RockZone 159 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: DR

Pues sin comerlo ni beberlo ya volvemos a estar inmersos en la vorágine de festivales. El Punk In Drublic nos ha servido de entreno, luego ha llegado el Primavera Sound, y en nada nos plantaremos en el Azkena y el Download Madrid. Y eso sólo en junio. Slipknot, nuestros protagonistas de portada, también tiene una agenda de lo más apretada antes y después de que en agosto publiquen su esperadísimo sexto disco We Are Not Your Kind. Un álbum que todavía no hemos podido escuchar, pero sobre el que sí hemos podido preguntar a, ni más ni menos, que Corey Taylor. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Cancer Bats (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 159

06 / EN DIRECTO 30 / OZZYO 34 / EMPLOYED TO SERVE 38 / FRANK CARTER 44 / FULL OF HELL 50 / SLIPKNOT 60 / DISCO DEL MES 62 / CRÍTICAS 70 / ENFORCER 76 / BLAZE OUT 80 / ESPECIAL FOTO: GALLOWS 84 / DEAD BRONCO 88 / OPINIÓN 90 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

PUNK IN DRUBLIC MUSIC FESTIVAL 17/5/19 - POBLE ESPANYOL (BARCELONA) 120

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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THE BOMBPOPS

ifícilmente un festi dedicado al punk rock podría haber contado con un cartel mejor como el que presentó el Punk In Drublic en su primera visita a nuestro país. Eso explicaría que las entradas para su cita en Barcelona (también hubo paradas en Madrid y VitoriaGasteiz) se agotaran con bastantes semanas de antelación, y que ni siquera la lluvia, que cayó a partir de la actuación de Lagwagon (el gafe de Joey Cape sigue presente) lograra deslucir el evento. A nivel sociológico fue curioso comprobar que la media de edad, tanto en la pista como en el escenario, fuera bastante avanzada, teniendo en cuenta que a este estilo habitualmente se lo ha mirado por encima del hombro tachándolo como ‘música para teenagers’. Pero como quedó demostrado, la diversión no está reñida ni con la edad, ni con la calidad ni con mensajes con calado. Como si fuera un menú degustación, los platos fueron servidos con celeridad y ofreciendo distintos sabores. Para 8

LESS THAN JAKE

empezar The Bombpops nos ofrecieron su refrescante punk rock melódico con las voces y la energía de Poli VanDam y Jen Razavi como principal reclamo. Sin apenas tiempo para situarnos y pillar la primera cerveza, su actuación ya había terminado y Less Than Jake ya estaban a punto para que la fiesta no decayera. Sinceramente se me hizo raro verles situados tan abajo en el cartel teniendo en cuenta su historial y que en su momento despacharon miles de copias, pero desde luego eso no fue un impedimento para que los de Florida se entragaran al máximo e hicieran bailar al personal con hits como ‘Look What Happened o ‘All My Best Friends Are Metalheads’. Los siguientes en salir fueron Mad Caddies que gozaron de un sonido simplemente perfecto. En parte es una pena que no hayan trascendido fuera de la escena punk rock, porque se decanten más por el ska, el reggae o los sonidos de New Orleans, lo bordan. De tocar en un festival como el Cruïlla lo petarían seguro. Lagwagon

subieron el nivel de intensidad, aunque no acabaron de rematar la faena. En cambio, Bad Religion triunfaron por todo lo alto, pese a que de inicio les faltó volumen. Una hora de clásicos de todas sus épocas (desde ‘Suffer’ a ‘Sorrow’ para terminar con ‘Punk Rock Song’) que fueron coreadas por casi 5.000 almas al unísono. Brutal. No muy atrás se quedaron NoFx quienes sonaron como un puto cañón. A estas alturas quienes sigan espernado que Fat Mike y los suyos ofrezcan un concierto ‘normal’ es que no se ha enterado. Lo suyo es más bien una mezcla de stand-up comedy y cabaret punk, pero me cuesta creeer que alguien pudiera salir defraudado ante la potencia de ‘Stickin’ In My Eye’, ‘The Separation Of Church And Skate’ o ‘Linoleum’. Veremos si el año que viene se confirma una segunda edición del Punk In Drublic, pero de momento tenemos asegurada una reválida en el Barna’N’Roll el próximo agosto. ¿Quién se viene?

BAD RELIGION

METALLICA

5/5/2019 – ESTADI OLÍMPIC LLUÍS COMPANYS (BARCELONA) TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: XAVI TORRENT (LIVE NATION)

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mpieza a ser un poco complicado encontrar una explicación coherente a todo lo que está sucediendo con Metallica. El calado popular de los de San Francisco desafía ya cualquier lógica, como demuestra el hecho de que hayan sido capaces de congregar la friolera de 120.000 personas entre sus dos conciertos en Madrid y Barcelona, apenas un año después de haber agotado la gira de arenas. Metallica son de manera objetiva la banda más grande de la historia del heavy metal en lo que a cifras se refiere, y visto el entusiasmo con el que es recibido cada uno de sus pasos, y cómo han roto ya varias barreras generacionales, es complicado que vayan a perder este puesto privilegiado. Pero como todo gran acontecimiento la tarde-noche iba a tener sus aperitivos antes de llegar al gran banquete. Parece que el mismísimo Lars Ulrich se ha encaprichado del trío noruego Bokassa, y eso les ha hecho colarse en una gira por la que cualquier banda del mundo mataría. Pese a no

conocerlos prácticamente nadie y que su música, una especie de stoner con influencias punk, no está precisamente hecha para recintos tan grandes, la banda salió airosa del envite con actitud y frescura, lo cual demuestra que puede que sí tengan un buen futuro por delante. Ghost por otro lado ya van camino de la consolidación, pero tras lo visto en el estadio, aún les queda un poco para romper esa barrera del mainstream. Tobias Forge tiene claro a dónde quiere llegar. En esta gira ha aumentado el número de Nameless Ghouls, con una corista y un guitarra extra, para darle a la cosa más empaque escénico y la colección de hits empieza a ser importante –‘Rats’, ‘Square Hammer’, ‘Year Zero’-, pero fue sorprendente la indiferencia con la que la mayoría del público siguió su actuación. Indiferencia que se volvió en locura cuando las luces se apagaron con la intro de ‘El Bueno, El Feo y El Malo’ y salió Metallica al ritmo loco de ‘Hardwire’. Con un montaje

impactante pero sobrio –una pantalla gigante que recorría el escenario de punta a punta era el centro del show- el cuarteto demostró que ya se han vuelto maestros en este tipo de eventos. Claro que encontramos a faltar algo que nos recuerde a la banda underground que fueron –más allá del chaleco lleno de parches de Hetfield- pero cuando eres un reclamo de masas eso es casi imposible. Pero si somos conscientes de lo a que vamos a jugar con Metallica en 2019, poco peros podemos ponerles. La banda sigue desprendiendo intensidad, saben crear un repertorio equilibrado entre temas nuevos, guiños a los viejos fans –‘The Thing That Should Not Be’ sonó a gloria-, algún apunte que nos descolocó favorablemente, caso de ‘Frantic’, y por descontado toda esa retahíla de clásicos que han hecho llegar al grupo a donde está. Como ya es habitual, división de opiniones, algo de postureo y una realidad: Metallica volverán y llenarán los recintos que quieran cuando quieran. Algo estarán haciendo bien.

RAMMSTEIN

1/6/2019 – ESTADI RCD, CORNELLÁ DE LLOBREGAT (BARCELONA) TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: NADIA NATARIO

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ita esperadísima la que convocaron los germanos con 35.000 seguidores en el estadio de fútbol del Español y un casi inmediato. Más aún si tenemos en cuenta que han tardado 10 años en entregarnos su último disco homónimo, que culminan con una monumental gira europea, la primera en estadios. Las encargadas de amenizar la espera serían las pianistas francesas del Duo Jatekok. Y digo “amenizar” porque, desde una plataforma lateral, tocarían íntegro el disco de versiones al piano de los propios Rammstein. Excelente elección como hilo musical para soportar las larguísimas colas del baño, donde comprobamos el altísimo porcentaje de público alemán que había acudido, pero que lógicamente pasaron sin pena ni gloria ante un público indiferente. En el escenario principal, una imagen grandiosa inspirada en la arquitectura totalitaria, casi una fantasía distópica. Altísimas torres laterales, una especie de dianas gigantescas para la iluminación y una enorme estructura central coronada por dos chimeneas y una única pantalla en la que se despliega orgulloso el logo de la banda. Aparece Christoph Schneider a la batería y, con un solo golpe de instrumento, una explosión de sonido y fuego nos sacude el cuerpo con su brutal onda expansiva. ¡Comienza el show! Suenan los acordes de ‘Was Ich Liebe’, uno de los temas de su nuevo disco, y el resto de la banda entra en escena, como si de un circo del mal se tratase. Su vocalista Till Lindemann, ataviado con traje militar de piel de serpiente, cual loco colonizador africano; a las guitarras, Paul Landers y Richard Kruspe; Olivier Riedel, en versión bajista ninja, y Flake a los teclados, con su

habitual cinta andadora y un brillantísimo traje dorado. Empalman con el clásico ‘Links 2-3-4’, mientras el bajo problemático nos sigue reventando los tímpanos. Con ‘Sensucht’ vuelve la pirotecnia, para delirio de un público totalmente entregado. Enormes llamaradas nos abrasan en ‘Zeit Dich’, mientras la banda permanece impasible en un show donde todo está calculado al milímetro. Entra ‘Puppe’, otro de los nueve temas nuevos que tocarían esa noche, con un carrito de bebé gigante que termina en llamas y una lluvia de confeti blanco. Entre tanto armamento metálico pesado, nos llega un descanso con ‘Diamant’, en forma de dueto intimista entre cantante y bajista. De repente, el escenario se llena de humo y la estructura central se convierte en un ascensor en el que Kruspe se eleva para ejercer como maestro de ceremonias del remix electrónico de ‘Deutschland’, mientras el resto de miembros danzan enfundados en trajes con luces led imitando a muñecos de palo. Momento para dar paso a la versión original del tema, que parece haberse convertido ya en uno de los nuevos hits de la banda. Con ‘Mein Teil’ repiten el gag con Flake dentro de la olla gigante mientras es cocinado por el cantante armado con un lanzallamas. Y entonces llegó ‘Du Hast’, con su espectacular juego de pirotecnia, ese himno que muchos hemos terminado

por aborrecer, pero que vuelve a cobrar sentido en ese instante de catarsis colectiva. En una referencia directa al tema, la luz y el calor de las llamaradas devoran al público más cercano al escenario con ‘Sonne’. Tras ‘Ohne Dich’ la banda reaparece por sorpresa en el escenario lateral entre el público, junto al Duo Jatekok, para interpretar una versión acústica de ‘Angel’. Regresan al escenario principal “navegando” en sus ya míticas barcas hinchables, mientras Lindemann emprende la vuelta por el lateral saludando a los fans. Su nuevo ‘Ausländer’ abre los bises, contagiándonos con su ritmo electrónico y festivalero. ‘Du Riechst so Gut’ y ‘Pussy,’ repitiendo la icónica escena con su cantante a lomos de un cañón fálico que escupe espuma, cierran la primera parte. El fin de fiesta vendría de la mano de la poderosa y machacona ‘Rammstein’ y sus guitarras lanzallamas, e ‘Ich Will’, con un grandioso espectáculo de columnas de fuego. Till se despide de sus fans arrodillado, en un perfecto castellano, para subir con el resto de la banda en el ascensor tras dos horas de intenso espectáculo. Puede que no hayan inventado la rueda con su metal industrial, el mismo con el que muchos otros probaron suerte en los 90 y no lograron triunfar, pero estamos ante una banda colosal con uno de los mejores shows del planeta.

CANCER BATS 22/5/19 - GRUTA 77 (MADRID) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: BLANCA GEMMA FUERTE

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THE WAX

pesar de que han venido tantísimas veces que ya son de la familia, lo cierto es que Cancer Bats llevaban unos cuantos años sin dejarse caer por nuestras salas. Vale que les hemos seguido viendo en festivales grandes como el Download (con su alter ego Bat Sabbath) o el Resurrection del año pasado, pero todos sabemos que donde de verdad lucen es en las distancias cortas. Hace ya bastante tiempo que los canadienses asumieron que aspirar no sólo a ser una banda de grandes recintos, sino tan siquiera de medio aforo, es algo que no va con ellos. Y ya les está bien. No es habitual encontrar a gente tan curtida y con tantos conciertos a sus espaldas y que sigan mostrando la misma entrega y humildad que la primera vez que nos cruzamos con ellos. Porque si su situación dentro de la escena no ha cambiado mucho en los últimos tiempos, su actitud tampoco lo ha hecho. Mientras Liam Cormier atendía el puesto de merch saludando a cualquiera que se acercase a pedirle

una foto o una firma, el resto de sus compañeros se disponían a disfrutar de la actuación de The Wax como unos asistentes más. Era la primera vez que los de Navarcles pisaban Madrid y hay que señalar que el sonido no terminó de jugar a su favor. La falta de potencia en las guitarras les penalizó, privándonos de escuchar con nitidez los detalles de su post hardcore con querencia deftoniana. Aún con todo, contar con un frontman como Aitor es tener un as bajo la manga que te salva hasta la noche más floja. Si bien en esta nueva etapa que han iniciado con A Place To Bury Our Sins Away ha tenido que asumir el papel de cantante-guitarrista, es cuando se despoja de esta última cuando el concierto sube enteros desplegando esa energía que les hace marcar diferencias. No fue un bolo perfecto, pero seguro que muchos se llevaron su nombre apuntado en la libreta. Tampoco es que Cancer Bats tuvieran un sonido más limpio, pero es que ése es un punto que

casi les beneficia. Liam apareció en escena cubierto con la capucha de su sudadera con aspecto de boxeador listo para la pelea. Y durante los primeros compases realmente lo pareció, porque nos estamparon ‘Sleep This Away’, ‘Pneumonia Hawk’, ‘Sorceress’ y ‘Bricks And Mortar’ como un gancho tras otro directo al mentón, sin apenas dejarnos ir al rincón para escupir la sangre y secarnos el sudor. Sólo cuando sonaba la campana, era entonces cuando se permitían sacar su lado divertido chapurreando castellano para rebajar la tensión. Es ahí cuando los Bats me recuerdan a gente como Sick Of It All. Su rabia es tan inegociable como el buen rollo que desprenden. Y vuelta al lío. A pesar de que venían presentando The Spark That Moves, sorprendió que recuperaran algunas joyas de su primigenio Birthing The Giant (‘Butterscotch’, ‘Shillelagh’). Y aunque los puntos álgidos volvieron a ser una vez más ‘Hail Destroyer’ y, cómo no, el ‘Sabotage’ de Beastie Boys, en su caso da gusto ver que hay cosas que siguen igual como el primer día. 19

THE MENZINGERS

22/5/2019 – LA [2] DE APOLO (BARCELONA) TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

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ILLINOISE

a era hora!’, fue lo que muchos pensamos cuando se anunció este concierto en Barcelona. No era normal que una banda acostumbrada a llenar en festivales como el Groezrock o en salas de Estados Unidos no hubiera pisado todavía nuestra ciudad. En una época en la que los grupos de hardcore melódico y punk rock se reproducen al ritmo que el polen inunda las calles en primavera, queda claro que The Menzingers están donde están a base de trabajo y esfuerzo, como demuestran sus cinco álbumes de estudio y el lugar que se han ganado entre un público cada vez más exigente. Antes de contagiarnos con sus ritmos, pudimos disfrutar de Illinoise, una banda que, si buscas en el diccionario, aparece al lado de la definición de hardcore. Autoproducidos, con una voz femenina potentísima que encaja a la perfección con los músicos que la acompañan y una actitud redonda en el escenario, en el que básicamente hacen lo que les da la gana. Lástima de un aforo que rozaba apenas un cuarto de su capacidad, y lástima de los que se perdieron este show por estar fuera

apurando una lata. Los de Vidreres vivieron cada acorde y, mezclando inglés y catalán, repasaron su reciente álbum 166 y dieron paso a un desfase que poco a poco se fue cultivando en esa noche de miércoles. ¡Que vivan los bailes de Nina! Descanso justo para ir al lavabo y refrescar el gaznate con otra cerveza, y los de Scranton subieron a la tarima con toda la energía existente para ofrecernos un setlist redondo, comenzando con uno de sus himnos: ‘Tellin’ Lies’. Quien lea esto y no estuviera puede pensar que el escaso lleno-hasta-la-mitad influyera negativamente: nada más lejos de la realidad. Vale, esto no será a lo que están acostumbrados pero, a juzgar por sus caras y sus sonrisas, Greg, Tom y los suyos se fueron de Barcelona con un muy buen sabor de boca, al igual que nosotros, que todavía tarareábamos las canciones a la salida de camino al metro. ‘Good Things’, ‘House On Fire’ o la épica ‘Midwestern States’ ya anunciaban que éste sería uno de esos conciertos que van in crescendo, en los que el sonido es cada vez más completo, a la vez que grupo y público se funden en uno. La anarquía había llegado para quedarse

y, entre cubitos de hielo y patadas voladoras, llegó uno de los grandes momentos de la noche: ‘I Don’t Wanna Be An Asshole Anymore’ seguida de ‘Lookers’. ¿Pero es que se puede pedir algo más? Pues sí, se puede, se pidió, y llegó: ‘Where Your Heartache Exist’ fue tocada a modo request antes de anunciarnos que tienen un sexto álbum en el horno y que pronto verá la luz. Repasaron su último disco, sí, pero no olvidaron otros como On The Impossible Past, del que rescataron ‘Gates’ y ‘Casey’, o Rented World y su ‘In Remission’ para cerrar la noche. Especialmente bien recibidos fueron algunos temas de sus épocas más tempranas como ‘I Was Born’, que marcó el ecuador de un repertorio equilibrado entre diversión y desgarro que invitó al público a ir colonizando poco a poco el escenario y hacer sufrir a uno o dos pipas que temían por los altavoces. Ya lo sabemos, más vale tarde que nunca, y teniendo en cuenta lo que allí vivimos cuando sonó ‘After The Party’, todos esperamos que la próxima cita sea más bien pronto. Sobre todo porque The Menzingers todavía tienen mucho que ofrecer y nosotros mucha hambre de punk rock que saciar.

