Bitácora Historia del Arte II

Historia del arte II MTRA. FABIOLA ALCALÁ AHTZIRI SHIEBI AGUILAR LUJANO

Ramas de almendro en flor- Van Gogh

Art must be life — it must belong to everybody.

Marina Abramović

Portrait- Emilio Villalba

Finding your fish - James C. Christensen

MIEDO

PLACER

INCERTIDUMBRE

CONTEMPLAR

Sin título- Alexandra Levasseur

SUEÑO RECURRENTE DIENTES

La incertidumbre es uno de los factores que a veces no me deja dormir y me da miedo dejarle invadir mis pensamientos.

También hace que sienta de todo pero a la vez incompleta.

Puedo estar por horas sentada observando algo y no me aburro, me gusta observar, poner mi atención en el sonido del agua, el aire en mi rostro y ver la luz que atraviesa las cortinas de mi ventana por las mañanas y como las personas se relacionan con el mundo..

El que más tengo presente es que se me van cayendo los dientes y se desfigura mi rostro.

IMPRESIONISMO SIGLO

XVIII

WATER LILIES -MONET

IMPRESIONISMO "Importancia del instante, el momento"

El impresionismo ha sido un movimiento artístico modernista que se originó en la Francia del siglo XIX como una reacción contra las rígidas reglas de la “pintura académica” de aquella época.

Fue el último movimiento clásico y la primera vanguardia.

No son políticos como los otros movimientos y respondía el impresionismo a la incógnita ¿cómo veo el mundo?

Las técnicas utilizadas en el impresionismo lo distinguen de la forma tradicional de representar escenas cotidianas.

El movimiento se caracterizaba por pintar una escena con colores brillantes y cuidar la iluminación.

Características El movimiento se caracteriza por ir en contra de las fórmulas artísticas.

Realizar una representación del mundo instantánea. Otros puntos claves son: -La noche toma gran importancia.

-Interés por el color -Obsesión por la luz: no se interesan por los objetos si no como éstos están tocados por las fuentes de iluminación.

-Eliminación de detalles minuciosos.

-Formas con ilusión de movimiento y realidad.

ARTISTAS

RENOIR 1841-1919 Francia

Luz natural Efectos cromáticos

Mujer con sombrilla en un jardín

"El tema no importa si no la búsqueda que los conecta".

MANET 1832-1883 Francia

Acercamiento a a la realidad Capta la realidad y la fugacidad con una pincelada rápida, directa y empastada, Iniciadores del movimiento

El almuerzo sobre las hierbas

DEGAS

MONET 1840-1926

1834-1917 Francia

Francia

Captar los instantes Vida cotidiana Obsesión con el movimiento Personajes en el entorno

El ensayo

Dramático contraste tonal Abstracción de la realidad Líder del movimiento

wisteria

CINE DE ATRACCIONES S.A. (2013)

"Captura del instante"

Nombrado así por el crítico de cine Tom Gunning a finales de los años 80, el cine de atracciones nació en las primeras imágenes de personas en situaciones habituales filmadas por los hermanos Lumiere.

Se llegó a nombrarlo así puesto que el cine era considerado como un espectáculo de feria, antes de 1908, el cinematógrafo era una atracción para los ciudadanos que asistian a las ferias ambulantes.

Al no existir el cine narrativo entre los años 1905 y 1909, el espectador era pasivo y se buscaba captar una emoción instantánea que le sorprendiera y dejara impactado.

L'ARRIVE D'UN TREN DU GAREHERMANOS LUMERE

CUBISMO SIGLO

XX

ACROBATE AU SAUT PÉRILLEUX + LES GRANDS FONDS- JACQUES VILLON

CUBISMO

"Todo acto de creación en primer lugar es un acto de reconstrucción"

El cubismo nace en 1907, fue el crítico Vauxcelles, que visitó una exposición de Braque y escandalizado definió su obra como «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a ínsipidos cubos». De aquí es que nace el concepto.

La tesis principal de esta vanguardia es que " No todo lo que vemos es igual y todas las vistas son válidas". No siempre se busca comunicar, si no expresar.

El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad.

Su inspiración es la fotografía, la industrialización, la cuarta dimensión y las esculturas africanas.

Características El cubismo se caracteriza principalmente por el empleo y abstacción de formas geométricas pero también tiene como características: -La Ruptura del principio de la imitación.

-Síntesis de la geometrización.

-Supresión de la perspectiva.

-Uso del claroscuro.

-La descomposición.

-La predominación de la forma sobre el formato.

Mujer de rojo- Jaques Villon

CUBISMO ANÁLITICO

CUBISMO SINTÉTICO

Los tres músicos- Pablo Picasso Violín y Jarra- Georges Braque

Descompone piezas Monocromía de tonos azules y ocre.

Geometrización No faltan piezas aunque se fragmente

Predominación del color rojo Collage Importancia general y no solamente en algún objeto Se sintetiza todo Surge a inicios de la Primera Guerra Mundial

ARTISTAS CUBISTAS

1882-1963 Francia

PABLO PICASSO 1881-1973 España

Casas en estanque

JAQUES VILLON 1875-1963 Francia

Mujer con sombrero y cuello de piel

LOUIS MARCOUSSIS 1878-1941 Francia

Les trois ordres

JUAN GRIS 1887-1927 España TATE

Mujer sentada

KROW TSETAL RUO

GEORGES BRAQUE

DADAร SMO

Collage- Hanna Hรถch

DADAÍSMO

"Cuestionamiento del arte ¿qué es el arte? "

El dadaísmo es un movimiento artístico y cultural surgido en Suiza en 1916, que aglutinó exponentes de los distintos géneros artísticos (como pintura, literatura, música o escultura) en una franca oposición al Positivismo imperante en la época y a su concepto de razón.

