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Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: DR

Alegrarse por un mal menor es una sensación extraña porque, en el fondo, denota lo mal que estamos. Aun así, quien más quien menos respiró aliviado el pasado domingo cuando se vio que la irrupción de Vox en el Congreso, aunque muy preocupante, no eran tan salvaje como la pintaban. Pero el hecho de que el mismo día de las elecciones se detuviera a Pablo Hasel, a quienes entrevistamos hace unos meses, deja claro que todavía estamos lejos de vivir en el país en el que nos gustaría. Como cantan Bad Religion en su nuevo disco, vivimos en la era de la sinrazón... Suerte tenemos de poder acudir a música como la suya para consolarnos. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Sick Of It All (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL


SUMARIO

Nº 158

06 / EN DIRECTO 18 / OZZYO 22 / WEEZER 30 / VENOM PRISON 36 / CALA VENTO 40 / BAD RELIGION 46 / DISCO DEL MES 48 / CRÍTICAS 62 / VITA IMANA 70 / DANKO JONES 76 /

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

82 / THE GET UP KIDS 88 /

CORROSION OF CONFORMITY

92 / OPINIÓN TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!


EL CONCIERTO DEL MES BY:

SICK OF IT ALL

22/4/19 - SALA MON LIVE (MADRID)

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: BLANCA GEMMA FUERTE

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BLOWFUSE

A

nte la pereza de volver al gimnasio después de un puente entero zampando torrijas, bueno es un concierto de hardcore para quemar calorías. Con un triple cartel de altura, un lunes así se lleva mucho mejor, desde luego, aunque el personal se lo tomó con calma para acudir a la cita. Quizás más de uno no se enteró de la apertura tan tempranera de puertas, lo que hizo que Blowfuse saliesen a tocar ante apenas una treintena de personas. No había excusas para no darlo todo y ni tan siquiera la cojera que Oscar parecía arrastrar minutos antes de entrar en escena impidieron que los barceloneses desataran su particular locura. Con la publicación de Daily Ritual (del que cayeron ‘Dreams’, ‘Great Golden Boy’, ‘Angry John’ o ‘Outta My Head’) están viviendo un momento muy dulce, pero esta vez tuvieron que tirar de oficio ante un panorama algo desangelado. Por suerte, ya saben cómo se juega a esto y, con la ayuda de los pocos fieles 8

GOOD RIDDANCE

que ya andaban por ahí, salvaron la papeleta con nota. Para cuando Good Riddance asaltaron las tablas, la Mon ya parecía otra cosa y casi dio la sensación de que los de Santa Cruz eran el plato fuerte de la noche. ‘Weight Of The World’, ‘Mother Superior’, ‘Disputatio’ y ‘West End Memorial’ despertaron los primeros pogos y, sobre todo, stage divings de la noche. Algo de lo que el grupo hizo varias coñas mientras algunos estaban dale que te pego al móvil en mitad del bolo. En cualquier caso, los chicos de Russ Rankin están en plena forma y salieron triunfales dejando el listón muy arriba. Pero pocas certezas tan firmes quedan en esta vida como que la tierra es redonda, la estupidez humana, infinita, y que Sick Of It All jamás darán un mal concierto hasta el día que decidan abandonar su trono como reyes indiscutibles del New York Hardcore. En el caso de los hermanos Koller, lo suyo ya no es una mera cuestión de experiencia y tablas, que de eso tienen para regalar, sino

de encontrar el punto de motivación necesario para salir cada noche a devorar el escenario por mucho que pueda parecer un concierto más. Sólo hizo falta el primer grito a pleno pulmón de ‘Take The Night Off’ para encender la mecha, y para cuando soltaron ‘Us Vs. Them’, ya tenían a todo el público comiendo de su mano. Hay que apuntar igualmente que las nuevas balas que venían a presentar (‘That Crazy White Boy Shit’, ‘The Snake (Break Free)’, ‘Wake The Sleeping Dragon’, ‘Bull’s Anthem’) tuvieron una respuesta algo tímida. Y aunque ellos lo encajen con una sonrisa, saben que la gente viene a escuchar ‘Injustice System’, ‘Sanctuary’, ‘My Life’, ‘Death Or Jail’, ‘Uprising Nation’ y a destrozarse en el inevitable wall of death de ‘Scratch The Surface’, que junto a ‘Step Down’ acabaron por colocar otra muesca más en su revólver. Y es que mientras Lou Koller no acabe afónico un día de éstos, nos queda Sick Of It All para unos cuantos años más.


DISTURBED

19-4-2019 – RAZZMATAZZ (BARCELONA)

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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SKINDRED

S

i insólito era que una banda del éxito de Disturbed hubiera tardado 18 años en volver a Barcelona, no lo fue en absoluto que agotaran todas las entradas de la sala Razzmatazz. Algo que todavía habían conseguido con más antelación el día anterior en La Riviera de Madrid. De su poder de convocatoria se beneficiaron los británicos Skindred, una banda especialista en robarles la cartera a los headliners con sus actuaciones festivas y descaradas. Su coctelera musical, que en los 90 habría recibido la etiqueta funk metal, es perfecta para animar el cotarro. Si a ello le sumamos temas pegadizos como ‘Ratrace’, ‘Kill The Power’ o ‘Warning’ y un frontman como Benji que no se corta a la hora de pedir al público que no pare de interactuar, no sorprende que Skindred salieran victoriosos. Por desgracia, el tono festivo desapareció durante buena parte de las dos horas siguientes. 12

Si en su primera visita, en la que abrieron para Marilyn Manson, Disturbed venían impulsados como uno de los nuevos valores del nu metal y un debut tan efectivo como The Sickness, ahora los de Chicago lo hacían con el grado de veteranía y los recursos que otorgan haber publicado siete discos, el último Evolution, y, al menos en su país, ser capaces de tocar en grandes recintos. Para ello, el grupo ha ido suavizando tanto su imagen como su música. Dave Draiman ya no luce su piercing de colmillos en la barbilla, y el numerito de la silla eléctrica ahora ha sido sustituido por sendos discursos dignos de un coach del tres al cuarto o por subir a un niño y a su padre al escenario en el bis como si les hubieran abierto las puertas del cielo. Son precisamente estas ínfulas de grandeza y trascendencia las que me provocan que, para decirlo en plata, Disturbed me caigan gordos. El publirreportaje de autobombo

que nos endosaron en la pantalla antes de salir, los solos de guitarra, bajo y batería, los dos sets acústicos -sí, dos-, con la pomposa versión de ‘The Sound Of Silence’ (con violinista y chelista incluidos) fueron difíciles de conllevar durante un concierto que, por otra parte, tenía bastante empaque cuando descargaban temas como la inicial ‘Are You Ready’, ‘The Vengeful One’, ‘Ten Thousand Fists’ ,’Indestructible’ o la AORera ‘The Light’, en la que Draiman pidió que el público iluminara con sus móviles cada vez que pronunciaba esas palabras. Pero naturalmente, fueron los hits de su primer disco, ‘Stupify’, ‘Voices’ y la final ‘Down With The Sickness’, las que más elevaron la temperatura con los riffs secos de Dan Donegan y la contundente sección rítmica de John Moyer y Mike Wengren percutando al unísono. Vamos, que a pesar de esa ‘evolución’ de la que hacen gala, al final los Disturbed que más triunfan siguen siendo los de sus inicios.


ALL THEM WITCHES 25/4/19 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: ERIC ALTIMIS

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SWEDISH DEATH CANDY

A

la quinta va la vencida: ATW no sólo fue uno de los discos más destacables del año pasado, sino que además ha sido el responsable de que por fin pudiésemos disfrutar de la visita de sus creadores. La respuesta del público no pudo ser mejor, agotando entradas en Madrid y quedándose muy cerquita de conseguirlo también en San Sebastián y Barcelona. Como nos dijo el propio Charles Michael Parks Jr.: “Si te gustan los discos, en directo te va a gustar 1000 veces más. Quiero que la gente que venga sienta que realmente merece la pena”. Pero antes nos esperaban Swedish Death Candy, venidos desde Londres para endulzarnos con algunas composiciones de su disco homónimo. Un sonido de los más variado, en el que combinan una base psicodélica sesentera con riffs stoner, pinceladas de garage rock y un trasfondo con influencias hardcore punk dado por las bandas pasadas de algunos de

sus miembros. Un estilo que en estudio resuelven perfectamente con esa esencia woodstockiense, pero que en directo se pierde un poco hasta que no consiguen ecualizar bien todas las partes. De lo que sí pueden presumir es de transmitir una vivacidad incombustible, sobre todo gracias al bajista Jiwoon Whang, quien vibra en el escenario y contagia al resto de sus compañeros a su paso. Con este buen sabor de boca inicial, al fin cruzamos el charco para dejarnos embrujar por el trío de Nashville, quienes parecen totalmente adaptados a la ausencia de teclados entre sus filas. Y para ser sincera, tampoco se echaron mucho en falta después del viaje sideral por el que nos transportaron. All Them Witches son puro blues espacial en directo, convirtiendo cada uno de sus temas en jams falsamente improvisadas. Me sorprendió gratamente la manera en la que

estiran las canciones, recreándose en las melodías y dando una forma diferente a sus composiciones con un resultado igualmente magnético. Creo que una parte de todos nosotros todavía debe estar surcando alguna galaxia a ritmo de ‘Alabaster’, porque el trance allí vivido fue sicotrópico cuanto menos. El encargado de devolvernos a la realidad fue Ben McLeod, quien estuvo especialmente brillante cuando le daba chicha al guitarreo, como ocurría en ‘When God Comes Back’ o ‘1st vs. 2nd’. Buen sonido, sí, aunque para lo que nos habían prometido cierto es que los vi algo faltos de garra, de actitud y de guarrería. Demasiado impasibles y correctos. Apenas se movieron de su sitio, ni mostraron mucha sangre en las venas para animar al personal o adoptar el papel de frontman. De todos modos, nada que el tiempo y la experiencia no les pueda dar. Charles Michael, tenías razón, lo vuestro merece muy mucho la pena. 15


THE PICTUREBOOKS

8-4-2019 – ROCKSOUND (BARCELONA)

TEXTO Y FOTO: ÓSCAR FERNÁNDEZ

T

he Picturebooks se han convertido en unos habituales de las salas de nuestro país, ya sea abriendo para otras bandas o bien encabezando sus propios shows en clubs. El dúo alemán extrapola a todos los que asisten a sus conciertos su mundo lleno de blues, rock primitivo, gasolina y aceite de motocicleta, y su personal propuesta cargada de sudor. El formato dúo es limitado, pero la banda con su nuevo trabajo The Hands Of Time se ha abierto estilísticamente incorporando nuevos elementos como pianos, percusiones, voces femeninas, etc… y esta evolución se vio recompensada en el aspecto que presentaba una

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abarrotada sala Rocksound (y eso que era un lunes), por lo que entendemos que su público ha sabido entender la apertura del sonido de la banda. El llenazo generó, lógicamente, que la motivación de los músicos también se viera elevada. Con un volumen alto pero muy nítido, definido por ellos mismos como ‘white sound’ y que se compenetraba con su outfit white denim salieron a por todas y aplicándose en sus funciones de multi instrumentistas y auténticos currantes de sus instrumentos con percusiones y juegos de voces muy trabajados. Si las percusiones son un punto fuerte en la banda, la aplicación de

guitarras no se queda lejos pasando de slides sudorosas, mandolinas que suenan como metal, eléctricas cargadas de distorsión, etc… Todo ello se apoya en temas como ‘Electric Nights’ o ‘Your Kisses Burn Like Fire’ que son pura energía como unos The Black Keys del infierno o los Black Rebel Motorcycle Club más desatados, o bien en la vertiente más crooner que por momentos te transporta a una escena de la serie True Detective. Con todo este conjunto de situaciones y mucho sudor, se completó un show verdaderamente potente y que presagia que el crecimiento de la banda todavía puede ir a más.


OZZYO NECESITAS AYUDA Joaquín Guirao (FANDOGAMIA)

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO

EL HOMBRE VALENCIANO QUE QUISO SER FALLERA

MIES Agustín Ferrer Casas (GRAFITO EDITORIAL)

LUIS CANUT

La vida mata y estamos rodeados de malas personas. Así es el humor de Joaquín Guirao, una caricia extraña a las meninges que a la vez te clava un puñal en mitad de la carcajada porque te enfrenta a tus propias miserias, obligándonos a revisarnos. La épica de ofrecer una página al día en redes sociales de forma gratuita se ve recompensada en este tomo en papel donde el efecto acumulación juega a su favor para superar los gags de mayor bajona existencial animando a llegar a la siguiente caricia extraña. Soberbio. SG KOROKKE Y LA CHICA QUE DIJO NO Busquets & Cantero (SPACEMAN PROJECT)

Acercarse a una obra guionizada por Josep Busquets es, desde siempre, sinónimo de pasar un buen rato. En sus trabajos se rodea de artistas talentosos de los que aprovecha cada una sus particularidades para hacer de cada historia algo nuevo y excitante. En esta ocasión se trata una deliciosa aventura en la que una chica que huye de su fatal destino será ayudada por un oni muy particular. Esta fantasía con mensaje está además aderezada con muchísimos yokais bellamente imaginados por el arte de Jonatan Cantero. Divertidísimo. SG

(SUMA DE LETRAS)

Soy de esos valencianos que, cuando llegaban las Fallas, buscaba cualquier excusa para escapar de mi ciudad natal, lo que no quita que ahora me llame la atención un libro titulado El Hombre Valenciano Que Quiso Ser Fallera. El enfoque surrealista del relato queda claro ya en el mismo título: ¿Un hombre? ¿Fallera? Y es que la ópera prima de Luis Canut es una parodia desternillante sobre las costumbres valencianas más arraigadas en su folklore: desde desayunar fartons mojados en horchata hasta considerar un sacrilegio meter guisantes en una paella. Acepto que, tal vez, leer estas 500 páginas resulte más divertido para los que nacimos y crecimos en la ciudad del Turia que para los demás, pero es que el desfile de personajes valencianos que aparecen en los sueños del protagonista de esta novela es de traca: Joan Monleón, Camilo Sesto, Nino Bravo, Rita Barberá, Chimo Bayo… La caspa abunda, así como los topicazos de una sociedad carente de espíritu crítico. Los elementos autobiográficos también quedan aquí reflejados desde el inicio y, como el apellido pesa (Luis es hermano pequeño de Nacho Canut), las referencias musicales no son pocas: el germen de Kaka de Luxe y de Alaska y los Pegamoides, su odio hacia Dire Straits por un trauma infantil o su ocurrencia de decorar una carroza de falleras según la temática gótica de Marilyn Manson. Muy ameno. JF

Un trabajo de envergadura y la consagración de Ferrer Casas como uno de los mejores narradores que nos ha descubierto el sector estos últimos años. Su tercera obra para esta editorial aborda la biografía ficcionada de uno de los arquitectos más importantes del pasado siglo XX, en cuya vida se mezcló pasión y ego tanto en lo personal como en lo profesional. El retrato que realiza Agustín, siempre con un excelente control de los tiempos, sirve para constatar también su exquisito gusto por el diseño de página y personajes. De diez. SG GUY, RETRATO DE UN BEBEDOR Ruppert, Mulot y Schrauwen (FULGENCIO PIMENTEL)

Olivier Schrauwen patea cabezas con cada uno de sus trabajos y con este libro no se queda corto. Unido al dúo francés formado por Ruppert y Mulot en calidad de guionistas nos ofrece en esta ocasión un relato de piratas grotesco. Acompañando al desgraciado de Guy, veremos como vive una aventura con todos los tics de una odisea en alta mar, asistiendo a su particular caída en el infierno sin ningún aprendizaje de por medio. Impagable todo el segmento dedicado al deliriums tremens del desquiciado protagonista. Indispensable. SG


DE CINE_ CON KIKO VEGA

VENGADORES: ENDGAME - FIN DE FIESTA

P

ues ya pasó. Parece que fue ayer cuando Thanos se cargó a la mitad de la humanidad con un simple toque maestro (de dedos), pero ya iba siendo hora de que los héroes más poderosos del planeta se (re)unieran para intentar solucionar el desaguisado. El colofón a más de diez años de duro trabajo (planificado hasta el mínimo detalle) son tres horas de entretenimiento del más alto nivel, eso sí, bien repartido y claramente diferenciado en tres partes, no vayan a salirse del camino. Por un lado está el tufillo a plató repartido por todo el metraje y por todo el MCU. Ese aspecto de episodio de serie de lujo viene de serie. Tal vez la culpa sea de Joss Whedon, pero resulta difícil no pensar “vaya, menudo plató” constantemente. Supongo que la razón es que hay demasiada gente implicada y 20

demasiado en juego para no hacerlo así. Como no podía ser de otro modo, también tenemos su buena ración de pelea y batallas a campo abierto que se han convertido en el nuevo “calle atestada de gente huyendo post-Independence Day” (algo en la que la inminente Hellboy marca un antes y un después) y que hemos visto constantemente desde que los Avengers son Vengadores. Y los Russo, por mucho que nos duela, no son ningunos maestros de la puesta en escena. Pero, amigos, el cierre de la historia vengadora incluye una hora en su interior que es puro corazón y gozo, y que la convierte en la razón de ser de todo lo que habíamos visto desde que el bueno de Tony Stark se calzase la armadura. Esa parte de la película es lo más cerca de la gloria que nunca vaya a estar Marvel. Todo el reparto está en su sitio y cada uno de los personajes saborea sus minutos en pantalla. Desconozco qué nos deparará el futuro, pero la apuesta es fuerte. Los que vengan detrás van a tener que sudar y sangrar mucho para superar las ideas de este fin de juego ejecutado sobre las mismísimas cuerdas que sostienen el universo que creíamos conocer.


WEEZER

CANCIONES DESDE EL AGUJERO NEGRO

POCOS GRUPOS MANTIENEN UNA RELACIÓN DE AMOR/ODIO TAN INTENSA CON SUS SEGUIDORES COMO WEEZER. POR ESO, AUNQUE MUCHOS CREAN QUE SUS ÚLTIMOS DISCOS SON FLOJÍSIMOS, TAMBIÉN SON MUCHOS LOS QUE TIENEN SU ACTUACIÓN EN EL BILBAO BBK LIVE, DESPUÉS DE MÁS DE 15 AÑOS SIN PISAR ESPAÑA, COMO UNA DE LAS CITAS INELUDIBLES DEL VERANO. DE LA MANO DE SU GUITARRISTA BRIAN BELL NOS ADENTRAMOS EN EL INESCRUTABLE MUNDO DE LA BANDA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

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E

N UNA OC ASIÓN , UN MIEMBRO DE RADIOHEAD

definió el funcionamiento interno del grupo como una dictadura benévola. En el caso de Weezer podríamos hablar de una tiranía simpática. Desde sus inicios, Rivers Cuomo ha sido el que ha marcado el destino del grupo y es evidente que el éxito del combo durante más de dos décadas se debe, en gran parte, a su talento compositivo. Pero también lo es que la personalidad del grupo no se entendería sin la contribución del resto de la banda: las guitarras y coros de Brian Bell, la fuerza económica de la batería de Pat Wilson o el plus de musicalidad que les aportó el bajista Scott Shriner desde que entrara en 2001. No es casualidad que sus mejores discos sean cuando más suenan como una banda y que los peores, caso de su último trabajo The Black Album (Crush/Warner), cuando ésta queda relegada a un papel secundario. A pesar de su carácter introvertido y friki, de puertas adentro, Cuomo ejerce un liderazgo fuera de toda discusión, algo que sus compañeros han aceptado resignadamente como aquel empleado que no quiere tener problemas con el jefe y acaba dándole la razón, aunque sepa que se equivoca. La realidad es que, con sus aciertos y sus cagadas, Weezer es una de las pocas bandas de rock de los 90 que ha logrado ir manteniéndose como parte de la cultura popular. Sin ir más lejos, el año pasado volvieron a colar un tema en las listas, ni que fuera una versión de ‘Africa’ de Toto, eran objeto de un sketch en Saturday Night Live protagonizado por Matt Damon, su actual gira por Estados Unidos junto a Pixies está siendo un éxito, y siguen siendo reivindicados por formaciones mucho más jóvenes. Todo ello, al mismo tiempo que cada nuevo álbum se recibe con cierto temor por ver por dónde saldrán. Gracias a su próxima participación en el festival Bilbao BBK Live, nos ofrecieron la posibilidad de entrevistar al grupo y aunque, naturalmente, me hubiera gustado poder char23


“ÉSE ES EL SECRETO DE WEEZER, SOMOS LO MEJOR Y LO PEOR AL MISMO TIEMPO” BRIAN BELL

lar con Rivers, finalmente la opción fue hacerlo con Brian Bell, quien a la postre acabó siendo igual, o incluso más interesante. Su testimonio, después de unos generosos 50 minutos, deja al descubierto que ser miembro de Weezer es casi tan complicado como ser seguidor suyo. Brian, es un placer hablar contigo. Pese a que no soy el típico fan old school que piensa que todo lo que habéis hecho después de Pinkerton no vale nada, desde luego ser fan de Weezer resulta muy confuso a veces. ¿Dirías que es igual de confuso desde dentro? BRIAN BELL “Vaya, me gusta cómo

les has dado la vuelta (risas). Confuso es una buena palabra… Desde luego estar en Weezer es… interesante. A veces es un poco frustrante porque aspirarías a que todo lo que hicieses gustase a los fans, y más cuando sabes todo el trabajo que hay detrás de cada 24

canción, de cada nota, pero como artista no puedes estar haciendo siempre lo mismo. Me siento muy orgulloso de esta banda y de todos nuestros logros. Queremos ser una formación que siga avanzando y no una que sólo vive de su pasado. Creo que sólo hay un grupo que nadie quiere que nunca cambie, y es AC/DC. Pero a nosotros nos gusta experimentar, con los métodos de composición, de grabación, grabar todos juntos, grabar separados… porque hace que el resultado siempre sea distinto. Hay cosas que me gustaría haber hecho de manera diferente, pero la banda no soy sólo yo, hay otras tres personas, y luego está nuestro A&R, el productor… Todo el mundo tiene su opinión. Al final se trata de un trabajo colaborativo y todas las opiniones se tienen en cuenta”.

ción, si quiere hacer un disco más guitarrero, hacéis eso… Realmente, ¿qué peso tiene tu opinión o la de Pat o Scott?

“Bueno, la verdad es que no mucho (risas). Pero al final, nadie sabe lo que va a funcionar y lo que no. Puedes repetir algo que ha tenido éxito, y la siguiente vez no funciona. Es muy impredecible. Por ejemplo, el Teal Album está funcionando mejor que el Black Album. Y ese disco lo grabamos Pat, Scott y yo, y Rivers sólo cantó. Podría ser una fórmula. Pero ahora estamos de gira y Rivers está disfrutando mucho tocando los solos de guitarra y quizá eso influya en el próximo trabajo. No lo sé. Todos somos conscientes de que Rivers es el cerebro del grupo y mi trabajo es encontrar la manera de encajar en su esquema. Desde luego, eso me mantiene alerta”.

Pero la impresión que da es que estáis a merced de los caprichos

Pero siguiendo con lo que te

de Rivers. Si se obsesiona por

decía de la confusión, hace poco

el pop actual, vais en esa direc-

en una entrevista Rivers decía


que se sentía un poco frustrado por haber tenido tanto éxito con ‘Africa’ porque era una versión, no un tema propio. Y vais, y acto seguido lanzáis The Teal

Album, un disco entero de versiones. Es muy contradictorio.

