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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Gojira © Carles Rodríguez

EDITORIAL Somos los primeros que no las teníamos todas acerca de Prophets Of Rage. Ya estamos un poco cansados de presuntos supergrupos y, en su caso, lo que de verdad nos gustaría es poder tener de vuelta a Rage Against The Machine. Pero después de escuchar su debut al completo, pese a que no verá la luz en septiembre, y sobre todo de vivir su increíble concierto en el Download Madrid, no había ningún motivo para no situarlos en portada. Más teniendo en cuenta que han tenido que pasar once años para que pudiésemos volver a entrevistar a Tom Morello. Con él pudimos charlar de un montón de cosas, incluida su relación con el fallecido Chris Cornell. Esperemos que su entrevista y el montón de contenidos que os hemos preparado os llenen mientras nos vamos de vacaciones. Nos vemos en septiembre, enjoy!


SUMARIO

Nยบ 138

9 / INTERFERENCIAS

24 / MOTIONLESS IN WHITE

30 / STEVEN WILSON

38 / GOATWHORE

44 / THE MAINE

50 / PROPHETS OF RAGE

58 / DOWNLOAD MADRID

70 / SUICIDAL TENDENCIES


76 / DISCO DEL MES

78 / CRÍTICAS

100 / ESPECIAL FOTO: IMAGIN EXTREME

106 / THE LIVING END

112 / WE ARE SCIENTISTS

114 / THE WIZARDS

118 / TRIPTYKON

124 / LOOKING FOR AN ANSWER


SUMARIO

Nº 138

130 / EN DIRECTO

154 / DE GIRA + AGENDA TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

156 / FIGURAS COLATERALES


ARNETTE.COM

CHRIS JOSLIN I PETROLHEAD


INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ QUEENS OF THE STONE AGE JOSH HOMME Y SUS SECUACES YA TIENEN A PUNTO SU SÉPTIMO ÁLBUM. VILLAINS VERÁ LA LUZ EL 25 DE AGOSTO Y, COMO ES HABITUAL EN ELLOS, CONTIENE ALGUNAS SORPRESAS.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_ life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

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uizá porque su anterior trabajo …Like Clockwork dejó tan buen sabor de boca, había verdaderas ansias por poder degustar nuevo material de Queens Of The Stone Age. En los cuatro años transcurridos desde entonces, la banda realizó una gira mundial, Josh Homme y Dean Fertita grabaron junto a Iggy Pop el álbum Post Pop Depression y le acompañaron en directo, y Troy Van Leeuwen hizo lo propio junto al supergrupo Gone Is Gone, con miembros de Mastodon y At The Drive-In. Sin embargo, a pesar de algunos comentarios sueltos, había un verdadero secretismo alrededor del séptimo disco de Queens. No ha sido hasta el pasado 14 de junio que el anuncio oficial de su lanzamiento ha resuelto algunas incógnitas. Para empezar, saber quién ha sido el productor del álbum. Y la primera sorpresa que alberga Villains va en ese sentido. Ni más ni menos que Mark Ronson, conocido por su trabajo junto a Amy Winehouse o Bruno Mars, ha sido quien en los últimos meses ha estado dirigiendo las sesiones

en el estudio. Josh Homme explicaba a NME que la relación entre ellos empezó hace un par de años de manera casual, pero que se solidificó cuando el productor le llamó para participar en el último álbum de Lady Gaga. “A la media hora pensé ‘Se lo voy a pedir’. Sé que confundirá y consternará a la gente, pero creo que una de las alegrías de estar en una banda de rock’n’roll es definir tus expectativas para poder superarlas”. Desde luego, su mano se nota en un sonido más ‘moderno’ y bailable en algunos de los temas. La segunda sorpresa noticiable es que, rompiendo su tradición de contar con colaboraciones externas, en Villains no encontramos a ningún músico invitado. Ni siquiera su amigo Dave Grohl. Al respecto, Homme ha comentado. “Tenemos la suerte de tener un sonido que nos es propio, pero llegados al séptimo disco, si sigues haciendo lo mismo acabas siendo una parodia. Creo que lo más importante para mí fue agarrarnos a lo que es importante y soltar el resto”. El 25 de agosto podremos escuchar el resultado.

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LO PEOR DE MÍ_ EL DESENGAÑO

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oincidiendo con las elecciones en el Reino Unido, la primera semana de junio, la revista británica Kerrang! colocaba en su portada a Sam Carter de Architects y Will Gould de Creeper. Hasta ahí todo normal, pues ambas bandas suelen aparecer en sus páginas... Pero lo que me chocó fue que entre los dos vocalistas aparecía nada más y nada menos que Jeremy Corbyn, líder del Partido Laborista. Si ya es raro ver a alguien de 68 años en una portada de una revista de rock -a menos que te llames Ozzy Osbourne-, todavía lo es más que lo haga un político. No he tenido la oportunidad de preguntarles a los responsables de la publicación qué les llevó a tomar esa decisión, pero me imagino que muy quemados tenían que estar con la situación del país y el gobierno de Theresa May (y el Brexit) para posicionarse tan explícitamente. Probablemente aquí tengamos los mismos motivos, o más, para que medios ajenos a la política también nos mojásemos en un momento dado, pero viendo el panorama de candidatos que tenemos, dudo que ninguno nos atrevamos. O que encontrásemos a músicos dispuestos a hacerlo. Es lo que tiene el desengaño. ¿Por que alguien se imagina a miembros de Hamlet, Angelus Apatrida o Toundra dispuestos a salir en una foto con Sánchez, Iglesias, Rivera...? (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@bbyoliva Gracias por el vaso (y su contenido) en el @DownloadFestMad. A pesar de que no esté firmado, me llevo un buen recuerdo. @PriMimimimi En @DownloadFestMad pusisteis a @TheOfficialA7X y a @Blink182. No sabéis lo mucho que os amo. Fue de lo mejor de la noche, qué bien me lo pasé. @MikroWrathmark Lo mejor fue que sonó ‘Outshined’ de Soundgarden. @Pedr0Botero El otro día en el tercer encuentro de la final de la ACB en Valencia pincharon Iron Maiden y Rosendo, aún hay esperanza. @TonyLastres Me ha molado el formato de las tres entrevistas que lleváis de @ResurrectionESP, ¡tengo ganas de más! @beXtrm ¡¡Como la liaba @RockZone en el @ExtremeBcn!! Un lujo estar cerca vuestro. PxTxS cracks.

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El día en que conocí a Tyson, de The All-American Rejects. Increíble. (CHRISTIAN IBARGOYEN)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¿Conocéis a Jeremías? Es el que os da por culo todos los días. Hace relativamente poco se celebró uno de los ‘festivales’ más curiosos que hemos presenciado en nuestro país, el Knights Of Metal. Un proyecto de final de carrera que, por fortuna o no, se convirtió en una realidad. Pese a que la organización cifró a 717 asistentes, es sabido por todos que el fracaso fue considerable, hasta el punto de que no había ni 400 personas en una sala como Razzmatazz de Barcelona. El planteamiento fue erróneo desde el principio y, aunque contaba con bandas muy buenas, o estaban muy vistas o su poder de convocatoria es muy pequeño. La campaña de comunicación ha sido terrible también, no puedes hacer un ‘festi’ a más de 50 pavos y que la promo parezca hecha por un chaval de 15 años que está empezando a montar bolos en el bar de abajo. Aunque he de reconocer que tengo curiosidad por haber visto cómo habría sido ese despropósito en el Poble Espanyol, tal y como estaba previsto. Como guindillas del pastel, se cayeron bandas antes de empezar, imposibilidad de salir de la sala, etc. Las entradas no se agotaron, pero las hojas de reclamación sí. Ojalá el año que viene se repita, aprendiendo de todos los errores del pasado y aceptando todas esas críticas de las que se esconden para poder ofrecer un producto en condiciones y salgan los números. La verdad es que a mí me sigue sorprendiendo que al final fuese tanta gente. (MARIUS TIBERIAN)


ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDIAN FO, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

CUANDO LA VIDA TE DA UN MARTILLO Kate Tempest (SEXTO PISO)

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uando la vida te da un martillo sólo hay dos opciones: intentar golpear todos los clavos que ves

a tu alrededor para arreglar el sitio donde te ha tocado vivir o utilizarlo para machacarte la cabeza. Los cuatro protagonistas de esta novela coral se decantan por la primera opción, lo intentan, aunque están lejos de conseguir un futuro espe-

lleva años en el paro y no sabe qué hacer con su vida. Los

ranzador. Becky persigue el sueño de tener su propia compañía

caminos de estos cuatro personajes tan perdidos se van entre-

de baile y de crear sus coreografías pero, mientras tanto, se tiene

lazando a lo largo de los capítulos de esta historia que respira

que conformar con trabajar de camarera y con completar su

un ambiente exclusivamente urbano y que sitúa al lector en el

sueldo dando masajes con final feliz. Harry es lesbiana, trapi-

sureste de Londres, un barrio en profunda transformación y al

chea con drogas y ahorra dinero para construir un centro social

que cuesta reconocer en los momentos en que los protagonistas

para la gente del barrio; Leon es su sombra en el negocio y

van demasiado colocados. La rapera y poeta Kate Tempest

también su mejor amigo desde la infancia. Pete es el hermano

retrata así, con lucidez y esmero, a toda una generación de

de Harry, está enchochado de Becky, pero el problema es que

jóvenes urbanos marcados por la crisis económica reciente.

JF

IL·LUSTRES EXECRABLES

Malcolm Otero y Santi Giménez (EDICIONES B)

S

abíais que Gandhi

incluso pueril) que busca la broma fácil y la sonrisa cómplice del

era un maltratador,

lector. Aunque opino que podrían haberse cortado un poco a la

la Madre Teresa

hora de ridiculizar continuamente a los que han cursado la ESO

de Calcuta, muy egoísta,

(“Una biografía es como el perfil del Facebook pero más larga”).

y que Picasso era violen-

Con todo, para mí ha sido revelador saber que buena parte

to? Si vivís en Catalunya

del mérito de los descubrimientos en Física de Albert Einstein se

y escucháis habitualmente

podrían otorgar sin problema a su mujer (a quien maltrataba psi-

el programa Via Lliure de

cológicamente) o que Pablo Neruda violó a una joven sirvienta y

RAC1 seguro que sí, pero

que lo reconoció en sus memorias relatando el episodio de una

yo no tenía ni idea hasta que he leído este libro que desvela el

forma poética. Del sector musical los únicos ilustres execrables

lado oscuro de 51 personajes célebres. Los periodistas Malcolm

que aparecen en el libro son Elvis y Prince, aunque también pillan

Otero y Santi Giménez dedican cuatro, cinco páginas a cada

dos mandatarios que fueron claves para la historia de la música:

uno de estos famosos que acaban resultando más o menos de-

Margaret Thatcher en Inglaterra y Ronald Reagan en Estados

testables; además, utilizan un lenguaje desenfadado (a veces

Unidos. Muchos ya sabréis por qué.

