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Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: DR

De vez en cuando se cuadran los astros y en una misma revista os podemos ofrecer varias entrevistas con artistas de primerísima división. Es el caso de este mes, donde, además de una jugosa entrevista de portada con Jacoby Shaddix de Papa Roach, también encontraréis en nuestras páginas al mismísimo Slash, Mastodon o Dream Theater. Pero como ya sabéis, una de nuestras vocaciones es dar a conocer grupos que nos encantan y que todavía no han obtenido la repercusión que merecen. Así que atención a The Interrupters, Blood Youth, Infernal Coil o La Inquisición porque el futuro pasa por ellos. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Behemoth (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL


SUMARIO

Nº 155

06 / EN DIRECTO 24 / OZZYO 26 / SLASH 30 / THE INTERRUPTERS 36 / PAPA ROACH 44 / INFERNAL COIL 48 / CRÍTICAS 66 / BLOOD YOUTH 70 / MASTODON 74 / DREAM THEATER 80 / HÍBRIDO 84 / LA INQUISICIÓN 88 / OPINIÓN 90 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!


EL CONCIERTO DEL MES BY:

ARCHITECTS 24/1/19 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: JOAQUÍN ALBERO

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esde la publicación de Holy Hell el pasado noviembre, Architects están viviendo el momento más álgido de su carrera. Está claro que, más allá de su indudable calidad, el factor emocional provocado por la muerte de Tom Searle, ha generado una renovada y amplificada conexión entre la banda y su público. Si bien por aquí todavía no están al nivel de otros países europeos, donde ya tocan en pabellones -la producción escénica denotaba estar concebida a lo grande-, desde luego no hay que menospreciar que en cada visita vayan sumando nuevos seguidores. Quizá sin pretenderlo, Architects han llenado ese hueco que han dejado Bring Me The Horizon, por demasiado pop, y Parkway Drive, por demasiado heavies. Para cuando salieron los australianos Polaris, la pista de Razzmatazz ya presentaba un buen aspecto y creo que ellos mismos se sorprendieron por la buena respuesta que obtuvieron. Su metalcore, muy bien ejecutado pero absolutamente previsible, consiguió los primeros circles pits o que la gente iluminara la sala, móviles en mano, en ‘Dusk To Day’. Pero sólo ‘Consume’ agitó un poco con un wall of death una actuación que ya hemos visto demasiadas veces en demasiadas bandas. Por suerte, Beartooth aportaron un poco de rock’n’roll al asunto. Aunque la banda que acompaña a Caleb Shomo es bastante gris, al menos él tiene bastante carisma y sus canciones más gancho. Su repertorio recuperó temas de sus tres álbumes empezando con ‘Bad Listener’ de su más reciente Disease y siguiendo con ‘Aggresive’ y ‘Hated’ del anterior, hasta llegar a ‘The Lines’ de su debut, incomprensiblemente alargada con un solo de batería. Pese a tratarse de su primera visita, está claro que hay gente que los sigue desde hace tiempo y coreó cada

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BEARTOOTH

uno de sus pegadizos estribillos, sobre todo el de ‘You Never Know’. Su set terminó con el tema que da título a su último disco, dejando la sensación que en una sala pequeña podrían liarla bastante. Por el contrario, a Architects se les nota como pez en el agua en este hábitat y pusieron los puntos sobre las íes desde el principio. Con una pantalla circular en el fondo, una plataforma en la que estaban situados Dan Searle a la batería y el bajista Ali Dean, torres de focos en los laterales, una tarima frontal de la que salían rayos láser y cañones de humo y confeti, los de Brighton hicieron gala de toda su

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artillería ya con las iniciales ‘Death Is Not Defeat’ y ‘Modern Misery’ de Holy Hell. Desde el primer momento vimos que el concepto visual estaba perfectamente sincronizado con el musical para crear un espectáculo sin fisuras. Si a eso le sumamos que Sam Carter, con un aspecto más ‘maduro’ (con camisa, pelo corto y más kilos), estaba espléndido de voz (algo no tan habitual en sus directos) era fácil de imaginar que aquello acabaría en triunfo. Y así fue. Dando casi todo el protagonismo a los temas de sus tres últimos álbumes, la banda se mostró segura en todo momento y con un Josh Middleton (ex-Sylosis)

totalmente integrado. Se hace difícil destacar temas por encima de otros, pero ‘Gravedigger’, ‘Naysayer’ y These Colours Don’t Run’ fueron especialmente calientes. Aunque fue ‘A Match Made In Heaven’, dedicada a Tom, la que unió a todo el público en un sentido aplauso en su memoria. Por si no fuera suficiente, Carter aseguró que Barcelona era una de las ciudades que más agradaban a su fallecido compañero. Con ‘Gone With The Wind’ y una épica ‘Doomsday’ rematarían la noche con la que Architects se consagraron, por fin, como la banda que un día soñamos ver.


BEHEMOTH 18/1/19 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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AT THE GATES

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ay metaleros que, como niños ante un juguete de Playskool, sólo valoran los conciertos en función de la cantidad de lucecitas y sonidos estridentes que les echan delante. Está bien, están en su derecho, pero los que tengan un poco más de espíritu crítico también deberían atender al criterio musical, y en último término, y más en el caso que nos atañe, al estético. Pero vayamos por partes, porque antes de destripar a Behemoth, en la sala Razzmatazz hubo mucha tela por cortar. Wolves In The Throne Room dieron el pistoletazo de salida a un cartel que prometía mucho, pero que se quedó a medio camino. Muy poca gente les conocía y no lograron conectar, por lo que los charletas empezaron a torpedear su black ritualístico desde el inicio. Los estadounidenses se mostraron fríos, la gente más, así que en media hora, pocas conclusiones pudimos sacar de su descarga. Habrá que esperar a verles en su propia 12

WOLVES IN THE THRONE ROOM

gira para comprobar su verdadero potencial en directo. At The Gates realizaron un show de lo más profesional y solvente, pero sólo eso. Yo la verdad es que echo en falta esa entrega, esa ilusión que mostraban durante las primeras fechas de su reunión. A eso súmenle ‘la carga’ de tener dos discos nuevos, claro… Si no fuera por las ganas que le ponen Tomas Lindberg y el bajista Jonas Björler, la banda ahora mismo sería un drama. Eso sí, contra Slaughter Of The Soul no se puede luchar. ¿Puede una banda de metal extremo entrar en los circuitos mainstream? Por supuesto que sí. ¿Estoy en contra de los shows de gran formato? Rotundamente no. Entonces, ¿qué me molestó de Behemoth en Barcelona? Su planteamiento del bolo, el espectáculo en sí. Para más señas, no entendí nada. La gira con The Satanist ya fue a lo grande, pero a diferencia de la de ahora, los polacos no renunciaron a la

oscuridad, a jugar con los claroscuros, al impacto ocultista. En cambio, esta vez se soltaron con un marrampiño totalmente opuesto a los fundamentos que los han llevado a la cima, se traicionaron al sacrificar la clase, la elegancia, en favor de una cutre pirotecnia de verbena, de un concierto lleno de luz y colorido… ¡¡E incluso confeti!! Cuando Orion volvió a escena con un gorro a lo Piratas Del Caribe ya fue de vergüenza ajena, y ya no hablemos del numerito final con los tambores… Haciendo playback, claro, porque no se cortaron un pelo con las pregrabaciones. Que se lo digan a ‘God = Dog’… Con un repertorio con altibajos, lograron sorprenderme con una ‘Decade Of Therion’ que para nada esperaba, una ‘Blow Your Trumpets Gabriel’ sensacional o la contundencia de ‘Ov Fire And The Void’. Pero con unos Sabaton ya tenemos suficiente. Nergal estuvo a dos muecas flipadas de poder tocar en Manowar. Horteras y ridículos.


FLOGGING MOLLY 24/1/19 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) 120

TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS


BASTARDS ON PARADE

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uando miras un poco a tu alrededor y ves cómo el público acude en masa a grandes festivales de música mainstream, cuando las visualizaciones en los videoclips de Rosalía se cuentan por millones, cuando existen kilométricas colas para entrar a un festival que gira en torno a una influencer, cuando todo eso ocurre, te paras y te planteas: ¿Será que estoy atendiendo a los últimos coletazos de los conciertos tal y como yo los conocía? Pero entonces llegan Bastards On Parade y Flogging Molly, hacen doble sold out en Madrid y Barcelona (coincidiendo además simultáneamente en esta última con el concierto de unos grandes del metalcore como son Architects) y te dan ese chute de esperanza que tanto necesitaba. Fiesta, música, fraternidad entre el público y puntualidad absoluta fueron los ingredientes de una noche de jueves emocionante en la que, gracias al Route Resurrection, pudimos ver a dos grandes bandas del punk rock gallego-irlandés. En primer lugar Bastards On Parade,

con su recién regresado gaitero Aspy Luisón de su gira con The Real McKenzies, nos ofrecieron algo más de media hora de música que nos anunciaba que aquélla sería una gran noche. Desprendiendo energía y en su lengua materna, los chicos de A Coruña nos presentaron las canciones de su reciente tercer larga duración, Cara A Liberdade, sin dejar de lado las reinterpretaciones de viejas canciones de tabernas gallegas reconvertidas a la versión más celta del punk Oi!. Canciones como ‘Catro Vellos Marinheiros’, ‘Nunca Máis’ o ‘Sen Perdón’ sabían a Galicia en cada nota y hacían a la gaita su protagonista. Incluso hubo lugar para ‘A Rianxeira’ y su Virgen de Guadalupe. Sin duda un grupo con un potente directo y un don para conectar con el público y repartir buen rollo. Tras el descanso y el tiempo justo para hacer la cola del lavabo, se subían al escenario Flogging Molly y nos regalaban más de hora y media de temas cargados de alegría, punk y bailes de pub irlandés. Con un público ya entregadísimo y yendo a

una con la banda, lanzaron uno de su himnos nada más empezar el concierto: ‘Drunken Lullabies’. Y como si de la escena del baile de los camarotes de tercera clase del Titanic se tratara, desde aquel momento la fiesta no hizo más que crecer. Varias canciones de su último trabajo Life Is Good como ‘The Days We’ve Yet To Meet’, ‘Crushed’ o la misma que pone nombre al disco se intercalaban con otras más clásicas como ‘Black Friday Rule’, ‘Float’ o ‘Requiem For A Dying Song’, dejando para un final más que épico, y un Dave King prometiendo que no tardarán otros diez años en volver a pisar España, las populares ‘Devil’s Dance Floor’, ‘Seven Deadly Sins’, ‘Salty Dog’ o la mítica ‘If I Ever Leave This World Alive’, con la que nos entraron más ganas aún de seguir brindando con cerveza y abrazar a las personas que tenías al lado. Si algo tienen en común estas dos bandas, además de su conexión con el público, es ser sinónimo de fiesta y de historias de marineros, y han venido a recordarnos que miremos siempre al bright side de la vida y no dejemos de bailar. 15


STEVEN WILSON 17/1/19 - AUDITORI FÃ’RUM (BARCELONA) 120

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS


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o es habitual que un artista internacional pase con una misma gira dos veces por nuestro país. Pero tan buena fue la acogida de la visita de Steven Wilson en febrero de 2018 en el primer tramo de su To The Bone Tour, que once meses después repetía, y en el caso de Barcelona, en el mismo escenario. Desde luego el moderno Auditori Fòrum es un recinto de lujo para disfrutar de un espectáculo como el que presenta el británico. Cómodas butacas, acústica perfecta y un escenario amplio en el que desplegar sus visuales. De hecho, el espectáculo empezó con la proyección de un corto en el que aparecían distintas fotos rotuladas con palabras como ‘verdad’, ‘familia’, ‘amor’, ‘seguridad’ o ‘enemigo’, cuyo significado iba cambiando al aparecer superpuestas en imágenes anteriormente asociadas a otro concepto. Un recurso ingenioso con el que el artista apela a la inteligencia de su público. Igual de audaz fue

la interpretación de los primeros temas con un telón traslúcido con proyecciones que permitieron que, tras ‘Nowhere Now’, apareciera la cara de Ninet Tayeb, ausente en esta gira, para cantar el estribillo de la melódica ‘Pariah’. ‘Home Invasion’ sacó el lado más progresivo con extensos pasajes instrumentales de teclado y guitarra. Al poco aparecerían las dos primeras piezas de Porcupine Tree, con la intensa ‘The Creator Has A Mastertape’ y la jazzy ‘Don’t Hate Me’. El primer set terminaría con ‘The Same Asylum As Before’ y ‘Ancestral’, que arrancó con una base trip hop y Wilson sentado al teclado para ir subiendo de intensidad y una exhibición del batería. Para muchas bandas eso hubiera sido el final del concierto, pero Wilson y su grupo todavía nos iban a ofrecer casi dos horas más tras un descanso de 20 minutos. Una segunda parte más variada en la que destacaron ‘Song Of I’, con una espectacular coreografía

proyectada de nuevo sobre el telón, la nostálgica ‘Lazzarus’ de Porcupine Tree o la celebrada ‘Sleep Together’. El bis se inició con Wilson interpretando ‘Even Less’ con un pequeño ampli de guitarra a pelo, como si fuera un músico del metro, y siguió con ‘Blackfield’ antes de rematar con ‘The Sound Of Muzak’ y ‘The Raven That Refused To Sing’. Es difícil ponerle ‘peros’ a un recital tan bien diseñado e interpretado. El único hándicap fue que la enormidad del recinto también lo convierte en un lugar demasiado frío para un concierto, de rock, al menos, y más cuando el aforo no está completo. Es algo que percibió el propio Wilson y por eso antes de la bailonga ‘Permanating’ animó, o casi exigió, al público que se levantara y bailara. Sinceramente, fue un detalle que me molestó. Primero, porque estoy seguro de que Wilson prefiere tocar en un auditorio que en una sala al uso, y segundo porque su lánguida música no es que incite precisamente al desenfreno. Chico, no se puede tener todo.

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EINDHOVEN METAL MEETING 13 AL 15/12/18 - EFFENAAR, (EINDHOVEN, HOLANDA) TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

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TRIPTYKON


AURA NOIR

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arece mentira, pero ya hace diez años del primer Eindhoven Metal Meeting, y eso que no comentamos los festivales previos que han existido, como el Arnhem Metal Meeting hace ya muchos más años. Por tanto, esta edición era especial y por eso esperábamos un alud de bandas de todo tipo y estilos, y no defraudó, pero sí que para muchos faltó alguna formación más grande para encabezar uno de los días. Pero para la inmensa mayoría eso no supone un problema, ya que lo que lo nos gusta son las bandas pequeñas que en contadas ocasiones puedes ver de gira cerca de tu ciudad o alrededores. Este año me adelanté a la tropa y fui el jueves, el día del warm up, ya que visto el cartel, era quizás uno de los platos más fuertes de este festival. Tocaban Aura Noir, Obliteration, Demonical y Vorbid en la sala pequeña del Effenaar. Los noruegos Vorbid y su thrash metal clásico sirvieron para calentar a la gente que iba entrando a la sala y que repartía su tiempo entre mirar las camisetas del evento y ver a una

nueva banda que acaba de sacar su primer disco, Mind, este pasado 2018. Entretenidos y jóvenes para dar paso a Demonical, una formación de death afincada en Suecia que por cierto, en abril había estado de gira con los catalanes Hyban Draco por la Península presentando su Chaos Manifesto Tour, y aún no sé si fue por las luces o por qué, pero me gustó más su show en la sala Upload, aunque es cierto que lo que de verdad esperaba era a los que venían a continuación: por primera vez poder ver a Obliteration y casi sin saber que acababan de sacar su cuarto disco Cenotaph Obscure. El cantante Sindre Solem y el guitarra Arild Myren Torp se alejan un poco del thrash sucio de su banda Nekromantheon para dar rienda suelta al death metal más primitivo, y empezaron con su clásico ‘Goat Skull Crown’ para soltar temas nuevos como ‘Onto Damnation’, ‘Orb’ o ‘Detestation Rite’. Y es que, a pesar de ser un setlist corto, ‘Sepulchral Rites’ y ‘The Worm That Gnaws In The Night’ lograron que fuera uno de los conciertos con el que más disfruté de todo el

festival. Metal efectivo y sencillo de unos chicos noruegos de 30 y pocos años que hizo que la entrada al escenario de los grandes Aura Noir fuera menos espectacular que lo que siempre es. Y es que parece extraño decir esto, pero para un servidor ya no es raro ver a Aura Noir por Europa, pero sí en España, porque aún espero alguna crónica o comentario de su concierto en Madrid este año al cual por desgracia no pude asistir… Aura Noir no llevan a Apollyon a la batería en esta gira y esos cambios constantes en la formación han repercutido un poco en su directo, ya que les falta una guitarra en vivo por mucho que Blasphemer lo borde siempre con sus actuaciones. Aggressor sigue en su taburete dando más guerra que cualquier frontman de metal extremo. Su black thrash es un referente para muchos grupos y su repertorio fue casi impecable. Luces rojas infernales y temas como ‘Hades Rise’, ‘Deep Tracts Of Hell’, ‘Black Metal Jaw’, ‘Sons Of Hades’, ‘Swarm Of Vultures’, ‘Shadows Of Death’ o, cómo no, ‘Black Thrash Attack’. Y sí, me faltó oír clásicos como 19


SISTERS OF SUFFOCATION

‘Conqueror’ o ‘Condor’, pero bueno… Escuchar ‘Destructor’ o ‘Sordid’ tampoco me pareció mala idea. Gran primera noche y tranquilidad para así poder empezar el viernes con el resto de gente que viene al festival y muchos amigos que te encuentras por Europa metaleando año tras año. VIERNES 14 El primer día oficial amaneció menos frio de lo que esperaba, algo que iba a cambiar totalmente al día siguiente. Ante todo visita por la ciudad a ver cómics y comida con toda la gente en el De Wildeman. Seguro que esto no os importa nada, pero si has ido al festival sabrás lo esencial que es ir ahí una vez como mínimo. Después de conseguir el pase de foto, directo a ver a Sisters Of Suffocation, un grupo de chicas jóvenes de Eindhoven cuyo nuevo disco Humans Are Broken sale este marzo. Grata sorpresa al verlas en vivo, ya que el escenario se les quedó pequeño con una conexión con el público desde los primeros riffs de Emmelie Herwegh 20

GAMMA BOMB

inaudita para ser el primer grupo que tocaba en el escenario principal de la sala Effenaar. Los black metaleros suecos IXXI tocaban en la pequeña, pero nunca he sido fan suyo, y por tanto después de verlos unos minutos en una sala completamente abarrotada subimos escaleras para ver a los divertidos thrasheros Gama Bomb, cuyas últimas actuaciones cerca de casa creo que me las había perdido. Estos irlandeses son amenos, cercanos, unos auténticos freaks de Star Wars como Satán manda, y son junto a Municipal Waste de las pocas bandas de la nueva ola de thrash que vale la pena seguir hoy en día. Su cantante Philly Byrne nada más salir al escenario cautivó por su indumentaria: un traje y pantalón a juego con ovnis dibujados y unas bambas de Star Wars que ¡ríete de las J’hayber de los 80! Sobre los temas, los necesarios para salir y volar, y más si te tocan canciones de su disco Citizen Brain como ‘Zombie Blood Nightmare’. Para entrar a ver a Slægt no hubo pro-

blema alguno por suerte. Estos chicos de Dinamarca ya sorprendieron hace un par de años en su visita a la Rocksound de Barcelona y ahora con su disco The Wheel había muchas ganas de disfrutarlos. Su mezcla de heavy metal y punteos black hace que su sonido sea muy atractivo, y que muchos lo asemejen a bandas como los Tribulation actuales. Sobre todo será por los movimientos en directo de su guitarra Anders M. Jørgensen, que consiguen que en el segundo tema la pequeña sala esté casi a rebosar. Sonaron ‘Perfume And Steel’, ‘Move In Chaos’ o ‘Domus Mysterium’, y por fortuna, yo y varios amigos pudimos disfrutar el concierto tranquilamente desde la mesa de mezclas. Ahora tocaba ver a dos bandas en la sala grande y perderme a Ketzer… una lástima, ya que sus dos primeros discos me encantan y no son fáciles de ver, pero Desaster y Benediction tampoco. Desaster, alma mater del black thrash teutónico, nos hacen gozar cada vez que los vemos, empezando con ‘Sacrilege’, ‘The


SÓLSTAFIR

Cleric’s Arcanum’ y, sobre todo, al sonar la intro de guitarra con esos suaves golpes casi folk de ‘Teutonic Steel’ de su segundo disco Hellsfire’s Dominion de 1998, donde el guitarrista Infernal se pone en frente de sus fans para dar todo lo posible sobre el escenario. Ellos son una de las grandes razones para viajar por Europa de festivales. Nunca defraudan en directo. Turno para unos de los masters del death metal británico, Benediction, los cuales en vivo no se prodigan demasiado. La última vez había sido hace ya seis años para el 25 aniversario de los desaparecidos Bolt Thrower en Londres… Como fotógrafo, al estar en el foso intentas no distraerte y estar centrado en enfocar y saber disparar ‘el momento’, pero a veces es complicado ya que estos cabrones de Birmingham empiezan su concierto con ‘Divine Ultimatum’ de su primer álbum Subconscious Terror y un servidor alucina al ver cómo la empalman con ‘Unfoud Mortality’ de su obra maestra Transcend The Rubicon, de la cual también tocaron ‘Nightfear’… pero

esta vez ya estoy en medio del pit botando, cámara al aire. De Wiegewood y Moonsorrow con su black metal no vi casi nada, sólo la parte final de estos últimos finlandeses que sí, lo hacen muy bien, pero Possession ganaron la batalla. Por fin pude ver a estos belgas, que con su único disco Exorkizein y sus diversos splits, han hecho que su death black sea perfecto para mis orejas. Fue un show demasiado corto para las ganas que tenía de verlos. Un inicio con ‘Infestation - Manifestation - Possession’ fue suficiente para ver el ritual del escenario y la mala leche que tienen en directo, siguiendo la estela de Watain pero con un sonido más crudo y sucio que el de los suecos en la actualidad. Luces rojas omnipresentes para ‘Beast Of Prey’ y ‘Ablaze’, pequeña pausa y salida con ‘In Vain’, ‘Anneliese’, ‘His Best Deceit’ y ‘Preacher’s Death’. Un orgasmo de concierto y la razón por la que a muchos nos gusta ir a festivales a ver a los grupos pequeños del cartel, los cuales nunca lo tienen tan fácil para viajar, y menos aún por debajo de los

