Imagen y animación digital silvia f g 2

IMAGEN Y ANIMACIÓN DIGITAL Silvia Fernanda Hernández Montes de Oca. “Arte Digital” Grupo: 2

Siempre es mejor luchar y nunca darse por vencido…

PRESENTACIÓN

El libro es principalmente una forma de documentación por parte de la materia llevada en la Facultad de Artes “Imagen y Animación Digital”, en su contenido lleva una recopilación de la información de distintos textos de páginas encontradas en internet, por lo tanto, cabe señalar que el nombre de la persona que lo presenta no es del todo el autor del mismo.

El campo de la animación desde sus orígenes hasta el día de hoy ha tenido diversas variantes en las cuales influyen los instrumentos, las técnicas y por supuesto el tiempo en el que se desarrolla.

Este libro contiene una pequeña parte de la gran información que existe acerca de los principales instrumentos, técnicas y pioneros que surgieron y que siguen surgiendo en éste amplio mundo de la animación.

También posee un apartado donde la persona que presenta el libro ha desarrollado la creación de un personaje, añadiendo un estudio del mismo para una mejor interpretación.

Como estudiantes de la carrera de Arte y Animación Digital es necesario conocer el origen y desarrollo de la animación ya que por medio de esto se abre un mundo de posibilidades para poder llevar a cabo de una manera creativa y correcta el proceso que tiene como fin el darle “vida” a un personaje.

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FLIP BOOK Definición: Un folioscopio o flip book es un libro que contiene una serie de imágenes que varían

gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones.

Historia El primer folioscopio apareció en septiembre de 1868, cuando fue patentado por John Barnes Linnet con el nombre de kineógrafo (cineógrafo etimológicamente imagen en movimiento). Fue la primera forma de animación que empleó una secuencia lineal de imágenes en lugar de circular (el viejo fenaquistiscopio). El pionero de cine alemán Max Skladanowsky, exhibió por primera vez sus imágenes fotográficas en serie en forma de folioscopio en 1894, mientras que él y su hermano Emil no desarrollaron su propio proyector de cine hasta el año siguiente.

Experiencia en clase Considero que dentro de los aspectos más importantes durante la creacion del flip book están los siguientes: 

Numero de cuadros por segundo: El profesor nos explicó que el número de cuadros o keyframes mínimo por segundo es de 8, en las películas se manejan entre 24 y 30 imágenes por segundo lo cual nos resulta dificil realizar por el momento. Esto es muy importante, ya que de esto dependerá si es que tu objeto realmente tiene el carácter de animado.

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La planeación del tema: Antes de comenzar a dibujar debes tomar en cuenta de que tu animación contenga los elementos esenciales dentro de una historia, los cuales son: presentación, desarrollo y clímax o conclusión.

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Planeación de la secuencia de la animación: Es muy importante que antes de que comiences a trabajar planees la secuencia del movimiento del personaje, así como la distribución correcta de los cuadros disponibles de acuerdo al tiempo que deseas manejar.

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Características del objeto a animar: (lento, rápido)si se quiere crear el efecto de que la acción se lleva a cabo rápidamente deberás dejar mas espacio en cada secuencia y por el contrario, es decir, cuando el movimiento sea lento éste deberá tener más secuencias; (movimiento realista) en este aspecto es esencial que tengas muy buena observación para dibujar correctamente la secuencia de un movimiento.

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PRINCIPALES APARATOS DE LA ANIMACIÓN LA CAMARA OSCURA En el siglo XVI, se descubre el fenómeno de la cámara oscura, según el cual si en una de las caras de una caja cerrada se hace un orificio, en la cara opuesta se forma la imagen de los objetos situados fuera de la caja, próximos a la abertura.

LA LINTERNA MÁGICA Atanasio Kircher, un siglo después, basándose en la cámara oscura inventa la Linterna Mágica, esta funcionaba en forma exactamente contraria a como lo hacía su precursora, en este caso, se hacía un dibujo sobre la cara opuesta a la que presentaba el orificio iluminando ese dibujo por atrás, la imagen era proyectada sobre una superficie plana (una pantalla) colocada delante del orificio, que ya se encontraba provisto de una lente.Los feriantes, con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares y llenar sus bolsillos también, viajaban con sus linternas dejando asombrados a los espectadores, sobre todo cuando utilizaban dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.

EL FENAQUITISCOPIO 200 Otoños mas tarde en 1824 Peter Roget Publica su investigación sobre “la persistencia de la visión respecto de los objetos en movimiento”, pero no profundizaremos en Peter Roget, si no en los amigos Plateau y Ritter que basándose en su investigación presentaron el Fenaquitiscopio, este invento daba una ilusión de movimiento mediante dos discos giratorios, uno de los discos contenía dibujos y el otro pequeñas ranuras por las cuales se divisaban las imágenes.

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EL ZOOTROPO Salteando muchos inventos con la misma naturaleza que aprovechaban la persistencia de las imágenes en la retina llegamos al Zootropo inventado en 1834 por George Horner, que es un cilindro metálico o de cartón hueco, de unos veinte centímetros de diámetro, que gira alrededor de un eje vertical y en cuya superficie lleva una serie de ranuras verticales a través de las cuales se miran los dibujos que hay en el interior. Al girar a gran velocidad, se perciben los objetos en movimiento.

EL PRAXINOSCOPIO Tomando la invención de Horner (el zootropo), en el año 1877 un francés mitad científico mitad feriante, Emili Reynaud, perfecciona el zootropo, creando el praxinoscopio: agregó un tambor de espejos que lograba eliminar las interrupciones de la visión que sucedían cuando las imágenes cambiaban de posición y se interrumpía el paso de la luz por las ranuras que contenía el zootropo.Tiempo más tarde mejorando su praxinoscopio, en el año 1892, crea el Teatro Óptico, que uso para proyectar dibujos sobre una pantalla de gelatina transparente. A su vez cambio losa dibujos individuales por secuencias de imágenes sobre cintas perforadas.Eh aquí el coronado, a quien se le atribuye la paternidad de este medio, por ser el primero en conseguir que las imágenes se proyecten en buenas condiciones (anticipándose así en muchos aspectos a la mecánica del cinematógrafo), sumada a la proyección de movimientos no cíclicos y conjugando el espectáculo con el drama.

EL KINETOSCOPIO

También Edison por estos tiempos realizó inventos, o mejor dicho , patentó inventos, con los principios que los aparatos anteriores: el kinetoscopio, este permitía únicamente la contemplación individual de la película, a través de la mirilla de un aparato que en un sinfín contenía la totalidad de la misma. El cual proyectaba 50 pies de film en aproximadamente 13 segundos.

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PROYECTOR CINEMATOGRÁFICO

Un proyector cinematográfico es un dispositivo opto-mecánico empleado para mostrar películas al proyectarlas en una pantalla. La mayoría de los componentes ópticos y mecánicos, excepto los concernientes a la iluminación y al sonido, están también presentes en las cámaras cinematográficas.

La máquina proyecta, a intervalos regulares de pocas centésimas de segundo, un haz de luz sobre los fotogramas de una película; ese haz de luz viene aumentado e invertido por una lente que enfoca la imagen resultante sobre una pantalla.

El cinematógrafo fue patentado en febrero de 1894 por los hermanos Lumière y las primeras exhibiciones públicas se realizaron en 1895. En la actualidad existen "proyectores cinematográficos digitales" que proyectan una imagen generada por medios digitales, sin hacer uso de una película, pero sí del haz de luz y de las lentes.

El profesor de matemática Francisco David Bordón Franco aduce que, de acuerdo con la teoría de la persistencia retiniana, el proceso perceptual del cerebro y la retina del ojo humano retiene una imagen durante un breve lapso de tiempo. Esta teoría es la explicación de la ilusión de movimiento que se produce cuando una serie de imágenes se muestran en rápida sucesión, en lugar de percibir cada imagen individual de la serie.

La persistencia de la visión debería compararse con el fenómeno relacionado del Movimiento beta y el Fenómeno phi. Una parte crítica de la comprensión del fenómeno de la percepción visual es que el ojo no es una cámara, es decir, que no hay "imágenes por segundo" en el ojo. En lugar de eso, el sistema ojo/cerebro tiene una combinación de detectores de movimiento, detectores de detalle y detectores de patrones, cuyos resultados se combinan para crear la experiencia visual.

La frecuencia a la que el cambio de imágenes se vuelve invisible depende del nivel de iluminación. Generalmente, 16 imágenes por segundo (o, del inglés, frames por segundo: fps) se considera la frecuencia más baja a la que el movimiento continuo es percibido por los humanos. (Es interesante destacar que este umbral varía entre las diferentes especies; una proporción mayor de bastones en la retína tienen como consecuencia una frecuencia umbral mayor).

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TÉCNICAS DE ANIMACIÓN STOP MOTION

A la «animación en volumen» se la conoce también con los términos «animación fotograma por fotograma», «animación cuadro por cuadro», «parada de imagen», «paso de manivela» o «animación foto a foto». En los últimos años también se ha popularizado su nombre en inglés: stop motion. En ella no se animan dibujos o imágenes planas sino objetos estáticos e inmóviles colocados delante de una cámara.

Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando fotogramas: en cada fotograma se ha movido ligeramente el objeto y en cada nuevo cambio de posición debe haberse siempre orientado el objeto en una cierta dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores, guardando, en la medida de lo posible, la mayor continuidad lógica del movimiento que se quiere imitar. Más tarde, al reproducir los fotogramas uno detrás de otro, como se hace de hecho con cualquier proyección cinematográfica obtenida mediante filmación real, la proyección en pantalla crea la ilusión óptica de que el objeto se mueve por sí mismo. Se puede animar de este modo cualquier objeto tridimensional pero en general se animan muñecos (en general dotados de un esqueleto metálico interno articulado, como los muñecos de dinosaurios utilizados en el documental de televisión Dinosaurios), marionetas, figuras de plastilina (como los gatos de la serie italiana Mio Mao) u otros materiales. También suelen animarse maquetas de modelos a escala (como los gigantescos vehículos cuadrúpedos AT-AT de El Imperio contraataca, que en realidad fueron realizados mediante modelos a escala, o el robot ED-209 de RoboCop).

Por otro lado la animación en volumen tiene un realismo fotográfico completamente ausente en un dibujo animado. La animación con plastilina puede hacerse al «estilo libre», cuando no hay una figura definida sino que las figuras se van transformando en el progreso de la animación (como lo hacen los gatos Mio y Mao en la serie italiana Mio Mao); o puede orientarse a personajes, que mantienen una figura constante en el transcurso de la película.

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GO MOTION La animación en go motion es una variante de la animación en stop motion. Inventado por Phil Tippett para la película de 1980 El Imperio contraataca el go motion consiste en obtener cada fotograma mientras se sacude ligeramente el o una parte del objeto fotografiado. El efecto borroso resultante sobre las partes en movimiento (en inglés, el blur, la borrosidad) aumenta de este modo la sensación de realismo en la animación resultante. En las filmaciones realizadas en tiempo real, cuando un objeto es más rápido que la velocidad de obturación de la cámara, el objeto aparece borroso en algunos fotogramas, a pesar de que la proyección de la película sea de un realsimo impecable, y este es el efecto buscado por la técnica de animación por go motion.

PIXILACIÓN Es una variante del stop motion, en la que los objetos animados son personas y auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren popularizó esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours pero ya en 1908 el aragonés Segundo de Chomón utilizaba en su obra Hotel eléctrico la misma técnica para animar objetos. Es ampliamente utilizada en los video clips.

ROTOSCOPIA La rotoscopia es una técnica de animación que recurre a una máquina llamada rotoscopio. El rotoscopio tiene una placa de vidrio sobre la que se pueden colocar láminas transparentes (llamadas cels [en] en inglés). Debajo, un proyector ilumina el fotograma de una filmación realizada en tiempo real y en imagen real. De este modo se puede dibujar el contorno de los objetos filmados calcando a través de la transparecia resultante. Koko the Clown, del estudio Fleischer estaba animado con rotoscopía. Se especula que en Blancanieves de Walt Disney se utilizó rotoscopía, pero los artistas sólo usaban modelos de acción real como referencias, no se dibujaba encima del material filmado.En animación por computadora la técnica análoga a la rotoscopia es la técnica por captura de movimiento.

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ANIMACIÓN DE RECORTES Más conocido en inglés como cutout animation, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus partes. Moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al personaje.

ANIMACIÓN POR COMPUTADORA La animación por computadora (también llamada animación digital, animación informática o animación por ordenador) es la técnica que consiste en crear imágenes en movimiento mediante el uso de ordenadores o computadoras. Cada vez más los gráficos creados son en 3D, aunque los gráficos en 2D todavía se siguen usando ampliamente para conexiones lentas y aplicaciones en tiempo real que necesitan renderizar rápido. Algunas veces el objetivo de la animación es la computación en sí misma, otras puede ser otro medio, como una película. Los diseños se elaboran con la ayuda de programas de diseño, modelado y por último renderizado. En la animación, sin embargo, las imágenes no se toman sino que se producen individualmente, y por ello no tienen que cumplir necesariamente con el estándar del cine. Una película de animación tiene siempre 24 fotogramas por segundo, pero no necesariamente todos esos fotogramas muestran imágenes diferentes: en la animación, las imágenes suelen repetirse en varios fotogramas.

Así pues, tenemos varias tasas de animación: 

En unos: cada imagen es diferente, sin repetición. 24 imágenes por segundo, 1 imagen cada fotograma.

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En doses: cada imagen se repite dos veces. 12 imágenes por segundo, 1 imagen cada 2 fotogramas.

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En treses: cada imagen se repite tres veces. 8 imágenes por segundo, 1 imagen cada 3 fotogramas.



Gracias a nuevas tecnologías surgen otros estándares. Por ejemplo, en oriente, donde hay capacidad de reproducir 30 fotogramas por segundo, se pueden encontrar animaciones en las que los fotogramas se repiten tres veces, suponiendo un ahorro en el número de dibujos a la larga sin que el espectador perciba la diferencia.

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Animación completa es cuando se anima en unos o en doses. Es el estándar de la animación estadounidense para salas de cine, principalmente las películas de Walt Disney, y también los largometrajes europeos. Generalmente, se animan las escenas con muchos movimientos rápidos en unos, y el resto en doses (la pérdida de calidad es imperceptible).

Animación limitada es cuando se anima en una tasa inferior. El estándar del anime o animación japonesa es en treses. La pérdida de calidad ya es perceptible si se es observador. El concepto de animación limitada también afecta a otros aspectos diferentes de la tasa. Por ejemplo, es animación limitada cuando se repiten ciclos: pensemos en Pedro Picapiedra corriendo mientras al fondo aparecen una y otra vez las mismas casas en el mismo orden.

