el arte no morirte es de frĂo 16.01.14 nÂş1.
ENTREVISTA MAPPING ART
(h)A.2.:Lo primero es lo primero, ustedes son…: MA: Marta Álvarez, Laura López, María Nieto, Ada Sánchez y Rodrigo Simón (h)A.2. Y están aquí porque, evidentemente, tienen algo entre manos, ¿no es así? MA: Ajá (h)A.2.: ¿Por qué arte contemporáneo? MA: Porque cada uno está implicado a su manera en él. Qui-
zás Rodrigo es el que más lejos está aunque le interesa la cultura contemporánea y la experimentación,
“LA CULTURA 2.0. DESPIERTA DEFINITIVAMENTE LA CREATIVIDAD” por lo que también se siente implicado. En cualquier caso, Marta trabaja para La Gran –editora de objetos de
artista-, es comisaria y gestora, Ada ha estudiado arte y educación, Laura es pintora y María fotógrafa. (h)A.2.: Y cómo no, la pregunta: ¿por qué Valladolid? MA: Porque todos somos residentes en la ciudad, donde nos toca vivir y donde además María, Ada y Marta hemos nacido. Tenemos un compromiso con el lugar en el que vivimos y esta es la forma que tenemos de
materializarlo. (h)A.2.: ¿Cómo describirías la creatividad de la cultura 2.0.? ¿Las tecnologías alienan la creatividad o la despiertan? MA: La despiertan, definitivamente. En la red –a través de las redes sociales- hemos conocido proyectos de compromiso cultural y social que nos han inspirado y que sin esa herramienta no podríamos haber conocido nunca. De hecho a muchos de los participantes los hemos conocido en la Red y el sistema-red nos ha inspirado para generar este encuentro. (h)A.2.: Si pudieseis elaborar otro mapping art fuera de la ciudad de Valladolid, ¿cuál sería la ubicación? MA: Posiblemente el objetivo más cercano sería Castilla y León y hacer actividades simultáneas en distintas ciudades de la comunidad. Y, quizá, en Cantabria, de donde proviene Laura, por afinidades. (h)A.2. ¿Cómo valoraríais el mercado del arte en la actualidad? ¿Estamos hartos de un arte inteligible (referido por supuesto al arte contemporáneo)?
MA: Nosotros no estamos hartos. Tenemos nuestros más y nuestros menos. Pero creemos que las tomaduras de pelo –porque las hayse deben a una falta de crítica. Nosotros hemos querido plantear nuestros #meetingpoint o mesas de debate como nacimiento de esa crítica necesaria para la construc-
“HEMOS CONOCIDO PROYECTOS DE COMPROMISO CULTURAL Y SOCIAL QUE NOS HAN INSPIRADO” ción de un sistema del arte como debe ser, que nos haga crecer. (h)A.2. ¿Un meeting Point es un brainstorming de ideas o es una reunión de artistas anónimos? MA: Suponemos que puede ser muchas
cosas, pero en nuestro caso es una mesa de debate que incluye algunas presentaciones de proyectos o de trayectorias que queríamos recoger para reflexionar posteriormente. Para nosotros es un punto de encuentro para discutir. Empezamos concibiéndolas como sesiones de ponencias pero por algunas recomendaciones nos dimos cuenta de que tenía más sentido plantearlo como debates, aunque por nuestra parte implicara mayor compromiso. (h)A.2.: Esta iniciativa en la que os embarcáis ahora, MappingArt, ¿es vitalicio o valoráis delegar y pasar el testigo en algún momento? MA: (Jajaajajaj) Hasta la muerte… no, en serio, no es nada cerrado, ni siquiera somos un colectivo. Nos
hemos juntado y ha salido esto. Nos gustaría estirarlo y que nos diera para hacer más cosas, porque creemos que no tiene sentido que sea puntual. Y si alguien se anima a pagarnos unos churros con chocolate… ¡montamos una charlita rápido! (h)A.2.: Sin más dilación, agradeceros enormemente vuestro tiempo y esfuerzo en atendernos y por supuesto os deseamos lo mejor en vuestro nuevo proyecto que seguro marcará un antes y un después. MA: ¡¡Eso esperamos!! ¡Gracias a vosotros!