El dadaísmo fue breve pero significativo en su deseo de irrupción y rebeldía contra la lógica y el orden establecido.Al hacerlo, además, el dadaísmo le aporta al arte un constante cuestionamiento sobre lo que es y lo que no es arte, debate que será intensificado por las vanguardias posteriores y que se mantendrá como una parte del arte contemporáneo hasta nuestros días Fuente: https://www.caracteristicas.co/dadaismo/#ixzz6K7cr6Cro

Características

El cubismo se caracteriza principalmente por el cuestionar lo que es el arte y crear a partir de la experimentación.

"DADA IS ANTIDADA"

--Protesta continua contra las convenciones de su época.

– Actitud de burla total y humor.

-Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

-Collage de diversos materiales. Fotomontajes.

-Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

-Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

ARTISTAS

HANS RICHTER

MAN RAY

1888-1976 Alemania Pintura Gráficos Revista DADA

1890-1976 Estados Unidos Fotógrafo Pintor Cineasta

Autumn

DUCHAMP

Dora Maar

1887-1962 Alta Normandía Pintura Escultura Cinematografía

La fuente

HUGO BALL 1886-1927 Alemania Escritor Ensayista Poeta

MAX ERNEST 1981-1976 Francia Pintor Escultura

Árbol solitario y árboles cónyuges

JEAN ARP 1887-1966 Franco-Alemán Pintor Escultura Diseñador Poeta

Concreción humana II

SOPHIE TAEUBER 1889-1943 Suiza Pintora Escultura

composition with diagonals and cross

Harun Farocki Volver a mirar

El trabajo de Farocki me gusta, me pareció interesante el discurso que maneja entorno a la imagen y el found footage.

Algunas de estas ideas que me parecen relevantes son que el mundo del cine produce muchas imágenes pero no piensa en las que produce. Que no sabemos mirar. Que no queremos ver lo que no queremos pero tampoco lo que no sabemos.

El concepto de resignificar las imágenes creo que también es lago que a veces se escapa, que resignificat también es un acto politico y que nos da una oportunidad de volver a mirar.

Farocki fue un cineasta, realizador de televisión y videodocumentalista alemán. Entre 1974 y 1984 fue redactor de la célebre revista de cine Filmkritik; sus artículos destacaron por el rigor y el compromiso moral.

Farocki perteneció al Nuevo cine alemán. Su obra se centra en el cine experimental, con una carga de denuncia muy manifiesta; y la mayoría de su cine es de ese tipo documental.

Utiliza mucho material de archivo, material ajeno, recortes de películas, anuncios publicitarios, cámaras de vigilancia, entre otras cosas. A partir de eso se cuestiona la imagen en la sociedad. Muchos de los temas que se notan en las obras de Farocki son temas de política, represión, abuso del poder, guerras, sociedad, entrevistas, filosofía, vida cotidiana, etc.

Info: Centro de cultura contemporánea de Barcelona

SURREALISMO

Los amantes- Magritte

SURREALISMO El arte surrealista es una corriente artística que tiene su base en Francia en la década de 1920; este modelo de arte busca inspirar olvidando la realidad, de tal forma que el artista encuentre una forma de encerrarse en sí mismo, en un impulso imaginario e irracional.

Esta vanguardia artística causó en un inicio mucha controversia, pues rompía con las leyes de la pintura tradicional, con el objetivo de captar la atención directa del espectador, con imágenes fuera de la realidad y en ocasiones nada figurativas.En el arte surrealista el artista no representa vivencias pasadas, por el contrario, representa una realidad que está en el inconsciente o los sueño, de aquí que el arte surrealista sea uno de los estilos de arte más difícil de comprender e interpretar.

El surrealismo tuvo sus inicios en la poesía, extendiéndose posteriormente a la pintura y escultura, concluyendo con la ideología comunista con un enfoque político.

Fuente: Capital del arte

Características -Representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad -La imaginación se utiliza como lógica.

-Los artistas inventan universos figurativos propios.

-Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.

-Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento

ARTISTAS El surrealismo creo que trajo con él grandes artistas, en lo personal, Dorothea Tanning, René Magritte y Remedios Varo son de mis artistas favoritos. De este movimiento me gusta muchísimo la libertad al plasmar, la búsqueda y creación de otros universos, es un movimiento muy creativo.

A continuación son algunos de los artistas del surrealismo: Salvador Dalí (1904- 1989) España. Pintura, fotografía, escultura, dibujo, escultura. Aparición de un rostro y un frutero en la playa.

René Magritte (1889-1967) Bélgica. Pintura. Golconda.

Frida Kahlo (1907-1954) México.Pintura. Unos cuantos piquetitos.

André Breton (1896-1966) Francia. Escritor, poeta. Novela Nadja.

Joan Miró (1893-1983) España. Pintura, escultura, grabado y cerámica.

Bodegón del zapato viejo.

Remedios Varo. (1908-1963) España-México.Pintura. Armonía.

Leonora Carrington (1917-2011) Reino Unido-México. Pintura, escritura, escenografía.. The inn of the dawn horse.

Dorothea Tanning (1910-2012) Estados Unidos. Pintura, grabado, escultura, novelista, ilustradora. Some roses and their phantoms.

Luis Buñuel (1900-1983) España-México. Director de cine. Viridiana.

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EXPRESIONISMO ALEMÁN PÍCTORICO

EXPRESIONISMO ALEMÁN El expresionismo Alemán surge en 1912 con influencias del post-impresionismo.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador Fuente: Arte España

Características -Cargar las imágenes de emoción.

-Deformación de la realidad expresándola de firma subjetiva.

