Festival Internationale Neue Dramatik 2023 / Festival International New Drama 2023

wir begrüßen Sie herzlich zum Festival Internationale Neue Dramatik 2023. Vom 19. bis zum 30. April stellt das FIND Inszenierungen aus acht Ländern und drei Kontinenten vor, die zum ersten Mal in Deutschland zu sehen sind.

ARTIST IN FOCUS

Künstlerin im Fokus ist in diesem Jahr die Regisseurin Elizabeth LeCompte mit ihrem Kollektiv The Wooster Group (New York). In einer Garage in Manhattan gegründet, definierte die Gruppe vor einem halben Jahrhundert eine völlig neue Theatersprache. Unter der Regie von LeCompte entwickelt The Wooster Group ihre Stücke kollektiv mit ihren zentralen Darsteller_innen, darunter Kate Valk oder der verstorbene Mitbegründer Spalding Gray, sowie mit ihnen verbundenen Künstler_innen, zu denen Größen wie Willem Dafoe, Frances McDormand und John Lurie gehörten. Heute gelten sie als Vorreiter_innen des postdramatischen Theaters.

Wir zeigen zwei der jüngsten Arbeiten: »A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« unternimmt eine szenische Rekonstruktion des vorletzten Stücks von Tadeusz Kantor, das der polnische Theatermacher 1988 kurz vor seinem Tod inszenierte. Mithilfe von Kantors Tochter Dorota Krakowska sowie einer Filmaufzeichnung der Proben unternimmt die Gruppe eine Expedition in die Vergangenheit zurück zur europäischen Theateravantgarde, in der sich die Zeitebenen verschieben. »NAYATT SCHOOL REDUX (Since I Can Remember)« ist eine Reise in die Geschichte von The Wooster Group selbst: der Versuch eines Reenactments der nur durch fragmentarische Archivmaterialien überlieferten Inszenierung »NAYATT SCHOOL« von und mit Spalding Gray. Der Autor und Schauspieler experimentierte darin ausgehend von T. S. Eliots »The Cocktail Party« mit der Monologform. Während der Versuch einer getreuen Wiederbelebung in seiner Unmöglichkeit begreifbar wird, gerät er zu einer psychedelischen Zeitreise in den irrsinnigen Alltag des New Yorker Experimentaltheaters der 1970er­Jahre. Im Begleitprogramm zeigen wir u. a. experimentelle Filmarbeiten von The Wooster Group und streamen prägende Inszenierungen online.

INTERNATIONALES PANORAMA

Erstmals mit einer größeren Inszenierung in Deutschland zu Gast ist das taiwanesische Kollektiv Shakespeare’s Wild Sisters Group (Taipeh). Um vier Frauen in Umbruchsituationen dreht sich ihre Inszenierung »親愛的人生 (Dear Life)«. Sie basiert auf den gleichnamigen Kurzgeschichten der Nobelpreisträgerin Alice Munro und spielt in einem flirrenden urbanen Universum im heutigen Taipeh.

»笑顔の砦 (Fortress of Smiles)« nennt der japanische Theatermeister Kuro Tanino (Tokio) sein Stück, in dem er zwei identisch erscheinende, Wand an Wand gelegene Wohnungen als hyperrealistische, simultan bespielte Schauplätze auf die Bühne bringt. Während in der einen Wohnung eine Gruppe von Fischern ihrer fröhlichen, durch kleine Dissonanzen unterbrochenen Routine nachgeht, spielt sich in der anderen das Drama einer Familie ab, die an der fortschreitenden Alzheimer­Erkrankung der Großmutter zu zerbrechen droht.

Die iranische Theatermacherin Parnia Shams (Teheran) schrieb und inszenierte ihr Stück » تسا (ist)« zusammen mit Theaterstudentinnen, die als Schülerinnen einer fiktiven Schulklasse einer Teheraner Privatschule auf der Bühne stehen. In diese Schulklasse kommt mitten im Schuljahr eine neue Schülerin aus der Provinz. Sie freundet sich mit der Klassenbesten an, und schon bald gerät die Freundschaft unter den Druck des schulischen Machtapparats.

Erstmals einem Berliner Publikum präsentiert sich auch das norwegische Kollektiv Susie Wang um die Autorin und Regisseurin Trine Falch (Oslo). Ihre Arbeit »Burnt Toast« ist in einer Hotellobby mit Rezeption und Fahrstühlen angesiedelt, einem scheinbar banalen Setting, aus dem sich ein groteskes Szenario entwickelt, das in fantastischer und doch konkreter Weise als »existenzielles Splatter­Theater für Erwachsene« die Prinzipien menschlicher Reproduktion ad absurdum führt.

Neu zu entdecken ist auch der galicische Dramatiker und Regisseur Pablo Fidalgo (Vigo). »La Enciclopedia del Dolor. Tomo I: Esto que no salga de aquí« (»Die Enzyklopädie des Schmerzes. Band 1: Das darf den Raum nicht verlassen«) führt uns in seine damalige, von Maristen­Priestern geleitete Schule. Deren Geschichte von sexuellem Missbrauch und Gewalt wurde jahrzehntelang vertuscht und erst 2021 durch die Zeitung EL PAÍS aufgedeckt. Fidalgos Monolog, gespielt von Gonzalo Cunill, entwirft die Radiographie eines Landes, in dem sich Inquisition und Franco­Diktatur noch im täglichen Leben spiegeln.

Eine Berliner Geschichte aus der Außenperspektive erzählt der in der Schweiz lebende französische Autor, Regisseur und Schauspieler Cédric Djedje (Genf) in »Vielleicht«. Bei einem Arbeitsaufenthalt im Wedding entdeckte er das Afrikanische Viertel. Er, selbst Sohn von Eingewanderten aus der ehemaligen Kolonie Elfenbeinküste, begegnet dort einem Stadtteil, der nicht etwa seine afrikanischen Bewohner_innen würdigt, sondern den deutschen Anspruch auf ein Kolonialreich – etwa indem er Kolonialverbrechern Straßennamen widmet, deren Umbenennung bis heute von Anwohner_innen torpediert wird.

NEUE DRAMATIK AN DER SCHAUBÜHNE

Neben den internationalen Gastspielen sind beim FIND auch wieder drei aktuelle Produktionen neuer Dramatik der Schaubühne zu erleben. Tina Satter (New York) inszeniert mit dem Schaubühnen­Ensemble die deutschsprachige Erstaufführung ihres Stückes »House of Dance«, das in einem StepptanzStudio in der Provinz spielt. Aus dem Repertoire der Schaubühne sind das deutsch­ukrainische Projekt »Sich waffnend gegen eine See von Plagen (ОЗБРОЮЮЧИСЬ ПРОТИ МОРЯ

ЛИХ)« von Stas Zhyrkov und Pavlo Arie (Kyiv) sowie »Nachtland« von Marius von Mayenburg (Berlin) zu sehen.

Diskurs, Austausch und Party Natürlich stehen auch wieder Publikumsgespräche mit den am Festival beteiligten Künstler_innen auf dem Programm. Dabei widmen wir unserem Artist in Focus Elizabeth LeCompte und The Wooster Group ein eigenes Podium. Ein zweites Podiumsgespräch setzt sich kritisch mit dem Fortbestehen kolonialer Strukturen in Berlin auseinander. Zum Festival­Abschluss möchten wir mit Ihnen in den Mai tanzen und laden ein zur großen FIND­Abschlussparty.

Wir freuen uns auf Sie!

Dear Audience,

A very warm welcome to the 2023 Festival International New Drama. From April 19 to 30, the FIND is presenting productions from eight countries and three continents, all of which are being shown in Germany for the first time.

ARTIST IN FOCUS

This year’s Artist in Focus is the director Elizabeth LeCompte with her collective The Wooster Group (New York). Founded in a Manhattan garage, the group comprehensively redefined theatrical language half a century ago. Directed by LeCompte, The Wooster Group develops their plays collectively among their central performers who include Kate Valk and the late Spalding Gray, as well as with associated artists who count greats such as Willem Dafoe, Frances McDormand and John Lurie among their number. Nowadays, the group is recognised as being at the forefront of post­dramatic theatre.

We are presenting two of the group’s most recent works: »A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« undertakes a theatrical reconstruction of the penultimate play by Tadeusz Kantor which the Polish theatre maker staged in 1988, shortly before his death. With the help of Kantor’s daughter Dorota Krakowska and a video recording of the original rehearsals, The Wooster Group embarks on a time­shifting expedition into the past of the European theatre avant­garde. »NAYATT SCHOOL REDUX (Since I Can Remember)« is a journey into the history of the theatre group itself: the attempt at a re­enactment of the production »NAYATT SCHOOL« by and with Spalding Gray which has only survived in the form of fragmentary archive material. The writer and actor used T. S. Eliot’s »The Cocktail Party« as the starting point for his experimentation with the monologue form. While the attempt at a faithful revival becomes tangible in its impossibility, the piece turns into a psychedelic journey back in time into the madness of everyday life in the New York experimental theatre scene of the 1970s. The accompanying programme includes screenings of experimental film works by The Wooster Group as well as the online streaming of ground­breaking productions.

INTERNATIONAL PANORAMA

For the first time, the Taiwanese collective Shakespeare’s Wild Sisters Group (Taipei) is performing in Germany with a larger production: »親愛的人生 (Dear Life)« revolves around four women in situations of upheaval. It is based on the short stories of the same name by the Nobel Prize­winning author Alice Munro and set in a shimmering urban universe in today’s Taipei.

»笑顔の砦 (Fortress of Smiles)« is the title chosen by Japanese theatre master Kuro Tanino (Tokyo) for his play in which he places two seemingly identical apartments wall to wall on stage and has them serve as locations in which the piece’s action simultaneously and hyper­realistically plays out. In one apartment, a group of fishermen goes about their cheerful daily routine only interrupted by small discords, while in the other, the drama of a family that is threatening to break apart due to the grandmother’s progressive Alzheimer’s disease unfolds.

The Iranian theatre maker Parnia Shams (Tehran) wrote and staged her play »تسا (is)« together with theatre students who appear on stage as part of a high­school class. In the middle of the school year, a new student from the provinces arrives in a fictitious private school in Tehran. She befriends the top pupil in her class but their friendship soon comes under pressure from the power structures at the school.

The Norwegian Susie Wang collective with writer and director Trine Falch (Oslo) at its centre is also presenting its work to a Berlin audience for the first time. Their piece »Burnt Toast« is set in a hotel lobby with a reception desk and elevators a seemingly banal location for a grotesque scenario to develop in which, in a fantastical and yet tangible way, an »existential splatter theatre for adults« takes the topic of human reproduction to absurd lengths.

Another discovery awaits us in the form of Galician playwright and director Pablo Fidalgo (Vigo). »La Enciclopedia del Dolor. Tomo I: Esto que no salga de aqui« (»Encyclopedia of Pain. Chapter one: This doesn’t leave the room«) takes us back to his former school which was run by Marist priests. Their history of sexual abuse and violence was covered up for decades and only exposed in 2021 by the newspaper EL PAÍS. Fidalgo’s monologue creates an X­ray of a country in which the Inquisition and the Franco dictatorship are still reflected in everyday life.

In »Vielleicht« the Swiss­based French writer, director and actor Cédric Djedje (Geneva) tells a Berlin story of a disconcerting kind. During a work residence in Wedding, he discovered the African Quarter. Himself the son of immigrants from the former colony of Ivory Coast, he encounters a district whose name does not actually honour its African residents but instead the German claim to a colonial empire, for example, by dedicating street names to colonial criminals. The renaming of these streets is still being torpedoed by local residents to this day.

NEW DRAMA AT THE SCHAUBÜHNE

In addition to the international guest performances, three current productions of the Schaubühne can also be seen at the FIND. Tina Satter (New York) is directing the Schaubühne ensemble for the German­language premiere of her play »House of Dance« which is set in a tap dance studio in provincial USA. From the Schaubühne repertoire we are presenting the GermanUkrainian project »To Take Arms Against a Sea of Troubles (ОЗБРОЮЮЧИСЬ ПРОТИ МОРЯ ЛИХ)« by Stas Zhyrkov and Pavlo Arie (Kyiv) as well as »Nightscape« by Marius von Mayenburg (Berlin).

Discussions, Interaction and Party

And of course we are again holding public discussions with the artists involved in the festival, with a special panel dedicated to our Artist in Focus Elizabeth LeCompte and The Wooster Group while a second panel will be critically examining the continued existence of colonial structures in Berlin. At the end of the festival, we are inviting you to dance into the month of May with us at our grand closing­night party.

We’re looking forward to seeing you!

Das FIND wird gefördert aus Mitteln des Landes Berlin, Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

The FIND is supported by the Senate Department for Culture and Europe, Berlin.

Elizabeth LeCompte und The Wooster Group Elizabeth LeCompte and The Wooster Group

Zum dritten Mal in Folge widmet das Festival einer der bedeutendsten lebenden Persönlichkeiten des internationalen Theaters einen Programmschwerpunkt. Nach Angélica Liddell im Jahr 2021 und Robert Lepage im Jahr 2022 sind beim FIND 2023 die New Yorker Regisseurin und Autorin Elizabeth LeCompte und ihr Kollektiv The Wooster Group zu Gast.