Hay que tener en cuenta que diferentes elementos de la imagen (un personaje, otro personaje, un objeto móvil, un plano del fondo, otro plano del fondo) se animan por separado, y que por tanto dentro de la misma escena puede haber elementos con diferentes tasas de animación.

Se puede considerar el aporte de la tecnología informática en dos campos: como herramienta de creación y como medio de representación.

Para las animaciones dibujadas o pintadas a mano hay programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios. Cabe recordar que se necesita una gran cantidad de éstos para dar la sensación de movimiento. En las animaciones hechas con gráficos vectoriales y con modelos tridimensionales el programa mismo calcula la transformación (interpola) de una pose a otra.

Diversos formatos de archivo permiten representar animación en una computadora, y a través de Internet. Entre los más conocidos están SWF, GIF, MNG y SVG. El archivo puede contener una secuencia de cuadros, como gráficos rasterizados (o la diferencia entre un cuadro y el anterior), o puede contener la definición de trazos y sus deformaciones en el tiempo, en un formato vectorial. Hay formatos de archivo específicos para animaciones, y también se utilizan formatos genéricos que pueden contener diversos tipos de multimedios.

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3.-GRANDES AUTORES EN EL SURGIMIENTO DE LA ANIMACIÓN EADWEARD MUYBRIDGE (Edward James Muggeridge, 1830-1904) Fotógrafo inglés. Entre 1870 y 1914 la investigación fotográfica viró, fundamentalmente, hacia el

registro del movimiento. Se trataba de reducir al máximo el tiempo de exposición a fin de aproximarse a la instantánea, susceptible de revelar la estructura de un cuerpo en movimiento.

En este sentido, las primeras respuestas las aportaría Muybridge, quien estaba intentando probar con ayuda de la instantánea que, en un determinado momento del trote del caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que contradecía años de representación pictórica. ..

El caballo en movimiento (1878) En 1882 Muybridge apareció ante una sesión especial de la Royal Institution de Londres proyectando con ayuda del zoopraxiscopio una serie de fotografías que daban la sensación de movimiento continuo.

Después de ello vio con asombro como sus imágenes aparecían en varias publicaciones en las que no sólo se reproducían las tomas sino que se analizaban. En 1885 terminó su trabajo y, en 1887, lo publicó bajo el título “Animal Locomotion, an Electro-Photographic Investigation of Censecutive Phases of animal Movements”, obra muy bien acogida por artistas y hombres de ciencia. En 1901 se publicó en Londres una edición reducida titulada “The Human figure in Motion”. Las fotografías tenían por objeto principal servir de bocetos a los artistas. Eran como un inmenso atlas de la locomoción humana y animal: 781 placas con más de 20.000 figuras, en casi todas las fases del movimiento.

Para dicha publicación se utilizaron fotografías tomadas entre 1882 y 1885 y hasta veinticuatro cámaras fotográficas para las vistas laterales, mientras que otras fueron situadas y articuladas por medios de ingeniosos cronométricos de modo que se podía sacar simultáneamente cada serie desde distintos puntos de vista. El intervalo y los tiempos de exposición estaban escrupulosamente anotados en el catálogo. Así pues, el proyecto estaba cuidadosamente preparado de forma que constituyera una amplia muestra visual representativa de la sociedad en movimiento. En la preparación de las fotografías se impusieron rigurosas condiciones de laboratorio: cada juego de fotografías se sacaba ante un gran telón de fondo cuadriculado y numerado con el fin de calcular a posteriori tanto las distancias laterales como las verticales a través de las cuales se movían los modelos.

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2.-PERSISTENCIA RETINIANA La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Joseph Plateau que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas poer segundo).

La percepción del movimiento aparente, esto es, la que se obtiene a partir de la observación de secuencias de imágenes estáticas como las que se proyectan sucesivamente en una pantalla de cine o en un televisor o en un monitor de computador se explica debido al procesamiento que hace el cerebro de las señales eléctricas provenientes de la retina las cuales a su vez son transmitidas mediante el nervio óptico al núcleo geniculado lateral y luego a otras zonas del cerebro para hacer procesamientos.

A pesar de la gran cantidad de evidencia empírica acopiada durante el último siglo de investigaciones en neurología y en neurofisiología de la percepción, algunas personas no familiarizadas con los hallazgos científicos todavía atribuyen, erróneamente, a la persistencia retiniana la explicación de la percepción de movimiento aparente como resultado de la observación de secuencias de imágenes estáticas.

Sin embargo el ojo opera de formas distintas dado que a diferencia de las cámaras de cine o video no tiene una cadencia o velocidad de cuadros ni un promedio de escaneo de líneas. En realidad el complejo sistema visual se basa en detectores de movimiento, de detalles y de patrones; los cuales una vez procesados dan como resultado la experiencia visual, la cual está orientada fundamentalmente por la búsqueda activa de sentido y explicaciones del mundo.

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ÉMILE REYNAUD

Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918) fue un inventor y pionero del cine de animaciónfrancés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre deThéâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento. Émile Reynaud se inicia en el conocimiento de la mecánica de precisión en el taller de su padre, que era relojero, y aprende a dibujar y apintar con su madre, que era acuarelista.

Estudió ingeniería y fue profesor de Mecánica y Física en Le Puy-en-Velay.

Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio-Teatro».

A partir de 1896, Reynaud incluyó una película cinematográfica dirigida por él mismo, Guillaume Tell (Guillermo Tell), interpretada por los payasos Foottit y Chocolat. En julio de 1897 incluye en su programa una nueva película, de fotografía animada, dirigida también por él, Le premier cigare, interpretada por el actor cómico Galipaux. En 1899 comenzó a combinar sus propias bandas animadas con Actualidades Gaumont, un noticiero cinematográfico.

Poco a poco las ingenuas historietas animadas de Reynaud dejaron de interesar al público en favor del cine fotografiado, por lo que cayó en el olvido ya en 1900 y acabó en la miseria. Tras destrozar con un martillo las delicadas maquinarias de su Teatro Óptico y arrojar la mayoría de sus películas alSena una noche de enero de 1910, a consecuencia de una fuerte depresión, Émile Reynaud, el creador del dibujo animado, morirá en 1918 en unmanicomio de Ivry-sur-Seine sumido en la indigencia.

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Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una

bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios.

El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

A partir de 1896, Reynaud incluyó una película cinematográfica dirigida por él mismo, Guillaume Tell (Guillermo Tell), interpretada por los payasos Foottit y Chocolat. En julio de 1897 incluye en su programa una nueva película, de fotografía animada, dirigida también por él, Le premier cigare, interpretada por el actor cómico Galipaux. En 1899 comenzó a combinar sus propias bandas animadas con Actualidades Gaumont, un noticiero cinematográfico.

Poco a poco las ingenuas historietas animadas de Reynaud dejaron de interesar al público en favor del cine fotografiado, por lo que cayó en el olvido ya en 1900 y acabó en la miseria. Tras destrozar con un martillo las delicadas maquinarias de su Teatro Óptico y arrojar la mayoría de sus películas alSena una noche de enero de 1910, a consecuencia de una fuerte depresión, Émile Reynaud, el creador del dibujo animado, morirá en 1918 en unmanicomio de Ivry-surSeine sumido en la indigencia.

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GEORGES MÉLIÈS Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Teatro Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 combinó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe. Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.

Cine Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los

Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, Méliès queda impresionado y su inagotable mente que, siempre está maquinando ideas, hace que lance una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul, y en abril de 1896 ya se halla realizando proyecciones en su teatro. Su deseo por crear sus propias películas le lleva a transformar el artilugio de Paul en una cámara con la que rueda su primer filme Partida de naipes. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.

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Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.

En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

Retiro De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil. En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.

Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria. En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.

Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas. Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.

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ÉMILE COHL

Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.

También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista.Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.

JAMES STUART BLACKTON

James Start Blackton ( * 5 de agosto de 1875 - † 13 de agosto de 1941) fue un productor de películas mudas. Es considerado el padre de laanimación estadounidense.

Nació en Sheffield, Inglaterra, en 1875. Cuando tenía 10 años, Blackton y su familia emigraron a Nueva York. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Reader, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica.

Blackton y Smith produjeron el campo del cine de animación, en la que aparece el propio Blackton en campo dibujando sobre un papel el rostro de un hombre de gesto cómico, junto a una botella y un vaso con el que el dibujante se sirve algunas copas mientras el hombre dibujando se va enfadando. El acto de Blackton consistía en "bosquejos de relámpago". El acto no juntó mucho dinero y el trío se separó para tener trabajos regulares.

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RICHARD WILLIAMS Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que ejercía la película de Disney Aladdín.

Completion Bond completó la animación en Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert. La creación de Calvert fue distribuida en 1994 como The Princess and the Cobbler. Miramax luego adquirió los derechos del proyecto para poder escribir y animar nuevamente la película, agregando diálogos y nueva música. El producto de Miramax fue estrenado en 1995 bajo el título Arabian Knight. En 2006, un seguidor del trabajo de Williams creó un DVD que incluía la versión original, incluyendo en las partes sin finalizar, dibujos e incluso partes del storyboard.

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WINSOR McCAY

Winsor McCay fue uno de los historietistas más importantes de la historia, así como un pionero en la animación y en la comercialización de su obra a través de otros medios. Trabajó tanto la viñeta satírica (political cartoon, desde 1903) como la historieta cómica, especializándose en el slapstick o comedia alocada, de lo que ya daba lecciones en su obra temprana A Tale of the Jungle Imps by Felix Fiddle (1903), destinada a las páginas del diario Cincinnati Enquirer. Entre 1903 y 1911, trasladado a Nueva York, creó un buen montón de personajes y series, las tituladas: Dull Care, Poor Jake, The Man from Montclair, The Faithful Employee, Mr. Bosh, A Pilgrim’s Progress, Midsummer Daydreams y It’s Nice to be Married, para las páginas del entonces importante rotativo New York Herald, obras que supervisó el editor James Gordon Bennett. En 1904 creó un singular personaje que rompía con los esquemas tradicionales de la historieta cómica, pues trascendía los márgenes de las viñetas en ocasiones: Little Sammy Sneeze (para el Herald en 1904); también creó la serie Hungry Henrietta (1905) y ese mismo año abordó otra creación mucho más ambiciosa.

Fue el 15 de octubre de aquel año, cuando el más famoso niño de los cómics, con permiso de Charlie Brown, vio la luz: Little Nemo in Slumberland, que debutó en el Sunday Herald.

Sus últimas películas están datadas en 1924. Ese mismo año retornó a las páginas de Herald Tribune, donde dio nueva vida a Little Nemo in Slumberland. Desde entonces continuó su actividad como historietista, alternándola con la de ilustrador de prensa a partir de 1927, sin dejar de dibujar hasta su muerte, en 1934.

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QUIRINO CRISTIANI

En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.

Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol.

El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo),3 además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.4 En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pública, la prensa no mencionó su existencia y fue confiscado por el Ministerio de Relaciones Exteriores que no quería una confrontación contra Alemania.

En el año 1927, la empresa cinematográfica estadounidense Metro-Goldwyn-Mayer lo contrató como director de publicidad de la filial argentina. Paralelamente Cristiani fue formando su propio estudio, Cristiani Studios.

El 16 de septiembre de 1931, Cristiani estrenó Peludópolis, el primer largometraje de animación sonoro, de 80 min. Trataba acerca de la corrupta ‘ciudad del Peludo’ (que era el apodo del expresidente Hipólito Yrigoyen .

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PAT SULLIVAN

Dibujante y productor de cine de animación, nació el 22 de febrero de 1885 en Ivy Street, Paddington, segundo hijo de Patrick Sullivan, un propietario de un taxi de Irlanda y su esposa nacida en Sydney Margaret, née Hayes.

En 1911 Sullivan obtuvo una posición con un exitoso dibujante William Marriner del sindicato del periódico McClure, creando sus propia vida corta tiras cómicas, 'Dispuesto Waldo' y 'Old Pop Perkins'. Muerte de Marriner en octubre de 1914, Sullivan se unió al pionera y exitosa película estudio de animación dirigido por Raoul Barré.

Aunque despedidos después de nueve meses por trabajo insatisfactorio, Sullivan logró abrir su propio estudio de dibujos animados y consiguió contratos para cortos publicitarios y de entretenimiento. En 1916 su personal de estudio fueron saliendo películas bajo su nombre. Adaptó un Marriner 'Sambo' tira como un 'Sammy Johnsin' de dibujos animados y caricaturas de película de Charlie Chaplin producidas.

Alrededor de esta época contrató a Otto Messmer, un talentoso artista de comic-strip.

En 1917 Sullivan fue condenado por la violación de una niña de 14 años de edad.

Mientras estaba en libertad bajo fianza se casó con Marjorie Gallagher. Durante nueve meses en la cárcel Sullivan practica su caricatura en postales y sobres enviados a su abogado.

Tras su liberación, Sullivan revivió su estudio y se reincorporó por Messmer. Sullivan ampliamente afirmó que él y su esposa habían inventado un gato negro como un personaje de la película, aparecido en sus cortometrajes animados la cola de Thomas Kat (1917) y locos felina (1919). Casi cincuenta años después, sin embargo, Messmer afirmó que fue él quien había ideado el gato. Descendiente de 'Sammy Johnsin' y dibujado con un humor Chaplinesque, el gato se había convertido en 'Felix' por la cuarta película, cambiando de un cuatro patas a un personaje de dos patas. Bajo el título 'De Pat Sullivan Felix the Cat', fueron asegurados contratos para proporcionar una caricatura al mes a los cines. Un cambio de distribuidor en 1921 vio a Felix en 60 por ciento de los cines en América del norte.

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OTTO MESMER

Messmer animador estadounidense, nació en West Hoboken, Nueva Jersey (ahora Union City). Asistió al colegio Holy Family Parochial. Se sintió atraído por el Vaudeville y la industria del entretenimiento, inculcados por sus padres y maestros a una temprana edad. Estudió en el Instituto de Arte Thomas en Nueva York entre 1911 y 1913, y participó en un programa de estudio y trabajo de la agencia Acme, donde hizo ilustraciones para catálogos de moda.

Sin embargo, el primer amor de Messmer fue la animación. Inspirado por las películas animadas de Winsor McCay, como How a Mosquito Operates, Messmer comenzó a crear sus propias tiras cómicas para periódicos locales en 1912. Messmer decidió trabajar con Henry "Hy" Mayer, otro caricaturista de renombre. Los dos trabajaron en la exitosa serie animada The Travels of Teddy, que estaba basada en la vida de Theodore Roosevelt. Messmer trabajaría luego para Sullivan, quien se encargó de los negocios, dejando a Messmer las responsabilidades creativas. Cuando Sullivan cumplía una condena de nueve meses de prisión en 1917, Messmer trabajó un tiempo con Mayer, hasta que Messmer fue llamado para participar en la Primera Guerra Mundial.

