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Q U A D R I C H R O M I E

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R. SCOTT MACLEAY


This book is the first of two volumes in CREATIVE PROCESS’s Contemporary Perspectives series dedicated to Scott MacLeay’s colour work of the past four decades. It traces the evolution of his analogue colour work undertaken in Vancouver and Paris from 1978 until 1988, work that laid the foundation for his experimental work in contemporary music and his ongoing explorations in the field of new media art.

Ce livre est le premier de deux volumes de la série Perspectives Contemporaines de CREATIVE PROCESS dédiés au travail de couleur de Scott MacLeay des quatre dernières décennies. Il retrace l’évolution de son travail analogique en couleur réalisé à Vancouver et à Paris de 1978 à 1988, œuvre qui a jeté les bases de son travail expérimental en musique contemporaine et de ses explorations en cours dans le domaine des nouveaux médias.

Este livro é o primeiro de dois volumes da série Perspectivas Contemporâneas, editada pelo CREATIVE PROCESS, dedicado ao trabalho em cores de Scott MacLeay das últimas quatro décadas. Traça a evolução de seu trabalho analógico em cor realizado em Vancouver e Paris de 1978 a 1988, o qual lançou as bases para o seu trabalho experimental em música contemporânea e suas contínuas explorações no campo da arte de novas mídias.


R. SCOTT MACLEAY

QUADRICHROMIE 1978-1988

1st edition / 1ère édition / 1° edição

CREATIVE PROCESS FLORIANÓPOLIS 2018


First Edition / Première édition / Primeira edição: 2018 CREATIVE PROCESS Copyright ©2018 CREATIVE PROCESS All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopying, recording or any other information storage and retrieval system, without prior permission in writing from the publisher. The images included in this book are published with the consent of R. Scott MacLeay who remains their sole proprietor. The publishing rights to the images and texts included in the present edition were acquired by CREATIVE PROCESS. Tous droits réservés. Aucune partie de cette publication ne peut être reproduite ou transmise sous quelque forme ou par quelque moyen, électronique ou mécanique, y compris la photocopie, l’enregistrement ou tout autre système de stockage et de récupération d’informations, sans l’autorisation préalable écrite de l’éditeur. Les images incluses dans ce livre sont publiées avec le consentement de R. Scott MacLeay qui reste leur propriétaire exclusif. Les droits d’édition des images et des textes inclus dans la présente édition ont été acquis par CREATIVE PROCESS. Todos os direitos reservados. Nenhuma parte desta publicação pode ser reproduzida ou transmitida por qualquer forma ou por qualquer meio, eletrônico ou mecânico, incluindo fotocópia, gravação ou qualquer outro sistema de armazenagem e de recuperação, sem autorização prévia por escrito da editora. As imagens incluídas neste livro são publicadas com o consentimento de R. Scott MacLeay que permanece o proprietário exclusivo das mesmas. Os direitos de publicação das imagens e textos incluídos na presente edição foram adquiridos pela CREATIVE PROCESS. Terms of responsibility / Conditions de responsabilité / Termos de responsabilidade The information contained in this book is based on the author’s opinions, perspectives and experiences. The publisher will not be responsible for improper use of the information in this book. Les informations contenues dans ce livre sont basées sur les opinions, les points de vue et les expériences de l’auteur. L’éditeur ne sera pas responsable de l’utilisation inappropriée des informations contenues dans ce livre. As informações contidas neste livro são baseadas nas opiniões, perspectivas e experiências do autor. O editor não será responsável pelo uso indevido das informações contidas neste livro. Portuguese translation / Traduction en portugais / Tradução em português: Ana Carolina von Hertwig French translation / Traduction en français / Tradução em francês: Isabelle Camboulas, Scott MacLeay Proof reading / Correction des épreuves / Revisão de texto: David Dines, David Hamilton, Scott MacLeay, Suelen Calonga Pessoa, Graphic design / Conception graphique / Design gráfico: Scott MacLeay, CREATIVE PROCESS

Printed by / Impirmé par / Impresso por: Impressul Industria Grafica Ltda., Jaraguá do Sul - SC, Brasil

CREATIVE PROCESS

CREATIVE PROCESS (CNPJ: 28.031.009/0001-89) rua Dr. José Bahia Bittencourt, 45, Florianópolis - SC 88054-500, Brasil customer service: info@the-creative-process.org www.the-creative-process.org


for / pour / para ADRIANE THANH TUYEN MACLEAY


INDEX / TABLE DES MATIÈRES / ÍNDICE

PREFACE / PRÉFACE / PREFÁCIO - Allen Ellenzweig

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INTRODUCTION / INTRODUCTION / INTRODUÇÃO - R. Scott MacLeay

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ATTITUDES:

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presentation / présentation / apresentação

images / images / imagens

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image profiles / profils des images / perfis das imagens

FRAGMENTS: 47

presentation / présentation / apresentação

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images / images / imagens

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image profiles / profils des images / perfis das imagens

WAVELENGTH:

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presentation / présentation / apresentação images / images / imagens

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image profiles / profils des images / perfis das imagens

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BIOGRAPHY / BIOGRAPHIE / BIOGRAFIA

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ACKNOWLEDGMENTS / REMERCIEMENTS / AGRADECIMENTOS

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WEBSITE / SITE WEB / SITE INTERNET 120


PREFACE

Revisiting the early photographs of Scott MacLeay confirms my youthful enthusiasm. The three groups of images in this volume Attitudes, Fragments, and Wavelength - retain the wonder of my first acquaintance, yet appreciated from a new perspective. In the 1980s, the singularity of his work with Fresson color, the rigorous staging of his young and lithe dancers, and the economy of his compositions, made me appreciate his up-to-date minimalism. MacLeay seemed like one of a number of young photographers turning his back on the older tradition of politically engaged photography depicting the quotidian street, the depredations of the modern world, or the nobility of humble lives. So much photography remained a species of journalism. All the same, social engagement was central to his work, suggesting subtle human interactions, tensions, and accommodations. MacLeay used his camera to record

PRÉFACE

Revoir les premières photographies de Scott MacLeay confirme mon enthousiasme de jeunesse. Les trois groupes d’images dans ce volume - Attitudes, Fragments et Wavelength - conservent l’émerveillement de ma première connaissance, mais à partir d’une nouvelle perspective. Dans les années 1980, la singularité de son travail avec les couleurs Fresson, la mise en scène rigoureuse de ses jeunes danseurs et l’économie de ses compositions m’ont fait apprécier son minimalisme contemporain. MacLeay semblait l’un de ces nombreux jeunes photographes tournant le dos à la vieille tradition de la photographie engagée représentant la rue quotidienne, les déprédations du monde moderne ou la noblesse des vies humbles. Tant de photographie restait un genre de journalisme. Néanmoins, l’engagement social était au centre de son travail, suggérant des interactions humaines, des tensions et des arrangements subtils. MacLeay utilisait sa caméra pour enregistrer

PREFÁCIO

Revisar as primeiras fotografias de Scott MacLeay confirma meu entusiasmo juvenil. Os três grupos de imagens neste volume - Atitudes, Fragments e Wavelength - conservam o fascínio da descoberta inicial, mas apreciados sob nova perspectiva. Na década de 1980, a singularidade de seu trabalho utilizando a técnica Fresson, a encenação rigorosa de seus jovens e flexíveis dançarinos e a economia de suas composições me fizeram apreciar o seu minimalismo contemporâneo. MacLeay parecia ser um dos vários jovens fotógrafos que abandonaram a tradição da fotografia politicamente comprometida a mostrar a rua cotidiana, as depredações do mundo moderno ou a nobreza das vidas humildes. Muito dessa fotografia continuou como uma espécie de jornalismo. Contudo, o engajamento social era central em seu trabalho, sugerindo sutis interações humanas, tensões e acomodações. MacLeay usou sua câmera para registrar algo

