schott aktuell 2011 #2

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2011 schott aktuell

the journal March / April 2011

The Importance

of Making Opera Opera World Premières: Gerald Barry The Importance of Being Earnest 7 April 2011 · Los Angeles, CA (USA)

Bernard Rands Vincent 8 April 2011 · Bloomington, IN (USA)

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Aribert Reimann Ernst von Siemens Musikpreis 2011 CDs / DVDs Melusine Wieland Basa · Katrin Dieckelt · Teresa Erbe · Thomas Fleischmann · Bernardo Kim · Richard Kindley · SongHu Liu · Gabriele May · Marlene Mild · Wieland Satter · Dariusz Siedlik · Elisabeth Sommermann · Tim Stekkelies · Nürnberger Philharmoniker · Peter Hirsch WERGO WER-67192 Fantasiestücke Solo + Dvorˇák, Schumann Jörg Widmann (clarinet) · Andrea Lieberknecht (flute) · Jana Bousková (harp) · Tatjana Masurenko, Hanna Weinmeister (viola) AVI-MUSIC 8553207 Medea Marlis Petersen · Michaela Selinger · Elisabeth Kulman · Michael Roider · Adrian Eröd · Chorus and orchestra of the Vienna State Opera · Marco Arturo Marelli (stage director) · Michael Boder (conductor) ARTHAUS 101 551 (DVD/Blu-Ray)

NEW PUBLICATIONS …ni una sombra Trio für Sopran, Klarinette in A und Klavier (span./dt.)

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Die Liebende abermals (Sonett IX) Text von Johann Wolfgang von Goethe für Sopran und Klavier (dt.)

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An Hermann für Tenor und Klavier (dt.)

7’ ED 20993 Rose, Meer und Sonne für Bariton solo (dt.)

6’ ED 21023

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Editorial · Contents / Inhalt

Norman Ryan Schott Music New York

Dear reader,

Liebe Leserinnen und Leser,

New opera and music theatre projects are flourishing and audiences are clamouring for more. Here in New York, I have just attended sold-out concert readings by Brooklyn’s American Opera Projects of Kamran Ince’s first opera, Judgment of Midas, and I’m marking my calendar for a rare alignment of opera World Premières: Gerald Barry’s The Importance of Being Earnest on 7 April at the Los Angeles Philharmonic plus Bernard Rands’ Vincent on 8 April at the Indiana University Jacobs School of Music Opera Theater plus the English Touring Opera’s spring tour of Tobias Picker’s Fantastic Mr. Fox in a new chamber version for 14 players. More than enough reason to train our spotlight on ’New Opera’ in this issue of schott aktuell. At the International Society of the Performing Arts (ISPA) congress recently held in New York, I noted with interest that all the music category entries in the New Works Pitch Session were either music theatre projects or music that contained a multi-media component. And new opera isn’t just for the opera house; witness the huge success of the New York Philharmonic’s recent production of György Ligeti’s Le Grand Macabre, which the orchestra plans to take on tour worldwide in future seasons.

Neue Musiktheaterprojekte florieren und das Publikum will mehr davon. Gerade habe ich hier in New York die ausverkauften konzertanten Aufführungen des Brooklyn American Opera Projects mit Judgment of Midas erlebt.

Nun notiere ich zwei Opernuraufführungen in meinen Kalender: zunächst Gerald Barrys The Importance of Being Earnest am 7. April in einer Aufführung mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra, am Tag darauf Bernard Rands Vincent am Indiana University Jacobs School of Music Opera Theater und schließlich die English Touring Opera auf Frühlingstournee mit Fantastic Mr. Fox von Tobias Picker in einer neuen Kammeroper-Version mit 14 Musikern. Diese Ereignisse sind Anlass genug, den Fokus unserer schott aktuell-Ausgabe auf neue Opern zu richten!

Bei dem Kongress der Society of the Performing Arts (ISPA) in New York fiel mir kürzlich auf, dass alle Eintragungen in der Musiksparte der New Works Pitch Session mit Projekten im Musiktheaterbereich oder Musik mit Multimedienkomponenten zu tun hatten.

Neue Oper findet längst nicht mehr exklusiv in Opernhäusern statt; man denke nur an den überwältigenden Erfolg von György Ligetis Le Grand Macabre in der Produktion mit dem New York Philharmonic. Das Orchester plant, in den nächsten Jahren mit dieser Oper auf Welttournee zu gehen.

The 400 year allure of that unique marriage of words and music known as opera is clearly not going away.

As one who spent some time in the theatre pit as both a player and conductor, I will never forget the spinetingling thrill of anticipation as the house lights dimmed and the curtain rose. Composers continue to be drawn to the medium and for good reason: the sheer power of a good story told through music is simply irresistible and the multi-media nature of the form is a natural fit in our increasingly visually oriented world.

I hope you enjoy discovering our selection of new and recent operas from around the globe!

Die über vierhundertjährige Verführungskraft dieser einmaligen Vermählung von Text und Musik – genannt Oper – lässt nicht nach. Als Instrumentalist und Dirigent habe ich die prickelnde Vorfreude in Erinnerung, die sich einstellt, wenn die Lichter im Zuschauerraum gedämpft werden und der Vorhang aufgeht. Die erstaunliche Kraft einer guten Geschichte durch Musik erzählt ist unwiderstehlich, und das multimediale Wesen dieser Gattung passt einfach perfekt zu unserem zunehmend visuell geprägten Weltbild.

Ich wünsche Ihnen viel Freude mit unserer Auswahl neuer Opern von Komponisten rund um den Globus!

Contents / Inhalt World Premières / Uraufführungen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4 Looking ahead . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7 First Nights / Premieren . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8 Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung: The Importance of Making Opera . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 News . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18 Birthdays / Geburtstage: Hiller 70 / Reimann 75 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18 Repertoire: Carl Orff · Gisei . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20 Peter Eötvös · Die Tragödie des Teufels · Bayerische Staatsoper 2010 Photo: Wilfried Hösl

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schott aktuell · the journal · 2/2011

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World Premières / Uraufführungen

The Importance of Making Opera seine komplexe Persönlichkeit offenbaren – die des genialen Künstlers, religiösen Fanatikers, Alkoholikers und Epileptikers. Sein instabiles Temperament kann unvorhersehbar von Freundlichkeit zu gewalttätiger Aggression umschlagen.

Die mehr oder weniger chronologisch angeordneten Szenen zeigen den Übergang von der Stimmung seiner früheren Jahre, geprägt von positivem Enthusiasmus inmitten der nordischen Lebenswelt, hin zu Verdunklung seines Inneren trotz der hellen Lebenswelt Südfrankreichs. Diese Erzählung stellt den Prozess der Entfremdung und des Abbaus eines menschlichen Geistes dar, der in Wahnsinn und Suizid mündet.

Bernard Rands

Vincent van Gogh Self-Portrait 1888

Gerald Barry

The Importance of Being Earnest

Bernard Rands

Vincent Opera in Two Acts (2011) libretto by J.D. McClatchy (Eng.) Commissioned by Indiana University Jacobs School of Music 110’ roles: Vincent van Gogh · baritone Theo van Gogh · tenor - Theodorus van Gogh · bass - Paul Gauguin · bass - Agostino Segatori · mezzosoprano - Sien · soprano - Toulouse Lautrec · countertenor - Dr. Peyron · bass - Dr. Gachet · baritone - Marguerite · soprano - SATB chorus orchestra: 3(3.pic.afl).2.3(3.bcl).2-4.3.

2.btbn.1-timp.2perc-hp.cel.acc.pnostr • 8 April 2011 · Bloomington, IN (USA) Indiana University Jacobs School of Music Opera Theater Conductor Arthur Fagen Staging Vincent Liotta Set design Barry Steele Costumes Linda Pisano Further Performances: 9, 15, 16 Apr Bloomington, IN (USA)

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schott aktuell · the journal · 2/2011

Based on an original libretto by American poet J.D. McClatchy (which draws on the letters of van Gogh) this two-act opera is a succession of ’tableaux’ each placing Vincent in contexts which were his real experiences thus revealing his complex character – that of genius artist, religious fanatic, alcoholic, epileptic, and unstable of temperament resulting in behavior ranging unpredictably between affability and violent aggression.

The scenes suggest a more-or-less chronological outline of his late years; a transition from the ’dark’ environment of his early years, full of positive enthusiasms amid the dark surroundings, to the darkening of his inner light amid the brightness of the South. This narrative suggests a process of alienation and the degradation and diminishing of the human spirit culminating in madness and suicide.

Bernard Rands Die Oper in zwei Akten basiert auf einem Libretto des amerikanischen Dichters J.D. McClatchy, der sich seinerseits auf Briefe van Goghs bezieht. Vincent ist eine Folge von „tableaux“. Die Figur wird in Kontexte gesetzt, die van Goghs tatsächlichen Erfahrungen entsprechen und

opera in 3 acts based on the text by Oscar Wilde (2009-2010) libretto prepared by the composer (Eng.) Commissioned by Los Angeles Philharmonic Association, Gustavo Dudamel, Music Director and Barbican Centre, London 90’ roles: John Worthing · tenor Algernon Moncrieff · bass-baritone Cecily Cardew · soprano - Hon. Gwendolen Fairfax · mezzo-soprano Miss Prism · Contralto - Lady Bracknell · Bass - Lane / Merriman · Bass - Male chamber choir (tenor and basses), pre-recorded or live

chological entrapment, that it’s hard not to see his small, 20-minute work as one of the most significant operas of the past decade.’

The high psychological drama of La Plus Forte as described by Igor Toronyi-Lalic, reviewing the London premiere of Gerald Barry’s fourth opera, shows the composer’s intense relationship with text, whether portraying Beethoven in his letters or Strindberg’s nervous pathological protagonist in La Plus Forte. It is given full reign in Oscar Wilde’s most famous play The Importance of Being Earnest. He has made the libretto himself and describes his approach to this extraordinary play: ’I know of nothing like The Importance of Being Earnest – though perhaps it shares a subversion with Alice in Wonderland. The text revels in anarchy, and a delight (Irish) in the absurd – to the point of ecstasy. The structure of the play is so strong, it stands even in my heavily cut version.

If you didn’t know the original, you wouldn’t know anything was missing.

It remains untamed.’

His first opera The Intelligence Park is being presented by the Irish Museum of Modern Art in Dublin as part of their annual concert series on 18 May 2011. „Ohne jede Mühe scheint sich Barry über die festgefahrenen Konventionen der gegenwärtigen Opern hin-

large ensemble: 1(pic).1(ca).1.bcl.2 (2.cbsn)-2.2(1Dtpt).1.1-2perc-pnostr(1.1.1.1.1) • 7 April 2011 · Los Angeles, CA (USA) Walt Disney Concert Hall Los Angeles Philharmonic Orchestra Conductor Thomas Adès (Concert staging) Further Performances: 8 Apr Los Angeles, CA (USA), 26 Apr 2012 London (UK) ’So effortlessly does Barry seem to rise above the tangled, stagnant realities of recent operatic and musical convention, and return and restore the art form to the business of psy-

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Gerald Barry

Feldman’s Sixpenny Editions wegzusetzen, indem er diese Kunstform zu ihrer eigentlichen Stärke, dem psychologischen Fallenstellen zurückführt. Damit macht er seinen kleinen 20-Minüter zu einer der stärksten Opern des zurückliegenden Jahrzehnts.“ Das stark psychologisierende Strindberg-Drama La Plus Forte, hier von Kritiker ToronyiLalic beschrieben, zeigt Gerald Barrys starke Affinität zu Texten, wie etwa auch in seiner Vertonung von Beethoven-Briefen.

Mit Oscar Wildes bekanntestem Schauspiel The Importance of Being Earnest (in der deutschen Fassung auch „Bunburry“ genannt) setzt er diese Reihe fort: „Meines Wissens nach gibt es nichts Vergleichbares zu The Importance of Being Earnest – vielleicht noch Alice im Wunderland, das ähnlich subversiv gestrickt ist.

Der Text schwelgt in Anarchie und steigert nahezu extatisch den Grad der Absurdität. Formal ist das Stück so stark, dass es selbst meine herben Kürzungen mühelos erträgt. Ich glaube nicht, dass man etwas vermissen würde, wenn man das Original nicht kennt – es bleibt wild und ungezügelt.“ Barrys erste Oper, The Intelligence Park ist am 18. Mai 2011 im Irish Museum of Modern Art in Dublin im Rahmen der Museumskonzerte zu erleben.

