TERRALUCE - Catalog of the Solo Exhibition

a cura di Francesca Schepis

a cura di Francesca Schepis

Ottobre 2021 | Reggio Calabria

Ciò che è generato deve essere corporeo, visibile e tangibile, ma nulla potrebbe mai essere visibile se è separato dal fuoco né tangibile senza qualcosa di solido, e non può esserci solido senza terra.

Di qui, cominciando a realizzare il corpo dell’universo, lo fece di fuoco e di terra.

Platone, Timeo, 360 a.C. ca.

Lo so che ognuno è il gigante delle sue ferite, ognuno è dentro una lotta senza fine.

Non c’è riparo al guasto che ci attende, non si può diluire la morte, ma ogni giorno si può avere un attimo di bene, si può con umana pazienza guardare questo mondo che si scuce.

Se nulla è sicuro e nulla sembra vero restiamo vicini, strofiniamo il buio per farne luce.

Franco Arminio, Fare Luce, 2020.

Rivelare Francesca Schepis, Settembre 2021 Il Demiurgo platonico dal caos indistinto plasma il mondo, unendo i quattro elementi terra, fuoco, acqua, aria. L’affascinante concezione espressa nel Timeo riprende il pensiero dell’agrigentino Empedocle che nel V secolo a.C., per primo, parla delle quattro radici del mondo, i rizòmata. E tuttavia seguendo un percorso a ritroso e aprendo il nostro orizzonte risulta evidente che ogni tradizione cosmogonica, da oriente a occidente, fissa l’origine delle cose nel momento dell’unione e della interazione tra i quattro elementi.

Tra questi i due corporei, tangibili e visibili, e, per questo, più umani, sono terra e fuoco. Le cose terrene, il mondo, non possono essere viste senza che ci sia una fonte luminosa a rivelarle.

Terraluce narra di un rapporto ancestrale, trascritto nella memoria genetica dell’uomo. Bisogna avvertire che la proprietà di questo originario legame fa sì che non possa essere scalzato dal mutare dei fatti storici o subire l’onta di un superamento in virtù dell’evolversi del tempo.

Questo intimo legame dell’uomo nella percezione delle cose terrene sta nelle fibre stesse di cui è costituito

l’intelletto, che ha continuità solo nel suo ininterrotto rinnovamento.

Le opere di Saso Pippia raccolte secondo il neologismo sincratico di Terraluce individuano una precisa traccia nella sua ricerca artistica. L’autore presenta il risultato di un’attività di studio paziente, insieme, di sintesi del segno pittorico e di densificazione di senso. La stratificazione dei pigmenti corrisponde alla ripetizione continua e sempre diversa del gesto con cui egli cerca, nello sviluppo della tela, un compiersi mai predeterminato. Un esito che è ottenuto tanto da un’azione additiva, di livelli colorati stesi sul supporto orizzontale, quanto da un’opposta e complementare azione sottrattiva, nella scarificazione della superficie alla ricerca di un suo disvelamento.

Il lavoro pittorico di Pippia ci restituisce ogni volta un modo nuovo di vedere, regalandoci una piccola parte di mondo che era al buio, scoprendola. Innegabile del resto il ricorso alla locuzione “fare luce” nel significato di ri-velare – togliere il velo anche nella sua etimologia – di dichiarare.

Ciò che è mostrato esiste, prende peso, diventa vero.

Ma il compito dell’arte non è solo, seppur immenso, quello di illuminare ciò che prima era invisibile, l’onere più gravoso in un mondo di tragica caducità è di catturare parti di cielo, portarle giù e poi lasciarle andare. Di annullare il tempo, fissandolo.

L’artista fa compiere così alla luce un doppio fenomeno di rifrazione, uno fisico, mentre il raggio si imbatte sulla superficie delle sue opere in maniera discontinua, vibrante, corporea, uno virtuale, costringendo l’osservatore ad assorbire il tempo in cui questo fenomeno si compie davanti ai suoi occhi. Ogni volta.