“Ya… Estamos llenos de contradicciones (risas). Lo que sé es que, si ‘Africa’ no hubiera sido un hit, nunca hubiéramos grabado el Teal Album. Y digo la palabra hit de manera relativa, porque depende de con qué lo compares. Pero en cualquier caso ha sido un tema popular, seguramente porque ya lo había sido antes; el tema original ya tuvo mucho éxito en los 80. Creo que, en parte, nuestra ‘Africa’ ha sido un hit por la historia que había detrás, ya sabes, esta chica, Mary, que nos pidió que grabáramos ‘Africa’ a través de Twitter… Los medios nacionales lo convirtieron en noticia, hasta tuvieron a Steve Lukather (guitarrista de Toto -ndr.) y Ringo Starr hablando de ello. Así que la gente ve eso y le parece interesante. Pero son cosas que no puedes planear, simplemente ocurren. Eso fue el catalizador para grabar un disco entero de versiones. En ese momento estábamos grabando el Black Album y parecía mucho esfuerzo aprenderse esos temas en profundidad para poder grabarlos. Pero la verdad es que aprendí mucho. Todos lo hicimos. Rivers grabó todas las armonías vocales, y había un montón, e hizo un gran trabajo. Y creo que eso nos puede ayudar de cara al próximo disco”.

nan como si hubieran estado ahí siempre. Están abajo en la mezcla, pero están ahí. No soy un guitarrista exhibicionista, me gusta trabajar para lo que es requerido. Mi enfoque para este álbum lo comparo a cuando reconstruí mi casa de estilo español, quería que conservara su belleza de los años 70, pero también que fuera moderna. Para mí eso era el Teal Album”. Algo más que te pondría como ejemplo de confusión para los fans fue la gira posterior a The

Red Album en 2009. Fichasteis a Josh Freese como batería, Pat pasó a tocar la guitarra… ¿De qué iba todo eso?

“No lo sé. Es mi periodo menos favorito de la banda en directo. No tengo nada en contra de Josh porque es un gran batería y Pat es un gran guitarrista, pero para mí parecía otro grupo. Para mí el secreto del sonido de Weezer es la batería de Pat. Lo que pasa es que es muy buen músico y es muy inquieto. Y en ese periodo coincidió que Pat se aburrió de tocar la batería y Rivers quería dejar de tocar la guitarra. Y propusieron cambiar la formación y Scott dijo que sí, y yo… no dije nada. En mi canción de ese disco, ‘Thought I Knew’, Rivers tocó la batería. Parecía una cuestión de cambiar las cosas porque sí, no porque fuera mejor. Fue una experiencia extraña”. Antes contabas el interés que generó la historia de ‘Africa’, y la verdad es que si algo no se

¿No crees que a las versiones les

puede negar es que tenéis un

falta un toque más Weezer?

olfato especial para hacer que

“Las versiones son muy fieles, casi copias, pero también añadí partes de guitarra o sintetizadores que no están en las canciones originales, pero sue-

Weezer haga cosas virales. ¿Son ideas que surgen del grupo o más de vuestro management?

“La verdad es que la mayoría de estas

cosas pasan por casualidad. Lo de la historia de Mary, el sketch en Saturday Night Live… son cosas que no planeamos nosotros. De hecho, hablé con uno de los guionistas de SNL y me dijo que lo tenían escrito desde hace un año, y querían grabarlo con Jonah Hill, pero no pasó el corte. Y seguramente, si lo hubieran emitido entonces, no habría tenido ningún efecto porque no estábamos promocionando nada. Pero luego lo grabaron con Matt Damon y tuvo mucha repercusión porque volvíamos a estar en el escaparate con ‘Africa’. Ese skectch fue como un anuncio perfecto para el nuevo disco. Lo gracioso es que no se burlaban de nosotros, sino de nuestros fans tan polarizados (risas). Pero en el fondo, que alguien se moleste en escribir sobre eso, demuestra la pasión que despertamos (risas). Es como los comentarios negativos en Yelp: son mucho más divertidos que los positivos (risas). Así que la mayoría de cosas virales pasan por casualidad, pero también tenemos un nuevo management en el que trabaja gente muy inteligente y que nos ofrece cosas nuevas, aunque nosotros tengamos dudas, como publicar cinco avances antes de que salga un álbum. Supongo que saben mejor cómo funciona el negocio de la música en el presente que nosotros. La verdad es que está bien saber que alguien tiene un plan. Cuando sacamos el Blue Album, sabía que era un gran disco, pero no había un plan. En los 90 todos los grupos teníamos un contrato y los sellos sacaban los discos y esperaban a ver cuáles funcionaban y cuáles no. Tuvimos suerte de que el nuestro lo hizo, pero hubo muchos que no. No sé qué año fue, pero llegó un momento que en Geffen Records se deshicieron de todos los artistas, excepto Beck y 25


WEEZER nosotros. Los sueños de muchos artistas se fueron a la porra, pero… creo que me estoy yendo de tu pregunta…”. Tranquilo, es interesante. Pero te iba a decir que en cierta manera vosotros erais virales antes de que ni siquiera existiera internet

también ese punto de rock’n’roll de los 50 en temas como ‘Susanne’ o ‘Buddy Holly’ que simplemente te hacen sentir bien. Quizá haya gente que lo considere un poco ñoño, pero también es cool. Y creo que en parte ése es el secreto de Weezer, somos lo mejor y lo peor al mismo tiempo (risas)”.

con vuestros vídeos. Siempre

pensaba ‘nadie más hace esto’. Así que estoy muy contento de haber recuperado ese aspecto. No sólo es divertido, sino que es muy musical. Tienes que escucharte el uno y el otro, la voz humana no es perfecta, y cuando lo haces en directo, el público cambia la duración del tema, las pausas, porque depende de dónde aplaudan o griten, tienes que esperar a que se vuelva a hacer el silencio. Me gustaría que la música en general fuera más así. En cierta manera es aterrador, porque estás totalmente desnudo, pero es muy reconfortante”. Por eso me sorprende tanto la dirección del Black Album, que es todo lo contrario de eso. Tiene una producción muy de aho-

fuisteis muy creativos. De todos

¿Crees que Weezer fuisteis un

ra, en lugar de buscar algo más

ellos, ¿cuál es del que tienes un

antídoto al grunge?

orgánico.

mejor recuerdo?

“Nosotros surgimos justo al final del grunge, en 1994. Kurt Cobain se había suicidado, todo el mundo estaba deprimido… Nosotros también. Recuerdo estar en el local de ensayo, tristes porque él había muerto en abril y nuestro disco no salía hasta mayo, así que nunca llegaría a escucharlo. Y, modestamente, pensábamos que le hubiera gustado. Así que creo que en parte esa faceta más alegre fue lo que llamó la atención de nosotros”.

“Ya, ya… Quizá deberíamos recordar eso en los próximos discos. No deberíamos olvidar de dónde venimos, del rock’n’roll”.

“Para mí el vídeo de ‘Buddy Holly’ fue mágico desde que entré en el plató y vi el decorado de Happy Days. Me quedé boquiabierto y no pude parar de sonreír durante todo el rodaje. Cuando hicimos la primera toma, supe que sería un hit. La genialidad de Spike Jonze, la manera en que incorporó las imágenes originales de Happy Days… supe que era algo icónico. Lo gracioso es que Rivers apenas había visto Happy Days, y cuando en el montaje, antes del puente, se interrumpía el vídeo y salía el cartel de ‘Continuará…’, a él no le gustó nada de nada, quería que lo quitaran. Pero le rogué que lo dejaran porque era muy gracioso, y al final lo dejaron. Ahora, de hecho, estamos usando la intro del vídeo para los conciertos. Es muy gracioso. Weezer siempre han tenido ese punto de humor, incluso de antes de que yo me uniera al grupo, y 26

Hablando de ‘Buddy Holly’, en esta gira estáis interpretando una versión a capella justo antes de empezar el set.

“Sí, no puedes ser más real que eso. Es como volver a… no sé… 1910 (risas). Ese estilo a lo ‘barber shop’ precedió a los grupos de do-woop. Recuerdo que cuando entré en Weezer pasábamos cuatro horas practicando nuestras armonías vocales con un piano, y yo

Además, teniendo a Dave Sitek de TV On The Radio, esperaba algo más experimental y oscuro. Pero al final el resultado es muy ligero y sin riesgo.

“Bueno. Dave desde luego estropeó ‘The Prince Who Wanted Everything’ dándole un toque swing (risas). No sé por qué lo hizo. Es la única canción que aporté a este álbum y me encontré en la encrucijada de decirles que no la pusieran porque la habían cambiado demasiado o confiar en el criterio de los demás. Pero creo que el disco es experimental para ser Weezer. Hay sonidos que no hubiéramos usado de no ser por Dave. No sé, cuanto mejor músico eres, menos conforme estás con las cosas que no


te gustan, pero al final también queremos sonar en la radio, ¿sabes? No es un equilibrio fácil. Para mí ‘The Prince Who Wanted Everything’ era un tema muy directo, animado, divertido, pero le metieron ese rollo swing y quedó mucho más light”. En este disco sólo has aportado ese tema, y en The White

Album tuviste ‘L.A. Girlz’ y ‘Endless Bummer’, pero tu presencia compositiva en la discografía de Weezer ha sido muy

Ves, para mí eso es de locos. Lleváis 25 años juntos, ¿no le puedes simplemente pasar un tema y ya está?

“Sí… Bueno, es como conseguir una cita con el Presidente, no todo el mundo puede. Rivers colabora con gente que escribe hits, y yo no tengo hits que presentar. Hasta que no tenga un hit por mi cuenta, nadie llamará a mi puerta para ver qué puedo ofrecer. Pero no me quejo. Supongo que suena muy loco desde fuera, pero las cosas funcionan así”.

limitada. ¿Cuántas canciones

“Sí. Estamos trabajando con Jake Sinclair, el productor de The White Album, pero tiene su propio método y ninguno está escuchando nada de lo que estamos grabando, ni siquiera Rivers. No lo entiendo… pero es otro experimento. Creo que no escucharemos nada hasta que vayamos a grabar las partes finales, porque quiere que reaccionemos de manera muy espontánea. No sé. Igual sale algo genial o igual sale un desastre. Y luego también se está hablando de otro álbum más rock que se llamaría Van Weezer, que supongo que grabaremos de manera más tradicional”.

por álbum sueles presentarle a

Deduzco que todo lo que no

Rivers?

puedes grabar con Weezer

“En los 90 solía presentar algunos de mis temas en el local, pero me costaba mucho que las tocaran y todavía más que acabaran en un disco. Durante mucho tiempo todo era cosa de Rivers. Pero en el Red Album metí ‘Thought I Knew’ y a partir de ahí empecé a presentar más temas, pero necesitaba escuchar lo que se estaba cociendo para poder presentar algo que encajara. Sobre todo, cuando Rivers empezó a colaborar con compositores externos, pensé ‘Si ellos pueden, ¿por qué yo no?’”.

acaba en tus discos de The Rela-

Porque los últimos tres discos los

tionship. Tienes canciones muy

habéis grabado por separado,

buenas ahí.

sin estar nunca juntos en el estu-

“Oh, te lo agradezco mucho. Pero he parado ese grupo. Estoy intentando volcar mi energía en otras cosas. Hice unas clases de interpretación y me gustó mucho, y empecé a hacer alguna cosita como actor. Y en cuanto a música, prefiero poner toda mi atención en Weezer, en lugar de en dos grupos. Uno de los motivos por los que pudimos hacer el Teal y el Black Album tan rápidamente fue porque estaba muy centrado en Weezer. The Relationship era divertido, pero me costaba mucho tiempo y dinero. Saqué dos discos con ellos y estoy contento de haberlo hecho, pero, posiblemente, ahora mismo vivo el momento de mayor satisfacción con Weezer que he sentido nunca. Antes necesitaba un proyecto paralelo para sentirme satisfecho, pero ahora no es el caso. Quiero que Weezer seamos tan buenos como podamos”.

dio. ¿Te gusta hacerlo así?

Es una pena porque creo que Rivers y tú tenéis mucha química cuando tocáis. Creo que podrías hacer grandes cosas si colaborarais más.

“Estoy totalmente de acuerdo. Pero creo que tiene que ocurrir sin forzar las cosas. Rivers sigue un método muy estricto. Primero tengo que presentar los temas al management, luego pasan por el productor y, si hay luz verde, llegan a Rivers. Tienen que pasar esos filtros antes de que ni siquiera los escuche”.

De hecho, ya estáis preparando dos discos nuevos más. ¿Qué me puedes contar de ellos?

“Perdona… Se me ha dormido el brazo, voy a cambiar de posición… Ya está (risas). Creo que todo tiene sus ventajas. Grabar todos juntos mola porque te estás mirando, y ocurren cosas en ese momento que nunca ocurrirían si estuvieras solo. En el otro caso, también mola porque yo me preparo mucho y para cada canción tengo nueve o diez ideas. Y estando a solas con el productor puedo ir probándolas y ver qué es lo que funciona mejor. O puedes usar la mitad de la idea 3 con la mitad de la idea 9. Cuando grabo solo, es mi día, todo se centra en mí, y eso me gusta. A veces, si está todo el mundo en el estudio, es difícil ser productivo, porque te pasas medio día escuchando un sonido de caja, luego, vas a comer, y luego, uno se quiere echar una siesta (risas). No es fácil mantener el nivel de energía alto esperando a que llegue ese momento mágico. La última vez que grabamos de la manera estándar, con los cuatro en 27


“SABÍAMOS QUE OLI HUBIERA QUERIDO QUE EL DISCO SALIERA Y QUE EL GRUPO SALIERA A TOCAR” PHIL LABONTE

el estudio, fue con Everything Will Be Alright In The End con Rick Ocasek. Voy a intentar manipular el proceso de grabación para que podamos volver a hacerlo. Coger ese espíritu del ‘barber shop’ y meterlo en un disco de rock (risas)”.

Para acabar como hemos em-

Quizá deberíais tocar tres horas

pezado, hablaremos de con-

para que todo el mundo estuvie-

fusión y contradicciones. Al

ra contento.

principio decías que Weezer

“(Risas) Quizá. Créeme: antes de esta gira, hicimos una lista de 75 canciones que debíamos poder tocar en cualquier momento. Y me pasé muchas horas aprendiendo todos los temas para estar a punto. Pero al final, hemos acabado tocando lo de siempre”.

no queréis repetiros, pero en directo soléis centraros únicamente en vuestros hits. Con la cantidad de temazos que te-

¿Te gustaría volver a trabajar

néis, como fan es una pena que

con Ocasek?

no variéis más los setlists .

“Nunca digas nunca jamás”.

“Lo sé, lo sé… Eso tiene mucho que ver con el tipo de conciertos que estamos dando y el público para el que tocamos, que es más casual. Vamos metiendo algún tema de Pinkerton por ahí, pero hoy en día la industria se fija demasiado en las métricas, y al final los temas más populares en Spotify son ‘Island In The Sun’, ‘Hash Pipe’, ‘Buddy Holly’, ‘Say It Ain’t So’, ‘Perfect Situation’, ‘Pork And Beans’… Así que eso es lo que la mayoría de la gente paga por escuchar”.

¿Hasta qué punto eres consciente de la influencia actual de Weezer? Pinkerton fue un disco muy influyente en el emo, pero ahora también hay grupos como Wavves o PUP, o Fidlar, que tienen algo de vosotros.

“Soy consciente, más o menos, y me siento orgulloso, pero tampoco creo que nuestra banda deba llevarse todo el mérito porque es una combinación de cosas. Pero me hace muy feliz”.

28

Brian, muchas gracias por tu tiempo. Este verano os veremos en el Bilbao BBk Live, pero espero que volváis de nuevo para tocar en salas.

“Lo mismo digo. Me encantaría volver pronto y quizá así podríamos tocar temas menos conocidos”.


Defeaterhc.com


VENOM PRISON

LA VIDA ES DOLOR


PARA QUE SU NUEVO ÁLBUM SAMSARA ESTÉ EN BOCA DE TODO EL MUNDO, VENOM PRISON HAN LLEVADO SU HARDCORE Y DEATH METAL AL LÍMITE, TANTO EN LO QUE SE REFIERE A LAS LETRAS COMO A SU SONIDO Y MÚSICA. CON GANAS YA DE VERLOS EN EL PRÓXIMO RESURRECTION FEST, CONTACTAMOS CON LA BANDA PARA QUE NOS EXPLIQUE CÓMO PETARLO MIENTRAS AFRONTAS TUS MOMENTOS MÁS BAJOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: JAKE OWENS

U

N INFIERNO COMO LA DEPRESIÓN puede signi-

ficar el hundimiento personal, pero también puede ser el punto de partida para una bestialidad como Samsara (Prosthetic Records). Para salir de una de las peores etapas de su vida, la cantante Larissa Stupar se sometió a un duro autoexamen para sortear el bache, conocerse mejor y, a la par, denunciar las principales dolencias de ésta, nuestra sociedad del sufrimiento. Evidentemente, sus compañeros en Venom Prison, Ash Gray (guitarra), Ben Thomas (guitarra), Mike Jefferies (bajo) y Joe Bills (batería), pusieron todo de su parte para que sus palabras se afianzaran entre el más irrespirable hardcore y el más opresivo death metal, creando así el caldo de cultivo perfecto que ha llevado al segundo disco de los británicos a convertirse en una de las sensaciones de la temporada. La apabullante belicosidad del sucesor de Animus ha pillado a muchos desprevenidos, pero todavía más el éxito que está cosechando, colándose incluso en los charts de algunos países. Samsara merecía una buena charla con la intratable vocalista rusa y Ash, y sobra decir que resultó todo un placer que Larissa compartiera con nosotros sus ideales progresistas, destacando también el efecto terapéutico que este disco tuvo en ella. Por su parte, el guitarra nos sorpren-

dió con una mentalidad algo americana, demostrando ser bastante más ambicioso de lo que podría parecer en cuanto fuimos rascando un poquito más con nuestras preguntas. Si ya nos flipaban Venom Prison, tras esta entrevista nos molan mucho más.

las listas de éxitos sólo nos impulsa a componer más progresivamente y a tratar de conseguir mayores logros en nuestros próximos discos, demostrando que las bandas de metal extremo pueden entrar en la luz”. Cuando escuché Samsara, pensé

La respuesta hacia Samsara por

que finalmente un grupo había

parte de los medios y el público

logrado la aleación perfecta

está siendo abrumadora… Ho-

entre hardcore y death metal.

nestamente, ¿esperabas que la

Lo que debería haber sido el

gente aplaudiera de esta forma

deathcore, en resumidas cuen-

vuestro segundo trabajo?

tas, y no esa moda para niños

ASH GRAY “Por supuesto que no.

tatuados. Seguramente no os

Trabajamos duro en este disco, pero principalmente para colmar nuestras propias satisfacciones. Venom Prison siempre ha ido sobre la banda y sólo hacemos esto por nosotros mismos. Es nuestro lanzamiento creativo y la energía que ponemos en nuestras obras. La respuesta, sin embargo… completamente de acuerdo, muy abrumadora”.

sintáis cómodos ante esta etiqueta, ¿pero qué pensáis al respecto? ASH “Siempre he andado metido

en el punk, el hardcore, el metal y demás. Venom Prison pueden ser etiquetados como la gente quiera llamarnos, pero sin embargo, siempre vamos a sonar como Venom Prison, así que creo que, en realidad, es irrelevante”.

Tan extremo como es, y Sam-

sara ha entrado en las listas de

Ya, pero puedo intuir que vie-

Gran Bretaña y Estados Unidos.

nes mucho más del hardcore de

Como decíamos, imagino que

Converge y el death clásico que

fuisteis los primeros sorprendi-

del deathcore de Suicide Silen-

dos… ¿Qué es lo que pensasteis

ce, Whitechapel o Carnifex. Ex-

cuando lo visteis? ¿Os emocio-

plícame pues tus influencias.

nan estas cosas o sólo lo visteis

ASH “Amé a Converge mientras

como una anécdota?

crecía, todavía lo hago hoy en día. Crecí escuchando bandas como Carcass, Death, Napalm Death, e incluso hardcore, como Walls Of Jericho, Buried Alive, Terror, y así sucesivamen-

ASH “Sobre esto quiero decir

yeah, es jodidamente guapo. Somos una banda de metal extremo, así que ver a un grupo como Venom Prison en

31


te, por lo que mi influencia siempre ha venido más por este lado musical que el del deathcore, pero… lo hago como algunas bandas deathcore”. Según habéis explicado, el título del álbum se refiere al concepto budista de “renacer en un ciclo

interminable de sufrimiento”, y desde allí reflexiona acerca de la alienación personal y colectiva que padecemos en la sociedad actual. Canciones como ‘Uterine Industrialisation’ no dejan lugar a dudas acerca de su contenido, pero me gustaría que me ampliarais este concepto. LARISSA STUPAR “Cuando estuve

escribiendo las letras para Samsara, me di cuenta de que la realización de la vida misma es sufrimiento. Realmente no veo ningún otro significado en el concepto de la vida como tal. Todos sufrimos en cierta medida, ya sea en manos de otros, por consecuencias políticas o problemas personales en forma de salud mental, por ejemplo. Muchas de las canciones de este álbum son personales, y escribirlas me ha ayudado a mirar dentro de mí en el momento en el que sufría de depresión más que nunca. Es básicamente un viaje para encontrarme a mí misma en la oscuridad”. En efecto, hiciste públicos los

las peores fases que he tenido que atravesar hasta la fecha. Eso ha influido fuertemente en las letras, aunque en realidad nunca quise revelar muchas de mis preocupaciones y problemas personales allí porque no quería hablar abiertamente de mis vulnerabilidades. Para entender lo que estaba pasando dentro de mi cabeza, simplemente traté de escribir lo que sentía, y al hacerlo, podría aprender a comprender y organizar mis pensamientos, sintiéndome un poco aliviada. Sé que hay personas que pueden verse reflejadas en mis letras porque podrían estar pasando por cosas similares, pero mi principal preocupación era reorganizarme y entenderme internamente”.

siento y a qué me opongo. Desde que tenía 13 años he estado involucrada en luchas por los derechos humanos y de los animales, por lo que sólo veo mi ética como parte de lo que soy, ésa es la razón por la que escribo sobre estas cosas. Creo que la música debería tener algún tipo de mensaje para darle sentido, pero al final, depende de las personas que componen música. No creo que todo el mundo deba cantar sobre problemas políticos, pero quien quiera, debe sentirse libre de hacerlo”. ¿Y eres optimista respecto a un cambio de mentalidad en el mundo para que todo vaya a mejor, o incluso intentándolo con tus canciones, eres negativa

Si algo me gusta de tus letras

y crees que la humanidad no

es que son inteligentes y denun-

tiene remedio?

cian injusticias actuales. Tus tex-

LARISSA “Para que el mundo cam-

tos luchan contra la homofobia

bie, para que ‘todo vaya a mejor’, necesitamos un cambio radical en la sociedad y sus valores. Hasta ahora las cosas han ido progresando muy lentamente y simplemente no creo que vayamos a experimentar un mundo en el que todos sean libres y felices, porque en este momento siempre habrá alguien más oprimido que el otro. Es triste, pero necesitamos derrocar completamente a la sociedad y no creo que estemos listos para eso”.

y la transfobia, por ejemplo. ¿Por qué estás tan involucrada en estas luchas? ¿Has tenido malas experiencias con ello durante tu vida? LARISSA “No creo que necesites ha-

ber tenido malas experiencias con la homofobia y la transfobia para abordarlas. Creo que todos somos iguales y que cada ser humano debería poder expresarse, identificarse y amar a quien quiera y como quiera”.

problemas de depresión que te

¿Qué opinas de esta nueva

aquejaron durante el proceso

¿Consideras que la música dura

oleada de extrema derecha que

de creación de este trabajo…

debe ir ligada a la lucha políti-

está causando estragos en todo

¿Has querido ayudar a otra

ca, o en cambio crees que hay

Occidente? Por supuesto, ame-

gente que esté pasando por lo

lugar para todo, que cualquier

naza todas las conquistas de los

mismo con ello?

tipo de letra tiene cabida en el

últimos tiempos, y no sólo labo-

LARISSA “He sufrido depresión

metal extremo?

rales, sino en términos de dere-

desde que era adolescente y el año pasado fue probablemente una de

LARISSA “Escribo sobre lo que me

chos civiles, feminismo… ¿Estás

preocupa, lo que defiendo, lo que

preocupada?