KRISTONFEST 10/5/2019 LA RIVIERA (MADRID) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: BLANCA GEMMA FUERTE

THE HELLACOPTERS 120

KADAVAR

in desmerecer sus anteriores ediciones, desde que el Kristonfest se instaló en Madrid se ha convertido en una fecha fija en el calendario de muchos. Aunque su formato como festival sea mucho más modesto, al igual que un Azkena o un Resurrection, algunos ya lo tenemos como una cita que no sólo nos sirve para disfrutar de una oferta musical muy bien cuidada, sino de reencontrarnos con rostros familiares llegados desde varios puntos de la Península. Este año el cartel quizás se alejó un poquitín de las sonoridades stoner y doom por las que siempre se ha caracterizado, pero sin duda estábamos ante uno de los line-up más potentes que ha presentado hasta la fecha. A eso había que añadir una jornada previa en la que se pudo disfrutar de las actuaciones de Årabrot, Mondo Generator y Earthless en una sala más reducida como la Mon con el fin de ir calentando motores. Pero nosotros fuimos directamente al pedazo de menú que se nos había preparado para el sábado en La Riviera. Sería porque su propuesta era la más diferente de todas, pero tenía

mucha curiosidad por ver cómo serían recibidos Church Of The Cosmic Skull. Gracias a su llamativa puesta en escena (todos vestidos de blanco pulcro) y a unas canciones que deambulan entre el hard rock, el progresivo y las melodías corales de la escuela ABBA, los ingleses son uno de los nombres más interesantes que hay ahora mismo dentro de la escena. Tardaron un par de temas en empastar bien las voces, pero a partir de ‘Science Fiction’ empezaron a desplegar su magia. Las pegadizas ‘Go By The River’ y ‘Cold Sweat’ consiguieron animar al público, y con la soberbia ‘Evil In Your Eye’ acabaron por convencer. Una banda que, si todo va bien, no tardará mucho en dejar de ser un secreto para sólo unos pocos. Como bien recordaba Frederik Nordin, la última vez que Dozer pisaron España algunos de los que andaban por La Riviera aún ni habrían nacido. 15 largos años llevaban los suecos sin venir por aquí y saldaron cuentas pendientes con un set breve y directo que puso la nota rocosa de la noche. De ello se beneficiaron dinámicos trallazos de stoner rock como ‘Rising’, ‘The

Hills Have Eyes’ y ‘Big Sky Theory’. Sin ningún tipo de parafernalia extra, sólo la voz algo tocada de Nordin puso el punto negativo a su descarga. Duros y concisos. Debo decir que lo mío con Kadavar ya es algo personal que viene de tiempo atrás. Muchos dirán que dieron un bolazo descomunal y es cierto que sonaron como un cañonazo, pero hace tiempo que me parecen un grupo sobrevaloradísimo. Su arsenal de riffs deudores de Black Sabbath es una mera excusa para lucir sus cuidadas melenas de anuncio de champú. ‘Creature Of The Demon’, ‘Doomsday Machine’, ‘The Old Man’, ‘Black Sun’, ‘Into The Wormhole’... Todas sus canciones están cortadas por el mismo patrón (mismos solos, mismos efectos de pedalera, mismos parones para que el batería Tiger pose aprovechando los ventiladores que lleva detrás...), siendo más resultones de cara a la galería que efectivos. Hasta la jam que armaron a mitad de la actuación sonó forzada y sin chispa. Teniendo compañeros de generación que andan unos cuantos peldaños por encima de ellos, no aca-

DOZER

bo de comprender su posición en festivales como éste. Con algo de retraso respecto a la hora fijada, el ruido de las hélices de The Hellacopters presagiaba su aterrizaje inminente sobre el escenario. Ya han pasado algunos años desde que Nicke Andersson decidiese reagrupar a la banda que lo hizo grande y sin duda cada vez les vemos en mejor estado de forma. Parecía complicado que una reunión sin miembros tan míticos como Kenny Håkansson y especialmente el malogrado Robert Dahlqvist, alias ‘Strings’, pudiese llegar a buen puerto. Pero contra todo pronóstico estos renovados Hellacopters están demostrando con creces haber recuperado su cetro como reyes absolutos del rock escandinavo. Sin apenas dar respiro para echar un trago, fueron despachando un repertorio de auténtico ensueño para cualquier seguidor, tanto acérrimos de la vieja escuela como los que perdían la virginidad en directo con ellos. Desde las primigenias ‘You Are Nothing’, ‘Born Broke’ y ‘Like No Other Man’ hasta rescatar varias golosinas inesperadas que hacía tiempo que no entraban en 26

TURBOWOLF

el setlist como ‘Ghoul School’, ‘Down On Freestreet’, ‘Long Gone Losers’, ‘Before The Fall’ o ‘Psyched Out & Furious’. Incluso bajando de marcha en ‘My Mephistophelean Creed’, ‘No Angel To Lay Me Away’ o la fantástica ‘No Son Unheard’ seguían sonando a gloria bendita. Pero sin duda fueron sus grandes singles como ‘The Devil Stole The Beat From The Lord’, ‘Toys And Flavours’ y una enorme ‘By The Grace Of God’ las que prendieron la mecha de una sala entregada (más de un mini y hasta móviles se vieron volar) para deleite de un Dregen que se encargó de mantener ese rock’n’roll high energy apuntando a la estratosfera. La bombástica ‘Gotta Get Some Action (Now!)’ acabó por mandarnos a la lona certificando que la vuelta de los suecos era más necesaria de lo que pensábamos. Ojalá la veamos refrendada en un nuevo álbum de estudio más pronto que tarde. Como suele ocurrir en el Kristonfest, tras el cabeza de cartel la mayoría opta por la retirada y sólo los más osados se atreven a aguantar. Esta vez fueron muchos los que

aguardaron para ver el cierre a cargo de Turbowolf. Sin embargo, a los de Bristol les tocó bailar con la más fea, sufriendo serios problemas en los primeros compases. Por suerte, una vez solventados los fallos técnicos, su carismático líder Chris Georgiadis se lo curró y gracias a la complicidad de quienes aún tenían ganas de juerga, consiguieron poner a brincar a la pista con su rock marciano punkarra y hasta a ratos bailable. Mucho me temo que no superaran el impacto que nos causó su debut hace unos años, pero con ‘Solid Gold’, ‘Domino’, ‘A Rose For The Crows’ y ‘Rabbit’s Foot’ disponen de unos cuantos pildorazos con los que hacer el cafre y pasar un buen rato. Justo el tipo de clausura que necesitaba el festival. Estando más que consolidado en la capital, solamente nos queda emplazarnos al próximo año confiando en que el Kristonfest volverá a ofrecernos un menú sónico que aúne nombres míticos del estilo como nuevas apuestas difíciles de ver. Mientras sigan cumpliendo con estos requisitos, allí estaremos.

THE GET UP KIDS 16/5/19 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

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MUNCIE GIRLS

ue llevábamos meses esperando este momento no es un secreto para nadie a estas alturas, porque bien es sabido que The Get Up Kids no tienen seguidores, tienen fans. Fans que rozan los 40, pero que no han oído hablar de dicha crisis, ni se la espera. Abrieron la noche unas Muncie Girls que sorprendieron, pues jugaron sus cartas mejor que bien y sobresalieron tanto en su papel de teloneras que su show nada tuvo que envidiar al de los Get Up. Con un directo potente cimentado en unas baterías que pisan fuerte pero no ahogan, las británicas encontraron el equilibrio perfecto que caracteriza su pop fresco y voces melódicas, con letras reivindicativas que nos contagiaron a todos. Salpicaron su actuación con temas tanto de From Caplan To Belsize como de su más reciente Fixed Ideals. Lo que vino a continuación quizá suene a topicazo, pero The Get Up Kids hicieron justo lo que mejor saben hacer: ser la mítica banda cargada

de significado y que transmite con cada nota. Ellos lo saben y nosotros también, quizá por eso la conexión con el público fue inmediata desde los primeros acordes de ‘Satellite’, canción encargada de abrir el repertorio y que también lo hace en su último LP, Problems. Y es que The Get Up Kids tienen ese algo mágico que hacen que cuando escuchas una canción te la hagas tuya y sientas que habla de tus problemas, de tu vida y de tu nostalgia. De todas aquellas veces que pudieron ser y no fueron. Del emo de finales de los 90. Y eso fue lo que nos regalaron: más de veinte temas –de todos sus álbumes excepto There Are Rules - que demuestran que son los mismos que eran en 1999, que han sabido envejecer y que les queda energía para rato. Haciendo honor a su nombre más que nunca –Pryor tuvo que lamentar una graciosa caída y casi se le suman dos más–, los de Kansas City sacaron la artillería pesada: ‘Shorty’, ‘I’m A

Loner Dottie, A Rebel’, ‘Overdue’, ‘Woodson’ o ‘Martyr Me’, y ni siquiera habíamos llegado a la mitad. Incluso Jim Suptic se animó en solitario, como acostumbra hacer, con la acústica ‘Campfire Kansas’. A estas alturas ya había caído alguna lagrimita y nos abrazábamos como quien acaba de ganar una Champions, y eso que nos quedaba un final para recordar, con su versión de ‘Close To Me’ de The Cure incluida. Todos teníamos claro a qué habíamos venido y eso fue justo lo que nos dieron: ‘Holiday’, ‘Don’t Hate Me’, ‘I’ll Catch You’ y la gloriosa ‘Ten Minutes’ para cerrar. Mención especial a ‘Salina’ o ‘Lou Barlow’ del reciente Problems que, como si de una segunda parte del Something To Write Home About se tratara, se colaron entre los temas más sentidos de la noche. The Get Up Kids nos devolvieron a hace veinte años y el tiempo se congeló durante hora y media en Razzmatazz 2 mientras nos demostraban que sus directos siguen ganando a sus discos. ¡Viva los 90! 29

OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

CORRE ZANARDI

FACHA Jason Stanley

Andrea Pazienza

(BLACKIE BOOKS)

PETER PANK Max (LA CÚPULA)

(FULGENCIO PIMENTEL)

En 2015 iniciaba Fulgencio Pimentel la recuperación de la obra del malogrado Pazienza para los lectores españoles, completando ahora el recorrido sobre el personaje de Zanardi en este segundo volumen que ofrece una extensa tanda de historias protagonizadas por el narigudo y reprobable personaje. En sus páginas Pazienza desborda estilo y experimentación con la página, explotando un estilo de cómic característico de los movimientos artísticos contestatarios y contracorrientes publicado en las revistas de cómix de la época. SG SEGUNDA GÉNESIS Ed Piskor (PANINI)

El segundo volumen que nos frece Panini de la reimaginación de la historia de la Patrulla X a manos de Ed Pislor comprende desde la saga de la llegada de Fénix hasta los tiempos en los que Pícara se sumó a las filas mutantes previos a la celebérrima Caída de los Mutantes. El trabajo de reescritura de la continuidad en este tomo es menos sutil, con menos elementos para (e) encajar pero es igual de sobresaliente al saber destacar los elementos característicos de cada aventura que Ed decide rescatar. Es un imprescindible. SG

Pese a que en Europa la ultraderecha lleva ya unos cuantos años –por no decir décadasa la alza, es cierto que la llegada de Donal Trump al poder ha sido un toque de atención mundial sobre el poder y los mecanismos de la parte más conservadora de la política. Facha –título que se le ha dado aquí a Cómo Funciona La Propaganda, Cómo Funciona El Fascismo - escrito por Jason Stanley pone encima de la mesa el porqué de esta tendencia. Para todos aquellos que estén familiarizados con Muerte A Los Normies - el excelso ensayo de Angela Nagle sobre cómo se construyó la estrategia para que Trump llegara al poder, y que llama la atención por los paralelismos que tenía con la que Vox empleó en las pasadas elecciones generales- Facha es un perfecto complemento a entender cómo funcionan por dentro los partidos ultras. A diferencia de Nagle, mucho más objetiva, Stanley se muestra más pasional y subjetivo, aunque ello no le impide mostrar un gran conocimiento sobre la materia. Es el único hándicap que tiene el libro a la hora de analizar la situación con un poco más de serenidad y optimismo. Bien es cierto que no podemos tomarnos a la ligera lo que está sucediendo con la extrema derecha, pero de la misma manera hay que pensar que la gente no es tan manipulable como en algunos momentos se nos quiere hacer creer. Pese a todo una lectura instructiva y recomendable. RR

Regresa a las librerías la edición integral con los tres álbumes realizados en los 80 por Max, serializados con anterioridad en la revista El Víbora, y dedicados a esta suerte de visión punkara y ochentera apegada a los primeros años posteriores a la muerte del Dictador en España. En Peter Pank, Max ofrece su línea clara primigenia de composición europea clásica pero con momentos rompedores, donde va despegando la historia de la parodia inicial a una suerte de viaje imposible hacia la arenga revolucionaria utópica y necesaria. SG EL CLUB DE LAS CHICAS MALAS Ryan Heshka (AUTSIDER CÓMICS)

Estética pin-up, guerras entre ayuntamientos corruptos y bandas de delincuentes femeninas, colores rosa chillones, drogas, violencia y muchos tipos despreciables recibiendo su merecido de manos de una pandilla de mujeres hasta las narices de todo. Este club es una oda al desfase, al tebeo macarra y gamberro, a la ilustración sexy y, sin duda, al jolgorio y celebración de la violencia a la vieja usanza. Una mezcla salvaje y súper atractiva. SG

DE CINE_ CON KIKO VEGA

DOOM PATROL - CONDENADAMENTE BUENA

e habla poco del enorme mérito que tiene HBO ahora que su serie estrella se ha terminado para siempre. Para capear el temporal ha sabido resucitar (para cerrar) Deadwood, ha apostado por la libertad creativa total de un Bill Hader en el mejor momento de su carrera con la extraordinaria Barry o, en nuestro caso local, ha acogido la nueva serie de la plataforma DC Universe que de momento no tenemos. Doom Patrol, la adaptación de La Patrulla Condenada que popularizó Grant Morrison en los noventa, es una de las mejores series de la temporada y, con diferencia, la mayor sorpresa catódica que 32

nos hemos encontrado en mucho, mucho tiempo. Sin tiempo para mierdas (éste es el lenguaje que encontrarás en la serie), la nueva serie de DC aniquila estereotipos, vicios de la casa y gente, mucha gente, entre risas y un puñado ideal de antihéroes. La patrulla condenada, los parias de Doom Patrol, marcan un antes y un después en el Universo DC, alejándose de los automatismos que tanto daño han hecho a series llenas de ideas y buena voluntad que terminaban por no diferenciarse entre ellas. The Flash, Arrow, Supergirl, Titans, DC’s Legends of Tomorrow… todas ellas cortadas por el mismo patrón. Hasta que han llegado los condenados. El tono surreal, esquizofrénico, gamberro, fantasioso y violento que popularizó la obra de Morrison luce aquí en todo su esplendor, en pildoritas de cincuenta minutos donde no sobra nada y donde hay alma de sobra. Precisamente lo que los hizo grandes en las viñetas. No dejes que te la cuenten.

EMPLOYED TO SERVE

S ERV I C I O D E EM ER G EN C IA

CON SU TERCER ÁLBUM ETERNAL FORWARD MOTION, EMPLOYED TO SERVE CONFIRMAN SU CANDIDATURA COMO UNA DE LAS BANDAS MÁS INTERESANTES DE LA ESCENA BRITÁNICA. TRALLA SIN CONCESIONES, PERO CON LA MIRADA PUESTA EN EL HORIZONTE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L AMOR MUEVE MONTAÑAS O EN EL CASO DE EMPLOYED TO SERVE, NUCAS. La pareja, creativa y

Serve. Es una pasada”.

sentimental, formada por la vocalista Justine Jones y el guitarrista Sammy Urwin ha conseguido transformar o que era un proyecto de grindcore con el apoyo de una caja de ritmos en una banda en toda regla capaz de impresionar a cualquiera que se atreva a compartir escenario con ellos. Después de agitar el underground con sus dos primeros trabajos, Eternal Forward Motion ha aparecido en el mercado con el apoyo de un sello importante como Spinefarm y grandes críticas en los medios especializados de su país. Combinando una base groove, con riffs más técnicos, la visceralidad vocal de Justine y unas letras inteligentes sobre los obstáculos de la vida moderna, Employed To Serve bien merecen nuestra/vuestra atención.

lo tengo claro?

Vuestro nuevo disco está causando bastante expectación.

¿Cuándo empezasteis con el grupo exactamente porque no

“Es difícil de decir. Fuimos un dúo durante un año y medio, dos años, antes de ser una banda. En agosto se cumplirán seis años desde que dimos nuestro primer concierto como banda. Así que depende de cómo lo cuentes”. ¿Sientes que las cosas han ido rápido?

“No lo sé. Creo que estamos en una trayectoria ascendente, pero es difícil de decir. Ha habido periodos menos activos, pero ahora igual anunciamos cinco cosas que molan de golpe, así que la sensación es que siempre está sucediendo algo. Hoy por ejemplo se ha confirmado que estaremos en el festival de Glastonbury, algo que ni en mis sueños más locos hubiera imaginado porque no suelen llevar grupos tan cañeros. Estamos felices”.

JUSTINE JONES “¡Muy bien!. A

¿Cómo fuisteis moldeando el so-

raíz de sacar el disco anterior nos ofrecieron tocar en el Download Festival y surgieron otras oportunidades. Y creo que ahora estamos recogiendo los frutos de todo lo que hicimos. Será interesante ver lo que pasa”.

nido del grupo? ¿Qué referen-

portada de Kerrang!.

“Sí, ha salido hoy (risas). Se me hace rarísimo ver mi cara en los quioscos. Son cosas que ni siquiera había soñado porque no pensaba que fueran posibles. Hace un par de años compartimos portada con Milk Teeth, pero ésta es la primera que nos la dedican sólo a Employed To 36

En Eternal Forward Motion no habéis perdido vuestra agresividad, pero las canciones son más directas.

¿Cómo lo lleváis?

Esta semana incluso salís en la

elementos. Me gustaría llegar a ser una banda como Deftones, que tiene partes muy duras, pero es capaz de integrar otras texturas. Creo que siempre vamos a tener partes muy técnicas y cañeras, pero me gustaría ofrecer cada vez más cosas”.

tes tenías cuando empezasteis?

“Fue por etapas. Cuando empezamos seguíamos mucho a Norma Jean, The Chariot, Converge y cosas así. Queríamos sonar más o menos como ellos. Pero cuando empezamos a girar como banda empezamos a evolucionar y creo que nos costó un par de discos encontrar nuestro verdadero sonido. Creo que con el nuevo álbum fue cuando realmente nos sentimos totalmente confiados con lo que podíamos hacer. Ahora todo parece más natural. No dudamos tanto a la hora de escribir canciones. Creo que seguiremos madurando e introduciendo nuevos

“Sí, como dices siguen siendo cañeras, pero los estribillos son más fáciles de pillar. Y eso mola porque en directo la gente los puede cantar. Antes era todo más loco. Incluso a mí me costaba entenderlo (risas)”. ¿Qué papel crees que un grupo como el vuestro puede tener dentro de la escena metal?

“Creo que la gente tiene la sensación de que las grandes bandas están envejeciendo y hay que empezar a apoyar a bandas que puedan encabezar los festivales del futuro. Quizá es algo inconsciente, pero creo que empieza a crecer el apoyo hacia bandas duras como Code Orange, Venom Prison… Y también hay bandas como Underoath o Norma Jean que han vuelto a la actividad. Es esperanzador para un grupo como el nuestro”. También hay muchas más chicas en la escena.

“Sí, es algo muy positivo. Cuando yo crecí admiraba a Trent Reznor de Nine Inch Nails o Corey Taylor de Slipknot, pero las chicas de ahora pueden verse reflejadas en otras mujeres haciendo música y eso crea una corriente positiva. Todavía queda mucho para hacer, pero estamos progresando”.

Vuestra música es muy agresiva. ¿Te empuja a decir cosas en las canciones que quizá no dirías en una conversación normal?

