Portafolio historia del arte

2022-1

SATOMI AKIYAMA WILLIAMS

20210043

FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA CARRERA DE ARQUITECTURA 2022-2

325 AMADA NUÑEZ NORIEGA

PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE

FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA CARRERA DE ARQUITECTURA - ÁREA DE GESTIÓN DE PROYECTOS 2022-2

Sumilla del curso El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

Objetivos del curso 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

5. Objetivos de Desarrollo Sostenible – ODS: - Objetivo 5: Lograr la igualdad entre los géneros y empoderar a todas las mujeres y niñas.

- Objetivo 10: Reducir la desigualdad en y entre los países - Objetivo 11: Lograr que las ciudades sean más inclusivas, seguras, resilientes y sostenibles

•CRITERIOS RIBA DESARROLLADOS EN LA ASIGNATURA: CG-2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG-3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

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SISTEMA DE EVALUACIÓN EC

EC1(50%)

EC2(50%)

SEMANA

PESO

TIPO

CARÁCTER

DESCRIPCIÓN

3

25

investigación

individual/g Dependiendo del avance de los alumnos con respecto rupal al sílabo

CG-2 CG-3

6

25

investigación

individual/g Dependiendo del avance de los alumnos con respecto rupal al sílabo

CG-2 CG-3

8

50

colaborativo

individual/g rupal

CG-2 CG-3

11

50

investigación

individual/g Dependiendo del avance de los alumnos con respecto rupal al sílabo

CG-2 CG-3

16

25

portafolio

individual

Compilación de todos los trabajos realizados durante el curso

CG-2 CG-3

16

25

colaborativo

individual/g rupal

Evaluación continua de participación en todas las clases. La nota se promediará en la semana 8.

CG-2 CG-3

Evaluación continua de participación en todas las clases. La nota se promedia en la semana 8.

OBJETIVO

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contenidos

Arte Rupestre

p.6

Arte Mesopotámico

p.7

Arte Egipcio

p.8- p.9

Arte Romano

p.10- p.12

Arte Bizantino

p.13 - p. 17

Arte Gótico

p.18 - p. 20

Arte Renacentista

p. 21

Arte Barroco

p.22 - p. 25

Trabajo Final

p. 26 - p. 50

CV: Currículum Vitae

p.51

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ARTE RUPESTRE CG2

Un presente al estilo pasado 2022 d.C Me pareció muy interesante como es que mediante el estilo artístico que se llevó a cabo en la“Cuna de la Civilización” como lo es Mesopotamia he podido plasmar mi realidad personal. Decidí que los elementos que componen mi pintura rupestre estén organizados en hileras debido a que me inspiré en el Estandarte de Ur. En ese estandarte se representan las figuras organizadas de esta manera, sin embargo, si observamos la mía agrego un elemento predominante al lado izquierdo que vendría a simbolizar lo mucho que me gustan los amaneceres y anocheceres Un notable contraste entre mi dibujo y las pinturas rupestres antiguas es el hecho de que yo plasmo actividades de ocio o que uno haría en su tiempo libre , mientras que, en la antigüedad representaban guerras, actividades de caza, entre otras que expresan un sentido de supervivencia. Por otro lado, considero que este primer ejercicio me ha llevado a entender mejor la pregunta trabajada en clase ¿Por qué estas personas hacían estas pinturas? ya que en el proceso de creación me di cuenta de las preguntas que yo misma me hacía, lo cual me ha llevado a concluir en que ellos pintaban con el objetivo de plasmar quienes son y qué hacen en su día a día. En mi opinión, esta clase de expresión sigue y seguirá siendo relevante a causa de que nosotros como seres humanos tenemos como naturaleza la necesidad de dejar “marca” o de dejar prueba de lo que somos hoy en día para un futuro y es justamente esto lo que este tipo de arte hace, reflejar lo que eres

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ARTE MESOPOTÁMICO POEMA DE GILGAMESH CG2 ¿Qué busca Gilgamesh en este poema?

En mi opinión Gilgamesh persigue dos objetivos a lo largo del poema. El primero que se vendría a evidenciar en la primera parte es la búsqueda de la gloria lo cual lo lleva a tener aventuras y a usar su poder como rey de Uruk. Sin embargo, luego de la muerte de Enkidu lo invade el miedo a la muerte ya que con el tiempo sería olvidado. La muerte de Enkidu lo afecta de sobremanera debido a que además de haberse vuelto amigos muy cercanos el no podía aceptar que alguien tan fuerte y grande como el había caído en el destino que le asignaron los dioses. Y así es como Gilgamesh pasa de perseguirla gloria a buscar la inmortalidad. En el proceso, habla con Utnapishtim quien al ser el único sobreviviente con su esposa de un gran diluvio tendría en su poder el secreto de la inmortalidad el cual terminó siendo una planta en el fondo del mar. Gilgamesh la consigue, pero cuando una serpiente se lo arrebata tiene que volver a su tierra derrotado, sin embargo, cuando llega la gente lo recibe como un héroe debido a sus hazañas y es así como se da cuenta que ha pasado a ser inmortal de otra manera, de la manera en la que será recordado eternamente por todos. ¿Dónde se desarrolla?

Los hechos se dan en Uruk la cual fue una antigua ciudad de Mesopotamia, actual Irak.

En cuanto al tiempo, está ambientado en los 2500 a 2000 años antes de Cristo. ¿Qué enseñanzas sacamos del poema?

Uno de los mensajes que nos deja el poema es que crear memorias con los demás mientras vives es construir tu inmortalidad y será así como vivirás eternamente en las mentes de los demás. Otra enseñanza es la de aceptar a la muerte como parte del destino que nos espera a todos, por lo que, debemos vivir intensamente y gozar día a día de las pequeñas cosas que nos da la vida. ¿Por qué piensan que ha trascendido tantos siglos y ha influenciado a tantas culturas?

Como ya se había trabajado en el encargo pasado, los humanos tenemos como naturaleza querer “dejar huella”. En este caso, considero que el poema de Gilgamesh ha trascendido a lo largo del tiempo e influenciado culturas ya que alimenta esta necesidad humana. Debido a que, cuando uno se vuelve inmortal en la memoria de las personas no solo deja en ellas recuerdos de risas o tristezas, sino que, persiste a lo largo del tiempo quien fuiste y que hiciste mientras estabas con vida.

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ARTE EGIPCIO

TEMPLO DE KHONSU Y PINTURA MURAL EN TUMBA DE Khnumhotep CG2 - CG3 Me parece que es un templo que evidencia claramente varios elementos de la arquitecturaegipcia ya que el material refleja su creencia de que la piedra era símbolo de eternidad alser un material que resiste el pasar de los años.

En cuanto a los elementos constructivosestos son característicos de un sistema arquitrabado lo que quiere decir que se evidenciatanto en las líneas verticales y horizontales que se presentan. En cuanto a los muros,resalta que son de carácter macizo debido al peso de la cubierta. A su vez, han sido pulidosrecibiendo una textura perfectamente lisa perfecta para hacer en ella algún tipo dedecoración. Por otro lado, el elemento sustentante que más se usó es la columna de tipolotiforme ya que están inspiradas en la forma de una flor ya sea abierta o en un capullocerrado. La base es un disco cerrado y como ya mencioné anteriormente el capitel hacealusión a una figura floral. Estas al igual que los muros son de carácter macizo ya que eltecho tiene un gran peso y esto les permite sostenerlo. Como punto adicional resaltó que lashicieron de ese volumen evidenciando colosalismo para comunicar a otras civilizaciones desu poder. La colocación de estas no ha sido aleatoria, se ubican cerca unas de otras paraasí soportar el peso de la cubierta sin ningún problema. La previamente mencionadacubierta, es de textura lisa y su objetivo es acentuar la volumetría de la estructura exterior.Se cree que habían esculturas, detalles en las columnas, muros interiores, rematesexteriores de muros y cornisas y como ya hemos visto en ocasiones anteriores hubieronpinturas que a juzgar por el tipo de columnas lotiformes que están ahí pudieron haberrepresentado figuras humanas como también algunos vegetales. A su vez estas pinturasbuscan realzar al monarca o plasmar la religión egipcia. Considero importante destacar laproporcionalidad y armonía presente en el templo debido a que lo hace muy agradable a lavista. Esto se muestra en la repetición de ciertas medidas que viéndolo desde el planoadjunto puedes darte cuenta de que desde ambos extremos se ve. La simetría es clara enlas columnas que hay a lo largo de todo el templo. Finalmente hay una no correspondencia

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ARTE EGIPCIO

TEMPLO DE KHONSU Y PINTURA MURAL EN TUMBA DE Khnumhotep CG2 - CG3

Este mural refleja características del estilo egipcio tales como la posición de los ojossiempre frontal al igual que el torso ,al contrario de la cabeza y piernas que siempre van demanera lateral. Otro aspecto que me llama la atención es que todos los personajesilustrados tienen dos pies izquierdos. Por otro lado, se cumplen las reglas dadas por losartistas egipcios como las proporciones humanas y la no expresividad en los rostros de laspersonas. A su vez, se cumple una jerarquía en la que los hombres son representadosmucho más grandes que sus mujeres y criados. Llama la atención cómo están siendorepresentados los peces ya que a pesar de que se entienda que el mural es de forma laterallos peces son pintados como si estuvieran siendo vistos desde arriba, esto se debe a que labelleza no era lo más importante para ellos, sino la perfección y de cumplir con la misión derepresentar todo lo más claramente posible. Finalmente es un mural bastante simétrico yaque se divide en dos donde ambas contrapartes son muy parecidas.

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ARTE ROMANO CG2 - CG3 ¿Qué es un circo romano?