ALLEN ELLENZWEIG Arts Critic / Critique d’art / Crítico de Artes Writer / Écrivain / Escritor

New York, 06/04/18

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something personal, enlisting color as a painter does, regarding the frame edge as integral to the composition, and deploying the human presence to represent, as he says, “anyone” but not “someone” with a particular socio-economic or cultural identity. And the images were as two-dimensional as he could make them. Photography need not be a portal into spatial representation, but could take advantage of its most elemental quality: its flatness. In fact, I was struck that MacLeay was a photographer at all. He had jumped the boundary so many nineteenth-century Pictorialists hoped to transgress, passing from artisan to artist. The camera was merely a tool, but the mind and heart governed. Now, while I recognize the lyricism of MacLeay’s color—tangerine oranges, pistachio greens, and mustard yellows enticing enough to lick off the page - his use of Fresson “quadrichromie” encourages an almost nostalgic historicism, like the brilliant autochromes by some photographers in the first decades of the last century. Both processes recall that early yearning to create artful photographs whose hues would retain their integrity over time. Furthermore, MacLeay’s alternating fields of flat color and delimited areas of pattern, inspired by Japanese Ukiyo-e wood block prints (notably the work of Kitagawa Utamaro), recall the manifest japonisme of Impressionist printmaking more than a century ago. Finally, MacLeay’s models/dancers engage elegant gestures and poses that haunt the viewer, like semaphores relaying ambiguous messages, at once cryptic and yet begging to be decoded. Scott MacLeay directed his human “anyones” to their performance, occasionally naked, never exactly sexual, always intriguing. He employed his camera, his models, his color, and his sparse compositions, to fashion images of such stringent economy and grace that they achieve not the bombast of the epic poem, but the telling whisper of the haiku.

quelque chose de personnel, exploitant la couleur comme un peintre, considérant le bord du cadre comme partie intégrante de la composition et déployant la présence humaine pour représenter, comme il le dit, «n’importe qui» et non «quelqu’un» avec une identité socio-économique ou culturelle spécifique. Et les images étaient aussi bidimensionnelles que possible. Au lieu d’être un portail vers une représentation spatiale, la photographie pourrait exploiter sa qualité la plus élémentaire: sa planéité. En fait, j’ai été frappé que MacLeay soit un photographe. Il avait sauté la frontière que tant de pictorialistes du XIXe siècle espéraient transgresser, passant de l’artisan à l’artiste. L’esprit et le cœur gouvernaient, la caméra n’était qu’un outil. Maintenant, alors que je reconnais le lyrisme de la couleur de MacLeay - des oranges de mandarine, des verts de pistache et des jaunes de moutarde si séduisants qu’on en lécherait la page - son utilisation de la quadrichromie de Fresson favorise un historicisme presque nostalgique, comme les autochromes brillants de certains photographes du début du siècle dernier. Les deux démarches rappellent l’envie de l’époque de créer des photographies artistiques dont les teintes conserveraient leur lumière au fil du temps. De plus, les champs de MacLeay, alternant couleur plate et zones délimitées de motifs, inspirés des estampes japonaises Ukiyo-e (notamment le travail de Kitagawa Utamaro), rappellent le japonisme manifeste dans la gravure impressionniste d’il y a plus d’un siècle. Enfin, les modèles / danseurs de MacLeay habitent des gestes et des poses élégantes qui hantent le spectateur, comme des sémaphores relayant des messages ambigus, de prime abord cryptiques mais cependant implorant d’être décodés. Scott MacLeay a dirigé ses « n’importe qui » dans leur performance, occasionnellement nus, jamais vraiment sexuels, toujours intrigants. Il a utilisé son appareil photo, ses modèles, sa couleur et ses compositions clairsemées, pour façonner des images d’une économie et d’une grâce si strictes qu’elles atteignent non le bombas du poème épique, mais le murmure révélateur du haïku.

pessoal, empregando a cor como um pintor, integrando a margem do quadro à composição e mobilizando a presença humana para representar, como ele diz, “qualquer um”, mas não “alguém” com uma identidade econômica ou cultural em particular. E as imagens eram tão bidimensionais quanto ele podia fazê-las. A fotografia não precisa ser um portal para a representação espacial, mas pode tirar proveito da sua qualidade mais elementar: a planicidade. Na verdade, fiquei impressionado com o fato de MacLeay ser um fotógrafo. Ele pulou a fronteira que tantos pictorialistas do século XIX esperavam transgredir, passando de artesão a artista. A câmera era apenas uma ferramenta, enquanto a mente e o coração governavam. Agora, enquanto reconheço o lirismo das cores de MacLeay – os laranjas-tangerina, os verdes-pistache e os amarelos-mostarda que fazem querer lamber a página – o uso que fez da quadricromia de Fresson encoraja um historicismo quase nostálgico, como os autocromos brilhantes de alguns fotógrafos da primeiras décadas do século passado. Ambos os processos recordam o anseio antigo de criar habilidosas fotografias cujos matizes permaneceriam íntegros ao longo do tempo. Ademais, tanto os campos alternados de cores planas como a delimitação de áreas de padrões utilizados por MacLeay, inspirados nas impressões japonesas de blocos de madeira Ukiyo-e (notadamente no trabalho de Kitagawa Utamaro), recordam as gravuras impressionistas do Japonismo de há mais de um século. Finalmente, os modelos/dançarinos de MacLeay interagem em gestos e poses elegantes que desestabilizam o espectador, como um sistema de comunicação transmitindo mensagens ambíguas, simultaneamente enigmáticas e implorando para serem decodificadas. Scott MacLeay dirigiu seus “quaisquer” humanos às ações deles, ocasionalmente nus, nunca exatamente sexuais, sempre intrigantes. Empregou câmera, modelos, cores e composições esparsas, para criar imagens de tal precisão e graça que alcançam não o bombardeio do poema épico, mas o sussurro revelador do haicai. 77


What initially brought me to photography was its ability to tell the truth and to deceive simultaneously. What kept me there was the power of this duality to reveal different, yet relevant, truths to each of us. My work in Vancouver and then in Paris in the decade from 1978 until 1988 was never thematic in any descriptive or linear narrative sense. I was not a storyteller. The fact that I did not prioritize the

INTRODUCTION

communication of a specific message did not preclude the existence of one or hopefully many, the majority of which I was inevitably ignorant. I felt comfortable leaving the determination and significance of specific image content to those observing the work. I was concerned with investigating processes capable of creating ambiguous situations and expressing states of mind that I found relevant to the human condition.

