ActualizARTE

ACTUALIZARTE

PASAJES DE LUZ

Obra sensorial

Sarah Andersen

INTERNET WALLS

Banksy: diferencia

INDIFERENTE

EDITORIAL

DIRECTORIO

Les damos la bienvenida a todos nuestros lectores a esta, la primera edición de ActualizARTE. Agradecemos su preferencia y los invitamos a seguir nuestras futuras publicaciones electrónicas. La revista, junto con todos sus colaboradores, tienen como fin dar a conocer de los eventos actuales en el campo del arte contemporáneo.

El arte contempoáneo puede ser un termino ambiguo ya que varios se discuten su temporalidad, sin embargo, en su mayoría converge en el siglo XX. En general, todas sus expresiones se caracterizan por innovar en las sobre reglas preestablecidas y la reutilización de estándares previos con significados distintos.

Dentro de nuestras diferentes secciones abarcaremos desde una perspectiva mundial, futuras exposiciones y el ámbito digital. En esta edición tomaremos la polémica del arte desde un escenario de destrucción, la introducción de diferentes exhibiciones en la Ciudad de México y las diferentes ofertas que el panorama mundial nos brinda con respecto al tema.

Si usted desea comunicarse con nuestro equipo de editorial le dejamos los datos a continuación. Los textos aquí publicados son propiedad de esta revista y las opiniones vertidas por los colaboradores son responsabilidad de los mismos.

Director general Enrique Delfín Espinoza

CONTENIDO

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Fotógrafa Adriana Vargas Landa Distribución Carolina Guzmán Hernández Redes sociales Ana Karen Vidal Barahona Ventas y contacto Eduardo Octavio Guillén Arriola

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Banksy: diferencia indiferente

Parasitage: Ruidos negros

Planea tu visita

Proyectos Monclova: Hacer y Saber

Pasajes de Luz: Obra sensorial

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Polémica digital

12 ACTUALIZARTE

Producción multimedia Maria Fernanda Espejo Hernández

Museos para Instagram

Alrededor del mundo

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Diseñadora editoral Rita Pamela Godínez Hernández

Destrucción por una lata de Coca-Cola

Sarah Andersen Internet Walls

Alrededor del mundo

Museos para

INSTAGRAM Si alguna vez te has preguntado cuáles son los museos más instagrameables del mundo, aquí están.

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e Tokio a San Francisco... estos recintos saldrás con muchas imgenes que seguramente querrás compartir en todas tus redes sociales.

Los museos nos acercan al mundo del arte y suelen ser edificios que concentran exposiciones de artistas consagrados y emergentes.

Pero algunos de ellos, además de ofrecer lo ya mencionado, también buscan que sus visitantes vivan experiencias unicas para tomar fotografías que puedan compartir de inmediato a través de sus cuentas en redes sociales, como Instagram.

Si alguna vez te has preguntado cuáles son los museos más instagrameables del mundo, son los siguientes; son tres que ofrecen coloridas exposiciones que los convierten en opciones ideales para tomarte fotografías que puedas compartir al momento.

COLOR FACTORY

Colores, arte y cultura, con la oportunidad de revivir la infancia, es lo que ofrece este museo dedicado al color. Un espacio industrial en la ciudad de San Francisco alberga a esta exposición con piezas de artistas contemporáneos que te harán llevar la visita al museo a otro nivel; , sumérgete entre miles de pelotas amarillas, entra a un cuarto totalmente azul y finaliza probando las mejores golosinas de la ciudad.

MUSEO

DE YAYOI KUSAMA Quienes tuvieron la oportunidad de asistir a la exposición que estuvo en México sabrán lo que es estar dentro de su universo. En su natal Tokio se encuentra su propio museo, el cual tiene toda la retrospectiva de la peculiar artista de peluca naranja con sus obras donde destacan los puntos, las rayas, los espejos y el infinito. Sin duda un lugar instagrameable obligado a visitar si te encuentras en Tokio.