Oscar Wilde Photo: Napoleon Sarony

for ensemble (2008-2009) Co-commissioned by The London Sinfonietta and The St. Paul Chamber Orchestra 20‘ I Martial Steps - II Home Thoughts III An Afternoon Sleep - IV Free From Care - V A Bumpkin’s Dance VI At Dusk - VII The dog barks, the caravan passes on - VIII The Innermost Secret ensemble: 1(afl).1.1.bcl.1-2.1.1.0pno(cel)-str(1.1.1.1.1) • 10 March 2011 · London (UK) Queen Elizabeth Hall London Sinfonietta Conductor Thomas Adès ’Feldmans was a music shop in London in the early 20th century. They sold collections of popular music for playing at home, and some of these were called Feldman’s Sixpenny Editions. Collections like these were among my first feverish encounters with music as a boy.

I fell in love with pieces like Martial Steps and The dog barks, the caravan passes on. I entered into them completely, becoming one not only with the music, but with the paper they were printed on, and the advertisements on the back. I pored over these, laying my face on them, waiting for signs of my future direction.

The piano plays a significant role in the music. The second movement, Home Thoughts – the centre of my world – is for piano solo. Later, the pianist is asked to play fearless octaves, to be Horowitz, nothing less.

The last piece in the collection, The Innermost Secret, refers to the lunches Satie had with Debussy.

Satie said that Debussy cooked pork chops ”with the innermost secret“.’

(Gerald Barry) After the London World Première, the St Paul Chamber Orchestra under Thomas Zehetmair will give the North American premiere in April 2012. „Feldmans hieß ein Musikladen in London im frühen 20. Jahrhundert.

Dort wurden Popmusiksammlungen für den Hausgebrauch verkauft. Einige Ausgaben wurden Feldman’s Sixpenny Editions genannt. Sammlungen wie diese waren meine ersten fieberhaften Erkundungen der Musik als Kind. Ich verliebte mich in Stücke wie Martial Steps und The dog barks, the caravan passes on. Ich tauchte vollständig darin ein, wurde

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nicht nur eins mit der Musik, sondern auch mit dem Papier, auf das sie gedruckt war, und der Werbung auf der Rückseite. Ich brütete darüber, legte mein Gesicht darauf auf und wartete darauf, dass davon ein Zeichen für meine Zukunft ausginge.

Das Klavier spielt eine signifikante Rolle in der Musik. Der zweite Satz meines Stücks, Home Thoughts – das Zentrum meiner Welt – ist für Klavier solo. Später ist der Pianist gefordert, furchtlos Oktaven zu spielen, nichts weniger als Horowitz selbst zu sein.

Das letzte Stück in der Sammlung, The Innermost Secret, verweist auf die Mittagessen, die Satie mit Debussy einnahm. Satie berichtete, dass Debussy Schweinekoteletts ,mit dem innersten Geheimnis’ kochte.“ (Gerald Barry) Nach der Londoner Uraufführung wird das St. Paul Chamber Orchestra unter der Leitung von Thomas Zehetmair im April 2012 die nordamerikanische Erstaufführung spielen.

Wilfried Hiller

Kaddisch für David Stahl für Klarinette, Kontrabass und Klavier (2010-2011) • 27. März 2011 · München (D) Festsaal des Münchner Künstlerhauses Laszlo Kuti, Klarinette Slawomir Grenda, Kontrabass Oliver Triendl, Klavier Kaddish (Aramaic: ’holy’) is the Jewish mourning prayer recited for the dead. My Kaddisch für David Stahl was conceived to honour the memory of the long-serving chief musical director of the Staatstheater am Gärtnerplatz in Munich and begins with a lyrically flowing lament on the clarinet which towards the end rears up in a despairing wail of grief.

The piano and double bass punctuate the arching structure of the melody with an aggressive and urgent three-note phrase which should sound as if ’hammered in steel’, symbolising the three syllables ’Da-vid Stahl’. The work culminates with an original Jewish melody for Psalm 119 with the following text: ’Your word is a lamp to my feet, shadows and light reveal the width and depth of the path of my life.’

Wilfried Hiller Kaddish (aramäisch: „heilig“) ist das jüdische Trauergebet für einen Verstorbenen. Mein Kaddisch für David Stahl entstand zum Gedenken an den langjährigen GMD des Staats-

theaters am Gärtnerplatz und beginnt mit einer lyrisch fließenden Klarinettenklage, die sich kurz vor Schluss zu verzweifelten Klageschreien aufbäumt. Klavier und Kontrabass gliedern den Melodiebogen durch eine aggressiv vorwärtsdrängende Dreiton-Phrase, die wie „in Stahl gehämmert“ sein soll und die drei Silben „Da-vid Stahl“ symbolisiert. Am Schluss erklingt eine originale jüdische Melodie zum Psalm 119, der folgende Worte zugeordnet sind: „Deine Verse sind eine Lampe meinem Fuß, Schatten und Licht öffnen Weite und Tiefe dem Pfad meines Lebens.“ Wilfried Hiller

Kamran Ince

The Invasion for chamber orchestra (2010) Commissioned by the Canberra International Music Festival, Gallipoli, Turkey Part of the larger Gallipoli Symphony in progress to which several composers will contribute 6’ orchestra: 1.1.0.0-0.3.3.1-2perc-strturkish instruments • 25 April 2011 · Gallipoli (TR) Dardanelles Strait Australian Military Band Ensemble of Turkish Musicians Conductor Kamran Ince Composed for the Canberra International Music Festival as part of the larger Gallipoli Symphony, a symphony-in-progress in to which several composers will contribute, The Invasion depicts the beginning of the World War I battle of Gallipoli from the perspective of the Ottoman soldier. Spiritual and dreamlike lines comingle with explosive noise representing the soldier’s conflicting state of reflecting on the enormity of the moment while engaging in fierce combat.

The Invasion schildert den Beginn der Schlacht von Gallipoli im 1.

Weltkrieg aus der Perspektive eines osmanischen Soldaten. Das Werk wurde für das Canberra International Music Festival als Teil der großen Gallipoli Symphonie komponiert. Sie ist eine Symphony-in-Progress, an der mehrere Komponisten weiter arbeiten werden. Spirituelle und traumähnliche Linien vermischen sich mit explosiven Klängen. Sie repräsentieren den widersprüchlichen Zustand des Soldaten, dem die Ungeheuerlichkeit des Moments bewusst ist, während er zugleich in den verbitterten Kampf eingreift.

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schott aktuell · the journal · 2/2011

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World Premières / Uraufführungen

Christian Jost

Detlev Müller-Siemens

Symphonische Toccata

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für Orgel (2011) Auftragswerk der Philharmonie Essen und der Alfred und Cläre Pott-Stiftung 15’

Trio für Klarinette, Violine und Klavier (2010) 10‘ • 5 April 2011 · London (UK) Austrian Cultural Forum Ensemble Amorpha

• 31. März 2011 · Essen (D) Philharmonie, Alfried Krupp Saal Willibald Guggenmos, Orgel There is no other work more closely associated with the organ than Johann Sebastian Bach’s Toccata in D minor. During my compositional preparation, I repeatedly found myself returning to this work. I had a number of different formal models in mind, but felt myself gravitating towards the rhapsodic character of toccata form so that my new composition for organ ultimately became a toccata developing from a pedal point on the fundamental note ’d’. As is appropriate to the volume of a large modern organ, my concept focuses on symphonic tonal layers whose suggestive maelstrom originates from the inner strength of repeating elements and their register-like augmentation, culminating in the unleashing of polyrhythmic progressions.

Christian Jost Mit der Orgel ist kaum ein anderes Werk so verbunden, wie die Toccata in d-moll von Johann Sebastian Bach. Bei meiner kompositorischen Vorbereitung kam ich immer wieder auf dieses Werk zurück. Ich hatte verschiedene formale Modelle angedacht, fühlte mich aber zum rhapsodischen Duktus der Toccatenform hingezogen. So wurde das neue Orgelwerk eine Toccata, deren klangliches Zentrum sich aus dem Orgelpunkt des Grundtons „d“ heraus entwickelt. Dem Volumen einer großen modernen Orgel entsprechend konzentriert sich die Konzeption auf symphonische Klangschichtungen, deren suggestiver Sog sich aus den inneren Kräften repetierender Elemente und deren registerhaften Vergrößerungen, bis hin zur Entfaltung polyrhythmischer Steigerungen, ableitet.

Christian Jost

Further Performance: 13 Apr Wien (A)

Olli Mustonen

Quartetto

Thomas Larcher Photo: Richard Haughton

Thomas Larcher

Red and Green for orchestra (2010) Commissioned by San Francisco Symphony 22’ I slow - II slow Orchester: 4 (2. auch Altfl. u. Bassfl., 3. u. 4. auch Picc.) · 4 (3. u. 4. auch Engl. Hr.) · 4 (2. auch Es-Klar., 3. auch Bassklar., 4. auch Bassklar. u.

Kb.-Klar.) · 4 (4. auch Kfg.) - 6 · 4 · 4 (1 Altpos., 2 Tenorpos., 1 Basspos.) · 1 - P. S. (4 Spieler) - Hfe. · Akk. · Klav. (auch Cel.) - Str. (16 · 14 · 12 · 10 · 8) • 7 April 2011 · Cupertino, CA (USA) Flint Hall for the Performing Arts San Francisco Symphony Conductor Osmo Vänskä Further Performances: 8 and 9 Apr San Francisco, CA (USA) Red and Green are complementary colours related to each other. Red and Green also refers to the two colours which cannot be distinguished when you suffer from colour blindness ... something I do, but only to a little extent ... but it has always been interesting for me

to ask myself, how ’normal’ people would see the world. Red and Green are two forms of energy (two movements!) which are indeed different, but have strong links to each other – elements of the one are already existing in the other. And last but not least red and green represents traffic lights and so the order of our whole urban world ... similar to zero and one in the computer world and the computer languages.

Thomas Larcher Rot und Grün sind Komplementärfarben; sie stehen zueinander in Beziehung. Rot und Grün sind zudem die Farben, die jemand nicht unterscheiden kann, wenn er farbenblind ist – so wie ich, allerdings nur eingeschränkt. Dennoch habe ich mich immer gefragt, wie „normale“ Menschen wohl die Welt sehen. Rot und Grün sind zwei Formen von Energie (zwei Sätze!), die zwar unterschiedlich sind, aber sehr kraftvoll miteinander verbunden sind – Spuren der einen Farbe existieren auch in der anderen. Und nicht zuletzt sind es auch die Farben der Ampel und somit wichtige Ordnungsfarben unserer urbanen Welt, vergleichbar mit den Ziffern 0 und 1 in der Welt der Computer und der Programmiersprachen.

Thomas Larcher

Concerts and dates can be found at www.schott-music.com/performance.

There you can easily call up all current concert and opera performances in your city or local area or search worldwide among c. 50,000 performances listed in this database. If a performance by your orchestra or opera house is not listed, please email the details to infoservice@schott-music.com, and we will enter it immediately.

Konzerte und Termine finden Sie auf unserer Website unter www.schottmusic.com/performance. Dort können Sie bequem nach aktuellen Aufführungsterminen in Ihrer Stadt oder Umgebung suchen. Die Website bietet rund 50.000 Aufführungen, die zu weiteren Recherchen einladen. Vermissen Sie eine Aufführung Ihres Orchesters oder Opernhauses in unserem OnlineKalender? Schreiben Sie uns einfach an infoservice@schott-music.com und wir tragen den Termin umgehend ein.

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schott aktuell · the journal · 2/2011

per oboe, violino, viola e pianoforte (2010) Commissioned by the Arizona Friends of Chamber Music Sponsored by Charles and Suzanne Peters, Serene Rein, Carla ZingarelliRosenlicht, Jean-Paul Bierny and Chris Tanz.

16’ I Quasi una passacaglia - II „Es muss sein“ • 13 March 2011 · Tucson, AZ (USA) Leo Rich Theater Tucson Winter Chamber Music Festival 2011 Alan Vogel, oboe · Axel Strauss, violin · Paul Coletti, viola · Xak Bjerken, piano The Chamber Music Festival held in Tucson/Arizona in the winter with an average daytime temperature of around 23° C is one of the hottest spots for ambitious chamber music.