Ce qui m’a initialement amené à la photographie, c’est sa capacité à dire la vérité et à nous tromper en même temps. Ce qui m’y a retenu a été la puissance de cette dualité pour révéler des vérités différentes, mais pertinentes, à chacun de nous. Mon travail à Vancouver, puis à Paris entre 1978 et 1988 n’a jamais été thématique dans un sens narratif,

R. SCOTT MACLEAY Florianópolis, 27/02/18

descriptif ou linéaire. Je n’étais pas conteur. Le fait que je n’ai pas donné

INTRODUCTION

la priorité à la communication d’un message spécifique n’empêchait pas qu’il y en ait un ou, je l’espère même, plusieurs, messages que j’ignorais inévitablement pour la majorité d’entre eux. Je trouvais très confortable de laisser la détermination et la signification du contenu de chaque image à ceux qui regardaient le travail. Je m’intéressais à l’étude de processus capables de créer des situations ambiguës et d’exprimer des états d’esprit que je trouvais pertinents à la condition

O que inicialmente me levou à fotografia foi a sua capacidade de simultaneamente dizer a verdade e enganar. O que me manteve lá foi o poder dessa dualidade para revelar verdades diferentes, e importantes, para cada um de nós. Meu trabalho em Vancouver e depois em Paris na década de 1978 a 1988 nunca foi temático em qualquer sentido narrativo descritivo ou linear. Eu não era um contador de histórias.

INTRODUÇÃO

O fato de não priorizar a comunicação de uma mensagem específica não impediu a existência de uma ou, com sorte, de muitas, a maioria das quais eu inevitavelmente desconhecia. Fiquei confortável deixando a determinação e o significado do conteúdo específico da imagem para aqueles que observavam o trabalho. Eu estava preocupado com a investigação de processos capazes de criar situações ambíguas e expressar estados de espírito relevantes para a condição humana. 8

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For the most part, my explorations were devoted to the study of three visual concepts: chromatic relativity, two-dimensional form and movement and its relationship to the notion of stability. I was particularly interested in studying their potential to enter into complementary and conflicting relationships with one another. I was seeking to uncover new frameworks in which to express my preoccupation with the importance of universality and timelessness, a concern that clarifies, among other things, my preference for unclothed or simply clothed bodies. On a purely thematic level, I confess to occasionally drifting away from the preoccupations that initiated a given series, often at the risk of courting incoherence, a danger with which I simply learned to live and that I exploited as an unintentional ally. Not surprisingly, as time passed during this first decade of work, my early predisposition for planning images down to the last detail gave way to a growing interest in not knowing precisely where I was going, progressively integrating chance as a key parameter in order to more effectively explore the sensation of being lost, attributing to this state of grace, the power to provoke the vulnerability I had always sought to portray. I owe this shift in operational perspective to the multitude of encounters with truly remarkable people that enriched my journey of exploration: video artists, choreographers and composers whose work and creative processes were a source of constant inspiration. Along the way, I discovered the sense of liberation that comes from letting go of total control and relying on informed instinct. The current volume includes a representative selection of the analogue images from the three four-colour series created during this initial phase of my career: ATTITUDES, FRAGMENTS and WAVELENGTH.

humaine. Pour la plupart, mes explorations ont été consacrées à l’étude de trois concepts visuels: la relativité chromatique, la bidimensionnalité et le mouvement et sa relation à la notion de stabilité. J’étais particulièrement intéressé à étudier leur potentiel à entrer en relation complémentaire et conflictuelle les uns avec les autres. Je cherchais à découvrir de nouveaux cadres pour exprimer mon intérêt pour l’importance de l’universalité et de l’intemporalité, une préoccupation qui clarifie, entre autres, ma préférence pour les corps dévêtus ou vêtus simplement. Sur le plan purement thématique, je confesse parfois avoir dérivé des préoccupations qui ont été à l’origine d’une série donnée, souvent au risque de frôler l’incohérence, un danger avec lequel j’ai simplement appris à vivre et que j’ai exploité comme un allié involontaire. Il n’est pas surprenant qu’au cours de cette première décennie de travail, ma prédisposition initiale à planifier les images jusqu’aux derniers détails ait cédé la place à un intérêt croissant à ne pas savoir précisément où j’allais, intégrant progressivement le hasard comme paramètre clé pour explorer efficacement la sensation d’être perdu, en attribuant à cet état de grâce, le pouvoir de provoquer la vulnérabilité que j’avais toujours cherché à dépeindre. Je dois ce changement de perspective opérationnelle à la multitude de rencontres avec des personnes vraiment remarquables qui ont enrichi mon parcours d’exploration : les vidéastes, les chorégraphes et les compositeurs, dont le travail et les démarches créatives ont été une source d’inspiration constante. En chemin, j’ai découvert la sensation de libération qui provient de l’abandon du contrôle total et de l’appui sur l’instinct enrichi. Le volume actuel comprend une sélection représentative des images analogiques des trois séries en quadrichromie de cette phase initiale de ma carrière : ATTITUDES, FRAGMENTS et WAVELENGTH.

Majoritariamente, minhas explorações foram dedicadas ao estudo de três conceitos visuais: relatividade cromática, forma bidimensional e movimento e a relação com a noção de estabilidade. Eu estava particularmente interessado em estudar o potencial para entrar em relacionamentos complementares e conflitantes uns com os outros. Procurava descobrir novos quadros para expressar minha preocupação com a importância da universalidade e da atemporalidade, uma preocupação que esclarece, entre outras coisas, a minha preferência por corpos não vestidos ou vestidos com simplicidade. Em um nível puramente temático, confesso que, ocasionalmente, afasto-me das preocupações que iniciaram uma determinada série, muitas vezes com o risco de expor-me à incoerência, um perigo com o qual simplesmente aprendi a viver e a explorar como um aliado não-intencional. Não surpreendentemente, com o passar do tempo nessa primeira década de trabalho, minha predisposição inicial ao planejamento de imagens até o último detalhe deu lugar ao crescente interesse em não saber exatamente aonde eu estava indo, integrando progressivamente o acaso como um parâmetro-chave para efetivamente explorar a sensação de estar perdido, atribuindo a este estado de graça o poder de provocar a vulnerabilidade que sempre procurei retratar. Eu devo esta mudança na perspectiva operacional ao grande número de encontros com pessoas verdadeiramente notáveis que enriqueceram minha jornada de exploração: videoartistas, coreógrafos e compositores cujos trabalhos e processos criativos foram fonte de inspiração constante. Ao longo do caminho, descobri a sensação de libertação ao abandonar o controle total e confiar no instinto baseado em conhecimento. O presente volume inclui uma seleção representativa de imagens analógicas das três séries empregando quatro cores do inicial da minha carreira: ATTITUDES, FRAGMENTS et WAVELENGTH. 99


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A T T I T U D E S 1 9 7 8 - 1 9 8 0

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From an early age, MacLeay was fascinated by the difference between how things appeared and what lay behind the appearances. This preoccupation became the underlying theme of ATTITUDES, a social commentary concerning the alienating reality that often lays behind the appearance of beauty and harmony that society insists we cultivate and project in our daily lives. The series dealt with beauty as something impure - the enemy of peace of mind and meaningful social interaction. The series was initiated in Vancouver in 1978 and completed in Paris in 1980. The fact that MacLeay chose to work in colour at a time when black and white work continued to dominate the international photographic scene was unquestionably influenced by the exploration of new chromatic relationships that characterized his commercial fashion work. According to the artist, the two-dimensional quality of his images was inspired by his love of 18th century Japanese Ukiyo-e wood block prints, particularly the work of Kitagawa Utamaro. MacLeay was not interested in trying to mimic three dimensions in a twodimensional space. The lack of depth inherent in his exploration of flat fields of colour was ideally suited to his theme. The work required the deceptive simplicity of apparent superficiality and the lack of physical depth only enhanced its psychological complexity. A selection of images was exhibited at the artist’s studio in Vancouver in May 1979 and at the Galerie Ufficio dell’Arte / Créatis in Paris for the first Mois de la Photo in Paris in November 1980. The complete series was exhibited for the first time at the Space Gallery of Pete Turner, Jay Maisel and Ernst Haas in New York in 1980, after which the exhibition toured numerous cities in N. America, Europe and Asia.