ICE CREAM MUSEUM

Así es, existe un museo dedicado especialmente para este delicioso postre. El museo, en sus dos ubicaciones (Miami y San Francisco), es un espacio multicolor lleno de sabor. Y de espacios llenos de plátanos, albercas de chispas de color y paletas gigantes de hielo, entre otros elementos. Aquí, hasta los artistas, no han dejado pasar la oportunidad de capturar alguna foto para después subirla a su cuenta de instagram.

Alrededor del mundo

Banksy: diferencia

INDIFERENTE

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Hay quien se desentiende del consenso en torno a que lo realizado por Banksy es, en efecto, arte.

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ACTUALIZARTE

ivir para ver. El pasado 5 de octubre, una trituradora oculta en el marco de Niña con globo reducía el lienzo a jirones, ante la mirada perpleja de los asistentes y del propio subastador de Sotheby’s que, segundos antes, había ratificado con un risueño y enfático martillazo la venta millonaria. A las pocas horas, la obra de Banksy se revalorizó hasta alcanzar el doble del precio que se había pagado por ella. El debate estaba servido: ¿se trataba de una sutil crítica al mercado del arte o de una chabacana, pero exitosa estrategia de marketing?

El coleccionista Acoris Andipa afirmó, entrevistado en The New York Times, que lo sucedido en la subasta es ya “un pedazo de la historia del arte”. Para otros, dicho arte no sería sino la víctima mortal de un circo de especuladores, de suerte que Banksy vendría a tachonar el último clavo de su sepulcro.

Las cosas han sucedido tan rápido que pocos parecen reparar en el hecho, cuando menos sorprendente, de que lo que ha puesto patas arriba el mundo de la cultura no es sino un grafiti.

Desde que Duchamp introdujese un urinario en el museo y pintase un bigote a la Mona Lisa, es bien sabido que los sucesivos intentos de derrumbar los cimientos del arte suelen ser, en realidad, tentativas de ampliar sus fronteras.

La inclusión de las cajas Brillo en el MOMA, con la celebrada crítica de Warhol al concepto de originalidad, es un célebre ejemplo de ello. Y el grafiti es, naturalmente, el último de los mojones que van jalonando este apasionante camino hacia ninguna parte: no deja de ser paradójica la incorporación al canon artístico de una pintada urbana que, por definición, encuentra su lugar en la marginalidad de lo clandestino, extramuros del museo.

Naturalmente, hay quien se desentiende del consenso en torno a que lo realizado por Banksy es, en efecto, arte. Hace unos meses apareció un mural suyo en un viejo puente levadizo de Hull, la pequeña ciudad al norte de Inglaterra en la que el poeta Philip Larkin trabajó como bibliotecario durante casi tres décadas. Debido a que la estructura del puente se encontraba en peligro de derrumbe, no fueron pocas las voces

“My wife hates it when I work from home.” Banksy, 2020.

que urgieron a salvar la obra mientras fueran posible.

Un concejal del Partido Conservador se opuso a ello, aduciendo que, comparado con lo que se expone en el museo local —que cuenta con una notable cantidad de pinturas renacentistas y barrocas—, lo de Banksy difícilmente podía ser considerado “arte de verdad”.

Es tentador responder al concejal que él no entiende a Banksy. La intelectualización del arte contemporáneo nos lleva a pensar que basta con descifrar una obra para disfrutarla, a despecho de que, a veces, aunque captemos el mensaje, ni nos emociona ni nos interpela. Como escribió Schopenhauer, para quien el arte procedía de la intuición, y no del intelecto, “desde que se ve la intención, indispone”. Cierto es que, aun desde la emboscadura y el simulacro, los grafitis de Banksy incurren no poco en la obviedad y el sobreentendido. Desde el recinto de la subversión tolerada promueven una “diferencia indiferente”, por decirlo con Hegel, repleta de novedades anecdóticas que nunca alcanzan el grado de categoría y que, a la postre, nos dejan algo fríos. Ningún Savonarola quemaría sus obras en plaza pública, cuanto que a nadie escandalizan. Sin embargo, sus piezas de street art despuntan en las salas de los museos y, con todo, se sacuden las adherencias académicas, como si su frescura popular las sustrajese de toda explicación intelectualista.