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“HE SUFRIDO DEPRESIÓN DESDE QUE ERA ADOLESCENTE Y EL AÑO PASADO FUE PROBABLEMENTE UNA DE LAS PEORES FASES QUE HE TENIDO QUE ATRAVESAR. ESO HA INFLUIDO FUERTEMENTE EN LAS LETRAS, AUNQUE EN REALIDAD NUNCA QUISE REVELAR MUCHAS DE MIS PREOCUPACIONES Y PROBLEMAS PERSONALES” LARISSA STUPAR

LARISSA “Es preocupante, para ser

asfixia, e imagino que eso es lo

honesta, pero en los últimos años se han logrado muchos avances que las personas no van a dejar que se vayan sin luchar. Creo que, en general, la comprensión del multiculturalismo, el feminismo y otras temáticas de izquierda están creciendo entre la población joven, lo que significa que tenemos una generación de personas más educadas que están creciendo, por lo que las cosas se pondrán interesantes”.

que teníais en mente: trasladar

Si algo transmite el álbum es

la angustia de las letras al soni-

Animus con nosotros, así que hemos construido una gran amistad con él desde ese disco”.

do. Un gran trabajo del tándem Tom Dring-Arthur Rizk, ¿no?

Desde luego, la portada de Eliran

ASH “Arthur y Dring fueron ambos

Kantor es una de las mejores que

increíbles para trabajar y comprendieron totalmente a la banda y nuestro sonido. Me parece importante confiar en el trabajo de alguien y dejar que, creativamente, tenga su input y toque, eso es lo que hace a los álbumes importantes y que tengan su chispa especial. Dring también hizo

ha realizado últimamente… Realmente contiene a la perfección todo lo que este álbum es. ASH “Es perfecta, realmente disfru-

tamos trabajando con él. También hizo un trabajo increíble con Animus. Me parece que los discos dependen mucho de la música, pero deben tener

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“SIEMPRE “SIEMPRE NOS NOS HEMOS HEMOS HECHO HECHO UNA UNA FALSA FALSA ILUSIÓN DE QUE LA MÚSICA EXTREMA ILUSIÓN DE QUE LA MÚSICA EXTREMA TIENE TIENE UN UN TECHO TECHO Y Y QUE QUE NUNCA NUNCA SE SE ROMPERÁ, ROMPERÁ, PERO PERO ESTOY DISPUESTO A PROBARLO” ASH GRAY ESTOY DISPUESTO A PROBARLO” ASH GRAY

han escuchado antes, y si es así, les gustará o no, pero ésa es la apuesta que haces en las giras grandes. No importa si realizamos un tour con Nickelback: Venom Prison siempre sonará como Venom Prison y nunca cambiaremos nuestro sonido para adaptarlo a las necesidades de otras personas. Queremos llevar nuestra música, y la música extrema, a un nivel más alto y a una plataforma que muchas bandas merecen. Siempre nos hemos hecho una falsa ilusión en nuestras cabezas de que la música extrema tiene un techo y que nunca se romperá para ser más de lo que ya es, pero estoy dispuesto a probarlo”. Vais a iniciar una gira europea este mayo, pero no hay fechas previstas en España. ¿Os veremos pronto como cabezas de cartel? ASH “Estoy seguro de que lo harás.

No puedo decir mucho sobre shows no anunciados, pero estoy seguro de que estaremos ahí. No nos pierdas de vista”. Este verano estaréis en el Resurrection Fest, eso seguro. ¿Habéis oído hablar del festival? ¿Qué podemos esperar de vuestro concierto? ASH “Sí, estuve allí con mi antigua

la estética correcta, el artwork o la ambientación para que sea un álbum perfecto en mi cabeza. Pero sí, muy contentos con el trabajo artístico”. LARISSA “En el momento en que pude ver el artwork terminado para Animus, la única cosa que pude pensar fue ‘esto es perfecto’, y sigo opinando que representa a la perfección cada elemento de la música y letras”.

34

Vuestra última gira por mi país fue un poco rara… Con Power Trip mola, pero Trivium… ¿Cómo recordáis ese tour? ASH “Ese tour hizo mucho para Ve-

nom Prison. Aprendimos un montón y pusimos muchos nuevos ojos sobre el grupo. Tener la oportunidad de hacer una gira como ésta introduce a la gente a la música extrema si no la

banda, Brutality Will Prevail, y fue increíble, así que cuando a Venom Prison nos ofrecieron tocar me sentí extremadamente emocionado. ¡Gran cartel, gran festival! Espero que nos vaya bien, nos aseguraremos de dar espectáculo”.


CALA VENTO

COMUNIDAD DE DOS COMO ELLOS MISMOS CUENTAN, CALA VENTO SON TODO LO CONTRARIO A UNOS ANIMALES DE COSTUMBRES. SI UN DÍA VAN POR UNA CARRETERA, AL SIGUIENTE VAN POR OTRA. BUSCANDO SIEMPRE ALGO QUE LES REMUEVA POR DENTRO. QUE LES BALANCEE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


N

OS CITAMOS CON CALA VENTO en

la terraza interior de un establecimiento del barrio de Gracia de Barcelona en una tarde medio lluviosa que anuncia la primavera. A pesar de que sólo nos separan unos metros del bullicio de una de las calles más transitadas del barrio, ahí dentro se impone un insólito silencio; repasando la grabación de la entrevista hasta se escucha con nitidez el piar de algunos pájaros. Es una estampa que en cierta manera ejemplifica la contradicción en la que viven Aleix Turon (voz, guitarra) y Joan Delgado (voz, batería). Dos jóvenes acostumbrados al ritmo más sosegado de L’Empordà, pero que desde que publicaran su debut homónimo en 2016, y todavía más con Fruto Panorama al año siguiente, se han visto inmersos en un estilo de vida donde no hay mucho lugar para la calma. Por si haberse pateado la Península arriba y abajo no fuera suficiente, con Balanceo, su tercer trabajo, se estrenan en el mundo de la autoedición con su propio sello, Montgrí, con el convencimiento de que nadie estará más motivado que ellos a la hora de empujar su proyecto. A pesar de que estaban contentos con lo que BCore había hecho hasta ahora, necesitaban cambiar. De ahí que se fueran a Andalucía a grabar su nuevo disco o que, aun no teniendo bajista, decidieran sacar su lado funky.

Sol, hasta que nos propusieron esto. Así que para nosotros el final de gira era nuestro bolo y lo de WiZink fue más como echarnos unas risas. Es una sensación muy extraña tocar en un sitio tan grande. Era el público de Lori Meyers, pero nos sorprendió que hubiera bastante gente que cantara nuestras canciones”. ¿Pero lo disfrutasteis? ALEIX TURON “Yo no demasiado

porque estaba montada la pedalera de su cantante, y estaba súper estrecho, a pesar de un sitio tan grande. Me sentía ridículo. Muchas veces me giro para tocar mirando a Joan y, para hacerlo, tenía que pasar la guitarra por encima del pie de micro. Estuve incómodo”. JOAN “Yo estaba nervioso, pero es que siempre estoy nervioso en los conciertos. Creo que sólo miré dos veces al público. Pero la experiencia es muy guay. Fue curioso”. ¿Os acostumbrarías a tocar en sitios así? JOAN “Yo creo que preferiríamos

tocar cinco días en una sala que tocar ahí. Pero tiene que ser muy bestia que 12.000 personas compren una entrada para verte. Es muy loco. Si hiciese falta ya nos acostumbraríamos (risas)”. El título Balanceo se puede interpretar de varias maneras.

Terminasteis la última gira

Como que no sabéis dónde ir y

abriendo para Lori Meyers en el

os dejáis llevar, o al revés, que

WiZink Center. ¿Cómo vivisteis la

queríais balancear hacia una

experiencia de tocar en un sitio

determinada dirección.

tan grande para un público que

ALEIX “Es un disco que reflexiona

no era el vuestro?

sobre dónde estamos y hacia dónde deberíamos ir. Tiene que ver con que lo que hasta ahora era un hobby, al

JOAN DELGADO “Nuestro final de

gira ya era en Madrid en la sala El

menos este año es nuestro día a día”. JOAN “El título, para variar, salió en una conversación en el coche volviendo de gira. Lo escuchamos y vimos que era como un parte de lo que nos estaba pasando, un balance, y jugando con esa palabra salió Balanceo. También nos encajaba con la idea de que hemos hecho el disco porque lo necesitábamos y ahora veremos hacia dónde nos lleva”. En el álbum se notan los temas muy trabajados. A veces, cuando le das muchas vueltas a las cosas, acaban perdiendo espontaneidad, pero no es vuestro caso. Supongo que no es fácil no perder lo que eres y, a la vez, querer hacer otras cosas. ALEIX “En parte fue gracias a Eric

(Fuentes). Nosotros empezamos a hacer temas nuevos, como lo habíamos hecho hasta ahora, pero sin querer repetirnos. Estaba todo muy reflexionado, con todo en su sitio, y entonces se las tocamos a Eric y nos dijo que estaban de puta madre, pero que estaban demasiado terminadas. Que quizá nos convenía coger una semana y hacer un tema cada tarde”. JOAN “Con los tres discos nos ha pasado que le hemos enseñados los temas a Eric y nos lo ha tirado por tierra. En realidad, es su trabajo. De primeras, te choca, pero luego piensas ‘el cabrón tenía razón’”. ALEIX “Esta vez nos costó más porque habíamos trabajado mucho los temas, y viene un pavo de fuera y no lo ve claro”. JOAN “Nos sirvió para dejar de lado esas canciones y hacer nuevas, a lo que saliera. Recuerdo perfectamente que al día siguiente de que se fuera Eric, salió ‘Gente Como Tú’ del tirón”. 37


¿Pero aprovechasteis algo de lo

el que mejor refleja lo que te-

que teníais?

níais en la cabeza?

ALEIX “Sí, sí. En el disco hay como

ALEIX “No, no. Nosotros teníamos

mitad y mitad”. JOAN “Teníamos como más de veinte ideas antes de entrar a grabar, y seleccionamos once”. ALEIX “Así que esa mezcla entre reflexión y espontaneidad viene de eso”.

una idea muy preconcebida, queríamos que sonara a lo Blood Sugar Sex Magic de Red Hot Chili Peppers o al Green Album de Weezer, pero quizá si Santi lo hubiera respetado, no hubiera sonado a Cala Vento. Era algo que nosotros no pensamos. Pero el creador del sonido Cala Vento es un poco Santi y él supo darle una continuidad al sonido de Fruto Panorama hacia lo que queríamos nosotros sin que hubiera un gran salto”.

¿Eric hace más de productor creativo y Santi Garcia más de ingeniero? ALEIX “Sí, es como ha sido siempre.

Quieras o no, en los álbumes anteriores ponía ‘producido por Eric Fuentes’, pero quien lo graba y lo mezcla es quien lo hace sonar”. JOAN “En este disco, Eric se ha encargado de la parte creativa y sobre todo de las voces, que las grabamos aquí en Barcelona con él”. Pero la música la grabasteis en Motril. ¿Qué os llevó ahí? ALEIX “Teníamos claro que quería-

mos estar en un estudio residencial. Pensábamos que cuanto más lejos estuviéramos de casa, más concentrados estaríamos. Estuvimos mirando el estudio de Kaki Arkarazo en el País Vasco, pero no tenía disponibilidad. Y cogimos uno en Granada, pero dos meses antes nos lo tumbaron y al final encontramos el de Motril, como plan B, y súper bien. Nos salió más barato, los cacharros que tenían eran muy vintage y todo fue muy bien. Pasamos un poco de frío porque no había calefacción, Santi se cagó en todo (risas), pero estuvo muy bien”. JOAN “Estuvimos todos súper concentrados en el disco. Era lo que queríamos conseguir, y lo logramos”. ¿Creéis que de los tres discos es 38

De todos modos, Blood Sugar… y el Green Album me parecen dos discos totalmente opuestos en cuanto a sonido. JOAN “(Risas) Sí, sí, queríamos mez-

clar las dos cosas, así que suerte de Santi. A veces me ofuscaba porque igual no le metía el sonido de caja que yo quería, pero luego, cuando se iban a dormir, me ponía lo que habíamos grabado a tope y veía que sonaba de puta madre”. ALEIX “También había canciones que igual nosotros considerábamos segundonas, pero que con el giro de producción en el estudio han pasado a primera línea. Eso mola mucho”. Lo que sí habéis sacado más que

el groove es lo que nos mola. En todos los temas hay bajo, pero está apoyando lo que hace la guitarra”. ¿Habéis recuperado igual grupos que escuchabais antes? JOAN “Escuchamos mucho a Wee-

zer. Conocíamos ‘Buddy Holly’ y alguna más, pero en el último año entramos a fondo y tienen una brutalidad de discos”. ‘Liquidación Total’ suena a ellos. JOAN “Es curioso porque todo el mun-

do lo dice, pero en ningún momento pensamos en ellos”. ALEIX “También escuchamos mucho a Prefab Sprout, Pinegroove… Yo tampoco era muy fan de Red Hot Chili Peppers y éste me ha ido introduciendo. Conocía Stadium Arcadium, pero descubrí Blood Sugar Sex Magic, Mother’s Milk, One Hot Minute… Los escuchas a todo trapo y flipas”. El riff de ‘Todo’ suena un poco a Incubus o algo así… JOAN “Hostia, Incubus. Recuerdo

que el día que sacó el riff, me reí. Pero luego lo empezamos a tocar y me engorilé”. ALEIX “Mi idea era más Red Hot Chili Peppers, pero de la manera que lo grabó Santi, igual salió más Biffy Clyro, algo más sintético. Está guay”.

nunca es la vena funky. Supongo que, en directo, también es más

¿Y la parte que grabó Cándido

divertido de tocar.

de Viva Belgrado cómo surgió?

JOAN “Sí, siempre nos ha molado

ALEIX “Íbamos a grabar esa parte y

el rollo funky. Nos flipa el groove. En Fruto Panorama ya se intuía en ‘En Cueros’ o en ‘Antes De Él’, pero en este álbum sale mucho más. Sobre todo en ‘Solo Ante El Peligro’ o ‘Remedio Contra La Soledad’”. ALEIX “Aunque no tengamos bajista,

Santi dijo ‘esto es muy Viva Belgrado’. Y le dijimos que de hecho nuestra idea era que la grabara Cándido, pero que estaba en Japón… Y dice ‘¡Pero si volvió esta semana!’. Le llamamos al día siguiente vino y la grabó a la primera. Es un crack”.


“SI NO TUVIÉRAMOS LA MÚSICA SERÍAMOS MENOS FELICES” ALEIX TURON En las canciones habláis de vuestra situación, pero contextualizadas en un ámbito más general,

do ahora después de estar cotizando 43 años en la misma empresa. Claro, eso ni lo veré yo, ni mis amigos”.

marcado por la inestabilidad.

¿Qué crédito le dais a las letras en vuestro éxito? ¿Creéis que pueden haber enganchado incluso más que la música?

¿Creéis que a través de la música

Quizá Jordi de BCore (risas).

JOAN “Buena pregunta… Creo que

conseguís cierta estabilidad?

ALEIX “(Risas) Quizá él sí. Hay can-

ALEIX “Lo que dices es muy cierto.

ciones que hablan de eso explícitamente como ‘La Comunidad’ y otras que pasan más de puntillas, pero es algo que está en todo el disco”.

a los dos nos emociona la música, por ejemplo, en inglés, aunque no entendamos del todo la letra. Nosotros siempre componemos primero la música y la melodía, y después buscamos la letra”. ALEIX “Yo sí creo que las letras han influido en la buena aceptación de Cala Vento. Y eso que no somos grandes letristas, porque las del primer disco… eran más sencillas, espontáneas… quizá por eso conectaron. Creo que las de éste conectarán con la gente más reflexiva. Quizá a la gente más superficial le costará más (risas)”.

Si no tuviéramos la música seríamos menos felices. Es algo que vemos con nuestros padres. Ellos ven nuestra vida como muy inestable y no lo entienden, se les cruza el cerebro. Pero al mismo tiempo, como son quienes nos han educado, hacen que nos preguntemos si estamos haciendo lo correcto. Pero con todo lo que nos da, dices ‘hostia, no quiero tener una vida estable, porque me aburriría. Necesito que cada día sea distinto’”. JOAN “Además, si en algún momento puedo tener esta vida, es ahora. Ya llegará la edad en la que quizá esté en un sitio fijo”. Bueno, ahora lo de estar en un sitio fijo está difícil. JOAN “Ya. Mi madre se ha prejubila-

También me gusta que el mensaje está muy claro, pero a veces usáis palabras que parecen más dispersas. ALEIX “A mí me gusta cuando escu-

cho una canción y hay una palabra que no te encaja, que te rompe el esquema. Es una reacción que me gusta. A veces hasta miro en internet para entender el significado y no lo encuentro. Pero me parece atractivo. Me gusta que nuestra música provoque eso y creo que en este álbum está muy bien conseguido porque hemos ligado ocurrencias personales con cosas colectivas”.

39


BAD RELIGION

MADUROS Y

SOBRADAMENTE

PREPARADOS SI YA TENÍAMOS GANAS DE VER A BAD RELIGION CUANDO EN UNAS SEMANAS NOS VISITEN COMO PARTE DEL PUNK IN DRUBLIC MUSIC FESTIVAL, DESPUÉS DE ESCUCHAR SU NUEVO DISCO AGE OF UNREASON SE HAN MULTIPLICADO. LES PESARÁN LOS AÑOS Y LOS KILOS, PERO LA VETERANA BANDA CALIFORNIANA NO PIERDE FUELLE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/ ERIC ALTIMIS (DIRECTO)


E

L DECIMOSÉPTIMO ÁLBUM DE BAD RELIGION nos devuelve al

grupo en plena forma tras seis años sin publicar nuevas canciones. Aunque durante este tiempo la banda seguía tocando y rodando a los nuevos miembros, el guitarrista Mike Dimkich y el batería Jamie Miller, quienes entraron sustituyendo a Greg Hetson y Brooks Wackerman en 2013 y 2016 respectivamente, los otros componentes tampoco siguieron inactivos. El cerebro Greg Graffin publicó un par de libros y otro disco en solitario, Brian Baker reactivó Dag Nasty y Jay Bentley empezó a girar como bajista de Me First And The Gimme Gimmes. Por su parte, el hombre en la sombra, Greg Gurewitz, siguió centrado en gestionar Epitaph Records. Pero también durante este periodo, todo ellos asistieron horrorizados al auge y, finalmente, la elección de Donald Trump como presidente de Estados Unidos. Que toda esa indignación se transformara en energía creativa era cuestión de tiempo. “Hoy valores como la verdad, la libertad, la igualdad, la tolerancia y la ciencia están en verdadero peligro. Este disco es nuestra respuesta”, decía hace poco Gurewitz, quien una vez más se ha encargado de componer junto a Graffin estos 14 temas en los que se abordan el racismo, la erosión de la clase media o las fake news con su característico sonido tan melódico como poderoso. El mismo del que podremos disfrutar el 14 de mayo en Madrid (WiZink Center), el 17 en Barcelona (Poble Espanyol) y el 18 en Vitoria-Gasteiz (Iradier Arena) junto al de NoFx, Lagwagon, Less Than Jake y otros compinches. 42

Han pasado seis años desde que lanzasteis True North. En su

do las cosas se ponen feas, es cuando empezamos a escribir música”.

momento, se rumoreó que ése pudiera ser vuestro último traba-

En estos años, tú estuviste tocan-

jo. ¿Es algo que discutisteis como

do con Me First And The Gimme

una posibilidad real?

Gimmes. ¿Te lo pidió Fat Mike?

JAY BENTLEY “Sí, sí, lo hablamos en

“No, fue su mánager. Me preguntó si quería hacerlo y le dije que no (risas)”.

serio. Te explicaré lo que pasó. Hicimos el disco The Dissent Of Man y el mismo día que salió, Brett me llamó y me dijo ‘Tenemos que hacer otro álbum’. Me quedé muy sorprendido y le pregunté por qué. Y me dijo que no le gustaba cómo había quedado porque había escrito muchas de esas canciones con una guitarra acústica, con su hija al lado… que no le transmitía lo que quería para un disco de la banda. A mí me gustaba, pero entendía lo que quería decir. Así que, de inmediato, nos pusimos a trabajar en True North y cuando lo terminamos, todos nos miramos y dijimos ‘Éste es un buen disco. Y si es el último que nunca hacemos, no pasa nada porque es un buen álbum’. Cómo te diría… estábamos en paz con la idea de que pudiera ser nuestro último disco. Pero bueno, estoy contento de que no lo fuera (risas)”. Yo también. Entiendo entonces que el que hayan pasado seis años no estaba planeado…

“No estaba planeado, pero pasó el tiempo, sacamos el disco de villancicos, íbamos tocando, pero nadie tenía material nuevo… Nos estábamos divirtiendo fuera de Bad Religion, aunque siguiéramos reuniéndonos para tocar, pero no había nada que nos empujase a grabar un nuevo álbum, no teníamos un contrato que nos obligara a publicar nada. Al final este disco salió de manera orgánica al observar el terror humano. Esta banda siempre ha reaccionado a las malas situaciones. Cuan-

¿Y qué te hizo cambiar de opinión y aceptar?

“Bueno, un par de personas me dijeron que tocara con ellos porque me recordaría a cuando empecé a tocar música, y tenían toda la razón. Es algo muy divertido, sin ninguna presión. Hagas lo que hagas es imposible cagarla en Me First And The Gimme Gimmes. Este año no voy poder ir con ellos a Europa porque estaré tocando con Bad Religion en Estados Unidos. Creo que han pillado a CJ Ramone”. Oh, vaya. Al menos te veremos en el Punk In Drublic en unas semanas. Supongo que tocar con NoFx es siempre divertido.

“Sí, no sé por qué, pero siempre hemos trabajado muy bien con ellos, desde los primeros Warped Tours que hicimos juntos. Nuestra música no se parece, nuestro público tampoco, pero funcionamos muy bien. Me gusta mucho que podamos llevar esta gira a otros lugares del mundo”. Hace unos días, Brett decía en una entrevista que creía que este nuevo disco era un hito en vuestra carrera. ¿Lo ves igual?

“Puede que sí. No estoy seguro de qué idea tiene Brett sobre lo que es un hito, pero desde luego supuso un trabajo monumental (risas). Brett empezó a componer hace un par de años, en un momento en que las frustraciones


se han ido apilando a nivel global, y en ese sentido, quizá puede que sea nuestro trabajo más importante desde The Empire Strikes First”. ¿Crees que una banda como Bad Religion vuelve a ser más necesaria que hace unos años?

“No creo que un artista deba preocuparse por si lo que hace es necesario o no. No creo que Bad Religion sea una banda política, más bien somos una banda sociopolítica. Nos fijamos más en la naturaleza humana. Por eso da igual si algo ocurre en Inglaterra, España o Alaska. Da igual dónde vivas, todos somos seres humanos y nos preocupamos por las mismas cosas. Esta banda se centra en la desesperación de la gente. Algo que hemos aprendido durante todos estos años es que la gente furiosa siempre lo es porque tiene miedo de algo”. Seguramente el miedo viene provocado por la incertidumbre que todos sentimos acerca del futuro. Lo malo es que ese miedo se traduzca en un mayor conservadurismo y en un retroceso en los derechos civiles.

“CUANDO LAS COSAS SE PONEN FEAS, ES CUANDO EMPEZAMOS A ESCRIBIR MÚSICA” JAY BENTLEY

“Estoy de acuerdo. Nadie está afrontando los problemas que tenemos a nivel global desde una visión progresista. En lugar de mirar hacia adelante, estamos mirando atrás. Parece que la solución sea acallar las voces críticas, y pensar que así las cosas serán mejores. Ese lema de ‘Make America great again’ es terrorífico, porque nunca ha habido un momento en el que hacer algo grande de nuevo haya beneficiado a la mayoría de la gente”.

“No. Donald Trump es un síntoma de algo mucho mayor que Donald Trump. Trump es un payaso. No es una persona inteligente. No es un genio diabólico que tenga un plan, no es tan listo. El problema es que sus consignas despiertan una reacción pavloviana en un grupo de gente, por eso se hizo tan popular tan rápidamente. Eso es lo que me da miedo”.