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JF


ANARCOMA Nazario (LA CÚPULA)

LA CIUDAD MÁS FRÍA Antony Johnston y Sam Hart

HEAVY: LOS CHICOS ESTÁN MAL Miguel N. Núñez (SAPRISTI)

(PLANETA CÓMIC)

Recopilación integral de Anarcoma, publicada en la revista El Víbora y compilada en los 80. Esta nueva edición viene acompañada con material remasterizado por el propio autor e ilustraciones y portadillas extras. Nazario, uno de los primeros exponentes del cómic underground de temática gay en España, realizó con Anarcoma un descarado y divertido folletín protagonizado por un travesti con aspiraciones detectivescas buscando dar visibilidad a la noche barcelonesa (y oculta a la vista de los bien pensantes) de aquellos años. Un pedacito de historia de nuestro cómic. SG

JESSICA JONES ¡DESATADA! Bendis y Gaydos (PANINI)

Thriller de espionaje ambientado en los últimos días de la Guerra Fría. El asesinato de un agente del MI6 en Berlín los días previos a la caída del Muro pone en marcha esta obra de dobles y triples agentes muy bien ejecutada donde destaca el impresionante personaje femenino protagonista y un elenco de interesantísimos secundarios. Sin duda, una recomendación que no puede fallar para los fans de la novela de espías. Esta obra sirve además como base para uno de los blockbusters de este verano, Atomic Blonde, así que dale un repaso antes de ir a refrescarte a tu sala favorita. SG

JUNJI ITO: RELATOS TERRORÍFICOS Junji Ito

Homenajeando a Topo en el subtítulo de la obra se presenta la secuela de Heavy 1986, centrándose en esta ocasión en las diferentes tribus urbanas y sus relaciones/conflictos que habitaban en los barrios obreros de la segunda década de los años 80 en España. La premisa argumental le sirve a Miguel B. Núñez para explorar las tramas abiertas de sus personajes, haciéndoles avanzar, no tanto a golpe de recuerdo idealizado, sino a modo de ejercicio de posicionamiento y entendimiento histórico del momento en el que sitúa su relato. Un nuevo flashback a los 80 de barrio más rockero que pide a gritos nuevas entregas. SG

WONDER WOMAN Elisa McCausland (ERRATA NATURAE)

(EEC)

Por petición popular (y tal vez gracias a Netflix), Investigaciones Alias abre de nuevo sus puertas. Bendis y Gaydos, quienes llevaban tiempo buscando hueco para colaborar de nuevo, han encontrado la horquilla perfecta gracias a los nuevos fans del personaje ganados por el serial televisivo. Preparaos si ése es el caso: esta Jessica Jones es mucho más dura, mal hablada, violenta y extrema que la vista en la tele y sus creadores la colocan en un punto de inicio que descoloca por completo a quienes hemos seguido sus aventuras durante estos años. SG

La colección que recopila los relatos autoconclusivos de Junji Ito hará las delicias del fan del terror al estilo japonés más grotesco. Cada volumen presenta varias historias de diferente corte pero denominador común: logran poner los pelos de punta al lector ya que, con su dibujo preciosista y variedad en los guiones, consigue ofrecer un buen muy mal rato. El volumen que nos ocupa (el noveno) destaca con una historia de vampiros atípica y muy excitante, pero las dedicadas a un pueblo maldito y a una madre obsesiva no desmerecen en absoluto el conjunto. SG

Ensayo dedicado a la amazona de DC que recorre sus 75 años de vida desde la perspectiva feminista, reivindicando los valores con los que fue creada y repasando todas las veces que ésta ha sido destacada como uno de los estandartes de los movimientos feministas. Muy completo, este libro además no sólo es un repaso político-social dedicado al personaje y a todas sus etapas en comic book, sino también un didáctico recorrido por la historia del feminismo a lo largo del siglo pasado y lo que llevamos de éste. SG 13


DE CINE_ CON KIKO VEGA WONDER WOMAN AMAZONAZIS DEL AMOR

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n una época de oscuridad y corrupción, dentro y fuera de la sala de cine, un ángel de luz de exquisita educación y mejores valores ha llegado para aniquilar del todo el aburrimiento. Rodada con brío, con un par de secuencias de acción sobresalientes y la emoción de la aventura por delante, la peli de Patty Jenkins demuestra que Capitán América no estaba lo suficientemente cerca de Hellboy para molar tanto (en realidad era Spider-Man otra vez). Wonder Woman es el triunfo de la sensatez y la honestidad,

un título que viene a revalorizar el mercado DC, una compañía que va necesitada de mejores héroes en la pantalla (no hay más que ver su cabecera, con cuatro pelagatos) y que en esta ocasión parece haber esquivado las premisas obligatorias para terminar siendo un desastre del calibre de Escuadrón Suicida o un tocho plano como las demás. Aquí sus 141 minutos se pasan en un suspiro, y hablando de suspiros, Gal Gadot. La composición de la actriz es monumental, transmitiendo una energía y una presencia arrolladoras acompañadas de unos cuantos modelitos para caer rendidos a sus pies. Si no me equivoco, la línea guitarrera del personaje aparece una sola vez y el resto de músicas de Rupert Gregson-Williams es excelente. Si hace unos años nos dicen que la mejor película DC y del verano 2017 sería Wonder Woman, nuestras carcajadas se habrían escuchado hasta en Themyscira.

EL REY ARTURO: LA LEYENDA DE EXCALIBUR - LOCK, STOCK Y UNA ESPADA

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uy Ritchie es un tipo muy limitado, y los pocos recursos que sabe manejar se agotaron hace casi veinte años, pero a veces, muy de vez en cuando, la jugada no sale mal. Sucedió con Sherlock Holmes y volvió a pasar con la deliciosa The Man From U.N.C.L.E.. ¿Está su odisea artúrica a la altura de esos dos títulos? Lamentablemente no, pero eso no significa que estemos ante un título que merezca terminar barrido por la marea. Aquí el problema es que estamos ante su trabajo más agresivo, pero en el peor sentido de la palabra. Es una enciclopedia pirata de la leyenda que va de más a menos y que no tiene miedo a mezclar la espada y la brujería con la parte más trivial y terrenal de una época extraordinariamente sucia. Y ahí se rompe la película, entre secuencias mundanas en un bosque que parecen sacadas de una serie europea, frenesí de flema británica marca de la casa y al-

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guna que otra cinemática de la PlayStation. Su idea para la visión personal, británica y absolutamente delirante del Rey Arturo no era una tarea fácil, pero para llegar a buen puerto habría necesitado una mayor libertad que, por desgracia, los ejecutivos de Warner no han querido o no han podido conceder: su oscuridad y sus momentos de edición caótica parecen responder a una serie de premisas obligatorias que ya se intuían, por ejemplo, en las dos entregas de Furia De Titanes o en cada una de las entregas de cualquier película basada en el Universo DC. Cuando la película es más Ritchie y menos Warner, es decir, en casi la totalidad de su primera hora, las aventuras de este Rey Arturo al que la piel de Charlie Hunnam sienta como un guante, respira diversión sana en la línea del mítico Robin Hood: Príncipe De Los Ladrones de Kevin Costner (prueba de que cualquier tiempo pasado en Warner fue mejor). Lamentablemente, y a pesar de un final abierto de cara a expandir la leyenda, no parece que la recaudación (135 sobre un presupuesto de 175) haga posible su continuación. ¿Es El Rey Arturo: La Leyenda De Excalibur una buena peli? Desde luego no es una obra de referencia, pero es un fabuloso pasatiempo de verano.


PISANDO FUERTE_ TIRED LION “SI NO TUVIERA LA MÚSICA, NO SÉ QUÉ HARÍA CON MI VIDA” SOPHIE HOPES

FORMACIÓN: Sophie Hopes (voz, guitarra), Matt Tanner (guitarra), Nick Vasey (bajo), Ethan Darnell (batería)

PROCEDENCIA: Perth (Australia) AFINES A: Wolf Alice, Veruca Salt, Charly Bliss PRESENTAN: ‘Cinderella Dracula’ (single, Island)


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ired Lion se encuentran en Barcelona participando en el Primavera Sound como invitados de Sounds Of Australia, una iniciativa para dar a conocer a bandas de ese país a nivel internacional. Nos encontramos con ellos después de haber tocado en un showcase en el escenario instalado en el CCCB, pero no es el único concierto que tienen ese día. Unas cuantas horas más tarde, para ser exactos a las cuatro de la mañana, tienen que volver a descargar su rock grungero en el Parc del Fòrum. “Será el show que más tarde hayamos dado… O el más temprano”, bromea el guitarrista Matt Tanner. Aunque el grupo ya lleva diez años de trayectoria, no fue hasta hace cinco que las cosas empezaron a ponerse serias. “Ethan y yo nos conocimos en la clase de informática”, explica Matt. “Siempre le estaba tocando las pelotas. Luego conocimos a Sophie en clase de música y decidimos empezar a tocar juntos”. Como casi cualquier otra banda, en sus inicios, su motivación era parecerse lo más posible a sus grupos favoritos. “Todos nacimos en los 90”, cuenta Sophie Hopes, cantante y guitarrista. “Creo que cuando conocí a Matt fue cuando descubrí también a Smashing

Pumpkins, y eso me cambió la vida. Por eso empezamos a escribir temas que se pareciesen a ellos (risas)”. Aunque con el tiempo Tired Lion han ido encontrando su personalidad, está claro que el rock alternativo de los 90 les marcó muchísimo. “Creo que cualquier persona a la que le guste la música, empieza por la década anterior a la que le tocaría”, dice Matt. “Cuando empezamos a aprender a tocar nuestros instrumentos fue cuando nos interesó el rock de los 90, porque éramos demasiado pequeños para haberlo vivido en su momento. Cuando empecé a tocar con Ethan tocábamos varios temas de Soundgarden”. La mención del grupo de Seattle hace que inevitablemente salga en la conversación la reciente muerte de Chris Cornell. “No veo ninguna razón por la que quitarse la vida, pero ocurren muchas cosas detrás del telón que nadie conoce”, asegura Matt. “Creo que para cualquier aficionado a la música es difícil de entender lo duro que puede ser a veces”. Al fin y al cabo, los músicos son personas sensibles sumergidas en un entorno muy exigente y competitivo, les digo. “Tienes toda la razón. Hoy ya he llorado tres veces”, desvela Sophie. “Pero una vez cojo mi guitarra, se me

pasa todo. Pero todo es muy confuso. Aunque no seamos como una banda grande que está siete meses de gira, con nuestra experiencia ya hemos aprendido un par de lecciones en la carretera. A veces no tienes ganas de ir a tocar, no tienes ganas de salir de la cama, no quieres levantarte a las tres de la mañana para coger un avión, pero al final te das cuenta de que el amor por la música está por encima de todo y lo que sientes al subirte a un escenario no te lo da nada más. Eso es lo que te hace tirar adelante. Si no tuviera la música, no sé qué haría con mi vida. No tendría un propósito”. Por suerte, ellos lo tienen. Su último lanzamiento es el single ‘Cinderella Dracula’, avance de un álbum de debut que llegará a finales de año. “Aún no le hemos puesto título, pero está casi todo hecho. Es muy variado. Siendo nuestro primer álbum, tendrá un poco de todo. Hay canciones más duras, otras más suaves, algunas partes instrumentales muy interesantes. Ha sido muy divertido. Hasta ahora siempre habíamos entrado para grabar singles, y, claro, un single tiene que ser un single. En cambio, en un álbum puedes desarrollar muchos otros aspectos”. Con él, Tired Lion esperan dar el salto como ha ocurrido con algunos de sus vecinos, aunque como explica Matt, el futuro es impredecible. “Es curioso porque hay bandas como Tame Impala, que hasta que no se hicieron famosas fuera, no se hicieron populares en Australia. Y en cambio grupos que empiezan siendo populares en Australia, les cuesta mucho triunfar fuera”. Veremos cuál es su caso.

