Græsset er altid grønnere

GRÆSSET ER ALTID GRØNNERE THE GRASS IS ALWAYS GREENER 11.10.2014 - 18.01.2015 Museet for Samtidskunst

Kurator | Curator: Luísa Santos

11.10.2014 - 18.01.2015

Museet for Samtidskunst

THE GRASS IS ALWAYS GREENER

DAQUI PARECE UMA MONTANHA

DIE KIRSCHEN IN NACHBARS GARTEN

GRÆSSET ER ALTID GRØNNERE

Ann Louise Overgaard Andersen (DK) AVPD (DK) Claudia Larcher (A) Dalila Gonç alves (P) Katharina Lackner (A) Gregor Graf (A) Jeppe Hein (DK) Miguel Palma (P) Nuno Cera (P) Tove Storch (DK)

Ann Louise Overgaard Andersen (*1977, Denmark) This is goodbye II, 2014 Mixed media Privat samling | Private collection Venligst støttet af | With the kind support of Danish Art Workshops and Danish Arts Council

GRÆSSET ER ALTID GRØNNERE Østrigske, danske, og portugisiske samtidskunstnere

Græsset er altid grønnere viser værker lavet af samtidskunstnere fra Østrig, Danmark og Portugal. Ved første øjekast synes udstillingen at være en præsentation af samtidskunstkunstnere fra de respektive lande. Men udstillingens portugisiske kurator Luísa Santos foreslår en anden fortælling og tolkning.

Et hurtigt blik på de tre lande viser, at de alle er relativt små. De grænser op til større lande, som de tidligere har haft et anstrengt forhold til på grund af tabte krige i fortiden, og som de stadig sammenligner sig med. Men kigger man nærmere efter, kan man identificere en række modsætninger, der karakteriserer noget almenmenneskeligt. Det er netop disse almenmenneskelige modsætninger, som udstillingen ønsker at udfolde.

Udstillingen fortæller om en række modsætninger, der mødes i værkerne.

For det første; den store over for den lille, for det andet; forestillingen om, hvad den Anden er, og det, den Anden er i virkeligheden, forholdet mellem betragteren og det betragtede, og endelig modsætningen mellem det kendte og det ukendte. Modsætningerne kommer ikke kun til udtryk i værkerne, men er også de

4

følelsesmæssige modsætninger, der opstår i vores møde med dem. Følelser som fx lysten til at opdage noget nyt, til at skifte til noget større og bedre, og samtidig, paradoksalt nok, behovet for trygge tilflugtssteder.

Værket Slide (2009-2013) af Katharina Lackner (f.1981) indeholder tre modsætningspar: stor og lille, illusion og virkelighed, ukendt og velkendt. Slide består af en paraply, som vi normalt forventer at se i en bestemt størrelse, men her er den kæmpestor og har en rød farve, som rent visuelt får den til at virke endnu større.

Den enorme paraply hænger ned fra loftet, og vi kan tage fat i håndtaget og bruge det til at komme fra den ene side af salen til den anden. På den forstørrede paraply kan man se detaljer, som vi ikke lægger mærke til, når paraplyen har sin normale størrelse. Og oplevelsen af at tage fat i paraplyen bringer os tilbage til vores barndom og giver os en fornemmelse af at være personer i historier som ”Gullivers rejser” (1726) af Jonathan Swift eller ”Alice i eventyrland” (1865) af Lewis Carroll. Det magiske element i disse litterære værker er også en del af Katharina Lackners værk, uanset hvor fortrolige vi er med den genstand, som ligger til grund for værket.

Nuno Cera (1972, Portugal) O Passageiro #4, 2011 Lambda i Diasec | Lambda in Diasec Tilhører kunstneren | Collection of the artist Udlånt af kunstneren | Courtesy of the artist © Nuno Cera

5

I fotografierne Landscape (2014) bruger Gregor Graf (f. 1976) en anden metode til at modstille illusion og virkelighed.

Fotografierne, som er en del af en serie, minder om det visuelle univers i postkort fra første halvdel af det 20. århundrede, hvor farverne blev lagt på i hånden, og ligheden med virkeligheden dermed uundgåeligt ændret. Gregor Graf har skabt nogle uvirkelige landskaber ud af virkelige elementer ved at lægge dele af fotografier oven på hinanden og kombinere og ændre farver. Det frembringer en verden, der går ud over den virkelighed, vi kender. Med de imaginære landskaber problematiserer Gregor Graf den tilsyneladende ideelle verden, der ligger i det fiktive udtryk i postkortene.