-Tristeza -Colores fuertes y puros, formas retorcidas y composición agresiva.

-Expresar la naturaleza de los sentimientos.

-Reponderancia al cuerpo humano.

El beso- Edward Munch

S A TSI T R A

Selfportrait with beard

Inger en la playa

Chaim Soutine

Edvard Munch

Vasily Kandinsky

(1893-1943) RUSSIA-FRANCIA PINTURA

(1863-1944 NORUEGA PINTURA

(1866 -1949) RUSSIA PINTURA

The Foxes

Blankenese

Blue painting

Castillo y sol

Franz Marc

Erick Heckel

Paul Klee

(1880-1916) ALEMANIA PINTURA

(1883-1970) ALEMANIA PINTURA/ ARTISTA GRÁFICO

(1879-1940) SUIZA PINTURA

CINE EXPRESIONISTA ALEMÁN El cine expresionista alemán constituye uno de los momentos fundamentales en la historia del film de arte. El Gabinete del Doctor Caligari (1919), de Robert Wiene (tres imágenes de este film se muestran arriba); Nosferatu (1922) de F.W. Murnau; o Metrópolis (1926), de Fritz Lang, constituyen sus principales faros.

El cine expresionista surge en el período inmediato al fin de la Primer Guerra Mundial ( 1919 a 1926). Éste cine se caracteriza por atmósferas cargadas, simbolismos continuos, un uso contrastado de la luz y unos decorados que deforman la realidad hasta el extremo de la locura, uno de los temas recurrentes del movimiento. Los directores que desarrollaron este movimiento buscaban mostrar, de forma externa, un estado de ánimo interior de los personajes.

Pero no solo se apoyaban en la fotografía o en los decorados, sino que las posiciones y angulaciones de cámara también se extremaban, a través de picados o contrapicados, para conseguir el efecto deseado.

INFO: Formación audiovisual.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Door to the river - Lois Wachner Salomon

EXPRESIONISMO ABSTRACTO El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar- Jackson Pollock

El expresionismo abstracto surge posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

El expresionismo abstracto forma parte de las segundas Vanguardias, e inicia después de los inicios del siglo XX . Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría

Características - Fijar el instante donde el tiempo tiene una presencia -El proceso es más importante que la misma obra -Fascinación por la soledad -Pintar se vuelve un ritual -Improvisación

North atlantic light- Willem de kooning

ARTISTAS

Point of tranquility

Shell flower

Black Poles

Morris Louis

Lee Krasner

Jackson Pollock

(1912-1962) ESTADOS UNIDOS PINTURA TÉCNICA DRIPPING SOBRE TELA SIN PINTAR

(1908-1984) ESTADOS UNIDOS PINTURA

(1912–1956) ESTADOS UNIDOS PINTURA

STAN BRAKHAGE LATNEMIREPXE OEDIV

Cineasta experimentalKansas City (Estados Unidos), 1933 Victoria (Estados Unidos), 2003 James Stanley Brakhage, más conocido como Stan Brakhage, fue un director de cine no narrativo estadounidense. Es considerado como una de las figuras más importantes del cine experimental del siglo XX. A lo largo de cinco décadas, Brakhage creó una obra vasta y diversa, explorando una variedad de formatos, enfoques y técnicas que incluían cámara en mano, pintado del celuloide, corte rápido, montaje en cámara, arañazos en la película, cine collage y el uso de exposiciones múltiples.

Interesado en la mitología e inspirado por la música, la poesía y los fenómenos visuales, Brakhage trató de revelar lo universal en lo particular, explorando temas como la natalidad, la mortalidad, la sexualidad y la inocencia. Las películas de Brakhage destacan a menudo por su expresividad y su lirismo.

Video experimental Este es una manera de liberar cosas Contar algo, solo expresarlo Hacer sentir INFO: Centre de cultura contemporanea de Barcelona

POP ART

Shot Marilyns-Warhol

POP ART El Pop Art surge a finales de la década de los años 50's. en Inglaterra y Estados Unidos.

Es una crítica al arte mencionando que éste debería ser para todos. Con el Pop Art, se comienzan a recortar fronteras y se abren íncognitas obre cómo es que se veneran a los objetos sobre cosas que son mas importantes.

Con el Pop Art se producen imágenes que tienen que ver con la cultura popular, con aquellas imágenes con las que todo el mundo se relaciona y conoce, además que se encuentra una nueva manera de reproducirlo.

"La nueva belleza es reproducible aunque sea transitoria o perecedera".

Características - Empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad, el consumo y la sociedad en masa.

-Se ve el arte como un gran negocio.

- Es popular, transitorio, prescindible, barato, producido en masas, ingenioso, juvenil, glamoroso.

My parents- David Hockney

S A TSI T R A

Orange Prince

Drowning girl

Lucky Strike

Andy Warhol

Roy Lincheistein

Keith Haring

(1928-1987) ESTADOS UNIDOS PINTURA/ CINE

(1923-1997) ESTADOS UNIDOS PINTURA/ ESCULTURA/ARTISTA GRÁFICO CÓMIC

(1958-1990) ESTADOS UNIDOS PINTURA/ ACTIVISTA

Dormitorio Pintura

Sin título

Fashion Plate

Tom Wesselmann

David Woyna Ronicz

Richard Hamilton

(1931-1992) ESTADOS UNIDOS PINTURA

(1954-1992) ESTADOS UNIDOS PINTURA/ FOTOGRAFIA/ ESCRITURA/ACTIVISTA

(1922-2011) ESTADOS UNIDOS PINTURA

FOTOGRAFÍA “I DON’T TRUST WORDS. I TRUST PICTURES.” — GILLES PERESS

ROBERT CAPA Robert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman Y Gerda Taro.