Fueron grandes estructuras destinadas a ofrecer espectáculos a la población con la finalidad de distraerlos y mantenerlos al margen de los problemas del Estado. Dos de las actividades más conocidas que se daban en este lugar eran las carreras de brigas y cuadrigas, las cuales vienen originalmente etruscas pero se incluyen en su cultura. A su vez, se hicieron muy populares debido a la adrenalina que se vivía dentro ,debido a que, con frecuencia los corredores eran esclavos quienes ganando podían conseguir su libertad. ¿Cuál es la materialidad típica de estos?

Para su construcción se usó generalmente la piedra, hormigón y la mampostería . Estos materiales al ser bastante resistentes les permitió evidenciar su colosalismo por lo que estos circos son estructuras bastante grandes e imponentes. ¿Cuáles son los elementos arquitectónicos que conforman a un circo romano típicamente?

Los circos romanos eran recintos alargados con terminaciones curvas , normalmente contaban con una planta de forma rectangular .Sus fachadas eran decoradas con pilastras que eran pilares colocadas sobre los muros para así reforzar la estructura y arcos ciegos los cuales eran un conjunto de arcos superpuestos también sobre un muro que cumplían la función de decoración .Contaba con tres partes principales las cuales eran la Cavea que eran los graderíos donde estaban los espectadores (capacidad de 150000 personas) , la arena la cual era donde se desarrollaban los espectáculos y finalmente la spina que era la que divide la arena longitudinalmente en dos para así poder diferenciar las direcciones de las carreras.

Espacios que conforman a un circo romano: Circo de Valentia Año aproximado de construcción: Data del siglo II, se estima que funcionó hasta la segunda mitad del siglo V. Año(s) de descubrimiento: 1987 - 1995.

Lugar donde se emplaza: España

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ARTE ROMANO CG2 - CG3 Espacios del circo de Valentia

- Porta Pompae: Aquí se encontraban los caballos, puestos de salidas y la entrada delos gladiadores.

- Porta Triumphalis: Por aquí es donde pasaría el vencedor tras ganar el evento.Carceres: Los puestos de salida de los participantes, compartimientos donde los jinetes con sus caballos esperaban que inicie la carrera, normalmente eran doce, distribuyéndose seis a cada lado de la puerta central del cerramiento.

- Tribunal: Aquí estaba el magistrado que controlaba que en la carrera haya un comportamiento correcto por parte de los aurigas y el orden de llegada.

- Gradas: Las gradas estaban preparadas para albergar grandes masas de espectadores y estas estaban separadas de la arena por un foso y se levantaban sobre un podium. Las gradas reposaban sobre los pasillos abovedados que servían de acceso a diferentes zonas a través delas puertas y escaleras.

- Pulvinar: Palco reservado para la familia imperial e invitados - Arena: Espacio dedicado a los espectáculos, en su centro se ubica la spina, divide a la arena en dos, con el fin de diferenciar los sentidos direccionales en la carrera.

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ARTE ROMANO CG2 - CG3 - Spina:Era una construcción rectangular alargada queseparaba en dos la arena del circo.

Sudisposición en la arena no era exactamentecentral, se desviaba ligeramente para la salidade la curva a los concursantes. Se componíade un podium decorado, se podían colocarobeliscos, columnas conmemorativas opedestales con estatuas. Si se dividía o no en tramos dependía de la longitud delcirco en sí, esto para determinar si se celebrarían carreras largas o cortas. En susextremos yacían las metas.- Meta Prima: Una de las dos metas en la arena, esta está usualmente ubicada en lacurva.- Meta Secunda: Otra de las dos metas en la arena, usualmente ubicada en uno delos laterales o frente a la porta pompae

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arte bizantino basílica de santa sofía CG2 - CG3 Antecedentes: La Santa Sofía actual, no es la que fue erigida originalmente. La primera iglesia erigida por Constancio en 360 d.c fue dañada en 404 d.c en los disturbios por el exilio Juan Crisóstomo. Y la iglesia de Teodosio que se volvió a construir en 415 d.c fue destruida en gran parte por los disturbios de Niká en enero de 532 d.c, estos fueron considerados los peores, y pasaron bajo el mandato del emperador Justiniano I. Según la Chronographia Leo Grammaticus, el inicio de obra de Santa Sofía supervisado por Justiniano ya había comenzado el 23 de febrero de532. Explorando un poco porque Santa Sofía de verdad fue una obra arquitectónica vanguardista para su época, los romanos anteriormente ya habían manejado cúpulas como en el panteón romano, mas esa era una cúpula redonda reposando directamente en un barril redondo. Este edificio está haciendo algo muy diferente pues los proyectistas Antemiode Tralles e Isidoro de Mileto, si bien se enfrentaron a varios desafíos conla construcción de Santa Sofía, una de las más grandes fue implementarsobre cuatro grandes pilares de ladrillo sostenidos por gruesos pilares,una cúpula gigantesca de 30 m de diámetro uniendola mediante trompas.Habiendo dicho eso, no cabe duda de que una estructura arquitectónica,que hace lo prácticamente imposible para su época fue el resultado deextensa planificación y diseño antes de iniciar su construcción. Por eso seteoriza que Justiniano ya había contemplado la reconstrucción de laiglesia mucho antes del incendio que la destruyó Evolución histórica: La primera de las iglesias fue construida cerca del palacio del emperador Constancio en 360 d.c llamada “Megálē Ekklēsíā”. Ya en404, esta fue quemada tras los disturbios causados por el exilio de Juan Crisóstomo, provocado por su enfrentamiento en la corte del emperador Arcadio, aunque esta fue destruida en su totalidad, sentó bases paralas futuras reconstrucciones de Santa Sophia

FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA entre el interior y exterior ya que los volúmenes exteriores macizos, lo cual da CARRERA DE ARQUITECTURA - ÁREA DE GESTIÓNson DE PROYECTOS lasensación de un espacio hermético por dentro cuando en realidad la distancia entre 2022-2 losmuros y las columnas dan un espacio grande y fácil de circular en el interior.

arte bizantino basílica de santa sofía CG2 - CG3 Construida por el arquitecto Rufinus, la segunda iglesia fue construida bajo el mandato de Teodosio II, con un techo de madera. Sin embargo por los disturbios de Niká donde no sólo la iglesia fue destruida, empezando por el hipódromo, toda la ciudad fue quemada por cinco días consecutivos.

De está construcción sobreviven unos bloques de mármol.

Los disturbios de Niká: Si explicamos con detalles las razones por las cuales los disturbios de Niká escalaron a gran magnitud nos desviaremos demasiado del tema principal, sólo resaltaremos los hechos más importantes: Los deportes eran una gran parte de la identidad cultural en el imperio bizantino, los fanáticos se dividieron en dos equipos: azul y verde, rápidamente ambos empezaron a discutir sobre disputas ideológicas y políticas fuera del hipódromo.

El emperador justiniano trató de disminuir la influencia política de los verdes y azules, donde sólo triunfó en que se unan contra él y empiezan un disturbio que empezó en el hipódromo, estos fanáticos del deporte salían del hipódromo gritando victoria mientras prendía en fuego toda la ciudad por cinco días consecutivos. “Los cánticos de "¡Nika! ¡Nika! ¡Nika!(victoria) a menudo resonaban en el hipódromo de un equipo contra el otro, pero era bastante atípico que se dirigieran al emperador. ”Justiniano ya consideraba huir, pero su esposa Teodora logró convencerlo "Nunca veré el día en que no sea cuando no sea saludada como una emperatriz.

FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA CARRERA DE ARQUITECTURA - ÁREA DE GESTIÓN DE PROYECTOS 2022-2 entre el interior y exterior ya que los volúmenes exteriores son macizos, lo cual da

arte bizantino basílica de santa sofía CG2 - CG3 Quien nace a la luz del día debe morir tarde o temprano; y ¿Cómo podría un emperador permitirse ser fugitivo? La púrpura real es el sudario más noble" Los disturbios de Niká eventualmente terminaron en una masacre sangrienta en el hipódromo.

Se dice que cuando Justiniano entró por primera vez a Santa Sofía dijo “Salomón, te he superado” Espacios arquitectónicos por medio de una planta y corte y materialidad

La planta se divide en tres naves longitudinales primero está La zona central de la planta se encuentra una gran cúpula semiesférica de 31 m de diámetro y 54 m de altura que se sostiene con ayuda de, 4 arcos de medio punto , 4 pilares y 4 pechinas.

Además para soportar el peso, de la cúpula encontramos dos semicúpulas soportadas por exedras y pilares Después está el tambor en el cual encontramos lo que se conocen como “vanos” que aportan con una gran luminosidad a la estructura .

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arte bizantino basílica de santa sofía CG2 - CG3 Finalmente, las naves laterales presentan dos pisos de arcadas superpuestas, el superior tiene la función de tribuna desde donde los altos cargos podían seguir la liturgia.

La iglesia de santa Sofía fue construida por dos tipos de materiales el primero era el sillar o también conocido como ignimbrita la cual es una roca volcánica la cual tienen un color medio rojizo y por otro lado está el ladrillo Romano ,este se caracteriza por tener dimensiones planas y alargadas y se utilizó con frecuencia durante toda la época romana .

Análisis del revestimiento interior: mosaicos Mosaico de Deësis

Este mosaico se llama “Mosaico de la Deësis” y esta ubicado en las galerías superiores del templo. Es un mosaico que plasma lo que sería el día del juicio final donde la Virgen María ,que se encuentra a la izquierda de Cristo Pantocrator, junto con Juan Bautista ,ubicado a la derecha de Cristo, le imploran a este que interceda por la humanidad.

