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Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

El destino ha querido que en el mes en el que RockZone cumplimos 15 años, Green Day vuelvan a estar en portada como en aquel, ahora lejano, nº1 de la revista. Como no podía ser de otra manera, en todo este tiempo nos ha pasado de todo tanto a nivel personal como profesional. Algunos han sido padres, otros no, a algunos les ha crecido el pelo, a otros se les ha caído, nos hemos adaptado lo mejor que hemos sabido a los nuevos retos de la era digital y, por suerte o por desgracia, nuestras corrientes siguen a años luz de las de Green Day. Pero si algo se ha mantenido es nuestra ilusión por seguir viviendo la música como entonces. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Talco (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL


SUMARIO

Nº 166

06 / EN DIRECTO 18 / OZZYO 24 / GREG DULLI 30 / CROSSFAITH 34 / TOUNDRA 40 / BODY COUNT 46 / GREEN DAY 54 / DISCO DEL MES 56 / CRÍTICAS 70 / THE MAINE 74 / DEADYARD 78 / MIDNIGHT 82 / OPINIÓN 84 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!


EL CONCIERTO DEL MES BY:

THE TOY DOLLS 19/1/2020 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: JORDIAN FO FOTOS: NADIA NATARIO

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CRIM

E

ntre 1979 y 1980 sucedieron cosas realmente importantes para la historia contemporánea: mis padres decidieron engendrarme, se fundó La Masía del Barça, en Los Angeles cuatro chavales empezaban a hacer ruido bajo el nombre de Bad Religion, mientras que en Inglaterra, por eso estamos aquí, Olga se ponía por primera vez sus gafas fosforito y montaba The Toy Dolls. Tocaba pues celebrar sus 40 años de trayectoria musical y la gente respondió con un sold out llenando la sala grande del Razzmatazz. También ayudó que los teloneros fueran una de las bandas más respetadas de la escena actual: Crim. El cuarteto de Tarragona hace tiempo que juega en otra liga, en la Champions del punk rock nacional, y con que tocaran algunas canciones de sus inspirados discos Pare Nostre Que Esteu A L’Infern y Blau Sang, Vermell Cel ya tenían al público en el bolsillo. Sobre el escenario

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los miembros de Crim estuvieron muy estáticos y quizás demasiado preocupados en ejecutar bien sus composiciones, aunque el sonido embrollado de la sala no jugó a su favor precisamente. Aún así, en temas como ‘Maneres De Viure’ o la propia ‘Pare Nostre Que Esteu A L’Infern’, con la que acabaron, triunfaron por todo lo alto y se podría decir que, en general, aprovecharon correctamente la ocasión y la plaza. La anécdota de su descarga fue que el taburete de Marc se rompió a media canción y lo tuvieron que sustituir por otro para que pudiera seguir aporreando la batería. Después tocaba cambio de lona y las obligadas visitas a la barra y al lavabo antes de que salieran los Toy Dolls. Entonces sonó el ‘Happy Birthday To You’ que todo el mundo conoce y allí aparecieron los tres, trajeados y con sus gafas de sol multicolor. Estuvo muy bien que decidieran tirar no sólo de clásicos

sino que ejecutaron varias canciones de su último disco Episode XIII, que, por cierto, no está nada mal como LP. No desentonaron en el repertorio de los ingleses, aunque la mayoría de los presentes estaba allí para botar y corear ‘Nellie The Elephant’ o ‘Harry Cross’. Tampoco faltaron las bromas, el confeti, los juegos de humo, los globos, las tonterías, los instrumentos que giran 360 grados e incluso Olga repartió gafas como las que él lucía a unos cuantos afortunados que estaban en el foso. Para uno de los bises finales tuvieron el detalle de invitar a Quim de Crim a tocar la guitarra con ellos; un gesto que fue aplaudido por todos. Los puretas que lucían más canas, calvas y barriga que crestas de colores recibieron lo que esperaban: una buena dosis de punk pop irreverente mezclado con unas gotas de oi!, de surf instrumental y de los gags de El Show De Benny Hill. Esto sí fue un cumpleaños total.


TSJUDER

EINDHOVEN METAL MEETING 12-14/12/2019 - EFFENAAR, (EINDHOVEN, HOLANDA) TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

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ACROSTICHON

T

oca otra vez la crónica del Eindhoven Metal Meeting, el mejor festival que hay para acabar el año sonriendo. Por suerte en esta ocasión pude volver a asistir al warm up que se realizaba el día antes, con un cartel casi más interesante que cualquiera de los dos días del festival. El warm up se llevó a cabo en la sala pequeña del Effenaar, a rebosar de gente para disfrutar de los cuatro conciertos de esa noche. Llegamos justos para escuchar los acordes finales de Matterhorn y ver las camisetas del festival que ya estaban expuestas para la venta el día siguiente. Aún no me explico por qué Sodom no salían impresos en ellas… Pero bueno, vayamos al lío. La primera banda en salir fueron los polacos Blaze Of Perdition y su black metal, que por desgracia es un entrante algo soso para un servidor. Era la segunda vez que les veía y siguen sin emocionarme

demasiado. A continuación Bölzer presentaban su nuevo EP Lese Majesty, que recién salido de la fábrica y con menos de 30 minutos, puedo decir que es de lo mejor que sonó en casa el pasado año. Como es habitual, HzR y KzR se envuelven en la oscuridad y desarrollan su aplastante magia musical épica y atronadora que consigue que no puedas evitar hacer headbanging durante todo el concierto. Como siempre alucinantes y sin palabras, sonaron temas de su larga duración Hero o de sus EPs previos. La banda destacada para mí de esa noche y muy difícil de ver en directo era Dødheimsgard, la formación noruega más loca dentro de las mejores bandas del black metal noruego. Ahora sólo cuentan con un miembro de esa época, el actual cantante Vicotnik, el cual es el máximo responsable del grupo y de su interacción completamente teatral con el público, y en mi memoria solamente tenía ese

mítico concierto que hicieron en 1999 en la sala Garatge de Barcelona junto a Dimmu Borgir y Dark Funeral, el cual decepcionó a todos los que lo recuerdan. Por suerte, aquí todo fue diferente. Celebraban el 20 aniversario de su incursión al industrial con el disco 666 International y de allí salieron algunos temas como ‘Ion Storm’, pero sin olvidarse de ‘En Krig A Seire’ de su disco debut Kronet Til Konge, ramalazos thrash como ‘The Ultimate Reflection’ de su disco Monumental Possession o ‘The Cristal Specter’, con la que acabaron su descarga. Un excelente concierto que por fin hizo justicia mi pasión por los álbumes de este grupo. Como siempre, surgen problemas, y esta vez no fue la lluvia o las nevadas, sino la cámara y el maldito objetivo recién reparado, que volvió a tener el fatal ‘Error-1’, y que hizo que tuviera poco margen de ópticas para el resto del festival… pero como buen fotó-

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CANDLEMASS

grafo, el resultado final fue más que aceptable. VIERNES 13 El viernes fue primer día de festival, y fuimos justo después de la comida con todos los amigos que cada año nos reunimos en Eindhoven. La primera banda que pude ver un rato fueron The Committee, una formación de black encapuchada, y dejaron buenas sensaciones aunque en la sala pequeña del Effenaar Asagraum empezaban a denotar que el black metal sería quien marcaría esa primera jornada. Con su corpse paint, estas chicas holandesas defendían su segundo disco Dawn Of Infinite Fire en casa y tuvieron el apoyo de una sala a reventar, que nos dejó con ganas de volverlas a ver en mejores condiciones para el público. De allí a coger las escaleras para la sala grande para ver la brutalidad de Tsjuder. Los noruegos repasaron toda su discografía, en especial temas de su

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SODOM

disco Desert Nothern Hell sin dejarse canciones como ‘Kaos’, ‘Kill For Satan’ y, cómo no, esa increíble versión de Bathory, ‘Sacrifice’. Seguramente fue uno de los mejores conciertos de ese día, y destacar que un trío pueda sonar así de bien y encima con una luz perfecta para que todo el mundo les vea estén donde estén de la sala. A veces en el black no todo son luces y sombras, y eso es de celebrar. Los también locales y veteranos Acrostichon tocaron a la misma hora practicando un doom death old school soberbio del que por desgracia sólo pude catar un par de temas. ¡Malditas coincidencias de horarios! A Alcest los había visto hacía poco en el AMFest de Barcelona y por esa razón los dejé de lado y me fui a ver bandas menos comunes como los death metaleros Bodyfarm. Ellos son cuatro chicos de Utrecht que con su nuevo disco Dreadlord y unas camisetas trabajadas hicieron que me interesase

por ellos. En directo me parecieron una buena banda de death metal con reminiscencias a Asphyx o Sinister pero algo más técnica, sobre todo por parte del guitarra, que lucía una camiseta de Iron Monkey. Correcto concierto con sus más y sus menos que nos dejó tiempo para ver si esta vez los Bloodbath de Nick Holmes me convencían. Y no, segunda vez que los veo y no entro en el concierto. Supongo que será mi problema, porque a pesar de que sea muy fan de Old Nick en los primeros discos de Paradise Lost, en Bloodbath me aburro soberanamente ya sea en temas propios como ‘Fleischmann’ o en ‘So You Die’, que grabó Mikael Åkerfeldt. Seguí viendo el show, observando cómo a la gente le encantaba y yo con la cabeza en que debía ver Nocturnal Breed en la sala pequeña. Y efectivamente, así lo hice, aunque me perdiese algunos temas de estos locos noruegos fans del black thrash más macarra. Cuando ves a S.A. Destroyer, cantante


M.O.D.

y bajista de la banda, enfundado en su chupa de cuero, sin camiseta y gafas espejo, ya sabes que ese concierto va a dar de sí. Diversión asegurada con riffs afilados, striptease incluido de una chica sobre el escenario y cabras y sangre encima de él. Tópico tras tópico pero que funciona y hace que todo el público se divierta y haga algo de pogo, que hasta el momento todo estaba muy tranquilo en este Eindhoven Metal Meeting… El inicio del concierto de Vision Bleak estuvo bien; metal con tintes góticos y muchos fans entregados, pero se iba desfigurando y disminuía el interés por momentos. La solución a ese problema fue fácil: ir a la sala grande y ver a Sodom, que hicieron uno de los mejores conciertos de todo el festival, donde todo el mundo se volvió como loco en el pit y no hubo tregua para nadie. Un escenario franqueado en los laterales por el soldado de la portada de Persecution Mania junto a las portadas de

Agent Orange, y el nombre de Sodom en el telón trasero daban a entender que éste no iba a ser un concierto cualquiera. Empezaron con un tema nuevo, ‘Genesis XIX’, y a partir de allí, todo baladas como ‘Sodomy & Lust’, ‘Outbreak Of Evil’ empalmada con ‘The Saw Is The Law’, ‘Agent Orange’, ‘Blasphemer’, ‘Nuclear Winter’… y es en esos momentos donde te encuentras con toda la gente que conoces, en medio del jaleo saltando con la cámara y disfrutando como si fuesen otra vez finales de los 80. Más cansado y algo más viejo acabamos esa noche con Kampfar, a los cuales los había visto hacía un par de semanas con Hellhammer en un pequeño club de Parma. El concierto fue igual, mismo setlist, pero esta vez no los disfruté tanto, aunque temas como ‘Mylder’ suenan tan bien en directo que hace que no te puedas ir sin ver todo su bolo otra vez. Turno para dormir y último día en el Eindhoven.

SÁBADO 14 Empezó la jornada con la grata sorpresa de 1914, una banda que la tenía completamente fuera de mi radar y que en directo me parecieron de lo mejor que ha surgido en estos últimos años. Presentación impecable, apoyo audiovisual sobre las miserias de la guerra y sobre los soldados fallecidos en ellas. Ditmar Kumarberg, arma (pie de micro) en mano, cantaba y representaba teatralmente todos los temas sobre el escenario, dando a entender que el fusil es el mejor amigo de ese soldado. Esta banda de Ucrania recuerda a Bolt Thrower pero en una sintonía musical doom y black metalera con discursos militares. El turno siguiente era para Spectral Voice, la formación que más ganas tenía de volver a ver en vivo de todo ese fin de semana. Su trabajo Eroded Corridors Of Unbeing lo he quemado estos dos últimos años. Sobre el escenario son sobrios, y un infierno doom con 13


PARADISE LOST

death metal que hace que entres en trance los 60 minutos que duró su show. Pocas veces me quedo sin palabras para describir un concierto, pero ésta es una de ellas. Soberbio. Casi todas las bandas que vi ese sábado tocaban en el escenario grande, cosa rara, y llegó el momento de ver a Billy Milano y a M.O.D.. Hicieron un gran concierto, y es que con temas como ‘Surfing In The City’ o ‘Speak English Or Die’ es difícil no hacerlo. Justo antes de de este último Billy dio uno de sus enésimos discursos de la noche donde hablaba de los “PC motherfuckers”; o sea, de los trolls que se esconden en internet y tiran mierda sobre él y la banda. Mezcló política con sornas sobre Hillary Clinton y mil comentarios más mientras hacían sus temas. Cayeron también ‘Milk’ y muchas más covers de S.O.D.. Dijo palabras de amor para los suyos y acabó con un ‘United Forces’ que retumbó en toda la sala con las luces abiertas. Los españoles Haemorrhage, por lo que sé, hicieron un gran concierto en una sala en la que no cabía ni un al14

filer, pero por desgracia no los pude ver. Sí que estuve presente en el final de Dying Fetus, un grupo amado por muchos, con un gran directo y que los fans del death metal técnico idolatran; por suerte, no es mi caso. Si el primer día las bandas destacadas fueron de black, éste era para los grupos más doom. Los locales Officium Triste hicieron un concierto enseñando todos los galones que tienen y Candlemass volvían a dejarme sin palabras tal como hicieron en la pasada edición del Rock Fest Barcelona. Su disco The Door To Doom es una maravilla y la vuelta Johan Längqvist, cantante de su mítico Epicus Doomicus Metallicus, es un espaldarazo más al combo, que siempre ha cuidado a sus vocalistas y que demuestra que, aunque muchos echen en falta a Mats Levén, ahora ya no es su momento en la banda. Tocaron ‘Astorolus – The Great Octopuss’ y no se olvidaron de clásicos como ‘Bewitched’, ‘Crystall Ball’ o ese himno llamado ‘Solitude’. Tenía ganas de volver a ver a Paradise

otra vez en menos de dos semanas. Su concierto en el pasado Madrid Is The Dark fue excelente, pero ya se sabe que con ellos siempre es una de cal y otra de arena. Su concierto fue de los peores que he visto en años, y eso que soy ultrafan de la banda en todas sus épocas. Nick Holmes estaba completamente apagado y de esa noche sólo salvo al bueno de Aaron Aedy. Ni temas como ‘Hallowed Land’ o la gran ‘As I Die’ lograron que me emocionara, y por timming no tocaron ‘Erased’. Una lástima, pero seguro que la próxima vez tocará un buen bolo. El final del festival fue con los desconocidos Mork Gryning con su black con teclado y con alguno de sus miembros encapuchado, y como colofón final, Taake, a los cuales tuvimos la oportunidad de ver interpretar todo su mítico primer disco Nattestid Ser Porten Vid y poner casi una muralla sónica de black metal (sin llegar al nivel de 1349) que hizo que su concierto fuera la mejor manera de finiquitar el Eindhoven Metal Meeting. Lost


ALTER BRIDGE

4/2/2019 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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SHINEDOWN

L

a noche de tormenta era de ésas en las que lo único que apetece es quedarse en casa. Calles convertidas en ríos y caos general. Lo que normalmente es un trayecto de 35 minutos hasta la sala, se convirtió en una epopeya de dos horas que hizo que me perdiera a los londinenses The Raven Age. Por suerte, pude llegar a tiempo para Shinedown. El cuarteto de Jacksonville nos ofreció 45 minutos de rock alternativo mainstream americano con toques sureño. Empezaron con ‘Devil’ de su disco Attention Attention de 2018, seguido de su hit ‘Diamond Eyes (Boom-Lay Boom-Lay), que gustó mucho. Durante la tercera canción, el vocalista Brent Smith bajó al público con el propósito de que saltara cuando contara hasta tres, pero sólo cuando hubiera vuelto al escenario. Un poco absurdo. A estas alturas la sala estaba casi llena y todo el mundo se volvió loco con ‘Enemies’, para luego calmarse con ‘Monsters’. Brent le pidió a todo el mundo que iluminara sus móviles en ‘Get Up’. El resto del set incluyó ‘Cut The Cord’, ‘Second

Chance’ y una version de ‘Simple Man’ de Lynyrd Skynyrd que fue el mejor tema que tocaron. Terminaron con la pegadiza ‘Brilliant’, pero más que brillante, su actuación me pareció un tanto insípida. Esta nueva visita de Alter Bridge debería haberse celebrado en el Sant Jordi Club, pero por desgracia la floja venta de tickets hizo que se trasladara a Razzmatazz. Así que al contrario de lo que hicieron en Madrid y otras ciudades de la gira, aquí no pudieron desplegar ni su enorme telón, ni tampoco las pantallas para los efectos visuales. Una pena. Myles Kennedy, Mark Tremonti, Brian Marshall y Scott Philipps salieron al escenario mientras sonaba una versión grabada de ‘One Life’ y a continuación tocaron ‘Wouldn’t You Rather’, el primer single de su último disco Walk The Sky. Siguieron con el hit ‘Isolation’, ‘Come To Life’ y ‘Pay No Mind’, en la que mostraron la nueva dirección con el añadido de un sintetizador. Luego llegarían ‘Ghost Of Days Gone

By’ y la favorita del público ‘Broken Wings’. Durante este primer tramo me pareció que al show le faltaba la energía habitual de Alter Bridge, pero poco a poco fueron remontando. Primero con ‘Native Son’, una de las mejores canciones de Walk The Sky, y con Myles haciendo un pequeño solo de guitarra y usando su carisma. La banda se unió para ‘Rise Today’, la nueva ‘In The Deep’, ‘Cry Of Achilles’, y ‘Forever Falling’ en la que Mark tomó la voz principal. La acústica ‘In Loving Memory’, con la participación del público, trajo el punto emotivo y, naturalmente, tampoco podía faltar ‘Blackbird’. ‘Open Your Eyes’ y ‘Metalingus’ cayeron antes del bis con ‘Godspeed’, de nuevo destacando el uso del sintetizador, y finalmente ‘Addicted To Pain’. Me decepcionó que no tocaran ningún tema de The Last Hero, un disco con canciones estelares, y también de no haber podido disfrutar de la escenografía completa, pero los fans de Alter Bridge pasamos un buen rato, mientras fuera de la sala parecía que el mundo se acababa.

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OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO, JORDI MEYA

VV.AA.