Pirineos. Lo de Urfaust aún me cuesta algo de entender. Son muy buenos, llevan años en esto, pero aún no consigo conectar y menos cuando fue el show más a petar de la pequeña del Effenaar. Imposible verlos o disfrutar de ellos. ¡Otra vez será! Mientras, Sólstafir conseguían otra vez que la épica volviera esa noche a Eindhoven. Estos cowboys islandeses tienen algo especial, difícil de definir, ya que quizás sus discos no los escucho nunca en casa, pero en directo es imposible no quedarte prendado de ellos. Musicalmente perfecto, y aunque me repita, es la pura épica del metal aplicada en su música, difícil de definir, con tintes de post black pero con voces claras y hermosas. Puedo entender perfectamente ver a gente emocionarse con sus descargas (como podía pasar con Anathema hasta el disco A Natural Disaster, no la pantomima de banda pop que son ahora) y hasta ver a gente llorar. Lo logran y les hemos de felicitar por ello. Sobre Septicflesh prefiero no hablar. Demasiadas veces vistos en estos últimos años para perder el tiempo con ellos. Mucho mejor fue la sorpresa de Carnation. Me habían avisado de que me iban a gustar, pero fue más que eso. Death metal de la vieja escuela con corpse paint sangriento sobre la cara de su cantante Simon Duson, que hizo que a la salida me comprara su EP Cemetery Of The Insane y su único disco Chapel Of Abhorrence. Y con ese buen gusto de boca hacia el hotel a descansar, porque el día siguiente prometía ser un día muy largo y el cuerpo no estaba para ir de bares por la ciudad. SÁBADO 15 Turno para el sábado, segundo día del festival donde la promesa de un show 21


PROPAGANDHI

de Triptykon con repertorio de Celtic Frost era la gran expectativa de la noche. Ese día llegamos algo más tarde, ya que a Izegrim los había visto con anterioridad y a Darvaza los veía en el Catalonia Extreme Winter, aunque en la parte final de show Wraath estaba mucho más tranquilo comparado con el espitoso concierto de este enero en Barcelona. La primera banda a disfrutar fue Attic. Su ramalazo a lo King Diamond sigue siendo maravilloso en sus dos discos The Invocation y Sanctimonius. Su intro ‘Ludicium Dei’ seguida de ‘Sanctimonius’ nos enseña el ritual en el que vamos a entrar. Calaveras, cruces invertidas, candelabros encendidos, todo rodeado de ventanales góticos dibujados en las pantallas y Meister Cagliostro sale de las sombras después de los primeros acordes de guitarra para enfundarse en el papel de cantante. Un gran primer concierto que prometía que esa jornada, efectivamente, iba a ser muy especial. Subida al main stage para ver media actuación del fenómeno Harakiri For The Sky, y que sí, que temas como ‘Funeral Dreams’ están muy bien, pero su post black, por ahora, no casa conmigo, lo siento. En cambio, vas a ver a unos chavales, algo creciditos porque llevan desde 1989 dando guerra, llamados Deadhead, y disfrutas el doble a pesar de que sólo sus colegas holandeses están en la sala a medio llenar. Un sonido a los primeros Kreator y toques de Slayer hacen erizar el vello de los brazos. Los primeros temas en sonar son ‘Slay Your Kind’, ‘Phantom Palace’ e ‘In Your Room’ con un alto y divertido Tom Van Djik como bajista y vocalista rematado por un gorro y una camiseta overprint de Slayer. Brutal lección de sinceridad que muchas bandas más conocidas deberían aprender y 22

NECROPHOBIC

de mucho público que no sabe el concierto que se perdió. Valkyrja y Necrophobic coincidían casi en la hora. Viendo el gran inicio de Valkyrja con su black perfecto nadie me diría que después de tomar las fotos a Necrophobic decidiera quedarme a ver todo su concierto. Algo totalmente inesperado, pero es que el nivel de esta banda hoy en día en directo pocas formaciones del estilo lo superan. Un inicio con ‘Mark Of Necrogram’ de su último y homónimo gran disco, y el polifacético Anders Strokirk que ya se lleva a todos los presentes a su terreno. Uno no se fija, pero a medida que avanza el concierto vemos al batería algo raro y hasta muchos días después no me doy cuenta de que uno de los miembros fundadores, Joakim Stener, no está allí, sino Matte Modin (Firespawn, Dark Funeral…). Ni idea del porqué del cambio, pero para nada desluce el directo, y he de decirlo ahora: el hecho de que Johan Bergebäck se parezca a Jeff Hanneman de joven siempre me ha parecido curioso. Gran bolo que me dejó enganchado a pesar de que sólo recuerde un tema de The Nocturnal

Silence. Escaleras rápidas hacia abajo y otra vez a ver a Archgoat en otro de los mejores conciertos de ese fin de semana en el Eindhoven. Blasfemia pura y dura. Crudeza en un sonido perfecto y nítido que refleja esa maldad que hay en los temas. Su último disco The Luciferian Crown es una macarrada inmensa y me encanta. Cómo tres personas y un teclista pueden hacer esa música es algo que escapa a mis sentidos. Un inicio alabando a Lucifer con ‘Jesus Christ Father Of Lies’ y la locura se desata en toda la sala. Con sólo cuatro discos y multitud de splits y EPs desde el año 1991, Archgoat consiguen lo que muchas bandas no pueden: trasladar todo lo que escuchas en sus discos aún mejor en directo y con una imagen y sonido perfectos y sucios. Giro ahora para el suicidal black metal de Shining, que cuentan con muchos detractores pero también algunos fans. Yo me posiciono entre estos últimos porque Niklas Kvarforth consigue transmitir esa ansiedad del black de su propia y única manera. Ahora ya no se corta ni desangra en vivo como vimos en esas primeras giras con Watain por


CHRIS HOLMES

la Península… En el Madrid Is The Dark se dice que no conectó muy bien con el público y con los fotógrafos, pero aquí todo fue diferente en un concierto sobrio, y sólo roto por el Jack Daniel’s en el gaznate de Niklas. Sigue repudiando al público, pero ahora también les pide perdón y los reverencia, con un setlist de casi todos sus álbumes reservando mayor importancia a su último X - Varg Utan Flock. Si os digo que Chris Holmes era uno de los artistas destacados de ese día… pues os quedáis como yo al verlo en el flyer del festival, ¿verdad? Sí, Chris Holmes, ese gran guitarra de WASP, conocido también por su gran afición al vodka gracias al documental The Decline Of The Western Civilization: The Metal Years. El porqué de su inclusión en el evento fue debido a un encontronazo casual entre el promotor del Eindhoven que, junto a Necrophobic este año, durante una gira por Israel, coincidieron con él y el resultado fue verlo tocar con su banda, con un cantante con una voz con tintes a Blackie Lawless en una sala muy concurrida. Escuchar su guitarreo en temas

SHINING

como ‘Blind In Texas’, ‘On Your Knees’ o ‘L.O.V.E. Machine’, a pesar de los constantes cortes de sonido en su guitarra, fue algo maravilloso. Eso sí, no dejó de ser una anécdota escucharle cantar algún estribillo y oír cómo hacía versiones de Neil Young y AC/ DC o sus propios temas, como ‘Born Work Die’. Tristemente no vi a Impaled Nazarene haciendo su Suomi Finland Perkele porque Tom G. Warrior y Triptykon estaban arriba y empezaba el concierto de Celtic Frost. La verdadera pena es que haya tenido que morir Martin Eric Ain para que Tom vuelva a tirarse por completo en directo a por su banda Celtic Frost (y próximamente Hellhammer…), pero eso ya es otra historia. El concierto de Triptykon fue el mejor de todo el festival. No hay nada mejor en la música extrema que ver y escuchar a Tom G. Warrior con Celtic Frost, y quien diga lo contrario no tiene ni puta idea. Entre luces tenues y detrás de una enorme cruz Tom empezó con ‘Procreation (Of The Wicked)’, ‘Visions Of Mortality’ y ‘Circle Of The Tyrants’, la cual ya vi fuera del foso y totalmente enloquecido.

Un setlist casi impecable. Me faltaron dos o tres temas más como ‘Morbid Tales’ o ‘The Usurper’, pero bueno, ese concierto dejó a todo el mundo con un grato recuerdo de esta décima edición del Eindhoven Metal Meeting. Y sin desmerecer a Marduk, que tocaron justo después y nos dejaron a todos callados con una primera parte de set totalmente brutal con ‘Panzer Division Marduk’ y ‘Baptism By Fire’ como más destacadas. Tras una pausa completamente ilógica el concierto bajó mucho el nivel y sólo se salvó el momento goticoso con ‘The Blond Beast’ y los choques de caderas y bailecitos que nos marcamos en la pista. Y así acababa el Eindhoven este año para un servidor, mientras oíamos los tecladitos de fondo de Mortuary Drape y nos dábamos cuenta de que fuera había nevado bastante y que, lo bonito que era eso en ese momento, se transformaría en una gran putada al cancelarse todos los vuelos de vuelta desde la ciudad. Caos, epopeya y muchos discos menos que comprar estos meses que vienen fueron el resultado de ir a Ámsterdam, dormir allí y marcharse al día siguiente. 23


OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

VIÑETAS DE TORTAS Y BOLLOS VV.AA-

FONDA PASCUAL Azagra y Revuelta

JOHNNY CASH. LA

(EDITORIAL CORNOQUE)

HOMBRE DE

(EDITA GEHITU/MUGEN

NEGRO

GAINETIK)

El gran Carlos Azagra se desmarca del tono reivindicativo habitual de su obra para ofrecernos un cuaderno de recuerdos centrado en su infancia de los años 60 en la pensión que regentaba su familia en Morón de la Frontera. Como en todos su trabajos, Azagra es siempre cercano y cómplice en sus páginas, ayudado hasta el último detalle por el estupendo color de Revuelta, siendo este Fonda Pascual un recopilatorio de situaciones cotidianas congeladas que, por un breve momento, se vuelven de nuevo tangibles y propia. SG FANTE BUKOWSKI Noah Van Sciver (LA CÚPULA)

Existen pocas cosas más desagradables en esta vida que toparse con un tipo que se declare, teniendo ya dos dedos de frente, fan del escritor norteamericano. Si a esto le sumas que el sujeto pretenda convertirse en el siguiente novelista estrella tienes el combo perfecto del que se vale Sciver para realizar este tomo centrado en la mediocre existencia de “ese tipo que conocemos todos” mientras trata de medrar, como sea, en la vacua farándula de la fauna cultureta. Salvaje, divertido y muy cruel, es decir, delicioso. SG

BIOGRAFÍA DEFINITIVA DEL

Robert Hilburn (ES POP)

Es complicado que algún día vaya a existir una biografía más completa que la escrita por Robert Hilburn en 2013, y que ahora por fin ve su traducción al castellano. Y aun así, la personalidad de Cash era tan sencilla por un lado, y tan compleja por otro, que uno todavía tiene la impresión de que una parte del personaje se quedará para siempre en la mitología. Visto el currículum de Hilburn, nadie mejor que él para escribir sobre El Hombre de Negro ya que fue testigo en primera persona de gran parte de su carrera siendo, por ejemplo, el único periodista que estuvo en el mítico concierto en la prisión de Folsom. Como todos los grandes genios, parece inevitable partir de un trauma de infancia. En el caso de Cash, la muerte de su hermano mayor y la culpabilidad que le hizo su padre por no haberla prevenido. Ese punto oscuro siempre le acompañó a lo largo de su vida, retratando a la América más hostil y desfavorecida, y lidiando con sus vaivenes emocionales que le hicieron flirtear con drogas, alcohol, depresión y suicidio. El libro nos hace ver lo mitificado que tenemos a Cash. No fue un hombre fácil y más de una de su acciones fueron cuestionables, pero hay un sentimiento general de redención en los últimos años gracias al rescate de Rick Rubin y sus ya clásicos American Recordings; un final de justicia para una de las figuras más atípicas y magníficas de la música. RR

Gehitu y Mugen Gainetik, dos ONGs, publican esta antología de autoras con temática lésbica. Entre sus páginas, historietas vitales y personales con situaciones cotidianas donde las artistas muestran la necesidad de la visibilización de las personas LGTBI y sus problemas en nuestra sociedad . El plantel de colaboradoras es de lujo, contando con cinco latinoamericanas y cinco españolas, y se ofrece en doble formato físico y digital, ambos gratuitos, para lograr la máxima difusión posible. Necesario, y más como está el patio. SG BATMAN: LA BODA VV.AA. (ECC)

Tom King es el escritor que en los últimos tiempos ha puesto patas arriba el universo del hombre murciélago. Como clímax a uno de su arcos argumentales, ECC ofrece en doble edición, grapa o tomo con portada de Monteys, el momento del enlace entre Catwoman y Batman, dibujado en su tramo principal por el navarro Mikel Janín, y acompañado por más de 20 autores en su narración paralela. Un momento para el recuerdo y un punto estupendo para engancharse a lo que se le viene encima al detective. SG


SLASH

SAUL HUDSON, CONOCIDO UNIVERSALMENTE COMO SLASH, ES, POSIBLEMENTE, EL ÚLTIMO ESPÉCIMEN DE UNA RAZA EN VÍA DE EXTINCIÓN: LA DEL GUITAR HERO. A PRINCIPIOS DE ENERO TENÍAMOS LA OPORTUNIDAD DE CHARLAR CON EL ICÓNICO GUITARRISTA DE LA CHISTERA SOBRE EL BUEN MOMENTO QUE ESTÁ VIVIENDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

CABALGA DE NUEVO


M

ENOS DE UN AÑO DESPUÉS

de habernos visitado con el transatlántico Guns N’ Roses, Slash regresa a nuestro país acompañado de Myles Kennedy y The Conspirators. Una asociación que empezó de forma más o menos modesta en 2011, pero con Living The Dream (Roadrunner), su último disco publicado el pasado septiembre, ha llegado a sus cotas más altas. Como muestra, los recintos Sant Jordi Club y WiZink Center, en los que tocará el 12 de marzo en Barcelona y 13 de marzo en Madrid. Naturalmente están lejos de ser los estadios que ha llenado en los últimos dos años junto a Axl Rose y Duff McKagan, pero teniendo en cuenta que ni siquiera con el supergrupo Velvet Revolver llegó a este nivel, es normal que nos encontremos con un Slash de lo más relajado al otro lado del teléfono. Como ocurre a veces con este tipo de superestrellas, antes de la entrevista recibimos un aviso de que, en este caso, no estaban permitidas preguntas sobre Guns N’ Roses, aunque como era inevitable, su nombre acabó saliendo. Feliz año. ¿Cómo se está portan-

“(Risas) Sí, pero ya me está bien. Estoy muy ilusionado con esta próxima gira para presentar Living The Dream. Hasta el momento sólo habíamos dado unos pocos conciertos por Estados Unidos en septiembre, pero ahora ya tenemos programadas fechas desde enero hasta agosto”.

¿Crees que la gira de Guns N’ Roses puede haber ayudado también a renovar el interés

Parece que Living The Dream

hacia tu carrera?

está siendo el álbum que más

“No lo sé. Guns N’ Roses es Guns N’ Roses. Es algo gigantesco. No sé si la gente que fue a vernos era consciente del trabajo que yo estaba haciendo con The Conspirators”.

ha gustado de los que has sacado por tu cuenta. ¿Te sorprende que ocurra justo en el momento en el que todo el mundo dice que el rock está muerto?

“La verdad es que no tengo ni idea de cómo ha sido recibido el disco (risas). He estado tan ocupado que no he prestado atención a qué decía la crítica o la gente en internet. Lo cierto es que disfrutamos mucho haciendo el disco y me gustan todas las canciones, quizá eso es lo que ha captado la gente. Y en los conciertos que dimos, sí que vi que los nuevos temas eran muy bien recibidos. Quizá más que nunca. Porque, normalmente, siempre que sacas un trabajo y empiezas a tocar temas nuevos cuesta un poco que la gente los acepte, pero no ha sido así con los de Living The Dream”.

do 2019 hasta ahora? SLASH “¡Feliz año! Por ahora va

Quizá otra señal es que en esta

todo bien (risas)”.

gira vais a tocar en recintos más grandes que nunca. Hasta aho-

¿Qué hiciste por Fin de Año?

ra tocabais en clubes o salas, y

“Este año fue una celebración muy, muy tranquila. Sólo he tenido un descanso muy pequeño entre el final del tour de Guns N’ Roses y el principio de la gira con The Conspirators, así que he estado relajándome, básicamente”.

esta vez ya vais a pabellones.

Eres un hombre muy ocupado…

que esperaba. Nunca creí que cuando sacáramos nuestro primer disco ya íbamos a petarlo. Me siento muy cómodo con cómo hemos ido subiendo peldaños poco a poco”.

“Sí, en Europa tocaremos en varios pabellones. Mola (risas). Supongo que es una consecuencia de los años que llevamos trabajando duro con esta banda. Hemos ido sacando discos y girando, todo ha sido muy gradual. Y más o menos eso era lo

Con Guns habéis ofrecido conciertos muy largos de más de tres horas. ¿Vas a tener el mismo enfoque con The Conspirators?

“Es un show de rock sin más. No hay trucos ni parafernalias (risas). Salimos y tocamos. Más o menos tocamos unas dos horas”. Antes decías que disfrutaste mucho haciendo este álbum. ¿Fue por algo en especial?

“La verdad es que tenía muchas ganas de volver a trabajar con la banda después de un año y medio de haber estado ocupado con Guns. Quizá eso se impregnó en el disco. Además, lo grabamos en mi propio estudio, trabajando en nuestro ambiente y eso está muy bien porque no teníamos ninguna restricción de horas o tiempo. Todo fluyó muy bien. Y también creo que tiene que ver que ya llevábamos años tocando y componiendo juntos y hemos pillado nuestra propia onda”. A lo largo de tu carrera has trabajado con dos vocalistas enormes como Axl Rose y Scott 27


“MYLES ERA UN GUITARRISTA QUE DESCUBRIÓ MÁS TARDE QUE TENÍA UNA VOZ INCREÍBLE. ASÍ QUE SU PERSONALIDAD ES LA DE UN GUITARRISTA, NO LA DE UN CANTANTE. CREO QUE ÉSA ES LA PRINCIPAL RAZÓN DE NUESTRO BUEN ENTENDIMIENTO”

tas te influyeron en ir en esa dirección cuando empezaste?

Weiland, pero a la vez muy conflictivos. En cambio, con Myles Kennedy parece que os lleváis de maravilla. ¿Te sientes aliviado por poder trabajar con un cantante sin ningún tipo de tensión?

“Myles es un tío muy fácil con el que llevarse. Creo que el motivo por el que conectamos desde el principio es porque él es guitarrista. Myles era un guitarrista que descubrió más tarde que tenía una voz increíble. Así que su personalidad es la de un guitarrista, no la de un cantante. Creo que ésa es la principal razón de nuestro buen entendimiento. Hablamos el mismo lenguaje”. En Living The Dream haces unos solos realmente buenos. Una de las cosas que más me gusta de tu estilo es que eres muy melódico, es como si tus solos tuvieran una narrativa, no son sólo un montón de notas juntas. ¿Qué guitarris-

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“¿Sabes que es la primera vez que me lo preguntan? Me han preguntado por mis influencias, claro, pero nunca por ese aspecto en particular. Creo que la melodía es muy importante en el contexto de un solo, tienes que tocar algo que sea reconocible. Un tío como Jimmy Page era muy melódico. Los solos en los 70 eran muy melódicos. Recuerdo especialmente a Manfred Mann, hicieron una versión de Springsteen… ‘Blinded By Light’, y tenía un solo muy melódico. O The Raspberries con Eric Carmen hacían solos muy melódicos. O Gerry Rafferty con ‘Baker Street’ también tenía un gran solo. Ésos son los principales que recuerdo. No es algo en lo que pensara conscientemente, pero sin duda tuvieron una gran influencia. Podría seguir… Jimi Hendrix, Jeff Beck, Eric Clapton, Mick Taylor de los Stones… todos ellos también me influyeron”. Quizá esa ausencia de melodía en favor de aspectos más técnicos haya tenido que ver con que los solos prácticamente desaparecieran del mapa.

“Sí, ésa es una conversación que podría llevarnos horas. Definitivamente yo soy producto de los guitarristas que me precedieron, de los 60, de los 70, y quizá algo de los 80. Todo eso es con lo que crecí. Pero la generación que vino después tenía otras influencias, y su enfoque hacia la guitarra era distinto. Tenía otra concepción de lo que debía ser un solo. Hay

una mayor atención a la técnica, sin duda. Pero no hay que olvidar que muchos de los guitarristas de los 70 también tenían una técnica increíble. Pero seguramente el solo de guitarra ha perdido peso en los arreglos de las canciones de rock o de pop porque muchos músicos tampoco tienen nada que decir con ellos. Creo que es algo que ya empezó en los 80. Se consideraba que lo importante era la canción y se fueron eliminando los solos. Dejó de ser una prioridad. No sé, como te decía, podríamos hablar de esto durante horas. Personalmente, yo sigo teniendo la misma concepción de lo que es un solo que cuando empecé (risas)”. ¿Qué opinas del éxito de Greta Van Fleet? ¿Crees que puede suponer un punto de inflexión y devolver el interés de la juventud por el rock’n’roll?

“La verdad es que no tengo una opinión hecha sobre Greta Van Fleet o su música. Los escuché y pensé… ‘Bueno, suenan como Led Zeppelin’. Pero lo que es importante de ellos es que son una banda joven de rock’n’roll que la gente está escuchando y puede que abran las puertas para otras bandas. Creo que hay hambre de rock porque, en los últimos diez años, no ha habido muchas bandas buenas. Estoy ilusionado por ver lo que va a hacer la nueva generación y desde luego Greta Van Fleet son la punta de lanza de todo esto”. Hablando más en general, quizá


una de las razones por las que las nuevas generaciones han perdido el interés es que para tocar en un grupo de rock necesitas dedicación, compromiso, esfuerzo… valores que se están perdiendo. Es mucho más fácil

ahora mismo en la industria de la música es una locura. Se ha convertido en algo con tantas restricciones, tan orientado al Top 40, que la creatividad ha quedado en un segundo plano. Pero eso también sería una conversación que daría para horas (risas)”.

aprender a hacer beats que tocar bien un instrumento.

Al mismo tiempo, quizá sea

“Sin duda eso tiene algo que ver. Pero si lo piensas, uno de los motivos por los que el punk fue tan popular también era porque parecía que era fácil de tocar. Todos los chavales pensaban que podían hacerlo porque eran sólo tres acordes (risas). Y creo que todavía hay gente que está dispuesta a dedicarle mucho esfuerzo, pero ve que meterse

bueno para el rock’n’roll estar al margen del mainstream y recuperar un poco su espíritu

una gran ola a punto de cambiar las cosas. Creo que la gente está harta de todo lo que está lanzando la industria. Se ha forzado a los chavales a hacer las cosas por su cuenta y sin tener una gran recompensa, y eso es la semilla del buen rock. Lo más importante es que quieras expresarte sin pensar en lo que opinan los demás. Creo que eso está sucediendo ahora mismo y lo veremos en los próximos años”.

rebelde.