Die legendäre Kompanie The Wooster Groop ist eine transdisziplinär arbeitende, international gefeierte Gruppe, die in ihren Produktionen Video, Film, Sound und Raum auf virtuose Weise miteinander verbindet. Sie wurde 1975 von Elizabeth LeCompte und dem Autor, Performer und Schauspieler Spalding Gray gegründet und nach der New Yorker Wooster Street benannt, in der sie noch immer ihren Spielort hat. Weniger ein festes Ensemble als ein Kollektiv, das sich immer wieder neu formiert und weiterentwickelt und so offen bleibt für neue Impulse, wurde The Wooster Group schnell zu einer der einflussreichsten Theaterformationen der 1970er­, 80er­ und 90er­Jahre. Heute gilt sie als Vorreiterin des postdramatischen Theaters und des Theaters der Dekonstruktion. Ihren internationalen Durchbruch erlangte sie mit den Projekten »Route 1 & 9« (1981) und »L.S.D. (… Just The High Points …)« (1984) –beides Reflexionen über die Hybris und Gewalt, die die amerikanische Gesellschaft prägen. Zu den Künstler_innen, die mit der Gruppe zusammenarbeiteten, gehören Joan Jonas, Ken Kobland, John Lurie, Jim Strahs, Richard Foreman und Schauspieler_innen wie Steve Buscemi, Frances McDormand und Maura Tierney. Einige Mitglieder, die über die Jahre anderen Projekten nachgingen, kehren regelmäßig zurück. Eine besonders lange und entscheidende Zusammenarbeit besteht mit Kate Valk, die seit den Anfängen Teil der Gruppe und beim diesjährigen FIND in zwei Inszenierungen auf der Bühne zu sehen ist – in »A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« und »NAYATT SCHOOL REDUX«, die jeweils auf die Geschichte der Theateravantgarde und die der Kompanie Bezug nehmen. Eine langjährige Zusammenarbeit verbindet die Gruppe auch mit Willem Dafoe, der als Protagonist in Inszenierungen der Gruppe auf der Bühne stand und in den Filmarbeiten im Festivalprogramm zu sehen ist, sowie mit dem 2004 verstorbenen Spalding Gray: Im Programm ist er sowohl im szenischen Reenactment seiner Arbeit » NAYATT SCHOOL« als auch in einer filmischen Rekonstruktion der wegweisenden Inszenierung »Rumstick Road« zu sehen.

Die Stücke, im Kollektiv entworfen und von Elizabeth LeCompte inszeniert, beschäftigen sich mit Themen wie Repression und Gewalt, Kollision von Kulturen und Integration, Verlust und Tod, spiritueller Transformation und Materialismus, sozialem Verfall und Regeneration und letztendlich mit der Stellung von Künstler_innen in der Gesellschaft. Darüber hinaus zeichnen sie sich durch einen raffinierten Einsatz von Ton, Film und Video aus. Kanonische Theatertexte und Bilder werden zitiert, überschrieben und mit aktuellen Debatten und Autobiografischem verknüpft. Virtuose Wechsel zwischen verschiedenen Realitätsebenen und Bildwelten, Live­Aktionen und vorproduziertem Material sowie zwischen formalen und zufälligen Strukturen sind dabei ebenso zentral wie die Einbeziehung und gleichzeitige Zerstörung naturalistischer Konventionen. So entsteht eine Theaterwirklichkeit, die das Leben nicht nur darstellt, sondern einverleibt, und ihrerseits eine ganz eigene Wirklichkeit der Kunst hervorbringt.

Neben den zwei aktuellen Inszenierungen werden an zwei Abenden auch Filmarbeiten der Gruppe unter der Regie von LeCompte zu sehen sein. Im Rahmen eines Podiums werden Elizabeth LeCompte und Kate Valk das Publikum in seine Geschichte und Gegenwart eintauchen lassen. Als digitales Highlight verlinkt The Wooster Group zudem für die Dauer des Festivals ihr umfangreiches Videoarchiv mit der Website der Schaubühne und erweitert so den diesjährigen Fokus um eine virtuelle Werkschau.

For the third time in a row, the festival is dedicating a programme focus to one of the most important living figures in international theatre. Following Angélica Liddell in 2021 and Robert Lepage in 2022, the FIND 2023 is hosting the New York director and auteur Elizabeth LeCompte and her theatre collective, The Wooster Group.

The now legendary group, named after New York’s Wooster Street where it still has its venue, is a transdisciplinary, internationally acclaimed company whose productions feature an ingenious combination of video, film, sound and space. The company was founded in 1975 by LeCompte along with the writer, performer and actor Spalding Gray. Being less of a fixed ensemble than a collective that is constantly reconfiguring and further developing itself, thus remaining open to new inspirations, The Wooster Group quickly became one of the most influential theatre formations of the 1970s, 80s and 90s. Today, it is recognised as a pioneer of post­dramatic theatre and the theatre of deconstruction. The group achieved its international breakthrough with the projects »Route 1 & 9« (1981) and »L.S.D. (… Just The High Points …)« (1984) both reflections on the hubris and violence that characterise American society. Artists who have collaborated with the group include Joan Jonas, Ken Kobland, John Lurie, Jim Strahs, Richard Foreman and actors such as Steve Buscemi, Frances McDormand and Maura Tierney. Some members who have left the group over the years still return regularly. A particularly long and formative collaboration exists with Kate Valk, who has been part of the group since the beginning and can be seen on stage at the FIND in two productions: »A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« and » NAYATT SCHOOL REDUX «, both of which reference the history of the theatrical avant­garde as well as that of the company itself. The group has also worked for many years with Willem Dafoe, who can be seen as a protagonist in its film works, and with the late Spalding Gray, who died in 2004. Gray remains alive in the group’s work to this day: in the programme, he is present both in the theatrical re­enactment of his work in »NAYATT SCHOOL« and in a film reconstruction of the ground­breaking production of »Rumstick Road«.

The plays, created collectively and directed by Elizabeth LeCompte, deal with topics such as repression and violence, the collision and integration of different cultures, loss and death, spiritual transformation and materialism, social decay and regeneration and, ultimately, with the position of the artist in society. Furthermore, they feature a sophisticated use of sound, film and video. Canonical theatre texts and images are quoted, recontextualized and linked to current discourses and autobiographical elements. Central to both works is a virtuoso alternation between different levels of reality and visual worlds, live action and pre­produced material, as well as between formal and incidental structures, and the inclusion and simultaneous destruction of naturalistic conventions. This gives rise to a theatrical reality that not only represents life but also incorporates it, creating in turn a highly idiosyncratic artistic reality.

In addition to the two current productions, film works by the group, directed by LeCompte, are being presented on two evenings in the Schaubühne auditoriums. And in a panel discussion, the New York collective will take the audience on a deep dive into its history and present. In a digital highlight, The Wooster Group is linking its extensive video archive to the Schaubühne website for the duration of the festival, thus expanding this year’s focus with a virtual retrospective.

A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)

(New York) von The Wooster Group Regie:

Übertiteln

»A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« unternimmt eine szenische Rekonstruktion des vorletzten Stücks von Tadeusz Kantor, »I Shall Never Return«. Der polnische Theatermacher und Künstler, der in seinen wegweisenden Arbeiten immer wieder die Grenzen zwischen bildender Kunst und Theater überschritt, inszenierte das Stück 1988 kurz vor seinem Tod und wirkte selbst darin mit. Zusammen mit Kantors Tochter Dorota Krakowska als Leiterin sowie Probenaufzeichnungen der Inszenierung begibt sich The Wooster Group auf eine Expedition in die Vergangenheit der europäischen Theateravantgarde und auf die Suche nach einer verlorenen Zeit – und wiederholt damit ein Wagnis, das auch Kantors Schauspieler_innen virtuos in »I Shall Never Return« unternahmen. Diese Inszenierung, die irgendwo zwischen Ithaka und einem polnischen Gasthaus angesiedelt ist, erscheint wie ein Vermächtnis Kantors, in dem er frühere Stücke, u. a. seine erste Arbeit »Die Rückkehr des Odysseus«, auf die Bühne zurückholt und in der sich alles um das zentrale Motiv des Abschieds dreht. In bildstarken surrealistischen Szenen tauchen Wiedergänger_innen alter Figuren auf. Über die Geschichte dieser wie aus einem Stummfilm gefallenen Charaktere wird immer wieder auch bruchstückhaft Kantors eigene Biografie zusammengesetzt, die von Verlust, Krieg und dem ständigen Bewusstsein um Vergänglichkeit und Tod geprägt ist. Es ist ein visionäres Spektakel, halb Alptraum, halb Groteske, und eindrückliches Beispiel für das, was Kantor selbst sein »Theater des Todes« nannte. Ein Theater des Todes, das The Wooster Group mit ihren Spieler_innen nun wieder zum Leben erweckt, indem sie die Rekonstruktion der Rekonstruktion versucht.

(New York) by The Wooster Group

Director: Elizabeth LeCompte

20.4. / 8.00 pm

21.4. / 8.30 pm, followed by a post­show talk

22.4. / 6.00 pm

Duration: 1 h 10 min

In English with German surtitles

»A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« undertakes a theatrical reconstruction of Tadeusz Kantor’s penultimate play »I Shall Never Return«. In 1988, shortly before his death, the Polish theatre maker and artist, whose ground­breaking work repeatedly pushed the boundaries between visual arts and theatre, staged the play and also performed in it himself. With the help of his daughter Dorota Krakowska as a guide and videos of the original production rehearsals, The Wooster Group is embarking on an expedition into the past of the European theatrical avant­garde and a search for a lost era which is precisely what Kantor and his fellow actors undertook with such virtuosity in »I Shall Never Return«. Set somewhere between Ithaca and a Polish inn, this production feels like a bequest from Kantor in which he revisits earlier plays including his first work, »The Return of Odysseus«, in which everything revolves around the central motif of the farewell. In visually stunning and surreal scenes, revenants of past characters appear. Via the story of these characters, who seem to have tumbled out of a silent film, fragments of Kantor’s own biography are repeatedly pieced together a biography shaped by loss, war and the constant awareness of transience and death. It is a visionary spectacle, half nightmare, half grotesque, and an impressive example of what Kantor himself called his »Theatre of Death«. A theatre of death that The Wooster Group and its performers are now bringing back to life by attempting the reconstruction of the reconstruction.

Mit: Zbigniew Bzymek, Enver Chakartash, Hai­Ting Chinn, Jim Fletcher, Ari Fliakos, Dorota Krakowska (im Video), Andrew Maillet, Erin Mullin, Suzzy Roche, Danusia Trevino und Kate Valk Dramaturgie: Dorota Krakowska, Sound Design und Musik: Eric Sluyter, Omar Zubair, Licht: Jennifer Tipton, Ryan Seelig, David Sexton, Bühne: Elizabeth LeCompte, Video: Robert Wuss, Zbigniew Bzymek, Zusätzliches Video: Yudam Hyung­Seok Jeon, Andrew Maillet, Irfan Brkovic, Wladimiro Woyno, Multimedia Cueing System, Technik: Wladimiro Woyno, Andrew Maillet, Kostüme: Enver Chakartash, Inspizienz: Erin Mullin, Regieassistenz: Michaela Murphy, Leitung Chor: Hai­Ting Chinn, Bühnentechnik und Technische Tour­Direktion: Joseph Silovsky, Produktionsleitung: Bona Lee, Geschäftsführung: Monika Wunderer, Produktion: Cynthia Hedstrom, Englische Übersetzung und musikalische Arrangements: The Wooster Group. Ausschnitte aus dem Film »I Shall Never Return« mit freundlicher Genehmigung des Filmemachers Andrzej Sapija.

»A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« wurde mitbeauftragt vom AdamMickiewicz­Institut, Polen, und vom Richard B. Fisher Center für Darstellende Künste, Bard College, wo die Produktion beim Bard SummerScape Festival 2017 ihre Premiere feierte. Aufführungen im Rahmen des FIND unterstützt durch das Polnische Institut Berlin.

With: Zbigniew Bzymek, Enver Chakartash, Hai­Ting Chinn, Jim Fletcher, Ari Fliakos, Dorota Krakowska (on video), Andrew Maillet, Erin Mullin, Suzzy Roche, Danusia Trevino and Kate Valk. Dramaturgy: Dorota Krakowska, Sound and Original Music: Eric Sluyter, Omar Zubair, Lighting: Jennifer Tipton, Ryan Seelig, David Sexton, Set: Elizabeth LeCompte, Video: Robert Wuss, Zbigniew Bzymek, Additional Video: Yudam Hyung­Seok Jeon, Andrew Maillet, Irfan Brkovic, Wladimiro Woyno, Multimedia Cueing System, Engineering: Wladimiro Woyno, Andrew Maillet, Costumes: Enver Chakartash, Stage Manager: Erin Mullin, Assistant Director: Michaela Murphy, Choir Music Director: Hai­Ting Chinn, Set

Construction and Tour Technical Director: Joseph Silovsky, Production Manager: Bona Lee, General Manager: Monika Wunderer, Producer: Cynthia Hedstrom, English translations and musical arrangements: The Wooster Group. Excerpts from the film of »I Shall Never Return« courtesy of the filmmaker Andrzej Sapija.

»A PINK CHAIR (In Place of a Fake Antique)« was co­commissioned by Instytut Adama Mickiewicza, Poland, and the Richard B. Fisher Center for the Performing Arts at Bard College, where it premiered at the Bard SummerScape Festival in 2017.

Performed at the FIND with support from Polnisches Institut Berlin.

NAYATT SCHOOL REDUX

(New York)

von The Wooster Group Regie: Elizabeth LeCompte

28.4. / 20.00 Uhr

29.4. / 18.00 Uhr

30.4. / 18.00 Uhr

Dauer: 1 Std. 25 Min. Auf Englisch mit deutschen Übertiteln

In der Inszenierung »NAYATT SCHOOL« von Elizabeth LeCompte aus dem Jahr 1978 bringt der bis dahin eher unbekannte Schauspieler Spalding Gray zum ersten Mal etwas auf die Bühne, das von da an sein Markenzeichen und Beginn seiner steilen Theaterund Filmkarriere werden wird: einen »Bekenntnis­Monolog«. Dieser bringt auf eine im Theater bislang unbekannte Weise die Grenze zwischen Text und Handlung zum Einsturz – auf der Bühne und dem Leben dahinter. Vor sich einen Plattenspieler und einen Krug Wasser, sitzt Gray an einem Tisch, spielt Schallplatten aus seiner Jugend ab und kommentiert sie unablässig in einer schrägen Mischung aus DJ­Set und Stand­up­Performance: von T. S. Eliots »The Cocktail Party« bis zu einer totenkopfgeschmückten Platte mit Horror­Comedy­Hörspielen der frühen 60er namens »Drop Dead!«. Zusehends ist er dabei von dem Schicksal einer der Hauptfiguren aus Eliots Stück fasziniert: Celia Copplestone. Von einem mysteriösen Psychiater gedrängt, steigert diese sich in eine mystisch­missionarische Ekstase und wird schließlich auf einer fiktiven fernöstlichen Insel von Kannibalen gekreuzigt und verspeist. Erkennt Gray in ihr das Schicksal seiner eigenen Mutter, die sich einst in einen religiösen Wahn steigerte und schließlich das Leben nahm? Mehr und mehr schwappt die Handlung vom Plattenspieler auf die Bühne, entlädt sich in Szenen von groteskhalluzinatorischem Humor und mündet schließlich in einem surrealen Inferno, in dem im Finale neben sämtlichen Schallplatten auch alle Konventionen der Bühne zu Bruch gehen.

