Guillem Ferran, Joan Gaspar, Martí Guixé, Jaime Hayón, Lagranja, Ernest Perera, Diego Ramos, Mario Ruíz, Héctor Serrano, Stone Designs, Ramón Úbeda, Patricia Urquiola. © Fotografías / Photographs Rafael Vargas (retratos de los diseñadores) (Designers portraits) El resto de autores se indican en los créditos de cada fotografía.

The remaining authors are indicated in the copyrights of each photograph.

Diseño y maquetación / Design and layout Capellla Arquitectura & Design Cristina Capella, Román Ávila Traducción / Translation Martin Greedy Realización, producción y distribución / Production and distribution Lunwerg S. L.

Quedan prohibidos, dentro de los límites establecidos en la ley y bajo los apercibimientos legalmente previstos, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, ya sea electrónico o mecánico, el tratamiento informático, el alquiler o cualquier otra forma de cesión de la obra sin la autorización previa y por escrito de los titulares del copyright.

The total or partial reproduction of this work is forbidden, as is its incorporation into a computer system, its transmission in any form or by any medium, whether this be electronic, mechanical, by photocopy, recording or other methods, without previous, written permission by the publisher.

NIPO: 502-09-075-6 ISBN: 978-84-8347-103-6 ISBN: 978-84-9785-536-5 Depósito legal: B-41373-2009

To AECID for being sufficiently aware to realise that a book was needed to promote Spanish design in other countries. To Ramón Úbeda for his constructive comments on the project. To Rafael Vargas, for taking this project as an artistic challenge and not just as a series of portraits.

And to each of the designers who have taken part in this collective effort, to a greater or lesser extent: Antoni Arola (Marc Graells), Martín Azúa, Nacho Carbonell (Fernando), Curro Claret, CuldeSac (Maite del Mundo, Sophie von Schonburg), díez+díez diseño, El Último Grito, Emiliana Design Studio (Beatriz Mas), Luis Eslava, Guillem Ferran, Joan Gaspar (Borja Lössius), Martí Guixé (Inga Knölke), Jaime Hayón (Claudia Oliva), Lagranja, Ernest Perera, Diego Ramos, Mario Ruíz (Ana Huerga), Héctor Serrano, Stone Designs (Flor Sanos), Ramón Úbeda, Patricia Urquiola (Stefania Silvestri).

También a las instituciones, empresas y personas: Also to the following institutions, companies and people: Artquitect Barcelona, Danese (Laura), DDI (Nines Martin Barderas, L. Alberto Moratiel), FAD (Cristina Gosálvez), Marcelo Leslabay, Nani Marquina (Ariadna Rousaud).

Sobre el autor About the author

Juli Capella Samper Barcelona, 1960. Es arquitecto por la ETSAB y desarrolla su actividad profesional dentro del campo del diseño, la arquitectura y el urbanismo. Fue director fundador de las revistas De Diseño y Ardi y director de la sección de diseño de la revista Domus. Es autor de libros como Nuevo Diseño Español, Arquitecturas Diminutas, Cocos, copias y coincidencias, Enciclopedia Tusquets, Moneo diseñador o Made in Spain. 101 iconos del diseño español. Ha comisariado diversas exposiciones como A la Castiglioni, Vanity Case

by Starck, Diseño Industrial en España, o 300% Spanish Design. Fue fundador de la bienal Primavera del Disseny.

Ha colaborado asiduamente desde 1985 escribiendo sobre temas de diseño, arquitectura y cultura en general en publicaciones nacionales y extranjeras, como El País, El Periódico de Cataluña, Interni, Abitare,... Entre sus obras de arquitectura destacan los centros de ocio Zig Zag en Murcia, Heron City en Barcelona y los hoteles Omm y Diagonal Barcelona, ambos en Barcelona. Fue presidente del FAD-Foment de les Arts i del Disseny (2001-2005) y promotor del Año del Diseño 2003. Es miembro del Consell de la Cultura i les Arts (Generalitat de Cataluña). Fue galardonado con una mención honorífica en los Premios Nacionales de Diseño en el 2000. Actualmente dirige el estudio Capella Garcia Arquitectura.

www.capellaweb.com

Barcelona, 1960. Graduated from the School of Architecture of Barcelona (ETSAB) and has worked in the fields of design, architecture and town planning. He was a founder and director of the magazines De Diseño and Ardi as well as director of the design section of the magazine Domus. He is the author of books including Nuevo Diseño Español (New Spanish Design), Arquitecturas Diminutas (Tiny Architectures), Cocos, copias y coincidencias, Enciclopedia Tusquets, Moneo Diseñador or Made in Spain. 101 iconos del diseño español (Made in Spain. 101 icons of Spanish Design). He was the curator of exhibitions such as A la Castiglioni, Vanity Case

by Starck, Diseño Industrial en España (Industrial Design in Spain), or 300% Spanish Design. He was one of the founders of the biennial Primavera del Disseny, the Barcelona Spring Design festival. He has contributed many articles to newspapers and journals in Spain and abroad, including El País, El Periódico de Cataluña, Interni and Abitare, on subjects such as design, architecture and general culture. His work as an architect includes centres such as the Zig Zag leisure centre in Murcia, Heron City in Barcelona, and the Omm and Diagonal Barcelona hotels in Barcelona. He was president of FAD – Arts and Design Association (2001-2005) and a promoter of the Year of Design in 2003. He is a member of the Arts and Culture Council of the regional government, the Generalitat since January 2009. He received an honourable distinction at the National Design Awards in 2000. At present he is the director of the Capella Garcia Architecture Studio.

This pictogram of a “brave lightbulb” is a homage to the wonderful design of the incandescent lightbulb. This invention dates from 1879 and has been attributed to Edison, and the European Community is to end its production in 2010 in the name of energy efficiency.

Este pictograma de una «bombilla brava» es un homenaje al gran diseño de la bombilla incandescente. Un invento del año 1879 atribuido a Edison y que dejó de fabricarse en la Comunidad Europea a partir del año 2010 por motivos de ahorro energético.

Antoni Arola Martín Azúa Nacho Carbonell Curro Claret CuldeSac díez+díez diseño El Último Grito Emiliana Design Luis Eslava Guillem Ferran Joan Gaspar Martí Guixé Jaime Hayón La Granja Ernest Perera Diego Ramos Mario Ruíz Héctor Serrano Stone Designs Ramón Úbeda Patricia Urquiola