“Los cambios siempre acaban llegando, son inevitables. Quizá en tiempo real puede parecer que no llegan nunca, y nunca sabes lo que está por llegar. Pero sin duda siento que hay 29


THE INTERRUPTERS

LISTOS PARA LA LUCHA

NO OS IMAGINÁIS LO QUE NOS HA COSTADO VOLVER A TRAER A THE INTERRUPTERS A NUESTRAS PÁGINAS. DESDE QUE CAYESE EN NUESTRAS MANOS FIGHT THE GOOD FIGHT, LLEVÁBAMOS MESES INTENTANDO CONSEGUIR UNA ENTREVISTA CON ELLOS SIN ÉXITO. POR SUERTE, NUESTRA CABEZONERÍA Y EL HABERLES ELEGIDO COMO EL MEJOR DISCO DE 2018 HA HECHO POSIBLE QUE PODAMOS CHARLAR DE NUEVO CON UNA DE NUESTRAS BANDAS DE PUNK ROCK FAVORITAS DE LOS ÚLTIMOS AÑOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ROBERT ORTIZ, LISA JOHNSON


D

ESCONOZCO SI ALGUNA VEZ NUESTROS QUERIDOS LECTORES se habrán

parado a pensar cuán difícil resulta concretar una entrevista con una banda internacional para un medio como el nuestro. Si bien muchas veces basta con cruzar un par de emails con el mánager o la discográfica de turno para fijar el día y la hora a la que se realizará el phoner, otras se convierte en una tarea titánica ante la que más nos vale armarnos de paciencia. El caso de los californianos The Interrupters es claramente uno de ellos. Cuando su último trabajo, Fight The Good Fight (Epitaph), nos llegó en mayo del año pasado, además de fliparnos

tanto como para destacarlo como Disco del Mes en el número siguiente, tuvimos claro que queríamos volver a entrevistarles como ya habíamos hecho en su primera visita a España en 2016 en el Gasteiz Calling. Para nuestra desgracia, la apretada agenda del grupo, inmersos en plena gira veraniega de festivales, hacía muy complicado encontrar un hueco para llevarlo a cabo. Pasado el periodo estival, no cesamos en nuestro empeño y volvimos a intentarlo en diciembre, cuando un servidor viajó hasta Londres para verles actuar en pleno Camden en un Electric Ballroom lleno hasta la bandera (la crónica del concierto podéis leerla en nuestra web), pero tampoco hubo suerte.


A pesar de todo ello y sin guardarles ningún tipo de rencor, decidimos otorgarles el primer puesto en nuestra lista de los mejores discos de 2018, ya que desde que salió no hemos parado de disfrutar de singles tan adictivos como ‘She’s Kerosene’, ‘Got Each Other’ o ‘Gave You Everything’, deudores de la mejor escuela ska punk y dignos sucesores de una leyenda como son Rancid. No en vano, y como bien sabréis, el propio Tim Armstrong es en buena parte responsable del éxito que Aimee Allen (voz) y los hermanos Bivona (Kevin a la guitarra y los gemelos Justin y Jesse al bajo y la batería respectivamente) llevan experimentando desde que apareciesen en 2014 con su debut homónimo. Tanto aquél como su continuación Say It Out Loud y Fight The Good Fight han sido producidos y editados por el capo de Hellcat Records, además de coescribir algunas canciones y dirigir varios de sus videoclips. Y aunque no hay duda de que merece una buena parte del mérito, lo cierto es que The Interrupters son una maquinaria de hacer temazos que te hacen mover los pies tanto en casa escuchando sus discos como en sus conciertos. Finalmente, y tras insistir por enésima vez, a mediados de enero conseguimos robarles unos minutos a Aimee y Kevin para que nos contasen en sus propias palabras cómo están viviendo todo el ajetreo de estos últimos meses, su gira de 2017 acompañando a Green Day, el relevo generacional en el punk rock y, cómo no, su esperadísima actuación en el Download Festival de este año. . Hola Aimee y Kevin, ¿qué tal estáis? En RockZone llevábamos

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meses intentando contactar con vosotros desde que sacasteis

de Say It Out Loud, lo cual es fantástico para nosotros”.

Fight The Good Fight. KEVIN BIVONA “Sí, la verdad es

Echando la vista atrás, da la

que hemos estado muy ocupados girando durante casi todo el año pasado. Nos sentimos muy afortunados de haber tenido la oportunidad de dar tantos conciertos en los últimos meses. De todas maneras, es genial poder tomarnos unos días de descanso y hablar contigo otra vez antes de volver a la acción”.

impresión de que los dos años

Desde luego terminasteis muy bien 2018. Muchas publicaciones os destacaron entre lo mejor del año pasado. De hecho, no sé si sabéis que en RockZone fuisteis elegidos como Disco del Año para nuestra revista. ¿Cómo os sentís ante el recibimiento que ha tenido el álbum? AIMEE ALLEN “¡Uau! ¡Muchas gra-

cias! Lo cierto es que estamos alucinados por la respuesta que hemos tenido tanto por parte de la prensa como de nuestros fans. Estamos muy agradecidos de haber conectado con ellos a ese nivel”. KEVIN “La verdad es que es muy estimulante salir de gira ahora, tocar estas canciones y ver que la gente realmente quiere escucharlas. Eso es algo genial para un grupo, porque muchas veces cuando sacas un álbum y dices ‘vamos a tocar una canción nueva’, parte del público es como ‘OK, voy a ir a la barra a pillar una cerveza y volveré cuando toquéis una de mis favoritas’ (Risas). Pero la respuesta hacia los temas de Fight The Good Fight está siendo igual de buena que cuando tocamos canciones de nuestro primer disco o

transcurridos entre Say It Out

Loud y Fight The Good Fight pasaron muy rápido para vosotros. ¿Cómo los habéis vivido? KEVIN “Tiene gracia, ¿sabes? Mucha

gente dice que sacamos los discos muy próximos, casi de seguido, porque sólo hay exactamente dos años de diferencia. Pero lo que ocurre es que en esos dos años vivimos muchas cosas. Tuvimos la enorme suerte de salir de gira con Green Day por todo el mundo, también con Dropkick Murphys por Estados Unidos, tocamos en Coachella… Cuando regresamos al estudio de grabación para hacer Fight The Good Fight, ya habíamos dado la vuelta al mundo con Say It Out Loud, así que pensamos que era un buen momento para sacar otro álbum”. Sin duda esa gira como teloneros de Green Day debe ser una de las cosas más locas que os han pasado en todo este tiempo. ¿Qué tal fue la experiencia? AIMEE “Fue una pasada para todos

nosotros. Viajamos con ellos por toda Europa, Sudamérica... Fue una aventura salvaje y mágica. Aprendimos mucho también a mejorar nuestras habilidades. Les veíamos todas las noches y nos enseñaron un montón. Fue una experiencia increíble”. También imagino que tocar en recintos tan grandes como lo hacen ellos debe de ser muy diferente, no sólo a hacerlo en salas como estáis acostumbra-


“VEÍAMOS A GREN DAY TODAS LAS NOCHES Y NOS ENSEÑARON UN MONTÓN. FUE UNA EXPERIENCIA INCREÍBLE” AIMEE ALLEN

dos, sino también a hacerlo en

tado a la hora de componer el

canciones más rápidas y aquí la

festivales.

nuevo disco?

balanza se va equilibrando

AIMEE “Bueno, el asunto es que

KEVIN “Bueno, la verdad es que

cada vez más. ¿Tenéis claro que

Green Day tienen a los mejores fans del mundo. Fueron muy amables y agradecidos con nosotros cantando nuestras canciones en cada concierto. Con nuestros fans sucedía exactamente lo mismo, así que funcionó muy bien. No cambiamos nada dependiendo del tamaño del recinto donde toquemos, sea en una sala pequeña o en un estadio. Nosotros simplemente hicimos lo que hacemos siempre”.

debo decir que nos inspiró mucho cuando fuimos con ellos. Pero el modo en que componemos las canciones siempre ha sido el mismo. Siempre queremos escribir temas que podamos tocar en estadios, pero también otros que cualquier persona pueda escuchar en sus auriculares y sentirse menos sola. Nuestra música trata sobre conectar con la gente, y eso puede ser una sola persona o 50.000. La idea es que lleguemos a ellos. Creo que es así como se traduce en nuestras canciones”.

cada álbum debe tener cierta

De todas maneras, a algunos grupos les suele ocurrir que una vez giran por arenas, se dan

variedad para que siga resultando interesante? KEVIN “Yo creo que si sólo fuésemos

un grupo de punk rock, tocaríamos ska igual que tocamos punk. Cuando escribimos una canción, la probamos de todas las formas posibles y vemos cuál es la mejor opción. Siempre nos hemos sentido cómodos bajo el paraguas del punk rock”. AIMEE “Exacto. Vemos si suena mejor con un ritmo de ska, de punk rock… Intentamos encontrar la manera en la que funciona mejor”.

cuenta de que quieren orientar

Por otro lado, si hay algo que

su sonido a escribir canciones

percibo en Fight The Good Fight

Una de las canciones más des-

que puedan encajar en ese am-

es que cada vez sonáis más cer-

tacadas del álbum es ‘We Got

biente. ¿En vuestro caso diríais

canos al punk rock. Sigue ha-

Each Other’. Siempre habéis

que el haber abierto para

biendo mucho ska, pero ya en

dicho que Tim Armstrong es

Green Day os pudo haber afec-

Say It Out Loud había un par de

como el quinto miembro de The

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que probaréis con un productor diferente? KEVIN “En realidad es

parte de nuestra filosofía. Nosotros llevamos haciendo música desde hace mucho tiempo y siempre hemos estado colaborando con diferentes productores y compositores. Pero con The Interrupters siempre hemos sentido que Tim es uno más del equipo y nos sentimos muy unidos a él. Siempre decimos que si algo no está estropeado, no hace falta arreglarlo. Nosotros continuamos colaborando con otros músicos fuera del ámbito de The Interrupters, pero cuando se trata del grupo, no podría imaginarme hacer algo sin “NO PODRÍA IMAGINARME HACER ALGO SIN TIM, PORQUE Tim, porque es como el ES COMO EL QUINTO MIEMBRO DE LA BANDA” KEVIN BIVONA quinto miembro de la banda. Es nuestro fan, Interrupters, pero esta vez lo Rancid en él. Llevamos trabajando con nuestro colaborador, habéis llevado más lejos tenienTim durante muchos años y siempre nuestro mentor… en muchos sentidos. do a Rancid al completo en una hemos sido seguidores de Rancid. Siempre nos ayuda a sacar lo mejor de vuestras canciones. ¿Cómo Definitivamente fue un sueño hecho de nosotros, sin importar lo que pase. surgió esto? realidad tenerlos a todos cantando en No sé qué es lo que deparará el futuKEVIN “Cuando empezamos a grauno de nuestros temas. Además, refleja ro, pero siempre que sea posible, Tim bar Fight The Good Fight, estábamos perfectamente el espíritu de compañeestará ahí”. tocando las canciones o las ideas que rismo de la canción. Cuando la tocateníamos. Para ‘We Got Each Other’ mos en directo todo el mundo la canta. OK. Cambiando de asunto, este teníamos la primera estrofa y el estribiSin duda es una de nuestras favoritas verano estuvisteis participando llo, y queríamos que Tim cantase en de este último disco para tocar en los en algunas fechas del Warped ella, porque siempre habrá una canconciertos”. Tour, que celebró la última edición en todos los discos de The Inteción de toda su historia. Me rrupters donde él participe. Ya sea Siendo la tercera vez que gragustaría saber qué recuerdos tocando la guitarra, haciendo coros… báis con Tim, entiendo que os tenéis del festival. Supongo que Y cuando nos dijo que quería cantar compenetráis muy bien a la habréis ido a unos cuantos desen este tema, pensamos que deberíahora de trabajar, pero ¿creéis de que erais unos chavales… mos tener a todos los miembros de que llegará un momento en el KEVIN “Totalmente. Todos nosotros

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crecimos yendo al Warped Tour. Sin duda es una de esas cosas de las que más orgullosos nos sentimos de haber podido vivir cada verano. Poder ver tan de cerca a tantos grandes grupos fue increíble. Tengo recuerdos de ver a Rancid, AFI, NoFx, Pennywise… todo el mismo día. Es algo que hoy en día es imposible de repetir. Por supuesto que sigue habiendo grandes festivales itinerantes como el Punk In Drublic, del que hemos formado parte, que están intentando hacer lo mismo que hizo el Warped Tour. Pero había algo especial en lo que significaba el Warped. Ver una gira con todas esas bandas, en 40 ciudades, y estar en la última edición, fue todo un logro para nosotros. Saber que nunca más volverá a haber algo así y poder formar parte de ello nos hace sentir muy afortunados”.

y cuando vamos a cualquier parte del mundo intentamos que también sea así. Tenemos fans muy jóvenes. Nos encanta ver a chicos de 9 ó 10 años junto a gente de 60 cantando juntos. Ésa es una de las mejores sensaciones del mundo. Pienso que la música puede unir puentes entre una generación y otra, formando una familia. Muchas veces vienen a vernos niños acompañados de sus padres porque somos el único grupo en el que se ponen de acuerdo (risas). Es un honor para nosotros poder traer a tantas familias a nuestros conciertos”. Aimee, supongo que eres cons-

en el Download Festival. . Ha

ciente de que mucha gente com-

pasado algún tiempo desde

para tu timbre de voz con el de

que vinisteis a tocar por última

Brody Dalle de The Distillers. Me

vez en el Gasteiz Calling y en

gustaría saber si eres fan de

Barcelona en 2016.

ellos o consideras que han podi-

AIMEE “No puedo esperar a tocar en

do tener algún tipo de influencia

Madrid por primera vez. Estamos ansiosos de estar allí”. KEVIN “Recuerdo el concierto que dimos en el Gasteiz Calling. Fue una locura. Tocamos en una plaza de toros y Pennywise eran cabezas de cartel. Fue una gran noche. Y sí, el cartel del Download es fantástico. Vamos a tocar el mismo día que Tool y también tenemos ganas de ver a nuestros amigos de Sum 41. Llevamos mucho tiempo queriendo volver a tocar en España. ¿Estarás los tres días del festival?”.

en tu manera de cantar.

nal, en diciembre os estuve

AIMEE “Creo que siempre se me ha

viendo en el Electric Ballroom

comparado con muchas cantantes. Joan Jett es una de mis favoritas, me encanta. Siempre ha sido una gran inspiración. También Courtney Love. Supongo que es lógico que se hagan comparaciones, especialmente con cantantes femeninas. La gente suele hacerlo mucho. De todas maneras, no creo que The Distillers hayan sido una influencia para The Interrupters, pero si hay gente que nos compara porque les gustamos, entonces está bien”.

mucho observar entre el público una mezcla de punk rockers veteranos pero también chicos muy jóvenes. Chavales para los que grupos de toda la vida como Rancid, Bad Religion o Pennywise son una referencia, pero que tal vez gracias a gente como vosotros, The Menzingers o The Flatliners estén en-

Este verano os volveremos a tener en nuestro país tocando

Hablando del relevo generacio-

de Londres, y me sorprendió

ser una cantante en solitario, por eso amo tanto estar en este grupo. Somos una familia, es como un ‘uno para todos’. Para mí era muy triste cuando tenía que cargar todo ese peso por mí misma. Toda mi vida he estado buscando un grupo de gente con la que hacer la música que quería. Es todo lo que siempre quise. Yo crecí tocando en bandas, así que cuando creamos The Interrupters fue como encontrar mi camino de vuelta a casa. No podría ser más feliz”.

contrando las bandas de su ge-

Por supuesto. Espero poder saludaros en persona.

neración. ¿Lo creéis así?

Cuéntame cómo era tu carrera

KEVIN “Perfecto. Nos veremos pronto

KEVIN “Ésa es una de las cosas que

en solitario antes de formar The

entonces”.

más orgullosos estamos de The Interrupters: nuestra fanbase. Tenemos público de todas las edades. Cada vez que damos un concierto en Estados Unidos es para todas las edades,

Interrupters. AIMEE “Siempre había ido por mi

cuenta. Había estado en otros proyectos, participando en giras o en otros discos. Pero la realidad es que odiaba

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PAPA ROACH

I

CUESTION DE CONFIANZA EL QUE LA SIGUE, LA CONSIGUE. ÉSA PODRÍA SER LA MORALEJA A EXTRAER DE LA CARRERA DE PAPA ROACH. CUANDO MUCHOS LA DABAN POR MUERTA, LA BANDA CALIFORNIANA RESUCITÓ CON SU ANTERIOR DISCO Y AHORA ESPERAN SEGUIR LA BUENA RACHA CON SU NUEVO ÁLBUM WHO DO YOU TRUST?. CONTACTAMOS CON SU FRONTMAN JACOBY SHADDIX PARA DESCUBRIR LAS CLAVES DE ESTA INESPERADA SEGUNDA JUVENTUD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


M

UCHO HA LLOVIDO DESDE QUE PAPA ROACH con-

siguieran hacerse un hueco en la superpoblada escena del nu metal de principios del siglo XXI gracias al megahit ‘Last Resort’. Fuera del big four del género -Slipknot, Korn, Limb Bizkit y Deftones-, ningún otro grupo ha aguantado tan bien el tipo, publicando álbumes con regularidad y girando en condiciones bastante dignas. Pero lo suyo les ha costado… Entre 2006 y 2016, la banda formada por Jacoby Shaddix (voz), Jerry Horton (guitarra), Tobin Esperance (bajo) y Tony Palermo (batería) pasó su particular travesía por el desierto, durante la que, pese a sus intentos de adaptarse a los tiempos incorporando elementos del pop y la electrónica a su rap metal, no acababan de encontrar su público. Pero contra todo pronóstico, su noveno álbum, Crooked Teeth, publicado en marzo de 2017, consiguió enganchar con una nueva generación de fans, al mismo tiempo que reconectaba, quien sabe si por el factor nostalgia, con sus antiguos seguidores. Tres de sus cuatro singles coparon las listas de rock en Estados Unidos y, en su regreso a España, agotaron las entradas en salas como La Riviera y Razzmatazz. Teniendo el viento a favor, no sorprende que Papa Roach no hayan querido perder el tiempo y el pasado 18 de enero lanzaran un nuevo trabajo, Who Do You Trust? (Eleven Seven Music), para prolongar su buen momento. Justo en el día que se publicaba tenía la oportunidad de charlar con Jacoby Shaddix, un tipo

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con el que a lo largo de los años he tenido la oportunidad de tratar en varias ocasiones y al cual he visto transformarse completamente. Si en una de sus primeras visitas le recordaba bebiendo a morro de una botella de vodka completamente pasado de vueltas, ahora habla como un responsable padre de familia y hace gala de un estilo de vida totalmente saludable. De hecho, la última vez que estuvieron en Barcelona, apareció de la nada montado en bicicleta mientras estaba tomando una cerveza con su mánager en una terraza cerca de la sala. Una imagen que me chocó muchísimo. “Oh, sí, lo recuerdo”, me dice riendo al otro lado del teléfono. “Sinceramente, ir en bicicleta es mi mejor descubrimiento para ir de gira. Me levanto, cojo una mochila y me voy por la ciudad donde tocamos. Me tomo un café, observo a la gente, pienso… Me encantó toda la zona de la playa en Barcelona. Me tumbé un buen rato a relajarme. La bicicleta me permite salir de la rutina de estar en la sala pensando en el concierto todo el día”. Roto el hielo, era el momento de iniciar la entrevista. Esta semana está siendo muy popular en las redes el 10 Years

Challenge, así que me gustaría empezar preguntándote por cómo estaba Jacoby Shaddix hace diez años. JACOBY SHADDIX “Oh, tío, déja-

me pensar. Hace diez años fue cuando sacamos Metamorphosis. En ese momento lo estaba pasando mal, estaba buscando mi identidad como persona y como músico. Siempre hemos probado cosas nuevas, pero

Metamorphosis fue el primer disco que hicimos sin nuestro batería original Dave Buckner. Era un periodo de transición para el grupo. Creo que nos salió un disco demasiado cock rock (risas). Pero al mismo tiempo fue natural, porque nos habíamos enamorado del hard rock de los 70 y de los 80. Teníamos un tocadiscos en la gira y escuchábamos muchos vinilos de esa época. Lo pasamos bien, pero a nivel personal y espiritual estaba perdido… Intentaba mantenerme abstemio, pero tenía que esforzarme mucho. Tuve algunas recaídas, así que era un poco un desastre”. Mirando vuestra carrera, ése fue vuestro momento más bajo, pero quizá discos como The

Connection y F.E.A.R. fueron pasos necesarios para llegar a donde estáis ahora.

“Sin duda. Cualquier grupo pasa por momentos en los que tienes muy claras las cosas y otros en los que estás más perdido y necesitas descubrirte de nuevo. The Connection y F.E.A.R. fueron en cierta manera el principio de volver a conectar con nuestras raíces. Y una vez llegamos a Crooked Teeth ya íbamos a tope y es lo que nos ha llevado a donde estamos ahora. Es emocionante seguir probando cosas nuevas y evolucionando. Será interesante cómo recordaré este momento de aquí a diez años. Ojalá de aquí a diez años podamos volver a charlar los dos”. Estaría bien. Crooked Teeth volvió a lanzar al grupo muy arriba y Who Do You Trust? aparece cuando todavía no han pasado ni dos años. ¿Sentíais que


teníais que volver lo antes posible para aprovechar este momentum?

“Sí, desde luego. Queríamos aprovechar el buen momento creativo y nos metimos en el estudio nada más terminar la gira. Este disco es una progresión natural de Crooked Teeth. Trabajamos con los mismos productores porque me gusta mucho lo que hacen estos tíos. Son jóvenes, son atrevidos y ven la música igual que nosotros. Todo eso nos llevó a hacer nuestro disco más loco y aventurero. Es divertido llegar al estudio y empezar a experimentar. Creo que esa espontaneidad es lo que hace que este álbum sea especial”. Desde luego, el disco es muy variado. Hay un tema punk rock como ‘I Suffer Well’ u otro muy pop como ‘Come Around’.

“Sí, es alucinante. Pero es la manera en la que escuchamos música. A mí me gusta el punk rock, me gusta el pop… Cuando era joven me gustaban mucho Third Eye Blind. Creo que este disco es una celebración de nuestros gustos musicales”.

“ESTE DISCO ES UN REFLEJO DE NUESTRO PASADO, PERO LLEVADO AL PRESENTE” JACOBY SHADDIX Realmente suenas muy conven-

del grupo”.

Sí, ‘Maniac’ tiene un rollo Third

cido de este disco. Muchos mú-

Eye Blind, incluso Pixies.

sicos en tu posición parecen

Uno de vuestros aspectos más

“Has dado en el clavo al 100%. Queríamos que el álbum fuera un reflejo de nuestras primeras influencias. Los 90 tuvieron un gran impacto en mí como fan de la música. Este disco es un reflejo de nuestro pasado, pero llevado al presente. Es old school, pero fresco al mismo tiempo. Es maduro, pero adolescente y temerario. Esa dualidad lo hace muy excitante”.

hastiados.

admirables es que, hagáis dis-

“Bueno, para serte sincero, hay momentos en los que yo también estoy cansado y harto de este jodido negocio. Pero eso es algo que me quedo para mí. Y luego lo proceso, y recuerdo que lo que hacemos mola mucho. No puedes olvidarte de eso. Y cuando me pasa, no dejo que se me note porque ése no es el espíritu

cos mejores o peores, siempre tenéis mucha energía en directo.