Debido al tiempo en el cual se creó este mosaico se representan a los 3 únicos personajes del nuevo testamento que son aceptados por el Corán. Por otro lado, considero que este mosaico tuvo y tiene gran reconocimiento e importancia a causa de su cromatismo y gran expresión de las figuras que lo componen.

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arte bizantino basílica de santa sofía CG2 - CG3 Comneno con la Emperatrixz Irene

Este mosaico se llama “Comneno con la Emperatrixz Irene'' y está ubicado en la tribuna sur de la iglesia. El personaje que resalta más es la Virgen María ya que a diferencia del resto de los elementos que conforman la composición ella es de color azul. A su vez, se observa a cristo en sus brazos que al tener de fondo un color oscuro da la sensación de luz. Este mosaico coincide cronológicamente con la coronación de Juan II y son él y su pareja quienes acompañan a la virgen por ambos lados.

Pantocrator del Endonartex

Este mosaico se llama ”Pantocrator del Endonartex” y se ubica en el tímpano de la entrada principal de la iglesia. Un mosaico de colores dorado, azul marino y que contiene a su vez tonos de blanco y verde por partes. Se puede observar como el personaje principal en este mosaico es Cristo Pantocrator quien está sentado en una silla bastante grande lo cual da la sensación de grandeza y/o superioridad. A su vez, se observa como está elevando su mano derecha lo cual significa que se encuentra bendiciendo al emperador que se encuentra inclinado a la izquierda de la composición.

Se cree que se podría tratar de Constantino VII. Pasando a los dos círculos que se encuentran a su izquierda y derecha puedo decir que se trata de unos medallones que vendrían a simbolizar a la Virgen María y al arcángel San Gabriel respectivamente.

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arte gótico análisis de dos obras pictóricas CG2 - CG3 En el siguiente texto se realizará una comparación entre dos obras pertenecientes al estilo gótico. La primera obra se llama “La Anunciación” y fue pintada en el año 1333 por Simone Martini quien pertenece a la escuela de Siena. La segunda se titula de igual manera “La Anunciación” y fue pintada en el año 1434 por Jan Van Eyck quien es un primitivo flamenco. Ambas obras tienen como soporte tablas de madera,se rompe el hieratismo planteado años anteriores, todavía los personajes no cuentan con proporciones humanas muy adecuadas y tienen como tema principal el religioso.

Una primera diferencia entre ambas obras sería la técnica que se utilizó ya que Simone Martini empleó los frescos, mientras que, Jan Van Eyck usó una técnica mixta que consiste en la introducción de nuevos secantes brindándole así a la pintura colores más brillantes, una mayor solidez e impermeabilidad al agua. Destaco esta mejora que él llevó a cabo ya que esta misma produce un secado más lento del óleo que les permitió a los artistas corregir detalles y crear obras mucho más sofisticadas.

En cuanto al análisis estético, en la obra de Martini destaca el uso del dorado que simboliza lo divino ,mientras que, en la otra obra destacan los colores rojo y azul usados para los ropajes de la Virgen y el ángel Gabriel. Continuando con este análisis estético, identifico que en la primera se hace un estudio de la luz bastante simple donde esta ingresa de manera lateral por el extremo izquierdo de la composición. A diferencia de la obra de la escuela flamenca la cual presenta contrastes de luz y sombra mucho más elaborados dando así una sensación de realismo mucho más elevada. Observando a la Virgen Maria en ambas pinturas es evidente el progreso en las técnicas que se tienen en una y en otra ya que mientras que en la de Simone Martini el ropaje de esta se presenta como un manto color azul oscuro, Jan Van Eyck representa múltiples pliegues en su vestidura para lo cual hizo un estudio de la luz que tanto lo caracteriza. Considero que Martini se enfocó en cuidar los detalles de las hojas de las plantas que se presentan tanto en la cabeza del ángel Gabriel como frente a él. Van Eyck tuvo un nivel de detalle mucho mayor por lo que podemos ver texturas tanto de la ropa, cabello, materiales de la arquitectura que se presenta y hasta de los muebles como por ejemplo el banco color rojo. Sin duda alguna, una de las cosas más impresionantes de esta obra es el ángel, quien presenta en su vestidura múltiples bordados perfectamente detallados que le dan grandiosidad a la escena completa.

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arte gótico análisis de dos obras pictóricas CG2 - CG3 Un rasgo interesante de la obra de Martini son las molduras circulares ubicadas entre las columnas que representan a diferentes profetas como lo son Jeremías, Ezequiel, Isaías y Daniel. Pasando a la obra de la escuela flamenca, el foco de luz principal se da en la ventana izquierda y es esta misma la que presenta rayos de luz que dan hacia la escena principal por lo cual interpreto que simboliza la presencia de Dios. Otro aspecto interesante se da en la vidriera que se encuentra en la parte de atrás, la cual tiene la forma de Cristo.

Pasando al uso de la perspectiva, esta no se dió de manera perfecta en ninguno de las dos obras. En el caso de la primera se evidencia un intento de generar tridimensionalidad en el recipiente con la planta que se encuentra al centro ya que se ubica en un plano más atrás del de los personajes. En cuanto a la segunda obra, aquí la tridimensionalidad es mucho mayor debido a la sombras y manejo de elementos arquitectónicos. Según A.Cerra en esta segunda obra se “Ensaya una perspectiva lineal mediante el llamado sistema de punto de distancia” por lo que esta se enfatiza en la parte central de la composición donde se da el encuentro de dos lados del ambiente donde se encuentran y se generan dos planos que van distribuyendo columnas y ventanas hacia los extremos.

Pasando al análisis compositivo, Martini distribuyó su obra en tres espacios delimitados por delgadas columnas. En los dos espacios exteriores se encuentran los dos santos protectores de la ciudad, mientras que, en el centro y espacio más grande se encuentra la Virgen con el ángel Gabriel quien le está dando la noticia que dará a luz al hijo de Dios.Ahí se evidencia una interacción entre ellos, cosa que no se ve en los dos personajes exteriores quienes no parecen tener movimiento alguno. Lo más destacado de esta obra es la posición en la que se presenta a Maria ya que comúnmente esta estaría de manera frontal pero en este caso se le ve de manera casi de perfil y se tiene una silueta con mucho más movimiento tanto en manos, torso y cabeza. Van Eyck distribuye elementos lineales en la parte posterior como lo son las columnas y ventanas, a diferencia, de lo que se muestra en el primer plano de la composición que es una sinuosidad representada en el movimiento que se da en la interacción de los personajes generando curvas.

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arte gótico análisis de dos obras pictóricas CG2 - CG3 Analizando más este diálogo que se da, enfatizo cómo los gestos que se muestran evidencian lo feliz que se encuentran ambos por la noticia. Otro aspecto peculiar es que normalmente los ángeles se representan de manera bidimensional pero este parece ser un caso excepcional ya que el ángel Gabriel está a la misma escala que Maria y tiene voluminosidad.

Considero que ambas obras tratan el mismo tema, sin embargo, lo hacen de manera distinta desde un punto de vista artístico ya que solo basándonos en los gestos faciales de la obra de la escuela de Siena se siente un diálogo mucho más frío y sereno, a diferencia, de lo que ocurre en la otra que se ve algo mucho más feliz y ameno. En ambas obras los personajes principales son ubicados en la parte central de la composición y coincidentemente Maria lleva vestiduras color azul en ambas. En el caso del ángel Gabriel esto último varía de color blanco a un rojo intenso.

En conclusión, ambas obras logran transmitir las características del arte gótico con éxito como lo es el hecho de que se traten temas religiosos, se logre un mayor naturalismo y realismo con respecto a estilos anteriores y que los rostros muestren más emociones o se presente una mayor interacción. Además, considero que me ha permitido entender el arte gótico en su totalidad debido a la brecha de tiempo presente entre ambas obras, esta brecha me permite analizar algo que se dio en un inicio junto con otra obra que presenta técnicas más avanzadas y perfeccionadas.

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cómic del renacimiento

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CG2 - CG3

arte barroco

marco histórico y análisis de una obra CG2 - CG3 En mi opinión la corriente artística del barroco nace a partir de una coyuntura bastante complicada y agitada. Dentro de la coyuntura que se vivía en esos años destaca como hecho histórico más influyente la guerra de los treinta años que fue un conflicto que se dio entre las principales potencias europeas. Durante el transcurso de esta, se dio la peste que trajo mucha enfermedad y muerte, a estas muertes se le agregan las que se daban en la guerra por lo que los decesos tuvieron un incremento masivo. Otro hecho importante que se dio consecuencia de este conflicto es la emigración a América, ya que, muchas personas al ver el estado en el que se encontraban las cosas deciden huir por una vida mejor y con mayor tranquilidad. Esta guerra culmina con la paz de Westfalia donde Francia supera su rivalidad con los germanos y españoles, con respecto a estos últimos cabe mencionar que es en este momento donde se da el fin de su supremacía.

Sin embargo, aquí no acaba la mala racha de Europa, debido a que, se da una bancarrota entre las potencias que estuvieron implicadas en la guerra lo cual trajo consigo mucha pobreza, una gran hambruna y descontento popular.