This was where Olli Mustonen’s Nonetto II received its first performance two years ago; the reactions were so euphoric that the composer was commissioned to produce a new work in 2011. Mustonen deviates from the customary piano quartet instrumentation with an oboe instead of a cello. The oboe part is performed by Alan Vogel – the only wind player among this year’s festival participants.

Das Kammermusikfestival in Tucson/ Arizona ist im Winter mit einer durchschnittlichen Tagestemperatur von 23° C einer der heißesten Anziehungspunkte für ambitionierte Kammermusik. Vor zwei Jahren wurde dort das Nonetto II von Olli Mustonen aufgeführt; die Reaktionen darauf waren derart euphorisch, dass er für 2011 mit der Komposition eines neuen Werks beauftragt wurde. Anders als bei üblichen Klavierquartetten verwendet Mustonen in seinem Quartetto statt des Cellos eine Oboe.

Ihren Part übernimmt Alan Vogel – unter den Musikern des diesjährigen Festivals der einzige Bläser.

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Looking ahead …

Fazil Say

Bläserquintett „Alevi Dedeler rakı masasında“ (’Alevi Fathers at the Raki Table’) für Flöte, Oboe, Klarinette, Horn und Fagott, op. 35 (2011) Auftragswerk des Konzerthauses Berlin 14’ • 1. April 2011 · Berlin (D) Konzerthaus, Kleiner Saal Pirmin Grehl, Flöte Szilvia Pápai, Oboe Ralf Forster, Klarinette Premysl Vojta, Horn Michael von Schönermark, Fagott The chamber music genre wind quintet dates back to around the time of the invention of the clarinet, its youngest element. Unlike other older genres such as the string quartet, the wind quintet only really came into its own during the twentieth century. Fazil Say, composer in residence at the Konzerthaus Berlin, has selected this instrumentation for his first work written exclusively for wind instruments. In this work, he has conjured up the image of a convivial gathering of bearded men round the table in his native Turkey and has transformed their lively discussion and pensive thoughts into notes – a representation of five rational people conversing in the best sense of chamber music tradition.

Die Gattung des Bläserquintetts ist etwa so alt wie die Klarinette, das jüngste beteiligte Instrument. Anders als vergleichbar alte Gattungen wie das Streichquartett gelangte es erst im 20. Jahrhundert zu voller Blüte. Nun greift sie Fazil Say, Composer-in-Residence des Konzerthauses Berlin, auf und schreibt sein erstes Werk für eine reine Bläserbesetzung.

Darin setzt er eine imaginäre geselli-

ge Runde von bärtigen Männern in seiner türkischen Heimat mit ihren lebhaften Diskussionen und versonnenen Gedankengängen in Töne – im Besten Sinne der Kammermusiktradition ein Gespräch zwischen fünf vernünftigen Personen.

Dieter Schnebel

„behütet...“ – Psalm 121 für Chor (und Orgel oder Synthesizer ad lib.) (2011) (hebr./dt.)

Auftragswerk der Salzburg Biennale 12’

… to May & June

Kamran Ince

World Premières

New work for SATB choir a cappella: The Crossing · Donald Nally ■ 18 June 2011: Philadelphia, PA, The Presbyterian Church of Chestnut Hill (USA)

Richard Ayres No. 46 for orchestra: Het Residentie Orkest · Reinbert de Leeuw ■ 4 June 2011: Amsterdam, Muziekgebouw aan ‘t IJ (NL) Holland Festival 2011 Richard Ayres Photo: Hanya Chlala

New work per violoncello solo: Participants of the competition ■ 20-24 June 2011: Moscow (RUS) XIV International Tchaikovsky Competition 2011

Bernard Rands Danza Petrificada for orchestra: Chicago Symphony Orchestra · Riccardo Muti ■ 5 May 2011: Chicago, IL, Symphony Center (USA)

Herbert Willi

ABBA-MA (Echo of Peace) für Chor und Orchester (2011) Text aus dem „Vater unser“ (dt.)

Auftragswerk der Musikfestspiele Saar 2011 „Musikland Österreich“ 5’

Aribert Reimann

Peter Eötvös

• 30. April 2011 · SaarbrückenBurbach (D) E-Werk Musikfestspiele Saar 2011 Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern Dirigent Christoph Poppen National Choir of Korea

SCHILLER: energische Schönheit für 8 Stimmen, 8 Bläser, 2 Schlagzeuger und Akkordeon: Solisten des Ensemble Modern · N.N., Akkordeon · Schola Heidelberg · Johannes Kalitzke ■ 6. Mai 2011: Witten, Festsaal (D) Wittener Tage für neue Kammermusik 2011

Peter Eötvös Cello Concerto Grosso für Violoncello und Orchester: Miklós Perényi, Violoncello · Berliner Philharmoniker · Peter Eötvös ■ 16. Juni 2011: Berlin, Philharmonie (D)

Heinz Holliger Deux Lectures de Kosovel pour trombone solo: Mike Svoboda, Posaune ■ 8. Mai 2011: Witten (D) Wittener Tage für neue Kammermusik 2011

Toshio Hosokawa Matsukaze Opera in one act, Libretto by Hannah Dübgen based on Zeami’s „Matsukaze“: Pablo HerasCasado · Sasha Waltz · Thomas Schenk, Chiharu Shiota · Christine Birkle ■ 3 May 2011: Bruxelles, La Monnaie (B) Fazil Say Photo: Marco Borggreve

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New work for Sinfonietta: Los Angeles Philharmonic New Music Group · John Adams ■ 24 May 2011: Los Angeles, CA, Walt Disney Concert Hall (USA)

Krzysztof Penderecki

• 19. März 2011 · Salzburg (A) Christuskirche Salzburg Biennale 2011 Schola Heidelberg Dirigent Walter Nußbaum

Orchester: Picc. · 2 · 1 · Engl. Hr. · 2 · Bassklar. · 2 - 4 · 3 · 2 · Basspos. · 1 P. S. (Crot. · Röhrengl. · hg. Beck. · Beckenpaar · 2 Bong. · Tomt. · kl. Tr. · gr. Tr.) (3-4 Spieler) - Str. (12 · 10 · 8 · 6 · 4)

Andrew Norman

Fragmente von Rilke für Sopran und Klavier: Caroline Melzer, Sopran · Axel Bauni, Klavier ■ 2. Juli 2011: Bad Kissingen, Regentenbau, Rossini-Saal (D) Kissinger Sommer 2011

Fazil Say Cleopatra für Violine solo, op. 34: Teilnehmer des Wettbewerbs ■ 30. Mai 2011: Hof, Haus Marteau (D) 4. Internationaler Violinwettbewerb Henri Marteau

Rodion Shchedrin Concert Etude Tchaikovsky Etude for Piano: Participants of the competition ■ 20/21 June 2011: Moscow (RUS) XIV International Tchaikovsky Competition 2011

Jörg Widmann Flötenkonzert: Joshua Smith, flute · The Cleveland Orchestra · Franz Welser-Möst ■ 26 May 2011: Cleveland, OH, Severence Hall (USA)

Birthdays Klaus Doldinger 75 12 May 2011

John Lord 70 9 June 2011

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First Nights / Premieren

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e look forward to the premiere of a major new opera this April: Vincent, Bernard Rands’ searing portrayal of van Gogh’s last months, in Bloomington on 8 April. Other notable new productions include Rodion Shchedrin’s Lolita which opens this year’s Maifestspiele in Wiesbaden, Hans Werner Henze’s wonderful opera for children, Pollicino (Minneapolis, 8 April) and Wilfried Hiller’s Das Traumfresserchen (Schwerin, 1 April). Dance also features strongly in March and April, with new choreographies in Kiel, Bern, Lübeck and Halle.

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ie Jünger von Terpsichore können sich im März und April über vier Ballettproduktionen mit Musik unserer Komponisten in Kiel, Bern, Lübeck und Halle freuen. Besondere Aufmerksamkeit richtet sich auf die Uraufführung von Bernard Rands neuer Oper Vincent; ein Werk, das auch für europäische Häuser von Interesse sein dürfte. Außerdem freuen wir uns auf die deutsche Erstaufführung von Rodion Shchedrins Oper Lolita, mit der die diesjährigen Wiesbadener Maifestspiele eröffnet werden. Auf kleine Opernfans warten neue Inszenierungen von Hans Werner Henzes Pollicino (Minneapolis, 8. April) und Wilfried Hillers Das Traumfresserchen (Schwerin, 1. April).

György Ligeti Le Grand Macabre New York Philharmonic 2010 Photo: Chris Lee

György Ligeti

Le Grand Macabre • 29 March 2011 · Buenos Aires (RA) Teatro Colón Baldur Brönnimann · Alex Ollé / Valentina Carrasco / La Fura dels Baus · Alfons Flores · Lluc Castells

Study Score / Studienpartitur ED 8522 Libretto (dt./engl.) BN 3501-70 WERGO-CD: WER-61702

Jacques Offenbach

Les Contes d’Hoffmann – Hoffmanns Erzählungen • 21 April 2011 · Malmö (S) Opera Alberto Hold-Garrido / Andreas Lönnqvist · Orpha Phelan · Leslie Travers

Carl Orff

Die Kluge • 30. März 2011 · Zürich (CH) Opernhaus, Studiobühne Thomas Barthel · Gudrun Hartmann · Jenny Wolf

Georges Bizet

Wilfried Hiller

Christian Jost

Carmen

Das Traumfresserchen

Hamlet

• 4 March 2011 · Debrecen (H) Csokonai Színház Balázs Kocsár · Nadine Duffaut · Emmanuelle Favre · Katia Duflot

• 1. April 2011 · Schwerin (D) E-Werk Martin Schelhaas · Sibylle Krantz · Mathias Rümmler

• 30. April 2011 · Dortmund (D) Opernhaus Jac van Steen · Peter te Nuyl · Sebastian Hannak

Study Score / Studienpartitur ETP 8062 Vocal Score / Klavierauszug ED 7965 Libretto (frz./dt.) SEM 8002

Libretto (dt.) BN 3380-40

Toshio Hosokawa Hans Werner Henze

Pollicino • 8 April 2011 · Minneapolis, MN (USA) The Ritz Theater Dale Kruse · Heidi Spesard-Noble · Emily Rosenmeier Study Score / Studienpartitur ED 9122 Vocal Score / Klavierauszug ED 7202 WERGO-CD: WER-66642

Hanjo • 10 April 2011 · Bruxelles (B) La Monnaie Koen Kessels · Anne Teresa De Keersmaeker · Jan Joris Lamers · Tim Van Steenbergen • 27 April 2011 · Amsterdam (NL) Het Muziektheater Koen Kessels · Anne Teresa De Keersmaeker · Jan Joris Lamers · Tim Van Steenbergen (Dutch Première)

Score / Partitur ED 6631 Study Score / Studienpartitur ED 4580 Vocal Score / Klavierauszug ED 2868 Libretto (dt.) BN 3636-60

Carl Orff Volker David Kirchner

Carmina Burana

Ghetto

• 23. April 2011 · Chemnitz (D) Theater Frank Beermann · Michael Heinick

• 30. April 2011 · Kiel (D) Opernhaus Ballettabend Georg Fritzsch · Andrej Woron · Lars Scheibner · Andrej Woron · Ballett Kiel

Erich Wolfgang Korngold

Die tote Stadt • 1. April 2011 · Bern (CH) Stadttheater Srboljub Dinic´ · Gabriele Rech · Stefanie Pasterkamp · Gabriele Heimann

Score / Partitur ED 85 Study Score / Studienpartitur ETP 8000 Vocal Score / Klavierauszug ED 2877 Choral Score / Chorpartitur ED 4920-20 Libretto (lat./mhdt./altfranz./dt.)

