Bucharest Symphony Orchestra

Bucharest

Y N O H P SYM A R T S E ORCH

BUCHAREST

SYMPHONY ORCHESTRA Benoît Fromanger, director Joanna Woś, soprano Tadeusz Szlenkier RUMANIA

VI Concierto del Ciclo Extraordinario Temporada 2017 Sábado 11 de noviembre – Gran Teatro Nacional

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La energía que mueve tu Mundo

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Contrucción de la caja de color institucional.

Auspiciadores

La energía que mueve tu Mundo

C = 30 M = 100 Y = 87 K = 40 // Pantone 188 C = 100 M = 95 Y = 32 K = 36 // Pantone 289 C=0 M=0 Y=0 K=0

Media partners

Agradecimientos

En la versión de logotipo sin slogan, se mantiene la caja desarrollada al inicio pero con el logotipo centrado en sus dos ejes.

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ESTIMADOS SOCIOS, ABONADOS Y AMIGOS:

Bienvenidos a esta nueva velada musical. Luego de haber disfrutado de magníficas presentaciones a lo largo del Ciclo Extraordinario de junio a noviembre ha llegado el concierto de clausura. En esta ocasión, tenemos la alegría de presentar por segunda vez en Lima a la Orquesta Sinfónica de Bucarest dirigida por Benoit Fromanger y con la soprano Joanna Wos y el tenor Tadeusz Szlenkier como solistas.

La Orquesta Sinfónica de Bucarest, fundada en el 2006, aborda muchos géneros, desde música clásica, pop, rock sinfónico hasta bandas sonoras.

En esta oportunidad nos brindan un programa dedicado a Enescu, Donizetti, Bellini, Puccini, Verdi y Tchaikovsky.

Nuestra Temporada de Abono 2017 continua en el Auditorio Santa Úrsula con la presentación de la Salzburg Chamber Orchestra el martes 14 de noviembre y la violinista Midori desde Japón el próximo martes 21 de noviembre. Como todos los años cerraremos nuestra temporada con la presentación anual de la Orquesta Sinfónica del CNM el miércoles 22 de noviembre.

De esta manera la Sociedad Filarmónica de Lima cierra la celebración del 110º aniversario de vida institucional. En este año ha sido vital el apoyo de ustedes. Gracias una vez más a cada una de las empresas e instituciones por su generoso apoyo a nuestra labor de promoción de la buena música; y especialmente a ustedes, queridos socios, abonados y amigos que nos acompañan en esta nueva gran temporada.

SALOMÓN LERNER FEBRES Presidente Sociedad Filarmónica de Lima

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SOCIEDAD FILARMÓNICA DE LIMA CONSEJO DIRECTIVO PRESIDENTE Salomón Lerner Febres VICEPRESIDENTE Jorge Caillaux Zazzali PRESIDENTE HONORARIO Heriberto Ascher † DIRECTORES Muriel Clemens de Briceño Federico De Cárdenas Carlos Gatti Harold Gardener Nissim Mayo Margot Moscoso de Pinasco Teresa Ortiz de Zevallos Fred Reich

ADMINISTRACIÓN ADMINISTRACIÓN Y COORDINACIÓN GENERAL María del Pilar Flores Dioses CAPTACIÓN DE PÚBLICO, TRADUCCIÓN Y COORDINACIÓN DE CONTENIDOS Denice Guevara Cavero PRODUCCIÓN Y LOGÍSTICA María Alejandra Carrillo Fídel ASISTENCIA DE PRODUCCIÓN ESCÉNICA Y LOGÍSTICA Ernesto Quino Villena

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SOCIEDAD FILARMÓNICA DE LIMA NUESTROS SOCIOS SOCIOS PATROCINADORES

Hiraoka, Carlos

Briceño, Ricardo y Muriel

Lerner Febres, Salomón

Fishman, Marcos y Karin

Lerner Ghitis, Salomón

Hippauf, Horst

Llosa, Patricia Loret de Mola, Aurelio y Julia

SOCIOS COLABORADORES

Mayo, Nissim y Anita

Gruenberg, Jorge

Moscoso de Pinasco, Margot

Ortiz de Zevallos, Felipe

Reich, Fred

Brescia Cafferata de Fort, Rosa Augusta

Rivera, Oscar y Beatriz

Verme, Juan Carlos

Rivero, Alfredo Tornique Vicuña, Luz Carolina

SOCIOS COLABORADORES

Van Oordt, Guillermo y Cecilia

EMPRESAS

Varda, Gianfranco

Quality Products S.A.

Vázquez Costa, Renato Velaochaga, Jorge

SOCIOS COOPERADORES

Zdravkovic, Branislav

EMPRESAS

Zoia, Roberto y María Luisa

Apoyo y Asociados Intls S.A.C.

Barreda, Víctor

Apoyo Gestión Operativa S.A.

Belaúnde, Pedro

Hernández & Cía. Abogados S.C.R.L

Benavides, Víctor y Rosita Belotserkovskaya, Larissa

SOCIOS COOPERADORES

Bürger, Uwe

PERSONAS NATURALES

Caillaux, Ricardo

Abugattás, Ricardo

Chiappori, Carlos y Cecilia

Ascher, Erika

Dannon, Moisés

Baertl, Augusto

De Szyszlo, Fernando †

Baertl, José Antonio

Málaga de Masías, Beatriz

Balarín, Danilo

Mujica de Moreyra, Araceli

Berger, Beatrice

Muncher de Polar, Sylvia

Caillaux, Jorge

Ocampo de Moreyra, Ana María

Carrillo, Iván

Payet, Jorge

Gallagher de Villarán, Lucy

Ploog, Volker

García de Rizo Patrón, Lola

Rehder, Bernardo

Gardener, Harold

Rodríguez Chávez, César

Gatti, Carlos

Schnider, Walter

Graña Miró Quesada, José

Wu, Juan

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Foto: © Peter Fischli

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Bucharest SYMPHONY ORCHESTRA SURGIÓ EN LA ESCENA musical rumana en el año 2007, a raíz de una iniciativa de la Philson Young Association con el objetivo de acercar la música a la vida de las personas.