Entre los movimientos previos al barroco se encuentra el arte renacentista el cual en mi opinión es muy interesante ya que perfecciona las representaciones mediante diferentes estudios que se hicieron. Considero que podría establecer una diferencia entre ambos movimientos partiendo de esta idea ya que el arte barroco está destinado a emocionar al espectador y no tanto a su razón, mientras que, el renacentista considera el arte como una forma de conocimiento y es por eso que mediante su arte se hicieron diversos estudios como por ejemplo el estudio de las proporciones de la figura humana. Ambas nacieron en Italia y tocan temas religiosos por lo que se pueden ver escenas de la biblia en las cuales se observan repetitivamente personajes como la virgen maria, jesús y san juan bautista sobre todo. Dentro del tema que ambas corrientes artísticas representan se puede establecer una ligera diferencia y es que el barroco pintaba cosas netamente religiosas ya que estaba muy enfocado en contradecir todo lo que decía Martin Lutero, un protestante. Por otro lado, el renacimiento incluía temas mitológicos e históricos de lo cual resalto el hecho de cómo solían representar escenas que sucedieron en siglos pasados donde los personajes están vestidos como se solía hacer en la época donde vive el autor. Otra semejanza que se puede establecer es que ambos tipos de arte están destinados a todos, el barroco por su lado con la finalidad de emocionar la devoción de la mayor cantidad de fieles posible y el renacimiento buscando uniformar su estilo.

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arte barroco

marco histórico y análisis de una obra CG2 - CG3 Este último en una menor cantidad se vió destinado a un sector socioeconómico específico y es por eso que se originó el género denominado retrato pictórico donde se representaron a personajes importantes. Opino que la gran diferencia se da en la forma en la que observan el mundo y lo que buscan plasmar. Por un lado, está el barroco el cual al nacer de un contexto bastante fatigado observa el mundo y lo plasma con bastante movimiento y agitado. Para lograr eso usa líneas curvas sobre las rectas y se genera un gusto común por la ornamentación excesiva. Por otro lado, se tiene el renacimiento el cual busca plasmar un mundo donde predomina el equilibrio, la simetría y proporción ,por lo que, esta corriente logra algo mucho más estético y que agrada al ojo desde un primer momento. A su vez, tanto el barroco como el renacimiento fueron siempre muy cuidadosos con los detalles de las diferentes obras que se dieron a lo largo de la época.

Volviendo a la idea de que los artistas renacentistas hicieron varios estudios partiendo del arte, destaco los estudios de luz y sombra que se hicieron ya que les permitió conseguir un nivel de realismo muy alto que asombró a todas las personas de ese tiempo. Propongo como ejemplo de esto la obra titulada La Gioconda que fue pintada por el conocido Leonardo Da Vinci, quien aquí aplicó el sfumato, técnica que al evitar los bordes definidos le permitió representar una mayor profundidad en el fondo y un gesto en el rostro de la protagonista que da una sensación de vida. El barroco buscaba el realismo por lo que emplear contrastes de luz y sombra les resultó indispensable pero una peculiaridad de ellos es que exageran su uso generando así un gran dramatismo.

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arte barroco

marco histórico y análisis de una obra CG2 - CG3 La obra titulada la incredulidad de Santo Tomás fue pintada por un gran representante del arte barroco como lo fue Caravaggio. Este pintor nació el 9 de septiembre de 1571 en Milán, Italia. Y falleció el 18 de julio de 1610 en Porto Ercole, Italia a sus 39 años de edad. Sus obras pertenecen al género de la pintura religiosa cosa que se evidencia en la obra propuesta, tomándola como ejemplo menciono que en esta pintura se representa una escena de la biblia donde Jesús ya había resucitado, sin embargo, uno de sus discípulos llamado Tomás se rehúsa a creerlo por lo que recurre a colocar su dedo dentro de la herida de su maestro. Esta obra plasma mucho realismo y violentos contrastes de luz y sombra que reflejan el estilo de Caravaggio. Considero que eso es consecuencia de diferentes hechos de su vida donde fue protagonista de peleas o denuncias.

Como descripción se puede mencionar que se usó la técnica de pintura al óleo. A su vez, es evidente como el artista toca un tema netamente religioso como lo es esta revelación de la resurrección de Cristo. En cuanto a los elementos formales, la composición está conformada por varias líneas inclinadas a un punto, estas lineas curvas se dan por la inclinación de los personas que observan la herida del pecho de Jesús en la cual santo tomás está metiendo su dedo al no poder creer que este haya resucitado. A continuación, son evidentes los contrastes de luz y sombra que se proponen, cosa que termina ocasionando un indiscutible dramatismo. Siguiendo con el color, predominan los cremas y rojos. Algo bastante impactante es el color negro que se coloca de fondo ya que genera un gran tenebrismo o caravaggismo. En mi opinión, la perspectiva se da en la correcta representación de los personajes más lejanos con respecto a los que se encuentran en un primer plano ya que unos están detrás de otros.

Son llamativos los detalles en las vestiduras sobre todo en las de Jesús y las expresiones faciales que se le dan a los personajes, los rostros evidencian un gran sentimiento de sorpresa cosa que termina por impactar al espectador y es por esto que esta obra resulta tan fascinante.

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arte barroco

marco histórico y análisis de una obra CG2 - CG3 En conclusión, esta obra tuvo como función principal enfrentarse a los protestantes, quienes pensaban que no se veneraban a vírgenes o santos por ejemplo. Como ya se mencionó al inicio del análisis, tiene un contenido religioso mediante el cual el artista busca emocionar la devoción de los devotos y hacer un llamado a que más gente siga su religión. Considero que se evidencian muchos elementos característicos del barroco como lo son los contrastes de luz y sombras, dramatismo, uso de líneas curvas sobre rectas, búsqueda de la emoción y el hecho que un tema muy importante es el religioso.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 RESUMEN En esta monografía se quiere mostrar las diversas obras donde están representadas las mujeres a lo largo de la historia, de tal manera que podamos analizarlas según su estética, su técnica empleada, características de la época, entre otras; para poder compararlas entre ellas. Posteriormente, se establecieron criterios, los cuales son los responsables de un cambio en la visión de la mujer y su representación pictórica, como también en esculturas.

Palabras clave: Mujer, colores, estético, composición, luz, sombras, perspectiva, detalles, movimiento, gestos y distribución

INTRODUCCIÓN A lo largo de la historia, el arte ha plasmado las visiones del mundo concebidas por los individuos. Dentro de esta visión del mundo, el siguiente análisis se enfocará en la concepción de la imagen de la mujer a lo largo del tiempo y de cómo ha evolucionado junto a su representación artística. Para cumplir con los objetivos se eligieron 10 obras que representen esta evolución, las cuales son: Judith y Holofernes, La virgen y el niño, La dama del unicornio, El columpio, Mujeres de Argel en su apartamento, Mujer con sombrilla, Mujeres de Argel (versión cubista), Retrato de Safo (la poetisa de Pompeya), Escultura de busto de Nefertiti y Venus de Milo.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 CAPÍTULO I La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis general de 10 obras pictóricas y/o escultóricas 1. Judith y Holofernes El barroco es una corriente que se desarrolló a lo largo de una época muy complicada y turbulenta. Dentro de los hechos que se dieron durante ese periodo de tiempo, destaca el protagonismo de la guerra de los 30 años. Esta guerra trajo consigo mucha muerte, fue el motor que impulsó la migración a América, causó mucha hambruna y descontento popular. A todo esto se le suma la llegada de la peste, que trajo consigo muchos más decesos, por lo que la población Europea se sentía desesperada y desolada. Finalizando con la parte histórica, lo cual es importante mencionar debido al hecho de que en este movimiento los artistas estaban enfocados en plasmar escenas de origen religioso, ya que se contraponen a todo lo que proclama Martin Lutero, un protestante. Como consecuencia de todo eso, se genera una corriente llena de dramatismo, mucha ornamentación, un gran movimiento, destacado cuidado por los detalles y mucha emotividad por mencionar algunos rasgos predominantes.

En este caso, el autor elegido para representar a la corriente artística del barroco es Caravaggio, un pintor de origen Italiano. Este pintor se caracteriza por sus obras que transmiten una gran sensación de tenebrismo y dramatismo. Su obra titulada la “Judith y Holofernes” fue pintada en el año 1599, se usó la técnica del óleo y tiene unas dimensiones de 195 cm x 145 m.

Judit y Holofernes. (2021, 29 septiembre). Wikiart.com. Recuperado 6 de julio de 2022, de https://www.wikiart.org/es/caravaggio/judit-y-holofernes-1599

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Esta pintura retrata una escena de inspiración bíblica en la cual Judith, una joven y bella judía, decapita a Holofernes luego de haberla seducido en menos de una noche. Hay solo tres personajes en esta obra: Judith, Holofernes y un personaje que se encuentra observando el asesinato. Una de las razones por la cual esta obra tuvo fama fue por la mirada dura y fría de este tercer personaje, ya que en vez de mostrarse aterrado refleja cierta curiosidad por lo que está pasando frente a él. El personaje que recibe una mayor cantidad de luz es Judith, este personaje no fue retratado buscando una belleza ideal, sino que está vestida según la época, con vestiduras hasta se podría decir propias de una prostituta y a quien se le otorgó una mirada serena.

Respecto a los colores, que utilizó para componer la escena, en este caso se hace evidente el uso del color negro para generar contrastes muy bruscos de luz y sombra, transmitiendo mediante esta herramienta lo que se denomina el “caravaggismo”. En menor medida se usan colores como el rojo que se observa en la tela que se muestra en la parte superior y en la sangre de Holofernes, el blanco en la ropa de Judith, junto con un marrón claro que también se encuentra en la ropa del personaje que está espectando. El juego de luz y sombras es predominante siendo la herramienta principal del pintor para transmitir ese terror que busca mediante un fondo oscuro con sombras que acapara casi toda la totalidad de las figuras humanas. Otra característica del barroco que se evidencia, es el gran nivel de detalle, esto se puede observar en los diferentes doblajes en las telas que tienen los personajes. Por ejemplo, tan solo mirando los detalles en las vestiduras de Judith, sobre todo en sus mangas, se podrá reconocer las zonas donde se ha remangado. A su vez, al acercarse se logra ver un gran cuidado en la representación de los cabellos y barba como el de Holofernes. Además, hay un gran detalle en los gestos, debido a que se buscaba generar una imagen que represente sensaciones muy fuertes. Respecto a la perspectiva, esta se da en la medida en la que el cuerpo de Holofernes está más cerca o lejos, ya que las proporciones de Judith y el otro personaje están casi en la misma escala.

