Go Big Red

The chant.

The team.

The energy.

The art

The exhibition Go Big Red presents numerous perspectives on the power of red—the school color chosen by University of Nebraska students in 1892.

Each artwork was selected from the museum’s collection by a member of the university community—a network that extends from the campus to the city of Lincoln, the state, and beyond. The chosen works span history, genres, styles, and media, just as the participants and their reflections represent the distinctive individuals who have come together to realize this exhibition.

Go Big Red was organized by Erin Hanas, curator for academic and campus engagement, in collaboration with forty-five guest co-curators, including students, staff, faculty, administrators, athletic coaches, alumni, and friends of the university.

El cántico. El equipo. La energía. El arte.

La exposición Go Big Red presenta numerosas perspectivas sobre el poder del rojo, el color elegido por los estudiantes de la Universidad de Nebraska en 1892.

Cada obra de arte fue seleccionada de la colección del museo por un miembro de la comunidad universitaria, una red que se extiende desde el campus hasta la ciudad de Lincoln, el estado y más allá. Las obras elegidas abarcan diferentes épocas, géneros, estilos y medios, del mismo modo que los participantes y sus reflexiones representan la riqueza humana que ha forma a esta exposición.

Go Big Red ha sido organizada por Erin Hanas, curadora de participación académica y universitaria, en colaboración con cuarenta y cinco co-curadores invitados, entre los que se encuentran estudiantes, personal, profesores, administradores, entrenadores deportivos, antiguos alumnos y amigos de la universidad.

Exhibition support is provided by/ el patrocinio para esta exposición es provisto por:

Phyllis Acklie

BNSF Railway

Rhonda Seacrest

Union Bank & Trust

University of Nebraska Foundation

University of Nebraska–Lincoln

College of Journalism and Mass Communications

The co-curators

Marco Barker

Associate Professor of Practice in Educational Administration

Joe Bowen

Research Engineer Cornerstone Research Group

Airalon Chatters

Student College of Business

Lawrence Chatters

Senior Vice President of Strategic Initiatives and Capacity

Thurgood Marshall College Fund

John Cook

Former Head Coach Volleyball

Josh Davis

Vice Chancellor for Institutional Strategy and External Relations; Chief of Staff to the Chancellor

Sydney DeRoin

Sheldon Student Ambassador

Oliver Estes

Sheldon Student Ambassador

Ezinma

Violinist

Jill Flagel Director

Faculty and Staff Disability Services

Tom Gannon

Professor of English and Ethnic Studies; Indigenous Studies Liaison

Tim Gay

Willa Cather Professor of Physics and Astronomy

Leirion Gaylor Baird

Mayor City of Lincoln

Jordan Gonzales

Staff Senate Executive Advisor (2025–26), President (2024–25); Senior Director of Alumni Engagement Nebraska Alumni Association

Mark Griep Professor of Chemistry

Frauke Hachtmann

Professor and William H. Kearns Chair in Journalism

Matthew Jamison

PhD Student Chemistry

Lisa Knopp

Professor of English University of Nebraska–Omaha

Linda Kuku

2025 Graduate College of Journalism and Mass Communications, Broadcasting

B Littman

Student College of Engineering

Susan Longhenry Director

Sheldon Museum of Art

Tanner Maas

Student

College of Business; Drum Major, Cornhusker Marching Band

Albert Maxey

Lieutenant, Retired Lincoln Police Department

Charlene Maxey-Harris Professor and Associate Dean University Libraries

Richard Moberly

Dean and Richard C. & Catherine S. Schmoker Professor of Law

Nick Monk Director Center for Transformative Teaching

Stephen Morin Associate Professor of Chemistry

Lance C. Pérez

Fred Hunzeker Dean of Engineering; Omar H. Heins Professor of Electrical and Computer Engineering

Matt Rhule Head Coach Football

Liz Ring Carlson Vice President of Corporate Communications, Community Relations, and Meetings and Travel Ameritas

Daniel Schachtman

Director, Nebraska Center for Biotechnology; George Holmes Professor of Agronomy and Horticulture

Kody Schweitzer

Sheldon Student Ambassador

Bennie Shobe

Lincoln City Council; Program Analyst, Nebraska Department of Labor

Kevin Sjuts

Sports Director 10/11 News

Francisco Souto Director, School of Art, Art History & Design; Willa Cather Professor of Art

Jeffrey R. Stevens

Susan J. Rosowski Professor of Psychology; Director, Canine Cognition and Human Interaction Lab; Center for Brain, Biology & Behavior

Maegan Stevens-Liska

Assistant Vice Chancellor for Global Affairs and Senior International Officer

Maya Tanikawa-Brown

2025 Graduate College of Agriculture and Natural Resources, Food Science and Technology

Tyler White

Faculty Director, Honors Program; Professor of Practice in Political Science; Director, National Security Program

Amy Williams Head Coach

Women’s Basketball

Kennadi Williams Student

College of Arts and Sciences; Women’s Basketball and Softball

Campbell Windrum

Sheldon Student Ambassador

Mimi Yu

Sheldon Student Ambassador

Jeff Zeleny

Chief National Affairs Correspondent

CNN

Mike Zeleny Vice Chancellor for Business and Finance

The first thing that struck me about this work were the footsteps that look like they’re taking a step into the dark. Leaving the colorful and warm comfort of the known for the sometimes frightening unknown. This image has a particular meaning for me as a Black woman— sometimes just leaving the house can feel like I’m stepping into a frightening unknown. I’ve had many negative and racially charged interactions with neighbors and peers, and when I was younger that made it difficult to leave my house, full of warmth and love. The unknown remains frightening until one takes those first few steps, as daunting as they may be. For me this artwork feels like courage, like bravery. I hope that my perspective helps you look at this print differently and helps give you courage to take those first steps.

Lo primero que me llamó la atención de esta obra fueron las pisadas que parecen dar un paso hacia la oscuridad. Dejar atrás la comodidad colorida y cálida de lo conocido para adentrarse en lo desconocido, que a veces da miedo. Esta imagen tiene un significado muy particular para mí como mujer negra: a veces, simplemente salir de casa puede sentirse como entrar en algo aterrador e incierto. He tenido muchas experiencias negativas y cargadas de racismo con vecinos y conocidos, y cuando era más joven eso me dificultaba salir de mi casa, que estaba llena de amor y calidez. Lo desconocido sigue siendo aterrador hasta que uno da esos primeros pasos, por más abrumadores que parezcan. Para mí, esta obra se siente como coraje, como valentía. Espero que mi perspectiva te ayude a ver esta impresión de otra manera y que te dé valor para dar esos primeros pasos.

Linda Kuku (BJ ‘25)

College of Journalism and Mass Communications, Broadcasting

Derrick Adams Silver Lining

Derrick Adams born Baltimore, MD 1970

Silver Lining, 2022

Screen print, relief, and collage

Printed by Tandem Press, Madison, WI

27 × 20 ¼ inches

University of Nebraska–Lincoln

Mercedes A. Augustine Acquisition Trust and the Helen Y. Thomson Fund

Ilya Bolotowsky Red Tondo

Ilya Bolotowsky’s Red Tondo is more than a painting—it’s a visual call to action. Its bold geometry and striking red palette invite us to consider how balance, focus, and boldness can elevate both art and life. In Bolotowsky’s carefully composed world of circles, lines, and arcs, we see a clear metaphor for leveling up: the pursuit of precision, growth, and harmony.

The circular canvas challenges the viewer to think beyond the usual boundaries of the square, just as our team challenges conventional limits to push forward and achieve more. The dominant red commands attention, much like the passion and determination needed to rise to the next level in any endeavor. Meanwhile, the subtle interplay of other colors and lines reminds us that collaboration and adaptability are essential to growth.

As a team, we embody this spirit of leveling up. Like Bolotowsky’s masterful use of space, we strive for balance between ambition and strategy. And, like the bold red that anchors this work, we approach every challenge with unwavering intensity.

Standing before Red Tondo, we are reminded: the path to greatness requires focus, creativity, and the courage to redraw the boundaries of what’s possible. Let’s level up together—Go Big Red!

Tondo Rojo, de Ilya Bolotowsky, es más que una pintura: es un llamado visual a la acción. Su geometría audaz y su impactante paleta roja nos invitan a reflexionar sobre cómo el equilibrio, el enfoque y la valentía pueden elevar tanto el arte como la vida. En el mundo cuidadosamente compuesto de Bolotowsky; hecho de círculos, líneas y arcos, vemos una metáfora clara del crecimiento: la búsqueda de la precisión, el desarrollo y la armonía.

El lienzo circular reta al espectador a pensar más allá de los límites habituales del cuadrado, así como nuestro equipo desafía los límites convencionales para avanzar y lograr más. El rojo dominante exige atención, como la pasión y la determinación necesarias para llegar al siguiente nivel en cualquier esfuerzo. Al mismo tiempo, la interacción sutil de otros colores y líneas nos recuerda que la colaboración y la adaptabilidad son esenciales para crecer.

Como equipo, encarnamos ese espíritu de superación. Al igual que el manejo magistral del espacio de Bolotowsky, buscamos un equilibrio entre la ambición y la estrategia. Y, como ese rojo potente que sostiene la obra, enfrentamos cada desafío con una intensidad inquebrantable.

De pie frente a Tondo Rojo, recordamos: el camino hacia la grandeza requiere enfoque, creatividad y el valor de redibujar los límites de lo posible. Subamos de nivel juntos ¡Go Big Red!

Amy Williams (BS ‘98)

Head Coach Women’s Basketball

Kennadi Williams

Student, College of Arts and Sciences Women’s Basketball and Softball

St. Petersburg, Russian Empire 1907–New York, NY 1981

47 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

H-1520.1968

Ilya Bolotowsky

Red Tondo, circa 1967–68

Oil on canvas

Some art immediately draws you in—it makes you feel something or remember someone, for example. Other art, you must spend time with. For me, Alexander Calder’s Sumac II falls in the latter category. I had to spend time with it, observe it, think about it. And then I began to see it. Birds. Leaves on a fall day. The skeleton of a fish perhaps. Something paradoxically organic and industrial all at the same time. The deeper you look and the more patient you are, the more you see. The artwork is as much about the air around it (and the light and shadows it casts) as it is about the vibrant red metal and wire that forms it. Sumac II subtly moves in response to its environment; it gracefully maintains balance and a sense of equilibrium. On this day and in this moment, these are the qualities that speak to me—subtly, grace, balance, and equilibrium in response to forces around us. Go Big Red!