DUNE FRANK HERBERT

(PANINI)

(NOVA)

MARVEL COMICS 1000

Los 80 años de Marvel, contando su inicio con la publicación de la revista Marvel Comics en 1939, tienen su celebración con este especial bajo el nº 1000. En él, 80 equipos creativos diferentes ofrecen una historia coordinada en la que muestran, a ritmo de uno por página, un hito de la editorial a lo largo de cada año transcurrido. El experimento funciona la mar de bien y sirve tanto para presentar o rescatar personajes y momentos históricos, como para dar pie al nª1001. SG

VEN, QUE TE LO EXPLICO CON DIBUJOS Samuel González (AUTOEDITADO(

Teniendo en cuenta el penoso panorama político de nuestro país, no es de extrañar que sea un material de primera para la sátira. Este librito guionizado y dibujado por nuestro especialista en cómics no deja títere con cabeza, disparando con especial ‘cariño’ hacia personajillos como Rivera, Casado o Ayuso. Pero también los votantes sabelotodo y bocachanclas reciben lo suyo. Esperemos que a nuestro querido Samu no le caiga una querella... JM

Una de las imágenes que se grabó con fuego en mi memoria la primera vez que visioné Dune de David Lynch fue la de un joven Sting interpretando a una bestia Harkonnen, pelirrojo y con una estética ciberpunk. Pero no es ésa la única referencia musical que se puede encontrar, ya que el relato original de Frank Herbert inspiró nominalmente a varios grupos posteriores: Shai-Hulud, el Viejo Padre Eternidad, fue el nombre escogido por una banda de metalcore de Florida en 1995; mucho más cerca de nosotros, en Valencia, un grupo de post metal bastante interesante decidió llamarse Mentat, Por si eso no fuera suficiente, uno de nuestros estilos favoritos, el hardcore, se parece mucho al apellido de los malos de esta historia, los Harkonnen. Estos últimos se alían con las tropas imperiales (los Sardaukar) para vencer a los Atreides, quienes a su vez buscan el apoyo de los nómadas del desierto (los Fremen). ¿Año? 10.191. ¿Lugar? Arrakis, un planeta hostil casi desértico donde cada gota de agua vale su peso en oro. Más o menos ése es el argumento del libro escrito en 1965. Se trata de una epopeya épica con un universo propio y un vocabulario específico, por lo que se agradece que esta edición nueva para coleccionistas incluya un apéndice de 27 páginas donde se explican los términos utilizados por Herbert en el relato. Frikis de otras sagas de ciencia ficción, ésta es una ocasión inmejorable para (re)descubrir Dune. RR

BUSINESS CAT Tom Fonder (FANDOGAMIA)

Después de aparecer publicado online en la línea de webcomics de la editorial Fandogamia, el primer volumen de las aventuras del gato empresario llega hasta nuestras manos. Como suele ser lo habitual en el género, la mamarrachez es la reina de cada una de las páginas y el efecto acumulación de gags termina por ofrecer momentos desternillantes dentro de la coherencia narrativa del trabajo. Tan adorable como cafre, es ideal para los amantes de los gatos y como regalo casual con el que sorprender a alguien querido. SG

LA GUERRA QUE DAN LAS GALAXIAS: EL ASCENSOR DE SKYWAL ¿QUÉ? Kalitos (EDITORIAL CORNOQUE)

Puro underground aragonés repleto de toneladas de cariño hacia la saga galáctica (y unos cuantos buenos momentos mostrencos). Éste es el octavo año en el que Kalitos ofrece su particular versión de la serie de George Lucas en clave de humor y homenaje a los clásicos de Bruguera. Siempre tiene momentazos cada uno de sus tebeos y páginas en las que se ven auténticas genialadas. Siempre es una gozada disfrutar de sus cafradas a base de golpes de humor basicotes. SG


DE CINE_ CON MIGUEL BAIN EL FARO

LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO

C

on sólo una película, Robert Eggers llamó la atención de propios y extraños. A través de La Bruja, un desconocido norteamericano que apenas superaba la treintena marcó un hito en el horror actual, ‘elevándolo’ (ay) hacia una angustia existencial equivalente a trasladar al espectador a la Nueva Inglaterra del siglo XVII. Tras intentar arrancar un nuevo proyecto centrado en Nosferatu, Eggers rescató una vieja historia, creada mano a mano con su hermano Max, centrada en las viejas leyendas de los lobos de mar de antaño y ambientada en un faro en medio de ninguna parte. Aparcando la imagen digital con la que no tuvo más remedio que filmar su extraordinaria ópera prima (por razones presupuestarias) para filmar en unos poderosos 35mm en blanco y negro al servicio de un majestuoso 1.19, el cineasta nos regala en El Faro un verdadero festival 20

para los sentidos. Para ello, Eggers se sirve de dos de las interpretaciones más extremas de Willem Dafoe y Robert Pattinson, estrella del firmamento desde sus tiempos de vampiro adolescente y que ahora se enfunda el nuevo traje de Batman con todo merecimiento. El ojo de Pattinson para ser uno de los tipos más fiables de la industria es digno de alabanza: David Cronenberg, James Gray, los hermanos Josh y Benny Safdie o Claire Denis son un currículum de primera. La potencia visual de Jarin Blaschke se multiplica gracias a la prodigiosa, angustiosa e incómoda música de Mark Korven, y entra ambos logran que la película sea una apuesta por la forma, algo que no es óbice para poder apreciar un fondo lleno de riqueza y lirismo. Dos almas perdidas en la última luz de los confines del mundo peleando contra su propia cordura. Rodeados de leyendas, miedos, secretos y quién sabe si algo más, los dos personajes compartirán una pestilente existencia entre gaviotas y descubrimientos. Entre pesadillas y sospechas, para terminar ofreciendo entrando en una batalla legendaria, tanto interior como exterior, entre semidioses humanos. El Faro es una apuesta atrevida, rompedora, completamente desconectada de las normas de la narrativa actual.

BLISS

BLANCO SOBRE ROJO

J

oe Begos es una jodida estrella del rock, sólo que en lugar de componer temazos, escribe y dirige algunos de los títulos de horror más atractivos y libres de los últimos diez años. Todo arrancó con la simpática y minúscula Casi Humanos, una peli que rodó en el jardín de su casa por cuatro perras y donde forjaría con su amigo de toda la vida Josh Ethier. Tras ese sofisticado ejercicio de vetustas reverberaciones gore llegaría la gozosa Poder Mental, simplísimo (o no) título español para The Mind’s Eye, posiblemente el mejor legado de Scanners que nunca hayamos merecido. Además, ahí también se inició la sociedad con Steve Moore, uno de esos reyes del sinte que no flaquea a la hora de sonorizar una película como dios manda o presentar temazos con su proyecto Zombi. En esas estábamos hasta

que el bueno de Begos se ha plantado en 2020 (en realidad antes) con dos nuevos largometrajes bajo el brazo. El segundo, VFW, llegará más adelante (al menos en el mundo civilizado), pero el primero en llegar, el que aquí nos ocupa, es sin duda su obra más redonda hasta la fecha. Bliss es un melocotonazo de 75 minutos (sin contar los créditos finales) que se abre con un pepinazo del único disco de The Nymphs y que no se apea de ahí ni en los momentos de mayor bajona. Tranquis, no hablo de bajona melodramática, me refiero a la bajona que llega el día que despiertas desnudo en un cuarto de baño cubierto de sangre tras una noche de fiesta que se te va de las manos. Eso es exactamente lo nuevo de Joe Begos, una farra que no se acaba nunca, un desfase entre locales de mala muerte, garitos de conciertos, sexo bestia, crímenes atroces y el bloqueo del artista, en este caso el miedo al lienzo en blanco, que se vuelve puro cine de terror hermosamente fotografiado. Con un reparto lleno de rostros habituales en su cine, colegas y viejos veteranos (¡¡¡el puto Norm de Cheers!!!), Begos ofrece esta ansiosa pesadilla pictórica de gran belleza; su obra más sexy y rockera. Dora Madison, puta jefa.


PISANDO FUERTE - GHOSTEMANE


N

o es habitual que un rapero asegure que un grupo como Bathory es su principal influencia. Pero es que Ghostemane no es un rapero como los demás. Quizá para entenderlo haya que buscar en sus inicios, cuando Eric Whitney, su nombre real, tocaba como guitarrista en bandas de hardcore como Nemesis en su Florida natal. “Por desgracia, nací en 1991, así que me perdí la ‘era dorada’ del death metal y todas las bandas pioneras”, reconocía en una entrevista con la web Metal Insider. “Pero descubrí a Deicide, Death o Carcass más tarde gracias a mi primo Ron. La mayoría de mi adolescencia la pasé a saco con la ola del metalcore, antes de que en mis primeros 20 me metiera en el hardcore”. Más tarde se interesaría por el hip hop a través de artistas como Dirty Boyz, Bone Thugs, Three 6,

pero fue tras mudarse a Los Angeles en 2015 que su carrera musical daría un giro radical. Gracias a entrar en contacto con el rapero JGRXXN, Whitney se unió al colectivo Schemaposse, en el cual estaban Craig Xen y el ya fallecido Lil Peep, y empezó a hacerse un nombre en el underground gracias a su peculiar acercamiento al rap con un enfoque oscuro y tratando temas ocultistas, de muerte, rituales y sacrificios. Su punto de inflexión llegó de la mano de otro rapero de Florida, Pouya, con quien grabó el vídeo ‘1000 Rounds’ en abril de 2017. El vídeo se convirtió en viral y en la actualidad cuenta con más de 20 millones de reproducciones. Su visionaria e irreverente filosofía para traspasar géneros y estilos culminó en su último disco N/O/I/S/E publicado en octubre de 2018. En él dejó aflorar más que nunca sus raíces,

mezclado rimas sobre beats y bases trap con sonidos que beben del black metal y el industrial. Que contase con las colaboraciones de Mark Bronzino, guitarrista de Iron Reagan, Cayle Sain, batería de Twitching Tongues o el productor de Code Orange o Power Trip, Arthur Rizk no era casualidad. Pese al misterio que rodea su figura, sus popularidad no ha cesado de crecer y tras agotar las entradas en su anterior visita, Ghostemane volverá a nuestro país el mes que viene para actuar en salas más grandes. El 1 de marzo en La Riviera de Madrid y el 2 en la Razzmatazz de Barcelona tendremos una nueva oportunidad para vivir el futuro de la música en el presente.

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GREG DULLI

SELECCIÓN NATURAL NUNCA SE FUE, PERO LA VUELTA DE THE AFGHAN WHIGS HA SERVIDO PARA REIVINDICAR (SI ES QUE ERA NECESARIO) LA FIGURA DE GREG DULLI. EL LÍDER DE UNA DE LAS FORMACIONES MÁS ESPECIALES DE LOS 90 ENTREGA AHORA SU PRIMERA REFERENCIA EN SOLITARIO. UNA EXCELENTE EXCUSA PARA SENTARNOS A HABLAR CON ÉL. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR


E

N OCASIONES, LAS CIRCUNSTANCIAS QUE SE DAN EN cada

momento vital suelen ser caprichosas. Pensad en la cantidad de giros del destino que pueden haber sufrido nuestras vidas por mera casualidad. Aunque quizás no de una manera tan trascendental como pudiera parecer, es así como Greg Dulli se ha encontrado con que, en lugar de componer un nuevo álbum de The Afghan Whigs tras el notable regreso al ruedo que significaron Do To The Beast e In Spades, ha acabado haciendo lo propio con su debut como artista en solitario en más de tres décadas de carrera profesional. Un feliz accidente que, tal y como nos explica el propio Dulli durante su visita promocional a Madrid a comienzos del pasado diciembre, tenía su idea inicial en trabajar nuevo material para la banda. Pero al encontrarse todos los miembros de los Whigs indispuestos por distintos motivos, se animó a convertirlo en Random Desire (Royal Cream/BMG), su primera aventura bajo su propia firma. Escuchándolo con detenimiento, es inevitable pensar en la formación que le hizo uno de los nombres más destacados dentro del mundillo alternativo de los 90 gracias a discos como Gentlemen y Black Love. Aunque esta vez el enfoque es algo más sofisticado que de costumbre. Durante la conversación que mantenemos en las oficinas de su discográfica, Greg explica detalladamente los pormenores de su nueva criatura, además de comentar abiertamente otras cuestiones. A pesar de que confiesa no haber pegado ojo durante la noche anterior y llevar

más de 35 horas despierto (su mánager tuvo que coger un vuelo de vuelta a Estados Unidos esa misma madrugada por motivos familiares casi nada más aterrizar en la capital el día anterior), no muestra signos de cansancio. Al contrario, se descubre como un interlocutor atento, sincero y agradecido. Un verdadero caballero de los que ya quedan menos.

Escuchando Random Desire, se nota que lleva tu sello. Aunque en general es un trabajado más sosegado, sin ser tan rockero, creo que muchas de estas canciones podrían estar sin problemas en cualquiera de los trabajos de The Afghan Whigs en esta última etapa. ¿Qué dirías que lo hace distinto a los anteriores que has grabado a lo

He estado investigando un

largo de tu carrera?

poco y he descubierto que ya

“La diferencia es que aquí he tocado todos los instrumentos. Yo soy la banda (risas)”.

en 2006 salió un disco bajo tu nombre titulado Amber Head-

lights. ¿Me podrías aclarar qué es exactamente?

¿Y crees que has podido hacerlo

GREG DULLI “En realidad Amber

mejor que los otros?

Headlights eran descartes de otro disco de The Twilight Singers, Blackberry Belle. Salió tres años después de aquel álbum, así que realmente no lo considero como un disco en solitario”.

“Por supuesto que no (risas). Sé tocar la batería, pero no soy batería. Así que escribí canciones en las que sí era capaz de tocar lo que había compuesto. Cuando había algo que no sabía hacer, llamaba a mi amigo Jon Theodore, de Queens Of The Stone Age, quién sí es un increíble batería, mucho mejor que yo, desde luego. Pero la mayoría lo he grabado yo. El 80% de lo que escuchas en el álbum es mío”.

OK. En ese caso, efectivamente, Random Desire supone tu debut con tu propio nombre. ¿Por qué has decidido sacarlo así en lugar de publicarlo como otro de tus proyectos?

“Bueno, en primer lugar ya había hecho actuaciones en solitario. Pero la razón por la que he hecho este álbum es porque en The Afghan Whigs todos estaban ocupados. Patrick Keeler, el batería, estaba en The Raconteurs. Grabaron un disco y salieron de gira. John Curley, el bajista, regresó a la universidad. Jon Skibic, el guitarra, tuvo un bebé con su esposa. Rick Nelson, el teclista, estaba construyendo un nuevo estudio de grabación en Nueva Orleáns. Así que todos estaban liados, menos yo (risas), por lo que decidí hacer algo por mi cuenta para estar también ocupado”.

¿Intentaste darle un nuevo enfoque musicalmente a las canciones o fue muy parecido a lo que sueles hacer con los Whigs o The Twilight Singers?

“Bueno, dímelo tú (risas). En Afghan Whigs hay dos guitarras eléctricas. En Random Desire sólo vas a encontrar una canción con guitarra eléctrica en todo el disco. Dos como mucho. Sí es verdad que es un álbum mucho más diverso. No voy a decirte que he reinventado la rueda y que he hecho un disco reggae o algo así (risas). Al final estaba grabando pero no tenía un grupo, así que intenté mantenerlo lo 25


más simple posible. Y le puse mi nombre. Me encanta (risas)”. También he notado que hay momentos en los que cantas de un

alguien te cuenta una historia… Es como si un pájaro estuviese construyendo un nido. Hay piedras, clavos, plástico… Al final vas cogiendo lo que puedes para hacerlo tuyo”.

la radio. A pesar de estar en Sub-Pop, vuestra música poco tenía que ver con el grunge o el britpop. Incluso vuestra imagen era diferente. ¿Crees que eso es lo que os hizo especiales para

modo diferente. Usas tonos más graves, como en ‘Lockless’.

Debo confesarte una cosa: cuan-

tanta gente?

“Sí, uso ese registro en ‘Lockless’ y en algún tema más. Básicamente, es la misma voz con la que Bob Dylan canta ‘Lay Lady Lay’ (risas)”.

do era más joven y estaba en la

“¿Te refieres a nuestra ropa? (Risas) Siempre lo he visto de esta manera: uno de los grupos más famosos del mundo son The Rolling Stones. Y ellos ya vestían así antes de que yo naciera (risas). No es como si quisiésemos ser como ellos, pero a todos nosotros nos gustaba esa música. Recuerdo que cuando formamos el grupo solíamos tocar canciones de The Temptations, Marvin Gaye... Era divertido tocarlas con una guitarra eléctrica, con un sonido un poco más pesado y rápido, pero con muchísimo amor y respeto. Ése era el modo en el que nos comunicábamos entre nosotros. Cuando firmamos con Sub-Pop, nuestro primer disco fue Up In It. Ahí sí que pienso que estábamos intentando encajar un poco. Hay un par de buenas canciones, pero no funcionó. En cambio, Congregation fue el siguiente, y ése es con el que empezamos a despegar. Ahí sí que comencé a sentir que estaba escribiendo canciones verdaderamente interesantes. Había temas lentos, influencias del country, hicimos una canción de Jesuschrist Superstar (se refiere a ‘The Temple’ –ndr.). Éramos raros para esa época, y eso mismo es lo que hizo que sonásemos genuinamente a nosotros. Creo que Congregation fue el momento en el que empezamos a hacer algo realmente propio”.

universidad, escuchaba mucho

Gentelemen y Black Love, especialmente los domingos por la mañana con una resaca espan-

¿De dónde viene el título Ran-

tosa después de haber estado

dom Desire?

de fiesta la noche anterior.

“Trata sobre la selección aleatoria. Lo único que preferí cambiarlo por la palabra ‘deseo’ porque pensé que quedaba mejor así (risas). Pero para ser más claro, el título es una referencia a la elección de hacer mi disco en solitario, lo cual fue de algún modo un deseo aleatorio. Algo que surgió por azares del destino”.

Puede que fuese un tanto maso-

Siempre te has caracterizado por ser alguien cuyas letras giran sobre las relaciones de pareja: primeros amores, matrimonios, infidelidades... ¿Cuánto hay de ficción y de tus propias experiencias en lo que escribes?

“La verdad es que desde que hice Gentlemen ya no escribo de una manera autobiográfica. De eso hace ya mucho tiempo, 25 años atrás. Eso ocurrió cuando sufrí mi primera ruptura realmente seria. Creo que ahora uso más mi imaginación. A día de hoy suelo escribir más en términos abstractos. Por supuesto hay algo mío en todas las canciones, porque son mías. Pero siempre he dicho esto: no hay nadie tan interesante como para escribir sobre sí mismo. La gente suele fijarse mucho en estas cosas… Escuchas conversaciones,

26

quista, pero de algún modo era bastante terapéutico. ¿Dirías que escribir ese tipo de temas te servían de alguna forma para lidiar con tus propios demonios?

“Como decía antes, el arte es una catarsis. Durante la época que compuse Gentlemen recuerdo estar muy confundido, sin saber qué estaba ocurriendo… Así que empecé a escribir sobre ello para intentar averiguarlo. Pero una vez que te das cuenta de que tener el corazón roto no va a acabar contigo, ya no necesitas volver a hacer algo así nunca más. Por eso Black Love es menos masoquista que Gentlemen para mí. Black Love realmente es una historia, probablemente el único disco conceptual que he hecho. Tenía un relato y lo conté de principio a fin. Fueron dos discos muy distintos. Después, quizás Blackberry Belle sí que fuese un poco autobiográfico. Pero tras eso, no hay mucho más. Me dedico a observar y escribir canciones usando mi talento”. Cuando The Afghan Whigs aparecisteis en los 90 erais com-

Como decíamos, vuestros pri-

pletamente distintos a lo que

meros álbumes fueron editados

triunfaba en aquel entonces en

por Sub-Pop, a donde ahora ha-


“DESDE QUE HICE GENTLEMEN YA NO ESCRIBO DE UNA MANERA AUTOBIOGRÁFICA. DE ESO HACE YA MUCHO TIEMPO, 25 AÑOS ATRÁS” GREG DULLI béis vuelto. ¿Sentíais algún tipo

Con él hiciste un disco conjunto

de cercanía con toda la escena

como The Gutter Twins en 2008.

de Seattle?

¿Qué recuerdas de aquella ex-

“Lo cierto es que no sabíamos mucho de todas esas bandas. El grupo del que me sentía más cercano era Tad. También The Fluid, que eran de Denver, muy buenos colegas. Me gustaban los grupos que tenía el sello por entonces, pero no llegué a conocerles realmente. Sí coincidí alguna vez con Kurt Cobain y Chris Cornell, pero nosotros éramos como unos outsiders. No encajábamos, ni siquiera vivíamos allí. Pero siempre que tocábamos en Seattle teníamos un público genial y le gustábamos a la gente. Y Sub-Pop siempre nos trató con el mismo respeto que a todos los demás. Seguimos siendo amigos de toda esa gente a día de hoy”.

periencia?

¿Habéis vuelto a hablar de cola-

“Acabar ese álbum, Saturnalia, nos llevó cinco años. Y fue porque teníamos otras cosas entre manos. Mark llegó a unirse a The Twilight Singers durante una temporada. Fue cuando hicimos la versión de ‘Live With Me’ de Massive Attack. Ahí es cuando se vino con nosotros. Estábamos de gira, él había dejado de cantar con Queens Of The Stone Age y estaba de vuelta en California. Escuché la canción de Massive Attack y quería tocarla. Pero entonces pensé que Mark podría hacerla mejor que yo, cantando juntos… Le llamé y le dije: ‘¿Quieres venir a Nueva Orleáns y cantar conmigo?’. Al final acabamos tocando también alguna de sus canciones y se quedó en el grupo durante un año (risas). Y ahí es cuando

borar juntos de nuevo?

Otro de tus mejores amigos, Mark Lanegan, viene de allí.

empezamos a planear el disco de The Gutter Twins”.

“Sí, de hecho grabamos una canción el año pasado que aparecerá más tarde en 2020. Saldrá bajo mi nombre. Él será mi estrella invitada (risas)”. Hablando de volver, me gustaría saber tu opinión sobre los regresos de muchas bandas míticas de los 90 que estamos viendo últimamente: Faith No More, The Black Crowes, Rage Against The Machine... Sé que es una pregunta comprometedora porque The Afghan Whigs también habéis hecho lo mismo, pero ¿no te aburre un poco tanta gira de reunión? Es como si la gente quisiera aferrarse eter-

27


Whigs que falleció en 2017 por un cáncer de colon –ndr.). ¿Cómo ha afectado su pérdida al grupo?

“ADORO A NICK CAVE Y GHOSTEEN ME PARECE UN DISCO PRECIOSO” GREG DULLI namente al pasado.

Ése es el punto al que quería

“(Hace el gesto del dinero con su mano – ndr.) No sé, deberías preguntarles a ellos. Si te dicen que no lo hacen por la pasta, están mintiendo”.

llegar. ¿Piensas que es algo que todos deberían hacer? Demostrar que todavía pueden seguir siendo válidos a día de hoy y no sólo dedicarse a tocar en

Precisamente, mientras estaba

directo.

preparando el cuestionario,

“Estoy de acuerdo. Pero mira, si la gente quiere ir a verles y darles su dinero, están en su derecho. No se lo echo en cara a nadie. Personalmente, lo hice una vez y fue exclusivamente por el dinero. Pero la siguiente, fue por el arte”.

me encontré con una entrevista tuya de 2010, previa a la reunión de The Afghan Whigs, en la que decías que no volveríais, que sería como aceptar dinero para volver a quedar con una de tus ex. ¿Qué es lo que te

¿Y hay planes a la vista de un

hizo cambiar de opinión?

nuevo disco de Afghan Whigs

“Que alguien me pagó suficiente dinero como para querer volver con una de mis ex (risas). Y te estoy siendo totalmente honesto. Pero la diferencia entre esos grupos y el mío es que hicimos una gira de 70 conciertos y eso fue todo. Cuando decidimos continuar, fue con un nuevo álbum”.

próximamente?