“NOSOTROS NO ESTAMOS HARTOS SI NO QUE TENEMOS NUESTROS MÁS Y NUESTROS MENOS; PERO CREEMOS QUE LAS TOMADURAS DE PELO –-PORQUE LAS HAYSE DEBEN A UNA FALTA DE CRÍTICA.”
takashi & Louis VUITTON Louis Vuitton, prestigiosa marca de lujo con años de diseño clásico a sus espaldas, ha apostado por un atrevido artista japonés contemporáneo: Takashi Murakami, para rediseñar su línea de productos. Este artista, a pesar de su corta carrera ya se hace mundialmente conocido al crear su alter ego, al que denomina Mr. DOB, con el fin de difundir su trabajo fuera de Japón.
MURAKAMI SIGUE LA CORRIENTE DE LA GENERACIÓN NEOPOP JAPONESA: “ANIME Y MANGA” UNIDO A LAS FUENTES TRADICIONALES JAPONESAS
Podríamos definir su estilo como una combinación entre el arte tradicional y contemporáneo japonés, y dotado de una gran influencia del arte pop. Se le empezó a atribuir al artista el apodo de “el Andy Warhol japonés” debido a su peculiar estilo muy coloreado y vivo. Su trabajo abarca tanto la pintura, como la escultura, el diseño industrial y la moda,
que en este caso es representativo con su colaboración junto a Louis Vuitton. Se le atribuye a su vez uno de los famosos doodles de google creados en el año 2011. Podríamos afirmar con ello, que Murakami es el claro ejemplo de la capacidad de lanzar la cultura de masas al más alto nivel del arte. Es difícil recordar que Louis Vuitton se saliese de los parámetros de las tradicionales maletas de cuero antes de la llegada de Marc Jacobs, que le da ese toque más fresco y renovado que adopta en los últimos años. Con ello contó con múltiples colaboraciones de artistas, entre los cuales se encuentra el japonés Takashi Murakami, que ha servido de ejemplo para otras muchas marcas como combinación innovadora entre el arte contemporáneo y la moda de lujo.
Podemos observar en las siguientes fotografías de este artículo, la presencia del artista en muchos de los nuevos productos de la línea, y cómo ha sabido crear esa cohesión creativa entre un estilo tan peculiar como el suyo, y una marca de lujo con una línea definida muy clásica.
Murakami sigue la corriente de la generación Neo-pop japonesa, su estilo consiste en incorporar a su obra elementos de la cultura popular contemporánea de Japón bajo el aspecto de anime y manga, uniendo estos conceptos con las fuentes tradicionales japonesas. Eso conlleva a la interrelación entre el arte y la cultura popular, lo que le lleva a mencionar en que todo ello es una dinámica entre economía y consumo.
Hecho que revela su ambición en el mundo del arte a través de su incorporación internacional, como esta célebre colaboración con la marca Louis Vuitton, dándole ese nuevo giro a la clásica lona Monogram con multitud de colores, hecho que revela el objetivo del artista de ampliar el ámbito del arte de la forma más creativa.