Algunas obras de arte te atrapan de inmediato; te hacen sentir algo o recordar a alguien, por ejemplo. Otras requieren tiempo. Para mí, Sumac II, de Alexander Calder pertenece a esta segunda categoría. Tuve que pasar tiempo con ella, observarla, reflexionar. Y entonces empecé a verla. Pájaros. Hojas en un día otoñal. Tal vez el esqueleto de un pez. Algo que es paradójicamente orgánico e industrial al mismo tiempo. Cuanto más profundo miras y más paciencia tienes, más ves. La obra trata tanto del aire que la rodea (y de la luz y las sombras que proyecta) como del vibrante metal rojo y alambre que la conforman. Sumac II se mueve sutilmente en respuesta a su entorno; mantiene con gracia el equilibrio y una sensación de armonía. Hoy, en este momento, estas son las cualidades que me hablan: sutileza, gracia, equilibrio y armonía en respuesta a las fuerzas que nos rodean. ¡Go Big Red!

Josh Davis Vice Chancellor for Strategy and External Relations Chief of Staff to the Chancellor

Alexander Calder Sumac II

Variable 29 ¼ × 48 × 35 inches

Nebraska Art Association

Gift of Mr. and Mrs. Frederick S. Seacrest N-529.1979

© 2025 Calder Foundation, New York / Artists Rights

Alexander Calder

Lawnton, PA 1898–New York, NY 1976

Sumac II, 1952

Sheet metal, wire, and paint

Clarence Holbrook Carter Mandala No. 2

I am drawn to this screen print for two primary reasons. First, as someone familiar with the traditional mandala of eastern religions, I find Clarence Holbrook Carter’s softening of the traditional linear geometric shapes soothing and inviting. Its relative simplicity and lack of clutter is also appealing and, for me, induces a sense of calm the more time I spend with it. Second, I find the use of color very effective and clever. The dramatic reds, something I usually associate with anger or unrest, draw me to the work, while the pseudo-concentric ovals and lighter shades of red lead my eyes to the small circle of light. The dark band at the bottom grounds the whole piece and provides a reference. It is as if the artist is asking the viewer to bring their anxieties, worries, and anger into a tunnel and then to gradually traverse it with the promise of light and hope at the end.

Me siento atraído por esta serigrafía por dos razones principales. Primero, como alguien familiarizado con el mandala tradicional de las religiones orientales, encuentro que la suavización que hace Clarence Holbrook Carter de las formas geométricas lineales tradicionales resulta reconfortante y acogedora. Su relativa simplicidad y la ausencia de elementos recargados también me resultan atractivas y, en lo personal, me inducen una sensación de calma cuanto más tiempo paso frente a la obra. Segundo, me parece que el uso del color es muy efectivo e inteligente. Los rojos intensos, que normalmente asocio con la ira o la inquietud, me atraen hacia la obra, mientras que los óvalos pseudo concéntricos y los tonos más claros de rojo conducen mi mirada hacia el pequeño círculo de luz. La franja oscura en la parte inferior le da estabilidad a toda la pieza y actúa como punto de referencia. Es como si el artista nos pidiera llevar nuestras ansiedades, preocupaciones y enojos a través de un túnel, para luego atravesarlo poco a poco con la promesa de luz y esperanza al final.

Lance C. Pérez

Fred Hunzeker Dean of Engineering

Omar H. Heins Professor of Electrical and Computer Engineering

Clarence Holbrook Carter

Portsmouth, OH 1904–Hunterdon County, NJ 2000

Mandala No. 2, 1969

Screen print

29 5⁄8 × 21 11⁄16 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of Peat, Marwick, Mitchell & Co. U-3658.1985

Eating watermelon on a hot, sunny summer day. It’s a slice (pun intended) of Americana. Seeing Ned Cartledge’s Watermelon Slices instantly takes me to the Fourth of July—the most American day of the year. It’s also a great day for baseball for sports fans like me. Call it the perfect doubleheader—fireworks and fastballs, family and food. And no combination would be complete without watermelon. Ice-cold, cut-thick watermelon piled high on a picnic table.

In Cartledge’s sculpture, the bold, playful watermelon slices look ready to be passed around after a backyard ballgame. We’d play until the sun started to set, then gather with stained shirts and dusty knees. Each of us would grab a watermelon slice like it was a trophy. Forget the sticky hands and the seeds spit to the ground. The anticipated watermelon feasts were the perfect conclusion to an unforgettable day at the ballfield. Cartledge’s Watermelon Slices doesn’t just depict watermelon—it celebrates it.

There’s something about watermelon that tastes like childhood and tradition. And in this sculpture, you can feel that. It’s not just about fruit—it’s about moments. The kind that stay with you long after the last sparkler burns out and the final pitch is thrown.

This work of art hits just like a walk-off homer: simple, sweet, and straight to the heart of summer.

Comer sandía en un día soleado y caluroso de verano. Es una rodaja del alma estadounidense. Ver Rodajas de Sandía de Ned Cartledge me transporta instantáneamente al Cuatro de Julio; el día más estadounidense del año. También es un gran día para el béisbol, para quienes amamos los deportes. Es el doble juego perfecto: fuegos artificiales y rectas rápidas, familia y comida. Y ninguna de esas combinaciones estaría completa sin la sandía. Sandía bien fría, cortada en gruesas rodajas y amontonada en la mesa del picnic.

En la escultura de Cartledge, las rebanadas de sandía, audaces y juguetonas, parecen estar listas para repartirse después de un partido de béisbol en el patio. Jugábamos hasta que empezaba a caer el sol, luego nos reuníamos con camisetas manchadas y rodillas polvorientas. Cada quien tomaba una rodaja de sandía como si fuera un trofeo. No importaban las manos pegajosas ni las semillas escupidas al suelo. Aquellos festines de sandía eran la conclusión perfecta de un día inolvidable en el campo de juego. Rodajas de Sandía no solo representa sandía: la celebra.

Hay algo en la sandía que sabe a infancia y a tradición. Y en esta escultura, se siente eso. No se trata solo de fruta, se trata de momentos. De esos que se quedan contigo mucho después de que se apaga la última estrellita y se lanza el último strike.

Esta obra de arte impacta como un jonrón con el que se gana el partido: simple, dulce y directo al corazón del verano.

Kevin Sjuts Sports Director

Ned Cartledge Watermelon

Cartledge

Canon, GA 1916–Atlanta, GA 2001

Slices, 1980/81

7 ¾ × 13 ¼ × 5 3⁄16 inches

6 ½ × 15 7⁄8 × 5 7⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln

Dale D. Brodkey Memorial U-4967.1-2.1998

Ned

Watermelon

Painted wood

Sarah Charlesworth Candle

Through composition, color saturation, and conceptual depth, Sarah Charlesworth elevates the ordinary into the extraordinary. Using simple materials and carefully staged arrangements, the artist makes a single object takes on the quality of an offering— paying homage to the physical properties of art while transforming the creative process into a ritualistic or meditative experience.

By abstracting a single candle against a saturated, monochromatic background, the artist dissolves the boundary between the subject and its surroundings, blurring the line between symbol and image. Suspended in this uncanny, single-color space, the object (the candle) takes on a heightened presence, existing in a realm between familiarity and abstraction.

Both the subject and its photographic realization evoke a sense of beginnings— an entry point into visual language that reveals the enigmatic double lives of familiar objects.

A través de la composición, la saturación del color y la profundidad conceptual, Sarah Charlesworth eleva lo ordinario a lo extraordinario. Usando materiales simples y arreglos cuidadosamente escenificados, la artista hace que un solo objeto adquiera la cualidad de una ofrenda, rindiendo homenaje a las propiedades físicas del arte mientras transforma el proceso creativo en una experiencia ritual o meditativa.

Al abstraer una vela solitaria contra un fondo monocromático saturado, la artista disuelve los límites entre el sujeto y su entorno, desdibujando la línea entre símbolo e imagen. Suspendido en este espacio monocromático e inquietante, el objeto (la vela) adquiere una presencia intensificada, existiendo en un plano entre lo familiar y la abstracción.

Tanto el objeto como su realización fotográfica evocan una sensación de comienzo, un punto de entrada al lenguaje visual que revela las vidas dobles y enigmáticas de los objetos cotidianos.

Francisco Souto Director

School of Art, Art History & Design

Willa Cather Professor of Art

Charlesworth

José Davila Huelga Estudiantil

The Student Strike of 1973 took place at the University of Puerto Rico Río Piedras Campus (UPR-RP) for approximately 44 days to defend the democracy of the university system. This strike occurred at UPR-RP to demand an increase in student participation in appointing university presidents.

Several external factors contributed to students choosing to organize and protest. For example, the independence of Puerto Rico has been a debate that has existed since the colonization of the land of Borikén (Taíno indigenous name) by Spain and then later the United States. In 1968, the victory of the New Progressive Party (PNP) represented a strong shift in the Puerto Rican political climate towards a pro-statehood perspective. Within the university space of UPR-RP, conflicts between students, mostly with independent perspectives, and groups with US–based associations (such as the Reserve Officers’ Training Corps, ROTC) increased in the already hostile environment.

This strike and the work Huelga Estudiantil [Student Strike] represent a call to action, hope, and a reminder of how students successfully and extraordinarily organized. I chose this artwork to encourage us as students to realize the power of organization in a university setting. The student spirit is more powerful than we credit it.

La Huelga Universitaria de 1973 ocurrió en la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras (UPR-RP) por aproximadamente 44 días con el propósito de defender la democracia del sistema universitario. Esta huelga era solamente una de varias que tomó lugar en UPR-RP para demandar participación estudiantil sobre el nombramiento de presidentes universitarios.

Hubo varios elementos ambientales que contribuyeron a la organización y protesta estudiantil. Por ejemplo, un debate que ha existido desde la colonización de la tierra Borikén (nombre indígena Taíno) por España y los Estados Unidos, es la independencia de Puerto Rico. En 1968, la victoria del Partido Nuevo Progresista (PNP) representó un cambio fuerte en el clima política Puertoriqueño realizando una perspectiva estadista en control gubernamental. En el espacio universitario de UPR-RP, los conflictos entre estudiantes mayormente con perspectivas independientes y grupos con asociaciones estadounidenses (como Reserve Officers’ Training Corps, ROTC) aumentó en un ambiente hostil.

Esta huelga y la obra Huelga Estudiantil representa alerta, esperanza, y sirve como un recordatorio de cómo los estudiantes se organizaron extraordinariamente. Elegí esta obra para animar a nosotros como estudiantes para realizar el poder de organización en un espacio universitario. El espíritu estudiantil es más fuerte de lo que sabemos.