Claudia Larcher (1979, Austria) HEIM, 2008 Video animation,16:9, 12 min, HD, colour, sound Tilhører kunstneren | Collection of the artist Udlånt af kunstneren | Courtesy of the artist © Claudia Larcher

6

Værket Mountain (2013) er et sort/hvidt bjerg af store dimensioner og med stærke kontraster. Her skaber Gregor Graf igen og i endnu højere grad en følelse af overskridelse. Man skulle tro, det var en umulig opgave at fremkalde en indre, psykologisk oplevelse i os beskuere, som ligger hinsides forståelsen af formen - og så gennem et enkelt billede. Dette fotografi af et bjerg, som begynder ved gulvet og slutter ved loftet på den samme væg, er en perfekt metafor for det foruroligende forhold mellem mennesket og naturen. Kunstnere har gennem tiden arbejdet med visuelt at fremkalde ”det sublime”, en følelsesmæssigt overvældende oplevelse gennem mødet med noget så

stort, at det ligger ud over det, vi kan forstå. Oplevelsen kan være lige så stærk, som den kan være skræmmende.

Denne overvældende sublime følelse er blevet fortolket af mange kunstnere i tidens løb, fx Caspar David Friedrich, James Turrell og J.M.W. Turner.

Den sublime oplevelse er også til stede i serien af fotografier og videoer med titlen O Passageiro (2011) af Nuno Cera (f. 1972), der tager os med ud på en rejse, som på én gang er en flugt, og en vej mod et sted, vi ikke kan nå frem til. Inde i grotter – arketypiske tilflugtssteder – oplever vi en tilsyneladende usynlighed, som synes at beskytte os, men rejsen fører os gennem et netværk af konstante

veje ind og ud af grotterne ved havet.

Grotterne virker somme tider beskyttende på os, og på andre tidspunkter udsætter de os for noget, der ligger uden for os selv. I et spil mellem det virkelige og det fiktive udvikler rejsen i O Passageiro sig i en tæt dialog med det romantiske ideal om sublime atmosfærer. Det efterlader os i et følelsesmæssigt virvar mellem fascinationen af det ukendte og overraskende og behovet for et beskyttende tilflugtssted.

Et lille hul i væggen udgør værket YOU (2011) af Jeppe Hein (f. 1974), og hullet synes at opfordre os til at kigge igennem det. Det er svært ikke at blive nysgerrig og kigge ind i hullet efter et rum på den anden side af væggen, men når vi prøver at se derind, møder vi spejlbilledet af vores eget øje. I stedet for et voyeuristisk kig ind i et privat rum møder vi intet andet end os selv. Den tiltrækningskraft, der får os til at kigge, bliver erstattet af konfrontationen med vores eget billede.

Vores forventning bliver afløst af en foruroligende følelse af på én gang at være iagttagende og iagttaget.

I værket Heim (2008) præsenterer Claudia Larcher (f. 1979) os for et sted, som veksler mellem udenfor og indenfor, og som også giver os en følelse af både at iagttage og blive iagttaget. Et stort, idyllisk landskab står i kontrast til et hus, som kun ved første øjekast ser ud til at være et trygt sted. Videoen Heim imødekommer vores ønske om at se, ikke så meget det omgivende landskab,

7

men et indvendigt rum, som ikke er vores eget. Det er et rum med uventede elementer fra en fortælling, som vi ikke er en del af. Ordet Heim er tysk og betyder ’hjem’, og ordets betydning har flere lag: Et hus, det typiske sted for familieliv og beskyttelse samt et sted, der er forbundet med minder og identitet. Værket giver os en tur gennem det private rum, fra loftet og helt ned til kælderen, hvor vi med insisterende detaljer fornemmer minder og historier gennem den lange række af personlige genstande, der befinder sig i huset. Det fremkalder en følelse af fremmedgjorthed og uro (Unheimlich), hvilket står i modsætning til det intime ved huset (Heim) og de idylliske landlige omgivelser.