Endré nació en Budapest, Hungría, en 1913. Pronto emigró a Berlín por sus ideas de izquierdas. Allí comenzó a trabajar en la agencia de noticias Dephot En 1933 emigra a París, huyendo de Hitler. Es allí donde conoce a sus futuros socios de la agencia Magnum, Henri Cartier-Bresson y David Saymour "Chim". Con ellos comienza a fotografiar las revueltas provocadas por el Frente Popular.

En París conoce también a la fotógrafa Gertha Pohorylle, que era una joven refugiada de la Alemania nazi.

Endré murió en 1954 tras pisar una mina en Vietnam mientras acompañ aba a un destacamento francés.

Robert Capa es mundialmente conocido por sus fotografías de gu erra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba dura nte la Guerra Civil Española y se llama "Muerte de un miliciano".

Gerda Taro es una de las pioneras en la fotografía documental, es de lo más increíble sobre todo, valiente.

Apodada como " El pequeño zorro rojo" por su juventud, astucia y color de pelo, es la alma mater del seudónimo Robert Capa como firma de las fotografías que le dieron fama profesional en su corta vida Endré conoció a Gerda y pronto se convirtió en su pareja y lo acompañó a multitud de viajes.

Gerda murió en Brunete en 1937 atropellada por un tanque en la guerra civil española en 1937.

LA MALETA MEXICANA En un armario de una casa del Distrito Federal, en tres pequeñas cajas envuelta s en una bolsa de plástico del seguro social, pasó sus últimos 20 años de incóg nito parte del relato fotográfico de la Guerra civil española. Más de 4.000 negati vos de tres de los grandes fotógrafos del siglo XX, Robert Capa, David Seymour, alias Chim, y Gerda Tardo, que llegaron a México en el equipaje de vuelta del e mbajador de México en Francia entre 1941 y 1942, el general Francisco Aguilar González. Fueron sus herederos quienes entregaron a Benjamin Tarver, un me xicano al que le gustaba la fotografía, las tres cajas cargadas de negativos. Él las guardó en un armario, dentro de una bolsa de plástico.

Mientras los negativos que se creían perdidos desde 1939 languidecían en Méx ico, Cornell Capa, hermano de Robert y fundador del International Center of Ph otography de Nueva York (ICP), llevaba años de búsqueda infructuosa.

Un día de 1995 Tarver visitó una muestra de fotografía en la Ciudad de México y algunas de las imágenes le resultaron familiares. Solo entonces empezó a ser consciente de lo que atesoraba y a buscar la forma de darlos a conocer. Sus co ntactos con Cornell Capa y el ICP de Nueva York para sacar del armario la Histo ria, aunque bienintencionados, nunca fluyeron. Tras 10 años de cartas y desenc uentros, fue a través de la mediación de la curadora de fotografía y cineasta bri tánica afincada en México Trisha Ziff y del escritor mexicano Juan Villoro que los negativos volaron a Estados Unidos en 2008. iNFO: El país

HENRI-CARTIER BRESSON Cartier Bresson es conocido como el padre de la fotografía del instante. Es Uno de mis fotográfos documentalistas favoritos, creo que en sus imágenes logra captar además de lo que está sucediendo, generar una composición interesante.

Nació en Chanteloup en 1908. Estudió pintura con Lohte y asistió a la Universidad de Cambridge por dos años en donde estudió pintura y literatura. En 1931 comenzó su carrera como fotógrafo.

En 1934 permaneció en México por un año con una expedición etnográfica de 10 personas a cargo de Julio Brandán. En 1934 expuso en el Palacio de Bellas Artes a lado de Álvarez Bravo. En 1935 trabajó como fotógrafo independiente en Nueva York y estudió cine con Paul Strand. En 1940 fue prisionero de guerra en Wurtemburg y escapó en 1943 para trabajar con las unidades fotográficas del clandestinaje francés y ayudar en la liberación de presos. Se unió al grupo de fotógrafos que registraron la liberación de Paris y realizó Le Retour, documental del regreso de los prisioneros de guerra y los deportados.

Desde mediados de los años cuarenta trabajó como fotógrafo independiente residiendo en Paris. En 1947 fundó la Agencia Magnum con Capa, Seymour y Rodger. Desde 1974 se dedicó al dibujo. Murió en 2004.

INFO: Fotográfica MX

NAN GOLDIN

Fotógrafa estadounidense, nació en Washington, D.C., en 1953. Estudió en la escuela alternativa Satya Community School, donde empezó a experimentar con la fotografía.

Sus estudios en arte los hizo en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston. Recibió la beca del National Endowment for the Arts y la beca de residencia del D.A.A.D., Berlin, la cual le permitió desarrollar el proyecto The Other Side, terminado en 1992. Su trabajo puede leerse como retratos sociales, aunque los modelos de estos retratos no son gente desconocida, sino personas allegadas a su vida. Hace fotografía de género, mostrando un interés en la dinámica sexual de las relaciones. Sus temas son la amistad, la homosexualidad y el erotismo. Su obra está influenciada por la fotografía de modas y la cultura de masas. iNFO: Fotográfica MX

NOBUYOSHI ARAKI Sobre la fotografía de Araki, me gustó la busqueda por nuevas composiciones, creo ademas que su trabajo y los temas que aborda en sus imágenes hablan sobre su búsqueda como creador y creo que también encontrar ese punto es algo muy enriquecedor.

Nobuyoshi Araki es un fotógrafo japonés (nacido el 25 de mayo de 1940 en Tokio) cuyos aspectos propios son la ruptura con la fotografía tradicional, el uso de erotismo y la elegancia de sus producciones fotográficas.