Maya Tanikawa-Brown (BS ‘25)

College

of

Agriculture and Natural Resources, Food Science and Technology

Birth date and place unknown

Huelga Estudiantil [Student Strike], 1973

Screen print

22 ¾ x 16 13⁄16 inches

University of Nebraska–Lincoln

The Gloria Rodriguez Calero Collection of Puerto Rican Works on Paper U-5979.2012

José Davila

Mark di Suvero’s Old Glory is repainted every decade or so because it fades to orange from its usual red color. When it was installed in 1987, di Suvero explained that the sculpture is titled with the nickname for the US flag because the steel is painted red, the sky above is blue, and the clouds are white. If there are no clouds, you can substitute Hamilton Hall.

As chemists, we wondered what was causing the red paint on the steel to fade. In 2017, as our first step to find out, we collected surface reflectance spectra from different parts of the sculpture. The north and east faces were the most red, and the south and west faces were the most orange. Since the orange faces receive full sunlight, we suspected a photoinduced oxidation process.

To test our hypothesis, we collected some paint chips that had flaked off and a few drips of the new paint when it was repainted in 2022. What measurements do you think we’re going to make?

Vieja Gloria, de Mark di Suvero, se vuelve a pintar aproximadamente cada década porque su color rojo habitual se desvanece hasta volverse naranja. Cuando fue instalada en 1987, di Suvero explicó que tituló la escultura con el apodo de la bandera de los Estados Unidos porque el acero está pintado de rojo, el cielo sobre ella es azul y las nubes son blancas. Si no hay nubes, puedes sustituirlas por el edificio Hamilton Hall.

Como químicos, nos preguntamos qué causaba que la pintura roja del acero se decolorara. En 2017, como primer paso para averiguarlo, recopilamos espectros de reflectancia superficial de diferentes partes de la escultura. Las caras norte y este eran las más rojas, y las caras sur y oeste eran las más anaranjadas. Dado que las caras anaranjadas reciben la luz solar directa, sospechamos que se trataba de un proceso de oxidación fotoinducida.

Para comprobar nuestra hipótesis, recogimos algunas virutas de pintura que se habían desprendido y unas gotas de la nueva pintura cuando se repintó en 2022. ¿Qué mediciones crees que vamos a realizar?

Joe Bowen (PhD ’18) Research Engineer Cornerstone Research Group

Mark Griep

Professor of Chemistry

Matthew Jamison

PhD Student, Chemistry

Stephen Morin

Associate Professor of Chemistry

Mark di Suvero Old Glory

Mark di Suvero

born Shanghai, China 1933

Old Glory, 1986

Painted steel

420 × 360 × 144 inches

University of Nebraska–Lincoln

Olga N. Sheldon Acquisition Trust and friends of Sheldon Memorial Art Gallery

U-3930.1987

Harold Edgerton Football Kick

This photograph, Football Kick, captures a pivotal moment in the game—one that every coach has experienced, whether in triumph or heartbreak. The kicker’s baggy, wrinkled gold pants and black high-top cleats evoke an earlier era of football, further emphasized by the straight-on toe-kicking style, a technique long abandoned. The deep impression in the ball conveys the sheer force of the kick, while the clenched fist reflects both the intensity of the moment and the kicker’s determination. The darkened background and absence of a kicking tee or holder strip the scene of context, isolating the act itself in time. This frozen instant suggests not just a kick, but a memory—one of undeniable significance, preserved forever.

Esta fotografía, Patada de Fútbol, captura un momento crucial del juego; uno que todo entrenador ha vivido, ya sea con triunfo ocon desilusión. Los pantalones dorados arrugados del pateador y sus botines negros de caña alta evocan una época anterior del fútbol americano, acentuada aún más por su estilo de golpeo directo con la punta del pie, una técnica que hace mucho fue abandonada. La profunda marca en el balón transmite la fuerza del impacto, mientras que el puño cerrado refleja tanto la intensidad del instante como la determinación del jugador.

El fondo oscuro y la ausencia de una base o de un asistente para sostener el balón eliminan todo contexto, aislando el acto mismo en el tiempo. Este instante congelado no sugiere solo una patada, sino un recuerdo; uno de innegable importancia, preservado para siempre.

Matt Rhule Head Coach Football

Harold Edgerton (BS 1925, Honorary DEng 1948)

Fremont, NE 1903–Cambridge, MA 1990

Football Kick, 1938

Dye transfer photo print 16 11⁄16 × 14 1⁄16 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of the Harold and Esther Edgerton Family Foundation U-4861.1.1996

Music is composed of waves like this work of art, Milk Drop Coronet. The sound waves come together to become something greater than the sum of their parts. This is reminiscent of the aural landscape on a Husker gameday. The fans’ cheers, the kids’ excitement, and the band’s songs create a soundscape uniquely Nebraskan. In this image, we are frozen in time at the beginning of this milk ring’s life. Like the sounds on football Saturday, the full impact hasn’t been reached and may not for years to come. Music has a way of living on and inspiring us. Music has the power to revive long-lost memories and teleport us to a different place and time. This photograph is a simple reminder that music creates a ripple effect on those around it, just as this milk drop will ripple through the pool of milk.

La música está compuesta de ondas, como esta obra de arte, Corona de Gota de Leche Las ondas sonoras se unen para formar algo más grande que la suma de sus partes. Esto recuerda al paisaje sonoro de un día de partido de los Huskers. Los vítores de los aficionados, la emoción de los niños y las melodías de la banda crean una experiencia auditiva única de Nebraska. En esta imagen, el tiempo se detiene justo en el inicio de la vida de este anillo de leche. Al igual que los sonidos de un sábado de fútbol, el impacto total aún no se ha alcanzado, y quizá no se alcance durante años. La música tiene una forma de perdurar e inspirarnos. Tiene el poder de revivir recuerdos olvidados y transportarnos a otro lugar y momento. Esta fotografía es un recordatorio simple de que la música genera un efecto dominó en quienes la rodean, así como esta gota de leche generará ondas en la superficie del líquido.

Tanner Maas Student, College of Business

Drum Major, Cornhusker Marching Band

Harold Edgerton Milk Drop Coronet

Harold Edgerton (BS 1925, Honorary DEng 1948)

Fremont, NE 1903–Cambridge, MA 1990

Milk Drop Coronet, 1957

Dye transfer photo print

18 3⁄8 × 13 3⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of the Harold and Esther Edgerton Family Foundation U-4861.3.1996

As an African American male, educator, and someone who studies diversity and race, this artwork compelled me to reflect deeply. The bold, red line extending across the center immediately captured my attention, not covering the entire image. I found myself asking, “What is being redlined?” I also thought about how this term is associated with discriminatory practices that create geographical boundaries and disadvantages communities of color.

I noticed a man on horseback and what appeared to be an African man walking beside him. While it appears the person is walking “freely,” I questioned, “Is he truly free? Why is he walking and not riding his own horse?” It became clearer that he was kept subordinate to the man on horseback.

The red line, like a stop sign, forced me to pause and ask more questions. The American flag and government building in the background added further complexity, prompting me to consider, “This was America. Is this still America?”

The red line neither erases nor ignores. It interrupts, challenging us to reflect— something I believe is vital as an educator, learner, and American. It reminds me of my life’s work and the power of education to spark critical thinking and curiosity.

Como hombre afroamericano, educador y estudioso de la diversidad y la raza, esta obra me llevó a una reflexión profunda. La audaz línea roja que atraviesa el centro capturó de inmediato mi atención, sin cubrir toda la imagen. Me pregunté: “¿Qué está siendo marcado con una línea roja?”

También pensé en cómo ese término se asocia con prácticas discriminatorias que crean fronteras geográficas y desventajas para las comunidades de color.

Observé a un hombre a caballo y lo que parecía ser un hombre africano caminando a su lado. Aunque parece que la persona camina “libremente”, me pregunté: “¿Es realmente libre? ¿Por qué camina y no monta su propio caballo?” Me quedó más claro que él era mantenida en una posición subordinada junto al jinete.

La línea roja, como una señal de alto, me obligó a hacer una pausa y a formular más preguntas. La bandera estadounidense y el edificio gubernamental al fondo añadieron mayor complejidad, llevándome a pensar: “Esto era América. ¿Sigue siéndolo?”

La línea roja no borra ni ignora. Interrumpe, y nos reta a reflexionar—algo que considero vital como educador, aprendiz y ciudadano estadounidense. Me recuerda mi propósito de vida y el poder de la educación para despertar el pensamiento crítico y la curiosidad.

Marco Barker Associate Professor of Practice in Educational Administration

Nona Faustine In Praise of Famous

Brooklyn, NY 1977–Brooklyn, NY 2025

In Praise of Famous Men No More, 2019 Silkscreen

Published by Two Palms, New York, NY

40 1⁄16 × 60 1⁄16 inches

University of Nebraska–Lincoln

2020–21 Sheldon Student Advisory Board acquisition purchased with funds from the Olga N. Sheldon Acquisition Trust U-6942.2021

Nona Faustine

When we respond to a painting we are usually reacting, at least initially, to a visual perception of color and geometry. The subject may be important, but it’s often secondary. To put it another way, a subject’s rendering on the canvas is more important than the subject itself. In our brain’s interaction with art, form and color come first. The mind-form/color interaction happens most often with the real world around us; the job of visual art is to intensify our experience of this interaction. It’s mysterious and mystical, and is the essence of consciousness. It’s as personal and varied as personality itself. All art, and especially abstract art, is a Rorschach test.

I sense in Lorser Feitelson’s Black Lines on Red Field a tentative exit through an opening door, from a malign space of red to an unknown Stygian blackness beyond. His painting provokes an uneasiness in my heart.

What do you see?

Timothy J. Gay

Willa Cather Professor of Physics and Astronomy

Cuando respondemos a una pintura, por lo general reaccionamos, al menos al principio, a una percepción visual del color y la geometría. El tema puede ser importante, pero a menudo es secundario. Dicho de otro modo: la forma en que se representa un tema en el lienzo es más significativa que el tema en sí. En la interacción de nuestro cerebro con el arte, la forma y el color tienen prioridad. Esa interacción menteforma/color sucede con más frecuencia en el mundo real que nos rodea; el propósito del arte visual es intensificar nuestra experiencia de esa interacción. Es algo misterioso y místico, y constituye la esencia de la conciencia. Es tan personal y variado como la personalidad misma. Todo arte; y especialmente el arte abstracto, es una especie de test de Rorschach.

En Líneas Negras sobre Campo Rojo de Lorser Feitelson, percibo una salida vacilante a través de una puerta entreabierta, desde un espacio maligno de rojo hacia una negrura estigia desconocida al otro lado. Su pintura despierta una inquietud en mi corazón.

¿Qué ves tú?

Lorser Feitelson Black Lines on Red Field

Savannah, GA 1898–Los Angeles, CA 1978

24 × 30 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift to the Anna R. and Frank M. Hall Collection from the Lorser Feitelson and Helen Lundberg

Feitelson Arts Foundation

H-2864.1987

Lorser Feitelson

Black Lines on Red Field, circa 1949–50

Oil on canvas on board

Helen Frankenthaler Red Frame

I appreciate that this painting was created by a highly influential artist who was a woman. Not only that, but a woman whose male counterparts were known to embrace a particularly enthusiastic brand of, shall we say, machismo. This painting and its creator, Helen Frankenthaler, stand in their own power.