“Al 100%. Hay temas de los que me costaría mucho hablar normalmente, incluso que me daría miedo. Para mí el disco es una especie de diario. Un diario personal que se vuelve público. Pero también hay partes más crípticas que cada uno puede interpretar a su manera”. ¿Dónde sueles escribir?

“Intento aprovechar mi tiempo, así que escribo mucho en el tren. Tengo como una hora entre mi casa y el trabajo en tren y gran parte de las letras de este disco las escribí allí. Y en cuanto a la música, solemos hacer en el estudio casero que tiene Sammy. Trabajamos los riffs y luego se los pasamos al resto y nos mandan sus ideas”. Escribir en el tren parece una buena idea, porque estás a tu bola, pero también puedes observar a la gente.

“Sí (risas). Me encanta observar a la gente, ves a muchos personajes distintos. Pero puedes aislarte escuchando música y mirar por la ventana e inspirarte”.

“PARA MÍ EL DISCO ES UNA ESPECIE DE DIARIO. UN DIARIO PERSONAL QUE SE VUELVE PÚBLICO” JUSTINE JONES

directo tocamos unos 40 minutos y punto, pero grabando puedes tener que estar cantando durante horas. Si te quedas sin voz, igual tienes que esperar una semana hasta que te recuperas. O ya ni te digo si pillas un catarro, porque tu voz cambia completamente”. ¿Cómo te sientes con las canciones grabadas respecto a como

cosas. A veces me gusta que seamos la banda más extrema, pero también disfruto tocando con bandas más cañeras porque hay una gran energía. Me gustó mucho tocar con Funeral For A Friend porque sus dos primeros discos fueron la banda sonora de mi adolescencia, pero también con Norma Jean porque son una de las razones por las que empezamos este grupo”.

suenan en directo? ¿Disfrutaste grabando el nuevo disco?

“Para mí grabar un disco siempre resulta complicado. Siempre siento que me falta tiempo. Pero esta vez estuve mucho más relajada. Pero no deja de ser estresante porque en mi caso, mi cuerpo es mi instrumento. Siempre tienes miedo de cargarte las cuerdas vocales si tienes que repetir una toma muchas veces. En

“A veces en directo puedes ir cambiando cosas y mejorándolas respecto a como las hiciste en el estudio porque no tenías tiempo. Pero creo que cada una sirve su propósito”. En directo, ¿os gusta ser la

¿Planes para venir a España?

“De hecho, lo intentamos. Queríamos tocar con Rolo Tomassi por ahí, tomárnoslo como una especie de vacaciones, pero a última hora no pudimos. Estamos desesperados por ir a tocar para vosotros”.

banda más dura del cartel o prefieres tocar con bandas más cañeras que vosotros?

“La verdad es que me gustan las dos 37

FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES

PRINCIPIO Y FIN

MIENTRAS SU CARRERA EN SOLITARIO IBA VIENTO EN POPA, LA VIDA PRIVADA DE FRANK CARTER ESTABA HACIENDO AGUAS. HABIENDO SUPERADO UN DIVORCIO Y UNA DEPRESIÓN, END OF SUFFERING NO ES SÓLO EL TRABAJO MÁS HONESTO QUE HA HECHO HASTA LA FECHA, ES EL LUGAR AL QUE SIEMPRE HABÍA QUERIDO LLEGAR. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

I NOS FIJAMOS EN EL PL ANO MERAMENTE MUSIC AL, 2017 FUE

un gran curso para Frank Carter. La carrera en solitario que había iniciado dos años atrás junto a The Rattlesnakes encontró su confirmación en un segundo trabajo como Modern Ruin que lo aupó hasta lo más alto de los charts británicos. Así mismo, su poderosa puesta en escena era su mejor carta de presentación a la hora de enganchar tanto a los viejos fans que ya le seguían desde los tiempos de Gallows y Pure Love como a un nuevo público que nunca había oído hablar de él. Todo parecía ir sobre ruedas. Pero una cosa es lo que apreciamos como meros observadores, y otra muy distinta es lo que ocurre de puertas para adentro. En septiembre de aquel año, Carter canceló el tour europeo en el que debía abrir para Papa Roach. El motivo no era otro que una depresión a causa del divorcio por el que estaba atravesando, sumado a un extenuante ritmo de trabajo. Echar el ancla a tierra por una temporada era la mejor solución. Sin embargo, el hambre por volver a los escenarios pesaba más y rápidamente regresó a la palestra con la misma energía de siempre. Dispuesto a reflejar ese oscuro periodo de su vida personal, End Of Suffering (International Death Cult) es también la culminación de una evolución que

ha venido experimentando desde su debut, abrazando distintas sonoridades y alejándole de esa imagen de punk rocker peligroso que presentaba antaño. A finales de abril establecimos contacto con el propio Carter y su mano derecha, el guitarrista Dean Richardson, que junto a Tom Barclay (bajo) y Gareth Grover (batería) completan The Rattlesnakes. Al contrario que la última vez que pude entrevistarle en Madrid, Frank se mostró un poco menos dicharachero, cediendo por momentos todo el protagonismo a su compañero. Aun así, la sinceridad con la que habló a la hora de explicar sus problemas de depresión es poco habitual tratándose de alguien con su estatus. Sea como sea, después de su paso por el Primavera Sound y, tal y como nos confesó al finalizar la entrevista, en otoño le volveremos a tener de vuelta por España. Hola Frank, ¿cómo te sientes a pocos días de que End Of Suffe-

ring salga a la luz? FRANK CARTER “Estoy muy nervio-

so. Estoy asustado, inquieto, feliz... Así que supongo que eso es bueno (risas). Siempre es así cuando un nuevo disco está a punto de salir”.

todo esto ha sido fácil. Ha sido un proceso salvaje de reflexionar, ser paciente, comprender y esforzarme de una manera que nunca antes había hecho. Pero al final lo hemos conseguido. Me siento muy afortunado de tener a buenos amigos que me han apoyado en esto”. En septiembre de 2017 te viste obligado a cancelar una gira junto a Papa Roach para tratar los problemas de depresión que estabas atravesando. No sé si puedes explicar un poco lo que ocurrió. FRANK “Simplemente me estaba

desmoronando. No estaba lidiando bien con la situación en la que me encontraba. Me resultaba extremadamente difícil seguir adelante. Tenía demasiados pensamientos de los que no podía escapar, lo cual no era nada bueno para mí. En parte tenía que ver con salir de gira, y no quería volver a ello. Así que decidí tomarme un tiempo y centrarme en mejorar mi salud mental para poder seguir haciendo esto durante mucho más tiempo”. La verdad que desde fuera sorprendió mucho. Estabas en un buen momento profesional.

Por las circunstancias persona-

El grupo había arrancado muy

les que han rodeado el álbum,

bien, estabais girando conti-

no sé si sientes que te has quita-

nuamente, el público era muy

do un peso de encima.

receptivo... Pero supongo que

FRANK “Sí, por supuesto. Nada de

no se ve todo lo que ocurre de

puertas para adentro.

Lo bueno es que a los pocos

FRANK “No, obviamente. La gente

meses ya estabas de nuevo en

no tiene por qué saber nada de todo esto. Ellos vienen a verte y tú tienes que intentar ofrecerles el mejor concierto posible. Pero nadie es capaz de ver ni de entender lo que tú sientes de verdad por dentro, salvo tú mismo. Hay personas que te dicen que eres afortunado y que desearían tener la vida que tú tienes, pero en aquel momento yo no me sentía así en absoluto”.

los escenarios. ¿Te sirvió como terapia de choque, por decirlo de algún modo? FRANK “Sí, por supuesto. Fue muy

terapéutico. Me siento afortunado de tener buenos amigos con los que tocar, pasarlo bien escribiendo canciones o saliendo por ahí. Sin duda fue de gran ayuda el poder volver tan rápido, pero sobre todo hacerlo con un respeto conmigo mismo que antes no tenía”.

Justo meses antes de que recoEntrando en lo que es End Of

habíamos perdido a Chris Cor-

Suffering, se trata de un álbum

nell y Chester Bennington por

algo menos agresivo que Blos-

motivos similares. ¿Viste el ha-

som y Modern Ruin. ¿Querías

cerlo público como una manera

mostrarte más vulnerable?

de advertir también al resto de

FRANK “En realidad creo que

la gente? ¿Que tomasen con-

siempre nos hemos mostrado así en cada disco que hemos hecho. La única diferencia con respecto a éste es que es menos frustrante. Si te fijas en el tipo de agresividad que teníamos en Blossom y Modern Ruin, era rabia que resultaba muy fácil de dejar de lado, porque sólo era ruido. Lo que queríamos hacer con End Of Suffering era un álbum de rock mucho más cuidado y precioso. Y eso es exactamente lo que hemos conseguido. Tenemos un disco del que me siento tremendamente orgulloso. De todas maneras, si te fijas, en cuanto a letra, probablemente nunca hemos hecho un tema tan agresivo como ‘I Hate You’. Y es una canción de blues. Con esto quiero decir que para nosotros nunca se ha tratado de cómo sonase. Esa agresividad y energía sigue dentro de mí, sólo que la transmito de un modo diferente, igual que Dean tocando la guitarra.

puede superar con ayuda? FRANK “¿Sabes qué ocurre? Hay

una presión enorme cuando estás de gira dando conciertos. Eres responsable de todo el mundo que está a tu alrededor. Hay mucha gente trabajando intentando ganar dinero cuando salimos de gira. No sólo tienes que estar pensando en ti mismo, sino en todas esas personas que dependen ti. Y a veces esa presión puede ser muy abrumadora. Lo que yo necesitaba por aquel entonces era cancelar las fechas que teníamos y poder centrarme en solucionar mis problemas. Si no lo hubiera hecho, probablemente esto se habría acabado. Y ninguno queríamos eso. Antes todo era más sencillo porque no parábamos. Decíamos a todo que sí. Así que cancelar aquella gira con Papa Roach fue un punto de inflexión”.

Hablabas de las letras y precisamente las de ‘Angel Wings’, ‘Love Games’ o ‘Anxiety’ son muy transparentes. Siempre has tenido un estilo muy directo, pero no sé si antes habías escrito sobre algo tan profundo. FRANK “Esta vez he intentado ir

nocieses que sufrías depresión

ciencia de que es algo que se

Siempre hemos tenido la ambición de crecer como compositores y conseguir que todo tipo de público llegue a escuchar nuestra música. No se trata de si estamos cabreados o no. Es sólo la música que nos sale”.

más al grano. En el pasado quizás escribía de una manera algo más vaga, no sabría decirte por qué. Pero en este momento he procurado ser lo más claro posible”. Musicalmente, creo que End Of

Suffering lleva mucho más lejos lo que ya hicisteis en Modern

Ruin a la hora de abrir vuestro sonido. Siempre habéis dicho que The Rattlesnakes es algo más que un grupo de punk rock. Con este álbum no creo que a nadie le queden dudas al respecto. DEAN RICHARDSON “Es complica-

do que la gente juzgue a un grupo por las doce primeras canciones que escribe. Pero no tenemos la misma edad ahora que cuando hicimos Blossom ni estamos en el mismo momento. Siempre hemos querido avanzar y hacer la música más variada posible, no solamente centrarnos en el rock. Por ejemplo, ‘Angel Wings’ es una canción con un poso muy industrial, ‘I Hate You’ es un blues, hay mucho de punk rock en nuestra música, por supuesto... Pero nunca ha

“NO SE TRATA DE SI ESTAMOS CABREADOS O NO. ES SÓLO LA MÚSICA QUE NOS SALE” FRANK CARTER sido nuestra intención ir cambiando con el paso del tiempo. La diferencia con este disco es que las canciones fueron muy fáciles de hacer. Cuando estuvimos componiendo nos sentimos muy productivos y todo salió de una manera muy orgánica y natural”. Sin embargo, aunque vuestra música ha ido evolucionando, en directo seguís siendo pura energía. Estoy convencido de que algunas canciones de End Of

Suffering sonarán muy distintas

se sienta confuso cuando os vea

su carrera con The Rattlesnakes,

en concierto y luego escuche el

siempre te ha dado mucha im-

disco y compruebe que es algo

portancia. ¿Cómo trabajáis a la

completamente distinto?

hora de filtrar o definir lo que

DEAN “No. De hecho, creo que ahí

queréis contar en cada canción?

está la gracia de ver a un grupo en directo. A la mayoría de grupos les suele ocurrir que siempre suenan más enérgicos cuando están en un escenario. Y a pesar de que las canciones de End Of Suffering puedan ser un poco diferentes, pienso que funcionarán muy bien junto a nuestros temas más antiguos”.

DEAN “Bueno, para cada canción

en los conciertos. ¿No os preocupa que quizás parte del público

Dean, desde que Frank empezó

que escribimos yo hago la música y Frank se encarga de las letras. Cuando ambas cosas son capaces de funcionar juntas, es cuando tenemos una canción. Pero no es como si compusiese cosas que intentasen encajar con lo que él dice. No es algo que pensemos demasiado. Los dos hemos ido progresando juntos, por lo que es muy fácil que nos entendamos bien a

“EL RESURRECTION ES UNO DE LOS SITIOS DONDE SIEMPRE QUEREMOS TOCAR, Y SIEMPRE QUE ESTÉ EN NUESTRA MANO, ESTAREMOS ALLÍ” FRANK CARTER la hora de trabajar”. FRANK “Estoy de acuerdo (risas)”. Esta vez también habéis contado con la ayuda de otro gran guitarrista como es Tom Morello de Rage Against The Machine en

él y teníamos una canción que lo único que le faltaba era un solo de Tom Morello (risas). Así que se pasó una tarde por el estudio y lo hizo. Estoy muy contento de tenerle en uno de nuestros discos. Es toda una leyenda y uno mis mayores héroes musicales”.

‘Tyrant Lizard King’. De hecho, tengo entendido que le conven-

Veo que el Resurrection y tú

cisteis en el pasado Resurrection

tenéis una conexión muy fuerte

Fest para que acabase colabo-

desde la primera vez que fuis-

rando en el disco.

teis allí en 2016. ¿Qué es lo que

FRANK “Todos nos conocemos y

tiene de especial para ti?

somos buenos amigos desde hace muchos años. Tom me pidió que estuviese en su nuevo álbum y obviamente le dije que sí, pero que nosotros íbamos a entrar a grabar antes que

FRANK “Bueno, en realidad ya ha-

bía tocado allí antes con Gallows. No sé qué es, pero me encanta España y su cultura, me gusta el punk rock, y adoro la playa (risas).

Es imposible no pasarlo bien en el Resurrection. Siempre es un placer tocar allí”. DEAN “La primera vez que tocamos allí con The Rattlesnakes fue uno de los mejores conciertos que hemos dado. La reacción que vimos del público era muy diferente a la de otros lugares. En cuanto terminamos nos aseguramos de volver lo antes posible. El Resurrection es uno de los sitios donde siempre queremos tocar, y siempre que esté en nuestra mano, estaremos allí”.

FULL OF HELL

TROMPETAS DE INSECT WARFARE, NI ESTÁN NI SE LES ESPERA. WORMROT, POR DESGRACIA, NOS PILLAN MUY LEJOS. DE LOOKING FOR AN ANSWER, QUÉ OS VAMOS A CONTAR QUE NO SEPÁIS YA… ASÍ QUE OS VAIS A TENER QUE ACOSTUMBRAR A SU LOCURA RUIDOSA Y PERMANENTE EXPERIMENTACIÓN, PORQUE FULL OF HELL LO TIENEN TODO PARA CONVERTIRSE EN LOS NUEVOS REYES DEL GRINDCORE. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ÉXTASIS F

UE HACE JUSTO DOS AÑOS CUANDO, POR FIN , FULL OF HELL LL AMARON L A

atención de todas las orejas ávidas de sonidos extremos y propuestas inconformistas. No contentos con fundir cientos de neuronas por todo el globo con el estupendo Trumpeting Ecstasy, Dylan Walker (voz, electrónica, noise), Spencer Hazard (guitarra, noise), Sam DiGristine (bajo, voz) y Dave Bland (batería) unieron fuerzas con otra buena panda de malhechores, The Body, para regalarnos otro disco colaborativo tremendamente recomendable, Ascending A Mountain Of Heavy Light. Con ello, y sin ni siquiera pretenderlo, la banda de Ocean City dejó muy claro que no se iba a relajar ni un instante y que su intensísimo calendario de publicaciones tampoco iba a bajar el ritmo, por muchas miradas que hubieran atraído. Viendo la extensa discografía que los estadounidenses han conseguido recolectar en apenas una década, podemos asegurar que lo suyo es una apuesta por la eterna reinvención, una perpetua y extenuante carrera hacia nuevos retos. Pero sobre todo, lo de Full Of Hell es una historia de militancia y aprendizaje continuo, de expresión musical por simple necesidad vital. Si su reciente álbum Weeping Choir (Relapse) vendiera dos copias, unas miles o 30 millones, ni la personalidad de estos cuatro chicos, ni la del combo, y muchos menos su voluntad por llevar cada vez más lejos su grindcore sin fronteras, variarían un ápice. Eso es algo que ya intuía antes de ponerme

en contacto con su cantante, y sobra decir que con su amabilidad y sencillez me lo acabó de confirmar. Que también fuera un apasionado de la literatura fantástica sí que no me lo imaginaba para nada… 24 nuevos minutos de música… Álbum, EP… ¿Acaso importa? DYLAN WALKER “Esto es un álbum

completo. Sé que hay directrices tradicionales que dictan qué es un EP o un LP, pero para nosotros y muchos de nuestros colegas, esos términos están anticuados. Nuestro estilo de música se digiere mejor en este tamaño para un LP”.

“Realmente no puedo decirlo de una forma o de otra… Simplemente componemos lo que queremos en ese momento y, para este álbum, ciertamente se podría decir que el estilo de riffing black metal obtuvo una pequeña ganancia en nuestro sonido por cualquier razón. Siempre ha sido parte de nuestro ADN, al igual que muchos otros estilos, y esta vez se adaptó mejor a nuestros fines”.

cho la canción ‘Silmaril’… ¿Cuál es tu relación con el mundo de Tolkien? Y luego, con su parte que roza el free jazz, tenemos a

En la portada de Trumpeting

toria Interminable!? Tras esto me

Ecstasy había una monja con la

fijé mucho más en los títulos de

cara en llamas, y ahora mostráis

los temas, y casi se podría decir

a un sacerdote con humo en vez

que estamos ante un disco con

de cabeza. Además de la rela-

una temática fantástica detrás…

ción clerical que se pueda esta-

“Como fan de la gran fantasía, Tolkien me ha brindado una inconmensurable inspiración en mi vida. He estado leyendo y releyendo El Señor De Los Anillos, El Hobbit y El Silmarillion desde que era joven, y todavía sigo fascinado por esa historia a día de hoy. Me parece que es importante tener títulos de canciones muy llamativos. Palabras que puedas sentir y saborear, si es que eso tiene algún sentido. Para aquéllos que saben lo que es un Silmaril, evoca una imagen clara en su mente. Los títulos son a menudo metáforas que ayudan a impulsar cualquier mensaje o apunte que esté tratando de transmitir. Lo de Ygramul The Many es un tema que había querido incluir en una canción durante mucho tiempo, pero simplemente no había encajado hasta ahora. La fantasía y la realidad son intercambiables. Para mí son uno en lo mismo, y siempre estaré más

vuestro universo? ¿Recurriendo a eso queríais mostrar una especie de continuidad entre ambos trabajos?