¿Dirías que Trump está en el cen-

Ahora en España tenemos un

tro de la diana en este disco?

partido de extrema derecha

que está creciendo mucho y detrás tiene el apoyo de Steve Bannon, el estratega de Trump.

“En los últimos años he visto la guerra informativa impulsada por Bannon, y aunque por desgracia no merecerían que perdiéramos el tiempo en eso, sí lo es porque es la única manera de descubrir lo que quieren. Y si te digo la verdad, no he encontrado la respuesta”. Bueno, hablemos de música. Su43


“NUNCA HE PENSADO QUE EL PUNK ROCK TUVIERA QUE SER ALGO MINORITARIO” JAY BENTLEY pongo que eres consciente que

Es lo que pasó con vuestro se-

Sanity’ tiene un rollo un poco

mucha gente piensa que todos

gundo disco Into The Unknown.

Social Distortion, más rockabilly.

vuestros discos suenan iguales,

“(Risas) Me hace gracia…”.

“Exacto, exacto. Y eso que entonces no teníamos un catálogo, sólo había un disco antes, y ya nos pasó… imagina (risas)”.

“Estoy de acuerdo contigo. Este disco es más variado y por eso me gusta tanto. Salió así y todos estamos muy contentos”.

¿Pero crees que es una opinión

De hecho, dejaste el grupo du-

Éste es el primer álbum que

justa?

rante la grabación de ese álbum.

grabáis con Mike Dimkich y Ja-

“Creo que es una opinión justa porque somos Bad Religion. Greg Graffin es nuestro cantante y las canciones las escriben Brett y él. Creo que hay muchos ejemplos de cuando hemos tomado riesgos, haciendo cosas distintas, pero en conjunto, no me lo tomo como algo despectivo cuando se dice que siempre sonamos igual porque… somos Bad Religion. No creo que pudiéramos sonar de otra manera. Y también sé que si hiciésemos un disco que sonase muy distinto, la gente se cabrearía (risas). Dirían ‘¡Esto no suena a Bad Religion!’ (Risas)”.

¿Fue por qué no te gustaba la

mie Miller. ¿Ha supuesto alguna

dirección en la que iba?

diferencia?

“Sí (risas). Bueno, no es que no me gustara la dirección. Las canciones no eran malas, pero la producción y los arreglos… No me molaban nada. Así que me fui (risas)”.

“No demasiada. Brett y Greg tienen bastante claro cómo tiene que ir todo. Jamie es un músico fantástico y lo tocó todo como tenía que ser tocado con su propia personalidad. Lo mismo puede decirse de Mike. Tiene un tono de guitarra muy reconocible. Creo que los dos aportaron su pericia musical y personalidad. Se han integrado totalmente”.

que sois algo así como los AC/DC del punk rock…

44

En cualquier caso, a mí me parece que Age Of Unreason sí ofrece algunas variaciones respecto al sonido clásico de Bad Religion. ‘Big Black Dog’ por ejemplo tiene un rollo rockero 70’s, ‘Lose

Para serte sincero, cuando Greg

Your Head’ es más pop, y ‘My

Hetson y Brooks Wackerman


dejaron el grupo pensé que la

de Brett en la banda. Es muy

banda ya no sería lo mismo…

inusual en un grupo que un

Pero luego os vi en directo y mi

miembro sólo componga y gra-

¿Cómo viviste la explosión del

opinión cambió por completo.

be, pero no salga de gira. Cuan-

punk rock en esos años?

“Buenos, los cambios simplemente vinieron. Brooks se fue para tocar con Avenged Sevenfold y sabíamos que sería un problema sustituirlo porque es un batería fenomenal. Pero Jamie fue la persona adecuada porque cuando Brooks se fue, empezamos a tocar más material antiguo, hicimos conciertos tocando los discos Suffer y No Control enteros, y eso nos hizo estudiar la manera en la que Pete (Finestone) tocaba, la manera en la que Bob (Schayer) tocaba. Y Brooks tocaba más a su manera, más compleja, en cambio Jamie vino con una mentalidad muy abierta y nos dijo que tocaría como nosotros quisiéramos. Así que empezó a tocar más al estilo de Pete y Bob y eso se nota en el escenario. Ahora tocamos las canciones antiguas de la misma manera que están en los discos. Y en cuanto a Mike, vino con mucha experiencia porque, no sé si lo sabes, pero estuvo en The Cult durante veinte años. Sentimentalmente fue difícil sustituir a Greg Hetson, pero como guitarrista Mike ha mejorado lo que ofrecíamos en directo”.

do tomó esa decisión en 1994,

“Para mí fue muy emocionante. Nunca he pensado que el punk rock tuviera que ser algo minoritario. Me gusta tocar en salas pequeñas, pero muchos grupos de punk rock tienen un gran mensaje, al menos mejor del que tenían las bandas de hair metal que sólo cantaban sobre chorradas. Para mí Nirvana fueron la primera banda en romper esa barrera entre lo alternativo, el punk rock y el mainstream. Antes de ellos, las dos bandas alternativas más grandes en América éramos Fugazi y Bad Religion, pero después todo cambió. Fue emocionante vivir ese cambio”.

¿Te importaría contar por qué Greg Hetson dejó el grupo? Nunca se explicó muy bien qué había pasado…

“Ya… Sinceramente, tendrías que preguntárselo a él. Es su historia y tiene que contarla él. Para nosotros, simplemente era una cuestión de seguir adelante. Él tiene su historia y nuestro trabajo es seguir con la de Bad Religion”. Déjame preguntarte por el papel

¿cómo te lo tomaste?

“Mira, uno de los motivos por los que lo dejó en 1994 fue porque a partir de ese momento íbamos a empezar a girar mucho más porque Greg no iba a volver a la universidad, estábamos en Atlantic Records, y todos íbamos a centrarnos exclusivamente en el grupo. Pero Brett sacó Smash de The Offspring y tenía muchísimo trabajo con Epitaph. Eso provocó muchas peleas y Brett dejó el grupo. Lo dejó. Quizá si hubiéramos sido capaces de gestionar esas emociones de una manera más madura, podríamos haberle dicho ‘no te preocupes, le diremos a Brian Baker que toque con nosotros, y tú quédate en casa y sigue escribiendo temas’. Pero nuestra actitud fue la de ‘si no estás en la banda, no estás en la banda’. Pero cuando volvimos a Epitaph en el 2000, grabamos The Process Of Belief, y Brett sí se vino de gira. Y al final del tour, nos dijo ‘Nunca más podré volver a hacer esto, no puedo dejar el sello tanto tiempo’. Y entonces, lo entendimos. Teníamos dos guitarristas, y si quería participar sólo componiendo, haciendo de productor y sacando los discos en su sello, ya era una gran contribución por su parte. Encontramos la solución. Creo que tenemos lo mejor de ambos mundos. Cuando a Brett le apetece y quiere hacer dos o tres conciertos con nosotros, es genial tenerlo en el escenario, y cuando no, nosotros nos las apañamos muy bien sin él. Nos pasamos muchos años peleados, pero ahora es genial y disfrutamos mucho de nuestra compañía. Tomamos café

y hablamos de los viejos tiempos”.

Es muy curioso, porque cuando sacasteis Stranger Than Fiction en 1994, comparados con The Offspring, ya parecíais una banda, digamos, vieja. Pero la realidad es que apenas teníais 30 años y ya se os veía como una institución.

“(Risas) Sí, en 1994 yo tenía 30 años, pero eso es lo que pasa cuando empiezas un grupo a los 15”. En cierto modo, sois para el punk rock lo que The Rolling Stones son al rock’n’roll. Habéis ido rompiendo el mito de que llega una edad en la que eres demasiado viejo para tocar.

“(Risas) Para mí es un shock tener 54 años y seguir en Bad Religion. Te lo juro, es un shock”.

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DISCO DEL MES

S Pure (TEMPLE OF TORTUROUS) POST METAL, SLUDGE

9

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iete años. Siete largos años. Siete putos años. Ése el tiempo que hemos tenido que esperar para que Adrift publicaran la continuación de aquel Black Heart Bleeds Black que coronamos en el nº1 de la lista de discos nacionales en 2012. De acuerdo que por en medio hemos tenido trabajos de Toundra y de El Páramo, pero eso no se hace. Se les perdona porque quiero pensar que esta larga espera no tenía por objeto torturar a sus seguidores, sino más bien encontrar el momento y las condiciones adecuadas para que Jorge, Macón, Dani y Jaime pudieran crear, grabar y publicar su tercer álbum como querían. Y les habrá costado, pero escuchando Pure no hay duda de que lo

ADRIFT

han conseguido. A lo largo de seis temas, Adrift ofrecen una insultante exhibición de ideas unida a una fuerza primaria de lo más rotunda. El ritmo de batería y las notas descendentes que dan inicio a ‘Pure’ captan tu atención de inmediato y piensas ‘esto suena de la hostia’. Luego llega un riff brutal y la voz blackie de Jorge que les da un toque más hiriente. A mitad del tema aparece un oasis de paz que es abrasado posteriormente por la contundencia del bajo antes de que nos rematen en los tres minutos finales sin dejar prisioneros. ¡Y eso es sólo el primer tema! ‘Mist’ ataca directamente con un riff afín a los Mastodon más brutos y se va enroscando y enroscando hasta quitarte la respiración. ‘Confluence Of Fire’ tira por el lado

más post, sumergiéndonos en un pozo angustioso a lo Neurosis en unos 11 minutos espectaculares. ‘Embers’ no se queda atrás en cuanto a oscuridad, con Jorge desgañitándose angustiosamente y un desarrollo que va sosteniendo la velocidad pero crece en cada vuelta. En ‘The Call’ tensan el alambre poco a poco antes de endosártelo por el tímpano y desembocar en un final de lo más épico y maléfico. Acojona pensar cómo va a sonar esto en directo. El disco lo cierra ‘The Walk Of Tired Death’, nueve minutos en los que edifican una catedral sonora para luego derribarla piedra a piedra y dejarte el feedback como recuerdo. Puro Adrift. Puro placer. JORDI MEYA


NEW YEARS DAY

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Ash

Costello (voz), Nikki Misery (guitarra), Frankie Sil (bajo), Austin Ingerman (guitarra) PRODUCIDO POR: Mitch Marlow, Scott Stevens AFINES A: In This Moment, Halestorm, Evanescence PÁGINA WEB: www.nydrock.com


E Unbreakable (CENTURY MEDIA) METAL ALTERNATIVO

6

l mismo proceso mental que lleva a Ash Costello a lucir la mitad de su pelo teñido de negro y la otra de rojo, es probablemente el que provoca que la música de la banda, que lleva liderando desde 2005, también ofrezca un llamativo contraste. Éste se hace mas evidente que nunca en su cuarto álbum en el que las melodías poperas han ganado muchísimo peso. No es que antes nadie tampoco fuera a confundir a New Years Days por una banda de grindcore, pero tenían un punto de agresividad bastante más acentuado. En Unbreakable, ésta se mantiene a través de un riffs que siguen bebiendo del metal industrial en ‘Done With You’ o el nu metal en

‘Break My Body’ o ‘Sorry Not Sorry’, pero, prácticamente siempre, la voz va por otros derroteros. Puede sonar exagerado, pero cualquiera de los estribillos del álbum podrían meterse en un disco de Katy Perry, Lady Gaga, P!nk o Myley Cyrus y no desentonarían. También en algunas estrofas, las inflexiones adoptadas por Costello se acercan más al R&B que al rock como en ‘Shut Up’ o ‘Poltergeist’. Esta dualidad parece responder a una estrategia bien estudiada al haber escogido a dos productores con sensibilidades distintas. Por un lado Mitch Marlow (All That Remains, In This Moment) y por otro Scott Stevens (Shinedown, Halestorm) quienes han compuesto la mayoría de can-

ciones con la vocalista y han conseguido ese acabado hiperpulido con el que intentar llegar a un público mayoritario. Y no me soprendería que lo consiguieran porque desde luego cuando suenan temas como ‘Unbreakable’, ‘My Monsters’, ‘MissUnderstood’ o ‘Nocturnal’, ideal para que la gente baile en tu próxima fiesta Halloween, cualquiera puede llegar a pensar que New Years Day podrían llegar a convertirse en un fenómeno como el que protagonizaron Evanescence en su momento. Así que si te gusta el metal en su vertiente más comercial seguramente un disco como éste te vuelva loco. Pero si eres más de la escuela Pau Navarra, no te acerques ni en pintura. DAVID GARCELL

BONUS TRACK CON... ASH COSTELLO Unbreakable podría interpretarse como que te sientes invencible, pero al mismo tiempo en el disco te expones más que nunca. ¿Hay una relación entre una cosa y la otra?

“Sin duda. Mostrarse vulnerable hacia ti misma y los demás es el primer paso para empoderarse. Una vez eres consciente de las cosas que te duelen y logras darle la vuelta, ya nada puede contigo. En este disco he querido mostrar lo que pienso y lo que siento... lo que soy. He dejado de un lado las metáforas y he contado las cosas tal como son. Y si no te gusta, pues es tu problema”. Esa actitud se ha trasladado también en lo musical. No

habéis tenido miedo de incorporar más melodías pop.

“Mis gustos siempre han sido muy variados y quizá hasta ahora no había tenido el conocimiento o el atrevimiento de meter todo eso en la música de New Years Day. A veces veo nuestra música como una especie de monstruo de Frankenstein. Hay muchos elementos distintos, incluso opuestos. En este disco hay riffs realmente heavies y, como decías, también más melodías pop como en ‘Shut Up’ o ‘Skeletons’. Pero no creas que me resultó fácil. Estaba acostumbrada a cantar más agresivamente”. A lo largo de los años han pasado mucho músicos por tu lado. ¿Te gustaría encontrar por fin cierta estabilidad?

“Ahora mismo estoy encantada con mis

compañeros. Me ha costado, pero por fin creo que he encontrado a unos chicos que creen en la banda igual que yo y que confían en mi visión plenamente. Y son músicos excelentes”. La estética juega un papel muy importante en el grupo. Casi parecéis salidos de una película de superhéroes.

“¡Oh, gracias! Siempre me han gustado mucho los superhéroes, o más bien los supervillanos. Siempre me han atraído los personajes oscuros porque son mucho más interesantes”. ¿Tienes algún preferido?

“Me encanta Harley Quinn. Mi estética se basa un poco en ella. Me parece mucho más atractiva que cualquier princesa de Disney (risas)”. (JORDI MEYA)

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COKIE THE CLOWN

You’re Welcome (FAT WRECK) ROCK

8

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o es que tampoco se haya escondido de ello, pero detrás de esa comportamiento de importarle todo un mierda, en Fat Mike tenemos una figura atormentada. Probablemente esa actitud extremadamente hedonista, sólo hace que esconder los problemas y miserias que esconde su corazón. Digamos que las dos caras de la moneda serían, una, la de ese loco drogado hasta las trancas que nos dio una entrevista histórica para RockZone hace unos meses, y, otra, la de Cokie The Clown, ese alter ego que se ha creado para exponer la parte sórdida de su vida. Después de

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tener el personaje en la recamara durante una década, con la edición de un siete pulgadas y contadas apariciones, Michael Burkett ha decidido dejar de lado a Fat Mike un ratito y en su lugar entregar You’ re Welcome, un álbum brutalmente honesto en el que pone al descubierto el lado oscuro de ese mundo de fiestas y descontrol, que tanto le gusta predicar y practicar. El gran mérito de You’re Welcome es que te lo crees. Burkett suena sincero en cada una de sus palabras y el hecho de no ser un vocalista de primera juega a su favor, a la hora de cantar –o más bien recitar- unos textos que hablan de depresión, suicidio, sobredosis… Éste podría ser un álbum más de cliché de un artista de punk rock haciendo un álbum introspectivo, pero Mike ha sabido huir de esos estereotipos gracias a unas canciones minimales, sobrias y elegantes en las que más que demostrar que es un músico de punk rock capaz de tener otros registros, lo que ha querido demostrarse es que podía desnudar su alma de esta manera. Sorprendente. RICHARD ROYUELA

THE DAMNED THINGS High Crimes (NUCLEAR BLAST) HARD ROCK

7

C

on un silencio de nueve años desde la publicación de su debut Ironiclast, a nadie podría culparse de haber borrado a The Damned Things de su cerebro. Más teniendo en cuenta que las trayectorias de la mayoría de este tipo de supergrupos suele reducirse a una aventura puntual. Pero mira por donde a Keith Buckley (voz), Scott Ian (guitarra), Andy Hurley (batería) y Joe Trohman (guitarra) todavía les quedaba una bala en la recámara. Y para dispararla han reclutado a Dan Andriano de Alkaline Trio para ocuparse del bajo y

grabar un segundo disco que, como mínimo, está a la altura del primero. El concepto viene a ser el mismo, divertirse sacando a relucir una cara que difícilmente podrían mostrar en Anthrax, Fall Out Boy o Every Time Die. Los mayores beneficiados son Ian y Trohman quienes pueden rienda suelta al sueño húmedo de cualquier guitarrista combinando riffs gigantescos, solos electrizantes y melodías dobladas al más puro estilo Thin Lizzy. Pero si algo no quieren The Damned Things es sonar retro, sino que más bien quieren coger sus influencias y traerlas al presente. En eso contribuye en gran parte Hurley aporreando la batería con un estilo muy distinto al que harían los clásicos e introduciendo algunos compases más caóticos cercandos al hardcore como en ‘Cells’ o ‘The Fire Is Cold’, la pieza más dura del conjunto. También los registros que usa Buckley en temas más accesibles como ‘Something Good’ o ‘Invincible’ ayudan a que lejos de sonar como una reunión de viejas glorias, The Damned Things desprendan frescura. DAVID GARCELL


CAROLINA DURANTE

Carolina Durante (SONIDO MUCHACHO/ UNIVERSAL) POP PUNK, POST PUNK

7

A

Carolina Durante los descubrí hace unos meses por culpa de esa estudiada casualidad en la que en YouTube te aparece un vídeo cuando acabas de ver el de otro artista. Como siempre, decidí saltármelo. Unos días después volvió a ocurrir lo mismo, lo que me hizo sospechar que ahí detrás había alguien que estaba poniendo bastante pasta y que Carolina Durante serían el típico grupo indie ‘miscafeinado’ con una multi detrás. De nuevo, me lo salté. Pero ya a la tercera, decidí ver el vídeo de marras para ‘Perdona (Ahora Sí Que Sí)’ y ¡me gustó! Así que me puse

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a ver otros vídeos suyos, y aunque ningún tema me voló la cabeza, me alegró ver que todavía quedara un grupo que creyera que con guitarras y una actitud gamberra se puede llegar lejos. Y vaya si lo han hecho. La expectación hacia su álbum de debut ha sido máxima y a su favor hay que decir que en lugar de haber tirado por el camino fácil de recopilar los singles lanzados hasta ahora, han optado por currarse diez temas totalmente nuevos. Los madrileños tampoco han caído en la tentación de reescribir sendas variaciones de su hit ‘Cayetano’, sino que en su primer disco siguen basculando entre el pop punk pegadizo, pero agrio, (‘Cementerio (El Último Parque)’, ‘KLK’) y el post punk oscurillo (‘Falta Sentimiento’, ‘El Perro De Tu Señorío’). Sé que no soy nada original al citar a Los Nikis, Parálisis Permamente o The Jesus And Mary Chain (‘Joder, No Sé’ parece un claro homenaje), pero creo que para ellos son más importantes las buenas canciones que la originalidad. Una refrescante alternativa a ese star system de estética poligonera con el que nos están machacando. JORDI MEYA

FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES End Of Suffering

(INTERNATIONAL DEATH CULT) ROCK

6

S

i eres de los que únicamente disfruta de la parte más salvaje de Frank Carter, puedes dejar de leer justo aquí. Desde que iniciase su carrera en solitario junto a The Rattlesnakes, el ex-Gallows ha intentado alejarse de la imagen de hooligan cubierto de tatuajes. Y aunque en sus conciertos ha conservado toda esa energía, en el estudio ha ido tomando otro camino de manera gradual hasta llegar a End Of Suffering. Marcado por sus recientes problemas personales (divorcio, depresión...), en su tercer largo de estudio Carter nos enseña su cara

más vulnerable. No hace faltar rebuscar entre las líneas de cortes como ‘Anxiety’ y ‘Angel Wings’ para comprender todo lo que ha pasado en estos últimos años. Y lo hace de una manera limpia y clara, sin necesidad de esconderse tras un muro de distorsión para expulsar sus demonios. Esa apertura de sonido que ya se apuntaba en Modern Ruin hace que en ciertos pasajes pueda acercarse a los Queens Of The Stone Age más recientes (‘Love Games’, ‘Latex Dreams’) o que vaya en busca de otras texturas. El riff contenido de ‘Why A Butterfly Can’t Love A Spider’ apenas llega a explotar y el puente de ‘Heartbreaker’ da prueba de lo mucho que ha experimentado en el estudio. Por supuesto, algo queda de su mala leche innata, pero cuando pasa al ataque en ‘Crowbar’, ‘Kitty Sucker’ o esa ‘Tyrant Lizard King’ en la que Tom Morello pone su guitarra a disposición, siempre lo hace con una marcha de menos. Porque a pesar de que End Of Suffering contenga varios momentos interesantes, no puedo evitar echar en falta un poco más de sangre. GONZALO PUEBLA


PUP

Morbid Stuff (LITTLE DIPPER/RISE) PUNK POP, INDIE ROCK

8

U

na de mis frases favoritas es que el secreto de la felicidad no radica en hacer lo que quieres, sino en querer lo que haces. Por eso no me sorprende que Stefan Babcock, cantante y guitarrista de PUP, haya optado por entregarse en cuerpo y alma a su banda para superar sus problemas de depresión. Está claro que recorrer en furgoneta miles de kilómetros y tocando en garitos no es la vida más saludable que uno pueda llevar, pero escuchando el tercer álbum parece evidente que a él le funciona. Si bien sus letras siguen pintando una visión cáustica y sarcástica de la condición

humana (la portada ya da una pista), la música que las acompañan es jovial y alegremente ruidosa. Sirva como ejemplo ‘See You At Your Funeral’ donde canta “Espero de alguna manera no verte nunca más, y si lo hago que sea en tu funeral o mejor aún, espero que el mundo explote, espero que todo el mundo muera” sobre una melodía brillante. Con una producción algo más nítida que en los dos anteriores trabajos, los canadienses siguen moviéndose entre los límites del punk pop y el indie rock, casando gang vocals con guitarras saltarinas, con mejores resultados que nunca. El arranque con ‘Morbid Stuff’, ‘Kids’ (con una línea de guitarra en el estribillo a lo Vampire Weekend’), ‘Free At Last’ y ‘See You At Your Funeral’ es simplemente irresistible. Además, el grupo también se ha abierto un poco y encontramos alguna influencia country en ‘Scorpion Hill’, un remalazo metalero en ‘Full Blown Meltdown’ e incluso una incursión en la introspección en ‘City’ con un clímax que recuerda a Modest Mouse. Ahora mismo, de las bandas más en forma de su escena. JORDI MEYA

AMON AMARTH Berserker

(COLUMBIA/SONY MUSIC) MELODIC DEATH METAL

6

H

a sido con Berserker que he empezado a entender la desesperación que embarga a muchos fans de Amon Amarth desde hace unos años. Hasta el día de hoy, sabiendo perfectamente que sus mejores tiempos quedan lejos, me he ido entreteniendo con sus últimas obras, pero puede que con este nuevo trabajo el hastío haya empezado a hacer mella en mí también. ¿Si su decimoprimer álbum aguanta el tipo? Sí, a estas alturas los suecos son todo unos especialistas en lo suyo. ¿Si hay algún temazo en Berserker, alguna canción que a partir de

ahora les exigiremos en sus conciertos? Ni de coña. Y de verdad que aprecio su esfuerzo por introducir ligeras novedades a su explotadísima fórmula, pero siguen siendo retoques, detalles insuficientes. El recitado en ‘Fafner’s Gold’, el piano final en la por otro lado ramplona ‘Valkyria’, la sinfonía de ‘Into The Dark’, la melodía tabernera y guerrera con la que Johan Hegg nos sorprende en ‘Ironside’… Ésta y ‘Wings Of Eagles’ son quizás las únicas que nos recuerdan de lo que Amon Amarth eran capaces hace una década, pero tampoco destacarían en cualquiera de sus discos clásicos. ‘Raven’s Flight’ y su mezcla de contundencia y heavy metal también merece cierta consideración, el tono oscuro de ‘The Berserker At Stamford Bridge’ (¿¡Una canción sobre Iniesta!?) está chulo, el estribillo de ‘When Once Again We Can Set Our Sails’ está bastante conseguido… Pero en definitiva, tras terminar el álbum, uno no puede evitar pensar que son demasiados minutos para tan poquito. Al menos, siempre nos quedará su directo. PAU NAVARRA


N SIMPLE CREATURES

Strange Love (BMG) POP ALTERNATIVO

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ormalmente me da bastante rabia esa tendencia de muchos grupos procedentes de la escena punk pop de tirarse hacia lo que se cuece en el mainstream más comercial con el fin de llegar a un público más joven; como si no se hubiera demostrado que ese estilo es capaz de llegar a las masas sin necesidad de bajarse los pantalones hasta los tobillos. En el fondo parece que baste con bajar la velocidad, sustituir a tu batería por unas bases programadas, quitarle volumen a las guitarras, darle más protagonismo al bajo y los sintetizadores, meter unos cuantos efectos de producción y, voilà, de golpe ya vayas a sonar en la radio. Ah, y nunca está de más invitar a algún amigo rapero, si lo tienes. El nuevo proyecto de Mark Hoppus (Blink-182) y Alex Gaskarth (All Time Low) bajo el

S THE WILDHEARTS Reinassance Men (GRAPHITE) PUNK ROCK, POWER POP

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i hay una banda actualmente cuyo periplo da para un libro, o incluso un culebrón, esa sería The Wildhearts, pero tenemos poco tiempo -y espacio- y aquí hemos venido para hablar de su último trabajo Renaissance Men, que bien pudiera llamarse Surviving Men, tras broncas, intentos de suicidio, amputaciones de piernas, problemas mentales graves y un sinfín de incidentes. Y es un motivo de alegría, y un milagro añadiría, que estos cuatro forajidos, en su formación más ‘clásica’, hayan sido capaces de encerrarse en un estudio para sacar su noveno álbum después de

nombre Simple Creatures tenía toda la pinta de ir en esa dirección y después de escuchar su EP de debut es evidente que se han guiado por ese guión - menos en lo del rapero-, pero también resulta claro que el dúo se entiende a la perfección y se han divertido creando seis canciones de lo más resultonas. En ellas incorporan influencias de los 80 como New Order o Gary Numan a su indudable talento para crear estribillos de lo más pegadizos.