"Si yo no hiciera fotografía, no tendría absolutamente nada. Mi vida es totalmente sobre la fotografía, y por eso la vida es ella misma fotografía.Después de la muerte de Yoko, no quería fotografiar ninguna otra cosa que no fuera la vida. Sin embargo cada vez que disparaba, obturaba sobre la muerte, porque si haces fotografías, entonces detienes el tiempo. (…) escucha bien : fotografiar es asesinar". -Araki Info: Cada día un fotógrafo

ANNIE LEVOBITZ Annie Leibovitz es una de mis fotógrafas favoritas. La fotografía de conciertos es uno de mis géneros favoritos y la carreda de Annie dentro de éste me ha insipirado y me emociona, además que creo es una de las fotógrafas que se ha ido revolucionando y buscando nuevas técnicas a través de los años de lo ánalogo a lo digital.

Sobre Annie Leibovitz, ella nació 02 de octubre 1949, en Waterbury, Connecticut. En 1970, ella tomó un trabajo en la revista Rolling Stone. En 1983 comenzó a trabajar para de la revista de entretenimiento Vanity Fair. Durante la década de 1980, Leibovitz empezó a trabajar en una serie de campañas publicitarias de alto perfil. Desde la década de 1990 hasta la actualidad, ha estado publicando y exponiendo su obra.

Info: Club de fotografía

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JOAN FONTCUBERTA El trabajo de Foncuberta me gusta por el ejercicio que realiza con la fotografía y la crítica que hace sobre la verdad de la imagen y cómo es que esta también se legitima. Me parece interesante también la búsqueda de la reflexión sobre las imágenes y su composición, se me hace de lo más cool.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha desarrollado durante más de cuatro décadas una actividad artística en el ámbito de la fotografía que se ha centrado en los conflictos entre naturaleza, tecnología, fotografía y verda. Se califica a sí mismo de homo photographicus. Y es que Joan Fontcuberta lleva experimentando con la fotografía y sus lenguajes más de 40 años. Redes sociales, móviles, saturación de imágenes…

Todo se une en este pionero del arte fotográfico, convertido en uno de sus teóricos esenciales.

Fontcuberta representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.

La obra de Joan Fontcuberta se inscribe en una línea crítica de la concepción de la fotografía como evidencia de lo real. Muchos de sus trabajos versan sobre el ‘poner en duda’ la verdad que se le otorga a las imágenes fotográficas.

Info: El cultural y la gráfica

MARINA ABRAMOVIC AN ARTIST’S CONDUCT IN HIS LIFE: An artist should not lie to himself or others An artist should not steal ideas from other artists An artist should not compromise for himself or in regards to the art market An artist should not kill other human beings An artist should not make himself into an idol…

An artist should avoid falling in love with another artist AN ARTIST’S RELATION TO SILENCE: An artist has to understand silence An artist has to create a space for silence to enter his work Silence is like an island in the middle of a turbulent ocean AN ARTIST’S RELATION TO SOLITUDE:

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An artist must make time for the long periods of solitude Solitude is extremely important Away from home, Away from the studio, Away from family, Away from friends An artist should stay for long periods of time at waterfalls An artist should stay for long periods of time at exploding volcanoes An artist should stay for long periods of time looking at fast-running rivers An artist should stay for long periods of time looking at the horizon where the ocean and sky meet An artist should stay for long periods of time looking at the stars in the night sky

Planti Corner | 2020

PERFORMANCE

Marina Abramovic nació en Belgrado en 1946, es la artista de mayor proyección mundial en el ámbito de la performance.La influencia de su carrera, desde el comienzo en los años setenta, no ha hecho más que aumentar en el ámbito de la performance y como icono femenino.

Buen ejemplo de ello lo encontramos en los nuevos dulces franceses denominados macarons, con sabor a Marina Abramović,que dan cuenta del nivel de comercialización y capitalización de su figura como producto mercantilizado.

En su trabajo suele llevar hasta límites insospechados la exploración sobre el propio cuerpo y la figura del artista,habiendo sido el dolor uno de sus intereses más destacados.

En el documental La artista está presente se menciona que el performance surge en los 70 como un contrincante a la pintura, una crítica, ya que el performance no es algo que se pueda colgar en una pared y es el cuerpo mismo se usa como un medio para el arte.

Este tipo de arte es momentáneo, cuyo registro queda en la memoria de los asistentes, también este puede quedar grabado en imágenes, sin embargo, lo que tiene el performance es que también se comparten sensaciones y en el momento se pueden experimentar diversas emociones o el performance puede llevar al actuar en ese momento de alguna manera.

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Info: Historia del arte

LA ARTISTA ESTÁ PRESENTE

El trabajo de Marina Abramovic me parece interesante por los discursos que toma referentes al cuerpo, el ser humano, las relaciones humanas, la violencia... y les da un significado y crítica a través de sus presentaciones. En el I documental se menciona que Marina usa su cuerpo para hablar, algunas veces puede ser violento o provocativas. Ella es directa y desafia a la audiencia. Lo que hace es que comparte la experiencia entre los artistas y los asistentes. Marina menciona que el performance es un estado mental Me gustó conocer parte de su proceso creativo para The Artist is present y las frases que menciona sobre el arte me parecieron de lo más bonitas. El concepto de estar en el presente, los meses de preparación que tuvo con su equipo para llegar a los días de la presentación en el MOMA creo que habla de lo importante que es para ella el poder generar ese lazo emocional con el asistente.

Creo que el momento clave cuando comprendí sobre esta pieza fue cuando ella dice "It's not me, I become the mirror of theirselves", me pareció super profundo llegar a este punto, al igual cuando decide quitar la mesa y que probablemente no tenía significado alguno pero quitarla significaba que no habría barrera que interviniera, la hacia también más vulnerable.