BN 3633-01 Libretto (lat./engl.) ED 11968 WERGO-CD: WER-66022

Vocal Score / Klavierauszug ED 3208 Libretto (dt.) BN 3480

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Valentin Silvestrov

Richard Strauss

Zwei Dialoge mit Nachwort

Elektra

• 29. April 2011 · Bern (CH) Vidmarhallen Ballettabend Bern:Ballett und Camerata Bern Alexander Janiczek · Cathy Marston · Jann Messerli · Catherine Voeffray · Bern:Ballett

• 16. April 2011 · Leipzig (D) Opernhaus Ulf Schirmer · Peter Konwitschny · Hans-Joachim Schlieker

Richard Strauss

Der Rosenkavalier • 19. März 2011 · Wiesbaden (D) Hessisches Staatstheater Marc Piollet · Renate Ackermann · Marcel Keller · Michael Sieberock-Serafimowitsch Study Score (full-cloth binding) / Studienpartitur (gebunden) AF 5900 Study Score (paperback) / Studienpartitur (broschiert) AF 5900-10 Vocal Score / Klavierauszug AF 5903 Libretto (dt.) AF 5905 Libretto (dt.) SEM 8018

Richard Strauss

Christian Jost Hamlet Komische Oper Berlin 2009

Salome

Photo: Monika Rittershaus

Krzysztof Penderecki

Rodion Shchedrin

Polnisches Requiem

Lolita

(daraus „Ciaccona“) • 29. April 2011 · Bern (CH) Vidmarhallen Ballettabend Bern:Ballett und Camerata Bern Alexander Janiczek · Cathy Marston · Jann Messerli · Catherine Voeffray · Bern:Ballett

• 30. April 2011 · Wiesbaden (D) Hessisches Staatstheater, Großes Haus Internationale Maifestspiele 2011 Marc Piollet · Konstanze Lauterbach · Andreas Jander · Konstanze Lauterbach Vocal Score / Klavierauszug ED 9894

(Reduzierte Fassung) • 10. April 2011 · Berlin (D) Komische Oper Alexander Vedernikov · Thilo Reinhardt · Paul Zoller · Katharina Gault • 10. April 2011 · Erfurt (D) Theater Walter E. Gugerbauer · Christiane Küppers / Berthold Warnecke · Hank Irwin Kittel · Wolfgang Rauschning

Study Score (full-cloth binding) / Studienpartitur (gebunden) AF 5650 Study Score (paperback) / Studienpartitur (broschiert) AF 5650-10 Vocal Score / Klavierauszug AF 5654 Libretto (dt.) AF 5655

Pe-teris Vasks

Cantabile Ve-stijums Lauda 4. Streichquartett (daraus 1. Satz „Elegy“ und 5. Satz „Meditation“) • 23. April 2011 · Halle (D) Opernhaus Ballettabend Bernarda Albas Haus Ralf Rossa · Hartmut Schörghofer · Ballett Rossa WERGO-CD: WER-62202 (Cantabile und Ve-stijums)

Kurt Weill

Die sieben Todsünden • 30. April 2011 · Gelsenkirchen (D) Musiktheater im Revier, Kleines Haus Clemens Jüngling · Alexander von Pfeil · Piero Vinciguerra · Katharina Gault · MiR-Jugend-Orchester Vocal Score (Version for low voice included) / Klavierauszug (Fassung für tiefe Stimme im Anhang) ED 6005

Bernard Rands

Vincent • 8 April 2011 · Bloomington, IN (USA) Indiana University Jacobs School of Music Opera Theater Arthur Fagen · Vincent Liotta · Barry Steele · Linda Pisano

Rodion Shchedrin Lolita Royal Opera Stockholm 1994

(see page 4 / siehe Seite 4)

Erwin Schulhoff

Die Mondsüchtige • 31. März 2011 · Lübeck (D) Theater (11.00 Uhr) Annas All Tag – Ein galaktisches Tanzabenteuer von Kindern für Kinder und Jugendliche Ludwig Pflanz · Alicja Adamska / Shiao Ing Oei / Katja Grzam · Stephanie Viola Gaiser

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

The Importance of Making Opera G

erald Barry has made an opera out of his fellow Irishman’s greatest play and its title has inspired us to head this issue’s Repertoire Recommendations: The Importance of Making Opera! To paraphrase Mark Twain, reports of the death of opera have been greatly exaggerated. Composers, opera houses and audiences have refused to accept any such thing and the art form is currently in rude health. We are delighted to present 21 sparkling new works from our international catalogue all premiered since 2008. Let us know if you would like to see further perusal materials or background information.

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en Titel von Gerald Barrys neuer Oper – The Importance of Being Earnest – finden wir so schön, dass wir ihn leicht abgewandelt unserer Rubrik voran stellen: The Importance of Making Opera. Ungeachtet aller Kassandrarufe beauftragen Opernhäuser weltweit Komponisten damit, diese einzigartige Kunstform mit neuen Werken zu beleben. Auf den folgenden Seiten stellen wir Ihnen 21 neue Werke aus unserem internationalen Katalog vor, die seit 2008 uraufgeführt wurden und ein aufregend vielgestaltiges Bild der aktuellen Opernszene bieten, das von der Literaturoper bis zu experimentellen Formen reicht. Viel Spaß bei Ihren Erkundungen!

Peter Eötvös Douglas J. Cuomo Arjuna’s Dilemma Brooklyn Academy 2009

Love and Other Demons Opera in two parts (20062008/2009) Libretto by Kornél Hamvai after Gabriel García Márquez’s novel „Of Love and Other Demons” (Eng./Yoruba/Lat./Sp.) 120’ ◆ World Première: 10 August 2008 Lewes (UK) · Vladimir Jurowski · Silviu Purcarete · Helmut Stürmer

Photo: Stephanie Berger

Gerald Barry The Importance of Being Earnest opera in 3 acts based on the text by Oscar Wilde (2009-2010) libretto prepared by the composer (Eng.) 90’ ◆ World Première: 7 April 2011 Los Angeles, CA (USA) · Thomas Adès (see page 4 / siehe Seite 4)

Douglas J. Cuomo Arjuna’s Dilemma Chamber opera in one act (2008) Libretto by the composer after scenes from the Bhagavad Gita and poems by Kabir Translations by Ramananda Prasad (Eng./Sans./Hindi) 70‘

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◆ World Première: 22 August 2008 Purchase, NY (USA) · Alan Johnson · Robin Guarino · Donald Eastman · Gabriel Berry Based on the towering Hindu epic, the Bhagavad Gita, Arjuna’s Dilemma utilizes North Indian performance styles, melodic structures, odd time signatures and rhythmic patterns alongside western instrumentation, harmonies and forms. North Indian vocals commingle with a Western tenor and four-part choral writing, with references to both modern vocal styles and Byzantine and Gregorian chant. Improvisation is common to both musical worlds, with the Indian singer, tabla player and jazz saxophonist each using their respective improvisatory traditions to reach for the ecstatic, the sublime and the terror that make up the emotional world of this work. Douglas J. Cuomo

Basierend auf dem überragenden hinduistischen Epos Bhagavad Gita verbindet Arjuna’s Dilemma nordindische Aufführungsformen, melodische Strukturen, Zeitmodelle und rhythmische Muster mit westlicher Instrumentierung, Harmonien und Formen.

Nordindische Vokalisen vermischen sich mit traditioneller europäischer Satztechnik, mit Beziehungen sowohl zu modernen Stilelementen wie auch zu byzantinischen und gregorianischen Gesängen. In der indischen wie der europäischen Musik, speziell dem Jazz, spielt Improvisation eine große Rolle. Der indische Sänger und die Tablaspieler benutzen dabei ebenso wie der Jazz-Saxofonist die ihnen vertrauten Improvisationsmuster, um das Ekstatische, Verborgene und Schreckliche auszudrücken, das die emotionale Welt dieses Werks bestimmt.

Douglas J. Cuomo

Love and Other Demons is a story of forbidden love set in 18th-century Colombia, adapted from the novella Del amor y otros demonios by Nobelprizewinner, Gabriel García Márquez.

One Sunday in the slave market in the port of Cartagena de Indias, Sierva Maria, the daughter of the Marquis Don Ygnacio, is bitten by a rabid dog. Although Sierva herself seems unhurt, this is a town where reason and superstition are at war, and soon the talk is not of rabies, but of possession. Sierva finds herself imprisoned in the Convent of St Clare, where Cayetano Delaura, the bishop’s exorcist, comes to drive out her demons. But soon it is Delaura himself who is possessed, consumed by love, ‘the most terrible demon of all’. As the lovers’ obsession grows, so too does the desire of the authorities to purge this sickness from their midst. A special feature of Love and Other Demons is the consistent use of multilingualism.

Peter Eötvös and Kornél Hamvai have given the different levels of narration and action in the story their own characteristic language: English is the ‘everyday language’ of the noblemen, Latin is the language of the church rites, Spanish is used

by Delaura whenever his conversations with Sierva touch on personal feelings, and Yoruba is the ‘secret’ language of the slaves.

Love and Other Demons ist die Geschichte einer verbotenen Liebe im Kolumbien des 18. Jahrhunderts und basiert auf dem 1994 erschienenen

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The Importance of Making Opera

Roman Del amor y otros demonios des Literaturnobelpreisträgers Gabriel García Márquez. An einem Sonntag wird Sierva Maria, die Tochter des Marquis Don Ygnacio, auf dem Sklavenmarkt von einem tollwütigen Hund gebissen. Sie scheint unverletzt; aber in der von Aberglaube und religiösem Wahn beherrschten Stadt ist bald nicht von Tollwut die Rede, sondern davon, dass Sierva besessen sei. Sie wird im Kloster St. Clare gefangen gesetzt und Cayetano Delaura, Exorzist des Bischofs, wird mit der Austreibung der Dämonen beauftragt.

Bald jedoch ist es Delaura, der besessen ist – vom „schrecklichsten aller Dämonen“, von einer überwältigenden Liebe zu Sierva. Wie seine Liebe, so wächst der Drang seitens der kirchlichen Autorität, diese Krankheit radikal auszumerzen. Eine Besonderheit von Love and Other Demons ist die konsequente Mehrsprachigkeit. Peter Eötvös und Kornél Hamvai haben den Erzähl- und Handlungsebenen ihre jeweils eigene Sprache gegeben: Englisch ist die „Alltagssprache“ der Adligen, Latein ist die Sprache der kirchlichen Riten, Spanisch wird von Delaura benutzt, wenn seine Gespräche mit Sierva persönliche Empfindungen berühren und Yoruba ist die „Geheim“- Sprache der Sklaven.

Peter Eötvös Die Tragödie des Teufels Komisch-utopische Oper in zwölf Bildern (2009) Text von Albert Ostermaier (dt.)

100’ ◆ Uraufführung: 22. Februar 2010 München (D) · Peter Eötvös · Balázs Kovalik · Emilia Kabakov / Ilya Kabakov · Amélie Haas

invalidity of human values. These episodes are like simulations controlled by game supervisors. In the end, ‘Lucy/Lilith’ triumphs. Adam recognises her true identity as Eve attempts to persuade him to embark on a life together by disclosing that she is pregnant. Adam is however under Lilith’s control: he kills Eve and unites himself with Lilith.

Lucifer remains; his tragedy is the loss of power and the end of the principle of evil. His last words: ’I am falling.’

Ausgangspunkt für die Oper war das 1861 erschienene Schauspiel Die Tragödie des Menschen des ungarischen Schriftstellers Imre Madách (18231864). In Die Tragödie des Teufels spielt Luzifer die zentrale Rolle. Er wird von einer Gruppe von Assistenten unterstützt. Unter ihnen ist „Lucy“: Sie ist in Wahrheit „Lilith“, Adams erste Frau, aus dem gleichen Lehm geschaffen wie er und von Gott vertrieben, weil sie sich weigerte, sich Adam oder Gott unterzuordnen. Luzifer und seine Assistenten führen Adam und Eva in ausweglose Situationen, um ihnen die Nichtigkeit menschlicher Werte vor Augen zu führen. Diese Episoden sind von d en Spielleitern gesteuerte Simulationen. Am Ende triumphiert „Lucy/ Lilith“. Adam erkennt ihre wahre Identität, Eva versucht noch, ihn mit der Offenbarung ihrer Schwangerschaft zu einem gemeinsamen Leben zu bewegen. Adam jedoch, von Lilith gelenkt, tötet Eva und vereinigt sich mit Lilith. Luzifer bleibt zurück; sei-

ne Tragödie ist der Verlust der Macht und das Ende des Bösen als Prinzip. „Ich falle“, lauten seine letzten Worte.

Alexander Goehr Promised End opera to words from Shakespeare’s King Lear, op. 83 (2008-2009) texts selected by Frank Kermode (Eng.) 75‘ ◆ World Première: 9 October 2010 London (UK) · Ryan Wigglesworth · James Conway · Adam Wiltshire / Guay Hoare The composer writes: ‘Although the words of this libretto are derived from the Shakespearean text, they are considerably re-arranged, emphasizing one aspect of the original text: King Lear and the Earl of Gloucester, men who in their prime committed errors of judgement, bringing upon themselves their own tragic destinies.’