Polytones (2013) af AVPD-duoen (Aslak Vibæk, f. 1974, og Peter Døssing, f. 1974) er en serie værker, der består af forskellige rummelige kasser, som er inddelt i et matematisk forhold til hinanden. Hvert rum bliver til en slags mystisk lysmaskine, som indgår i en mærkværdig kombination med den næste kasse.

Rummene ændrer konstant deres nuancer i overensstemmelse med både lyset udefra og deres placering, og de får os til at spekulere over, hvad der mon er inde i de spændende, stadig foranderlige kasser. Ønsket om at se og rejse til ukendte steder, som vi tror er bedre end dem, vi allerede kender, er et tilbagevendende tema i samtidskunsten: fra voyeurisme til

8

virkelige og imaginære rejser og til idéen om, hvad et hjem er – mange kunstnere har på forskellige måder udforsket menneskets iboende fascination af det ukendte, der eksisterer sammen med behovet for at være et velkendt sted. På den måde afspejler udstillingens værker denne ambivalens, der er i os mennesker. Hvis vi ser på den sociale og økonomiske situation i dag, er migrationen hastigt stigende i en søgen efter en bedre virkelighed. Det er imidlertid ikke usædvanligt, at mennesker,

AVPD (Aslak Vibæk, 1974, & Peter Døssing, 1974, Denmark) Polytones [PT-121860], 2013 125 x 185 x 600 mm Syrefrit museumskarton, tegnepapir, lim, float glas | Acid free museum cardboard, drawing paper, glue, float glass Foto | Photo copyright: AVPD © AVPD 2013

der er rejst ud, ønsker at vende tilbage til det sted, de kom fra. Og at de oftere flytter til kvarterer, hvor de bor sammen med landsmænd, end til helt ukendte områder.

Det er også almindeligt at høre mennesker, der bor i lande, som betragtes som stabile, ytre ønske om at leve et fredeligt liv i et af de lande, som for tiden er i krise, hvad enten det er af geografiske, klimatiske eller kulturelle årsager. Den Andens virkelighed synes altid at være genstand for nysgerrighed og længsel.

Untitled, Metal Object, (2008) af Tove Storch (f. 1981) er en samling af lave kasser, som ved første øjekast ligner massive metalblokke. Når vi bevæger os hen imod og rundt mellem kasserne, bliver vi klar over, at de alle er tomme og dækket med silke i forskellige nuancer af gråt. Hver af dem ser ud som om, de ønsker at sammenligne sig med og være højere end de andre kasser. Vi fornemmer en form for latent konkurrence, hvilket dog virker absurd mellem sådanne ens genstande.

9

Et andet konkurrerende forhold ser vi i værket af Dalila Gonçalves (f. 1982): Amontar em Carga e Descarga (20122014). På afstand virker værket sart og skrøbeligt, og umiddelbart ligner det en skyline. Amontar em Carga e Descarga er opbygget af en serie af BIC-kuglepenne nogle med mere blæk end andre, nogle mere slidte end andre. Visuelt udgør de en uregelmæssig vandret linje, som på afstand godt kunne ligne en bjergkæde.

Tiden har historisk altid været betragtet som et begreb, der kunne opfattes empirisk, men som var svært at definere teoretisk. Værkerne af Dalila Gonçalves og Ann Louise Overgaard Andersen kan ses som eksempler på, hvad den græske filosof Aristoteles mente med opfattelsen af tiden som noget iboende i universet. I sin bog ”Fysik” skriver Aristoteles: "for man siger jo, at de menneskelige Forhold går i Kredsgang og at

10

Tilblivelse og Undergang hos alle de andre Ting der har en naturlig Bevægelse, ligeledes gaar i Kreds. Og det er fordi alle disse Ting bestemmes ved Tiden og har baade Slutning og Nybegyndelse som om de bevægede sig i en eller anden Rundgang. For også Tiden selv synes jo at være en Kreds" (Gyldendal 1999, udgivet første gang 1951) I This is goodbye II (2014) af Ann Louise Overgaard Andersen (f. 1977) bliver tid og rum fremstillet som cirkulære. To forbundne vægge ser ud til at være en del af et hus. Væggene møder os på en måde, der får os til at spekulere på, om vi befinder os inde i eller uden for dette rum.