Cuando Messmer regresó a Estados Unidos en 1919, volvió al estudio de Sullivan, contratado por el director Earl Hurd de Paramount Screen Magazine para hacer un cortometraje que acompañaría a una película. Sullivan le dio el proyecto a Messmer, cuyo resultado fue, Feline Follies, protagonizado por Félix, un gato negro que había creado, que daba buena suerte a la gente en problemas. Félix fue el primer personaje animado creado y emitido para la gran pantalla, al igual que el primero en convertirse en un producto comercial. Sullivan, sin embargo, adquirió los créditos por Félix, aunque Messmer dirigiera y fuera el animador de todos los episodios, solo el nombre de Sullivan aparecía en la toma de los créditos. Messmer también estuvo a cargo de la tira cómica de Félix para los periódicos, haciendo la mayoría de los dibujos hasta 1954.

En los años 1960, Felix fue transmitido por televisión, y el asistente de Messmer, Joe Oriolo (creador de Casper) se aseguró que recibiera crédito por la creación del gato Félix. Messmer continuó trabajando en el personaje hasta su retiro en 1973.

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LOTTE REINIGER

Charlotte (Lotte) Reiniger, nació en Berlín-Charlottenburg, Imperio Alemán, en 1899. Fue cineasta alemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926).

Con dieciséis años aspiraba a algo más que cumplir el deseo de sus padres, y pronto le interesaron las películas de Georges Méliès, por sus efectos especiales, y las de Paul Wegener (El estudiante de Praga, El golem), al que oyó en una conferencia en 1915, sobre las posibilidades del cine de animación.

Entró en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener, en el que se dedicó a confeccionar las siluetas de los otros actores del grupo en sus respectivos papeles. Pronto empezó a trabajar con Wegener, realizando los subtítulos de la película Der Rattenfänger von Hameln (El flautista de Hamelín).

En el Institut für Kulturforschung (Instituto de Innovaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales, realizó su primera película de siluetas, Das Ornament des verliebten Herzens (El ornamento del corazón enamorado, 1919). En dicho estudio conoció también a Carl Koch, con el que se casó en 1921, y que colaboró con ella en casi todas sus películas.

En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios. El encanto de su trabajo y su interés por encontrar nuevas formas de expresión en el medio fílmico llegó a oídos de la UFA -Universum Film Aktien Gesellschaft-, la gran industria nacional de cine alemán, y el mismo Fritz Lang la invitó a crear el sueño de Kriemhield en Los Nibelungos (diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte).

Entre 1923 a 1926, escribió el guión y dirigió Las aventuras del príncipe Achmed, el más antiguo largometraje animado que se conserva, de 65 minutos de duración, para la que se realizaron 300.000 imágenes individuales. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam, a cambio de que ella y su marido se encargaran de la educación de sus hijos. Es una trama sobre varias historias relacionadas con Las mil y una noches.

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TONY SARG

Anthony Frederick Sarg, conocido profesionalmente como Tony Sarg era un alemán titiritero estadounidense e ilustrador. Fue descrito como "maestro de marionetas de América" y en su biografía como el padre del moderno teatro de títeres en América del norte.

Sarg nació en Cobán, Guatemala, Francis Charles Sarg y su esposa, Mary Elizabeth Parker. El élder Sarg fue un cónsul representando a Alemania; Parker era inglés.

La familia regresada al Imperio alemán en 1887; Sarg entró en una academia militar a los 14 años y recibió una Comisión como teniente en 17; en 1905 (en sus veintitantos) renunció a su Comisión y fijó su residencia en el Reino Unido, donde él persiguió una relación con Bertha Eleanor McGowan, un estadounidense que conoció cuando era una turista en Alemania. Estaban casados en su ciudad natal de Cincinnati, Ohio, 20 de enero de 1909 y regresó a Inglaterra donde nació su hija Mary dos años más tarde.

En 1914, con el inicio de la I Guerra Mundial, envió Bertha y a los niños a Cincinnati, siguieron pronto después y colocada la familia en la ciudad de Nueva York en 1915.

Se había criado alrededor de marionetas, heredó la colección de su abuela de ellos, desarrolló como un pasatiempo que realzó la impresión hizo en otros artistas y finalmente en 1917 convertido en una profesión. En 1920, se convirtió en ciudadano naturalizado de los Estados Unidos.

En 1921 Sarg animó la película el primer circo, una caricatura inventiva para productor Herbert M. Dawley, quien se acreditó como co animador.

En 1928, diseñó, y su protegido Bil Baird construyó globos llenos de helio atados hasta 125 pies (40 m) de largo, que se asemejan a los animales, para la institución de Nueva York de la tienda por Departamentos Macy, que implica una serie de cuestiones familiares de títeres; Estos participaron en el desfile del día de acción de Gracias de la tienda. En 1935, llevó a cabo el trabajo relacionado con títeres de diseñar elaborada animación escaparate Macy entre acción de Gracias y Navidad.

El pináculo de la visibilidad de Sarg fue en la feria del Mundial de Chicago de 1933, donde su audiencia acumulada fue de 3 millones; Baird era fuertemente involucrado en esta producción, como Rufus y Margo Rose. Esos tres dejaron su estudio ese año a comenzar una nueva ellos mismos.

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MAX FLEISCHER

(Viena, 1889 - Los Ángeles, 1972) Dibujante estadounidense de origen austriaco, creador de personajes animados tan populares como Betty Boop o Popeye, nacidos en el estudio que fundó con su hermano Dave. Procedente de una familia de emigrantes, que llegó a los Estados Unidos cuando tan él contaba sólo cuatro años de edad, realizó sus estudios de arte en la Union Coper y en la Liga de Estudiantes, concluidos los cuales en 1916, comenzó a trabajar para John R. Bray.

En 1917 patentó el "Rotoscope", un artefacto que permitía animar fotografías reales mediante un sencillo procedimiento, basado en copiar la acción que se proyectaba sobre unas hojas de papel. Tras varios años trabajando para John R. Bray, en 1921 fundó con su hermano la compañía “Out of the Inkwell Films” que se convirtió, andando el tiempo, en uno de los estudios de animación más importantes de los Estados Unidos, competencia directa de la factoría Disney.

Ese mismo año, Max produjo su primera película, Modeling, en la que aparecía caracterizado uno de sus personajes más populares, Koko el Payaso, que había sido creado a través del proceso Rotoscope. Además, la película sentó el predecente de utilizar la plastilina como material de animación, algo bastante importante, pues el sistema de ensamblaje de la época sólo estaba preparado para el dibujo. Fleischer fue madurando su técnica de realización para las películas, en las que se mezclan a partes iguales realidad y animación, lo que consigue mediante el fotografías estáticas utilizadas como fondo, en los que inserta recortes de los personajes de ficción.

El primer dibujo animado con sonido se realizó en 1924-26. En 1928 la compañía cambió su nombre por el de su fundador, con lo que pasó a llamarse Estudio Fleischer.

El cliente más importante era la productora Paramount. En 1930 diseñó algunos de los personajes con los que consiguió más fama, Betty Boop y Popeye, de los que se realizaron las series Carrie of the Chorus o Popeye the Sailor respectivamente. En 1939 produjo Gulliver's Travels, un filme basado en el cuento homónimo, que supuso su primer largometraje.

Dos años después el Estudio Fleischer produjo una serie sobre el famoso personaje de cómic Superman, y poco después, el estudio cayó en manos de la productora Paramount, con lo que los hermanos Fleischer dejaron de ser sus responsables. En 1942 Max se trasladó a Detroit contratado por una empresa de cine. Unos años más tarde se trasladó a nueva York para volver a trabajar en el mismo lugar en que había empezado su carrera, el estudio Bray.

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WALTER LANTZ

Walter Benjamin Lantz (abril de 1899 -marzo de 1994) Nueva Rochelle Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación.

A la edad de dieciséis años, Lantz trabajaba tras la cámara en el departamento de animación bajo la supervisión del director Gregory La Cava. Lantz luego comenzó a trabajar en los John R. Bray Studios en Nueva York para la serie Colonel Heeza Liar.

En 1924, Lantz comienza a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primera serie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y luego como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett.

En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal. A principios de ese año, Mintz y su cuñado George Winkler habían arrebatado al personaje de su creador original, Walt Disney. El presidente de Universal, Carl Laemmle, no se sintió satisfecho por el producto de Mintz y Winkler, y los despide, Universal se dedicaría a hacer la serie por su cuenta. Mientras hablaba con Laemmle, Lantz apuesta que si le gana al productor en un juego de póker el personaje sería de él. Lantz gana y Oswald se convirtió en su personaje.

En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford. En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo. Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nuevo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda.

El estudio de Walter Lantz fue cerrado en 1972. Fue uno de los últimos estudios que hizo dibujos animados clásicos. En su retiro Lantz siguió administrando los trabajos del estudio con repeticiones de estos. Incluso continuó dibujando y pintando al Pájaro Loco, estos trabajos se vendieron rápidamente. También trabajó con Little League y otros grupos juveniles similares. En 1982, Lantz donó diecisiete artefactos al Museo Nacional de Historia Americana, incluyendo el modelo de madera utilizado en el debut del Pájaro Loco en 1941.

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WALT DISNEY

(Chicago, 1901 - Los Ángeles, 1966) Dibujante y productor cinematográfico estadounidense, pionero del cine de dibujos animados, principal creador de la etapa clásica de la animación y fundador de la corporación que lleva su nombre.

En 1918, el joven Walt trató de alistarse en el ejército. Como no tenía la edad suficiente, falsificó su partida de nacimiento y, fingiendo haber cumplido los diecisiete años, logró ser admitido como conductor de ambulancias de la Cruz Roja. Sin embargo, cuando terminó su formación, la guerra ya había terminado y su trabajo se redujo a trasladar oficiales.

De regreso a Estados Unidos, se estableció en Kansas City y consiguió un trabajo de publicista en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde trabó una amistad clave con el dibujante Ubbe Iwerks. Ambos fundaron en 1920 la empresa Iwerks-Disney Commercial Artists, que resultó un fracaso. Hubieron de trabajar otra vez por cuenta ajena en la Kansas City Film Ad, empresa en la que tendría lugar su primer contacto con las rudimentarias técnicas de animación de la época, cuyas posibilidades fascinaron de inmediato a Disney.En 1922, cuando creyó que había aprendido lo suficiente, Disney fundó la compañía Laugh-O-Gram Films, con la que realizó exitosos cortometrajes basados en cuentos infantiles. Sin embargo, los gastos de producción superaban los beneficios, y al año siguiente tuvo que cerrar. Desalentado, Disney se trasladó a Hollywood sin otra idea que llegar a ser director de cine "normal". Por suerte, una distribuidora se interesó por Alice's Wonderland, una de las películas que había producido Laugh-O-Gram Films, y le encargó nuevas películas que combinasen animación e imagen real. Para satisfacer el encargo nació el Disney Brothers' Studio (dirigido por Walt y su hermano Roy), que produciría nueve Alice Comedies (Comedias de Alicia), a las que seguiría en 1927 la serie Oswald, el conejo afortunado, un encargo para la Universal Pictures creado por Ubbe Iwerks, que se había unido a la nueva andadura de los hermanos Disney.Las series tenían éxito y el estudio iba creciendo con talentosos dibujantes, aunque un tropiezo con la Universal Pictures, que tenía los derechos sobre Oswald y decidió prescindir de sus servicios, estuvo a punto de arruinar la naciente empresa. La solución era crear otro personaje y éste fue ni más ni menos que el ratón Mickey Mouse, que con el tiempo sería el emblema de la llamada Factoría Disney. Su paternidad es discutida; Disney se la atribuyó, pero pudo ser obra de Ubbe Iwerks o de ambos.

En 1934, Disney emprendió un proyecto visionario: la producción de un largometraje que iba a ser el primero de la historia de la animación. Nadie se había atrevido a ello por los enormes costos que suponía; de hecho, la industria de la época consideró la idea una locura. Y, efectivamente, a mediados de 1937, el estudio se había quedado sin un céntimo. Disney tuvo que pedir un crédito para completar el millón y medio de dólares que costó. Pero ocurrió que, en taquilla, Blancanieves y los siete enanitos (1937) generó unos ingresos de ocho millones de dólares. No solamente había acertado como empresario, sino también como artista, porque Blancanieves y los siete enanitos resultó ser además una obra maestra, de altísimo nivel técnico, graciosa sensibilidad y gran soltura narrativa.

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BERTHOLD BARTOSCH

Berthold Bartosch (29 diciembre 1893 hasta 13 noviembre 1968) fue un director de cine, nacido en Bohemia región de Austria-Hungría (ahora parte de la República Checa ).

En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

La película es descrita como la primera poesía, trabajo serio y trágico en la animación.

Caracteres y telones de fondo de la película fueron compuestas de varias capas de diferentes tipos de papel de semi-transparente a grueso de cartón . Efectos especiales como halos , el humo y la niebla se hicieron con espuma propagación en placas de vidrio y iluminado desde atrás. Bartosch basa la película en una novela sin palabras de grabados en madera por Frans Masereel , La Idea (1920).

L'idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntuación por el compositor Arthur Honegger , incluyendo un ondes Martenot , que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico de la historia del cine. Al año siguiente, Franz Waxman puntuación 's para Liliom (1934) utilizó un theremin .

De 1935 a 1939, Bartosch trabajó en una película contra la guerra, St. Francis o pesadilla y los sueños. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinémathèque Française . La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen pocas imágenes fijas.

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WILLIAM CHARLES NOLAN

William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-diciembre 06, 1954) fue un estadounidense de origen irlandés Animación escritor , animador , director y artista . Él es mejor conocido por la creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma estilo de animación y para racionalizar el Gato Félix . De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman 's Krazy Kat de Margaret J. Winkler y de 1929 a 1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Studio en el Oswald el conejo afortunado serie.

Escritor americano, William F. Nolan fue un prolífico autor de novelas de ciencia ficción, fantasía y terror, con diversos premios a toda su carrera otorgados por asociaciones como la HWA o la SFFWA. Su obra más conocida es la novela La fuga de Logan, escrita junto a George Clayton Johnson, y que recibió una famosa adaptación cinematográfica.

William F. Nolan (1928) escritor americano de ciencia ficción, fantasía y terror.

Es más conocido como coautor de la novela La fuga de Logan, con George Clayton Johnson. También escribieron el guión de la película de terror de 1976 Pesadilla diabólica protagonizada por Karen Negro y Bette Davis .

En el año 2006, le fue otorgado el título honorífico de Autor Emérito de la Ciencia Ficción y Fantasía de Escritores de América, Inc. En 2010, recibió el premio Lifetime Achievement Stoker de la Asociación de Escritores de Terror (HWA).