“La elección de la estética física está, en gran medida, en manos de nuestro compañero conspirador Mark McCoy. Él culmina su papel una vez la mayoría de las letras han sido escritas. Le transmito mis teorías e ideas y él las destila en algo que representa el disco en su totalidad. La monja significó un catalizador; el sacerdote está en la raíz de ese catalizador”. ¿Me lo parece a mí o la voz black ha ganado mucho más peso en estas nuevas canciones? En ‘Downward’ o ‘Armory Of Obsidian Glass’ es la que predomina directamente… ¿Por qué? 46

Ya… Por mucho que lo intente, no me puedo imaginar cómo tiene que ser crear alguna de vuestras canciones. ¿Cuál es vuestro método? ¿Os juntáis para hacer jams o cada uno va por su lado y luego lo ponéis en común? Supongo que los samples se trabajan de forma separada…

Al principio me sorprendió mu-

‘Ygramul The Many’… ¿¡La His-

blecer, ¿qué significado tiene en

cómodo utilizando uno para describir al otro”.

“Nuestro guitarrista Spencer es algo así como el arquitecto detrás de toda la música. Él comenzó la banda y tuvo el gran plan de qué tipo de música queríamos probar o hacer. Así que, generalmente, todavía empieza por él. Compone riffs por su cuenta y, muchas veces, tiene un plan más elaborado sobre cómo quiere que se sienta el disco. Él y nuestro batería Dave luego desarrollarán las canciones reales, hacen jams muy a menudo. A partir de ahí hacen demos aproximadas para que pueda escribirles y, honestamente, todo es bastante normal en términos de funcionamiento del grupo”. Pero por ejemplo, ¿cómo se realiza un tema de puro noise como ‘Rainbow Coil’? Para vosotros, ¿resulta fácil o complicado crear cortes como ésos?

“Por lo general, vamos al estudio con algo de la idea para la canción si no tiene ninguna instrumentación tradicional pero no está escrita formalmente de antemano. Por ejemplo, para ‘Rainbow Coil’, Spencer y yo habíamos debatido el uso de baterías cortadas y de dispositivos electrónicos ‘basura’ para crear algo discordante e inconexo, pero que eso todavía tendría flow y un clímax. En el estudio tomamos eso y lo ampliamos, y lo trabaja-

“SI FUERA UN PURISTA, PROBABLEMENTE TAMPOCO ME GUSTARÍA NUESTRA BANDA” DYLAN WALKER

mos hasta que sentimos que era lo que queríamos. La improvisación es muy importante, y no existe una correlación entre la dificultad y si la canción está desprovista de instrumentación normal o no. Todo depende”. Si uno observa vuestros splits, puede comprobar hasta qué punto os gusta experimentar con

laboraciones interesantes, eso es todo. Nos hemos movido más a hacer discos de colaboración en lugar de splits a lo largo de los años. Las colabos han sido tan importantes para nuestro crecimiento como músicos… y creo que es importante que sigamos haciéndolas. Todos tenemos un límite; nosotros no hemos encontrado el nuestro respecto a este tipo de cosas”.

vuestro sonido… Code Orange,

realmente seguro… Definitivamente, disfrutaríamos colaborando con Lingua Ignota. Ella está contribuyendo enormemente a esos géneros mencionados al ser sólo ella misma y hacer álbumes sobresalientes”. Conozco a algunos fundamentalistas del grindcore que no aceptan bandas como la vuestra, que os salís de la normalidad o

Merzbow, Nails... ¿Qué habéis

Si piensas en grupos actuales,

el clasicismo para ofrecer otras

aprendido de estas experiencias

¿con cuáles te gustaría hacer

experiencias ruidosas que pisan

y cómo de lejos crees que tenéis

más discos conjuntos o splits por

otros estilos musicales. Supongo

vuestro límite?

cómo están contribuyendo a la

que no te importa lo más míni-

“Sólo hemos trabajado con gente que creíamos que harían compartidos y co-

vanguardia del metal extremo?

mo, ¿verdad? ¿Lo has notado

“Es difícil de responder, no estoy

en alguna crítica o en conciertos 47

para los próximos meses? ¿Mucha carretera o algún otro artefacto musical?

“Estamos a punto de volver a girar. Nos acabamos de tomar nuestro descanso más largo en aproximadamente nueve años desde que somos una banda, ¡seis meses!, por lo que todos estamos ansiosos por volver a salir. Estaremos de gira durante el resto de año y, sí, también tenemos un par de proyectos en camino. Estamos de pie al borde del acantilado ahora mismo”. Honestamente, me encanta vuestra música y todo lo que la rodea, así que sólo tengo un reproche que hacerte… Opino que a vuestros shows les faldonde toquéis como apoyo de

niveles. Por muchas razones

alguien, que hay una parte del

guardo un gran respeto hacia

público que no os entiende?

ambos, ¿pero qué diferencias

“Cuando era joven, cuando empezamos, creo que me molestó un poco. No pasó mucho tiempo antes de que me diera cuenta de que, uno, si fuera un purista, probablemente tampoco me gustaría nuestra banda, y dos: la mayoría de mis grupos favoritos también tomaron elementos de géneros dispares e hicieron versiones ‘impuras’ o ‘falsas’ de dichos estilos. Es guay. No creo que a ninguno de nosotros nos moleste, entendemos la reacción. Sólo estamos realizando lo que queremos hacer y eso es todo lo que puedes hacer, no cambiaría nada”.

habéis encontrado vosotros y

Para Weeping Choir, por eso, os habéis ido de un sello de culto como Profound Lore para

qué ha motivado ese cambio?

“Profound Lore es uno de los mejores sellos del planeta. Siempre hemos cambiado a diferentes discográficas en los últimos nueve años, por lo que es bastante normal que lo hagamos. La mayor diferencia con Relapse es que se trata de un equipo gigante de personas que trabajan en distintas cosas a la vez. La mayoría de los sellos con los que trabajamos tienden a ser una o dos personas como mucho, y la experiencia es diferente. Hemos tenido una experiencia muy positiva en Relapse. Sentimos que podría ayudar a nuestra banda a crecer, pero de una forma en la que aún podríamos mantener el control, y hasta ahora ése ha sido el caso”.

ingresar en Relapse Records, mucho más grande a todos los

¿Y qué preparan Full Of Hell

ta algo de continuidad entre canción y canción, creo que si fuerais capaces de encadenar cuatro o cinco explosiones grind seguidas realmente nos chafaríais contra el suelo. ¿Qué te parece, es algo que hayáis hablado?

“¡Gracias! Sí, sé a qué te refieres. Siempre depende de lo que esté pasando entre nosotros. A veces escribimos deliberadamente el set para sentirnos muy arriba y muy abajo todo el tiempo. ¡Tal vez intentaremos idear un repertorio para tocar todo el rato sin dejar aire para nadie! (Risas)”. Gracias por tu tiempo y felicidades por el nuevo disco.

“¡Gracias a ti por la entrevista!”.

SLIPKNOT

O D N A Z A R B A D A D I R U C S O A L

EL MUNDO VUELVE A TEMBLAR ANTE LA LLEGADA DE UN NUEVO DISCO DE SLIPKNOT. AUNQUE TODAVÍA HABRÁ QUE ESPERAR HASTA EL 9 DE AGOSTO PARA PODER ESCUCHAR WE ARE NOT YOUR KIND, ANTES PODREMOS DISFRUTAR DE SU DIRECTO EN EL DOWNLOAD FESTIVAL DE MADRID Y EL RESURRECTION FEST. MOTIVO MÁS QUE SUFICIENTE PARA QUE COREY TAYLOR SE PUSIERA AL TELÉFONO A PESAR DE LAS DIFÍCILES CIRCUNSTANCIAS POR LAS QUE HA PASADO EL GRUPO EN LAS ÚLTIMAS SEMANAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A VIDA TE DEPARA GOLPES INESPERADOS , da igual que seas un

miembro de Slipknot o cualquier pelacañas. Ya puedes planear y pensar que lo tienes todo controlado que, en cualquier momento, las circunstancias pueden cambiar radicalmente en un instante. El pasado 16 de mayo, la banda más famosa de Iowa ponía toda la maquinaria en marcha con el lanzamiento del single ‘Unsainted’ y el arranque de la campaña de su sexto álbum We Are Not Your Kind (Roadrunner) con su primera aparición en directo en el programa Jimmy Kimmel Live!. Al día siguiente teníamos previsto entrevistar a Shawn ‘Clown’ Crahan para charlar de todo ello, pero sin que se nos diera ninguna explicación, la llamada del percusionista y miembro fundador nunca llegó. Tampoco es que nos sorprendiera excesivamente porque estas cosas ocurren, pero unas horas más tarde conocíamos el trágico motivo: Gabrielle, su hija menor, de 22 años, había fallecido. Aunque no se dio a conocer la causa, en las redes empezó a correr que la chica había tenido problemas de adicción a las drogas. Naturalmente, pensamos que todas sus tareas promocionales iban a quedar suspendidas, pero inesperadamente, a la semana siguiente nos ofrecieron poder hablar con Corey Taylor. A pesar de todo lo ocurrido, nos encontramos con el cantante de buen humor y con ganas de hablar de todo… excepto de Chris Fehn. La salida por la puerta de atrás del percusionista ocurrida en marzo tras acusar a sus compañeros de estafa, sigue siendo un tema tabú hasta que lo resuelvan los tribunales. Pese a la mala prensa que eso ha generado, no parece que la popularidad del grupo 52

vaya a menguar; al revés, el hambre hacia la música de Slipknot parece ser más voraz que nunca. Y es que, ante un panorama musical cada vez más aséptico, estos enmascarados siguen poniéndole una nota de color. Hola Corey, ¿cómo estás? COREY TAYLOR “Bien, aquí en casa,

haciendo un poco de limpieza. ¿Cómo estás tú? Bien, también en casa después de una semana de estar de gira con Cancer Bats.

“¡Oh, muy bien! ¡Amo esa jodida banda!”. Ha sido una gran experiencia, la verdad. A raíz de eso me preguntaba cómo fue tu primera gira con Slipknot. ¿Ibais en furgoneta también?

“¡Oh tío! De hecho, necesitábamos dos furgonetas (risas). ¡Llevábamos tantos trastos! En una furgo iba la batería y la percusión, y en la otra los amplis. Al principio éramos ocho, y luego pasamos a nueve, y eso sin contar la gente que nos ayudaba a montarlo todo. Así que básicamente viajábamos como si fuera una gira gigante, pero en furgoneta. Dormíamos encima de los amplis. Viajar en furgoneta en medio del invierno era una puta mierda. Tuvimos que inventar un sistema de calefacción con unos cartones para que el calor nos llegara a los que estábamos al fondo. ¡Era ridículo! Una noche se nos estropeó una de ellas en medio de la nada y unos seguimos adelante con la otra y el resto tuvo que andar unos kilómetros hasta llegar a una tienda y poder llamar a la asistencia”. ¿Cómo reaccionaba la gente de

las salas cuando os veían llegar con toda la parafernalia? Supongo que al principio nadie sabía todavía muy bien de qué iba la banda.

“Sí, tocar fuera de nuestra zona era complicado. Podíamos agotar en cualquier sitio de Iowa, nos conocían en Omaha también, pero, por ejemplo, en Kansas City nadie había oído de nosotros. Así que tocábamos para los dos grupos teloneros, un par de camareros y quizá diez personas que estaban mirando Los Simpsons en la tele del bar. Pero nosotros salíamos con nuestras máscaras y toda nuestra mierda y la gente pensaba ‘¿Pero qué coño es esto?’. Y arrasábamos, porque tocábamos igual para diez personas que para mil. Eso es lo que tienes que hacer. No puedes reservarte nada. Así es como el boca-oreja empezó a funcionar. Recuerdo que tocamos en un sitio en Lincoln, Nebraska, con el escenario más pequeño que puedas imaginar. Era imposible montarlo todo, así que Craig (Jones) acabó tirando los samplers desde la cabina del DJ del local (risas). ¡Parecía un chiste! Sólo había tres personas viéndonos y recuerdo decirle a Clown ‘¿Algún día vendrá alguien a vernos?’ (Risas). Era un locura”. Obviamente las cosas han cambiado mucho desde entonces y en breve estaréis encabezando en España dos festivales como Download Festival y Resurrection Fest. ¿Algún día pensaste que la banda alcanzaría este estatus?

“Bueno, es algo con lo que sueñas y que esperas que suceda, pero lo bonito es que, cuando sucede, sigue resultando una sorpresa. Antes de cada concierto estoy súper excitado.

Miro fuera y pienso ‘joder, toda esta gente está aquí para vernos’. Hemos trabajado mucho para llegar hasta aquí, y nos hemos preparado para ello, pero no deja de sorprenderme y alucinarme. Eso lo hace especial. Cuando quieres algo de verdad, ese sentimiento nunca desaparece. El día que deje de sentir eso, me dedicaré a otra cosa. Me siento muy orgulloso de haber logrado que este grupo sea una de las mayores bandas del mundo y que siga siéndolo después de más de veinte años. Es algo que ya no se ve”. La semana pasada lanzasteis un nuevo single y vídeo, ‘Unsainted’, y como era de esperar, ha obtenido una gran repercusión. ¿Prestas atención a la reacción en las redes o prefieres aislarte de las opiniones de los demás?

“Bueno, si estás en las redes es inevitable ver los comentarios. Pero creo que la reacción ha sido muy positiva. Lo bueno de nosotros es que, ni yo, ni los demás, componemos pensando en lo que la gente quiere; escribimos lo que queremos nosotros y los sacamos. Creo que es la única manera correcta de hacerlo, desde un punto de vista artístico. En el momento en el que empiezas a escuchar lo que la gente quiere, dejas de hacer música para ti. Intentamos llevar el grupo en la dirección que queremos, no en la que nos empujan a llevarlo. Y creo que ha sido clave para seguir siendo honestos, para ser nosotros mismos. Sinceramente, creo que por eso la gente responde tan bien y se sigue ilusionando con lo que hacemos”.

“ME SIENTO MUY ORGULLOSO DE HABER LOGRADO QUE ESTE GRUPO SEA UNA DE LAS MAYORES BANDAS DEL MUNDO” COREY TAYLOR

“NO PUEDES DESHACERTE DE LA OSCURIDAD O EL DOLOR, PERO APRENDES A CONVIVIR CON ELLO” COREY TAYLOR Todavía no hemos tenido acceso al disco completo… ¿Es ‘Unsainted’ representativa del resto o es más pegadiza y por

ya habíamos hecho. Creo que cuando la gente escuche el disco, oirá cosas que nunca había oído antes en un trabajo de Slipknot”.

eso es el single?

“Para nosotros era evidente que tenía que ser el primer single porque tiene un estribillo gigantesco, pero al mismo tiempo las estrofas son muy heavies y agresivas. Tiene lo mejor de Slipknot. Tienes unos scratchings brutales de Sid, Craig añadió muchas capas, tienes grandes guitarras, un breakdown más oscuro, tiene el blast beat… Contiene todo lo que hacemos. Es un tema punzante, pero con un estribillo jodidamente pegadizo. Todos esos elementos están en el resto del disco. He estado diciendo a la gente que en este álbum hay cosas de Iowa, cosas de Vol. 3, pero sobre todo es We Are Not Your Kind. Hemos explorado un nuevo territorio más que revisitar cosas que 54

Supongo que hoy en día grabar un álbum de Slipknot es un proceso mucho más controlado que antes, pero aun así vuestra música requiere un cierto nivel de caos y agresividad. ¿Cómo encaras a día de hoy una grabación de Slipknot?

“Pues me resulta bastante fácil. En lo que se refiere a grabar voces, para mí todo es una cuestión de emoción, no de técnica. ¿Quién soy ahora mismo? ¿Qué siento cuando canto estas frases en esta canción en lugar de en otra? Es una cuestión de actitud. Siempre pienso que cada toma es mi única oportunidad para hacerlo bien. Así que en cada toma lo doy todo e intento que salga per-

fecta. He visto otra gente grabar y es tan… aburrido. Veo gente cantar sin sentir nada. Me dan ganas de abofetearles y decirles ‘¿Qué coño estás haciendo? ¿No sientes nada?’. Creo que la gente se ha acostumbrado a que la tecnología haga el trabajo por ellos, pero a mí no me sirve. Yo grabo mis voces a pelo. No uso ningún efecto ni nada, intento hacerlo perfecto por mí mismo. Nunca he usado Auto-Tune. Cuando se escuchan efectos, como distorsión, o delay o reverb, en mi voz es algo que añadimos luego. Si no puedes transmitir lo que quieres sin efectos, no podrás hacerlo con efectos”. ¿Qué momento durante la grabación de este disco fue el más mágico para ti?

“La verdad es que cuando oí el disco acabado por primera vez fue una pasada. Durante la grabación estás

tan metido en el detalle que no te das cuenta de la fuerza del conjunto. Eso me pasó con ‘Unsainted’ y también con otro tema que se llama ‘Birth Of The Cruel’, que es muy percusivo y oscuro. Es una canción muy especial y cuando la escuché terminada pensé ‘joder, esto es una pasada’. No sólo me emociono por lo que grabo yo, sino por lo que hacemos entre todos”. En el tracklist final no aparece ‘All Out Life’, la canción que lanzasteis el año pasado. ¿Era el plan desde el principio o lo habéis decidido una vez terminado el resto?

“Fue algo que discutimos, porque el título del disco We Are Not Your Kind sale de la letra de esa canción, pero para nosotros tenía más sentido dejar ‘All Out Life’ fuera y que el álbum fuera algo cerrado en sí mismo. Creo que el disco cuenta una historia mucho más oscura, y no encajaba con la música de ese tema que, aun siendo agresiva, es mucho más animada. El disco es muy, muy oscuro, así que preferimos que nada interfiriese con eso. Cuanto más lo pensamos, más creímos que era la decisión correcta”. Mucha gente puede pensar que que una banda de tanto éxito como la vuestra hable de oscuridad puede sonar impostado, pero la trágica noticia que hemos conocido esta semana deja claro que por muy famoso que seas, no eres inmune a ella.