Processen med at søge efter rummets potentielle indgange giver os en følelse af at være fanget i tiden og vente på noget, der aldrig vil ske. Det der kunne være indgange eller udgange forekommer som bevidste antiklimakser: det, der

Dalila Gonçalves (1982, Portugal) Amontoar em Carga e Descarga (2012 - 2014) Installation Tilhører kunstneren | Collection of the artist Foto | photo copyright: Telmo Sá

ligner passager, forhindrer os i at komme længere end det, vi kan se.

Pays/scope (2012) af Miguel Palma (f. 1964) danner en kontrast til den antiklimatiske følelse, der bevidst fremkaldes af Ann Louise Overgaard Andersens This is goodbye II (2014). Der er altid noget fascinerende og overvældende ved at blive konfronteret med noget, der er meget større end os selv. Pays/scope består bl.a. af et seks meter højt tårn, som første gang blev vist på bjerget Sainte-Victoire, et bjerg som kunstneren Paul Cézanne ofte portrætterede i sine malerier. Tårnet ændrede bjergets normale rolle fra iagttaget til iagttagende. Et cirkelrundt spejl på toppen af tårnet fungerede som et kæmpestort øje, der forstørrede virkeligheden og viste bjergets omgivelser i en langsom og kontemplativ proces. I Palægården foran Museet for Samtidskunst bliver denne ændring af

rollen fra iagttaget til iagttagende gentaget: Spejlet på toppen af tårnet observerer os og den virkelighed, der omgiver tårnet, med et teleskopisk og konstant blik.

Oplevelserne i udstillingen er overraskende og modsætningsfyldte.

Konfrontationen med det, der er større end os; kontrasten mellem den idé, vi har om noget i modsætning til virkeligheden; mellem at søge noget ukendt og samtidig at frygte dets enorme omfang og søge tilflugt i det velkendte. Disse konfrontationer refererer til et alment socialt fænomen, som overskrider geografiske grænser: Set herfra (hvor ’her’ så ellers er) er græsset altid grønnere et andet sted.

- Luísa Santos, September 2014

11

THE GRASS IS ALWAYS GREENER Austrian, Danish, and Portuguese contemporary artists

The Grass is Always Greener, puts together contemporary Austrian, Danish and Portuguese artists. On first reading it may seem that this is an exhibition giving an overview of contemporary artists from specific countries. The story of the exhibition proposes a different interpretation.

A quick look at the three countries shows that they are all quite small. They all border with larger countries with which they have had a difficult history, with lost wars and continue to have a strange relationship based on comparisons. A closer look allows us to draw a parallel with the human condition and to identify a series of dichotomies that characterise it. It is precisely in this parallel and construction that the story of the exhibition unfolds.

The characters (the works) of this story come together in a series of dichotomies. Firstly, the large in conflict with the small; on the other hand, the visual formalisation of the contrast between illusion of what the Other seems to be and the real of what the Other truly is; the relationship between the observer and the observed; and, finally, the contradiction between unknown and known, translated by the desire to discover, to change to

12

something bigger and better and, paradoxically, the need for familiar refuges.

The work of Katharina Lackner (*1981) with which this journey begins is included in three binomials: big and small; illusion and real; unknown and familiar. An umbrella (Slide, 2009-2013), which we usually expect to be of reduced dimensions, is enormous here, and of a red that in a visual game increases it still further. The gigantic umbrella is suspended from the ceiling, we can grab the handle and use it to move from one side of the room to the other. The experience of grabbing this enlarged umbrella, with details that we do not see in its normal size, transports us to our childhood making us feel as if we were characters in stories such as “Gulliver’s Travels” (1726) by Jonathan Swift, or “Alice in Wonderland” (1865) by Lewis Carroll. The fantastic quality of these literary works is also part of Katharina Lackner’s work, despite the normality and familiarity of the object from which it was created.

Landscape (2014) by Gregor Graf (*1976) makes use of another method to contrast the illusion with the real. The photographs, from a series of three, evoke

Katharina Lackner (1981, Austria) Slide, 2009-2013 Installation Tilhører kunstneren | Artist’s collection Š Katharina Lackner

the visual universe of postcards from the first half of the twentieth century, when the colours were hand-painted and the resemblance to the reality was inevitably changed. From the questioning of what seems to be an ideal place, inherent to the imaginary contained in these postcards, Gregor Graf created unreal landscapes from real elements. In a process of superposition, combining and changing colour, the artist joined parts of photographs of different landscapes in the same image, resulting in a transcendence of reality as we know it.