La misión de la Bucharest Symphony Orchestra es atraer, educar y desarrollar un amplio segmento de amantes de la música. Su concepto se basa en programas musicales innovadores que actualmente son únicos en Rumania. El repertorio para cada concierto toma en consideración la variada proveniencia del público, edad y gustos musicales.

Los miembros de la orquesta son respetados músicos de la escena cultural rumana, que han demostrado su condición de solistas o miembros de otras orquestas y conjuntos nacionales e internacionales.

La flexibilidad en la selección de géneros musicales es la base para diversos proyectos como el de reunir a la orquesta con la famosa banda Phoenix, entre 2010 y 2011, y presentaciones conjuntas con artistas rumanos de renombre internacional, como la violinista Corina Belcea y la soprano Angela Gheorghiu.

La agenda de la orquesta también incluye la grabación de un disco doble con el cantante Marcel Pavel, que reúne famosas arias de óperas y chansonnettes; así como la grabación de dos discos con obras de Mel Bonis y Benjamin Britten, bajo la batuta de su director titular, el maestro Benoît Fromanger.

En 2012, la Orquesta Sinfónica de Bucarest fue invitada para realizar una gira por Italia y Francia en los festivales musicales más importantes.

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Benoît FROMANGER

HA SIDO RECIENTEMENTE designado Director Principal de la Orquesta Sinfónica de Bucarest. Reconocido internacionalmente como director del más alto nivel, su objetivo es acercar y compartir en cada concierto, su enfoque personal de la música, su respeto por los músicos y la audiencia, así como su energía, generosidad y pasión.

Sus compromisos más recientes incluyeron actuaciones en famosos festivales, dirigiendo a la Montréal Métropolitan Orchestra, Slovenian Radio Symphony Ljubljana, Ankara Presidential Orchestra, Bursa Philharmonic Orchestra (Turquía), Tianjin Philharmonic Orchestra (China), Prague Chamber Orchestra, the Innsbrucker Kammerorchester, entre otras.

Ganador del Premio del Conservatorio de París, Fromanger comenzó su carrera musical como flautista y solista principal de la Orquesta de la Ópera Nacional de París. Diez años más tarde se trasladó a Múnich, donde se unió como solista principal a la Symphonie Orchester des Bayerisher Runfunks.

Luego de presentarse bajo la batuta de directores como Leonard Bernstein, Lorin Maazel, Carlos Kleiber, Valéry Gergiev, Bernard Haitink, Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini y Daniel Barenboim, Benoît Fromanger decidió estudiar dirección junto al Profesor Rolf Reuter, graduándose en la Berlin Hochschule.

Fromanger mantiene una estrecha relación con muchos solistas y se presenta con frecuencia con Juliette Hurel, Corina Belcea, Idil Biret, Brigitte Engerer, François Leuleux, Wenzel Fuchs, Hans-Jeorg Rickenbacher, Bertrand Chamayou, Bernard Soustrot, Eric Francerie, David Guerrie, Richard Galiano, K&M Labèque, Denis Pascal, Fanny Clamagirand, Oozier Aydin, Naoko Shimizu y Marie-Luise Neunecker, entre otros.

Tiene una afinidad particular con la música de su país natal, Francia. Recientemente grabó un disco denominado Cantatas del compositor francés Thierry Machuel e iniciará la colaboración para una grabación entre la Orquesta Sinfónica de Bucarest y el sello Le chant de Linos.

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Foto: © Peter Fischli

Joanna WOŚ Combina de manera magistral piezas de coloratura extremadamente difíciles con extraordinaria ligereza y sentido del estilo bel canto. Cuenta con una entonación sonora y una voz impecablemente limpia dentro un rango muy amplio. La ligereza y precisión de su voz permiten a la artista realizar incluso las coloraturas más audaces y sin esfuerzo, mientras que conserva el sonido único y el estilo sofisticado del bel canto.

Hizo su debut como Lucia di Lammermoor de Donizetti, en el Gran Teatro de Lodz (Polonia).

Después de graduarse de la Academia de Música en Lodz, se unió al elenco del Gran Teatro de manera permanente, convirtiéndose en su solista.

Se ha presentado en la Ópera Nacional de Varsovia, la Ópera de Cracovia, la Ópera del Báltico, la Filarmónica Nacional y la Filarmónica de Cracovia. Asimismo, es invitada con frecuencia a cantar en escenarios como el Royal Festival Hall en Londres, Alte Oper en Frankfurt, Deutsche Oper en Berlín y Ópera Nacional en Zagreb, entre otras salas de concierto del mundo.

Ha cantado bajo la dirección de grandes maestros como Antoni Wit, Jonas Aleksy, Friedrich Haider, Marco Baldieri, Massimiliano Caldi y Gabriel Chmura; y ha compartido escenarios con renombrados cantantes como los barítonos Renato Bruson y Artur Ruciński, los tenores Salvatore Licitra y Salvatore Fisichella y la soprano Gwendolyn Bradley.

En su repertorio encontramos no solo roles de coloratura como la Reina de la Noche en La Flauta Mágica, Rosina en El Barbero de Sevilla, Olimpia en Los Cuentos de Hoffmann y Anna Bolena en la ópera de Donizetti; sino también papeles dramáticos y líricos como Violetta en La Traviata, Gilda en Rigoletto, Elvira en I Puritani y Norina en Don Pasquale. Su repertorio de conciertos también es impresionante, incluyendo: Stabat Mater de Pergolesi y Rossini, Requiem, Exultate Jubilate y las misas de Mozart, Saint Cecilia Mass de Gounod, Requiem de Fauré, Carmina Burana de Orff y Stabat Mater de Szymanowski.

