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Nota editorial Buscamos promover el arte y su manifestación por medio del estudio de las corrientes gráficas dentro de la historia y el devenir que ha tenido el arte y el diseño a lo largo de los años para así poder conocer y entender las prácticas y expresiones actuales, como el fenómeno social que actúa frente a la cultura y la sociedad moderna. Queremos dar a conocer el desarrollo y la evolución en ámbitos de diseño y presentar las nuevas ideas que han estado surgiendo en un plano más cercano, como nuestra ciudad y los artistas y diseñadores emergentes en la misma.
Isabela González Henao
Sofía Hernandez Marín
Editora y productora.
Editora y productora.
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6. Art Art Nouveau
11. Minimalismo
12. Bauhaus 17. NEAS
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Art Nouveau E
sta corriente gráfica se dio entre el siglo XIX e inicios del siglo XX y se proyectó en la arquitectura y también fue conocida como Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria, Modern Style en Reino Unido, Nieuwe Kunst en los Paises Bajos, Liberty o Floreale en Italia y Modernismo en España. Marcó el fin de la belle époque y su estilo académico con su búsqueda de un arte joven y moderno con la idea de: “el futuro ha comenzado”. Durante esta época, se empezó a creer que los objetos cotidianos deben tener un agregado estético, valorando lo artesanal sin dejar de lado lo industrial, dejando de lado el concepto de artes mayores y menores, pues tiene el mismo valor un edificio, un cartel o un mueble que una joya, teniendo gran importancia en la arquitectura. Si hablamos de estética, hay gran influencia de la naturaleza desde las formas orgánicas y los colores vivos, las composiciones tienden a las curvas y la asimetría embelleciendo todo y satisfaciendo los sentidos, se tiende a estilizar los motivos siendo cada vez menos frecuente su realismo. Sofia Hernandez
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Zodiaco, Alfons Mucha, 1896 Casa Hotal Tassel, Victor Horta, vista interior
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Parte del desarrollo y la línea evolutiva de las cosas (en este caso del diseño) es poner en duda el actual movimiento y desarrollar una expresión la cual su objetivo es contrariar todo lo que ya venía siendo aprobado como arte o diseño. El dadaísmo nace como forma de protesta a los cánones dominantes, es la rebelión que tuvo el arte y el camino que logró abrir más puertas a la creación de nuevas estéticas y formas de comprensión. Siendo inicialmente una burla a la burguesía, el dadaísmo rompe con los esquemas y abarca toda una cotidianidad rompiendo con tradicionalismos e ideologías.
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Apocrifa - El surrealismo y el dadaismo en Madrid
Podemos encontrar diferentes manifestaciones dadaístas en la pintura, la literatura, la escultura y el diseño. Desde cada ámbito artístico se presentan de distinta manera, pero hay características generales que identifican al dadaísmo como movimiento. Principalmente por promover una libertad creativa absoluta y creer que esto se logra derrocando las leyes de la lógica, para esto es importante hacer las cosas de manera inmediata, contradictoria y espontánea. Otro factor importante característico del dadaísmo es que superp one el caos ante el orden y se manifiesta como antiarte.
Esta última característica es importante aclararla; los dadaístas en realidad lo que buscaban no era hacer arte, de hecho, ellos iban en contra de toda manifestación tradicionalista que hubiera, y se querían expresar contraponiéndose a todo el orden, es curioso que inevitablemente durante el auge dadaísta fue cuando más surgió la creatividad en pleno y se dio paso a nuevas técnicas y estilos que tendrían más fuerza en un futuro; por ejemplo, el collage.