EL ARTE EN LA MÚSICA: FUEL FANDANGO
La prueba de que la música es arte, se representa en las canciones de Fuel Fandango. Fuel Fandango es un dúo musical formado por Alejandro Acosta y Nita, y en ocasiones como acompañamiento musical por Carlos Sosa. Este grupo surge cuando Alejandro y Nita se conocieron en Córdoba en el año 2008, Alejandro era productor y Nita una cantante educada en el mundo de la copla y el flamenco por lo que la magia artística surgió entre ellos tras conocerse, y fue inevitable para ambos embarcarse en un proyecto musical común. Pronto empezaron a componer su música de una forma original, com-
binando los mundos musicales que ambos conocían y haciendo fusiones sobre funk, electrónica, jazz, flamenco y su estilo propio, único e inconfundible. Sus canciones son en inglés en su gran mayoría, debido a la musicalidad con la que cuenta el idioma, aunque mezclan el español en algunas de sus canciones ya que es parte de sus raíces, además de querer un proyecto tanto nacional como internacional. El nombre del grupo tiene su sentido inspirador; la palabra Fandango encierra un sinfín de significados, para ellos es sinónimo de raíz y de estilo flamenco; la palabra Fuel significa gasolina
y se extrapola a el sonido electrónico que Alejandro Acosta aporta gracias a las máquinas y su saber hacer. Cuentan con un total de dos discos y un EP que lanzan con cinco canciones en sus comienzos. Su música siempre es en directo, dándole la calidad y la calidez que hace especial a este grupo, siendo consecuentes con sus letras y dando valor a
las pequeñas cosas que tiene la vida, y haciendo muy grande lo pequeño. La música que realiza Fuel Fandango es un tipo de música alternativa diferente, una música personal, con una melodía impecable. Su mezcla de soul, funk, rock y música electrónica con un toque de flamenco, es algo novedoso que merece la pena disfrutar sumergiéndose en sus sonidos.
Michel Kors primer anunciante en Instagram Con la llegada de las nuevas tecnologías a la cotidianidad de los ciudadanos, y la entrada de internet a pasos agigantados en la comunidad, la comunicación en el mundo ha dado un giro de 360º y las marcas han tenido que adaptarse estrepitosamente a las nuevas vías y sistemas.
El uso de telefonía móvil que posibilita el acceso a la red y mantiene a los usuarios en constante conexión a través de las denominadas apps, que permiten la interacción con el entorno y entre usuarios, lo que ha hecho que las marcas busquen nuevas fórmulas para introducirse y aprovechar estas novedosas formas de llegar al consumidor. Con un público cada vez más segregado y crítico, las aplicaciones para móviles permiten llegar a él de un modo cada vez más personalizada y, a su vez, permiten la interacción de los mismos con las propias marcas, dándoles la oportunidad de expresar su opinión sobre nuevos productos o servicios, o la mejora de los mismos. Son muchas las marcas que se han subido al carro de la publicidad en estos términos, bien, creando sus propias aplicaciones, o bien, aprovechando las oportunidades que le ofrecen otras, entre ellas, Instagram, una plataforma que permite la subida y compartición de imágenes y videos a través de los dispositivos móviles.
En Octubre del 2013 , Instagram se decidía a publicar su decisión de insertar publicidad en la propia plataforma, de forma gradual y siempre ofreciendo la libertad al usuario de elegir el tipo de publicidad que quiere recibir y dejando constancia en la propia imagen de que es un espacio patrocinado, añadiendo “sponsored” en la parte superior de la misma. La famosísima firma de moda Estadounidense, Michael Kors, ha sido la primera en atreverse a lanzar su publicidad a través de Instagram. La campaña en cuestión ha consistido en la subida reiterada de imágenes en las que aparecen productos de la marca, en concreto, se anuncia una línea de relojes, llegando a conseguir más de 200.000 “me gusta”. Facebook, empresa dueña de Instagram, ha dado el primer paso para monetizar la aplicación a través de la publicidad, pero ¿A qué precio?, pues ya son muchos los detractores y los usuarios que han expresado su descontento con el nuevo sistema de publicidad invasora. Sólo el tiempo y los usuarios serán los que decidirán el futuro de este nuevo sistema, sin dejar a un lado, la forma de adaptación de la publicidad en estas aplicaciones de carácter gratuito.