Infine il pittore concede alcuni momenti del suo intimo e personale modo di intendere e fare arte oggi.

Accompagnata dalla malinconica voce di Thom Yorke, la sequenza-video raccoglie attimi dell’attività creativa di Saso Pippia che si uniscono a scene di pura luce mediterranea: le nuvole abbaglianti nel tumulto del vento, la spuma brillante del mare, la radura in un bosco secolare, epifanie delle immagini che stanno dietro lo

sguardo dell’artista. Parimenti antagonista lo sguardo dell’opera d’arte che interroga a sua volta Pippia.

La terra è descritta nell’atto tangibile di sporcarsi le mani mentre egli mescola i pigmenti o nella polvere del carboncino che si sfarina sui fogli di un carnet mentre fissa rapidamente una trama.

Poi ancora nella tempera e nei grumi rappresi sulla carta, nelle ampie bracciate mosse per entrare dentro le grandi tele divenendone tutt’uno.

La mostra si offre, nel panorama artistico contemporaneo, come un prezioso dono, un racconto personale che l’artista tesse, selezionando con cura le cose da non dire. E le lacune rimaste esposte saranno colmate da ogni visitatore in maniera altrettanto intima e personale e ciascuno potrà tracciare un proprio percorso e collocarsi nella storia narrata. Perché forse la ragione più vera dell’arte di Saso Pippia è di rapirci e di condurci lì dove terra e luce si confondono.

Terraluce nasce nell’ombra, dall’odore acre dell’acqua di un bidone, dalla precarietà di una stanza, da un maglione logoro diventato ormai un’estensione dei miei attrezzi.

Terraluce è protagonista della mia vita, di questo periodo meraviglioso, facendomi iniziare un viaggio attraverso

le mie certezze e i sogni più belli, ma anche e soprattutto tirando fuori dubbi e solitudini di un passato che tutti dovremmo prima o poi affrontare. Così la mia fragilità si sostiene sulla costante ricerca della libertà del gesto e del colore, che quotidianamente alimenta i miei sogni.

Terraluce ha fame di speranza e sete di meraviglia.

riflessioni ottobre 2021

Opere

Guarda il video TERRALUCE

TERRALUCE _________

MARE DENTRO _________

Anno 2020 Tecnica mista su tela 190x140 cm

Anno 2020 Tecnica mista su tela 80X100 cm

...Scoperta Oggi sembra calmo fuori, poca luce...quella giusta.

Apro un barattolo di smalto e vengo subito riempito nelle narici, dal forte e meraviglioso odore. Starnutisco rumorosamente su una tela appena imbrattata il giorno prima. Apparentemente non faccio caso a quello che è successo, ma mi basta ripassare lo sguardo sulla tela per rendermi conto di uno strano segno che lo starnuto aveva lasciato. Dovrei pulire e così prendo un panno, poco prima di passarlo mi fermo un attimo a fissare quel segno...naturale più che mai, involontario e libero che ha deciso di dirmi qualcosa. Che poi a pensarci bene era qualcosa che stava dentro me poco prima.

Sto per pulire, quando un riflesso di luce incontra quel segno inutile, sporco, sudicio ma comunque dignitosamente presente. La luce che lo attraversa lo rende quasi vivo dando un senso al suo viaggio.

Strappo allora un pizzino dalla carta d’imballaggio rimasta lì e prendo una matita. Traccio velocemente quel segno cercando, l’eleganza e la libertà di quel segno.

Inutilmente ci riprovo e quindi rinuncio. Decido allora di dedicarmi a quel segno e cercare di capire se e come dargli un’altra possibilità. Lo fisso in attesa di qualche intuizione che mi permetta di non perderlo. L’unica cosa che riesco a fare invece è ammirarlo, vederlo vivere e splendere di quella luce. Passo cinque minuti fermo lì in silenzio con quella striscia di muco nasale diventato il protagonista di tutte le mie attenzioni. Improvvisamente una telefonata mi fa sobbalzare e mi rapisce da quella catarsi di sensi in cui ero evidentemente sprofondato.