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Planea tu visita

PARASITAGE Ruidos negros

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l Museo de Arte Carrillo Gil presenta la selección de 10 autores apoyados bajo el auspicio de la sexta edición del Programa BBVA-MACG. Los artistas que fueron seleccionados, que trabajaron con los curadores, y de quienes se exponen sus trabajos en Parasitage. Ruidos negros son: Anni Garza, Elsa-Louise Manceaux, Erik Tlaseca, Néstor Jiménez, Octavio Aguilar, Rolando Jacob, Tania Ximena, Ulises Matamoros, Víctor del (M)Oral y Yanieb Fabre.

La coordinación curatorial estuvo a cargo de Michel Blancsubé.

La forma en que se trabaja bajo el programa da pie a un diálogo y apertura de la labor que llevan a cabo los distintos artistas que consiguen la beca.

Es una especie de “laboratorio formativo”, como lo menciona la directora del museo, Tatiana Cuevas. El curador, Blancsubé, sostiene que su trabajo fue similar al de un antropólogo, ya que comparó “poner en orden las investigaciones realizadas por 10 etnógrafos”.

De los diversos trabajos, en formatos, algunas con referencias a trabajos de artistas consagrados, y otras con mayor originalidad. Resalto dos piezas: la hecha por Anni Garza, Simbiosis programada: el cuerpo post-internet, donde se reflexiona sobre el efecto de la tecnología en nuestros cuerpos. La obra consta de tres trajes que el visitante puede usar y activar. Contiene sensores que limita y posibilita determinadas experiencias en los

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De los diversos trabajos, algunos con referencias a trabajos de artistas consagrados, y otros con mayor originalidad. portadores. Son vestuarios inteligentes que cuestionan sobre las posibilidades de la tecnología y su efecto en los humanos.

Por su parte, la pieza de Víctor Del (M)Oral, Caída libre de la letra A (Lecto-escultura No. A), proyecta tres videos de un performance llevado a cabo en la Torre Insignia, en la zona de Tlatelolco de la CDMX. El artista deja caer al vacío una gigante “A” que se destruye al llegar al piso, representando el fin de una época, una época que marcaba a las letras como el centro, en contraste con la época actual.

Programa BBVA - MACG La alianza es una iniciativa interdisciplinaria que apoya el desarrollo, la producción y la exhibición de proyectos de artistas jóvenes.

Este programa formativo tiene como objetivo abrir campos de reflexión y crítica dentro de las prácticas artísticas, además de fomentar la profesionalización de las nuevas generaciones de artistas mediante la discusión entre pares y con especialistas de distintos ámbitos. El programa busca también estimular el diálogo, negociaciones e intercambios entre artistas y diversos agentes sociales, poniendo especial interés en la manera en que este intercambio se materializa en obras artísticas capaces de desencadenar nuevos procesos de interacción con el público.

La beca formativa se traduce en seminarios, talleres, encuentros, estudios de especialización, asesorías curatoriales, residencias y viajes de estudio, entre otros. Estas actividades fortalecen la materialización y resolución plástica de los proyectos mediante la gestión interinstitucional, asesorías técnicas, adquisición de equipo y materiales, museografía, difusión y exhibición en el Museo de Arte Carrillo Gil, así como la publicación de un catálogo.

Proyectos Monclova

HACER P

royectos Monclova presenta una exposición de Edgar Orlaineta (Ciudad de México), Hacemos lo que sabemos antes de saber lo que hacemos, quien propone una serie de piezas que, como lo menciona la galería “cuestionan la percepción, y el valor simbólico y económico de las cosas”. En efecto, aunque encontramos técnica mixta, Orlaineta en esta exposición emplea madera principalmente. Las piezas son una especie de rompecabezas conformados por distintas formas y texturas: Son esculturas que dan aspecto de objetos con una funcionalidad definida o convencionalizada, aunque luego al mirarlas detalladamente, tal función se diluye. El valor estético pesará más, aunque no deje de haber referencias culturales e históricas específicas.