I also like how in-your-face this painting is about the essence of the medium—canvas and paint. Realistic paintings ask us to believe that the picture frame is a window frame through which we view a scene. We are asked to ignore the actual materials in front of us. Not here! This work’s materiality is its content. Splotches of paint in sections of otherwise raw canvas document the performance of paint being actively spread across, and merged with, the canvas to become one entity.

The scale of this painting also contributes to a sense that we are encountering another being, one with a mind of its own. The red frame adds dynamic color and contains the action. To me, though, it’s also a visual pun. You think that paintings need frames? Well, here you go!

Aprecio que esta pintura haya sido creada por una artista sumamente influyente que, además, era mujer. Y no solo eso: una mujer cuyos colegas masculinos eran conocidos por abrazar un tipo de machismo particularmente entusiasta, por decirlo así. Esta obra y su creadora, Helen Frankenthaler, tienen su propio poder.

También me gusta lo frontal que es esta pintura respecto a la esencia del medio: lienzo y pintura. Las pinturas realistas nos invitan a creer que el marco del cuadro es como una ventana a través de la cual observamos una escena. Se nos pide ignorar los materiales reales frente a nosotros. ¡Pero no aquí! La materialidad de esta obra es su contenido. Las manchas de pintura sobre secciones del lienzo en crudo documentan la acción de la pintura al extenderse activamente sobre la superficie, fusionándose con ella hasta volverse una sola entidad.

La escala de esta pintura también contribuye a la sensación de que estamos ante otro ser, uno con mente propia. El marco rojo aporta un color dinámico y contiene la acción. Para mí, sin embargo, también es un juego visual. ¿Crees que las pinturas necesitan marco? ¡Pues aquí lo tienes!

Susan Longhenry Director Sheldon Museum of Art

New York, NY 1928–Darien, CT 2011

N-173.1965

Helen Frankenthaler

Red Frame, 1964

Acrylic on canvas

98 3⁄16 × 82 inches

Nebraska Art Association

Nelle Cochrane Woods Memorial

In Fire Flowers, University of Nebraska alumna Carol Haerer (‘54) captures the quiet, radiant force of transformation. I was drawn to this artwork not only because of Haerer’s Nebraska connection, but also because of my love for paintings of flowers—even when they bloom only in the imagination, as they do here. I have several floral works in my home, and Fire Flowers immediately spoke to that part of me that finds joy and energy in nature’s beauty.

This painting feels as if it breathes, each brushstroke alive with movement, passion, and renewal. It speaks to the ways we are continually shaped by our experiences— for me, how motherhood, my career, and community involvement weave together, kindling new dreams and revealing new inner strengths. Like the blossoms Haerer imagined, we are called to rise, to change, and to flourish.

Haerer’s work is a beautiful reminder of the extraordinary creativity that blooms in our community and in each of us. It also reminds us that transformation is often quiet but powerful—a journey of becoming more fully and vibrantly ourselves.

En Flores de Fuego, la exalumna de la Universidad de Nebraska, Carol Haerer, captura la fuerza silenciosa y radiante de la transformación. Me sentí atraída por esta obra no solo por la conexión de Haerer con Nebraska, sino también por mi amor por las pinturas de flores—aun cuando florecen solo en la imaginación, como sucede aquí. Tengo varias obras florales en casa, y Flores de Fuego habló de inmediato a esa parte de mí que encuentra alegría y energía en la belleza de la naturaleza.

Esta pintura parece respirar, cada pincelada está viva con movimiento, pasión y renovación. Habla de las formas en que nuestras experiencias nos moldean constantemente—en mi caso, cómo la maternidad, mi carrera y mi participación en la comunidad se entrelazan, avivando nuevos sueños y revelando nuevas fortalezas internas. Como las flores que Haerer imaginó, estamos llamadas a levantarnos, a cambiar y a florecer.

La obra de Haerer es un hermoso recordatorio de la creatividad extraordinaria que florece en nuestra comunidad y en cada una de nosotras. También nos recuerda que la transformación suele ser silenciosa pero poderosa: un viaje para convertirnos en quienes somos, con más plenitud y vitalidad.

Liz Ring Carlson Vice President of Corporate Communications, Community Relations, and Meetings and Travel Ameritas

Carol Haerer Fire Flowers

Carol Haerer (BA ’54)

Salina, KS 1933–Bennington, VT 2002

Fire Flowers, 1956

Oil on canvas

63 × 51 inches

Nebraska Art Association

Gift of Mr. and Mrs. Thomas C. Woods

N-101.1957

Shoulders

We have never been alone, On this journey through time. There have been shoulders That have set expectations high.

There was once one, Standing solely, thinking slowly— How would they mold me?

Then there were two, Moving together, thinking better, Preparing to hold me.

And like magic, a creation to behold, And the dreams of stories told, A legacy to uphold.

Steady are the feet, steady is the beat, Of rooted feet and heartbeat.

Strong are the shoulders of our molders, Tearing down barriers and removing the boulders.

Shall we be so courageous That we rewrite the pages, And dream so loudly That the joy is contagious?

Broad, strong, steady, always ready, To carry the weight of the world as long as it takes.

So are the shoulders of our ancestors— These beautiful seeds, Some buried, and yet they bloom. Planted long before us, Shade, an intentional foundation laid.

Hombros

Nunca hemos estado solos, en este viaje del tiempo. Hubo hombros, fuertes y fieles, que elevaron nuestro intento.

Hubo una vez uno, parado en soledad, pensativo y profundo, ¿cómo habrían de formarme para habitar este mundo?

Y luego hubo dos, moviéndose juntos, más sabios en unión, preparándose con esmero para sostener mi corazón.

Y como por arte de magia, una creación a la vista, y los sueños contados, una herencia prevista.

Firmes van los pasos, firme el latido, pies bien plantados, corazón encendido.

Fuertes los hombros de quienes nos hicieron, derribando barreras, quitando los miedos.

¿Y si fuéramos tan valientes que reescribiéramos lo presente, y soñáramos tan fuerte que el gozo fuera evidente?

Anchos, firmes, listos, eternamente presentes, para cargar el mundo durante siglos persistentes.

Así son los hombros de quienes nos precedieron; estas bellas semillas que, aun enterradas, florecieron. Plantadas mucho antes de nuestro andar, sombra y cimiento intencional.

Airalon Chatters Student, College of Business

Lawrence

Chatters (MA ’04, PhD ’18), Senior Vice President of Strategic Initiatives and Capacity Thurgood Marshall College Fund

Keith Haring

Kutztown, PA 1958–New York, NY 1990

Untitled (Plate 3), from the portfolio Three Lithographs, 1985

Lithograph

37 ½ x 30 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust H-2752.1985

Haring artwork © Keith Haring Foundation go big red

Keith

When I first saw Carmen Herrera’s Gemini, I immediately thought of the State of Nebraska’s motto, “Equality Before the Law.” I am pretty sure Ms. Herrera was not thinking of that motto, but I love the use of what appears to me to be an “equal” sign, although with odd angles and opposing slopes.

I like Herrera’s version better than a “normal” equal sign, a perfectly formed mirrored shape of two exactly similar rectangles. As a lawyer and law professor, the idea of “equality” resonates with me as an obvious goal of our system of laws. Yet, this concept has been quite contested throughout American legal history and can take different meanings depending on the era and one’s perspective. Does the Constitution require only “separate but equal” facilities for races (Plessy v. Ferguson, 1896) or does separate mean “inherently unequal” (Brown v. Board of Educ., 1954)? Does equality mean treating everyone the same, or does it mean, as my colleague Steve Willborn has written (alluding to Aristotle), we should treat “people differently to try to account for different circumstances and permit more equal and fair outcomes”?

We continue these conversations today in often heated exchanges, coming at each other red-faced and from opposing perspectives, arguing for the same goal but convinced that our way of realizing it is the correct one. This, of course, brings me back to Gemini—maybe the artist was thinking of our motto after all?

Cuando vi por primera vez Gemini, de Carmen Herrera, pensé inmediatamente en el lema del Estado de Nebraska: “Igualdad ante la ley”. Estoy bastante seguro de que Herrera no tenía en mente ese lema, pero me encanta el uso de lo que, para mí, parece un signo de “igual”, aunque con ángulos extraños e inclinaciones opuestas.

Prefiero la versión de Herrera a un signo igual “normal”, con sus dos rectángulos perfectamente formados y simétricos. Como abogado y profesor de derecho, la idea de la “igualdad” resuena profundamente en mí como una meta evidente de nuestro sistema legal. Sin embargo, este concepto ha sido muy debatido a lo largo de la historia jurídica estadounidense y puede adoptar distintos significados según la época y la perspectiva de quien lo interprete. ¿Exige la Constitución únicamente instalaciones “separadas pero iguales” para las razas (Plessy v. Ferguson, 1896) o significa que lo separado es “intrínsecamente desigual” (Brown v. Board of Education, 1954)? ¿Debe la igualdad tratar a todas las personas por igual o, como ha escrito mi colega Steve Willborn (aludiendo a Aristóteles), deberíamos “tratar a las personas de forma distinta para tener en cuenta las circunstancias y así permitir resultados más justos e igualitarios”?

Seguimos discutiendo estas cuestiones hoy en día, a menudo con intercambios acalorados, enfrentándonos desde perspectivas opuestas, con el rostro enrojecido, convencidos de que nuestra forma de alcanzar ese objetivo es la correcta. Esto, por supuesto, me lleva de nuevo a Gemini, ¿y si la artista sí estaba pensando en nuestro lema, después de todo?

Richard Moberly Dean and Richard C. & Catherine S. Schmoker Professor of Law

Carmen Herrera Gemini

Havana, Cuba 1915–Manhattan, NY 2022

Gemini, 2007

36 1⁄8 × 72 inches

University of Nebraska–Lincoln

Robert E. Schweser and Fern Beardsley Schweser Acquisition Fund through the University

Carmen Herrera

Acrylic on canvas

I’m a fan of George Herriman and I have taught his work in graduate classes on the literatures of the American Southwest. Though not native of Arizona, Herriman spent much time among the vivid red mesas and buttes of Monument Valley. The three protagonists in his comic strip Krazy Kat (1913–44) operate in an odd triangle in which Ignatz the Mouse continually pelts Krazy Kat with house bricks, which Krazy Kat interprets as a gesture of love. Meanwhile Offissa Bull Pupp seeks to stem the flow of blood—both real and imaginary—by intervening in his sentimental way. In this watercolor Krazy Kat, Ignatz the Mouse, and Offissa Bull Pupp can be seen staring in bewilderment at the toothlike rock structure that has appeared in the Southwestern desert.