“Es una buena reflexión. Creo que he encontrado un buen equilibrio respecto a la oscuridad a medida que me he hecho mayor. No pue-

des deshacerte de la oscuridad o el dolor, pero aprendes a convivir con ello. Aprendes a abrazarla, a explorarla, a aceptarla, sobre todo desde un punto de visto creativo. Dicho esto, hace cuatro o cinco años caí en un pozo. No me di cuenta de que estaba en él hasta que pensé en lo infeliz que era, lo veía todo negro. Tenía una depresión física y mental. Ahí vi que la oscuridad puede volver a dominarte en cualquier momento. Pero lo bueno fue que no dejé que me destruyera como cuando era joven. No caí en la adicción o en la autodestrucción. Tardé un par de años en resolverlo, pero estoy muy orgulloso de no haber descarrilado. Estuve cerca. Había noches en las que pensaba que lo único que necesitaba era un trago y el dolor desaparecería, pero ya había pasado por eso y sabía que lo único que haría era empeorarlo. Es como poner una tirita en una gran herida: no sirve de nada. Así que resistí, fui fuerte y no me rendí a la oscuridad. Creo que es la mejor decisión que he tomado en mi vida. Y entonces, logré darle la vuelta y pensé que todo eso era una gran oportunidad para un nuevo disco de Slipknot y decir las cosas que necesitaba decir. Fue una verdadera terapia. Así que espero que estas letras y esta música ayuden a la gente que quizá ha pasado por lo mismo que yo. La vida a veces te arrastra a esa oscuridad que habías dejado atrás, pero no pasa nada, puedes volver a vencerla. Sólo necesitas fortaleza, tiempo y ayuda, pero puedes vencerla. Éste es el punto en el que estoy ahora respecto a mi depresión. Sé que es algo que tengo dentro y que potencialmente puede volver a salir, pero

ahora soy capaz de darme cuenta más rápidamente”. Siempre he pensado que para las figuras públicas como tú, pasar por eso es incluso más complicado, porque la gente espera que te compartes de una determinada manera.

“Exacto”. No sé si en cierta manera al principio usabas la máscara como una armadura contra eso y el día que decidisteis mostrar vuestras verdaderas caras fue porque te sentías preparado a mostrar tu verdadero yo. ¿Cómo cambiaron las cosas para ti cuando en 2002 revelaste tu cara?

“Sinceramente no creo que nunca nos escondiéramos detrás de las máscaras. Simplemente era una parte fundamental de la música y del espectáculo y no le dábamos más vueltas. Pero cuando llegó el momento de hacer Stone Sour no tenía ningún sentido llevar máscara, porque Stone Sour existía como una banda antes que Slipknot. Cuando reactivamos Stone Sour hubiera sido absurdo intentar ocultar mi cara. Además, no quería que se comparase Stone Sour con Slipknot y llevar máscara lo hubiera hecho inevitable, quería que las dos bandas fueran cosas muy distintas. La verdad es que no le di demasiadas vueltas. No es que quisiera ser reconocido, sino que simplemente con Stone Sour nunca había llevado máscara. No pensé en las consecuencias, la verdad. Además, incluso antes de quitarme la máscara, la gente ya me reconocía, sobre todo por los tatuajes. Mucha 55

“EN LOS ÚLTIMOS AÑOS ME HE HECHO MUY, MUY AMIGO DE DUFF MCKAGAN. ES UNO DE LOS TÍOS MÁS INTELIGENTES Y DULCES QUE CONOZCO” COREY TAYLOR gente no se da cuenta que, aunque llevara la máscara, ya había fans que se presentaban en mi casa o me pedían un autógrafo en un restaurante o el cine. La verdad es que no supuso un gran cambio. No noté demasiada diferencia cuando saqué el primer disco de Stone Sour. La cosa cambió de verdad con Vol. 3 y Come What(ever) May, ahí se volvió un poco más loco todo porque la popularidad de los dos grupos fue en aumento. Y más o menos ha sido así hasta ahora. Pero quiero pensar que ha sido una consecuencia de haber mejorado como músicos y que la gente quiere saber más de nosotros por eso, más que simplemente saber quién había detrás de una máscara”.

carrera del grupo? O incluso a nivel personal…

“En los últimos años me he hecho muy, muy amigo de Duff McKagan. Es uno de los tíos más inteligentes y dulces que conozco. Tengo muchos amigos en este negocio, pero Duff es de los pocos a los que de verdad he pedido consejo. Y siempre me ha ayudado mucho. Creo que nunca lo había contado. Más que un mentor, diría que es un confidente. Es una de esas personas a las que puedo llamar sea la hora que sea y me contesta. Me ha ayudado mucho y nunca lo olvidaré. Puedo decir que es uno de mis mejores amigos”. Hace un par de meses ocurrió todo el tema con Chris Fehn. ¿Te

¿En algún momento has tenido

molesta que estos asuntos inter-

algún mentor al que poder pe-

nos salgan a la luz o crees que

dir consejo sobre este tipo de

es justo que los fans sepan lo

decisiones o cómo enfocar la

que ocurre dentro del grupo?

“No es algo de lo que quiera hablar, así que no me preguntes más por Chris Fehn. Todo lo que puedo decir es que los fans tienen que entender que es una cuestión privada y así tiene que ser. Nosotros publicamos nuestro comunicado y, o bien te lo crees o no te lo crees. El hecho de que muchos fans no lo creyeran me dolió mucho, pero no pasa nada. Algún día la verdad saldrá a la luz y espero que todos esos fans se arrepientan de lo que han dicho y se den cuenta de que la banda tenía razón”. Pues no hay tiempo para más…

“OK, muchas gracias. Estamos deseando ver a todos nuestros fans dentro de nada”.

DISCO DEL MES

K Caligula (PROFOUND LORE) BLACK METAL, INDUSTRIAL, NOISE, MÚSICA CLÁSICA

ristin Hayter sobrevivió a la violencia machista y a una anorexia. Aún no lo sabía, pero fue entonces cuando nació Lingua Ignota. De todo aquello salió invencible, empoderada, y ésta es su venganza. Lo dice abiertamente. Ésta es su vendetta contra un mundo deplorable, vil e injusto, brutalmente misógino. Con más razón que un santo, Kristin es de las que opinan que a esta sociedad sólo se la arregla con napalm. Tras All Bitches Die, ahora nos presenta un Caligula que todavía va más lejos en una propuesta genuinamente única. Ella no ha tenido que llamar a Garm de Ulver para que le haga medio trabajo. Sobra decir que los acérrimos de Chelsea Wolfe

LINGUA IGNOTA

o Emma Ruth Rundle tienen una nueva heroína, pero la verdad es que Lingua Ignota va por su lado. Hayter no es un pijo escandinavo que quiere cabrear a sus padres; la estadounidense vivió un infierno, miró al Diablo a la cara y le ganó la partida. Y ahora le toca triunfar. Y lo demuestra en cada nota de esta obra. La historia de Caligula, el sanguinario emperador romano, le sirve para demostrar que no hemos cambiado nada. Fantásticamente documentada, es cómo lo dice, pero sobre todo, qué dice. Si entiendes el inglés, no vas a poder evitar sobrecogerte. Vas a compartir su dolor, y será a la fuerza. Entre vulnerable e

inquietante, ‘Faithful Servant Friend Of Christ’ se encarga de demostrarnos que no estamos ante una artista normal, y ‘Do You Doubt Me Traitor’ nos revuelve las entrañas con unos berridos black que ni Onielar de Darkened Nocturn Slaughtercult puede replicar. ‘Butcher Of The World’, con un sampleado que debes reconocer, se encargará de horrorizarte primero, hechizarte después. Y luego vienen esos coros celestiales, ese piano y ese dominio majestuoso del canto, para que el clímax ‘Spite Alone Holds Me Aloft’ te ratifique que estás ante un disco sin parangón. Radical. La khaleesi que va a romper la rueda. De veras desgarrador. PAU NAVARRA

BLACK MOUNTAIN

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Stephen

McBean (voz, guitarra), Jeremy Scmidt (teclista), Arjan Miranda (bajo), Rachel Fannah (voz), Adam Bulgasem (batería) PRODUCIDO POR: John Cogleton AFINES A: Fu Manchu, All Them Witches, The Black Angels PÁGINA WEB: www.blackmountainarmy.com

S Destroyer (JAGJAGUWAR) ROCK PSICODÉLICO

i en 2016 nos llevamos una alegría con el inesperado regreso de Black Mountain gracias al notable IV, apenas tres años después volvemos a tener noticias de los canadienses. Sólo que esta vez muchas cosas han cambiado en sus filas. Únicamente el capitán de la nave, Stephen McBean, y su lugarteniente, el teclista Jeremy Schmidt, repiten tras la desbandada del resto de sus compañeros. Bien es cierto que ambos son los que siempre han llevado el peso compositivo en la formación, pero había que comprobar cómo se trasladaba esta renovación a un nuevo plástico. Según McBean, la inspiración para escribir

Destroyer le vino tras conseguir el carnet de conducir y experimentar la sensación de libertad a los mandos de su Dodge Destroyer del 85. En ese mismo curso parece instalarse el marco de un álbum que podríamos calificar como uno de los más guitarreros de su carrera. De ello dan buena muestra la vitalista ‘Future Shade’, en la que McBean y Schmidt campan a sus anchas, y una ‘Horns Arising’ que suena a unos Black Sabbath futuristas a los que solo un breve puente acústico es capaz de ponerles freno. ‘High Rise’ continua repartiendo guitarrazos secundada por sintetizadores ochenteros, aunque su insistente ritmo

acaba por hacerla un tanto monótona. En cambio, ‘Pretty Little Lazies’ juega con la ambientación hippie hasta que aparece un riff furibundo sin previo aviso. Igual de veloz es ‘Licensed To Drive’, que como deja adivinar es toda una invitación a pisar fuerte el acelerador en contraste al groove de ‘Boogie Lover’. Con la sombría y muy Bowie ‘FD 72’ clausuran un disco interesante pero que queda lejos del nivel mostrado en In The Future y IV. Y es que es imposible no acordarnos de la aportación vocal de Amber Webber, uno de los pilares de su sonido, sintiendo que tal vez hay algo que se ha perdido por el camino. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... STEPHEN MCBEAN ¿Cómo afrontaste los cambios en la formación?

“Cuando alguien deja el grupo puede ser triste porque es como una familia, pero Jeremy y yo no dudamos en que queríamos seguir. Hubiera sido una pena dejarlo y, además, no puedes hacer nada si alguien ya no quiere tocar contigo. Intentamos sacar lo mejor de la situación y encontrar la ilusión de tocar con nueva gente. La mayoría eran amigos o que había girado antes. Creo que tenemos una visión musical bastante parecida. En cierta manera hacer este disco fue un poco a cuando hicimos el primero, más divertido. Grabamos 22 temas y luego vimos las que encajaban mejor en un disco. Creo que las que escogimos tenían en común que eran canciones para conducir. Hay un poco de heavy metal, sintetizadores…”. Suena un poco a una banda

sonora de los 70.

“¡Eso mola! ¡Lo veo! Uno de mis amores de adolescencia era el heavy metal. Aprendí a conducir y mientras conducía por Los Angeles redescubrí discos clásicos. Es una experiencia diferente escuchar música cuando estás al volante”. ¿Qué escuchabas?

“Discos de Judas Priest de los 70 y los 80. También discos de Blue Oyster Cult. Escuchaba el programa de radio que tiene Steve Jones...”. ‘License To Drive’ tiene un rollo desert rock.

“Sí, bueno Joshua Tree está sólo a dos horas de aquí. Me gustaban algunos de esos grupos, pero prefería el rollo más doom de Trouble o Saint Vitus. También me gustan Queens Of The Stone Age”. Tienes 48 años, ¿cómo te ves tocando rock a esta edad?

“Cuando eres joven y empiezas a tocar

piensas que cuando llegues a esta edad estarás cansado. Pero la verdad es que disfruto con algunas cosas más ahora que antes. Hay cosas que me importaban mucho antes que ahora me dan igual. Y creo que como músico aprendes a tocar mejor, aunque es importante mantener la chispa inicial”. ¿Y cómo lo haces para no perder esa chispa?

“Cuando veo un buen concierto me siento inspirado. Si vas a ver a Sun O))) tienen algo que te hace quedarte con la boca abierta, el volumen, el aspecto teatral… También vi a Kiss recientemente y, de otra manera, pero también me inspiraron. También vi a Judas Priest… Me puede inspirar tanto ver a un guitarrista que la parte como el propio ambiente del local… Se trata sólo de recordar tu amor por la música”. (JORDI MEYA)

RAMMSTEIN Rammstein (UNIVERSAL) METAL

o normal es que en diez años a una persona le dé tiempo más que de sobra para cambiar su vida. Pero a pesar de todo esas experiencias vitales, hay personalidades que resultan inmutables ante el paso del tiempo. La de Rammstein es sin duda una de ellas. Que para eso son alemanes y lo de jugársela no va con ellos. Fiabilidad ante todo. Rammstein, del que se dice que podría ser su último álbum, bien podría haber aparecido un par de años después de Liebe Ist Für Alle Da y nadie hubiera notado la diferencia. Mucho antes de que le des al play, sabes perfectamente ante qué disco te vas a enfrentar. El asunto arranca con una ‘Deutschland’ que ya se ha convertido en viral gracias a su espectacular y polémico video. El juego entre los teclados y las guitarras punzantes, el auto-homenaje con ese “Du Hast” que suelta Till Lindemann nada más abrir la boca, un estribillo que es Rammstein en estado puro... Así se vuelve al ruedo. Por la puerta grande. Lo que viene a continuación es una primera

mitad del disco muy directa y que entra fácil. Ahí está ‘Radio’, donde Flake Lorenz lleva buena parte del peso de la canción introduciendo elementos de electrónica desembocando en el coro más pegadizo y accesible del disco. En una línea similar se mueve ‘Ausländer’, que a pesar de contar con un riff marca de la casa aúna arreglos de música pop y una letra un poco tonta donde se intercalan castellano, inglés, francés e italiano. Mucho más incisivas son ‘Zeig Dich’, con su intro operística para luego ir directa a la yugular, y una ‘Sex’ que pide a gritos toneladas de fuego. A partir de aquí Rammstein deciden dejar de pisar el acelerador y es cuando el tracklist comienza a resentirse. ‘Puppe’ nos sugiere una ambientación más oscura y tensa, ‘Was Ich Liebe’ y ‘Weit Weg’, más allá de los sintetizadores de aire setentero de esta última, apenas llaman la atención y no pasan de ser meros cortes para rellenar. Más interesante es ‘Diamant’, una balada de corte acústico que sirve para tomar algo de aire. Aunque no llega a explotar en ningún momento, está bien construida y me parece uno los mejores momentos del disco. ‘Tattoo’ vuelve a recuperar el pulso en la recta final con otro riff que lleva el “made in Germany” grabado en carne viva. El cierre llega con una ‘Hallomann’ en forma de medio tiempo que va subiendo de intensidad. Rammstein no engañan a nadie y aquí nuevamente encontrarás todas las virtudes (y defectos) que les han convertido en el gigante que son. GONZALO PUEBLA

BIFFY CLYRO Balance, Not Symmetry (WARNER) ROCK ALTERNATIVO

ese a que algunos empiezan a echar en falta a los Biffy Clyro que grabaron esa trilogía perfecta compuesta por Puzzle, Only Revolutions y Opposites, en la que se manejaron entre el rock alternativo y la épica como nadie, no se puede negar la inquietud y el riesgo del trio escocés en sus últimos lanzamientos; ya sea con un álbum rompedor como Ellipsis, en forma de unplugged, o la banda sonara que nos atañe. Podrían haber explotado su formula una y otra vez, pero definitivamente el estancarse no va con la

personalidad de Simon Neil. Todavía no sabemos si Balance, Not Symmetry debe tomarse como un álbum oficial de Biffy Clyro más o si quedará como un destacado apéndice. Pero tras un par de atentas escuchas, esta banda sonora funciona como una obra en sí misma. Cierto que hay algunas partes de score –muy bien facturadas por otro ladocaso de ‘Pink’ o ‘Navy Blue’, pero el cuerpo del álbum lo componen canciones que pueden funcionar de manera individual, sin la película en mente. Balance, Not Symetry es un trabajo hecho sin corsé, donde Neil se ha dado la libertad de explorar sus diferentes facetas. De ahí que podamos disfrutar de una baladas como ‘Touch’, giros acústicos como ‘Different Kind Of Love’ y, por supuesto, ese rock de masas en los que son unos maestros como demuestran ‘Sunrise’ o ‘Tunnels And Trees’. Pese a que es fácil pensar que esto es un capricho o entretenimiento, se nota las hora de trabajo invertidas, y también sirve como lanzadera para ese disco de rock que han prometido para dentro de pocos meses. RICHARD ROYUELA

HOT WATER MUSIC Shake Up The Shadows (RISE) PUNK ROCK

n una época en la que los grupos han encontrado un auténtico filón en la excusa de celebrar el aniversario de cualquier eventualidad del pasado, a veces deberíamos pararnos a pensar no sólo en la cantidad de años que pasan para las formaciones o sus obras más emblemáticas, sino también en como éstas han soportado el paso del tiempo y como se mantienen en la actualidad. En el caso de Hot Water Music, los de Gainesville han alcanzado el cuarto de siglo con bastante dignidad a pesar de una trayectoria un tanto discontinua (un breve hiato entre 2006 y 2008) y la inestabilidad actual

de uno de sus principales compositores como es Chris Wollard. Por eso se agradece que su nueva referencia, Shake Up The Shadows, sea más una instantánea del momento que están viviendo ahora que no una mirada nostálgica al pasado. No es novedad, pero en este EP Chuck Ragan ha agarrado con más fuerza si cabe las riendas del carro para seguir tirando de uno de los buques insignia más respetados y queridos dentro del punk rock. Suyas son cuatro de las cinco aportaciones, entre las que sobresalen las vigorosas ‘By Any Means’ (atentos al bajo de Jason Black rellenando todos los espacios con una solvencia pasmosa), ‘Afar And Away’ y una ‘Rebellion Story’ que bien merecería un hueco en su lista de himnos imprescindibles. Por su parte, Wollard “reaparece” en ‘Denatured’ donde colabora Chris Cresswell a los coros (recordemos que el cantante de The Flatliners lleva supliendo el puesto de Wollard desde que este causara baja para combatir sus problemas de depresión) también dejando buenas sensaciones. Un pequeño caramelo para sus fieles para constatar su buena salud. GONZALO PUEBLA

DUFF MCKAGAN Tenderness (UNIVERSAL) AMERICANA

no de los secretos del éxito de los Guns N’ Roses clásicos fue la fuerte personalidad y talento de sus componentes. Si bien el genio, entendido en sus múltiples acepciones, de Axl Rose podía eclipsar al resto, los fans de verdad sabían que personajes como Izzy Stradlin o Duff McKagan no eran precisamente meros comparsas al servicio de un líder. Y si bien Slash ha sido el que ha logrado construir una carrera más sólida fuera de Guns, ninguno de sus discos tiene un valor artístico especialmente relevante. Tampoco los tenían los que Duff grabó con su banda de punk rock Loaded, pero

la edad, la experiencia y la inteligencia del bajista probablemente le hayan hecho dar cuenta que después de la monstruosa gira mundial de Guns, y a la espera de ese nuevo disco que parece que definitivamente está en marcha, no hubiera tenido mucho sentido reaparecer en solitario con algo que pudiera ser comparado a la banda madre. De ahí que en Tenderness se haya decantado por un sonido puramente americano, de tono adulto y cercano al country. El contar con Shooter Jennings como mano derecha sin duda le ha ayudado a que, lejos de parecer un movimiento forzado, todo se muestre con absoluta naturalidad. La mayoría de canciones son medios tiempos con una instrumentación muy acústica, con pianos, violines y pedal steels enriqueciendo los arreglos. La sobriedad de temas como ‘Last September’, ‘Cold Outside’ o ‘Feel’ apenas se rompe por el toque stoniano de ‘Chip Away’. Una buena colección de canciones para escuchar con calma mientras se contempla el crepúsculo. JORDI MEYA