Si bien, todas las piezas de la muestra tienen lazos comunicantes, ya sea por alguna forma o color, resalta la titulada Naturaleza Muerta, en la que Orlaineta incorpora trozos rectangulares de madera —que ya de por sí denotan trabajo plástico en su tratamiento— que van completando el rompecabezas y dan como resultado un pequeño cuadro.

En combinación con madera en su presentación natural, también se usan piezas pintadas que sirven de elementos disruptores, pero que al

Y

SABER

Las piezas son una especie de rompecabezas conformados por distintas formas y texturas.

final logran integrarse en armonía. El cuadro resultante, además, contiene una pequeña escultura colocada en una de las maderas que sobresale como si fuese una repisa. El ensamble es innegable, ya que se ha logrado armonía en los colores y las formas presentadas.

Se puede constatar la propuesta y el argumento del joven artista, al mismo tiempo que su pulida técnica que combina materiales resulta siempre una propuesta visual coherente.

Planea tu visita

PASAJES

DE

LUZ

Obra sensorial

P

asajes de Luz, la obra sensorial de James Turrell, llega al museo Jumex. En ‘Pasajes de luz’, el artista estadounidense James Turrell emplea la luz como medio y los campos saturados de color para que éstos adquieran una presencia física.

El artista estadounidense James Turrell, quien se caracteriza por emplear la luz como medio y los campos saturados de color para que su obra adquiera una presencia física, llegará al Museo Jumex de la Ciudad de México a partir de este viernes.

Pasajes de luz presenta nueva obra de las series más importantes de Turrell, las cuales se distribuyen en dos de las galerías del Museo Jumex creando un recorrido único.

En esta exposición, la percepción misma del objeto es la obra, pues “mi trabajo se trata más de ti viendo que de mí viendo, aunque es un producto de mi vista”, según describe James Turrell su obra.

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“Mi trabajo se trata más de ti viendo que de mí, aunque es un producto de mi vista”, James Turrell.

El artista emplea la luz como medio y los campos saturados de color que crea adquieren una presencia física. Por ejemplo, la pieza Squat Blue, de la serie Projection Piece, se trata de la proyección de un cubo de luz, que, aunque no esté físicamente ahí, toma presencia dentro de la habitación. El montaje de esta pieza tomó hasta 3 días para lograr una proyección simétrica y perfecta, de acuerdo con el curador de la exposición, Kit Hammonds.

Glosario para tu recorrido durante la exposición Estado alfa Alfa representa un estado de escasa actividad cerWebral y relajación.

Esas ondas cerebrales son más lentas y de mayor amplitud que las betas (un esado de mayor acividad cerebral).

Estado theta Son ondas cerebrales de mayor amplitud y menor frecuencia. En este estado se logra alcanzar una calma profunda. Es un estado de inspiración de ideas y soluciones creativas.

Perspectiva Panorama que desde un punto determinado se presenta a la vista del especador, esecialmente cuando esá lejano.

Cada cuerpo de trabajo dentro de la muestra se presenta con una cita literaria, todas de diversas fuentes, las cuales ofrecen un entendimiento poético de la obra de Turrell y sus influencias.

Pasajes de luz también incluye una serie de 20 grabados de First Light, los cuales capturan las diversas formas hechas de luz a partir de algunas de las piezas de proyección.

Entre otras imágenes también se muestran una selección de fotografías y modelos que documentan aspectos del proyecto Roden Crater de Turrell. Las vistas aéreas retratan la visión de Turrell del cráter como un piloto experimentado, lo que tuvo una gran influencia en su comprensión de la luz.