DAMIEN HIRST
La imposibilidad física de la muerte en la mente de en alguien vivo
Este es el título de la obra más conocida del artista británico Demian Hirts, sin duda uno de los personajes más polémicos del arte contemporáneo. Su mecenas no es menos controvertido, el magnate de la publicidad Charles Saatchi, conocido por sus estratagemas dentro del mercado del arte para conseguir revalorizar las obras de los jóvenes artistas a los que promociona. Ambos se han convertido en una “marca” en el mundo del arte, tanto es así, que toda obra que sale de
la Galería Saatchi se vende por miles o cientos de miles de libras, generando grandes ganancias para Saatchi. La conexión Saatchi - Hirst data del año 1991, entonces un Hirst recién salido de la escuela de arte realizó la primera exposición, que tituló “Mil años”, que cautivó por completo a Charles Saatchi quién compró toda la exposición y más tarde actuó como su mecenas para que se produjera la obra vendida mas cara de un ar-
o lo que es lo mismo el famoso tiburón de 12 millones de dólares. Meses más tarde, Demian Hirst encargo la captura de un ejemplar de tiburón tigre en la costa australiana. El tiburón se traslado a Gran Bretaña para su preparación y montaje que realizó su equipo.
El problema surgió años después cuando el tiburón de forma inesperada, empezó a presentar un deterioro bastante notable. Las técnicas utilizadas para preservarlo habían sido inadecuadas y a causa de esto, la piel del tiburón se había arrugado visiblemente y comenzó a adquirir
El Tiburón se expuso por primera vez en 1992 en la galería privada de Saatchi, pronto surgieron compradores de renombre como Nicolas Serota, que ofreció 2 millones de dólares en nombre del Tate Modern de Londres , pero fueron rechazados. También estaban detrás del tiburón unos coleccionistas financieros mas potentes como era Steve Cohen, el cual años más tarde se hizo con la obra de arte, una de las cifras que sonaron con más fuerza fue la de 12 millones de dólares, sin embargo, el tiburón se vendió finalmente por 9 millones de dólares, siendo la obra más cara jamás pagada a un artista vivo.
un tono verdoso enturbiando todo el tanque donde estaba el animal, para agravar más la situación, se le desprendió una aleta y la disolución del tanque se fue enturbiando. Resultaba sorprendente que Damien, quien había estado trabajando varios años en la morgue y era un experto en conservar muertos, no había contemplado la posibilidad de que el tiburón pudiera comenzar a descomponerse, y mucho menos de una forma tan acelerada.
La solución que planteó, fue poner un cartel en la costa australiana que ponía “ se busca tiburón”, estaban dispuestos a pagar 6.000 libras por el tiburón: 4.000 libras por la captura y 2.000 libras por meterlo en hielo y mandarlo a Gran Bretaña.
International Gallery del este de Londres, bajo el titulo A dead Shark isn´t Art. Ofreció su tiburón, pero no consiguió ningún comprador, esta oferta se llamaba “ Oferta de año nuevo”.
Una de las cosas que confiere valor al arte es su escasez, la idea de que es una obra única y no habrá otra igual. Para proteger el valor del tiburón de Cohen, se esperaba que Hirst no sacara una nueva versión del tiburón, pero a finales de 2006 lo hizo, llamándola “The Death of God”, este tiburón se vendió antes de inaugurarlo en la galería por 4 millones de dólares al
Leeum Samsung Mueseum de Corea. Steve Cohen no hizo ninguna de-
claración al respecto, tampoco sobre la amenaza que suponía que Hirst dispusiera de tres tiburones más.
“Mi objetivo en la vida no es tanto la búsqueda de la felicidad como la felicidad de la persecución” -Charles Saatchi-
Con la intención de Hirst de cambiar el tiburón, se abrió un debate a cerca de si este cambio podría generar una nueva obra de arte o por el contrario se trataba de una mejora en la obra. Otro de las polémicas que despertó esta obra fue que el tiburón de Hirst no era el primero, un hombre llamado Eddie Sunders exhibió un tiburón martillo en su tienda de electrónica en 1989, este tiburón comenzó a exhibirse en Stuckism
“Viaje
hacia
la
libertad”
“Siempre me han dicho en la vida que deje de volar, de construir castillos entre las nubes, de contar las estrellas. Que debo poner los pies en el suelo y seguir un camino que alguien ya ha escrito por mí. Vivir entre cuatro paredes, sentar la cabeza y dejar de viajar.” así comienza el cortometraje del que hasta periódicos de tirada nacional como El País se han hecho eco.