28

“Sí, eso espero. Sólo que el año que viene estaré ocupado girando con este disco… Pero la idea está ahí”. Siento tener que preguntarte por Dave Rosser (guitarrista en

la segunda etapa de Afghan

“Musicalmente, era una persona increíble. Entre 2006 y 2017 hicimos juntos todos los conciertos, grabamos todos los discos, estábamos trabajando en música todo el rato… Pasé más tiempo con él que con cualquier otra persona en el mundo. Era irremplazable. A pesar de que estaba en todas las canciones de In Spades, no pudo participar en esa gira, pero él quiso que la hiciéramos. Perderle fue devastador, era como un hermano para mí. Pienso en él todos los días. Como le estaba contando antes a alguien, cada vez que se me ocurre algo divertido, me pongo a escribirle un mensaje y cuando me quiero dar cuenta de que ya no está desde hace un par de años, tengo que parar”. Para acabar la entrevista con algo más alegre, ¿podrías decirme cuál ha sido tu álbum favorito de este último año? Ayer estaba escuchando Randome

Desire y pensé que me recordaba un poco a Ghosteen, el nuevo disco de Nick Cave And The Bad Seeds. Creo que tienen una vibra similar, en cierto sentido.

“Adoro a Nick Cave y Ghosteen me parece un disco precioso. De todas maneras, me siento más atraído por Skeleton Tree, el álbum anterior. Quizás lo que más haya escuchado este año sea Black Pumas. Si no les conoces, échales un vistazo”.


CROSSFAITH

BOLAS DE DRAGON COMO SI DE UN TSUNAMI IMPARABLE SE TRATARA, CROSSFAITH LLEGAN POR PRIMERA VEZ A NUESTRO PAÍS ENCABEZANDO SU PROPIA GIRA. CON LA MIRADA YA PUESTA EN SU PRÓXIMO TRABAJO, LOS JAPONESES LLEGAN DISPUESTOS A CONQUISTAR UN NUEVO TERRITORIO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR


S

I TÚ MISMO VISTE A CROSSFAITH A SU PASO por el Download Fes-

tival de Madrid en 2018, seguro que te sorprendieron. Si no, es posible que te lo hayan contado. El quinteto de Osaka ofreció una de esas actuaciones que pueden suponer un antes y un después para la carrera de un grupo en su primera visita a un nuevo país. La energía desbordante que mostraron elevó unas canciones que mezclan metal, electrónica y sonidos industriales a otro nivel. Ésa ha sido su estrategia desde que publicaran su debut The Artificial Theory For The Dramatic Beauty en 2009 y tuvieran la oportunidad de salir fuera de su país para girar con grupos como Of Mice & Men, Bring Me The Horizon o Enter Shikari. Quizá por eso el grupo formado por Kenta Koie (voz), Kazuki Takemura (guitarra), Terufumi Tamano (teclados, programación), Hiroki Ikegawa (bajo) y Tatsuya Amano (batería) es ahora uno de los principales embajadores de la escena metal nipona y ha adelantado a otros combos como Coldrain o Dir En Grey. Pese a que su último trabajo, Ex Machina, ya va camino de los dos años, Crossfaith llegarán el 7 de febrero a Madrid (Caracol) y el 8 a Barcelona (Razzmatazz 2) con los deberes hechos en forma de un nuevo EP que publicarán en primavera. Aunque poco importa, porque lo que cuenta es lo que ocurre cada vez que se suben a un escenario. “Si algo tenemos claro es que cualquiera que nos ve en directo, se acaba convirtiendo en fan nuestro”, nos decía Kenta a mediados de enero. Más vale creerle.. Éstos van a ser vuestros primeros conciertos como cabezas de cartel en España. ¿Qué expecta32

tivas tenéis?

Aunque en vuestra música con-

KENTA KOIE “Lo pasamos genial en

fluyen varios estilos, el metal es

el Download Festival, en Madrid, así que teníamos muchas ganas de poder volver a España. Estamos súper contentos y ansiosos por tocar para todos vosotros”.

la base de todo, ¿no?

¿Cómo os tomáis este Synchronicity Tour? ¿Lo consideráis como parte del ciclo Ex Machina o como el principio de algo nuevo?

“Para nosotros es el principio de una nueva era. Acabamos de terminar algo nuevo para que salga en 2020. Creo que os podremos enseñar un nuevo tema en los conciertos”. De hecho, tengo entendido que en los próximos meses vais a sacar un nuevo EP.

“Sí, para mí es como cuando publicamos el EP Zion. Estamos súper emocionados y nuestra motivación es más fuerte que nunca. Hay un tema con un invitado especial que todavía no puedo desvelar. Pero ya verás cómo vamos a subir el nivel. Tenemos otras canciones que no van a entrar en el EP, pero todavía no hemos decidido qué haremos con ellas”. Vuestros conciertos son muy energéticos y os movéis un mon-

“El metal fue nuestra mayor influencia, pero crecimos con muchos estilos distintos como el hardcore, la electrónica… por eso nuestra música es tan especial, creo. La mayoría de lo que aprendí del metal no tenía que ver con cosas técnicas, sino con expresar mis emociones desde dentro. Para mí eso es el metal”. Lleváis más de diez años con el grupo. ¿Cómo fueron los inicios?

“Empezamos haciendo versiones de Slipknot, As I Lay Dying y Atreyu, y fue luego cuando empezamos a escribir material propio. Hicimos cientos de shows en pequeñas salas de distintas ciudades. No fue fácil. El metal no es tan popular como en otros países de occidente. Tuvimos que tocar con grupos muy distintos, desde pop punk, hip hop o hardcore, pero en realidad no me importaba, siempre me ha gustado la variedad. Quizá en el fondo sea un punto a favor de nuestro país. En 2009 nos ofrecieron tocar en un festival de metal llamado Loud Park. Fue nuestro primer concierto en un festival y la primera gran oportunidad que tuvimos en esos años”.

tón por el escenario. ¿Perdéis mucho peso después de cada

¿Fue un punto de inflexión?

actuación? ¿Habéis sufrido algún

“Sí, porque nos dimos a conocer a mucha gente nueva, y luego firmamos por una empresa de management. Fue justo después de sacar nuestro primer disco. Luego, hicimos una gira por el Reino Unido con Of Mice & Men. Todavía recuerdo muchas cosas de esa gira. 17 días, 17 conciertos, 17 fiestas. Siguen siendo nuestros mejores amigos. Desde en-

accidente mientras tocabais?

“No, no (risas). Una vez sufrí una descarga eléctrica por el micro cuando tocamos en Bangkok, Tailandia, pero aunque me asusté un poco, tampoco fue muy fuerte y pudimos terminar el concierto hasta el final. Ahora uso uno inalámbrico, así que ya no tengo miedo (risas)”.


“LA MAYORÍA DE LO QUE APRENDÍ DEL METAL NO TENÍA QUE VER CON COSAS TÉCNICAS, SINO CON EXPRESAR MIS EMOCIONES DESDE DENTRO. PARA MÍ ESO ES EL METAL” KENTA KOIE

tonces nuestra actividad internacional no ha parado”. ¿Era salir fuera vuestro principal objetivo?

“Sí, cuando empezamos para mí lo principal era poder tocar fuera de Japón. De todas maneras, ahí no acaba todo. Nuestro objetivo es llega a ser el cabeza de cartel de un festival como Download. Eso es lo que queremos”.

a partir de la gira en el Reino Unido fuimos mejorando. La verdad es que nunca he notado ningún tipo de racismo por parte de nadie. A veces ves algún tipo raro en algún concierto, pero la mayoría de la gente es muy amable y nos muestra mucho respeto. La verdad es que ir de gira me hace muy feliz”.   ¿Quién es el más fiestero del grupo? ¿Qué es lo más loco que os ha pasado?

¿Cuáles fueron las mayores barreras culturales que os chocaron cuando salisteis de Japón?

“Sabía que la barrera lingüística iba a ser muy fuerte, y lo fue, pero

to. No dábamos crédito (risas)”. ¿Y cuál es el grupo que hayas visto en directo que más te ha inspirado?

“Normalmente no me preocupo por la técnica, sino por la emoción. Cuando vi a Slipknot por primera vez estaba agotado, pero cuando salieron al escenario, no podía quedarme parado y acabé en el mosh pit. Para mí ésa es la verdad de la música”.

“Hiro es el que más bebe, sin duda (risas). La mayor locura fue en Tailandia. Alguien incendió una pelota y se pusieron a jugar a fútbol con una bola en llamas en medio del concier33


TOUNDRA

LA VIDA ES CINE


¿TE IMAGINAS A UNO DE TUS GRUPOS FAVORITOS PONIENDO MÚSICA A UNA DE LAS OBRAS MÁS EMBLEMÁTICAS DEL SÉPTIMO ARTE? PUES ESO MISMO ES LO QUE HAN HECHO TOUNDRA CON EL GABINETE DEL DR. CALIGARI . TRAS ESTRENAR SU BANDA SONORA EL PASADO AÑO, AHORA HAN DECIDIDO LLEVAR SU POST ROCK INSTRUMENTAL A LAS SALAS DE CINE. VE PILLANDO PALOMITAS... TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: SERGIO ALBERT

D

ESDE TIEMPOS INMEMORIALES, LA MÚSICA Y EL CINE SIEMPRE HAN MANTENIDO UNA RELACIÓN MUY ESTRECHA. Serían

incontables las escenas que no tendrían el mismo sentido sin su banda sonora de fondo. Por no hablar de cintas tan míticas como las óperas rock que dedicaron The Who a álbumes como Tommy y Quadrophenia, The Wall de Pink Floyd, documentales como The Last Waltz del maestro Scorsese o los recientes biopics protagonizados por Queen, Mötley Crüe o Elton John. Son sólo ejemplos escogidos al azar dentro de un largo listado al que ahora se suman Toundra. La banda madrileña de post rock sorprendió el pasado 8 de mayo de 2019 a propios y extraños interpretando en los cines Capitol una banda sonora creada expresamente para El Gabinete Del Dr. Caligari, la ya centenaria película de referencia dentro del expresionismo alemán de principios del siglo XX. Lo que en un primer momento iba a quedarse como un experimento puntual, finalmente ha terminado por convertirse en un nuevo lanzamiento discográfico bajo el título de Das Cabinet Des Dr. Caligari (Inside Out) y una gira muy especial que llevarán a algunas ciudades tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

Pero más allá de hacer llegar estas nuevas composiciones al público, lo que también pretenden Alberto Tocados (bajo, sintetizadores), Esteban Girón (guitarra), David Macón (guitarra) y Álex Pérez (batería, piano) es despertar conciencias. Desmitificando el film de Robert Wiene como una obra de terror, Toundra vienen a reivindicar la misma como una advertencia ante el totalitarismo y las ideologías extremistas que más tarde tendrían lugar con el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Una temática que, por lo que vemos estos últimos días en las noticias, no está muy alejada de la más rabiosa actualidad. ¿Cómo salió la posibilidad de ponerle música a la película de El

Gabinete Del Dr. Caligari? ALBERTO TOCADOS “Nosotros siem-

pre habíamos querido hacer algo de este rollo, en plan banda sonora. Pero no ha sido algo que haya surgido de nosotros, sino de una promotora llamada Café Kino que organiza este tipo de eventos con películas clásicas de cine mudo y bandas o solistas que están interesados en poner su música o improvisar sobre ellas en directo. A nosotros nos encantó la idea. Inicialmente costó un poco hacerlo porque nos pedían mucha inmediatez, pero nosotros queríamos hacer la banda sonora desde cero. No


queríamos adaptar nuestra música a la película ni improvisar, sino hacer algo específico para la ocasión. Cuando nos lo propusieron, yo tenía un poco de envidia porque ya habían hecho otras películas que me gustan mucho como Metrópolis. Y era como ‘A ver cuál nos toca...’. Cuando nos dijeron que era El Gabinete Del Dr. Caligari me di por satisfecho porque es muy buena. La hicimos con mucha ilusión. Salió relativamente rápido pero hubo que dedicarle su esfuerzo”. De haber podido elegir, ¿cuál os hubiera gustado hacer? Yo sé que por ejemplo tú, Alberto, eres muy fan de Blade Runner, aunque no sea una película muda. ALBERTO “Claro, por eso me hubiera

molado Metrópolis, que es lo más parecido a Blade Runner (risas). Pero no sabría qué responderte, porque las películas mudas respecto a las modernas son muy diferentes. Cuando tú haces música para una peli de ahora, a lo mejor compones el tema principal y una canción para cada personaje”. ESTEBAN GIRÓN “Si me hubieran dado a elegir a mí, escogería Un Perro Andaluz, de Buñuel”. ¿Habíais visto ya la película anteriormente o tuvisteis que echarle un visionado por primera vez al menos? ESTEBAN “Depende de a quién pre-

guntes (risas). Hay una persona del grupo que la vio mientras la iba componiendo en el local de ensayo, y es Álex. Esto había que decirlo en algún sitio para que saliera (risas). Hay que ser cabronazo. El tío no sabía lo que iba a pasar en cada escena y estaba ahí componiendo sin tener ni idea de 36

cómo era la historia”. ALBERTO “Se dejaba guiar por los demás. Al final hemos estado ensayando tanto las escenas en el local, que habremos visto la película muchísimas veces. Álex no traía los deberes hechos de casa, pero bueno... Como al final ha salido bien, se le perdona (risas)”. ESTEBAN “Ya hablando en serio: nos pidieron hacer esto y, como bien ha dicho Alberto, siempre nos había gustado la idea de componer una banda sonora. Además, con el motivo de que al año siguiente se iba a cumplir el centenario, pensábamos que ni tan siquiera íbamos a editarla. Era dar el concierto y ver luego qué decisión tomábamos. Pero para nosotros lo importante es, primero, que no se trata de un disco de Toundra, sino de un proyecto realizado por nosotros. Porque la música que está aquí recogida está pensada por y para las imágenes. No está hecha de la nada, ni es independiente, ni tiene vida propia como si fuese un álbum al uso donde, con nuestras influencias, abrimos y cerramos el discurso. Y todo ello no se entiende sin haber visto la película. También nos hubiera gustado hacer la banda sonora de una cinta que no hubiese sido estrenada. Pero bueno, nos ha salido esto y estamos agradecidos”. ALBERTO “Mucha gente que no conocía la película o que vino el día del estreno al Capitol por nosotros, la descubrió a raíz de eso y les ha encantado. Les ha sorprendido que una película con ese lenguaje tan actual sea de hace cien años”. ESTEBAN “Nosotros ya conocíamos El Gabinete Del Dr. Caligari desde hace tiempo. Es verdad que, por ejemplo Alberto, es muy cinéfilo. Yo no lo

soy tanto, pero sí que he visto mucho cine mudo porque estudié Comunicación Audiovisual y había unas cuantas asignaturas como Historia del Cine donde esta película se estudiaba. Así que por un lado hubo una motivación estética porque el universo que se representa pensábamos que casaba muy bien con la música que nosotros hacemos. Pero por otra parte nos gustaba el hecho de desenmascararla para el gran público como un film de terror. Todo el mundo piensa que es así, pero la realidad es que adelanta el autoritarismo en la época de entreguerras. Y eso es algo que cien años después estamos viviendo de nuevo”. Cuando comenzasteis a poneros manos a la obra, ¿tuvisteis claro el darle un tratamiento distinto a lo que soléis hacer normalmente? ALBERTO “Yo en ese momento tenía

una limitación física porque justo tuve una lesión en la mano y no podía tocar el bajo, así que empecé directamente a componer con teclas. Después ya me sentí lo suficientemente seguro como para poder hacer toda la música partiendo de ahí. Todos los bajos y subgraves que hay están tocados mediante teclados. También fue interesante que Álex empezase a tocar el piano, no sólo la batería. Aunque sigue teniendo nuestro sello de identidad y la banda es reconocible, sí que se nota un esfuerzo estético diferente. Inicialmente no estaba pensado que fuese así. Nos hemos ido dejando guiar por las imágenes. Los ensayos consistían en poner el acto en el que estábamos trabajando y buscar qué motivos musicales e intensidades le podíamos dar a las imágenes con nuestra música. Es un método de composición


“NO SE TRATA DE UN DISCO DE TOUNDRA, SINO DE UN PROYECTO REALIZADO POR NOSOTROS. PORQUE LA MÚSICA QUE ESTÁ AQUÍ RECOGIDA ESTÁ PENSADA POR Y PARA LAS IMÁGENES” ESTEBAN GIRÓN

muy distinto a lo que estamos acostumbrados, que es partir de canciones”.

El Gabinete Del Dr. Caligari ya contaba con música original. ¿Os sirvió de alguna manera

Como bien decís, aunque conser-

como punto de partida o prefe-

va parte del sonido de Toundra,

risteis hacerlo todo desde cero?

la banda sonora que habéis

ALBERTO “No quisimos ni escuchar-

hecho es una obra mucho más

la. No queríamos contaminarnos con lo que ya se había hecho. Dado que quieres crear algo, mejor no estar influenciado por algo que ya de por sí pertenece al largometraje”. ESTEBAN “De todas formas, eso de que las películas mudas tenían banda sonora es una mentira. Sí es verdad que se componían, pero en la mayoría de sitios no se escuchaba porque no había medios para reproducirla”.

ambiental. Busca más el acompañar las imágenes que el hacer una canción al uso. ESTEBAN “Sí, desde luego no hemos

hecho la banda sonora de El Guardaespaldas (risas)”. ALBERTO “Es que es algo inevitable. Un acto tiene picos muy diferentes a los que normalmente puedas desarrollar en una canción. Hay que ajustarse a lo que ya está hecho porque estás trabajando con algo que está cerrado y nosotros teníamos que acompañar de principio a fin la película. Es lo que te hablaba antes: no es como una peli de ahora donde puedes hacer temas individuales que se adapten”.

orgánico porque el batería se adapta a ti o viceversa. Aquí teníamos la claqueta en todo momento sincronizada con las imágenes”. ESTEBAN “Hay una barrera temporal que te limita. Tienes que montarte en ese caballo e intentar no caerte. Como te caigas, estás jodido”. ALBERTO “Se te puede descuadrar todo. Íbamos al milímetro. Además, la claqueta la iba marcando Álex en cada escena. Estaba muy medido, por eso había una tensión extra que no tenemos cuando damos un concierto normal de Toundra”. Y encima ahora vais a convertirlo en una gira. A nivel de lo-

¿Y cómo salió todo el día del

gística, ¿os está resultando más

estreno en el Capitol?

complicado?