ABBATH

Outstrider (SEASON OF MIST) BLACK METAL

esde que Abbath abandonara Immortal para arrancar su carrera en solitario, le he visto cuatro o cinco veces sobre un escenario. Durante estas ocasiones nos movimos entre el suspenso total y lo mínimamente aceptable, siendo la del Brutal Assault la única destacable. En su momento, su disco de debut lo abrazamos con estima por pura necesidad, pero no es menos cierto que, escucha tras escucha, ha ido perdiendo fuelle ante nuestros oídos. Ante un panorama tan desolador, sólo faltaba que Demonaz y Horgh publicaran un pedazo de álbum como Northern Chaos

82 64

Gods… En mi opinión, la cara más reconocible del black necesitaba redimirse, era casi un imperativo que pudiera demostrar que tanta caricatura de sí mismo podía quedar atrás publicando una gran segunda obra, pero salta a la vista que no ha sido así. El vulgar Outstrider certifica que la llama y el talento del músico escandinavo siguen durmiendo la mona en algún lugar de Bergen. ‘Calm In Ire (Of Hurricane)’ no puede ser más facilona, pero en cambio, ‘Bridge Of Spasms’ aporta suficientes alicientes como para llamar nuestra atención. Y ésta será la tónica general del álbum: una de cal y otra de arena. A cualquier corte interesante, como podría ser el homónimo, luego le sucederá otro que se lo podrías escuchar a tus compañeros de local. Además, no puedo imaginar un sonido más endeble e impropio para el género maldito que éste. ¿Tres años para entregar estos 38 minutos, con innecesaria versión de Bathory inclusive? Con el increíble black y war que se factura actualmente, esto está para darle dos o tres vueltas, y ya. PAU NAVARRA

BAD MONGOS Mongo Machine (BCORE) PUNK ROCK

e vez en cuando, llegar pronto a los conciertos tiene su recompensa. Al menos eso es lo que pensé cuando hace un par de años me topé con Bad Mongos en la primera edición del Ferrish Fest en Madrid. Siendo los primeros de la tarde, pillaron por sorpresa a más de uno con su punk rock 100% Costa Brava muy en la onda de los primeros Turbonegro y Ramones. Tanto en el escenario como en su debut Shoot The Bullet dejaban bien claras sus intenciones con una música que no da lugar a andarse por las ramas. Directos y sin complicaciones. Tres acordes

a toda pastilla y a correr, sabiendo cómo convertir sus limitaciones en virtud. Para su segunda entrega tampoco han optado por salirse del guión marcado, aunque sí que hay alguna sorpresa de por medio. Mientras que en ‘Not Anymore’, ‘Revolution’, ‘Shiver’ y ‘Neon Boy’ ponen la quinta marcha nada más meter la llave en el contacto, en otros cortes se permiten reducir la velocidad un poquitín. Es el caso de ‘Bich City’, sorprendente primer single escogido con un cierto regustillo garagero que puede recordar a unos Mando Diao más canallitas. Lo mismo sucede con las más melódicas ‘Animal Love’ y ‘Single Bed’, donde asoman la patita aquellos The Hives del primitivo Vini, Vidi, Vicious (ya veis que siguen teniendo el punto de mira apuntando a Escandinavia). Pero no os dejéis engañar, porque aunque a ratos lo hagan susurrándonos al oído en vez de escupirnos a la cara, Bad Mongos no paran de asestar una puñalada detrás de otra sin compasión. Y por si quedan dudas, ahí está esa ‘Old Sailor Man’ que pondría palote a una división entera de la Turbojugend. GONZALO PUEBLA

compositor e interprete y este álbum, editado bajo, una vez más, un nuevo nombre de banda, en este caso The Future Violents, es seguramente su trabajo más ambicioso, ecléctico y comercialmente viable hasta la fecha. Barriers empieza con ‘A New’s Days Coming’ un tema FRANK IERO AND THE FUTURE VIOLETS de aires negroides y de mínima instrumentación que Barriers abre al apetito de lo que (UNFD) puede venir a continuación. ROCK Y esa continuación es el primer single, ‘Young And 7 Doomed’, una pieza a medio camino entre punk esulta admirable rock y rock alternativo que como ninguno de pone sobre la mesa que los los componentes contrastes son el punto fuerte de My Chemical Romance de Barriers. Por el camino ha intentado sacar rédito encontraremos aires 90 en del legado de una de las ‘Fever Dream’, punk clásico últimas bandas de rock en ‘Moto-Pop’, los aires post que tocó la fibra de toda punk de ‘No Love’ o esa una generación. Aunque sorprendente balada con es inevitable pensar que dejes a estándar que es ‘Six en algún momento caerán Feet Under’… y podríamos en la tentación de volver seguir y seguir. Puede que a tocar ese cancionero de en algunos momentos se nuevo para las masas que lo eche en falta algo más de esperan, cada uno parece cohesión, pero en unos feliz con el camino que tiempos donde los singles ha tomado, y en cuanto a están ganando terreno a los inquietud se refiere no hay álbumes, un ejercicio como ninguno que gane a Frank éste encaja perfectamente Iero. Desde los últimos días en el contexto actual y hasta de la banda madre, Iero puede tener su chance de no ha dejado de mostrar que pase algo con él. su versatilidad como RICHARD ROYUELA

LOSS LEADER Loss Leader

(LA AGONÍA DE VIVIR/DISCOS FINU) EMO

l nombre de la banda, inspirado en una canción de los seminales Codeine, ya nos da una pista de las intenciones de esta relativamente nueva banda madrileña. Y es que el slowcore está muy presente en la primera referencia de este trío, anteriormente cuarteto y conocido como Carver. Los ocho temas de su debut inicial tienen algo de este subgénero, también conocido como sadcore. Así, predominan los tempos lentos, sobre todo en las estrofas, y el minimalismo instrumental bien entendido. En otras palabras, con pocos ingredientes, sin

grandes alardes pero con mucha intención y sensibilidad, hacen cosas maravillosas como, por ejemplo, la inicial ‘Staying Alive’, con un desarrollo pausado interrumpido por una explosión cargada de nostalgia y dolor, o ‘The Song And The Sound’, una pieza que hará las delicias de los amantes del emocore de los neoyorquinos The Van Pelt con una letra que precisamente habla de la escena underground de finales de los noventa. Merece la pena apuntar que no son unos primerizos cualquiera, pues en las filas de esta interesante formación encontramos a Paula, batería de Wild Animals, y Tote, guitarra y cantante de Ulises Lima. De hecho, los seguidores de estos últimos, algo inactivos últimamente, disfrutarán este nuevo proyecto en el que Tote también lleva las riendas vocales del disco con la inestimable ayuda de los dulces coros de Paula, quien también se destapa como una buena cantante principal en ‘Compromise Stay Aside’. Sentimiento en estado puro. LUIS BENAVIDES

C DARKTHRONE Old Star (PEACEVILLE) HEAVY METAL, DOOM METAL

uando escuché el primer avance de Old Star, ‘The Hardship Of The Scots’, me entró una pereza enorme. Tras sucesivas escuchas, sobre todo ya inmerso en el álbum completo, debo reconocer que sus riffs me fueron penetrando y que acabé disfrutándola, pero al mismo tiempo, no me ha acabado de abandonar una inusual sensación respecto a Darkthrone. Siempre estaré de su parte y los llevaré en el corazón, pero hasta yo me estoy cansando de sus juergas. Mola que sean unos macarras y que pasen de todo, nos reímos con su etapa crust y flipamos cuando leímos que Volumen Brutal de Barón Rojo había inspirado el sonido de Circle The Wagons, pero no es menos cierto que hace años que sus obras son intrascendentes. Juguetitos que duran una semana o dos, poco más, y el

D CAVE IN

Final Transmission (HYDRA HEAD) POST HARDCORE, SPACE ROCK

e todas las formas en las que nos podría haber llegado un nuevo trabajo de Cave In, a buen seguro que nadie hubiera elegido esta. El pasado 28 de marzo de 2018 recibíamos la fatal noticia del fallecimiento de su bajista Caleb Scofield a causa de un accidente de tráfico. Habiendo iniciado las sesiones de composición de su sexto álbum de estudio, sus compañeros decidieron acabar los temas en los que estaban trabajando siguiendo las directrices que Scofield les había dejado. De hecho, lo primero que escuchamos en este Final Transmission nada más empieza a sonar

álbum que nos ocupa no es una excepción. Aunque resulte duro, hagamos este ejercicio de sinceridad, no pasa nada. ‘I Muffle Your Inner Choir’ nos somete a base de heavy vetusto y putrefacto, y en ella ya advertimos que, por encima de todo, el sucio Old Star va a intentar que sus riffs sean grandes como montañas. Sin duda lo logran en la mencionada ‘The Hardship Of The Scots’, mucho mejor canción cuando la acompañan sus cinco

hermanitas, pero es con ‘Alp Man’ que dan en el centro de la diana. Este corte reina sin oposición en el disco, y lo hace cuando cae en un doom que, sorpresivamente, parecen dominar muy bien actualmente. ‘Duke Of Gloat’ y ‘The Key Is Inside The Wall’ aguantan el tipo, pero es dejar de rodar el CD y que me vuelva a atormentar la misma pregunta: ‘Pau, ¿qué ha aportado Old Star a tu vida?’. Y la respuesta es bien poco.

es precisamente la última nota de voz que le envió al resto de la banda y que da nombre a la obra. Una breve pieza acústica de tan sólo dos minutos en la que escuchamos a Caleb tarareando una melodía. Una idea para una posible canción que quedará incompleta, pero que sirve de introducción simbólica. Lo que viene a continuación bien podría tratarse de una obra inacabada, como tantos otros discos póstumos. Pero la verdad es que la media hora que nos entregan aquí Stephen Brodsky y compañía es de las más inspiradas que les recordamos en muchísimo tiempo. Canciones como ‘All

Illusion’, ‘Shake My Blood’ y especialmente ‘Winter Window’, nos retrotraen a la ambientación espacial de su aclamado Jupiter del año 2000, con unas guitarras perfectamente distinguibles. En ‘Night Crawler’ y ‘Led To The Wolves’ imprimen algo más de mordiente, recordándonos sus inicios más ruidosos y agresivos. En cierta manera es un muestrario de todas sus capacidades musicales. Nunca sabremos si el resultado habría sido distinto de haber continuado Scofield con vida, pero esta última transmisión ha conseguido llegar a su destino con éxito.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

MEMPHIS MAY FIRE Broken (RISE) METALCORE

engo por costumbre guardar las reseñas que me publican junto con el libreto del disco en cuestión porque nunca sabes cuándo tendrás que recurrir a ellas en el futuro; mientras escucho Broken flipo al leer lo que escribí a propósito del EP de debut de Memphis May Fire. Corría el año 2008 y entonces me topé con una banda poco ortodoxa que mezclaba con más o menos acierto rockin’ hardcore, nueva escuela y algo de emo. Once años después, el grupo de Texas lanza su sexto LP y me pregunto con asombro qué queda de aquella banda

que me sorprendió cuando opinaba para el mítico, pero ya desaparecido, Absolut Zine. Memphis May Fire ha edulcorado su propuesta musical y, sin duda, la ha convertido en el cliché de moda: rock, metal, melodías pop, aportes electrónicos, algo de rap, voces limpias, pocas graves… Hay de todo, y está todo muy bien puesto. Broken suena superproducido y tan perfecto que acaba resultando artificial; la paradoja está en que el álbum empieza con ‘The Old Me’, donde Matty Mullins se pregunta “Where is the old me? What happened to the old me?”. Otros títulos que invitan a reflexionar sobre la evolución musical de Memphis May Fire son ‘Who I Am’ o ‘Sell My Soul’. El cuarteto tejano ha pretendido componer su particular Hybrid Theory pero el problema es que se les ve el plumero, huele demasiado a producto prefabricado, y canciones como ‘You & Me’ (una balada de love metal espantosa) directamente apestan. Tengo curiosidad por ver cómo defenderán estas composiciones en directo. JORDIAN FO

FLESHGOD APOCALYPSE Veleno

(NUCLEAR BLAST) SYMPHONIC DEATH METAL

scuchar Veleno es asistir a la destrucción total de la reputación de una banda a tiempo real. De una exbanda, me atrevería a decir. De Fleshgod Apocalypse, que duele más todavía. Es sacar las palomitas para contemplar, durante casi una hora, el triste espectáculo de la decadencia humana. Cuatro pulsos han dominado siempre el corazón de los italianos, y por desgracia, tras una arritmia, dos ictus y un triple bypass, por estas venas sólo fluye lo más barato y amorfo de su arsenal. ¿Brutal death? Muerto y enterrado en King, un disco que ya

apuntaba al desastre. ¿Power y sinfonía? Sin ton ni son, y hasta por el culo si hace falta. Lo de technical, más bien burdo corta-pega de líneas, una tras otra, en el mismo estudio. ‘Fury’ es un pastiche innecesario entre Septicflesh y los Symphony X de The Odyssey. Suena horrible, lo sé, y eso que no os habéis tragado el solo ultramega flipado que, por cierto, te enchufan en casi cada canción. El rollete Michael Romeo sigue en la empalmada ‘Carnivorous Lamb’, otro mareo para tontainas, y así llegamos a ‘Sugar’, que tampoco obedece a ninguna lógica. ¡Todo al mil, venga a vacilar, viva el confeti! ¿Queréis gothic? Pues ‘Monnalisa’, pero lo que no estoy dispuesto a perdonar, de ninguna de las formas, es una afrenta como ‘The Day We’ll Be Gone’. Si eres un niño influenciable, hey, a tope, ahí va tu disco del año. Para los que no iríais a una boda en chándal de táctel, chustón antológico. Cuesta creer que sean los mismos que publicaron Agony. Addio ragazzi, no os pienso dedicar un minuto más de mi vida. Mierdote ciclópeo. PAU NAVARRA

STRAY CATS 40

(SURFDOG) ROCKABILLY

obre el papel, cualquier artista que lleve en este negocio cuatro décadas debería de haberlo dicho y hecho practicamente todo a estas alturas. Más aún si hablamos de alguien a quien se considera poco menos que una institución dentro de su estilo. En el caso de Stray Cats, quienes en los 80 se encargaron de resucitar el rockabilly y volver a hacer que los tupés y la moda pinup fuesen algo cool, poco tenían que demostrar en una nueva gira de reunión. Que se hayan animado a entrar en el estudio después de 26 años deberíamos tomárnoslo más como un regalo inesperado en lugar

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de exigirles una revolución que ya acometieron en su momento. Una bola extra en la última partida antes de bajar la persiana y echar el cierre. Lo bueno es que en 40, Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jim Phantom demuestran no haber perdido el toque mágico a la hora de facturar canciones con gancho. En ‘Cat Fight (Over A Dog Like Me)’, ‘Rock It Off’ y ‘Three Times A Charm’ siguen conservando ese aire juvenil y desenfadado de sus mejores años por mucho que la jubilación esté al acecho. Pero no sólo se han dedicado a seguir el libro de estilo al pie de la letra. También dan colorido con una ‘Cry Danger’ que huele a Ruta 66, dinners y Harley Davidson, y la nota surfera de ‘I Attract Trouble’ y la western instrumental ‘Desperado’ acaban sumando puntos en su casillero. Aunque es cuando escuchas a Setzer rasgar su Gretsch como nadie en este planeta, ya sea en el magistral solo de ‘That’s Messed Up’ o cabalgando sobre el riff de ‘Devil Train’, donde te pones a contar los días para que llegue ya su actuación en el Azkena. GONZALO PUEBLA

THIS GIFT IS A CURSE

A Throne Of Ash (SEASON OF MIST) BLACK METAL, SLUDGE METAL

ace cuatro años, unos desconocidos This Gift Is A Curse nos entregaron su segundo álbum, All Hail The Swinelord, y nos gustó tanto que lo hicimos Disco del Mes directamente. A los suecos nunca les perdimos la pista del todo, pero la verdad es que su continuación se ha hecho esperar demasiado. Tanto, que en este tiempo transcurrido su propuesta ya no resulta tan rompedora o nociva. Entre Nails, Full Of Hell, Code Orange o bandas como All Pigs Must Die, nos hemos acostumbrado

a esas distorsiones que van al límite, a ese ruidismo alevoso y, sobre todo, a toda una generación de bandas que pueden mezclar con pasmosa naturalidad mundos, hasta no hace mucho, tan distantes como los del hardcore y el sludge con el del black metal, amén de otros estilos extremos. Por supuesto que A Throne Of Ash es una obra a tener en cuenta y que vas a pasarlo guay entre la asfixia que producen cortes como ‘Thresholds’, ‘Gate Dweller’ o la espesa ‘Monuments For Dead Gods’, pero descubrir, lo que se llama descubrir, o como mínimo sorprenderte, ya te digo yo que no si eres un habitual de nuestras páginas. El master de Magnus Lindberg (Cult Of Luna, Tribulation, Alcest…) garantiza saturación y dolor para tus orejas, sus composiciones supuran veneno y los berridos están a la orden del día, pero ciertamente, y por mucho que ‘Wolvking’ o ‘I Am Katharsis’ se acerquen muchísimo a lo que realmente esperaba de este tercer largo, aspiraba a pelear con un disco que ofreciera un punto más de distinción y atrevimiento. PAU NAVARRA

VENOM

In Nomine Satanas (BMG) METAL

pocas bandas se les debe de haber exprimido más un discografía, que a los discos de Venom bajo el sello Neat Records. Esa etapa que abarca sus cuatro primeros álbumes de estudio, y el directo Eine Kleine Nachtmusik, ha sido revisada incontables veces con múltiples reediciones, además de contar con tantos recopilatorios, que a estas alturas se hace ya difícil de llevar la cuenta. Un claro síntoma de que a pesar de que el trío este actualmente explotando el legado de Venom con dos

bandas diferentes, lo que de verdad le gustaría a sus seguidores es ver por fin a Cronos, Mantas y Abaddon encima de un escenario e incluso grabando canciones nuevas… Algo altamente complicado visto el poco amor que se profesan en público, buen cheque tendrá que haber por delante para que eso ocurra. 2019 nos trae una nueva revisión de esa obra clásica, con una de esas cajas que llevan de todo y valen un ojo de la cara y ya de paso, se ha editado una nueva compilación como es esta In Nomine Satanas. Como mínimo está vez hay el esfuerzo de haber hecho un buen trabajo y la intención de que sea la recopilación definitiva de Venom. Una manera perfecta a base de clásicos, singles, caras B y temas en directo, que sirve a la perfección para introducirse en una de las formaciones más famosas e influyentes de la historia del metal –principalmente gracias a sus dos primeras obras Welcome To Hell y Black Metal - y que dieron forma a ese inmenso mundo que se ha dado por llamar metal extremo. RICHARD ROYUELA

CJ RAMONE

The Holy Spell… (FAT WRECK) PUNK ROCK

J Ramone es un tipo que podría seguir viviendo sin agobios de las rentas que van generando su apellido postizo. En lugar de eso, el bajista nacido en Long Island sigue componiendo canciones y publicando discos para no depender exclusivamente del pasado y de la nostalgia. Él mismo lo explica con estas palabras: “I never lost that magical feeling that you get from music”. Esa es la clave de que discos como The Holy Spell... suenen honestos, auténticos y creíbles. Publicado en Fat Wreck, el cuarto álbum en solitario del que fuera sustituto de Dee