Entre otros, conocemos los cuentos `En la calle Cuarenta y Dos` (42nd St), en El festín de las máscaras, 1989, `Del tiempo y Kathy Benedict`, en Cronopaisajes, 1984, `Oscuro ganador` (Dark winner), en La casa de Cthulhu, 1976, `Lo mató con un palo` (He kill it with a stick), en Las mejores historias de terror III, 1967, `Sobre el tiempo y Texas` (Of time and Texas), en Las paradojas del tiempo, `La piedra final`, en Jack el rojo, `El pequeño mundo de Lewis Stillman` (The small world of Lewis Stillman), en Terror y ciencia ficción, `La última piedra`, en 10 relatos de terror.

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CHARLES MARTIN "CHUCK" JONES

(Spokane (Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.

Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-GoldwynMayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado.

Al igual que Walt Disney, Jones quería que la animación ganara el respeto que merecía de la gente que trabajaba en la industria del cine, y siempre aceptó proyectos especiales para demostrarlo, como What's Opera Doc, The Dot and the Line, y la película política de 1944 Hell-Bent for Re-Election, dedicada a la campaña electoral de Franklin D. Roosevelt que dirigió para UPA. Los primeros trabajos de Jones se caracterizaron por ser tiernos, especialmente aquellos donde aparecía el ratón Sniffles. Otros directores, especialmente Tex Avery y Robert Clampett, trataban de evitar usar esa técnica en sus trabajos.

Debido a la petición del productor Leon Schlesinger, Jones cambió su estilo, y comenzó a hacer otro tipo de dibujos animados como Wackiki Wabbit y Hare Conditioned.

La reinvención de Chuck Jones para algunos personajes es un tema de bastante controversia. Cambió al Pato Lucas de un héroe a un antagonista amargado con mal temperamento; y relegó a la estrella Porky Pig como un acompañante que solo observa la acción. Jones también creó series donde utilizó al Gato Silvestre de Friz Freleng en el contexto de un gato común y corriente. Al igual que otros directores de Warner, su caracterización de Bugs Bunny fue única en sus cortometrajes: el Bugs de Jones nunca atacaba a menos que era atacado, a diferencia de los conejos creados por Avery y Clampett.

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ISADORE "FRIZ" FRELENG

(21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.

Freleng nació en Kansas, Misuri, donde comenzó su carrera como animador en Walt Disney Pictures. Trabajó junto a otros animadores, como Carmen Maxwell, Ub Iwerks, Hugh Harman y Rudy Ising. Freleng acompañó a Disney a Hollywood, California, donde trabajaron en las series Alice Comedies y Oswald the Lucky Rabbit para los productores Margaret Winkler y Charles Mintz.

Freleng pronto se unió a Harman e Ising para crear su propio estudio. El trío produjo un dibujo animado protagonizado por un personaje parecido a Mickey Mouse llamado Bosko. Al ver un posible desempleo si el dibujo animado no llamaba la atención, Freleng se mudó a Nueva York para trabajar en Krazy Kat de Mintz, mientras seguía tratando de vender la creación de Harman e Ising. Bosko fue finalmente vendido a Leon Schlesinger, quien le aseguró a Harman e Ising que Bosko protagonizaría la serie Looney Tunes que estaba produciendo para Warner Bros. Freleng se mudó a California para trabajar con Harman e Ising nuevamente.

Harman e Ising dejaron el estudio de Schlesinger luego de disputas sobre presupuesto en 1933. Schlesinger quedó sin directores experimentados por lo que promovió a Freleng. El joven animador introdujo la primera estrella del estudio tras Bosko, Porky Pig, en I Haven't Got a Hat de 1935. El cortometraje es importante por tener uno de los primeros ejemplos de caracterización en un dibujo animado. Porky era distinto a Bosko y a su reemplazo Buddy por lo que fue bastante popular.

En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred Quimby.

Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo nivel de liderazgo que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuando su contrato terminó en 1940.

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OSKAR FISCHINGER

Oskar Fischinger fue un hombre adelantado a su tiempo que dedicó su vida a la experimentación de formas, espacios, números y la relación del arte en movimiento con la música. Nació en 1900 en Gelnhausen, Alemania. Desde temprana edad mostró un gran interés por sus primeras pasiones: la pintura y la música. Inspirado por el cine experimental y abstracto del director Walter Ruttmann, renunció a su trabajo como ingeniero para dedicarse de tiempo completo al cine. En 1929 trabaja con el reconocido cineasta Fritz Lang enFrau im Mond (La mujer en la luna) haciendo efectos especiales. Pasó años realizando arte abstracto y sincronizando sus estudios con música. Los pequeños videos musicales tuvieron tal demanda e impacto que pudo establecer su propio estudio.

Realizó en técnicas de pintura y dibujo tradicional, representaciones del sonido, colores y movimiento abstracto sincronizado a la música. Encontró en la animación una vía de expresión sin límites que le permitió plasmar libremente su obra. Es por ello que no solo es uno de los primeros animadores experimentales; gracias a su aporte se le considera el padre de la animación abstracta y los videos musicales. Algunas de sus piezas eran pintadas cuadro por cuadro y otras recurrían a la manipulación directa de objetos reales (stop motion) en los patrones predispuestos por Fischinger. Su trabajo comercial con los cigarros Muratti’s consistió en un “baile” de cigarros al ritmo de la música formando figuras abstractas. La serie de comerciales fue tan popular que Paramaount Pictures le ofreció un contrato para ir a Hollywood. Hay reportes sobre la poca simpatía del régimen Nazi hacia su obra y en general el movimiento del arte abstracto. Nunca volvió a Alemania.

Pasó sus últimos años haciendo pintura y exposiciones. Inventó elLumigraph una especie de piano de colores. El teclado activaba coloridos bulbos que proyectaban colores y su combinación genera formas abstractas. Fue un invento que llamó mucho la atención pero tampoco encontró apoyo comercial para su manufactura y lo usó para realizar algunas presentaciones en museos y eventos de interés. En la película The Time Travelers (1964) se muestra una proyección de colores del Lumigraph, aunque el aparato en cuestión no era fiel al diseño original de Fischinger. Fue una genio que quizá no fue reconocido en su tiempo, pero hoy vemos y estudiamos su trabajo con gran admiración y respeto.

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BOB CLAMPETT

Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat. Clampett fue promovido a director en 1937, y entró en su propia era dorada. Sus dibujos animados se volvieron más violentos, irreverentes y surrealistas, sus personajes se convirtieron en los más alocados de los creados por directores de Warner. Clampett fue influenciado por el artista Salvador Dalí, esto es demostrado en el cortometraje Porky in Wackyland (1938), donde la historia toma lugar en un escenario basado en obras del pintor, con objetos derretidos y formas abstractas.

Durante los próximos nueve años, Clampett creó algunos de los dibujos animados más populares del estudio, como Porky in Wackyland (1938), Bugs Bunny Gets the Boid (1942), A Tale of Two Kitties (debut de Piolín), Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943), Russian Rhapsody (1944), The Great Piggy Bank Robbery (1946) y The Big Snooze (1946), su último cortometraje para el estudio.

Clampett trabajó por un tiempo en Screen Gems como escritor, pero en 1949, se dedicó a la televisión donde creó su programa de marionetas Time for Beany. El programa ganó tres premios Emmy y tuvo entre sus fanáticos a Groucho Marx y Albert Einstein. A fines de los años 1950, Clampett fue contratado por Associated Artists Productions para catalogar los dibujos animados de Warner que habían adquirido. En 1952 creó la serie de televisión Thunderbolt and Wondercolt, y en 1954 dirigió Willy The Wolf, además creó e hizo la voz de un personaje en el programa Buffalo Billy. En 1959, creó una versión animada del programa titulada Beany and Cecil, que fue emitido por ABC en 1962 y estuvo al aire durante los próximos cinco años.

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SHAMUS CULHANE

James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidense.

Culhane trabajó para varios estudios estadounidenses de animación, incluyendo Fleischer Studios, el estudio de Ub Iwerks, Walt Disney Productions, y el estudio de Walter Lantz. Comenzó su carrera de animación en 1925 trabajando para los estudios JR Bray, mientras que en los estudios Disney, fue un animador principal en Blanca Nieves y los siete enanitos, animando sin duda la secuencia más conocida en la película:. La animación los enanos marchando a casa cantando "Heigh-Ho". La escena tuvo Culhane y sus ayudantes seis en completarse. Durante este período, trabajó bajo el seudónimo James Culhane.

Más adelante en su carrera, Culhane trabajó brevemente en la unidad de Chuck Jones de Warner Bros, antes de pasar a ser director de Lantz, donde estuvo a cargo de 1,944 clásico Woody Carpintero, El barbero de Sevilla. En los finales de la década de 1940, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras empresas en crear anuncios de televisión animadas. Shamus Culhane producciones dobladas en la década de 1960, momento en el que Culhane se convirtió en el jefe de la sucesora de Fleischer Studios, Paramount Cartoon Studios.

Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

Abandonó el estudio en 1967, y entró en semi-retiro. Culhane escribió dos libros muy bien considerados en la animación: el how-to/textbook Animación desde el guión hasta la pantalla, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Desde Culhane trabajó para una serie de grandes estudios de Hollywood de animación, su autobiografía da una visión general equilibrada de la historia de la Edad de Oro de la animación americana. Casado dos veces, la primera esposa de Culhane fue Maxine Marx, hija de Chico Marx, con quien tuvo dos hijos. A su muerte el 2 de febrero de 1996, Culhane también sobreviven su segunda esposa, Juana Hegarty, con quien estuvo casada durante 35 años.

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UB IWERKS

Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 – Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney.

En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923.

El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar.

En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.

Iwerks era conocido por la velocidad con que trabajaba. Se decía que era capaz de realizar más de 700 dibujos en un solo día.

Murió de un infarto de miocardio en Burbank, California.

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WILLIAM HANNA

William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense.

Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria. En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real.

En 1957 fundaron Hanna-Barbera,que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.7 En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.

El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.

Hanna murió de cáncer de garganta el 22 de marzo de 2001 en North Hollywood, Los Ángeles, California, y su cuerpo fue enterrado en el Ascension Cemetery, en Lake Forest, California. Tras la muerte de Hanna, en abril de ese año, Cartoon Network puso en línea un micrositio web con la biografía del dibujante a manera de homenaje, y el logotipo del canal torna sus cuadros blancos con letras negras a cuadros negros con letras blancas en señal de luto. De forma similar, Warner Bros. ofreció un memorial privado en el Steven J. Ross Theater ese mismo mes.

Los personajes de Hanna-Barbera han prevalecido en la cultura popular, además de aparecer en películas, libros y otros productos. En la imagen, la portada de un libro para colorear de Tiro Loco McGraw.

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FREDERICK BEAN AVERY

Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.

El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

Avery comenzó su carrera de animación en el estudio de Walter Lantz en los años 30, trabajando en Oswald the Lucky Rabbit. Mientras trabajaba en una oficina, un clip metálico voló hacia el ojo izquierdo de Avery quien perdió el uso de ese ojo. Algunos especulan que la carencia de percepción de profundidad fue lo que le dio su mirada única en la animación y su estilo tan extraño de dirigir.

Avery se cambió al estudio de Leon Schlesinger a finales de 1935 y convenció a Schlesinger de que lo dejara dirigir su propia unidad de animadores y crear caricaturas de la manera que él quisiera. Schlesinger le asignó a una unidad en la que incluyó animadores como Bob Clampett y Chuck Jones, a un bungalow de cinco habitaciones en la Warner Bros. La unidad de Avery fue asignada para trabajar sobre todo en los Looney Tunes en blanco y negro en vez de las Merrie Melodies en Technicolor y en seguida renombraron su oficina como “terraza termita”, debido a su población significativa de termitas.

Mientras que en Schlesinger, Avery desarrolló el concepto de animar las bocas de animales filmados para que pareciera que hablablan. A Schlesinger no le interesó la idea de Avery, así que se la llevó a su amigo Jerry Fairbanks, quien producía la serie Unusual Occupations para la Paramount. Fairbanks tomó con gusto la idea y Speaking of Animals fue lanzado. Cuando Avery dejó la Warner, fue derecho a la Paramount a trabajar en los primeros tres cortos de la serie antes de cambiarse a la MGM.

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JOHN HUBLEY

John Hubley ( 21 mayo 1914 hasta 21 febrero 1977 ) fue un director estadounidense de animación , director de arte , productor y guionista de las películas de animación tradicionales conocidos tanto por su experimentación formal y por su realismo emocional que se deriva de su tendencia a emitir sus propios hijos como actores de voz en sus películas.

Hubley nació en Marinette , Wisconsin. En 1935 , obtuvo un trabajo como un fondo y diseñador en Disney, donde trabajó en películas clásicas como Blancanieves y los siete enanitos , Pinocho , Dumbo y Bambi , así como " La consagración de la primavera " segmento de Fantasia .

El 25 de febrero de 1939, el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright visitó el estudio, y trajo consigo una copia de la película de animación rusa El cuento del Zar Durandai ( 1934 ), dirigida por Ivan Ivanov - Vano , que mostró a los artistas , entre ellos Hubley .

Wright cree que la diferencia de estilo y diseño, que era muy diferente de la típica animación Disney, se inspirará y dará a los animadores nuevas ideas. Hubley le gustó lo que vio y fue influenciado por él. Salió de la empresa durante la huelga de Disney animadores en 1941 , y encontró trabajo a dirigir películas para Screen Gems y Primera Unidad Cinematográfica del Ejército hasta que se incorporó a United Productions of America , que fue fundada por Stephen Bosustow , Zack Schwartz , Dave Hilberman y ex animador de Disney Ub Iwerks . UPA pronto se hizo conocido por sus diseños muy estilizados y animación limitada.

En 1949 él fue el creador del personaje de dibujos animados Mr. Magoo , en base a un tío, y dirigió el primer dibujo animado Magoo con Jim Backus expresar Magoo .

Se vio obligado a salir de UPA en 1952 cuando se negó a dar nombres antes de que el Comité de Actividades Antiamericanas . Fundó Storyboard Studios el próximo año y trabajó en comerciales ( en la que no se le atribuye ), tales como la creación del personaje Marky Maipú, pero se vio obligado a rechazar los proyectos más interesantes (como una adaptación del valle del arco iris ) , porque su nombre sigue en la lista negra . Se trasladó su estudio a Nueva York en 1955 , donde se pasó a la producción de cortometrajes independientes.

Hubley fue originalmente el director de Watership Down , hasta su muerte que causó productor Martin Rosen para tomar el relevo. Algunas de sus obras , incluyendo la secuencia de apertura , permanecen en la versión final.

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JOSEPH BARBERA

Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.

Barbera mostró interés por el arte desde una temprana edad. Estudió en Erasmus Hall High School, donde practicó boxeo; fue entrenado por el representante del boxeador Al Singer, pero tras un tiempo abandonó este deporte. Barbera se graduó en 1928, y siete años más tarde contrajo matrimonio con Dorothy Earl, quien había sido su novia en la escuela secundaria.