Chiusa la chiamata mi precipito sulla tela, ma deluso mi accorgo che di quella traccia non era rimasto nulla e di tutto mi era rimasto quel misero e pessimo ricordo tracciato sulla carta.

La scoperta di quella forma di libertà, anche in quel gesto casuale e irriflesso, mi rese quel momento assoluto e concreto. La luce poi non fece altro che regalarmi un’emozione, non era molta luce...quella giusta.

riflessioni febbraio 2019

OLTRE CONFINE _________ Anno 2020 Tecnica mista su tela 100X150 cm

OLTRE LA LUCE _________ Anno 2020 Tecnica mista su tela 100X120 cm

LUCE DI MEZZO _________ Anno 2015 Tecnica mista su tela 100X120 cm

PARTICOLARE

AUTUNNO DOV’ERI _________

IL SOGNO DI MIRANDA _________

Anno 2019 Acrilici e Smalti su tela 60X60 cm

Anno 2019 Acrilici e Smalti su tela 60X80 cm

IL DESTINO DI MIRANDA _________

VENTO DI TERRA _________

Anno 2019 Acrilici e Smalti su tela 60X80 cm

Anno 2018 Acrilici e Smalti su tela 100X150 cm

PAESAGGIO SERALE _________ Anno 2019 Tecnica mista su tela 70X70 cm

PARTICOLARE

LUCE FAMELICA | Anno 2017, Acrilici su tela, 80X120 cm

ALBA _________ Anno 2016 Tecnica mista su tela 100X150 cm

...Assenza L’inizio di un percorso e di un set di nuove opere ha sempre un fascino particolare. Si è sempre pronti a lasciarsi guidare dall’istinto, cercando di mettere a frutto la propria ricerca. Questi lavori sono il frutto invece di un preciso e inequivocabile mio stato d’animo che produsse qualcosa di diverso, e che qui vi voglio spiegare, rispetto a quello che sarebbe stato il leitmotiv del ciclo.

Era d’estate e da qualche giorno avvertivo una strana sensazione, come la sovraesposizione di una fotografia, un controluce fastidioso che mi rendeva inspiegabilmente distratto, deconcentrato...poco a fuoco.

Serviva un reset e, come spesso faccio, un sabato mattina scesi in studio e iniziai a ripulirlo e rimettere in ordine, sperando in fondo di riuscire a farlo anche con me stesso.

Presi un sacco nero e cominciai a buttare pennelli ormai inutilizzabili, residui di colore sul piano di lavoro, e dopo aver spostato tutto dalla stanza, passai lo straccio. Aspettai che asciugasse e pensavo, riguardando alcuni bozzetti cosa poteva darmi uno spunto, una traccia o una sensazione che mi guidasse.

Avevo preso delle tele 50x70 perché l’idea era quella di spaziare con i formati, in modo da non dare punti di riferimento, se non quello di una continua ricerca della luce. Su una di queste tele misi un po’ di smalto bianco che

cominciai a distribuire sulla tela. Stranamente le pennellate si fecero subito più lente, lunghe e calibrate anche continuando con gli altri colori. Cominciarono a crearsi degli strati che si sovrapponevano tra loro, senza spazio tra loro. Cominciai quindi a lavorare quasi simultaneamente su diverse tele, e scegliendo massimo tre toni per ognuna.

Iniziamo così pensai, poi si vedrà...

Man mano che lavoravo, tra una pausa e un’altra cominciai ad avere delle precise sensazioni riferite al mio stato d’animo e a come mi sentivo. Ero evidentemente inaridito negli ultimi giorni, in una fase di passaggio e come spesso mi capita, il rischio era di bloccarmi per un po’. Ma in fondo avevo trovato una nuova strada, che mancava di qualcosa rispetto agli altri lavori, e anche ai bozzetti, ma che aveva trovato la forza di uscire fuori.