La instalación está diseñada para eliminar la percepción del espacio del espectador y para provocar diferentes formas de ver. Debes tener cuidado al caminar, pues, aunque parece un espacio limitado, es un tunel de dos metros de largo y cuatro de profundidad adicionales a la parte por donde puedes caminar.

El título Ganzfeld, que teine como significado ‘campo total’, proviene de los efectos de privación o sobrecarga sensorial, investigados por primera vez por el psicólogo alemán Wolfgang Metzger en la década de 1930.

El efecto Ganzfeld se ha utilizado en los intentos de abrir las “puertas de la percepción” a la telepatía, la proyección astral, la visión remota

y otros fenómenos extrasensoriales, explica Kit Hammonds.

Según el curador de la exposición, existe un vínculo cultural entre la trascendencia y la luz que es común en las búsquedas humanas de la verdad más allá del mundo tangible.

Para esta parte de Pasajes de luz tendrás que hacer una reservación vía internet, pues el cupo dentro del campo de color es limitado para lograr una mejor experiencia y tiene un costo adicional de 50 pesos, sumados a los 50 pesos de la entrada general al museo.

Otra cosa importante para destacar es que la toma de fotografías y video está prohibida a lo largo de toda la exposición.

EL

EFECTO GANZFEL Una de las instalaciones más impactantes dentro de la exposición es Amesha Spentas de la serie Ganzfeld, la cual consiste en un campo de color ilimitado donde las luces cambian con diferentes secuencias y colores. Si padeces epilepsia, no es recomendable que visites esta parte.

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Polémica digital

DESTRUCCIÓN por una Coca-Cola

U

n grupo de personas observa con pasmo cientos de cristales regados por el piso de la principal feria del arte de América Latina. Allí había una obra del artista Gabriel Rico valuada en 20.000 dólares. La responsable es Avelina Lésper, crítica de arte que aborrece el arte contemporáneo y que con el incidente incrementa su fama de polémica. La destrucción de la obra ha creado un torbellino de reacciones entre los defensores y detractores de Lésper.

El incidente ocurrió en el espacio de la Galería OMR. La obra Nimble and sinister tricks (to be preserved without scandal and corruption) constaba de un cristal templado vertical sostenido por dos ángulos de herrería de latón y atravesado por un balón de fútbol, una pelota de te-

nis, una piedra, una vara, un cuchillo y una pluma. Lésper se acercó a ella y se agachó para dejar una lata de refresco sobre uno de estos objetos.

El delgado vidrio se reventó causando un estruendo.

“El accidente sucedió cuando la obra implotó al intentar acercar una lata de refresco vacía a la obra.

Llevaba una lata vacía de refresco, traté de ponerla sobre una de las piedras, pero la obra explotó, ni siquiera pude apoyarla, me quedé con la lata en la mano”, contó al periódico para el que trabaja.

Lésper quiso seguir recorriendo la feria, pero fue detenida por un expositor vecino. Cristóbal Riestra, director de la OMR habló con la crítica, quien en un primer momento pidió a los galeristas las medidas del vidrio para reponerlo. “¡Yo soy económica-

Artista tapatio, Gabriel Rico Con un enfoque post-surrealista, la obra del artista (Lagos de Moreno, 1980) extrae una variedad de materiales, desde la taxidermia hasta formas de neón y objetos encontrados, que juntos crean entornos que abordan la relación entre la naturaleza, la arquitectura y las futuras ruinas de la civilización. En 2019 Rico, que hace unos días expuso en Zona Maco, motivo por el cual fue convocado por Ralph Rugoff, curador de la edición 58 de la Muestra Internacional de Arte de Venecia, para participar en la bienal italiana.

En 2016, Rico participó en la exposición colectiva Reconstrucción, en el Museo de Arte de Zapopan, con la pieza BW43 (2016).

Consistió en interrogar de qué manera los creadores se apropian del lenguaje, aludiendo a “voltear y anudar de nuevo nuestros vínculos afectivos, nuestras afecciones y limitaciones con aquellas imágenes proteicas y esenciales que dieron cuerpo a nuestras primeras esdrújulas, nuestros primeros diptongos, nuestras primeras comas y puntos y aparte”.