‘Some major characters in Shakespeare, for instance Kent, disappear completely, and Cordelia and the Fool are merged, brilliantly. The main outlines of the play are adhered to, though the ending, with the hanged Fool singing a prophecy, is drastically different from Shakespeare’s closing banalities. All told, it makes an extremely powerful impression. I’d be interested to know what someone not steeped in King Lear would make of Promised End, but I think that they wouldn’t be

confused or uninvolved; conversely, those of us who live with Shakespeare’s works are not outraged; indeed, are encouraged to feel the work anew. The orchestra is, often, unobtrusive, though never not doing something interesting; and the vocal lines are tours de force of characterisation, with Goneril and Regan and the Fool (accompanied by a guitar) especially vivid.’

Michael Tanner, The Spectator Über Promised End schreibt Alexander Goehr: „Obwohl das Libretto eng an Shakespeares King Lear angelehnt ist, habe ich die Textteile neu zusammen gestellt, um einen wichtigen Aspekt des Originaltextes herauszuheben: König Lear und der Graf von Gloucester sind Männer, die in jungen Jahren Fehler gemacht haben und damit selbst ihr tragisches Schicksal bestimmen.“ „Einige zentrale Figuren der Shakespeare’schen Tragödie fehlen, zum Beispiel Kent, Cordelia und der Narr sind zu einer Person verschmolzen.

Die Handlungsstränge des Dramas sind beibehalten, auch wenn sich das Ende mit dem erhängten Narren, der eine Prophezeiung singt, drastisch von Shakespeare unterscheidet. All das überzeugt durch einen überaus kraftvollen Gesamteindruck. Es würde mich interessieren, wie jemand, der mit „King Lear“ nicht vertraut ist, mit Promised End zurecht kommt, aber ich glaube, er wäre nicht verwirrt oder unbeeindruckt, so wie auch wir, die wir Shakespeares Werk kennen, nicht

Peter Eötvös Die Tragödie des Teufels Bayerische Staatsoper 2010 Photo: Wilfried Hösl

The starting point here was the drama Die Tragödie des Menschen published in 1861 by the Hungarian author Imre Madách (1823-1864). In Die Tragödie des Teufels, the central role is undertaken by Lucifer who is supported by a group of assistants among which the figure of ‘Lucy’ undertakes a prominent role. This figure is in fact ‘Lilith’, Adam’s first wife who was created out of the same lump of clay as Adam but who was banished by God as she insisted on living on equal terms with Adam without subordinating herself either to her husband or to God. The opera presents Lucifer and his assistants bringing Adam and Eve into a succession of impossible situations in order to demonstrate to them the

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

schen Werke. Auch von Hoffmanns Singspiel Liebe und Eifersucht aus dem Jahr 1807 nach Schlegel und Calderón ist nun eine kritische Ausgabe verfügbar, die erstmals vom Staatstheater am Gärtnerplatz München bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen aufgeführt wurde.

Peter Eötvös Love and Other Demons Opéra National du Rhin Strasbourg 2010 Photo: Alain Kaiser

Lee Hoiby This Is the Rill Speaking Opera in One Act (1991) Libretto by Mark Shulgasser after the play of Lanford Wilson (Eng.) 50’ ◆ World Première: 26 April 2008 Purchase, NY (USA) · Benton Hess · Ned Canty · Glenn Reed · Peter West · Anna Kiraly This story captures the everyday happenings of rural America in all of its glories and shortcomings. Like a rill, a term for a small stream or brook, the opera intermittently visits the lives of its rural inhabitants in a non-linear, fluid fashion. Such glimpses of small town life here include woman discussing home decoration, schoolboys gossiping about fellow students, farmers describing quality hay, and other trivial scenes that add up to provide an overall picture of country life.

verärgert sind, sondern im Gegenteil eingeladen werden, es neu kennen zu lernen. Das Orchester ist unaufdringlich, ohne je uninteressant zu sein; die Gesangslinien sind eine Tour de force der Charakterisierung, besonders bei Goneril, Regan und dem von einer Gitarre begleiteten Narren.“ Michael Tanner, The Spectator

E.T.A. Hoffmann Liebe und Eifersucht Singspiel in drei Akten (1807-1808) nach Schlegels Übersetzung „Die Schärpe und die Blume“ von Calderóns „La banda y flor“ bearbeitet und in Musik gesetzt von E.T.A. Hoffmann Aus dem Nachlass von Friedrich Schnapp herausgegeben von Hartmut Schick (dt.)

120’ ◆ Uraufführung: 27. Juli 2008 Ludwigsburg (D) · Michael Hofstetter · Ezio Toffolutti

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E.T.A. Hoffmann is mainly known as a Romantic poet and music critic rather than as a composer, although he left a considerable number of instrumental, vocal and stage works, including Undine, one of the earliest Romantic operas. Schott Music is currently publishing a critical edition of his musical works. Hoffmann’s ballad-opera Liebe und Eifersucht from 1807 after Schlegel and Calderón is now available in a critical edition which was performed for the first time by the Munich Staatstheater am Gärtnerplatz at the Ludwigsburg Castle Festival.

E.T.A. Hoffmann ist vor allem als romantischer Dichter und Musikschriftsteller bekannt. Weniger hingegen als Komponist, obwohl er eine beträchtliche Anzahl von Instrumental-, Vokal- und Bühnenwerken hinterließ, darunter mit Undine eine der frühesten romantischen Opern. Bei Schott Music erscheint derzeit die kritische Ausgabe seiner musikali-

Lee Hoibys einaktige Oper This Is the Rill Speaking stellt alltägliche Begebenheiten im ländlichen Amerika in all seiner Herrlichkeit und mit all seinen Unzulänglichkeiten auf die Bühne. Wie ein Bächlein – nicht linear und fließend – sucht die Oper in Abständen die Welt der ländlichen Bewohner auf. Diese kurzen Einblicke in das Kleinstadtleben zeigen Frauen, die sich über Inneneinrichtungen unterhalten, Schüler, die über Mitschüler tratschen, Farmer, die über Qualitätsheu reden, und andere alltägliche Szenen, die zusammen ein anrührendes und liebevolles Bild des Landlebens ergeben.

A hot Friday in a block of flats on the outskirts of a German city. There is a problem with the water supply and during his inspection the caretaker Lohmeier meets Franziska Dehke and her Arabian flatmate Fatima Mansur. Fatima is visited by her boyfriend Kalil every evening, while on the sofa Franziska dreams of the Orient. Peter Karparti, the neighbour, is irresistibly drawn to their flat. A problem with the lifts causes the five characters’ destinies to merge. The temporal levels and boundaries between dream and reality become blurred. The desert wind of the Arabian night blows through the apartment block, but all of a sudden this magical scenario collapses.

Ein Wohnsilo am Rande einer deutschen Großstadt: An einem heißen Freitagabend gibt es ein Problem mit der Wasserversorgung oberhalb des siebten Stocks. Alles Wasser scheint hier zu verschwinden. Bei seinen Untersuchungen trifft Hausmeister Lohmeier auf Franziska Dehke und ihre arabische Mitbewohnerin Fatima Mansur, die jeden Abend von ihrem Freund Kalil besucht wird. Währenddessen träumt Franziska auf dem Sofa vom Orient.

Auch Peter Karpati aus dem benachbarten Wohnblock wird magisch von der Wohnung der beiden jungen Frauen angezogen.

Als es auch noch Schwierigkeiten mit dem Aufzug gibt, verweben sich die Schicksalsfäden der fünf Menschen: Auf der Suche nach einander befinden sie sich eigentlich auf der

Christian Jost Die arabische Nacht Oper nach dem gleichnamigen Schauspiel von Roland Schimmelpfennig (2006-2007) Libretto vom Komponisten (dt./engl.)

90‘ ◆ Uraufführung: 26. April 2008 Essen (D) · Stefan Soltesz · Anselm Weber · Jörg Kiefel · Irina Bartels

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The Importance of Making Opera

Suche nach einer Zeit, die der Erinnerung und der Vergangenheit gehört.

Der Wüstenwind der arabischen Nacht weht durch die Wohnanlage.

Doch von einem Moment auf den anderen bricht dieses magische Szenarium in sich zusammen.

Christian Jost Hamlet 12 musikdramatische Tableaux nach William Shakespeare (2008) Libretto vom Komponisten unter Verwendung des englischen Originaltextes und der Übersetzung von August Wilhelm Schlegel (dt./engl.)

135‘ ◆ Uraufführung: 21. Juni 2009 Berlin (D) · Carl St. Clair · Andreas Homoki · Wolfgang Gussmann Christian Jost interprets Shakespeare’s tragedy as the ‘story of a surreal trip into the inside’. In his version, Hamlet is sung by a female voice: Jost hints at universal validity beyond individual fate. Hamlet’s long and painful search for truth and understanding is a reflection of the basic existential dilemma of someone who has been deprived of all security. ‘This insecurity is increased and becomes the real subject of the opera by the fact that Hamlet is literally “dissolved“ as a character at decisive points in the opera: in his reflective monologues, choral voices take over his text. These choral parts expand the space of the eponymous hero and distort the time structure of the immediate action by speeding Lee Hoiby This is the Rill Speaking Purchase College Conservatory of Music 2008

up the plot-propelling moments and presenting them in a heightened tempo while the monologues, carried by an inner tension, establish themselves as quiescent islands in the overall structure.’ (Christian Jost) Christian Jost interpretiert Shakespeares Tragödie als die „Geschichte einer surrealen Reise ins Innere“.

Hamlet wird von einer weiblichen Stimme gesungen: damit deutet Jost universelle Gültigkeit jenseits des individuellen Schicksals an. Hamlets schmerzhafte Suche nach Wahrheit und Erkenntnis ist eine Reflexion der existenziellen Grundfrage eines Menschen, der durch ein einschneidendes Erlebnis aller Sicherheit beraubt wurde. „Diese Unklarheit wird dadurch verstärkt und zum eigentlichen Gegenstand der Oper, dass Hamlet an entscheidenden Punkten des Geschehens ganz buchstäblich als Figur ‚aufgelöst’ wird: in seinen reflektierenden Monologen übernehmen Chorstimmen seinen Text.

Diese Chorsätze erweitern den Raum des Titelhelden und verzerren die Zeitstruktur der unmittelbaren Handlung, indem die handlungstreibenden Momente gerafft und in hohem Tempo dargestellt werden, während die von innerer Spannung getragenen Monologe sich als ruhende Inseln im Gesamtgefüge etablieren.“ (Christian Jost)

Tobias Picker’s retelling of the Oedipus myth, from the mother’s perspective, the opera centers on Emmeline Mosher who is only 13 when sent away from her home town of Fayette, Maine to work in the cotton mills of Lynn, Massachusetts.

Falling prey to the advances of her boss’ son, Mathew Gurney, she becomes pregnant and is again sent out of town to have the child. What follows is a series of catastrophic events in Emmeline’s life that ultimately lead to her ostracism from the community.

Tobias Picker erzählt in Emmeline den Oedipus-Mythos neu, aus der Perspektive der Mutter. Seine Oper konzentriert sich auf das Schicksal von Emmeline Mosher, die im Alter von 13 Jahren aus ihrer Heimatstadt Fayette in Maine zur Arbeit in den Baumwollmühlen von Lynn in Massachusetts geschickt wird. Dort er-

liegt sie den Nachstellungen von Mathew Gurney, dem Sohn des Mühlenbesitzers. Sie wird schwanger und muss die Stadt noch vor der Geburt ihres Kindes wieder verlassen. Was nun folgt, ist eine Serie von katastrophalen Ereignissen in Emmelines Leben, die schließlich darin gipfeln, dass sie von der Gesellschaft ausgestoßen wird.

Bernard Rands Vincent Opera in Two Acts (2011) libretto by J.D. McClatchy (Eng.) 110’ ◆ World Première: 8 April 2011 Bloomington, IN (USA) · Arthur Fagen · Vincent Liotta · Barry Steele · Linda Pisano (see page 4 / siehe Seite 4)

Carl Orff Gisei Das Opfer Musikdrama, op. 20 (1913) Dichtung von Carl Orff frei nach „Terakoya“ (Die Dorfschule) von Takeda Izumo (u.a.) in der Übertragung von Karl Florenz (dt./jap.)