En 2010 grabó para la BBC, Sinfonía Nº 3 de Henryk M. Gorecki con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Marin Alsop, en el Royal Festival Hall de Londres. En 2011 interpretó un papel principal en Maria Stuarda de Donizetti en el Gran Teatro de Poznan y ese mismo año interpretó a Gilda de Rigoletto en el Gran Teatro-Ópera Nacional de Varsovia.

Asimismo recibió entusiastas críticas por su rol como Anna Bolena en la ópera de Donizetti, durante su presentación en el Festival de Ópera de Saint Moritz. En este rol, la artista ha demostrado un dominio de las voces y la actuación, que es parte integral de la implementación del estilo bel canto, y que la hizo merecedora del Golden Mask National Theatre Award en la categoría Mejor Cantante Dramática 2003.

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Tadeusz SZLENKIER Nació en Varsovia, Polonia. Se graduó en filosofía en la Universidad de Varsovia y estudió canto y actuación en la Universidad de Yale en los Estados Unidos. En 2005, obtuvo el primer lugar en el International Vocal Competition Klassik-Mania en Viena. Desde entonces se ha presentado en importantes escenarios de Polonia y del extranjero.

Desde 2010 colabora con Opera Nova en Bydgoszcz, Polonia, interpretando varios roles de tenor lírico como Alfredo en La Traviata, Rodolfo en La Bohéme, Princ en Rusalka, Enzo en La Gioconda, Tamino en La Flauta Mágica, Barinkay en El barón gitano y Alfred en El Murciélago. También actuó como Gustavo en Un ballo in maschera, Leicester en Maria Stuarda de Donizetti, Jontek en Halka de Moniuszko, Pinkerton en Madame Butterfly y muchos más. El repertorio del artista también incluye algunas piezas de oratorios como Messa da Requiem de Verdi, Novena Sinfonía de Beethoven y Réquiem de W.A. Mozart.

En 2008 fue invitado por Elżbieta Penderecka para participar en la ópera Lodoïska de Cherubini durante el 12th Ludwig van Beethoven Easter Festival en Varsovia. La grabación de este concierto fue nominada al prestigioso premio Fryderyk otorgado por la Academia Fonográfica de Polonia.

Ha participado en el Bard Summer Festival en Annandale-On-Hudson de Nueva York (2008) y representó a su país en la EXPO World Exhibition en Shanghai (2010). Ese mismo año interpretó a Idomeneo en la ópera de Mozart que se estrenó en el Teatro Municipal de Lima.

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VI Concierto

CICLO EXTRAORDINARIO 2017 PROGRAMA Sábado 11 de noviembre, 8:00 p.m. Gran Teatro Nacional

GEORGE ENESCU

GIUSEPPE VERDI

(1881–1955)

(1813-1901)

Rapsodia Rumana Nº 1

Obertura De la ópera La fuerza del destino È strano De la ópera La Traviata Lunge da lei... De’ miei bollenti spiriti De la ópera La Traviata Parigi, o cara Dueto de la ópera La Traviata Addio! Speranza ed anima sol tu sarai per me De la ópera Rigoletto

GAETANO DONIZETTI (1797-1848)

Una furtiva lagrima De la ópera L’elisir d’amore VINCENZO BELLINI (1801-1835)

Casta diva... Ah! Bello, a me ritorna De la ópera Norma GIACOMO PUCCINI (1858-1924)

E lucevan le stelle De la ópera Tosca Quando men vo De la ópera La Bohème Che gelida manina De la ópera La Bohème Sì, mi chiamano Mimí De la ópera La Bohème O soave fanciulla!

Dueto de la ópera La Bohème Intermedio

GIACOMO PUCCINI (1858-1924)

Addio fiorito asil De la ópera Madame Butterfly Bimba dagli occhi De la ópera Madame Butterfly PIOTR ILICH CHAIKOVSKI (1840-1893)

Suite Cascanueces, op. 71

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George

ENESCU (1685 – 1750)

EL GRAN COMPOSITOR rumano George Enescu nació el 19 de agosto de 1881 en Liveni Vîrnav (hoy llamada George Enescu) y murió en París el 4 de mayo de 1955. Desde muy pequeño mostró sus dotes de artista: a los cuatro años empezó a tocar el violín y a los cinco se manifestó como compositor. A los siete (1888) inició estudios musicales en el Conservatorio de la Sociedad de Amigos de la Música de Viena, donde permaneció como alumno hasta 1894. Allí sus maestros fueron S. Bachrich, J. M. Grün, J. Hellmesberger el joven (violín), L. Ernst (piano), R. Fuchs (armonía, contrapunto, composición), J. Hellmesberger el viejo (música de cámara). Su formación continuó en el Conservatorio de París. En ese centro, entre 1895 y 1899, tomó clases de violín con M. P. J. Marsick y J. White, y siguió cursos de armonía, contrapunto y composición con A. Gédalge, J. Massenet y G. Fauré.

Durante su vida cultivó la interpretación musical como brillante violinista, la composición, la dirección de orquesta y la enseñanza. Entre los nombres de los alumnos que asistieron a los cursos que dictó en París, Siena y diversas universidades de los Estados Unidos de América, destacan los de C. Ferras, A. Grumiaux, Y. Menuhin.

Si bien su actividad se centraba en París, donde residía, se preocupó especialmente por promover el desarrollo musical de su patria, a la cual viajaba frecuentemente para propiciar la creación de escuelas musicales y para estimular la composición, las presentaciones de óperas, los conciertos, etc. Enescu fue en su país (Rumanía) “el equivalente de un Bartók en Hungría o de un Szymanowski en Polonia”1. Esa afirmación busca reivindicar la importancia de Enescu como compositor ya que su fama, durante buen tiempo, derivaba de sus habilidades de virtuoso intérprete del violín. Además, fue un artista comprometido con la tradición musical de su país.

Entre las composiciones de Enescu se encuentran la ópera Edipo, música sinfónica, obras de cámara, canciones, piezas para piano, etc.