En temas como ‘Drugs’, ‘Adrenaline’ o ‘Lucy’ echan toda la artilleria, mientras que en ‘Ether’ o ‘How To Live’ optan por un pefil más comedido, pero más personal. Otra cosa es que nos lo intenten vender como algo innovador o subversivo al autodefinirse como ‘trash pop’ o que creamos que estamos ante una obra experimental. Pero, al final, resulta que Strange Love te deja con ganas de que esto no quede simplemente aquí.

10 años de idas y venidas, contando únicamente un buen puñado de conciertos espectaculares en UK y Japón. Por supuesto la espera ha merecido la pena. El resultado es mejor de lo esperado con 10 temas 100% The Wildhearts. A día de hoy, amigos, es otro jodido milagro. Hablamos de un disco menos complejo que su álbum blanco, pero directo, crudo y lleno de fuerza, repleto de riffs poderosos, himnos como ‘Emergency (Fentanyl Babylon)’ y ‘Let ‘Em Go’, que por cierto cuenta con la colaboración de Frank Turner, true fan declarado. Siguen siendo infalibles esas maravillosas melodías

que nos ofrecen Ginger y CJ, esta vez con Danny McCormack rematando la jugada, patentes en’ ‘Fine Art Of Deception’, y por supuesto, sigue presente su lado más pop como en ‘Little Flower’ y ‘Pilo Erection’. Tal vez para aquellos que busquen un nuevo Earth Vs o P.H.U.Q. no será del todo satisfactorio, pero Renaissance Men se trata de un cóctel de 40 minutos intenso, potente, y con mucha sustancia, sin mucho aderezo que podremos disfrutar en noviembre en Madrid, acompañados de cerveza, sudor y buenos amigos. Tan sólo queda decir: Long live the new (now old) flesh!

MARC LÓPEZ

TOI BROWNSTONE


GRAND MAGUS Wolf God

(NUCLEAR BLAST) HEAVY METAL

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ada dura para siempre. Eso es algo que vas comprendiendo con los años, pero que igualmente no te previene ante discos que, no por esperados, dejan de resultar tostones. Se ve que no sólo exportamos jamón, pues la siesta ha llegado con fuerza a Suecia… Más concretamente, ha llamado con insistencia a la puerta de Grand Magus. La banda quería una buena intro propia para iniciar sus directos y en eso se convertirá ‘Gold And Glory’. Justo después llega ‘Wolf God’, que ya cuando fue lanzada como single no

me enamoró. Realmente, lo único que destaco sobremanera en este álbum es el portentoso trabajo realizado junto al productor Staffan Karlsson, quien les ha sacado un sonidazo tan nítido como poderoso, y la voz del también guitarrista Janne ‘JB’ Christoffersson, quien sigue brillando con luz propia. ‘A Hall Clad In Gold’ lo intenta pero no remata, demasiado manida, y cuando empiezas a cabecear, el de siempre, JB, te despierta con esa garganta privilegiada en ‘Brother Of The Storm’, la que a la postre se convertirá en la mejor canción del álbum. Para cuando el doble bombo de ‘Spear Thrower’ aprieta, esto ya no hay quien lo salve. Te has puesto el pijama, el de Pluto, además, que tanto abriga, y te la sudan leves intentonas como esa ‘Glory To The Brave’ que nada tiene que ver con HammerFall. ¿Esto es heavy metal o un viaje del Imserso a una fábrica de zapatos en Arnedo? Parece que dure dos horas y son sólo 38 minutos. A Wolf God le falta toda la chispa que sí tenía el techo de Notre Dame. PAU NAVARRA

POWER BURKAS Mai Nego L’Oci (BCORE/FAMÈLIC) ROCK

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A

unque tengas empollados sus dos primeros EPs y su fabuloso largo debut, Llarga Vida Al Tarannà, los catalanes Power Burkas te dejarán del revés una vez más con los 14 nuevos anti-himnos reunidos en el presente Mai Nego L’Oci. Nunca sabes por dónde te saldrán estos cuatro gamberros de Vic. Lo mismo se marcan unos coros celestiales que te pasan por encima con un riff a piñón. Su segundo elepé podría pasar por otro meritorio ejercicio de eclecticismo con raíz punk y garaje, pues siguen vomitando con

mucha gracia numerosas influencias: de Fugazi a Pavement pasando por Black Flag y The Beatles. En realidad, este nuevo trabajo, grabado en casa del batería y con Joan Peirón de FP intentando poner un poco de orden, es más bien una nueva vuelta de tuerca, con el ingenio habitual pero con mucha más confianza. Pienso en ‘Decència Laboral’, una crítica al modelo capitalista actual en forma de ópera rock, y ‘Flipant Estímulo Virtual’, un retrato mordaz de la era internet con unos divertidos maullidos que recuerdan al ‘Kitty’ de los Presidents Of The USA. Los burlones Power Burkas siguen haciendo puntos para ser considerados los dignos herederos de Surfing Sirles, sobre todo cuando suenan deliciosamente descacharrados, como en ‘Retina Vigatana’ y la enfermiza ‘Moribunda Au Terrestre’ -una pieza inspirada en su fobia por las llamadas ratas del aire- y sus letras costumbristas tienen algo de la filosofía pop de Joan Colomo, posiblemente con un toque más cafre. Bendita chifladura. LUIS BENAVIDES


DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT Mardom

(WAR ANTHEM) BLACK METAL

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ucho han cambiado las cosas para Darkened Nocturn Slaughtercult durante los seis años transcurridos entre Necrovision y su esperado nuevo álbum. No en lo musical, por supuesto, pero sí en lo que a exposición se refiere. Pocos aficionados a las artes negras les desconocen ya, y es que la imponente presencia escénica de los germanos se antoja irresistible para cualquier mortal que viva en plena era de las instantáneas vía móvil. Si Onielar, la dama espectral de blanco, es el principal foco de atención en sus directos, también lo será desde que se arranca con esa carcajada

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malévola en ‘Mardom Echo Zmory’. La lealtad del combo hacia la forma más pura de black metal que pueda lograrse también es la gran protagonista, desde luego, pero entre toda esa lacerante frialdad y pérfida velocidad podemos encontrar ‘T.O.W.D.A.T.H.A.B.T.E.’, una virguería que presenta todas sus vertientes dentro del género maldito. En realidad, a lo largo de su sexto trabajo Onielar deja mucho espacio a la instrumentación y las guitarras, como en ‘A Beseechment Twofold’, pero cuando toca salirse con toda la nigromancia y virulencia de sus cuerdas vocales, prepárate, porque como en ‘Exaudi Domine’, esta bruja no muestra piedad. No tiene rival, tampoco la banda en su conjunto cuando te humilla con ‘The Boundless Beast’. Y es que es curioso, pero incluso con un corte instrumental como ‘Widma’ de por medio, Mardom deja con la sensación de que su agresividad ha ido in crescendo, siendo culminado con una ‘Imperishable Soulless Gown’ y la buenísima ‘The Sphere’. Lo más true del año. PAU NAVARRA

ELI “PAPERBOY” REED 99 Cent Dreams (YEP ROC) SOUL

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ubo un tiempo en el que pensé que habíamos perdido a Eli “Paperboy” Reed para la causa. Su irrupción con una obra tan brillante como Roll With You en plena fiebre del revival soul hace ya más de una década dio paso a una serie de desesperados intentos por alcanzar el mainstream por la vía rápida. Tras el ridículo y sobreproducidísimo Nights Like This, el de Boston tocó fondo. Para su suerte (y la de su público) fue capaz de darse cuenta de ello, asumió que su sitio no era ser el siguiente Bruno Mars de turno, se rehízo y volvió

al redil con My Way Home. Asentado ya como uno de los grandes nombres del circuito soul, el chico de los periódicos es plenamente consciente de lo que se exige de él. Y lo mejor de todo es que es capaz de darlo en álbumes como 99 Cent Dreams. Atrás quedaron los experimentos con el pop comercial. Ahora Eli es capaz de facturar con sencillez canciones que contienen esa extraña capacidad de alegrarte hasta el día más gris en cosa de tres minutos. Y de esas hay unas cuantas por aquí. ‘News You Can Use’ te agarra de la mano con su ritmo elegante pero vacilón y ya no te suelta. Los coros en ‘Said She Would’ y ‘99 Cent Dreams’ están cuidados con mimo. Y el toquecillo a rock and roll 50’s en ‘A New Song’ es un puntazo. Pero cuando la sección de vientos se pone a funcionar la cosa sube de nivel. El medio tiempo irresistible ‘Burn Me Up’, el toque funky de ‘Tryin’ y ‘Lover’s Compensation’, y en especial el cambio de ritmo que mete en el estribillo de ‘Holiday’, acaban por confirmar que estamos ante uno de esos discos que entran a la primera. El mejor de “Paperboy” en años. GONZALO PUEBLA


SUNN O))) Life Metal

(SOUTHERN LORD) DRONE

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i una vez terminado un álbum de Sunn O))) sueltas en voz alta un ‘ joder, qué bestias’ de forma espontánea, es que Stephen O’Malley y Greg Anderson han hecho bien su trabajo. Más de dos décadas ya explorando los límites de la física del sonido, también de nuestro aguante, y la de jefadas que les quedan aún por perpetrar a estos dos… La primera, el copia y pega con toda la jeta del mítico caballo de ‘Odens Ride Over Nordland’ y ‘A Fine Day To Die’ de Bathory en la inicial ‘Between Sleipnir’s Breaths’. Homenaje, imagino… Otra, por ejemplo, haber grabado su nuevo disco

con Steve Albini. “Esto va a ser divertido, no tengo ni idea de lo que va a pasar”, comentó el productor ante esta aventura, y vaya si lo ha sido… totalmente a nuestra costa, claro. Cuatro años después de su última obra de estudio, las ‘estrellas’ del drone siguen poniendo a prueba nuestros nervios con cuatro composiciones que se alargan hasta los 68 minutos. Cuando llegues a los más de 25 de ‘Novæ’, la palabra ‘suplicio’ será la que más insistentemente repiquetee en tu cabeza, y eso que, en algún momento de estupidez supina, habías pensado que a este álbum no le hacían falta las voces del tema de apertura… Ay, Hildur Guðnadóttir, cómo te echaremos en falta luego… Minimalismo pantagruélico, mística exasperante, trance, aborrecimiento absoluto, odio profundo, amor irrompible. Sentimientos encontrados, puro antagonismo ante los experimentos del dúo alquímico y sus colaboradores. No dejes que ganen, aguanta hasta el final. Porque a pesar de esas nubes de colores de su portada, densos lo siguen siendo un rato. PAU NAVARRA

F/E/A

Vèrtebra (EL SEGELL DEL PRIMAVERA) POST ROCK

8

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/E/A es el acrónimo de Forces Elèctriques d’Andorra, un combo que cumple con dos tercios de su promesa nominal: su música desprende fuerza, es eminentemente eléctrica pero no, no son de Andorra. Este quinteto procede de Mallorca y Vèrtebra es su cuarto trabajo tras un debut homónimo y los discos Pastor y Congo. Ahora con el apoyo del Segell del Primavera, este LP mezclado y masterizado en Michigan arranca con ‘Aubats’, un tema donde destacan los ritmos rompedores de la percusión en una montaña rusa de mil direcciones diferentes y con notas de chelo incluidas. A

continuación ‘Gin Wldr’ mola desde los hipnóticos compases del inicio; poco después, F/E/A desarrolla varios crescendos de manual en ‘Corvet’. ‘PL5’, a pesar de ser la que empieza más cañera, es la que considero menos inspirada: la trompeta desquiciada y las movidas electrónicas pasadas de rosca no ayudan a conseguir un resultado satisfactorio. La quinta composición del álbum es la que da título al mismo, donde el peso inicial de su desarrollo lo asume la sección rítmica antes de producirse un arranque post metal bastante poderoso. Para acabar, en ‘Sira’ los mallorquines crean la atmósfera más expansiva y melancólica de todo el disco; sin duda, sorprende la conversación que mantiene la trompeta de Mark Cunningham con una de las guitarras durante varios minutos. Vèrtebra es una de esas obras que requiere de una experiencia sónica inmersiva: recomiendo su audición con cascos y ojos cerrados o, en su defecto, con un buen sistema de sonido envolvente en casa y a oscuras. JORDIAN FO


ENFORCER Zenith

(NUCLEAR BLAST) HEAVY METAL

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ay que ver qué complicado me lo han puesto Enforcer esta vez. En su quinto álbum cada tema es distinto, pero mucho, y si encima éste empieza con ‘Die For The Devil’, donde rememoran las antiguas noches de gloria de Scorpions o Europe, la cosa se pone aún más difícil. A base de muchas escuchas mi mueca de desagrado inicial se ha ido relajando, y al final, como no podía ser de otra forma, me he acabado rindiendo ante la que todavía es la mejor banda de heavy metal dentro del revival actual. El trote a medio tiempo de ‘Zenith Of The Black Sun’ es un momentazo del disco y donde ya realmente te das

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cuenta del gran trabajo que han vuelto a realizar en términos de grabación y producción. ¡Bajistas del mundo, aprovechad para gozar a tope de este sonido! Su placentera salida a lo Maiden nos lleva a ‘Searching For You’, el primer pepinazo speed metal del plástico. En esta obra hay menos cortes de este rollo, el speed que tanto les disfrutamos sólo vuelve a aparecer en la trepidante ‘Thunder And Hell’, así que no lo desaprovechéis. ‘Regrets’ es una power ballad a piano que te acaba flipando mogollón, y cuidado con ‘The End Of A Universe’, pues Olof Wikstrand fuerza su agudo hasta el límite. ‘Sail On’, entre el rock progresivo y Deep Purple, es de lo más marciano que les hemos oído, pero madre mía qué maestría demuestran los suecos en ‘One Thousand Years Of Darkness’, un paseo como ‘Forever We Worship The Dark’ o el majestuoso cierre ‘Ode To Death’. Únicamente lamento es que su edición especial con el disco cantado en castellano sólo se distribuya en Sudamérica. Lo hemos catado y engancha. PAU NAVARRA

ANGEL DU$T Pretty Buff (ROADRUNNER) POP ROCK

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e la unión de miembros de dos bandas de hardcore para un proyecto paralelo, uno podría esperar una colección de canciones furiosas y con poderío. Pero claro, si tres de los músicos en cuestión vienen de Turnstile y los otros dos de Trapped Under Ice, la cosa cambia. De hecho, Brendan Yates, cantante de los primeros, había militado anteriormente en los segundos, por lo que la comunión entre ellos es total. Si en el debut de Angel Du$t, la cosa iba más o menos por donde cabía esperar, en el siguiente ya empezaron a evolucionar, y

en este tercero, con el que debutan en Roadrunner (supongo que iba en el pack del fichaje de Turnstile por el sello) nadie acertaría su background en un test a ciegas. Pretty Buff contiene de todo menos hardcore, lo cual, lejos de ser un problema, se convierte en su mayor atractivo. Para empezar, la mayoría de las guitarras que suenan o bien son acústicas o no tienen distorsión. Tampoco encontrarás ni una sola voz gritada o rota. Y mucho menos un breakdown. Pero eso no significa para nada que las canciones carezcan de energía, sino que la canalizan de una manera distinta. Por ejemplo, ‘On My Way’, ‘Push’ o ‘Biggest Girl’ podrían pasar por canciones punk rockeras, con otro tratamiento. Pero con un enfoque parecido al del último álbum de Culture Abuse, Pretty Buff tiende hacia el power pop o el indie noventero con mucha melodía, buen rollismo e influencias de The Lemonheads, Oasis o Violent Femmes. ¡En ‘Bang My Drum’ hasta suena un solo de saxo al final! Una sorpresa inesperada, pero muy bienvenida. JORDI MEYA


DIRECT HIT

Crown Of Nothing (FAT WRECK) PUNK ROCK

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irect Hit lo intentan, tratan de sonar diferentes y de aportar algo distinto a la sobreexplotada escena del punk melódico, pero el resultado global de Crown Of Nothing no acaba de cuadrarles del todo. Es una pena, porque en el cuarto LP de esta banda de Milwaukee hay buenas canciones con ritmos pegadizos y estribillos que funcionan bien como ‘Altered States’, ‘You & I (Are Nothing But Lies)’, ‘Losing Faith’ o la final ‘Heaven’s End’; también agradan cuando ejercen una fuerza punk próxima a la de sus compañeros de sello Pears (‘Perfect Black’, ‘Bliss Addiction’) e

incluso cuando la potencia hardcore desplegada alcanza cotas máximas y recuerdan a los cafres de F-Minus (‘Pain/Boredom’ es un misil que tarda menos de un minuto en explotar). El problema está en composiciones como ‘Bad Answer’, ‘Welcome To Heaven’, ‘Something We Won’t Talk About’ y ‘Disassemble’ porque son las típicas canciones punk poperas de factura 100% USA donde Direct Hit muestran muy poca personalidad. De hecho, de los 14 cortes que contiene este disco me sobran tres o cuatro: la inicial ‘Different Universe’, que es indie pop electrónico que te descoloca desde el principio, ‘The Problem’ parece una broma de mal gusto, ‘Life In Hell’… A favor de la banda he de decir que las letras están más trabajadas de lo que es habitual en esta escena y que el álbum gira en torno a conceptos antagónicos de ángeles/demonios, cielo/infierno. Sin duda la religión, o el sentimiento contrario a ella, está muy presente en Crown Of Nothing desde la misma portada. A ver si les llega la inspiración divina. JORDIAN FO

ENTHRONED

Cold Black Suns (SEASON OF MIST) BLACK METAL

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ay bandas, logos, legados, que deberían protegerse por la vía legal. No es que me gusten demasiado las togas, pero al menos impediríamos que personajes como Nornagest nos avergonzaran al secuestrar la sagrada bandera de Enthroned. Si admirabas la dañina crudeza de los belgas, esa abrasiva estridencia, ese histerismo sin mesura, hiciste bien en quedarte en XES Haereticum. Ya sin miembros fundadores, han ido entregando obras con más o menos acierto, pero desde luego, con ello has evitado llegar a Cold Black Suns. Con un line-up

ampliamente renovado de nuevo, el líder se apunta a la moda occult y se atreve, por ejemplo, con ‘Vapula Omega’, una porquería para niñatos que remite directamente al blackened death de Behemoth, e incluso suelta alguna modernada del palo ‘Oneiros’ o ‘Silent Redemption’. ¿Pero estamos locos o qué? ¡Que estás publicando bajo el nombre de Enthroned, descerebrado de los cojones! En este disco sólo mola ‘Aghoria’, y la podrían haber firmado Schammasch. Ya de paso, también podrían haber contratado a alguien que no hiciera sonar la batería como una mierda. Se creen que soltándonos 7 minutos de un blast que se lo come todo en ‘Smoking Mirror’ ya nos vamos a poner a aplaudir. Nornagest, ni tienes voz, ni tienes decencia. Me hubiera encantado saber qué es lo que Cernunnos hubiera opinado de esta infamia. Si es que incluso has obligado a Lord Sabathan a volver a los escenarios para defender la honra de esta leyenda… No nos insultes más. No insultes a Enthroned. Déjalo ya. PAU NAVARRA


GAAHLS WYRD GastiR – Ghosts Invited (SEASON OF MIST) BLACK METAL

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ras el fiasco de God Seed, la patética batalla legal en Gorgoroth y su paso por Wardruna, ya nadie daba un duro por Gaahl dentro del black metal. Pero ni corto ni perezoso, en 2015 se descolgó con Gaahls WYRD, un proyecto personal que le está dando muchos réditos. Si en directo se salió, al cantante se le pedía un álbum que consiguiera lo mismo, y éste vendría a ser GastiR – Ghosts Invited. Esas declaraciones de hace siglos y su orientación sexual siempre serán objeto de burla entre los más limitaditos del corral, pero

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lo cierto es que muchos se harían un favor si prestaran más atención a lo que el noruego todavía es capaz de recrear ante el micro. Kristian Eivind Espedal nos sorprende con un limpio de lo más evocador en ‘Ghosts Invited’, se descuelga con una canción y un registro absolutamente trágicos en ‘Carving The Voices’ o se reivindica con un dueto de lo más pagano en ‘Veiztu Hve’. En términos musicales, lo que Gaahl y sus secuaces nos presentan son canciones estructuralmente simples, que muchas veces sólo cumplen un papel de meros acompañamientos ambientales y esotéricos de su voz, de reiteración casi ritual, como en ‘The Speech And The Self’, pero siempre dentro de un expresionismo black muy abierto. Al principio sorprende por lo espartano del conjunto, nada saca protagonismo a su garganta, pero con muy pocas escuchas te adentras en ese oscuro cubículo en el que este librepensador, con tratados como ‘Through And Past And Past’, demuestra que aún tiene mucho por ofrecer. PAU NAVARRA

WEAK

The Wheel (BCORE/LA ANGUSTIA DE VIVIR) HARDCORE MELÓDICO

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i una noche entrara a hurtadillas en las casas de los componentes de Weak, pondría la mano en el fuego, y creo que no me quemaría, si digo que me encontraría una amplia colección de discos de hardcore melódico de los 90. Seguro que por alguna estantería vería el Punk In Drublic de NoFx, el Leche Con Carne de No Use For A Name o el Hero Of Our Time de Satanic Surfers. Y no es que sea adivino, sino que basta pegarle una escucha a este magnífico debut para intuir la música que han mamado en

sus años mozos. Con la experiencia que da tocar en otras bandas como The Attack Of The Brain Eaters, Wild Animals o Ulises Lima, Weak se presentan como una máquina perfectamente engrasada. Siguiendo a rajatabla los cánones del género, con la velocidad y la melodía por bandera, las canciones se van sucediendo sin darte casi tiempo a asimilar que lo que estás escuchando no es un clásico de la época, sino un álbum actual y hecho en Madrid, no en Santa Bárbara o San Diego. ¿Creéis que exagero? Por favor, poneros ‘The Wheel’ o ‘Nothing But Numbers’ y decidme que no están a la altura de sus maestros. A pesar de la zapatilla, las voces no suenan atropelladas, sino que las melodías van cayendo en cascada una detrás de otra de manera espectacular como en ‘I’m Lost’, ‘Double Standard’, ‘Intoxicated Society’ o esa ‘Parachutes’ con aromas de ‘Linoleum’ de NoFx. ¿Hay algo más bonito que unos amigos que se juntan por el puro placer de hacer la música que les gusta? En The Wheel encontrarás la respuesta. JORDI MEYA


VITA IMANA

TODA LA VERDAD NUEVO CANTANTE, NUEVO GUITARRA Y NUEVO ÁLBUM. DESDE FUERA, PUEDE PARECER QUE VITA IMANA ESTÁN VIVIENDO UNA AUTÉNTICA REVOLUCIÓN EN SU INTERIOR, PERO CHARLANDO CON ELLOS, UNO CAE EN LA CUENTA DE QUE SÓLO SE TRATA DE UN PROCESO DE LO MÁS NORMAL. LA PUBLICACIÓN DE BOSA ES LA EXCUSA PERFECTA PARA PONERNOS AL DÍA CON LOS MADRILEÑOS, TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

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ASADO, PRESENTE Y FUTURO EN UNA MISMA CONVERSACIÓN.