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TOI’S IN THE ATTIC LOS CUERNOS DE GENE SIMMONS

H

ola amigos! Cuando tengo el cerebro reblandecido por las altas temperaturas y no ando muy inspirada, espero a que surja la noticia del mes. Así que ahora mismo podría hablaros de que el single de Queens Of The Stone Age no me entusiasma, que me recuerda a un grupo modernete de éstos que llenan Razzmatazz y son figuras prominentes de algunos festivales, pero al amigo Homme le debo cierto respeto, por lo que prefiero ser prudente, dejar este asunto a un lado y centrarme en la tontería del mes, que viene ni más ni menos que de Gene Simmons, el bajista de Kiss. Que me encantan los de Nueva York, y aunque desde hace mucho tiempo se hayan convertido en una maquinaria de hacer dinero y de ejecutar conciertos calculados al detalle, no lo he ocultado jamás. Además de esas caras pintadas –menos mal, porque son feos de cojones- resulta que tienen temazos como para parar un tren. Pero los líderes Paul

Stanley y Gene Simmons son unos peseteros a unos niveles de escándalo. Inspirados por el mánager de Elvis, Colonel Parker, llevaron el concepto de merchandising a su máximo exponente, llegando a vender ataúdes-nevera e incluso papel higiénico de su marca. Ahora Simmons, después de haber rentabilizado todos los recursos posibles, dio una vez más la vuelta a la tortilla y anunció que presentaría una solicitud en la oficina de patentes y marcas de Estados Unidos para apropiarse del gesto de los cuernos. Sí, sí, los cuernecitos que hacemos en los bolos. Da igual que en el lenguaje de signos americano signifique ‘amor’, o que John Lennon ya los anduviera haciendo en Yellow Submarine; Simmons afirma que, antes de que Dio hiciera cuernos en los 70, él ya estaba imitando a Spider-man. Por cierto, dada la avalancha de críticas, The Demon ya ha retirado la petición. ¡Menudo gilipollas! (TOI BROWNSTONE)


ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Screaming For Vengeance de Judas Priest. Cuando en 1982 salió al mercado Screaming For Vengeance, Judas Priest ya eran una banda establecida, a pesar de que su imagen de cuero negro y el sonido de las motocicletas no ayudaban mucho a su popularidad. De hecho, a finales de los 70 y principios de los 80, si veías a alguien con una imagen dura y de delincuente es muy probable que fuese fan de Judas Priest. El uniforme adolescente de cuero y tejanos se relacionaba directamente con ellos. La banda ya había alcanzado el éxito comercial en 1980

dirección con, incluso, canciones todavía más populares. El álbum de 1981, Point Of Entry, llegó a Disco de Oro y dio los (semi) hits ‘Heading Out To The Highway’ y ‘Hot Rockin’’, pero fracasó en su intento de igualar el éxito de British Steel. El intento a propósito de hacer canciones más comerciales no colmó sus expectativas, así que recularon y volvieron a su sonido heavy. Sorprendentemente, el resultado fue un matrimonio de éxito comercial y de crítica: Screaming For Vengeance. La música es algo voluble. Puedes ser lo más un minuto y caer en el olvido en el siguiente. A pesar del éxito y el supuesto respeto que éste debe traerte, también puede perderse en el momento en que nueva gente se une a la fiesta y simplemente no le gusta. Así que dice mucho de Judas que, en todos estos años, no

con British Steel y canciones como ‘Breaking The Law’ y ‘Living After Midnight’, y estaba impaciente por seguir en esa

he oído ni a una sola persona que hablara mal de Screaming For Vengeance. Pese

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a tener el mayor éxito comercial de su carrera y uno de los grandes himnos de las radios con ‘You’ve Got Another Thing Coming’ (canción que estaría en mi top 10 de grandes himnos rockeros de todos los tiempos), nunca nadie ha dicho que Priest se vendieran en este álbum. No puede decirse lo mismo de bandas similares. Para mí, Screaming For Vengeance es un disco perfectamente equilibrado en el que existe una gran dosis de material heavy, pero que al mismo tiempo, mantiene su atractivo comercial. Es alucinante cómo canciones como ‘Bloodstone’,

‘(Take These) Chains’ y ‘Fever’ tienen la habilidad de encandilar tanto a los rockeros más cerrados como a los amantes del pop. Fuera de Metallica y su Black Album, no creo que exista otro grupo que haya sabido combinar ambos mundos de una manera tan exitosa. Y, aun así, Metallica tuvo que aguantar algunos dardos envenenados por ello. Sólo sé que si por alguna razón Rob Halford no pudiese cantar ‘Devil’s Child’, sé de uno que podría hacerlo en menos que canta un gallo (ejem, ejem). Hasta el mes que viene, DANKO JONES


LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> ALBERT LAX INTERPRETA ‘SOMETHINGS DESTROYING MY HEAD’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

A

lbert Lax tiene el 6 de septiembre marcado en su agenda desde hace tiempo. Ése es el día en el que se estrenará The Deepest String (Hidden Track), el primer álbum de este músico de Granollers (Barcelona). Albert nos cuenta que empezó a componer por aburrimiento hace unos seis años. “Cogí una guitarra acústica y me puse a enlazar letras y acordes. Empecé a grabar en casa, con un micro cutre y fui colgando los temas en un Bandcamp”. Cuando la banda de rock alternativo en la que estaba lo dejó, empezó a centrarse en su propia carrera. “Mi hermano se sumó con el cajón flamenco y otra acústica y empezamos a tocar en directo. A la gente le gustó y entonces me planteé hacer un disco”. Para ello ha contado con la ayuda del productor Víctor Valiente (Sidonie, Standstill) y otros músicos invitados, ocupándose básicamente él de las voces y las rítmicas. Entre los estudios Nautilus, La Molería y la propia casa de Valiente, los diez te-

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mas que encontramos en The Deepest String fueron tomando forma durante el verano pasado. “Yo escribía los temas con base acústica pero me imaginaba poder potenciarlos con una batería y distorsión o un teclado. Y al final es lo que hicimos”. Escuchándolo se aprecian influencias de bandas de los 90 y también del considerado mejor vocalista de esa década. “El año pasado me pilló muy fuerte con Jeff Buckley”, reconoce. “No sé por qué no lo había descubierto antes. Yo era muy de Pearl Jam, Nirvana y Alice In Chains, de las modulaciones de Chris Cornell con semitonos… Y en el disco hay muchas cosas que intenté hacer como Buckley, pero sin perder lo otro. Ahora me he viciado mucho con Elvis y también estoy intentando darle un toque suyo (risas). Siempre me han gustado mucho los clásicos. Básicamente los 70 y los 90. Creo que a nivel espiritual tienen mucho en común. Para mí Neil Young representa muy bien esta conexión. Pero los

70 me quedan muy lejos, los admiro pero… En cambio, las maneras de la generación de los 90 tienen más similitudes con lo que ha sido mi vida. Pero al final tienes que encontrar tu propio registro y trabajar con eso”. The Deepest String se abre con ‘Yourself’, una canción que para Albert tiene un significado especial. “Es la primera que grabé solo. A los 19 años tuve una relación catastrófica que me cambió la visión de las cosas. Compuse el tema a las 3 de la mañana con la guitarra eléctrica sin amplificar para no hacer ruido. Aunque no lo hice pensando en nada serio, quería que estuviera en el disco porque para mí es como cerrar una etapa”. Pero aunque para él signifique eso, está claro que con su debut se abre una de nueva. De hecho, Albert ya está pensando en el siguiente disco. “Soy bastante impaciente”, admite. “Tengo muchas ideas en la cabeza, pero este proceso me está enseñando ir paso a paso”.


MOTIONLESS IN WHITE

VAMPIROS DE DÍA


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EN SU CUARTO DISCO GRAVEYARD SHIFT, MOTIONLESS IN WHITE POR FIN HAN ENCONTRADO EL SONIDO QUE ANDABAN BUSCANDO DESDE SUS INICIOS. COMO NOS CUENTA SU VOCALISTA CHRIS MOTIONLESS, EL CAMINO NO HA SIDO FÁCIL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A PRIMERA VEZ QUE VI UNA FOTO DE MOTIONLESS IN WHITE, ALLÁ POR 2010, cuando publicaron su primer álbum Creatures, pensé que eran unos auténticos mamarrachos. Al igual que Black Veil Brides, parecía que los músicos hubieran invertido más horas en estudiar su look que en escribir buenas canciones. Pero tanto en el caso de unos y otros, la estrategia funcionó y fue suficiente para que miles de adolescentes se fijaran en ellos. Afortunadamente, en estos años, la situación se ha ido encauzando y después de haber ido cambiando de personal, Chris y sus actuales compañeros -los guitarristas Ryan Sitkowski y Ricky Horror, el bajista Devin ‘Ghost’ Sola y el batería Vinny Mauro- han puesto la música en un primer plano. De hecho, cuando Chris Cerulli, conocido por sus fans como Chris Motionless, nos recibe en el backstage del Download Madrid, luce una imagen de lo más normal con camiseta y jeans y ni rastro de maquillaje, ni prendas estrafalarias. Si no fuera por las decenas de tatuajes que cubren su cuerpo y sus piercings, que le dan un cierto aire de rockstar, podría pasar por un chaval más del público. Ya tenía referencias de que se trataba de un tipo realmente amable, y la verdad es que lo es. Al contrario que uno de sus ídolos, Marilyn Manson -cuya influencia es más que notable en su nuevo disco Graveyard Shift (Roadrunner)-, Chris no parece tener la necesidad de vivir el personaje 24 horas al día y se muestra en todo momento de los más cercano. Ésta es vuestra primera vez aquí, en España… CHRIS MOTIONLESS “¡Sí! Tengo una aplicación con la que puedes marcar todos los países en los que has estado y llevaba mucho tiempo deseando poder tachar España de la lista. Lo primero que hice cuando aterrizamos fue hacer un check (risas). No sabía qué esperar, pero es curioso porque


hay aspectos que me recuerdan a California (risas)”.

“MI PROPÓSITO NO ES OFENDER A NADIE, PERO SI LO HAGO, MALA SUERTE. QUIZÁ HAY UN MOTIVO POR EL QUE ALGO TE OFENDE. LA VERDAD DUELE” CHRIS MOTIONLESS

¿Crees que tocar en un festival como éste es la mejor manera para presentar al grupo ante un nuevo público? “Hay aspectos positivos y negativos. Es una oportunidad para tocar ante mucha gente que quizá no nos conozca. Nos verá más gente aquí que si hubiésemos dado un concierto nosotros solos. Pero por otra parte sé que hay fans que no tienen el dinero o la posibilidad de desplazarse hasta este festival, así que también pierdes a parte de tu público. Pero me encanta el ambiente de los festivales”. Para serte completamente sincero, vuestros discos anteriores me parecían bastante genéricos. En cambio, en Graveyard Shift creo que habéis encontrado algo más personal. ¿Estás de acuerdo? “Gracias por la sinceridad (risas). La verdad es que estoy de acuerdo, aunque creo que en el disco anterior ya empezamos a encontrar nuestro sonido. Pero sin duda, Graveyard Shift es en el que realmente sonamos a Motionless In White. Es algo que nos ha costado porque en la música ya se ha hecho de todo, no es fácil encontrar tu hueco en el que puedas crecer y desarrollarte. En ese sentido, el nuevo disco es un éxito”. Sobre todo, en los dos primeros discos, tirasteis más hacia el metalcore, pero vuestras influencias no vienen precisamente de ahí, ¿no? “Siempre habíamos querido tener el