Según André Lischké, las dos Rapsodias Rumanas para orquesta op. 11, compuestas en París entre 1901 y 1902 son “equivalentes rumanas a las Rapsodias Húngaras de Liszt”.2 Creadas “en un movimiento de reacción contra el exceso de cartesianismo de la música francesa, ellas adquirieron rápidamente una popularidad que el mismo compositor terminó – con justo título – por considerarla exagerada”3.

El éxito de estas juveniles obras ha hecho olvidar o distraer la atención de otras composiciones más originales del músico rumano.

La Rapsodia Rumana N°1 fue acabada el 14 de agosto de 1901 cuando Enescu aún no había cumplido los veinte años. Compuesta en la tonalidad de la mayor, se inicia en tempo Modéré (moderado) y compás de 4/4. Clarinetes y oboes presentan una lánguida melodía de carácter popular. Los violines secundan a los vientos de madera y después el tempo se acelera. A lo largo de la obra se van sucediendo, una y otra vez, ritmos diversos (6/8, 2/4), tiempos rápidos y otros pausados, diná1 En Guide de la musique symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986. p. 250.

2 Ibídem, p. 251.

3 Ibídem

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micas que van del triple piano al triple forte y ricos contrastes de timbre generados por los diversos instrumentos de la orquesta. A partir de un momento empieza una aceleración que crea un clima de paroxismo y alegría de vivir propio de las danzas folclóricas rumanas.

Según A. Lischké, esta obra “es célebre sobre todo por la imitación, en la última parte, del canto de la alondra (“ciocirlia”)”4, en la cual eran expertos los músicos folclóricos rumanos. En el tramo final, después de un prolongado silencio, asoma una sección en compás de 2/2 que se inicia en dinámica pianissimo.

A lo largo de 19 compases se desenvuelve una especie de marcha de intensidad creciente. Así la composición desemboca en un pasaje Très vif (muy vivo) y compás de 2/4 que cierra con potencia esta exuberante obra que envuelve al oyente y lo hace pasar por diversos climas anímicos desde aquel creado por la canción popular rumana cuya melodía es citada al inicio y que alude a la persona que tiene una moneda y desea gozar con ella (“Tengo un leu y quiero beberlo”), hasta la embriaguez de la danza en ronda al son de la música de los virtuosos músicos imitadores del canto de la alondra.

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profesionales, en 1838 se mudó a París, donde retomó la composición. Afectado por la parálisis desde 1845, el 47 regresó a su ciudad natal, Bérgamo, en la cual falleció el 8 de abril de 1848.

Gaetano

DONIZETTI (1797 – 1848)

DOMENICO GAETANO DONIZETTI nació en Bérgamo, ciudad lombarda próxima a los Alpes italianos, el 29 de noviembre de 1797.

Asistió con una beca a la escuela Lezioni Caritatevoli, fundada por el párroco Johann S. Mayr, quien influyó en el estilo del joven músico aproximándolo al clasicismo vienés y a la música sacra. En 1815 se trasladó al Liceo Musicale de Bolonia, donde se dedicó a la composición de música de cámara y religiosa, y fue discípulo del Padre Mattei, maestro de Rossini. El éxito de su ópera Enrico di Bologna (1818, Venecia) le abrió las puertas a otros lugares del país. Su cuarta ópera, Zoraida di Granata, estrenada en enero de 1822 en el Teatro Argentina de Roma, alcanzó gran éxito e impresionó a Domenico Barbaia, importante empresario teatral que le ofreció entonces un contrato para componer en Nápoles, adonde Donizetti se mudó en 1827. Allí fue director del Teatro Real, dictó clases y continuó escribiendo para los escenarios de Roma y Milán. Llegó su momento más fructífero como compositor entre 1830 y 1837 con Anna Bolena, L’elisir d’amore, Parisina d’Este, Maria Stuardo y Lucia di Lammermoor. Donizetti pronto atravesó una etapa oscura: en menos de dos años fallecieron sus padres, su hija y su mujer.

Apenado por ello y por otras frustraciones

L’elisir d’amore, ópera bufa en dos actos, con libreto de Felice Romani basado en la novela Le filtre de Augustin Eugène Scribe, fue estrenada en Milán en 1832. El argumento gira en torno del amor de Nemorino, un pobre campesino, por Adina, rica hacendada que prefiere al militar Belcore. Luego de una serie de peripecias, entre las que destacan la aparición del charlatán Dulcamara, quien vende un producto de virtudes extraordinarias capaz de obrar efectos milagrosos, Nemorino cree que con el elixir de Dulcamara conseguirá el amor de Adina. Por una inesperada herencia que recibe el sencillo campesino, la suerte cambia para él: las muchachas del lugar empiezan a ver en él a un buen candidato para establecer relaciones de amor con él; pero Adina, antes de haberse enterado de la nueva condición de rico de Nemorino, y convencida de la autenticidad del amor de este, decide aceptarlo como su prometido y abandona al militar.

Una furtiva lagrima es una hermosa aria entonada por Nemorino en la escena séptima del segundo acto de la ópera poco antes de que Adina acepte sus requerimientos amorosos y le exprese que desea hacerlo tan feliz como antes lo había hecho desgraciado.