Depuis son plus jeune âge, MacLeay est fasciné par la différence entre la façon dont les choses apparaissent et ce qui se trouve derrière les apparences. Cette préoccupation est devenue le thème sous-jacent d’ATTITUDES, un commentaire social sur la réalité aliénante qui est souvent en trame de fond, derrière l’apparence de beauté et d’harmonie que la société nous pousse à cultiver et projeter dans notre vie quotidienne. La série traite de la beauté comme quelque chose d’impur - l’ennemi de la sérénité et de l’interaction sociale significative. La série a été initiée à Vancouver en 1978 et terminée à Paris en 1980. Le fait que MacLeay ait choisi de travailler en couleur à un moment où le travail en noir et blanc continuait à dominer la scène photographique internationale a été incontestablement influencé par l’exploration de nouvelles relations chromatiques typiques de son travail commercial dans la mode. Selon l’artiste, la qualité bidimensionnelle de ses images a été inspirée par son amour des estampes japonaises Ukiyo-e du XVIIIème siècle, en particulier l’œuvre de Kitagawa Utamaro. MacLeay n’était pas intéressé par la représentation de trois dimensions dans un espace bidimensionnel. Le manque de profondeur inhérent à son exploration de champs plats de couleur était idéalement adapté à son thème. Le travail exigeait la simplicité trompeuse de la superficialité apparente et le manque de profondeur physique ne faisait que renforcer sa complexité psychologique. Une sélection d’images a été exposée au studio de l’artiste à Vancouver en mai 1979 et à la Galérie Ufficio dell’Arte / Créatis à Paris pour le premier Mois de la Photo à Paris en novembre 1980. La série complète a été exposée pour la première fois à la Space Gallery de Pete Turner, Jay Maisel et Ernst Haas à New York en 1980, après quoi l’exposition a tourné dans de nombreuses villes d’Amérique du Nord, d’Europe et d’Asie.

Desde muito jovem, MacLeay fascina-se com a diferença entre o modo como as coisas aparentavam ser e o que estava por trás das aparências. Essa preocupação tornou-se o tema subjacente de ATTITUDES, um comentário social sobre a realidade alienante que muitas vezes estabelece a aparência de beleza e harmonia que a sociedade insiste em cultivar e projetar em nossas vidas diárias. A série trata da beleza como algo impuro - o inimigo da paz de espírito e de interações sociais significativas. A série foi iniciada em Vancouver em 1978 e finalizada em Paris em 1980. O fato de MacLeay ter escolhido trabalhar em cores no momento em que o trabalho em preto e branco continuava a dominar a cena fotográfica internacional foi inquestionavelmente influenciado pela exploração de novas relações cromáticas que caracterizaram seu trabalho editorial de moda. Segundo o artista, a natureza bidimensional de suas imagens foi inspirada pelo seu amor às impressões de blocos de madeira japonês Ukiyo-e do século 18, em particular no trabalho de Kitagawa Utamaro. MacLeay não estava interessado em tentar copiar três dimensões em um espaço bidimensional. A falta de profundidade de campo inerente à exploração de cores em planos era ideal para o seu tema. O trabalho exigiu a enganosa simplicidade da aparente superficialidade, e a falta de profundidade física apenas aumentou sua complexidade psicológica. Uma seleção de imagens foi exibida no estúdio do artista em Vancouver, em maio de 1979, e na Galérie Ufficio dell’Arte / Créatis em Paris para o primeiro Mois de la Photo, em Paris, em novembro de 1980. A série completa foi exibida pela primeira vez em na Space Gallery de Pete Turner, Jay Maisel e Ernst Haas em Nova York em 1980, e após a exposição percorreu inúmeras cidades da América do Norte, Europa e Ásia. 12


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ATTITUDES: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 13

REF: 78S2

48.0 cm x 76.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 14

REF: 78S3

29.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 15

REF: 79Q1

38.0 cm x 41.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 16

REF: 79S7

32.0 cm x 48.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 17

REF: 79S4

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 18

REF: 79D1

30,5 cm x 41.2 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 19

REF: 80S35

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

P 20

REF: 80S24

32.0 cm x 48.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

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REF: 79S1

32.0 cm x 48.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

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REF: 79S19

38.0 cm x 57.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

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REF: 79S6

50.8 cm x 68.6 cm

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56.0 cm x 56.0 cm

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31.0 cm x 48.0 cm

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39.5 cm x 54.5 cm

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50.8 cm x 76.2 cm

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38.0 cm x 37.5 cm

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38.0 cm x 56.0 cm

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ATTITUDES: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 32

REF: 79S20

38.0 cm x 47.6 cm

Edition / Édition / Edição: 25

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REF: 79S15

36.8 cm x 47.6 cm

Edition / Édition / Edição: 25

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REF: 80S21

50.8 cm x 60.8 cm

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50.8 cm x76.2 cm

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35,5 cm x 42.2 cm

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50.8 cm x 68.6 cm

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38.0 cm x 55.0 cm

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38.0 cm x 38.0 cm

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30.0 cm x 37.0 cm

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REF: 80D2

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 25

Up until the year 2000, images were printed employing the Ektacolor Type C process. From 2000 onwards, this process was replaced by inkjet technology employing mineral pigments on 100% rag paper to improve print longevity and to obtain a more faithful colour rendition than was possible employing the Ektacolor process. Jusqu’à l’année 2000, les images ont été imprimées avec le processus Ektacolor Type C. A partir de 2000, afin d’améliorer la longévité des tirages et d’obtenir un rendu des couleurs plus fidèle que celui possible avec la technique Ektacolor, ce processus a été remplacé par la technologie à jet d’encre utilisant des pigments minéraux sur papier 100% coton. Até o ano 2000, as imagens foram impressas empregando processamento C-Ektacolor. A partir de 2000, este processo foi substituído por tecnologia jato de tinta empregando pigmentos minerais em papel algodão 100% para melhorar a longevidade da impressão e obter uma execução mais confiável das cores do que era possível empregando o processo Ektacolor.

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F R A G M E N T S 1 9 8 0 - 1 9 8 2

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FRAGMENTS was originally composed of three sections: B&W images, large composite B&W constructions and Fresson quadrichrome charcoal prints. A selection of the colour work is presented here. Although no longer concerned with the notion of beauty as a vector of social incoherence, the images were direct descendants of the work undertaken in ATTITUDES, the notions of alienation and social distance continuing to occupy a central role. Four spatial considerations dominate the work: the physical and psychological fragmentation of images, directional scanning of imagery, repetition of various types and the exploration of edge tension between elements inside the image as well as on its outside borders. MacLeay’s study of body language and formal gestures continued in a chromatic field in which colours, particularly warm tones, became increasingly saturated, probably the result of the incredible depth offered by the Fresson printing process that he employed for the first time in this series. The potential of fragmentation processes and colour field interactions to provoke doubt and ambiguity is central to the work. The series was presented in the multimedia exhibition FRAGMENTS / CYCLES / SONS at the American Center for Artists in Paris for the Mois de la Photo in November 1982, a project for which MacLeay was named American Center/Rockefeller Foundation Artist in Residence. A selection of the colour work was shown at the Marcuse Pfeifer Gallery in New York in April 1983. It was the artist’s first collaboration with the gallery that would continue to represent his work throughout his career in Paris. The work toured N. America and Europe during the two years that followed the New York exhibition.