Eduardo Zamora es un joven cántabro de 21 años con gran afición por el mundo de las artes donde le gusta indagar y probar cosas nuevas con la capacidad de siempre sorprender en todo lo que hace, ya sea música, fotografías o un cortometraje como en este caso. Pero entre todas sus aficiones la que sin duda más le gusta es la de volar en parapente. Quizá es en esos momentos que pasa planeando sobre el valle de Liébana en los que encuentra la inspiración o tal vez lo utiliza para liberar y descansar su mente inquieta. El cortometraje “Viaje hacia la libertad” es una representación audiovisual del relato que lleva el mismo nombre y que escribió el propio director, Eduardo Zamora.
El material que se utilizó para la grabación del cortometraje fue una cámara Nikon d3100 y dos objetivos distintos, un 18-55 VR AF-S DX y un Nikon AF S-50mm F1.8 G además del trípode Hana Star 61.Este es el claro ejemplo de como a veces vale más la ilusión y la dedicación e implicación en el proyecto, que el material del que se disponga. La principal dificultad que se encontró el equipo fue una ajena a ellos; la meteorología. El tiempo a veces es caprichoso y tan pronto puede llover como hacer un sol radiante y esto fue lo que más ralentizó el proceso ya que al no contar con un equipo de iluminación, dependían de la iluminación natural y muchas veces no era la suficiente. Otra dificultad fue la de la ambientación de los escenarios y atrezzo ya que el cortometraje tiene escenas que ocurren en los años 70. Para los escenarios interiores se buscó una casa y una habitación lo más simple posible, donde no se viera nada que pudiera descontextualizar la escena. En cambio para los exteriores lo que se hizo fue grabar principalmente por calles peatonales y parques evitando así que se vieran coches modernos, tiendas, etc.
Es el cuidado de los pequeños detalles lo que hace que este cortometraje sea una pieza de tanta calidad. Planos detalle que muestran la intensidad de cada movimiento. Movimientos de los que el espectador es partícipe en primera persona gracias a la cercanía con la que el director recoge cada momento, todo ello acompañado con unas suaves melodías que nos recrean el ambiente de cada escena y que pertenecen a los compositores Ludovico Eunaidi y Fabrizio Paterlini
Todo el equipo quedó muy satisfecho con el trabajo realizado y es que gracias a la implicación y dedicación personal de cada uno de ellos, ha sido capaz de llevarse a cabo este pequeño-gran proyecto. Tanto los actores como el director eran novatos en este campo pero tras la experiencia todos ellos se han dado cuenta que algo que previamente parecía sencillo, no lo era tanto ya que son muchos factores los que hay que tener en cuenta.
Tras varios meses de trabajo, más de los que se esperaban, el 14 de Mayo de 2013 vio la luz el tráiler del corto que recibió unas 850 reproducciones. Finalmente, una semana después de la publicación del tráiler, “Viaje hacia la libertad” se estrena el 25 de Mayo de 2013 con una duración de 14:10 minutos en el canal que el autor y director, Eduardo Zamora, tiene en YouTube. A día de hoy cuenta con más de 6400 reproducciones que reflejan la gran acogida que ha tenido entre el público. El cortometraje fue publicado y compartido a ¿Será este el final del joven artistravés de diferentes redes sociales como Facebook y Twitter donde recibió numerosas ta cántabro en el mundo del cine?. felicitaciones por el gran trabajo realizado.
M ATA D E R O M A D R I D
Casa del lector Antón García Abril. Superficie superior a los 8.000m2.naves 12 13 y 14 La Casa del Lector de la Fundación Sánchez Ruipérez es un Centro Internacional para la Investigación, el Desarrollo y la Innovación de la Lectura. Espacio que fomenta el acercamiento al mundo de la literatura tanto para pequeños como para mayores. Cuenta con exposiciones, talleres, cursos y muchas más experiencias en relación con la litera-
TRANSPORTE: Metro: 3 ó 6 estación Legazpi Autobús: 6, 8, 18, 19, 45, 78 ó 148.
tura y las artes escénicas.