Eso es lo que queríamos cuando le pedimos a Vita Imana que, durante nuestra charla, estuvieran presentes los recientes fichajes, Mero Mero (voz) y Diego López (guitarra), además de algún miembro de los que siempre haya cortado el bacalao. Sorpresa cuando se presentan dos, Pepe Blanco (bajo) y Daniel García (batería), en un combo que se completa con Román García (guitarra) y


figura tan delicada como la del cantante, y también de la agencia de management que les había representado durante tantos años. Cargados con la paciencia con la que hay que afrontar cualquier decisión dura ante las redes, más cuando puede resultar impopular entre parte de tus seguidores, Vita Imana siguieron a lo suyo, creando su quinto álbum y encontrando en Mero Mero, el toro tras el micro de Cuernos De Chivo, a un frontman a la altura del grupo. Para los que dieran por muerta a la banda, el sexteto tiene una respuesta: Bosa, un nuevo álbum que se muestra tan contundente y fiel a su groove metal como siempre. Para desgracia de algunos, la vida sigue igual para Vita Imana, y así nos lo cuentan, con una naturalidad que agradecemos muchísimo. Yo quería empezar un poco fuerte… Bosa, el nuevo álbum, sobre todo viene marcado por las salidas de Puppy y Javier Cardoso. ¿Vosotros visteis que por eso había que dar más el callo, porque la gente lo tendría presente, u os habéis podido

Miriam Baz (percusión, voz). Para poner en antecedentes esta entrevista debemos retroceder hasta inicios de febrero de 2018, cuando, contra todo pronóstico, Vita Imana anuncian la salida de su vocalista, el carismático Javier Cardoso, y el guitarra Puppy. Diego ya había realizado casi todo el tour de presentación de El M4L como sustituto a las seis cuerdas, así que la sorpresa, y lo que parece indicar que las aguas bajan revueltas, es que la banda decidiera prescindir de su cara más visible, una

abstraer un poco de todo esto? DANIEL GARCÍA “Buff… Hombre,

yo creo que al principio sí que, cuando te pones a componer, intentas hacer que las canciones suenen lo más posible a Vita Imana por todos los cambios que ha habido, pero cuando te metes poco a poco en el meollo, como fue todo tan fluido, se nos olvidó un poco eso y dijimos ‘vamos a hacer lo que nos apetezca’. Pero ten en cuenta que somos Vita Imana”. DIEGO LÓPEZ “Hubo eso al princi-

pio, la premisa, la idea de ir por este camino, pero sí que es verdad que no hemos estado cada tema ahí con ‘esto no es suficientemente…’. No, eso no”. Ante el público, Javier era el referente del grupo, y estas cosas son siempre complicadas… ¿Cómo se lo tomaron los fans cuando hubo estas salidas? PEPE BLANCO “Yo creo que hubo

de todo. Gente que se lo tomó bien y que nos comprendió, gente que se lo tomó mal e incluso nos insultó… Bueno, cada cual es libre de pensar y hacer lo que quiera. No sé yo quién de verdad es amigo nuestro y está de nuestro lado, y eso es lo que nos llevamos”. DIEGO “Los ha habido también de ésos que decían que no y luego… Ah, sí. ¿Sabes? Que no les iba a gustar y luego les ha gustado, otros que, en fin… Yo creo que ahí había un cúmulo de… yo, que lo he visto un poco más desde fuera, aunque no del todo exactamente, pero sí desde el lateral, pues parece como que la peña tiene que hablar, y si no, revienta. Es un poco eso, pero luego también creo que alguno incluso ni lo sentía”. DANI “Yo creo que al final la gente… pues que también es normal, ¿sabes? O sea, que nosotros hemos estado ahora en este lado, pero por ejemplo, cuando en Sepultura se fue Max Cavalera y se montó el lío, pues nosotros desde nuestro lado también hablábamos y criticábamos, o estábamos a favor o en contra y tal. Entonces imagino que al final a la gente le gustan estas cosas… Por un lado te gustan, porque es como el morbo, el a ver qué ha pasado y a ver si me entero, y por otro, la incertidumbre 63


“PARECE COMO QUE LA PEÑA TIENE QUE HABLAR, Y SI NO, REVIENTA” DIEGO LÓPEZ

de saber qué va a pasar con la banda, porque si eres muy acérrimo del grupo y te gusta el estilo que hace, ya no sabes qué va a pasar… Porque el guitarrista es importante, pero está claro que el cambio de cantante ha sido un punto de inflexión muy fuerte, como todos los cambios de cantante de todos los grupos. Yo soy de la opinión de que el grupo mola si el cantante mola. Puedes hacer la mejor música del mundo, pero si el vocalista no es muy de tu gusto, la banda no te va a gustar. Pueden hacer unos CDs muy sencillos, pero si tienen un cantante de la hostia, el grupo te va

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a molar. Entonces, el tema del vocalista es algo complicado de realizar, y hemos dado en el clavo”.

cuando anunciábamos cosas antes de sacar el álbum, siempre estaban los típicos haters por ahí pululando, y ha sido publicar el disco…”.

¿Y qué tal el feedback ya con la publicación del disco? ¿Les ha

Y han desaparecido (risas).

molado Mero Mero o han surgi-

DIEGO “Pues sí, es verdad. Puede

do más haters?

sonar incluso un poco prepotente, pero es verdad. Peña que estaba hasta el último día ahí ‘porque esto ya no es, porque ya no sois lo que erais, no sé qué…’. De repente, ha sido sacar el disco completo, empezar a llegar críticas, llegar reviews, sobre todo feedback de fans y tal, y han desaparecido, ya no están. Es curioso”.

MERO MERO “Yo por mi parte, de

momento a todo el mundo le mola bastante. Mucha gente del rollo más extremo, de Cuernos De Chivo o más hardcore, han flipado y les ha molado mucho. Así que, por mi lado, es todo bastante bueno”. DIEGO “Yo me acuerdo de que,


PEPE “Pues no hay. Os echamos de

muy deudor del groove metal de

abandonaban el grupo a la vez,

menos”. DIEGO “Es curioso… es muy positivo, tío (risas)”.

los 90, de Machine Head, de Se-

entendí que igual no había sido

pultura, de Soulfly, de Chimaira y

muy amistoso.

todo eso, siguen estando ahí las

DANI “No, no tuvo nada que ver.

percusiones… O sea, que ahora

Si te fijas, también anunciamos que Sobry (David Sobrino, su exmánager –ndr.) no iba a estar con nosotros, así que fueron tres personas realmente las que salieron, porque Sobry en realidad también ha estado en los últimos años muy ligado a nosotros y ha aportado mucho a la banda. Pero cuando lo dijimos, fue un comunicado en el que ya sabíamos todos lo que había pasado dentro del grupo y lo hicimos para anunciar todos los cambios de golpe, no queríamos que fuera ‘no va a estar éste’, ahora no va a estar el otro…’. Fue como ‘anunciamos todo de golpe y que la gente se lleve la sorpresa y el sopetón, anunciamos los cambios, quiénes se mueven y quiénes se quedan, que vamos a buscar un cantante, y que esto va a seguir’. Y ya está. Con Sobry y con Puppy hemos salido muy bien, seguimos teniendo contacto con ellos, charlamos y tal; con Javi no ha habido una salida tan amistosa, pero bueno, la vida es así”.

¿Y Vita Imana sigue siendo lo

ya poniéndome a hacer periodis-

mismo?

mo ramplón, muchas veces dicen

DANI “(Silencio

que el quinto álbum es el que

prolongado –ndr.) ¿En qué sentido?”.

resume un poco la discografía hasta ese momento de un grupo,

Yo lanzo la pregunta al aire:

y yo creo que éste es muy, muy

¿Sigue siendo lo mismo o no?

Vita Imana.

DIEGO “Tú eres un cabrón”.

DIEGO “Sí, sí, estamos de acuerdo

Hombre, ya me conocéis a mí también, ¿no? (Risas). MERO MERO “Yo lo que creo es

que hay menos pelo, menos saltos y… no sé. Hombre, yo no te puedo opinar mucho sobre si es lo mismo o no cuando he sido el último en llegar, pero…”. DANI “Yo, por la parte que me toca, te diría que sí, que sigue siendo lo mismo. Han cambiado algunas caras, pero el ambiente, la música, las canciones, la forma de componer…”. DIEGO “La entidad sigue siendo la misma, ¿no?”. DANI “Sí, la entidad, la forma en la que nos comunicamos con la gente, con los fans, los medios, sigue siendo exactamente igual, en gran parte porque, los que estamos, hacemos esa labor. Eso no ha cambiado”. Ahora que me habéis respondido, ya os puedo decir la mía (ri-

sas). Yo por lo que he escuchado en Bosa puedo decir que sí, que

yo creo”. DANI “Pero bueno, es que también era la intención. En muchas entrevistas nos han preguntado que por qué no hemos seguido el rollo de El M4L o hemos intentado innovar un poco más, y es que en ningún momento nos lo planteamos, no pensamos que fuera un disco para hacer experimentos, y más con gente nueva. Entonces, primero era intentar cuadrar entre nosotros, y luego hacer canciones que nos gustasen. Y lo que nos gustaba era lo que hacíamos antes, básicamente”. PEPE “De todas formas, siempre que se nos presenta el momento de pensar en un nuevo disco (risas), es curioso, porque siempre nos ha pasado, es decir ‘bueno, vamos a tirar por aquí’, y al final tiramos por otro lado diferente, pero que era lo que de verdad nos apetecía. A lo mejor lo que pretendíamos era una cosa, pero nos ha salido otra mucho más natural y que era lo que de verdad sentíamos”.

Vita Imana sigue siendo la formación que era. Evidentemente

Ya para cerrar la puerta del pa-

han cambiado algunas cosas,

sado, quería sacar un tema que

pero creo que es un álbum bas-

puede ser algo peliagudo… Yo

tante continuista. Sois un grupo

cuando vi que Puppy y Javier

El tiempo todo lo arregla, también ¿no? DANI “Bueno, se verá”. ¿Qué buscabais en el nuevo cantante? ¿Seleccionasteis a muchos, o cómo se dio? DIEGO “Pues sí buscamos, sí. Tenía-

mos una idea en la cabeza, teníamos más o menos un número reducido de vocalistas que nos gustaban y a los cuales teníamos la idea de ir nosotros a buscarles y no que ellos vinieran a nosotros. Lo que pasa es que en ese

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tramo hubo un aluvión ingente de peña mandándonos vídeos, temas, queriendo probar, mandándonos covers… Una barbaridad, incluso gente de Noruega, de Colombia, de México… Fue como ‘venga, vale ya, se agradece, pero…’”. DANI “Yo creo que se piensan que vivimos de la música y decían ‘aquí doy yo el pelotazo, me voy de Colombia ahí a España y voy a vivir como un rey’ (Risas)”. DIEGO “(Risas) Estuvimos escuchando todas, y cuando digo todas, es todas, por si alguien lee la entrevista… todas. Y una vez que pasó eso, fuimos a buscar a los que nosotros queríamos desde un principio, y entre ellos, a Toni (Mero Mero –ndr.), y nada. Es que con Toni fue: pasamos de estas audiciones entre comillas, porque nadie vino al local, siempre escuchábamos un vídeo, un audio, lo que fuera… Y llamé a Toni, le dije ‘oye, vente un día, tal, no sé qué’, y ya está. Fue verle aquí en el local un par de temas y ‘a la mierda, ya está, pa’lante’ (Risas)”. PEPE “Como conocemos a Toni de hace tiempo y a cómo sonaba en Cuernos De Chivo, pues es algo que, hace falta hacer pruebas porque, sabemos cómo lo hace, vale…”. DIEGO “Es que no sólo se buscaba una voz, se buscaba más cosas”. MERO MERO “Mi pelo”. DIEGO “(Risas) A ver si nos llamaba Pantene para un endorser… A ver, sinceramente: Javi en escena era un tío que se la sabía hacer muy bien. Entonces, buscas también a alguien que pueda hacer esa parte sin ningún problema, y no imitar ni parecerse a nadie, en absoluto, pero sí que tenga ese carisma”.

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Un frontman, básicamente.

jeron que estabas en Vita Ima-

DIEGO “Claro, lo único que Toni lo

na? ¿Fue un subidón, te pillaste

que hace en Cuernos De Chivo es muy diferente a Vita Imana. Entonces, era simplemente ‘a ver qué tal aquí, si te adaptas aquí’, y joder, lo que te digo: fue un ensayo y ya está”. DANI “Una cosa que sí que hablamos Pepe y yo es que, cuando empezamos con el grupo al principio, que buscábamos cantante, te podías tirar un año fácilmente buscando uno y te escribían tres personas, con suerte. Y esta vez fue sacar el comunicado y a los seis minutos de éste empezaron a llegar mails, mensajes por privado, de, oye, ‘joder qué pena lo que ha pasado… yo quiero cantar’ (Risas)”.

una buena turca? MERO MERO “No te creas… Cuan-

do me llamó Diego, lo que me sentí fue bastante alagado, dije ‘hostia puta tío, me están llamando Vita Imana y les molaría que fuese y tal’. Pero luego después, hostia, había ahí un conflicto, porque era ‘hostia puta, voy a sustituir a Javi, y Javi es la cara de esta banda. Me van a llover palos por todos lados, o he triunfado’, ¿sabes? No sabía muy bien qué pensar. Miedo no había, pero sí que tuve ahí un poco de conflicto. Era un poco complicado”. Era un reto intimidante, vamos.

(Risas) Se notaba demasiado,

MERO MERO “Lo primero que

¿no?

hice, pues con la gente así más cercana de la música, hablar con Leo (Jiménez), hablar con los Cuernos, y comentarles ‘oye chicos, que me han ofrecido esto y tal’, y todo el mundo me decía ‘tienes que hacerlo, anímate, tienes que ir’. Mucha gente me decía ‘es que eres tú, es que eres tú el cantante de Vita Imana, no hay otro’. ‘Tienes que ser tú, si no es Javi, eres tú’. Y bueno, al final me fui envalentonando y también, por otra parte, a mí me convenció mucho su manera de trabajar, porque me lo contaron, me contaron cómo trabajaban, qué ideas tenían para sacar el disco, los vídeos, cómo presentar al cantante, y todo me moló mucho, y ese pequeño miedo que tenía al principio se me fue pasando porque me fui viniendo arriba y dije ‘venga vamos’”.

DANI “Claro”. DIEGO “A lo mejor es de ser un

poco hijo de puta, pero las cosas hay que decirlas. Había esa peña que decía ‘¡Joder Javi, lo siento, tío, porque eres un máquina!’, y nos estaban escribiendo por el otro lado para ser cantante”. PEPE “Estas cosas pasan”. O sea, que de paso os habéis enterado de la cantidad de hijos de puta que hay en la escena también (risas). DIEGO “Claro, pero a ver, que yo lo

respeto, si haces eso, no pasa nada, no hay nada de malo, pero es gracioso y que quede patente que eso sucede. Hay peña que empatiza mucho con estas salidas y de mientras está mirando cómo se lo hace para entrar aquí”.

Te lo creíste. Es que Javi era la voz, las letras, un poco, como

Y Toni, ¿cómo fue cuando te di-

decías, la cara, el carisma, era el


“HAY MUCHA GENTE QUE DICE QUE ÉSTE ES EL MEJOR DISCO QUE TENEMOS” DANIEL GARCÍA

frontman, y si antes hablábamos de todos esos valientes del teclado, no sé cómo has llevado eso de estar en el punto de mira. Porque, claro, vienes de una escena mucho más pequeña como la del hardcore, donde a Cuernos se les quiere y se les respeta, y a ti se te quiere y se te respeta, y de pronto pasas a una banda muchísimo más amplia.

un poquito, hacer las cosas de otra manera. Y la verdad es que lo he llevado bien por eso, porque no me han caído muchos palos, a la mayoría de gente le ha gustado mucho”. DANI “De hecho, una cosa que nos ha sorprendido es que hay mucha gente que dice que éste es el mejor disco que tenemos, así que supongo que esto es gracias a todos, y en gran parte a la voz”.

MERO MERO “Bueno, pues como te

decía… es que apenas me han caído palos, y pensaba que me iban a caer muchos. A la gente le ha gustado mucho, creo que he intentado hacer algo diferente para que la peña no dijera ‘joder, es lo mismo que en Cuernos De Chivo pero en Vita Imana’, así que he intentado separarlo

Y Toni, he visto que ya has actuado como letrista, una gran responsabilidad, pero claro, Vita Imana tenía un estilo muy definido en las letras, y aunque las temáticas iban cambiando, todo era bastante unitario siempre. Para escribirlas, ¿te fijaste en

los anteriores discos o fuiste a la tuya porque la banda te dijo que hicieras lo que quisieras? MERO MERO “Pues efectivamente,

eso fue. Tuve carta libre, lo único que me comentaron fue alguna idea, me han aportado cosas como ‘joder, molaría escribir sobre esto’, pero no me han dicho ‘no, escríbelo metafóricamente, o como si fueras el Bunbury de Algete’, ¿sabes? (Carcajada generalizada – ndr.) He escrito lo que me ha venido y han ido saliendo así. Son diferentes, obviamente, porque todas las letras de Javi son un poco más abstractas y lo mío es más directo. Me ha costado no decir tacos (risas), no meter miembros sangrando o cosas así en las letras (risas), pero bueno, es como han ido saliendo, no me he parado a pensar

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nombres bastante extraños para los discos… (Risas). DIEGO “Pues porque es lo contrario

de sabo (carcajada generalizada –ndr.)”. Sabo sé lo que es… (Descojone monumental –ndr.). DIEGO “Lo tenía que soltar en al-

en qué tenían antes como letras y qué no. Joder, no me voy a poner a escribir una canción que se llame ‘Una Nueva Luna’, ¿no? (Risas) No voy a hacer algo así, pero realmente, he escrito lo que me ha dado la gana, he ido sacando lo que me parecía bien, y ya está. Se lo he ido enseñando antes para que lo viesen; a ellos les gustaba, les cuadraba, y para adelante”.

La que más me ha llamado la atención ha sido ‘Los Ojos De La Serpiente’. Me ha parecido de largo la más compleja del trabajo, tanto por las letras como por la música. Quizá es la pieza central de este álbum. DANI “Sí, bueno, no sé… (Risas)”. MERO MERO “Ahí, con los susurros a

lo Harry Potter (carcajada generalizada –ndr.)”.

Son bastante variadas, ¿no? Tenemos ‘No En Mi Nombre’, que

Le has sacado toda la magia, tío

habla un poco del control social

(risas).

de las religiones, y luego hay

DIEGO “No, pero sí que es la que

una que me ha gustado mucho,

tiene un rollo diferente a las demás. Es un medio tiempo, tiene cambios, es la más progresiva de todas, tiene un interludio central diferente con arpegios que va creciendo de manera ambiental, termina muy cañera… Sí, es la que, estructuralmente, más trabajo tiene, entre comillas”.

‘¡Contraataque!’, que imagino, va contra la violencia machista. No se corta un pelo. MERO MERO “Va un poco en contra

de cualquier abuso, mi intención no era hacerla sólo sobre la violencia machista, sino también del bullying en los niños, el racismo, esclavismo… Mi idea era hacerla un poco así, lo que sí que es verdad es que a lo mejor al escucharla la gente identifica un poco más la letra con la violencia machista, que es el tipo de abuso más recurrente hoy en día”.

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Luego tenemos ‘Bosa’, evidentemente, que es muy trallera y también es bastante sorprendente. Su estilo, su ejecución… Hostias, ¿de qué va esta canción y por qué Bosa? Siempre sacáis

guna, eres el primero. Lo llevamos hablando mucho tiempo, lo tenía que soltar en alguna entrevista (risas). Que cuente Toni por qué es lo de Bosa…”. MERO MERO “Bosa significa ‘victoria’ en fula, que es el idioma más hablado por los subsaharianos. Es como un grito de guerra que chillan los inmigrantes cuando llegan a la valla o cuando cruzan la frontera, entonces empiezan a gritar ‘bosa, bosa’, que significa ‘victoria’ porque lo han conseguido. Incluso muchas veces, cuando no logran saltar, lo gritan igual, porque ya tienen la valla delante y es el final del viaje… no el final del calvario, pero sí del viaje. Lo estuve viendo en un documental y nos gustó la idea de hacer la canción hablando del problema y del calvario que pasan para llegar hasta aquí, y cómo lo celebran cuando llegan aunque no haya terminado del todo, ¿sabes? Luego hay lo de victoria, que es un poco como el resurgir de la banda también. Va todo un poco ligado… Es juntar esos dos conceptos, luego buscar una palabra rara que fuera con el mundillo de Vita Imana (risas), porque si lo hubiéramos llamado Ultrabosa igual queda un poco raro, pero era eso”.