En 1940 Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje Puss Gets the Boot, protagonizado por un gato gris llamado Jasper y un ratón de color café. La cinta fue nominada a un premio Óscar en la categoría mejor cortometraje animado. Sin embargo, el estudio buscaba una mayor diversidad dentro de sus trabajos, por lo que el productor Fred Quimby -a pesar del éxito del cortometraje- decidió no realizar más dibujos animados del gato y el ratón. Durante este periodo, Hanna había pensado en volver al estudio de Rudolf Ising, quien también había producido el cortometraje. Quimby finalmente permitió que continuaran con la temática del gato y el ratón, por lo que Barbera y Hanna comenzaron a crear numerosos cortometrajes, bautizando a sus personajes como Tom y Jerry.

La serie utilizó la misma trama a lo largo de los años, con Jerry, un ratón que se burlaba del gato que intentaba cazarlo sin éxito, Tom. El segundo cortometraje protagonizado por el duo, The Midnight Snack, fue estrenado en 1941. Durante los siguientes 17 años, Hanna y Barbera trabajaron exclusivamente en Tom y Jerry, dirigiendo un total de 114 cortometrajes animados. Una de las principales características de la serie era la ausencia de diálogo, ya que todo dependía del lenguaje corporal de sus protagonistas.

Joseph Barbera murió el día lunes 18 de diciembre de 2006, en Los Ángeles (California) a los 95 años de edad. Un vocero de Warner Brothers informó que falleció por causas naturales, en compañía de su esposa Sheila.

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RAY HARRYHAUSEN

Raymond Frederick Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en Los Ángeles, California, EE.UU. Sus padres fueron Fred y Martha.

Ray fue el padre de la animación stop-motion (él llamaba a Willis O’Brien el abuelo), visitado por todos los cineastas famosas de la actualidad. Hasta su muerte el 7 de mayo de 2013 vivió en Londres con su esposa Diana, y en sus últimos años se tomó un ávido y entusiasta interés por la Ray & Diana Harryhausen Foundation. La Fundación posee ahora y cuida su extensa colección de figuras, ilustraciones, fotografías y miniaturas para proteger su legado y su arte.

Tenía una pasión, que nadie consiguió quitarle, por los dinosaurios y por todo lo referente a la fantasía.

Sus lugares predilectos de niño fueron los museos, los espectáculos de marionetas, el océano, los parques locales y las salas de cine.

En 1938, cuando Ray contaba con apenas dieciocho años, comenzó su más ambicioso proyecto, titulado Evolution of the World, en el que planeaba visualizar el amanecer del planeta y el final de la época de los dinosaurios.

Diseñó y construyó varios modelos que incluían un tiranosaurio rex, un triceratops, un brontosauro y un pterodáctilo y comenzó a experimentar con fondos mate (un proceso que permitía integrar imágenes, fueran de acción real o no, con otra imagen). En una secuencia hizo emerger del agua a un brontosauro y llegar a una parte de tierra seca que era un mate.

Desgraciadamente, la idea era demasiado ambiciosa y cuando Ray vió la secuencia La consagración de la primavera en la película de Walt Disney de 1940 Fantasía, supo que el proyecto estaba condenado.

Después de trabajar y abandonar por un tiempo los cortometrajes Ray volvió a realizarlos con una adaptación de Caperucita Roja, a la que llamó The Story of Little Red Riding Hood (1950). Usando los mismos métodos que había utilizado en The Mother Goose Stories, la película demostró ser otro éxito en las escuelas, y así pues, Ray se propuso realizar lo que ha acabado conociéndose como la serie Fairy Tales (Cuentos de Hadas). Esta incluía The Story of Hansel and Gretel (1951), The Story of Rapunzel (1952) y The Story of King Midas (1953), la última de las cuales se completó tras el primer largometraje de Ray. En 1952 comenzó pero nunca terminó una adaptación de La tortuga y la liebre, que acabó siendo completada cincuenta años más tarde entre 2001-02. Es posiblemente la producción más larga de la historia del cine.

En 1951 se le ofreció participar en su primer largometraje, que originalmente se tituló The Monster From Under the Sea pero acabo convirtiéndose en la famosa The Beast From 20,000 Fathoms (El monstruo de tiempos remotos).

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En 1956 The Animal World permitió a Ray animar dinosaurios de nuevo, y lo más importante: trabajar con Obie.

El modelo del octópodo (1955) tenía sólo seis tentáculos debido a limitaciones en el presupuesto, lo que le convertía en ¡un sextópodo! Para disimular esto, Ray diseñó las secuencias de animación de manera que el modelo siempre estuviera parcialmente en el agua en todo momento.

También creó tres tentáculos más grandes para los primeros planos. Estos tres armazones (parcialmente cubiertos con algodón) han sido redescubiertos recientemente en el garaje de Ray de L.A. junto con el submarino en miniatura y un torpedo.

Simbad y la princesa (1958) Al igual que con A 20 millones de millas de la Tierra, fue Ray el que tuvo la idea de usar Las mil y una noches como vehículo para la animación dimensional con stopmotion. Escribió una primera versión del resumen a la que llamó Sinbad the Sailor (Simbad el marino). También realizó ilustraciones clave para este, incluyendo la lucha con el esqueleto en una escalera de caracol. Esto fue en 1953, cuatro años antes de que comenzara la producción.

El título final, The 7th Voyage of Sinbad (Simbad y la princesa en España) fue idea de Ray. El número siete tiene una cualidad mística.

Tenían que haber habido cinco secuencias más en la película que se descartaron: (1) Simbad y la princesa Parisa son perseguidos por ratas gigantes conjuradas por el malvado Sokurah pero, puesto que a Ray no le gustaban las ratas, ni las serpientes, fue eliminada. (2) Simbad y sus hombres son atacados por demonios-murciélagos. (3) Una lucha entre dos cíclopes. (4) Sirenas con cola de pez. (5) Una serpiente gigante que ataca a los marinos en un árbol. Esta escena también se descartó debido a las objeciones de Charles.

Charles hizo asegurar las manos de Ray por un millón de dólares.

Esto sólo un resumen de la vida y la carrera de Ray, pero si deseas averiguar más, por favor consulta los tres libros de Ray y Tony Dalton: An Animated Life, The Art of Ray Harryhausen y A Century of Model Animation.

Ray se “retiró” de la animación dimensional en 1984, aunque se ha permitido de vez en cuando involucrarse en proyectos como un documental de la televisión británica producido por Tony Dalton, Caminando entre dinosaurios (1999), y la conclusión de The Tortoise and the Hare, ahora retitulado The Story of the Tortoise and the Hare (2001-02).

Una de las citas favoritas de Ray es “Es buen material, pero se pudre”, refiriéndose tanto a la carne como a sus figuras. El látex con el que se hicieron sus modelos se deteriora a menudo, así que con los años ha ido haciendo varios de ellos en bronce (la mayoría pueden verse en The Art of Ray Harryhausen).

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JULES ENGEL

Era un artista maestro y cineasta cuya abstracto pinturas , películas , esculturas , fotografías y poemas allanó el camino visionario durante más de seis décadas a través de las disciplinas de bellas artes y el cine experimental , en particular , la animación experimental. Proyecto Biografía del Dr. eneldo sobre Jules Engel es triple : un documental , un sitio interactivo y una biografía crítica .

La carrera de Engel abarca el espectro de la coreografía de tiempo para las secuencias de baile de Rusia y China en Fantasia de Walt Disney, para el diseño de sistemas para la producción teatral francesa de El Principito, a la creación de más de treinta películas personales. Como uno de los miembros del personal fundadores de UPA (Estados producciones de América) , jugó un papel decisivo en la producción de películas animadas como Madeline , Mr. Magoo y Dr. Seuss ' Gerald McBoing Boing .

Como uno de los propietarios de un estudio de animación en colaboración con Herb Klynn y Buddy Getzler , Format Films, Engel recibió una nominación al Oscar a la Icarus Montgolfier Wright , una película con guión de Ray Bradbury . Película personal de Engel, Coaraze , recibió el premio francés de gran prestigio por su excelencia en el cine, Premio Jean Vigo.

Jules Engel fallece el 6 de septiembre de 2003. En 94 años, Engel ha dejado un rico legado artístico de más de treinta películas personales y suites de litografías, innumerables pinturas, esculturas , poemas y fotografías , además de la enseñanza de más de tres generaciones de estudiantes inspirados por su ejemplo y orientación .

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NORMAN MCLAREN

Cineasta canadiense Norman McLaren (1914 - 1987) revolucionó su campo con la mano - dibujado a mano - pintado de las películas de animación . También fue pionero en el uso de pixelación - una técnica de filmación que crea un stop - efecto de movimiento - que él utilizó en su premio de la Academia - . Película ganadora " Vecinos " McLaren creó muchas de sus proyectos para el National Film Board de Canadá, donde fue empleado durante más de 40 años .

La primera introducción de McLaren a la animación llegó a la edad de siete años, cuando por primera vez vieron Félix el Gato y dibujos animados de Mickey mouse , así como la serie " Silly Symphony " de Walt Disney. McLaren no se interesó en el cine hasta que era una adolescente , sin embargo, y creció intrigado por el trabajo de cineastas ruso Vsevolod Pudovkin y Eisenstein .

McLaren ingresó en la Escuela de Arte de Glasgow en 1932 con la intención de estudiar diseño de interiores. Él comenzó a hacer películas durante su primer año en la universidad y así impresionó a los periódicos locales, con su trabajo que fue llamado el " joven genio de la Escuela de Arte de Glasgow . " Pronto, él cambió su atención a la animación . McLaren se salvó el gasto de comprar una cámara y la nueva película de la compra de un desgastado - out película comercial de 35 mm , el remojo de la emulsión de las imágenes en la bañera , y la pintura nuevas imágenes en color directamente sobre el celuloide para crear la animación . " Cuanto menos dinero hay, más imaginación que tiene que estar", comentó más adelante , como se cita en su obituario en el diario Los Angeles Times. La técnica tiene otra ventaja , McLaren señaló una vez, como se relata en la edición 1993 de las Américas .

El próximo proyecto de McLaren fue hasta Seven Five , el negro silencio , - y - la película filmada en blanco 16mm documentar las actividades en la escuela de arte entre las horas de 7 am y 5 pm Sus dos siguientes películas fueron creadas en 1935.

Cámara hace Whoopee , con una orquesta de baile de la escuela , con instrumentos de auto - propulsadas , pixelación utilizado , una parada - técnica de filmación acción que exagera los movimientos del sujeto .

McLaren se retiró de la Junta de Cine en 1984. Largo mal de salud , falleció de un ataque al corazón en Montreal , Quebec, el 26 de enero de 1987. Después de su muerte, la película de animación de la Asociación Internacional - Canadá estableció un premio anual en honor de McLaren y en 1989 , el Consejo de Cine renombró su edificio principal del Edificio Norman McLaren . En 1991 el Consejo de Cine emitió una colección de video de McLaren de 40 - Cuerpo año de trabajo bajo sus auspicios , en reconocimiento a sus 50 años .

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PETER FOLDES

Nacido en 1924 en Budapest, Hungría y murió 29 de marzo 1977 en París, fue director y animador de la nacionalidad británica. fue uno de una serie de artistas húngaros (otra fue la película compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando con su compatriota John Halas en películas de animación de este último después de mudarse a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa británica Joan (nacido en 1924), a partir de la alegórica “Génesis animados” (1952), “más de cerca” (1953) y “Una visión corta” (1956).

“Una visión corta” se convirtió en uno de los más influyentes películas británicas de animación jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan. Aunque los niños se les aconsejó salir de la habitación mientras se juega, todavía causa indignación y alarma con su representación gráfica de los horrores de una guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen en el terror como un misil extraña sobrevuela. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios mirar hacia arriba. La explosión de misiles, la destrucción de los seres humanos, criaturas salvajes y la Tierra misma. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la guerra fría y la paranoia nuclear.

Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en un pionero en la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF. Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su película “El hambre”, que recibió el Premio del Jurado en el “corto” en la categoría del Festival de Cannes, así como una nominación al Oscar.

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HEINZ EDELMANN

Nació en 1934 en Checoslovaquia. Desde 1961 Heinz Edelmann ha enseñado intermitentemente diseño, ilustración y animación de diseño en varias escuelas de arte en Holanda y Alemania. En la actualidad enseña en la Academia de Bellas Artes de Stuttgart . Su trabajo artístico ha ganado merecidamente numerosas medallas y premios , pero lo que es más importante para nosotros en este programa es que desde 1967 hasta 1968 fue el director artístico de la película de animación de los Beatles " El Submarino Amarillo " . También se le atribuye con el libreto. En la actualidad reside tanto en Amsterdam y Alemania.

El estilo visual psicodélica concibió para que el cine influyó diseño comercial desde hace años y todavía está ricamente evocadora de su época. . En el verano de 1967 el director George Dunning Edelmann invitado a Londres para trabajar en " Yellow Submarine" , pero el guión no estaba preparada y no se le dio una tarea específica . Después de dos meses de inactividad , decidió dejar de fumar y descargó su frustración mediante la elaboración de una serie de personajes malvados , los cuales se convirtieron en Meanies azules de la película , los Bonkers Apple, y el guante . Los productores les gustó los bocetos y desde entonces Edelmann fue una fuerza orientadora en la producción , el diseño de la mayoría de los personajes y fondos y ayudar a desarrollar la historia . Dejó que su imaginación desenfrenada y cultivado un estilo de la "sobrecarga visual " (sus palabras ) para cubrir los agujeros de la trama y mantener el interés . No había habido nada como esto antes en la animación general y muchos espectadores asumido obtuvo sus ideas de uso de alucinógenos .

Se puso las cosas en que: . . . " Yo nunca había tomado drogas que soy , una persona de clase trabajadora conservador que se metía a la bebida durante toda su vida y por lo que sólo sabía de la experiencia psicodélica sólo de oídas y que adivinó de qué se trataba " . El enorme éxito de " Yellow Submarine" se Edelmann respaldo financiero para formar su propio estudio de animación de Londres, Trickfilm taller , que se cerró en 1970 , frustrando sus sueños de " El Señor de los Anillos " como una ópera rock animada con música de The Rolling Stones. Volviendo al arte gráfico freelance , principalmente en Alemania , también enseñó en la Academia Estatal de Stuttgart de Arte y Diseño 1986-1999 . Además diseñó la mascota " Curro " para la Expo Sevilla '92.

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JIRI TRNKA

(Pilsen, 1912 - Praga, 1969) Dibujante y director cinematográfico checoslovaco. Como sus abuelos eran tallistas de madera, Trnka aprendió el arte de fabricar marionetas cuando sólo contaba nueve años de edad. Semejante destreza llamó la atención de un maestro en esta materia, Josef Skupa, director del teatro de marionetas de Pilsen.