In the black and white mountain, of great contrasts and dimensions (Mountain,

2013), Gregor Graf returns to creating, even more sharply, a sensation of transcendence. Provoking an internal, psychological experience, which is beyond the understanding of form, through one image, seems to be an impossible task.

This photograph of a mountain, which starts at the floor and ends at the ceiling of the same wall is the perfect metaphor to translate the disquieting relationship between the human being and nature.

The impetus to visually evoke the sublime, the emotionally overwhelming experience of encountering something so vast, much greater than us and what we can understand, is as overpowering as it is terrifying, and has been interpreted

13

by many artists over the years, such as Caspar David Friedrich, James Turrell and J. M. W. Turner.

These references are also features of the series of photographs and videos entitled, O Passageiro (2011), by Nuno Cera (*1972), which take us through a route that is simultaneously a refuge and a place that eludes us. Inside caves, primordial places for taking refuge, an apparent invisibility seems to have the mission of protecting. However, the

route takes us through a web of constant movements of entrance and exit from sea caves, between interior and exterior, at times protected observers and at other times exposed to something that transcends us. In a type of game located between the real and fictional, the journey of O Passageiro evolves in a close dialogue with the romantic ideal of sublime atmospheres that leave us in a limbo between the fascination of the unknown and surprise and the need for protection in a shelter.

Jeppe Hein, (1974, Denmark) You, 2011 UdlĂĽnt af | Courtesy Johann KĂśnig, Berlin, 303 Gallery, New York and Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen Foto | photo copyright: Anders Sune Berg

14

A small hole in the wall (YOU, 2011) by Jeppe Hein (*1974) seems to ask us to see through it. It is difficult to escape the curiosity of a space inside a space. Trying to look through the hole, we meet the reflection of our own eye. Rather than a voyeuristic view into a private space, we are faced with nothing else but ourselves.

The fascination that drives the decision to quickly observe is replaced by a sense of confrontation with our own image and expectation is replaced by a disturbing feeling of being simultaneously observer and observed.

Claudia Larcher (*1979) introduces us to a place (Heim, 2008) that also fluctuates between exterior and interior, observer and observed. A vast bucolic landscape contrasts with a house that on first sight might look like a safe haven. The video, Heim, responds to our desire to see, more than the surrounding landscape, an interior that is not ours, with unexpected elements of stories which we do not share.

The word, Heim, translated into English means house, but its meaning in German has several layers: house, primordial place of family and protection and also of memories and identity. The insistent detail of the route through a private space, from the attic to the basement, in which memories and stories are revealed through numerous personal objects found in the house, provokes a sense of strangeness and anxiety (Unheimlich), opposed as much to the intimacy of the house (Heim), as to the serenity of the rural space which surrounds it.

Polytones (2013), from the AVPD duo (Aslak Vibaek, *1974 and Peter Doessing, *1974), is a series of works made of relationships between different interiors mathematically divided. Each interior (or room) becomes a sort of mysterious light machine always in a strange combination to the next one. They change continuously their tonal combinations according to both the exterior light and the condition of their positions making us wonder what might be inside these ever changing intriguing boxes.

The desire to see, to go to unknown places that we can imagine as being better than what we have is a recurring theme in contemporary art. From voyeurism to real and imaginary journeys and to the idea of home, many artists have explored the human condition of fascination with the unknown alongside the need to be in places which are familiar to us. In this way, these representations reflect the ambivalence of human relations.

Jumping to the current social and economic times, migratory movements proliferate, in search of a better reality. It is not, however, uncommon to hear someone who has left say that they want to return to where they came from and, while in a new place, live more in neighbourhoods where they are surrounded by their compatriots than in areas which are completely unknown. It is also common to hear people who live in countries that are considered stable speak of their wish for a quiet life in one of the countries now in crisis, be it through geographic,

15

climatic or cultural reasons. The reality of the Other always seems to be the object of curiosity and desire.

In a set of low boxes which at first sight look like solid blocks of metal (Untitled, Metal Object, 2008, by Tove Storch *1981), there is a kind of latent competition. When we approach and go through the spaces between the boxes we realize that they are all emptied of material and covered with silk of different shades of grey, showing subtle traces of the movements that formed them. Each one seems to want to be higher than the others in a somewhat absurd comparison between such similar entities.