Dee Ramone, bascula entre el punk-rock’n’roll de la inicial ‘One High One Low’ hasta la casi acústica de tono melancólico ‘Hands Of Mine’, pasando por los terrenos country de ‘Movin’ On’ y ‘Rock On’ y, como no podía ser de otra forma, el punk rock de sello ramoniano (‘This Town’ o ‘Postcard From Heaven’ no desentonarían lo más mínimo en el repertorio clásico del cuarteto legendario de Queens). También hay sitio para un par de versiones: ‘Crawling From The Wreckage’ de Dave Edmunds y ‘There Stands The Glass’ de Webb Pierce, dos canciones que al parecer marcaron la infancia musical de Cristopher Joseph Ward. Pero indudablemente el corte más emotivo de este disco es el último, ‘Rock On’, dedicado a Steve Soto de Adolescents/Agent Orange. Soto, fallecido el año pasado, fue un buen amigo y colaborador de CJ, así que aquí rinde un sentido homenaje y expresa su deseo de que siga rockeando allá donde esté. Mientras podamos, nosotros seguirémos haciéndolo en éste. JORDIAN FO

ENFORCER

RAYOS Y CENTELLAS

LA BANDA QUE MÁS ALEGRÍAS NOS HA DADO DE LA NUEVA OLEADA DE HEAVY METAL CLÁSICO HA DECIDIDO DAR UN GOLPE DE TIMÓN. EN ZENITH ENCONTRAREMOS CUERO Y TACHUELAS, CLARO QUE SÍ, PERO PARA ENFORCER YA NO SÓLO SE TRATA DE DARLE GAS A UNA HARLEY. TODAS ESTAS CUESTIONES FUERON TRATADAS CON OLOF WIKSTRAND, UN METALHEAD DE LOS PIES A LA CABEZA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ASTANTES FANÁTICOS DE ENFORCER SE RASGARÁN L AS

vestiduras en los próximos meses. Ya me veo piras de parches ardiendo en el Keep It True… En efecto, la apertura de miras que se empezó a adivinar en su anterior From Beyond ha acabado por cristalizarse en su nuevo álbum Zenith (Nuclear Blast), donde ya no hay temores ni ataduras. La cosa ya no va solamente de speed metal y NWOBHM por un tubo… aunque, de una forma distinta, anclados en los 80 lo siguen estando un rato. En esta obra, Olof Wikstrand, el cantante, guitarra y cerebro de los suecos, ha ido a lo grande. Podrían tocar estas canciones en cualquier estadio, o al menos, con ese ánimo ha creado y grabado los diez cortes que componen este disco. Aquí ya sólo huelen a azufre las letras, porque el resto de apartados musicales son tan pulcros y brillantes como la sonrisa de Bon Jovi. Que se ha inspirado en Europe y Scorpions para llegar a ello, nos llegará a confesar el escandinavo… Con su hermano pequeño Jonas Wikstrand (batería, piano, teclado) y el bajista Tobias Lindqvist permaneciendo fieles a su visión, el líder ha reclutado este mismo año a Jonathan Nordwall para que debute a la guitarra. En teoría, pocos cambios para un giro tan drástico que, como anun-

ciábamos, no está gustando a todo el mundo. Muchas preguntas para un Olof que, de inicio, me advierte que está viajando en tren y que puede que nuestra conexión no sea del todo estable. Pese al ruido y ciertos cortes, nos las arreglamos para entendernos en el lenguaje más universal que existe… y no, no hablo del inglés, qué va… me refiero al maldito heavy metal. Creo que si algo ha motivado

o Cinderella que a Saxon, Iron Maiden o el British Steel.

“¿Piensas eso de verdad? Creo que, tal vez, suena más a Scorpions, Europe. Un montón a Europe”. Ah, OK. Eso es.

“¿Sabes? No tocamos el mismo tipo de canciones que antes, ya no es tanto como un disco como Diamonds, si lo recuerdas… Hemos hecho eso durante mucho tiempo, así que es algo nuevo para nosotros”.

este álbum ha sido el entusiasmo, intentando darlo todo con

Ya, pero ‘Zenith Of The Black

una gran sonrisa pintada en la

Sun’ está cerca de Inglaterra,

cara, pero luego los títulos de

por decirlo de alguna forma, y

las canciones y algunas letras

‘Searching For You’ y ‘Thunder

son algo sombrías… ¿Cómo ha-

And Hell’ seguramente deleita-

cer un disco positivo con estas

rán a los viejos fans. ¿Cómo has

dos vertientes?

buscado el equilibrio perfecto

OLOF WIKSTRAND “Bueno, pode-

entre los antiguos Enforcer y los

mos tocar con ironía, podemos tocar con esa ironía hasta mañana con mierda como ésa, nos gustan esos dos temas genéricos. Esas dos cosas pueden hacer la misma música, pueden decir lo mismo a través de la música. Me gustan ese tipo de canciones, me gustan esas dos formas de trasladar las letras. Creo que es la combinación perfecta”.

actuales?

“Opino que somos la misma banda, pero que hemos tratado de brindar nuevos elementos para condimentarlo, y que éstos precisan el escuchar el álbum entero, porque entonces notarás que igual una canción se ha grabado como diez veces, por ejemplo”. Es el mismo grupo, pero evolucionado.

Lo primero que me sorprendió

“Eso es”.

al escuchar la primera ‘Die For The Devil’ es que sonáis como

‘Regrets’ y su piano muestra

una banda de arena rock de los

que, ciertamente, habéis que-

80. No sé, más cercanos a Los

rido hacer un álbum sin limi-

Ángeles, Mötley Crüe, Poison

taciones, fronteras o miedos,

¿verdad?

“Sí, exactamente. Muestra a todo el mundo que todo está bien para la banda, que no hay fronteras aburridas o que no hay por qué ceñirse a normas invisibles en este viaje. Hemos querido romper con las reglas, hemos roto las reglas, eso es lo que hemos buscado en gran medida”.

ción de todos los tipos de música orgánica”. ‘Sail On’ parece la canción más diferente… suena a rock pro-

algo natural, en las baterías, por ejemplo, queríamos unas baterías gigantescas. Pienso que es más heavy que ningún álbum que hayamos hecho antes”.

gresivo, a lo más distinto a los Enforcer de antes.

¿Y por qué decidisteis hacer una

“Bueno, bueno, es algo dinámico… no me importan los géneros, para serte honesto”.

segunda versión del disco can-

¿Y crees que la escena o que

tando en castellano? Creo que cierta novia tuvo algo que ver…

“No, no ha tenido nada que ver con ninguna novia”.

la gente del heavy metal va a

Por otro lado, ‘Ode To Death’

querer romper esas reglas con

es una gran canción épica de

vosotros? (Risas).

casi 7 minutos, casi que la más

¿No? Pues cuéntame la historia

“No lo sé, no puedo hablar por ellos”.

ambiciosa que hayas creado…

detrás de ello…

Bueno, es algo que ya ocurrió

“Esto viene de un amigo que tiene una banda de pop, una banda de rock en Argentina, y cantan en castellano. Él me sugirió hacer esto con estas canciones. Como ya he dicho, se trataba de romper las reglas, y disfruté del hecho de regrabar todo el trabajo. Está dedicado a los fans latinoamericanos, por supuesto, probablemente el público más dedicado y true del mundo. También para la gente suramericana era muy importante realizar las letras, así que es una idea hecha realidad”.

con ‘Mask Of Red Death’, a

(Risas) Estamos hablando de

decir verdad… ¿Vas a buscar a

peña muy cerrada…

partir de ahora cerrar siempre

“Lo sé, pero al mismo tiempo, si le preguntas a cada uno de estos chicos por su banda favorita, todos te dirán que Judas Priest, Scorpions y formaciones así, las cuales han realizado cosas muy, muy distintas a lo que hacían en los discos de sus inicios. Creo que es algo que está ocurriendo ahora, hoy en día, que todo se ha vuelto extremadamente cerrado de mente. Si miras a las bandas de antes, a Judas Priest, tienes un equilibrio entre canciones heavy metal y luego algo intermedio, Turbo, pop, y es impresionante, y es Judas Priest. Quiero ser una banda que rompa las reglas pero también las haga, de la misma forma que Judas Priest, Scorpions, Black Sabbath. Todas las bandas clásicas tienen un disco en el que cambian”.

los discos con un tema realmen-

¿Y fue Turbo una inspiración para realizar Zenith?

“Cualquiera como ése, pero por ahí va. Creo que he sacado la inspira-

te especial?

“Mmm… No, es como la de apertura. Me gusta el estilo, pero al mismo tiempo, creo que debe haber dos canciones así, en la cara A, donde la gente ve de qué va este disco, y luego la B es para esa gente más dedicada, para aquéllos que quieran profundizar en nuestra música. En la A pueden entrar más fácilmente en las canciones… cómo lo diría, quizás ese tipo de canciones épicas van mejor al final del álbum, sin llegar a cansar”.

Sí, se trata de una versión suramericana del español, muy distinta de la mía, por ejemplo

(risas). La producción es muy ligera, pero se oyen todos los ins-

“¿Lo has podido escuchar? Dime qué te parece”.

trumentos, poniendo especial mimo en uno tan maltratado

Pues eso, que está mucho más

actualmente como el bajo. ¿No

cerca del tipo de castellano que

os daba miedo perder fuerza

hablan ahí que del nuestro, en

con un sonido como éste?

España (risas).

“¿Ligera? ¿Qué quieres decir? Dedicamos mucho tiempo a que el sonido fuera muy heavy, realmente enorme, y trabajamos mucho en conseguir

“Ya, ya, ésa era la idea”. Es metal colombiano… desde luego no es metal español.

“ME ENCANTA EL HEAVY METAL EN ESPAÑOL, LO TENGO POR UNA GRAN INSPIRACIÓN OLOF WIKSTRAND “(Risas) Sé que en España sois libres de escuchar las letras en inglés… en Suramérica no tienen la misma relación con el inglés que, por ejemplo, tenemos en Europa, así que por eso está también más dedicado a los fans latinoamericanos que a los españoles, aunque los españoles también lo apreciarán, claro”.

plo, ‘Thunder And Hell’ no es lo

“No, las letras son totalmente nuevas. Comparten el concepto, la idea, pero hemos tenido que traducirlo al 100%”.

Argentina… Hay tantas grandes bandas… Me encanta el heavy metal en español, lo tengo por una gran inspiración. También me encantan estos grupos y los he chequeado porque mi novia es de Chile”.

¿Y conoces a bandas como Ba-

¿Y cómo vamos a poder tener

rón Rojo, Obús, Muro o Ángeles

ese segundo disco en castella-

Del Infierno, o las has descu-

no? ¿Se trata de una edición es-

Está claro que la lengua inglesa

bierto ahora…?

pecial en doble CD, se comprará

no es la misma que la españo-

“Sí, sí, me interesa mucho el heavy metal en castellano, hay tantas bandas geniales… Kraken de Colombia, Resistencia de Venezuela, por supuesto… qué más… Alakran, de

por separado…?

la… Cambia el sonido, las palabras, la pronunciación… ¿Has tenido que cambiar frases para sonar bien y creíble? Por ejem-

mismo que ‘Rendido Al Trueno Infernal’…

“Vamos a realizarlo físicamente en Latinoamérica, pero no en Europa. Si lo quieres, vas a tener que importarlo (risas)”.

“HEMOS QUERIDO ROMPER CON LAS REGLAS, ESO ES LO QUE HEMOS BUSCADO EN GRAN MEDIDA” OLOF WIKSTRAND Sí, creo que haré unas compras

en el black metal de la vieja escuela”.

por Argentina… (Risas).

“Sí, me parece que Nuclear Blast ha empezado a distribuirlo por Argentina… Se trata de un doble álbum, un doble CD con la versión en español en un CD y el otro con la inglesa, pero únicamente en Suramérica”.

¿Black metal? Mola.

“Sí… Ahora ya no, ahora ya no, pero entre los 13 y los 17, lo que más me gustaba únicamente era el black metal. Todo lo de los 90, su origen, estaba muy centrado en aquello”.

En estos momentos escucho toda clase de música interesante, música clásica, o jazz, cualquier cosa que me pueda inspirar a hacer algo nuevo, a ir hacia adelante”. Ya para terminar, eres un cantante que siempre lo da todo y que se expone un montón en

Mucha gente está siempre com-

Pues algo de eso debió de

directo… Imagino que un res-

parando a Enforcer con un mon-

quedar, porque conozco a un

friado durante una gira puede

tón de grupos clásicos, pero a

montón de metaleros extremos

resultar fatal para tu voz, ¿no?

mí me gustaría conocer de pri-

muy fans de tu música. Sois una

mera mano qué es lo que real-

banda de true heavy metal que

mente te influencia ahora, y lo

puede ser apreciada por aficio-

que lo hizo cuando eras joven.

nados a esos sonidos.

“Scorpions, Metallica, seguramente Iron Maiden… Esto cuando era un niño. También escuché un montón a Megadeth. Luego, cuando era un adolescente, tuve una época muy centrada

“Sí, venimos de esa escena, ése fue nuestro primer lugar. Empecé ahí, dediqué un montón de tiempo a ese tipo de metal, y luego nos volvimos más clásicos y escuchamos de todos los tipos.

“Por supuesto, por supuesto, pero nunca pongo mi voz en esa situación, y todos los chicos de la banda pueden cubrirme cantando en algunas canciones para que dé lo mejor”.

BLAZE OUT

INSTINTO AFILADO

BASTA UNA SOLA ESCUCHA DE INSTINCT PARA SABER QUE BLAZE OUT LO HAN DADO TODO. COCINADO DURANTE MESES Y MESES, ESTA VEZ SÍ, GERARD RIGAU, CARLES COMAS Y COMPAÑÍA ENTREGAN LA FÓRMULA DEFINITIVA DE SU PERSONAL METAL. SI SU NUEVO DISCO MERECE UNA ENTREVISTA, YA NO DIGAMOS SUS VIDEOCLIPS O LOS BOLAZOS QUE SE CASCAN… TEXTO: KARLES SASTRE FOTOS: ALBA BOUVIER

OS BARCELONESES BLAZE OUT vuelven

a la carga con su tercer disco bajo el brazo, Instinct (Blood Fire Death), dispuestos a seguir demostrando que cada nuevo lanzamiento supone un paso más en una carrera en constante evolución y aprendizaje que parece no tener tope. Más de un año para grabar y pulir esta auténtica obra maestra que debe situarles, por fin, en el lugar que por calidad y pundonor sin duda merecen. Con esa sencillez que tanto les caracteriza, pero a la vez, con esa seguridad que sólo la juventud te da para saber que estás en el camino correcto, hablamos con su guitarrista David Lleonart sobre este trabajo, sobre la trayectoria de la formación y sobre un futuro que sólo puede ser brillante.

el momento, hemos dedicado muchísimo tiempo a cuidar hasta el último detalle, así que supongo que sí, puede que estemos ante el mejor disco de Blaze Out”. Se nota que es un álbum muy trabajado en el estudio ¿Cuánto tardasteis en grabarlo?

“Pues empezamos a grabar como en mayo de 2018, diría. Ha sido un año de muchísimo trabajo que hemos compaginado con curros, algunos bolos, cambios de formación y, como comentaba, es el álbum más mimado de nuestra historia. Se nos ha ido un poco de las manos, pero ha valido la pena”.

ción. ¿Afectó esto a la grabación o a los nuevos temas?

“Sufrimos un cambio de batería, pasamos de Sergi a Josh, por tema de incompatibilidad laboral, pero Sergi ya dejó compuestas y grabadas todas las baterías del disco antes de su marcha. Josh se ha acoplado como un guante y ha sabido asumir ese puesto respetando la composición de las baterías de Sergi. Las calca a la perfección y en directo quizás sí tendrá algún toque más personal suyo, pero en cuanto al disco, la batería es íntegra de Sergi”. A nivel estilístico seguís en la línea de discos anteriores y es

Me pareció también brutal el

difícil encasillaros en algún sitio

salto de calidad que habéis dado

concreto. Tanto podéis sonar

en el apartado de las voces, dán-

thrash como heavy más clási-

doles muchos registros tanto en

co… y es algo a lo que vuestros

las partes melódicas como en las

fans ya están acostumbrados y

Ante todo quería felicitarte por

guturales. ¿Estáis satisfechos?

que os da un sonido bastante

el nuevo álbum, porque me

“Muy satisfechos. Todos crecemos como músicos año tras año, aprendiendo de errores e intentando mejorar, y es una evolución que se puede escuchar y apreciar disco tras disco. Quizás la evolución de Gerard a la voz es la más presente en Instinct, sí. Ha potenciado mucho más la agresividad y se ha dejado el alma para transmitir lo que cada canción necesitaba con total solvencia”.

único en el panorama estatal.

parece un trabajo magnífico. Sé que es un tópico sobre cada nueva entrega, ¿pero no tenéis la impresión de haber hecho el mejor disco de vuestra carrera? DAVID LLEONART “¡Muchísimas

gracias por tus palabras! Cada vez que sacamos un disco creemos que es mejor que el anterior, siempre intentamos superarnos en ese sentido. Que lo consigamos o no ya es cosa de los oyentes… Desde luego es el álbum que más hemos mimado hasta

Respecto a Backlash, habéis sufrido algún cambio de forma-

“Diría que es la característica más destacable de Blaze: no podemos encasillarnos en ningún subgénero del metal. Como siempre, hacemos lo que nos gusta, cada día nos empapamos de nuevas influencias y grupos que nos inspiran nuevas composiciones, por lo que no nos casamos con nadie en ese sentido. En el álbum podréis encontrar cosas más thrasheras, otras más pesadas, luego algunas más modernas, por así decirlo… Hay sonidos para todos

los gustos, y aunque tener un popurrí de estilos no siempre es bueno comercialmente, es lo que nos gusta hacer”.

rio para la promoción”. En los anteriores álbumes ayudó mucho la promoción que os hizo el youtuber Jordi Wild, y me pa-

Otra cosa que me encanta de

rece una manera muy buena de

vosotros es el trabajo que ha-

contactar con las nuevas genera-

céis con los videoclips y con las

ciones y con un público que, qui-

redes sociales en general para

zá, sólo utilice estos canales para

promocionaros. Los de ‘Toxic

escuchar o ver metal.

AF’ o ‘Savage Blue’ me parecie-

“Jordi entró ya con el segundo disco, lo conocimos durante la gira de Backlash e hicimos buenas migas. Hablando a lo tonto entre litros y litros de cerveza, surgió la idea de incluirle en un vídeo, pensábamos que nos iba a beneficiar a todos. Público nuevo, él ama actuar y el metal… ¿Qué podría salir mal? Efectivamente fue algo que nos ayudó mucho, desde entonces hemos conseguido mucho más público, sobre todo en Latinoamérica. Nos sirvió para expandir nuestra plaga. También tuvimos una época en la que nos relacionaban en plan ‘el grupo youtuber’… Como conseguimos mucha repercusión y este mundillo está lleno de envidia, muchos se dedicaron a desprestigiar nuestra acción, del palo ‘os habéis vendido’, pero por suerte esa época pasó y sólo nos quedó la parte buena”.

ron brutales.