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Vincenzo

BELLINI (1801 – 1835)

VINCENZO BELLINI nació el 3 de noviembre de 1801 en la ciudad de Catania, Sicilia, y murió el 23 de setiembre de 1835 en Puteaux, un suburbio de París. Fue el mayor de siete hermanos nacidos en una familia de tradición musical. Su abuelo, originario de la región de los Abruzos, fue un compositor y profesor de música que actuó como organista en Catania. Asimismo, el padre de Vincenzo se dedicó a la composición y a la enseñanza de esa arte. En ese ambiente propicio, Vincenzo desarrolló desde niño sus habilidades como intérprete del piano. A los seis años compuso su primera obra (Gallus cantavit). Después de haberse hecho conocido como creador de obras que se interpretaban en las iglesias o en los salones refinados de Catania, y en vista de que las enseñanzas de su abuelo ya no eran suficientes, en 1819 se trasladó a Nápoles para estudiar en el Conservatorio San Sebastián de esa ciudad. Allí fue discípulo de Nicola Zingarelli, con el cual estudió las obras de los grandes maestros napolitanos y las composiciones instrumentales de Haydn y de Mozart. Después de haberse dedicado a crear trabajos propios de sus estudios en el Conservatorio (obras sacras, piezas instrumentales, una cantata y canciones), en 1825 presentó Adelson e Salvini, una ópera

semiseria puesta en escena en el teatro del mencionado centro de estudios napolitano.

A partir del año siguiente, el empresario Domenico Barbaia le encargó óperas para los teatros San Carlo de Nápoles y La Scala de Milán. Durante el período comprendido entre 1827 y 1833, Bellini vivió principalmente en Milán, ciudad desde la que se desplazaba a otras localidades de la Italia del norte, como Génova, Venecia, Parma, Bérgamo, etc., en las que asistía a los estrenos de sus óperas. En 1827 compuso El Pirata, melodrama estrenado en La Scala el 27 de octubre. Esta obra marcó el inicio de la colaboración del músico catanés con el libretista Felice Romani, la que se mantuvo hasta 1833 y generó siete óperas, incluidas las importantes La Sonnambula y Norma, ambas estrenadas en Milán en 1831, la primera en marzo (Teatro Carcano) y la segunda en diciembre (Teatro alla Scala).

Después de Beatrice di Tenda, última que trabajó con Romani, Bellini compuso en París I Puritani con libreto del Conde Carlo Pepoli.

En abril de 1833, el músico viajó a Londres, donde permaneció hasta agosto del mismo año. Allí asistió a las exitosas presentaciones de Il Pirata, Norma, Capuleti e Montecchi y La Sonnambula. En París pasó los últimos años de su vida cultivando la amistad de artistas como Chopin y Rossini y frecuentando salones como el de la Princesa Belgioioso, donde conoció a Heinrich Heine. En abril de 1834 inició la creación de I Puritani, ópera que se estrenó en París en enero de 1835, unos meses antes de su muerte. Sus restos inicialmente enterrados en el cementerio de Père Lachaise fueron trasladados en 1876 a la catedral de Catania.

Norma es una ópera construida en dos actos ambientada en la Galia del siglo I a.C. Norma, una sacerdotisa druida, vive un conflicto a raíz de su amor a Pollione, procónsul romano que la ha traicionado con Adalgisa, otra virgen del templo. Pollione encarna, además, al poder extranjero dominador del pueblo galo. Casta diva, hermosa aria del primer acto, es entonada por Norma en el bosque dirigiéndose a la

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casta diosa de la Luna en una ceremonia de la que se espera que salga la señal de guerra contra los romanos. Poco después, la misma Norma entona la cabaletta Ah! bello, a me ritorna (¡Ah! bello, a mí retorna) en la que queda en evidencia su voluntad de traicionar a su pueblo y defender la vida de Pollione si él vuelve a ella para entregarle su amor.

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Giacomo

PUCCINI (1858 – 1924)

GIACOMO PUCCINI nació en Lucca, Italia, el 22 de diciembre de 1858, en el seno de una familia de músicos. Su padre falleció cuando él tenía 5 años, por lo que fue enviado a estudiar con su tío. En Lucca, llegó a conseguir el puesto de organista y maestro de coro, y fue en ese período cuando escribió sus primeras composiciones. Gracias a una beca, en 1880 pudo empezar sus estudios de composición en el Conservatorio de Milán. Constituyó una familia con Elvira Bonturi, con la que tuvo una hija llamada Fosca y un hijo, Antonio. Con su ópera Manon Lescaut, que logró una gran acogida, empezó su colaboración con Luigi Illica y Guiseppe Giacosa. Ellos fueron los que escribieron los libretos de las obras más famosas de Puccini: La Bohème, Tosca, y Madame Butterfly. En 1903 empezó una época difícil: Puccini sufrió un accidente automovilístico, del cual resultó gravemente herido, pero finalmente se recuperó. Su colaboración con Illica y Giacosa finalizó en 1906, a raíz de la muerte del segundo. Su última ópera, Turandot, nunca fue terminada ya que mientras trabajaba en ella, Puccini murió el 29 de noviembre de 1924 en Bruselas, a causa de un cáncer de garganta.

Además de óperas, Puccini compuso obras de cámara, canciones y algunas piezas de carácter religioso.

La ópera Tosca es un melodrama en tres actos con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en una obra de Victorien Sardou. Se estrenó en Roma el 14 de enero de 1900. Si bien en esa oportunidad la recepción de los críticos no fue unánime en reconocer los méritos de la obra, el éxito de público fue destacable. Un par de meses después, la dirigió Arturo Toscanini, en La Scala de Milán, donde se confirmó la aceptación popular. En junio del mismo año tuvo su estreno extranjero en Buenos Aires y en julio se presentó en Londres.

La acción de este drama cargado de pasión amorosa y venganza transcurre en Roma en torno de 1800, la época de la batalla de Marengo y la expansión del poder de Napoleón.

E lucevan le stelle (Y brillaban las estrellas) es una sentida aria para tenor que, en el tercer acto, entona el personaje Mario Cavaradossi, un pintor republicano y partidario de las ideas liberales, prisionero en el Castillo de Sant’Angelo de Roma. Este hombre, que muy pronto debe enfrentar al pelotón de fusilamiento, evoca los dulces momentos vividos con su amada, la cantante Floria Tosca. El aria se inicia con una nostálgica melodía entonada por el clarinete que crea el clima anímico caracterizador de toda esta pieza cargada de intensidad dramática signada por la experiencia del conflicto entre amor y muerte.