Another competitive relationship is shown in the work by Dalila Gonçalves (*1982) presented in this exhibition: Amontoar em Carga e Descarga (2012 – 2014). From a distance it appears delicate and fragile in what seems to be a skyline. Amontoar em Carga e Descarga is composed by a series of BIC pens, some with more ink than others, some with more use than others, visually forming an irregular horizontal line of what could be imagined as mountains.

Historically, time has always been observed as a concept that was empirically acquired but difficult to define theoretically. The installations and objects of Dalila Gonçalves and Ann Louise Overgaard Andersen can be seen as examples of what Aristotle meant with the notion of time as something intrinsic

16

to the Universe. In his book, “Physics” (1837), Aristotle states that “there is a circle in all other things that have a natural movement and coming into being and passing away. This is because all other things are discriminated by time, and end and begin as though conforming to a cycle; for even time itself is thought to be a circle.” (Hussey 1983) In This is goodbye II (2014) by Ann Louise Overgaard Andersen (*1977), time and space are presented as circular. Two interconnected walls appear to form part of a house. The walls confront us in way that makes us wonder if we are inside or outside this space. The process of understanding the potential entrances causes a sense of being trapped in time waiting for something that will never happen. What could be entrances or exists to elsewhere appear deliberately anticlimatic: what could be passages impede us to go beyond what we see.

Pays/scope (2012), by Miguel Palma (*1964), ends the route in a confrontation which contrasts with the deliberately anti-climactic sensation of This is goodbye II (2014), by Ann Louise Overgaard Andersen. There is always something fascinating and overwhelming in being confronted with something much greater than ourselves. Presented for the first time in Saint-Victoire mountain, the star of so many of Cézanne’s paintings, the six metre tower changed the mountain’s usual position, from observed to observer. A circular mirror

at the top of the tower functioned as a giant eye, amplifier of reality, and showed, in a patient and contemplative process, what surrounded the mountain. In the courtyard of the Museum of Contemporary Art, the process of inverting the observed to the observer is repeated: the mirror on top of the tower observe us, in a telescopic and steady look at reality, as part of the landscape surrounding the tower in its location.

The surprises along this route are particularly confrontational. The confrontation

with what, by comparison, is greater than us; the confrontation between the idea we have created of something and reality; the confrontation between wanting something unknown but, at the same time, dreading it in its sublime immensity and seeking refuge in what is known.

These points of confrontation refer to the symptoms of a common social field that transcends geographic boundaries: from here (wherever that ‘here’ may be) the grass seems always greener.

- Luísa Santos, September 2014

Miguel Palma (1964, Portugal) Pays/scope, 2012 Metallisk struktur og spejl | Metallic structure and mirror Udlånt af | Courtesy of MUDAM Luxembourg collection Musée d´Art Moderne Grand Duc Jean collection. Donated by Reginald Neuman.

Foto | photo: Bruno Sousa Atelier Miguel Palma

17

Tove Storch (1981, Denmark) Untitled (metal object #1), 2008 Silke, træ, tråd | Silk, wood, thread Udlånt af kunstneren og Nils Stærk, København | Courtesy the artist and Nils Stærk, Copenhagen Foto | Photo copyright: Anders Sune Berg

18

GRÆSSET ER ALTID GRØNNERE THE GRASS IS ALWAYS GREENER 11.10.2014 - 18.01.2015

Publiceret af | Published by: Museet for Samtidskunst Stændertorvet 3A DK - 4000 Roskilde www.samtidskunst.dk Kurator | Curator: Luísa Santos Produceret af | Produced by: Katrine Møllebæk, Helen Nishijo Andersen, Enrico Passetti I samarbejde med | In collaboration with: CAM – Fundação Calouste Gulbenkian Tekster | Texts: Luísa Santos, Katrine Møllebæk, Sif Hellerup Madsen, Kit Lindved Sværke Grafisk tilrettelæggelse | Layout: Mette Sanggaard Print | Tryk: Narayana Press Støttet af | Supported by: Statens Kunstfonds Billedkunstudvalg Det Obelske Familiefond Bikubenfonden Tak til | Thanks to: Den Portugisiske Ambassade | Embassy of Portugal TAP Portugal

Gregor Graf (1976, Austria) Mountain, 2013 Fotografi | Photography Tilhører kunstneren | Collection of the artist Udlünt af kunstneren | Courtesy of the artist Foto | Photo copyright: Gregor Graf