Mehr als 40 Jahre nach der Premiere und fast 20 Jahre nach dem Tod Spalding Grays, der sich wie seine Mutter in einer depressiven Episode 2004 das Leben nahm, wagt The Wooster Group den tollkühnen Versuch, die wegweisende Inszenierung in Form eines »Redux« ohne ihren Hauptdarsteller zurück auf die Bühne zu bringen: in einer Collage von Film­ und Audioschnipseln, von Dokumenten aus dem Archiv, Reenactment von Originalszenen und Zeugnissen der Schauspielerin Kate Valk. Valk erarbeitet dabei ihre eigene Rolle aus der Ur­Inszenierung neu und schlüpft außerdem in die von Spalding Gray. So erwacht ein Meilenstein der Theatergeschichte des 20. Jahrhunderts zu neuem Leben. So wie Grays Monologe immer auch szenische Rekonstruktionen seiner Erinnerung sind, so wird auch die Aufführung zugleich zur szenischen Rekonstruktion des kollektiven Gedächtnisses einer Gruppe und ihrer Geschichte.

Mit: Ari Fliakos, Andrew Maillet, Erin Mullin, Michaela Murphy, Suzzy Roche, Scott Shepherd, Kate Valk, Omar Zubair. Sound Design und Musik: Eric Sluyter, Omar Zubair, Licht: David Sexton, Bühne: Elizabeth LeCompte, Original Video und 16mm­Film Nayatt School: Ken Kobland, Partial, Video des Spalding GrayMonologs aufgezeichnet im Mickery Theater (1978), Zusätzliches Video: Yudam Hyung­Seok Jeon, Andrew Maillet, Irfan Brkovic, Wladimiro Woyno, Multimedia Cueing System, Technik: Wladimiro Woyno, Andrew Maillet, Kostüme: Enver Chakartash, Inspizienz: Erin Mullin, Regieassistenz: Matthew Dipple, Michaela Murphy, Technische Tour­Direktion: Joseph Silovsky, Produktionsleitung: Bona Lee, Geschäftsführung: Monika Wunderer, Produktion: Cynthia Hedstrom, Archiv: Clay Hapaz. Verwendung von Auszügen aus »Die Cocktail Party« mit freundlicher Genehmigung des T. S. Eliot estate.

(New York)

by The Wooster Group Director: Elizabeth LeCompte

28.4. / 8.00 pm

29.4. / 6.00 pm

30.4. / 6.00 pm

Duration: 1 h 25 min

In English with German surtitles

In Elizabeth LeCompte’s 1978 production of »NAYATT SCHOOL«, the hitherto relatively unknown actor Spalding Gray brought to the stage for the first time what was to become his trademark and signalled the beginning of his meteoric theatre and film career: a »confession monologue«. It collapsed the boundary between the text, action on stage and life behind the scenes in a way that had never been seen in the theatre before. With a record player and jug of water in front of him, Gray sat at a table, played records from his youth and provided a running commentary on them in a quirky mix of DJ set and stand­up performance: from an audio recording of T. S. Eliot’s »The Cocktail Party« to a skulladorned LP of early 1960s comedy­horror radio plays entitled »Drop Dead!«. He was visibly fascinated by the fate of one of Eliot’s main characters: Celia Copplestone. Urged by a mysterious psychiatrist, she works herself up into a mystical missionary ecstasy and is eventually crucified and eaten by cannibals on a fictional Far Eastern island. Did Gray recognise in her the fate of his own mother who had also entered into a religious mania and ultimately taken her own life? With the plot spilling more and more out of the record player and onto the stage, the production erupted into scenes of grotesquely hallucinatory humour and finally climaxed in a surreal inferno in which not only all the records but also all the conventions of the stage were broken. More than 40 years after that premiere and almost 20 years after the death of Spalding Gray who, like his mother, took his own life during a depressive episode in 2004 The Wooster Group is undertaking a daring attempt to bring this groundbreaking production back onto the stage in the form of a »redux« without its lead actor. In a collage of film and audio clips, documents from the archive, re­enactments of original scenes and testimonies from the actor Kate Valk, a milestone in the history of 20th century theatre gradually comes back to life. Decades later, Valk is not only reworking her own role from the original production but is also slipping into that of Spalding Gray and supplementing both with her memories of the equally psychedelic genesis of the original. In the same way that Gray’s monologues were always dramatic reconstructions of his own memories, the performance becomes a theatrical reconstruction of both a group’s collective memory and its history.

With: Ari Fliakos, Andrew Maillet, Erin Mullin, Michaela Murphy, Suzzy Roche, Scott Shepherd, Kate Valk, Omar Zubair. Sound & Original Music: Eric Sluyter, Omar Zubair, Lighting: David Sexton, Set: Elizabeth LeCompte, Original Video and 16mm Nayatt School film: Ken Kobland, Partial, video of Spalding Gray’s monologue taped at the Mickery Theater (1978), Additional Video: Yudam HyungSeok Jeon, Andrew Maillet, Irfan Brkovic, Wladimiro Woyno, Multimedia Cueing System Engineering: Wladimiro Woyno, Andrew Maillet, Costumes: Enver Chakartash, Stage Manager: Erin Mullin, Assistant Directors: Matthew Dipple, Michaela Murphy, Tour Technical Director: Joseph Silovsky, Production Manager: Bona Lee, General Manager: Monika Wunderer, Producer: Cynthia Hedstrom, Archivist: Clay Hapaz. Excerpts from »The Cocktail Party« used with permission of the T. S. Eliot estate.

Film

Reinventing Theatre: The Wooster Group

29.4. / 13.00 Uhr / Auf Englisch mit deutscher Simultanübersetzung Mit: Elizabeth LeCompte, Kate Valk und Mitgliedern von The Wooster Group Moderation: Florian Borchmeyer

Vor fast drei Jahrzehnten prognostizierte der Regisseur Peter Sellars unter dem Eindruck der Produktionen von The Wooster Group: »Sie erfinden ein Theatervokabular, das in zehn oder 20 Jahren die Lingua Franca eines zu neuem Leben erwachten amerikanischen Theaters sein wird. Sie sind die wichtigste Theatergruppe unseres Landes.« Was damals wie eine beinahe beängstigend große Vision klang, ist von heute aus betrachtet eigentlich zu klein gedacht. Längst ist dieses von Elizabeth LeCompte und ihrer Kompanie seit den 1970er­Jahren entwickelte neue Bühnenvokabular integraler Bestandteil einer weltweiten Theatersprache geworden: weit über die Grenzen Amerikas hinaus, aber auch weit über die der »postdramatischen« oder »dekonstruktiven« Theaterästhetiken. Als Artist in Focus des FIND 2023 werden Elizabeth LeCompte und Kate Valk gemeinsam mit dem Ensemble von The Wooster Group auf dem Podium einen Einblick in ihre künstlerische Werkstatt geben: in die Geschichte der Gruppe seit den Anfängen und der Gründung der längst legendären »Performing Garage«, in ihre Proben­ und Schauspieltechnik und ihre Zusammenarbeit als Ensemble. Und in ihr Verständnis eines Theaters der Gegenwart und seiner Perspektiven.

Film Rumstick Road

23.4. / 16.00 Uhr / Auf Englisch, im Anschluss Publikumsgespräch mit Elizabeth LeCompte. Originalinszenierung: Spalding Gray, Elizabeth LeCompte Filmische Rekonstruktion: Elizabeth LeCompte, Ken Kobland

Mit: Spalding Gray, Libby Howes, Ron Vawter, Jim Clayburgh

In »Rumstick Road«, einer ihrer berühmtesten Inszenierungen, unternahm The Wooster Group ein zum Zeitpunkt seines Entstehens (1977) für das Theater höchst ungewöhnliches Experiment, das sich in einem Grenzbereich von Schauspiel, DokumentarRecherche und Multimedia­Installation bewegt. Spalding Gray wagte auf der Bühne den Versuch, die Geschichte seiner Mutter zu rekonstruieren, die sich nach langem Kampf mit schweren Depressionen, unterbrochen von manischen Episoden der religiösen Ekstase, das Leben nahm. Seine eigenen Erinnerungen vermischen sich auf der Bühne mit Aufnahmen von Interviews, die er mit Familienangehörigen und Freund_innen geführt hat, mit Briefen und Filmschnipseln, mit Familienfotos und Bildern seines Elternhauses in der titelgebenden Rumstick Road in einem Vorort von Providence, Rhode Island. Die dokumentarische Spurensuche wird immer wieder durchbrochen durch teils absurd­komische Momente von Schauspiel und Tanz. Die Suche nach Wiederherstellung einer Geschichte aus Fragmenten ist auch das künstlerische Prinzip der Filmfassung des Stücks, im doppelten Sinne: Da von der Originalinszenierung kein vollständiger Mitschnitt existierte, beschloss Elizabeth LeCompte gemeinsam mit dem Filmemacher Ken Kobland, in einem collagenhaften Patchwork aus unterschiedlichen Materialien die Bühnenfassung zu rekonstruieren, die selbst Materialmix ist. So treffen 35mm­Film auf U­MaticVideo, Super­8­Aufnahme, Dias und überspielte Tonbandrollen und machen den Film jenseits eines Stückmitschnitts zu einer eigenen Form von Videokunst. Durch den Abstand von Jahrzehnten wird der Film gleichzeitig zu einer tragischen Chronik eines Suizids, in der die Bühne von der Realität eingeholt wird. Im doppelten Sinne: 2004 nahm sich auch Spalding Gray nach einem langen Kampf gegen seine Depressionen das Leben.

Reinventing

Theatre: The Wooster Group

29.4. / 1.00 pm / In English with German simultaneous translation

With: Elizabeth LeCompte, Kate Valk and members of The Wooster Group Moderation: Florian Borchmeyer

Impressed by The Wooster Group’s productions, the director Peter Sellars predicted almost three decades ago: »They are inventing theatrical vocabulary that ten and 20 years from now will become the lingua franca of a revivified American Theater. They are the most important theater company in our country today.« What sounded like an almost frighteningly grandiose vision back then is actually too modest from today’s perspective. This new stage vocabulary, developed by Elizabeth LeCompte and her company from the 1970s onward, has long since become an integral part of the worldwide theatre language, far beyond the borders of America and also far beyond those of »post­dramatic« and »deconstructive« theatre aesthetics. As the Artist in Focus of the FIND 2023, Elizabeth LeCompte and The Wooster Group ensemble will provide an insight into their artistic workshop in a panel discussion which will delve into the history of the group since its very beginnings and founding in the longsince legendary »Performing Garage«, their rehearsing and acting techniques and collaboration as an ensemble as well as their understanding of contemporary theatre and its perspectives.

Film Rumstick Road

23.4. / 4.00 pm / In English, followed by a post­show talk with Elizabeth LeCompte. Original production: Spalding Gray, Elizabeth LeCompte

Filmed reconstruction: Elizabeth LeCompte, Ken Kobland

With: Spalding Gray, Libby Howes, Ron Vawter, Jim Clayburgh

In »Rumstick Road«, one of their most famous productions, The Wooster Group undertook an experiment that was highly unusual for the theatre of its time in 1977: one that was poised on the border between acting, documentary research and multimedia installation. On stage, Spalding Gray attempted to reconstruct the story of his mother who committed suicide after a long struggle with severe depression interspersed by manic episodes of religious ecstasy. His own memories were intermingled on stage with recordings of interviews he had conducted with family and friends, letters, film clips, family photos and pictures of his childhood home on the Rumstick Road of the title in a suburb of Providence, Rhode Island. This documentary search for traces of evidence was repeatedly interrupted by sometimes absurdly comical moments of acting and dance. The quest to reconstruct a story out of fragments is also the artistic principle of the film version of the play, and in two senses: since there was no complete recording of the original theatrical production, Elizabeth LeCompte and filmmaker Ken Kobland decided to create a reconstruction of the stage version itself a mix of materials in a collage­like patchwork of different materials. 35mm film is combined with U­Matic video, Super 8 recordings, slides and overdubbed reels of audiotape to create a film that goes beyond being a mere recording of a play and becomes its own form of video art. Due to the distance of the decades, it also becomes the tragic chronicle of a suicide in which reality catches up with the story on stage. And again in a double sense: in 2004, after a long battle with depression, Spalding Gray also took his own life.

Wooster Group Films

Teil 1: 24.4. / 20.00 Uhr / Auf Englisch

Teil 2: 24.4. / 21.30 Uhr / Auf Englisch, in Anwesenheit von Kate Valk

Ein langer Abend ist dem experimentellen Filmwerk von The Wooster Group gewidmet, die in den vergangenen Jahrzehnten ein eigenes, vielfältiges Filmvokabular entwickelt hat – voller Anspielungen, Ironie und Surrealismus. Regelmäßiger Darsteller ihrer Filmarbeiten ist Willem Dafoe, der an diesem FIND­Filmabend in verschiedenen und überraschenden Rollen zu sehen ist. Insgesamt werden vier Filme in zwei Abschnitten gezeigt: Zunächst der Kurzfilm »Flaubert Dreams of Travel but the Illness of His Mother Prevents It«, der Wahrnehmungen und Einbildungen in einem engen Hotelzimmer verdichtet, das zu verlassen unmöglich erscheint, sowie der Experimental­Thriller »Wrong Guys«. Nach einer kurzen Pause folgt der von einer Episode aus Victor Hugos »Der Glöckner von Notre Dame« inspirierte Kurzfilm »Rhyme ’Em to Death«: In einem spätmittelalterlichen Setting wird einer Ziege der Prozess wegen Hexerei gemacht. Auf diesen Film über voraufklärerischen Wahn folgt die beängstigende strukturalistische TV­Krimi­Satire »White Homeland Commando«, in der eine Anti­Terror­Einheit der Polizei antisemitische, weiße Rassist_innen verfolgt, die durch Gewalt eine homogene Gesellschaft erzwingen wollen. Ein komisch groteskes und zugleich überaus reales, beängstigendes Panorama gewaltbereiter Verschwörer_innen, das in unserer Gegenwart einen unheimlichen Widerhall findet.