FRAGMENTS était à l’origine composé de trois sections: des images en N&B, de grandes constructions composites en N&B et des tirages Fresson au charbon en quadrichromie. Une sélection du travail en couleur est présentée ici. Bien qu’elles ne soient plus concernées par la notion de beauté comme vecteur de l’incohérence sociale, les images sont les fruits en ligne droite du travail entrepris dans ATTITUDES, les notions d’aliénation et de distance sociale continuant à occuper un rôle central. Quatre considérations spatiales dominent le travail: la fragmentation physique et psychologique des images, le balayage directionnel de l’imagerie, la répétition de divers types et l’exploration de la tension aux frontières entre éléments à l’intérieur de l’image et sur ses bords extérieurs. L’étude de MacLeay sur le langage corporel et les gestes formels se poursuit dans un champ chromatique où les couleurs, en particulier les tons chauds, deviennent de plus en plus saturées, probablement grâce à la profondeur incroyable offerte par le procédé d’impression Fresson qu’il a utilisé pour la première fois dans cette série. Le potentiel des processus de fragmentation et des interactions entre champs de couleur pour provoquer le doute et l’ambiguïté est au cœur de l’œuvre. La série a été présentée à l’exposition multimédia FRAGMENTS / CYCLES / SONS à l’American Center for Artists à Paris pour le Mois de la Photo en novembre 1982, un projet pour lequel MacLeay a été nommé artiste en résidence de l’American Center / Rockefeller Foundation. Une sélection du travail en couleur a été présentée à la Marcuse Pfeifer Gallery à New York en avril 1983. C’était la première collaboration de l’artiste avec la galerie qui continuerait à représenter son travail tout au long de sa carrière à Paris. L’œuvre a tourné en Amérique du Nord et en Europe pendant les deux années qui ont suivi l’exposition de New York.

FRAGMENTS foi originalmente composto por três seções: imagens P&B, grandes construções de P&B compostas e impressões Fresson em carvão quadrichrome. Uma seleção do trabalho em cores é apresentada aqui. Embora não mais preocupadas com a noção de beleza como vetor de incoerência social, as imagens são descendentes diretos do trabalho realizado em ATTITUDES, com as noções de alienação e distância continuando a ocupar um papel central. Quatro considerações espaciais dominam o trabalho: a fragmentação física e psicológica das imagens, o escaneamento direcional, repetição de vários tipos e a exploração da fronteira de tensão entre elementos dentro da imagem bem como dos limites externos. O estudo de MacLeay sobre linguagem corporal e gestos formais continuou no campo cromático em que cores, particularmente tons quentes, ficaram cada vez mais saturadas, resultado provável da incrível profundidade oferecida pelo processo de impressão Fresson que ele empregou pela primeira vez nesta série. O potencial dos processos de fragmentação e as interações de campo de cores para provocar dúvida e ambiguidade são fundamentais para o trabalho. A série foi apresentada na exposição multimídia FRAGMENTS / CYCLES / SONS no American Center for Artists in Paris para Mois de la Photo em novembro de 1982, projeto pelo qual MacLeay foi nomeado artista em residência do American Centre / Rockefeller Foundation. Uma seleção do trabalho em cores foi exibida na Galeria Marcuse Pfeifer em Nova York em abril de 1983. Foi a primeira colaboração do artista com a galeria que continuaria representando seu trabalho ao longo de sua carreira em Paris. O trabalho percorreu a América do Norte e a Europa durante os dois anos que se seguiram à exposição de Nova York. 48


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FRAGMENTS: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 49

REF: 81D41

38 cm x 42.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 50

REF: 81S7

18.4 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 51

REF: 82DP2

38.0 cm x 89.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 52

REF: 82D7

54.0 cm x 76.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 53

REF: 81S3

52.7 cm x 76.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 54

REF: 81S30

38.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 55

REF: 82TR2

38.0 cm x 121.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 56

REF: 81S24

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 57

REF: 82S3

46 .0 cm x 46.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 58

REF: 81D1

27.0 cm x 28.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 59

REF: 82S29

46.0 cm x 46.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 60

REF: 82S33

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 61

REF: 82S30

46.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 62

REF: 82D1

46.0 cm x 54.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 63

REF: 82D12

38.0 cm x 50.5 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 64

REF: 82S23

46.0 cm x 62.5 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 65

REF: 81S13

54.0 cm x 62.5 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 66

REF: 82DP6

52.0 cm x 73.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 67

REF: 81S17

46.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

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FRAGMENTS: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 68

REF: 81S9

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 69

REF: 81S14

38.0 cm x 60.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 70 - 71

REF: 82TR3

46.0 cm x 46.0 cm (3)

Edition / Édition / Edição: 15

P 72

REF: 82TRT1

38.0 cm x 60.8 cm (2)

Edition / Édition / Edição: 15

P 73

REF: 81S13

46.0 cm x 46.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

Up until the year 2009, images were printed employing the Fresson process. From 2009 onwards, this process was replaced by inkjet technology employing mineral pigments on 100% rag paper. Jusqu’à l’année 2009, les images ont été imprimées en utilisant le procédé Fresson. A partir de 2009, ce processus a été remplacé par la technologie à jet d’encre utilisant des pigments minéraux sur papier 100% coton. Até o ano de 2009, as imagens foram impressas empregando o processo Fresson. A partir de 2009, este processo foi substituído por tecnologia jato de tinta empregando pigmentos minerais em papel algodão 100%.

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WAVELENGTH 1 9 8 3 - 1 9 8 8

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WAVELENGTH explored the absence and presence of movement from two perspectives: active stillness as opposed to passive immobility and involuntary pulsations/waves as opposed to deliberate displacements. The series was never exhibited in its entirety due to the numerous activities upon which MacLeay embarked following the New York exhibition of FRAGMENTS in 1983. Committed to finishing his dichromatic series PRIMATES for a 1985 exhibition at the Marcuse Pfeifer Gallery and engaged in production work and pedagogical program development as Director of the Center for Media Art and Photography at the American Center in Paris, the work on WAVELENGTH stretched over a five-year period. By 1988 he had reached the limit of what he could achieve in analogue photography, frustrated by the medium’s inability to permit high quality multi-layering of information, a compositional approach he was already exploring in the digital musical work that was occupying an increasingly important portion of his time. Thematically, the series dealt with coded gestures, enigmatic messages and missed signals and the ambiguity / confusion they inevitably provoke. The perceived precision and clarity of messages sent and the imprecise nature of messages received were of particular interest. He experimented with colour filtering and painting body parts to alter chromatic relationships and relative scale. Movement as a source of disequilibrium and tension played an increasingly important role as the series progressed. Early work from the series was included in the group exhibition, A Unity of Visions, devoted to the Fresson printing technique at the Contemporary Art Center in New Orleans and the French Cultural Center in New York in 1985 as well as in a retrospective of his work at the Fundação Cultural Badesc in Florianópolis, Brazil in 2011.