Me gustaría concluir sobre lo que ella dice del artista y que me gustó mucho.

El artista tiene que ser un guerrero, determinación y resistencia para dominarse no solamente otros territorios si no así mismo y sus debilidades. Y se me hizo curioso que dijera que el arte no solamente es creativo, físico, si no también administrativo.

ร GNES VARDA

"Esto es todo lo que necesitas en la vida: una computadora, una cรกmara y un gato"

Ágnes Varda Fotógrafa, artista plástica, directora de cine, guionista, artista, profesora de universidad, directora de fotografía, productora de cine y editora de cine Varda dedicó gran parte de su energía al cine, aunque en la década de los años 50 había sido fotógrafa profesional e incluso fotógrafa titular del Festival de Aviñón cuando lo dirigía el igualmente mítico Jean Vilar.

Casi siempre se ha identificado a Agnès Varda con François Truffaut, Jean-Luc Godard o Claude Chabrol, referentes del movimiento francés de finales de los 50, la nouvelle vague Varda nación en Bélgica, Francia 30 de mayo de 1928 y falleció. ala edad de 90 años 29 de marzo de 2019. Directora de cine francesa, considerada como la "abuela de la Nueva Ola Francesa" y una de las primeras mujeres en incursionar en el cine feminista. A lo largo de su trayectoria fue acreedora de varios premios como el Leon de Oro del Festival de Cine de Venecia por Sans toit ni loi (Sin techo ni ley), el Premio Cesar por su autobiografía las Playas de Agnes y el Oscar Honoríficoen 2017 por sus aportaciones a la industria cinematográfica.

Su primera película fue La pointe courte, donde se observa el impacto de la Nueva Ola del Cine Francés al igual que en Cleo de 5 a 7 (1961). Otra de sus obras más destacadas es Sin techo ni ley (1985), protagonizada por Sandrine Bonnaire, quien dio vida a una vagunda que intenta sobrevivir día con día.

Sus películas, documentales y vídeo-instalaciones guardan un carácter realista y social. Toda su obra presenta un estilo experimental distintivo.

INFO: SENSACINE/ EDUCOMUNICACIÓN

LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA Esta película documental me gustó mucho por la interacción que va realizando Ágnes con las personas, haciendo preguntas bien sencillas, pero que, sin embargo, van enlazándose en el desarrollo del documenta. Mi parte favorita fue cuando Ágnes toma el reloj de la basura y menciona que le venía perfecto por que así no tendría que preocuparse por el tiempo o algo así, me pareció de lo más chistoso, también me gusta como va describiendo cada uno de sus pasos, por ejemplo cuando llega a la casa y comienza a describir y mostrar lo que ve, creo que con esto logra generar un espacio más íntimo entre la película y el docu, o por lo menos eso sentí yo.

ROSTROS Y LUGARES IEs imposible ver este documental y no amar a Ágnes, es de lo más adorable y disfrutable esta película, me encantó. Varda es una cineasta admirable, le dedico toda su vida a la cinematografía, incluso el año pasado de su nacimiento se fue con Varda por Ágnes.

Esta cineasta fue increíble, creo que algo que me gusta mucho es que su trabajo lo hace muy personal.

Con rostros y lugares me pareció muy bonito el camino que recorre junto a JR llevando fotografía en gran formato a pequeños espacios, también creo que este documental invita a reflexionar sobre algunos espectos de la vida, en lo personal me emocionó mucho verla a ella entrándole a todo, buscando aún en sus últimos años de vida crear.

Sobre las fotografías, ya conocía el trabajo de JR y la colaboración con Varda estuvo increíble.

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MURALISMO MEXICANO

El muralismo en México tuvo sus inicios años posteriores a la revolución, sin embargo, fue en los años 20 cuando tuvo su mayor auge. Este movimiento fue importante para el país puesto que proyecto a México internacionalmente como un lugar en el que se estaba inovando y había cultura.

El muralismo tiene como idea central que "El arte debe ser para el pueblo y que debe pintarse en sus paredes". Este movimiento también se desarrollo como una respuesta a la derecha, como un movimiento crítico a la política.

Me gustó que se nombraran obreros de la brocha, también las ideas centrales del movimiento que menciona el documental y las pongo aquí: -Antimperialistas y revolucionarios -Declaran la destrucción del capitalismo -Producción colectiva y artesanal -La brocha -Somos obreros de la brocha -El nacionalismo -Que la gente vea los cuadros -La prioridad del mural ante el caballete -El trabajo colectivo -Destrucción del egocentrismo -Trabajo disciplinario del grupo I

DIEGO RIVERA Diego Rivera fue uno de los pintores más relevantes dentro de la escena artística en México. Oriundo de la ciudad de Guanajuato (1886), Rivera supo toda su vida que se quería dedicar al arte y no fue para menos ya que incluso falleció en su estudio ubicado en San Ángel.

Rivera estudió en Bellas artes en San Carlos, después se fue unos años a europa donde su estilo de pintura se volvió más hacia las vanguardias de la época como lo eran el cubismo y los frescos.

Habiendo conocido a un gran número de pintores el nombre de Diego Rivera comenzaba a tomar popularidad. Fue a los 34 años cuando regresó a México y pintó su primer mural "La creación", el cual fue el inicio de su trabajo que lo proyectaría como un exponente importante del muralismo en México.

Sus pinturas plasmaban su ideología comunista,

era

famoso por plasmar obras de alto contenido político y social en edificios públicos. Se sabe además que era un personaje querido por las personas.

ORIGEN DE LA VIDA (1952) De los murales que más llamó mi atención fue El origen de la vida, éste se encuentra en el interior del Cárcamo de Dolores, un edificio localizado, en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec en Ciudad de México.