Kate Valk wird als Mitglied von The Wooster Group in das filmische Werk der Gruppe einführen. Die Filme werden im englischsprachigen Original ohne Untertitel gezeigt.

Film Wooster Group Films

Part 1: 24.4. / 8.00 pm / In English

Part 2: 24.4. / 9.30 pm / In English, in the presence of Kate Valk

We are dedicating an entire evening to the experimental film work of The Wooster Group who, over the past few decades, has developed its own multifaceted film vocabulary full of allusions, irony and surrealism. A regular actor in their film work is Willem Dafoe who can be seen in various and surprising roles during this FIND film evening.

A total of four films will be screened in two parts. The evening opens with »Flaubert Dreams of Travel but the Illness of His Mother Prevents It«, a short film which condenses perceptions and figments of the imagination in a cramped hotel room that seems impossible to leave, followed by the experimental thriller »Wrong Guys«. After an interval, we will show the short film »Rhyme ’Em to Death«, inspired by an episode in Victor Hugo’s »The Hunchback of Notre Dame«: set in late­medieval times, the film depicts a goat being tried for witchcraft. This work about pre­Enlightenment madness is followed by the structuralist TV crime satire »White Homeland Commando« in which an antiterrorist police squad pursues anti­Semitic white racists who want to enforce a homogenous society through violence: a comically grotesque yet utterly frightening panorama of violent conspirators that has sinister echoes in our present.

The Wooster Group member Kate Valk will introduce the company’s cinematic oeuvre. The films are being screened in their original English­language versions without subtitles.

House of Dance Premiere

von Tina Satter

Aus dem Englischen von Gerhild Steinbuch

Regie: Tina Satter

Deutschsprachige Erstaufführung

19.4. / 20.00 Uhr

21.4. / 19.00 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

22.4. / 20.30 Uhr

23.4. / 20.00 Uhr

Dauer: ca. 1 Std. 20 Min.

Auf Deutsch mit englischen Übertiteln

Ein Vormittag in einem Tanzstudio in einer Kleinstadt. Es ist der Tag vor dem großen Vortanzen in der örtlichen Gemeindehalle. Der Tag, an dem Lee hofft, einen Platz in der »Teen Tap Dance Road Show« zu ergattern. Dank der Aufnahme in die reisende Stepptanzgruppe könnte Lee die verhasste Kleinstadt endlich verlassen und in der logischen Folge der Ereignisse noch vor dem 40. Lebensjahr Millionen verdienen. Lees Tanzlehrer Martle hat zwar noch nie etwas von der Truppe gehört, aber er hat trotzdem eine Choreografie parat: Das »L’Accapella de Jim«, oder, wie es in Barcelona genannt wird, das »Capella Jim«. Doch die Probe wird immer wieder gestört. Lees Stiefeltern schicken ständig Nachrichten aufs Handy, der Pianist Joel, der eigentlich für die diskrete musikalische Unterstützung verantwortlich ist, scheint über irgendetwas schlecht gelaunt zu sein und drängt sich immer wieder mehr oder weniger penetrant in den Vordergrund. Und dann erscheint auch noch die ehemalige Stepptanzschülerin Brendan, die auf der verzweifelten Suche nach ihrem verschwundenen Balletttrikot ist, möglicherweise einmal mit Martle zusammen war und eigentlich Hausverbot hat

»House of Dance« zeigt eine Welt, in der die Existenz in der Kleinstadt die großen Träume zu ersticken droht, in der die Sehnsüchte und Wünsche der Menschen aber unter der Oberfläche trotz aller Widerstände hartnäckig weiterleben. Die New Yorker Autorin und Regisseurin Tina Satter, die mit ihrer Produktion »Is This A Room« beim FIND 2022 an der Schaubühne zu Gast war, arbeitet für ihr Stück »House of Dance« zum ersten Mal mit einem deutschsprachigen Ensemble zusammen.

by Tina Satter

Translation by Gerhild Steinbuch

Director: Tina Satter

German Premiere

19.4. / 8.00 pm

21.4. / 7.00 pm, followed by a post­show talk

22.4. / 8.30 pm

23.4. / 8.00 pm

Duration: approx. 1 h 20 min

In German with English surtitles

Morning in a small­town dance studio. It is the day before the big audition in the local community centre. The day Lee hopes to land a spot in the »Teen Tap Dance Road Show«. Being invited to join the travelling tap dance troupe would allow Lee to finally escape the hated small town and, as a logical consequence, become a millionaire before Lee turns 40. Although Lee’s dance teacher Martle has never heard of the Road Show, he has a choreographed routine ready up his sleeve: »L’Accapella de Jim«, or, as it is called in Barcelona, »Capella Jim«. But their rehearsal is repeatedly interrupted. Lee’s stepparents continuously send texts to Lee’s mobile phone, the pianist Joel, who should be providing discreet musical support, seems to be in a bad mood about something and keeps making himself the centre of attention. And then Brendan shows up, desperately searching for her missing ballet leotard. The former tap dance student possibly once had a relationship with Martle and is now actually banned from entering the premises …

»House of Dance« depicts a world where small­town existence threatens to suffocate big dreams, but where people’s longings and desires stubbornly persist beneath the surface in spite of all obstacles. The New York writer and director Tina Satter, whose play »Is This A Room« was a guest production at the Schaubühne as part of the FIND 2022, is now working for the first time with a German­speaking ensemble in »House of Dance«.

Gefördert aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa des Landes Berlin

With: Holger Bülow,

Design:

Erich Schneider

Supported by the Senate Department for Culture and Europe, Berlin

Mit: Holger Bülow, Henri Maximilian Jakobs, Genija Rykova, Hêvîn Tekin. Bühne: Parker Lutz, Kostüme: Enver Chakartash, Musik und Sounddesign: Chris Giarmo, Dramaturgie: Bettina Ehrlich, Licht: Erich Schneider

Henri Maximilian Jakobs, Genija Rykova, Hêvîn Tekin. Set

Parker Lutz, Costume Design: Enver Chakartash, Music and Sounddesign: Chris Giarmo, Dramaturgy: Bettina Ehrlich, Lighting Design:

笑顔の砦 (Fortress of Smiles)

(Tokio)

von Kuro Tanino

Regie: Kuro Tanino

22.4. / 20.00 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

23.4. / 18.00 Uhr

Dauer: 1 Std. 50 Min.

Auf Japanisch mit deutschen und englischen Übertiteln

Zwei Häuser in einem japanischen Küstendorf, Wand an Wand. Spiegelverkehrt sind darin Küchenzeile, Tatami­Matten und Tische angeordnet. Identische Türen führen hinten nach draußen, zur Terrasse hin sind die Häuser offen und eröffnen den Blick auf den Alltag, der sich in den Häusern abspielt. Während sich auf der einen Seite eine Gruppe von Fischern täglich nach getaner Arbeit zum Kochen, gemeinsamen Essen und fröhlichen Anstoßen treffen, zieht auf der anderen Seite die an Alzheimer leidende alte Dame ein, unterstützt von ihrem Sohn, der als Beamter in der nächstgelegenen Stadt arbeitet. Unwillig unterstützt von seiner 18­jährigen Tochter versucht er, der Mutter letzte Wochen am Meer zu verschaffen.

Zwei Welten, die unterschiedlicher nicht sein könnten: Links wird freudig gefeiert, rechts häufen sich die Zeichen für den körperlichen und geistigen Verfall der alten Dame, die Verzweiflung von Vater und Enkeltochter wächst. In einem kurzen Moment der Begegnung zwischen beiden Räumen schlägt ein Funken Freude über vom einen in den anderen, der aber schnell verfliegt.

Kuro Taninos Inszenierung lebt nicht von dramatischen Umwälzungen, vielmehr folgen kleine Dramen des Alltags aufeinander. Der als Psychiater geschulte Regisseur lässt uns an seinem Experiment teilhaben und entdeckt dabei wie nebenbei die Umstände, die das Leben auch bestimmen: Einfache Fischer stehen dem disziplinierten Beamtentum aus der Stadt gegenüber, der traditionelle Wert der Familie trifft auf die individuellen Wünsche einer neuen Generation. Ob die Tragik des Alterns und die Hindernisse familiären Zusammenhalts oder die Aufs und Abs von Freundschaft und Gemeinschaft – Kuro Tanino setzt in seinem hyperrealistischen, detaillierten Bühnenbild die komplizierten und teils kaum sichtbaren Mechanismen des menschlichen Zusammenlebens in Szene. Der poetische Abend zeigt, dass auch tiefe Veränderungen oft unmerklich vonstattengehen.

Kuro Tanino, 1976 in Toyama in eine Familie von Psychiatern geboren, gründete noch während seiner medizinischen Ausbildung im Jahr 2000 seine Kompanie Niwa Gekidan Penino (Theatre of the Garden Penino). Er entwickelt und schreibt seine Stücke selbst, so zuletzt »Chekov?!« (2011), »The Room, Nobody knows« (2012), »Box in the Big Trunk« (2013), »Tanino to Dwarf­tachi ni yoru Kantor ni Sasageru Homage« (2015), »The Dark Master« (2003, 2006, 2016). Tanino’s Stück »Avidya – The Dark Inn« (2015) gewann den 60. Kunio Kishida Drama Award. Außerdem erhielt er 2016 den Cultural Affairs Agency Arts Festival Excellence Award und 2019 den Toyama Prize in Arts and Culture.

Mit: Hatsune Sakai, Kazuya Inoue, Koichiro F. O. Pereira, Masato Nomura, Masayuki

Mantani, Natsue Hyakumoto, Susumu Ogata. Inspizienz: Masaya Natsume, Yuhi

Kobayashi, Regieassistenz Haruka Kikuchi, Kodachi Kitagata, Ausstattung Takuya Kamiike, Licht: Masayuki Abe, Ton Koji Shiina, Tour Manager: Chika Onozuka, Shimizu Tsubasa, Produktion: Niwa Gekidan Penino, Arche LLC., Übersetzung: The Japan Foundation, Deutsche Übersetzung: Andreas Regelsberger, Englische Übersetzung: Susan E. Jones

Koproduktion: Arts Council Tokyo, ONDA (Paris), Fondation pour l’étude de la langue et de la civilisation japonaises (Paris), Sasakawa Foundation Japan (Tokyo)

Gefördert durch die Freunde der Schaubühne am Lehniner Platz e. V.

(Tokyo)

by Kuro Tanino

Director: Kuro Tanino

22.4. / 8.00 pm, followed by a post­show talk

23.4. / 6.00 pm

Duration: 1 h 50 min

In Japanese with German and English surtitles

Two houses in a village on the Japanese coast, wall to wall. The kitchenette, tatami mats and tables are arranged as if mirroring each other. Identical doors lead outside at the back; both houses open onto a terrace, granting a view into the everyday life taking place inside. In one house, a group of fishermen meet every day after work to cook, eat together and drink cheerful toasts; in the other, an old lady suffering from Alzheimer’s moves in and is supported by her son who works as a civil servant in the nearby city. Reluctantly supported by his 18­year­old daughter, he strives to give his mother a few final weeks by the sea.

Two worlds that could not be more different: joyful celebrations on the left, evidence of an old woman’s physical and mental decline mounting up on the right as the father and granddaughter’s desperation grows. In a brief moment of encounter between the two locations, a spark of joy spreads from one to the other, but then quickly dissipates.

Rather than featuring dramatic upheavals, Kuro Tanino’s production focuses on the small dramas of everyday life. The qualified psychiatrist and director allows us to participate in his experiment and, almost incidentally, discovers the circumstances that also determine life: simple fishermen are up against the thriving officialdom of the city, traditional family values are confronted by the individualistic wishes of a younger generation. Whether it is the tragedy of aging and the obstacles to family cohesion or the ups and downs of friendship and community in his hyper­realistic and detailed stage design, Tanino places the complicated and sometimes barely visible mechanisms of human coexistence centre stage. The poetic evening reveals that even profound changes often take place imperceptibly.

Kuro Tanino was born in Toyama in 1976 into a family of psychiatrists and founded his theatre company Niwa Gekidan Penino (Theatre of the Garden Penino) in 2000 whilst still a medical student. He develops and writes his own plays, most recently »Chekov?!« (2011), »The Room Nobody Knows« (2012), »Box in the Big Trunk« (2013), »Tanino to Dwarf­tachi ni yoru Kantor ni Sasageru Homage« (2015), »The Dark Master« (2003, 2006, 2016). His play »Avidya—The Dark Inn« (2015) won the 60th Kunio Kishida Drama Award. He is also the recipient of the 2016 Cultural Affairs Agency Arts Festival Excellence Award and the 2019 Toyama Prize in Arts and Culture.

With: Hatsune Sakai, Kazuya Inoue, Koichiro F. O. Pereira, Masato Nomura, Masayuki Mantani, Natsue Hyakumoto, Susumu Ogata. Stage Manager: Masaya Natsume, Yuhi Kobayashi, Director Assistant: Haruka Kikuchi, Kodachi Kitagata, Scenography: Takuya Kamiike, Lighting Design: Masayuki Abe, Sound Design: Koji Shiina, Tour Manager: Chika Onozuka, Shimizu Tsubasa, Production: Niwa Gekidan Penino, Arche LLC., Translated by The Japan Foundation, German Translation: Andreas Regelsberger, English Translation: Susan E. Jones

Coproduction: Arts Council Tokyo, ONDA (Paris), Fondation pour l’étude de la langue et de la civilisation japonaises (Paris), Sasakawa Foundation Japan (Tokyo)

Supported by the Freunde der Schaubühne am Lehniner Platz e. V.