DANKO JONES

GATOS SALVAJES Para algunos el rock’n’roll es un limón exprimido al que no se le puede sacar más jugo, pero mientras queden personajes como Danko Jones, siempre habrá quien esté dispuesto a beberse una última gota. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR


D

anko Jones vive por y para l a músic a . Es algo

que uno nota en todos sus discos, cuando lo ve sudando sobre el escenario, en su podcast o, también, cuando escribe su columna mensual para RockZone hablando de sus discos favoritos. Y por eso, aunque con su banda nunca ha logrado saltar a la primera división, el canadiense tiene muy claro que va a seguir luchando para conservar lo que ha conseguido a lo largo de los últimos 23 años. Con la misma modestia, disciplina y pasión de siempre nos entrega ahora A Rock Supreme (AFM), otro decálogo de buen rock’n’roll que, gracias a sus compañeros, John Calabrese al bajo y Rich Knox a la batería, y un push extra del productor Garth Richardson (Rage Against The Machine, Biffy Clyro), suena como un trueno. Aunque ya vistió Madrid y Zaragoza a finales del año pasado, este agosto regresará para actuar en el festival Tsunami Xixón al lado de The Offspring o Good Charlotte. Que no se despisten, porque podría comérselos con patatas. Tenéis la tradición de sacar un disco cada dos años. Es algo que dice mucho en favor de vuestra constancia, pero ¿no crees que quizá provoca que la gente no le preste suficiente atención? DANKO JONES Sí, pero ¿qué puedo hacer? Cuando yo era un crío, los grupos sacaban discos cada dos años, incluso algunas bandas que seguía sacaban un disco cada año. Motörhead hasta el final sacaron un disco cada dos años, como un 71


“Por desgracia dentro del rock’n’roll hay muchos gilipollas. Gente que, cuando la conoces, no querrías tener como amigos” DANKO JONES reloj. Tienes razón en tu observación de que quizá juegue en nuestra contra, pero yo no quiero hacer lo que hacen otros grupos de anunciar que se separan, tomarse unos años de descanso y luego volver y hacer negocio con eso. Lo siento, pero se ha convertido en una herramienta de márketing para subir sus cachés. La mayoría de la gente no lo sabe, pero muchas de esas rupturas son forzadas porque ven que cada vez atraen menos público. La realidad también es que no somos millonarios, no podemos permitirnos el lujo de dejar de trabajar. Casi nadie tiene ese lujo, tenga el trabajo que tenga. Otra realidad es que, aunque proyecten otra imagen, muchos grupos vienen de

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familias con pasta. Lo siento, pero es la verdad. Sé que hay quien no le gusta referirse a esto como un trabajo, pero llevamos 23 años tocando, ¿alguien me puede decir que éste no es mi trabajo? ¿Qué soy entonces? ¿Un parado? ¿Llevo en el paro 23 años y esto es sólo un hobby? Decir que el grupo es mi trabajo me ayuda a legitimarlo para mí mismo. Y cualquier trabajo te obliga a eso… a trabajar. Y el nuestro es hacer discos y dar conciertos. Es así de simple”. En todo caso, A Rock Supreme sigue transmitiendo vuestra pasión por la música. El primer tema se llama ‘I’m In A Band’.

Podría ser vuestro primer disco.

“Sí. Creo que a partir de Fire Music, con la entrada de Rich Knox a la batería, empezamos una nueva etapa con discos muy sólidos de principio a fin. Fire Music, Wild Cat y A Rock Supreme son tres muy buenos discos seguidos, y espero que siga. Trabajar con Garth Richardson en este álbum fue una gran experiencia y aprendimos mucho. Todo fue muy fácil a pesar de que estábamos muy lejos de nuestra casa. Su estudio está en Vancouver y nosotros vivimos en Toronto, pero fuimos capaces de hacer un gran disco. Es más fácil para nosotros componer ahora que cuando empezamos. Sabemos quiénes somos, sabemos lo que


queremos, creo que he mejorado como cantante, conozco mis limitaciones y mis puntos fuertes… Creo que ahora tiendo un poco más a la melodía que antes y eso marca la diferencia. Es un cliché decir que tu último álbum es el mejor, pero estaba muy seguro de Fire Music, estaba muy seguro de Wild Cat, y ahora lo estoy de A Rock Supreme”. Para una banda como vosotros,

Antes igual tenía que reservarme un poco porque tenía dos temas más que cantar ese día. Son pequeños detalles, pero que marcan la diferencia entre un buen disco y un gran disco. Trabajar con Garth fue un lujo, y no lo digo como nada en contra de Eric Ratz porque lo hizo muy bien con Fire Music y Wild Cat, pero con Garth vivíamos en su finca. Sólo me llevaba 30 segundos ir de mi habitación al estudio, así que pude descansar mi voz”.

con las ideas tan claras, ¿qué importancia tiene realmente un

Como siempre todos los temas

productor?

de A Rock Supreme podrían fun-

“Bueno, uno sólo puede recorrer cierta distancia por sí mismo. Para nosotros un productor es un oído externo, objetivo, que permite ver las cosas con claridad. Muchas veces a un batería le gusta una canción simplemente por un fill que hace después de la segunda estrofa, a un guitarra sólo le gusta porque hace un solo. Un productor tiene una visión más global y tiene que lograr que todos los elementos trabajen juntos. Y también es importante a la hora de conseguir buenos sonidos. Yo no tengo el oído de un productor. Lo sé. Soy incapaz de decir si una caja de batería suena bien o no. Después de media hora, no noto la diferencia. Un buen productor es capaz. Es capaz de decirte qué amplificador es mejor para un determinado solo o que una palabra no suena afinada. Un buen productor, sí. Quizá si fuera Devin Townsend podría hacerlo yo mismo, pero no lo soy (risas). Garth tiene mucha experiencia y sacó un gran sonido de guitarras. Y también grabar las voces con él fue genial. Igual grababa un tema por la mañana y ya no volvía a cantar hasta el día siguiente. Eso me permitió darlo todo en cada tema.

cionar bien en directo. ¿Es ése tu principal objetivo a la hora de componer?

“Así es, pero últimamente es un desafío escribir los setlists porque con nueve discos cada vez es más difícil meter temas nuevos. Por ahora estamos tocando cuatro del nuevo álbum. Nunca hemos tenido grandes hits, pero sí tenemos unos que son más populares que otros. ‘Had Enough’ tiene 14 millones de streams, así que seríamos muy cabrones si no tocáramos esa canción. ‘First Date’ también tenemos que tocarla porque lleva varios millones de visionados en YouTube. Pero también hay gente que nos ha visto varias veces y metemos algún tema menos conocido, para que no vean siempre lo mismo. Es complicado, pero al final también tenemos que tocar lo que nos apetece a nosotros”.

y yo, porque tenemos más experiencia en el grupo, tomamos más decisiones. Pero lo sepa la gente o no, nos repartimos el dinero a partes iguales, y ha sido así desde el principio. Lo que pasa es que el cantante siempre recibe más atención; aunque tuviéramos otro nombre, yo seguiría recibiendo más atención. Pero la solución es fácil: no seas un gilipollas. Si dejas tu ego a un lado y no dejas que afecte tu relación con los otros miembros, todo funciona. Por desgracia dentro del rock’n’roll hay muchos gilipollas. Gente que, cuando la conoces, no querrías tener como amigos. Lo que nos hace ser humildes es nuestro background en el punk rock. En esa escena la gente es mucho más humilde”. Como saben todos nuestros lectores por tu columna musical, eres fan de la música antes que músico, y eso se transmite mucho en tus discos. Hay como pequeños homenajes, como en ‘That Girl’, donde el puente suena mucho a Thin Lizzy, o ‘You Got Today’ suena a Van Halen. ¿Es algo premeditado?

“Sí, ‘That Girl’ es un homenaje a Thin Lizzy como ‘You Are My Woman’ lo era en el disco anterior. ‘You Got Today’ es un homenaje a Van Halen como ‘Let’s Start Dancing’ lo era en el anterior. Hay muchas referencias musicales en las letras del álbum”.

Vuestro caso es peculiar porque

Empezando por el título, A Rock

Danko Jones es tu nombre, pero

Supreme.

también el de la banda. ¿Tienes

“Sí, es un homenaje a John Coltrane, nada más que eso. Es una tradición que empezamos con Fire Music, de usar títulos de discos de jazz, en ese caso por Fire Music de Archie Shepp.

la palabra final en todo?

“La banda lleva mi nombre, pero somos una democracia. Mi opinión cuenta igual que la de los demás. Quizá JC

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“Mi manera de consumir música no tiene nada que ver con la persona que va a ver un gran show en un estadio una vez al año” DANKO JONES

tiene nada que ver con la persona que va a ver un gran show en un estadio una vez al año. Para esa gente, la música no es un estilo de vida, sino algo que suena de fondo mientras te tomas una cerveza con tus amigos. Pero si no tienes una tendencia natural a poner la música en el centro de tu vida, no hay mucho que pueda hacer yo. Lo que sí podrían hacer las bandas grandes es apoyar a las pequeñas, dándoles visibilidad, citándolas en las entrevistas, eso siempre ayuda. Yo conocí muchas bandas underground gracias a eso. Hay mucha gente que no sabe ni por dónde empezar, pero si por ejemplo Nickelback dijeran que les gustan The Damned quizá alguno de sus fans se interesaría por ellos”. Otro problema es que las entradas para los grandes conciertos son cada vez más caras, y es lógico que si un chaval se gasta

Es un título que había querido usar durante mucho tiempo y un día JC dijo en el estudio ‘simplemente usémoslo’. Tampoco hay tanta gente que conozca a Archie Shepp. Aun así, me preocupaba pasarme dos años siendo preguntado por Archie Shepp, pero ni una sola persona me preguntó por ello. Con este disco, el título llegó en el último minuto. Tenía al sello, al management, pidiéndome un título. Recuerdo que estábamos de gira, en el camerino, diciendo títulos de discos de jazz porque a los tres nos gusta mucho, en especial a Rich, y como broma dijo ‘¿Por qué no A Rock Supreme?’. Y pensaba que no le haríamos caso porque A Love Supreme de John Coltrane es posiblemente uno de los discos de jazz más populares y podría parecer un sacri-

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legio. Pero le dimos una vuelta y nos gustó a todos. De todos modos, ni la mitad de los periodistas se han dado cuenta de que es una referencia a Coltrane, lo cual habla sobre el bajo nivel del periodismo musical. Pero al menos, hay algunos como tú que se han dado cuenta”. Hace unas semanas hablaba con tus compatriotas PUP sobre el paralelismo de lo que pasa con las grandes empresas y los negocios pequeños, en relación a los grandes grupos que cobran fortunas y la clase media baja a la que cada vez cuesta más sobrevivir.

“Desde luego, pero no hay mucho que puedas hacer. Los hábitos han cambiado. Mi manera de consumir música no

la pasta en ir a ver a Metallica, luego no pueda ir a ver otras bandas.

“Sí, pero al final la gente habla con su cartera. Si se dejasen de vender los tickets más caros, y los estadios estuvieran medio vacíos, quizá los precios bajarían”. ¿De qué grupo te hubiera gustado formar parte?

“The Rolling Stones, U2 o Metallica porque son las bandas más grandes del mundo. Quizá no entraría en U2 porque han hecho cosas que no me molan, pero en las otras dos, sería genial. Al menos por un día (risas)”.


NEW YEARS DAY

GOST

MARTYRDÖD

¡YA A LA VENTA!

¡A LA VENTA EL 3 DE MAYO!

¡A LA VENTA EL 10 DE MAYO!

La banda de rock moderno liderada por la cantante, Ash Costello y el guitarrista Nikki Misery ¡vuelve con el disco más atronador y emocionante que han hecho hasta la fecha!

Reedición del primer disco, ahora en LP verde transparente, del nuevo líder americano del Synth Wave que introduce ocultismo y oscuridad en este estilo que está arrasando.

Séptimo disco de la banda de Crust Punk Metal sueca

Unbreakable

Skull

CENTURYMEDIA.com

www.

Hexhammeren

¡una máquina atroz y poco piadosa!


KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

G UA R D IA N E S DE LA G A L A X IA

SUPERADO EL DESAFÍO DE PUBLICAR CINCO DISCOS EN UN MISMO AÑO, KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD REGRESAN CON UN ÁLBUM QUE LES ACERCA A LAS RAÍCES DEL BLUES. AUNQUE SÓLO EN APARIENCIA, YA QUE SU PERSONALIDAD PROPIA LES SIGUE HACIENDO UNA FORMACIÓN INCOMPARABLE PARA LOS TIEMPOS QUE CORREN. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR


H

AY VARIOS MOTIVOS PARA ENAMORARSE DE KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD. Primero de todo, una ética

de trabajo casi militar que les ha permitido lanzar más de una decena de LPs en apenas ocho años, llegando a su cenit en 2017 con la edición de cinco discos. Uno de ellos, Polygondwanaland, fue colgado de manera totalmente gratuita en su web para que sus seguidores pudiesen fabricar sus propios vinilos, lo cual dio pie a que pequeños sellos de todo el mundo se organizasen para sacar diferentes ediciones del mismo. Por otro, que sean una formación tan numerosa que cuenta con hasta tres guitarristas y dos baterías, convirtiéndolos en una absoluta apisonadora cuando se suben a un escenario. Y especialmente que en cada nueva entrega sean capaces de reinventarse continuamente. En su discografía podemos encontrar psicodelia de lo más ácida, heavy rock, pop folk, jazz, progresivo, spaghetti western, space rock, garage... y todo ello con una señas de identidad que los hacen perfectamente reconocibles. Por méritos propios los King Gizz se han convertido en uno de los grupos más excitantes de los últimos tiempos. El ritmo que llevan es tan trepidante que nunca se sabe cuál será el siguiente paso con el que nos sorprenderán. En el caso de su reciente Fishing For Fishies, el decimocuarto disco de estudio en la cuenta de los australianos, han optado por simplificar un poco las cosas entregando su particular visión del blues rock. Pero por supuesto, viniendo de ellos no todo iba a ser tan simple, tal y como nos explicó su cabeza pensante (al 78

menos en lo musical) Stu Mackenzie, con quien tuvimos una interesante conversación sobre el funcionamiento de su discográfica Flightless, el Gizzfest, sus métodos de composición y sus futuros conciertos, que le traerán a nuestros país en octubre junto a Ambrose Kenny-Smith (teclados, armónica), Joey Walker (guitarra), Cook Craig (guitarra), Lucas Skinner (bajo), Eric Moore (batería) y Michael Cavanagh (batería). En 2017 llegasteis a lanzar cinco discos. A pesar de que ya lleva-

nos en seguir grabando, al menos durante una temporada. Nos dijimos: ‘Si sale un álbum, genial. Si no es así, no pasada nada’. Preferimos seguir tocando y ver qué pasaba. Pero sí es cierto que pensamos en hacer otro disco, sólo que esta vez no lo hicimos (risas). Terminamos Fishing For Fishies a finales del año pasado. Nos llevó un tiempo acabarlo. Pero estuvo bien poder preocuparnos solamente de dar conciertos por un tiempo sin tener que estresarnos por acabar un álbum y ver qué salía de todo aquello”.

bais mucho tiempo trabajando sin parar, parece que fue el año

No sé si incluso os llegasteis a

en el que terminasteis de explo-

cansar un poco de vosotros

tar a nivel de público y atención

mismos...

por parte de los medios. ¿Cómo

“La verdad es que no me había parado a pensarlo así, pero puede que haya algo de eso. Como te decía, preferimos seguir tocando e ir a sitios donde nunca habíamos estado. Ésa era un poco la idea. Ahora estamos volviendo a recuperar nuestro ritmo de grabación. Fishing For Fishies está ya listo para salir, estamos preparando nuevas grabaciones que aún no sabemos a dónde nos llevarán... Un poco regresando a la dinámica que teníamos hasta hace un par de años”.

lo vivisteis? STU MACKENZIE “La verdad es

que fue una locura de año. Estuvimos muy ocupados dando conciertos también. Pero bueno, simplemente lo hicimos. Creo que una cosa llevó a la otra. La verdad es que no sé explicar muy bien todo lo que ocurrió porque fue muy extenuante. Pero lo cierto es que fuimos trabajando canción a canción, concierto a concierto, intentando hacer todo lo que pudiésemos musicalmente. En 2018 también hicimos muchos bolos y visitamos nuevos lugares, lo cual también fue fantástico. Pero bueno, sencillamente es lo que hacemos: crear música”.

Por otro lado, tenéis la suerte de contar con vuestro propio sello, Flightless, sin el cual sería prácticamente imposible editar todo el material que sacáis. Teniendo en cuenta vuestro ritmo

Sin embargo, 2018 fue el pri-

de trabajo, ¿cómo conseguís no

mer año en toda vuestra carre-

arruinaros económicamente en

ra que no publicasteis nada.

una época donde la gente ape-

¿Queríais darle un respiro a

nas compra discos?

vuestros fans?

“Siempre hemos tenido la suerte de contar con mucha gente involucrada en esto. Nos gusta llevarlo a peque-

“Creo que después de hacer cinco discos no queríamos volver a centrar-


“DESPUÉS DE LOS CINCO ÁLBUMES QUE SACAMOS EN 2017, A TODOS EN EL GRUPO NOS APETECÍA HACER ALGO MÁS BÁSICO O SIMPLE. MÁS TIRANDO AL BLUES” STU MACKENZIE

ña escala, como algo personal donde el dinero no sea una preocupación. Nuestro batería, Eric, es quien se encarga de Flightless y siempre está echando una mano a todo el mundo. Pero la verdad es que no gastamos mucho dinero haciendo álbumes. Todo se gestiona de una manera muy barata. Es una especie de trabajo raro para nosotros (risas)”. Hablando ya de vuestra nueva obra, en Fishing For Fishies volvéis a sorprender cambiando radicalmente de estilo. Esta vez parece que las canciones van en una orientación más clásica, cercana al blues o el rock sureño. Aunque sigue teniendo

vuestro toque distintivo, parece un disco más terrenal, no tan marciano. ¿Os apetecía hacer algo en esa onda?

“Diría que después de los cinco álbumes que sacamos en 2017, a todos en el grupo nos apetecía hacer algo más básico o simple. Más tirando al blues. Creo que la idea nos hizo click y dijimos: ‘Hagamos algo así. Volvamos a lo esencial y veamos qué sale de ahí’. Era lo que más estábamos escuchando en ese momento. Y este disco estaba pensado de esa manera, con una instrumentación sencilla; batería, bajo, guitarras, armónica, piano... Tal y como aparece en el álbum. Grabamos entre unas 17 o veinte canciones que salieron de improvisaciones, jams,

progresiones de acordes muy simples... Y entonces nos dimos cuenta de que ése no era realmente el disco que habíamos pensado. No porque fuese demasiado crudo o experimental, pero desde luego no era una obra de blues (risas). Así que decidimos editar las canciones por separado y hacer una secuencia en la que una canción te llevase hasta la siguiente. Hicimos muchos overdubs, cambiamos la instrumentación, en algunas canciones sustituimos las guitarras por teclados... ese tipo de cosas. Y al final el álbum empezó a tomar forma. Creo que muchas de las canciones siguen teniendo ese sentimiento bluesy, algunas más que otras, pero dejamos que cada una de ellas tomase diferentes direcciones 79


que lleve un poco la voz cantante más que el resto en cuanto a decidir la dirección por la que avanzar?

“DURANTE EL ÚLTIMO AÑO, ESPECIALMENTE, HEMOS BAJADO UN POCO EL RITMO COMPARADO CON COMO LO HACÍAMOS HACE UN TIEMPO” STU MACKENZIE

“Supongo que esa persona soy yo. Mi rol dentro del grupo es ser un poco como el director musical e intentar que las ideas de los demás se reflejen en lo que hacemos. Cada canción en este álbum es diferente porque cada uno de nosotros ha aportado algo, pero eso también pasa en todos los discos que hemos hecho. Así es como funcionamos. Siempre estamos cambiando”. Imagino que a la hora de crear es una suerte contar con siete

con sus propios sonidos y texturas. Las dejamos que fuesen libres y que nos llevaran a donde quisieran sin importarnos si acababan sonando a algo en lo que no habíamos pensado. Pero sí que veo un sentimiento blues en todas ellas. Hay mucha armónica, mucho swing, groove... sólo que al final te llevan a lugares extraños”. Precisamente, en la recta final del álbum aparecen dos temas que se alejan por completo de la idea global, como son ‘Acarine’ y ‘Cyboogie’. ¿Cómo acabaron entrando en el tracklist?

“Originalmente ‘Cyboogie’ surgió de una jam de guitarras. Le añadimos un par de cambios jazz divertidos y metimos unos riffs por encima. Grabamos un par de tomas hasta que decidimos quitar las guitarras y regrabarlo todo usando sintetizadores. Las primeras versiones sí es verdad que encajaban con el resto del disco, y lo mismo pasaba con ‘Acarine’. La armónica recordaba a alguna de las melodías de las demás canciones, pero se iba 80

volviendo cada vez más oscura, por lo que decidimos prescindir de las guitarras y añadir los sintes. Hicimos mucho este proceso aunque sin llegar tan lejos. Algunas de las canciones que al principio eran más guitarreras acabamos arreglándolas con pianos e instrumentos acústicos. Pasamos mucho tiempo añadiendo y reordenando varias cosas, y eso al final es lo que hizo que las canciones acabasen en lugares inesperados, especialmente las dos últimas. Intenté ordenar el álbum de manera que se viese cómo se iba haciendo cada vez más raro (risas). Según vas avanzando te vas alejando más de la idea original. Por ejemplo, las dos primeras canciones: ‘Fishing For Fishies’ salió de una jam con ese rollo y ‘Boogieman Sam’ está muy poco modificada. Y según va pasando el disco te vas alejando de donde supuestamente deberías de estar”. Esta vez vuestro teclista Ambrose tiene mucho protagonismo, especialmente con la armónica. ¿En cada álbum hay alguien

personas que puedan aportar distintas ideas, pero cuando toca ponerse de acuerdo quizás no sea tan sencillo. ¿Discutís mucho cuando componéis?

“Sí, a veces puede ser todo un reto, pero al final procuramos que todo el mundo esté contento. Algunas veces cuando alguien sugiere algo para una canción, sea de quien sea, siempre se le da una oportunidad. No es fácil, pero forma parte de estar en un grupo como éste”. Desde fuera da la sensación de que sois una fabrica inagotable de canciones.

“Bueno, ahora estamos pasando por un periodo en el que componemos mucho más despacio. Durante el último año, especialmente, hemos bajado un poco el ritmo comparado con como lo hacíamos hace un tiempo. Pero por lo general, siempre estamos escribiendo y pensando en lo siguiente que vamos a hacer. Todos solemos estar en la misma onda, vayamos más o menos rápido”.


KING GIZZARD

¿Y ha habido algún momento en el que os encontraseis sin canciones con las que empezar un álbum?

“Creo que por lo general las canciones tienden a aparecer antes de que un disco comience a coger forma. Algunos temas surgen en un estilo diferente al que estamos trabajando en ese momento. A veces tenemos un par de pequeñas ideas y decimos: ‘Esto puede servir para otro disco. Vamos a trabajar en esta dirección’. Normalmente siempre solemos tener dos o tres canciones que casan con un concepto de álbum en concreto, entonces sabemos que deben ir juntas y acompañarlas de otras. Me gustan los discos que transmiten la sensación de que hay todo un mundo a su alrededor. Como si te transportasen a un lugar o un momento concreto. Siempre he intentado conseguir eso. No me gusta unir dos canciones que pienso que no encajan. En 2016, cuando empezamos a recopilar material para los cinco trabajos que sacamos después, hubo un par de canciones que funcionaron muy rápido como ‘Sleep Drifter’ y ‘Rattlesnake’ para Flying Microtonal Banana. Lo mismo pasó con ‘The Balrog’ y ‘The Lord Of Lightning’ en Murder Of The Universe, o ‘Crumbling Castle’ en Polygondwanaland. Todas esas canciones debían de ir en diferentes álbumes porque no eran compatibles entre sí. No puedes ponerlas juntas porque no tiene sentido. Deben de ir separadas. Así que empezamos a construir cada uno de los álbumes alrededor de esos grupos de canciones”. Debo suponer entonces que ya tendréis algo nuevo en camino. ¿Habrá más música por vuestra aparte antes de que acabe

2019?

En España os volveremos a tener

“Creo que sí. Tenemos claro que no queremos sacar otros cinco discos (risas), pero sí que pienso que habrá uno nuevo para este año. Estamos empezando a averiguar sobre qué tratará, pero aún es difícil decir dónde acabará. Ya veremos”.

por aquí en octubre, después de vuestra anterior visita en 2017. ¿Qué recuerdos tienes de aquellos primeros conciertos en nuestro país? Tengo entendido que en Madrid fue una auténtica locura porque llegasteis tarde a la sala, sufristeis un corte de luz...

Háblame un poco sobre vuestro festival, el Gizzfest. Es todo un acontecimiento para vuestros seguidores y cada año es más grande. ¿Cómo surgió?

“Al principio no era más que un pequeño concierto que montamos por nuestra cuenta. Invitamos a un par de grupos y decidimos llamarlo así. Cada año que pasa cambia, crece, e intentamos hacerlo de un modo distinto. No es como un festival al uso. Algunas veces hacemos una gira por todo el país y otras es sólo en una ciudad. En el fondo es una excusa para invitar a otras bandas de todo el mundo de las que somos seguidores o nos hemos hecho amigos y que vengan a tocar a Australia, especialmente si es su primera vez. Es sólo una forma de montar una fiesta con tus colegas (risas). Y esperamos que la gente que viene disfrute de la música y también lo pase bien con sus amigos. Es de lo que se trata al final”.