La composición evidencia como el barroco busca “llenar” el espacio. En este caso no hay mucha ornamentación o adornos , sin embargo, los personajes son bastante grandes y de cierta forma logran “saturar” el espacio.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 A su vez, los movimientos de estos generan una composición bastante movida, llena de líneas diagonales hacia la derecha, a excepción del personaje expectante que al tener curiosidad por lo que sucede se encuentra levemente inclinado hacia la izquierda. Sin embargo, la predominancia de las líneas diagonales hacia la derecha enfatizan la sensación de que Judith está jalando la cabeza de Holofernes y como él es arrastrado mientras lucha contra esta fuerza. En cuanto a la distribución, la composición se divide en dos: el lado de Holofernes, que es la víctima, y el lado dónde está Judith, el espectador, quiénes son los responsables de su muerte. El gesto de Judith es bastante sereno y demuestra seguridad, mientras que, el de Holoferne refleja miedo y desesperación. Además, el rostro del personaje ubicado a la derecha de Judith muestra una extraña curiosidad al asesinato, reflejando explícitamente así el estilo tenebroso de Caravaggio, quien al sumarle a esto su dominio del claroscuro logra impactar a todas las personas.

1.2 La virgen y el niño Por otra parte, el arte gótico se desarrolló en una época de cambios políticos donde aparecieron los parlamentos, cambios religiosos como lo es la expansión de la religión cristiana y otros como el desarrollo de las ciudades, que cambió drásticamente el modo de vida que se llevaba hasta ese entonces. Sin embargo, lo más resaltante son los cambios socioculturales que se dan , debido a que, significan la aparición de las primeras universidades, la Orden del Cister y la aparición de una clase burguesa, como también una expansión de artesanos y comerciantes. La expansión cristiana es de relevancia debido a que delimita una característica importante de la corriente, como lo es el hecho de que se toquen temas religiosos en las obras. Este periodo de tiempo se dividió en dos etapas, donde la segunda representa una crisis y es por eso que una de sus características principales de este movimiento artístico fue romper el hieratismo planteado anteriormente y se empezaron a ver emociones. Los artistas lograron plasmar un mayor naturalismo y realismo mediante diferentes herramientas como la perspectiva. Además, aparecieron los retablos que le dieron movilidad a las obras y se emplearon cuatro técnicas principales: frescos, manuscritos, vidrieras y la pintura.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Simone Martini, de origen italiano, fue el segundo gran pintor de la escuela Sienesa. Se propone como ejemplo su obra titulada “La virgen y el niño” pintada en 1315 y actualmente ubicada en la Pinacoteca Nacional de Siena. Martini usó una técnica de témpera sobre madera. En un primer momento, esta pintura formaba parte de un retablo junto con otras obras, sin embargo, ahora que se muestra de manera individual tiene unas dimensiones de 88 cm x 57 cm. Esta obra representa una escena religiosa en la cual María carga en brazos a Jesús.

Virgen con el Niño. (s. f.). arte historia. Recuperado 6 de julio de 2022, de https://www.artehistoria.com/es/obra/virgen-con-el-ni%C3%B1o-31

En cuanto al análisis estético, destaca el uso de dorado, rojo, negro y en menor medida el naranja. Los colores como el dorado y rojo son representados de una manera viva y saturada. Las sombras las podemos observar bajo los rostros de los personajes y en los dobleces de la tela. Además, esto me permite comprender que la luz cruza la escena de izquierda a derecha. La perspectiva todavía no se da en este cuadro y las proporciones humanas todavía no llegan a ser las ideales, pero cabe mencionarlas porque son parte de la búsqueda del realismo que tanto esperaban lograr. Los rostros se ven “extraños” y da la sensación que la posición de los ojos o proporción de la nariz no es la adecuada.

Algo muy interesante que se da en la escena es el contacto directo que tiene el niño con la Virgen, quien lo está cargando en sus brazos , mientras, Jesús agarra y se cubre parcialmente con una de las telas de su ropaje. Por otro lado, se empezaron a dibujar dobleces en las telas, permitiendo así una mayor comprensión de las figuras humanas sobre y bajo la tela.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 La figura de Maria no demuestra haber estado basada en la belleza “ideal” debido a los desperfectos estéticos mencionados anteriormente. A este personaje se le da una mirada serena y calmada.

A nivel compositivo, es válido afirmar que esta se da en un único primer plano donde se ubican ambos personajes. Aquí Martini planteó líneas verticales mediante la posición Maria y Jesús, pero también logró cierta naturalidad al colocar a la virgen ligeramente inclinada hacia la derecha y al colocar una pierna de Jesús doblada. Para finalizar, enfatizó como las miradas van hacia afuera de la pintura pero en diferentes direcciones.

1.3 La dama del unicornio El renacimiento es producto de un cambio en la mentalidad de Europa, donde se deja de ver todo bajo una perspectiva teocéntrica donde lo que predomina es la religión y se pasa a una visión antropocéntrica del mundo, donde el hombre pasa a ser la medida de todas las cosas. Es por esto que el realismo que se usa busca exaltar la belleza humana.

También se trabajó más en la perspectiva para así conseguir una mejor profundidad, se da una admiración por lo clásico greco-romano y se tocan temas religiosos mitológicos, la naturaleza y formas clásicas.

Rafael Sanzio, de origen italiano, fue un arquitecto y pintor del renacimiento. Este, a pesar de haber fallecido muy joven, dejó muchas obras, dentro de las cuales destaca la que se titula “La dama del unicornio” pintada en 1506. Esta obra es un óleo que presenta unas dimensiones de 67 cm x 53 cm y actualmente está en la Galería Borghese en Roma. Se trata de un retrato donde se presenta a una mujer que hasta la fecha no ha sido identificada. Esta obra es especial porque vendría a ser un homenaje a Leonardo Da Vinci por la pose de la mujer y su posición a tres cuartos. Es muy llamativa la presencia del unicornio en los brazos de la mujer, ya que vendría a ser un animal fantástico.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3

Carnota, C. (2019, 1 septiembre). La dama del unicornio. historia-arte.com. Recuperado 6 de julio de 2022, de https://historia-arte.com/obras/la-dama-delunicornio

Respecto a lo estético, se puede mencionar el uso del negro, verde, rojo, celeste y un color crema bastante claro para la piel. El retrato se da en un área bastante libre e iluminada donde en se puede observar como fondo un bellísimo paisaje de montañas. La arquitectura está presente en las dos columnas que dividen el espacio donde está la dama del exterior. Identificó que la luz cruza de izquierda a derecha, generando así sombras, sobre todo bajo la cabeza y brazos de la dama, con una orientación hacia la derecha. En este caso, se grafica a la mujer con más estética que en otras pinturas, ya que se guardan ciertas proporciones faciales. Se le muestra cómo una mujer esbelta que usa un vestido verde y adornada con un gran collar rojo que combina con un manto grande del mismo color que también lleva puesto y las pinceladas que se le dan para representar su piel se dieron de tal forma que esta parezca completamente lisa y sin imperfecciones. Además, Sanzio tuvo mucho cuidado al representar los detalles de sus cabellos, los cuales se muestran ordenadamente peinados y ondulados hacia atrás.

Finalmente, identificó que el unicornio que carga entre sus brazos simboliza castidad.

Pasando al aspecto compositivo se puede decir que la distribución está dada en un solo primer plano donde se encuentra la dama como personaje protagonista. La composición tiene una única línea vertical generada por la mujer que además se encuentra centrada.

Destacó la habilidad de Rafael para dibujar gestos, ya que aunque sea uno sereno, logra emitir una sensación de tranquilidad y pasividad.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 1.4 El Columpio La obra titulada “El Columpio” fue realizada por el famoso pintor Jean Honoré Fragonard en el año 1767. Sus dimensiones son 81 cm de alto y 64 cm de ancho y utiliza la técnica óleo sobre lienzo. Actualmente, se encuentra en la Colección Wallace (Londres).

Esta obra es una de las más representativas del estilo rococó, el cual se expandió por toda Europa, teniendo su mayor apogeo en Francia, justo antes de la revolución francesa, a finales del siglo XVII, entre los años 1730 y 1760. Este periodo se caracterizó por representar la cotidianidad de los nobles burgueses, a su vez mostrando de manera muy idealizada la belleza y sus vidas.

Fragonard, J. (1767). El Columpio [óleo sobre lienzo]. Colección Wallace (Londres)

Esta obra fue un encargo del Barón Luis - Guiallaume de Saint - Jullen. Pidió que se pintara a su joven amante balanceándose en un columpio, mientras en una esquina se encontraba un obispo empujándola y al otro, a él mismo echado en el jardín.

Originalmente, se buscó al pintor Gabriel Doyen, sin embargo, este lo rechazó porque creía que era indecente y frívolo. Así que le recomendó a Fragonad que ya tenía experiencia en tratar temas libertinos en obras pasadas.