Aunque la relación con Skupa se prolongó mientras duraron sus estudios de bachillerato, Trnka decidió abandonar por un tiempo los títeres y dedicarse a la pintura, y para ello ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Praga.

Su talento como dibujante pronto le dio la pauta de lo que iba a ser su profesión: dibujante de cómics, pintor, figurinista en el Teatro Nacional de Praga y, finalmente, ilustrador de libros. De hecho, se casó con la escritora de cuentos infantiles Helena Chvojková, cuyos libros aparecieron publicados con dibujos de Trnka. Durante la Segunda Guerra Mundial ilustró numerosos textos infantiles que, luego, una vez concluida la contienda, le dieron el prestigio suficiente para ingresar en el Estudio Oficial de Animación que inauguraron Jiri Brdecka, Stanislav Látal, Eduard Hofman y Jan Kadar.

El equipo de Trnka estaba formado por doce animadores, algunos de los cuales habían estudiado, como él, en la Escuela de Artes y Oficios, y compartían su inclinación por el teatro de marionetas. Con esa complicidad, se comprometieron en el desarrollo de un cine de animación muy peculiar, usando muñecos animados fotograma a fotograma, tan meticuloso en su desarrollo que pronto ganó renombre internacional.

Por otro lado, a diferencia de Walt Disney, Trnka no se limitó a contenidos infantiles y recurrió a la sátira social y política en algunos de sus argumentos. Premiado en numerosos festivales, el cine de este marionetista y dibujante destaca por títulos como Viejas leyendas checas (1953), El bravo soldado Sveik (1955) y El sueño de una noche de verano (1958). La labor de Trnka en este difícil género de la animación fue continuada, tras su muerte, por su asistente Bretislav Pojar y por los prestigiosos animadores Lubomir Benes, Hermina Tyrlova y Jana Olexova.

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MANUEL GARCÍA FERRÉ

Manuel García Ferré (Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

A los 17 años, en 1947, emigró a la Argentina, donde trabajó en agencias de publicidad, mientras estudiaba en la facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. En sus pocos momentos libres, recorría con su carpeta de dibujos bajo el brazo las redacciones de las revistas, así, en 1952 el personaje Pi-Pío fue aceptado en la Revista Billiken, de Constancio Vigil. Pí-Pío -un pollito vestido como un cowboyvivía en un pueblo llamado "Villa Leoncia", lugar donde aparecerían por primera vez otros personajes que se volverían famosos, Oaky e Hijitus.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión. Durante varias décadas (1970-2000) las revistas Billiken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina.

En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia.1 García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes (El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile, Venezuela, Colombia, Ecuador, México, Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés.

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OSAMU TEZUKA

Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.

Entusiasmado por el género de la animación, comenzó a dibujar cuando aún era un niño. Los horrores de la Segunda Guerra Mundial también marcaron su sensibilidad y desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios.

Su primer trabajo de importancia lo realizó a los 20 años. Se trata de la serie Shin Takarajima ("La nueva Isla del Tesoro"), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei, Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia. El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954, Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.

Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989 producto de un cáncer estomacal a la edad de 60 años, prácticamente un mes después de la muerte del emperador Hirohito, dejando así inacabadas las obras a las que se dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra, Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su inicio en 1954.

Al poco tiempo de su muerte algunos de los periódicos japoneses más importantes pidieron que se le entregara el Premio Nobel de literatura, aunque fue rechazado.

Nadie le discutió sin embargo su aclamación como "el dios del manga", perpetuando así su influencia en generaciones de lectores y autores, y en la historia y cultura de todo un país en su conjunto. Desde 1997 se celebra anualmente el Premio Cultural Tezuka Osamu, en honor al aporte de Tezuka al manga moderno, premio donde son galardonados aquellos mangaka que siguen la visión de Tezuka.

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RALPH BAKSHI

Ralph Bakshi (n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World (1992), que mezcla imagen real con dibujos animados. . En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de la Segunda Guerra Mundial.1 2 Creció en Brooklyn y fue a la "High School of Industrial Art". Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación de Terry Toons en New Rochelle, coloreando personajes como Super Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó como director creativo de los estudios CBS, donde creó los Mighty Heroes.

En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977.

En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.

Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes reales y en la cual trabaja con Brad Pitt y Kim Basinger.

A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utilizando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimientos y dibujo.

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TERRY GILLIAM

Nació el 22 de noviembre de 1940 en Medicine Lake, Minneapolis, Minnesota (Estados Unidos) Después de terminar el instituto en el año 1958, Terry estudió Ciencias Políticas en la Occidental College de California, en donde editó la publicación “Fang” y colaboró como dibujante en la revista “Mad”.

Por mediación de Cleese, Terry terminó uniéndose en 1969 al grupo Monty Python y a su popular programa “Flying Circus”, siendo el único integrante no británico del grupo.

Su capacidad para la animación y su imaginación visual fueron claves en la trayectoria como cineasta de Terry Gilliam.

Su primer trabajo como director cinematográfico fue la realización de un corto de animación titulado “Storytime” (1968), título continuado por otro cortometraje llamado “The Miracle of Flight” (1974). Por esta época también escribió guiones de comedia para diversas emisiones televisivas como “Do not adjust your set”.

Junto a Terry Jones, Gilliam dirigió “Los Caballeros De La Mesa Cuadrada y Sus Locos Seguidores” (1975), sátira ambientada en la corte del rey Arturo que es una de las comedias más divertidas del famoso grupo británico.

Su primer título en solitario como director de largometrajes fue “La Bestia Del Reino” (1977), parodia de la época medieval que adaptaba un poema de Lewis Carroll, el autor de “Alicia en el país de las maravillas”.

Además de participar como actor y guionista, Gilliam fue el diseñador de producción de “La Vida De Brian” (1979), película en la que apareció Jones solamente acreditado como director.

Estas comedias anárquicas, con tendencia a la parodia, la farsa y la sátira, junto al gusto por los elementos surreales y fantásticos, una estética visual muy prominente e historias de ciencia-ficción, fueron algunas de las características de las películas dirigidas y escritas por Gilliam.

Los Héroes Del Tiempo” (1981), relato cinematográfico de aventuras fantásticas con viajes a través del tiempo en el que aparecía Sean Connery encarnando a Agamenón o Ian Holm a Napoleón, fue la primera vez que Terry Gilliam ocupó puesto como productor.

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DON BLUTH

Nacido el 13 de septiembre de 1937, el segundo mayor de siete hijos, Don Bluth pasó sus primeros años en El Paso, Texas. Sus padres eran Emalinee Pratt y Virgil Bluth, entonces un policía y más tarde un investigador privado. Don es un descendiente directo de Pocahontas, la princesa india que salvó Pilgrim John Smith.

Cuando tenía seis años, la familia se trasladó a Payson, Utah, donde vivía en la granja familiar. Bluth recuerda ese momento como "ordeñar 24 vacas por la mañana y noche y cantando canciones de Disney." Ya entonces era "honesta sueño de trabajar" en el estudio de Disney.

Experiencia inicial de Bluth con Disney fue como miembro de la audiencia a los siete años.

Fue contratado de inmediato en 1955 como asistente animador y puso a trabajar en la Bella Durmiente. Trabajó como asistente de John Lounsberry. Por extraño que finalmente después de realizar su sueño se fue en 1957, después de sólo dos años.

De abril de 1971 lo encontró una vez más en el estudio de Disney en el nuevo programa de formación. Él fue el primero de este nuevo grupo para alcanzar el rango de animador después de sólo dos meses. Su primer proyecto como animador era Robin Hood (1973), seguido por el trabajo de Winnie the Pooh y Tigger también (1974).

Se movió hasta director de animación en Los rescatadores (1977) y luego a director de animación en el dragón Elliot (1977). Luego vino el título de productor-director en el pequeño (1978).

En 1983, Don, John y Gary formaron Grupo Bluth para trabajar en LAIR videojuego histórico DRAGON'S. Este juego enormemente popular fue seguido por otro videojuego titulado Space Ace. Trabajar en una secuela LAIR estaba en marcha cuando el negocio videojuegos estrelló. Una vez más, el estudio de Bluth se quedó sin una fuente de ingresos y el Grupo Bluth también se declaró en quiebra.

Fievel y debutó y se convirtió en la película animada más taquillera de la historia en la primera versión. Spielberg y Bluth seguido esto con En busca del valle (1987), que hizo igual de bien en la taquilla. Entre las dos imágenes, Don y su estudio se trasladaron a Irlanda de residencia en uno de los centros de animación más modernas del mundo.

Don continúa supervisando proyectos de largometrajes de su estudio de principio a fin, así como hacer una parte del dibujo.

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CARLOS CARRERA

Nació el 18 de agosto de 1962 en México.

Comenzó a filmar sus primeros cortometrajes de animación cuando contaba solo con 12 años y con ayuda de una cámara Super 8 que le prestaron. Para estos cortometrajes utilizó muñecos de plastilina que él mismo modelo.

En el año 1981 ingresó a la Universidad iberoamericana para estudiar la carrera de ciencias de la comunicación, para este tiempo ya había realizada más de 25 cortometrajes.

Debido a su inclinación hacia el cine, decidió aprender mas sobre su realización, por lo que ingresa al Centro de Capacitación cinematográfica. De los 4 cortos de animación que realiza en esta institución, el más importante fue “Malayerba nunca muerde”.

A comienzos de 1991 se estrena en privado la copia 0 de la ópera prima de Carrera, ya titulada: La mujer de Benjamín; su estreno mundial se da en el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania de 1991. Esta cinta obtuvo varios premios a nivel internacional.

En 1993 realiza su segundo largometraje “La vida conyugal”, peo este filme paso sin pena ni gloria. Paralelamente trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos, era “El Héroe” el cual fue enviado al Festival de Cannes y obtuvo el premio de la Palma de Oro, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtenerla desde María Candelaria en 1943.

Su siguiente trabajo seria “Sin remitente” por el cual obtiene varios premios Ariel, incluido mejor película y mejor director.

En 1998 filma "Un embrujo" portagonizada por Blanca Guerra, que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director.

En el año 2002 en el 2002 es invitado por Alameda Films para filmar "El crimen del padre Amaro”. EStefilme fue elegido para competir por el Oscar, logrando posicionarse entre la terna de cinco filmes que competían por la estatuilla a mejor película extranjera Luego Carrera paticipó en varios segmentos de largometrajes como en los filmes "Cero y van cuatro" (su segmento es el de Barbacoa de Chivo) y "Sexo, amor y otras perversiones" (María en el elevador); también realiza otro cortometraje de animación titulado de “Raíz” por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.

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LOS 12 PRINCIPIOS DE LA ANIMACIÓN Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época.

Estos 12 pincipios ayudaron a que el oficio de la animación pasara de ser algo novedoso a ser una forma de arte. Fueron aplicados inicialmente a los clásicos animados de Disney, como Blancanieves, en 1937, Pinocho y Fantasía, en el 40, Dumbo, en el 41 y Bambi, en 1942.

1. SQUASH AND STRETCH (Encojer y estirar):

Se aplica donde un músculo se aplica en cartoon en todo el cuerpo, Cuanto más estilo cartoon sea la animación que haces, más uso deberás hacer de esta ley, ¡pero cuidado!; exagerarlo demasiado o simplemente usarlo sin justificación puede hacer que tu animación luzca por ser mala.

2. ANTICIPATION (Anticipación): La Anticipación se basa en reservar unos frames para que el personaje haga la acción contraria a lo que se dispone a hacer; como para tomar impulso. Nuevamente, cuanto más cartoon sea, más exagerada o duradera ha de ser la anticipación.

Por su parte, la contra anticipación es la "inercia" que lleva un personaje tras realizar una acción hasta que se detiene por completo.

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3. STAGING (Puesta de escena): Es el acercamiento de un personaje u objeto puesto en la escena, hay que acomodar el escenario de los personajes para que se puedan ver sus aspectos y las cosas que hacen.

4. STRAIGHT AHEAD ACTION AND POSE TO POSE (Accion directa y pose a pose): - Straight ahead action: Se efectua cuadro a cuadro permitiendo completo control sobre el movimiento - Pose to pose: Es la animación que se produce entre cuadro clave y se controla a intervalos del tiempo permitiendo al computador rellenar automáticamente los espacios.

5. FOLLOW THROUGH AND OVERLAPPING ACTION (Acción continuada y acción desfasada): Con esta premisa deberemos tener en cuenta que existen elementos que aunque conservan la misma animación que otros, ésta ocurre con cierto desfase. Un ejemplo muy típico sería la cola de un perro; cada hueso se mueve ligeramente después que el anterior, permitiendo conseguir ese efecto de látigo en mayor o menor medida. A esta ley no hay que confundirla con la de Secondary action (acción secundaria). Como hemos dicho, la animación del elemento desfasado es la misma (suele serlo) que la del elemento que le precede; no estamos hablando de una animación independiente que viene dada por una fuerza externa o mayor.

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6. EASE IN AND OUT ON SLOW IN AND OUT (Aceleración y desaceleración gradual): Este mide la velocidad del objeto, en cierto punto el objeto tendrá una velocidad menor, pero cuando avanza, su velocidad aumenta.

7. ARCS (Arcos): Este es el movimiento de rotación formado como un arco para dar un poco mas de realismo a la animación.

8. SECONDARY ACTION (Acción secundaria): Son todas aquellas que se derivan de la acción principal, que son consecuencia de ésta y que, por lo tanto, complementan a la acción principal, pero están supeditadas a ella.

En esta ocasión trabajamos en animación continua entre una pose extrema y la siguiente de la animación principal. A lo largo de este proceso vamos creando los dibujos de ruptura que constituirán nuevos dibujos clave junto con las poses extremas y que enriquecerán y matizarán la acción.

La acción secundaria depende siempre de la acción principal, ya que mientras una dicta las fuerzas que rigen el movimiento, la otra actúa con respecto a dichas fuerzas y como reacción a ellas. La acción secundaria no es ni intencionada ni planeada por el animador, es paralela a la principal y surge espontáneamente de ella.

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9. TIMING (Noción de tiempo): Cuando nosotros realizamos nuestra animación, tenemos que tener en cuenta al momento la linea de tiempo, No obstante, el timing no consiste solamente en que las partes del cuerpo se muevan a velocidades similares, sino que engloba el resto de las otras leyes ya que si las aplicas, pero con mal timing, también serás un animador chapuzas. Conocer el timing para un plano en concreto es tan elemental que debes ser capaz de imaginarlo incluso antes de grabar una sola key.

10. EXAGGERATION (Exageración): Esto es para darle un toque de exageración a nuestro personaje, como de asombro pero con un toque humorista y exagerado, u otras cosas mas.