“Sí, creo que esa conexión es lo que engancha a la gente. Creo que el directo es una de las pocas cosas sagradas que quedan en la música. Las redes sociales están bien, pero a veces lo hacen todo demasiado banal. Creo que no hay nada como

39


“DEJAR DE BEBER ME HA PERMITIDO TENER UNA NUEVA MIRADA HACIA LA VIDA” JACOBY SHADDIX

estar en el público, que el grupo toque tu canción favorita y estar rodeado de gente que siente lo mismo. Es una experiencia colectiva real que no puede sustituirse”.

esa energía. Desde los 10, 11 años sabía que quería estar en una banda, estar en un escenario y ser una estrella del rock. Y mira, llevo siéndolo unos cuantos años ya. Me siento muy agradecido por saber lo que quería hacer con mi vida y haberlo podido hacer”.

diferencias e intento no ser demasiado duro con ellos porque cada uno es como es. Y luego tengo a Brixton, el pequeño de 5 años, que es simplemente perfecto”.

niño?

Ahora que eres padre, ¿eres

Es conocido que tuviste unos

“Sí, siempre he sido así. Es lo que me ha hecho ser como soy y tener mi carácter. Al final ha jugado en mi favor, pero a veces cuando estoy de gira y no tengo nada que hacer, mi mente empieza a ir a mil y no puedo pararla. Por suerte, tengo el escenario para liberar todo eso. Para mí ir a la escuela era un desafío. Nunca encajé en el molde de ser un ‘buen estudiante’, pero por suerte encontré el camino donde poder canalizar

quizá más comprensivo si tus

años muy locos y llenos de ex-

hijos no sacan buenas notas?

cesos. ¿Cómo gestionas esa in-

“Sí, tío. Entiendo muy bien a mis hijos. El mayor, Makalie, no se parece en nada a mí. Se parece a su madre. Es buen estudiante, responsable, pragmático. Pero el mediano, Jagger, tiene 14 años, y es más problemático. Siempre nos están llamando del colegio quejándose porque no puede estar callado. Y lo entiendo, porque yo era igual. Celebro sus

formación siendo padre?

Siempre me has parecido una persona con mucha energía,

A la tercera va la vencida.

“Exacto (risas)”.

casi hiperactiva. ¿Eras ya así de

40

¿Cómo intentas inculcarles valores, pero sin caer en la hipocresía? ¿Te cuesta?

“Dejar de beber me ha permitido tener una nueva mirada hacia la vida. En febrero cumpliré siete años sin beber y eso ha tenido un efecto muy positivo. Me ha dado la oportunidad de poder estar por mis hijos


cuando tienen problemas. Pero soy un libro abierto, mis hijos lo saben todo de mi pasado y qué tipo de persona era. La realidad es que esos excesos no me aportaron nada bueno, simplemente me jodieron. Mis hijos lo saben y quizá por eso son más precavidos. Dos de ellos son adolescentes, así que también es su momento de ser un poco locos. Pero todas estas cosas, también me hacen reflexionar sobre mí mismo. Soy una estrella del rock, pero ¿qué significa eso? ¿Qué precio paga la gente por ser una estrella del rock? Se destruyen a sí mismos, destruyen a sus familias, ¿para qué? ¿Para llamar la atención siendo el más desfasado? Ahora casi soy anti estrellas del rock. Sólo lo soy cuando subo al escenario. Ahí sí puedo sacar esa parte de mí y no es algo fingido. Las personas somos muchas cosas. Soy una persona comprensiva y generosa, pero también soy una persona salvaje y violenta. Se trata de saber en qué momento y lugar debes ser cada cosa. He aprendido mucho. He cometido muchos errores, pero es que nadie es perfecto”. Cuando te enteras de una muerte como la de Chester Bennington o Chris Cornell, ¿alguna vez has pensado que podrías haber sido tú?

“Oh, tío… He tenido mis problemas mentales y espirituales, he estado en la oscuridad muchas veces, pero no creo que pudiera hacer algo así. Tengo demasiadas cosas buenas en mi vida por las que vivir. Para mí ésa no es una salida, no es una opción. He escrito una canción en este disco, ‘I Suffer Well’, porque creo que el sufrimiento y el dolor son necesarios

para hacernos fuertes. Si la vida fuera siempre feliz, sería aburrida. Caminar por el miedo y el dolor es lo que nos fortalece el carácter. Cuando ahora siento dolor, en lugar de compadecerme, intento aprender y crecer con ello. Cuando hice cambio de chip en mi vida fue cuando las cosas empezaron a mejorar”. El título del disco, Who Do You

Trust?, podría ser interpretado políticamente. ¿Os influyó de alguna manera el clima que se está viviendo?

“Creo que mi experiencia como ser humano está inevitablemente afectada por la política. Pero al mismo tiempo, este disco es muy personal. La confianza es uno de los ejes del álbum. Es una de las bases para cualquier relación humana. Puedes tener dinero, puedes tener fama, pero al final las relaciones humanas son lo que más valoro en mi vida. Por desgracia, en algunas de mis relaciones he sido infiel, he sido poco honesto, pero también ha habido personas que han sido poco honestas conmigo. A veces estás en una situación en la que tienes que recuperar esa confianza en otras personas o tienes que esforzarte para que los demás confíen en ti. El disco va de eso. Y el que el título tenga un interrogante es una manera de que el oyente se haga esa pregunta. Creo que nunca hemos tenido un título que pueda atrapar tanto como éste”. Hablando de confianza, Jerry, Tobin y tú habéis logrado seguir juntos en el grupo. Después de más de veinte años es inevitable que la gente cambie.

¿Cómo habéis conseguido crecer individualmente, pero al mismo tiempo, conservar unos intereses comunes?

“No es fácil, es duro, pero la realidad es que somos como hermanos. Hemos crecido juntos desde que no teníamos nada. Pasamos de ser unos adolescentes aburridos de la escuela, a ser jóvenes que viajaron por el mundo, a ser adultos y convertirnos en esposos y padres. Hemos hecho esa evolución juntos. Creo que un aspecto importante es que nos hemos dado nuestro espacio y cuando no estamos de gira cada uno hace su vida. Jerry y yo vivimos en la misma ciudad, pero si pasamos un mes sin vernos, no pasa nada. Y también es importante dejar que cada uno sea como es. Si un día alguien quiere hacer una locura, no hay que impedírselo. Tienes que darte libertad. Y al mismo tiempo, si alguien pide ayuda, somos los primeros en estar ahí. Nos respetamos. Pero, ¿sabes qué? Simplemente es que nos caemos bien”. Desde fuera puede parecer que cuando un grupo tiene éxito es cuando más fácil es todo, pero a menudo, ahí es cuando empiezan los problemas. Y en cambio, la adversidad es lo que te une de verdad. ¿Ha sido vuestro caso?

“Desde luego. Nosotros empezamos de la nada, sin pasta. Estuvimos siete años luchando hasta que sacamos nuestro primer disco y esos siete años fueron los que nos pusieron a prueba y nos prepararon para sobrevivir a los fracasos. Hemos pasado por etapas en las que no teníamos un éxito comercial, pero seguíamos 41


“Estamos trabajando en ello. Vamos a dar algunos conciertos, pero no creo que hagamos una gira mundial. Y habrá una edición especial. Mi idea es que algunos artistas hicieran remezclas de los temas o incluso que algunos grupos hicieran versiones. Hay muchos grupos que nos dicen que son fans nuestros, así que molaría. Pero ya veremos. Desde luego vamos a celebrarlo porque es un disco icónico para nosotros”. Cuando lo petasteis con Infest, el nu metal estaba en pleno apogeo. Pero como pasa con cualquier tendencia, sea el hard rock en los 80 o el grunge en los 90, todo acaba siendo sustituido por otra cosa. ¿En ese momento erais conscientes de eso? ¿Sabíais que hicieseis lo que hicieseis llegaría un momento en el que vuestro estilo dejaría de ser popular?

“AL FINAL LO QUE CUENTA ES TENER BUENAS CANCIONES. ES LA BASE DE TODO” JACOBY SHADDIX

dispuestos a luchar por la banda porque nunca olvidamos nuestros inicios”. Sé que tienes bastante relación con Mötley Crüe. ¿Alguna vez os plantearíais hacer algo como

siempre han sido muy extremos en todo, así que encaja con su manera de hacer. Y en cierta manera, les funcionó porque todo el mundo habló de ello. Lo que tengo muchas ganas de ver es la película de The Dirt. He oído que está muy bien”.

ellos y firmar un contrato que os prohibiera volver a tocar

Eso dicen. El año que viene se

como Papa Roach?

cumplen veinte años de Infest.

“Nunca lo he considerado. Cuando lo hicieron, pensé que era una gran estupidez (risas). Pero Mötley Crüe

¿Tenéis planeado hacer una

42

reedición o una gira de aniversario?

“Sí, lo sabíamos. Es como funciona este negocio. Nosotros no somos un McDonald’s que servimos siempre la misma hamburguesa y la experiencia siempre es la misma, el mismo uniforme, el mismo sabor, en cualquier parte del planeta, sea el año que sea. Esto es arte y naturalmente va a ir cambiando. Al final lo que cuenta es tener buenas canciones. Es la base de todo. Si tienes malas canciones vas a tener conciertos de mierda, y con eso no vas a llegar nunca a nada”.


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INFERNAL COIL

EXTREMA TRASCENDENCIA QUE EL BLACK DEATH ESTÉ EN PLENO AUGE DENTRO DEL SUBMUNDO MÁS DURO DEL METAL NO QUIERE DECIR QUE TODAS SUS BANDAS SE RIJAN POR LOS MISMOS TÓPICOS. UNO DE LOS EJEMPLOS MÁS CLAROS SON INFERNAL COIL, QUIENES ESTÁN AQUÍ PARA TRANSMITIRNOS UN MENSAJE DE LO MÁS REVELADOR. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

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A

MI MODO DE VER, LOS TOPS ANUALES SIRVEN DE BIEN

POCO. Le tomas ligeramente la

temperatura a las nuevas tendencias, constatas lo abierto de miras que esté cada medio y cuánto es capaz de escarbar, y con suerte, descubres alguna perla que se te haya pasado por alto durante ese año que agoniza. Pocas veces ocurre que una obra tan subterránea y hermética como Within A World Forgotten logre colarse en tantas listas de lo mejor del


les, Infernal Coil son capaces de despedazarnos a través de severos correctivos mientras nos preparan para expandir la mente y recibir su mensaje. Estamos ante una epifanía, una experiencia extrasensorial y chamanística en clave libertadora, huyendo así de los temas más trillados del metal extremo para explorar conocimientos recónditos. Desde luego, Folús, nuestro interlocutor, no es de los que se muerde la lengua, y es que para propagar la palabra no valen los titubeos. Antes de nada, me gustaría que me aclararas algunas dudas que tengo acerca de la banda… ¿Quiénes sois Infernal Coil? Lo digo porque en muchas fotos sois un dúo, pero luego un trío en tantas otras webs… ¿Cuál es el line-up estable del grupo, si es que lo hay, y cómo compone y trabaja? FOLÚS “Infernal Coil empezó con

año, pero para mi sorpresa y satisfacción, eso es justo lo que ocurrió el pasado 2018 con el debut en largo de Infernal Coil. Por supuesto, RockZone también nos sumamos a los elogios hacia la ópera prima de los estadounidenses y la seleccionamos entre los discos más destacados del pasado curso, pero dada la marcada personalidad del combo, quisimos ampliar nuestra relación con ellos a través de esta entrevista. Tan inclementes como espiritua-

Blight y yo en 2014 y hemos tenido varios colaboradores a lo largo de los años, pero nosotros hemos permanecido como el núcleo de la banda. Creo que muchos de los colaboradores tienen dificultades para mantenerse al día con el carácter distintivo y las demandas del grupo. Somos más que simples ensayos y conciertos en directo… es difícil expresarlo, pero no es fácil ser parte de esta banda. La mayor parte de la escritura y la composición la hago yo, y junto a la conducción y la dirección artística, Blight es también una gran parte responsable de la composición y nos mantiene con los pies en el suelo”.

obra conceptual acerca de las paradojas del mundo natural, que contrasta la belleza con el caos de la naturaleza, un álbum sobre esa dicotomía, y por supuesto, con la consiguiente autodestrucción humana. ¿Puedes desarrollarme más la idea detrás de Within A World Forgotten?

“La idea se concretó tras años de meditación. Un día estaba caminando solo por las colinas, estaba ascendiendo y eso me había pasado factura, así que decidí detenerme y recuperar el aliento. Podía ver mi ciudad, y millas más allá de mí, el horizonte aparentemente infinito, que atrae nuestros ojos hacia las abrumadoras posibilidades que tiene. Los humanos parecen buscar lo grandioso y lo que está fuera de su alcance, de ahí viene mucha de la fijación de la humanidad hacia un dios o poder superior, o algo así como el cosmos. Aunque es tentador, nos sirve de poco y es fácil sentirse pequeño, sentir que no marcas la diferencia o que hay algo más grande y poderoso que solucionará un problema. Debemos vernos a nosotros mismos como pastores, no como ovejas. Si nos vemos obligados a vernos como lo que realmente somos y con el poder real que poseemos, tenemos aún menos excusas para nuestras consecuencias. Lo reitero: debemos vernos a nosotros mismos como pastores, no como ovejas. Hemos olvidado mucho de nuestro pasado, la necesidad de lucha, el peso de la responsabilidad y la previsión, la necesidad de salud y fortaleza mental y física. Ya no sobrevivimos ni prosperamos, simplemente nos escondemos en esta ilusión de superioridad”. En términos musicales, eso se

Vuestro primer trabajo es una

puede apreciar con las tres tor45


“NO ME SIENTO EN ABSOLUTO SATISFECHO O CÓMODO CON LA HUMANIDAD ELIGIENDO MOVERSE A CIEGAS HACIA SU PROPIA RUINA” FOLÚS

mentosas primeras canciones que se dirigen hacia el estado trascendental de ‘49 Suns’, que es algo así como una puerta hacia nuestra consciencia espiri-

como debería ser. Las mesetas son un terreno familiar hasta que te enfrentas al borde, y con nuestros movimientos, esperamos mostrarte cuán lejos puedes caer”.

tual, y luego, con el corte final ‘In Silent Vengeance’, donde

Es tremendo que hayas llegado

vuestra luz negra es muy inten-

ya a este tipo de reflexiones

sa y emocional. ¿Lo ves así?

en un disco debut… ¿Te sientes

“Si te estoy entendiendo correctamente, estoy de acuerdo en que la ubicación de las canciones ha sido para crear un viaje para el oyente. ‘49 Suns’ sería el pináculo de la cara A, así como ‘In Silent Vengeance’ nos serviría de forma similar en la B, pero también para presentar la suma final de la transmisión. Las dinámicas y las capas son muy importantes para nosotros cuando tratamos de utilizarlas para hacer que cada movimiento o nueva visión sea tan grave

cómodo o satisfecho con la idea

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de que la humanidad se está autodestruyendo, o no?

“No me siento en absoluto satisfecho o cómodo con la humanidad eligiendo moverse a ciegas hacia su propia ruina. Somos más que capaces de hacer un cambio, pero no tengo mucha esperanza. Cualquier solución a muchos de nuestros problemas requiere cosas que la mayoría de los humanos creen que son insuperables, como admitir nuestra culpa,

hacer sacrificios frente a nuestra comodidad, hacer lo correcto sin gratificación instantánea o dinero. Estos temas son deslumbrantes donde vivimos. Vemos el influjo de personas y la destrucción de lugares naturales para párkings, centros comerciales y lugares de comercio. Esta fricción es constante y dura en comparación con las ciudades que ya están bien establecidas. No podríamos cerrar los ojos ni aunque quisiéramos, y cuando nos enfrentamos contra la corriente, todo lo que nos queda por hacer es gritar”. Ajá… Yendo más hacia la música en sí, Portal fueron los primeros, pero actualmente hay muchas bandas underground que explotan este tipo de black death muy retorcido, extremo


y disonante. ¿Estás interesado en grupos como Altarage, Chthe’ilist, Mitochondrion, Abyssal, Teitanblood, Temple Nightside o Antediluvian? ¿Sentís que sois parte de algo o más bien vais por libre?

“Abyssal y Teitanblood fueron sin duda enormes influencias, así como Portal, por supuesto. Creo que en estas bandas en particular, a diferencia de otras de black death, el tema común es la intensidad y capas que tienen. Los riffs no son el punto focal, por suerte, y sus valores son tangibles, pero lo más importante es que ellos parecen empujar realmente hacia algo así como un nivel espiritual o trascendental. Ése es el factor que los separa, en mi opinión, de otras formaciones que parecen caer más en el ‘arte por el arte’, o incluso peor, a la inclinación hacia la habilidad técnica por pura vacuidad y cobardía. Se necesitan agallas para presionar, para querer más, y lo más importante, romper reglas”. Cuando publicamos mi crítica del disco, os leí un post donde decíais que vuestro álbum se había entendido mucho mejor

un tiempo extra para comprender. Entendemos que muchos de nuestros esfuerzos y éticas son pasadas por alto o resultan demasiado subversivas para algunos… Es gracioso que menciones Alemania, ya que esta banda siente un total abandono en cuanto apoyo en ese país. De cualquier manera, de verdad que apreciamos a aquéllos que han tratado de encontrarnos en el medio”. Formáis parte de Profound Lore, probablemente mi sello favorito junto a Norma Evangelium Diaboli, Ván Records, Hells Headbangers y Iron Bonehead. ¿Cómo se dio el fichaje y cómo es trabajar con ellos? Todo lo que editan es fantástico…

“Ha sido muy refrescante trabajar con Profound Lore. Realmente creen en lo que publican, que es todo lo que puedo pedir en un mundo de mercantilización oportunista. A decir verdad, fueron nuestra primera opción debido a su roster ecléctico. La mayoría de las discográficas que apuestan por bandas extremas parecen seguir un montón de reglas y se preocupan mucho por la credibilidad de la escena, lo cual es asqueroso”.

Vienes de Dead In The Dirt, una muy recomendable banda de grindcore, y algo de eso también hay en estas canciones, ¿no?

“No estoy seguro de si se podría dibujar una línea escuchando las dos bandas cara a cara. Como compositor principal de ambos grupos, a menudo me preocupa que haya demasiada hemorragia, transfusión. Sin embargo, tras este último lanzamiento, noté que muchos compañeros se alejaban de él. Creo que la gente esperaba algo diferente de mí, pero opino que cualquier persona que realmente entienda mis metas podrá ver que mi único deseo es tratar de abrir los ojos y hacerte sentir algo tangible”. ¿Y volverán algún día Dead In The Dirt?

“Espero dar vida a Dead In The Dirt en los próximos años. Al igual que Within A World Forgotten, The Blind Hole me dejó herido en más de un sentido. Necesitaba tiempo para reagruparme y ver si era necesario crear más en ese ámbito. El impulso está ahí, pero llevará algún tiempo el materializarse”.

en España y Portugal. ¿Los otros medios del mundo no

¿Puedes contarnos algo del se-

Bueno, ¿y tenéis Infernal Coil

son capaces de discernir lo que

gundo disco o todavía es dema-

planes de girar por Europa o ve-

estáis practicando? A veces,

siado temprano?

nir a mi país?

leyendo algunas revistas impor-

“Es un poco pronto para tener algo concreto. Este álbum tuvo un tremendo impacto en nosotros, incluso en nuestras vidas personales. Nos hace felices verlo circular y dar un paso atrás en cuanto a composición por algún tiempo. Diré que estoy bastante nervioso por la próxima misión y por si podré salir con vida de ello”.

“He estado intentando volver desde la última gira de Dead In The Dirt. Espero que podamos hacer que esto suceda en algún momento de 2019”.

tantes, muchas veces de Alemania, parece que están un poco cerradas hacia las expresiones vanguardistas o que se salen de la normalidad…

“Realmente no tengo ni idea de por qué los fans y críticos españoles, portugueses y polacos parecen tomarse

47


DISCO DEL MES

S Daily Ritual (HFMN SPIRAL) PUNK ROCK

8

48

i has tenido la suerte de ver a Blowfuse en directo, sabrás que sus conciertos son un auténtico desfase. Pero resulta que, bajo esa apariencia de monos salvajes, hay cuatro tipos que realmente se toman la música muy en serio. Puede que su cuarto trabajo dure apenas media hora, pero como nos contaron en una entrevista que podréis leer en el próximo número, detrás hay un montón de meses de trabajo. Por no hablar de un importante esfuerzo económico para poder trabajar con el productor canadiense Arnold Lanni (Simple Plan, Our Lady Peace) y el mezclador Nick Didia (Stone Temple Pilots, Billy Talent). La buena noticia es que todo ese sacrificio ha valido la pena.

BLOWFUSE

Daily Ritual es un disco que enamorará a cualquiera que haya crecido escuchando punk californiano de los 90 y tenga a bandas como Pennywise o The Offspring en un lugar especial. Temas como ‘Dreams’, ‘Angry John’, ‘Change Your Mind’ o ‘So Long My Friends’ son pura zapatilla con melodías super pegadizas, pero con suficientes recursos y giros para que no sean una simple copia. Suenan familiares, pero frescas al mismo tiempo. Sin embargo, lo mejor es que Daily Ritual es más que simplemente un disco de revival punk. Los barceloneses siempre han tenido también otras influencias guardadas en la manga y aquí las han sacado con aún más atrevimiento. En ‘Bad Thoughts’, ‘Outta

My Head’ o ‘Hit The Ground’ encontrarás aromas de los primeros Red Hot Chili Peppers o Jane’s Addiction. No sólo aportan variedad, sino que además permiten que brillen como instrumentistas. El trabajo de Víctor al bajo, Ricard a la batería y un Sergi que se descuelga con grandes solos de guitarra, los eleva a un nivel superior. También sorprende ‘Sunny Daze’ con su rollo a lo Sublime y un Óscar que se sale de su registro vocal habitual. Gracias a todos ellos, Daily Ritual consigue ser un disco de lo más dinámico y sorprendente. A poco que tengan un poco de suerte, estoy seguro de que les reportará un montón de alegrías. Lo merecen. JORDI MEYA


LE BUTCHERETTES

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Teri

Gender Bender (voz, guitarra, teclados), Riko Rodríguez-Lopez (guitarra), Manfred Rodríguez-López (bajo) Alejandra Robles Luna (batería) PRODUCIDO POR: Jerry Harrison AFINES A: Yeah Yeah Yeahs, At The Drive-In, PJ Harvey PÁGINA WEB: www.lebutcherettesofficial.com


E bi/MENTAL (RISE) ROCK

8

star atrapado en el interior de la mente de Teresa Suarez Cosio, conocida artísticamente como Teri Gender Bender, no tiene que ser fácil. Da la sensación que el arte corre por las neuronas, y la sangre, de la lideresa de The Butcherettes como un río desbocado y suyo debe ser el trabajo para controlarlo. Supongo que por eso se entendió tan bien con Omar RodríguezLópez de At The Drive-In, quien además de producirles sus tres primeros discos, fue bajista del grupo durante un par de años, entre 2011 y 2013. Pero con bi/MENTAL, la banda mexicana afincada en El Paso parece abrir una nueva etapa con Jerry Harri-

son de Talking Heads en la silla de productor y un sonido más ambicioso. Si bien la tensión de su garaje punk sigue estando ahí, la creatividad de Teri parece haber encontrado nuevos cauces. Las canciones de su cuarto trabajo denotan un rango más amplio de emociones y recursos más líricos. Las texturas electrónicas de ‘strongENOUGH’ , ‘StruggleSTRUGGLE’ unidas a una mayor presencia de melodías pop en temas como ‘fatherELOHIM’ o ‘littleMOUSE’ dan como resultado un álbum menos áspero, pero igualmente desconcertante y excitante. Sus versátiles interpretaciones vocales conjuran locura, tristeza, traumas y euforia, incluso dentro de

un mismo tema. Las raíces latinas afloran en la exótica ‘laSANDIA’, en la que cuenta con la colaboración de la chilena Mon Laferte. No es la única invitada. En la inicial ‘spiderWAVES’ encontramos un spoken word de Jello Biafra y en ‘motherHOLDS’ es Alice Bag, la pionera feminista punk vocalista de Bags en los 70, quien le aporta un poso de autenticidad. Puede parecer atrevido, pero por aquí huelo algún hit; a poco que el disco caiga en gracia entre los creadores de tendencias, no me sorprendería que Le Butcherettes tenga una repercusión mucho más grande de la tenida hasta ahora. Lo valen. MARC LÓPEZ

BONUS TRACK CON... TERI GENDER BENDER bi/MENTAL parece un disco más sofisticado.