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sonido que tenemos ahora, pero cuando empezamos siempre tocábamos con bandas de hardcore o metalcore y pensábamos que si no sonábamos igual de duros que ellas no íbamos a gustar a la gente. Sentíamos la presión de encajar con el resto y nos encasillamos. Pero creo que después del primer disco ya tuvimos la voluntad de desmarcarnos. Ha sido un proceso de aprendizaje hasta conseguirlo”. Sin embargo, vuestra imagen era diferente a la de las otras bandas. ¿Es como si antes hubierais tenido más claro cómo tener una imagen distinta que un sonido distinto? “(Risas) Sí. Aun así, las bandas metal-

core que siempre nos gustaron como Eighteen Visions, Bleeding Through o Atreyu tenían una imagen más oscura. AFI es otra banda que nos influyó mucho porque iban de negro y llevaban maquillaje. Para nosotros tenía sentido, e incluso cuando éramos más metal, buscábamos esas atmósferas más oscuras. Pero como te decía, ha sido un proceso de aprendizaje”. Háblame de tu adolescencia. ¿Eras un chico popular o te marginaban por tu manera de vestir o tus gustos? “Era un chico muy atlético. Estaba muy metido en el deporte y, de hecho, me sigue gustando, pero a medida que fui avanzando en el instituto,


la cosa cambió (risas). Mi historia es un cliché (risas). Empecé a escuchar punk y metal, a vestir diferente, y mis amigos empezaron a distanciarse. Me convertí en un marginado, pero por suerte conocí a otros marginados con los que entablé amistad (risas). Los góticos nos apoyábamos los unos a los otros. Creo que esa mentalidad se ha trasladado al grupo”. Cuéntame cómo te sentiste la primera vez que usaste lápiz de ojos o maquillaje... “Es una buena historia. Cada año en el instituto hacíamos un concurso donde cada alumno, individualmente o en grupo, hacía una actuación. Tenía 16 años y monté un grupo. Normalmente yo era muy reservado, así que nadie esperaba verme tocar en un escenario, y menos maquillado. Toda la gente alucinó. Al día siguiente, cuando entré en la clase, todos mis compañeros se levantaron para aplaudirme. Fue rarísimo (risas). Pero luego, todo volvió a la normalidad y volvieron a odiarme (risas). De hecho, en mi instituto estaba prohibido llevar lápiz de ojos o piercings. Así que cuando salía de clase, cogía mi skate, me ponía los piercings y me iba a patinar al parque con los otros ‘raritos’”. Muchas letras de vuestras canciones tienen connotaciones sexuales y habéis recibido bastantes críticas por ello. ¿Cómo te las tomas? “Al menos en América, no sé si aquí es igual, el sexo sigue siendo un tabú, tiene connotaciones negativas. La primera canción del disco ‘Rats’ es muy sexual, pero no necesariamente hablo de mí, sino que animo a que la gente

rompa con ese tabú. No creo que el sexo tenga que ser el centro de tu existencia, pero todo el mundo debería sentirse cómodo con su propia opción sexual. Digamos que uso las canciones para lanzar ese tipo de mensajes. A veces se inspiran en experiencias propias y otras no. Por ejemplo, la canción ‘Not My Type: Dead As Fuck 2’ es una historia estúpida cuyo único objetivo es divertir. No tiene que tomarse en serio. Es sexual, pero como si fuera una película de terror. Así que hay diferentes maneras de enfocar la sexualidad”. Supongo que como artista siempre corres el riesgo de ser malinterpretado. “Claro. Es muy triste porque ahora todo tiene que ser explicado. Hay canciones en las que me gusta que cada uno saque su interpretación y nunca explicaré su significado. Pero hay otras que me siento con la obligación de hacerlo porque nadie entiende ni de lejos lo que quería expresar. A veces me cuestiono si quizá no supe transmitir bien el mensaje o si quizá es demasiado personal como para que otro lo entienda… Especialmente en este disco hay muchas letras que deberían tomarse en broma que la gente se está tomando en serio”. ¿Crees que la corrección política hace que ya nadie tolere que se pueda hacer broma de nada? Parece que siempre hay alguien dispuesto a ofenderse digas lo que digas. “Estoy totalmente de acuerdo. Es una línea muy fina. Obviamente queremos expresarnos con libertad, pero tampoco queremos hacer daño a nadie.

Hoy en día tu carrera se puede ir al garete como haya un colectivo determinado que vaya a por ti. Es muy triste porque tienes que ir con mucho cuidado con cada palabra que digas. Por eso hay tantos artistas que optan por no decir nada y escribir canciones que no hablan sobre nada profundo. Quizá por eso tienen mucho más éxito que nosotros (risas). Pero no es lo que quiero para mí. Yo quiero que cada canción explique algo. Mi propósito no es ofender a nadie, pero si lo hago, mala suerte. Quizá hay un motivo por el que algo te ofende. La verdad duele”. En ‘Necessary Evil’ habéis contado con Jonathan Davis de Korn como invitado. ¿Era uno de tus ídolos de juventud? “Sí, Korn eran de mis grupos favoritos. Yo empecé tocando la guitarra con 12 ó 13 años, una guitarra normal de seis cuerdas. Pero cuando los descubrí con Follow The Leader imploré a mis padres que me compraran una guitarra de siete cuerdas. Y por Navidad me la regalaron, me compré las partituras de Follow The Leader y aprendí a tocar todas las canciones. Así que imagínate lo que supone para mí haber pasado de estudiar sus temas a tener a Jonathan cantando uno de los nuestros. Es irreal. Para mí esa canción representa la unión de dos generaciones. Jonathan es un icono que abrió las puertas para que, veinte años después, grupos como el nuestro podamos hacer música. Es muy especial”. Supongo que el próximo objetivo es poder cantarla juntos en algún concierto…

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“Sí, no sé si será este año. Pero espero que en algún momento podamos hacerlo. La primera vez que la tocamos fue en el Download de Inglaterra, pero él no estaba ahí”. Otro artista importante para ti es Marilyn Manson. ¿Cómo ves su evolución? “Desde luego ha sido una gran inspiración para mí. Como artista me doy cuenta de que cada año que pasa te conviertes en una persona distinta. Es lo que hablábamos antes. Puede que sienta vergüenza de nuestro debut, pero forma parte de nuestra historia. Creo que quizá Manson simplemente cambió de gustos y quizá no encajan con los gustos de su público. Siempre habrá fans que prefieran tus primeros discos, pero él no se acobardó a la hora de experimentar. En uno de sus álbumes usó bases hip hop mezcladas con punk rock y ahora hace algo más suave, pero creo que siempre ofrece cosas interesantes. Su última obra me gustó bastante. Me encanta ‘Third Day Of A Seven Day Binge’ y ‘Deep Six’. Prefiero sus primeros discos, pero todavía aprecio y entiendo lo que hace”. 28

Al igual que le ocurre a él, Motionless In White es claramente tu proyecto. ¿Cómo equilibras ese liderazgo con que el resto de músicos también se sientan parte de la banda? “Es complicado. Yo soy el único miembro original que queda, y sé que hay gente que se ha cabreado conmigo por eso. Pero tengo la suerte de que los músicos que me acompañan ahora comparten mi visión. Cuando empezamos no había un líder y eso provocaba muchas discusiones. Los que han ido entrando saben que el líder soy yo y lo aceptan y quieren formar parte de lo que he construido. Y al mismo tiempo, yo valoro sus gustos y opiniones. Ahora todo es mucho más fácil. Si tenemos diferencias en algo, ellos suelen ganar porque cuando tres o cuatro músicos están de acuerdo en algo, es muy probable que quien esté equivocado sea yo (risas). Así que intento que estén involucrados al máximo. No hay problemas de ego”. ¿Cómo ves el grupo a diez años vista?

“El año pasado en el Warped Tour celebramos nuestro décimo aniversario y lancé un mensaje agradeciendo a los fans por estos diez años y por los diez que vendrán. Quizá fue un poco atrevido pensar que estaremos aquí en diez años, pero siento que todavía no hemos llegado al máximo de nuestro potencial. Cada año seguimos creciendo y mientras eso ocurra, no hay motivo para parar. Desde luego, no soy de los que quiero arrastrar la banda a tocar para cinco personas si no le interesamos a nadie. No quiero destrozar nuestro legado. Creo que llegaremos a nuestro vigésimo aniversario, aunque como Manson, es posible que las cosas sean muy distintas a como son ahora. Creo que hasta ahora hemos hecho un buen trabajo. El secreto es apreciar todo lo que consigues. Por ejemplo, formar parte de la primera edición del Download Madrid es algo que valorar. En el momento en el que dejas de valorar estas cosas, estás jodido”.


STEVEN WILSON

CORONADO COMO UNO DE LOS REYES DEL ROCK PROGRESIVO ACTUAL, STEVEN WILSON SE DISPONE A AFRONTAR SU MAYOR RETO. CON TO THE BONE, SU QUINTO DISCO EN SOLITARIO, EL LÍDER DE PORCUPINE TREE QUIERE LLEGAR A TODOS LOS QUE TODAVÍA NO TIENEN NI PUÑETERA IDEA DE QUIÉN ES. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

OSCURIDAD EN COLOR


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ACE UN MES, LOS FANS DE STEVEN WILSON recibían varias buenas noticias de golpe. La publicación de un nuevo disco, To The Bone (Caroline/Music As Usual), el próximo 18 de agosto, el lanzamiento de su primer single ‘Pariah’ y la confirmación de conciertos en Madrid y Barcelona, el 1 y 3 de febrero respectivamente. Pero si algo se deduce de nuestra charla con el músico británico es que, por muy agradecido que esté con quienes le siguen, ya sea por su labor al frente de Porcupine Tree, Blackfield o como productor de algunos de los mejores trabajos de Opeth, su máxima prioridad es dejar de ser una figura de culto y llegar a un público más amplio. Inspirado por discos de los 80 como So de Peter Gabriel, Hounds Of Love de Kate Bush, Seeds Of Love de Tears For Fears o Colour Of Spring de Talk Talk, todos ellos ideados por músicos con ganas de experimentar pero que a la vez tuvieron un impacto en el mainstream, Wilson ha facturado su álbum más accesible. Eso no significa que su música haya perdido ni un ápice de elegancia o que sus letras se hayan banalizado. Al contrario, To The Bone es más que nunca una fotografía del mundo complejo en el que vivimos y trata temas como la posverdad o el terrorismo. Una obra ambiciosa que ojalá consiga el objetivo de su creador. ¿Sientes que con To The Bone se inicia una nueva etapa en tu carrera? STEVEN WILSON “Para mí éste es un disco diferente, tengo más

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esperanzas en él para que me lleve a otros lugares y que llegue a gente más allá de mi público en el underground. No me estoy quejando ni nada parecido, tengo una base muy leal de fans que compraron Hand. Cannot.Erase y The Raven, son muy fieles, pero siempre ha habido una parte de mí que creía que mi música debería estar disponible para todo el mundo. Creo que mi música no es difícil de disfrutar, siempre he tenido un lado muy pop, siempre he tenido mucha melodía, y siempre he intentado evitar que la gente ponga mi música en una categoría específica, aunque lo hayan hecho. Siempre han llamado rock progresivo o rock espacial a lo que he hago, pero siempre me ha incomodado porque creo que el impulso natural de cualquier músico es que su obra llegue a cuanta más gente posible. Este nuevo disco tiene cosas muy sencillas, muchas melodías y coros muy poderosos, pero no es un disco simple ya que también tiene sofisticación y ambición en la manera en la que está producido, en los arreglos... Creo que este álbum se merece la oportunidad de alcanzar a una audiencia mayor, y parte del plan era moverme a un nuevo sello, a un nuevo management, y de alguna manera, poner el listón más alto”. ¿Crees que el llegar a un público mayor tendrá más que ver por haber fichado por Caroline International o por el hecho de que se trate de un disco que es más digerible que los demás? “Creo que ambas cosas van juntas. Es un disco más accesible, pero no por ello un disco menos ambicioso.