La Bohème (La Bohemia), en cuatro actos, con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, está inspirada en un relato de Henry Murger titulado Escenas de la vida bohemia. Esta ópera se presentó por primera vez en el Teatro Real de Turín en febrero de 1896. Trata de la vida de un grupo de jóvenes que viven en París. Un poeta, un pintor, un músico y un filósofo, sin dinero y despreocupados, coinciden en el mismo edificio con dos muchachas (Mimí y Musetta).

En ese escenario sencillo surgen situaciones de amor y de muerte. El aria Quando men vo (Cuando voy), conocida también como el Vals de Musetta, es entonada por dicho personaje en el segundo acto en el café Momus de París.

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Ella busca llamar la atención de Marcello, su antiguo novio, cantando esta hermosa pieza.

Che gelida manina (¡Qué gélida manita!), aria para tenor del primer acto, es cantada por Rodolfo, uno de los cuatro amigos bohemios que comparten una buhardilla, al rozar la mano de Mimí, una costurera que ha buscado apoyo para poder encender una vela e ingresar a su habitación. Al intentar encontrar la llave a oscuras, Rodolfo toca la mano de Mimí y se refiere a la “gélida manita”. Luego ella, a modo de presentación, le responde con el aria Mi chiamano Mimí (Me llaman Mimí). Hacia el final del primer acto, Rodolfo y Mimí, ya enamorados, entonan el dúo O soave fanciulla! (¡Oh suave niña!)

Madame Butterfly es una ópera dramática de G. Puccini con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, inspirada en un texto de David Belasco basado en narraciones de John Luther Long y de Pierre Loti. Esta obra de Puccini se estrenó, con poco interés del público, en febrero de 1904 en el Teatro alla Scala de Milán en una versión que comprendía dos largos actos. Una versión revisada y constituida por tres partes se presentó el 28 de mayo del mismo año en el Teatro Grande de Brescia. Entonces obtuvo gran aceptación, la que se ha mantenido a lo largo de las décadas posteriores. En esta obra se presenta la historia de una joven japonesa, Cho-Cho-San, que se casa con un marino norteamericano llamado Pinkerton. Este no toma en serio el compromiso, a diferencia de lo que sucede con la abnegada y fiel Cho-Cho-San. Después de que Pinkerton ha desaparecido sin dar señales de vida, la esposa japonesa lo espera día tras día con el hijo que tuvo de él. Un día, mediante el cónsul norteamericano, recibe una carta de despedida de Pinkerton. Luego, cuando el oficial norteamericano llega acompañado de su nueva esposa, Cho-Cho-San le entrega al hijo y después se suicida.

Addio fiorito asil (Adiós florido refugio) es una romanza entonada por Pinkerton que Puccini incluyó en la tercera parte de la versión estrenada en Brescia. El dúo Bimba dagli

occhi (Niña de los ojos), cantado por Pinkerton y Cho-Cho-San corresponde al primer acto, al momento de la acción en que un bonzo interrumpe la celebración del matrimonio, denuncia a Cho-Cho-San por haber abandonado su fe e induce a los presentes a que la repudien.

Entonces Pinkerton intenta consolar a su joven esposa japonesa a la que luego abandonará.

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la frase “Vittorio Emanuele Rè d’Italia”. Verdi murió en Milán el 27 de enero de 1901.

Dejó como legado numerosas óperas, canciones, un cuarteto de cuerdas y música sacra.

Temas como ‘La donna è mobile’, de Rigoletto, ‘Va, pensiero’, de Nabucco, ‘Libiamo ne’ lieti calici’, de La traviata y la ópera Aida son parte del repertorio operístico más popular.

Giuseppe

VERDI

(1813 – 1901)

GIUSEPPE VERDI nació el 10 de octubre de 1813 en una familia humilde de Le Roncole, localidad del ducado de Parma (Italia), por entonces perteneciente al Imperio de Napoleón.

Apoyado por el mecenas Antonio Barezzi estudió composición en Busseto. En 1832 postuló infructuosamente al Conservatorio de Milán.

Fue discípulo de Vicenzo Lavigna, director del Teatro alla Scala de Milán, donde luego estrenó su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio (1839). Poco después presentó en dicho teatro su primera obra cómica, Un giorno di regno (1840), la que no alcanzó acogida del público, quizás porque en esos años el gusto había cambiado y se prefería el melodrama sentimental o patriótico. El libreto es de Felice Romani y se basa en la historia del rey polaco Stanislao Leszczynski. El fracaso de esta ópera se sumó al doloroso suceso de la muerte de Margarita, la esposa de Verdi, y de dos hijos.

Esto lo llevó al borde de dejar la composición.

No obstante, Verdi era un ardiente nacionalista y vivió intensamente la causa de la independencia y la unificación de Italia. Ello le dio impulso para crear su exitosa ópera Nabucco (1842). En adelante, sus obras adquirieron especial resonancia entre los italianos: se aclamaba al rey que encarnaba la ansiada unidad de la patria con el grito “Viva Verdi”, pues el apellido de Giuseppe se volvió un acrónimo de

Su última ópera, Falstaff, estrenada en La Scala en 1893, marcó su vuelta a la comedia, en la cual logró una obra maestra.

La forza del destino, ópera trágica en cuatro actos con libreto de Francesco Piave basado en la obra Don Álvaro, o La fuerza del sino de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas, se estrenó con poca acogida en octubre de 1862, en el Teatro Imperial de San Petersburgo. Una versión revisada que incluía textos adicionales de Antonio Ghislanzoni se presentó en febrero de 1869 en el Teatro alla Scala de Milán.