50‘ ◆ Uraufführung: 30. Januar 2010 Darmstadt (D) · Constantin Trinks · John Dew · Heinz Balthes · JoséManuel Vázquez (see page 20 / siehe Seite 20)

Tobias Picker Emmeline Opera in two acts (1995 / reduced version 2009) Libretto by J.D. McClatchy, based on the novel by Judith Rossner (Eng.) 115’ ◆ World Première (reduced version): 10 September 2009 New York, NY (USA) · Samuel Bill · Robert Alfoldi · John Farrell · Sándoe Daróczi

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E.T.A. Hoffmann Liebe und Eifersucht Ludwigsburger Schlossfestspiele 2008 Photo: Lioba Schöneck

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Aribert Reimann Medea Oper in zwei Teilen (2007-2009) Textfassung vom Komponisten nach Franz Grillparzer (dt.)

130‘ ◆ Uraufführung: 28. Februar 2010 Wien (A) · Michael Boder · Marco Arturo Marelli · Dagmar Niefind Aribert Reimann’s opera gives a new and essentially modern slant to the Medea myth. The opera’s action is propelled by two factors: Medea’s feeling of foreignness, her sense of being different, and her rejection by society which drives her irrevocably into catastrophe and infanticide. Before Medea appears before her unwilling hosts Creon and Creusa, Jason demands that she removes her headscarf. ’Accept the costume of our country’ he demands, but additionally insists that she relinquishes her personality and – as this proves to be impossible – the custody of her children. Reimann selects the motif of unwarranted possession and the restitution of rights as the second primary theme of his libretto: Medea, whose ultimate pledge on her life is the Golden Fleece, returns the banner stolen by Jason to its rightful location in Delphi at the end of the opera.

Reimann concentrates on a mere few hours of Medea’s life: her first encounter with Creon and Creusa following her arrival in Corinth, the accusation of murder, the dispute concerning her children and finally the perilous arson. The opera is divided into two sections each consisting of two scenes. The concentration on the psychological drama of the chief female figure is also expressed in the selection of the musical medium. In this opera, Reimann returns more frequently to an intense chamber music compositional style; each detail evolves strictly out of what has gone before. The entire musical material is presented in the first scene, forming a musical nucleus from which all subsequent material is developed.

Aribert Reimanns Oper setzt in der Rezeptionsgeschichte des MedeaMythos neue, wesentlich moderne Akzente. Das Geschehen wird von zwei Faktoren vorangetrieben: zunächst von Medeas Fremdheit, ihrer Andersartigkeit und ihrer Ablehnung durch die Gesellschaft, die sie ausweglos in die Katastrophe und den Kindermord treibt. Bevor Medea ihren unwilligen Gastgebern

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Aribert Reimann Medea Oper Frankfurt 2010 Photo: Monika Rittershaus

Kreon und Kreusa entgegen tritt, verlangt Jason von ihr, das Kopftuch abzulegen. „Nimm (an) die Tracht unseres Landes“, fordert er, aber nicht nur das, sondern auch die Aufgabe ihrer Persönlichkeit und – als sich dies als unmöglich erweist – die Herausgabe der Kinder. Als zweites Hauptthema wählt Reimann das Motiv des ungerechtfertigten Besitzes und die Wiederherstellung des Rechts: Medea, deren letztes Lebensunterpfand das goldene Vlies ist, bringt das von Jason geraubte Banner am Schluss der Oper zurück an seinen rechtmäßigen Ort Delphi.

Reimann konzentriert sich auf wenige Stunden im Leben der Medea, ihre erste Begegnung mit Kreon und Kreusa nach der Ankunft in Korinth, den Mordvorwurf, den Streit um die Kinder und schließlich den mörderischen Brandanschlag. Die Oper ist in zwei Teile gegliedert, die aus je zwei Bildern bestehen. Die Konzentration der Handlung auf das psychische Drama der weiblichen Hauptfigur drückt sich in der Wahl der musikalischen Mittel aus. Stärker als in früheren Opern kommt Reimann in dieser Oper wieder zu einer dichten, kammermusikalischen Satzweise zurück, in der sich jedes Detail streng aus dem Vorherigen ergibt. Gleich die erste Szene enthält das gesamte musikalische Material, aus dem sich alles weitere entwickelt.

Benjamin Schweitzer Dafne (Tragikomödie in einem Akt) (2005) Libretto vom Komponisten nach Martin Opitz (1597-1639) (in das Libretto ist eine Gedichtvertonung von Arno Holz (1863-1929) eingearbeitet) (dt.)

30‘ ◆ Uraufführung (szenisch): 25. November 2009 Freiberg (D) · Jan Michael Horstmann · Judica Semler · Tilo Staudte Why would a young composer like Benjamin Schweitzer study the Dafne libretto by the baroque poet Martin Opitz in order to set it to music? For Schweitzer, ‘what appeals to me most is the examination of an epoch in which musical theatre was just in its beginnings and more experimental than it was to be for the following three centuries. At the same time, I wanted to weave the historical environment, the situation in the first decade of the Thirty Years’ War, into the sounds of this work. This strange gods’ and shepherds’ play, intended for the entertainment and edification of an aristocratic wedding party, has a dark side: trap doors open up under the supposed simplicity of the story and its characters. The fear of the ominous ’beast’, a metaphor for the impending war, bursts into the idyll again and again.’ (Benjamin Schweitzer)

Was motiviert einen jungen Komponisten wie Benjamin Schweitzer, sich mit dem Dafne-Libretto des Barockdichters Martin Opitz zu beschäftigen und es neu zu vertonen?

Schweitzer sagt dazu: „Mich reizt vor allem die Auseinandersetzung mit einer Epoche, in der das Musiktheater in seinen Anfängen lag und so experimentell war wie in den folgenden drei Jahrhunderten nicht wieder.

Zugleich wollte ich das historische Umfeld, die Situation in der ersten Dekade des Dreißigjährigen Krieges, mitklingen lassen. Dieses seltsame Götter-und Hirtenspiel, gedacht zur Zerstreuung und Erbauung einer feudalen Hochzeitsgesellschaft, hat eine dunkle Seite: Unter der vermeintlichen Schlichtheit der Geschichte und der Figuren tun sich doppelte Böden auf. Die Angst vor dem ominösen ‚wilden Thier’, einer Metapher für den allseits drohenden Krieg, bricht immer wieder in die Idylle ein.” (Benjamin Schweitzer)

Howard Shore The Fly Opera in Two Acts (2007-2008) Libretto by David Henry Hwang based on the novel by George Langelaan (Eng.) 122‘ ◆ World Première: 2 July 2008 Paris (F) · Plácido Domingo · David Cronenberg · Dante Ferretti · Denise Cronenberg

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The Importance of Making Opera

Based on the 1957 George Langelaan short story and the 1986 David Cronenberg horror film, Howard Shore’s first opera The Fly is an engrossing exploration of the physical and psychological transformation in which a brilliant scientist begins to mutate into a hybrid of man and fly after one of his experiments goes horribly wrong. Researcher Seth Brundle makes a stunning breakthrough in the field of matter transportation when he successfully teleports a living creature. Frustrated in his budding romance with a scientific journalist, and in need of a human subject, he recklessly attempts to teleport himself. An unseen fly enters the transmission booth as well, however, and Brundle soon realizes that his experiment has had ’mixed’ results.

The Fly ist die erste Oper des berühmten Filmkomponisten Howard Shore. Sie folgt der Kurzgeschichte von George Langelaan von 1957 und David Cronenbergs Horrorfilm von 1986 und schildert die physische und psychische Metamorphose eines brillanten Wissenschaftlers in eine Kreuzung aus Mensch und Fliege, nachdem eines seiner Experimente missglückt ist. Die Hauptfigur, der Forscher Seth Brundle, erzielt einen überwältigenden Durchbruch auf dem Gebiet des Materietransports, als er mit Erfolg ein lebendes Objekt teleportiert. Enttäuscht in seiner aufkeimenden Liebe zur Wissenschaftsjournalistin Veronica Quaife unternimmt er einen leichtsinnigen Selbstversuch, bei dem jedoch unbemerkt eine Fliege in die Übertragungskabine gerät. Schon bald muss Brundle feststellen, dass das Experiment unvorhergesehene Folgen hat.

Jacob’s Room draws its story and libretto from a variety of texts, including the eponymous novel by Virginia Woolf, and draws the viewer into its gauzy, internal narrative of loss and terror, touching on themes of personal confrontation of the extreme emotions from Jacob’s experience of a holocaust. A woman (the Guide) appears and forces him to confront his past, the horror and the pain of his loss and his feelings of guilt for having survived. Morton Subotnick draws from multiple literary sources to create a contemporary parable, explicitly leaving out references to a specific time or location.

Geschichte und Libretto von Morton Subotnicks Kammeroper Jacob’s Room wurden aus verschiedenen Texten kompiliert, darunter die Novelle von Virginia Woolf, die der Oper auch den Namen gab. Die Oper lenkt den Blick des Zuschauers in eine zerbrechliche, in der Innenwelt des Protagonisten spielende Geschichte von Verlust und Schrecken. Sie berührt das Thema der extremen Emotionen, unter denen Jacob seit seinen Erlebnissen im Holocaust leidet. Eine Frau (die Führerin) erscheint und zwingt ihn, sich seiner schrecklichen Vergangenheit, dem Schmerz seines Verlustes und seinem Schuldgefühl, überlebt zu haben, zu stellen. Beeinflusst von verschiedenen literarischen Vorbildern schafft Subotnick eine moderne abstrakte Parabel, ohne diese in einer konkreten Zeit oder an einem bestimmten Ort spielen zu lassen.

Ludger Vollmer Schillers Räuber Rap’n Breakdance Opera (2008) Libretto vom Komponisten Rap Lyrics von Philip Kapala (dt.)

130’ ◆ Uraufführung: 8. Juni 2009 Jena (D) · Domenik Beykirch · Dorotty Szalma · Amira Shemeis Ludger Vollmer created a youth opera based on Friedrich Schiller’s drama Die Räuber [The Robbers] which was premiered in 2009 to celebrate the 250th anniversary of Schiller’s birth. This is Vollmer’s third opera following Die Legende von Paul und Paula (based on the film by Ulrich Plenzdorf) and Gegen die Wand (based on the film by Fatih Akin). Schiller’s drama focuses on love, hate and rebellion and depicts the conflict between the two brothers Karl and Franz Moor. Karl – the robber – who is doted on by his father is the personification of freedom and justice. His ’honest’ brother Franz, coldly calculating and unloved, has an eye on his father’s inheritance and resorts to intrigue and murder to further his interests.

Vollmer’s enthralling adaptation transports the central motifs of freedom and injustice into the 21st century. The robbers associated with Karl Moor provide one pole – a gang of youths expressing themselves through rap and break dance – which stands in great contrast to the elite circle surrounding Franz Moor who communicate through the

medium of classical music. The conflict of both factions is depicted in fierce battles of words with rapid changes of tempi, rap lyrics, classical arias and acrobatic dance scenes.

Basierend auf Friedrich Schillers Schauspiel Die Räuber konzipierte Ludger Vollmer eine Jugendoper, die anlässlich des 250. Geburtstages des Dichters im Schillerjahr 2009 uraufgeführt wurde. Schillers Räuber ist Vollmers dritte Oper, nach Die Legende von Paul und Paula (nach dem Film von Ulrich Plenzdorf) und Gegen die Wand (nach dem Film von Fatih Akin). Schillers Drama erzählt von Liebe, Hass und Rebellion und schildert den Konflikt zwischen den beiden Brüdern Karl und Franz Moor. Der vom Vater geliebte Karl – der Räuber – verkörpert Freiheit und Gerechtigkeit. Sein „ehrbarer“ Bruder Franz, kalt berechnend und ungeliebt, begehrt das Erbe des Vaters und greift zu Intrige und Mord, um seine Interessen durchzusetzen.

Vollmers fesselnde Adaption übersetzt das zentrale Motiv um Freiheit und Ungerechtigkeit ins 21. Jahrhundert. Zum einen gibt es die Räuber um Karl Moor – eine rappende und breakdancende Jugendgang –, zum anderen die Elite des Hofes um Franz Moor, die sich des klassischen Gesangs bedient. Die Konflikte beider Lager finden in heftigen Wortgefechten mit rasant wechselnden Tempi, Rap Lyrics, klassischen Arien und akrobatischen Tanzeinlagen ihren Ausdruck.