La escena se concentra en los jardines de la burguesía francesa observando un fondo con abundante naturaleza. En el centro de la composición de la pintura, encontramos a una joven dama vestida con finos ropajes propios de la nobleza francesa de la época.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Ella está balanceándose en un columpio de terciopelo rojo, mientras en la derecha inferior encontramos entre las sombras a un hombre mayor, quien vendría ser su marido, empujándola; y en el extremo inferior izquierdo, a un joven de aproximadamente la edad de la dama, echado en una posición en la que puede observar por el interior del vestido de ella. Presenta una composición piramidal que revela el triángulo amoroso formado por los protagonistas.

Además, presenta cierto dinamismo al tener un peso en los ejes diagonales. La luz ingresa por la diagonal superior derecha, y en la izquierda se encuentran las cuerdas del columpio, ambas dirigiendo la mirada del espectador al centro de la composición. Utiliza una gama de color pastel característica del rococó, ya que como se mencionó antes, representa la belleza idealizada de la burguesía.

En el lado derecho se encuentra una estatua de cupido que está mirando en la dirección de la dama y su marido haciendo una señal de silencio, con la cual invita al espectador a ser cómplice de la escena.

La pintura trata temas libertinos como la infidelidad y la picardía.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 1.5 Mujeres de Argel en su apartamento La obra titulada “Mujeres de Argel” fue realizada por el famoso pintor Eugène Delacroix en el año 1834. Sus dimensiones son 180 cm de alto y 229 cm de ancho y emplea la técnica óleo sobre lienzo. Actualmente, se encuentra en el museo del Louvre en París.

Esta obra pertenece a la corriente del romanticismo, la cual nace en contraste con el Neoclasicismo y se extendió por diversas partes de Europa entre finales del siglo XVIII y mediados del siglo XIX. El romanticismo tiene como fundamento principal a la libertad, la expresión y la originalidad, rompiendo con las reglas impuestas por el arte clásico. En este periodo se reivindica al individuo, mostrando a las personas siendo personas guiadas por sus sentimientos. Se empezaron a dar representación de mujeres, niños y al pueblo para describir a la sociedad.

Delacroix, E. (1834). Mujeres de Argel en su apartamento [óleo sobre lienzo]. Museo del Louvre (París)

El cuadro fue comprado por el estado de Luis Felipe para el Museo Louvre y expuesto en el Salón en 1834. En 1832, Delacroix, en su viaje a Argelia, visitó uno de los harenes de la ciudad y quedó encantado por el lugar tanto por las luces y los colores, por esta razón tomó apuntes rápidos para luego plasmarlo todo en una obra de mayor dimensión.

La obra cuenta como escenario un harén en el que se encuentran cuatro personajes.

Tres mujeres sentadas vestidas con lindos ropajes y joyas. Una de ellas se encuentra aislada en la parte inferior izquierda, mientras que las otras dos están en el centro de la composición, manteniendo una conversación.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Además, en la parte derecha se encuentra una mujer negra, probablemente una sirvienta del Harén, la cual está saliendo de la composición y a su vez volteándose a sus demás compañeras despidiéndose. La composición del cuadro revela serenidad y cierta melancolía debido a sus posturas y la expresión de sus rostros

La luz ingresa de forma lateral desde la parte superior izquierda de la pintura. Delacroix había quedado fascinado con la luz de África que decidió plasmarlo en varias de sus obras, de esta manera resaltó ciertos tonos bronceados los cuales hicieron a la obra un aspecto exótico.

1.6 Mujer con Sombrilla La obra titulada “Mujer con la sombrilla” fue realizada por el famoso pintor Claude Monet el año 1875. Sus dimensiones son 100 cm de alto y 81 cm de ancho y utiliza la técnica óleo sobre lienzo. Actualmente, se encuentra en el National Gallery of Art, Washington.

Esta obra pertenece a la corriente del impresionismo. Este movimiento artístico nace en Francia en la segunda mitad del siglo XIX.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Básicamente, los impresionistas buscaban plasmar las cosas no como realmente eran, sino que le daban mayor importancia a representar lo que ellos veían, dando bastante énfasis a la iluminación, eliminando las líneas, empleando pinceladas rápidas y una gama más amplia de tonos y colores. Esta fue una técnica innovadora y muy cuestionada en un contexto en el que las características del arte neoclásico eran consideradas lo mejor

Monet, C. (1875). Mujer con sombrilla [óleo sobre lienzo]. National Gallery of Art, Washington

En el cuadro podemos observar a Camille, la esposa de Monet, luciendo un hermoso vestido y en su mano sosteniendo una sombrilla junto a su hijo Jean en medio de la naturaleza. Monet decide pintar desde una perspectiva baja que hace que la composición se divida en ⅔ de cielo y ⅓ de tierra, además que gracias a la perspectiva, Camille también luce bastante imponente y abarca gran parte del cuadro. Sin embargo, Monet logra mantener el equilibrio en ambas partes gracias a los colores que utilizó. En la parte superior, a pesar de que el cielo tiene bastante peso dentro de la composición, se logra un equilibrio agregando prácticamente el mismo color al vestido de Camille.

Además, se empleó el mismo color que el del césped para la sombrilla, creando así armonía entre todos los elementos y ayudando al espectador a mirar a cada punto del cuadro. Se encuentran algunas formas en la composición, Camille, con su sombra incluida, forman un triángulo; el hijo Jean forma un rectángulo y la sombrilla y una especie de óvalo.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3

Es un cuadro con bastante movimiento hecho con tanto detalle que da la ilusión de ser una foto instantánea. Se muestra el movimiento de viento en las nubes, en el vestido de Camille y en el velo transparente sobre su rostro. Presenta iluminación natural. El sol no es parte de la composición, pero se puede deducir que la luz llega de manera directa desde la esquina superior del lienzo gracias a la sombra de Camille, que se ve proyectada de manera diagonal en esa dirección.

1.7 Mujeres de Argel (Versión Cubista) La obra titulada “Mujeres de Argel” fue realizada por el famoso pintor Picasso el año 1955. Sus dimensiones son 114 cm de alto y 146.4 cm de ancho y utiliza la técnica óleo sobre lienzo. Fue comprada en el 2015 por 179,4 millones de dólares.

Esta es una pintura vanguardista perteneciente al Cubismo, el cual se inició en 1907 en París, siendo uno de los Ismos más famosos. Este movimiento rompe una vez más lo tradicional, dando un nuevo enfoque a la pintura.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Se basa principalmente en recoger diversas perspectivas de las cosas y plasma diferentes puntos de vista, por ejemplo, de frente o de perfil, todo en un mismo plano. En un contexto donde con la invención de la fotografía se podía capturar momentos con una precisión nunca antes vista, los artistas buscaron una nueva forma única de expresión artística.

Picasso, P. (1955). Mujeres de Argel [óleo sobre lienzo]. Colección Particular

Esta obra nace como un homenaje de Picasso al pintor Matisse después de su muerte y es el último de 15 cuadros inspirados en la obra “Las mujeres de Argel en su apartamento” del pintor francés Eugène Delacroix, ya que según Picasso una de las mujeres pintadas en ese cuadro se parecía mucho a su compañera Jacqueline Roque.

Según el Historiador del Arte, Miguel Calvo Santos (2020) Picasso con esta pintura mezcla diferentes estilos, incluyendo el de él mismo, para obtener una pintura llena de ornamentos y arabescos, en especial una explosión de color. La composición en general se acerca bastante a la de la obra original de Delacroix. Si bien en las primeras versiones se mantenía esta sensación de serenidad en la composición, en esta última rompe totalmente con eso, plasmando a las mujeres desnudas o mostrando sus pechos y caderas redondas, exhibiendo sus cuerpos al espectador.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Se puede observar en el extremo de la izquierda a una mujer pintada con una estructura algo clásica, mucho más grande y jerarquizada en contraste con sus compañeras, las cuales se encuentran ambas tendidas en el piso sin mantener comunicación, pintada de forma mucho más rígida y geométrica. Estos son estilos que Picasso nunca antes había colocado juntos y se creería que tal vez no combinan bien; sin embargo, ambos van armonizando gracias al uso del color.

1.8 Retrato de Safo (La Poetisa de Pompeya) El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos. El arte romano, así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un entramado político y social muy complejo.

Safo de Mitilene, más conocida como Safo de Lesbos, fue una poeta griega. La primera poeta occidental que cantó a las musas, a lo divino y a las mujeres. Este retrato de ella es una pintura romana de Pompeya, la cual mide 37 x 38 cm. Podemos observar una mujer hermosa y frágil al mismo tiempo. Presenta una mirada perdida, ensimismada y en su mano sujeta un cálamo (una especie de bolígrafo de la época) llevándolo a los labios, como buscando la inspiración para escribir sobre las tablillas que lleva en la mano izquierda, presentando un gran realismo. Con respecto a los colores de esta obra, el pintor ha sabido darle un tono sereno y colorido al conjunto, de tal manera que haya un equilibrio entre ellos, al igual que se ha explayado en detalles muy interesantes como son los rizos del peinado o los dos grandes pendientes.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 1. Asimismo, se ve presente los pigmentos que más usaban los romanos eran los blancos, rojos, amarillos, verdes y azules, puesto que se sienten muy vivos, eso se debe a que los romanos les aplicaban una especie de cera por toda la superficie, lo que les ayudaba no solo a potenciar los colores, también les ayudó a su conservación. Además, estos colores son utilizados por su gran luminosidad y, como podemos comprobar en este retrato de Safo, sirven realmente para resaltar la figura de la poetisa sobre el fondo, que tiene un color mucho más pálido. Es una obra valiosísima y que muestra bien a las claras las características del llamado IV estilo pompeyano, caracterizado por su espíritu ilusionista o escenográfico.