La obertura pertenece a la versión de 1869, pues la anterior se iniciaba con un breve preludio. Esta pieza sinfónica se inicia con la participación de los vientos: tocan en dinámica forte y al unísono tres notas que se han identificado con “el motivo del destino”. A lo largo de la pieza se van alternando secciones en ritmos y tiempos diversos a modo de un popurrí formado por temas que luego se presentarán en pasajes de los distintos actos de la ópera. Al respecto, Michel Parouty dice lo siguiente: “Toda la potencia dramática de esta página proviene de la disposición y de los contrastes entre los diferentes motivos, de las variaciones de ritmo, de melodía y de orquestación que ellos experimentan, así como de la contraposición de tonalidades menores (mi particularmente) y mayores, – hasta los acordes marciales que indican el triunfo del Destino”.1 La Traviata, ópera en tres actos con libreto de Francesco Maria Piave basado en La dama de 1 En Guide de la musique symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986. p. 826.

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las camelias de Alexandre Dumas, hijo, se estrenó en marzo de 1853 en el Teatro La Fenice de Venecia. Por la intervención de los censores venecianos la obra debió cambiar de nombre: inicialmente se previó el título de Amore e morte. Asimismo, la acción del drama se tuvo que desplazar hacia inicios del siglo XVIII en lugar de la época de la composición (mediados del siglo XIX).

Esta obra presenta la historia de un amor imposible entre una cortesana llamada Violetta y el joven Alfredo Germont. El acto primero transcurre en una alegre fiesta en el salón de la casa de Violetta en un día de verano. En la escena quinta y final de tal acto, cuando ella queda sola, sorprendida por el toque del amor entona el recitativo È strano… (Es extraño), seguido del aria Ah, fors’è lui (¡Ah! tal vez es él).

Luego de un nuevo recitativo, Follie (Locuras), el acto se cierra con la famosa y brillante cabaletta Sempre libera (Siempre libre).

En el segundo acto, escena primera, Alfredo enamorado interpreta el recitativo Lunge da lei (Lejos de ella) y el aria De’ miei bollenti spiriti (De mis hirvientes espíritus). En el tercer acto, el final, en el que Violetta aparece gravemente enferma, en la escena sexta los amantes cantan en dúo Parigi, o cara (caro), noi lasceremo (París, oh querida (o), dejaremos). Por un momento la pareja que se ha reencontrado alberga la vana ilusión de que Violetta recupere la salud para irse a vivir fuera de la capital francesa. Pronto la muerte de la enferma cortará tal esperanza.

Rigoletto, melodrama en tres actos de Giuseppe Verdi con libreto de Francesco Maria Piave basado en El rey se divierte de Víctor Hugo, se estrenó en marzo de 1851 en el Teatro La Fenice de Venecia. La acción de la ópera transcurre en las cercanías de la ciudad de Mantua durante el siglo XVI. Rigoletto es un jorobado bufón de la corte ducal de dicha ciudad. Él se ha ganado la antipatía de varios cortesanos y el mismo duque engaña a Gilda, la hija de Rigoletto, haciéndose pasar por un pobre estudiante que se ha enamorado de ella. En el acto

primero, escena duodécima de esta tragedia, el duque, que ha adoptado una falsa identidad y Gilda interpretan el dúo Addio! Speranza ed anima sol tu sarai per me (¡Adiós! Esperanza y alma solo tú serás para mí). En los actos siguientes de esta obra cargada de espíritu de venganza, intrigas y maldiciones, se suceden acontecimientos que conducen a un final desgraciado. Verdi pensó por un tiempo usar el nombre La maldición para designar a esta tragedia.

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recibió lecciones de Anton Rubinstein. 1865 fue un año especial para el músico: se produjo la primera presentación pública de una obra suya (Danzas características), debutó como director de orquesta en la interpretación de su Obertura en fa mayor y se graduó en el Conservatorio.

Piotr Ilich

CHAIKOVSKI (1840 – 1893)

P. I. Chaikovski nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, pequeña ciudad rusa ubicada en la zona de los Urales, en la actual República de Udmurtia integrada a Rusia. Este importante compositor perteneció a una familia acomodada con antepasados de diversas nacionalidades (alemanes, franceses, polaco-ucranianos).

Desde pequeño mostró interés y habilidad para la música. A los 7 años inició sus lecciones de piano y a los 10 empezó su labor como creador.

En 1850 sus padres lo enviaron a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo a fin de que se preparara para ser funcionario y, como consecuencia de ello, en 1859 asumió labores en el Ministerio de Justicia. Sin embargo, en 1863 dejó el puesto para dedicarse más a la música, a la que no había abandonado totalmente durante los años anteriores, pues luego de la muerte de su madre (1854) y de las repercusiones traumáticas que ello generó, su padre asumió el costo de las clases privadas de piano que tomó con Rudolph Kündingen. En 1861 se convirtió en discípulo de armonía de Nikolai Zaremba en la Sociedad Musical Rusa. Poco después ingresó al recién abierto Conservatorio de San Petersburgo. Allí

La vida sentimental del músico fue complicada y poco feliz, lo que dejó profunda huella en su personalidad y su obra. En 1877, tras una larga travesía por Europa, contrajo matrimonio con su antigua estudiante Antonina Miliukova.

La pareja se disolvió en menos de un año, lo que llevó al compositor a una crisis emocional y a una estancia en Suiza. Mientras su reputación crecía, las interpretaciones de sus obras se multiplicaron, especialmente cuando empezó a dirigirlas él mismo, a mediados de la década de 1880.

Poco antes de su trágica muerte, producida en 1893 en San Petersburgo, concluyó la composición de su sexta sinfonía conocida como Patética. A lo largo de su vida cultivó con éxito diversos géneros de la creación musical: sinfonías y otras composiciones para orquesta, varias óperas, tres importantes ballets, conciertos para piano y orquesta, un concierto para violín y orquesta, obras de música incidental, obras corales, canciones (más de un centenar), piezas para piano, algunas piezas para conjuntos de cámara, etc.