ALBERTO “Sorprendentemente bien,

ALBERTO “Es que en realidad este

aunque estábamos muy nerviosos”. ESTEBAN “Yo vomité antes de salir”. ALBERTO “Cuando tú das un concierto normal, es todo mucho más

proyecto es la gira en sí misma. A mí me sabe mal decírselo a la gente, pero esto no tiene vida dentro de lo que suele ser el funcionamiento del 37


grupo. Lo que solemos hacer va por un lado y esto va por otro. Son universos completamente ajenos. Y en cuanto a la logística, está siendo difícil. No puedes hacerlo en cualquier sitio. Tiene que ser un lugar que tenga la capacidad para hacer la proyección en condiciones, que la gente esté sentada... Hay espacios que sí que permiten esa transformación a teatro, pero la mayoría no”. Tengo entendido que vuestra idea también es hacer un montaje de la cinta con vuestra propia banda sonora para que esté disponible para todo el mundo en internet. ALBERTO “Ésa sería nuestra inten-

ción idílica, digamos. Que se pueda conseguir es muy complicado. No podemos subir un montaje con nuestra música a YouTube porque eso ya es distribución digital. El vídeo ni siquiera puede ser directamente monetizado porque YouTube ya reconoce por defecto que tiene imágenes de la película. El Gabinete Del Dr. Caligari está administrada por la fundación Murnau, que es quien cuida de este material. Tienen que dar su aprobación. Ahora mismo estamos en negociaciones con ellos. Por eso mismo el dar conciertos es la única forma que tenemos por el momento de hacer llegar al público las dos cosas juntas”. Como comentabais antes, mucha gente tiene El Gabinete Del

Dr. Caligari como una película

todos vuestros discos. ¿Era otro

to miedo en la sociedad de no

punto que os atraía del proyec-

querer llamar a las cosas por

to, el poder apropiaros de algu-

su nombre? ¿De que los medios

na manera de ese mensaje?

están intentando blanquear la

ESTEBAN “Por supuesto. Hacemos

realidad de ciertos movimientos

una utilización total de ello. Es una de las motivaciones principales del proyecto, que sirva como ejercicio de reflexión. Lo decimos con toda la humildad del mundo, pero mucha gente a la que le interesamos verá esto, y si nosotros indicamos que el film está en contra del autoritarismo y es una crítica al fascismo que surgió en el periodo de entreguerras, pensamos que eso hará que la gente reflexione sobre lo que está ocurriendo hoy en día. Si conseguimos eso, creemos que habremos hecho algo muy positivo como banda. Del mismo modo que cuando sacamos el videoclip de ‘Cobra’ arrojamos luz sobre el tema de los refugiados. O con IV, que fue una especie de metáfora sobre cómo el hombre puede destruirse a sí mismo y al medioambiente. Hasta el álbum de Exquirla trataba sobre los desplazados y la crueldad del ser humano. No somos un grupo político como puedan ser Reincidentes, lamentablemente (risas), pero las cuatro partes que formamos Toundra tenemos nuestras características ético-políticas y tenemos un montón de comunes denominadores que nos apetece sacar como un mensaje, ya que como agentes sociales que somos formamos un colectivo. Al final somos un grupo que crea arte, sin ningún tipo de pretensión. Pero cosas como éstas nos atraen y nos gusta exponerlas”.

extremistas?

de terror, pero en cierto modo, trata sobre el autoritarismo y

La verdad es que se trata de

el poder de ciertas ideologías.

una temática que ahora mismo

A pesar de que hacéis música

está de actualidad, con todo

instrumental, siempre habéis in-

el auge político de la extrema

cluido mensajes o conceptos en

derecha. ¿Creéis que hay cier-

38

ALBERTO “No es sólo por parte de

los medios, sino de la gente. A mí me sorprendió que, por ejemplo, cuando publicamos el vídeo de ‘Cobra’ hubo personas que se quejaron y eran abiertamente nazis. Decían que eran anti-antifascistas. Y hombre, eso directamente es ser fascista. Amenazaban con dejar de escucharnos por eso. También en Alemania, que yo siempre lo he tenido como un modelo de país consciente de su pasado y de lo que no quieren volver a repetir, ahí también está empezando a florecer gente de ese tipo. Hubo quienes nos criticaron por reeditar IV con un sello de allí llamado Alerta Antifascista. Y sólo por el nombre ya se cabrearon y dijeron que iban a dejar de seguir a Toundra”. ESTEBAN “España es un país donde gente como Francisco Marhuenda o Eduardo Inda salen todos los días en canales de televisión de izquierdas diciendo todas las burradas que les dé la gana, quedando impunes. En cualquier otro lugar del Primer Mundo serían tratados como auténticos dementes. El blanqueamiento viene cuando se piensa que todas las ideas son válidas, y no es así. Yo no tengo por qué respetar las ideas de quienes llaman etarras a la gente de Bildu. No tengo por qué tolerar que eso se haga. Porque además, está comprobado que es mentira. ¿Que tienen un común denominador? Sí, puede ser. Pero es como decir que alguien que vota al PP es un fascista. No, eso es ser de derechas. Pero vivimos


“ME SORPRENDIÓ QUE CUANDO PUBLICAMOS EL VÍDEO DE ‘COBRA’ HUBO PERSONAS QUE SE QUEJARON Y ERAN ABIERTAMENTE NAZIS. DECÍAN QUE ERAN ANTIANTIFASCISTAS. Y HOMBRE, ESO DIRECTAMENTE ES SER FASCISTA” ALBERTO TOCADOS

en un país donde la mentira se viene desarrollando desde la Transición, que parece más una restauración de Cánovas del Castillo. Cánovas decía: ‘Constitución, patria, monarquía y turno’. Y el turno eran el Partido Conservador y el Partido Liberal. Y con la Transición se ha hecho lo mismo. En el espectro de los partidos políticos, la derecha pasó a ser el centro. Entonces, la extrema izquierda, en lugar de ser de izquierdas, pasó a ser terrorismo. Y desde hace 40 años estamos aguantando el discurso de este tipo de partidos que deberían estar prohibidos, porque fomentan el odio. Igual que hace cien años con lo que estamos hablando, esto estaba ocurriendo en Alemania, en Italia y en España. En Alemania, los nazis robaron el águila a los romanos. Y aquí el PP, con todo el asunto de Catalunya, está utilizando el ‘divide y vencerás’. Están usando las mismas armas que entonces”.

Toundra, ésta ya es la segunda

ESTEBAN “Se va a llamar

aventura fuera de la banda,

Sexto (risas)”. ALBERTO “2021 es la fecha, pero como este año se presenta complicado... Además de conciertos tocando la banda sonora, tenemos otros normales, yo voy a ser padre, Álex se va a casar... Hay cosas que son inevitables en la vida de una persona y al final pueden acabar retrasando un poco el ritmo. Pero vamos, la intención está ahí. Realmente, ahora con lo de El Gabinete Del Dr. Caligari, que tocamos sentados, nos apetece hacer algo más enérgico. Lo de meter a una orquesta con violines es muy bonito, pero ya lo hemos hecho. Si algo nos gusta de Vortex es que al final las colaboraciones y arreglos eran algo casi marginal, muy puntuales. Éramos nosotros cuatro básicamente. Así que probablemente saldrá un álbum cañero”.

por decirlo así, junto a la de Exquirla. ¿Os están viniendo bien este tipo de experimentos para oxigenaros del propio grupo? ALBERTO “Para desatascarnos son

geniales, además que son muy divertidos de hacer. Sigues creando música pero con un enfoque diferente, nuevo y estimulante”. ESTEBAN “No somos simplemente una banda de rock’n’roll. Siempre hemos querido seguir el camino de grandes grupos con los que no nos podemos comparar. Por ejemplo, Sonic Youth, Neil Young, The Velvet Underground... Todos ellos normalizaron el rock como forma artística, no sólo como un modo de entretenimiento de cervezas y bar. Siempre nos ha interesado porque creemos que el rock es intelectualmente interesante”.

Camilo

Y hablando de futuro, ¿hay Cambiando de asunto, aunque

ya ideas para el sexto álbum?

aparezca bajo el nombre de

¿Qué me podéis contar? 39


BODY COUNT

EL COLOR DE LA NOCHE ICE-T Y SUS GUERREROS BODY COUNT VUELVEN A LA CARGA CON CARNIVORE , UN SÉPTIMO ÁLBUM PARA EL QUE HAN RECLUTADO AMIGOS CÉLEBRES COMO JAMEY JASTA, DAVE LOMBARDO Y HASTA AMY LEE DE EVANESCENCE. UNA APARICIÓN INESPERADA, PERO QUE CUADRA CON SU DETERMINACIÓN POR SEGUIR SORPRENDIENDO AL PÚBLICO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


O

CHO MESES ANTES DE QUE RAGE AGAINST THE MACHINE

publicaran su revolucionario debut en noviembre de 1992, otra banda se había adelantado publicando un álbum que rompía las barreras entre el hip hop y el metal, entonces todavía existentes. Se trataba de Body Count, el grupo liderado por Ice-T, quien en aquellos días disfrutaba de una exitosa carrera como rapero. Sin embargo, la polémica suscitada por la canción ‘Cop Killer’, que denunciaba la brutalidad policial, y las amenazas de boicot hacia su sello, Sire Records, subsidiario de Warner, por parte de varias asociaciones de policías, hizo que su valor musical quedara eclipsado. Recuerdo que entonces, desde aquí mirábamos con cierta superioridad moral los ataques a la libertad de expresión del sistema americano, sin saber, inocentes de nosotros, que en la actualidad sería imposible que alguien publicase en España un estribillo que rezara “Asesino de policías, sé que tu familia está de luto (que les jodan), Asesino de policías, ahora es momento de ajustar cuentas” sin pasar por un juzgado. Pese a sus controvertidos inicios, y que Ice-T se convertiría en una estrella televisiva gracias a series como Law & Order o New York Undercover, Body Count han seguido adelante publicando álbumes y girando cuando los compromisos de su cantante lo permitían. Coincidiendo con el 30 aniversario de su formación, el grupo vuelve ahora con Carnivore (Century Media), que verá la luz el 6 de marzo, en el que cuentan con algunos invitados bastante singulares y que 42

incluye versiones de ‘Ace Of Spades’ de Motörhead y una metal del hit de Ice-T ‘Colors’. Para hacernos la previa, tuvimos la oportunidad de charlar con su bajista Vincent Price. Te uniste a la banda en 2001,

me hicieron ninguna prueba. Como te decía, les conocía a todos. Cuando conocí a Mooseman nunca pensé que ocuparía su puesto. De hecho, me vendió parte de su equipo, pero no tenía ni idea de que lo acabaría usando para hacer su trabajo (risas)”.

pero ¿cuál fue tu primer contacto con Body Count?

Ice-T sigue muy metido en su

VINCENT PRICE “Un amigo mío me

carrera como actor; sin embar-

dio el cassette de su primer disco, y aunque escuchaba mucho metal, no los conocía, pero me gustó bastante. Pero luego los vi en directo y flipé. Eran muy buenos. Más tarde, empecé a trabajar en unos locales de ensayo a los que iban ellos, así que conocí a la banda original. Luego Ernie C (guitarra) decidió hacer un proyecto en solitario y me invitó a tocar con él. Y supongo que, a raíz de eso, cuando necesitaron un bajista nuevo, pensaron en mí”.

go, en los últimos años le ha

En su momento, ¿qué pensaste de toda la controversia que hubo con ‘Cop Killer’?

“Yo estaba metido en la escena hardcore, así que para mí no era nada nuevo. Cuando salió ‘Cop Killer’ quizá llegó a más gente, pero ya había muchos grupos antes que hablaban de matar polis… (Risas) Como MDC, su primer disco se llamaba Million Dead Cops y salió en 1982. Supongo que el hecho que Ice-T fuera el cantante hizo que se publicitara más, pero ‘Cop Killer’ no era nada nuevo (risas)”. Desgraciadamente, su bajista original, Mooseman, falleció en 2001. ¿Te dio algún consejo an-

dado un empuje a Body Count. ¿Cómo os organizáis?

“Bueno, todos hacemos cosas por nuestra cuenta. Yo giro con otras bandas, sobre todo con Steel Prophet, con la que llevo 30 años, así es como me gano la vida, y Ice-T tiene su carrera como actor, pero lo que hacemos es tomarnos un mes para centrarnos únicamente en el grupo y componer. Él aparece cuando puede para trabajar en las voces. Para este disco nos fuimos a New Jersey, que es donde él vive, así que fue un poco más fácil. Durante este año vamos a girar y tocar en festivales, así que lo tenemos todo bastante bien planeado. Además, los grupos no tocan cada día (risas). Es fácil combinar lo que hacemos todos porque todos queremos que funcione”. ¿Quién es el compositor principal? ¿Sigue siendo Ernie C?

“Lo hacemos en equipo. Así ha sido desde hace mucho. El primer disco sí que lo escribió todo Ernie, pero luego Mooseman, D-Rock y otros fueron participando. Cuando yo me uní al grupo ya empezamos a escribir todos juntos”.

tes de entrar en el grupo?

“No (risas). No, pero recuerdo cuándo dejó el grupo (risas). Sé que hicieron varias pruebas, pero a mí no

Desde que te uniste al grupo, ¿has observado un cambio en vuestro público?


“NOS GUSTA HACER COSAS QUE NADIE IMAGINARÍA QUE BODY COUNT HICIERAN” VINCENT PRICE

“Sí, creo que poco a poco se nos ha ido aceptando por lo que realmente somos. Creo que se nos ve como un grupo como los demás, y no como ‘el grupo de Ice-T’. Mi objetivo es que Body Count sea vista como una gran banda de metal, que puede tocar con cualquiera. En los últimos años, la respuesta hacia el grupo ha sido muy buena”. ¿Crees que ahora quizá se presta más atención a la música y no tanto a la política?

“Yo creo que la gente presta atención a las dos cosas. Desde que Trump está de presidente, hay mucha gente participando activamente en la política, así que es inevitable que se fijen en ese aspecto. Creo que es un muy buen momento para que Body

Count estén de vuelta”. ¿Y piensas que la popularidad de Ice-T como actor os ha hecho ganar público?

“No lo creo. Mucha gente todavía no conoce a Body Count. Muchas veces me preguntan en qué grupo toco, y cuando los digo Body Count no tienen ni idea. Por no hablar que mucha gente sigue confundiendo a Ice-T con Ice Cube (risas). Por eso es necesario que sigamos matando en cada concierto”. Hablando de Carnivore, habéis contado con varios invitados como Riley Galey de Power Trip, Jamey Jasta de Hatebreed e incluso Amy Lee de Evanescence.

“Normalmente invitamos a gente al

estudio. En Bloodlust tuvimos a Max Cavalera, por ejemplo. En este disco tuvimos a gente que nos mandó varios temas como Chino Moreno de Deftones, pero nosotros preferimos empezar desde cero y escribirlo todo nosotros, y luego buscar a la gente adecuada. Riley simplemente era perfecto para ese tema y encajó de maravilla. Y Jamey es casi el octavo miembro del grupo. Es muy buen amigo de Ice-T, así que fue muy fácil. En cuanto a Amy, un día estaba frustrado pensando en qué voz encajaría en ‘When I’m Gone’ y un amigo mío me dijo ‘¿Por qué no se lo pides a Amy Lee de Evanescence?’, y fue en plan ‘¿¿¿Qué???’ (Risas). Pero me dijo que podía contactar con ella, así que le mandamos el tema y después de un par de intercambios, 43


Blood’ y la grabamos para el disco Bloodlust. Pero en el festival de Wacken tocaban Slayer, y claro, no podíamos empezar nosotros con un tema que iban a tocar ellos, así que tuve la idea de probar con ‘Ace Of Spades’. La ensayamos en la habitación del hotel, luego la probamos con Ice-T en el autobús, y la primera vez que la tocamos fue esa noche en Wacken. La verdad es que nos gustó mucho y decidimos grabarla”. ¿Llegaste a conocer a Lemmy?

“Sí, Lemmy siempre estaba rondando por Los Ángeles, y Ice-T grabó algo con él. Yo he sido fan de Motörhead desde el 83 u 84. Tenía todos sus discos”. Antes decías que os encanta impactar a la gente. ¿Crees que falta más riesgo en el mundo del metal?

“YO TENGO 55 Y ICE-T 61, CREO. SON SLAYER LOS QUE HAN TIRADO LA TOALLA, NO NOSOTROS” VINCENT PRICE para mí sorpresa, aceptó (risas)”. Es un tema bastante distinto a lo que soléis hacer.

“Sí, no nos gusta hacer siempre lo mismo. Nos encanta descolocar a la gente, impactarla, ya sea con un mensaje controvertido o a través de la música. Nos gusta hacer cosas que nadie imaginaría que Body Count hicieran”.

Hicimos un show en Helsinki en el que tocaban Dead Cross y salió a tocar con nosotros ‘Postmortem’, así que él es el noveno miembro del grupo (risas). Ice-T llevaba tiempo queriendo grabar ‘Colors’ con la banda. El personaje de la portada es el que se describe en esa canción”. ¿Por qué habéis incluido una versión de ‘Ace Of Spades’ de Motörhead? ¿No es un tema

También está Dave Lombardo,

muy sobado ya?

¿no?

“Lo que pasó es que en giras pasadas solíamos abrir con ‘Raining

“Sí, toca en la versión de ‘Colors’. 44

“La realidad es que cada vez es más complicado impactar al público. Lo único que puedes hacer es algo que no se esperen. Rammstein eran impactantes, pero ahora todo el mundo usa fuego como ellos. Si ahora hiciéramos otra canción sobre matar policías, no tendría impacto, ¿sabes? Por eso hacemos cosas que nadie espera de Body Count”. ¿Y crees que podréis seguir haciéndolo durante mucho tiempo?

“Tenemos casi 60 años y todavía no hemos parado (risas). Yo tengo 55 y Ice-T 61, creo. Son Slayer los que han tirado la toalla, no nosotros (risas). Todavía somos jóvenes (risas)”.


GREEN DAY

TRÍO DE ASES SOBRE EL PAPEL, FATHER OF ALL MOTHERFUCKERS PODRÍA PARECER OTRO DISCO MÁS DE GREEN DAY. PERO LO CIERTO ES QUE SU LANZAMIENTO ESCONDE MÁS MISTERIOS DE LOS QUE APARENTA EN UN PRIMER VISTAZO. APROVECHANDO SU VISITA PROMOCIONAL A MADRID EL PASADO MES DE OCTUBRE, CONSEGUIMOS SENTARNOS A HABLAR CON UNA DE LAS BANDAS MÁS GRANDES DEL PLANETA DURANTE 20 MINUTOS ABSOLUTAMENTE REVELADORES. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR/ADRIÁN GARCÍA (DIRECTO)


M

IENTRAS ENFILO EL CAMINO HACIA EL METRO QUE ME LLEVE DE VUEL TA A CASA , en mi cabeza aún

estoy intentando asimilar lo que ha ocurrido hace escasos minutos en un hotel de Madrid. Durante 20 minutos he tenido la oportunidad de charlar a solas en una habitación con uno de los grupos que marcaron mi adolescencia y la de millones de personas en todo el mundo. Porque si de algo pueden presumir Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool, no es de haber sabido llegar a una generación que descubrió lo que es el punk rock gracias a ellos, sino a dos. Que tuviesen semejante impacto, primero con Dookie en 1994 y justo diez años más tarde con American Idiot, es lo que en cierto modo ha propiciado que, en un atípico soleado lunes de finales de octubre, medios de todo el mundo hayan acudido a la convocatoria de su discográfica. Aprovechando su actuación en los MTV Video Music Awards que tendrá lugar unos días después en Sevilla y un concierto ‘íntimo’ ante menos de 2.000 personas en La Riviera en el que además tocarán Dookie de principio a fin (podéis leer la crónica en nuestra web), Warner ha decidido montar en la capital su base de operaciones para acometer la campaña promocional de Father Of All Motherfuckers, el decimotercer álbum de estudio del trío de Berkeley. Un trabajo que tenemos la oportunidad de escuchar un par de horas antes de nuestro encuentro con la banda. Dándole un refrescante giro a lo que venían siendo sus últi-

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mos lanzamientos, Green Day esta vez han optado por abrazar otro tipo de influencias clásicas que siempre habían estado presentes en su música, pero que por primera vez no tienen miedo a mostrar de una manera tan clara. Cuanto menos, suena más divertido y conciso (apenas llega a los 26 minutos de duración) que su predecesor, Revolution Radio. Pero no sólo este disco es lo que ha reclamado la atención sobre el combo californiano en estos meses previos a su publicación. Después de confesar en una entrevista para KROQ, la influyente emisora de Los Ángeles, que éste se trataría del último álbum que tienen firmado por contrato con Warner, los rumores sobre su futuro se han disparado. El más potente y que parece ganar peso es el de que una nueva obra podría ver la luz una vez Father Of All... esté en la calle. Como leeréis a continuación, el grupo ni confirma ni desmiente, pero viendo la preocupación con la que los encargados de su sello nos pidieron centrarnos en realizar preguntas sobre el plástico que estaban promocionando, quizás las teorías no vayan tan desencaminadas. Ya saben que cuando el río suena, es que... Pero volvamos a la habitación del hotel, donde además de todo ello también hablamos de la inspiración que les ha aportado el que sus hijos den sus primeros pasos en la industria musical, el recuerdo de sus visitas a España tocando en casas okupas a comienzos de los 90, o del Hella Mega Tour, la mastodóntica gira que les llevará junto a Weezer, Fall Out Boy y The Interrupters por estadios de casi todo el mundo. Casi, porque,

como nos desvelan, por España pasarán de largo. Habrá que esperar hasta 2021 para verles de nuevo por aquí. Tras pedirles que me firmen un ejemplar del primer número de RockZone cuya portada protagonizaron hace exactamente 15 años en plena fiebre por American Idiot, nos sentamos los cuatro en un gran sofá. Los nervios me pueden y tardo unos segundos más de lo normal en poner la grabadora en funcionamiento. Y es que, por muchas entrevistas que un servidor lleve a sus espaldas, no todos los días se tiene enfrente a tus ídolos de juventud. Vuestro nuevo disco de llama

Father Of All Motherfuckers. ¿Quién es el padre de todos los hijos de puta? BILLIE JOE ARMSTRONG ”Bueno,

supongo que no puedes evitar pensar en Donald Trump con un título como ése. Pero no sé, simplemente se me ocurrió. Pensé que era cojonudo y decidí escribir una canción sobre ello (risas)”. La verdad es que en un primer momento yo también pensé que sería una referencia a Trump, pero habéis dicho que éste no es un disco político. ¿Os hubiera resultado demasiado obvio y reiterativo hacer otro álbum con esa temática? La verdad es que ahora lo hubierais tenido más a huevo que nunca... BILLIE JOE “Nos gusta hacer cosas

que sean nuevas para nosotros y mantener la frescura. Creo que si intentásemos hacer una segunda parte de American Idiot no estaríamos


“PARA MÍ SE TRATA DE TRABAJAR DURO. AHÍ ES CUANDO EMPIEZAN A SURGIR COSAS” BILLIE JOE ARMSTRONG

siendo honestos. Para nosotros es importante jugar con nuevos sonidos como la música soul, Motown, garage rock, el glam y cosas así. Hay mucho de eso en este disco”.