En esta obra se ve que emplearon el uso de la perspectiva en la pintura romana, la cual se puede apreciar en cómo se sitúa su tabla, y la distorsión de su rostro, que aún en tres cuartos, nos une dos visiones distintas, una técnica egipcia que sólo reaparecerá en las Vanguardias Históricas. Además, la pintura captura lo instantáneo, ese momento de pensamiento reconcentrado, interior, de duda o meditación, que nos muestra con el simple gesto de su cálamo sobre la boca. Asimismo, muestra un gesto de intelectualidad que se ha repetido hasta la saciedad en la historia del arte, lo cual resulta especialmente interesante tratándose de una mujer, ya que siempre ha sido considerada inferior en este aspecto intelectual. Como bien sabemos está muy influenciada por el arte griego, incluso se podría decir que deriva de él. Los romanos admiraban mucho la escultura y la pintura griega. De hecho, algunas pinturas griegas eran directamente arrancadas del lugar donde estaban para ser traídas a territorio propiamente romano donde servían como elemento decorativo. En esta obra se utilizó la técnica al fresco, una técnica usada para pintar sobre techos o paredes para la cual se empleaban colores disueltos en agua de cal. Aunque se cree que también utilizaron otras técnicas.

Esta pintura, al igual que otras, tenían un fin claramente práctico, las cuales servían para decorar las casas adineradas y los palacios. Además, la pintura pompeyana se ha dividido clásicamente en cuatro estilos distintos: de incrustación, arquitectónico, mixto u ornamental e ilusionista o escenográfico.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 El retrato de Safo pertenece al cuarto y último de ellos, es decir, al estilo ilusionista o escenográfico. Se trata de un estilo bastante confuso que mezcla bastante de los anteriores y en el que se representa a la mujer ilustrada como ideal, que debió ser uno de los orgullos de una ciudad tan cosmopolita y refinada como sería Pompeya, mostrando una calidad plástica de suaves claroscuros y retrato psicológico

1.9 Escultura de Busto de Nefertiti (Tutmose) El arte egipcio se desarrolló en el valle del Nilo, habitado desde el Paleolítico. Entre sus temas se encuentra la religión, la vida cotidiana y las ideas sobre la vida de ultratumba, con base en el carácter divino y sagrado del faraón. El artista de esta escultura es Tutmose, el cual fue un artesano, escultor y pintor durante el reinado de Akenatón, que tenía un taller de escultura en la ciudad de Amarna. La misión del artista era representar todo lo más claramente posible. Para ello seguían reglas estrictas que les permitían representar todos los elementos como eran, ya que los egipcios poseían un modo de representar la vida real completamente a la nuestra, puesto que “La belleza no era lo más importante, sino la perfección”.

El nombre Nefertiti, significa "la bella ha llegado", fue considerada una de las mujeres más poderosas del Antiguo Egipto, al igual que fue la esposa del Faraón Akenatón, la cual ejerció gran influencia en la reforma religiosa del culto politeísta al culto al dios Atón. Esta escultura presenta una composición equilibrada, la cual se encuentra dividida en tres partes: La superior formada por la corona, la central formada por el rostro y la inferior formada por el cuello y el collar.

En la parte superior de la escultura destaca la corona azul, sobre una banda amarilla que representa el oro, con el Uraeus y una banda policromada de color rojo, azul y verde, los cuales se unen en la parte de atrás de la corona.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 En la parte del rostro, el ojo derecho tiene incrustada una pieza de cristal verde con la pupila pintada de negro. Asimismo, se puede apreciar la falta de una de sus pupilas y parte de los lóbulos de las orejas. Además, tanto las cejas como el contorno de los ojos se encuentran muy marcados mediante el kohl negro (es un cosmético a base de galena molida y otros ingredientes, el cual era utilizado como maquillaje). Por el lado de la nariz, es recta y pequeña y los labios se encuentran pintados con ocre rojo, los cuales son carnosos y nos ofrecen una ligera sonrisa. Por último, los pómulos altos, como el mentón, se encuentran muy marcados. Se puede apreciar la piel bronceada en lugar del característico tono amarillento o rosado de los rostros femeninos en el Antiguo Egipto.

En la parte inferior de la escultura se aprecia como el cuello se encuentra adornado con collares de hojas de sauce policromados con colores rojizos, azulados y verdosos. Al igual que el cuello, es largo y estilizado, en el cual se pueden apreciar las venas del cuello, demostrando la naturalidad y realismo.

Este busto pesa 20 kg y mide 48 cm, al igual que presenta un grado elevado de detallismo. Además, entre sus materiales se encuentra la piedra caliza pulida y policromada que le otorga un mayor realismo al que también contribuyen las incrustaciones de cristal en los ojos, collar de hoja de sauce en el cuello , corona azul con el ureus y una cinta policromada de rojo y verde. Asimismo, presentan indicios de movimiento, ya que se aprecia un "ligero contrabalanceo" que dotan a la obra de cierto movimiento, esto es debido a que el cuello se encuentra representado hacia delante, mientras que la cabeza y la corona están representadas hacia atrás.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 1.10 Venus de Milo (Alejandro de Antioquía) El arte griego es caracterizado por el descubrimiento de la naturaleza y de la concepción de esta como una armonía numérica basada en la simetría y la proporción. El arte trata de reflejar la perfección divina y transmitir belleza. Venus fue una de las diosas más veneradas de la Antigüedad Clásica, también conocida como Afrodita, la cual era la diosa de la fertilidad, la belleza y el amor.

La escultura de Venus de Milo representa a una mujer semidesnuda, con el torso y pecho descubiertos, en el cual el semidesnudo está tratado de una forma muy elegante, armoniosa y con una concepción de los volúmenes de manera muy natural. Además, tiene una tercera parte del brazo derecho y no tiene el brazo izquierdo, ya que fue puesta en una camilla y llevada al barco de Dumont d ́ Urville, donde los turcos atacaron y fue ahí donde perdió los brazos. Por otro lado, su cabello rizado está recogido por la parte de atrás de su cabeza y de la cintura para abajo tiene un manto que le cubre hasta los pies, el cual está tallado con gran maestría, creando relieves y movimientos, los cuales se observan en los pliegues del manto, generando un realismo increíble. Con respecto a la parte inferior, tiene la rodilla doblada, mientras está de pie, reforzando el contorno de sus formas. Se trata de la disposición de contraposto, en la que el cuerpo distribuye su peso sobre una pierna que funciona como punto de apoyo, lo que permite que el conjunto adquiera una forma sinuosa. Con esta posición, hombros y pelvis se inclina inversamente.

Esta escultura está hecha de mármol blanco. Asimismo, el uso de diversas texturas genera un gran contraste de luces y sombras, contraponiendo la delicadeza y suavidad del pulido de la piel con los pliegues del manto que cubre su pubis y sus piernas. Ya que la luz genera contrastes, por una parte, resbala y crea brillos en las zonas pulimentadas y por otra crea claroscuros en los pliegues de la túnica y también en los pechos. Con respecto a la parte del rostro, este se encuentra sereno siguiendo la tradición clásica, que huye de la expresión de emociones, al igual que el rostro corresponde al ideal de belleza clásico: frente alta , nariz estrecha, boca pequeña pero con labios carnosos , mejillas lisas. La expresión del rostro es serena y melancólica y el cuerpo sensual tanto por el desnudo como por los pliegues que caen.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 El autor destacó el modelado de los pechos y el abdomen como alusión a la fertilidad.

Además, al estar girando hacia la izquierda, rompe aún más si cabe la frontalidad de la figura. Esta escultura mide 211 centímetros de alto y pesa 900 kilos, lo que subraya su monumentalidad. El volumen es abierto, ya que la obra está realizada para ser vista desde diferentes ángulos.

Con respecto a las proporciones, podemos observar que la cabeza es pequeña con relación al cuerpo. Aun así, el artista mantiene el canon de las proporciones de ocho cabezas, preservando la armonía entre las partes. Existe la misma distancia entre los senos que entre el pecho y el ombligo. Asimismo, el rostro se alarga a la medida de tres narices.

En la escultura pueden verse los elementos estilísticos de artistas como Praxíteles y Fidias, entre ellos se encuentra la flexibilidad de la línea, la postura de la figura representada, el drapeado del vestido, entre otros recursos, ya que la obra está en una posición que muestra movimientos serpenteados con gran naturalidad y "realismo". En cualquier caso, la Venus emerge desde el suelo, para darle el mayor protagonismo al rostro.

En esta escultura se puede apreciar que el ser humano fue la representación de la belleza física y el equilibrio espiritual. Además, se muestra a Venus como un personaje idealizado, puesto que su cuerpo desnudo era el sujeto principal, al igual que se muestra la expresividad con respecto a lo sereno y equilibrado, sobre todo resalta el movimiento en dicha escultura.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 1.11 Mujer de azul (Paul Cézanne) Esta obra es del año 1904, la cual está pintada sobre un óleo sobre lienzo, la cual mide 88,5 × 72 cm. Se ve representado a una mujer de azul en una silla , la cual está apoyada en una mesa ; al igual que tiene la mirada perdida. Además , se ven reflejados los sentimientos de tristeza y melancolía , puesto que posee un gran vigor expresivo, siento esta una de las características más representativas del autor. Esta obra es uno de los últimos retratos femeninos realizados por Cézanne. Con respecto al color, hay un gran equilibrio de colores, generando que las modulaciones cromáticas definan por sí solas los volúmenes, ya sea azul sobre azul , tono sobre tono: con pequeños toques de rosa.