Sabiendo ya qué es dadaísmo y cómo se manifiesta, es importante aclarar su origen, empezando por el etimológico; se dice que Tristan Tzara (poeta y ensayista rumano) quien defendía la manifestación artística, un día abrió un diccionario y quiso buscar la palabra más rara y desconocida; encontró “Dadá” que significa “caballo de batalla” en francés. Es curioso cómo el mismo origen del nombre que posteriormente se le daría a un movimiento artístico que defiende la incoherencia misma, empezó siendo un sinsentido que a fin de cuentas no dice nada. En el mismo orden de ideas, cabe señalar el surgimiento de la corriente dadaísta en sus inicios en 1916 como algo escandaloso, había mucha contraposición que no estaba de acuerdo y señalaba a los dadaístas como “carentes de todo saber y voluntad”. El movimiento tuvo lugar en Alemania y llegó a ser de gran importancia en Francia después de la Primera Guerra Mundial en 1919. Posteriormente el antiarte dejó de ser un camino de estudio y sus ideales comenzaron a debilitarse, poco a poco fueron quedando a un lado pues los artistas volvieron a enfocarse en el objetivo artístico como forma de estudio. Fue así como con el tiempo el dadaísmo favoreció el nacimiento del surrealismo en 1924. Isabela Gonzalez
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El pop art surge a finales de 1950 en Inglaterra y posteriormente en 1960 en estados Unidos. Como es de imaginar, surge como corriente artística de la mano de una visión revolucionaria, era una forma nueva de hacer y entender el arte desde la expresión de la realidad. Comenzó en un pequeño taller compuesto por personas que estaban social y culturalmente alejados del arte pues pertenecían a la clase obrera; las discusiones dentro del taller comprendían problemáticas sociales como el materialismo y el consumismo, que en la época estaban en pleno auge. Es de aquí que nace el principal ideal del pop art, reflejar bajo la imagen de lo cotidiano la realidad que se estaba viviendo en esos momentos. Candela - 10 artistas del pop
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Inspirado en la estética cotidiana, para las obras se utilizaban elementos muy conocidos y marcas grandes que todos pudieran identificar, y se hacía uso de estos mismos elementos de forma repetitiva o muchas veces utilizando el elemento del collage que ya se venía desarrollando desde el dadaísmo. El uso de elementos cotidianos como latas de sopa, botellas de coca-cola o fotografías de famoso de la época eran muy comunes, así como la estética estadounidense que captó la atención de la mayoría, pues generaba imágenes mentales que les recordaba la niñez y la vida a las personas, era un sentimiento de nostalgia que acompañaba a esta corriente junto con el ideal de crear una consciencia colectiva de consumismo; sin embargo, con el paso del tiempo y el éxito de esta estética, fue cayendo en la misma contradicción de su principal ideal y se fue convirtiendo en el mismo producto de consumo que buscaba retratar. A partir de esto, existen grandes controversias sobre la corriente, e incluso se le critica a algunos artistas como Andy Warhol el hecho de producir en masa perdiendo así el respeto y prestigio que significaba tener una obra única. Isabela Gonzalez
La tercera- La sopa Campbell: cuando Andy Wralhol masificó el arte
Minimalismo El minimalismo, como corriente gráfica, busca llevar a la mínima expresión las composiciones, bien sean artísticas, arquitectónicas u otras, mediante elementos mínimos y básicos. Surgió en los años 60’s como protesta al Realismo y al Art Pop que dominaba el arte en Estados Unidos y es considerada la etapa final del reduccionismo propuesto por Kazimir Malévich y los constructivistas en Rusia.
menos esmás -Mies Van der Rohe
Acumulación, Yayoi Kusama, 1952 Bajo esta premisa sus características principales se vuelven la abstracción de los conceptos, la economía del lenguaje, el orden, la reducción y síntesis de las formas y la sencillez de los mensajes.
Este dibujo, un campo de lunares negros en el espacio vacío para Kusama evocan una sensación de inmensidad. Es uno de los miles de dibujos y pinturas que empezó a producir en 1951 y que la propia artista describió como el reflejo de “la gran profundidad de mi corazón interior”.
Sofia Hernandez
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B a u h a u s
Hasta este punto es cuando empieza la verdadera estructuración de las artes y se adapta a una escuela y metodología, considerándose objeto de estudio igual de importante que cualquier otro. Empieza gracias a Walter Gropius, quien inspirado en el movimiento de arts and craft buscaba reconstruir una Alemania derrotada por la guerra de la mano de jóvenes artesanos que proponían una filosofía de más civilización y menos ego. De aquí parte la idea de crear una escuela de carácter democrático y constructivo en donde se le pudiera dar a cada estudiante un proceso educativo completo a nivel artístico y profesional. De esta misma filosofía viene entonces el reconocido nombre de la Bauhaus, que en alemán significa “casa de construcción”. El verdadero éxito de la Bauhaus como academia, lo cual le daría un reconocimiento a lo largo de la historia y además marcaría un antes y un después en cuanto a diseño, es gracias a su estructura metodológica; principalmente es importante mencionar que lo que se quería era lograr una perfecta comunión entre artesanos, artistas, arquitectos, escultores y pintores. Y a partir de ahí comenzar una educación estructurada por niveles, tomando como ejemplo el movimiento arts and craft en donde los estudiantes eran inicialmente aprendices e iban avanzando poco a poco bajo la guía de sus maestros. Esto es relevante pues era la primera vez que se rompía con el esquema clasista de mérito por apellidos o relaciones importantes y en cambio se valoraba el mérito personal y el verdadero esfuerzo. Por último, la Bauhaus tuvo una amplia cátedra bajo la responsabilidad de grandes docentes e intelectuales, eran de hecho los mejores de la época y tenían grandes conocimientos; dentro de ellos estaban Lyonel Feininger, Johannes Itten y Vassily Kandinsky, entre otros reconocidos artistas.