“Lo que ocurrió es que nuestro autobús nos dejó tirados en mitad del desierto en alguna parte, no sé exactamente dónde (fue en los Monegros, Zaragoza -ndr.). Íbamos desde Barcelona porque habíamos tocado en el Primavera Sound. Estábamos en mitad de la nada, con buitres sobrevolando nuestras cabezas, no teníamos agua... Era una locura. Estábamos a cuatro horas de Madrid y no sabíamos si llegaríamos al concierto. Intentamos arreglar el autobús, pero estaba hecho un desastre. Al final tuvimos que alquilar un par de taxis que nos llevasen hasta Madrid y nos costó un pastón (risas). Cargamos todo el equipo en cuatro o cinco coches y llegamos justo para empezar la actuación. Pero bueno, son cosas que pasan cuando estás de gira”.

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THE GET UP KIDS

PUEDE QUE DOS DÉCADAS DESPUÉS DE HABER CONTRIBUIDO A LA EXPLOSIÓN DEL EMO CON SOMETHING TO WRITE HOME ABOUT ABOUT,, THE GET UP KIDS YA NO SON ESTÉN EN EL EPICENTRO DE LA ESCENA MUSICAL, COMO SIEMPRE, OCUPADO POR BANDAS MÁS JÓVENES Y CON MÁS HAMBRE. PERO LA BANDA DE KANSAS CITY SIGUE TENIENDO AQUELLO QUE NOS ENAMORÓ EN SU MOMENTO. TEXTO: BERTA BERTA MARTÏNEZ MARTÏNEZ FOTOS: FOTOS: DR DR TEXTO:


L

A INMINENTE VISITA DE THE GET UP KIDS es una buena noticia

por partida doble. La primera porque es una oportunidad para volver a escuchar sus canciones de siempre. La segunda, porque lo hacen con un disco nuevo. Sí, sí. Tras tenernos algunos años en vilo, el quinteto regresó en 2018 con un aperitivo en forma del EP Kicker. Ahora lanzan Problems (Polyvinyl), un larga duración con doce temas en los que encontramos a unos chicos que ya no son los de hace veinte años pero que siguen

siendo los reyes de la lírica y de las emociones. La lógica y el tiempo les han hecho huir un poco del emo tal y como lo conocíamos, pero sin abandonar esa agridulce sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Antes de que se embarquen en una gira mundial, que recalará los días 16 y 18 de mayo en Barcelona (Razzmatazz 2) y Madrid (Independance Club) respectivamente, hablamos con su cantante y guitarrista Matt Pyor sobre su nuevo álbum y cómo es la vida a los 40.


Me gustaría empezar preguntándote por vuestra vuelta. Vuestro último álbum de estudio salió en 2011, ¿por qué esta espera? ¿Os lo habéis tomado como un fresh

start para cortar con lo anterior? MATT PRYOR “No… bueno, no a

priori. En un principio necesitábamos tomarnos un descanso... Jim (Suptic, guitarra –ndr.) había vuelto a estudiar, Ryan (Pope, batería –ndr.) se había mudado a París, Rob (Pope, bajo – ndr.) estaba tocando con Spoon, James (Dewees, teclados –ndr.) con My Chemical Romance, y yo estaba girando en solitario, así que tuvimos que hacer un break y nos costó al menos un par de años poner todo en orden de nuevo, no fue nada fácil”. Ya veo, logística complicada. Te preguntaba esto por aquella ocasión en la que Jim, hablando de la tercera ola del emo, dijo

gente de una manera muy significativa. Honestamente, no me lo pongo muy a menudo, no lo escucho, tocamos sus canciones, claro... ¡No lo sé! Es como que te tiras tantísimo tiempo con estas canciones que terminas un poquito harto, pero de repente te paras y piensas: ‘Y qué si estoy harto, eso no importa mientras haya gente ahí fuera para la que significa tanto aquello que escribimos, aquellas canciones...’. A veces la gente me pregunta qué se siente tocando las mismas canciones cada noche, pero siempre digo que son muy divertidas de tocar en directo por el público, por vosotros, pero son una auténtica mierda aburrida para ensayarlas (risas). Quiero decir, estamos ahí nosotros cinco mirándonos las caras en una habitación tocando los mismos acordes... no sería raro que nos vieras haciendo una versión dubreggae de ‘Ten Minutes’ y llamarlo punk, ¿sabes?”.

que “si esto es lo que hemos

ayudado a crear, entonces pido

Creo que muchos nos morimos

disculpas”.

por escuchar esa versión...

“(Risas) Creo que Jim se arrepiente bastante de aquello. Sí, sí, definitivamente aquello fue una estupidez, ya me entiendes... No estuvo muy fino”.

“¡Es bastante entretenido!”.

De todos modos, sabéis que sois el referente de un género, de una época. Something To Write

Home About cumple veinte años,

¿Hay alguna posibilidad de un concierto del 20 aniversario?

“Diría que no, no en esta gira al menos... A ver, estamos hablando de hacer algo posiblemente a finales de año, pero ahora mismo estamos centrados en el nuevo disco”.

¿cómo de lejos y de cerca estáis

retarnos a nosotros mismos en un sentido creativo, no querer estancarse. Creo que, si nos quedamos en el mismo sitio cada vez que escribimos una canción, nos haremos mayores y estaremos encajonados y no estaríamos siendo honestos con nosotros mismos. Si hay algo que hacemos y que siempre hemos hecho es no ser falsos, no se nos da bien, ¿sabes? Así que tenemos que intentar darle un poco de vida a esto... ¡Aunque a veces funciona y a veces no!“. Es como hacerse mayor, ¿no? A veces funciona, a veces no, algunas es premeditado y otras sale como sale y ya está... ¿Cómo ha afectado esto a la banda, musicalmente hablando?

“Creo que se puede ver en las cosas nuevas que hacemos o que intentamos hacer. Hemos llegado a un punto en el que queremos hacer algo distinto porque lo otro ya lo hemos hecho. Es decir, si queremos escribir otro álbum que suene como Something To Write Home About no tenemos por qué hacerlo, porque ya lo hicimos, y aún seguimos tocando esas canciones, así que no creo que tengamos que sentirnos mal por hacer algo distinto”. Eso es cierto, y también se puede ver en las letras, que ya no lloran por amores no correspondidos... ¿Cuáles son vuestros pro-

ahora mismo de ese álbum? ¿Es

¡No cerráis la puerta! Y ya que

blemas, vuestros miedos ahora?

todavía vuestra obra maestra?

lo mencionas, hablemos de los

¿Sobre qué experiencias compo-

“Mmm... bueno, nunca lo he visto como una obra maestra, quiero decir, no creo que nada de lo que haya hecho nunca pueda ser considerado una obra maestra. Aun así, estoy completamente atado a ese álbum, parece haber conectado con mucha

cambios en este nuevo álbum. Ya

néis, ahora que tenéis 40?

vimos algo en There Are Rules

“¿Miedos? Básicamente morir... sí, creo que ése es el único miedo que tengo. Quiero decir, hay mucho en el disco sobre sentirse solo, ansioso, perdido... y simplemente observar cómo cambia el mundo a tu alrede-

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donde tirabais hacia algo más experimental, ¿se debe a la evolución lógica de vuestras vidas o es algo premeditado?

“Bueno, va en la línea de querer


“NO CREO QUE NADA DE LO QUE HAYA HECHO NUNCA PUEDA SER CONSIDERADO UNA OBRA MAESTRA” MATT PRYOR

dor. ¡Da vértigo!”.

digo: ‘No, no, ahora no’. ¿Sabes?”.

¡Mucho! Dices que vuestro pri-

Te entiendo perfectamente, sen-

mer single, ‘Satellite’, trataba

tirse solo casi nunca depende de

sobre tu hijo en un principio pero

los demás. Y volviendo a la músi-

que terminó hablando sobre ti

ca, háblame de Kicker y de vues-

mismo… ¿Cómo es eso?

tro amor por el futbolín. ¿A qué

“Pues me olvidé completamente de que estaba escribiendo una canción sobre él porque, aparentemente, nos parecemos un montón... O sea, tiene 14 años y es introvertido y se pasa el día en su habitación escuchando música, y eso es exactamente lo que yo hacía cuando tenía su edad. Realmente la historia con este tema es que me di cuenta de repente de lo mucho que yo era así cuando tenía su edad y de cómo uno se siente solo, aunque estés en una habitación llena de gente. Es algo bastante común y empecé a componer sobre ello. De hecho, me sigue pasando. A veces estoy en un concierto que ha sido sold out y aparece un atisbo de depresión o de ansiedad y

se debe? No es algo muy común

de estar horas y horas y horas. Joder, ¡parecía que estaban entrenando para las Olimpiadas! Fue tan bestia que en la siguiente gira por Europa incluso retaban a la gente en los pubs y todos pensaban ‘estúpidos americanos que no saben jugar’, ¡pero les reventaban! Fue muy gracioso”.

en Estados Unidos.

“¡No te creas! Hace poco estuvimos con Laura Jane Grace de Against Me! y es una gran fan del futbolín también, nos retó y aceptamos, así que tenemos un partido pendiente. Todo viene de la primera vez que giramos por Europa, era 1998 y cada noche jugábamos en los pubs, ¡todos tienen futbolín! Y poco a poco nos fuimos enganchando... Cuando entramos a grabar On A Wire nos compramos uno para el estudio, básicamente vivíamos allí (risas), y cuando no estábamos grabando bajos o baterías, Ryan y Rob estaban en el sótano jugando y se hicieron muy pero que muy buenos hasta el punto

Vamos con Problems. Vemos canciones con sonidos más nuevos, con más sintetizadores y con menos guitarras como ‘Waking Up Alone’ o ‘Lou Barlow’. Luego hay otras como ‘Salina’ o ‘Your Ghost Is Gone’, que cierra el disco, que suenan mucho más a lo que nos tenéis acostumbrados. ¿Cuál dirías que es la gran diferencia de este álbum?

“Creo que la más grande, al menos para nosotros, es que no le hemos dado muchas vueltas, sino que hemos dicho: ‘Hagamos lo que mejor sabemos hacer en lugar de volvernos 85


Boy... todos llevan razón”. Entiendo. Y hablando de sentimientos, hemos visto lo que vuestra música significa para muchos de nosotros, pero ¿qué significa para vosotros? ¿Qué os aporta?

locos’. Si algo sonaba bien en algún lugar, lo dejábamos ahí y ya está. ‘Puede que no suene como lo que hubiéramos hecho en los 90, pero funciona, así que se queda’”.

mer 7’’, así se hace más interesante. Pero como ya he dicho, el público para nosotros es muy importante y tocar canciones que ves que todo el mundo se sabe y las canta definitivamente ayuda, ayuda mucho”.

“Creo que, y justo hablaba de esto el otro día, es una forma de estar activos, estar ahí fuera, incluso hacer ejercicio, y eso es genial para una buena salud emocional y física. Esto es seguro, al menos para mí. Hay como un alivio físico y también una catarsis mental que ocurre cuando trabajamos, se ha convertido en parte de mi tratamiento mental: subir ahí y darlo todo, ¿sabes? Y luego también está cantar sobre cosas que son importantes para mí, no sé bien cómo explicar esto, pero es algo que me llena mucho”. ¿Cuál es tu canción favorita de

Problems?

volver a tocar lo mismo, pero a

Y ya que estamos, hay algo que

la vez contentar a vuestro públi-

tengo que preguntarte: ¿Está

co que os piden más ‘Holiday’ o

muerto el emo?

‘Action & Action’?

“(Risas) No lo sé. Ni me importa”.

“Uff... ésta es difícil. Hay una que me gusta mucho: ‘Common Ground’. Me gusta mucho su letra y todo lo que significa, creo que es una canción que mola”.

(Risas) Justo lo que pensaba.

Sí, justo esto que dices de las

¿Y cómo os las apañáis para no

“Usamos el clásico una por ti, una por nosotros. En los directos tenemos un algoritmo que de momento funciona. Metemos al menos diez canciones que tenemos que tocar sí o sí, canciones que sabemos que la gente viene a escuchar como ‘Action & Action’, y luego ya elegimos algunas de Kicker, tres o cuatro del nuevo disco, que lo estamos promocionando, y así nos quedarían aún cinco o seis canciones que son nuestro comodín para hacer lo que nos dé la gana (risas). A lo mejor tocamos algún tema muy profundo de Guilt Show o algo de nuestro pri-

86

Aunque si lo piensas realmente, sigue habiendo gente, en esto que llaman la tercera o cuarta ola del emo, que sigue tocando con sentimiento y sintiendo lo que tocan, como vosotros hace veinte años. ¿No estaríamos hablando en términos parecidos?

“El tema con la palabra ‘emo’, a mi parecer, es que significa algo distinto para cada una de las personas que lo usa. Para algunos Sunny Day Real Estate es emo, para otros lo es Fall Out

letras es curioso. Este álbum está lleno de canciones cañeras, enérgicas y aparentemente felices, pero que cuentan cosas tristes...

“Totalmente. Es una dicotomía que siempre me ha flipado. Componer canciones tristes con letras felices y viceversa, creo que es algo apasionante”.


CORROSION OF CONFORMITY

Sin rastro de erosiรณn


El 25 aniversario de su álbum Deliverance ha servido de excusa para que Corrosion Of Conformity vuelvan a la carretera. Con su presencia confirmada en el próximo Azkena Rock Festival, era un buen momento para hablar con su guitarrista y fundador Woody Weatherman, el único miembro que ha estado AL PIE DEL CAÑÓN de manera permanente. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

P

ese a su indudable influencia en

cuanto a sonidos duros se refiere, el nombre de Corrosion Of Conformity suele pasarse por alto en estos días. Una injustica a todas luces. Formados en Raleigh, Carolina del Norte, en un lejano 1982 cuando Woody Weatherman (guitarra), Mike Dean (bajo) y Reed Mullin (batería) eran unos adolescentes, sus primeros trabajos impactaron en el underground por su abrupta fusión de hardcore y thrash, en los que también se intuían influencias de iconos de los 70 como Black Sabbath o Lynyrd Skynyrd. Pero poco a poco, su sonido fue volviéndose más pesado y con más groove, y con la entrada de Pepper Keenan en 1989 como segundo guitarrista, acabaron transformándose en una máquina de stoner metal imparable. Deliverance, su cuarto álbum y primero con Keenan como vocalista, fue publicado en septiembre de 1994, y a pesar de la dura competencia que venía en aquellos días de Seattle, sigue aguantando el tipo como uno de los mejores discos de esa década. Que en unas semanas podamos disfrutarlo con la misma formación que lo grabó es un pequeño privilegio.

mos a centrarnos en ese álbum, pero también tocaremos temas nuevos y algunos de discos más antiguos. Nos dimos cuenta de que habían pasado 25 años y queríamos hacerle un pequeño homenaje a ese disco”.

“La verdad es que no parece que haya pasado tanto tiempo. Pero el tiempo vuela cuando te estás divirtiendo (risas). Es raro mirar atrás, pero me siento bien respecto a ese álbum”.

Karl (Agell) dejó el grupo ya estábamos trabajando en Deliverance desde hacía unos meses y, de entrada, no se nos ocurrió que quizá Keenan podía ser el cantante. De hecho, probamos a otra gente (risas), pero no encontramos a nadie que encajara bien con esas canciones. Y finalmente le dijimos que lo probara él y, sin darle demasiada importancia, lo hizo, y el resto es historia. Todavía sigo siendo amigo de Karl, pero el caso es que cuando Keenan decidió dar el paso vimos que funcionaba muy bien”.

¿Dirías que ese disco marcó un

En ese disco tirasteis más hacia

antes y después en vuestra ca-

el stoner, sludge. ¿Fue para

rrera musical?

adaptaros más a su estilo?

“Creo que sí. Quizá el cambio más importante vino con el álbum anterior, Blind, en el que nos abrimos a otra dirección, pero Deliverance tuvo un gran impacto. Hay canciones ahí que han perdurado y que disfrutamos tanto tocando ahora como hacíamos entonces. Tomamos un gran riesgo con ese disco, pero creo que arriesgar tiene su recompensa. Llevamos casi 40 años como banda y tenemos la suerte de seguir aquí teniendo fans que nos apoyan”.

“Hubo un poco de eso, pero ya teníamos varias canciones grabadas cuando Karl se fue. Así que diría que ya íbamos a por esa onda y quizá Keenan lo acabó de asentar”.

¿Cómo te sientes al pensar que han pasado 25 años?

Deliverance fue el primer trabaVuestro concierto en el Azkena

jo en el que Pepper Keenan co-

se enmarca dentro de la gira

gió el rol de vocalista. ¿Qué os

por los 25 años de Deliverance.

llevó a tomar esa decisión?

¿Vais a tocarlo entero?

“Pepper cantó una canción en Blind, ‘Vote With A Bullet’, pero cuando

WOODY WEATHERMAN “Sí, va-

También afloraron más vuestras influencias sureñas.

“Claro, vivimos en el Sur. Yo crecí escuchando bluegrass y country. Y siempre hemos sido fans del rock sureño de The Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd, hay grandes guitarristas como Stevie Ray Vaugan o Johnny Winter que nos han influenciado. Un poco del Sur nunca viene mal, ¿no? (Risas)”. Lo que está muy bien es que la formación es la misma que en89


tonces con Kennan, Dean y Mu-

cena grunge en ese momento?

llin. ¿Crees que eso lo hace más

“Sí. Los últimos tres o cuatro años han sido geniales. Fuimos un trío durante un par de años, pero hablamos con Pepper y cuando decidió volver pudimos desempolvar un montón de canciones antiguas. Es muy interesante poder volver a tocar tantos temas”.

“Me gustaba. Era un gran fan y todavía lo soy de Soundgarden. Hicimos varias giras juntos y son una de mis bandas favoritas. Alice In Chains también eran muy buenos. Otras bandas de Seattle no me gustaban tanto, no era mi rollo. Creo que Soundgarden eran los mejores de todos”.

También fue vuestro primer

Pese a esta mirada al pasado,

álbum para Columbia Records.

la banda sigue sacando bue-

¿Os sorprendió que una multi-

nos discos como No Cross No

nacional se interesara por una

Crown.

banda como COC?

“Muchas gracias. Hay dos cosas básicas en el grupo, a nuestro entender. La primera es que lo pasemos bien tocando juntos. Y la segunda es que queremos seguir creando nueva música. Si salimos de gira no queremos sólo depender de los viejos temas. Si en algún momento falla una de esas dos cosas, lo dejaremos hasta que estemos listos de nuevo, pero por ahora todo va genial. La verdad es que me siento súper feliz de tener fans por todo el mundo que quieren seguir viéndonos”.

especial?

“Era raro, sí. Tenían un par de bandas cañeras como Alice In Chains y alguna más, así guitarreras. Fue un poco extraño. The Obsessed también estuvieron en Columbia durante un tiempo corto. Había una gente allí que era fan nuestra y todo fue bastante fácil. Aunque, claro, ellos eran una empresa gigante y los jefazos querían hits, pero nosotros no éramos ese tipo de banda. Así que sólo duramos un par de discos, pero, en general, fue una experiencia positiva”. Aun así, ‘Albatross’ y ‘Clean My Wounds’ tuvieron cierta difusión

Tú has sido el único miembro

en la radio y en la MTV.

que ha estado ahí siempre. ¿Te

“Sí, era un poco surrealista escuchar canciones de COC en grandes emisoras comerciales, pero me gustaba. Muchas de esas emisoras ahora sólo tienen una hora de metal y todavía nos ponen de madrugada, pero era emocionante en ese momento. Ahora la radio es muy mainstream, pero por suerte existen cosas como Sirius XM con canales especializados”.

sientes un poco el capitán de la

¿Cómo te sentías respecto a la es-

90

nave?

“(Risas) En realidad no. No lo veo así. Es genial tener a mis amigos cerca, tocar con ellos… Después de 37 años no pido más”. Háblame un poco de los inicios

primeros discos, ya éramos grandes fans de Black Sabbath, pero nos gustaban mucho Bad Brains, Black Flag… Éramos unos críos metaleros, pero tocábamos con la energía del punk. Siempre quisimos llegar a donde fuimos después, pero lo cierto es que la escena punk y hardcore es la que nos permitió poder girar tanto. Teníamos muchos amigos en otras ciudades y nos invitaban a tocar con ellos. Era una escena de verdad”.

del grupo… En ese momento erais una banda más cercana al

¿Había una buena escena en

hardcore y el thrash.

Carolina del Norte?

“Así es. Cuando sacamos los dos

“Te lo creas o no, había una escena


“A cualquier músico le gustaría tener un éxito tan enorme como el de Metallica. El que diga lo contrario miente, pero la verdad es que estoy feliz donde estoy” WOODY WEATHERMAN

muy activa. Especialmente en nuestra ciudad, Raleigh, muchos grupos venían a tocar ahí, Bad Brains, Black Flag, Circle Jerks, Suicidal Tendencies… Nosotros empezamos a tocar en las ciudades más cercanas, Richmond, en Virginia, Atlanta, en Georgia, y fuimos creciendo a partir de ahí”.

bién conocieran nuestra banda. Son buenos tíos, la verdad es que han sido muy generosos cada vez que nos han llevado de gira con ellos”.

relación con Metallica. ¿Empezó en ese momento?

“Sí, muy al principio tocamos con ellos. Éramos fans de Metallica antes de conocerles, yo me compré Kill ‘Em All y tuvimos la suerte de que tam-

ba con ellos cuando buscaban sustituto para Jason Newsted. ¿Te gustaría que COC hubieran llegado a donde llegaron Meta-

Aunque también seas músico,

llica?

tiene que ser un poco surrealis-

“(Risas) A cualquier músico le gustaría tener un éxito tan enorme como el de Metallica. El que diga lo contrario miente, pero la verdad es que estoy feliz donde estoy”.

ta ver cómo tus amigos se convierten en superestrellas.

Siempre habéis tenido buena

Pepper llegó a hacer una prue-

“Sí, posiblemente son la banda más grande del planeta. Pero me alegro por ellos porque son un gran grupo y siguen siendo buena gente. No me gustan todos sus discos, pero no pasa nada. En directo siguen teniendo energía”.

91


OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

COACHELLA NO, BEYCHELLA

H

ola amigos! Harta de tanta campaña electoral he decidido aislarme un poco durante un par de horas para disfrutar del documental de Beyoncé, Homecoming. La actuación de la artista como cabeza de cartel en Coachella, le sirve, no sólo para deleitarnos con un concierto espectacular, sino para estamparnos una auténtica declaración de principios y de intenciones. Homecoming es una creación de Beyoncé, dirigido, escrito y producido por ella misma, demostrando su poder y control. Control que además queda patente en como la cantante selecciona personalmente a cada uno de los bailarines, como supervisa dentro y fuera del escenario el sonido, las coreografías, y como está involucrada en el vestuario y en los detalles más nimios. El punto de partida es Coachella 2018, un evento con gran significado e

importancia, no sólo por el hecho de ser la primera artista afroamericana en encabezar el cartel, sino además por ser su retorno a un escenario tras el nacimiento de sus gemelos. Beyoncé aparece en todo momento currando. No hay cámaras persiguiéndola, ni declaraciones de la artista sentada en plan estupenda en un sofá frente a una cámara, sus intervenciones en off hablan del sacrificio para llevar a cabo tal empresa, de lo que le costó recuperar la forma tras su parto, de la mierda de dieta que tenía que llevar, y de sus 15 horas trabajando en las coreografías. La cultura afroamericana está presente en citas de activistas y personalidades como Nina Simone o Maya Angelou, y hace del empoderamiento de la mujer otra de sus banderas. Beyoncé fue la diosa de Beychella, y en cierta manera del mundo, y yo ahora sólo quiero tener su pelazo y mover el culo como ella.


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