Y Caroline, al ser parte del imperio de Universal, tienen más poder en cuanto a promoción. Pero ya veremos, también puede pasar que este álbum no llegue a más gente de lo que llegó el disco anterior. Hand.Cannot.Erase funcionó muy bien, pero puede ocurrir que To The Bone llegue sólo a ese público, lo cual está bien. Lo que quiero intentar es ver si hay gente ahí fuera que nunca haya escuchado mi nombre pero a la que quizás le guste mi música si encuentra la puerta correcta para acceder a ella. Todo se trata de eso, de darles una puerta con la


“EN ESTE NUEVO DISCO ES LA PRIMERA VEZ QUE PODRÉIS ESCUCHAR CANCIONES DE STEVEN WILSON CON ALGO DE FELICIDAD (RISAS)” STEVEN WILSON

que acceder a mi mundo, porque no creo que mi música sea difícil, aunque tampoco sea la más accesible del mundo. Hasta ahora quien la descubría no era a través de la radio ni la televisión, sino a través de un amigo, del boca oreja. Con Caroline puede que algunas de esas otras puertas se abran, y alguien que no escucha rock progresivo, ni música pesada, ni art rock pueda toparse con una de mis canciones y decir ‘esto me gusta’ sin pensar a qué género pertenece. Es la ambición que tengo con este disco, y es la ambición que llevo teniendo

desde hace bastante tiempo”. Ahora que hablas del rock progresivo, tu figura ha sido de alguna manera idolatrada dentro del género, te han puesto como un mesías y los fans más dedicados han alabado sin dudar todo lo que has hecho en los últimos años. ¿Exageran? “Lo que dices es totalmente correcto. Cuando tu música permanece en el underground es pasto para los fans más obsesivos. Eso pasa mucho en el

rock progresivo, los fans se obsesionan con los artistas que escuchan, porque además tienen que esforzarse para conseguir ese tipo de música, y eso hace que quizá no sean del todo objetivos. Todo eso es consecuencia de caer en una categoría específica como el rock progresivo, pero lo cierto es que mi último disco tenía canciones que fácilmente podrían pertenecer al pop o la electrónica. Lo que pasa es que los fans de esos estilos no han tenido la oportunidad de escuchar esas canciones. Para mí ha sido una pequeña frustración haber caído en

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una sola categoría a lo largo de los años. Cuando miro mi trabajo estoy de acuerdo con que he escrito canciones de metal, que he escrito canciones de rock progresivo, pero también he escrito canciones electrónicas o de pop, baladas acústicas o canciones de jazz, así que toda mi vida me he resistido a que me encasillen. No me quejo de nada, he escrito mucha música que cae en la categoría de rock progresivo, pero he hecho más cosas. Crecí en una casa donde mis padres escuchaban a ABBA, Bee Gees y The Carpenters tanto como escuchaban The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. Me crié con todo ese tipo de canciones y nunca vi una diferencia clara entre unas y otras. No fue hasta que crecí que me di cuenta de las diferencias, pero cuando era niño todo era simplemente música excelente. Me gusta tanto el pop como me gusta el doom metal, por eso me resisto a que me etiqueten”. Otro estigma que tienes es el de crear temas tristes, los fans te asocian con sonidos oscuros y lúgubres. Yo también lo hago en parte, pero por ejemplo al verte en el festival Be Prog! My Friend de Barcelona, la experiencia de estar ahí me hizo feliz. ¿Que tu disco aparezca en verano es una manera también de distanciarte de esa imagen oscura? “No necesariamente, porque tengo que reconocer que la música melancólica me atrae bastante. Crecí escuchando a bandas como Joy Division y The Cure, grupos que la gente asocia a la miseria total (risas), pero me pasa como a ti, y es que me siento feliz

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escuchando ese tipo de música. Joy Division y The Cure me hacían feliz, no me ponían triste, y pasa lo mismo con mucha música melancólica como Nick Drake o Pink Floyd. Ese tipo de música puede levantar mucho el espíritu, puede ser muy hermosa. No me puedo quejar de que me asocien a ese tipo de sonidos porque mi música es muy oscura, pero lo gracioso es que en este nuevo disco es la primera vez que podréis escuchar canciones de Steven Wilson con algo de felicidad (risas). Hay un elemento alegre en algunas de estas canciones, y eso es algo que la gente no asocia a mi nombre, así que es una especie de revelación de mi personalidad que no había salido hasta ahora”. Lo primero que pudimos escuchar de este lanzamiento es ‘Pariah’, la canción que compartes con Ninet Tayeb. ¿Recuerdas cuándo fue la primera vez que te enamoraste de su voz? “Conozco a Ninet desde hace muchos años. Sabía que era una cantante increíble, pero la primera vez que comprendí que su voz encajaría a la perfección con mi música fue cuando cantó ‘Routine’ en Hand.Cannot.Erase. Ella fue una de las tres vocalistas a las que pedí que hiciesen una versión de ‘Routine’ porque no estaba seguro si iba a funcionar, y tampoco estaba seguro de qué tipo de voz estaba buscando porque era una pieza muy frágil. De las tres demos que recibí, la de Ninet fue la que más me impactó. Me puso la piel de gallina, tanto que nos acompañó en varias noches de la gira para cantar la canción y a la gente le encantó. Cuando empecé a

componer para To The Bone sabía que quería volver a escribir más canciones para Ninet, y por eso deliberadamente escribí dos duetos: ‘Pariah’ y ‘Blank Tapes’. Y aunque no canta en ellas, también se involucró profundamente en otras tres canciones de este disco. Es extraordinaria”. En la edición normal de To The Bone encontramos once canciones, pero también hay una deluxe que cuenta con demos y otras canciones inéditas. Imagino que con tu trabajo como productor tienes fácil acceso a cualquier estudio de grabación. ¿Eres de los que tiene un archivo enorme de material inédito para utilizarlo cuando quieras? “Siempre escribo y grabo más canciones de las que necesito para un disco, porque me gusta poder elegir entre una amplia selección cuáles son las canciones más fuertes y que mejor suenan juntas. Por ejemplo, para To The Bone escribí unas veinte canciones, de las cuales once están en el disco y otras cuatro o cinco aparecen en la edición especial. Todavía tengo tres o cuatro canciones que creo que son bastante poderosas pero que no he terminado aún y que seguramente acabarán en un EP. Lo que me ocurre siempre es que cuando empiezo a componer para un álbum todavía no sé exactamente qué rumbo tomarán las canciones. Por ejemplo, cuando empecé con éste, las primeras canciones que salieron me sonaban demasiado a Hand.Cannot.Erase, sonaban a una continuación y no es lo que quería hacer. Algunas de esas canciones acabaron en la edición especial y


“TODAS LAS IDEAS, O CASI TODAS, NACEN DE STEVEN WILSON. SIEMPRE HA SIDO ASÍ Y NO ME IMAGINO QUE PUEDA SER DE OTRA MANERA”” STEVEN WILSON

suena a algo que estaba haciendo hace tres o cuatro años atrás. Son canciones muy buenas, pero no para To The Bone”. Esta edición especial también incluye un libro de 120 páginas. Ahora, con toda una maquinaria detrás, y contando con que eres un hombre extremadamente ocupado, ¿sigues prestándole la misma atención a estas cosas? ¿No sabes delegar? “Sigo involucrado al 100% en todo (risas). Soy lo que llaman un maniático del control. Me encargo de elegirlo todo, desde las fotos que se usarán, a las ilustraciones, a cómo va a estar maquetado, todo, porque para mí es

una extensión de mi música. También es una extensión de mi personalidad, así que estoy involucrado en la creación de la página web, del diseño de las camisetas, de las fotos promocionales, de los vídeos... En cierta manera, no entiendo que no sea así para todos los artistas. Todo esto, las portadas, la web, las camisetas, todo viene a formar parte de tu carácter musical. Si tienes a otra gente trabajando en todas estas cosas es muy probable que el resultado final no tenga tu personalidad, y debería de tenerlo porque es una extensión más de tu música. Para mí es un ciclo que empieza cuando empiezo a componer las canciones, y que se extiende hasta que lo llevo al directo... Todas las ideas, o casi todas, nacen de Steven Wilson.

Siempre ha sido así y no me imagino que pueda ser de otra manera”. Las letras de este disco hablan en parte del terrorismo, del fundamentalismo religioso, de lo que estamos viviendo estos días. Es algo que afecta directamente a la música con atentados como los de Bataclan. Imagino que crees que es un asunto que tiene que reflejarse de cierta manera en el arte. “Es difícil no verse afectado por esto, ya seas un escritor, compositor, novelista o cualquier tipo de artista. Siempre nos vemos afectados por lo que nos rodea, y creo que ahora vendrá una fuerte ola de artistas que reflejen el mundo en el que vivimos. Ese mundo

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ahora tiene miedo del terrorismo, es una realidad, y es nuestro deber exponer la verdad ya sea en películas o canciones. Esa verdad se puede retorcer y mutar de todas las maneras posibles para que vaya en favor de los intereses de quien lo haga, pero tenemos que exponerla tal cual. Por supuesto que escribo sobre el asunto en este nuevo disco, pero espero no hacerlo como si fuese un discurso político, sino más bien a través de personajes e historias. La canción ‘Refugees’ está planteada desde un punto de vista individual, es una pieza emocional en primera persona, y hablo también de terrorismo desde la perspectiva de quien lo vive, no como una ideología. Hablo de situaciones que pasan todos los días, de gente que vive en pisos, que llevan a sus niños al colegio, que sacan la basura por las noches, y que viven con miedo. No soy Bono, ni Bruce Springsteen, no voy a hacer una canción política, no voy a defender ninguna corriente ni pedirte que votes por éste o ese candidato. Yo hablo de personajes, de historias, del día a día”. ¿Crees que alguien que, por ejemplo, no hable inglés y no sepa qué estás contando, disfrutará igual con tu música? “Espero que sí, porque además de los mensajes, esto no deja de ser música. Las palabras tienen que estar al servicio de la música, las palabras no tienen que ser poemas, no tienen que leerse como un libro, sino simplemente experimentarse, si es posible. Para mí eso es lo bueno de la música, que cruza las fronteras de los idiomas, de las culturas, y puedes disfrutarla a un nivel estrictamente musical. Yo perso-

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nalmente siempre he prestado principal atención a las letras de las canciones, pero hay gente que no lo hace, que sigue el ritmo o la melodía y no le importan las palabras. A mí me gusta que las canciones digan algo, sacar algo de las historias, pero no olvidemos que esto es música pop o música rock, y en este tipo de música lo que importa es la textura, las melodías, el

ritmo y el gancho. También una buena voz puede trasmitir todas las emociones que necesitas, sin hablar el idioma… Toma por ejemplo a Ninet, podría cantarte la guía telefónica y acabarías llorando de emoción (risas)”.


GOATWHORE

DENTRO DEL METAL EXTREMO HAY POCAS BANDAS MÁS CURRANTES QUE GOATWHORE. CURTIDOS EN MIL BATALLAS Y AMANTES DE LA CARRETERA, LA BANDA DE BLACK THRASH MÁS EXITOSA DEL MOMENTO PRESENTA AHORA VENGEFUL ASCENSION, SU YA SÉPTIMO ÁLBUM. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS : DR


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N TEMA GIRAS, LO DE GOATWHORE ES UNA ABSOLUTA LOCURA. Me pregunto

si alguna vez verán a familiares y amigos, porque uno tiene la sensación de que están tocando y pateándose el planeta todos los días del año. Mires el cartel que mires, ahí están ellos, sin miedo a tocar para audiencias ajenas o en cualquier festival que les acoja, sea del palo que sea. Seguramente tengan al mejor mánager del mundo y unas energías semejantes a las de Son Goku, porque nunca les ves desfallecer en ninguno de sus innumerables shows, pero lo que está claro es que esta pasión por arrasar todos los escenarios que se les

pongan a tiro ha hecho de ellos una de las mejores bandas de black thrash de la actualidad, y también la única que ha logrado romper con las barreras del estilo para ser aceptada más allá de su circuito natural. Ben Falgoust II (voz), Sammy Duet (guitarra, voz) y Zack Simmons (batería) ya tienen en Vengeful Ascension (Metal Blade) la mejor excusa para volver a su rutina favorita, el asfalto y las tablas, y a ellos se les sumará Robert ‘TA’ Coleman como bajista de directo en sustitución de James Harvey. De su extenuante estilo de vida, su nueva obra o la filosofía que hay detrás de sus canciones hablamos con el hombre tras los parches.