Foto: Shinsuke Sugino

(Teheran) von Parnia Shams und Amir Ebrahimzadeh

Regie: Parnia Shams

26.4. / 19.30 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

27.4. / 18.00 Uhr und 20.30 Uhr

Dauer: 1 Std.

Auf Persisch mit deutschen und englischen Übertiteln

Ein Unterrichtsraum in einer privaten Mädchenschule in Teheran. Mitten im Schuljahr kommt die 16­jährige Mahoor neu in die Schulklasse. Ihre Eltern leben im Norden des Landes und haben sich scheiden lassen. In der neuen Schulklasse wird Mahoor schnell zum Zentrum der Aufmerksamkeit. Es konzentrieren sich Neugierde und Eifersucht auf sie. Sie freundet sich mit Parnia an, der klassenbesten Schülerin. Schnell wird diese Freundschaft innerhalb der Klasse, vor allem aber auch von den Lehrenden der Schule mit Argwohn beäugt und verleumdet. Die Freundschaft überschreite auf inakzeptable Weise Grenzen, heißt es seitens des Schuldirektoriums, sei »abnormal« und »subversiv«. Beide Schülerinnen werden gezwungen, eine Erklärung zu unterschreiben, dass es sich um eine rein platonische Freundschaft der beiden Mädchen handle, und keine Liebesbeziehung. Die beiden Schülerinnen gehen sehr unterschiedlich mit dieser Zerreißprobe um.

Die Inszenierung تسا (Persisch für »ist«) entwickelte die junge Autorin, Schauspielerin und Regisseurin Parnia Shams mit sechs weiteren Theaterabsolventinnen der Sooreh Universität in Teheran, ausgehend von eigenen Erfahrungen. Möglichst nah sollen Schauplatz und Spiel die Wirklichkeit von Überwachung und Repression wiedergeben, allerdings mit einem entscheidenden Unterschied zu echten Mädchenschulen: Einzig die Schülerinnen haben eine Stimme. Der Machtapparat aus Lehrerinnen und Direktorium, der innerhalb der Schule die intimsten Beziehungen überwacht, diszipliniert und letztlich auch unterdrückt, wird nicht von Schauspielerinnen verkörpert, sondern existiert nur in den Reaktionen der Schülerinnen.

Parnia Shams studierte Theaterregie an der Sooreh Universität in Teheran. Als Schauspielerin stand sie 2015 in »Sprich Medea«, 2016 in »Der Anfang einer Symphonie« und 2017 in »Ghorb an Gaah« auf der Bühne. Parallel dazu begann sie, selbst Texte zu schreiben und zu inszenieren, zuerst »Tatavor«, das mit mehreren Preisen ausgezeichnet wurde. Ihr Stück »تسا (ist)« schrieb und inszenierte sie 2018. Die Inszenierung gewann mehrere Preise beim International University Festival Teheran 2019 und tourte danach in Teheran und international. Beim FIND 2023 ist sie zum ersten Mal in Deutschland zu Gast.

(Teheran)

by Parnia Shams and Amir Ebrahimzadeh

Director: Parnia Shams

26.4. / 7.30 pm, followed by a post­show talk

27.4. / 6.00 pm and 8.30 pm

Duration: 1h

In Persian with German and English surtitles

A classroom in a private girls’ school in Tehran. 16­year­old Mahoor joins the class in the middle of the school year. Her parents live in the north of the country, and have just got divorced. In her new class, Mahoor quickly becomes the centre of attention and the focus of curiosity and jealousy. She befriends the top pupil, Parnia. This friendship is quickly viewed with suspicion and is maligned in the class and especially by the teachers. According to the school board, the friendship crosses the border into the improper in an unacceptable way and is »abnormal« and »subversive«. Both pupils are forced to sign a statement attesting that theirs is a purely platonic friendship between two girls and not a love affair. They deal with this ordeal in very different ways. The production »تسا« (Persian for »is«) was developed by the young writer, actor and director Parnia Shams with six other theatre graduates from Sooreh University in Tehran and is based on their own experiences. The setting and action reflect the reality of surveillance and repression as closely as possible with one crucial difference to the situation in real girls’ schools: in the play, only the pupils have a voice. The entire power apparatus of the teachers and the school board which monitors, disciplines and ultimately suppresses the most intimate relationships within the school only exists through the performance of the pupils.

Parnia Shams studied theatre directing at Sooreh University in Tehran. As a stage actor, she has appeared in »Speak Medea« (2015), »The Beginning of a Symphony« (2016) and »Ghorb an Gaah« (2017). Alongside her acting work, she began to write and direct her own plays starting with »Tatavor« for which she has received several awards. She wrote and directed »تسا (is)« in 2018. The production won several awards at the International University Festival in Tehran in 2019 and has since toured in Tehran and internationally. She is appearing in Germany for the first time at the FIND.

Mit: Mahtab Karimi, Sadaf Maleki, Mahoor Mirzanezhad, Yasaman Rasouli, Shadi Safshekan, Parnia Shams, Parvaneh Zabeh. Dramaturgie: Shahab Rahmani, Bühne: Pourya Akhavan, Kostüme: Pegah Shams, Regieassistenz: Mahmood Khodaverdi, Licht: Alireza Miranjom, Grafik: Mohammed Mosavat, Vertrieb: NH Theatre Agency Gastspiel mit Unterstützung der Rudolf Augstein Stiftung

With: Mahtab Karimi, Sadaf Maleki, Mahoor Mirzanezhad, Yasaman Rasouli, Shadi Safshekan, Parnia Shams, Parvaneh Zabeh. Dramaturgy: Shahab Rahmani, Set Design: Pourya Akhavan, Costume Design: Pegah Shams, Assistant Director: Mahmood Khodaverdi, Lighting Design: Alireza Miranjom, Graphic Design: Mohammed Mosavat, Distribution: NH Theatre Agency The guest performance is supported by the Rudolf Augstein Foundation.

Foto: Navid Fayaz

親愛的人生 (Dear Life)

(Taipeh)

Shakespeare’s Wild Sisters Group von Wang Chia­ming Regie: Wang Chia­ming

29.4. / 20.00 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

30.4. / 20.00 Uhr

Dauer: 2 Std. 15 Min. Auf Mandarin mit deutschen und englischen Übertiteln

Für »親愛的人生« (»Dear Life«) adaptierte der Regisseur Wang Chia­ming Kurzgeschichten aus dem gleichnamigen Band der kanadischen Literaturnobelpreisträgerin Alice Munro (deutsch: »Liebes Leben«) für das gegenwärtige Taipeh. In »Dear Life« beschreibt Munro Figuren, deren Leben sich am Wendepunkt befinden. In schlichten, alltäglichen Settings spielen sich für die Protagonist_innen ihrer Erzählungen im Zwischenraum zwischen explizit Ausgesprochenem und Ungesagtem große Dramen ab, erleben sie Verlust, Trauer, Schmerz, Sehnsucht und Liebe. Diese Geschichten und ihre Heldinnen überträgt Wang Chia­ming für seine Inszenierung in die taiwanesische Realität: Munros Figuren leben bei ihm in verschiedenen Stadtbezirken Taipehs, sind Nachbar_innen, ohne einander zu kennen, und begegnen einander in vier verschiedenen, miteinander verwobenen Geschichten.

»Wenn ich Leuten zuhöre, die über meine Arbeit sprechen, merke ich immer, dass ich mich anscheinend sehr für Identitätsfragen interessiere. Das mag daran liegen, dass auf dieser Insel Menschen aus den unterschiedlichsten Schichten und Kontexten zusammenleben«, sagt Wang Chia­ming über sein Theater und seine Heimat Taiwan. »Was mich im Theater immer interessiert, ist Wahrnehmung: Wie blicken Menschen mit verschiedenen Perspektiven auf ein und dieselbe Wirklichkeit?« In »親愛的人生« (»Dear Life«) zeigt er durch Munros Texte ein persönliches, vielstimmiges, liebevolles Porträt der unterschiedlichen Menschen und der Millionenstadt Taipeh.

Im Sommer 1995 gründete sich die taiwanesische Theaterkompanie Shakespeare’s Wild Sisters Group und erkundet seitdem in wechselnden Konstellationen Formen kollektiver Autor_innenschaft: Text, Regie, Bühnen­ und Kostümbild verbinden sich unter Einfluss aller möglichen anderen Kunstformen zu immer neuen theatralen Ausdrucksformen. Im Zentrum der Arbeiten stehen selbst geschriebene oder, wie im Falle von Munros Kurzgeschichten, neu für die Bühne adaptierte Texte. Wang Chia­ming gehört zu den Gründungsmitgliedern und verbindet in seinen Inszenierungen traditionelle östliche Einflüsse mit westlicher Kunst und Popkultur. Seine Arbeiten erhielten zweimal den Taishin Arts Award. Inszenierungen der Shakespeare’s Wild Sisters Group gastierten u. a. in Hongkong, Macau, Peking, Shanghai, Busan, Tokio, Singapur, Kobe, Paris und New York. In Deutschland ist die Kompanie zum ersten Mal mit einer größeren Inszenierung zu sehen.

Mit: Fa, Wang Chuan, An Yuan­liang, Yu Pei­zhen, Huang Chiao­wei, Li Ming­chen, Gwen Yao, Jimmy Chang, Chen Wu­kang, Huang Pei­shu, Sunny Yang, Lai Wen­chun, Musikerinnen: Yu Rho­mei, Kao Chen­yin, Wu Kang­chiu. Bühnenbild: Huang I­ju, Bühnenbildassistenz: Chen Liang­ju, Kostüme: Chin Pin­pin, Garderobe: Lin, Yu­ling, Musik: Blaire Ko, Lin Fang­yi, Licht: Wang Tien­hung, Technische Direktion: Lee Po­han, Inspizienz: Lin Tai­jung, Produktion: Shakespeare’s Wild Sisters Group, Produktionsleitung: Yukio Nitta, Ausführender Produzent: Lu Lin

In Auftrag gegeben vom National Performing Arts Center – National Theater & Concert Hall, Taiwan, R.O.C. Unterstützt vom Ministerium für Kultur, Taiwan, Abteilung für kulturelle Angelegenheiten, Stadtregierung Taipeh

(Taipei)

Shakespeare’s Wild Sisters Group by Wang Chia­ming

Director: Wang Chia­ming

29.4. / 8.00 pm, followed by a post­show talk

30.4. / 8.00 pm

Duration: 2 h 15 min

In Mandarin with German and English surtitles

For the play »親愛的人生« (»Dear Life«), director Wang Chia­ming has adapted short stories from the book of the same name by Canadian Nobel Prize­winning author Alice Munro and moved them to contemporary Taipei. In the book, Munro writes about characters at a turning point in life. In simple, everyday settings, the female protagonists of her stories experience great dramas in the intermediate space between what is explicitly said and what remains unspoken; they are faced with loss, grief, pain, longing and love. In his production, Wang Chia­ming transposes these stories and their heroines to the reality of Taiwan. Munro’s characters now live in different boroughs of present­day Taipei and, as neighbours who don’t know each other, encounter each other in four separate but interwoven stories.

»When I listen to people talking about my work, always notice that seem to be very interested in questions of identity. That may be due to the fact that people from highly diverse social backgrounds and contexts live together on this island,« says Wang Chia­ming about his theatre and his home island of Taiwan. »What always interests me in theatre is perception: How is one and the same reality seen from different perspectives?« In »親愛的 人生« (»Dear Life«), he uses Munro’s texts to reveal a personal, polyphonic and affectionate portrait of the various people and the major city of Taipei.

The Shakespeare’s Wild Sisters Group was founded in Taiwan in the summer of 1995. In changing constellations, the theatre group has since explored forms of collective authorship: text, direction, stage and costume design are combined under the influence of different art forms to create constantly new modes of theatrical expression. At the centre of their plays are texts that have been newly written or, as in the case of Munro’s short stories, substantially adapted for the stage. Wang Chia­ming is one of the founding members of the group and merges traditional Eastern influences with Western art and pop culture in his productions. His work has twice received the Taishin Arts Award. Productions by the Shakespeare’s Wild Sisters Group have made guest appearances in Hong Kong, Macau, Beijing, Shanghai, Busan, Tokyo, Singapore, Kobe, Paris and New York. This is the first time they can be seen in Germany with one of their larger­scale productions.

With: Fa, Wang Chuan, An Yuan­liang, Yu Pei­zhen, Huang Chiao­wei, Li Mingchen, Gwen Yao, Jimmy Chang, Chen Wu­kang, Huang Pei­shu, Sunny Yang, Lai Wen­chun, Musicians: Yu Rho­mei, Kao Chen­yin, Wu Kang­chiu. Set Design: Huang I­ju, Set Design Assistant: Chen Liang­ju, Costume Design: Chin Pin­pin, Wardrobe: Lin, Yu­ling, Music: Blaire Ko, Lin Fang­yi, Lighting Design: Wang Tien­hung, Technical Direction: Lee Po­han, Stage Manager: Lin Tai­jung, Production: Shakespeare’s Wild Sisters Group, Production Management: Yukio Nitta, Executive Producer: Lu Lin. Commissioned by National Performing Arts Center National Theater & Concert Hall, Taiwan, R.O.C. Supported by Ministry of Culture, Taiwan, Department of Cultural Affairs, Taipei City Government

Burnt Toast

(Oslo) von Susie Wang

20.4. / 18.00 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

21.4. / 18.00 Uhr und 21.30 Uhr

22.4. / 15.00 Uhr

Dauer: 1 Std. 25 Min.

Auf Englisch mit deutschen Übertiteln Altersempfehlung: ab 16 Jahren

Enthält Darstellungen von Gewalt und Szenen mit Blut.

Irgendwo tief in den Südstaaten, in einer komplett roten Hotellobby mit einer Rezeption und zwei Aufzügen – einem, der nach oben geht und einem, der nach unten geht. Die Lounge ist mit rosa Sitzsäcken ausgestattet. Betty, die Rezeptionistin, tippt beschäftigt. Das einzige, was man hören kann, ist das Klicken der Tastatur.