Presto capii che tutto ciò che mancava a questi lavori che stavano prendendo vita, era una componente che negli altri pezzi era assolutamente centrale. Quella mia staticità si traduceva in un’assenza. Il Vento...mancava il vento, mancava a me in quei giorni aridi d’estate che mi avevano, come ogni anno, appiattito e reso più essenziale e razionale.

Quell’assenza fu chiara e resta in queste pennellate impresse su queste tele, che terminai quasi subito nel giro di due o tre giorni.

riflessioni novembre 2017

L’ASSENZA #01 _________

L’ASSENZA #02 #03 #04 _________

Anno 2017 Tecnica mista su tela 80X120 cm

Anno 2017 Tecnica mista su tela 50X70 cm

PARTICOLARE

...Ricerca Terraluce era appena iniziato, qualche bel lavoro e qualche bozzetto su carta pronto a diventare grande. Non sapevo ne volevo pensare come dovevo proseguire, mi stavo lasciando guidare dal mio istinto. Ero fortunato ad averlo lì con me, in fondo penso che lui non sbagli mai, anche quando ci mette in un angolo a cercarlo. Ma adesso stavo bene, ero sul pezzo e mi godevo quel momento.

Fuori pioveva... ormai da diversi giorni, lasciai aperta la finestra e seduto in un angolo mi misi a guardare.

L’odore della pioggia rappresenta per molti il richiamo a un ricordo, ci penetra le narici e con effetto stupefacente ci riporta a una situazione passata. Anche per me l’odore della pioggia è questo, ma è anche sempre stato assimilabile e associato a un colore. La terra accoglie l’umido della

pioggia, si trasforma, cresce e diventa materia, come un pigmento. Per questo lavoravo con le terre, pigmenti, polveri che poi diventavano materia e colore dei miei ricordi e delle mie visioni.

Terra... dai diversi significati: casa, dimora e quindi rifugio. Ci difende e ci protegge, la difendiamo e la proteggiamo. Troviamo sempre il modo per cercarla, e trova sempre il modo di farsi trovare. Conserva la nostra pelle, il nostro odore nel profondo delle sue radici e l’acqua non fa altro che darci il segno tangibile di quella materia a cui noi stessi apparteniamo.

Fuori aveva spiovuto, ma io restai lì seduto tra le mie terre, e quei bozzetti su carta che avevano già un’anima, decisi quindi di lasciarli cosi.

riflessioni dicembre 2019

STUDI SU CARTA _________ Anno 2019, Tecnica mista su carta, 25x35 cm

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STUDI SU CARTA _________ Anno 2019, Tecnica mista su carta, 25x35 cm

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STUDI SU CARTA _________ Anno 2019, Tecnica mista su carta, 25x35 cm

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STUDI SU CARTA _________ Anno 2019, Tecnica mista su carta, 25x35 cm

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STUDI SU CARTA _________ Anno 2019, Tecnica mista su carta, 25x35 cm

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#20

...Bellezza Resto immobile dinanzi alla bellezza per non farmi sfuggire nulla, per farmi travolgere dalla sua forza, dalla sua calma e dal senso di pace che mi trasmette. La bellezza nelle sue forme, scatena un ricordo lontano e mi riporta bambino e mi rimette dinanzi al senso unico della vita. Chiara, limpida e sincera non ha bisogno di sotterfugi, la bellezza quando arriva è come un dono, come una pioggia dritta sulle mie mani, come lo sguardo di mia figlia. La bellezza mi circonda, mi avvolge e mi riscalda, mi sazia e mi distrugge, mi percorre e mi purifica in un pianto lungo e ininterrotto. La bellezza si regala e mai si vende all’anima di chi in fondo... forse non sa già di possederla.