WAVELENGTH a exploré l’absence et la présence du mouvement sous deux angles : l’immobilité active par opposition à la tranquillité passive et les pulsations/vagues involontaires par opposition aux déplacements délibérés. La série n’a jamais été exposée dans son intégralité en raison des nombreuses activités sur lesquelles MacLeay s’est engagé à la suite de l’exposition FRAGMENTS à New York en 1983. Ayant l’obligation de terminer sa série dichromatique PRIMATES pour une exposition en 1985 à la Marcuse Pfeifer Gallery et engagé dans le travail de production et de développement du programme pédagogique de l’American Center en tant que Directeur de son Center for Media Art and Photography, le travail sur WAVELENGTH s’est étalé sur une période de cinq ans. En 1988, il avait atteint la limite de ce qu’il pouvait réaliser en photographie analogique, frustré par l’incapacité du médium à permettre une stratification d’information en multicouches de haute qualité, une approche compositionnelle qu’il explorait déjà dans l’œuvre musicale numérique qui occupait une part de plus en plus importante de son temps. Thématiquement, la série traite de gestes codés, de messages énigmatiques et de signaux manqués ainsi que de l’ambiguïté/confusion qu’ils provoquent inévitablement. La perception de la précision et de la clarté des messages envoyés et la nature imprécise des messages reçus étaient d’un grand intérêt. Il a expérimenté le filtrage de couleur et la peinture de parties du corps afin de modifier les relations chromatiques et l’échelle relative. Le mouvement, en tant que source de déséquilibre et de tension, a joué un rôle de plus en plus important à mesure que la série progressait. Les premiers travaux de la série ont fait partie de l’exposition collective A Unity of Visions consacrée au procédé d’impression Fresson au Contemporary Art Center de la Nouvelle-Orléans et au Centre Culturel Français de New York en 1985 ainsi que dans une rétrospective de son travail à la Fundação Cultural Badesc à Florianópolis au Brésil en 2011.

WAVELENGTH explora a ausência e a presença do movimento de duas perspectivas: quietude ativa em oposição à imobilidade passiva e pulsações / ondas involuntárias em oposição a deslocamentos deliberados. A série nunca foi exibida na sua totalidade devido às inúmeras atividades em que MacLeay embarcou na sequência da exibição de FRAGMENTS em Nova York em 1983. Comprometido com a finalização da série dicromática PRIMATES para uma exposição de 1985 na Galeria Marcuse Pfeifer e envolvido em trabalhos de produção e de desenvolvimento pedagógico de programas como Diretor do Center For Media Art and Photography no American Center em Paris, o trabalho WAVELENGTH foi estendido ao longo de um período de cinco anos. Em 1988, alcançou o limite do que a fotografia analógica permitia, e se viu frustrado pela incapacidade do meio de permitir sobreposição de camadas de informação de alta qualidade, à altura da abordagem composicional que já explorava no trabalho musical digital e o qual ocupava cada vez mais uma importante do seu tempo. Acerca do tema, a série trata de gestos codificados, mensagens enigmáticas e sinais perdidos e da ambiguidade / confusão que inevitavelmente provocavam. A precisão percebida e a clareza das mensagens enviadas e a natureza imprecisa das mensagens recebidas eram de particular interesse. Experimentou com a filtragem de cores e pintou partes do corpo para alterar relações cromáticas e escala relativa. O movimento como fonte de desequilíbrio e tensão desempenhou um papel cada vez mais importante à medida que a série progrediu. O primeiro trabalho da série foi incluído na exposição coletiva A Unity of Visions, dedicada à técnica de impressão de Fresson no Contemporary Art Center em New Orleans e no Centre Culturel Français em Nova York em 1985, bem como em uma retrospectiva de seu trabalho na Fundação Cultural Badesc em Florianópolis, Brasil em 2011. 78


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WAVELENGTH: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 79

REF: 84DP7

51.0 cm x 77.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 80

REF: 84S3

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 81

REF: 83DP4

38.0 cm x 96.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 82

REF: 84T3

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 83

REF: 84P4

56.0 cm x 84.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 84

REF: 83P2

74.5 cm x 91.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 85

REF: 85S27

46.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 86-87

REF: 83DPD5

38.0 cm x 49.6 cm (2)

Edition / Édition / Edição: 15

P 88

REF: 83D6

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 89

REF: 85S12

52.5 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 90

REF: 86D8

57.0 cm x 76.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 91

REF: 84D2

46.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 92

REF: 84S17

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 93

REF: 84S18

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 94

REF: 83S0

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 95

REF: 83S1

38.0 cm x 38.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 96

REF: 85T17

38.0 cm x 44.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 97

REF: 87DP16

38.0 cm x 78.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 98

REF: 84S5

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 98

REF: 86DP9

46.0 cm x 46.0 cm (2)

Edition / Édition / Edição: 15

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WAVELENGTH: image profiles / profils des images / perfis das imagens

P 99

REF: 83S4

38.0 cm x 67.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 100

REF: 83S5

58.0 cm x 67.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 101

REF: 86DP10

38.0 cm x 76.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 102

REF: 83S2

56.0 cm x 47.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 103

REF: 86DP13

30.0 cm x 61.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 104

REF: 84T2

47.0 cm x 74.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 104 - 105

REF: 84TP2

38.0 cm x 114.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 106 - 107

REF: 87TP7

38.0 cm x 116.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 108

REF: 88DP1

38.0 cm x 78.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 109

REF: 83S16

56.0 cm x 56.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

P 110 - 111

REF: 88DP5

56.0 cm x 56.0 cm (2)

Edition / Édition / Edição: 15

P 112

REF: 88P3

47.0 cm x 100.0 cm

Edition / Édition / Edição: 15

Up until the year 2009, images were printed employing the Fresson process. From 2009 onwards, this process was replaced by inkjet technology employing mineral pigments on 100% rag paper. Jusqu’à l’année 2009, les images ont été imprimées en utilisant le procédé Fresson. A partir de 2009, ce processus a été remplacé par la technologie à jet d’encre utilisant des pigments minéraux sur papier 100% coton. Até o ano de 2009, as imagens foram impressas empregando o processo Fresson. A partir de 2009, este processo foi substituído por tecnologia jato de tinta empregando pigmentos minerais em papel algodão 100%.

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Scott MacLeay holds a Master of Science degree in economics from the London School of Economics and left his doctoral studies to pursue a career in photography in Vancouver specializing in fashion photography and editorial portraiture. In 1979 he moved to Paris to dedicate himself fulltime to his exhibition work that was represented in Paris by the Galérie Créatis and in New York by the Marcuse

BIOGRAPHY

Pfeifer Gallery. He has exhibited widely in galleries and national museums in North and South America, Europe and Japan and his images are present in numerous private and museum collections. His unique colour palette and minimalist two-dimensional approach to the medium earned him a reputation as one of the most innovative photographers of his generation. Best known for his

Scott MacLeay est titulaire d’une maîtrise en économie de la London School of Economics et a quitté ses études doctorales pour poursuivre une carrière en photographie spécialisée dans la photographie de mode et le portrait éditorial à Vancouver. En 1979, il s’installe à Paris pour se consacrer à plein temps à son travail d’artiste, représenté à Paris par la Galerie Créatis et à New York par la

BIOGRAPHIE

Marcuse Pfeifer Gallery. Il a abondamment exposé dans des galeries et musées nationaux d’Amérique du Nord et du Sud, d’Europe et au Japon et ses images sont présentes dans de nombreuses collections privées et de musées. Sa palette de couleurs unique et son approche minimaliste bidimensionnelle lui ont valu la réputation d’être parmi les photographes les plus innovants de sa génération. Réputé