Da erscheint Danny Iwas mit einer silbernen Aktentasche, die an sein Handgelenk gekettet ist. Betty begrüßt ihn, und er tritt aus dem Aufzug in die Lobby. Nach dem Einchecken will Danny eigentlich ins Museum gehen, doch dann sieht er Violet: Sie sitzt in der Lounge und nippt am Begrüßungsgetränk, einem Cocktail auf Basis von verquirltem Ei, während sie ihre kleine Tochter stillt. Danny und Violet kommen ins Gespräch und sind sich schnell vertraut. Violet stellt fest, dass ihre Tochter Danny sehr ähnlich sieht. Äußerst ähnlich. Könnte er möglicherweise der Vater sein?

Was ist in seiner Aktentasche? Wann wird das Museum geschlossen? Und was ist mit der Zukunft?

Der Nachmittag in der Lobby wird immer bizarrer: Bald fließt Blut, und Träume, Halluzinationen und Theater verschmelzen zu einem wilden Genre­Mix.

Die norwegische Theatergruppe Susie Wang wurde 2017 von Autorin und Regisseurin Trine Falch, Komponist und Sounddesigner Martin Langlie, Schauspielerin Mona Solhaug und Bühnenbildner Bo Krister Wallström gegründet. »Burnt Toast« ist die erste Arbeit von Susie Wang, die in Berlin zu sehen ist.

(Oslo) by Susie Wang

20.4. / 6.00 pm, followed by a post­show talk

21.4. / 6.00 pm and 9.30 pm

22.4. / 3.00 pm

Duration: 1 h 25 min

In English with German surtitles

Recommended age: 16 years

Contains depictions of violence and scenes featuring blood.

Somewhere Deep South, in an all­red hotel lobby with a front desk and two elevators one going up and one going down. Pink beanbags make up the lounge. Betty, the receptionist, is busy typing, and all you can hear is the clicking of the keyboard. Then Danny Iwas appears with a silver briefcase chained to his wrist, and when Betty says welcome, he steps out of the elevator and into the lobby. After checking in, Danny wants to go to the museum, but then he sees Violet. She sits in the lounge sipping the welcome drink, an eggnog based cocktail, while breast­feeding her baby daughter. Danny and Violet strike up a conversation and quickly bond. Violet notes that her daughter looks a lot like Danny. A lot. Could he possibly be the father? What is in his briefcase? When does the museum close? And what about the future?

The afternoon in the lobby becomes increasingly bizarre and blood will flow until dreams and hallucinations and theatre merge into a wild genre blend.

The Norwegian theatre group Susie Wang was formed in 2017 by writer and director Trine Falch, composer and sound designer Martin Langlie, actor Mona Solhaug and set designer Bo Krister Wallström. »Burnt Toast« is Susie Wang’s first work to be shown in Berlin.

Mit: Kim Atle Hansen, Julie Solberg, Mona Solhaug, Phillip Isaksen, Fanney Antonsdottir Bühnentechnik: Jon Løvøen, Simen Ulvestad, Lars Halvorsen, Text und Regie: Trine Falch, Ausstattung: Bo Krister Wallström, Musik und Sound Design: Martin Langlie, Licht: Phillip Isaksen, SFX: Fanney Antonsdottir, Konstrukteure: Antti Bjørn, Jon Løvøen, Sprachberatung: Dean Clark, Sarah Valentine Koproduktion: Black Box teater (Oslo), Kilden Performing Arts Centre (Kristiansand)

Mit Unterstützung vom Arts Council Norway, The Audio and Visual Fund, The Association of Norwegian Visual Artists, Ministry of foreign affairs/Performing Arts Hub, Norway

With: Kim Atle Hansen, Julie Solberg, Mona Solhaug, Phillip Isaksen, Fanney Antonsdottir. Stagecraft live: Jon Løvøen, Simen Ulvestad, Lars Halvorsen, Text and Direction: Trine Falch, Scenography: Bo Krister Wallström, Music and Sound

Design: Martin Langlie, Lighting Design: Phillip Isaksen, SFX: Fanney Antonsdottir, Stagecraft design: Antti Bjørn, Jon Løvøen, Language consultancy: Dean Clark, Sarah Valentine

Coproduction: Black Box teater (Oslo), Kilden Performing Arts Centre (Kristiansand)

Supported by Arts Council Norway,The Audio and Visual Fund, The Association of Norwegian Visual Artists, Ministry of foreign affairs/Performing Arts Hub, Norway

(Genf) von Cédric Djedje Regie: Absent.e pour le moment

24.4. / 19.30 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

25.4. / 19.30 Uhr

Dauer: 2 Std.

Auf Französisch mit deutschen und englischen Übertiteln

Im Dezember 2018 kommt der Genfer Theatermacher Cédric Djedje mit einem Künstlerstipendium in den Berliner Wedding, um ein neues Projekt zu entwickeln. Den Inhalt findet er quasi vor seiner Haustür: Im Afrikanischen Viertel, einem Stadtteil, der heute tatsächlich von vielen Afrikaner_innen bewohnt wird. Den Namen aber erhielt er, um den deutschen Kolonialismus und seinen territorialen Herrschaftsanspruch in Afrika zu glorifizieren. Mehr noch: Mehrere Straßennamen sind noch immer den Urhebern der deutschen Kolonialverbrechen in Südwestafrika gewidmet, darunter Carl Peters, einst als »Hänge­Peters« selbst unter deutschen Kolonialbeamten gefürchtet. Cédric Djedje geht auf Spurensuche im Afrikanischen Viertel. Dabei stößt er einerseits auf Aktivist_innen eines postkolonialen Widerstands, die seit über vierzig Jahren versuchen, eine Umbenennung der Straßennamen zu erreichen. Andererseits begegnet er einem nur mühsam kaschierten Alltagsrassismus, dem Djedje, selbst Afro­Europäer, in seiner Arbeit wie in seinem privaten Berliner Leben immer wieder ausgesetzt ist. Zwischen politischem Dokumentartheater und humorvoller Autofiktion schafft Cédric Djedje im Duo mit seiner Mitspielerin Safi Martin Yé eine urbane Chronik in szenischer Form: einen Streifzug zwischen Expedition und Geisterbahnfahrt, der Berlin aus der Außenperspektive einen Spiegel vorhält.

Nur wenige Wochen nach der Uraufführung des Stücks in Genf im November 2022 wurden in Berlin im Afrikanischen Viertel die ersten zwei Straßen umbenannt – unter großer Aufmerksamkeit der internationalen Presse, aber in der deutschen Öffentlichkeit weitgehend unbemerkt. Eine auf Adolf Hitlers persönliche Initiative nach dem Kolonialverbrecher Carl Peters benannte Allee dagegen behält ihren Namen, mit dem offiziellen Argument, dass sie schon in den 1980er­Jahren von Petersallee in Petersallee »umgewidmet« wurde (und nun einen Berliner Stadtverordneten namens Peters ehren soll).

Auch außerhalb des Wedding und Berlins finden sich ähnliche Relikte des Kolonialismus. Gibt es eine Chance, das in näherer Zukunft zu verändern? Die unentschiedene Antwort deutet bereits der Stücktitel an: Vielleicht.

(Geneva)

by Cédric Djedje

Director: Absent.e pour le moment

24.4. / 7.30 pm, followed by a post­show talk

25.4. / 7.30 pm

Duration: 2 h

In French with German and English surtitles

In December 2018, the Geneva theatre maker Cédric Djedje arrived in Berlin’s Wedding district on an artist’s grant to develop a new project. He discovered his subject matter practically on his doorstep: in the African Quarter, a neighbourhood that is inhabited by many Africans today. But the neighbourhood was actually named to glorify German colonialism and its territorial claims to power in Africa. What is more, several street names are at the time still dedicated to the perpetrators of German colonial crimes in South West Africa. They include Carl Peters, once feared even by German colonial officials as »Hanging Peters«. Cédric Djedje goes in search of clues in the African Quarter. On the one hand, he comes across activists from a postcolonial resistance group that has been trying for over forty years to get the streets renamed. On the other, there is the scarcely disguised everyday racism that Cédric, himself an Afro­European, is repeatedly exposed to in his work and his private life in Berlin. Cédric Djedje creates an urban chronicle in a dramatic form poised between political documentary theatre and humorous auto­fiction in which he appears in a duo with his co­performer Safi Martin Yé: an exploration between expedition and ghost­train ride, revealing Berlin from an outsider’s perspective holding up a mirror to the city.

Only a few weeks after the play’s premiere in Geneva in November 2022, the first two streets in Berlin’s African Quarter were renamed drawing great attention from the international press but going largely unnoticed by the German public. However, the street named after Carl Peters following a personal intervention by Adolf Hitler has retained its name with the official argument that it was »redesignated« in the 1980s from Petersallee to Petersallee and now honours a Berlin city councillor by the name of Hans Peters.

Similar relics of colonialism can also be found outside of Wedding and Berlin. Is there any chance for a change in the near future? The still undecided answer is indicated in the title of the play: Maybe.

Mit: Cédric Djedje, Safi Martin Ye und einem_r Aktivist_in aus Berlin.

Dramaturgie: Noémi Michel, Beratung Regie: Diane Muller, Ludovic Chazaud, Text: Ludovic Chazaud, Noémi Michel, Bühne: Nathalie Anguezomo Mba

Bikoro, Beratung Ausstattung: Marco Ievoli, Bauten: Atelier construction Vidy, Choreografie: Ivan Larson, Musik und Sound Design: Ka(ra)mi, Kostüme/ Khanga’s Konfektion: Tara Mabiala, Konfektionen: Eva Michel, Grafik: Claudia Ndebele, Licht: Léo Garcia, Beratung Licht: Joana Oliveira, Video: Valeria Stucki, Maske: Chaïm Vischel, Produktionsleitung: Lionel Perrinjaquet, Pauline Coppée (Tutu Production), Transkription der Interviews: Eva Michel, Bel Kerkhoff­Parnell, Orfeo, Janyce Djedje, Leitung Video und Sound: Sebastien

Baudet, Leitung Licht: Leo Garcia, Inspizienz: Joana Oliveira

Produktion: Absent.e pour le moment, Le Grütli – Centre de production et de diffusion des Arts Vivants, Théâtre de Vidy­Lausanne. Förderer: Pro Helvetia, État de Genève, Loterie Romande, Agenda21 (Ville de Genève), Fondation

Ernst Goehner, Fondation Leenards, Fonds de dotation Porosus, Fondation SIS, SSA – Société Suisse des Auteurs, Fondation Michalski, Pourcent Culturel Migros und Fondation Stanley Johnson

With: Cédric Djedje, Safi Martin Ye and a Berlin­based activist. Dramaturgy: Noémi Michel, Staging adviser, outer sight: Diane Muller, Ludovic Chazaud, Text: Ludovic Chazaud, Noémi Michel, Set design: Nathalie Anguezomo Mba Bikoro, Scenography advisor: Marco Ievoli, Set construction: Atelier construction Vidy, Choreography: Ivan Larson, Sound creation and music: Ka(ra)mi, Costume design / Khanga‘s confection: Tara Mabiala, Confections: Eva Michel, Graphic designer: Claudia Ndebele, Lighting design: Léo Garcia, Lightning design advisor: Joana Oliveira, Video design: Valeria Stucki, Make up design: Chaïm Vischel, Production management: Lionel Perrinjaquet, Pauline Coppée (Tutu Production), Transcription of interviews: Eva Michel, Bel Kerkhoff­Parnell, Orfeo, Janyce Djedje, Video and Sound Management: Sebastien Baudet, Light Management: Leo Garcia, Stage Manager: Joana Oliveira, Production: Absent.e pour le moment, Le Grütli Centre de production et de diffusion des Arts Vivants, Théâtre de Vidy­Lausanne.

Funding: Pro Helvetia, État de Genève, Loterie Romande, Agenda21 (Ville de Genève), Fondation Ernst Goehner, Fondation Leenards, Fonds de dotation Porosus, Fondation SIS, SSA Société Suisse des Auteurs, Fondation Michalski, Pourcent Culturel Migros et Fondation Stanley Johnson

Foto: Dorothée Thébert

La Enciclopedia del Dolor. Tomo I: Esto que no salga de aquí

(Vigo)

Die Enzyklopädie des Schmerzes. Band 1: Das darf den Raum nicht verlassen von Pablo Fidalgo

Regie: Pablo Fidalgo

29.4. / 16.30 Uhr, im Anschluss Publikumsgespräch

30.4. / 16.00 Uhr und 18.30 Uhr

Dauer: 1 Std.

Auf Spanisch mit deutschen und englischen Übertiteln

Die Vorstellung thematisiert sexualisierte Gewalt.

Im Juni 2021 überraschte den galicischen Dramatiker und Regisseur Pablo Fidalgo auf der Frontseite der Tageszeitung EL PAÍS ein Bild seiner früheren Schule, einer von Maristen­Priestern geleiteten Einrichtung in Vigo im Nordwesten Spaniens. Die Aufdeckung hunderter Missbrauchsfälle in katholischen Einrichtungen durch die Zeitung drängte ihn zurück an die Orte seiner Kindheit: Was hatte er übersehen? Woran erinnerte sich sein Körper, sein Unterbewusstsein, obwohl sein Geist es vergessen und verdrängt hatte? Gonzalo Cunill, dem Schaubühnen­Publikum durch zahlreiche Gastspiele von Rodrigo García bekannt, betritt für diesen Monolog von Pablo Fidalgo erneut die Bühne beim FIND. Fälle von sexuellem Missbrauch und Gewalt wurden in Spanien jahrzehntelang vertuscht. So beginnt Pablo Fidalgo seine auf mehrere Teile angelegte »Enzyklopädie des Schmerzes« mit einem »Band I« unter der Überschrift »Esto que no salga de aquí« (»Das darf den Raum nicht verlassen«), ein Ausspruch, den er aus seinem Elternhaus kannte und der klarstellen sollte, dass über etwas nur privat und zu Hause gesprochen werden sollte. Jahrzehntelang bemühte sich die spanische Kirchenhierarchie, tausende Fälle von Kindesmissbrauch zu vertuschen.