Howard Shore The Fly Théâtre du Châtelet Paris 2008 Photo: Marie-Noëlle Robert

Morton Subotnick Jacob’s Room Chamber Opera in One Act (2010) libretto by Morton Subotnick Inspired by „Phaedrus“ by Plato, „Eleni“ by Nicholas Gage, „The Pit and the Trap“ by Moshe Kohn, „The Little School: Tales of Disappearance and Survival“ by Alicia Partnoy, „The Holocaust Kingdom“

by Alexander Donat and „Jacob’s Room“ by Virginia Woolf (Eng.) 75‘ ◆ Uraufführung: 5. August 2010 Bregenz (A) · Ari Benjamin Meyers · Mirella Weingarten

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

known as Precious Auntie. They are the bones of this family throughout time and become the mothers and daughters in each generation.

Ludger Vollmer Gegen die Wand Staatsoper Stuttgart Photo: Martin Sigmund

Ludger Vollmer Gegen die Wand Oper nach dem Film von Fatih Akin (2005-2008) Libretto vom Komponisten nach einer Idee von Dorotty Szalma Übersetzung der türkischen Textteile von Gönül Kaya und Orhan Calisir (türk./dt.)

130‘ ◆ Uraufführung: 28. November 2008 Bremen (D) · Tarmo Vaask · Michael Sturm · Günther Grollitsch · Monika Gora The opera Gegen die Wand is based on the award-winning film of the same name by Fatih Akin. The opera tells the story of the young German Turks Sibel and Cahit. Sibel enters into a sham marriage with Cahit to escape the narrow morality of her family. Her appetite for life and love plunges her into numerous affairs.

But Cahit becomes aware that he has actually fallen in love with his sham wife. In the heat of the moment, he kills one of her ex-lovers.

Sibel, for her part, realizes that she too has fallen in love with Cahit and promises to wait for him while he is in prison. But she fails to keep her promise and starts a new life in Istanbul. The music written by the composer Ludger Vollmer for this

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story is energetic and emotional, its specific feature being that it uses not only classical orchestral instruments but also traditional Turkish instruments which give the music a foreign, yet characteristic sound that is appropriate to the subject.

Die Oper Gegen die Wand entstand nach dem gleichnamigen preisgekrönten Film von Fatih Akin. Sie erzählt die Geschichte der jungen Deutschtürken Sibel und Cahit. Sibel geht mit Cahit eine Scheinehe ein, um den engen Moralvorstellungen ihrer Familie zu entfliehen. Ihr Lebens- und Liebeshunger stürzt sie in zahllose Affären. Doch Cahit spürt, dass er sich tatsächlich in seine (Schein)-Ehefrau verliebt hat. Im Affekt erschlägt er einen ihrer Exgeliebten. Sibel erkennt ihrerseits ihre Liebe zu Cahit und verspricht, auf ihn zu warten, solange er im Gefängnis sitzt. Doch das gelingt ihr nicht. In Istanbul beginnt sie ein neues Leben.

Der Komponist Ludger Vollmer hat für diese Geschichte eine energiegeladene, emotionale Musik geschrieben. Ihre Besonderheit ist, dass sie nicht nur klassische Orchesterinstrumente, sondern auch traditionelle türkische Instrumente verwendet, die ihr einen fremden, dem Sujet angemessenen eigenen Klang verleihen.

Stewart Wallace The Bonesetter’s Daughter an opera in two acts (2008) libretto by Amy Tan based on the novel „The Bonesetter’s Daughter“ by Amy Tan (Eng.) 125‘ ◆ World Première: 13 September 2008 San Francisco, CA (USA) · Steven Sloane · Chen Shi-Zheng · Walt Spangler · Han Feng The Bonesetter‘s Daughter is a multigenerational family epic that explores one family‘s history through three generations of mothers and daughters. The opera is set in China during the years before the Communist revolution, framed by the memories and forgotten history of an elderly Chinese mother in presentday San Francisco. The story sweeps from fable-like past to factual present, from Chinese village to urban America. Shifting times and locales are linked by a recurring quartet of women: a girl, a young woman, a mother and an ageless, ghost-spirit

The Bonesetter’s Daughter ist eine epische Familiensaga, die die Lebenslinien einer Familie durch drei Generationen von Müttern und Töchtern erkundet. Der Hauptteil der Oper spielt in China in der Zeit vor der kommunistischen Revolution und ist eingerahmt von den Erinnerungen einer chinesischen Mutter im gegenwärtigen San Francisco.

Die Handlung springt von einer fabulös-unwirklichen Vergangenheit in die realistische Gegenwart, vom alten chinesischen Dorf in das moderne urbane Amerika. Diese Brüche in Zeit und Raum werden durch ein ständig präsentes Frauen-Quartett verbunden: ein Mädchen, eine junge Frau, eine Mutter und ein alterloses, geistähnliches Wesen, das „precious auntie“ – „kostbare Tante“ – genannt wird. Diese vier Frauen, die in allen Szenen als Mütter und Töchter wiederkehren, sind das stützende Skelett dieser Familie, das sie durch die Zeiten und über die Generationen hinweg zusammen hält.

Huw Watkins Crime Fiction chamber opera in one act (2008) libretto by David Harsent (Eng.) 28‘ ◆ World Première: 28 March 2009 Cardiff (UK) · Michael Rafferty · Michael McCarthy · Simon Banham With its intriguing title, the drama in Huw Watkins’ first music theatre work moves between an author and the two characters in the murder scene he is trying to write. Librettist David Harsent describes his characters as having: ’dark desires [that] have to be played out ... motive has to be revealed ... lines of investigation have to be followed and a resolution of some sort arrived at. What’s really interesting about crime fiction, though, is not joining the dots, but the dots themselves: the set-

We are happy to provide you with performing material for the stage, orchestral and choral works on hire. Works with edition numbers are on sale at your local music shop or at our online shop on our website: www.schott-music.com Wir stellen Ihnen alle Aufführungsmateriale zu den Bühnen-, Orchester- und Chorwerken leihweise zur Verfügung. Werke mit Editions-Nummern sind käuflich im Musikalienhandel oder im Shop auf unserer Website erhältlich: www.schott-music.com

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The Importance of Making Opera

Herbert Willi Schlafes Bruder Oper in einem Prolog, acht Szenen und einem Epilog (1994-1995/2006) Libretto von Robert Schneider in Zusammenarbeit mit Herbert Willi Revidierte Fassung 2006 (dt.)

80’ ◆ Uraufführung (revidierte Fassung): 29. März 2008 Klagenfurt (A) · Michael Brandstätter · Aron Stiehl · Jürgen Kirner

Huw Watkins Crime Fiction Millennium Centre Cardiff 2009 Photo: Clive Barda / Arenapal

pieces, the heightened moments of chaos and bloodshed.’ Watkins describes his score as ’dark, intense and ambiguous with disturbing moments of violence.’

In the manuscript of the then unpublished debut novel Schlafes Bruder [Brother of Sleep] by Robert Schneider, the Austrian composer Herbert Willi discovered a plot which was particularly suitable for a musical setting and which in certain key passages was literally ‘crying out to be set to music’ (Willi). The composer also discovered startling parallels between the story and his own biography. In intensive cooperation with the author, an independent libretto was compiled which in form and partially also in content diverged from the novel for Herbert Willi’s first work for the stage. This libretto does however also incorporate core motifs from the novel (which has subsequently received numerous awards and been transformed into an opulent film by Joseph Vilsmaier).

Johannes Elias Alder, an exceptionally gifted musician, lives in an isolated mountain community and is destroyed by the wordless villagers

and their inability to relate to each other. Ultimately he takes his own life by depriving himself of sleep.

However, the composer has replaced Schneider’s bleak conclusion with a positive final twist incorporating the concept of love and hope.

Im Manuskript des damals noch unveröffentlichten Romanerstlings Schlafes Bruder von Robert Schneider fand der Vorarlberger Komponist Herbert Willi einen Stoff, der an seinen Schlüsselstellen förmlich „nach Musik schreit” (Willi). Zugleich ergaben sich für Willi immer wieder frappierende Parallelen zwischen dem Hauptprotagonisten Elias, der ohne Vorbildung zum genialen Musiker wird und seiner eigenen Biografie.

In enger Zusammenarbeit mit dem Autor entstand das formal und teilweise auch inhaltlich eigenständige Libretto zu Willis erstem Bühnenwerk, das gleichwohl zentrale Motive des mittlerweile vielfach ausgezeichneten und von Joseph Vilsmaier opulent verfilmten Romans aufgreift.

Die fiktive Geschichte des ungewöhnlich begabten Musikers Johannes Elias Alder, der in der Abgeschiedenheit des Hochlandes an der Sach- und Beziehungslosigkeit der Menschen zerbricht und sich schließlich durch Schlafentzug das Leben nimmt, erfährt bei Willi allerdings eine entscheidende Änderung: Er stellt dem düsteren Ausklang bewusst eine positive Schlusswendung entgegen, die der Idee von Liebe und Hoffnung Ausdruck gibt.

Herbert Willi Schlafes Bruder Neue Oper Wien 2009 Photo: Armin Bardel

Der Titel von Huw Watkins erstem Musiktheaterwerk Crime Fiction macht neugierig! Die Handlung bewegt sich zwischen einem Autor und den zwei Charakteren einer Mordszene, an der er gerade arbeitet.

Librettist David Harsent benennt die Aspekte, die ihm beim Schreiben wichtig waren: „Dunkle Sehnsüchte müssen ausgespielt werden, das Motiv muss aufgedeckt werden, die Ermittlungslinien müssen verfolgt und zu irgendeiner Lösung gebracht werden. Wirklich interessant an Kriminalliteratur ist jedoch nicht, die Punkte zusammenzufügen, sondern es sind die Punkte selbst: die Standardsituationen, die erhöhten Momente von Chaos und Blutvergießen.“ Watkins beschreibt seine Partitur als „düster, heftig und vieldeutig mit beunruhigenden Momenten von Gewalt.“

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News

New Joaquín Rodrigo Auditorium in Madrid On 13 January 2011, Madrid’s district of Tetuán officially inaugurated the new Joaquín Rodrigo Auditorium in memory of the illustrious composer who lived in the neighborhood with his wife from 1975 until 1999. The hall seating 450 concert-goers is the seventh venue in Spain that bears the name of the country’s most important composer. On this occasion, the exposition ’Joaquín Rodrigo in Madrid (1939-1999). Notes on the life of a genius’ was inaugurated.

The ceremony continued with a documentary film on Madrid’s Retiro Park, with music by Joaquín Rodrigo.

This was immediately followed by a concert ’The piano music of Joaquín Rodrigo and his contemporaries’ by distinguished pianist Ana Benavides, with comments by Cecilia Rodrigo, the composer’s daughter, who cited the words and thoughts of her father.

Am 13. Januar wurde das neue Joaquín Rodrigo Auditorium im Madrilenischen Stadtteil Tetuán eingeweiht, in dessen Nachbarschaft der weltberühmte Komponist von 1975 bis zu seinem Tod lebte. Der 450 Zuschauern Platz bietende Saal ist bereits der siebte Veranstaltungsort in Spanien, der den Namen des bedeutendsten Komponisten des Landes trägt. Begleitet wurden die Feierlichkeiten von der Ausstellung „Joaquín Rodrigo in Madrid (1939-1999) – Das Leben eines Genies“, die noch bis Ende März zu sehen ist. Darüber hinaus wurde zur Eröffnung eine Dokumentation über die Gärten Madrids mit Musik von Rodrigo gezeigt.

In einem Portraitkonzert mit Klaviermusik, interpretiert von Pianistin Ana Benavides, rezitierte Cecilia Rodrigo Texte ihres Vaters.

Cecilia Rodrigo

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Birthdays / Geburtstage

Wilfried Hiller 70 15 March 2011 Auf dem „Trödelmarkt der Träume“ – Der Komponist Wilfried Hiller (At the ’Jumble Sale of Dreams’ – the Composer Wilfried Hiller) is the title of the new book by the musicologist Gunter Reiß which focuses on the musical output of the Munich composer. It will be presented at the Hiller Festival in Munich (23.3-19.4) in celebration of the composer’s 70th birthday. ’Dreams’ is an appropriate key word for Hiller. There are the dreams of children as in Peter Pan or Pinocchio – fragile, at times disturbing, and frequently providing ironic comments on the adult world such as in Norbert Nackendick or Tranquilla Trampeltreu.

However, dreams can also reflect menacing emotions as in the Rattenfänger in which the adults’ dream of never-ending wealth transforms itself into a life-threatening nightmare.

Das Traumfresserchen (part of the ’Trilogy of Dreams’ which also includes Peter Pan and Pinocchio) has enjoyed years of acclaimed success and hundreds of performances, ensuring that bad dreams do not take on a life of their own and get out of hand.