© Adriane MacLeay

pour son travail en quatre couleurs, il a également expérimenté

Scott MacLeay é Mestre em economia pela London School of Economics e deixou seus estudos de doutorado para seguir carreira em fotografia em Vancouver, especializando-se em fotografia de moda e retrato editorial. Em 1979 mudou-se para Paris para se dedicar integralmente ao seu trabalho autoral, representado em Paris pela Galérie Créatis e em Nova York pela

BIOGRAFIA

Marcuse Pfeifer Gallery. Exibiu amplamente em galerias e museus nacionais na América do Norte, Europa e Japão e suas imagens estão presentes em inúmeras coleções privadas e de museus. A sua paleta de cores única e a abordagem bidimensional minimalista do meio lhe renderam reputação como um dos fotógrafos mais inovadores de sua geração. Mais conhecido por seu trabalho em quatro cores, ele também experimentou amplamente as técnicas 116

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four-colour work, he also experimented extensively with dichromatic techniques, research that led to the creation of his series PRIMATES, a portion of which was featured in the landmark 1988 exhibition Splendeurs et Misères du Corps at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. In the 1980s, he was named Director of the prestigious Center for Media Art and Photography (CMAP) of the avant-garde American Center in Paris where he devoted himself to producing audio-visual projects and developing cutting-edge pedagogical programs for young artists. In 1987 he founded the MMAP (Music, Media Art and Photography) in Paris to continue the work undertaken at the CMAP and expanded his activities to include consulting for large-scale audio-visual projects in France and China. He left analogue photographic work in 1988 to compose contemporary music for video art, special format cinema and contemporary dance as well as for his musical research group Private Circus, an activity that sparked his interest in digital imagery and online technologies. The group recorded two CDs of MacLeay’s work: Small Crowds, a contemporary opera and La Moitié de L’Histoire, a compilation of works composed for contemporary dance. Since moving to Brazil in 2010 he divides his time between new media creations, musical composition for installations and exhibitions, the exploration of online interactivity and curating exhibitions for young Brazilian new media artists. In 2011 he founded The Creative Process, a movement devoted to developing new media and interactive work in the South of Brazil. He is the author of the book of essays Thinking, Feeling, And Seeing: Perception and Process in Photography published in 2015 by Editora Photos.

de nombreuses techniques dichromatiques, recherches qui ont mené à la création de sa série PRIMATES, dont une partie a été présentée dans la célèbre exposition de 1988, Splendeurs et Misères du Corps au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Dans les années 80, il est nommé Directeur du prestigieux Center for Media Art and Photography (CMAP) à l’avant-gardiste American Center à Paris où il se consacre à la réalisation de projets audiovisuels et au développement de programmes pédagogiques de pointe pour les jeunes artistes. En 1987, il fonde le MMAP (Musique, Media Art et Photographie) à Paris pour poursuivre le travail entrepris au sein du CMAP et élargir ses activités en tant que consultant en projets audiovisuels de grande envergure en France et en Chine. En 1988, il quitte la photographie analogique pour composer de la musique contemporaine pour l’art vidéo, le cinéma en formats spéciaux et la danse contemporaine ainsi que pour son groupe de recherche musicale Private Circus, une activité qui a suscité son intérêt pour l’imagerie numérique et les technologies en ligne. Le groupe enregistre deux CDs du travail de MacLeay: Les Petites Foules, un opéra contemporain et La Moitié de l’Histoire, une compilation d’œuvres composées pour la danse contemporaine. Depuis son installation au Brésil en 2010, il partage son temps entre les créations en nouveaux médias, la composition musicale pour les installations et les expositions, l’exploration de l’interactivité en ligne et le travail de commissaire d’expositions pour les jeunes artistes brésiliens de nouveaux médias. En 2011, il fonde The Creative Process, un mouvement dédié au développement de nouveaux médias et au travail interactif dans le sud du Brésil. Il est l’auteur du livre d’essais Pensar, Sentir et Ver: Percepção et Processo en Fotografia publié en 2015 par Editora Photos.

dicromáticas, pesquisas que levaram à criação da série PRIMATES, uma parte da qual foi destaque na histórica exposição de 1988, Splendeurs et Misères du Corps no Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Na década de 1980, foi nomeado Diretor do prestigiado Center for Media Art and Photography (CMAP), integrante do vanguardista American Center em Paris, onde se dedicou a produzir projetos audiovisuais e desenvolver inovadores programas pedagógicos para jovens artistas. Em 1987, fundou o MMAP (Music, Media Art, Photography) em Paris para continuar o trabalho realizado no CMAP e expandiu suas atividades para incluir consultoria para projetos audiovisuais de grande escala na França e na China. Deixou o trabalho fotográfico analógico em 1988 para compor música contemporânea para video-arte, cinema expandido/intermidiático e dança contemporânea, bem como para seu grupo de pesquisa musical Private Circus, uma atividade que despertou seu interesse em imagens digitais e tecnologias on-line. O grupo gravou dois CDs do trabalho de MacLeay: Les Petites Foules, uma ópera contemporânea e La Moitié de L’Histoire, uma compilação de obras composta para dança contemporânea. Desde que se mudou para o Brasil em 2010, divide seu tempo entre criações de novas mídias, composição musical para instalações e exposições, exploração de interatividade on-line e na realização e curadoria de exposições de jovens artistas brasileiros de novas mídias. Em 2011, fundou The Creative Process, um movimento dedicado ao desenvolvimento de novos meios de comunicação e trabalho interativo no sul do Brasil. É autor do livro de ensaios Pensar, Sentir e Ver: Percepção e Processo em Fotografia, publicado em 2015 pela Editora Photos. 117


The most important influences in our lives, both personally and professionally, are early ones. I owe my love of exploration and of risk-taking to my parents who taught me to challenge my limits, equipping me with a healthy dose of confidence, a passion for the arts and a sense of balance that have served me well. In Vancouver, photographers James LaBounty, Robert Title, Ted Scott and

ACKOWLEDGMENTS

Walter Evans all played a defining role in my early photographic development, greatly enhancing the first leg of my journey. I also owe a great deal to Nadège MacLeay who helped me to penetrate the world of contemporary dance, a domain that significantly influenced my use of movement and body language. The work presented here might never have enjoyed the life it did without the friendship and support of writer Stephen DeGange who offered me my first job as a

Les influences les plus importantes dans notre vie, personnellement et professionnellement, sont les premières. Je dois mon amour de l’exploration et de la prise de risque à mes parents qui m’ont appris à défier mes limites, m’offrant une bonne dose de confiance, une passion pour les arts et un sens de l’équilibre qui m’ont été d’une

R. SCOTT MACLEAY Florianópolis, 14/03/18

grande utilité. À Vancouver, les photographes James LaBounty, Robert Title, Ted Scott et Walter Evans ont tous joué un rôle déterminant

REMERCIEMENTS

dans les débuts de mon développement photographique, ce qui a grandement profité à la première étape de mon parcours. Je dois aussi beaucoup à Nadège MacLeay qui m’a aidé à pénétrer dans le monde de la danse contemporaine, un domaine qui a grandement influencé mon exploitation du mouvement et du langage corporel. L’œuvre présentée ici n’aurait peut-être jamais vu le jour sans l’amitié et le