BILLIE JOE “Diría que es como

degradar nuestra propia imagen, lo cual me parece una idea interesante. Es una manera de divertirnos y reírnos un poco de nuestro legado, por así decirlo”.

y esforzarte en ello. Mucha gente piensa que estar inspirado es algo así como si de repente hubieras tenido una bendición divina. Pero para mí se trata de trabajar duro. Ahí es cuando empiezan a surgir cosas”.

trabajo, es como si quisierais

Musicalmente, este disco está

No sé como lo veis vosotros,

lanzar un enorme ‘que os jodan

inspirado en el rock’n’roll de

pero tengo la sensación de que

a todos, vamos a montar una

los 50 y 60, el soul, el garage...

últimamente cada vez que sa-

fiesta’. Mismamente, la portada

También veo que tiene mucho

cáis algo nuevo es como si fue-

parece que va un poco por ahí.

de lo que hicisteis en el álbum

se una reacción a lo anterior.

No sé si podéis explicarla o, al

de Foxboro Hot Tubs. Son in-

Por ejemplo, después de 21st

menos, comentar por qué apa-

fluencias que siempre han esta-

Century Breakdown, que era

rece la mano con la granada de

do ahí, pero esta vez las expo-

como una continuación de Ame-

American Idiot y el unicornio.

néis de un modo más obvio.

rican Idiot, publicasteis Uno…

MIKE DIRNT “No hay nada mejor

BILLIE JOE “Nunca intentamos ha-

Dos… Tré!. Y ahora, tras un

que un unicornio para decir ‘que te den por culo’ (risas)”.

cer cosas que ya hemos hecho. Siempre es importante buscar inspiración

disco más convencional como

Mi sensación es que, con este

fue Revolution Radio, volvéis

49


“ESTAMOS TOCANDO CON LA MISMA ENERGÍA QUE SIEMPRE HEMOS TENIDO. HAY UN MONTÓN DE EMOCIONES: CONFUSIÓN, ALEGRÍA, IRA, TRISTEZA... TODO ESTÁ AHÍ” BILLIE JOE ARMSTRONG


con uno de vuestros trabajos más breves y desenfadados. Mi teoría es que cuanto menos predecibles sois, es cuando mejor música os sale. BILLE JOE “Yo también lo veo así.

Siempre he pensado que el siguiente disco que sacamos después de American Idiot no fue 21st Century Breakdown, sino el que hicimos como Foxboro Hot Tubs. Ése es uno de mis discos favoritos de todos los que hemos hecho. Y ahora mismo estamos en un momento parecido en el que nos apetecía divertirnos. Creo que es algo que puedes percibir escuchando el álbum. Pero al mismo tiempo estamos tocando con la misma energía que siempre hemos tenido. Hay un montón de emociones: confusión, alegría, ira, tristeza... Todo está ahí”. Hablando de inspiración, tus hijos están también creando su propia música (Joey, el hijo ma-

yor de Billie Joe, toca la batería en SWMRS, y el menor, Jakob, tiene su propia banda, Ultra Q -ndr.). ¿Crees que te han influido de alguna manera? BILLIE JOE “Oh, totalmente. Creo

que los dos son un ejemplo de que los nuevos grupos pueden hacer grandes cosas. Gracias a ellos he descubierto bandas como White Reaper, quienes creo que son fantásticos. Y la música que están haciendo con SWMRS y Ultra Q es genial también. Una cosa que he aprendido de tener hijos que están metidos en la música es que les importan menos los estilos y se centran en coger lo que les gusta de cada sitio para mezclarlos. Por ejemplo, es muy raro ver a un chaval con una camiseta de

Greatful Dead y una cazadora de cuero con un pin de los Sex Pistols (risas). Ahora la gente está usando elementos de diferentes músicas y está empezando a crear su propio estilo con eso”.

modo en que queramos. Por ejemplo, si decidiéramos escribir una canción hoy mismo en esta habitación, podríamos subirla esta noche a internet. Nos gustaría tener tanta libertad como la que hay en el hip hop hoy en día”.

Sé que ésta puede ser una pregunta peliaguda, pero es

Lo cierto es que ahora mismo

vox populi que Father Of All

tanto el rap como el pop están

Motherfuckers pondrá punto

centrados en estar publicando

y final a vuestro contrato con

singles todo el tiempo. En cam-

Warner. No sé si podéis hablar

bio, la gente que escucha rock

de ello abiertamente...

necesita tener un disco entero

TRÉ COOL “¿Nos estás haciendo

porque con una canción no les

una oferta? (Risas)”.

es suficiente. ¿Creéis que tal vez las bandas de rock se han

Bueno, no es que tenga mucho

quedado estancadas en la cultu-

dinero, pero podríamos nego-

ra del álbum?

ciarlo... (Risas).

MIKE “No lo sé. Pienso que la

MIKE “La realidad es que nunca

mayoría de grupos que ya llevan tiempo en esto podrían permitirse publicar un single dado que tienen muchos seguidores. Estén en una discográfica o no. Creo que es algo emocionante para cualquier grupo”. TRÉ “El asunto es que muchas bandas de rock veteranas tienen contratos muy anticuados. Los nuevos artistas que van saliendo pueden evitar eso y tener más libertad”. MIKE “Pero también queremos rendir honor a los álbumes porque es de donde venimos. Nos gustan las dos cosas”.

hemos considerado seguir trabajando con ellos o no. Siempre vamos a necesitar un sello donde poder publicar nuestra música, ya sea si lo hacemos por nuestra cuenta o si requiere de algún tipo de negociación. Simplemente queremos hacer música y sacarla”. BILLIE JOE “Que todo esté menos estructurado y más centrado en que podamos hacer cualquier cosa que queramos”. ¿Pero estáis pensando en crear vuestro propio sello de manera independiente? De hecho, te-

Siguiendo por ahí, hace no mu-

néis Adeline Records (discográ-

cho, en una entrevista para la

fica de Bille Joe -ndr.).

emisora KROQ, dejasteis caer

BILLIE JOE “Ya no. Cerramos hacer

que en 2020 podría salir otro

un par de años”. MIKE “Más allá de si seguimos en Warner, nos vamos a otro sitio o si actuamos de manera independiente, lo más importante para nosotros es poder publicar nuestra música del

álbum de Green Day además de éste. BILLIE JOE “El caso es que tenemos

muchas canciones que son igual de buenas que las que han acabado entrando en el disco, pero quizás no 51


eran las apropiadas para Father Of All Motherfuckers. Pero sí, nos encantaría publicar algo y darle forma. Todo depende de cómo lo hagamos. Quizás una especie de mercadillo en forma de rock club, donde puedas entrar y coger lo que quieras, como si fuese un almacén donde puedas tocar y luego sacar un 7”. Se trata de crear situaciones diferentes a lo que venimos haciendo, en lugar de ‘OK, aquí está el nuevo disco, la próxima entrevista, la siguiente gira...’. Que resulte lo menos obvio posible. Queremos hacer cosas guays y sentirnos creativos con esto, como poder sacar un split con los Foo Fighters o algo así si nos apetece”.

Bueno, cambiemos de tema. Además de Father Of All

Motherfuckers, en 2020 vais a protagonizar una de las giras más grandes del año con el Hella Mega Tour junto a Weezer y Fall Out Boy. ¿Cómo surgió la

do muchos grupos que destaquen en el rock últimamente. Tal vez deberíamos hacer que un par se hiciesen grandes. Entonces podríamos ir a sus casas y dispararles (risas). Sería una manera de aumentar nuestra popularidad”. TRÉ “Ésa es una gran idea (risas)”.

idea de unir fuerzas entre las tres bandas?

Por el momento, no hay fechas

BILLIE JOE “Queríamos tener el

anunciadas en España del Hella

ambiente de un festival en un gran concierto para muchísima gente. Pensamos que sería divertido tocar con Fall Out Boy y Weezer y que la gente pudiese verles. Es así de sencillo”.

Mega Tour. ¿Pasará la gira por aquí? BILLIE JOE “Sé que Green Day

volveremos probablemente en 2021, pero quizás no sea con el Hella Mega Tour”.

También habéis incluido a The Interrupters en el pack. ¿Son

Este sábado vais a estar en Se-

Pero sabéis que hay muchos

una de vuestras bandas favori-

villa tocando en la gala de los

rumores al respecto. Incluso por

tas a día de hoy?

MTV Europe Music Awards y pa-

internet circula una posible por-

MIKE “Son una banda muy buena

sado mañana aquí en una sala

tada con el título de Magnum

en directo y gente maravillosa. Después de la última gira que hicieron con nosotros, empezaron a tocar en sitios muy grandes en Estados Unidos. Pensamos que sería fantástico tener a gente a la que consideramos como de la familia en este tour”.

para menos de 2.000 personas.

Opus Of The Inglorious Kind. ¿Qué me podéis contar de esto? MIKE “Después del tremendo éxito

de Father Of All Motherfuckers... (Risas)”. BILLIE JOE “Son rumores que están en internet. Pero, mira, eso es lo que hace geniales a las redes sociales: la manera en la que puedes publicar las cosas. Que alguien pueda salir con un título como Magnum Opus No Sé Qué o una frase en latín que no tengo ni idea de lo que significa. Puede que usemos ese título y publiquemos música bajo ese nombre, no lo sé. Es como si la gente buscase huevos de pascua. Tal vez saquemos una canción extra y acabe en un nuevo disco. Ya lo veremos”.

de los 90 cuando tocabais en casas okupas, antes de que apa-

do muy rápido. ¿Creéis que al-

TRÉ “Fue muy divertido”.

gún día podrían llegar a tocar en

BILLIE JOE “En Madrid, la primera

los recintos que llenáis vosotros?

vez tocamos con The Meteors, un grupo de psychobilly. Lo pasamos muy bien. Recuerdo estar de fiesta toda la noche. Hicimos muy buenos amigos en Zaragoza, que nos enseñaron a cómo salir de juerga de verdad (risas). Teníamos 19 años”. TRÉ “Yo me rompí la pierna conduciendo una scooter. Eso moló (risas)”.

MIKE “Lo harán, porque vendrán con

nosotros (risas). Pero sí, todo es posible. Son un gran grupo”. ¿Por qué, en vuestra opinión, parece que cada vez cuesta más que destaquen grupos nuevos dentro del rock?

Para mucha gente la opción más fácil es el pop. El público suele ir a lo que es sencillo”. MIKE “Pero es cierto que no ha habi-

52

hicisteis a España a comienzos

de aquella época?

cubrió que Magnum Opus Of

nadiense Panicland -ndr).

a aquellas primeras visitas que

La verdad es que están crecien-

TRÉ “Creo que todo son corrientes.

fake realizado por la banda ca-

por un momento la vista atrás

reciese Dookie. ¿Qué recordáis

(Unas semanas después se desThe Inglorius Kind era un disco

Pero me gustaría que echaseis

¿Seguís manteniendo el contacto con la gente que organizó aquellos conciertos? BILLIE JOE “Sí, algunas veces hablo


“QUEREMOS HACER COSAS GUAYS Y SENTIRNOS CREATIVOS CON ESTO, COMO PODER SACAR UN SPLIT CON LOS FOO FIGHTERS O ALGO ASÍ SI NOS APETECE” BILLIE JOE ARMSTRONG

con ellos. La última vez que tocamos en España vinieron a vernos al concierto. Fue genial volver a encontrarnos a todo el mundo”. ¿Y creéis que sería posible organizar una gira de salas pequeñas por Europa?

en una sala más reducida, gracias a las redes sociales puedes llegar incluso a muchísima más gente porque el público lo estará retransmitiendo desde sus teléfonos para todo el mundo. Y no es que esté diciendo que se deberían ver los conciertos de esta manera, pero es un modo de hacerlo global”.

MIKE “Tocaremos en cualquier sitio

que queramos. Muchos grupos que se hacen grandes suelen quejarse de que echan de menos tocar en salas pequeñas… Yo me pregunto: ‘¿Y por qué no lo haces?’. Es lo que hacemos nosotros. Si queremos tocar en un garito para 200 personas, lo hacemos. En realidad, ya estamos haciendo una pequeña gira en esta misma habitación hoy mismo (risas)”. BILLIE JOE “Es posible hacer algo así. Es interesante porque, aunque toques

Para terminar, han pasado 15 años desde American Idiot y obviamente fue un momento muy importante en vuestra carrera. No hay muchos grupos que puedan decir que hayan tenido dos discos tan exitosos.

¿Qué creéis que hubiera pasado si American Idiot no hubiese triunfado como lo hizo? TRÉ “Que quizás podrías vernos en

una sala pequeña de 200 personas (risas)”. BILLIE JOE “Creo que seguiríamos tocando sin importarnos el cómo. Siempre hemos tenido una manera muy atrevida de publicar música sin saber qué es lo que iba a pasar. Y eso es parte de la diversión. Es hipotético pensar qué hubiera ocurrido si aquel álbum no hubiese llegado a ser tan masivo. Pero gracias a Dios, lo fue”.

TRÉ “Bueno, hay bandas que no

tienen ninguno (risas)”. MIKE “Perdona, pero nosotros tenemos tres: Dookie, American Idiot y Father Of All Motherfuckers (risas)”. 53


DISCO DEL MES

N Splid (RISE) HARD ROCK, METAL, PUNK

8

54

o hay reto que provoque más vértigo a un grupo que afrontar un cambio de vocalista. Después de tres álbumes, Kvelertak tuvieron que pasar por este complicado trance cuando el carismático Erlend Hjelvik decidió dejar la nave en julio de 2018, cuando todavía no había terminado la gira de presentación de su anterior Nattesferd. El grupo encontró en su amigo Ivar Nikolaisen, un reemplazo para salir del paso, y la verdad es que, por lo que pudimos ver en sus conciertos abriendo para Mastodon, cumplió de sobras; aunque fuera inevitable echar de menos al Hombre Buho. Pero una cosa es interpretar con solvencia un repertorio ya contrastado y otra muy distinta es crearlo. De ahí que

KVELERTAK

el anuncio del cuarto álbum de los noruegos llegara con esperanza, pero también con incertidumbre. Lo primero que hay que advertir es que, como ya comprobamos en directo, Nikolaisen no es un clon de su predecesor, al estilo de lo que ha ocurrido en Stone Temple Pilots, y eso ha afectado al resultado. Quizá la banda hubiera variado su discurso igualmente, pero es inevitable pensar que el cambio ha tenido su efecto. Así en pocas palabras, Splid es a la vez el álbum más punk y el más progresivo que han grabado hasta ahora. También el más rockero y el menos metal. El más callejero y el más épico. Un mundo de contrastes. De entrada parece que la influencia del hard rock escandinavo de

los 90 haya ganado peso, como se hace patente en ‘Crack Of Doom’ (con Troy Sanders al estribillo y en la que estrenan en inglés), ‘Necrosoft’ o ‘Discord’, pero a su lado encontramos cosas como ‘Tevling’, con algo de post punk, o viajes alucinantes como ‘Bråtebrann’ o ‘Fanden Ta Dette Hull!’ donde desarrollan su talento para combinar macarrismo y elegancia en todo su esplendor. Y justo cuando has pensado que su lado más blackie había sido olvidado, en sus dos últimos temas, ‘Delirium Tremens’ y Ved bredden Av Nihil’, reaparece descarnadamente. No es un disco que entre a la primera, pero con Splid inician una nueva etapa que promete ser tan excitante como la anterior. JORDI MEYA


LLACUNA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Albert

Riera (guitarra, voz), Gerard Serrano (guitarra, voz), Marçal Coll (trompeta, voz), Eric Font (bajo, voz), Eloi Nadales (batería). PRODUCIDO POR: Borja Pérez. AFINES A: L’Hereu Escampa, Viva Belgrado, La Dispute. PÁGINA WEB: llacuna.bandcamp.com


E Incendis (BCORE/SALTAMARGES) EMO

8

l título del primer largo de Llacuna no podía sonar más acertado. Cuando unen sus fuerzas provocan un emocionante incendio, un fuego aparentemente descontrolado. Su base rítmica es explosiva y sus guitarras están cargadas de pólvora pirotécnica. En las filas de esta banda encontramos excomponentes de bandas de post hardcore muy queridas por el underground catalán como Turnstile y Hurricäde. Se juntaron ya hace casi cuatro años para sacar su lado más emo y se presentaron en sociedad con un EP homónimo formado por cinco temas. Grabado en los míticos Ultramarinos Costa Brava y Cal Pau Recordings con Borja Pérez a los mandos,

Incendis recoge 11 nuevas composiciones que perfilan las buenas maneras apuntadas en el EP. Quizá es algo exagerado hablar de sonido propio, más incluso cuando la influencia de algunas bandas como Sports y Marietta son evidentes, pero el ahora quinteto con la incorporación oficial de su trompetista sí tiene un estilo muy reconocible. Precisamente el mayor protagonismo de la trompeta, presente en la mayoría de los temas, marca la diferencia y supone una agradable sorpresa. Las letras en catalán, cantadas y gritadas, destilan autenticidad. Son letras vividas, experiencias de unos jóvenes no tan jóvenes que viven y disfrutan, que sufren y

continúan adelante. El disco incluye historias de amor y relaciones a distancia, como ‘L’Altra Cara de l’Albera’, una montaña al sur de los Pirineos y al norte de Catalunya, y también habla de lagunas mentales tras una buena farra con los amigos en cortes como ‘Rei De La Nit’. La crítica social explícita llega con ‘La Lluita De Classes’, disuelta entre tanta realidad virtual y likes, y la traca final que es ‘Mordassa’, una pieza en la que alzan la voz sin apenas palabras para cargar precisamente contra una ley que prohibe la expresión de ciertos pensamientos. Bien jugado. Que sigan quemando, que siga creciendo su incendio. LUIS BENAVIDES

BONUS TRACK CON... LLACUNA Después de tanto tiempo presentado vuestro primer EP supongo que ya teníais ganas de grabar otros temas.

“Sí, teníamos muchas ganas de grabar de nuevo y evolucionar el sonido aunque esto implique encerrarse en el local durante un año sin tocar para preparar material nuevo. De todos modos, con el primer EP hicimos unos 40 conciertos en diferentes puntos de la Península, así que la banda estaba presentada en sociedad y tocaba escribir de nuevo. El balance ha sido súper positivo. Lo más importante es que lo hemos pasado genial pero también nos ha servido para conocernos más como banda y decidir qué dirección tomar en la composición de las canciones nuevas”. ¿Habéis cambiado algo en la manera de componer y plantear los temas?

“Realmente la idea era huir un poco de la complejidad de canciones que habíamos escrito en el EP, aunque al final no ha sido 100% así. Hemos decidido incorporar algunos versos i armonías vocales a las canciones que se repiten como si fueran un estribillo, cosa que en el disco anterior casi no pasaba. Aunque esto se puede ver en la mayoría de los temas del nuevo disco, creemos que en el próximo le vamos a dar una vuelta de tuerca y vamos a intentar trabajar con más mimo los estribillos y las voces en general”. ¿Podemos decir que este disco es una transición? Personalmente, Incendis me parece una continuación natural al disco homónimo.

“Digamos que en este disco hemos hecho lo que realmente queríamos hacer en el anterior pero que en aquel mo-

mento todavía no sabíamos cómo hacer exactamente porque estábamos aprendiendo a buscar este tipo de armonías, estribillos, arreglos y, en definitiva, este tipo de canciones. La idea, pero, es intentar hacer canciones cada vez más redondas. Algo así como buscar la canción perfecta (risas)”. Una vez con los temas cerrados, ¿cómo fue la grabación?