Asimismo, con el color negro sigue su perfil para darle mayor consistencia plástica . La gama cromática es luminosa y viva : del rosa pasa al amarillo claro y luego al verde esmeralda hasta llegar al " tono local " dado por el azul cobalto,el cual se ve en la parte del fondo. Además, se muestra una pared irreal y abstracta , puesto que la figura de la mujer se recorta vigorosamente , generando una perspectiva , ya que la empuja hacia delante , hacia el primer plano, con ayuda de la esquina de la mesa y su profunda diagonal.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 CAPÍTULO II La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis comparativo de 10 obras pictóricas y/o escultóricas 2.1. Análisis comparativo de obras de Caravaggio, Martini y Sanzio Es evidente la existencia de ciertas diferencias, pero también semejanzas entre las obras. Empezando por los colores, identifico el uso común del rojo y negro que estos se encuentran representados con intensidad y con una saturación por encima del promedio. Otro punto desde el cual se puede hacer una comparación es el de las luces y sombras que los artistas van generando. Tomando como ejemplo la pintura de Caravaggio, vemos una gran contraste entre estos, generando una sensación de miedo y suspenso ante la oscuridad que rodea a los personajes. Algo diferente se experimenta al ver la obra de Sanzio, donde se ve una escena muy iluminada donde se siente algo mucho más libre, tranquilo y armónico. Es válido afirmar que todos los pintores tuvieron como prioridad cuidar el nivel de detalle, cada uno bajo sus diferentes circunstancias, ya que no se puede comparar las técnicas que tuvieron Sanzio y Caravaggio con las que contaba Martini. Los dos primeros agregaron gestos faciales mucho más detallados, pero los tres tuvieron cuidado en retratar los dobleces de las telas y de intentar plasmar la figura del ser humano por debajo de estas. Un aspecto en el cual se difiere bastante es en el uso de la perspectiva, por ejemplo, Simone Martini al momento de pintar la escena no contaba con tantos avances como los que tuvo Rafael Sanzio quien la usó para representar a la dama como algo cercano y a las montañas como algo lejano Con respecto a una visión más compositiva de las obras, es válido afirmar una similitud entre las tres obras en cuanto a la distribución de la composición, debido a que todos los pintores organizan su obra en un gran primer plano donde sucede la totalidad de la escena. En cuanto a la composición, creo que se muestra una “evolución compositiva”, ya que en la obra de Martini los personajes dibujan líneas rectas y verticales. Algo diferente sucede en la pintura de Caravaggio, donde los personajes a través de sus movimientos generan líneas diagonales hacia la izquierda y derecha. Por otro lado, Sanzio al igual que Martini, coloca a su personaje protagonista de tal manera que se genera una línea vertical en el centro de la composición

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 Pasando a los gestos de los protagonistas donde destaca indudablemente la habilidad de Caravaggio quien enfatiza mucho las miradas y gestualidad de sus personajes, quienes son parte de escenas bastante turbias y oscuras en su mayoría. Como último aspecto se propone la representación de la figura femenina, la cual va teniendo diferentes cambios. Verbigracia, en la obra de Sanzio se le representa de una manera muy armoniosa y con proporciones ideales, mientras que, Martini representa a la Virgen con un rostro que resulta de cierta manera “extraño” a la vista.

2.2 Análisis comparativo de obras propuestas de Fragonard y Monet, Delacroix y Picasso Después de analizar por separado las obras presentadas, procederemos a resaltar algunas diferencias y similitudes que encontramos entre ellas. Comenzando con “El Columpio” de Fragonard, en el que representa a la mujer de una forma idealizada, propia de las características del rococó, movimiento al que representa. Por el contrario, en la obra impresionista “Mujer con Sombrilla” de Monet se representa a la mujer de una manera más natural. En ambas pinturas se representan momentos cotidianos; sin embargo, en la obra de Fragonard estos eran de la burguesía y se quería mostrar a los personajes una belleza idealizada, ocultando de cierta manera lo que pasaba realmente en sus vidas. Además, se muestra una temática como la infidelidad y la coquetería, representadas tanto por la composición como la simbología que utiliza, representadas también por algunos seres mitológicos como lo es el cupido, la estatua de los ángeles asustados o la estatuilla de la fidelidad al lado del marido. En cambio, en la obra de Monet, no se interesa por tener una temática. Simplemente, quería pintar a su esposa y a su hijo y plasmar el momento tal y como él lo percibía. Por otro lado, la composición en la obra de Fragonard está repleta. Los árboles ocupan una parte considerable del lienzo, una gran cantidad de símbolos y personajes unidos; y en la obra de Monet se puede notar la simpleza de los elementos. Con respecto al color, en el barroco se solía utilizar una gama de colores pasteles justamente para representar la belleza; sin embargo, en el impresionismo, la gama de colores se amplía considerablemente. Esto se ve reflejado en ambas pinturas, aunque ninguno de los dos empleó una variedad extensa de colores, Fragonard usó colores pasteles, mientras que Monet usó unos más brillantes e intensos. Si pasamos a analizar las técnicas, ambos son óleo sobré lienzo; sin embargo, ambas se ven diferentes a simple vista.

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 En el caso de la obra de Delacroix, “Las mujeres de Argel en su apartamento” y la obra de Picasso, “Las mujeres de Argel”, a pesar de tener el mismo título y que Picasso se inspiró en la pintura de Delacroix, existen muchas diferencias entre ellas, comenzando por lo diferente que son los movimientos a los que cada uno pertenecían. La pintura de Delacroix pertenece al Romanticismo, por lo que aún se rige por las normas tanto de composición como de perspectivas establecidas por el arte clásico. En cambio, esta versión de Picasso pertenece a uno de los ismos del movimiento Vanguardista, el cubismo. Por esta razón, la obra de Picasso rompe todas las reglas antes establecidas.

No cuenta con perspectiva porque busca plasmar diferentes puntos de vista en un mismo plano. Por otro lado, en cuanto al color, Delacroix usa colores más opacos y la luz representada de manera natural, mientras en la obra de Picasso se puede observar colores llamativos, resaltando los colores primarios, amarillo, rojo y azul; además plasma la luz proyectada en diferentes puntos de vista. En cambio, con respecto a la representación de la mujer, en ambas pinturas se muestra a mujeres en un harén; sin embargo, Delacroix no uso desnudos en sus pinturas, él quiso representar en sus rostros la melancolía que reflejaban por vivir ahí y todo lo que conllevaba eso. En cambio, Picasso si muestra desnudos, muestra algunas parte de la mujer, ya que quiere dejar a entrever que ellas se está ofreciendo al espectador.

2.3 Análisis comparativo del Retrato de Safo, escultura de Busto de Nefertiti y Venus de Milo.

En estas obras se puede observar que lo que más resalta es el realismo, al igual que el naturalismo, puesto que los artistas han sido bien meticulosos en cada detalle, lo cual se puede apreciar en los rostros. Por ejemplo, en el Retrato de Safo se puede apreciar los sentimientos que transmite la obra, ya que se la ve como pensativa o que se encuentra superconcentrada. Además, un aspecto resaltante son los colores primarios utilizados, al igual que los detalles, en el ropaje , como los pliegues . Asimismo, se ven las expresiones en el rostro. Sin embargo, lo que diferencia estas esculturas se diferencian en qué algunas se muestran con un ropaje ligero , generando sencillez , algo igual se ve representando el movimiento. Por otro lado, se ve el uso de colores para retratar el maquillaje de esos tiempos. Asimismo, las representaron con colores muy vivos o llamativos , al igual que representaron las expresiones , de tal manera que se pueda apreciar los pensamientos. Sobre todo lo que más destaca de estas obras es la delicadeza en cada una de ellas FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA CARRERA DE ARQUITECTURA - ÁREA DE GESTIÓN DE PROYECTOS 2022-2

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la imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte CG2 - CG3 CONCLUSIONES Conclusión 1 Concluimos en que uno de los factores determinantes que delimitan la visión de la mujer en diferentes épocas son los ideales de belleza. Verbigracia, en obras pertenecientes a la corriente del gótico como la de Martini titulada “La virgen y el niño” se puede observar como los rostros de los protagonistas no representan una simetría perfecta como uno podría esperar en una pintura que busca el ideal de belleza. En esta pintura tanto la virgen como el niño Jesús son retratados buscando únicamente despertar la fe de los devotos al observar una escena bíblica en pintura. Por el lado contrario, tenemos una obra de la corriente del impresionismo pintada por Monet que se titula “Mujer con Sombrilla”, en esta la representación de la mujer , a pesar de que, no se aprecie claramente su rostro, causa un efecto de “esplendor” hacia la imponencia de la protagonista. Se trabaja el fondo, la luz y colores de tal forma que hagan resaltar la imagen del personaje femenino planteado en este caso como el elemento principal.

Conclusión 2 Llegamos a la conclusión que la mujer tuvo un gran avance con el transcurso del tiempo, la cual se pudo presenciar en las pinturas, esculturas, entre otros. Además , los artistas de estas épocas trataron de representar a las mujeres como un tono de piel diferente a las mujeres de ese entonces. Asimismo, las representaron con colores muy vivos o llamativos, al igual que representaron las expresiones, de tal manera que se pueda apreciar los pensamientos. Sobre todo lo que más destaca de estas obras es la delicadeza en cada una de ellas.

Conclusión 3 De todo lo expuesto podemos concluir que cada movimiento representaba a la mujer a su manera. Mientras que en el Rococó se centraban en mostrar una belleza idealizada y frívola, en el impresionismo se buscaba representarla tal y como los autores las veían.

En el romanticismo le daban prioridad a los sentimientos y en el cubismo querían representar su belleza no solo desde un punto de vista sino de varios en un solo plano.

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SATOMI AKIYAMA WILLIAMS Ciclo 2022-1 EXPERIENCIA LABORAL Programador

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