riflessioni Marzo 2021

Critica

In quei luoghi Gianfranco Neri Il limite della critica è sempre quello di arrivare dopo l’opera, e questo è qualcosa di sconcertante e di estremamente limitativo per un’azione appunto come quella di interpretare un’opera. E sembra che questo venir dopo, in qualche modo sia esattamente ciò che contrasta maggiormente con la funzione anticipatrice dell’arte, il grande valore e ruolo dell’arte di anticipare la realtà. Nel rapporto tra realtà e critica, di fronte ai lavori di Saso Pippia si pone una prima evidente dicotomia e cioè il contrasto tra il senso di un operare che lavora su dei registri dell’astrazione ed in pari tempo di cavalcare invece il fronte più ammiccante e facile della figuratività. Quindi il lavoro di Pippia sembra proprio ambiguamente attraversare o essere pensato sul crinale di un’ambiguità tra figurazione e astrazione.

Afro Basaldella diceva nel 1966 “non ha senso la distinzione fra astratto e figurativo. L’artista, dipinga una macchina o un volto umano, avrà sempre e soltanto presenti i ritmi, i colori, le forme… mai il soggetto”. Registri e affinità cromatiche accomunano il lavoro di Pippia a quello di Afro Basaldella. Alla luce ed al colore si è sempre dato molto spesso un valore simbolico importantissimo e nel pensare alle opere di Pippia, quale sia l’elemento che prevale sembra sia abbastanza evidente. Pippia è un artista che fa della luce e del colore la propria cifra espressiva, rintracciando nella luce l’elemento che tiene insieme tutte le forme, al contrario del disegno che individuando una silhouette stacca la figura dal fondo donandogli un’assoluta individualità. Sembra proprio che nel lavoro di Pippia, l’idea del disfacimento della prospettiva attraverso la luce, sia un fatto che realizza la sua scelta cromatica e illuministica in maniera ineluttabile. Tuttavia Pippia all’interno di questa scelta, che fa dell’astrattismo lirico il suo riferimento, di

nuovo riapre una dicotomia perché non è ne nell’ordinamento di frammenti della realtà, come nella pittura di Basaldella, né nella furia distruttiva e ante-formalista di Emilio Vedova, ma il suo colore diventa una sorta di ponte tra materia e immateriale, contro la bidimensionalità dell’immagine. Questo perché le immagini di Pippia comunicano le asperità della tela con le sue scabrosità, che si staccano dal fondo per investire lo spazio dove sta l’osservatore, perforando quasi la superfice della tela per avvicinarsi alle persone con cui cerca di entrare in contatto, quindi negando in qualche modo la bidimensionalità della pittura. In questo si rintraccia una radice conflittuale tra la dimensione della materia e la dimensione della superficie, e di questa materia che in qualche modo la pittura trascende in qualcosa che parla direttamente al cuore attraverso il gesto e il tatto senza passare per il cervello. La sua è una immagine che si fa sentire, più che si fa conoscere. Non è un’immagine che mira a definire un concetto ma è una sensazione che mira a definire uno stato d’animo perchè questo è il registro su cui la materia lavora, passa attraverso le dita e arriva direttamente al cuore, senza vigilanza critica e dimensione concettuale che organizza e sistematizza la sensazione. Nella pittura materica di Saso Pippia vi è un procedimento lento di lavoro e di concezione dell’opera. È un lavoro dove la lentezza diventa la capacità di lasciare attiva la dimensione di valutazione degli equilibri, dell’equilibro compositivo del quadro, le tinte, le trame e il colore della materia le potenzialità energetiche ed evocative della materia cruda svincolata dall’immagine. La pittura di Saso Pippia prima che essere vista è una pittura sentita, perché sentire è qualcosa di più importante che conoscere e vedere.

Nonostante la lentezza le sue pennellate restituiscono un senso di verticalità e delle accelerazioni improvvise che vanno a contrastare con quella dimensione lenta in cui la materia cerca l’impasto e cerca di ragionare attorno a se stessa.

Paesaggi della mente Francesca Schepis

Quando ebbe vent’anni alzò gli occhi, guardò il cielo, guardò di nuovo la terra, –– con attenzione. Era vero, allora! Dio non aveva fatto che abbozzare il mondo. Non aveva lasciato che rovine.