2018 schuf EL PAÍS deshalb eine Plattform, um Betroffenen eine Stimme zu geben. Tausende Nachrichten gingen ein. Mehrere hundert Fälle wurden allein in den letzten beiden Jahren aufgedeckt und öffentlich dokumentiert. 2022 erkannte die spanische Bischofskonferenz die Recherchen an und stellte fest, dass diese offenbar nur die Spitze des Eisbergs bilden: »Wir kommen aus einer Kultur der Verschleierung und des Verschweigens.« Dieses Ignorieren und Verdecken ist dabei bezeichnend für das Verhältnis Spaniens zu seiner Vergangenheit und Gewaltgeschichte.

In radikaler Reduktion der Mittel, gegen jedes Opferpathos und fern von Sensationslust, entwirft Fidalgos Monolog die Radiographie eines Landes, in dem sich Inquisition und Franco­Diktatur noch täglich im Leben spiegeln und stellt fest: »Esto, finalmente, saldrá de aquí« / »Endlich wird das den Raum verlassen«.

Pablo Fidalgo forscht als Künstler zu Fragen der Erinnerungskultur anhand seiner eigenen Familienbiografie. Er veröffentlicht Lyrik und wirkt als Kurator, Dramatiker und Regisseur seiner eigenen Texte. Beim FIND ist er zum ersten Mal in Deutschland zu Gast.

Mit: Gonzalo Cunill. Künstlerische Mitarbeit: Amalia Area, Super­8­Bilder: Manuel Lareo Costas, Video: Eduardo Tejada, Licht: Bruno Santos, Künstlerische Assistenz: Carla R. Cabané, Produktionsleitung: Elena Martínez

Produktion: ElenaArtesescenicas, Wiener Festwochen, Fundación Teatro de la Abadía In Zusammenarbeit mit Teatro Jovellanos (Gijón), Los Barros (Carlos Marquerie, Elena Córdoba), EscuelaYeraVegadePas

Die Acción Cultural Española (AC/E) unterstützt das Festival durch das Programm zur Internationalisierung der Spanischen Kultur (PICE).

(Vigo)

Encyclopedia of Pain. Chapter one: This doesn’t leave the room by Pablo Fidalgo

Director: Pablo Fidalgo

29.4. / 4.30 pm, followed by a post­show talk 30.4. / 4.00 pm and 6.30 pm

Duration: 1 h

In Spanish with German and English surtitles This performance deals with the subject matter of sexual violence.

In June 2021, Galician playwright and director Pablo Fidalgo was surprised to see a picture of his former school, an institution run by Marist priests in Vigo, northwestern Spain, on the front page of the daily newspaper EL PAÍS. The paper’s uncovering of hundreds of cases of abuse in Catholic institutions forced him to recall the places of his childhood: What had he missed? What did his body, his subconscious, remember, even if his conscious mind had forgotten and repressed it? Gonzalo Cunill, known to Schaubühne audiences through numerous guest performances by Rodrigo García, takes the stage again at the FIND for this monologue by Pablo Fidalgo.

Cases of sexual abuse and violence have been covered up in Spain for decades. Thus Pablo Fidalgo begins his multi­part »Encyclopedia of Pain« with »Volume I« under the title of »Esto que no salga de aquí« (»This doesn’t leave the room«), a saying he learnt as a child with his parents which made it clear that something should only be discussed in private and at home.

For decades, the hierarchy of the Spanish Catholic church has attempted to conceal thousands of cases of child abuse. In 2018, EL PAÍS therefore created a platform to give the victims a voice. The paper received thousands of messages. Several hundred cases have been uncovered and officially documented in the last two years alone. In 2022, the Spanish Conference of Bishops recognised the findings and acknowledged that they are probably just the tip of the iceberg: »We come from a culture of concealment and silence.« This ignoring and concealing is indicative of Spain’s relationship to its past and the country’s history of violence.

With a radical minimalism, refusing to wallow in emotiveness for the victims and remaining very far from sensationalism, Fidalgo’s monologue delineates an X­ray of a country in which the Inquisition and the Franco dictatorship are still reflected in everyday life and ascertains: »Esto, finalmente, saldrá de aquí« / »Finally, the word is out«.

Pablo Fidalgo is an artist who researches questions of the culture of remembrance based on his own family biography. He is also a poet and works as a curator, playwright and director of his own texts, most recently at the Centro Dramático Nacional in Madrid. His work is being presented in Germany for the first time at the FIND.

With: Gonzalo Cunill. Artistic Collaboration: Amalia Area, Super­8­Pictures: Manuel Lareo Costas, Video: Eduardo Tejada, Lighting Design: Bruno Santos, Artistic Assistant: Carla R. Cabané, Production Management: Elena Martínez Production: ElenaArtesescenicas, Wiener Festwochen, Fundación Teatro de la Abadía In Collaboration with Teatro Jovellanos (Gijón), Los Barros (Carlos Marquerie, Elena Córdoba), EscuelaYeraVegadePas

Acción Cultural Española (AC/E) supports the Festival through the Programme for the Internationalisation of Spanish Culture (PICE).

Nachtland

von Marius von Mayenburg

Regie: Marius von Mayenburg

30.4. / 20.30 Uhr

Dauer: 1 Std. 50 Min.

Auf Deutsch mit englischen Übertiteln

In der Inszenierung wird Antisemitismus in Sprache und Darstellung thematisiert.

Nicolas und Philipps Vater ist nach kurzer, schwerer Krankheit gestorben. Zwei Wochen nach seinem Tod treffen sich die Geschwister mitsamt ihren Ehepartner_innen, um die Besitztümer des Vaters aufzuteilen und den restlichen Haushalt aufzulösen. In der Wohnung gibt es wenig, was von Wert ist, und auch auf dem Dachboden ist nur Staub und Schrott. Doch auf den zweiten Blick findet sich dort ein Bild. Es ist ein Aquarell in Sepia und Braun, in einem schlichten, schwarzen Holzrahmen. Das Bild zeigt eine gedrungen wirkende Kirche; über der Kirche scheint die Sonne aus einem blassen Himmel mit Wolken. Der Schatten der Kirche fällt auf das Kopfsteinpflaster. An der Wand neben dem Kirchentor ist ein dunkler Strich, der möglicherweise eine Gestalt darstellen soll. Wer könnte das Bild gemalt haben? Hat der Vater auf seine alten Tage das Malen als Hobby für sich entdeckt? Philipp findet das Bild hübsch und Nicola gefällt der Rahmen, also löst Nicolas Mann Fabian das Gemälde aus dem Rahmen und verletzt sich bei der Aktion prompt an einem rostigen Nagel. Philipps Frau Judith nimmt das Bild genauer unter die Lupe. Jetzt, da es aus dem Rahmen befreit ist, sieht man auf einmal eine Signatur am unteren Rand des Bildes: A. Hiller. Oder ist da ein Strich, der durch das erste »I« geht? Ist das »l« eigentlich ein »t«? Steht da eigentlich A. Hitler? Ist Adolf Hitler der Maler des Bildes? Wie kann das sein? Die Familie hat keine Nazivergangenheit und war laut eigenem Bekunden immer gegen die Nazis, angeblich »aus ästhetischen Gründen«, wieso also hatte der Vater ein Bild, das von Hitler gemalt wurde? Was macht man mit so einem Bild? Verbrennt man es? Oder sollte man es verkaufen? Ein Gedanke, der Philipps Frau, die aus einer jüdischen Familie stammt, unerträglich ist. Wer will so ein Bild überhaupt haben? Lässt sich der Wert des Bildes durch eine passende Provenienzgeschichte steigern, die eine Verflechtung mit der Naziprominenz um Adolf Hitler nachweist? Und was macht man mit dem Geld, das man für den Verkauf bekommt – ist es okay, es für den Kauf eines neuen Hauses zu verwenden, oder sollte man die Einnahmen für wohltätige Zwecke spenden? Während der Streit in der Familie hochkocht, Gutachterinnen und mögliche Käufer sich die Klinke in die Hand geben und Fabian mit Wundstarrkrampf zu Boden geht, tut sich zwischen Philipp und Judith ein Graben auf, der immer tiefer wird …

Marius von Mayenburgs neues Stück ist eine bitterböse Komödie über das schwere Erbe der deutschen Vergangenheit – und über die dazugehörigen Erbschaftsstreitigkeiten.

Nightscape by Marius von Mayenburg

Director: Marius von Mayenburg

30.4. / 8.30 pm

Duration: 1 h 50 min

In German with English surtitles

This production addresses anti­Semitism in languange and action.

Nicola’s and Philipp’s father died after a short but severe illness. Two weeks after his death, the siblings and their spouses meet to divide up his possessions and liquidate the rest of his estate. There is little of value in the flat; even the attic is just filled with dust and junk. However, on a closer look, there is also a picture: a sepia and brown watercolour in a plain black wooden frame. The picture shows a sturdy looking church with the sun shining from a pale cloudy sky above. The church’s shadow is cast on the cobblestones. On the wall by the church gate is a dark line that may represent a figure. Who could have painted the picture? Did their father take up painting as a hobby in his old age? Philipp likes it; Nicola likes the frame. Thus, Nicola’s husband Fabian removes the painting from the frame and, in doing so, promptly injures himself on a rusty nail. Philipp’s wife Judith takes a closer look at the picture. Now that it is freed from the frame, it is suddenly possible to see a signature at the bottom: A. Hiller. Or is there a line going through that first »l«? Is the »l« really a »t«? Does it actually say A. Hitler? Is Adolf Hitler the painter of the picture? How is this possible? The family has no Nazi past and, by their own admission, was always anti­Nazi, ostensibly »for aesthetic reasons«. So why did their father have a picture painted by Hitler? What does one do with such a picture? Burn it? Or should it be sold a thought that Philipp’s wife, who comes from a Jewish family, finds unacceptable. Who would want a picture like this anyway? Can its value be increased by a suitable provenance that proves a connection with the Nazi celebrities around Adolf Hitler? And what should be done with the money secured from the sale would it be okay to buy a new house with it, or should the proceeds go to charitable causes? While the quarrel in the family threatens to boil over, a constant stream of evaluators and potential buyers turns up and Fabian collapses with tetanus, a rift opens up between Philipp and Judith that grows deeper and deeper …

Marius von Mayenburg’s new play is a scathing comedy about the difficult legacy of Germany’s past and the associated disputes about inheritance.

Mit: Damir Avdic, Moritz Gottwald, Jenny König, Genija Rykova, Julia Schubert. Bühne und Kostüme: Nina Wetzel, Video: Sébastien Dupouey, Musik: David Riaño Molina, Nils Ostendorf, Dramaturgie: Maja Zade, Licht: Erich Schneider

With: Damir Avdic, Moritz Gottwald, Jenny König, Genija Rykova, Julia Schubert. Set and Costume Design: Nina Wetzel, Video: Sébastien Dupouey, Music: David Riaño Molina, Nils Ostendorf, Dramaturgy: Maja Zade, Lighting Design: Erich Schneider

Foto: Gianmarco Bresadola

Sich waffnend gegen eine See von Plagen (ОЗБРОЮЮЧИСЬ ПРОТИ МОРЯ ЛИХ)

Ein Projekt von Stas Zhyrkov und Pavlo Arie Übersetzung von Sebastian Anton

Regie: Stas Zhyrkov

27.4. / 19.30 Uhr

Dauer: 1 Std. 45 Min.

Auf Ukrainisch und Deutsch mit ukrainischen, deutschen und englischen Übertiteln

Altersempfehlung: ab 16 Jahren

Die Vorstellung thematisiert Gewalt und Kriegsverbrechen.

Seit dem Einmarsch Russlands in die Ukraine sind Millionen ukrainischer Bürger_innen aus ihrem Zuhause geflohen. Einige davon sind Vertriebene im eigenen Land, andere haben es verlassen, um im Ausland Schutz zu suchen. Wieder andere sind geblieben und einige zurückgekehrt, um den bewaffneten Kampf gegen die russische Armee aufzunehmen. Unter diesen Kämpfer_innen gibt es auch viele Theatermacher_innen. In einem Projekt, das zwei Schauspieler aus Kyiv mit einem Schauspieler der Schaubühne zusammenbringt, untersuchen Stas Zhyrkov, Künstlerischer Leiter des Left Bank Theatre, Kyiv, und Pavlo Arie, Dramaturg und Autor, den Preis, den der Krieg von einem/einer Künstler_in fordert. Was macht es mit dem eigenen Körper und der eigenen Psyche, wenn man eine Waffe in die Hand nimmt? Was bedeutet es, zum Gewehr oder zur Pistole zu greifen, zu Gegenständen also, die dafür gemacht sind, Schaden anzurichten, zu zerstören – vor allem, wenn das eigene Leben bis dahin darauf ausgerichtet war, fiktive Welten zu erdenken und zu erschaffen?

To Take Arms Against a Sea of Troubles

A Project by Stas Zhyrkov and Pavlo Arie

Translation by Sebastian Anton

Director: Stas Zhyrkov

27.4. / 7.30 pm

Duration: 1 h 45 min

In Ukrainian and German with Ukrainian, German and English surtitles

Recommended age: 16 years

The production discusses violence and war crimes.

Since Russia’s invasion of Ukraine, millions of Ukrainian citizens have fled their homes. Some of them are displaced inside the country itself, some have left in order to seek shelter abroad. Others have stayed, and some have returned in order to take up arms to fight against the Russian army. Among these fighters are also many theatre artists. In a project that brings together two actors from Kyiv and an actor from the Schaubühne, Stas Zhyrkov, artistic director of the Left Bank Theatre, Kyiv, and Pavlo Arie, dramaturg and writer, explore the cost of war for an artist. What does it do to your body and your mind to handle a weapon? What does it mean to take up a rifle or a gun, objects designed to inflict damage and to destroy especially if one’s own life has been focused on imagining and creating fictional worlds?

ОЗБРОЮЮЧИСЬ ПРОТИ МОРЯ ЛИХ З моменту вторгнення Росії в Україну мільйони українських громадян та громадянок полишили свої домівки. Деякі з них тепер внутрішні біженці, інші втекли за кордон у пошуках прихистку. Хтось залишився, а хтось повернувся, аби боротися зі зброєю в руках проти російської армії. Серед цих бійців є багато театральних діячів. Стас Жирков, художній керівник Театру на Лівому Березі та автор Павло Ар’є досліджують в проекті, в якому беруть участь два київських актора та один актор з Шаубюне, ціну війни для митців та мисткинь. Що відбувається з твоїм тілом та психікою, якщо береш в руки зброю? Що це означає, взяти до рук рушницю або пістолет – предмети, створені для того, аби завдавати шкоди, знищувати – тим паче, коли все твоє життя до цього було спрямовано на створення вигаданих світів?