“La grabación fue muy fluida hasta que llegamos al apartado voces. Somos un grupo que le ponemos mucho amor a las composiciones instrumentales y cuando llegamos a las voces tenemos más dificultad. Al final estamos contentos con el resultado. Como comentabas, este disco representa la evolución natural del grupo y creemos que las voces forman parte de ese sonido cada vez más característico del grupo”. (LUIS BENAVIDES)

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HABITAR LA MAR Comedia Yoica (VARIOS SELLOS) NOISE ROCK

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o se me ocurren muchos ejemplos de grupos tan on fire a nivel creativo en España como Habitar La Mar ahora mismo. En menos de dos años, lo que parecía un mero proyecto más de miembros de El Gran Oso Blanco, Xkrude y De La Cuna A La Tumba, ha terminado por convertirse en una sólida realidad. Siguen navegando en lo más profundo de ese océano que solemos conocer como underground, pero el ruido que llevan haciendo cada vez tiene más repercusión. Ruido a nivel mediático, pero sobre todo en cuanto a lo que se puede escuchar en sus canciones. Nos decía Kantz

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en una entrevista que saldrá en el número de marzo que aún están descubriendo las diferentes partes de la cara de la banda. Comedia Yoica es pues la cara más tenebrosa de su rostro. Si en La Deriva (su presentación en público) y Realismo Histérico (su confirmación) hacían gala de un rock ruidoso en la onda de los Metz más desbocados, aquí siguen empeñados en extraernos toda la cera de los oídos. Cortes como ‘Colisiones’ y ‘Arsonista De Mí’ te vuelven a golpear cual sonora bofetada a ritmo de hiriente punk rock. Comprobamos como Kantz sigue ampliando su paleta de registros vocales. Lo mismo te rapea vacilón que te berrea en toda la jeta o te susurra al oído aquello que sabes pero no quieres escuchar. De impartir miedo va también ‘Fantasmas’, con Anxela de Bala, y el binomio formado por ‘Espirales’ y ‘Caos’ (donde también participa Donna Diane de Djunnah) abre una nueva puerta a lo desconocido en esta casa del horror sónico. El servicio de centrifugación de seseras esta vez corre a cargo de ‘La Tara’. Problema resuelto, amigos. GONZALO PUEBLA

SUICIDE SILENCE

Become The Hunter (NUCLEAR BLAST) DEATHCORE

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ras revolucionar el metal para un total de cero personas e influenciar para siempre a otras cero bandas, Suicide Silence dan carpetazo al insólito episodio de su álbum homónimo para, tres años después, volver al deathcore. Un deathcore que ya no sorprende ni aniquila, todo hay que decirlo, pero que al menos no intenta colártela para ver si por fin logran abrir megatours de Korn o Avenged Sevenfold. Grupos dando giros drásticos para llegar a las masas los hemos visto a millares, y seguiremos viéndolos, pero lo que hizo inaudito el caso de los californianos

fueron los insultos vertidos hacia los fans en redes, esas entrevistas iracundas negando la evidencia… Pero yo les perdono, lo digo en serio, porque tiene que ser durísimo perder a un frontman, a un amigo, justo cuando todo parecía ir de cara, o ver cómo la escena que te sustentó casi ha pasado a mejor vida. En Become The Hunter, Suicide Silence vuelven a afrontar sus demonios, pero de una forma mucho más creíble y sincera, y todo ello parapetándose tras una imponente muralla de ruidera diseñada por tres monstruos como Steve Evetts, Josh Wilbur y Ted Jensen. A decir verdad, con este sexto álbum, a Suicide Silence les veo en el punto justo que deberían haber ocupado si, a la hora de crear, se hubieran olvidado del color verde: golpeando con saña con aquello que sus antiguos seguidores quieren, como en ‘Feel Alive’, ‘Love Me To Death’, ‘In Hiding’ o ‘Death’s Anxiety’, y en el caso de caer hacia sonoridades alternativas, haciéndolo con indudable clase. Si continúas reacio, aquí no encontrarás ninguna ‘Doris’, te doy mi palabra. PAU NAVARRA


proporcionan al hardcore un nuevo aliento incorporando influencias del rock alternativo de finales de los 80 y los 90. ¿Quién podía imaginarse entonces que Jane’s Addiction se iban a convertir en una inspiración para una nueva generación de hardcoretas? En especial, el vocalista Jimmy Wizard parece HIGHER POWER 27 Miles Underwater embrujado por el espíritu de Perry Farrell en los pasajes (ROADRUNNER) más melódicos, pero toda la HARDCORE, ROCK ALTERNATIVO banda en general incorpora algunos toques psicodélicos 8 y funkys característicos de los autores de Ritual De Lo l nuevo álbum de Higher Habitual como escuchamos en ‘Staring At The Sun’; por Power, con el que se estrenan en Roadrunner, no hablar de la acústica ‘In The Meantine’ que recuerda era uno de los que más a ‘Jane Says’. En algún ganas tenía de escuchar momento las influencias se este año. Ya con su debut les van de la manos -¿Es la Soul Structure publicado en intro de ‘Self-Rendered: Lost’ 2017 apuntaban maneras, un homenaje a ‘Rooster’ y el que hubieran fichado a de Alice In Chains o un Gil Norton, el productor de simple plagio?-, pero sería algunos de los mejores discos absurdo quedarse con ese de Pixies o Foo Fighters, era un aliciente a tener en cuenta. detalle porque si algo tienen Higher Power son recursos Como todo buen segundo de sobra: los dos guitarristas, disco debería hacer, 27 Louis Hardy y Max Harper Miles Underwater afianza la alternan riffs pesados con personalidad del quinteto de armónicos relucientes y se les Leeds a la vez que muestra van tan cómodos metiendo una versión mejorada de lo cera en ‘Shedding Skin’ como que ya habían ofrecido. Al igual que Turnstile al otro lado acercándose al post hardcore del océano o The Wax en melódico en ‘Rewire (101)’. nuestra tierra, Higher Power JORDI MEYA

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APHONNIC La Reina (MALDITO) METAL ALTERNATIVO

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ualquier proceso de crecimiento requiere su tiempo y esfuerzo. Por eso sólo aquellos que están dispuestos a persistir son los que finalmente llegan a buen puerto. Y nadie podrá negar que Aphonnic han perseverado, pese a que menudo pareciese que lo hicieran en balde. Posiblemente el día en el que decidieron ser ellos mismos, o tuvieron la autoconfianza para intentarlo, es cuando las cosas empezaron a cambiar. En ese aspecto, La Reina no deja de ser la culminación de un proceso que iniciaron con Héroes en 2013 y que siguió con Indomables en

2016. Ah, y es también su mejor disco. En primer lugar porque ya podemos hablar de un ‘sonido Aphonnic’, en el que las inevitables influencias externas son asimiladas con naturalidad al pasar por su filtro personal hasta hacerlas propias. En segundo, porque le han pillado totalmente el truco a escribir grandes canciones. No hay aquí una sola de relleno, y todas aportan algo y se complementan gracias a sus distintos registros. Ya sea en las metaleras ‘En Globo’, ‘Zurda Oveja Negra’ o ‘Tres Deseos’, en las melódicas ‘KaleboRock&Roll’ o ‘Mickey & Minnie’, con estribillos gigantescos, o en las épicas ‘Vestigios’ o ‘Necios’, los vigueses salen victoriosos. También hay que destacar el sonidazo que han sacado gracias a su fiel relación con el portugués Vasco Ramos, añadiendo toques de cuerdas o teclados, pero que en ningún momento sobrecargan. Por último, que se hayan a grabar una canción tan desnuda y emotiva como ‘Crisantemos’ da fe de lo lejos que han llegado. Eso, ya no se lo quita nadie. DAVID GARCELL


ANTI-FLAG

20/20 Vision (SPINEFARM) PUNK ROCK

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unque pueda parecer un movimiento más que evidente viniendo de ellos, que Anti-Flag le hayan cedido la portada de su nuevo trabajo a Donald Trump es toda una novedad. El combo de Pittsburgh siempre se ha mostrado muy crítico con la política de su país, pero nunca antes había focalizado todas sus fuerzas en contra de un presidente estadounidense en particular. Ese mero detalle da una idea de la preocupación que despierta alguien como Trump en la sociedad actual. De todos modos, tras un cuarto de siglo de activismo tanto encima como fuera de los escenarios, no es que esta situación les pille de nuevas.

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Por eso mismo 20/20 Vision viene a ser otro disco más que añadir a su catálogo sin que encontremos grandes diferencias con lo que han venido haciendo. Por supuesto, sus letras combativas siguen estando presentes en cortes como ‘Hate Conquers All’ y ‘You Make Me Sick’, aunque en el caso de esta última suene algo forzada. Otras como ‘20/20 Vision’ o ‘Don’t Let The Bastards Get You Down’, muestran una cara algo más amable musicalmente, sacando a flote su gusto por las melodías. Aunque cuando son capaces de medir entre la energía punk y los estribillos redondos, siguen siendo de los mejores en lo suyo, como es el caso de unas ‘Christian Nationalist’ y ‘The Disease’ que se suman a su larga lista de temazos. La acústica ‘Un-American’ y las trompetas de la final ‘Resistance Frequencies’ son tal vez los momentos más sorprendentes en un álbum que discurre según lo previsto en el guión. Y es que puede que Anti-Flag apuesten por el cambio, pero lo que es en su música, siguen siendo bastante conservadores. GONZALO PUEBLA

AVIDA DOLLARS A Pesar De Todo (THE BRAVES) ROCK ALTERNATIVO

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in hacer mucho ruido, Avida Dollars se están convirtiendo en todo un ejemplo de cómo construir la carrera de una banda, en un país donde sencillamente tener –grandes- aspiraciones dentro de la música que hacen, es prácticamente una utopía. Ha pasado una década desde que editaron su primer álbum y desde entonces han hecho lo que cualquier banda debería de preocuparse, crecer musicalmente, ser consecuentes y sinceros con ellos mismos. Han pasado nada menos que siete años desde el último álbum de la banda, Paramnesia –aunque

por el camino han ido sacando singles y EP’s que han mostrado su evoluciónpero A Pesar De Todo muestra a la perfección lo que son estos Avida Dollars con la mayoría de edad cumplida. Dirigidos de nuevo a la producción Txosse Ruiz -nadie mejor que él para grabar esta clase de bandas- el cuarteto de Barcelona no esconde su eternas influencias de Thrice y toda aquella escena entre el post hardcore y rock alternativo que tanto marcó el inicio del siglo en canciones como ‘Mano Al Cuello’ ‘Hielo y Fuego’ o la rockera ‘La Jaula’ que suenan robustas, con riffs directos, voces con músculo y una base rítmica sin fisuras pero, es en la parte final con ‘Cenit/La Sombra Del Ciprés’ y especialmente ‘Ojos De Cristal’ donde dan pistas de lo que podemos esperar de ellos en el futuro. Dos canciones redondas, que van de menos a más y que muestran que su espectro musical es cada vez más amplio. Ahora que están más activos en cuanto a directos, es un buen momento para descubrir a una banda que sin duda merece más suerte. RICHARD ROYUELA


IMPERIAL CULT Spasm Of Light

(AMOR FATI/SENTIENT RUIN) BLACK METAL

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ermina otro año y, como siempre, a uno le entran las prisas por revisar aquellas joyitas más subterráneas que, por desgracia, hayan quedado sepultadas entre la incesante e inabarcable avalancha de nuevos lanzamientos. Aparecido en el pasado agosto, Spasm Of Light es el primer esfuerzo de Imperial Cult, enigmática banda holandesa que, pese a su corta trayectoria, sabe perfectamente a qué juega. Estamos ante un solo corte y 34 minutos de agonía, ante depresiva reiteración y un acertado sonido de lo más agreste, pero también

delante de sombría emoción y sabiduría oculta. Lamentos que se propagan hasta la extenuación, hasta alcanzar el trance; eso es lo que nos ofrece el primer cuarto de canción. Parón y cambio súbito de riff. Purificación por la vía del dolor, y ojo, que la senda adquiere tintes épicos ya. Llegados a este punto, el devoto cabeceará cual acólito endemoniado. Traspasado el ecuador, como si de un embrujo de naturaleza mefistofélica se tratara, el potro de tortura deja de apretar y se abre paso un medio tiempo espectral. Ya sólo queda abrazar la verdadera iluminación a través una recta final que atraviesa piel, carne y hueso hasta alcanzar lo inexplicable. De nirvana se podría tildar la estación emocional en la que Imperial Cult te abandonan. Qué disco. Este curso centraremos toda nuestra atención en el sello Amor Fati, pues actualmente está publicando algunos de los álbumes black de más alta alcurnia. En efecto, un espasmo de luz… de inquietante y transformadora luz. PAU NAVARRA

POPPY

I Disagree (SUMERIAN) POP, METAL, ELECTRÓNICA

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s difícil imaginar que en el mundo preInternet, una artista como Poppy pudiera ni siquiera haber existido. Con una estética visual y musical pareja a la de Babymetal, esta chica de 25 años no entiende de géneros o límites y, como si tratara de la niña de El Exorcista, es capaz de cantar dulcemente al oído con una voz angelical para a continuación vomitarte encima con un chorro de distorsión. Su tercer álbum es un artefacto no apto para quienes no les gusten las sorpresas. Es algo que queda clarísimo desde la primera canción, ‘Concrete’,

en la que cada estrofa cambia de registro: pasarás de un riff metalero, a una parte a lo Beatles, a un estribillo en clave K Pop, a unas guitarras en plan Queen. Una introducción perfecta lo que vendrá durante los siguientes 30 minutos.Aunque las guitarras han ganado más protagonismo que en sus discos anteriores, sería un error pensar que I Disagree es un disco de metal, sino que es sólo uno de los elementos con los que juega a su antojo. Por aquí escucharas beats electrónicos (‘Nothing I Need’), bases industriales (‘BLOODMONEY’), pero sobre todo mucho pop; no cuesta imaginarse algunos de estos temas (‘Anything Like Me’ ‘Sick Of The Sun’) cantados por Billie Eilish. Pero quizá la verdadera sorpresa sea el tema final, ‘Don’t Go Outside’, el tema más desnudo y ‘clásico’ en la que podemos intuir, quizá por única vez, que Poppy es alguien de carne y hueso y no un holograma. Como decía el personaje de Leonardo DiCaprio en Djando Desencadenado: “Tenía curiosidad por ti, ahora tienes mi atención”. MARC LÓPEZ


C NEAERA Neaera

(METAL BLADE) DEATH METAL MELÓDICO

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omplicadísimo evaluar esta vuelta de Neaera, ahora sí, con todas las de la ley. Sentimientos encontrados, críticas que, tal como las acababa, las tiraba a la basura… ‘Eso es lo que deberías hacer con todas las que escribes’, pensaréis algunos, pero de verdad, qué difícil me lo ha puesto este álbum homónimo. Y es que hay que ver cuánto amor se les profesó a estos chicos desde su pequeña parroquia europea… En mi opinión, lo que la prolífica banda de Münster se llevaba entre manos siempre fue muy especial, y desde luego, merecieron mucha mejor suerte. Ante este disco podemos tener dos posiciones bien diferenciadas, y cabe decir que yo he acabado haciendo la vuelta entera para terminar disfrutándolo. Vayamos a lo innegable: el estilo compositivo, incluso

E CHURCH OF THE COSMIC SKULL

Everybody’s Going To Die (BILOCATION) ROCK

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l grupo de rock (u organización espiritual, como les gusta autodefinirse) procedente de Nottingham llevaba trabajando en nuevas composiciones en los últimos meses, pero no ha sido hasta hace unas semanas, casi sin avisar, que han presentado su tercer largo Everybody’s Going To Die. A pesar de ese título tan profético a la par que lúgubre, la cuadrilla capitaneada por Brother Bill no le ha dado la espalda a su misión de difundir el amor y la ciencia con sus canciones. Tampoco lo ha hecho con su original formula. Así pues, la inicial ‘Fantasy’ (a medio

la producción, es 100% Neaera. Esto es lo que el fan acérrimo les exigirá, pero al mismo tiempo, ya que retomas la actividad a pleno rendimiento y llevas siete años sin publicar, ¿en serio no vas a tomar ningún riesgo? ¿Sólo nos aguarda un mero revival? Ah, es aquí donde me atormentaban las dudas, porque el que espere un ‘algo más’ en este plástico no lo va a encontrar. Pero al final, ¿sabéis qué? Incluso sonando anacrónico, vaya si apetece reencontrarse

con ellos, ni que sigan sin alcanzar sus mejores momentos. Todo parece demasiado en su sitio, está claro, pero acabas por no poder resistirte a canciones marca de la casa como ‘False Shepherds’, ‘Carriers’, ‘Lifeless’ o las emotivas ‘Eruption In Reverse’ y ‘Torchbearer’, con esos breakdowns siempre coqueteando con el metalcore. Llega hasta la buenísima ‘Deathless’, y luego hablamos.

camino entre The Beatles y Queen) ya nos advierte que todo lo que ya habíamos conocido en sus dos anteriores trabajos Is Satan Real? y Science Fiction va a seguir aquí intacto. Las harmonías corales no tardan en brillar con ‘Do You Believe In Magic?’ y la titular ‘Everybody’s Going To Die’. Del mismo modo, rápidamente desatan su faceta más hard rockera con la guitarril ‘Do What You Want (With Love In Your Heart)’ o la aún más heavy ‘The Hunt’, con unos teclados a lo Deep Purple que se complementan de lujo con las habilidades a la Flying V de Brother Bill. En ‘Sorcery & Sabotage’ y su

regusto AOR seguramente tengan su más claro single dentro de estas nuevas composiciones, aunque la posibilidad de que lo acabes escuchando en alguna radiofórmula son nulas. Pero aún con todo lo demostrado aquí, Everybody’s Going To Die carece del efecto sorpresa de sus antecesores o al menos de algún tema tan mayúsculo como lo era ‘Evil In Your Eye’, lo cual le hace restar algún punto en su casillero. De todos modos, si aún no has descubierto a La Iglesia De La Calavera Cósmica, seguro que este disco te anima a unirte a su secta.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA


PAÜRA

Optimitzant El Desastre (AUTOEDITADO) PUNK ROCK

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aüra se presentaron en el 2017 con un EP homónimo que incluía un afinado retrato de la peor Barcelona, la de la gentrificación, el turismo masivo y los trabajos precarios. En la misma onda reivindicativa llega su largo debut, Optimitzant El Desastre, una decena de canciones rápidas y enérgicas. En la primera toma de contacto no pude evitar pensar en Crim. Y es que el cuarteto de Tarragona se ha convertido en un referente para las bandas de la escena punk rock estatal y una referencia

para los que nos dedicamos a recomendar discos. A medida que avanza este disco, no obstante, se hacen evidentes otras influencias como NOFX y Bad Religion. Pasan agradablemente los minutos y también descubrimos una banda con las ideas claras y ganas de encontrar su propia identidad. Los dos guitarristas, Héctor Ternura y Dani-San, se reparten a partes iguales las tareas vocales y las letras, algo que aporta variedad. Grabado en Wheel Sound Studio, Optimitzant El Desastre reparte en varias direcciones y dispara un puñado de estribillos adictivos. ‘Cendres’ nos invita a seguir luchando por una libertad que costó muchas vidas, mientras ‘Homenitat’ critica el heteropatriarcado y sus asquerosos clichés.El sistema capitalista que nos encadena a un salario también inspira uno de mis momentos favoritos del disco, ’Esclaus’, y abundan las canciones que como ‘Millor Sense Tu’ y ‘Teatre Dels Horrors’ retratan la mezquindad humana en sus diferentes formas. Muy buen debut. LUIS BENAVIDES

DEWOLFF

Tascam Tapes (MASCOT) ROCK

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lama la atención como gente que dispone de su propio estudio con todas las comodidades pueda sentirse atraída por explorar los métodos de grabación más anticuados. Eso mismo es lo que han pretendido hacer DeWolff en Tascam Tapes. Por si no les conoces, estos tres holandeses llevan ya más de una década de carrera con seis álbumes en su haber. Y ni tan siquiera han cumplido los treinta. Quizás por ese talento precoz que llevan explotando desde que eran unos adolescentes les haya picado el gusanillo de hacer algo distinto. Valiéndose tan sólo de un

cuatro pistas barato de los 80 (aseguran que les costó 50 dólares y que incluso tuvieron que repararlo varias veces a base de cinta adhesiva), una guitarra, una caja de ritmos y un sintetizador, han vuelto a dar rienda suelta a su amor por el rock de la vieja escuela. Desconozco si detrás de esto hay gato encerrado, pero la verdad es que el asunto funciona por momentos. A pesar de las limitaciones, el extraño groove que poseen ‘Blood Meridian I’ y ‘Nothing’s Changing’ se acaba imponiendo. También hay demostraciones de su querencia por el soul en ‘It Ain’t Easy’ y ‘Love Is Such A Waste’. Evidentemente, es el guitarrista y cantante Pablo Van Den Poel quien terminado acaparando más protagonismo, mientras su hermano Luka y el teclista Robin Piso cacharrean con sus juguetes como buenamente pueden. Y es que aunque se les debe reconocer el esfuerzo por salir de la zona de confort, la realidad es que algunas composiciones se quedan un tanto a medias. Veremos si estos temas cobran una nueva vida en su próxima gira. GONZALO PUEBLA


BAY CITY KILLERS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: José

Serrano (voz), David Caro (guitarra), Xavi Hernaiz (guitarra), Vicenç Bibiloni (bajo), Eric Barjacoba (batería) PRODUCIDO POR: Eric Fuentes AFINES A: The Gaslight Anthem, Hot Water Music, The Menzingers PÁGINA WEB: www.baycitykillers1.bandcamp.com


D Delivery Of Goods (VARIOS SELLOS) ROCK ALTERNATIVO, PUNK ROCK

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e entre todos los discos nacionales que escuché en 2017, siempre me pareció que The Distance, el primer álbum de Bay City Killers, estuvo tremendamente infravalorado. Sea por la enorme oferta musical de la que disponemos hoy en día o porque viven tan alejados de la península, el debut de los mallorquines pasó un tanto desapercibido para la mayoría. Sus canciones, en la línea de ese punk rock americano de The Gaslight Anthem y The Menzingers, deberían haber encontrado una respuesta más positiva entre el público. Ignoro si este Delivery Of Goods correrá mejor suerte, pero

de lo que no tengo duda es que el quinteto lo ha vuelto a dar todo una vez más. Acudiendo a una referente absoluto de la composición en nuestro país como Eric Fuentes de The Unifnished Sympathy, que ha ejercido como productor y consejero en esta segunda entrega, los asesinos de la ciudad de la bahía han sido capaces de hacer lo que parecía casi imposible: volver con un trabajo igual de bueno o incluso mejor que su opera prima. El salto cualitativo y de madurez se deja notar desde que arranca ‘Blue Roses In A Jar’ con una guitarra acústica que va pivotando a lo largo de todo el tema. Esas nuevas ideas se van asentando en

‘Beast From Nowhere’ (cuyas estrofas cuentan con un aroma muy The Smiths), ‘Carry On Wild’ con el bueno de Fuentes prestando su voz en un coro de regustillo pop, y el desgarrador medio tiempo ‘24 Frames Of Your Shade’, donde la garganta quebrada de José Serrano brilla con luz propia. Y aunque la propuesta esta vez se posiciona más cerca del rock, el grupo no ha dejado de lado su raíces. Ahí están las enérgicas ‘Unbroken’, ‘Burn This City’, ‘Tree Of Melvin’ con un riff adictivo y hasta bailable, o una ‘Wild Side Story’ que presenta candidatura como uno de los mejores singles de este comienzo de año. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... BAY CITY KILLERS Para un grupo que vive en una isla siempre es más complicado funcionar, sobre todo a la hora de girar. ¿Cómo os fue con The Distance?