“Muchas gracias. La verdad es que quizá vino porque una vez tuvimos grabado todo el esqueleto del disco y se lo enseñamos a Jerry (Harrison), me empoderé de las sesiones para agregarle ecos de lo que es estar en el ojo de una tormenta dentro una crisis emocional. Creo que fue un buen equilibrio entre mis tonterías y el profesionalismo de Jerry”. ¿Cómo surgió el contacto con Jerry Harrison?

“Honestamente, creo que lo fui llamando mentalmente desde que me hice fan de Talking Heads y Modern Lovers porque son bandas que me influyeron mucho. Porque yo de niña escuchaba a las Spice Girls (risas). Y luego me encantó su trabajo como productor. Una de mis canciones favoritas de No Doubt,

‘New’, la hizo él. Son como factores de la vida que te van diciendo que él era el indicado. El mundo de la música es muy pequeño y unos amigos míos le conocen. Le comentaron si le interesaría producir a Le Butcherettes y lo que me voló los sesos es que ubicaba a la banda. Me hizo sentir que todo el trabajo de diez años había valido la pena”.

presaba ese enojo, ese odio, esa angustia. Fue una salvación porque si no creo que hubiera terminado o haciéndome daño o viviendo como una zombi”..

Aunque creciste escuchando pop, vuestros discos y vuestro directo tienen mucho de punk.

“Honestamente no lo creo. Con el primer EP pensaba que nos iba a llevar a todos los países, pero ya con cada disco me he ido rindiendo. Yo tiendo a hacerme la víctima, pero con este disco estoy tan feliz de haberlo terminado que el resto me da igual. Sólo quiero que mi madre lo escuche porque ahora ya no me puede ni hablar porque una enfermedad mental se apoderó de ella. Espero que si lo llega escuchar, note que está dedicado a ella con mucho amor”.

“Sí, yo descubrí el punk en la misma época que a Talking Heads. Cuando mi padre estaba vivo escuchaba música clásica y rock de los 60 y los 70, pero cuando falleció salió la niña rebelde que ya no quería estar en casa. En Guadalajara había muchos eventos punk. Veía gente con camiseta de los Ramones y yo no sabía ni quiénes eran. Descubrí que había una música que ex-

Vuestro nombre es cada vez más conocido, pero seguís siendo una banda underground. ¿Crees que con este disco subireis un peldaño?

(JORDI MEYA)

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BRING ME THE HORIZON amo

(RCA/SONY) ROCK, POP ELECTRÓNICO

8

S

i alguna habilidad han demostrado Bring Me The Horizon es la de seguir su camino sin importarles el qué dirán. Es más, incluso diría que han sabido cómo utilizarlo a su favor, porque amo viene a confirmar que los de Sheffield son ahora mejores como banda de pop de lo que serían como banda de metal. Si eres de los que su anterior That’s The Spirit ya se le atragantó, no hace falta ni que te molestes, pero si por el contrario su incursión en el pop y la electrónica te dejó satisfecho, auguro que vas a disfrutarlo un montón. Pese a que el primer tema ‘I Apologise If You Feel Something’, que actúa casi

más como intro, y otros como ‘Nihilist Blues’, ‘Medicine’ o ‘Mother Tongue’ -rozando a Justin Bieber-, o interludios, totalmente electrónicos, como ‘Ouch’ o ‘Fresh Bruises’ dan una idea de que Oli Sykes y compañía han ido todavía más lejos en su transformación, hay otros donde nos recuerdan que todavía son capaces de sacarle provecho a las guitarras. ‘Mantra’, ‘Wonderful Life’, la potente ‘Sugar Honey Ice & Tea’ o la irónica ‘Heavy Metal’ enlazan perfectamente con lo ofrecido en That’s The Spirit. Aunque quizá dos de los mejores cortes son ‘Why You Gotta Kick Me When I’m Down’ e ‘In The Dark’ donde crean una especie de híbrido entre electrónica, trap y rock que suena totalmente fresco. Que en un mismo álbum puedan convivir Dani Filth de Cradle Of Filth, Grimes y Rahzel de The Roots exhibe una amplitud de miras que ninguna otra banda de la escena de la que surgieron ha tenido, o, lo que es peor, se haya atrevido a tener. Pero por encima de colaboraciones o trucos de producción, lo mejor de amo es que está lleno de grandes canciones. Y contra eso, no hay prejuicios que valgan. JORDI MEYA

MISERY INDEX

Rituals Of Power (SEASON OF MIST) BRUTAL DEATH GRIND

7

C

on la mayoría de las bandas puedes jugar a verlas venir, esperar a ver con qué te sorprenden con más o menos acierto, pero luego hay otras, las menos, a las que sólo puedes exigirles lo máximo. Misery Index forman parte del segundo grupo, pero contando este Rituals Of Power, hace ya dos álbumes que no nos aportan lo que deberían. Ni en disco ni en directo, vaya, porque los vi este pasado verano en Alemania, y qué quieren que les diga… la cosa anduvo bastante fría hasta que no se despidieron con ‘Traitors’. Reflexionando

acerca del concepto de ‘la verdad’, esa construcción humana que ha moldeado a lo largo de los siglos toda ideología, religión o civilización, Jason Netherton y compañía entregan un sexto plástico crítico e inteligente, eso sí que no lo han perdido, pero al que le falta esa antigua chispa que te hacía saltar de la silla, esa intransferible forma de afrontar el brutal death grind con refinado riffing. A lo largo del disco hay atisbos de su pasado más memorable como ‘New Salem’, que puede resultar toda una carnicería en vivo, o ‘Rituals Of Power’, pero sinceramente, considero que no es hasta ‘I Disavow’, el penúltimo corte ya, cuando Misery Index sacan a relucir verdaderamente los galones. Pensándolo bien, no es ninguna casualidad que este bache creativo coincida con la marcha del guitarra Sparky Voyles en 2010. Indudablemente The Killing Gods sigue siendo su peor álbum, pero pese a contener ciertos momentos notables, inmediatamente después ya viene este trabajo. Lo cual da idea de su nivel. PAU NAVARRA


FEVER 333 Strenght In Numb333rs (ROADRUNNER) RAP ROCK

7

G

racias a un notable EP, Made An America, y, sobre todo, a sus incendiarios conciertos, Fever 333 se convirtieron en una de las revelaciones de 2018. Desde luego, también les ayudó en el empuje que sus tres componentes contaran con el pedigrí de haber estado en formaciones como letlive., The Chariot o Night Verses o que su mensaje político conecte con la indignación que tanta gente siente por el devenir del mundo. Sobre el papel, Fever 333 podrían llenar el hueco que dejaron Rage Against The Machine,

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pero escuchando su debut queda claro que la banda de Los Angeles tiene tanto interés en hacer la revolución como en sonar en la radio. Así, su sonido es una amalgama de rock, hip hop, nu metal, electrónica y pop perfectamente equilibrado entre la agresividad y la comercialidad. Mientras que las bases de ‘Out Of Control/3’ o ‘Coup D’Étalk’ dan la idea de un grupo combativo, sus estribillos, al igual que los de ‘Burn It’, ‘Prey For Me/3’, ‘One Of Us’ o ‘The Innocent’ nos retrotraen a los Linkin Park de Hybryd Theory. Sin duda, con ello consiguen que el disco entre a la primera, pero también que su impacto no sea tan profundo como podría haber sido. En todo esto se nota, y mucho, la mano del productor John Feldman, un tipo que hasta sería capaz de hacer que Cannibal Corpse sonaran dulzones. Pese a todo, Strenght In Numb333rs contiene suficiente munición para que esperemos su actuación en Download Madrid aún con más ganas. DAVID GARCELL

KING DIAMOND

Songs For The Dead Live (METAL BLADE) HEAVY METAL

9

E

n un universo perfecto, choricero y navarril, King Diamond se pasaría por el forro las leyes de la termodinámica, sería relativamente fácil verle en directo y nos seguiría surtiendo de vez en cuando de algún artefacto delicioso que alimentara la fe en que, algún día cercano, volverá a publicar un álbum de estudio. Pues bien, debería pensar ya en fundar una secta, porque escuchando Songs For The Dead Live, parece que mis más locas elucubraciones se cumplen. En efecto, con 40 años sobre las tablas, el danés conserva un estado

de voz inconmensurable, estratosférico, que parece reírse de la lógica, y qué decir de la banda que le acompaña… ¡Algo portentoso! ¡Pero qué bestias Andy LaRocque y Mike Wead! Este lanzamiento en vivo grabado entre el Graspop de 2016 y el Fillmore de Filadelfia en 2015 recoge temas de su carrera en solitario y Mercyful Fate, así que, obviamente, esto es un no parar. Una tras otra te muerden el cuello ‘Eye Of The Witch’, ‘Halloween’, ‘Melissa’, ‘Come To The Sabbath’… Ah, colega, y como en el Rock Fest, luego cae Abigail enterito. Sí, sí, lo repito, por si alguien aún no ha reaccionado… todo el puto Abigail del tirón. ‘Arrival’, una manola a dos manos como ‘A Mansion In Darkness’, ‘The Family Ghost’, ‘The 7th Day Of July 1777’, ‘Omens’, la ultraheavy ‘The Possession’… y con un sonido perfecto, impoluto, al que no das crédito. Quien no ame a King Diamond aún no ha entendido nada. ¿¡No será que es un vampiro de verdad!? El verdadero fan llorará. 80 minutos orgásmicos. PAU NAVARRA


ADRENALIZED

Operation Exodus (LA AGONÍA DE VIVIR) HARDCORE MELÓDICO

8

S

i no fuese porque desde la salida de Tales From The Last Generation, Adrenalized han estado recorriendo todo el globo, hace tiempo que uno les habría empezado a echar de menos. Y aún con todo, los seis años que separan su anterior obra de este nuevo Operation Exodus se antojan excesivos para una banda como ellos. Afortunadamente, la espera por escuchar nuevo material de los de San Sebastián no solo llega a su fin, sino que además está a la altura de lo esperado. Su hardcore melódico ultra técnico ha permanecido inalterable como ya nos demuestran en ‘Operation Exodus: Part

II’. Incluso se nota un cierto toque metalero en ‘Set It On Fire’ y ‘Revenge’, que casa a la perfección con su estilo. Hasta se permiten ciertas licencias como adornarse un poco en la intro y outro de ‘Engravings In Stone’, llegando a los cinco minutos de duración. Para algún pureta del estilo será un sacrilegio. Para ellos, la constatación de que van por libre. Y es que durante el resto del álbum es imposible no rendirse ante las habilidades instrumentales de las que hacen gala en ‘The Story To Believe’, ‘Decide’ y la muy completa ‘My Three Companions’, seguramente la más redonda del lote. Siempre al servicio de la canción y la zapatilla sin cuartel. El broche lo coloca esa ‘Gezurra Ari Du’ con la colaboración estelar de Gorka Urbizu de Berri Txarrak en la que puede ser una de sus últimas apariciones en el estudio antes de poner punto y final al combo navarro. En cualquier caso, Adrenalized ya tienen combustible para seguir recorriendo nuestro maltrecho planeta antes de que nos veamos obligados al exilio como sugieren en el título. GONZALO PUEBLA

HEXVESSEL All Tree

(CENTURY MEDIA) FOLK ROCK

8

E

l polifacético Mat ‘Kvohst’ McNerney (Grave Pleaseures) vuelve a sumirnos en el encanto de la naturaleza a través de Hexvessel, su proyecto más personal. Con All Tree deja atrás ese sonido psicodélico de su antecesor para retomar la atmósfera íntima y orgánica de sus dos primeros discos. Una vuelta a las raíces no sólo de forma sonora, sino también a su origen como tal. McNerney se inspira en su linaje irlandés, las fábulas celtas y los símbolos paganos para reconectarnos con los portales ocultos y los espíritus liberados que habitan en los bosques.

Posiblemente ‘Old Tree’, el primer single escogido, sea el tema que mejor representa la esencia evocadora de este trabajo. Así canciones como ‘Wilderness Spirit’ irradian una luz especial, transportándonos hasta las verdes praderas en su combinación de varios instrumentos tradicionales. Pero a su vez, como no podía ser de otra manera tratándose de Hexvessel, todo se torna místico y sombrío hacia el final. La mezcla exquisita de temas como ‘Birthmark’ inspirada claramente en King Crimson - y ‘Liminal Night’, el cual podría formar parte de su debut Dawnbearer, marca el camino hasta llegar a la fúnebre ‘Closing Circles’, de corte elegante y que bien podría firmar el mismísimo Nick Cave. Con pasajes que rememoran las últimas brasas de la chimenea, la tierra húmeda en las manos, los cánticos de los pájaros o el fino viento colándose por el filo de la ventana; Kvohst y los suyos vuelven a seducirnos a través de un viaje espiritual lleno de magia y armonía. ALBA RODRIGO


E SWALLOW THE SUN

When A Shadow Is Forced Into The Light (CENTURY MEDIA) DOOM METAL

8

n menudo entuerto se metieron Swallow The Sun cuando, en 2015, publicaron el inabarcable a la par que excelente Songs From The North I, II & III. No quiero ni imaginar lo exhausto que debes de quedar tras publicar un triple álbum tan exigente, pero la sensación de ‘¿Y ahora qué?’ que debe de llegar después también tiene que ser mareante. Pues bien, a veces la vida te da uno de esos reveses que, por desgracia, te hacen componer nueve temas en tres semanas. Cuando Aleah Stanbridge, la compañera de viaje de su mente creativa Juha Raivio, falleció con tan sólo 39 años, ese insoportable dolor fue el combustible para que éste se lanzase de bruces hacia su doom melódico, elegante, gótico y afectado tan honesto como abrumador. Nada más empezar con ‘When A Shadow Is Forced

S CATORCE Arcadia

(THE BRAVES/SPINDA/ODIO SONORO/MONASTERIO DE CULTURA) POST HARDCORE, ROCK ALTERNATIVO

8 56

uperado un cambio de batería, Catorce nos entregan Arcadia, una obra donde vemos que los sevillanos han profundizado en la fórmula que ya encontraron en su anterior disco. Es algo que se deja intuir desde el principio. ‘Autómata’ hace las funciones de intro donde encontramos pianos y teclados sobre los que Jaime Ladrón de Guevara nos grita que ha despertado, dando voz a un personaje que se da de bruces ante un futuro, presente en nuestro caso, que en nada se parece a lo que se le había prometido. Es éste el tema sobre el que gira el álbum: un viaje en busca de esa Arcadia idílica

Into The Light’, es tal la carga de sensibilidad con la que te sacuden que te da vértigo afrontar el resto de canciones. Es admirable que un grupo sea capaz de transmitir emociones de una forma tan nítida. El problema es qué tipo de emociones despierta, claro, y más viendo las circunstancias… Su séptimo disco no vale para cualquier día, no puedes escucharlo a cualquier hora. Requiere de una preparación, de un estado mental adecuado.

Lo mejor es estar solo, absorto en tus pensamientos, contemplando una simple pared blanca. Sólo así ‘Firelights’ o la impecable ‘Stone Wings’ lograrán alzarte el espíritu, o al contrario… ahogarte en la depresión. Cada letra, cada palabra, respeta el riguroso luto y se sitúa entre la belleza y la penumbra, así que viendo el valor terapéutico de estas canciones, no se les puede reprochar nada.

donde hallar nuestro sitio en este mundo distópico. En esta aventura encontraremos parte de los Catorce que fueron en el pasado, de lo que son ahora y también de lo que podrían ser en el futuro. ‘Myria’ abre fuego de un modo que nos podría hacer pensar en De La Cuna A La Tumba, su otro proyecto junto a Kantz de Tenpel. Pura intensidad. Pero rápidamente nos reencontramos con esos temas inmediatos que tanto nos encandilaron en Agua. Naufragio. Equilibrio. En ese grupo estaría ‘Tannhäuser’, con una obvia referencia a Blade Runner y un estribillo de los que se te quedan grabados. Más sorprendente y redonda si cabe es ‘La

Montaña’ con unos teclados (a cargo de Luis López Pinto) que vuelven a hacer acto de presencia en ‘Conjura’. ‘Antípodas’ es quizás el tema más sorprendente. Se inicia con la voz y la guitarra para poco a poco a ir creciendo gracias a un ritmo que la convierte casi en un tema bailable cercano al indie para terminar muy arriba. Sin duda, ésta es una de las grandes armas del combo andaluz, el saber caminar por esa línea que separa los sonidos más duros de su propuesta sin tener miedo a acercarse a tratados propios del pop. Si esto es a lo que llaman madurez, desde luego a ellos les sienta de maravilla.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA


NEW ALBUM AVAILABLE FEBRUARY 15

MILLENCOLIN.COM


WEEZER

Teal Album (REPUBLIC) POP ROCK

3

E

stá claro que a Rivers Cuomo va por libre. El líder de Weezer hace en cada momento lo que le pasa por la cabeza, sin importarle ni la opinión de sus fans, ni la credibilidad del grupo, ni siquiera lo que más le puede convenir comercialmente. A un mes de sacar su The Black Album (miedo me da), se ha descolgado sacando un disco sorpresa y encima lo asocia a sus trabajos de título cromático -esta vez le toca al turquesa- algo que debería estar reservado para obras de más calibre. Me imagino que viendo el masivo éxito de su versión

de ‘Africa’ de Toto, Cuomo ha pensado que el mundo estaría ansioso por escuchar un disco entero de covers, pero, una vez más se ha equivocado. Si lo de ‘Africa’ podía tener su gracia por el factor kitsch -aunque Cuomo es alguien totalmente carente del sentido de la ironía-, lo que aquí presentan no tiene ninguna. La selección de temas es de lo más pobre, con hits de lo más obvios como ‘Take On Me’ de A-ha, ‘Sweet Dream’ de Eurythmics o ‘Billie Jean’ de Michael Jackson, que podrían sonar a cualquier hora en M80. Encima, ni siquiera se ha molestado en darles el toque Weezer, sino que son totalmente fieles a las originales. Sólo ‘Happy Together’ de The Turtles y ‘Paranoid’ de Black Sabbath (con el guitarrista Brian Bell haciendo de Ozzy) aportan un poquito de chispa, pero el resto es plano, plano. O en el caso de ‘Stand By Me’, incluso rozando el ridículo. Si hay algo peor que un disco malo, es uno innecesario, y, por muy fan que sea, dudo que este Tile Album acabe en mi colección. JORDI MEYA

DISASTER JACKS Disaster Jacks (AUTOEDITADO) PUNK ROCK

8

D

isaster Jacks son unas auténticas bestias pardas encima del escenario, su verdadero hábitat natural, y supongo que eso explica que les cueste tanto encerrarse en un estudio de grabación para grabar discos. En activo desde el 2005, la banda formada por Dave, Marle y Angie solo tenían una referencia, Acid Drop. Hasta finales del pasado año, cuando publicaron el presente disco, uno de los mejores trabajos de punk rock de la cosecha de 2018. Grabado en EM Estudi (Violets, Malestar Social), el largo homónimo de este

trío de Sabadell captura a la perfección la energía de una banda rebosante de actitud que ha crecido en la carretera, compartiendo cartel con bandas como Zeke, The Baboon Show y The Capaces. Precisamente sobre giras habla uno de mis temas favoritos del disco, ‘Prost!’. En este corte recuerdan su paso por la sala Sonic Ballroom de Colonia en el 2016 y lanzan una simpática puya a los australianos Clowns por acabarse toda la cerveza. La birra es otro pilar en su ideario, fiel también a la sagrada iglesia del skate. Beben juntos para divertirse y sobre todo olvidar, como explican en ‘3AM At The Liquor Store’ -con un estribillo muy NOFX-, y nunca salen a tocar sin sus tablas. Si compartes con ellos válvulas de escape serás bienvenido a su club, gruñen en ‘Old Rats’, otro cañonazo. No puedo finiquitar esta reseña sin mencionar ‘Worker’s Paradise’, una sonora colleja al sistema capitalista, y ‘Everlast’, cuya letra está inspirada en una amiga víctima de la violencia machista. LUIS BENAVIDES


EMAROSA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Bradley

Walden (voz), ER White (guitarra), Matthew Marcellus (guitarra), Robert Joffred (bajo) PRODUCIDO POR: Courtney Ballard AFINES A: The 1975, Against The Current, Duran Duran PÁGINA WEB: www.emarosa.us


S Peach Club (HOPELESS) POP ROCK

7

i hace tiempo que no escuchas un disco de Emarosa, es posible que cuando te pongas Peach Club ni si quiera los reconozcas. Aquella banda de post hardcore que llegó a su mayor popularidad cuando tuvo a Jonny Craig como frontman ha desaparecido por completo y ahora podemos hablar de ellos abiertamente como un grupo de pop rock. Era algo que se empezó a intuir en su disco Versus con la entrada del vocalista Bradley Walden y se acentuó en su anterior 131, pero aquí la transformación ya es completa. Tampoco debería chocarnos tanto. Otros grupos de la que podríamos llamar escena Warped como Fall Out Boy,

Panic! At The Disco o Paramore han seguido una evolución similar, y han obtenido un gran éxito, así que por qué no iban a intentarlo ellos. En cierta manera, el camino que han tomado Emarosa es más parecido al de la banda de Hayley Williams, incorporando un montón de influencias de los 80, con abundancia de sintetizadores, guitarras danzarinas y estribillos pegadizos. La fiesta se abre con ‘Givin’ Up’, un tema que es puro Duran Duran, con unos vientos de refuerzo en sus compases finales. La producción impoluta de Courtney Ballard (Waterparks, I The Mighty) utiliza todo tipo de recursos de la era dorada del pop mainstream, pero haciéndolos sonar totalmente

parejos a The 1975 o Bruno Mars. De hecho, Emarosa canalizan varios artistas que también han influenciado a este último. Por ejemplo, ‘So Bad’ tiene algo de Prince y ‘Hell Of It’ recuerda a cuando Michal Jackson se acercaba al rock. ‘Comfortable’ incluso recuerda algunos de los temas atmosféricos de Seal. Pese al tono ligero del álbum, las letras tienden a la melancolía llegando a su máximo exponente en ‘xo’, un tema desnudo, donde con el único acompañamiento de la guitarra de ER White -el único miembro original- sirve para que Walden exhiba su voz en todo su esplendor. No muchos cantantes de su círculo se atreverían con una pieza así. MARC LÓPEZ

BONUS TRACK CON... BRADLEY WALDEN ¿Crees que el nuevo disco va a descolocar a mucha gente?