Me gustó por que creo que es muy narrativo, creo que algo cool de los murales es que pueden contar una historia a través de una imagen y además éste tiene movimiento en sus líneas, las figuras y cómo esás van evolucionando desde una célula. El hecho que también sea el primer mural subacuático llamó mi atención, además que es un homenaje para los trabajadores de la planta que se encargaban de llevar el agua a las casas de los habitantes.

ALFARO SIQUEIROS Me acuerdo tener un acercamiento a la vida de Siqueiros hace un par de semestres atrás y esto por la relación que entabló con el fotógrafo Leo Matiz.

Me parece interesante como Siqueiros comienza a revolucionar la manera de la pintura y utiliza elementos como la fotografía y el cine como soportes de referencia.

Me acuerdo muy bien de la pintura Nuestro presente ya

La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos(1971) No me puedo imaginar todo el trabajo de Siqueiros para poder realizar este mural, me parece uno de los más increíbles que llegó a realizar. Otro de los puntos de los murales que creo es que pueden llegar a ser muy envolventes y creo que éste es uno de ellos.

Me gustan los colores, la saturación y los contrastes que se generan con el negro. Además se me hace muy interesante como se adapta a la forma arquitectónica y también el discurso de unidad que va con él creo que es poderoso.

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que su colega Matiz le ayudó a tomar una fotografía y ahí tuvieron un ligero desacuerdo sobre de quién era ésta, si de Leo Matiz por hacer click o de Siqueiros por guiarlo.

Se ha también dicho que Siqueiros era un hombre algo duro, mezquino, pero supongo que es por su historia de vida, ya que nacido en Hermosillo, de joven le tocó ser parte del movimiento de la revolución.

Su primer mural fue los Elementos (1922). Ayudó a formar la sociedad de Artistas y fue varias veces encarcelado por sus discursos políticos. Del trabajo de siqueiros me gusta como enaltece a los índigenas y expone el trabajo de la clase obrera como crítica social.

Sus murales son increíbles, las brochas y los contrastes que también forman me gustan un montón.

STREET ART En lo personal este tipo de expresión artística es una de las que más me gustan. Comencé ilustrando inspirándome en estilos de artistas de este tipo.

Me gusta mucho además por que es una manera de tomar los espacios públicos y hacerlos galerías, también deja ver que el arte puede ser consumido por todos in importar su clase social.

Uno de mis grupos favoritos de artistas son The Broken Fingaz Crew, me gustan los colores que emplean, el estilo, y la libertad con la que usan diferentes temas y los mezclan.

MR.BRAINWASH VS. BANSKY He de comenzar diciendo que este documental me pareció de lo mas chistoso, me reí muchas veces creo que Thierry Guetta lo hace muy ameno con sus ocurrencias y cosas que dice. Hubieron partes como cuando todos esperaban el documental pero nunca iba a llegar y que él solamente grababa pero no volvía a ver las cintas hasta que Bansky le pregunta sobre su pelìcula y comienza a hacer el montaje. Se me hizo muy curioso como él con seguridad afirma que es un director de cine aunque Bansky dice en la entrevista que se dió cuenta. a ver la película que no lo era. Sobre los artistas que reconocí también estaba Space Invaders y Shepard Fairey (me acordé del Barto).

Mr. Brainwash es el seúdonimo para el arte de Thierry Guetta, proveniente de Francia quién radica ahora en L.A. haciendo películas y street art. Suele mezclar iconos culturales contemporáneos e imágenes de la cultura pop histórica para crear un híbrido poco convencional entre el pop art y el graffiti.

Bansky es un artista británico Influenciado por diversas corrientes situacionistas y la cultura Pop en general, su trabajo es siempre una crítica política, social y cultural a Occidente. Él toma los espacios ya sea con spray, stencil, o esculturas e instalaciones, adoptando posturas irónicas y un políticas ante los temas que representa.

Si bien el estilo se parece por el stencil, creo que también aquí habría que mencionar la influencia en Banksy de Blak Le Rat en Banksy y este último en Mr. Brainwash, no creo que sean similares en la parte de comunicar, ya que los temas que aborda Bansky tiene que ver con crítica social y política, al contrario de Mr. Brainwash, que si bien opino que lo que diseña está divertido y se ve cool, es más una cuestión de obtener reconocimiento y dinero.

También es diferente su manera de trabajo puesto a lo que se sabe Banksy trabaja solo y en cambio Mr. Brainwash se hizo de un equipo para producir sus ideas, ahí la verdad yo entro en conflicto por que ¿no sería más bien un trabajo colectivo?

Sinfonía de ciudades “La década de 1920 fue un periodo clave en el desarrollo de las ciudades", escribe el cartógrafo y explorador urbano, Eric Brightwell. No sólo se vivió el comienzo de la velocidad en las dinámicas internas de la sociedades, sino que también se manifestó una fascinación por la arquitectura como elemento capaz de resguardar la historia y evolución del espacio que se habita.

En un censo realizado en 1920 se reveló, por primera vez, que el número de estadounidenses que vivía en las ciudades era mucho mayor al de aquellos que aún permanecían en aldeas, villas o pueblos. En esos años, específicamente en 1925, el destacado arquitecto Le Crobusier comenzó a escribir su serie, 1925 Expo: Arts Déco, y muy pronto, el art déco se asumió como uno de los estilos arquitectónicos más estrechamente asociados con la construcción de rascacielos.

Brightwell añade que “la década de 1920 también dio lugar a la sinfonía de la ciudad”. Este término ha sido definido como una obra audiovisual, cercana al estilo documental, que presenta un retrato de la vida cotidiana dentro de una ciudad intentando capturar la esencia y el espíritu de ese lugar.