Sois una de las bandas más famosas del black thrash en todo el mundo, pero comparados con Aura Noir o Desaster, por ejemplo, estáis en contacto o sois seguidos por muchos tipos de audiencias más allá del núcleo cerrado de lo que sería estrictamente metal extremo. ¿Cómo te lo explicas? O mejor dicho, ¿cómo lo lograsteis? ZACK SIMMONS “No fue algo que realmente planeáramos, el mezclar aspectos de diferentes tipos de metal. Realmente, eso se reduce a tener cuatro músicos diversos y versátiles que tienen todo tipo de influencias distintas. Esto viene de un lugar honesto de dentro de nosotros y creo que es la razón por la que podemos cruzar ciertos límites dentro del género”. Tengo la sensación de que estáis siempre de gira, de que vivís en un tour perpetuo. ¿Cuántos conciertos hacéis al año? ¿Crees que es vuestro punto fuerte? “Definitivamente pasamos una gran cantidad de tiempo en la carretera girando, y eso es sólo algo con lo que hemos crecido acostumbrándonos y que anhelamos. Yo diría que tenemos un promedio de 250 shows al año cuando el álbum está en pleno apogeo (la puta de oros… -ndr.). Algunos años puede ser un poco menos porque componemos y por ser más selectivos acerca de ciertas oportunidades. Es sólo parte de nuestro estilo de vida, nos gusta estar tan cerca y cara a cara de la gente como podamos”. ¿Cuáles son tus bandas favoritas para girar? ¿Puedes con40

tarnos alguna loca aventura en la carretera? “Nos lo pasamos genial con casi cualquier banda con la que giremos. Nos llevamos muy bien con los chicos de High On Fire, así como con los de Skeletonwitch. Nos reunimos y giramos con tantas bandas diferentes todo el tiempo… La mayoría son gente realmente maja y terminan convirtiéndose en amigos. En cuanto a una loca aventura, para nosotros cada día en un tour es bastante loco y todo se mezcla hasta cierto punto. Además, hay algunas

cosas de las que no puedo hablar, así nadie se mete en problemas”. Vengeful Ascension es un álbum muy equilibrado. Tienes ‘Chaos Arcane’, ‘Drowned In Grim Rebirth’ o ‘Abandon Indoctrination’, pero el resto pueden ser consideradas vuestra mejor aproximación al thrash clásico o el heavy metal, incluso. La suciedad y la voz de Ben marcan la diferencia, por supuesto… ¿Estás


¿Cuál fue la principal razón? ¿Qué buscabais? “Nos pareció que era la hora de probar nuevas cosas, aprovechar algunas oportunidades y ver qué ocurría. Cuanto más lo hablábamos, más queríamos capturar la energía de nuestro directo en este disco. Nuestro técnico de sonido desde hace mucho tiempo, Jarrett Pritchard, tiene muchos conocimientos de estudio, por lo que sentimos que sería la mejor manera de lograr ese objetivo”.

“NO SOY EN ABSOLUTO UNA PERSONA RELIGIOSA. FILOSÓFICAMENTE SUPONGO QUE ESTOY DE ACUERDO CON MUCHAS DE LAS IDEAS GENERALES DEL SATANISMO DE LAVEY, PERO NO ME APEGO A ELLO” ZACK SIMMONS

de acuerdo? “Sí, absolutamente. Es un disco muy diverso pero cohesivo, y opino que desde el principio hasta el final nunca se vuelve aburrido o tedioso en las orejas. Definitivamente, la producción ayuda a que las canciones respiren más y a que cumplan con su propósito. Nuestro productor, Jarrett Pritchard, y Ben experimentaron mucho en el estudio para darle a la voz un toque más siniestro, un punto más agresivo que realmente consiguieron, creo. Fuimos a esta grabación con la mente abierta

y dispuestos a probar algunas cosas nuevas para salir de nuestra zona de confort. Como decía, Jarrett y Ben hicieron muchos experimentos con diversas formas de grabar voces y añadiendo ciertos efectos a las partes. Eso es definitivamente un nuevo nivel en la actuación vocal de Ben y, ciertamente, para los demás en lo que a todo el disco se refiere”. Sí, porque cuatro álbumes después, habéis grabado uno sin Erik Rutan a los mandos…

¿Y cómo recuerdas el proceso de grabación? Si le comparas con Rutan, ¿qué fue mejor y qué peor de ambas experiencias? “Pasó sin percances. Todos estábamos muy ensayados y preparados para cuando llegó el momento de que cada uno grabara. Realmente no hay mejor o peor en el trabajo con gente diferente. ¡Creo que la honestidad es el mayor factor cuando no quieres que alguien te diga que la toma está bien cuando realmente ha apestado! Sólo tener esa confianza en quien te está grabando ya es un factor importante, y ambos la tienen”. ‘Those Who Denied Gods Will’ es un muy buen tema final. El black melódico sueco está realmente presente en este corte… ¿Qué buscabais con ese sonido? “Esa base para esa canción es algo que había estado flotando por un tiempo, en realidad. Terminamos la estructura y la refinamos hasta el punto en que sentimos que era más efectiva como cierre del álbum. Se reunió 41


“TENEMOS UN PROMEDIO DE 250 SHOWS AL AÑO CUANDO EL ÁLBUM ESTÁ EN PLENO APOGEO” ZACK SIMMONS

de forma muy natural y tiene algunos aspectos melódicos interesantes. Creo que tiene un tipo de sensación épica que realmente le da un aire conclusivo al disco”. En vuestras palabras, o en la nota de prensa al menos, se comenta que ‘Mankind Will Have No Mercy’ es un “pseudo tributo a Bolt Thrower”. ¿Por qué? Es que tocáis rápido, así que no puedo apreciar su groove… “No estoy seguro de quién de nosotros dijo eso, pero desde luego tiene sentido. Tiene esa velocidad de apisonadora y definitivamente tiene un poco de su firma en el groove. Directa hacia adelante y al grano. No 42

puedo esperar a empezar a tocarla en vivo”. ¿Cuál es el papel del satanismo en vuestro nuevo álbum? “Es un tema constante en muchos de los discos anteriores, pero yo diría que éste tiene temas más luciferinos y no tantos del satanismo laveyano. Todo eso combinado con la idea general anti religiones organizadas y temáticas de literatura oscura”. ¿Te consideras un satanista? Y de ser así, ¿en términos filosóficos o más bien religiosos? “No soy en absoluto una persona religiosa. Filosóficamente supongo que estoy de acuerdo con muchas de las ideas generales del satanismo de

LaVey, pero no me apego a ello. Estoy más interesado en el lado espiritual y en las artes oscuras actuales”. Supongo que a estas alturas ya te estás preparando para hacer muchas giras… ¿Cuál es tu mentalidad antes de salir a la carretera? “Girar es casi una segunda naturaleza para nosotros, así que todo se trata de ensayar el repertorio y asegurarse de tener empaquetadas suficientes camisetas negras para hacer el tour”.


THE MAINE

HAZLO TÚ MISMO


EL PRESENTE 2017 ESTÁ SIENDO UN GRAN AÑO PARA THE MAINE. HAN CELEBRADO SU DÉCIMO ANIVERSARIO COMO BANDA ORGANIZANDO SU PROPIO FESTIVAL, HAN PUBLICADO SU SEXTO ÁLBUM LOVELY LITTLE LONELY, CONSIDERADO POR MUCHOS COMO SU MEJOR TRABAJO, Y TIENEN POR DELANTE UNA GIRA MUNDIAL QUE LES TRAERÁ A ESPAÑA EN SEPTIEMBRE. Y TODO DESDE LA MÁS ABSOLUTA INDEPENDENCIA.

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TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO UNO PIENSA EL LA FILOSOFÍA DEL DIY, ACRÓNIMO de

Do It Yourself (‘Hazlo Tú Mismo’ en inglés), seguramente piensa antes en una banda de hardcore de Washington DC o de crust de Berlín que en una de pop rock de Arizona. Pero la realidad es que, desde 2013, The Maine han hecho de la autogestión el modus operandi para publicar sus álbumes y organizar sus giras. Su empresa 8123 sirve a la vez de agencia de management, de prensa, de contratación y de discográfica, y está dirigida por el hermano del batería Pat Kirch. Pero como nos cuenta el vocalista John O’Callaghan, no han llegado aquí por despecho hacia los sellos, tanto indies como multinacionales, con los que han trabajado en el pasado, sino simplemente porque es como se sienten más cómodos. En cualquier caso, esta fórmula les funciona y la banda no parece haber perdido ni un solo seguidor en el camino, y sigue siendo capaz de ir a tocar a países tan lejanos como Filipinas o Brasil, donde por algún extraño motivo, son enormemente populares. En España quizá no lo sean tanto, pero todo apunta a que cuando The Maine -que completan los guitarristas Jared Monaco y Kennedy Brock y el bajista Garrett Nickelsen-

actúen el 29 de septiembre en Barcelona y el 30 en Madrid, se encuentren con unas salas a rebosar. Contactamos con su simpático cantante una hora antes de que saliera a ensayar con el grupo. ¿Te gusta ensayar por las mañanas? JOHN O’CALLAGHAN “La verdad es que preferiría hacerlo por la tarde, pero hemos quedado a las once porque es la única manera de evitar los atascos de tráfico, que en Phoenix son terribles (risas)”. Lovely Little Lonely es muy parecido en cuanto al sonido y el tono al anterior American Candy. ¿Tenías la visión desde el principio de hacer dos álbumes que fueran complementarios? “Sin duda American Candy marcó mi manera de afrontar el siguiente disco. Disfrutamos mucho de la energía que conseguimos tocando ese material en directo y en muchos aspectos me inspiró mucho para componer los nuevos temas. Quería mantener esa jovialidad, pero quería presentarla en un álbum de manera más completa. Para mí, a American Candy le faltaba un poco de fluidez de principio a fin. Así que había muchas cosas que aprender en cuanto a los

arreglos y en ir más al grano. Quería que, al poner Lovely Little Lonely, el oyente sintiese una experiencia y no sólo estar escuchando una colección de canciones”. Mirando atrás y por mucho que me gusten, Pioneer y Forever Halloween sonaban más confusos, mientras que American Candy y el nuevo ofrecen una mayor claridad. “Así es. Creo que cada disco refleja dónde estábamos en ese momento y por lo que estábamos pasando. Sin duda, Pioneer suena más confuso porque publicamos 13 canciones, pero teníamos 27 grabadas. En ese momento estábamos trabajando de espaldas a una multinacional y queríamos demostrarles a ellos y a nosotros mismos que no necesitábamos una gran maquinaria para crear discos. Creo que Pioneer fue el momento en el que nos dimos cuenta que teníamos que seguir nuestro propio camino. En Forever Halloween trabajamos con Brendan Benson (The Raconteurs) y tomamos el riesgo de grabarlo todo en directo y en cinta analógica. Te diría que fue casi un ensayo para convertirnos en un grupo de verdad. Es el momento en el que nos solidificamos, pero todavía era un poco confuso en cuanto a las canciones y un poco oscuro. Así que 45


para mí American Candy fue realmente nuestro primer disco como grupo ya hecho. Tomamos todas las experiencias que habíamos tenido y las concentramos en hacer un disco con una energía muy precisa. Creo que incluso en Can’t Stop, Won´t Stop y Black & White había una sensibilidad pop que en American Candy mostramos sin complejos. Con esos discos, la gente nos metió en el saco del pop punk, pero sinceramente, creo que nunca hemos escrito una canción pop punk (risas). Así que tienes razón. Casi te diría que siento que American Candy es nuestro primer disco y Lovely Little Lonely es el segundo”. A pesar de vuestra trayectoria, tengo la sensación que mucha gente, precisamente por esa asociación al pop punk, os sigue viendo como una banda para quinceañeras. ¿Crees que ese prejuicio os impide llegar a vuestro público natural ahora mismo? “Es algo que arrastramos desde que empezamos. Pero intentamos pasar de eso. Llevamos diez años con el grupo y creo que no es lo mismo, ni para ti ni para el público, escribir canciones, o escucharlas, cuando tienes 19 años que cuando tienes 30. Siempre hemos intentado profundizar en la banda que queremos ser pasando de lo que digan los demás. Nunca hemos hecho un álbum pensando en un público concreto, ni para una edad concreta, sólo hacemos la música en la que creemos y contamos historias que son auténticas para nosotros cinco. No es un prejuicio fácil de quitarse, pero no nos 46

importa porque tenemos la suerte de contar con una gente que sí cree en lo que somos. Sabemos que la música que hacemos es honesta y cualquiera que quiera escucharnos está invitado a hacerlo”. Me ha parecido que mientras en American Candy había algo más de comentario social, éste es más personal. ¿Estás de acuerdo? “En American Candy intenté buscar un equilibrio entre canciones pop y canciones más personales. En el nuevo he intentado hacer algo más parecido a lo que hacen Tom Petty o Neil Young, en el sentido de tomar algo personal, pero hacerlo tan universal que mucha gente pueda identificarse. Así que, aunque parezca que es muy personal, en realidad es muy metafórico. Por ejemplo, puedo estar cantando sobre una puesta de sol o una excursión que hice por la montaña y que parezca que sea una canción de amor”. ¿Es esta manera de crear la ilusión de que es personal una manera de proteger tu vida privada o tus propios sentimientos? “No lo creo. He escrito canciones muy, muy personales en el pasado y no me incomoda. Pero para mí la música es un vehículo para crear empatía a través de las emociones. Igual que una pintura o una fotografía. Si comunico algo que es muy personal que sólo entenderá la gente que esté pasando exactamente por lo mismo, entonces el alcance es limitado. Mi trabajo es lograr sacar, de una situación concreta, un sentimiento más universal”.