Rovine questa quercia, pur così bella. Rovine quest’acqua, che viene a rompersi così dolcemente sulla riva. Rovine il sole stesso. Rovine tutti questi segni della bellezza, lo dicono le nuvole, ancora più belle.

Solo la luce ha avuto vita piena, forse, mormora a se stesso. Ed è per questo che sembra semplice, e increata. Da allora non ama più, nell’opera dei pittori, che gli abbozzi. Il tratto che si chiude su se stesso sembra tradire la causa di quel dio che ha preferito l’angoscia della ricerca alla gioia dell’opera compiuta.

Yves Bonnefoy, L’imperfettibile, da L’uva di Zeusi

Considerato uno dei massimi poeti contemporanei, Yves Bonnefoy dedica una profonda riflessione nel passaggio al nuovo millennio a L’inachevable in una raccolta di saggi critici sull’arte, l’architettura, la poesia ripercorsi nell’intento di tramandare, insieme a personalissime considerazioni sugli artisti e i poeti che più ha amato e frequentato, un antidoto al superamento della crisi contemporanea che si dà come l’avanzare lento ma inarrestabile di una nuova luminosa consapevolezza.

Il tema dell’imperfettibile – l’inachevable è ciò che non è stato ancora finito – attraversa tutta la produzione poetica e la ricerca critica di Bonnefoy come metafora dell’ininterrotto e mai

raggiunto compimento dell’opera. Lo stare instabile si accorda bene alla sensibilità contemporanea e alle differenti forme liriche di rappresentazione; alla consapevolezza di quanto ci ha preceduto e all’incertezza del futuro e delle nostre possibilità.

Nelle sue opere Saso Pippia ci racconta di questo suo errare nel mondo dell’arte alla ricerca non di dare una risposta definitiva ma di aprire, nelle densità cupe del dubbio, bagliori di libertà.

Attento osservatore, egli si avvicina all’arte da rigoroso autodidatta sperimentando tecniche e materiali.

Quello che sembra interessarlo è la scoperta della superficie mentre sovrappone su grandi tele o tavole, strati densi di smalti. Le sue opere d’arte sono profondi campi astratti, combinazioni di paste e polveri che vengono ripetutamente sovrapposti, graffiati, corrosi in serie di configurazioni e colori. Il modo di procedere di Pippia si può ben intuire, così come è altrettanto evidente il punto in cui la spatola è stata trattenuta maggiormente sulla superficie o, invece, portata via con un gesto rapido e preciso.

La scelta informale che caratterizza l’opera dell’artista si colloca nella tradizione del Novecento italiano, dall’Arte povera al Minimalismo, che, grata alla poetica delle Avanguardie, risponde con il rigore dell’astrazione.

Nota distintiva della selezione qui presentata è quella di mantenere un livello d’intransigenza molto alto nelle cose da dire necessariamente, e distinguerle da quelle che possono essere considerate superflue e, quindi, tralasciate. Le opere pur non facendo parte di serie, appartengono a quella che potremmo definire una narrazione continua, senza strappi. Ogni quadro aggiunge senso al percorso di ricerca espressiva di Saso Pippia, in vista del quale

l’artista predispone e traccia ogni singolo momento.

Con le sue opere egli non riproduce figure tratte della realtà ma racconta delle percezioni sensibili attraverso il coinvolgimento dello sguardo, del tatto, finanche dell’olfatto.

Raffinato conoscitore degli strumenti della riproduzione fotografica e della rappresentazione grafica digitale, l’artista nelle sue opere artistiche non rinnova copie che si potrebbero tradurre con queste modalità, ma prova un’altra via. Mescolando in successive ed elencabili fasi gli strati di materia, egli simula lo spessore del tempo e dello spazio.

Il tempo è quello che occorre per stendere smalti e polveri, acrilici e carboncini sulla carta, sulla tela o sulla tavola. È il tempo del consumo immediato del mondo contemporaneo e anche il tempo lento di cui l’artista, come individuo, si riappropria.