The inscription suggests the rock has been placed there by some cosmic force for reasons unclear—though the appearance of the tooth is partly an in-joke at the expense of a local dentist. In the foreground is what looks like a Navajo bowl containing a cactus. Herriman’s cartoon strips, from which the painting derives, were full of liminal and enigmatic ideas and references to Indigenous culture, opening space for Krazy’s indeterminate gender, Herriman’s own nonwhite identification, and for reflection on the lives of the marginalized Native American peoples of the region.

Soy admirador de George Herriman y he enseñado su obra en cursos de posgrado sobre las literaturas del Suroeste estadounidense. Aunque no era nativo de Arizona, Herriman pasó mucho tiempo entre los vivos mesas y buttes rojos del Monument Valley. Los tres protagonistas de su tira cómica Krazy Kat (1913–44) actúan dentro de un extraño triángulo en el que Ignatz el Ratón continuamente lanza ladrillos a Krazy Kat, quien interpreta ese gesto como una muestra de amor. Mientras tanto, Offissa Bull Pupp intenta detener el flujo de sangre, tanto real como imaginaria, interviniendo a su manera sentimental. En esta acuarela pueden verse a Krazy Kat, Ignatz el Ratón y Offissa Bull Pupp mirando con desconcierto una formación rocosa con forma de diente que ha aparecido en el desierto del suroeste.

La inscripción sugiere que la roca fue colocada allí por alguna fuerza cósmica por razones desconocidas, aunque la forma del diente es una broma interna que hace referencia a un dentista local. En primer plano hay un recipiente que parece ser un cuenco navajo que contiene un cactus. Las tiras cómicas de Herriman, de las que deriva esta pintura, estaban llenas de ideas liminales y enigmáticas y referencias a la cultura indígena, abriendo espacio para el género indeterminado de Krazy, la identificación no blanca del propio Herriman, y para la reflexión sobre las vidas de los pueblos nativos americanos marginados de la región.

Nick Monk Director Center for Transformative Teaching

New Orleans, LA 1880–Los Angeles, CA 1944

16 × 16 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of Dan F. and Barbara J. Howard through the University

George Herriman

Krazy Kat, 1941

Watercolor and ink on board

Felrath Hines’s Red Sea captivates with its bold, geometric composition—a striking interplay of color and form that evokes both movement and depth. As mayor, I see art as a powerful connector weaving together history, place, and community. Red Sea has taken on new life in Lincoln, not only as part of Sheldon Museum of Art’s distinguished collection, but also as an inspiring public artwork on the basketball courts at South Antelope Park.

Through the partnership between Public Art Lincoln and Project Backboard, Red Sea extends beyond the museum walls, transforming a space of recreation into one of creativity and connection. The mural invites young athletes, neighbors, and visitors to engage with art in an unexpected setting—reminding us that art has the power to enliven every corner of our city.

This blending of art and public space reflects the spirit of Hines’s work. As a pioneering artist of geometric abstraction, his paintings explore structure, movement, and harmony—qualities that now animate the courts where Red Sea lives. I am honored to celebrate this work and the ways in which Lincoln continues to champion art as an essential part of public life.

Mar Rojo de Felrath Hines cautiva con su audaz composición geométrica: una impactante interacción de color y forma que evoca tanto movimiento como profundidad. Como alcaldesa, veo el arte como un poderoso vínculo que entrelaza historia, lugar y comunidad. Mar Rojo ha cobrado nueva vida en Lincoln, no solo como parte de la distinguida colección del Museo de Arte Sheldon, sino también como una inspiradora obra pública en las canchas de baloncesto del Parque South Antelope.

Gracias a la colaboración entre Public Art Lincoln y Project Backboard, Mar Rojo trasciende las paredes del museo, transformando un espacio de recreación en uno de creatividad y conexión. El mural invita a jóvenes atletas, vecinos y visitantes a interactuar con el arte en un entorno inesperado, recordándonos que el arte tiene el poder de dar vida a cada rincón de nuestra ciudad.

Esta fusión de arte y espacio público refleja el espíritu del trabajo de Hines. Como artista pionero de la abstracción geométrica, sus pinturas exploran la estructura, el movimiento y la armonía; cualidades que ahora animan las canchas donde Mar Rojo vive. Me honra celebrar esta obra y la manera en que Lincoln continúa promoviendo el arte como parte esencial de la vida pública.

Leirion Gaylor Baird

Mayor City of Lincoln

Felrath Hines Red Sea

Felrath Hines Indianapolis, IN 1913–Silver Spring, MD 1993

Red Sea, 1985

Oil on linen

62 × 48 inches

University of Nebraska–Lincoln Gift of Dorothy C. Fisher, wife of the artist U-5524.2011

The newspaper. The piano. The solitude.

Those three features draw us into Edward Hopper’s brilliant Room in New York. We grew up a world away from Hopper’s remarkable city scenes, but he still stirs a deep connection within us unlike most any other American painter.

Growing up on a Nebraska farm, it was a daily newspaper and a piano that offered an early glimpse of the wider world awaiting us. Our parents nurtured both of our fascinations— Jeff’s early obsession with journalism and world events, Mike’s instinctive musical talents—that would ultimately provide a guide for much of our lives.

This painting evokes a simpler time that we often long for—no electronics, no phones, no distractions—but an abundance of solitude that we enjoyed as we came of age at the end of the 20th century, the beginning and middle of which Hopper chronicled so masterfully.

His impressions carry a familiar feel, perhaps back to our own living room, where our dad was often reading the newspaper, while our mom was playing the piano. Those were the distinct soundtracks of our lives—a world away from Manhattan, yet so recognizable in our shared America.

El periódico. El piano. La soledad.

Esos tres elementos nos atraen hacia la brillante Habitación en Nueva York de Edward Hopper. Crecimos en un mundo lejano de las notables escenas urbanas de Hopper, pero él aún despierta en nosotros una conexión profunda, diferente a la de cualquier otro pintor estadounidense.

Criados en una granja de Nebraska, fue un periódico diario y un piano lo que nos ofreció una primera ventana hacia el mundo más amplio que nos esperaba. Nuestros padres fomentaron ambas fascinaciones: la temprana obsesión de Jeff por el periodismo y los acontecimientos mundiales, y el talento musical instintivo de Mike, que a la postre guiaron buena parte de nuestras vidas.

Esta pintura evoca un tiempo más simple que a menudo anhelamos: sin electrónica, sin teléfonos, sin distracciones, pero con una abundancia de soledad que disfrutamos mientras crecíamos a finales del siglo XX, época que Hopper retrató con maestría en sus inicios y madurez.

Sus impresiones nos resultan familiares, tal vez porque nos recuerdan a nuestra propia sala, donde nuestro padre leía el periódico y nuestra madre tocaba el piano. Esas fueron las bandas sonoras definitorias de nuestras vidas, un mundo distante de Manhattan, pero tan reconocible en nuestra América compartida.

Jeff Zeleny (BJ ’96)

Chief National Affairs Correspondent CNN

Mike Zeleny (BS ’94, MBA ’96) Vice Chancellor for Business and Finance

Edward Hopper Room in New York

Edward Hopper

Room in New York, 1932

Oil on canvas

29 × 36 5⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust H-166.1936

What’s not to like about Jeff Koons’s Balloon Dog? It looks like a balloon twisted into the shape of a dog, and it’s red and shiny! It’s such a fun work that it’s hard not to smile when you see it. I want to touch it. I want to squeeze it. I expect it to come alive and jump off the plate and give squeaky little barks—like something out of an animated movie.

But there is more to this sculpture. The balloon dog is mounted on another very shiny surface that reflects and distorts the balloon dog. From the right angle, it seems to bleed red (Go Big Red?). Fun, shiny, but maybe too reflective for its own good?

Koons is known for his artworks of dogs. Not just for the uber-shiny balloon dogs but also the flower-packed, 40-foot-tall topiary sculpture Puppy and a series of more realistic, life-size wood carvings of poodles and terriers. As a dog lover (and scientist), I enjoy seeing dogs in art. It reminds me of the unique role these animals play in our lives. Sometimes we look to art for deep meaning and contemplation. Sometimes we look for joy.

¿Cómo no te va a gustar el Perro Globo de Jeff Koons? Parece un globo torcido con forma de perro, ¡y es rojo y brillante! Es una obra tan divertida que es difícil no sonreír al verla. Quiero tocarlo. Quiero apretarlo. Espero que cobre vida, salte del pedestal y dé pequeños ladridos chillones, como algo salido de una película animada.

Pero hay más en esta escultura. El perro globo está montado sobre otra superficie muy brillante que refleja y distorsiona la figura. Desde el ángulo adecuado, parece sangrar rojo (¿Go Big Red?). Divertido, brillante, pero quizá demasiado reflectante para su propio bien.

Koons es conocido por sus obras de perros. No solo por los súper brillantes perros globo, sino también por la escultura topiaria de 40 pies de altura llamada Puppy, llena de flores, y una serie de tallas en madera a tamaño real de caniches y terriers. Como amante de los perros (y científico), disfruto viendo perros en el arte. Me recuerda el papel único que estos animales tienen en nuestras vidas. A veces buscamos en el arte un significado profundo y reflexión. Otras veces, simplemente buscamos alegría.

Jeffrey R. Stevens

Susan J. Rosowski Professor of Psychology Director, Canine Cognition and Human Interaction Lab Center for Brain, Biology & Behavior

Jeff Koons Balloon Dog

Jeff Koons

born York, PA 1954

Balloon Dog, 1995

Porcelain

10 × 10 × 5 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

Niho Kozuru Transplanted

“Moving or transporting something to another place, typically with some sort of upheaval” is how the Oxford Dictionary defines “transplant.” Niho Kozuru’s sculpture, Transplanted, resembles organic shapes growing upward, toward the light. The shapes appear to be moving and reaching for higher ground, similar to the sea of red balloons released after the first touchdown of a Husker football game. The color red dominates the sculpture and resonates deeply with the University of Nebraska’s identity. It symbolizes energy, passion, and strength. Kozuru’s work might be interpreted as the university’s role in generating and nurturing knowledge and the energy that is created ln the process.

The red, orange, and yellow strands exude warmth and upward motion, two qualities that are integral to the university and its culture. Although the different strands contain similar elements and grow from the same base, they are unique in terms of color, shape, and thickness. They might represent the many individuals and academic disciplines that are part of this university—how they engage with each other, while also developing on their own. On the one hand, Transplanted reminds us of the university’s agricultural roots, and, on the other hand, reflects its forward trajectory toward innovation and promising future.