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“El accidente sucedió cuando la obra implotó al intentar acercar una lata de refresco vacía a la obra” Avelina Lesper. mente insolvente, yo soy insolvente!”, decía Lésper para evitar pagar el deducible de la obra. La crítica puede ser vista en muchas fotografías con la lata de Coca-Cola light en la mano. “Es una falta de respeto total que se ponga una lata de refresco sobre una pieza”, asegura Riestra.

Lésper sugirió después a Riestra vender la obra destruida después de haberla “intervenido”. Citó como referencia El Gran Vidrio, obra de Marcel Duchamp realizada con dos hojas de cristal que fueron quebradas durante uno de sus traslados, lo que llevó al artista francés a declararla “inconclusa”. La propuesta no sentó bien a los galeristas, quienes consideran la obra una pérdida total. “El sentido estético está perdido”, dice el director de la OMR. Gabriel Rico ha descartado una nueva producción de la obra, pues no puede garantizar que los cortes con agua que hace sobre el vidrio reproduzcan exactamente la pieza destruida. “No hay forma de que salga igual”, confesó a su galerista sentirse “triste” y “enojado” por el episodio.

Horas antes del incidente, Lésper había firmado una columna en Milenio en la que se burlaba del arte contemporáneo que se expone cada año en Zona Maco. “Los artistas VIP y sus pocas ideas viven una crisis existencial, no superan la etapa de los letreros de neón, cables o cuerdas colgados del techo”, escribió la crítica de arte.

Gabriel Rico, de 39 años, es uno de los artistas más prometedores de la escena de Guadalajara. El arquitecto ha comenzado a consolidarse gracias a exposiciones internacionales en las que relaciona objetos encontrados y que no tienen ninguna relación entre sí. Sus esculturas invitan a los espectadores a pensar en la relación entre los humanos y la tecnología con la naturaleza. La galería Perrotin de París, donde se prepara una exposición para 2020, describe las instalaciones del mexicano como una “combinación irónica y poética de formas naturales e innaturales que insisten en una necesaria contemplación de asimetrías y de nuestras fallas culturales y políticas”. Desde este sábado, Rico puede decir que la crítica ha destruido una de sus obras.

Polémica digital

Sarah Andersen

INTERNET WALLS Este lunes 3 de febrero, cibernautas reportaron en redes sociales que las ilustraciones.

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andalizan mural de Sarah Andersen en menos de una semana de haberse expuesto al público en CDMX. Con grafiti terminó el trabajo de la ilustradora estadounidense, autora del reconocido cómic Sarah’s Scribbles, creado para exhibirse en la Ciudad de México.

En menos de una semana, el mural de la ilustradora estadounidense Sarah Andersen, autora del reconocido cómic Sarah’s Scribbles (Garabatos de Sara), fue vandalizado en las calles de la Ciudad de México.

Apenas el 29 de enero, Andersen, quien pertenece al proyecto Internet Walls (impulsado por la compañía mexicana de diseño digital Pictoline) invitó a los mexicanos de la capital a través de su cuenta de Twitter a tomarse fotografías al lado de su mural “diseñado con muchas poses”.

Sin embargo, este lunes 3 de febrero, cibernautas reportaron en redes sociales que las ilustraciones, ubicadas en la calle Mérida esquina con Tabasco, en la colonia Roma, habían sido grafiteadas.

Ante esto, Sarah Andersen aclaró que afortunadamente “hay un revestimiento anti-grafiti en la pared” que ayuda a eliminarlo fácilmente. No obstante, este hecho provocó que los usuarios mostraran su molestia.

Otro artista de Internet Walls Alex Norris es conocido por su “OH NO”, un punchline que se ha convertido en personaje, meme, sticker. Su temática queer y los comentarios con los que se relaciona el internet lo han llevado a romper fronteras.