Mit: Holger Bülow, Dmytro Oliinyk, Oleh Stefan. Bühne: Jan Pappelbaum, Kostüme: Dagmar Fabisch, Musik: Bohdan Lysenko, Dramaturgie: Pavlo Arie, Maja Zade, Licht: Erich Schneider, Mitarbeit Video: Eric Dunlap

Mit freundlicher Unterstützung des Goethe­Instituts Gefördert im Rahmen von U*act, dem neuen Bundesprogramm der Bundesbeauftragten für Kultur und Medien und des Deutschen Bühnenvereins

With: Holger Bülow, Dmytro Oliinyk, Oleh Stefan. Set Design: Jan Pappelbaum, Costume Design: Dagmar Fabisch, Music: Bohdan Lysenko, Dramaturgy: Pavlo Arie, Maja Zade, Lighting Design: Erich Schneider, Video: Eric Dunlap

Kindly supported by the Goethe­Institut

Funded within the context of U*act, the new federal programme of the Federal Commissioner for Culture and the Media and Deutscher Bühnenverein

Buchvorstellung

Liebes Arschloch

25.4. / 20.00 Uhr / Auf Französisch mit deutscher Übersetzung

Mit: Virginie Despentes (Autorin), deutschsprachige Lesung mit Mitgliedern des Schaubühnen­Ensembles. Moderation: Elisa Leroy

Im neuen Roman von Virginie Despentes prallen nach einem verunglückten Instagram­Post die Geschichten dreier Figuren aufeinander: Rebecca ist eine berühmte Schauspielerin in den Fünfzigern. Sie stammt aus dem gleichen Vorort wie Oscar, ein Schriftsteller, gegen den Missbrauchsvorwürfe im Raum stehen und der unter einer Schreibblockade leidet. Zoé, die dritte im Bunde, die aus ihrem Beruf als Pressesprecherin ausgestiegen ist, nachdem sie Übergriffe durch Oscar erlebt hat, ist zu einer feministischen Social Media­Aktivistin geworden. In einer Art Briefroman des 21. Jahrhunderts durchlaufen die drei Protagonist_innen in der digitalen Welt eine Tour de Force durch gesellschaftliche Debatten und Konflikte: Es geht um #MeToo, Drogen, Machtmissbrauch und Feminismus. Am Ende überwinden Despentes’ Figuren ihre Wut, Frustration, ihre Neurosen und ihre Einsamkeit und entdecken den Wert der Freundschaft.

Virginie Despentes ist eine streitbare Stimme und eine der wichtigsten Figuren der französischen Gegenwartsliteratur. Den ersten Teil ihrer Trilogie »Das Leben des Vernon Subutex« hat Thomas Ostermeier für die Schaubühne im Juni 2021 auf die Bühne gebracht. Im Rahmen des FIND präsentiert die Autorin nun ihr neues Buch »Liebes Arschloch« als Deutschlandpremiere in der Schaubühne.

Podiumsgespräch

Werkzeuge der Dekolonisierung

23.4. / 14.00 Uhr / Auf Englisch mit deutscher Simultanübersetzung Mit: Marianne Ballé Moudoumbou (Dolmetscherin, Übersetzerin, Aktivistin Afrika­Rat und ADEFRA), Cédric Djedje (»Vielleicht«), Mnyaka Sururu Mboro (Mitbegründer von Berlin Postkolonial). Moderation: Noémi Michel (Wissenschaftlerin, Dozentin und Co­Autorin von »Vielleicht«)

Anfang Dezember 2022 wurden vom Bezirk Mitte im Afrikanischen Viertel im Wedding zwei Straßen umbenannt, die bislang Kolonialverbrecher ehrten: Die Cornelius­Fredericks­Straße ist nun nach dem Anführer des Nama­Aufstands gegen die deutsche Kolonialherrschaft benannt. Zuvor war sie Adolf Lüderitz gewidmet, auch »Lügen Fritz« genannt, weil er durch die betrügerischen Verträge die südwestafrikanischen Nama ihres Gebietes beraubt hat. Dem Duala­Königspaar Emily und Rudolf Manga Bell gewidmet ist nun der Manga­Bell­Platz, der bislang als Nachtigalplatz an den Reichskommissar Gustav Nachtigal erinnerte, der die »Schutzherrschaft« in »Deutsch­Westafrika« begründet hatte. Diesen Umbenennungen ging ein vierzigjähriger Einsatz von Aktivist_innen der afrodeutschen Community sowie von afrikanischen und deutschen zivilgesellschaftlichen Organisationen voraus. Ihm ist die Theaterproduktion »Vielleicht« beim FIND gewidmet. Daran anknüpfend versucht das Podium, Strategien des Kampfes und des künstlerischen Schaffens zu reflektieren, um unsere urbanen Räume und unser Leben zu dekolonisieren. Im Zentrum stehen dabei zwei Werkzeuge, die von der Schwarzen Diaspora in Deutschland häufig zum Einsatz gebracht werden: der Streifzug durch den öffentlichen Raum und die Aktivierung der Imagination. Sie sind an der Schnittstelle von Aktivismus und Kunst zu beleuchten: durch zwei bedeutende Figuren des Kampfs für die Dekolonisierung in Berlin, Marianne Ballé Moudoumbou und Mnyaka Sururu Mboro, sowie durch den Schauspieler und Regisseur von »Vielleicht«, Cédric Djedje.

25.4. / 8.00 pm / In French with German translation

With: Virginie Despentes (writer), German reading with members of the Schaubühne ensemble. Moderation: Elisa Leroy

In the new novel by Virginie Despentes, the stories of three characters collide after an Instagram post goes wrong. Rebecca is a famous actor in her fifties who comes from the same suburb as Oscar, a writer who has accusations of abuse hanging over him and who is suffering from writer’s block. Zoé, the third of the trio, left her job as a press secretary after having been assaulted by Oscar to become a feminist social media activist. In a type of epistolary novel for the 21st century, the three protagonists go on a digital tour de force through social debates and conflicts: #MeToo, drugs, abuse of power and feminism all play a part. In the end, Despentes’ characters overcome their anger, frustration, neuroses and loneliness and discover the value of friendship.

Virginie Despentes is a pugnacious voice and one of the most important figures in contemporary French literature. Thomas Ostermeier staged the first part of her trilogy »The Life of Vernon Subutex« for the Schaubühne in June 2021. As part of the FIND, the author is now presenting her new novel »Dear Asshole« for the first time in Germany at the Schaubühne.

Foto­Dokumentation

Gianmarco Bresadola, der schon viele unserer Inszenierungen fotografiert hat, wird auch das FIND 2023 mit der Kamera begleiten. Die besten Fotos werden regelmäßig auf der Startseite der Website sowie auf unseren Social Media­Kanälen veröffentlicht und laufen als Diashow in den Fenstern des Cafés.

#FIND23

Fotos von Künstler_innen, Produktionen und anderen Fundstücken, Trailer, aktuelle Infos zum FIND und den eingeladenen Künstler_innen veröffentlichen wir auch auf Facebook, Twitter und Instagram unter dem Hashtag #find23. Wir freuen uns auch über Ihre Eindrücke in Form von Kommentaren, Twitter­Kurzkritiken oder Fotos.

/Schaubuehne

@schaubuehne /schaubuehne_berlin /schaubuehne

Kartenverkauf

FIND­Abschlussparty

Panel Talk

Tools of Decolonisation

23.4. / 2.00 pm / In English with simultaneous German translation

With: Marianne Ballé Moudoumbou (interpreter, translator, activist for the Africa Council and ADEFRA), Cédric Djedje (»Vielleicht«), Mnyaka Sururu Mboro (co­founder of Berlin Postkolonial). Moderation: Noémi Michel (researcher, lecturer and co­author of »Vielleicht«)

In early December 2022, two streets in the African Quarter of the Wedding district of Berlin Mitte which had previously honoured colonial criminals were renamed: the street that previously bore the name of Adolf Lüderitz, popularly known as »Lying Fritz« because he robbed the Southwest African Nama of their territory with fraudulent contracts, is now called Cornelius­Fredericks­Straße in recognition of the leader of the Nama uprising against German colonial rule. And Manga­Bell­Platz (Manga­Bell Square), dedicated to the royal Duala couple Emily and Rudolf Manga Bell, is the new name for the previous Nachtigalplatz which referenced Imperial Commissioner Gustav Nachtigal, founder of the German »protectorate« in Togo and Cameroon which was then known as »German West Africa«. These renamings were the culmination of a 40­year campaign by activists in the Afro­German community and African and German civil society organisations. Cédric Djedje’s theatre production »Vielleicht« (Maybe) at this year’s FIND is dedicated to this fight. In thematic connection with »Vielleicht«, this panel discussion aims to reflect on specific strategies of activism and artistic creation that can serve to help decolonise our urban spaces and, moreover, our lives. It will focus on two tools that are often used by the Black Diaspora in Germany: a stroll through public spaces and the activation of the imagination. These two concepts will be explored in a discussion at the intersection between activism and art: on the one hand, by two key figures in the fight to decolonise Berlin, Marianne Ballé Moudoumbou and Mnyaka Sururu Mboro, and on the other, by the actor and director of »Vielleicht«, Cédric Djedje.

FIND Closing Party

Tickets zu allen Veranstaltungen im Rahmen des Festivals können regulär im Vorverkauf ab dem 1. März 2023 in der SchaubühnenApp, an der Kasse, telefonisch oder online im Webshop erworben werden. Die Kasse ist Montag bis Samstag ab 11 Uhr, Sonntag ab 15 Uhr geöffnet. Jeweils eine Stunde vor Beginn eines Stücks können an der Kasse ausschließlich Karten für diese Vorstellung gekauft werden (Abendkasse), es findet in dieser Zeit kein Vorverkauf statt. Im Webshop und in der App sind Karten im Vorverkauf zu jeder Zeit buchbar.

Schaubühne am Lehniner Platz

Kurfürstendamm 153, 10709 Berlin +49 30 890023 ticket@schaubuehne.de www.schaubuehne.de

Anfahrt

Bus: M19 und M29 Haltestelle Lehniner Platz / Schaubühne

U­Bahn: U7 Bahnhof Adenauerplatz

S­Bahn: S3, S5, S7 und S9 Bahnhof Charlottenburg oder S41, S42 und S46 Bahnhof Halensee

Nachtbus: N10 Haltestelle Lehniner Platz/Schaubühne, N7 Haltestelle Adenauerplatz

PKW: Die Schaubühne hat keine eigenen Parkplätze. Parken ist in den Seitenstraßen Cicerostraße oder Albrecht­Achilles­Straße bzw. direkt gegenüber der Schaubühne auf dem Mittelstreifen des Kurfürstendamm möglich. Die Schaubühne verfügt über zwei Parkplätze für Menschen mit physischen Beeinträchtigungen in der Privatstraße. Diese Parkplätze können nur in Verbindung mit Eintrittskarten der Verkaufsarten »Rollstuhl« oder »Ermäßigung Schwerbehindert« gebucht werden. Für die Nutzung ist zudem ein entsprechender Ausweis nötig.

Café

Das Café Schaubühne bietet täglich wechselnde kleine und größere Speisen und Getränke an. Mo – Fr: 10.00 – 0.00 Uhr

Sa + So: 16.00 – 0.00 Uhr

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Photo Documentation

Gianmarco Bresadola, who has photographed many of our productions, will document this year’s festival with his camera. The best photos will be published every day on www.schaubuehne.de as well as on our social media accounts and will also be shown as a slide show in the Schaubühne café.

#FIND23

Photos of artists, productions and other finds, trailers and current information about the FIND and the invited artists will be published on Facebook, Twitter and Instagram, and will be tagged with #find23. We’re looking forward to receiving your impressions as well, in the form of comments, Twitter reviews or photos.

/Schaubuehne @schaubuehne /schaubuehne_berlin /schaubuehne

Tickets

Tickets for all shows can be bought from 1 March 2023 in the Schaubühne­app at the box office, via telephone or online in the webshop. The box office is open from Monday to Saturday from 11.00 am and on Sundays from 3.00 pm. You can get tickets in advance sale until one hour before the beginning of a performance. The evening box office only sells tickets for the show on the respective evening, there is no advance sale. You can purchase tickets in advance sale online and in the app at any time.

Schaubühne am Lehniner Platz

Kurfürstendamm 153, 10709 Berlin +49 30 890023 ticket@schaubuehne.de www.schaubuehne.de

How to get here

Bus: M19 and M29 stop Lehniner Platz / Schaubühne

U­Bahn: U7 stop Adenauerplatz

S­Bahn: S3, S5, S7 and S9 stop Charlottenburg or S41, S42 and S46 stop Halensee

Night Bus: N10 stop Lehniner Platz/Schaubühne, N7 stop Adenauerplatz

Parking: The Schaubühne does not have its own parking facilities. However, it is possible to park in nearby side streets Cicerostraße and Albrecht­Achilles­Straße as well as directly across from the Schaubühne in the central reservation of Kurfürstendamm. In the Privatstraße the Schaubühne offers two parking spaces for people with physical disabilities. These parking spaces can only be booked combined with Wheelchair Tickets or tickets for severely disabled persons. A disabled pass is also required for use.

Café

The Café Schaubühne offers daily changing dishes as well as a range of drinks.

Mon – Fri: 10.00 am – 0.00 am Sat + Sun: 4.00 pm – 0.00 am

Schaubühnen­App

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Impressum / Imprint

Redaktion / Editorial, Gestaltung / Graphic Design: Schaubühne am Lehniner Platz, Gemeinnützige Theaterbetriebs GmbH, Kurfürstendamm 153, 10709 Berlin

61. Spielzeit 2022/23, 61th season 2022/23

Druck / Print: BVZ Berliner Zeitungsdruck GmbH

Medienpartner

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