La suite Cascanueces, op. 71 a, se estrenó en San Petersburgo el 7 de marzo de 1892, tiempo antes de la presentación del ballet completo. El propio autor dirigió la orquesta en la referida fecha. Esta obra comprende ocho piezas encabezadas por una Obertura en miniatura cuyo tratamiento musical sirve para crear la atmósfera propia de un cuento de hadas. La pieza, en ritmo de 2/4 y tonalidad de si bemol mayor, está compuesta en tempo Allegro giusto. A lo largo de sus 182 compases se alternan pasajes ligeros y otros de carácter más dulce y cantable. Si bien predomina

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la dinámica suave (pianissimo, piano), hay momentos en los que asoman pasajes en forte, e incluso en fortissimo.

A continuación aparecen seis Danzas características: Marcha, Danza del hada de azúcar, Trepak (Danza rusa), Danza árabe, Danza china y Danza de las flautillas. La Marcha, en compás de 4/4 y tonalidad de sol mayor se despliega vivaz a lo largo de 88 compases cargados de gracia y buen humor. La danza del hada de azúcar se inicia en dinámica pianissimo con un acompañamiento de octavas y acordes alternados que preparan la entrada de la melodía, en el quinto compás. En esta breve pieza en ritmo de 2/4, tempo Andante ma non troppo y tonalidad de mi menor, destaca la participación de la celesta con su delicada sonoridad, la que contrasta con breves intervenciones “voluntariamente grotescas del clarinete y del clarinete bajo”, según anota André Lischké1. Trepak. Danza rusa, en compás de 2/4 y tonalidad de sol mayor, es una pieza muy vivaz. Su carácter vertiginoso y potente se acentúa en el tramo final de la pieza: a partir del compás 69 se va haciendo cada vez más rápida hasta llegar a un prestissimo que abarca los compases finales (del 81 al 84), los cuales terminan en dinámica triple forte. En contraste, la Danza árabe, en ritmo de 3/8 y tonalidad de sol menor, es una pieza delicada y nostálgica. Sobre el fondo de un acompañamiento regular y constante de semicorcheas flota una melodía muy expresiva con aire cantable en la cual asoman frecuentes adornos arabescos. Esta página culmina con un prolongado acorde que se extiende por seis compases con el acompañamiento que se va apagando hasta llegar a un cuádruple piano.

La Danza china, en ritmo de 4/4, tonalidad de si bemol mayor y tempo Allegro moderato, es una vivaz y breve composición cargada de humor en sus escasos 32 compases. Cierra la serie de Danzas características la Danza de las flautillas, en compás de 2/4 y tonalidad de 1 En Guide de la musique symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986. p. 798.

re mayor. En esta composición de tiempo moderado destaca en un inicio la intervención de las flautas y el corno inglés. Más adelante, en la parte central se hace notable la presencia de los instrumentos de viento de metal y de un acompañamiento en ritmo punteado. Después de 17 compases en ese ritmo, un par de compases de transición devuelven al material musical del inicio.

Después de las Danzas características, la Suite Cascanueces se cierra con el Vals de las Flores, una larga y hermosa pieza en compás de 3/4 y tonalidad de re mayor. Luego de una extensa introducción de 33 compases, en los que se anuncia en forma entrecortada el conocido tema del vals y se incluye una cadenza cargada de arpegios, cuatro compases en pianissimo presentan el acompañamiento sobre el cual luego los cornos entonan dulcemente el canto esbozado de modo entrecortado en el comienzo de la pieza. Más adelante, aparecen nuevos temas que crean contrastes emotivos.

Un breve pasaje en pianissimo devuelve al hermoso material musical del primer tema al que sigue una potente parte final que cierra en dinámica fortissimo y de modo brillante el vals y el conjunto de la suite.

CARLOS GATTI MURRIEL Profesor del Departamento de Humanidades de la Universidad del Pacífico y del Departamento de Humanidades de la PUCP.

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Director: Benoît Fromanger Soprano: Joanna Woś Tenor: Tadeusz Szlenkier

VIOLINES I Gabriel Gheorghe – concertino Annemarie Ene – Solista/asistente del concertino Andrei Dragoescu Roxana Cioran Madalina Cioran Ana Maria Tanase Stelian Nemtanu Cristina Sinmartinean Alexandru Marton Stefan Baditescu Elisabeta Nedelciu VIOLINES II Alexandra Rogalski - Solista/Principal Oana Visenescu - Solista, Asistente del Principal Monica Georgescu Alexandra Dragomir Eugen Ionescu Cristina Dobrescu-Bazgan Avadhud Kasinadhuni Nicoleta Petre Alice Muller VIOLAS Emanuel Vots- Solista /Principal Cosmina Stinga - Solista, Asistente del Principal Lucian Moraru Adeline Penescu Elena Urdea Alexandra Toader Daniel Vots CHELOS Alexandru Dutulescu –Solista /Principal Rodin Moldovan - Solista, Asistente del Principal Catalin Pasol Andreea Timiras Alexandra Pascaru CONTRABAJOS Marius Baran - Solista Vlad Silaev - Solista, Asistente del Principal Iustin Carp

CORNO INGLÉS Daniel Guti CLARINETES Emil Visenescu - Solista Ciprian Melente FAGOTS Cezar Moscalu - Solista Alexandru Duda CORNOS Liviu Savuta - Solista Mihai Adetu Ciprian Popa Dumitrache Dumitru TROMPETAS Marius Suciu - Solista Alexandru Mavroean TROMBONES Catalin Bucerzan - Solista Emanuel Rogerio Dombi Fabian Denes TUBA Andrei Gherhes – Solista PERCUSIÓN Cristian Balea - Solo Timpani Dan Cristian Teodorescu Cezar Sinmartinean Grigore Baleanu ARPA/CELESTA Iuliana Bolgari - Solista

Bajo el Alto Patrocinio de Embajada de Rumania

FLAUTAS Catalin Opritoiu - Solista Adrian Buciu Oana Leonte OBOES Cristina Ordean - Solista Marius Miu

Posible con la ayuda de

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