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INFO: En filme https://enfilme.com/notas-del-dia/videos-sinfonias-de-la-ciudad-una-coleccion-de-filmes-que-retratan-losespacios-urbanos-en-la-decada-de-1920

Berlín, sinfonía de una gran ciudad W.Ruttman Me gustó este documental, creo que no había visto alguno así antes.

Me pareció interesante la manera en como narra cada uno de los sucesos y va mostrando partes de la ciudad por fragmentos.

Por ejemplo en el primer capítulo podemos ver la soledad de las calles, lo que me gustó de este fragmento es lo descriptivo que era con las imágenes, esto me hizo reflexionar sobre el peso de la imágen y por ejemplo en las partes donde había sonido, comenzaba otro hilo narrativo o era para acentuar. Me pareció de lo más cool utilizar la música de esta manera.

Las imágenes me parecen maravillosas, los encuadres y el contraste de la película. Estaba pensando y probablemente si hubiera sido diferente el que tuviese diálogos por que por lo menos yo, si me iba imaginando probablemente sonidos de vez en cuando.

El hombre de la cámara- Vertov

Honestamente vi un fragmente de El hombre de la cámara, por momentos me distraje mas que en Berlín. Probablemente por que escuchaba sonidos por todos lados y me era un tanto difícil concentrarme, sin embargo, hay puntos que me parecieron interesantes sobre este documental.

Se me hace buenísimo que desde el inicio del filme se explique por que la película no contiene lenguaje oral, ni sonido, ni siquiera silencios o textos de diálogo. La idea de plantear un lenguaje universal para poderse ver sin importar el idioma y que se pueda transmitir un mensaje, me parecío de lo más increíble, creo que habla muy bien de la visión o lo que se quería lograr con esta película.

También me gustó como la cámara se maneja cámara como un ojo fílmico con un nivel superior al humano.

BAUHAUS

La Bauhaus o Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fue una escuela de artesanía, artes, diseño y arquitectura que ha sido reconocida mundialmente por su aportación en el diseño.

Fundada en 1919 en Weimar, Alemania, la Bauhaus cuenta con tres periodos históricos importantes: su primer periodo con la dirección de Walter Gropius; su segundo periodo en 1925 con su traslado a Dessau y el nombramiento de un nuevo director Hannes Meyer, que más tarde sería destituido por Ludwig Mies van der Rohe; Y finalmente con el traslado de la escuela a Berlín y su inminente cierre a causa del régimen fascista en 1933.

El manifiesto de fundación de la Bauhaus alentaba el regreso de la artesanía y el arte como unidad y vinculación al ámbito social.

INFO: Glocal Design Magazine

La Bauhaus se define por ser una escuela revolucionaria, experimental, radical. Ésta trataba de definir las bases del nuevo mundo después de la guerra, una nueva sociedad necesitaba de nuevos artistas. El color, el triángulo, cuadrado y el círculo, se volvieron códigos identificadores de la Bauhaus. Trataba de establecer un canon creativo universal.

Me gustó como en el documental habla de la mezcla de estilos diferentes y propios. SObre la que en la diversidad se encuentras las demandas de nuevos tiempos, que eso era lo que buscaba la Bauhaus la mezcla de varios mundos, creo que eso es un elemento que me gustó mucho escuchar y que se puede crear algo muy cool con lo que es distinto

Blue painting

Castillo y sol

Vasily Kandinsky

Paul Klee

(1866 -1949) RUSSIA PINTURA

(1879-1940) SUIZA PINTURA

WALTER GROPIUS Fundador de la Escuela Bauhaus (1883-1969) ALEMANIA/ ESTADOS UNIDOS ARQUITECTURA/URBANISMO/ DISEÑADOR Ancient Writing

Astatic

Annie Albers

Josef Albers

(1899-1994) ALEMANIA TEJIDO/DISEÑO GRÁFICO

(1888-1976) ALEMANIA/ESTADOS UNIDOS PINTURA/FOTOGRAFÍA/ DISEÑO

Esta es una de las pinturas que mas me gustó de la Bauhaus, Circles in a circle, me gusta por que apesar de que pareciese que solamente son cñirculos y líneas, buscan una composición con estos y el color, ademas que se ve con movimiento. Uno de los elementos que también mencionaba el documental que son importantes al notar es la luz y creo que podría nostarse con ello las líneas de colores que inician en los extremos.

Si bien, la Bauhaus trajo consigo una experimentación visual através de la pintura y el diseño gráfico, me gustó el que este movimiento también se haya plasmado en la arquitectura y en los objetos cotidiano creo que le dio al diseño industrial un giro contemporáneo muy cool, además de que se buscaba con ello que fuera funcional.

Circles in a circle (1923) / Kandinsky

El recorrido que realizamos por diversas vanguardias, movimientos y estilos me pareció de lo más enriquecedor, encontré nuevos artistas los cuales me interesaron y que también me hicieron pensar en otros modos de creación. Uno de los puntos que me gustó mucho es cuando se mencionó en clase que no todo el arte debe significar algo, que hay obras que son para lograr hacer sentir. Esto me hizo reflexionar también en el trabajo que hay para representar algo aún sea con líneas o con videos de archivos, de transformar y generar un discurso entorno a ello, eso se me hizo de lo más interesante.

Me quedo también con la idea de volver a mirar y de pensar en lo que queremos comunicar o hacer sentir, el ejercicio que realizamos una vez en clase sobre hacer líneas creo que habla también de que a veces está chido liberarse y utilizar el arte como un ejercicio catártico. En la bitácora anoté unos datos y su fuente para que no se me olviden y pueda volver a buscarles.

Gracias por compartir y leerme.

Grey Fireworks- Helen Frankenthaler