“Cuando haces un cambio así, no va a gustar a todo el mundo. Pero hemos hecho lo que queríamos y ésa era la prioridad. Creo que la gente que no ha escuchado nuestros dos discos anteriores puede sorprenderse mucho, pero creo que en los últimos cuatro, cinco años ya hemos ido en esta dirección. Este disco es la evolución natural de eso. Quizá descoloque a la gente que escuchaba Emarosa hace 15 años, pero para nosotros es más importante hacia dónde vamos que de donde venimos. Me alegro de haber tomado el riesgo”.

distintos. En Versus aún teníamos un pie en el pasado, pero en 131 ya nos dejamos ir. Aunque quizá seguíamos fieles a la idea que tenían los fans de Emarosa. En éste hemos querido redefinirnos”. ¿Cuál ha sido el factor decisivo a la hora de dar este paso?

“Creo que el tener confianza en nosotros mismos. Cuando yo empecé, no sabía muy bien quién era como artista. Y luego hubo cambios y eso trajo un nuevo aire. A nivel interno se movieron piezas y fuimos aprendiendo cuál era nuestra identidad. Ahora ya sé quien soy, quiénes somos y eso es lo que refleja este disco”.

Efectivamente en Versus y 131 se intuía el cambio, pero ahora lo habéis llevado al límite.

De hecho, tiene sentido que sonéis distintos porque los miembros del grupo sois distintos.

“Sí. Somos muchos más diversos porque ahora somos capaces de hacer sonidos

“Sí, es como si fuera una nueva banda. Alguna gente dijo que quizá debería-

mos cambiarnos de nombre, pero yo lo veo una tontería. Yo no me cambié el nombre cuando cambié mi estilo de vestir o cuando pasé la adolescencia. La gente cambia y crece y a las bandas les pasa lo mismo”. ¿Y ha cambiado vuestra manera de componer?

“Hemos experimentado más. Antes solíamos juntarnos todos para componer en el local de ensayo. Y lo hemos seguido haciendo, pero también tuve la oportunidad de trabajar con distintos productores por mi cuenta y luego presentar esas ideas y trabajarlas con la banda para darle el toque Emarosa. Fue divertido hacerlo y creo que conseguimos algunas grandes canciones. Además, eso le dio a cada canción su personalidad. Es un disco muy dinámico”. MARC LÓPEZ

61


C PAPA ROACH

Who Do You Trust? (ELEVEN SEVEN MUSIC) ROCK ALTERNATIVO

7

on la publicación en 2017 de su anterior disco Crooked Teeth, Papa Roach consiguieron superar el bache en el que llevaban inmersos unos cuantos años. Los singles que lanzaron volvieron a entrar en las listas y los locales en los que actuaban volvieron a llenarse. Por eso a nadie debería extrañarle que la banda californiana haya querido aprovechar la buena racha reapareciendo lo antes posible con un nuevo trabajo. Siguiendo esa máxima de no cambiar lo que ya funciona, el grupo ha vuelto a contar con el mismo equipo de jóvenes productores y a no cortarse un pelo al impregnar de comercialidad su música. En Who Do You Trust? volvemos a encontrarnos un poquito de todo. Tenemos ramalazos de rap metal en ‘Renegade Music’ (incluso Jacoby Shaddix suelta un “motherfucker, ugh” que

H PEDRO THE LION Phoenix (POLYVINYL) INDIE ROCK

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an tenido que pasar 15 años desde aquel Achilles Heal para que David Bazan haya decidido recuperar su alter ego. Durante todo este tiempo sus seguidores hemos disfrutado su carrera en solitario, más cercana al folk, pero, secrétamente, esperábamos que llegara este momento. Sabíamos que si se por fin se decidía y sacaba algo nuevo como Pedro the Lion sería realmente especial. Y así ha sido. Este quinto trabajo de Bazan es su tercer disco conceptual, después de Winners Never Quit (2000) y mi favorito Control (2002). Y como bien advertía el primer adelanto,

es un claro guiño a Rage Against The Machine) y ‘Who Do You Trust?’, de modern rock pegadizo en ‘The Ending’ o ‘Feel Like Home’, mezcla de pop y metal en ‘Not The Only One’, de pop y hip hop en ‘Elevate’, de pop rock en ‘Come Around’ y ecos de los 90 en ‘Maniac’. Incluso sorprenden con un tema punk rockero en ‘I Suffer Well’. Tanta variedad puede ser considerada como una virtud, si se quiere valorar su versatilidad, o como

un defecto, si se quiere interpretar como una visión oportunista para llegar a diferentes públicos. No es redondo por culpa de algunos temas de relleno como ‘Problems’ o ‘Top Of The World’, pero hay que reconocer que les ha quedado un disco resultón y con bastante gancho, no tan lejos de lo que, por ejemplo, han hecho Fever 333. Casi 20 años después de aquel ‘Last Resort’, es más de lo que podíamos esperar.

‘Yellow Bike’, estamos frente a un disco de indie rock rebosante de nostalgia bien entendida. La historia va así: a los 12 años dejó con su familia la ciudad de Phoenix y, a pesar de su corta edad, muchos recuerdos. Aquella fue la primera de muchas mudanzas como consecuencia del trabajo de su padre, pastor de Asambleas de Dios, como apunta ‘Model Homes’. Mención especial merecen el sentimiento de culpa que rebosa ‘Quietest Friend’ (¿el estribillo del año?) y la progresión alucinante de ‘Black Canyon’, dedicada a su tío, quien se suicidó tirándose a la carretera cuando pasaba un camión.

Con semejante vida no es de extrañar que Bazan tenga inspiración para rato. En lo musical, el power trio, que completan en esta ocasión el guitarra Erik Walters y el batería Sean Lean, firman una docena de cortes, a cual más especial y sobrecogedor, con la inconfundible voz de Bazan pellizcándonos el alma como de costumbre. Grabado en varios estudios de Seattle bajo las órdenes del productor Andy Park, Phoenix está a la altura de las expectativas y por momentos alcanza unas cotas de inspiración al alcance de unos pocos elegidos. Él, Bazan, es uno.

DAVID GARCELL

LUIS BENAVIDES


IMPERIAL JADE On The Rise

(LENGUA ARMADA) ROCK

8

R

esulta llamativo como entre la gran cantidad de imitadores de Led Zeppelin que existen (no estoy señalando a nadie, ¿verdad, Greta Van Fleet?), pocos son los que verdaderamente han sabido captar su espíritu aventurero. Me refiero a que la mayoría se centran en el apartado más obvio a primera vista de su sonido, apostando por el hard blues y obviando que también eran capaces de navegar por otros estilos como el folk, la psicodelia, pasajes más oscuros y épicos o incluso hasta el reggae. Con Please Welcome, los barceloneses Imperial Jade

se presentaron como unos alumnos aventajados del mítico combo británico, pero también dejaban intuir que habían asimilado algo más que fusilar su libro de estilo al pie de la letra. Esto es lo que se viene a confirmar en On The Rise, dejando claro que de copia tienen bien poco. Por supuesto, la sombra de Page, Plant y compañía sigue ahí (‘Dance’ tiene un groove similar al de ‘The Wanton Song’), pero también muchos matices que les hacen destacar por encima de la media. Sea con el flow funky del que hacen gala en la inicial ‘You Ain’t See Nothing Yet’, el toque southern de ‘Sad For No Reason’, el espacio para la experimentación en ‘The Call’ o las melodías de aire hippie en ‘Heatwave’. Pero también son conscientes de que no es necesario recurrir a las guitarras continuamente para sorprender. Así pues, en ‘Keep Me Singing’ se dejan llevar por su inspiración para dar con un tema delicioso, al igual que el blues humeante de ‘Lullaby In Blue’. Y es que tampoco hacer falta buscar fuera para encontrar lo que ya tenemos aquí. GONZALO PUEBLA

MARASME Malsons

(VARIOS SELLOS) POST METAL, SLUDGE, BLACK METAL

7

L

a música de Marasme sólo se entiende desde las entrañas, desde los instintos bajos, por muy artística que sea la coartada que les mueve. Es algo que surge de dentro, y duele, vaya si duele… expulsar todo lo que tienen dentro debe de ser una experiencia traumática a la altura de este Malsons. Pesadillas desde Mallorca, donde se nubla el sol, los guiris huyen atemorizados y la sincera propuesta de los baleares se adueña de aquello que nos inquieta y no nos atrevemos a

contar. Tremendo aquelarre, el de Jeroni Sancho al micro. Vacío mental y físico para materializar esta claustrofobia, a ratos delicada, en muchos otros nociva. Tampoco nos vayamos al equívoco, porque las guitarras de Tomeu Canyelles y Jordi Carrasco son las que mueven los hilos. Dictan la pausa, dejan entrever cierto halo de luz para luego aniquilarlo y que el black te asfixie. Entre bello y cruel, su trémolo marca las distancias en este tercer álbum. Year Of No Light, Envy, Neurosis, Der Weg Einer Freiheit, Shining. Muchas las influencias para algo tan personal. El tosco sludge de ‘Engranatges’ los podría emparentar con Assot incluso, pero todo sirve a un único fin, a una ‘Ruïnes’ que, con sus 12 minutos y medio, se erige como el culmen a tanta aflicción. Una trampa a la que te entregas gustoso, pues sabes perfectamente que esa amabilidad aparente se va a cobrar un alto precio. Esto va de lo más profundo de tu psique, de tu azotea, de esa parte que controlas y esa otra que, sintiéndolo mucho, ya pertenece a Marasme. PAU NAVARRA


FIDLAR

Almost Free (MOM + POP) ROCK

7

R

ecomendaciones para disfrutar de este disco al máximo: ábrete una cerveza, líate un.. lo que quieras, y pon el volumen a tope. Porque puede que después de algunos sustos serios con su desmadrado estilo de vida y los jugueteos de su vocalista Zac Carper con la heroína, Fidlar ya no quieran ser los reyes de la fiesta en la escena punk de Los Angeles, pero desde luego su música sigue siendo ideal para divertirse a tope. El título de su tercer álbum da una idea de la libertad que se han dado para crear esta coctelera musical. El pistoletazo de salida lo da ‘Get Off My Rock’ que

82 64

suena como una jam entre Beastie Boys y Beck con sonidos de perros ladrando y gallos cacareando por ahí en medio. La buena onda sigue con ‘Can’t You See’ y la pachanguita de ‘Be Myself’, pegadiza a más no poder. El rollito blues glam de ‘Flake’ podría estar bien, pero suena demasiado a los Black Keys de la última época. En ‘Alcohol’ recuperan el estilo más crudo de sus inicios, pero a continuación nos descolocan con un blues funky instrumental, ‘Almost Free’, y la stoniana (o Primal Scream en versión Stones) ‘Scam Likely’, con sección de vientos y todo. La romanticona ‘Called You Twice’, cantada a dúo con la cantautora K. Flay, les pone el toque pop mientras que en ‘Too Real’ sacan su lado más abrasivo. Si ‘Kick’ te hace entrar en un mal viaje, ‘Thought.Mouth’ te saca de él combinando calma con un estribillo guitarrero muy chulo. ‘Good Times Are Over’ es una bonita despedida a la altura. Y no es un disco mejor por su inconsistencia, pero entretenido lo es un rato. JORDI MEYA

MALEVOLENT CREATION The 13th Beast (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

8

A

lo largo de su dilatada trayectoria, Malevolent Creation han sufrido un incontable baile de miembros, pero seguramente ningún palo tan duro como la muerte de su cantante Bret Hoffmann el pasado julio. A él va dedicado este álbum y la intensa tralla que contiene. El cofundador Phil Fasciana se ha visto con fuerzas para tirar adelante con la banda, y con Lee Wollenschlaeger como nuevo guitarra y voceras, considero que ha salido bastante airoso del reto. Bret siempre será Bret, es insustituible, así que de poco sirve entrar en

comparaciones. Igualmente, os aseguro que el nuevo fichaje no se dedica al power precisamente. Debutan también en álbum el batería P.M. Cancilla y Josh Gibbs al bajo, pero igualmente, con un lineup de lo más renovado, el histórico combo de Florida le rendirá al antiguo seguidor tantas cabelleras como quiera, porque si de algo va sobrado The 13th Beast es de trallazos. ‘Agony For The Chosen’, ‘The Beast Awakened’, ‘Decimated’ o ‘Bleed Us Free’ no dan respiro, así de claro, y en parte, es gracias a Dan Swanö, quien parece que se haya largado a las fraguas de Vulcano para obtener esta mezcla y master. ‘Knife At Hand’, ‘Trapped Inside’ y ‘Release The Soul’ demuestran que estamos ante una obra que claramente va a más, y es que, si bien Malevolent Creation nunca alcanzarán el estatus de unos Deicide, Obituary o Cannibal Corpse, al menos, obuses por disparar les quedan unos cuantos. Todo lo que cualquier fan del death americano puede esperar está aquí, ni más ni menos. La bestia anda suelta. PAU NAVARRA


STRANGE PLANES South Of OK (BAD HORROR) ROCK ALTERNATIVO

7

D

espués de publicar un primer EP y presentarlo en todos los garitos de Londres y alrededores, los británicos Strange Planes cruzaron el Atlántico para grabar su primer largo, el presente South Of OK. Se fueron a Chicago y se dieron el gustazo de parir un disco en los míticos Electrical Audio, cuatro paredes que respiran mucha historia. A saber: de la discografía de Big Black al Strange Peace de Metz, pasando por los primeros trabajos de Pixies, The Jesus Lizard y el In Utero de Nirvana. Eso sí, el trío no grabó con el maestro Steve

Albini (Shellac, Big Black). En los créditos encontramos a su pupilo, Greg Norman, quien empezó colocando micrófonos y pasando cables hace ya más de 15 años y ahora es un alumno aventajado de Albini, su mano derecha. Norman saca lo mejor de Strange Planes en este South Of OK, con un sonido aguerrido y el punto justo de crudeza. La banda combina durante 12 cortes las melodías punk pop de los últimos Green Day -la voz de su cantante recuerda en ocasiones a Billie Joe Armstrong- en piezas como ‘Harness’ y ‘East Berlin Comfort Zone’ y el músculo instrumental de los extintos y añorados Reuben, un power trio con una sombra muy alargada en las islas británicas, en cortes imaginativos pero contundentes como ‘The Holy Book’, ‘Authors’ y ‘Rest My Bones’. Tocan varios palos y muy bien. En general, las ideas son buenas, si bien sobran un par o tres de cortes. Meter temas de relleno, aunque sea en la parte final del disco, nunca es una buena idea. Prometen mucho. LUIS BENAVIDES

ONKI XIN

Biziko Bagara Erregeen Burruak Zapaltzeko Izangoda (AUTOEDITADO) ELECTRÓNICA

7

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no de los registros vocales más reconocibles y personales de la escena estatal underground es, sin duda, el de Fer Sapo. Al menos para mí, que he seguido con interés su trayectoria musical desde El Corazón Del Sapo hasta Estricalla, pasando por Kuraia, Matxura y la colaboración puntual con KOP en el disco Nostrat, cuando Juanra no podía ocuparse del micrófono por estar encarcelado. Aún así, su nuevo proyecto sorprende y mucho: con Onki Xin los sonidos electrónicos son los que mandan y no las guitarras ni la sección

rítmica. Aunque Fer ya había experimentado con ellos en Matxura, aquello era más industrial tipo Nine Inch Nails o Fear Factory; aquí todo lo que se escucha es más tranquilo, sutil, elegante, sofisticado y actual. Onki Xin es el pequeño satélite que han puesto en órbita Fer y Zigor desde Euskal Herria, y no son pocas las colaboraciones con las que han contado para su álbum de lanzamiento. La mayoría de canciones están cantadas en euskera, pero también se pueden escuchar pequeños apuntes en inglés, castellano e incluso catalán (muy oportuna ‘FCK 36+78#155’). Seguro que la pornoterrorista y activista queer de la portada del disco ha bailado hasta la extenuación con temas redondos para dejarse llevar como ‘Elektra’, ‘Haize-Arrosa’ o ‘Hegalak Salgai’. Si la famosa anarquista y feminista Emma Goldman dijo aquello de “si no puedo bailar, tu revolución no me interesa”, ya puede descansar tranquila en su tumba, pues Onki Xin han llegado. JORDIAN FO


BLOOD YOUTH

UNIDAD DE ASALTO NO HACE NI DOS AÑOS QUE BLOOD YOUTH NOS SACUDIERON CON BEYOND REPAIR , UN POTENTE DEBUT QUE LES LLEVÓ A GIRAR CON STONE SOUR Y PROPHETS OF RAGE. AHORA LOS INGLESES REGRESAN CON EL SINIESTRO STARVE Y AÚN MÁS GANAS DE COMERSE EL MUNDO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR


Y

A SABEMOS QUE LOS BRITÁNICOS

son muy proclives a la exageración. Sobre todo, cuando se trata de ensalzar a sus bandas patrias. Por eso la lluvia de elogios que les cayó a Blood Youth con su primer álbum me la tomé con bastante cautela. Y la verdad es que el disco en cuestión, Beyond Repair, los situaba por encima de la media en cuanto a metalcore se refiere, pero cuando sobre todo me convencieron fue al verles en directo en la gira que los trajo como teloneros de Neck Deep. Fue ahí cuando todo el potencial de Kaya Tarsus (voz), Chris Pritchard (guitarra), Matt Hollinson (bajo) y Sam Hallett (batería) salía a la superficie con una energía increíble. Y afortunadamente, el grupo ha conseguido embotellarla en su segundo largo Starve, que publicará Rude Records el 22 de febrero. Mucho más bruto y oscuro, pero paradójicamente más pegadizo, su nuevo trabajo volverá a convertir su vida en una montaña rusa todavía más vertiginosa que la que han llevado hasta ahora. Con sus conciertos el 29 de marzo en la sala Vol de Barcelona y el 30 en la Wurlitzer Ballroom de Madrid ya en el horizonte, era un buen momento para charlar con su vocalista.

banda. Ahora hemos crecido como personas y músicos y queríamos hacer un disco que destacara. No queríamos hacer una copia de Beyond Repair. Me gusta cuando un grupo evoluciona de un álbum a otro”. ¿Teníais un objetivo marcado de lo que queríais hacer?

“El principal era hacer un disco que fuera recordado durante mucho tiempo. Sé que suena arrogante, pero era a lo que aspirábamos. Queríamos que la gente sintiera con nuestra música lo que yo sentí cuando escuché el debut de Slipknot por primera vez. ¡Me aterrorizó! Y pensamos muchas ideas para conseguir eso. Todos los sonidos que se escuchan en el disco los creamos nosotros”. Como te decía al principio, me gusta que hayáis tirado por el lado más agresivo. En el primer trabajo algunas partes melódicas me sonaban un poco forzadas.

“Entiendo lo que quieres decir. En los temas de Beyond Repair teníamos muy claro lo que eran los estribillos y cuáles las partes cañeras. En éste está mejor integrado”.

¿Lo ves igual? KAYA TARSUS “Sí, estoy de acuerdo.

Beyond Repair seguía la misma fórmula que nuestros dos EPs anteriores. Todavía estábamos averiguando quiénes éramos como compositores y como

“Sí, tienes que estar preparado para todo. Mañana mismo podríamos estar volviendo a tocar para nadie. Es muy loco. No hace tanto que teníamos pósters de Corey Taylor en nuestras habitaciones y ahora hemos estado de gira con él. Una locura. Tienes que aprender a procesar todas estas cosas. El año pasado volví de una gira en la que habíamos tocado para miles de personas y estaba en casa como deprimido. La vuelta al mundo real es complicada. Tus amigos son abogados, doctores, tiene su casa, y tú te sientes extraño diciendo que eres músico. Pero nunca me quejaré, es lo que he escogido ser”. ¿Qué influencia tuvo la entrada

fluencia en Starve, ¿tu vida den-

“Sí, Matt estuvo en el estudio con nosotros. Sólo llevamos siendo una banda desde hace tres años, pero por primera vez ahora nos sentimos como un ente sólido. Y eso se debe a Matt. Nos ha convertido en una máquina, en una unidad, y no sólo unos individuos que tocan juntos”.

“Creo que es una mezcla de las dos. Siempre escribo sobre mi vida fuera de la banda, pero mi vida dentro de ella es la que hace que mejoremos como músicos. Pero necesito tener una vida fuera del grupo para tener cosas sobre las que escribir”.

logrando un disco más compacto.

llevar.

grabar el disco?

dríais haber tirado hacia distintas

vuestra vertiente más cañera,

lidad tiene que ser muy difícil de

de Matt en el grupo? ¿Llegó a

tro del grupo o fuera de ella?

habéis acertado optando por

Siempre pienso que esa inestabi-

Qué dirías que ha tenido más in-

Escuchando vuestro debut, podirecciones, y creo que en Starve

“Sí, totalmente cierto. Al final todo lo que hacemos gira en torno a las canciones que hemos escrito. Es algo con lo que estamos lidiando todos juntos. Un día tocas en un pub para tres personas y otro con Prophets Of Rage ante 7.000. Es una locura. Nunca logras acostumbrarte”.

¿Qué más crees que ha sido claPero en los dos últimos años

ve para llegar a este resultado?

Blood Youth te habrá absorbido

“El disco lo ha producido nuestro buen amigo Robin Adams. Es mi compañero

mucho tiempo…

67


“ESTAR EN EL CAMERINO Y QUE ENTRE COREY TAYLOR Y TE PREGUNTE CÓMO ESTÁS ES ALUCINANTE” KAYA TARSUS

de piso (risas). Ha trabajado en el último disco de Architects grabando las voces, así que también está creciendo mucho. Nos conoce y nos entiende, así que grabar con él es genial porque podemos decirnos las cosas sin tapujos. Grabamos el álbum en una granja en el sur de Inglaterra en medio de la nada. Lo hicimos aposta porque queríamos aislarnos de todo. Estábamos nosotros solos, no había ni cobertura. La granja más cerca estaba a tres horas andando. Después de tres semanas allí grabando el disco, fue como si el mundo exterior hubiera desaparecido. Como si estuviéramos en El Resplandor. Bromeábamos sobre qué hubiera pasado si todo el mundo hubiera muerto mientras nosotros grabábamos el disco (risas). Además, lo único que hacíamos era mirar películas de terror, sólo eso. Fue una manera de situarnos al límite. Creo que esa influencia se nota en el álbum”.

más, pero al final, también nos reímos un montón. Nos hemos acostumbrado. Es como tener hermanos, te peleas y a los diez minutos ya ni te acuerdas”.