El diccionario Oxford define “trasplantar” como “mover o transportar algo a otro lugar, normalmente con algún tipo de trastorno”. La escultura de Niho Kozuru, Trasplantado, se asemeja a formas orgánicas que crecen hacia arriba, hacia la luz. Las formas parecen moverse y alcanzar un terreno más elevado, similar al mar de globos rojos que se lanzan tras el primer touchdown de un partido de fútbol americano de los Huskers. El color rojo domina la escultura y resuena profundamente con la identidad de la Universidad de Nebraska. Simboliza energía, pasión y fuerza. La obra de Kozuru podría interpretarse como el papel de la universidad en la generación y el fomento del conocimiento y la energía que se crea en el proceso.

Los hilos rojos, naranjas y amarillos irradian calidez y movimiento ascendente, dos cualidades que son parte integral de la universidad y su cultura. Aunque los diferentes hilos contienen elementos similares y crecen desde la misma base, son únicos en términos de color, forma y grosor. Podrían representar a las muchas personas y disciplinas académicas que forman parte de esta universidad; cómo interactúan entre sí al tiempo que se desarrollan por su cuenta. Por un lado, Trasplantado nos recuerda las raíces agrícolas de la universidad y, por otro, refleja su trayectoria hacia la innovación y un futuro prometedor.

Frauke Hachtmann (BJ ’94, MA ’97, MBA ’00, PhD ’10) Professor and William H. Kearns Chair in Journalism

born Fukuoka, Japan 1968

Transplanted, 2011

Cast rubber, steel

108 x 48 x 96 inches

University of Nebraska–Lincoln

Olga N. Sheldon Acquisition Trust

U-5611.A-L.2011

Niho Kozuru

Apples in Wooden Boat takes me to my childhood, climbing apple trees and eating fresh apples right off the trees. They were sweet, juicy, red, and delicious. Our ponies loved to eat the apples that fell to the ground, and we played under the canopy of leaves all summer. Near my childhood home in Nebraska City are apple trees and an orchard that still produces apples. Just as looking at this painting conjures up memories from childhood, it also speaks to the future and all the wonderful things the University of Nebraska represents. When we say “Go Big Red,” we’re not just talking about sports. We are talking about the university as a whole and its outreach across the entire state to promote education, conservation, planting, and harvesting. This is Nebraska at its finest.

Manzanas en Cesta de Madera me transporta a mi infancia, cuando trepaba a los manzanos y comía manzanas frescas directamente del árbol. Eran dulces, jugosas, rojas y deliciosas. A nuestros ponis les encantaba comer las manzanas que caían al suelo, y jugábamos bajo el dosel de hojas durante todo el verano. Cerca de la casa de mi infancia en Nebraska City hay manzanos y un huerto que todavía produce manzanas. Mirar este cuadro evoca recuerdos de la infancia, pero también habla del futuro y de todas las cosas maravillosas que representa la Universidad de Nebraska. Cuando decimos “Go Big Red”, no solo nos referimos a los deportes. Nos referimos a la universidad en su conjunto y a su labor en todo el estado para promover la educación, la conservación, la plantación y la cosecha. Esto es lo mejor de Nebraska.

Jill Flagel (BS ’88) Director Faculty and Staff Disability Services

Walt Kuhn Apples in Wooden Boat

New York, NY 1877–White Plains, NY 1949

24 ½ × 29 3⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln

H-203.1940

Walt Kuhn

Apples in Wooden Boat, 1938

Oil on canvas

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

On the surface, this painting is of men collaboratively working together to make and sail paper boats. Looking deeper, we think of the experiences of African American student athletes in the early days of Nebraska, trying to make it. In our reading of the work, the boats—each one different, but all similar in construction—represent the students’ individual stories, dreams, hopes, and pathways to Nebraska.

As a basketball player at Nebraska in the late 1950s and early 1960s, I [Albert] was one of very few Black students on campus. My teammates and I needed each other. We faced isolation, hateful stares, and discriminatory practices in finding jobs and apartments. In the spirit of cooperation, we developed plans for success. Through our collective drive, hard work, and faith in God, we confronted every obstacle and roadblock whether on the court or field or in the classroom. Our stories include those achievements.

We came to Nebraska to play basketball or football and left as architects, artists, engineers, teachers, and lawyers. Graduation was the road to success, setting the path for others—including our children and grandchildren—to come after us.

Great, Bodacious, Road—Go Big Red!

Albert Maxey (BA ’73) Lieutenant, Retired Lincoln Police Department

Charlene Maxey-Harris (BS ’83) Professor and Associate Dean University Libraries

A simple vista, esta pintura muestra a unos hombres trabajando juntos para fabricar y hacer navegar barcos de papel. Si la observamos más detenidamente, nos recuerda las experiencias de los estudiantes atletas afroamericanos en los primeros tiempos de Nebraska, cuando intentaban triunfar. Según nuestra interpretación de la obra, los barcos, cada uno diferente, pero todos similares en su construcción, representan las historias individuales, los sueños, las esperanzas y los caminos de los estudiantes hacia Nebraska.

Como jugador de baloncesto en Nebraska a finales de los años 50 y principios de los 60, yo [Albert] era uno de los pocos estudiantes negros del campus. Mis compañeros de equipo y yo nos necesitábamos mutuamente. Nos enfrentábamos al aislamiento, a miradas de odio y a prácticas discriminatorias a la hora de buscar trabajo y apartamentos. Con espíritu de cooperación, desarrollamos planes para alcanzar el éxito. Gracias a nuestro impulso colectivo, nuestro trabajo duro y nuestra fe en Dios, nos enfrentamos a todos los obstáculos y barreras, ya fuera en la cancha, en el campo o en el aula. Nuestras historias incluyen esos logros.

Llegamos a Nebraska para jugar al baloncesto o al fútbol americano y nos fuimos como arquitectos, artistas, ingenieros, profesores y abogados. La graduación fue el camino hacia el éxito, allanando el camino para que otros, incluidos nuestros hijos y nietos, nos siguieran.

Genial, Audaz, en Camino... ¡Go Big Red!

Jacob Lawrence

Atlantic City, NJ 1917–Seattle, WA 2000

Paper Boats, 1948

Tempera on board

17 15⁄16 × 23 13⁄16 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

H-288.1949

Oliver: I was initially drawn in by the colors and lines. Then, as I looked more closely, I could see various patterns and forms emerge. It felt like a transformative visual experience.

Campbell: It looks like the artist started this work by drawing precise circles. Then as she expanded outward, the lines and shapes became more organic and imperfect.

Mimi: I see the imperfections, too, and for me, that feels human. The work is hand-drawn; it’s not uniform or algorithmically generated.

Kody: I agree. The imperfections from the artist’s hand are what make this interesting and beautiful.

Sydney: Because the work is abstract, untitled, and has organic qualities, it makes me think of various elements of nature— from rippled sand to blowing wind to flowing water.

Campbell: There’s a sense of calming movement.

Kody: I’m still thinking about the circles. It seems like the process is more important than the result.

Sydney: Letting go of perfections.

Mimi: Being along for the journey.

Kody: A love letter to imperfection.

Sydney DeRoin (BFA ’25)

Sheldon Student Ambassador

Oliver Estes

Sheldon Student Ambassador

Kody Schweitzer

Sheldon Student Ambassador

Campbell Windrum (BFA ’25)

Sheldon Student Ambassador

Mimi Yu (BA ’24)

Sheldon Student Ambassador

Oliver: Al principio me llamaron la atención los colores y las líneas. Luego, al mirar más de cerca, pude ver cómo surgían diversos patrones y formas. Me pareció una experiencia visual transformadora.

Campbell: Parece que la artista comenzó esta obra dibujando círculos precisos. Luego, a medida que se expandía hacia afuera, las líneas y las formas se volvieron más orgánicas e imperfectas.

Mimi: Yo también veo las imperfecciones y, para mí, eso le da un toque humano. La obra está dibujada a mano; no es uniforme ni generada algorítmicamente.

Kody: Estoy de acuerdo. Las imperfecciones de la mano de la artista son las que la hacen interesante y hermosa.

Sydney: Como la obra es abstracta, no tiene título y tiene cualidades orgánicas, me hace pensar en varios elementos de la naturaleza, desde la arena ondulada hasta el viento que sopla o el agua que fluye.

Campbell: Hay una sensación de movimiento tranquilizador.

Kody: Sigo pensando en los círculos. Parece que el proceso es más importante que el resultado.

Sydney: Dejar de lado la perfección.

Mimi: Disfrutar del viaje.

Kody: Una carta de amor a la imperfección.

born Washington, DC 1968

University of Nebraska–Lincoln

Norman Geske Bequest for Works on Paper U-6419.2014

Linn Meyers

Untitled, 2011

Ink on Mylar

30 ½ × 42 inches

Georgia O’Keeffe Red Splashes with Line

Known as the “Mother of American modernism,” Georgia O’Keeffe has always inspired me, especially her work on colorful motifs reflecting her love of the American Southwest. I have found thoughtful beauty in her many different artistic expressions.

Red Splashes with Line is one of O’Keeffe’s more abstract works. The paint, seemingly applied in a haphazard manner offers much more the longer you view it. Sharp contrasts around the edges where medium meets paper create interesting boundaries. Color variation within the painting hints at depth and shallowness. Variation that gives life to our oceans, landscapes, and our thoughts and emotions.

I bring my structured analysis students to Sheldon to reflect on its wonderful collection of fine art. Using a methodology created by Amy Herman called “The Art of Perception,” I can use the space created by abstract and modern art to get students to explore the most fundamental of questions: Why? What do you see in this work? What emotions does it evoke? Explore your reaction. Ask yourself why it makes you feel that way. Take your time. You will learn something new.

Conocida como la “Madre del modernismo estadounidense”, Georgia O’Keeffe siempre me ha inspirado, especialmente su obra sobre motivos coloridos que reflejan su amor por el suroeste de Estados Unidos. He encontrado una belleza reflexiva en sus muchas y diversas expresiones artísticas.

Salpicaduras Rojas con Línea es una de las obras más abstractas de O’Keeffe. La pintura, aparentemente aplicada de manera descuidada, ofrece mucho más cuanto más tiempo se observa. Los contrastes marcados en los bordes, donde la pintura se encuentra con el papel, crean límites interesantes. La variación de color dentro de la obra sugiere profundidad y superficialidad, una variación que da vida a nuestros océanos, paisajes, así como a nuestros pensamientos y emociones.