“Realmente con The Distance tuvimos que enfocar la presentación con alguna que otra dificultad. La insularidad nos obligó a realizar salidas enfocadas al fin de semana. El no poder dedicarnos 100% a la música, la realidad laboral de cada uno y el no tener una base que nos ayude a salir, como un management en la Península, dificulta un poco las cosas. Ahora bien, gracias a nuestro empuje y ganas hemos podido presentar el disco tanto en la Península como fuera de ella. Estamos muy contentos por la acogida del primer álbum y por las oportunidades que se nos abrieron dentro y fuera. Poder tocar junto a Berri Txarrak en su gira de despedida, con

Crim en Razzmatazz en la presentación de su último disco o con The Flatliners han sido cosas que han conseguido que nos sintamos orgullosos”. Habéis contado con Eric Fuentes como productor. ¿Qué tal?

“Valoramos la opción de trabajar con Eric ya que todos en la banda admiramos su trabajo al frente de The Unfinished Sympathy. Tuvimos la suerte de poder contactar con él, mostrarle lo que hacemos y que accediera a trabajar con nosotros. Hicimos un trabajo de preproducción un mes antes de encerrarnos en el estudio con los temas que previamente habíamos compuesto, lo cual nos ayudo a tener una visión diferente en el enfoque y estructura de las mismas. Lo que condicionó nuestra decisión final de trabajar con Eric fue el hecho de valorar la presencia de un enfoque externo al grupo que aportara una sexta mente

para terminar de perfilar los temas”. Éste es un disco con un sonido más madurado. Os sabéis mover muy bien en esa línea entre el punk y el rock que a veces es tan complicada de delimitar.

“Estamos muy contentos con el proceso creativo y la deriva hacia un sonido diferente. Creemos que las distintas sensibilidades dentro de la banda crean esa mezcla de estilos dónde nos sentimos cómodos. Ahora con este disco seguimos nuestro camino a un estilo más propio y personal. The Distance fue una buena experiencia para desarrollar nuestra personalidad y encontrarnos entre dos caminos e intentar entender hacia dónde queríamos ir. Estamos contentos con la pequeña evolución que hemos tenido”. (GONZALO PUEBLA)

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MEDICO PESTE The Black Bile (SEASON OF MIST) BLACK METAL

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in duda, compartir músicos de directo con Mgła ha permitido que Medico Peste asomen la cabeza con mucha más fuerza en este segundo álbum. Quizá refugiarse en una etiqueta como la de ‘schizophrenic black metal’ sea un tanto petulante por su parte dadas las decenas de ramificaciones experimentales que el estilo ha vivido desde su creación, pero tampoco hay que negar el punto lunático de estas siete composiciones. Algo de post punk y vanguardia embargan a The Black Bile, aunque para servidor, más allá de arquetipos junguianos y

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algunos atisbos de cabaret, la mayor influencia en sus trabajadas canciones reside en los suecos Shining. Hablando en plata, resulta complicado no pensar en los de Niklas Kvarforth cuando la notoria ‘Were Saviours Believers’, la jazzística ‘Skin’ o ‘The Black Bile’ (muy Mayhem también) intentan insertar imágenes grotescas en tu psique. Es obvio que no estamos ante la típica banda black que se dedica a emular los postulados más típicos y tópicos del género para demostrar que son los más trues. No, Medico Peste se sitúan en las antípodas de lo que una escuela como la finlandesa pueda estar exportando ahora mismo, por ejemplo. De esta forma, aunque no puedo negar la calidad de estos cortes, en mi opinión los polacos se han quedado a medias en ese grado de enajenación o demencia que prometían de antemano, dejando entrever de manera demasiado clara, además, sus principales influencias. Su depressive black es bastante personal, pero no tanto como les gustaría. PAU NAVARRA

MIDNIGHT Rebirth Of Blasphemy (METAL BLADE) HEAVY METAL

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esde que en 2002, Jamie Walters decidiera iniciar Midnight, su misión ha sido la de devolverle al heavy metal el espíritu más punk y básico de bandas como Motörhead y Venom. Adoptando el alias de Athenar y haciéndose cargo de todos los instrumentos, a lo largo de estos años ha grabado incontables maquetas, EP’s, participado en recopilatorios, y publicado tres álbumes con los que ha ido ganando cada vez más seguidores. Pero si hasta ahora el de Cleveland había sido una figura conocida básicamente en el underground, con el

lanzamiento de Rebirth Of Blasphemy, que llega con el apoyo de un sello potente como Metal Blade, no me sorprendería que el nombre de Midnight adquiriese una mayor notoriedad. Desde luego, lo merece. Su cuarto trabajo aspira a todo sin renunciar a nada. Con el mismo enfoque primitivo de sus anteriores trabajos y esa actitud de no tomar prisioneros, estas diez canciones nos ofrecen una lluvia de hachas en toda regla. El arranque con ‘Fucking Speed And Darkness’ es potentísimo, una invitación al desmadre que sigue con el tema titular y ‘Escape The Grave’. Con su voz cavernaria y unos solos de guitarra que sacan chispas, Athenar lo da todo en cada segundo, lanzando misiles como ‘Raw Attack’ y ‘The Sounds Of Hell’ y sudando cerveza en ‘Devil’s Excrement’ o ‘You Can Drag Me Through Fire’ con la que termina el álbum por todo lo alto. Lo más relevante es la energía y determinación con la que Athenar ataca cada tema, creando un conjunto que, además de pegadizo, es jodidamente divertido. Es heavy, es punk, es rock’n’roll. JORDI MEYA


SALINA / CITRUS CLOUDS Split

(BEAUTY FOOL) INDIE ROCK

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espués de publicar el primer largo de Heartworms, un cuarteto a caballo entre California y la capital catalana, Beauty Fool Records sigue estrechando lazos con el país de las barras y las estrellas. Y es que este pequeño pero voluntarioso sello independiente creado por miembros de Glitterhouse y los propios Salina en el 2018 nos descubre en este compartido una muy interesante banda de Phoenix, Arizona, llamada Citrus Clouds. Pero empezaré reseñando a los locales. Sólo un año después de su EP de presentación Time Will

Eventually Kill Us, Salina lanzan un par de temas como antesala de lo que será su primer largo. Los tres miembros de la banda, un combo formado por los dos integrantes de Wann y Carles Generó de L’Hereu Escampa al bajo, firman aquí dos cortes inéditos bastante diferentes. La primera, ‘Red Eye’, es una pieza semiacústica con aires fronterizos que va de menos a más. Aquí Salina se salen ligeramente de las coordenadas apuntadas hasta la fecha y visten la adictiva parte final con la voz de Nina Anyayahan de Heartworms y los sintetizadores de Ana López de Her Little Donkey. El segundo corte, ‘I Want To Feel Alive’, en cambio, sale disparado con fuerza, con el impulso de un omnipresente y vigoroso riff con aires a Dinosaur Jr. El también trío Citrus Clouds se presentan con ‘A Pastel Sky’ y ‘In time I Am’, con unas melodías vocales tan alargadas como celestiales apuntaladas por unas líneas de bajo certeras y cubiertas por capas de guitarras shoegazers. Si te quedas con ganas de más, no te preocupes. Unos y otros sacarán próximamente sus respectivos elepés. LUIS BENAVIDES

NYOGTHAEBLISZ Abrahamic Godhead Besieged By Adversarial Usurpation (HELLS HEADBANGERS) BLACK DEATH, NOISE

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l pasado 27 de diciembre salió Abrahamic Godhead Besieged By Adversarial Usurpation, y casi que el mismo día, me enviaron su copia promocional. Ojalá no hubiera llegado nunca. Tras 17 años incalificables, lo que Nyogthaeblisz plantean en su debut en largo es la hecatombe que segará la vida en la Tierra. El inevitable, aunque súbito, fin de los días. Insufrible noise inicia esta tormenta de fanatismo intolerable y, cuando ‘Abrahamic Godhead’ despliega el black

death, no das crédito. Me niego a creer que eso sea una batería. Nyogthaeblisz (ahora sí he hecho ‘copiar y pegar’…) son ahora un trío, pero tengo bastante claro que no hay humano en el planeta capaz de tocar así. La voz… ¿Qué voz? Generoso me he levantado… Ese ultrasatánico siseo se fusiona con los platos, y vaya si se nota que les suda la real narda que así sea. Llegas a ‘Sinistral Qliphotech’ y tu cuerpo dice basta. Pero queda la mayor parte del disco todavía, así que toca joderse… Las partes electrónicas entrañan una maldad incomprensible, aunque ya te entra la risa cuando descubres que han decidido terminar todos los putos temas con el mismo sampleado. Exacto, ése que va a poner en jaque la salud de los cristales de tus ventanas. Más allá de Revenge. A la altura de Pissgrave o Tetragrammacide. Si logras decir el nombre de esta banda tres veces seguidas ante un espejo, Abascal y Puigdemont te invitan a una noche de sexo desenfrenado en el cementerio de Mingorrubio. Delirante y absurdo. PAU NAVARRA


THE MAINE

REFLEJOS DEL FUTURO


EN UNAS SEMANAS THE MAINE LLEGARÁN A NUESTRO PAÍS PARA PRESENTAR SU ÚLTIMO DISCO YOU ARE OK. LOS DE ARIZONA PROMETEN SU ESPECTÁCULO MÁS AMBICIOSO ACORDE A LO QUE HAN MOSTRADO TAMBIÉN EN EL ESTUDIO. SU GUITARRISTA JARED MONACO NOS AVANZA QUÉ PODEMOS ESPERAR. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

C

OMO UNA HORMIGUITA QUE VA TRABAJANDO PASANDO DESAPERCIBIDA,

como The Mirror; sin embargo,

ción más grande es estimulante,

no es el título del disco, ni de

pero ¿no hace que se pierda un

una de sus canciones. ¿Cuál es

poco la espontaneidad de po-

el concepto que hay detrás?

der tocar lo que os apetece en

The Maine han logrado construir a largo de los últimos 13 años una carrera que, sin provocar grandes titulares, les permite ir sacando discos y girando por todo el mundo desde la más absoluta independencia. Si con sus dos primeros trabajos se les situó dentro de la vertiente más pop del emo, más por sus flequillos que por otra cosa, con el tiempo se ha visto que en realidad la identidad de la banda de Arizona se basaba en una concepción amplia del pop rock que abarcaba desde Tom Petty & The Heartbreakers a U2. Gracias al talento compositivo y la cercanía que transmiten, John O’Callaghan (voz), Jared Monaco (guitarra), Kennedy Brock (guitarra), Garrett Nickelsen (bajo) y Patrick Kirch (batería) han conseguido una relación muy especial con sus fans a través de la organización 8123, que también da nombre a su sello y propio festival que celebran anualmente. Quien quiera ver el fenómeno de cerca tendrá la oportunidad el próximo 18 de febrero en Madrid (sala Independance) y el 19 en Barcelona (sala Bóveda) cuando vengan a presentar su último trabajo You Are OK, recientemente escogido como el Álbum del Año por parte de nuestros colegas de la revista Rocksound en Inglaterra.

JARED MONACO “Sí, es el nombre

cada momento?

que hemos utilizado para la gira americana también. Intentamos buscar un nombre que reflejara lo que es el disco You Are OK y el espectáculo en sí. Por primera vez hemos usado una producción importante con una pantalla y vídeos que hemos producido nosotros mismos. Todo está interrelacionado con el setlist y con la idea del espejo. Es algo nuevo para nosotros y prácticamente llevaremos el mismo show a Europa que hemos tenido en Estados Unidos. Creo que será una experiencia distinta incluso para quienes nos hayan visto antes”.

“Bueno, en los conciertos siempre hay momentos espontáneos, no está todo milimetrado. No llevamos escrito lo que vamos a decir (risas). Es horrible cuando veo un grupo que siempre repite lo mismo. La energía de cada sala es la que marca la diferencia. Creo que en un concierto de rock tienes que dejar que las cosas pasen de manera natural. Lo que hacemos no es como una obra de teatro”.

Habéis bautizado esta gira

Entiendo que tener una produc-

Entonces, ¿el repertorio sigue una especie de narrativa?

“Bueno, tenemos ya siete discos y hacer un repertorio cada vez es más difícil. Queríamos hacer algo que tuviera sentido de principio a fin, representando bien el nuevo disco, pero también integrando temas antiguos. Sea cuando sea que descubrieras el grupo, hay algo para ti. También tenemos muchos fans que nos van diciendo qué temas les gustaría escuchar que no hemos tocado nunca, así que es positivo tener ese input también. Pero tenemos como cien canciones publicadas y cada uno tiene sus favoritas”.

¿Han funcionado bien los temas nuevos en directo?

“Sí. Realmente hasta que sales a la carretera y tocas los temas, no sabes muy bien si han gustado de verdad a la gente. Lo puedes intuir, pero ése es el verdadero examen. Tengo que decirte que algunos temas nuevos están funcionando mejor que los antiguos y eso es lo más para un artista. Creo que estamos en un muy buen momento. Lo último que queremos escuchar es que la gente diga que prefiere a los The Maine de antes”. ¿Ha sido complicado adaptar el disco al directo? En la grabación hay bastantes arreglos de cuerda y efectos de producción.

“En un mundo ideal giraríamos con una sección de cuerda de ocho músicos, pero la realidad es que no

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podemos permitírnoslo. En el estudio experimentamos con eso, pero la base sigue siendo la banda. Creo que la gente reconocerá los temas, aunque no tengan los arreglos. Y Adam, nuestro teclista de directo, llena algunos de esos huecos”. Para mí You Are OK suena como una especie de continuación de Lovely Little Lonely. ¿Era vuestra intención?

“Creo que inicialmente pensamos que sería así porque ése fue un disco que gustó mucho a nuestros fans, pero cuando empezamos a grabar tomó su propia dirección. Queríamos que fuera un álbum con cierta urgencia, y acabó sonando más agresivo de lo que pensaba. Así que creo que comparte el espíritu del disco anterior, pero su ejecución fue distinta”. John suele ser el que trae los temas en su forma más básica y luego los trabajáis entre todos. ¿Cuál fue el tema que sufrió una transformación más radical?

“En este disco diría que la mitad son bastante parecidas a sus maquetas y, el resto, cambió bastante. Uno de los primeros que nos excitó a todos fue ‘Slip The Noose’. Empezó como un tema al piano, pero luego fue tomando un tono más épico. De hecho, utilizamos algunas partes de la maqueta de ‘Black Butterflies And Déjà Vu’ del disco anterior y creo que eso es lo que le dio un impulso. De hecho, entramos en el estudio cuando todavía nos faltaba escribir dos canciones. De ahí salió ‘Broken Parts’, por ejemplo, porque nos faltaba algo que equilibrara el resto. Nos daba un poco de miedo no tenerlo

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todo preparado, pero al final todo salió bien”. Como guitarrista, ¿cómo ha ido cambiando tu estilo a medida que evolucionaba el sonido del grupo?

“La mayor evolución en mi manera de tocar ha sido la de tocar menos (risas). Si escuchas el primer disco todo está apilado, hay partes sobre otras partes intentando luchar por sonar. Ahora es casi lo contrario. No se trata de meter cosas, sino de quitarlas. Hacer algo que por sí solo tenga sentido. Cuanto más simple, más claro llega el mensaje”. En ese sentido, un banda cuya influencia noto mucho en las guitarras de los dos últimos discos es INXS.

“(Risas) Sí, totalmente. Es muy divertido porque en el estudio hablamos mucho de INXS. En este álbum también hay mucho de U2. Está bien tener esas referencias a las que poder acudir cuando andas un poco perdido. En American Candy la referencia era más Third Eye Blind y en éste han sido más INXS y U2”.

singles. Creo que nuestros fans están más interesados en escuchar lo que tenemos que ofrecer que no en que les demos un tema súper pegadizo porque sí. Nos gustaría que el grupo que hemos creado, 8123, siguiera creciendo, y quizá un hit nos ayudaría, pero preferimos que salga de manera natural”. Quizá el que nunca hayáis tenido un gran hit es lo que hace que vuestros fans empaticen tanto con vosotros. Es como si os quisieran proteger.

“(Risas) Sí, tienes razón. Creo que nuestros fans sienten cierto orgullo de serlo. Tener un gran hit también da un poco de miedo porque puedes ganar muchos fans de golpe, pero no sabes cuánto tiempo van a estar ahí. En cambio, los fans que tenemos ahora son muy fieles. Realmente sentimos que hemos creado una comunidad con ellos. Es lo más importante a preservar para nosotros. Nos llevó mucho tiempo averiguar quiénes éramos, pero ahora lo sabemos”. En cierta manera, vivís en vuestra propia burbuja. ¿Hay algún grupo actual al que os sintáis

Al inicio de vuestra carrera,

muy cercanos o que creas que

siempre había algunos temas

tienen una visión parecida a la

con clara vocación de ser hits.

vuestra?

¿Es algo que todavía os influya

“Mmm… Supongo que me siento cercano a cualquier grupo que cree en lo que hace y que es fiel a su visión. Para mí una de mis mayores inspiraciones fue Tom Petty. Cuando salió ese documental suyo de cuatro horas nos inspiró mucho. En él ves lo mucho que luchó por sus ideas, y cuando salió, nosotros estábamos pasando por un momento complica-

o ya no os importa?

“Al menos para mí es algo que siempre tengo en mi cabeza. Pero la realidad es que llevamos 13 años y nunca hemos tenido un hit de verdad. Me gustaría precisamente porque nunca lo he experimentado, pero siempre pensamos en términos de hacer un álbum, no una colección de


“NO HACE FALTA SER MISTERIOSO. PUEDES ESTAR EN UNA BANDA QUE MOLE, Y MOSTRARTE ABIERTO” JARED MONACO

do y nos ayudó a seguir adelante. Y hablando de grupos más actuales, quizá Mayday Parade, con quienes hemos girado mucho”. ¿Y vuestros paisanos Jimmy Eat World?

“Jimmy Eat World son mis héroes locales. Crecí escuchando sus primeros discos. Es otro buen ejemplo de banda íntegra”. En paralelo a You Are OK publicasteis un libro con el mismo título, y en él hablabas muy abiertamente de que pensaste en dejar el grupo antes de la grabación. ¿Por qué decidiste contarlo?

“Para mí era importante. Creo que

cuando llevas haciendo algo durante mucho tiempo, tiendes a olvidarte de qué te motivó a empezarlo. Hemos vivido muchas cosas en estos diez años y eso te cambia como persona. Estar en un grupo requiere mucho de tu tiempo, y llegué a un punto en el que sentía que estaba siendo injusto con mi pareja, porque no le daba lo que necesitaba. Así que tenía que tomar una decisión. Y acabé decantándome por la banda, aunque me dolió mucho. Pero cuando tomas una decisión así de radical, al final es cuando las piezas empiezan a encajar. Ahora soy mucho más feliz. Mucha gente de la industria musical me escribió después de leer el libro porque es algo muy común, pero de lo que nadie habla”.

Es muy habitual que en las redes sociales los grupos intenten proyectar una imagen de éxito, pero creo que contar la realidad tal como es, es lo que de verdad crea una conexión.

“Así es. En los 80 la idea de una estrella del rock era factible porque sólo sabías de los músicos por lo que leías en las revistas y sólo podías verles si ibas a un concierto. Eran inaccesibles. Pero ahora, todo está a la vista. No hace falta ser misterioso. Puedes estar en una banda que mole, y mostrarte abierto”.