En marzo os tendremos por aquí.

“Que hablo mucho (risas). Y sé muchos datos raros de muchas cosas, así que siempre voy soltando datos y los demás me dicen que me calle. Soy como una Wikipedia andante (risas). O si vemos una película, me sé los datos de todos los actores”.

“Sí, en Barcelona y Madrid. Siempre es surrealista para mí porque viví un año en Barcelona antes de formar el grupo. Estaba muy triste y necesitaba escapar de mi ciudad. El año que pasé en España fue uno de los mejores de mi vida, así que volver con el grupo es alucinante. Todavía tengo amigos allí y cuando tocamos con Neck Deep quedé con ellos. Fue muy divertido”.

¿Fuisteis al estudio con todos los

Justo ayer se hizo la votación en

temas terminados?

el Parlamento británico sobre el

“Sí, lo llevábamos todo listo. La canción más antigua tiene un año y medio, ‘Spineless’. Escribí las letras a principios de 2018, y por entonces ya estaba toda la música compuesta”.

trato del Brexit. ¿Cómo crees que

¿Qué crees que es lo que más les molesta a los demás de ti?

‘Nothing Left’ tiene un groove muy Rage Against The Machine.

Encerrados tanto tiempo juntos,

¿Fue por influencia de tocar con

¿no os acabasteis peleando?

Prophets Of Rage?

“Una de las cosas buenas de nuestro grupo es que ya éramos amigos de antes. Crecimos en la misma ciudad y nos conocíamos. Una de nuestras reglas de oro es que primero somos amigos y luego está el grupo. Es inevitable que cuando pasas mucho tiempo juntos te acaben molestando cosas de los de-

“Quizá a nivel inconsciente pillamos algo sin darnos cuenta (risas). Pero sin duda Rage Against The Machine es una banda que crecimos escuchando”.

68

“Desde luego fue alucinante. Hasta entonces nunca habíamos tocado en arenas. Fue como un sueño surrealista. Tuve la oportunidad de charlar con Tom Morello. Recuerdo que salí del escenario y que me dijera que le había gustado mucho el concierto y pensé ‘¡Pero qué coño!’. Girar con Stone Sour también fue igualmente surrealista. Estar en el camerino y que entre Corey Taylor y te pregunte cómo estás es alucinante. Pero esperemos que podamos vivir muchas más cosas así”.

¿Girar con ellos ha sido vuestra mayor satisfacción como banda hasta el momento?

os afectará?

“Sinceramente creo que la gente de mi edad no entiende nada de lo que está pasando. Cada día pasa algo diferente. Hoy habrá una moción de censura. Es una locura. Pero pase lo que pase, nosotros vamos a seguir tocando. Nada nos va a detener. Yo quiero seguir en la Comunidad Europea, todos en la banda lo queremos, porque sabemos que será un problema más que afrontar. Esperamos que se vaya aclarando todo”.


MASTODON

IMPERIALES

MASTODON VUELVEN ESTE MES A NUESTRO PAÍS PARA CERRAR EL CICLO DE EMPEROR OF SAND CUANDO PRÁCTICAMENTE SE CUMPLEN DOS AÑOS DE SU PUBLICACIÓN. PERO COMO NOS CUENTA SU BATERÍA BRANN DAILOR, LA MÚSICA NUNCA DEJA DE FLUIR EN EL SENO DE LA BANDA DE ATLANTA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


E

L PODERÍO QUE HAN ALCANZADO MASTODON en los últimos años es

tal que ni siquiera tienen que sacar un disco nuevo para agotar las entradas de sus conciertos. Las del 16 de febrero en La Riviera de Madrid ya han volado, y es probable que cuando leas esto haya ocurrido lo mismo con las del día anterior en la sala Razzmatazz de Barcelona. Con Emperor Of Sand, publicado en marzo de 2017, el cuarteto formado por Brent Hinds (voz, guitarra), Troy Sanders (voz, bajo), Bill Kelliher (guitarra) y Brann Dailor (batería, voz) recuperó el nivel que quizá no había alcanzado sus dos discos anteriores, The Hunter y Once More ‘Round The Sun, y como pudimos ver a su paso por festivales como Download o Resurrection, también en directo estaban impecables. Con estas fechas, los de Atlanta cierran un ciclo, pero por lo que nos contó Brann Dailor a principios de enero, ya están barajando nuevas ideas para su próximo álbum. Incluso puede que muy, muy pronto escuchemos una canción nueva. Hace un par de días salió la noticia de que ibais a lanzar un tema

Troy y yo. Es un tema heavy, duro y un poco psicodélico. Suena a Mastodon”. Pues esperamos poder escuchar-

están en un buen momento. Es importante tener a bandas que, además de ser amigas, también lleven gente a los conciertos. Todo suma”.

lo pronto. ¿Lo vais a tocar en la gira?

¿Cómo ves ahora Emperor Of

“Creo que sí. Depende de si gusta a la gente”.

Sand? Creo que ha sido un álbum que ha gustado más que los dos anteriores.

Supongo que con estas próximas fechas dais por terminada la gira de Emperor Of Sand.

“Sí, de hecho, casi las vemos como algo fuera de ese ciclo. Nuestro agente nos dijo que había una gran demanda para que volviéramos a Europa y nos preguntó si estaríamos interesados. Y dijimos que sí. Si la gente quiere vernos, ahí estaremos. Como esta gira no está tan vinculada a Emperor Of Sand, nos va a permitir tocar temas de todo nuestro catálogo”. Perfecto. El disco tiene casi dos años. ¿Cuáles han sido para ti

“No lo sé. A mí me gustan todos nuestros discos, es complicado verlo desde la perspectiva de un fan. Estoy demasiado involucrado. Sé que hay gente que piensa que The Hunter es nuestro peor trabajo, pero yo podría dar argumentos de por qué me gusta ese disco. Quizá la producción, los temas y sobre todo la emoción que impregna Emperor Of Sand quizá conectaron más. Desde luego, quizá nos expusimos más y eso es lo que lo hace especial. Por un lado, es malo pasar por experiencias que te llevan a ese lugar, pero por otro, es bueno porque puedes trasladarlo a la música”.

algunos de los mejores conciertos de esta larga gira?

¿Habéis empezado a pensar en

“La verdad es que el del Resurrection Fest en España fue bastante extraordinario. El público estaba muy loco. Así que me quedo con ése”.

el próximo álbum?

nuevo coincidiendo con la gira europea. ¿Lo puedes confirmar?

En esta gira os acompañan Kve-

BRANN DAILOR “Si logramos que

lertak y Mutoid Man. ¿Tenéis una

suene como queremos, lo lanzaremos. Estamos trabajando hoy mismo en ello. Ahora tenemos nuestro propio estudio. Todos los locales de ensayo en Atlanta han cerrado, así que compramos un edificio y hemos abierto un complejo de locales y nos hemos hecho un estudio en el sótano. Así que, para probar el estudio, decidimos componer un tema nuevo y grabarlo. Hoy tenemos a nuestro amigo Scott Kelly (Neurosis) grabando voces. Y también cantamos

relación especial con ellos?

“Sí, conozco a los tíos de Mutoid Man desde hace mucho tiempo por sus bandas previas, pero nunca he visto a Mutoid Man en directo, así que en esta gira pienso verles cada noche (risas). Hacía un par de giras que ya los queríamos tener. Y con Kvelertak hemos tocado varias veces. Hicimos dos giras con ellos y Gojira por Estados Unidos, así que también son amigos. Han hecho la gira con Metallica, así que

“Sí, siempre estamos pensando en nuevas ideas. Quizá el que tengamos nuestro propio estudio nos ayude a acelerar el proceso. Escribimos Leviathan en tres meses, así que quién sabe. Pero muchas veces trabajamos en algo y luego necesitamos dejarlo descansar para tener un buen juicio. Llevamos veinte años, así que necesitamos tiempo tanto para recuperarnos de una gira como para estar con nuestras familias. Cuando estamos en casa les debemos al menos un año de nuestra atención. Se lo merecen. No es fácil encontrar el equilibrio entre ser músico y ser un buen esposo o padre. Cuando tienes 40 años, no es lo mismo que cuando tienes 20. Ahora tenemos 71


responsabilidades, aunque seguimos girando mucho. Pero sientes que estás en deuda con la gente que te aporta felicidad en tu vida. Mi mujer se merece un año de Brann (risas)”.

sé que nuestra música pudiera tener una salida comercial. Sólo sabía que a mí me gustaba (risas). Pero sabía que era algo distinto al heavy metal que se hacía y que merecía la pena intentarlo”.

Y al cabo de un año está de-

más de cien canciones, así que es muy difícil que gusten a todo el mundo por igual. Seguro que hay gente que le gusta lo que hacemos ahora y escucha Remission y le parece horrible”. Para terminar, quería preguntar-

seando que te vayas (risas).

Conozco al menos cinco perso-

te la opinión sobre cinco bate-

“Sí, ya está harta de mí (risas). No, es broma. La verdad es que nunca quiere que me vaya de gira”.

nas que consideran que los ver-

rías. El primero es Neil Peart de

daderos Mastodon murieron con

Rush.

Leviathan porque luego os vol-

“Es increíble. Es un referente para todos. En los 70 y los 80 era como un faro para el progresivo y los baterías. Incluso ahora es un músico muy reverenciado porque es muy imaginativo y ha aportado muchísimo. Hay muy pocos baterías que hayan trascendido al público general y la cultura popular. Su nombre es sinónimo de batería. Estoy seguro de que ha inspirado a miles de baterías. Él y John Bonham son probablemente los baterías más reconocidos del rock”.

visteis demasiado comerciales. ¿La conociste cuando ya estabas

¿Entiendes esa visión purista de

en Mastodon o la relación venía

algunos fans?

de antes?

“No lo entiendo. No entiendo cómo Blood Mountain puede ser considerado un disco comercial con canciones como ‘Capillarian Crest’, ‘Bladecatcher’ o ‘Siberian Divide’. Y también Crack The Skye es muy loco, con canciones de 15 minutos. Quizá es un poco más pegadizo, pero no es un disco comercial en ningún aspecto. Quizá ‘Oblivion’ es más accesible, pero sigue siendo oscura. Realmente no lo veo. Creo que hay gente que lo dice para ir de guays. Supongo que en algún momento yo también fui ese chaval. Pero incluso así, no creo que hubiera rajado de un disco como Blood Mountain. Supongo que ahora que soy mayor ya no me importa si algo es heavy o no y tampoco quiero que un grupo haga siempre lo mismo. En realidad, nadie sabe por qué le gusta lo que le gusta, es una reacción química. Pero si tienes una carrera de veinte años, es inevitable que decepciones a algunos fans. Vas a sumar gente y perder gente. Es como funciona. A menos que seas Guns N’ Roses o Sex Pistols, que sacas un primer disco clásico y luego desapareces, te va a pasar eso. Bueno, Guns tuvieron ‘November Rain’, pero ya me entiendes. Nosotros tenemos

“La conocí la misma semana que me mudé a Atlanta. Fue la misma semana que conocí a los tíos de Mastodon. Sabía que estaba en el grupo Today Is The Day y empecé a trabajar en el mismo sitio donde trabajaba ella. Ella estaba en un grupo y yo estaba empezando otro, así que sabía que mi objetivo era estar en un grupo que girara. Estuvo en el primer concierto de Mastodon, así que ha estado ahí desde el principio”. Mastodon habéis alcanzado un nivel al que muy pocos grupos llegan. ¿Crees que si el grupo no hubiese pasado de tocar para 200 ó 300 personas todavía seguirías juntos?

“Nunca he pensado a largo plazo. Nunca planeamos nada. Simplemente, si nos ofrecían una gira, la cogíamos. Simplemente fuimos componiendo y trabajamos. Nunca miramos atrás y nunca miramos demasiado adelante. Nuestro horizonte nunca va más allá del último concierto que tenemos cerrado. Ése es el límite. Pero llevamos veinte años y, la verdad, estoy sorprendido porque nunca pen72

Lars Ulrich de Metallica.

“Lars es uno de los baterías que más me han influenciado porque, cuando era un crío, para mí todo giraba alrededor de Metallica. A mediados de los 80 eran los reyes. Tenía parches de Kill ‘Em All en mi cazadora. Es lo que nos unió a todos los de mi tribu. Cuando salió …And Justice For All fue una pasada. Siempre me ha gustado su manera de tocar. Sé que hay mucha gente que piensa que no toca una mierda, pero lo veo totalmente innecesario. Siempre hace lo que es mejor para la canción. Y ha dado tanto al mundo de la música que cualquier ataque me parece gratuito. Y además, es muy buen tipo. Hemos tocado muchas veces con ellos y siempre se han portado genial con nosotros. Es alucinante que pueda tenerlo de amigo”.


“SEGURO QUE HAY GENTE QUE LE GUSTA LO QUE HACEMOS AHORA Y ESCUCHA REMISSION Y LE PARECE HORRIBLE” BRANN DAILOR

Dave Lombardo (Slayer, Suicidal Tendencies).

“Es el Buddy Rich del metal. Es una anomalía física. Hemos tenido la suerte de tocar muchas veces con la formación original de Slayer y verle cada noche. Es un animal, una bestia (risas). Su doble bombo es alucinante. Y también es un gran tipo”. Dave Grohl (Nirvana, Foo

pudiera parecer que lo que hacía era simple, era muy original. Es muy bueno escogiendo los momentos en los que puede brillar y los que necesita quedar en un segundo plano. Es un tío con mucho talento y una persona encantadora. Todo lo que se dice sobre que es el tío más majo del rock es verdad. A pesar de lo famoso que es, siempre tiene tiempo para ti si le necesitas”.

Fighters).

“Es un batería increíble. Es un tipo que comprende totalmente la música. Mucha gente le conoce como frontman de Foo Fighters, pero cuando tocaba con Nirvana era alucinante. Aunque

Devil me flipaba. Lo escuchaba siempre que iba a casa de mis abuelos. Es uno de los discos con los que aprendí a tocar la batería. Nunca tomé lecciones, pero ponía ese álbum y tocaba encima. Realmente aprendí a seguir un ritmo gracias a Tommy Lee”. Pues no hay tiempo para más, muchas gracias Brann.

“Encantado, nos vemos en unas semanas”.

Y el último es Tommy Lee de Mötley Crüe.

“Quizá sorprenda a la gente, pero incluso antes que Metallica, fui fan de Mötley Crüe. Su disco Shout At The 73


DREAM THEATER

LOS CINCO M AG N Í F IC O S

DREAM THEATER ESTÁN DE VUELTA CON SU DECIMOCUARTO ÁLBUM, QUE SE DICE PRONTO. SIN EMBARGO, EN DISTANCE OVER TIME , LOS REYES DEL METAL PROGRESIVO SE HAN DECANTADO MÁS POR LO PRIMERO QUE POR LO SEGUNDO. SU VOCALISTA JAMES LABRIE NOS CUENTA POR QUÉ. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


P

ARECE LÓGICO QUE CUANDO UNO HA IDO AL LÍMITE , a con-

tinuación, sólo le quede la opción de ir en dirección contraria. Con su anterior disco The Astonishing, Dream Theater facturaron uno de los discos más complejos, y largos, de su carrera, lleno de arreglos orquestales y una historia de ciencia ficción ideada por el guitarrista John Petrucci. Tanto el álbum como su posterior gira fueron un gran éxito, pero toda la banda -que completan James LaBrie (voz), Jordan Rudess (teclados), John Myung (bajo) y Mike Mangini (batería)- estuvieron de acuerdo en que no tendría mucho sentido repetir lo mismo. Por eso, por primera vez en veinte años decidieron componer el álbum todos juntos, yéndose a vivir durante cuatro meses a unos estudios en el campo en las afueras de New York. Lo que escuchamos en Distance Over Time (Inside Out), que verá la luz el 22 de febrero, es un disco más orgánico, tanto por su música como por unas letras que tocan con los pies en el suelo abordando temas como los abusos sexuales o la incertidumbre en la que viven las nuevas generaciones. Aprovechando su visita a Madrid, y unas horas antes de que apareciera, junto a Petrucci, en el programa La Resistencia, teníamos la oportunidad de hablar con James LaBrie sobre este nuevo trabajo que presentarán el 7 de julio en el Rock Fest Barcelona. Quizá sea una pregunta tonta para empezar, pero en vuestros conciertos hay muchas partes instrumentales y solos. ¿En qué piensas mientras pasa

76

“QUERÍAMOS QUE LAS CANCIONES TE GOLPEARAN EN LA CABEZA” JAMES LABRIE

todo eso? ¿Te es fácil mantener

Hablando ya de Distance Over

la concentración o empiezas a

Time, parece un álbum más

pensar en otras cosas?

orientado a las canciones y más

JAMES LABRIE “A ver, somos una

heavy que el anterior.

banda en la que las partes instrumentales son muy importantes. Normalmente cuando ocurren me voy a una pequeña tienda que tengo detrás del escenario y hago estiramientos o saltos o me pongo a pensar en la próxima canción, pero siempre intento mantenerme concentrado en lo que está pasando, aunque no esté en el escenario. Si piensas en Robert Plant cuando Led Zeppelin tocaban ‘Dazed & Confused’, que tiene una gran parte instrumental, él se quedaba ahí, posando, pero yo no creo que deba quedarme ahí. Es el momento para que los demás tengan toda la atención”.

“Sí, cada canción es independiente y habla por sí misma. The Astonishing era un disco totalmente conceptual, era una gran historia situada en un mundo distópico. Pero una vez llevamos eso al límite, ahora nos apetecía volver a nuestras raíces heavies y hacer un disco basado en canciones. Cada canción tiene su propio mensaje y su propio sonido”. ¿Es liberador trabajar sin un concepto, sin que todo tenga que estar conectado?

“Bueno, depende. Cuando trabajas en un álbum como The Astonishing te sumerges totalmente. Y con un disco


ran. Dentro del estándar de Dream Theater son canciones muy directas, no hay temas de 12 ó 14 minutos”.

dos a pasar mucho tiempo juntos en la carretera, el convivir de esta manera ¿os hizo descubrir algo que quizá no sabíais?

Para componer la obra os fuisteis a vivir todos juntos a una granja en las afueras de Nueva York. ¿Era la primera vez que hacíais algo así?

como el nuevo también, pero de manera distinta. Al final, cuando haces algo, es porque te apetece hacerlo en ese momento. Ya en la última gira comentamos que nos gustaría hacer un disco más agresivo, más metal. No sé si fue liberador, pero desde luego fue excitante dejar un poco el lado más progresivo y volver al lado del metal”. Son canciones más directas también, al menos para Dream Theater.

“Sí, desde luego. Fue algo consciente. Queríamos que las canciones te golpearan en la cabeza. No queríamos finales o partes instrumentales muy largas, ni tampoco interludios. Queríamos que cada canción tuviera un mensaje poderoso y te impacta-

“Sí. Bueno, cuando hicimos Images & Words en 1992 también vivimos todos juntos en una casa fuera de Nueva York, pero la diferencia es que entonces todo el material ya estaba escrito. Esta vez fuimos cerca de Woodstock. Vivíamos en una gran granja y cerca hay un cobertizo que han convertido en un estudio de lo más moderno. Así que vivimos y compusimos el disco ahí. Es un sitio muy hermoso, conserva su espíritu antiguo porque es todo de madera, con techos muy altos y grandes ventanas en las que veíamos pasar ciervos, e incluso algún oso. Nos pudimos concentrar totalmente en la música. Cada día empezábamos sobre las doce o la una del mediodía y estábamos ahí hasta la medianoche o más allá. Pero lo pasamos genial. Hicimos barbacoas, cocinábamos, nos reímos, tomamos el sol… Fue una gran experiencia y creo que el estar todos juntos se refleja en la intensidad del disco”. ¿Quién es el mejor cocinero de todos?

“Uuuy… no lo sé. John Petrucci es muy bueno con la barbacoa, pero Mangini también es muy buen cocinero. Creo que depende del gusto de cada uno”.

“Creo que no. Nos conocemos desde hace tanto tiempo y hemos hecho tantas giras que a estas alturas es muy complicado que haya secretos. Después de 25 años ya sabes las manías de cada uno. Todos respetamos el espacio de los demás. Obviamente hemos tenido que trabajar en pequeñas rencillas que salen de vez en cuando, pero al final todo eso queda atrás. Al final cuanto más tiempo pasas junto, mejor te entiendes. Ahora apenas discutimos. Cuando hay algún problema, somos capaces de dejarlo atrás rápidamente. Ese buen entendimiento y respeto es lo que nos permite crear música. Todos estamos en el mismo barco”. Teniendo en cuenta que el grupo está compuesto por virtuosos, sorprende que no haya problemas de ego.

“Supongo que desde fuera podría pensarse que chocamos mucho porque cada uno está muy seguro de lo que hace, y que hay muchas fricciones, pero no es para nada así. Haciendo este disco salieron un montón de ideas y, al menos, las probábamos para escucharlas ni que fuera una vez. Que todo el mundo sea tan buen músico te permite hacer eso de manera muy ágil y rápida”. Me imagino que cuando entraste en el grupo en 1991 debía ser un poco intimidante trabajar con los demás. ¿Cuánto tardaste en sentirte confiado para

Aunque estáis muy acostumbra-

proponer tus ideas?

77


“CUANDO ESTÁS EN UN GRUPO CON GENTE TAN CREATIVA TIENES QUE SABER TAMBIÉN CUÁNDO QUEDARTE EN UN SEGUNDO PLANO” JAMES LABRIE

“Bueno, como te decía antes, cuando entré Images & Words ya estaba prácticamente escrito. Pero a lo largo de los años me he ido involucrando en las melodías y las letras. Ésa es mi principal contribución. Cuando estás en un grupo con gente tan creativa tienes que saber también cuándo quedarte en un segundo plano. Sólo hablo o hago sugerencias cuando estoy muy seguro de lo que voy a decir. Al final, la composición siempre se ha basado en las guitarras y los teclados, así que John y Jordan son los que llevan el peso”. Tus letras parecen surgir de un punto de vista muy humanista.

“Gracias. Me interesa mucho la filosofía, el arte, la literatura, la historia… Al final todos nos cuestionamos nuestra existencia. Y da un poco de miedo, ¿verdad? Soy una persona muy observadora y al final mis letras vienen de observar y comprender

78

lo que me rodea. ¿Cómo me afecta todo lo que observo? Eso es lo que intento contar en mis letras. Creo que mis letras son pensamientos que, en algún momento, todos tenemos. Sólo trato de escoger las palabras más adecuadas para contarlas”. ¿Cómo debemos entender el título Distance Over Time?