As influências mais importantes em nossas vidas, pessoalmente e profissionalmente, são as primeiras. Devo meu amor pela exploração e por tomada de riscos aos meus pais que me ensinaram a desafiar os meus limites, equipando-me com uma saudável dose de confiança, a paixão pelas artes e uma sensação de equilíbrio que me foram muito importantes. Em Vancouver, os fotógrafos James

AGRADECIMENTOS

LaBounty, Robert Title, Ted Scott e Walter Evans desempenharam um papel determinante no meu desenvolvimento fotográfico inicial, engrandeçendo a primeira etapa da minha jornada. Eu também devo muito a Nadège MacLeay, que me ajudou a penetrar no mundo da dança contemporânea, um domínio que influenciou significativamente o uso que fiz do movimento e da linguagem corporal. O trabalho aqui apresentado talvez não teria ganhado da vida sem a amizade e apoio 118

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photographer in Vancouver and actively promoted my work in New York. I owe my first New York exhibition at the Space Gallery to the generous open-mindedness of Reine and Pete Turner. This exhibition drew the attention of New York Gallery owner Cusie Pfeifer, whose integrity and vision were a constant source of support and enlightenment over the years. Thanks to the encouragement of Paris gallery owner Albert Champeau and Jean-Luc Monterosso, Director of the Mois de la Photo, I was able to establish myself relatively quickly in Paris. It was at the American Center in Paris that I developed my passion for media art and mixed media work. I owe an enormous debt of gratitude to Henry Pillsbury, Don Foresta, AnneMarie Stein and Alexander Mehdevi for trusting me with the responsibilities that led to my directing the Center for Media Art and Photography, an experience that profoundly marked my work. Throughout the period in question, I was fortunate to have had the opportunity to work with models whose complicity and talent greatly facilitated the realization of my photographs. If I continue to enthusiastically explore new paths today, it is thanks to the optimism and vitality that flows from the love I shared with my wife Eliana for eighteen wonderful years and that I continue to share with my daughter Adriane. As I advance in life, one thing has become abundantly clear: everything we achieve as individuals is, in reality, a collective effort. This book is no exception. My heartfelt thanks go out to Ana Carolina von Hertwig and Marco Giacomelli for offering their reflections on the preliminary drafts of the book. I would like to express my sincere gratitude to Allen Ellenzweig for graciously accepting to write the preface to this edition.

soutien de l’écrivain Stephen DeGange qui m’a offert mon premier emploi de photographe à Vancouver et a activement promu mon travail à New York. Je dois ma première exposition à New York à la Space Gallery aux généreux esprits ouverts de Reine et Pete Turner. Cette exposition a attiré l’attention de Cusie Pfeifer, galeriste new-yorkaise, dont l’intégrité et la vision ont été une source constante de soutien et lumière au fil des années. Grâce aux encouragements du galeriste Albert Champeau et de Jean-Luc Monterosso, Directeur du Mois de la Photo, j’ai pu m’établir assez rapidement à Paris. C’est à l’American Center à Paris que j’ai développé ma passion pour l’art vidéo et le travail de médias mixtes. Je dois énormément à Henry Pillsbury, Don Foresta, Anne-Marie Stein et Alexander Mehdevi qui m’ont confié des responsabilités qui m’ont amené à diriger le Center for Media Art and Photography, une expérience qui a profondément marqué mon travail. Tout au long de cette période, j’ai eu la chance, dans mon travail photographique, de travailler avec des modèles dont la complicité et le talent ont grandement facilité la réalisation de mes photographies. Si je continue à explorer avec enthousiasme de nouveaux chemins aujourd’hui, c’est grâce à l’optimisme et la vitalité qui découlent de l’amour que j’ai partagé avec ma femme Eliana pendant dix-huit merveilleuses années et que je continue à partager avec ma fille Adriane. En avançant dans la vie, une chose est devenue évidente: tout ce que nous réalisons en tant qu’individus est en réalité un effort collectif. Ce livre ne fait pas exception. Un grand merci à Ana Carolina von Hertwig et Marco Giacomelli pour leurs réflexions sur les avant-projets du livre. Je voudrais exprimer ma sincère gratitude à Allen Ellenzweig pour avoir gracieusement accepté d’écrire la préface de cette édition.

do escritor Stephen DeGange, que me ofereceu meu primeiro emprego como fotógrafo em Vancouver e promoveu ativamente meu trabalho em Nova York. Eu devo minha primeira exposição de Nova York na Space Gallery às generosas mentes abertas de Reine e Pete Turner. Esta exposição chamou a atenção da galerista nova-iorquina Cusie Pfeifer, cuja integridade e visão foram fonte constante de apoio e iluminação ao longo dos anos. Graças ao encorajamento do galerista parisiense Albert Champeau e de Jean-Luc Monterosso, diretor do Mois de la Photo, consegui me estabelecer relativamente rápido em Paris. Foi no American Center em Paris que desenvolvi minha paixão por videoarte e multimídia. Tenho uma enorme dívida de gratidão com Henry Pillsbury, Don Foresta, Anne-Marie Stein e Alexander Mehdevi por confiarem a mim as responsabilidades que me levaram a dirigir o Center for Media Art and Photography, uma experiência que marcou profundamente meu trabalho. Ao longo do período em questão, tive a sorte de ter tido a oportunidade de trabalhar com modelos cuja cumplicidade e talento facilitaram grandemente a realização das fotografias. Se eu continuo a explorar com entusiasmo novos caminhos hoje, é graças ao otimismo e à vitalidade que decorrem do amor que compartilhei com minha esposa Eliana durante dezoito anos maravilhosos e que continuo a compartilhar com minha filha Adriane. Ao avançar na vida, uma coisa tornou-se bastante clara: tudo o que conseguimos como indivíduos é, na realidade, um esforço coletivo. Este livro não é exceção. Meus sinceros agradecimentos vão a Ana Carolina von Hertwig e Marco Giacomelli por oferecerem suas reflexões sobre os rascunhos preliminares do livro. Gostaria de expressar minha sincera gratidão a Allen Ellenzweig por graciosamente aceitar escrever o prefácio desta edição. 119


www.scottmacleay.com

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“If you know exactly where you are going...change course. Travelling uncharted waters provides answers to important questions as yet unformulated, whose relevance will be revealed at an opportune moment. Let go...fall freely and explore.”

“Si vous savez exactement où vous allez ... changez de cap. Parcourir des eaux inexplorées apporte des réponses à d’importantes questions encore inexprimées, dont la pertinence se révèlera au moment opportun. Lâchez prise... laissez vous tomber librement et explorez.“

“Se você sabe exatamente para onde está indo... mude de rota. Viajar águas não-mapeadas fornece respostas para importantes perguntas ainda não-formuladas, cuja relevância será revelada no momento oportuno. Deixe ir... caia livremente e explore.”

Scott MacLeay


CONTEMPORARY PERSPECTIVES Innovation in New Media Art

PERSPECTIVES CONTEMPORAINES Innovation en Nouveaux Médias

PERSPECTIVAS CONTEMPORÂNEAS Inovação em Novas Mídias

www.the-creative-process.org

CREATIVE PROCESS

Profile for Scott MacLeay

Quadrichromie 1978-1988 ©2018 Creative Process  

A large selection of Scott MacLeay's analogue photographic work begun in Vancouver in 1978 and completed after he took up residence in Paris...

Quadrichromie 1978-1988 ©2018 Creative Process  

A large selection of Scott MacLeay's analogue photographic work begun in Vancouver in 1978 and completed after he took up residence in Paris...