“Es algo que teníamos muy claro, en el momento en el que estamos tienes que dejarte la piel en cada paso que das. Sabíamos con certeza que teníamos que sacar varios vídeos antes de la salida del disco, y que no podían parecer cutres. Siempre intentamos dar un toque de calidad extra, algo con lo que la gente diga ‘qué cabrones, cómo se lo curran’. Además, nos acompaña un grupo de trabajo muy sólido y efectivo para el tema audiovisual. Víctor Català, antiguo guitarra de Blaze Out, es quien ha dirigido la mayoría de nuestros vídeos. Tiene un talento excepcional para estos menesteres. En este álbum también hemos contado con el apoyo de Marc Agudo, quien ha dirigido íntegramente ‘Toxic AF’, realizado el lyric video de ‘Attack On Titan’ y codirigido ‘Savage Blue’ junto a Víctor, culminando unos trabajos impresionantes. Sin duda, un equipazo con el que contaremos siempre y con el que no podríamos estar más satisfechos. Sabemos que en los tiempos que corren las redes sociales son lo que más repercusión nos puede dar, e intentamos hacerlo lo mejor posible con material audiovisual nuevo y constante cada vez que hay algo que lanzar. Es estrictamente necesa-

Siempre me habéis parecido una banda muy inquieta, capaz de abrir para grupos que quizá no son vuestro público potencial o tocar en festivales multitudinarios como el Download o el Resurrection. ¿No os ponéis nin-

gente disfrutando de tu música, un escenario en condiciones donde poder hacer el cabra constantemente y disfrutar de tu show al completo y a lo grande… es lo que más nos llena, es donde más se puede sentir la esencia de Blaze Out. Realmente creo que somos un grupo que transmite buen rollo y caña, solemos tener mucho feedback con el público, así que cada festival se convierte en un fiestón épico del que todo el mundo disfruta, y nosotros los que más. Lo mismo teloneando grupos grandes en salas: cuanto más escenario y público nos dejan, mejor lo pasamos todos, y la idea es seguir en esa línea en medida de lo posible. No nos ponemos límites en ese sentido”. ¿Cómo se presenta el verano?

“Pues este año se presenta calmadito por el momento, la verdad. Al haber dedicado tanto tiempo a perfeccionar el disco hasta el último detalle, se nos han ido un poco de las manos las fechas y como que no hemos llegado a tiempo, entre comillas, para los festis nacionales. Esperamos poder pisar grandes escenarios el año que viene. De momento el 24 de mayo hemos presentado el disco en nuestra casa, Barcelona, en la sala Salamandra, junto a Flames At Sunrise y Bellako, y el 8 de junio estaremos en Zaragoza junto a Hiranya y Universe Fall. Tenemos algunas fechas para el tercer trimestre del año, pero aún estamos trabajando en ellas”.

gún límite?

“Tocar en festivales es un sueño que teníamos todos y que por suerte hemos cumplido, y ojalá seguir haciéndolo muchos años. Tanta

Entiendo que también habrá gira como cabezas de cartel para presentar Instinct, ¿no?

“Sí, desde luego ésa es la idea. Ha-

“SOMOS UN GRUPO QUE TRANSMITE BUEN ROLLO Y CAÑA, SOLEMOS TENER MUCHO FEEDBACK CON EL PÚBLICO, ASÍ QUE CADA FESTIVAL SE CONVIERTE EN UN FIESTÓN ÉPICO” DAVID LLEONART

brá que ver cómo responden los promotores y el público a nuestro disco una vez lanzado. A partir de ahí esperamos que se nos abran algunas puertas que nos permitan presentar el álbum por todos los sitios posibles. La intención es la de siempre: tocar en todos los sitios posibles. Amamos lo que hacemos y, después de tantísimo tiempo trabajando a puerta cerrada, sólo podemos pensar en tocar

y estar con nuestro público”. ¿Seguís tocando el medley con temas de Metallica o Maiden o ya tenéis suficiente material y eso ya va quedando como algo del pasado?

ya está bien. El setlist que hemos conseguido cerrar con las canciones de este tercer trabajo es absolutamente autosuficiente, es tralla constante con las mejores canciones de los tres discos, así que no creo que echemos en falta el medley”.

“Creo que lo tendremos en plan comodín. Es un medley muy currado que funciona muy bien, pero llevamos como cinco años tocándolo, y

ESPECIAL FOTO

GALLOWS - HOUSE OF VANS DESPUÉS DE UN TIEMPO DE INACTIVIDAD, GALLOWS OFRECIERON SU PRIMER CONCIERTO EN CUATRO AÑOS EL PASADO 24 DE MAYO. SU RETORNO SE PRODUJO EN EL ESCENARIO DEL HOUSE OF VANS DE LONDRES, Y SIRVIÓ COMO APERITIVO DE SUS ACTUACIONES EN LOS FESTIVALES SLAM DUNK. LA BANDA INTERPRETÓ TEMAS DE TODAS SUS ÉPOCAS COMO ‘MISERY’ O ‘CHAINS’, ADEMÁS DE UNA VERSIÓN DE ‘BLITZKRIEG BOP’ DE RAMONES. LAS FOTOS HABLAN POR SÍ MISMAS. FOTOS: RUBÉN NAVARRO

DEAD BRONCO

ESPERANDO LA LUZ EL DICHO ‘AÑO NUEVO, VIDA NUEVA’ ES ALGO QUE MATT HORAN SE TOMA MUY EN SERIO. UNA VEZ MÁS HA VUELTO A CAMBIAR DE ARRIBA A ABAJO A DEAD BRONCO CON UN ÚNICO FIN: LLEVAR TODAVÍA MÁS LEJOS SU PROPÓSITO DE UNIR LA MÚSICA COUNTRY Y LOS SONIDOS EXTREMOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: GÓMEZ SELVA

AI HAY ALGO QUE MATT HORAN HA VENIDO DEMOSTRANDO

en los siete años que lleva al frente de Dead Bronco es que no es nada fácil seguirle el ritmo. A lo largo de los cinco trabajos de estudio que han editado, no han sido pocos los músicos que han ido desfilando por la formación siendo una norma continua en su carrera. Las inquietudes musicales de su líder han provocado que el outlaw country de sus comienzos haya sufrido una metamorfosis pro-

finalizar una extensa gira de presentación a lo largo de 2018, Horan vuelve a estar listo para seguir rompiendo moldes. Con nuevos compañeros de batalla (Alex Atienza a la guitarra y el órgano, Mud al bajo y David Rodríguez a la batería), nuevo disco, The Annunciation (Roots Union Records), y la enésima vuelta de tuerca a un sonido acuñado ahora como ‘black folk’, en el que es capaz de llevar aún más allá lo mostrado en su anterior entrega, no hay duda de que el combo afincado en Bilbao seguirá dando de qué hablar. Pero antes, nosotros lo hicimos con Matt para que nos explicase en sus propias palabras las motivaciones de esta nueva aventura. Además de las próximas fechas para apoyar el lanzamiento del álbum, también estará tocando simultáneamente con el show Country As Fuck, en el que retoma el cancionero más tradicional del grupo junto a Oscar Calleja (contrabajo), Manu Heredia (guitarra), Dani Merino (lap steel) y Danel Marín (batería). Lo mejor de ambos mundos por el mismo precio. Hace sólo unos meses que termi-

gresiva, al tiempo que iba cambiando de piezas según las necesidades de cada momento, hasta llegar al punto de inflexión que supuso Driven By Frustration, su referencia del curso pasado. Pillando por sorpresa tanto a propios como a extraños, los Bronco perpetraron un híbrido bautizado como ‘americana sludge’ donde el country, el metal y el hardcore se revolcaban en el lodazal entre serpientes, lombrices y banjos empapados de whiskey y tabaco de mascar. Apenas unos meses después de

nasteis la gira de presentación de Driven By Frustration. En menos de un año sacasteis un disco y os metisteis en una gira con una cantidad de fechas descomunal. ¿Cómo valoras esa etapa de Dead Bronco? MATT HORAN “Este último año ha

sido una verdadera locura. Hubo mucha presión en componer y grabar Driven By Frustration. Luego la gira fue un infierno. Cinco semanas por toda Europa que se hicieron interminables. Muchísimos kilómetros,

la furgo se estropeó varias veces, tocando todo los días, mal nutridos y cansados... Pero quería darle caña a la carretera empujando el nuevo sonido. Fue duro, pero la experiencia me hizo ver de lo que estoy hecho y lo que soy capaz de hacer en tan poco tiempo. Fue un reto”. Se te veía muy cómodo con la nueva formación. ¿De cara al siguiente álbum ya tenías claro que no ibas a contar con el resto de la banda? No sé si puedes contar lo que ocurrió, si se debe a una simple cuestión artística o hubo algo más...

“La verdad es que trabajábamos muy bien juntos encima del escenario, pero fuera de ahí no existía nada más”. Es cierto que Dead Bronco es un grupo acostumbrado a los cambios, pero ¿no te gustaría poder contar con miembros fijos al menos durante un periodo de tiempo más largo?

“A mí me encantaría poder contar con miembros fijos, pero al final es muy difícil dedicarte a la música. Muchos se van porque no les va el estilo de vida o porque no entienden lo que quiero conseguir musicalmente, y otros vienen con expectativas de hacerse ricos y famosos tocando en Dead Bronco. Ésos duran poco, y también la convivencia puede ser un problema. Yo creo que después del primer cambio, cuando se fueron los miembros originales como Jokin Totorika, Jokin Corral y Alain Llopart, el grupo ya nunca iba a ser lo mismo. En ese momento fue cuando Dead Bronco se convirtió en mi propio proyecto. Siempre he hecho música para 85

“NO ES UN DISCO DE BLACK METAL, SINO DE BLACK FOLK. CREO QUE TE LLEVA AL MISMO ESTADO EMOCIONAL” MATT HORAN

mí, nunca lo he hecho para complacer a los demás. Lo hago totalmente para autoexpresarme, es lo que más amo en esta vida. Sé lo que quiero y no soy conformista, así que seguiré dando guerra hasta la muerte con los que quieran unirse a mí”.

del outlaw country que os carac-

esa mezcla?

terizaba en vuestras primeras

“En comparación con Driven By Frustration, que era un disco bastante cañero y rápido, The Annunciation es más pesado musicalmente. Quise hacer un álbum muy oscuro y decadente que reflejase mis experiencias en este último año. Por eso mismo decidí trabajar con Alex Atienza, que

grabaciones para abrazar de lleno el sludge, el doom, el hardcore... sonidos más extremos, en definitiva. Con The Annunciation has dado un paso más allá fusionando todo eso con la ambienta-

Driven By Frustration se alejaba

ción del black metal. ¿Cómo sale

es un black metal master. Es un genio creando atmósferas y sus riffs son completamente malignos. Pero ha sido un esfuerzo de todos y gracias a ellos he conseguido el sonido que quería para este disco. Aunque hay muchas referencias de black metal, hay canciones donde se nota más que en otras. Hay mucha variedad y te puedes encontrar con muchos estilos de música, pero todos los temas tienen la misma aura. No es un disco de black metal, sino de black folk. Creo que te lleva al mismo estado emocional”. Gracias a gente como Hank III, quizás no resultaba tan chocante

el espíritu de Dead Bronco”.

algunos de vuestros seguidores más veteranos no les convenció

Aunque es bastante diferente a

demasiado. ¿Cómo crees que

lo que mostráis en The Annun-

está la balanza ahora mismo?

ciation, Zeal & Ardor también le

“Creo que hemos pulido nuestro fan base y hemos podido mantener a la gente que en realidad entiende Dead Bronco, y ellos son los que me interesan: gente abierta a la música. Sí es verdad que hay mucho público nuevo de diferentes estilos musicales que vienen a los conciertos, y eso es justo lo que quería. Me parece increíble. Todos son bienvenidos. Espero que la familia sigua creciendo”.

han dado un enfoque distinto al black metal aunando sonidos de la música de los esclavos afroamericanos o el blues más tradicional. ¿Qué opinión te merece un proyecto así?

“A mí me parece una brutalidad. Es bastante jartada, la verdad. Mezclan muchísimos géneros; van de puro roots a black, techno... Lo respeto mucho. Sí que veo la comparación, pero ellos son mil veces más radicales. No quería ir tan allá... aún”.

¿Es por eso que también vas a compaginar el tour de The An-

nunciation con la gira de Country

cuando hicisteis Driven By Frus-

tration, porque esa conexión

¿Cómo te adentraste en el black

As Fuck con miembros que ya es-

entre el outlaw country y el

metal? ¿Cuáles fueron tus pri-

tuvieron contigo en los primeros

metal de grupos como Down o

meros grupos y quiénes son tus

álbumes de Dead Bronco hacien-

Eyehategod de algún modo ya

favoritos dentro del género?

do un repertorio más clásico?

estaba ahí. Pero el country y el

“Llevaba unos cuantos años tonteando con el género pero siempre lo respetaba por lo fuerte e impactante que es el estilo. La música siempre ha influido en mi estado de ánimo dramáticamente y la verdad es que no me apetecía estar en ese lugar dentro de mi cabeza. También tengo que decir que no estaba preparado musicalmente para entenderlo. Pero ya llevo un tiempo que se me pasó y ahora he dejado que me consuma. Me gustan muchísimos grupos, pero los que más me han inspirado serían Bethlehem, Leviathan, Urfaust, Burzum y Scour. Anselmo es la hostia”.

“Dead Bronco es lo que es. Siempre cambiando según mis bipolaridades. Me gusta que el grupo sea así. Se mantiene real y sincero, y yo puedo seguir creciendo como músico experimentando con géneros y expresarme como quiero. Lo de Country As Fuck salió porque me pareció una buena idea ofrecer otro show. Los mejores para acompañarme en este proyecto son los de la formación de Bedridden & Hellbound. Echaba de menos cantar lo clásico y esa buena vibra de la música. Hace mucho que no hago los “yodels” y creo que ya es hora. Ahora a los que les gustaba más lo clásico pueden estar tranquilos, porque he vuelto”.

black metal parecen totalmente antagónicos. Son dos mundos diferentes. ¿Hubo alguna banda o disco que te sirviese de referencia para lo que querías hacer esta vez?

“Sí, el outlaw country y el metal van de la mano. Gracias por decirlo. Me he metido en mil discusiones sobre eso con gente que no lo entiende. Tengo que decir que la religión está muy presente tanto en el country como en el black metal, por eso creo que funcionan bien juntos. Ambos tienen esa experiencia espiritual. Pero en este álbum me he ido más al folk que al country. La lista es larga, pero creo que es más parecido a una mezcla de Those Poor Bastards, King Dude, Swans y Capricorns con toques de Leviathan, pero respetando

Tengo la sensación de que con

Driven By Frustration llegasteis a un montón de gente que nunca antes había oído hablar de vosotros, pero creo también que a

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

THE GRAND FINALE

ola amigos! En las últimas semanas he llegado a los finales de dos series: Juego De Tronos, y The Wire. Las dos originales del gigante HBO, pero completamente distintas, la primera ya la conocéis todos, con dragones, orcos, y caballeros blancos, y la segunda, situada principalmente en los ghettos de Baltimore, mucho más cruda y realista. Han pasado 10 años entre sus dos episodios finales. Un poco menos del último episodio de la enrevesada Lost, que nos dejó a muchos con cara de “WTF?”. Las series ahora mismo son grandes producciones, con medios inimaginables hace 15-20 años. Es curioso, sin embargo, la existencia de una regla proporcional, en negativo, que implica que cuantas mejores son las condiciones más acaban fallando los proyectos. La última temporada de The Wire no era nada del otro mundo, de hecho en

algunos momentos resultaba forzada en algunas tramas, pero el episodio final te dejaba con gran sabor de boca, honrando a los vivos, y de alguna manera recordando a los muertos. Un buen tema musical y una larga secuencia de personajes, permitían que te despidieras en condiciones de una serie con la que has “convivido” unos buenos años. No tengo palabras para describir la tomadura de pelo que sentí con GOT las pasadas semanas, y en particular con el último episodio. Sabían desde hacía mucho tiempo que no había un final escrito, y tenían la responsabilidad de continuar la saga de George R.R. Martin de la manera más digna posible, pero no. Se cargaron a la reina de los dragones, subieron al trono al tullido, y acabaron con un consejo de ministros hablando de barcos y putas. Casi mejor si recupero Falcon Crest y me dejo de futuras decepciones.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame es Legacy Of Brutality de The Misfits. ¿The Misfits? The Misfits todavía no han sido incluidos en mi Hall Of Fame. Tío… eso es embarazoso. Deberían de haber sido elegidos en alguna de las primeras columnas que escribí para RockZone. Bueno, que hayan acabado aquí es lo que importa, pero entonces está el arduo trabajo de escoger qué álbum tiene que ser el primero a ser incorporado… Walk Among Us, Static Age, Evil Live o Earth A.D. son todos merecedores de estar ahí, pero tengo que decidirme por Legacy Of Brutality por el simple hecho que fue el primer álbum de Misfits (en cassette) que compré cuando tenía 15 años. Este trabajo puede parecer una simple recopilación de sus primeras canciones, pero para un chaval que no tenía acceso a discos piratas, y en general, a cualquier álbum que molara, ésta fue la introducción a la banda que realmente necesitaba. Legacy Of Brutality, junto a unos pocos discos de los Ramones, me pone en un estado mental positivo. La primera vez que lo escuché, no podía entender cómo podía ser melódico, arriesgado, vulgar y de mal gusto… todo al mismo tiempo… pero ahí estaban The Misfits haciéndolo. A pesar de que el álbum 90

no estaba aprobado por toda la banda (sólo Glenn Danzig supervisó la edición), todavía nos muestra al grupo en su momento álgido. Canciones como ‘Angelfuck’, ‘Some Kinda Hate’ y ‘Halloween’ están tan instaladas en mi mente como ‘Happy Birthday’, ‘Jingle Bells’ y el himno nacional. ‘Where Eagles Dare’ fue la primera canción que grabé en una jam en la que tocaba la guitarra junto a alguien. Canté ‘Angelfuck’ con Volbeat cada noche durante nuestra gira de 2013. Hicimos ‘American Nigtmare’ como bis en la gira del año pasado. Así que es bastante fácil ver que Legacy Of Brutality nunca está muy lejos de mí. Llegamos a tocar con The Misfits hace unos años en un festival en Alemania,

en aquella versión construida por Jerry Only y Dez Cadena. Hicieron alunas canciones nuevas y otras antiguas, así como algunas canciones de Black Flag de la época de Dez. Estuvo bien, pero no era lo mismo. Ahora que Jerry y Glenn parecen haber arreglado sus diferencias reuniéndose bajo el nombre de The Misfits, mi sueño de juventud de poderlos ver puede por fin llevarse a cabo. Todavía no he visto la reunión, pero con Doyle en la formación, junto con Dave Lombardo a la batería y Ace Slade en la guitarra, la cosa tiene muy buena pinta. Si finalmente los veo y acaban tocando ‘Where Eagles Dare’, puede que acabe sollozando como un niño. ¡Hasta el mes que viene!