“Para mí es el recorrido desde el principio de la humanidad hasta donde estamos ahora. En la portada está representado por la calavera y la mano robótica. Vivimos en un mundo muy tecnológico y tenemos que encontrar el equilibrio entre humanidad y tecnología. Es algo que tenemos que cuestionarnos constantemente porque de ello depende nuestro futuro”. Cuando todavía vivías en Canadá, a finales de los 80, estuviste en la banda Winter Rose en la

que también militó Sebastian Bach antes de Skid Row. ¿Te has planteado alguna vez resucitar ese grupo?

“¡Han pasado 30 años! (Risas) Recuerdo con cariño esa época y lo pasamos muy bien. De hecho, el guitarrista Richard Chycki acabó trabajando como ingeniero de Dream Theater en A Dramatic Turn Of Events y el disco homónimo, mezcló The Astonishing. Y de hecho grabé las voces de este disco con él. Así que seguimos estando conectados, pero para mí no tendría sentido volver a hacer ese tipo de música. Cuando quiero descansar de Dream Theater ya hago mis discos en solitario, y eso, para mí, es la situación perfecta”.


HÍBRIDO

ALMAS INQUIETAS

LO QUE ERA UN PEQUEÑO SECRETO A VOCES YA ES UNA REALIDAD. LA NUEVA ESCENA DEL ROCK ANDALUZ YA TIENE SU PROPIO SUPERGRUPO. SI ERES FAN DE ATAVISMO Y VIAJE A 800, PREPÁRATE PARA ALUCINAR CON EL DEBUT DE HÍBRIDO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: LOU SÁNCHEZ


E

NTRE LOS SEGUIDORES DEL STONER, pro-

gresivo, rock psicodélico y demás vertientes ácidas se llevaba hablando desde hace tiempo de una nueva alineación compuesta por miembros de Viaje A 800, Atavismo y Los Bradleys. Siempre en un segundo plano que no interfiriese con sus proyectos principales, la banda formada por Poti (voz, bajo), Sandri Pow (batería), José Ángel Galindo (guitarra) y Zoa Rubio (voz, guitarra) fue prodigándose de manera esporádica por los escenarios a partir de 2017 con alguna actuación aislada, donde ya se podía intuir que, nuevamente, algo muy bueno se estaba cocinando en el horno de estos cuatro genios. Tras un tiempo en la sombra preparando su puesta de largo, la presentación de Híbrido llega justo en el momento adecuado, sin prisas y con los deberes bien hechos. Casi cinco años han tenido que pasar desde sus primeros ensayos hasta tener en nuestras manos su álbum de debut, titulado simplemente como I. Viniendo de ellos, tal vez no sorprenda encontrarse con un obra que aborda la psicodelia de una manera tan personal y fascinante, ya que ése siempre ha sido el sello de identidad en común de todos su componentes. Pero sí lo es el modo en el que son capaces de aglutinar sonidos que van desde el rock alternativo, el pop y hasta el black metal a lo largo de las cinco canciones que componen su primera referencia, dándole una nueva vuelta de tuerca a un estilo siempre abierto a la experimentación, pero que muy pocos se atreven a llevar más allá. Contando con un equipo de absoluta confianza para el lanzamiento del álbum (Curro Ureba se encargó

de grabarlo en Trafalgar Estudios, Antonio Martínez del diseño y Spinda Records de su edición), Híbrido están preparados para salir a la carretera y volarnos la mente. De todo ello y más hablamos con la siempre encantadora Sandri Pow. ¿Cuándo empieza a surgir la idea de crear Híbrido? SANDRI POW “Híbrido comienza

con Zoa y Poti tomando una cerveza y comentando la idea de montar una banda allá por los comienzos del año 2014. Enseguida me propusieron dicha idea y así surgió todo. Poco después José Ángel se uniría al proyecto, y hasta ahora”.

lo escuchas y ves lo que funciona realmente y lo que no. Ves perspectivas y listo. Pero normalmente, a no ser que todos coincidamos en que algo concreto falta o falla, suelen salir rápido, pues todos coincidimos con el concepto de lo que buscamos en cada tema. Además, destacar que en esta banda Zoa es quien trae muchas canciones ya hechas, con lo cual vemos más claro el camino a seguir. Contestando a tu segunda pregunta, sí, alguna canción se ha quedado fuera”. Estando tanto Poti como tú, supongo que la referencia más cercana es Atavismo y hasta cierto punto creo que es lógico comparar ambos grupos. Yo perso-

¿Teníais clara la dirección musical

nalmente veo ciertas similitudes,

desde un primer momento o sim-

pero también hay diferencias.

plemente os reunisteis un día en

¿Cuáles son las que destacaríais

el local y empezasteis a tocar sin

tanto en un lado como en otro?

más?

SANDRI “Pues realmente no vemos

SANDRI “Teníamos más o menos

demasiadas similitudes entre ambas bandas, la verdad. Son conceptos totalmente diferentes. Suponemos que es inevitable que se sienta la conexión de las dos puesto que Poti y yo tocamos en los dos grupos… Pero ni Poti toca el mismo instrumento, ni yo lo hago de la misma manera. Ésa es nuestra perspectiva desde dentro, al menos”.

la idea del concepto de banda que queríamos, que fue lo que hablamos en primera instancia. Zoa comentó que ya tenía varios temas e ideas compuestos y los trajo al local. Allí se desarrollaron y cada uno con su instrumento le dio estructura. Al tiempo se finalizaron creando lo que es nuestro primer disco”.

Una de las grandes claves del En éI encontramos cinco temas

disco es el juego de dos guitarras

que cada uno por sí solo dan

entre Zoa y José Ángel. ¿Les re-

bastante de sí. ¿Tuvisteis que

sultó fácil entenderse?

darles muchas vueltas hasta

SANDRI “Ambos son guitarristas ex-

tener las canciones tal y como

cepcionales, con lo cual lo hace más fácil desde el punto de vista técnico. Aunque hubo momentos en que se tuvieron que clarificar estilos y conceptos, al final yo creo que el resultado ha sido increíble. Los dos tienen un feeling fuera de lo común, y me siento muy

queríais? ¿Hay temas que se han quedado fuera, o esto es lo que había? SANDRI “Vueltas siempre se le dan,

muchísimas. A veces es un trabajo interminable hasta que grabas el tema,

81


“DAR “DAR A A CONOCER CONOCER A A UNA UNA BANDA BANDA DESDE DESDE CERO CERO ES ES ALGO ALGO BASTANTE BASTANTE LABORIOSO” LABORIOSO” SANDRI SANDRI POW POW

¿Hasta qué punto queréis darle salida a I? Lo pregunto porque supongo que la agenda de Atavismo también va a seguir cargada de compromisos en directo para 2019. SANDRI “Bueno, en la medida de lo

afortunada de poder tocar con semejantes bestias”. Por otro lado, ‘Nada, Nadie’ es lo más cerca que habéis estado de hacer una canción pop dentro de los parámetros por los que os movéis. Hay un estribillo fácil de recordar, pero el resto no va por un camino obvio. ¿Lo veis

JOSÉ ÁNGEL GALINDO “Noso-

tros hemos tocado juntos en varias ocasiones puntuales pero con otros proyectos diferentes, nada serio. Pero nunca hemos perdido el contacto pues somos amigos desde siempre. El feeling siempre está ahí, por eso no dudé un segundo en unirme a este proyecto, puesto que, más que músicos, son amigos”.

un poco así? ¿Es como vuestra visión psicodélica del pop, por

La grabación cuenta con la guin-

decirlo de alguna manera?

da de la colaboración de Jorge

SANDRI “En realidad no podemos

de Adrift, que aporta su gargan-

decir que cada tema esté compuesto de una manera preconcebida a conciencia. Se traían las ideas y así surgía la historia. Ten en cuenta que todos nosotros somos muy eclécticos, y esta canción en concreto nos parece que va muy en la onda Dinosaur Jr.. Ese rollo alternativo, pop rock... Es una mezcla de muchas cosas”.

ta blacker al último tema, ‘Ente’,

También Híbrido supone el reencuentro en lo musical de Poti con José Ángel después de la aventura que fue Viaje A 800. ¿Cómo

que le da una atmósfera de lo más interesante. ¿Cómo salió? SANDRI “La melodía de la parte final

de ‘Ente’ se prestaba a eso. Poti sugirió: ‘Oye, ¿y por qué no una voz rollo black en esta parte?’. Lo vimos claro y secundamos la idea. Jorge es un gran amigo y quién mejor que él para ello. Lo bordó, quedamos encantados con el resultado. En nuestro concierto en Madrid el próximo 9 de marzo, esperemos que nos acompañe para dar la guinda final a ese tema en directo”.

ha sido el volver a crear juntos tantos años después de Coñac

Precisamente ya estáis empezan-

Oxigenado? ¿La chispa seguía

do a confirmar las primeras fe-

ahí?

chas de presentación del álbum.

82

posible y siempre que los turnos de trabajo nos lo permitan, hacemos un planning con cada banda. Ten en cuenta que tenemos que compaginar tres o cuatro grupos con el trabajo, y sin que se pisen fechas, etcétera. Atavismo ya tiene cerradas varias fechas en festivales y capitales del país. Híbrido también está comenzando a despegar, con la tarea de promo del disco... Dar a conocer a una banda desde cero es algo bastante laborioso. Pero bueno, todo saldrá. Y por supuesto queremos tocar en directo todo lo que se pueda”. Ya para finalizar y siguiendo por ahí, ¿mantendréis con Atavismo ese ritmo al que tan bien acostumbrados nos tenéis publicando nuevo material este año? SANDRI “Debido al contratiempo de

la segunda operación de mi pie y el consiguiente parón, no hemos podido ensayar apenas. Sólo en acústico para voces, lo cual hace difícil la rutina. Pero seguramente volveremos a las composiciones en breve. Hay material por ahí en el que trabajar, pero hay que compaginar con ensayos de setlists para el directo, pues el nivel no puede bajar. Hay bolos y festis importantes este 2019. Con esto también te digo que siempre nuestro plan es el sacar algo cada año. Así que es posible y se intentará”.


LA INQUISICIÓN

...Y CON EL MAZO DANDO SI CON LA DESAPARICIÓN DE SECRET ARMY PERDIMOS A UNA DE NUESTRAS MEJORES BANDAS DE STREET PUNK, SU REENCARNACIÓN EN LA INQUISICIÓN NOS ESTÁ DANDO NO POCAS ALEGRÍAS. A REY MUERTO, REY PUESTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A

L MENOS EN LA MÚSICA, el orden de los factores

sí altera el producto. Sólo así se entiende que los mismos componentes de la última formación de Secret Army -Rubén (voz), Alex (guitarra), Cirro (bajo) y Willy (batería)- hayan sido capaces de reconvertirse en un grupo totalmente distinto. Si bien el punk sigue siendo su base, en La Inquisición, el cuarteto barcelonés apuesta por un mensaje más directo, crudo y oscuro. Si en sus dos primeros EPs todavía era posible ver la conexión, en su

primer largo LVX (Contra/HFMN), que se publicó el pasado octubre, la personalidad de esta nueva encarnación ya prevalece totalmente. Pese a haber dejado el inglés para pasarse el castellano, no parece que el cambio de idioma les haya cerrado ninguna puerta y en nada volverán a girar por Europa junto Lion’s Law y Bad Co. Project. Con el fin de que nos contaran en primera persona cómo han vivido desde dentro esta mutación, quedamos con el grupo al completo y, de paso, compartimos unas cervezas.


de giras, había un estancamiento mental y artístico. Se nos habían acabado las ideas después de diez años”. WILLY “Yo creo que cuando dejamos de ser un trío, ya fue la muerte del grupo. Tocábamos mucho, pero veíamos que no íbamos a ninguna parte”. RUBÉN “Cuando se fueron Edu e Iñaki y entraron Cirro y Alex, ellos tenían otras cosas que aportar. Alex hace riffs de guitarra distintos. No tiene sentido intentar seguir la misma fórmula con gente distinta”. ALEX “Estábamos tocando algo que ya estaba creado. El detonante fue querer hacer algo propio”. RUBÉN “Era otra banda tocando temas de Secret Army. Queríamos recuperar la ilusión de tocar y componer. Que hubiera más flow”. Siguiendo los cuatro, está claro que os lleváis bien.

grupo ahora”. RUBÉN “Estaba hasta la polla de tocar (risas). A ver, soy una mierda de guitarrista… Bueno, me defiendo. Pero a nivel de show ganas mucho sin la atadura de la guitarra, tiene mucha más fuerza”. ¿Cuál fue la primera reacción cuando os presentasteis como La Inquisición? WILLY “Grabamos una maqueta y al

sello le pareció muy bien, pero toda la gente nos decía que nos estábamos equivocando”. RUBÉN “Desde el primer momento a todo el mundo le parecía todo mal. El nombre, el idioma, encima por el momento político… Y fue en plan ‘Si les parece mal, es que va a funcionar’ (Risas). A veces hay que explorar el terreno desconocido para llegar a algún lado. La Inquisición es un grupo mucho más atrevido que Secret Army”.

RUBÉN “Somos amigos. Cirro se

vino a hacer el merchandising en giras europeas y, de hecho, vivíamos juntos”. WILLY “Con Alex nos conocemos desde hace casi veinte años. No es un grupo impostado”. Contadme por qué terminó Se-

¿Qué motivó el cambio de idio-

cret Army y cómo fue la transi-

ma? ¿Queríais que la gente os

ción hacia La Inquisición.

entendiese de una vez?

RUBÉN “Creíamos que el ciclo de

RUBÉN “Fue una cosa mía. No sólo

Secret Army había terminado. De la formación original sólo quedaba yo, y estábamos arrastrando el cadáver. No tenía mucho sentido seguir. Propuse de hacer un grupo en castellano, más extremo, y empezamos a hacer temas. La intención era hacer algo más directo. El último disco de Secret Army era más rockero, pero la fórmula estaba agotada. Después de tres discos y mogollón

para que la gente nos entendiese, sino porque el castellano tiene otra musicalidad. Queríamos huir del rollo Secret Army. De hecho, barajamos hacer un EP en castellano de Secret Army. Molaba como reto, como motivación para hacer algo excitante”. WILLY “Otro cambio importante fue que Rubén dejó la guitarra. Creo que es parte fundamental de lo que es el

Con Secret Army habíais girado mucho por Europa, ¿cómo se os ha recibido ahora? RUBÉN “Contrariamente a lo que

la gente piensa, el castellano gusta. Todo el mundo ve Narcos (risas). Te da una personalidad distinta a todos los grupos que cantan en inglés. La primera edición del disco está a punto de agotarse”. En el primer EP había puntos en común con los primeros Secret Army, pero en LVX se nota que es otra cosa. RUBÉN “Nosotros también hemos

vivido nuestra particular Transición del 78 (risas). Al fin y al cabo, éramos los mismos, pero luego en el segundo EP y el disco, ya encontramos otro rollo. Pero incluso los discos de Secret Army 85


“SI ALGO MOLABA DEL PUNK ES QUE ERA UN MOVIMIENTO LIBRE Y CADA UNO SE PODÍA EXPRESAR COMO QUERÍA. AHORA PARECE COMO QUE NO” RUBÉN

eran distintos entre sí”. WILLY “Yo creo que Cirro y Alex han podido plasmar sus influencias”. RUBÉN “Ahora sí somos otro grupo”. En LVX hay mucho de post punk, en los riffs, los punteos… ALEX “En los dos EPs habíamos

colaborado todos más, pero en el disco me he hecho yo cargo de los riffs. La manera de componer ha sido diferente. Yo vengo del hardcore, el metal, el death metal, una movida totalmente distinta, aunque siempre me ha gustado el punk y el oi!”. RUBÉN “A nosotros nos mola New Order, Joy Division o los Blitz”. A mí me recordó un poco a cuando Anti-Nowhere League se tiraron al rollo más oscurillo. RUBÉN “Pretendíamos que el disco

sonara oscuro. Las guitarras no están dobladas, no hay excesivo artificio. Suena crudo, más simple”.

86

¿Es más simple hacer

En las letras se nota que tenías

algo simple?

mucha mierda que sacar, ¿no?

RUBÉN “Es más complicado.

RUBÉN “Los temas son más reflexiones

Había un tío que decía que la mejor nota en la música es la que no suena. Tienes que quitar todo lo que es excesivo. En lugar de un tema con ochos riffs, haces que el mismo riff suene en todo el tema. Pero hay un curro en el local, no haces lo primero que te sale y ya está. Desechamos un montón de ideas”. ALEX “Al final, si un tema se complica y te lleva más de tres días, es que no vale. Te la tiene que poner dura de primeras. Pero nunca sabes lo que va a gustar a la gente. Igual estamos descartando temas que son de puta madre (risas)”. WILLY “Uno de los temas que estuvo a punto de no entrar es el que más está gustando a la gente”.

que críticas. El inglés no es nuestro idioma y aunque te lo curres, siempre sale algo más artificial. Lo que mola del castellano es que en tres palabras puedes sintetizar ideas o crear imágenes en la cabeza de alguien. Utilizamos un lenguaje más poético. El punk se ha convertido en algo muy cerrado. A uno le gusta No Fun At All y va con el patinete bajo el brazo, otro va con las botas y los tirantes. Está todo el mundo en su pequeña cajita sin salir de eso. Si algo molaba del punk es que era un movimiento libre y cada uno se podía expresar como quería. Ahora parece como que no. Quizá porque nosotros venimos del rollo oi! y street punk, que es más encorsetado. Odiamos los putos clichés, nos parece muy aburrido”. ‘Falsos Profetas’ es un tema muy crítico con la escena.

Como no escucho a Dorian no me

RUBÉN “También es una crítica a

enteré, pero resulta que hay una

nosotros porque formábamos parte, o somos parte, de la escena. No somos una peña que pase por ahí y diga ‘sois unos gilipollas, adiós’. Montamos conciertos, hemos tocado en mil bandas, somos parte de eso. Todos juntos hemos construido esa montaña de mierda”.

versión de ellos en el disco, ‘Verte Amanecer’. RUBÉN “(Risas) Sí, mucha gente pien-

sa que es nuestra, incluso por la letra. A mí me gustan Dorian desde que empezaron y llegué al local y lo probamos. Es un grupo pop, pero las líneas de bajo y las letras son muy punk. O traducible al punk. Por eso hicimos la versión. Y además mola que una versión sea distinta. No tendría mucho sentido hacer una de Eskorbuto”.


OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

STORIES DE CONCIERTOS

H

ola amigos! Hoy me toca arremeter contra una de las redes sociales más populares, o mejor dicho, contra su mal uso. Si bien es una contradicción eliminar la cuenta de Facebook y mantener la de Instagram, como es mi caso -hasta que me canse también-, lo cierto es que aún sigo teniendo presente la época en la que los followers importaban poco, y en realidad, lo que queríamos era contar cosas a través de una foto, retocada con dos filtros cutres. Evitando adentrarme en rajar sobre la app, que sería muy fácil, quería comentaros que me llama poderosamente la atención el tema de las stories y los vídeos de conciertos. Para confirmar que hemos ido a un concierto de un grupo que nos parece la hostia ya no basta con la foto de rigor, casi siempre de mala calidad, pero con encanto, claro está. Ahora resulta que os ha dado

por hacer 27 vídeos de las actuaciones, colgarlas en las historias, con una temporalidad de 24 horas -menuda gilipollez-, y lo peor de todo, con un sonido de mierda y una distorsión que desvirtúan el show en cuestión. Claro, con Beyoncé en un estadio todo suena de coña, pero con Behemoth, Yob o High On Fire sólo se puede escuchar ‘brrrrrbrrrrrbrrrrr’, que parece que el altavoz del teléfono va a explotar. En una sala mediana llena hasta la bandera, no es tan extraño tener delante al típico muchacho grabando tooodo el rato, para luego ver en su cuenta de Instagram cuatro vídeos con un sonido penoso. Dan ganas de arrearle un par de collejas y quitarle el móvil, ¿o no? Dejaos de vídeos y disfrutad del concierto. A la larga lo agradeceréis, y los de al lado también. A veces parezco vuestra madre, lo sé… ‘¡Apaga el móvil, niño!’.


DANKO’S HALL OF FAME

E

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Rage For Order de Queensrÿche. Queensrÿche no son una banda corriente. Siempre han estado ahí. Incluso llegando a ser una banda multiplatino con Empire (1990), han conseguido seguir existiendo. Aunque nunca llegaron a tener una gran legión de fanáticos, siempre consiguieron tener un respeto generalizado, credibilidad y una sólida base de seguidores que muchas bandas, dentro de la comunidad hard rock/heavy metal, matarían por tener. Muchos sitúan Operation: Mindcrime como su mejor álbum pero, comercialmente, Empire consiguió un incontestable número 1 con la balada ‘Silent Lucidity’, además de ser nominados al Grammy como la mejor canción de rock. El álbum llegó al estatus de multiplatino y casi se puede considerar como el último álbum del estilo que llegó a ese nivel, cuando todo fue enterrado con la llegada de Nevermind (exceptuando a Metallica). Para mí Queensrÿche llegaron a su punto álgido con Rage For Order de 1986. Fue la primera incursión de la banda dentro del mundo de los álbumes conceptuales y progresivos, que acabaron perfeccionando en su siguiente entrega, Operation: Mindcrime. Sin embargo, en Rage, 90

todavía eran un grupo que estaba buscando su identidad, tanto visual como musical. Con la floreciente escena thrash en marcha, Queensrÿche eran demasiado blandos para el thrash, con una imagen demasiado plana para el glam, y demasiado talentosos para su propio beneficio. Eran un grupo que no podías asociar con una escena en particular, como sus fotos, donde aparecían con sus permanentes y un look a lo Matrix, versión glam, y sus abrigos largos. Incorporar teclados, hacer un viejo éxito de la cantante canadiense Dalbello, ‘Gonna Get Close To You’, y cantar sobre inteligencia artificial, eran motivos suficientes para dejar a la audiencia heavy, escuela Beavis & Butthead, totalmente confundida. Aun así, yo los amaba. Fue la versión de Dalbello, con su correspondiendo vídeo, lo que me enganchó primero. Geoff Tate, el vocalista, lo clavaba como acosador de la protagonista. Su peinado, un inexplicable copete, se convierte en el gran protagonista del vídeo y, de hecho, da bastante mal rollo. Era una formación de metal extraña, pero esa poca habilidad de encajar en algo conocido fue lo que me atrajo de ella. Por supuesto, también me atrajo que el álbum que habían editado era sólido

como una roca. Además de la versión de Dalbello, otras canciones como ‘Walk In The Shadows’, ‘The Whisper’ y ‘Chemical Youth (We Are Rebellion)’ eran también pura dinamita. Queensrÿche eran una banda a las puertas de algo, pero en 1986 no ser glam o thrash era arriesgarte a no ser nadie, independientemente del potencial que pudieses tener. Finalmente ellos se ganaron la fama con sus discos posteriores, pero nunca llegaron a encajar en lo que se llevaba en cada momento. Inducir este álbum en mi Hall Of Fame particular es mi manera de recordar a todo el mundo que Queensrÿche eran… son una gran banda. ¡Hasta el mes que viene!


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