HORARIO HABITUAL DE ACTIVIDADES: De martes a viernes: de 16 a 21 horas. Sábados, domingos y festivos: de 11 a 21 horas. Lunes cerrado.
Cineteca José María Churtichaga y Cayetana de la Quadra Salcedo. Septiembre de 2011. 2.688m2. Mantiene el espacio original. Única sala dedicada al cine de no ficción de España. Compuesta por dos salas de cine, plató de rodaje, hemeroteca visual y una terraza para proyecciones en temporada de buen tiempo. Sala Azcona con aforo para 250 personas dónde cada mes se estrena una película de carácter nacional e internacional y otra sala más pequeña con aforo para 70 personas.
M ATA D E R O D E M A D R I D
Central del diseño Nave 17 José Antonio García Roldán. Noviembre 2007. 1650 m2. Gestionado por la Fundación Diseño Madrid que a su vez es promovida por la Asociación de DIseñadores de MADrid (DIMAD). El objetivo de este espacio es dar promoción y difusión a proyectos relacionadas con el diseño. Al igual que el resto de los espacios está dotado de una versatilidad para dar cabida a las distintas actividades que en el mismo se desarrollen.
Nave de la música María Langarita y Víctor Navarro. Octubre de 2011. Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe, ha recibido el galardón el edificio Harpa, y con la Mención Especial Arquitecto Emergente Gestionado por Red Bull Music Academy (RBMA Radio). Desde 2012 la programación musical del Matadero se lleva a cabo en dicha sala. La Nave de Música cuenta con un estudio de radio y grabación, nueve salas de ensayos y un pequeño espacio con escenario para conciertos.
EL GRAN STRADIVARIUS
EL GRAN STRADIVARIUS
Fue elelitaliano italianoAntonio Antonio Stradivarius Stradivari (1644-1737), (1644quien llevó su oficio 1737), quien llevódesu constructor instruoficio de de constructor mentos, en especial de de instrumentos, en violines, a de su máxima especial violines, a perfección, sus su máxima siendo perfección, mejores consiendo obras sus losmejores struidos entre 1700 y obras los construidos 1725. 1700 y 1725. entre La creencia popular creencia popular piensa que existía un un que existía transmissecreto cuya transmisión ión familiar quebró aa familiar sesequebró comienzos del del siglo sigloXIX. XIX. Se considera considera que quecada cada el más violín, desde desde el más preciado Stradivarius Stradivarius plebeyo proal más más plebeyo ducto industrial,industrial, posee producto una “voz” Esto posee unapropia. “voz” propia. es algo que sólo una persona Esto es cultivada algo quemusisólo una persona cultivada
musicalmente calmente es capaz dees diferenciar. capaz de diferenciar. En los años losúltimos últimos150 150 años numerosos científicos científicos han intentado intentadoconocer conocer las bases científicas de bases científicas esas en las de diferencias esas diferencias cualidades caracterísen las y cualidades ticas de los sonidos... y características de los sonidos... Un problema inicial es que, todavía, elinicial mejor es Un problema instrumento científico que, todavía, el mejor de detección de un instrumento científico sonido es el oído,de y que de detección un el cerebro sigue siendo sonido es el oído, y que también un analizador el cerebro sigue siendo más sofisticado de los también un analizador sonidos sofisticado complejos que más de cualquier instrumento los sonidos complejos científico. que cualquier Esta situación necesariinstrumento científico. amente introduce unos claros problemas de Esta situación necesariamente
introduce claros objetividad yunos cuantifiproblemas de objetividad cación. y cuantificación. Los instrumentos de Las Stradivariuscaracterísticas son muy sonoras e individuales valorados por los intér- de estas de arte son pretesobras más importantes consideradas únicas, del mundo y por los y a menudo los instrumentos coleccionistas de anse identifican por el tigüedades. nombre de alguien, generalmente Las características so- un músico famoso quedefue noras e individuales su o son que estaspropietario obras de arte simplemente utilizó en consideradas lo únicas, algún momento para y a menudo los instrusus interpretaciones. mentos se identifican Existen muchas teorías por el nombre de alacerca de cómo guien, generalmente fueron construidos. un músico famoso que fue su propietario o que Muchos creían queenel simplemente lo utilizó barniz por Stradivari algún usado momento para se hacía con una fórmula sus interpretaciones. secreta que se perdió al morir su creador.