Es al pasar de los años, y con grandes reestructuraciones de la academia, pero nunca perdiendo la escancia, que la Bauhaus empieza a fundamentar las bases del diseño gráfico y el diseño industrial como hoy se conocen. Esto gracias al pintor Theo Van Doesburg, quien además fue el que le dio cara a la conocida estética de la Bauhaus de líneas rectas, simplicidad, colores sólidos, geometrías y eficacia dentro de los diseños. Siempre con el interés de que la escuela fuera mucho más funcional y productiva, surge la filosofía de que la estética debe seguir la función y gracias a esto se empiezan a crear nuevas ramas de aplicación del arte y el diseño como producción de barrios (que posteriormente se llamaría urbanismo), diseño y arquitectura, interiorismo y diseño de mobiliario. Sería catalogado como diseños modernos, simples y elegantes.
Archdaily - 100 años de la Buahaus
El final de un sueño
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inalmente, la Bauhaus empieza sus últimos años de gloria por problemas con la política actual, a Hitler no le gustaba este nuevo estilo que se estaba dando y mucho menos la filosofía que tenía la academia. Es por esto que desata una persecución que obliga a la escuela a trasladarse a otras ciudades hasta que finalmente se ordenó el cierre inmediato bajo el contexto de que proponía ideales subversivos que iban en contra del régimen. La escuela y los talleres fueron saqueados y destruidos por los Nazis, pero la filosofía, estética e inspiración ya se había expandido en muchos lugares. Isabela Gonzalez
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on una tribu urbana que surge en barrios de bajo estrato socioeconómico. Es una subcultura desarrollada en un ambiente violento y en su mayoría rodeados de problemas como la delincuencia, la pobreza, la inju5sticia, la escasez y la falta de oportunidades. Son compuestas por individuos que aparecen por la ruptura histórica del pacto social que ha condenado a generaciones a vivir en pésimas condiciones de desigualdad y se han visto obligados a afrontar lo peligroso del día a día en las calles. Este grupo amplio en su propia cultura ha llegado incluso a definir la estética de la ciudad aportando desde su propia personalidad e imagen.
La cultura Nea está en la mira de muchas personas, que lamentablemente desprestigian la riqueza urbana y las características de esta tribu, pero afortunadamente existen colectivos que se dedican a resaltar lo bueno de estos grupos y mostrarlo como algo importante en la identidad ciudadana que hay en Medellín. Un ejemplo es un ilustrador que se hace llamar “El Flacucho”, utiliza la personalidad de las Neas, las calles y las comunas para darle vida a sus obras ilustradas con mensajes positivos.
La raíz de las neas desde su contexto histórico es más bien un acto político y la falta de presencia del estado en barrios pobres y adueñados por grupos paramilitares o incluso guerrilla, que idealizan a los jóvenes que ese es su destino y que no hay nada más allá de la violencia. Tienen su propio catalogo del lenguaje y forma de expresión incluso desde su acento y vocabulario, esto ocurre a raíz de la falta de acceso a una educación digna o a las influencias sociales y culturales de grupos armados y de delincuencia a las que están expuestos, y así mismo las dificultades para salir adelante hacen que “las neas” crezcan en ambientes pesados.
CartelUrbano - periodismo callejero y cultura alternativa
Dentro del periodismo callejero y la cultura urbana se mueven mucha variedad de colectivos artísticos, otro de ellos es David Sánchez desde la fotografía, un joven que busca retratar el aspecto de personas de tribus urbanas como las Neas, su archivo fotográfico resalta la estética de cada individuo tanto como su forma de vestir y elementos representativos. Citando de la revista Cartel Urbano: “En medio de esa fauna social hay un parche que sobresale por las piruetas que tiran sobre sus bicicletas y por su disruptiva y extravagante estética. Pelados a los que muchos llaman neas. Ese precisamente es el nombre que David adoptó para un proyecto fotográfico que tiene a personajes como ellos de protagonistas.”
Canal trece - Las ilustraciones del flacucho
Isabela Gonzalez
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vistas Dagoberto Serna Usme Licenciado en Lenguas Modernas y Diseñador Visual Se desempeña como diseñador desde hace quince años, despues de haber estudiado la carrera de Lenguas Modernas. Se graduó como diseñador visaul en el 2005 y desde eso ejerce y se dedica a la docencia. Tiene su emprendimiento de gafas 100% colombianas con materiales 100% recuperados. ¿Cómo ha sido su trayectoria en el diseño?
¿Cuáles han sido sus mayores referentes?