Llevo a mis estudiantes de análisis estructurado a Sheldon para que reflexionen sobre su maravillosa colección de bellas artes. Utilizando una metodología creada por Amy Herman llamada “El Arte de la Percepción,” puedo aprovechar el espacio que crean el arte abstracto y moderno para que los estudiantes exploren las preguntas más fundamentales: ¿Por qué? ¿Qué ves en esta obra? ¿Qué emociones despierta? Explora tu reacción. Pregúntate por qué te hace sentir así. Tómate tu tiempo. Aprenderás algo nuevo.

Tyler White (BA ’03, MA ’06, PhD ’10) Faculty Director, Honors Program Professor of Practice in Political Science Director, National Security Program

Georgia O’Keeffe

Sun Prairie, WI 1887–Santa Fe, NM 1986

Splashes with Line, 1978

Watercolor on paper

14 ¼ × 22 3⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of anonymous donor

U-4424.1991

Red

Bill Reid The Legacy: Raven

The Trickster figure is a potent force in many tribal cultures. Whether incarnated as Coyote or Rabbit or Spider-man, it embodies humankind’s uncanny animality, that vital instinctual force that is forever poking holes in society’s static conventions, its comfortable modes of civilized rule and order. Inhabiting a conceptual realm somewhere between Carl Jung’s Shadow and Mikhail Bakhtin’s Carnival, the Trickster can be read as the human psyche’s primal drive towards both chaos and revolution, towards both thanatos and eros, towards both destruction and new birth.

As a scholar of birds, I have long been delighted by the fact that the Trickster among Pacific Northwest tribal peoples is often a corvid—specifically, a raven or a blue jay. Bill Reid’s The Legacy: Raven presents a stylized raven, intentionally patterned after traditional Coast Salish art. I imagine the bird performing her crazy role as Trickster, simultaneously partaking in a ceremonial dance and strutting her laughing way towards standing civilization on its head.

La figura del Embaucador es una fuerza poderosa en muchas culturas tribales. Ya sea encarnada en el coyote, el conejo o Spider-Man, personifica la extraña animalidad del ser humano, esa fuerza instintiva vital que siempre está socavando las convenciones estáticas de la sociedad, sus cómodos modos de gobierno y orden civilizados. Habitando un reino conceptual a medio camino entre la Sombra de Carl Jung y el Carnaval de Mijaíl Bajtín, el Embaucador puede interpretarse como el impulso primario de la psique humana hacia el caos y la revolución, hacia el thanatos y el eros, hacia la destrucción y el renacimiento.

Como estudioso de las aves, me ha encantado durante mucho tiempo el hecho de que, entre los pueblos tribales del noroeste del Pacífico, el Embaucador sea a menudo un córvido, concretamente un cuervo o un arrendajo azul. La obra de Bill Reid, El Legado: Cuervo, presenta un cuervo estilizado, inspirado intencionadamente en el arte tradicional de los Coast Salish. Me imagino al ave desempeñando su loco papel de Embaucador, participando simultáneamente en una danza ceremonial y pavoneándose entre risas hacia la civilización, poniéndola patas arriba.

Thomas C. Gannon

Professor of English and Ethnic Studies Indigenous Studies Liaison

Bill Reid

Victoria, Canada 1920–Vancouver, Canada 1998

The Legacy: Raven, from the portfolio The Salmon—Canada’s Plea for A Threatened Species, 1974 Screen print 14 1⁄2 × 14 1⁄8 inches

University of Nebraska–Lincoln Gift of Alan Wilkinson and John Hedge U-4093.4.4.1975

Bill Reid

Norman Rockwell The County Agricultural Agent

It’s odd and fascinating how an artwork can instantly transport you to a specific moment in the past. The County Agricultural Agent invokes vivid recollections of my upbringing on a modest farm north of small-town Morrill, Nebraska.

Norman Rockwell’s idyllic representation of classic Americana and midwestern farm life in the springtime floods me with memories, like the pleasant fragrance of my grandma’s lilac bushes on the south side of the farmhouse and the dry and grainy taste of dirt in my mouth from digging irrigation ditches before water was allocated from the canal to sustain and grow the corn, beans, beets, and alfalfa fields.

This artwork does more than permit me the pleasure of reminiscing. It connects my two selves: it bridges my fond childhood memories and my current treasured professional identity as a Husker.

The barn is a bright, burning hue of red emblematic of the University of Nebraska and its intertwined identity with the state and agriculture. Nebraska Extension educators and agents are represented as they fulfill the university’s land grant mission by engaging 144,000 Nebraska youth in the 4-H program annually. Nebraskans go big and bet on themselves, a byproduct of the tenacious midwestern work ethic depicted in this painting.

Es curioso y fascinante cómo una obra de arte puede transportarte instantáneamente a un momento concreto del pasado. El Agente Agrícola del Condado me trae vívidos recuerdos de mi infancia en una modesta granja al norte de la pequeña localidad de Morrill, Nebraska.

La representación idílica de Norman Rockwell de la América clásica y la vida agrícola del Medio Oeste en primavera me inunda de recuerdos, como la agradable fragancia de los arbustos de lilas de mi abuela en el lado sur de la granja y el sabor seco y arenoso de la tierra en mi boca al cavar acequias de riego antes de que se asignara el agua del canal para mantener y cultivar los campos de maíz, frijoles, remolacha y alfalfa.

Esta obra de arte hace más que permitirme el placer de recordar. Conecta mis dos yo: tiende un puente entre mis queridos recuerdos de la infancia y mi actual y preciada identidad profesional como Husker.

El granero es de un rojo brillante y ardiente, emblemático de la Universidad de Nebraska y su identidad entrelazada con el estado y la agricultura. Los educadores y agentes del programa de extensión de Nebraska están representados cumpliendo la misión de la universidad como institución con concesión de tierras, al involucrar anualmente a 144,000 jóvenes de Nebraska en el programa 4-H. Los habitantes de Nebraska apuestan a lo grande y confían en sí mismos, un reflejo de la tenaz ética de trabajo del Medio Oeste que se muestra en esta pintura.

Jordan Gonzales (MA ’17)

Staff Senate Executive Advisor (2025–26), President (2024–25)

Senior Director of Alumni Engagement, Nebraska Alumni Association

Norman Rockwell

New York, NY 1894–Stockbridge, MA 1978

The County Agricultural Agent, 1947–48

Oil on canvas

36 × 70 inches

University of Nebraska–Lincoln Gift of Nathan Gold

U-563.1969

Analia Saban International Ladies Garment Workers Union, Made in USA, Clothing Tag

This artwork makes me think about a song I heard in the 1970s promoting the International Ladies’ Garment Workers’ Union: “Look for the union label when you are buying that shirt, dress, or blouse.”

Being a longtime labor union member myself, the song sparks joy in my heart. As a social scientist, though, I consider the song from other perspectives. It was part of a flashy television commercial that was intentionally multicultural and gender inclusive. Was it a reflection of our society?

Growing up in the South in the 1970s, I remember watching my mother and her female friends pile into cars early in the morning to head off to Brownsville or Scottsville, Kentucky, to sew in garment factories. They often worked from 7:00 a.m. to 7:00 p.m. for minimum wage to bring in a little extra money for the family. I wonder how culturally diverse and safe their working environments were, and how likely they were to be members of a union.

Analia Saban’s work causes me to think, to reflect, to feel, to hope.

Esta obra me hace pensar en una canción que escuché en la década de 1970 para promocionar el Sindicato Internacional de Trabajadoras de la Confección: “Busca la etiqueta del sindicato cuando compres esa camisa, ese vestido o esa blusa”.

Como miembro del sindicato desde hace mucho tiempo, la canción me llena de alegría. Sin embargo, como científico social, considero la canción desde otras perspectivas. Formaba parte de un llamativo anuncio de televisión que era intencionadamente multicultural e inclusivo en cuanto al género. ¿Era un reflejo de nuestra sociedad?

Al crecer en el sur en la década de 1970, recuerdo ver a mi madre y a sus amigas subirse a los coches temprano por la mañana para ir a Brownsville o Scottsville, Kentucky, a coser en fábricas de ropa. A menudo trabajaban de 7:00 a. m. a 7:00 p. m. por el salario mínimo para ganar un poco de dinero extra para la familia. Me pregunto cuán culturalmente diversos y seguros eran sus entornos de trabajo, y qué probabilidades tenían de ser miembros de un sindicato.

La obra de Analia Saban me hace pensar, reflexionar, sentir y tener esperanza.

Bennie Shobe Lincoln City Council Program Analyst, Nebraska Department of

Labor

Printed by Mixografia®, Los Angeles, CA

23 ½ × 22 ¼ inches

University of Nebraska–Lincoln

Robert E. Schweser and Fern Beardsley Schweser Acquisition Fund through the University of Nebraska Foundation U-6895.2020

Analia Saban born Buenos Aires, Argentina 1980

International Ladies Garment Workers Union, Made in USA, Clothing Tag, 2019 Mixografía® print on handmade paper

Hadieh Shafie Cadmium Yellow, Naphthol Red and Ultramarine Blue in 1/1

Upon first seeing a picture of this artwork, the colors and shapes instantly reminded me of the Aboriginal art I’ve come to love, specifically the dot paintings from our twelve years living in Australia. The artist Hadieh Shafie is Iranian American, but I thought the red center of Australia, from which Aboriginal artists traditionally create red pigments, and the Iranian deserts might have similar colors. However, seeing the art in person evoked a completely different reaction. The colors still pop out at me, but in a different way. Seeing the work in person made me realize there is much more depth to it. From the side, you can see the writing on the scrolls; from the front, the vibrant colors are mesmerizing. The work is incredibly complex, making me wonder how the artist could assemble such a stunningly beautiful and intricate piece.

Al ver por primera vez una imagen de esta obra, los colores y las formas me recordaron instantáneamente al arte aborigen que llegué a amar durante los doce años que vivimos en Australia, en particular a las pinturas de puntos. La artista Hadieh Shafie es iraní-estadounidense, pero pensé que el centro rojo de Australia, del que los artistas aborígenes obtienen tradicionalmente los pigmentos rojos, y los desiertos iraníes podrían tener colores similares. Sin embargo, ver la obra en persona me provocó una reacción completamente diferente. Los colores siguen llamándome la atención, pero de una manera diferente. Ver la obra en persona me hizo darme cuenta de que tiene mucha más profundidad. Desde un lado, se puede ver la escritura en los pergaminos; desde el frente, los colores vibrantes son hipnóticos. La obra es increíblemente compleja, lo que me hace preguntarme cómo la artista pudo crear una pieza tan increíblemente hermosa y compleja.

Daniel Schachtman Director, Nebraska Center for Biotechnology

George Holmes Professor of Agronomy and Horticulture

born Tehran, Iran 1969

30 × 30 × 3 ½ inches

printed and handwritten Farsi text

University of Nebraska–Lincoln

Robert E. Schweser and Fern Beardsley Schweser Acquisition Fund through the University of Nebraska Foundation U-6397.2013

Hadieh Shafie

Cadmium Yellow, Naphthol Red and Ultramarine Blue in 1/1, 2013 Ink, acrylic, and paper with

The red of the barn walls and creamy white of the concrete trough, ground, and architectural trim remind me of our University of Nebraska’s scarlet red and cream.