La teoría que parece más acertada hasta el momento es una que fue resultado de los mismos análisis de espectro en la superficie y en parte de la viruta residual obtenida del interior de un Stradivarius con sistema endoscópico; estas pruebas revelaron la presencia de partículas metálicas muy pegadas a la madera, lo que podría sugerir que el gran maestro hizo un fino tratamiento a las maderas que usaba con soluciones de
sales metálicas, lo cual habría conferido a sus instrumentos la fuerza y riqueza de sonido que tanto se aprecian.
LISBOA, CIUDAD ARTÍSTICA El Arte en Lisboa tiene una larga historia, adoptando muchos estilos diferentes como el gótico, pero también estilos más propios, como el Manuelino . Hoy, Lisboa es un centro de arte y diseño, donde están algunos de los principales museos del país. Estos museos van desde los más modernos a los más antiguos, sin embargo, el arte en Lisboa no sólo se restringe al espacio del museo, porque hay un montón de arte urbano en varios puntos de la ciudad. 1. Museu de Arte Popular – Avenida Brasilia, Belém. Inaugurado en 1948, dispone de habitaciones con las colecciones permanentes y exposiciones temporales. Las piezas incluyen cerámica, implementos agrícolas, instrumentos musicales, trajes, joyas y coloridas sillas de montar y da una indicación vívida de la diversidad de las diferentes regiones de Portugal.
3. Museu Nacional de Arte Contemporânea (Museu do Chiado) – Rua Serpa Pinto, Chiado. Fundada en 1911 como Museo Nacional de arte contemporáneo, fue totalmente reconstruido en 1994. En 1911, la creación de un museo de arte contemporáneo han sido sin precedentes y pionera en el contexto internacional. La colección de arte portuguesa, desde 1850 hasta el presente, constituye la más importante colección portuguesa de arte contemporánea, incluyendo pintura, escultura, dibujo, video, entre otros. Todavía tiene exposiciones temporales.
4. MUDE – Rua Augusta, Baixa Pombalina. Un museo con una vasta colección de artículos de diseño de interiores, industrial y producto. Con varios pisos, cada uno dedicado a un tema o una temporada. Podemos viajar en el tiempo y ver la historia de Portugal y del mundo de los objetos presentes en este museo. Además, la entrada es gratuita. 2. Museu Nacional de Arte Antiga – Rua das Janelas Verdes. El Museo Nacional de arte antiguo es el más importante museo de arte de los siglos XII al XIX en Portugal. Incluye colecciones de pintura, escultura, artes decorativas y dibujo, sobre todo de la Europa, y también orientales representativas de las relaciones establecidas entre Europa y el Oriente siguientes de las viajes del descubrimientos que comenzaron en el siglo XV, de que Portugal es un país pionero.
5. Museu Escola de Artes Decorativas – Largo Portas do Sol. El Museo de la escuela de Artes decorativas se instala en Alfama y acoge una colección montada durante varios años, con compromiso del fundador, Ricardo Espírito Santo Silva y fue donada al estado en 1953. El Museo reúne una importante colección de muebles del siglo XVI al siglo XX, pintura de artistas portugueses y extranjeros, que trabajaban en Portugal en el siglo XVIII, orfebrería Europea del siglo XV al siglo XIX, porcelana, loza, Europa Oriental orden textiles, alfombras de Arraiolos y barroco y neoclásico alicatados.