Tanto en el disco American Candy como en Lovely Little Lonely se aprecia una influencia muy fuerte de Third Eye Blind tanto en el sonido de guitarras, como en los coros… ¿Es algo que buscasteis deliberadamente? “Ese grupo siempre estará presente en nuestra música porque nos gusta a los cinco. Es curioso porque nunca los escuché a fondo cuando crecía, los descubrí cuando ya tenía veintitantos. Pero Out Of The Vein es uno de mis discos favoritos de la historia. Me inspiró mucho la manera en la que ese álbum fluye, el sentimiento general, más allá de los singles. Pero la verdad es que haciendo este disco apenas escuché a Third Eye Blind, y en cambio escuché mucho a The Clash, aunque no se note para nada (risas). Vi un montón de conciertos suyos que me inspiraron mucho. Era una banda de la que siempre había oído hablar, pero sólo había apreciado superficialmente. Esta vez me metí muy a fondo en su manera de componer y conecté muchísimo. Para mí fue como descubrir una banda nueva. Hay un tema un poco reggae que no ha acabado en el disco que tenía mucha influencia suya. De todos modos, volviendo a Third Eye Blind, creo que la música de los 90, incluso los one-hit-wonders, siempre estarán presentes en nuestra música ni que sea de manera inconsciente, porque es lo que crecimos escuchando”. Hablando de one-hit-wonders de la década de los 90, me ha venido a la cabeza Semisonic. Como sabrás, su líder Dan Wilson escribe ahora hits


“LA VERDAD ES QUE HACIENDO ESTE DISCO APENAS ESCUCHÉ A THIRD EYE BLIND, Y EN CAMBIO ESCUCHÉ MUCHO A THE CLASH, AUNQUE NO SE NOTE PARA NADA (RISAS)” JOHN O’CALLAGHAN para Adele o Taylor Swift. ¿Es algo que te interesaría hacer en un futuro o que te hayan propuesto? “Supongo que es algo que podría hacer, pero sinceramente, ahora estoy totalmente centrado en la banda. Y los años pasan volando (risas). Es posible que más adelante quizá lo intente. Pero odio todo ese ambiente de Los Ángeles. Odio que escribir canciones se haya convertido en un trabajo. Para mí eso le quita todo el valor que tiene la música porque te

convierte en un hombre de negocios, no en un compositor. Me parece bien que haya gente que lo haga, pero por ahora no me interesa. En este momento me estoy interesando más por la producción, y de manera tímida estoy empezando a crear beats porque me encanta el hip hop (risas). Me encantaría hacer un disco de rap, aunque no cantando yo, claro (risas)”. No es fácil encontrar una banda tan desacompleja-

damente pop rock como la vuestra. ¿Os sentís un poco solos en el panorama actual? “Mira, estoy mirando nuestra página de Spotify y en el apartado de Artistas Relacionados, siete de las diez bandas que salen, ya no existen. No es que nos hayamos sentido solos, pero nos sentimos tan conectados entre nosotros cinco y nuestros gustos musicales, y nuestra visión del grupo, que poco nos importa lo que ocurra fuera. Es como si viviéramos dentro de nuestra concha. No es que no se47


pamos lo que ocurre fuera, pero estamos sólo centrados en nosotros mismos. Hemos creado nuestra propia comunidad y eso hace que, si todo lo demás se desmorona, ya sean sellos u otras bandas, a nosotros nos afecte más bien poco. Nuestro sonido puede seguir cambiando, pero no lo hará porque queramos parecernos a otra banda que está petándolo en 48

ese momento. Puestos a imitar, es mejor fijarte en los grandes artistas que han sobrevivido a las modas. Por eso admiramos a Petty, a Neil Young, a Wilco… No estamos en esto por conseguir el éxito inmediato. Hemos pasado por muchos altibajos, hemos estado cerca de separarnos, hemos pasado por casi todo, por eso nuestro objetivo principal es seguir siendo

una banda durante veinte años más”. Supongo que esa mentalidad dificulta que podáis encontrar bandas con las que girar o tocar en ciertos festivales… “Desde luego. Por cada decisión que tomas que es la más fácil para ti, hace que surjan otras diez que son muy difíciles. A veces tienes que


“HEMOS PASADO POR MUCHOS ALTIBAJOS, HEMOS ESTADO CERCA DE SEPARARNOS, HEMOS PASADO POR CASI TODO, POR ESO NUESTRO OBJETIVO PRINCIPAL ES SEGUIR SIENDO UNA BANDA DURANTE VEINTE AÑOS MÁS” JOHN O’CALLAGHAN

béis apostado tan fuerte por la autogestión? “Sí. Pero no tiene nada que ver con que estemos amargados con las discográficas ni nada de eso. Tuvimos esa experiencia y no funcionó con nuestra manera de ser. De todos modos, que a nosotros nos haya funcionado no significa que podamos dar un seminario y decir que todos los grupos deberían actuar igual. Creo que una de las estupideces de la industria es pensar que hay una fórmula para todo. Quizá antes existía: tenías una canción en la radio y vendías un millón de copias, pero ya no es así. En nuestro caso, la autogestión no es una manera de demostrar nada a nadie, sino simplemente que hemos encontrado una manera de funcionar que encaja con quienes somos. Nuestro mayor reto es lograr que en un futuro cercano esto pueda funcionar a nivel global”.

sacrificarte y tocar con cierto grupo o en cierto festival porque no hay otra. Pero a la vez, nuestro inconformismo es lo que ha hecho crearnos nuestra identidad. Es difícil encontrar el equilibrio, pero merece la pena ofrecer un poco de resistencia y no rendirte de primeras. No es fácil (risas)”. ¿Es el motivo por el que ha-

Hablando de esto, cuéntame vuestro idilio con las Filipinas y Brasil. ¿Qué pasó en esos países para que seáis tan populares allí? “(Risas) No lo sabemos. Si lo supiéramos lo aplicaríamos en todo el mundo. Creo que básicamente es una prueba de la importancia de internet. No sabemos por qué en esos países han conectado tanto con nuestra música. Creo que nunca descifraremos ese enigma. No puede explicarse

y tampoco lo intentamos. Lo más importante es mantener esa relación con nuestros fans allí y que cada vez que vayamos sea una experiencia única con la esperanza de que cada vez haya aún más gente. Pero es una pasada (risas)”. Por último, quería preguntarte por Ryan Adams. Sé que considerasteis trabajar con él en el álbum Forever Halloween. ¿Puedes contarme alguna anécdota de vuestro encuentro? “Para nosotros fue muy interesante conocerlo. Dejando de lado que nos quedamos sin poder hablar porque estábamos emocionados como críos, Ryan fue súper amable con nosotros. Nos llevó a visitar su estudio Pax-Am en Los Ángeles. Creo que la frase que nunca olvidaremos fue que nos dijo ‘los ordenadores sólo son buenos para dos cosas: chequear el correo y ver porno. Así que no hay ningún motivo para grabar música con ellos’. Por eso él siempre graba en cinta analógica y por eso grabamos así Forever Halloween. Pero Ryan es un tipo muy dulce. Es de esas personas que molan sin esforzarse en absoluto”.

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PROPHETS OF RAGE

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METAMORFOSIS DE LA RABIA POR SI ALGUIEN TENÍA ALGUNA DUDA, PROPHETS OF RAGE ARRASARON COMO UN HURACÁN A SU PASO POR EL DOWNLOAD MADRID. PERO COMO NOS CONTÓ TOM MORELLO UNAS HORAS ANTES DE SUBIRSE AL ESCENARIO, LA TORMENTA NO HA HECHO MÁS QUE EMPEZAR. TEXTO: PABLO PORCAR FOTOS: DR


“LA IDEA ES QUE LA MÚSICA DE ESTE GRUPO SEA LA BANDA SONORA DE LA RESISTENCIA” TOM MORELLO


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L 31 DE MAYO DE 2016 ESTALLÓ LA BOMBA. Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk, el famoso trío de Rage Against The Machine, regresaban a escena integrando un nuevo supergrupo bautizado como Prophets Of Rage junto a dos estelares vocalistas del ámbito del hip hop, Chuck D (Public Enemy) y B-Real (Cypress Hill). Inicialmente esta explosiva mezcla de esencias se forjó como una reivindicación temporal ante el siniestro periodo electoral que azotaba Estados Unidos. Pero la ¿inesperada? victoria de Trump, y la vibrante química de la formación, motivó la gestación de un álbum con material nuevo. Doce son los temas producidos por Brendan O’Brien que vendrán incluidos en un debut homónimo que saldrá a la luz el próximo 15 de septiembre. Todos ellos descritos por cierto córtex político, y por una furia similar a la atesorada en la antigua banda liderada por Zack de la Rocha. La misma que nos dejó tendidos sobre la lona al disfrutar del directo de los profetas de la rabia en el escenario principal de la primera edición del Download Festival de Madrid. Mucho, por no decir demasiado, ha cambiado la vida de Tom Morello en el transcurso de este último año. Uno de sus amigos y camaradas musicales más queridos, Chris Cornell, perdió la vida en mayo. Ya saben, el mismo que encabezó aquella banda, Audioslave, desaparecida de la faz de la tierra en febrero de 2016. Y con Prophets Of Rage ha resurgido en el interior de Tom aquella imperiosa necesidad de montar una alianza con otros músicos, para así desafiar al sistema (al menos a su manera)

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dejando a su proyecto en solitario The Nightwatchman en un segundo plano, y reavivando las ganas de montar un cirio a escala planetaria. Estos temas, y algunos otros más, son los que abordamos al detalle el sábado 24 de junio en una jugosa conversación que compartimos con el legendario guitar hero en los bastidores de La Caja Mágica. Chuck D. B-Real. DJ Lord. Tim Commerford, Brad Wilk y tú. ¿Cómo te lo montaste para poder unir a este impresionante elenco de artistas? TOM MORELLO “Todo empezó al arrancar el periodo de las campañas electorales en Estados Unidos. Estaba viendo un programa de televisión cuando en pantalla apareció el mensaje “Donald Trump Rages Against The Machine”. Así que tomé una captura con mi teléfono móvil, lo compartí en Twitter y comenté que eso no era lo que teníamos en mente. Entonces me di cuenta que no era suficiente enviar un tweet hablando sobre el asunto. Tenía que hacer algo, algo de verdad. Por lo que llamé a Tim y Brad y les dije: ‘¿Qué tal si les hacemos sentir de verdad lo que es rabiar contra la máquina?’. Les pareció bien. Entonces llamé a Chuck D…”. ¿En ese preciso instante no consideraste oportuno recuperar la formación original de Rage Against The Machine? “No… Rage no hemos sacado un disco desde 1999. No era una opción. Entonces Chuck D, DJ Lord y B-Real entraron en escena. Nos preguntamos cómo debíamos movernos,

qué debíamos hacer. Sentíamos que era una emergencia social. Sobre el papel, ver a miembros de Rage Against The Machine, Public Enemy y Cypress Hill unidos pinta fenomenal, pero… ¿Podíamos convertirnos en una banda? Estuvimos durante meses ensayando en secreto en San Fernando Valley, Los Ángeles”. ¿Durante cuántos meses? “Cuatro o cinco, creo recordar. Ahora te lo digo… (Piensa -ndr.) Sí, durante unos cinco”. Eso es bastante tiempo, la verdad... ¿Cómo os lo montasteis para ensayar y que nadie se enterase? “Trabajamos con gente que sabe tener la boca cerrada (risas). Tenemos un equipo fabuloso. Entonces… No fue todo inmediato. Cualquier banda necesita desarrollar su propia química. Nos llevó un tiempo encontrarla y al final conseguimos dar con ella. Posteriormente giramos por Estados Unidos y fue impresionante. No recuerdo haber gozado de un recibimiento igual. La respuesta del público fue increíble. Acabamos esa gira y Donald Trump fue finalmente elegido como presidente de los Estados Unidos. Sentimos que no debíamos quedarnos ahí. ‘Esto debe ser el principio, y no un simple final’, pensamos. Y ya sabes: entramos en el estudio, compusimos algunos temas y ahora estamos girando por Europa. La idea es que la música de este grupo sea la banda sonora de la resistencia”. Si nos ponemos a analizar los orígenes de Prophets Of Rage identificamos dos escenarios