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DEADYARD

VIOLADORES DEL RIFF A CUALQUIERA QUE HAYA SEGUIDO CON UN MÍNIMO INTERÉS LA ESCENA DE BARCELONA DE LA PASADA DÉCADA LE SONARÁN LAS CARAS DE ESTOS CINCO VÁNDALOS DEL ROCK QUE ACTUALMENTE COINCIDEN EN DEADYARD. PERO COMO DEMUESTRA SU DEBUT ARMAGEDDON IT!, SU VALOR NO ESTÁ EN SU PASADO, SINO EN SU FUTURO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


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OMO TANTAS BUENAS HISTORIAS, la de Deadyard

empezó en un bar. En concreto, en el Psycho de Barcelona. Fue allí donde, hace más de dos años, Marc Morell (batería), le propuso a Carlos Santolobo (guitarra) unirse a un grupo que estaba montando junto a su hermano Xavi (guitarra) y Pablito Migraña (voz). El puzle se completaría poco después con la llegada de Rau como bajista. Con la experiencia conjunta acumulada en bandas como Rippers, Cannibal Queen

o ’77, y la que ganarían tocando juntos en salas de la capital catalana, debutaron discográficamente con el EP The Monkey Monggah, un serio trallazo de rock a la escandinava con remaches punk. Ahora, con más conciertos, y todavía más cervezas, a sus espaldas, Deadyard acaban de lanzar su primer largo, Armageddon It! (HFMN). Al igual que la araña gigante que ilustra su portada, obra de Guillem Bosch, el quinteto llega dispuesto a remover los cimientos de una ciudad invadida por hípsters.


Todos venís de otros grupos y cada uno carga con su propia mochila. ¿Qué cosas que os habían quemado en anteriores aventuras habéis intentado evitar en Deadyard? CARLOS SANTOLOBO “Siempre

intentas no repetir errores, pero los acabas repitiendo (risas)”. MARC MORELL “A mí lo que me quemó de mi inmediata banda anterior, Traitors, es que nadie quería hacer nada. Por eso nadie nos conoció. Grabamos un tema y eso fue todo, precisamente porque todo el mundo venía quemado. Yo quería hacer algo, y si quieres hacer algo, tienes que buscar gente. Quería acción”. CARLOS “Yo estaba un poco como Marc. Venía de Cannibal Queen, llevábamos diez años y era un proyecto ya agotado. Tener un grupo es algo que cuesta tanto que si no estás al 100%, no merece la pena ni intentarlo”. Marc, tú fuiste un poco el que lo lió todo, ¿no? MARC “Supongo. Con Pablo había

tenido un grupo en el que también tocaba mi hermano, hace como diez años, pero acabó un poco raro. Creo que él se sentía un poco en deuda por el final que habíamos tenido. Pasó una mala época. Pero un día me llamó y dijo que quería retomar el contacto y disculparse. Le dije que no tenía que disculparse de nada y quedamos para tomar algo. Y entonces me preguntó si estaba metido en algo. Justo era cuando estaba en Traitors, pero yo ahí no lo veía porque era más rollo MC5, Stooges. Pero al cabo de un mes se acabó Traitors y decidí empezar una nueva banda con mi hermano y de76

círselo a Pablo. Y entonces pensé en Carlos. Y los dos pensamos en Rau”. RAU “Yo no tenía ganas (risas). Venía de un proyecto posterior a ’77 que me hicieron la vaina, fue horrible. Quería mandar a todo el mundo a tomar por el culo. Estaba a punto de venderme el bajo. Pero me llamó Marc y pensé que por qué no”. MARC “Cuéntalo, cuéntalo”. RAU “Bueno, cuando me llamó, por la voz que tiene, pensaba que era un señor mayor de esos de ‘vamos a comer al chino el domingo y luego a ensayar’ (Risas). Me daba pereza, pero a la que nos juntamos, vimos que merecía la pena intentarlo”. Musicalmente, ¿la idea era retomar lo que habías hecho con Pablo hacía diez años?

experiencia te da unos mecanismos para trabajar”. MARC “Creo que hemos coincidido personas que, para pasarlo bien, necesitamos que haya trabajo. Los resultados son los que hacen que lo pasemos bien: tocar en buenos garitos, tocar con bandas de la hostia, que venga gente a verte… Y todo eso no ocurre si no trabajas. Es tener el grupo presente en la cabeza”. CARLOS “Al principio siempre hay un estado de euforia, lo difícil es mantenerlo. Tienes que darle de comer a la máquina, sino se queda sin gasolina. Es como una erección, si no la mantienes… (Risas)”. MARC “Tenemos nuestros curros y hay que compatibilizarlo. Te tiene que gustar mucho para buscarte trabajo extra”.

MARC “Mi idea era más tirar a lo

que hacía en Traitors, en plan MC5, porque me chifla ese rollo. Pero en el primer ensayo, Carlos trajo el riff que acabó en ‘Concrete’ y ya pensé ‘adiós MC5’ (Risas)”. CARLOS “Ya en el primer ensayo se vio que había algo”. MARC “Es como una reunión de viejos colegas, pero con gente nueva. Y eso mola porque genera el respeto necesario. Los grupos de amigosamigos no funcionan. Lo que mola es que gracias a la banda te acabes convirtiendo en colega”. Desde el principio habéis sido muy activos y en los dos últimos años no habéis parado, lo cual no es fácil cuando ya has picado mucha piedra.

Viniendo ya al presente, ¿el llevar más tiempo juntos ha facilitado la creación de Armageddon

It! respecto al primer EP? CARLOS “Ahora nos conocemos

mejor, conocemos más los gustos de cada uno. Estamos más compenetrados tocando. El primer EP fue más visceral. Casi lo primero que salió es lo que se grabó. Esta vez hemos tenido más tiempo, pero al final también hay temas que casi han salido en el estudio. No somos una banda de llevarlo todo atado, sino que nos gusta que en el estudio pasen cosas. Ese punto mola”. MARC “Hay tensión creativa y te discutes. Pero es como con una pareja con la que llevas veinte años. Discutes, pero en realidad estás bien”.

CARLOS “Eso viene de serie. Va con

nuestra genética. Trabajo, trabajo, trabajo. Somos currantes de esto. Lo primero es pasarlo bien, pero la

¿Cuándo lo grabasteis? MARC “En abril, justo después del

Record Store Day. Ha sido casi como


“EN DEADYARD HAY COSAS QUE NINGUNO HEMOS HECHO EN NUESTRAS OTRAS BANDAS, Y ESO TE HACE SENTIR QUE TIENE VIDA PROPIA” MARC MORELL

un parto”. CARLOS “Por eso tengo esta barriga (risas)”. RAU “Se retrasó todo. Al final, por muy pro que seas, siempre la cagas en lo mismo. Queríamos sacarlo en septiembre, íbamos relajados y al final, con el verano de por medio, se nos tiró el tiempo encima. Además HFMN quería hacerlo bien, buscar algo fuera de España, y al menos se necesitaban cuatro meses”. MARC “Está bien tener un poco de empuje económico y no tener que tirar sólo de pedir favores”. ¿Es pensar en el directo lo que más ha influido el contenido del

obra, y luego ya miramos lo que picoteamos para el directo. Seguramente haya temas del álbum que igual no tocamos”. RAU “Somos bastante primitivos. Tampoco le damos muchas vueltas. Enseguida vemos lo que funciona y lo que no”. MARC “A veces hay cosas que no ves, pero si alguien tiene mucha fe en algo, cedes y lo acabas haciendo. Y luego cuando escuchas el disco, le encuentras un sentido. Creo que nos ha pasado a todos. También es importante confiar en los demás”. CARLOS “Por ahora, tocamos madera, somos prolíficos. Hay ideas porque todos aportamos”.

historia distinta. CARLOS “Yo creo que ésa es la

gracia, lo enriquece mucho. Todo es rock, pero venimos de estilos diferentes. A veces cuesta cuadrar todas las influencias, pero eso es lo que le da un toque original. No somos puristas”. MARC “En Deadyard hay cosas que ninguno hemos hecho en nuestras otras bandas, y eso te hace sentir que tiene vida propia”. Bueno, pues esperemos que dure. RAU “Lo importante es que dure lo

que dure, que dure bien”.

disco? MARC “Es más bien al revés. No-

Además, aunque haya puntos en

sotros miramos el disco como una

común, cada uno viene de una 77


MIDNIGHT

UN HOMBRE. UNA MISIÓN.


REBIRTH BY BLASPHEMY ES DESDE YA UNO DE LOS MEJORES DISCOS DE METAL QUE ESCUCHAREMOS ESTE AÑO. CRUDO, ESPONTÁNEO, DIVERTIDO Y TAN SUCIO Y PUNK COMO HEAVY. HABLAMOS CON SU ENIGMÁTICO CREADOR, EL HOMBRE DETRÁS DE LA MÁSCARA DE MIDNIGHT. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

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IDNIGHT NO ES UNA BANDA. O SÍ. En

realidad, no importa. Midnight es la criatura ideada hace más de 15 años por Jamie Walters, operando con el alter ego de Athenar. Él solito se encarga de componer y grabar todos los instrumentos de sus discos y sólo requiere de ayuda cuando sale a la carretera. Conjurando el espíritu de Motörhead y Venom, este tipo de Cleveland supone el antídoto perfecto contra la pretenciosidad y la deshumanización de la que adolecen tantas producciones de metal actuales. Pese a que desde el principio ha seguido la filosofía del Hazlo Tú Mismo, para su cuarto álbum Rebirth By Blasphemy se ha aliado con el sello Metal Blade para su lanzamiento. Una palanca que puede ayudar a seguir sumando fans a un fenómeno que se ha ido cociendo en el underground, pero que tiene potencial para llegar mucho más lejos. Aunque, como descubrimos, a Athenar le importa más bien un pepino.

taban, pero se quedaba en el bar bebiendo (risas)”. ¿Qué conciertos te impactaron

verlo en YouTube. Y una vez tengo las canciones, me gusta grabarlas enseguida. Me gusta que sigan siendo frescas para mí”.

más de pequeño?

“Aparte de los que te he dicho, creo que el primero que vi fue Ace Frehley. Pero también vi a Slayer, Iron Maiden y Metallica. Ver esos grupos en los 80 era algo impagable. Vi claro que era lo que quería hacer el resto de mi vida. La gente no se da cuenta de lo extremas que parecían esas bandas entonces. Ahora ves a gente con camisetas de Slayer o a Motörhead sonando en anuncios de la tele, pero entonces era impensable. En octubre vi a los Misfits en el Madison Square Garden de Nueva York. ¿Quién hubiera imaginado que eso pudiera ocurrir?”.

Además sueles grabar en muy poco tiempo, ¿no?

“Sí. Este disco lo hice en una semana, lo cual es bastante normal para mí. No hay nada estresante al respecto, simplemente vas y grabas. Me gustan mucho las primeras tomas. No me dan miedo lo que otros llamarían ‘errores’. Es lo que es. Es rock’n’roll”. ¿Tienes algún instrumento que te guste tocar más que otro?

“Me gustan todos, claro. Pero disfruto mucho tocando la batería. Es lo más difícil, pero lo más divertido. Creo que es el instrumento más importante porque es la base de todo”.

¿Te gustaron?

“Sí. Sonaron como una mierda, pero en el buen sentido (risas)”.

Aparte del propio título Rebirth

By Blasphemy, has comentado que para ti este disco era un

Teniendo en cuenta que eres el

renacimiento. ¿En qué sentido?

único que compone y graba en

“Sí, hasta cierto punto lo es. Es el primero que saco con un sello nuevo y también voy a enfocar de manera distinta mi directo. Tengo ganas de girar más. Antes no solía gustarme, pero ahora veo que es algo necesario, incluso para mi salud mental. En general, quiero dedicarle más tiempo al grupo”.

Midnight, ¿cómo te organizas a la hora de hacer un nuevo ál-

¿Quién o qué despertó en ti el

bum? ¿Te autoimpones alguna

interés por la música?

fecha o simplemente vas hacien-

ATHENAR “Fue algo que hice por

do cuando te apetece?

mi cuenta. De niño escuchaba la radio, lo que fuera popular en ese momento. Pero tenía un tío que me llevó a mis primeros conciertos. A él le gustaba más Led Zeppelin y cosas así, pero me llevó a ver a Manowar, King Diamond, Trouble… No le gus-

“Normalmente hasta que no tengo diez canciones que me gustan mucho, no me planteo grabar un disco. Lo más importante es tener buenas canciones. No me interesa hacer acrobacias sobre el mástil o con el doble bombo. Si quieres eso, puedes

¿Pero vives del grupo?

“Sí. Bueno, depende de lo que consideres vivir… Si te está bien comer

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“MI ACTITUD SIEMPRE HA SIDO PUNK, INCLUSO ANTES DE DESCUBRIR EL PUNK ROCK” ATHENAR

un plato de pasta al día y no salir mucho, puedes vivir de esto. No fantaseo con vivir en una misión o tener un Porsche. Creo que para la gente artística eso no es importante”. En los últimos años has ido ganando reconocimiento. ¿Has

que haces guste a cada vez más

“Sí, claro. Supongo que es una cuestión de timing. Llevo haciendo lo mismo desde hace 15 años, el mismo tipo de canciones. Quizá a la gente le ha costado un poco pillarlo, pero no pasa nada”.

llegado mucho más lejos de lo que pensabas?

Siempre has ido muy a la tuya,

“Nunca he tenido ninguna expectativa. Quizá sea negativo no tener objetivos, pero para mí esto es simplemente lo que hago con mi arte, no espero nada más. No espero que le guste a nadie o que nadie compre mi disco. Para mí es importante mantenerlo todo de la manera más simple posible”.

con una mentalidad DIY. ¿Te

¿Te sorprende entonces que lo

80

algo que no quiero”.

gente?

está costando adaptarte a trabajar con un sello como Metal Blade?

“No (risas). No he tenido que hacer ninguna concesión ni nada. En realidad, apenas trato con ellos. Les envío la música y la portada, y eso es todo. Nunca hubiera firmado un contrato que me obligara a hacer

El hecho de que lo hagas todo tú, ¿es porque te cuesta tratar con otra gente o porque simplemente es más práctico?

“Para mí la idea desde el principio fue la de tener un proyecto personal para poder crear por mi cuenta. Nunca me he planteado hacerlo de otra manera porque funciona muy bien así. Obviamente necesito ayuda para el directo, pero a los otros músicos les parece bien que yo me ocupe de todo lo demás. Entienden cuál es su papel y están contentos con cómo funciona todo. Llevo tocando con el guitarrista desde 2012 y con el batería desde 2014. Formamos un muy buen equipo”.


¿Y en la carretera no te agobias estando siempre rodeado de gente?

“Bueno, eso depende de ti. Siempre tienes momentos en los que puedes estar solo. No tienes que caer en esas situaciones en las que estás siempre en el meollo”.

pulado. No hay nada malo en poner unos micros delante de un ampli y grabarlo. No me gusta cuando se manda a un ordenador y se empieza a ‘corregirlo’ todo. No le veo sentido. Le quita totalmente el alma. Me gustan cosas como Kraftwerk, pero el rock y el metal tienen que sonar humanos”.

Una de las mejores características de tu música es la esponta-

También eres muy bueno ha-

neidad y la crudeza. ¿Crees que

ciendo melodías… ¿Te gusta el

el metal moderno peca de ser

pop?

demasiado ‘perfecto’?

“Siempre he escuchado muchos estilos distintos. Te pueden gustar The Kinks y Hellhammer. Puedes encontrar tu inspiración en el pop de los 80 o en temas de Motown. Es algo que se te queda ahí y, luego, en algún momento, de manera inconscien-

“Totalmente. Aunque, bueno, la perfección puede significar muchas cosas. Para mí la perfección es Hellhammer (risas). Pero entiendo lo que dices, no me gusta cuando el metal suena demasiado procesado y mani-

te, te sale”. También se nota que te gusta el punk.

“Me gusta sobre todo el punk de los 70. Stooges, Dead Boys, punk rock con solos de guitarra. Mi actitud siempre ha sido punk, incluso antes de descubrir el punk rock (risas). Quizá por eso Motörhead y Venom son las dos bandas que más me han marcado. Motörhead hacían un rock sucio que sólo puede clasificarse como Motörhead. Y eso es lo que intento con Midnight, hacer algo que solamente pueda clasificarse como Midnight”.

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OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

THE NEXT SEXUAL REVOLUTION

A

loha! ¿Habéis superado fácilmente la cuesta de enero? Ya hemos dejado atrás la navidad, los buenos propósitos y las rebajas. Y además os informo de que vuelve a haber stock de Satisfyer Pro2 en las tiendas, así que podéis invertir 40 euros en la llamada “next sexual revolution”. ¿Estáis preparadas, chicas? En una época en que cualquier chorrada se vuelve viral en cuestión de horas, lo de este succionador de clítoris maravilloso ha sido increíble. Cuando comenzamos a escuchar su nombre ya se estaba agotando. Famositas de medio pelo, revistas y redes sociales bombardeaban hablando de las bondades del cacharrito. La labor de marketing detrás es simplemente acojonante, porque hasta nuestros progenitores más o menos saben en qué consiste. Y luego aparecieron estas

mujeres autosuficientes, empoderadas y seguras de sí mismas dejando a los machos como elementos prescindibles en la obtención del tan buscado orgasmo femenino porque ¿para qué cojones tener que aguantar a un maromo si con esto nos podemos correr en menos de 2 minutos? Pensadlo bien, ESTO ES MUY FUERTE. Satisfyer llegó a mis manos por sorpresa, y lo tuve en un cajón como un mes antes de atreverme a utilizarlo ¿Por qué? Porque tengo un novio estupendo y me lo paso muy bien con él. Un conocido me dijo “no es un enemigo, es un aliado” ¿para mejorar mis raticos de cama en pareja? I don’t think so! Tras el experimento os tengo que confesar que si correrse en un minuto y medio con un cacharro que hace pppprrrrr es “the next sexual revolution”, yo me bajo del carro y sigo con mi ritmo pureta ¡Qué cagaprisas sois las millenials!


DANKO’S HALL OF FAME

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ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es The Dark de Metal Church. Puede que el motivo por el que todavía estoy aferrado al hobby de coleccionar discos es porque forma parte de mi juventud. Normalmente, entrar en una tienda de discos de segunda mano era toda una aventura, en la que estaba preparado para descubrir nuevas bandas, nuevos discos y volver a casa con una bolsa llena de nueva música. El único problema, con una falta total de fondos y tan sólo un poco de conocimiento musical, era que tenía que conformarme con una cinta de cassette comprada con los ahorros de dos meses. Sin Internet para poder chequear música, la mitad de las cosas que compré cuando era un chaval era porque había oído que eran buenas, había leído alguna crítica brillante, visto un vídeo, o porque había visto a algún tío guay llevando una camiseta de la banda. Siete de cada diez veces eran una mierda. Dinero perdido. Un día entré en Vortex Records en la calle St. Queen de Toronto (lleva cerrada desde hace muuuucho tiempo) y tenía cinco pavos quemando en mi bolsillo, para gastarlos en un cassette de mi elección. La tienda tenía una estantería de cintas usadas, y siempre seleccionaban las de heavy metal. Miré todas las opciones disponibles 84

que había ese día y no había mucha cosa que conociese. Pero me sonaban Metal Church porque había oído su canción ‘Start The Fire’ en un programa nocturno unas semanas antes. Supongo que quería metal y el nombre de la banda era Metal Church, así que probablemente iba a acabar teniendo lo que buscaba, llámalo… heavy metal. Además, tenían un montón de credibilidad. Desde que Metallica se los habían llevado de gira unas cuantas veces, e incluso les habían ayudado a conseguir un contrato en Elektra. No había mucho que pensar para decidirse. Mientras volvía a casa, me puse el cassette en mi Walkman preparado para disfrutar el largo viaje. Aparte de ‘Ton Of Bricks’ y ‘Start The Fire’ la mayoría de las canciones eran incluso más lentas que un medio tiempo, con partes suaves y hechas con buen gusto. Como un incansable joven metalhead intentando conseguir cosas cada vez más metal, aquello me decepcionó, por decirlo de una manera suave. ‘Method To Your Madness’, ‘Watch The Children Pray’, ‘The Dark’ y ‘Burial At Sea’ me producian grandes bostezos. Odiaba el álbum. ¿Por qué está en mi Hall Of Fame entonces? Bien, como he dicho, no había Internet, así que gran parte de las veces funcionábamos por intuición. Estando sin dinero y con sólo unos pocos cassettes,

acabé escuchando The Dark por puro aburrimiento ya que apenas tenía unas 20 cintas en aquellos tiempos. Así que no tenía nada mejor que hacer que escuchar… escuchar… y escuchar hasta que adquiriera suficiente música para darle a mis oídos más opciones. Me llevó unos cuantos años más, pero finalmente pasé de The Dark al comprar más álbumes, y acabé vendiendo la cinta en alguna tienda de segunda mano años más tarde. Pero resulta que cuando has oído algo tantas veces se queda grabado en tu cerebro y cuando de nuevo vi The Dark en una tienda de segundo mano, había marinado el suficiente tiempo en mi mente para, de manera mágica, traerme un montón de recuerdos. Cuando finalmente lo escuché tras años de destierro, los recuerdos florecieron e, indudablemente, me gustó. Todavía le doy alguna escucha de vez en cuando y ahora amo a Metal Church. ¡No te atrevas a meterte con sus tres primeros discos! ¡Hasta el mes que viene!


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