11. WEIGHT AND DEPTH (Peso y profundidad): En el ordenador la ley de la gravedad no existe (hablo en términos de animación de personajes; no simulación de dinámicas), por lo que nuevamente nos toca a nosotros, sufridos animadores, engañar a la audiencia haciéndoles creer que existe.

La cadera del personaje baja cuando ninguna pierna está evitando que vaya al suelo.

Por contra, una vez iniciado el contacto con el suelo y cuando esa fuerza es transmitida a la cadera (debería dejarse ver una mínima rotación), ésta empezará a subir.

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12. ACTING (Actuación y personalidad): Todo personaje tiene que tener su propia personalidad, no actuar siempre de la misma manera, el animador que sabe aplicar un buen acting se diferencia del resto por que no se limita a mover controladores, sino que dota al personaje de personalidad; lo hace actuar. Y aquí no basta con ponerle cara de asustado cuando tiene miedo o hacerlo reír cuando algo le hace gracia (es de lógica); se trata de inventar gestos, muecas, expresiones o cualesquiera recursos más o menos sutiles, más o menos evidentes, que contribuyan a reforzar la personalidad que queremos que la audiencia capte.

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ANIMADORES MEXICANOS RIGOBERTO MORA

Rigo Mora ha sido de los precursores de la animación en Guadalajara, Jalisco, México.

Ha asesorado producciones importantes, como Sin sostén, El octavo día y Hasta los huesos; ha realizado comerciales y promocionales y cuenta además con una sólida obra propia, que se caracteriza por la mínima duración y la negra ironía. Tras participar en la cinta colectiva Ángeles del fin del milénium, realizó La gran obra (1996), una minianimación de poco más de un minuto, en la que un alquimista hambriento que ha descubierto la piedra filosofal crea un suculento pavo y paraliza a un molesto lobo aullador. En ¿Gustas? (1997), Mora se entendió en tan sólo 38 segundos con las consecuencias de las drogas. En Cómo preparar un sándwich (1997), la más larga de sus cintas de animación -dos minutos y fracción-, Mora desarrolló con esculturas de plastilina una idea original de Guillermo del Toro para contarnos cómo es que un presentador de recetas termina siendo el principal ingrediente del platillo. Finalmente, en su última cinta, Polifemo (2000), recreó el Canto II del poema Altazor, de Vicente Huidobro, en el que el cíclope vislumbra la llegada de Odiseo y presiente su trágico desenlace. Este cineasta también se ha dedicado al cortometraje de acción viva: en 2001, con el guión de Encrucijada, fue el único cineasta “de provincia” (30) en ganar uno de los once apoyos que otorga anualmente IMCINE para la realización de cortometrajes. La cinta se presentó en la XVII Muestra de Cine Mexicano de Guadalajara en marzo de 2002.

En los ochentas Rigo Mora y el director Guillermo Del Toro formaron Necropia, empresa dedicada a la creación de efectos especiales. En varias ocasiones trabajó con el director de El Laberinto del Fauno (2006) asi como en algunos capítulos de la serie de televisión La hora marcada. Posteriormente, junto con el fotógrafo Sergio Ulloa, Rigo fundó el proyecto creativo 100Pies. Desde el 2004 fue consejero de cultura del estado de Jalisco en el área Cine y Video hasta su muerte.

Recientemente, Rigo fue uno de los cinco animadores seleccionados para dirigir los cortometrajes del proyecto Batallón 52, una serie de 52 cineminutos de animación con el tema de la Independencia y la Revolución mexicanas. Sus colegas Rita Basulto, René Castillo, Luis Téllez y Karla Castañeda serán los animadores del proyecto de Rigo como un legado y homenaje a su labor y aportación a la animación mexicana.

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RENÉ CASTILLO

René Castillo Rivera es un animador mexicano especializado en la técnica del stopmotion, con la que ha realizado cortometrajes como Sin Sostén y Hasta los huesos. Ha ganado más de 50 premios internacionales y una nominación a la Palma de Oro en Cannes.

Nació en el Distrito Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente. Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001). René Castillo nació en la Ciudad de México en 1969. Estudió comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores (ITESO) de Guadalajara. En 1992, tomó un curso de animación impartido por la chilena Vivienne Barry y decidió dedicarse a esta práctica.

La animación que escogió Castillo fue la clay animation o claymotion, una de las muchas formas del stop motion, que consiste en capturar animaciones de personajes hechos en plastilina. Cada pieza y personaje es una escultura de plastilina con un soporte de metal, completamente maleable e intercambiable que va cobrando vida en un set fijo, iluminado y extremadamente detallado.

En 2001, Castillo presentó su segundo cortometraje, una animación que tardó 3 años en completar. “Hasta los huesos” es una historia melancólica que habla sobre la tentación y sobre la importancia de ver el lado positivo de las cosas aún cuando todo parece ir mal.

Para Castillo cada parte del proceso de animación es sumamente interesante y por ello vale la pena el trabajo. “Me gusta mucho el material, es muy noble, el contacto directo con las manos; me fascina tener un actor a disposición de mis dedos, la idea de darle vida a un personaje de una manera absolutamente artesanal. Me gusta actuar a través del personaje. Un animador es un actor y me tardé muchos años en entender esta concepción de la animación. Uno debe actuar a través de los personajes. Tomar la misma disciplina que toma un actor cuando dice -voy a interpretar a un personaje de esta manera-.” Actualmente René Castillo imparte distintos talleres de animación y ha estado involucrado en la animación de diversos proyectos. Lo más reciente fue el trabajo que hizo, en conjunto con otros animadores para el documental Zeitgeist: Moving Forward, presentado a principios de 2011.

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CECILIA MÓNICA NAVARRO

(México, 1962). Maestra en Estudios Cinematográficos por la Universidad de Guadalajara (U de G). Estudió Special Effects Workshops Mechanical Puppetry en Nueva York. Fundadora de la Licenciatura en Artes Audiovisuales de la U de G, en donde imparte la materia de Cine de Animación Clásica. Recibió el Primer Lugar Nacional por sus cortos animados Cerraduras (1990) y Filiofobia (1997), en la categoría Video Arte Experimental (ANUIES), así como Mención Honorífica en el Festival Nacional de Artes Electrónicas (CONACULTA). Participa en el comité de selección de Doculab (FICG 2009 – 2011).Realizó sus estudios de Posgrado en la Maestría en Estudios Cinematográficos, Terminal en Investigación en el Departamento de Imagen y Sonido del CUAAD, Universidad de Guadalajara, Maestra fundadora en la Licenciatura en Artes Audiovisuales Depto. de Imagen y Sonido (CUAAD) UdeG. Recibió Reconocimiento del Rector General, por 25 años de labor docente en la Universidad de Guadalajara Mayo del 2010.

Egresada de Estudios en Cine en el Centro de Investigación y Enseñanza Cinematográfica (CIEC), bajo la Dirección de Emilio García Riera UdeG, realizo estudios en Artes Electrónicas en el Depto . de Televisión y Video de la Universidad de Guadalajara, Daniel Varela,.

Su especialidad es el Cine Animado, obtuvo Beca para estudios en New York NY, Special Effects Workshops Mechanical Puppetry en el Estudio de Carl Paolino, Scott Sliger, Bob Stck., de igual forma obtuvo la Beca IPAL, para estudios en programas infantiles en Animacion Stop Motion Plastilina, bajo la dirección del Cineasta Animador Walter Turnier.

Actualmente se desempeña como investigadora, docente y directora de cine animado en la Licenciatura en Artes Audio Visuales , Imparte las materias de Animación Clásica I, II,V, Dibujos/Stop Motion, así como en la Maestría en Estudios Cinematográficos, imparte Métodos de Análisis Cinematográfico I,II. Recibió el Primer Lugar Nacional por dos ocasiones por la Dirección de sus cortos animados Cerraduras (1990) , Filiofobia (1997) en la categoría Video Arte Experimental, ANUIES y mención Honorífica por ambos cortos en el Festival Nacional de Artes Electrónicas CONACULTA. Reconocimiento por trayectoria, Edición especial en DVD Guonderguoman, Filiofobia Nueve Artistas Mexicanas recorren sus obsesiones y miradas en video.CONACULTA (2001).

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ENRIQUE NAVARRETE

Conocido por aquellos que queremos alcanzar una carrera en la animación, es el animador mexicano más internacionalizado, siendo que sabemos que es difícil contratarse en una carrera como es la de animación. Ha participado en 4 largometrajes de la casa Dreamworks (Principe de Egipto, Antz, Madagascar y Shrek).

Enrique Navarrete nació en Jalapa, México. Comenzó a trabajar en la agencia J.C. Publicidad, en donde alcanzó a ser Director de Arte mientras terminaba la preparatoria en Ciudad de México, luego estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y posteriormente Animación en la Escuela de Animación de Sheridan, (Canadá) gracias a la que se vinculó inicialmente con Dream Works. Regresó a México y fundó la casa de animación Los hijos de su madre, que actualmente dirige. A sólo unos meses de su apertura ha realizado ya varios comerciales y tiene en proyecto series animadas para televisión y largometrajes, por supuesto, animado.

A el siempre le gustó la animación, pero no pensó nunca en dedicarse a ser animador porque era algo que no existía en México. El veía los programas de animación de Disney, los de detrás de cámaras, y le llamaban la atención. Pero sabía que era un oficio que se hacía en Hollywood, no en México. No estaba en sus planes ser animador, lo que quería era dedicarse a hacer algo gráfico. Desde que entró a la prepa se metió a trabajar en las tardes a una agencia de publicidad que estaba a una cuadra de su casa. El sabía dibujar “fui el típico niño que tenía sus cuadernos llenos de dibujos”. La primera persona que le abrió las puertas para trabajar fue Gustavo Rodríguez, en la agencia J.C. Publicidad. Gustavo es hoy el guionista de Eugenio Derbez.

Enrique Navarrete Trabajó 4 años en Leo Burnett. Todo su sueldo lo ahorró. Cuando juntó lo suficiente tomó un avión y se fué a Canadá al Sheridan College, en donde ya lo habían aceptado desde tiempo atrás. La carrera de animador era de tres años. Estudió los dos primeros, regresó a México a trabajar un año en Mac Cann Erickson como creativo, se casó y volvió a Sheridan a concluir el último año.

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GABRIEL RIVA PALACIO

Gabriel Riva Palacio Alatriste creador de Huevocartoon Quizá su nombre no sea por todos conocido, pero su ingenio y sus trazos están en la mente de la mayoría de los mexicanos, pues su primer largometraje animado: "Una película de Huevos" (2006) es considerado como uno de las 10 mejores de la década pasada, según el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), y es una de las producciones nacionales más taquilleras en la historia.

Creatividad, sentido del humor, pero, sobre todo, una tenacidad que podría rayar en la terquedad, son las características que definen a Gabriel Riva Palacio, quien, con tan sólo 36 años de edad, dio forma a lo que parecía imposible: una redituable industria de animación. Todo a partir de un simple huevo.

Todo comenzó a los 16 años cuando, durante una viaje a Orlando, tuvo contacto con un animador de películas del estudio MGM y, a sabiendas de que en México no existía una profesión similar (ni la forma de adquirir los conocimientos para ejercerla) decidió que ahí estaba su vocación.

Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales, unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un modo humorístico e irreverente. El tipo de humor utilizado es de un estilo muy particular mexicano: pícaro, burlón y con una buena medida de doble sentido; y se hace burla de estereotipos como el borracho, el macho mexicano, el político, y muchos otros. Entre las animaciones más populares se encuentran: Los Poeta Huevos, Los Huevos Rancheros, Los Huevos Bongó y Los Huevos Ahogados.

El sitio www.huevocartoon.com surgió como uno de los primeros proyectos de La Comunidad Huevo, una empresa de animación y producción fundada por Rodolfo Riva Palacio Alatriste, Carlos Zepeda Chehaibar, Gabriel Riva Palacio Alatriste y Rodolfo Riva Palacio Velasco en noviembre de 2001. Oficialmente el sitio se abrió al público el 6 de enero de 2002, y en los primeros tres meses se habían llegado ya a los 3 millones de visitas. Hacia finales del 2004 el sitio tenía ya una afluencia de 230 mil visitas diarias.

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ANIMADORES DEL MUNDO CONTEMPORÁNEO NICK PARK

Nicholas Wulstan Park (Preston, Lancashire, 6 de diciembre de 1958) es un director y animador de stop-motion inglés, creador de Wallace y Gromit, ganador de cuatro Óscar y cinco BAFTA, también fue nominado a dos Óscar, un Globo de Oro, dos BAFTA y un Emmy Nicholas Wulstan Parque nació el 6 de diciembre de 1958 en Preston, Lancashire, Inglaterra. Uno de los cinco hijos de Roger, un fotógrafo de arquitectura, y Celia, una costurera, Parque disfrutaban dibujando cómics y adoptaron la costumbre de su padre de la recogida de las piezas de recambio de todo el barrio cuando era un niño.

Parque comenzó a utilizar la cámara y piezas de su kit de costura para crear películas stop-motion de 8 milímetros de su madre, ya los 13 años terminó su primer cortometraje, Walter la Rata. A los 15 años presentó otra creación, Nightmare hormigón de Archie, a la Competencia de Cine de la BBC joven animador, la pieza no ganó, pero que salió al aire en la BBC2.

Parque estudió arte en Sheffield Ciudad Politécnica antes de pasar a la Escuela de Cine y Televisión Nacional, donde comenzó a trabajar en su primera película de Animación en Plastilina de 35 milímetros. A Grand Day Out cuenta la historia de un hombre de mediana edad llamado Wallace, que construye una cohete de fabricación casera y se lleva a su perro en silencio frustrado pero fiel Gromit al espacio para obtener un poco de queso de la luna. El producto no acabado llamó la atención de Aardman Animations Ltd. fundadores Peter Lord y David Sproxton, que contrató Park en 1985.

Una vez asegurada la atención de Hollywood, el parque y el Señor co-dirigidas Chicken Run (2001), una película de animación de largometraje distribuido por DreamWorks Studios. Un largometraje de Wallace y Gromit aventura co-dirigida por Park y Steve Box, The Curse of the Ware-Rabbit (2005) también tuvo un buen resultado para Aardman y DreamWorks, pero los dos estudios pronto terminó su asociación debido a diferencias creativas.

Un incendio en un almacén de Aardman Animations destruyó varias series y storyboards originales de Wallace y Gromit en octubre de 2005, una desgracia que fue compensado por una victoria de Oscar a Ware-Rabbit unos meses más tarde. En 2007, el Parque supervisó la producción de Shaun la oveja, una serie de televisión basada en un personaje de la A Close Shave.

El cuarto Wallace y Gromit corto, Un asunto de pan o muerte, obtuvo el parque otra nominación al Oscar en 2010, aunque la victoria se le escapó esta vez.