Charles Sheeler’s incredible Barn Reds also makes me think of cowboys and the impact they have on my life.

For me, being a cowboy holds a great deal of personal meaning because a cowboy is someone who respects the western way of life and is grateful for all the blessings they embrace. A cowboy represents not only a way of life, but a strong connection to traditions and values.

At its core, being a cowboy typically involves more than just working with cattle or riding horses; it’s a lifestyle rooted in the deep and loving connection to land and animals, a sense of independence, and a commitment to hard work, integrity, and responsibility. Being a cowboy is more than just a job, it’s a mindset; a way of life that encompasses a sense of pride in one’s heritage and finding creative, yet efficient ways to work through hardships.

El rojo de las paredes del granero y el blanco cremoso del abrevadero de hormigón, el suelo y los adornos arquitectónicos me recuerdan al rojo escarlata y el crema de nuestra Universidad de Nebraska.

La increíble obra Rojo Granero de Charles Sheeler también me hace pensar en los vaqueros y en el impacto que han tenido en mi vida.

Para mí, ser vaquero tiene un gran significado personal, porque un vaquero es alguien que respeta el estilo de vida occidental y está agradecido por todas las bendiciones que recibe. Un vaquero representa no solo una forma de vida, sino también una fuerte conexión con las tradiciones y los valores.

En esencia, ser vaquero implica mucho más que trabajar con ganado o montar a caballo; es un estilo de vida arraigado en una conexión profunda y amorosa con la tierra y los animales, un sentido de independencia y un compromiso con el trabajo duro, la integridad y la responsabilidad. Ser vaquero es más que un trabajo, es una mentalidad; una forma de vida que abarca un sentido de orgullo por la propia herencia y la búsqueda de formas creativas, pero eficientes, de superar las dificultades.

John Cook Former Head Coach Volleyball

Charles Sheeler Barn Reds

Philadelphia, PA 1883–Dobbs Ferry, NY 1965

Barn Reds, 1938

Egg tempera and graphite on board

10 ¼ × 12 ¾ inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

H-200.1939

Charles Sheeler

Leon Polk Smith Red-Violet Diamond

This bright and bold painting by Leon Polk Smith initially drew my attention due to its geometric sharpness and jewel-toned colors. Looking more closely, I began to consider how challenged our understanding is regarding the incompleteness of what we “know” vs. the possibilities and potentialities of the world around us.

At first glance, I saw a purple square framed in red—but is that true? On looking again, I noticed the purple square is not fully visible—its corners are cut off. Am I seeing only a small part of a much larger whole, as though I am looking through a kaleidoscope?

As someone committed to the impact of global education and intercultural learning, this painting could serve as a metaphor. Much like Red-Violet Diamond, a complete picture and understanding of the world is often beyond our reach, urging us to reflect on the sometimes-obscured aspects of life, culture, experience, and the world around us.

Just as we might initially reduce a culture to a single facet, like a color or symbol, this painting suggests there is more depth and complexity hidden beneath what is immediately visible.

Esta brillante y audaz pintura de Leon Polk Smith me llamó la atención inicialmente por su nitidez geométrica y sus colores brillantes. Al observarla más de cerca, comencé a pensar en lo limitado que es nuestro conocimiento en comparación con las posibilidades y potencialidades del mundo que nos rodea.

A primera vista, vi un cuadrado morado enmarcado en rojo, pero ¿es eso cierto? Al volver a mirar, me di cuenta de que el cuadrado morado no es completamente visible, ya que sus esquinas están recortadas. ¿Estoy viendo solo una pequeña parte de un todo mucho más grande, como si estuviera mirando a través de un caleidoscopio?

Como persona comprometida con el impacto de la educación global y el aprendizaje intercultural, esta pintura podría servir como metáfora. Al igual que Diamante Rojo-Violeta, una visión y una comprensión completas del mundo suelen estar fuera de nuestro alcance, lo que nos impulsa a reflexionar sobre los aspectos a veces oscuros de la vida, la cultura, la experiencia y el mundo que nos rodea.

Al igual que inicialmente podríamos reducir una cultura a una sola faceta, como un color o un símbolo, esta pintura sugiere que hay más profundidad y complejidad ocultas bajo lo que es inmediatamente visible.

Maegan Stevens-Liska (MA ’09) Assistant Vice Chancellor for Global Affairs and Senior International Officer

OK 1906–New York, NY 1996

Leon Polk Smith

Chickasha,

Red-Violet Diamond, 1980

Oil on canvas

120 × 120 inches

Nebraska Art Association

Gift of the artist

Warhol Vegetarian Vegetable (The Alphabet Soup)

For me, Andy Warhol’s Vegetarian Vegetable (The Alphabet Soup) invokes nostalgia, not only through its use of primary colors but also through its familiar subject matter. One of the first things taught in formal education is the alphabet—the building blocks of our lives. A bowl of alphabet soup encourages us to be youthful and playfully curious, spelling out words with the letters floating on our spoon. Warhol’s soup can makes me think of sitting in my childhood kitchen after school with a big bowl of soup and grilled cheese, or of being on a faraway journey and eating the best bowl of soup ever.

The phrase “Go Big Red” invokes a similar sense of nostalgia. I think of watching Husker football games with family, wandering across campus, or being lost in thought during a lecture.

Para mí, Verdura Vegetariana (La Sopa de Letras) de Andy Warhol me evoca nostalgia, no solo por el uso de colores primarios, sino también por su tema familiar. Una de las primeras cosas que se enseñan en la educación formal es el alfabeto, los pilares de nuestras vidas. Un plato de sopa de letras nos anima a ser jóvenes y curiosos, deletreando palabras con las letras que flotan en nuestra cuchara. La lata de sopa de Warhol me hace pensar en cuando me sentaba en la cocina de mi infancia después del colegio con un gran plato de sopa y queso fundido, o en cuando estaba de viaje lejos de casa y comía el mejor plato de sopa de mi vida.

La frase “Go Big Red” me evoca una sensación similar de nostalgia. Pienso en ver los partidos de fútbol americano de los Huskers con mi familia, en pasear por el campus o en perderme en mis pensamientos durante una clase.

B Littman Student College of Engineering

Andy

Andy Warhol

Pittsburgh, PA 1928–New York, NY 1987

Vegetarian Vegetable (The Alphabet Soup), from the series Campbell’s Soup II, 1969

Screen print

Printed by Salvatore Silkscreen Co., Inc., New York, NY

Published by Factory Additions, New York, NY

35 × 22 ¾ inches

University of Nebraska–Lincoln

Gift of Carl and Jane Rohman through the University of Nebraska Foundation U-4930.1998

Curiously, in a painting entitled Red, more of the rectangles and borders are orange than any other color. Yet, it’s the azure tile in the second row from the top that captures our attention. It refuses to stand in line, abreast with and equal to the others. There are other blue tiles. Just beneath the forward-stepping one is an unassuming midnight blue tile standing flush with the others. Beneath that in the bottom row, is one in a brighter shade of azure. It also refuses to conform.

Why did Stanley Whitney call this painting Red when it’s the blues that are so captivating? Was it so we’d consider how the placement of the red amongst the oranges, blues, yellows, lavenders, green, white, and black affects our experience of that color? Or so we’d consider how the scarcity of red makes us welcome that color where it does appear? But Whitney offers another explanation: “The difficulty for me in making these paintings is, if you fall in love with this red, can you get out of that red so that everything equals out and there’s no beginning or no end to it all?” That single color had so captivated Whitney that for him, there was no other.

Curiosamente, en un cuadro titulado Rojo, la mayoría de los rectángulos y bordes son de color naranja. Sin embargo, es el azulejo azul celeste de la segunda fila desde arriba el que capta nuestra atención. Se niega a alinearse con los demás, a estar a la misma altura y ser igual que ellos. Hay otros azulejos azules. Justo debajo del que sobresale hay un modesto azulejo azul medianoche a la misma altura que los demás. Debajo de él, en la fila inferior, hay otro de un tono azul celeste más brillante. También se niega a conformarse.

¿Por qué Stanley Whitney llamó a este cuadro Rojo cuando son los azules los que resultan tan cautivadores? ¿Fue para que consideráramos cómo la ubicación del rojo entre los naranjas, azules, amarillos, lavandas, verdes, blancos y negros afecta a nuestra experiencia de ese color? ¿O para que consideráramos cómo la escasez del rojo nos hace apreciar ese color cuando aparece? Pero Whitney ofrece otra explicación: “La dificultad para mí al hacer estas pinturas es que, si te enamoras de este rojo, ¿puedes alejarte de él para que todo se equilibre y no haya principio ni fin?”. Ese único color había cautivado tanto a Whitney que, para él, no existía ningún otro.

Lisa Knopp (PhD ’93) Professor of English University of Nebraska–Omaha

Meredith

Ezinma Ramsay (BMus ’12) Violinist

Stanley Whitney Red

PA 1946

Red, 2015

Oil on linen 72 × 72 inches

University of Nebraska–Lincoln

Anna R. and Frank M. Hall Charitable Trust

H-3121.2016

Stanley Whitney born Philadelphia,

Copyright © Stanley Whitney

Published in conjunction with the exhibition Go Big Red, presented at Sheldon Museum of Art from August 16 to December 31, 2025.

Major funding for the exhibition was provided by Phyllis Acklie, BNSF Railway, Rhonda Seacrest, Union Bank & Trust, University of Nebraska Foundation, and University of Nebraska–Lincoln College of Journalism and Mass Communications.

Copyright © 2025 Sheldon Museum of Art

All rights reserved. No portion of this publication may be reproduced without the written permission of Sheldon Museum of Art.

All texts © the authors

ISBN: 979-8-9991500-1-1

Published by Sheldon Museum of Art University of Nebraska–Lincoln 12th and R Streets Lincoln, Nebraska 68588-0300 sheldonartmuseum.org

Edited by Erin Hanas

Designed by Bailey Lauerman

Typeset by Nhan Nguyen

Translated by the Nebraska Translator and Interpreter Corps

Printed by University of Nebraska–Lincoln Print Services

Front cover: Ilya Bolotowsky, detail of Red Tondo, circa 1967–68. Selected for the exhibition by Coach Amy Williams and Kennadi Williams.

The University of Nebraska does not discriminate based on race, color, ethnicity, national origin, sex, pregnancy, sexual orientation, gender identity, religion, disability, age, genetic information, veteran status, marital status, and/or political affiliation in its programs, activities, or employment.