Desde que empecé a ejercer la carrera me he dedicado al diseño desde el punto de vista de la tipología objetual con enfoques en tipología ambiental, montando mi propia agencia de diseño ofreciendo múltiples servicios de producción, arquegrafias, intervención de espacios y vitrinismo durante ocho años. Luego de disolver la agencia decidí trabajar de manera independiente con mi marca personal mientras, paralelamente, trabajo como docente y administrador de la facultad de diseño visual en la Fundación Universitaria Bellas Artes de Medellín.
Los referentes son un fundamento esencial en este campo debido a que pueden ser pauta guía durante el desarrollo de proyectos. Por otra parte, los referentes que yo tuve fueron, durante mis años académicos, David Consuegra: padre del diseño colombiano, Rubén Fontana: argentino experto en tipografía y grandes teóricos como Joan Costa Solà-Segalés y Bruno Munari. ¿Qué obstáculos evidencia para el desarrollo del diseño en un país como el nuestro? Pienso que los dos grandes retos que enfrenta el diseño en nuestro contexto son, primero que todo, la analfabetidad visual, lo cual significa que la mayoría de las personas piensan que el diseño no tiene gran relevancia y por ende lo ven como arte u oficio básico por lo que termina siendo mal pago por parte de entidades o clientes individuales.
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Montoya Alzate Diseñadora e ilustradora independiente Trabaja en su propio proyecto de diseño y arte después de haber estudiado diseño de modas y alta costura. Tiene su taller independiente y produce piezas únicas pintadas a mano. Actualmente stá cursando el pregrado de diseño visual en la fundación universitaria Bellas Artes. ¿Con qué dificultades se encontró al iniciar su proyecto?
¿Cómo ha sido su trayectoria en el diseño? Ha sido bastante complicada pues he tenido ciertos momentos de crisis que me han hecho tomar caminos diferentes. Inicié estudiando arte, pero por motivos personales no me sentía muy conforme y me peleé con él, por este motivo decidí dejar la universidad e iniciar un emprendimiento de accesorios para mascotas. Siempre he trabajado como independiente y eso a veces se puede complicar, es un camino largo pero bonito de recorrer. Luego me di cuenta que necesitaba volver a replantear mi vida y fue cuando decidí que quería vivir del arte. Fue una reconciliación muy bonita que hice conmigo misma, empecé a compartir en redes mi trabajo personal y empezaron a llegar personas interesadas que me impulsaban a seguir creando.
Hay momentos difíciles que nadie te enseña a afrontar, y solo con la experiencia se puede aprender. Las dificultades al inicio siempre fueron grandes, por medio de las redes sociales era difícil conseguir clientes al principio y no sabía cómo ponerle precio al trabajo. Pero con el tiempo aprendí a valorar mi trabajo y a entender que el precio era lo que merecía por el aprendizaje que había tenido. ¿Qué te motiva a seguir con tu proyecto? Yo nunca me imaginé llegar a tanta gente por medio de mi trabajo, recibo muchos mensajes de las personas diciéndome que las inspiro, que cuando ven mi trabajo se animan a pintar. Creo que a veces no nos damos cuenta de las personas que ven lo que hacemos y el apoyo tan grande que son. No nos damos cuenta la cantidad de corazones que estamos tocando todos los días. Una de las razones que me ha mantenido de pie incluso en los días difíciles, es que logré cambiar en mí esa filosofía que dice que del arte no se puede vivir, creo que son construcciones mentales que uno mismo se hace pero que realmente no son ciertas, hay que encontrar la manera y el camino es largo, pero no imposible, tengo la certeza de que sí se puede vivir de lo que uno ama. Quiero poder mostrarles a las personas que sí pueden vivir de lo que aman, que sí se puede vivir de las pasiones y que vale completamente la pena.
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Las leyes de la simplicidad John Maeda
El diseñador gráfico John Maeda con la intención de demostrar el porqué se deben crear articulos mas sencillos de usar y con mayor simplicidad que los que tenemos actuamtente que, como menciona en la decima ley, “consiste en sustraer lo que es obvio y añadir lo específico”
Psicoloìa del color Eva Heller
La propia Eva Heller, psicologa y sociologa, en este libro, explica cómo el uso de los colores puede afectar el estado de animo de cada paersona, además de las multiples percepciones que se pueden tener de un mismo color basandose en el estudio y analisis de una muestra de 2.000 personas de toda Alemania.
Manual de tipografìa John Kane
Este manual, escrito por el profesor John Kane, es una guía fundamental para adentrarse en el mundo de las tipografías, pues habla de sus historias, sus usos y aplicaciones que se pueden hacer junto con el color para lograr composiciones equilibradas y adecuadas.
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