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TIM BURTON

(Burbank, California, 1958) Director y productor de cine estadounidense. Destacado artífice tanto de la animación como de las películas con actores reales, lo más característico de su filmografía sobresale por una excelente factura visual puesta al servicio de historias fantásticas y góticas, no exentas a veces de un humor ácido y protagonizadas con frecuencia por seres marginados o incomprendidos Desde su época de estudiante en su ciudad natal mostró un gran talento para el dibujo, lo que le llevó a matricularse en el California Institute of Arts, donde completó su formación artística. Presentó sus trabajos en los estudios Walt Disney, que serían su lugar de creación durante años. Formó parte del equipo de animadores de la compañía y participó, de ese modo, en la realización de largometrajes comoTod y Toby y Taron y el caldero mágico.

Aprovechando su buena relación con los ejecutivos de la productora, logró realizar con su financiación dos cortometrajes, Vincent (1982) y Frankenweenie(1984), que mostraron ya las características fundamentales de su cine: estética expresionista, nostalgia por los personajes del cine clásico de terror y movimientos de cámara muy similares a los empleados en el dibujo animado. Una estrella de la televisión, Pee-Wee Herman, fue el protagonista de su primer largometraje, La gran aventura de Pee-Wee (1985) durante cuyo rodaje trabajó con el músico que participaría en la mayoría de sus siguientes filmes, Danny Elfman.

En 1995 rodó uno de sus proyectos más personales,Ed Wood, cuyo argumento gira en torno al peculiar cineasta del mismo nombre, considerado uno de los peores directores de la historia del cine. En la película aparece como personaje el mítico actor de terror Bela Lugosi, excelentemente interpretado por Martin Landau. El famoso intérprete de filmes de terror es, junto a Vincent Price, uno de los actores más admirados por Burton, cuyo universo personal debe mucho a las películas por ellos protagonizadas.

Mars attacks! (1996), para muchos una obra maestra de humor ácido, no fue bien comprendida por el público estadounidense, que rechazó la sátira excesiva de su sociedad que se presenta en el filme. Tras ésta, Burton rodó Sleepy Hollow (1999), una claustrofóbica historia de terror con su actor fetiche, Johnny Depp, una inquietante Christina Ricci y un espectacular Cristopher Walken en su papel de misterioso caballero cortacabezas.

Tras Sleepy Hollow, Burton llevó a la pantalla una secuela de El planeta de los simios protagonizada, entre otras, por su para entonces compañera sentimental, Helena Bonham Carter. La película, considerada por muchos como fallida, supuso un cierto descalabro para el director, aunque no fue ningún obstáculo para contratar de nuevo a una gran estrella, Ewan McGregor, para protagonizar otra fantástica película titulada Big fish (2003), en la que la historia de la vida de un padre moribundo sirve de hilo conductor para narrar la relación con su hijo y el mundo de fantasía creado para éste.

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HAYAO MIYAZAKI

Nació en Tokio el 5 de enero de 1941. Su padre dirigía un negocio que fabricaba timones para un avión de guerra, por lo que desde muy pequeño Miyazaki desarrolló una gran fascinación tanto por la aviación como por la literatura bélica, algo que más tarde reflejaría en sus películas a través de la inclusión de toda clase de artefactos voladores y su pacifismo. Por otro lado, su madre, una mujer fuerte por la que sentía una gran admiración, influiría decisivamente en una de la señas de identidad de su cine: las mujeres resolutivas y de gran temperamento, una rareza para la cultura nipona.

Fuera del ámbito familiar, su principal referencia fue Osamu Tezuka, “el padre del manga”, por el que el joven Miyazaki se aficionó a dibujar. A pesar de sus dotes artísticas, Hayao estudió Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Gakushuin (Tokio), años durante los que leyó a muchos autores occidentales que marcarían su forma de narrar historias. Al finalizar su etapa universitaria entró como intercalador (encargado de dibujos entre movimientos) en Toei Doga, por aquel entonces una recién creada empresa de animación. Poco a poco fue adquiriendo puestos de mayor responsabilidad dentro de la misma, en la que conoció a Isao Takahata, que se convertiría en uno de sus principales colaboradores.

Dentro de Studio Ghibli, donde poseerá libertad de movimientos, Miyazaki se embarcará en la dirección y el guión de títulos como El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Nicky, la aprendiz de bruja (1989), Porco Rosso (1992) o La princesa Mononoke (1997), su proyecto más ambicioso, que supuso su consagración como maestro de la animación japonesa pero cuyo esfuerzo estuvo a punto de retirarle del cine. Tras este punto de inflexión, Miyazaki volvería con fuerzas renovadas y en plena madurez como creador para elaborar el tramo más brillante de su carrera con películas como El viaje de Chihiro (Oscar a la mejor película de animación 2002), El castillo ambulante (2004) o Ponyo en el acantilado (2008), intercaladas todas ellas de labores de producción o guión en títulos menores de Studio Ghibli.

Su última película es Kaze Tachinu (2013), basada libremente en la novela del mismo nombre escrita por Tatsuo Hori, y la vida de Jirō Horikoshi, ingeniero creador del célebre caza de combate Mitsubishi A6M Zero que Japón utilizó en la II Guerra Mundial.

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AKIRA TORIYAMA

(Nagoya, Japón, 5 de abril de 1955) es un dibujante de manga. Se conoce principalmente por sus obras Dr. Slump, Dragon Ball, Blue Dragon y por el diseño de personajes de las franquicias Dragon Quest y Chrono Trigger.

Entró en 1974 en la Escuela Superior Industrial, inmediatamente después fue contratado por una empresa de publicidad en Nagoya, trabajó allí durante tres años, pero la falta de interés y la mala relación con sus jefes le condujo a la decisión de retirarse y a dedicarse al manga. Su vida de mangaka empezó con una publicación en Shonen Jump de Shūeisha. Más tarde crearía muchas otras historias para esa revista y, posteriormente, recogidas en tomos. Gracias a sus populares personajes, Toriyama se hizo inmensamente popular en Japón y en el extranjero gracias a su obra Dragon ball durante la década de 1990, en la primera década del siglo XXI su fama ha decaído debido al menor éxito de sus producciones más recientes.

Sus últimos trabajos han sido la supervisión de dos nuevas adaptaciones de Dragon Ball, la nueva OVA de Dragon Ball Z (Ossu! Kaette kita Son Gokū to nakamatachi!!), con motivo del 40 aniversario de la revista Weekly Shounen Jump, de Editorial Sueisha. Recientemente supervisó Dragon Ball Kai, la remasterización de Dragon Ball Z. Y finalmente realizó la película más reciente de la saga de Dragon Ball,Dragon ball Z: La batalla de los Dioses, que se estrenó en cines en marzo de 2013.

El éxito de Toriyama también lo ha llevado a trabajar en el diseño de personajes de varios videojuegos. De manera, particular, en la popular serie de videojuegos de rol Dragon Quest (conocida principalmente en Estados Unidos como Dragon Warrior).

También diseñó los personajes del videojuego de rol Chrono Trigger para Super Nintendo y Super Famicom y del popular juego de peleas Tobal No. 1 para PlayStation y también de su secuela Tobal No. 2, que sólo fue publicada en Japón, al día de hoy trabaja diseñando los personajes para el Dragon Ball Online. Su última incursión fue para la consola Xbox 360 donde aporta con su arte para el juego de rol Blue Dragon.

Además del videojuego, también se implicó en la serie del mismo nombre.

Blue Dragon es el último anime con diseños de Akira Toriyama. Se basa en el videojuego del mismo nombre, y se centra en un mundo donde las sombras cobran vida propia. El protagonista de esta historia es un joven llamado Shu, quien tiene por sombra a Blue Dragon, el cual repite los movimientos que el chico realiza.

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CRAIG BARTLETT

(Craig Michael Bartlett 18 de octubre 1956 en Seattle, Washington) es un animador más conocido para la creación de la serie de televisión Oye, Arnold! Su primer trabajo, después de graduarse de Evergreen State College en Olympia, Washington, fue a Will Vinton Studios en Portland, Oregon. Además de trabajar en Hey, Arnold! También trabajó para Rugrats en sus primeras temporadas.

Incluso antes de eso, Craig trabajó en un viejo cómic llamado Arnold que fue un precursor del tipo de Hey, Arnold!, Ya que contó con Arnold, Helga, Harold, y hasta los inicios de algunos otros personajes. La banda apareció en Simpsons Illustrated a principios de 1990. Craig también se utiliza para hacer la animación en plastilina: hizo varias versiones de Arnold en Sesame Street durante ese mismo tiempo, y también hizo un personaje llamado Penny en Playhouse de Pee Wee. Entre su obra más reciente es la película para televisión Cartoon Network Party Wagon, producido como un piloto para una serie de animación sobre los colonos que se dirigían hacia el noroeste. Sin embargo, CN no se ha recuperado de la serie (a partir de agosto de 2007).

Craig Bartlett señaló, en una charla en el día del décimo aniversario Hey Arnold 's, que ha dejado de Cartoon Network. Actualmente está trabajando en una película para la NASA. Él está casado con Lisa Groening, hermana de El creador Simpsons Matt Groening.

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PERSONAJE =Imagen y Animaci贸n Digital= Silvia Fernanda Hern谩ndez Montes de Oca

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=Imagen y Animación Digital=

Desarrollo del personaje

Perfil Psicológico e Historia Nombre: Esmeralda Edad aparente: 23años Descripción general: Saibor experto en pelea con aspecto de mujer Descripción física: Cabello corto y rojizo con las puntas blancas, tez clara, ojos café claro, nariz respingada, cuerpo contorneado y estatura de 1.70.

Vestuario: camisa blanca, chaleco negro, falda negra (lleva debajo un short del mismo color) y botas negras con listones blancos.

Datos generales: Como parte de un proyecto avanzado y complementario posee un complejo sistema, el cual le ha permitido desarrollar sentimientos como todo ser humano, al igual que la capacidad de decidir y razonar. Los materiales de los cuales está recubierto su cuerpo son totalmente impermeables pero terminales táctiles sensibles; carece de necesidades fisiológicas.

Estatus Social: Ya que ha sido adoptada por una pareja de ancianos que vive en el campo es de clase media.

Gustos: Le agrada nadar, llegar a la casa de sus supuestos “padres” y pasar un momento agradable con ellos, tiene cierta atracción por las vivencias extremas, le agrada caminar bajo la lluvia mientras reflexiona, su estación favorita es el invierno y encuentra en la naturaleza cierta paz que resulta ser indescriptible para ella.

Preferencias: Está en contra del maltrato ecológico, ya que éste es uno de los motivos por los cuales fue enviada a la Tierra, prefiere evitar el tener que relacionarse con la gente, ya que suele encariñarse con aquellos que son buenos; trata de ocultar sus sentimientos de los demás, haciéndose ver como una persona fría e insensible .

Problemáticas: • En un principio actúa con demasiada violencia.

• Enfrentamiento con fuerzas demasiado poderosas que provocan que se realice una investigación de ella y por consecuencia su persecución.

• Conforme va pasando el tiempo los sentimientos llegan a apoderarse de ella.

• La organización que se ha encargado de enviarla trata de quitarle el autocontrol, pues comienza a percibir cierta rebelión de su parte.

• Experimenta el dolor de la pérdida de personas cercanas a ella.

• Más adelante le es enviada otra máquina con los previos ajustes para no volver a cometer el mismo error, esto con el propósito de aniquilarla y cumplir la misión antes encomendada.

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Historia: En un planeta sin nombre, el cual se encuentra a trecientos años luz de la tierra, existe una gran civilización semejante a la humana, con la gran diferencia de que ésta mucho más desarrollada en cuestión de tecnología y estructura política. A cierta organización del mismo se le ha encomendado la tarea de destruir a todos aquellos planetas que sean un obstáculo para el desarrollo de toda forma de vida existente en el universo. Al igual que otros planetas, la actividad en la tierra ha sido monitoreada durante tres años, y al ver que la violencia, guerra, injusticia y la mala apreciación de ésta sobreabundan, se ha tomado la decisión de aniquilarlo, por ser para ellos, una raza totalmente inútil que lo único que genera es sufrimiento para sí.

La organización toma la decisión de enviar uno de sus saibors especiales, los cuales son utilizados para la guerra ,éste posee un increíble aspecto de mujer, pero con un gran detalle, con el fin de poderse relacionar estrechamente con la raza humana, se le ha dotado de la capacidad de poder sentir, es decir experimentar las emociones de toda persona (amor, odio, tristeza, dolor…). De la misma manera, se tomó la decisión de que pudiera tomar decisiones propias con el fin de conocer la influencia de la humanidad en ella.

Se le ha encomendado como misión recaudar información de cada una de las vivencias experimentadas sólo para tener un archivo de control para su debido almacenamiento, el cual será enviado directamente a las personas encargadas del proyecto de relación; este proceso sólo durará dos años, después de ello se le ha dado la orden de autodestruirse, es decir, dentro de ella existe una especie de bomba nuclear construida de elementos nunca antes conocidos, los cuales generan la suficiente energía y potencia para acabar con toda la tierra. Ésta máquina ya posee información acerca de lo que es, su misión y del porqué de la desaparición de tal planeta, así que a partir de ello genera dentro de sí un sentimiento de rechazo y violencia hacia éste. No es enviada a través de una nave sino por medio de un portal dimensional que tiene conexión con un lago que se encuentra entre montañas en una zona rural, donde vive una pareja de ancianos que se dedican a la cerámica y el tejido.

Fue en una madrugada cuando una anciana escuchó a su perro ladrar, y sin despertar a su marido, tomó un cobertor, lo puso sobre su espalda y salió a ver lo que ocurría y al ver a una joven mojada y desde su punto de vista siendo atacada por el perro corrió a ayudarla, al principio la máquina actúa un poco violenta, pero al no encontrar maldad en los ojos de aquella persona comienza a calmarse.

La mayoría de las cosas son desconocidas para ella y por no revelar su identidad no contesta a ninguna de las preguntas que la anciana le hace, así que ésta toma la decisión de ponerle el nombre de Esmeralda debido a la pérdida de su pequeña hija de 10 años en aquel lago, de donde ella suponía se había salvado ésta joven (El mismo lago que le había arrebatado a su hija, recompensaba su sufrimiento con otra).

A partir de este acontecimiento es como Esmeralda comienza a ver la otra cara de la moneda en el afecto que ésta pareja desarrolla para con ella, tiene una casa a la cual regresar cuando ella así lo desee, pero no tiene que dejar de lado su misión así que tiene que salir con el propósito de reunir la información requerida, pero en el transcurso de su camino se encontrará con distintas personas y situaciones que le ayudarán a entender la complejidad de las cosas, lo cual ocasionará un cambio en su forma de pensar y actuar.

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