Lo spazio è quello primario del gesto che bisogna compiere per avvicinarsi al supporto più e più volte fino a ritenerne uno, ultimo.

E tuttavia lo spazio è anche quello dello Stretto di Messina non raccontato nella sua iconografia riconoscibile ma nella sua matericità; non nel profilo dei suoi monti che degradano fino al mare ma nelle sue atmosfere aeree, nelle sfumature delle terre, dell’acqua, del sale.

Questa relazione, è chiaro, non è calcolata, e avviene a un livello non verificato razionalmente perché incorporato. Ma chi potrebbe dire che i contrasti delle opere di Saso Pippia non appartengano alle luci mediterranee quando ci regala queste visioni polverose del mondo che sfuggono oltre la tela, e ciò che resta rappresentato è un paesaggio che è possibile ricostruire solo con gli occhi della mente?

Biografia essenziale Artista reggino, attento osservatore di tutte le espressioni artistiche, si avvicina all’arte da rigoroso autodidatta sperimentando tecniche originali. Quello che sembra interessarlo è la scoperta della superficie mentre sovrappone su tela o tavola, strati densi di pigmenti e smalti. Le sue opere sono profondi campi astratti, combinazioni di paste e polveri che vengono ripetutamente sovrapposti, graffiati, corrosi in una serie di configurazioni e colori.

Il modo di procedere si può ben intuire, così come è altrettanto evidente il punto in cui la spatola è stata trattenuta maggiormente sulla superficie o, invece, portata via con un gesto rapido e preciso. Partecipa a diverse collettive nazionali e locali, premiato due volte al Premio Città di Novara. Premiato nel 2019 al Premio Buonarroti con la menzione d’encomio.

Selezionato nel 2020 e nel 2021 al Museo del Presente di Cosenza per la prestigiosa manifestazione “Geni Comuni”.

Principali esibizioni e premi 2015 – Archè Arte e& Design (Reggio Calabria) - “Spazio Giovane” Collettiva 2015 - OnArt Gallery (Firenze) - “Pausa, Ritmo, Azioone” Collettiva 2016 - XVI Premio Nazionale Città di Novara (Novara) - Premio Exhibition 2017 - Premio Michele Cea (Milano) - “Con gli occhi della Luce” Selezione e mostra collettiva 2017 - Serart Gallery (Reggio Calabria) - “Stati d’animo” Collettiva 2017 - XVII Premio Nazionale Città di Novara (Novara) - Premio Exhibition 2017- Palazzo Gagliardi (Vibo Valentia) - “EcletticArt” Collettiva 2018 - Università Mediterranea (Reggio Calabria) - “In quei Luoghi” Personale Te.CA. Gallery 2018 - Premio Nazionale Città di Reggio Calabria (Reggio Calabria) - Selezione e Mostra collettiva 2019 - Fat Art Club (Terni) - “I sogni di Miranda” Personale 2019 - Chianalea di Scilla (Reggio Calabria) - “ChianaleArte” Collettiva 2019 - Serart Gallery (Reggio Calabria) - “Il gusto dell’arte” Collettiva 2019 - Premio Buonarroti 2019 (Lucca) - Premio Speciale con Menzione d’Encomio 2020 - Università Mediterranea (Reggio Calabria) - “Apnea” (Videoarte) “TeCAltrove” Te.CA. Gallery 2020 - “BookArt” Improbabili Incontri edizione 2020 2020 - Ex Convento dei minimi (Roccella Jonica) – “La ruota della Memoria” Mostra collettiva 2020 - Museo del Presente (Cosenza) - “Geni Comuni 2020” Selezione e Mostra collettiva 2021 - Museo del Presente (Cosenza) - “Geni Comuni 2021” Selezione e Mostra collettiva In Permanente presso la Galleria Serart (Reggio Calabria)

C O N TA C T mob. 347.5231340 - sasopippia@gmail.com www.sasopippia.it

a mia figlia Alice

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