Hiller’s latest works for the stage still have a loose association with dreams: Oswald von Wolkenstein dreams his way out of familiar misery into a world of freedom in art.

Augustinus dreams of a world of brotherly love and Der Sohn des Zimmermanns opens the door into a utopia in which the dream of humaneness can come true.

A poem in Michael Ende’s poetic cycle Trödelmarkt der Träume, the model for Hiller’s ’Scenic Miniatures’ of the same name, begins with the words: ’Today I went to the jumble sale of dreams on the edge of the world. There I found much which had been stolen or thrown away and a lot of broken second- or third-hand stuff of dreams.’ We wish our composer great success in his search for much more of this stuff of dreams and its transformation into music. We offer him our warmest congratulations on the occasion of his 70th birthday!

Auf dem „Trödelmarkt der Träume“ – Der Komponist Wilfried Hiller heißt das neue Buch des Literaturwissenschaftlers Gunter Reiß, in dem er

Wilfried Hiller Photo: Klaus Lipa

das kompositorische Schaffen des Münchner Komponisten vorstellt.

Es wird beim Münchner Hiller-Festival (23.3.-19.4.) anlässlich des 70.

Geburtstags des Komponisten vorgestellt. „Träume“ – es gibt kein besseres Motto für Hillers Werk. Es sind Träume von Kindern wie in Peter Pan oder Pinocchio – zerbrechlich, manchmal verstörend, oft die Welt der Erwachsenen ironisch kommentierend wie in Norbert Nackendick oder Tranquilla Trampeltreu.

Träume sind nicht immer angenehm; manchmal spiegeln sie auch das Gefährliche wie im Rattenfänger, in dem der Traum der Erwachsenen von unerschöpflichem Reichtum zum lebensbedrohenden Albtraum wird.

Dass die bösen Träume sich nicht verselbständigen und nicht überhand nehmen, dafür sorgt seit vielen Jahren und mit hunderten von Aufführungen erfolgreich Das Traumfresserchen, das mit Peter Pan und Pinocchio zusammen die „Trilogie der Träume“ bildet.

Auch Hillers jüngste Bühnenwerke kreisen verschlüsselt um dieses Thema: Oswald von Wolkenstein träumt sich aus seiner familiären Misere in eine Welt der Freiheit der Kunst.

Augustinus träumt von einer Welt der brüderlichen Liebe und Der Sohn des Zimmermanns öffnet den Blick in eine Utopie, in der Menschlichkeit herrscht.

Ein Gedicht von Michael Endes Gedichtzyklus Trödelmarkt der Träume,

der Vorlage für Hillers gleichnamige „Szenische Miniaturen“, beginnt mit den Worten: „Ich war heut auf dem Trödelmarkt der Träume am Rand der Welt, da gab es allerhand Gestohlnes, Weggeworfnes, und kaputtes Traumzeug aus zweiter und aus dritter Hand.“ Wir wünschen unserem Komponisten, dass er noch viel Traumzeug f inden und in Musik verwandeln möge, und gratulieren alle sehr herzlich zum 70. Geburtstag!

Gunter Reiß Auf dem „Trödelmarkt der Träume“ Der Komponist Wilfried Hiller 280 Seiten – Hardcover mit Schutzumschlag Buch mit CD (dt.)

ISBN 978-3-7957-0753-8 ED 21028

Gunter Reiß

Auf dem »Trödelmarkt der Träume« Der Komponist

WILFRIED HILLER

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Aribert Reimann 75 4 March 2011

O

n the occasion of Aribert Reimann’s 75th birthday on 4 March 2011, we would like to take the opportunity not only to offer our heartfelt congratulations but also our thanks to our Berlin composer for entrusting us with a wonderful catalogue of works. The inspiration engendered by his compositions has been passed on through generations of musicians and composers, and this sense of dedication and continuity extends to fifty years of loyalty to his publishers and the harmonious relationship with his team at Schott, which we have all found highly motivating and uplifting.

With his new opera Medea, Reimann has produced an undisputed masterpiece which has guaranteed full houses and unanimous acclaim in Vienna and Frankfurt. Medea shows Reimann’s unique ability to temper highly complex musical structures and an extremely ambitious tonal language (which characterises his operatic and orchestral works in general) with clarity and comprehensibility. This consummate skill has its foundations in Reimann’s profound sense of humanity and his compassionate affinity with his characters, which permits him and his audiences to experience the immediacy of the drama.

This year Reimann will receive the highest award for musical achievement, the Ernst von Siemens Music Prize, for his complete œuvre, encompassing his stage works and lieder, which have long since entered the musical canon, numerous solo concertos, orchestral works and chamber music. Congratulations, and our warmest good wishes.

News

A

ribert Reimanns 75. Geburtstag am 4. März 2011 ist uns Anlass, dem Berliner Komponisten von Herzen zu gratulieren und ihm zugleich einmal zu danken: für viele herausragende Werke, für die Inspiration, die von seinem Schaffen auf Generationen von Musikern und Komponisten ausgeht, aber auch für fünfzig Jahre Treue zu seinem Verlag und die freundschaftliche Verbundenheit zu seinem Team bei Schott, die wir als motivierend und beglückend erleben.

Gerade hat Reimann mit der neuen Oper Medea ein unbestrittenes Meisterwerk vorgelegt, das in Wien und Frankfurt bereits für ausverkaufte Häuser und einhelligen Publikumsjubel sorgte. Es dokumentiert die einzigartige Kunst des Komponisten, hoch komplexe musikalische Strukturen und eine äußert ambitionierte Tonsprache (die seine Opern wie seine Orchesterwerke prägt) mit Verständlichkeit zu verbinden. Grundlage dieser Meisterschaft sind Reimanns tief empfundene Humanität und eine empathische Nähe zu seinen Figuren, die ihm und dem Publikum das unmittelbare Miterleben ermöglichen.

Sein Gesamtschaffen, das neben längst kanonisch gewordenen Opern und Liedern zahlreiche Solokonzerte, Orchesterwerke sowie Kammermusik umfasst, wird im Geburtstagsjahr 2011 mit dem Ernst von Siemens Musikpreis, der bedeutendsten Auszeichnung auf dem Gebiet musikalischer Leistungen, gew ürdigt. Wir gratulieren und danken von Herzen!

Aribert Reimann Photo: Gaby Gerster

Ernst von Siemens Musikpreis 2011 Aribert Reimann is the recipient of the Ernst von Siemens Music Prize 2011. The prestigious award will be presented to Reimann by the President of the Bayerische Akademie der Schönen Künste [Bavarian Academy of Fine Arts] in a musical ceremony in the Cuvilliés Theatre in Munich on 24 May 2011. The laudation will be given by the music critic Stephan Mösch. The soprano Anna Prohaska will perform Reimanns Trio …ni una sombra together with Jörg Widmann and Axel Bauni.

The Ernst von Siemens Music Prize is accompanied by a cash endowment of 200,000 euros and is awarded for outstanding services to contemporary music. The annual prize is presented in alternate years to a composer and a figure from a different sphere of the musical world. The Foundation additionally awards encouragement prizes to young composers and supports over 100 contemporary music projects in over twenty countries throughout the world.

Aribert Reimann erhält den Ernst von Siemens Musikpreis 2011. Die bedeutende Auszeichnung wird Reimann vom Präsidenten der Bayerischen Akademie der Schönen Künste bei einem musikalischen Festakt im Münchner Cuvilliés Theater am 24. Mai 2011 überreicht. Die Laudatio hält der Musikkritiker Stephan Mösch. Die Sopranistin Anna Prohaska wird gemeinsam mit Jörg Widmann und Axel Bauni Aribert Reimanns Trio …ni una sombra interpretieren.

Der Ernst von Siemens Musikpreis ist mit 200.000 Euro dotiert und würdigt Verdienste um die zeitgenössische Musik. Er wird jährlich im Wechsel an einen Komponisten und eine andere Person aus dem Musikleben verliehen. Darüber hinaus vergibt die Stiftung in jedem Jahr Förderpreise an Nachwuchskomponisten und unterstützt über 100 Projekte im zeitgenössischen Musikbereich in weltweit zwanzig Ländern.

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Repertoire

The Importance of Making Opera

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Gisei

Das Opfer Musikdrama, op. 20 (1913) Dichtung von Carl Orff Frei nach „Terakoya“ (Die Dorfschule) von Takeda Izumo (u.a.) in der Übertragung von Karl Florenz (dt./jap.)

roles: Kwan Shusai, Sohn des ermordeten Kanzlers Michizane, vor der Welt als eigener Sohn Genzos in dessen Hause aufgezogen (8 Jahre alt) · Sopran Genzo, Lehrer in Seryo · Bariton - Tonami, sein Weib · Sopran - Matsuo, ehemals Vasall des Kanzlers Michizane, nach dessen Ermordung zum Kanzler Tokihira übergetreten · Bariton - Chiyo, sein Weib · Sopran - Kotaro, beider Sohn (8 Jahre alt) · Sopran - Gamba, Kammerherr in Tokihiras Dienst · Tenor - Sansuke, Diener Matsuos - sieben Bauernkinder, Schüler Genzos (7-9 Jahre alt) - Bewaffnete unter Gambas Befehl orchestra: 3 · 3 · Engl. Hr. · 3 · Bassklar. · Altsax. · Tenorsax. · Basssax. · 3 · Kfg. - 4 · 3 · 3 · 2 - P. S. (Glsp. · Trgl. · Beckenpaar · gr. Tr. · Tamt. · Gong) Glasharm. · Klav. · 2 Hfe. - Str. stage music (kann eingezogen werden): 2 (2. auch Picc.) · 0 · 0 · 3 - 0 · 3 · 3 · 2 - P. S. (Gong · Donnermasch. · Windmasch.) - Glasharm. · Hfe. - Chor (SATB) - Str. (4 · 0 · 6 · 0 · 0) 50’

C

arl Orff war von frühester Jugend an fasziniert von Japan und seiner Kultur, vor allem von der Literatur und von Bunraku, dem japanischen Figurentheater. Seine lebenslange Begeisterung für Kabuki- und No--Theater hat in vielen seiner Werke Spuren hinterlassen. Besonderes Interesse galt dem Stück „Terakoya No Dan“: Dieser Akt eines insgesamt achtstündigen Historiendramas diente Orff als Grundlage für sein erstes eigenes Bühnenwerk Gisei, das er im Alter von siebzehn Jahren komponierte. Der fremde Stoff inspirierte den jungen Komponisten zu einer Musiksprache der Synthese zwischen musikalischem Exotismus und europäischer Musiktradition. In einem Vorspiel beklagen zwei Gestalten, ein Mann und eine Frau, den Opfertod ihres Kindes. Die Geschichte der durch ein unabwendbares Schicksal herbeigeführten Tötung des Knaben Kotaro wird in der anschließenden Additional Feature Haupthandlung wie in einer filmi- Scan this QR schen Rückblende erzählt. Zu Leb- Code with zeiten hatte Orff die Aufführung un- your smarttersagt, weil er fürchtete, Musik und phone for Sujet seien zu schnell nicht mehr sound clips, zeitgemäß – ein Zeichen des ästheti- videos and schen Fortschrittsdenkens des Ex- more inforpressionismus. mation.

Carl Orff · Gisei · Staatstheater Darmstadt 2010

World Première: 30. Januar 2010 Darmstadt (D) · Constantin Trinks · John Dew · Heinz Balthes · José-Manuel Vázquez

rom his early youth, Carl Orff had always been fascinated by Japan and its culture, in particular literature and Bunraku, Japanese puppet theatre.

His lifelong enthusiasm for Kabuki and No--theatre has also left its traces in many of his works. He was particularly captivated by the play ’Terakoya No Dan’: this act from the eight-hour long historical drama provided Orff with the material for his first stage work Gisei, composed when the composer was only seventeen. The foreign plot inspired the composer to develop a musical language which was a synthesis of musical exoticism and the traditions of European music. In a prelude, two figures, a man and a woman, are mourning the sacrificial death of their child. The story of the killing of the boy Kotaro which was precipitated by inevitable fate is depicted in the ensuing main plot as if in a cinematic flashback. Orff did not permit a performance of this work during his lifetime as he feared that the music and its subject would soon no longer be perceived as being contemporary, a trait of the progressive aesthetic concept of Expressionism.

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schott aktuell · the journal · 2/2011

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Carl Orff