“ESTAMOS MUY AGRADECIDOS DE QUE ZACK DE LA ROCHA DIESE SU BENDICIÓN A PROPHETS OF RAGE. CHUCK D Y B-REAL HABLARON PERSONALMENTE CON ÉL AL CREAR LA BANDA, Y DIO SU APROBACIÓN” TOM MORELLO diferentes. El primero era aquel contexto que os llevó a generar el grupo. El segundo, el planteado tras la victoria de Trump. ¿Qué motivos políticos identificáis como aquéllos que os movieron a concebir el proyecto a finales de 2015, principios de 2016? “Originalmente nos motivó el transmitir lo que significa rebelarse contra el sistema. El luchar contra la injusticia. Existen multitud de problemas económicos, políticos, medioambientales y raciales y Donald Trump dice que los problemas reales son los mexicanos. Que los problemas reales son los islamistas. En Estados Unidos no existe voz que pueda dar respuesta. Sólo

existe el Partido Demócrata, que a mi forma de ver es totalmente inútil. Debe existir una voz que diga ‘tienes derecho a estar enfadado. Tienes derecho a ser la clase blanca trabajadora. Clase baja. Tienes derecho a estar enfadado respecto a lo que está pasando’. Estamos aquí para ofrecer un punto de vista diferente con música rock’n’roll. Y nuestro mensaje está en el mosh pit. Cuando Trump ganó sentimos que teníamos razones para continuar. Simplemente nos lo estábamos pasando genial como banda. Hacemos muy buenos directos, y nos encanta coincidir sobre un mismo escenario. Creímos que ése era el principio. Nos lanzamos a grabar canciones, y en sólo dos semanas de trabajo sacamos

diez canciones. Eso fue sencillo (risas). Ahora estamos aquí en Europa y esta gira está siendo increíble. En apenas un año hemos tocado para un millón de personas”. De hecho, hoy mismo he visto algunas fotografías que has subido a Instagram. Especialmente me han sorprendido las sacadas en estos últimos festivales. ¡Vaya cantidad de gente os ha ido a ver! “¡Es de locos! Pero no son fans de Rage Against The Machine. Ni de Cypress Hill, ni tampoco de Public Enemy. Son fans de festivales y la gente puede, o no, familiarizarse con nuestros temas. Aun así, existe una

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inmediatez vinculada a esta banda que hace sentir que es el momento de que estemos aquí presentes”. Lo estáis porque Prophets Of Rage nace a partir de una situación de conflicto social. ¿Consideras que aún estaríais en activo si Hillary Clinton hubiese ganado las elecciones? “A mi forma de ver el conflicto de la liberación humana precedió a Donald Trump, y continuará vivo tiempo tras Donald Trump. Hasta que no vivamos en un mundo en el que no haya pobreza, gente sin hogar, y en el que se cuente con un sistema seguro y justo, da igual quién impere en la silla presidencial, existirá motivo para… ya sabes… Hasta que no vivamos en una deliciosa utopía en la que todo el mundo componga canciones de amor, Prophets Of Rage estaremos aquí para patear culos (risas)”. Pese a su mezcla de esencias, el LP debut de Prophets Of Rage refleja ganas de forjar una nueva identidad. Analizando las letras hemos podido comprobar que cada tema aborda un conflicto social o político diferente. Mala praxis policial, racismo, legalización de las drogas… ¿Cuáles de los contemplados consideras que son los más relevantes dentro del núcleo duro conceptual del álbum? “A la hora de las letras debo agradecer a Chuck D y B-Real que estuviesen tan abiertos a la hora de recibir aportaciones de cualquier integrante de la banda. El proceso de gestación fue extremadamente colaborativo. Tal y como dijo B-Real, este disco 54

es un retrato de lo que está pasando en este preciso momento. Por ejemplo, identificamos lo ofrecido en temas como ‘Living On The 110’, canción que será el segundo single del LP. La 110 es una autopista que hay en Los Ángeles. Su letra se centra en el colectivo de gente que no tiene un hogar, y en la descompensación en la economía social mundial. ‘Who Owns Who’ va sobre los máximos líderes del planeta, que no merecen estar en su cargo. Son muchos temas diferentes, abordados de forma individual en cada corte. Si tuviese que resumir el concepto del disco en una sola frase, ésta sería: ‘El mundo no se va a arreglar por sí solo, de ti depende que haya un cambio’”. Los cambios vienen generados por héroes que no llevan capa. ¿Y The Nightwatchman? ¿Dónde se ha escondido? “¡Está aquí! Nunca se ha ido. He estado trabajando en un disco. Uno duro. Presenta riffs… Es colaborativo. Trabajan en él algunos de mis productores favoritos de EDM. Colaboran Wu-Tang Clan, Pussy Riot, Mumford And Sons…”. ¿Lo tienes a buen recaudo para publicarlo dentro de un tiempo? “Sí. Está llegando”. ¿Crees que lo sacarás a la luz después de la salida al mercado de disco de Prophets Of Rage? “Sí. Lo mejor de esto es que no hace falta ser muy preciso con todo… Puedo hacer un concierto de Prophets Of Rage un lunes, y el martes hacer otro como The Nightwatchman. Mientras

puedas hacer música que sea auténtica, ve a por ello”. Cambio un poco de tercio… Muchos de nosotros nos quedamos completamente noqueados hace un mes al saber que Chris Cornell había fallecido. Debió ser terrible… “Lo fue. Creo que nos ha jodido a todos, tío (risas). Es una tragedia. Era un camarada musical, uno de los rockeros más legendarios… Toqué con él, formé una banda con él… Pero sobre todo era un gran fan de él. Lo triste es que se nos fue demasiado rápido. Y lo positivo es que desde los 13 años estuvo batallando contra la adicción, y también contra la depresión. Consiguió lidiar con ambos problemas, y sincerarse con ellos para así publicar algunas de las mejores obras de rock de toda la historia. En 52 años gestó un catálogo musical impresionante. Podía haberse ido tiempo atrás, o podía haber vivido 52 años más. Pero así ha sido todo… Cada noche hacemos un tributo a Chris en nuestros directos (Prophets Of Rage interpretan ‘Like A Stone’ en clave instrumental en cada set –ndr.). Es un gran momento comunal, porque todo el mundo se siente triste con lo que pasó, y lo demuestra hablando con sus amigos, compartiendo emotivos posts en su Instagram, etc. Pero mola celebrar lo vivido con 45.000 personas más. Inicialmente pensamos interpretar la cover en un concierto, pero vimos que ayudaba al público, y también que el tocarla me ayudaba a mí personalmente. Es un momento especial en el que se celebra lo vivido con una persona a la que amamos”.


“CHRIS CORNELL ERA UN TIPO COMPLICADO. PERO LO QUE LE HACÍA UN GRAN ARTISTA ERA LA PROFUNDIDAD QUE LO CARACTERIZABA. YO NO TENGO ESO. ÉL SÍ” TOM MORELLO

¿Te acuerdas de cómo fue el primer momento en que conociste a Chris? “Fue terrorífico (risas). ¡Era un tío oscuro! Tiempo después se convirtió en un marido afectuoso, un padre cariñoso y un hombre de familia. Pero su poder se encontraba en las sombras. Lo que hacía que fuese un gran artista no era precisamente el ser un buen padre. Recuerdo cómo lo conocí. Por entonces estaba tratando de ver si podía empezar a concebir Audioslave… Rick Rubin y yo condujimos hasta su casa, que se encuentra a unas dos horas de Los Ángeles. Entrabas y veías un camino larguísimo… con el sol desvaneciéndose lentamente en el horizonte... Al fondo divisabas una mansión española, con una escalera infinita que alcanzaba a una enorme doble puerta. ¡Parecía la mansión de Drácula! De repente salió

Chris de ella. Ya sabes lo grande que era Chris. Debía medir 1,90 o algo así. Y Rick Rubin se gira hacia mí y me dice: ‘Mejor nos las piramos de aquí’ (Risas). Menos mal que no lo hicimos. Chris era un tipo complicado. Pero lo que le hacía un gran artista era la profundidad que lo caracterizaba. Yo no tengo eso. Él sí. Y por eso sabía componer canciones como ‘Slaves & Bulldozers’ o ‘Like A Stone’”.

como músicos. Audioslave vendió unos 10 millones de discos en todo el mundo. Eso no suele pasar cuando vienes de tocar en una gran banda… Me sentí muy agradecido de tener la oportunidad de crear algo así. Pasamos mucho tiempo separados, pero en los últimos años recuperamos la amistad. Tuvimos suerte de poder realizar aquel concierto en Los Ángeles hace menos de un año…”.

¿Cómo y de qué manera conectasteis a lo largo de los años? “Chris y yo éramos los tíos de Rage Against The Machine y Soundgarden, por lo que de alguna manera estábamos marcados por nuestro pasado. Aliarnos fue algo sanador para ambos. Al coincidir en una misma habitación conseguíamos componer muy buena música, y a su vez crecimos

¿Al realizar ese concierto sentiste esperanza de poder reactivar Audioslave? “La sentí. ¿Sabes por qué? Porque sus últimas palabras al finalizar dicha actuación fueron: ‘Lo he pasado genial, me encantaría volver a repetirlo. Sólo hacedme saber cuándo’. Y empezamos a pensar en la posibilidad de realizar hacia finales de este año un concierto de Prophets Of Rage, 55


con una parte de la actuación dedicada a Audioslave, con Chris cantando en ella. Algo así”. Por desgracia, es obvio que Audioslave queda como un proyecto del pasado. Aun así, ¿existe la posibilidad que tengáis en el tintero caras B inéditas? “Sí, existen. Hace un año Chris y yo estuvimos hablando de rescatar el buen material que tenemos guardado de esa banda. Ya veremos… No existe nada planificado pero definitivamente se encontrará la manera de descubrirlo ante el mundo. Pero debemos saber qué momento es el oportuno para compartirlo”. Aunque no podamos tener a Audioslave, al menos siempre nos quedará Rage Against The Machine. ¿Cuándo podremos volver a ver al grupo unido de nuevo? 56

“No hay noticias al respecto. No las hay”.

lo único que puedo decir. Estoy seguro de que estará genial”.

¿Pero tienes algún contacto con Zack? “Sí. De hecho estamos muy agradecidos de que Zack diese su bendición a Prophets Of Rage. Chuck y B-Real hablaron personalmente con él al crear la banda, y dio su aprobación. Cada día le rendimos tributo con unas letras que son una gran parte de nuestro set. Sé que está trabajando en nueva música que será muy importante. Es un guerrero que lucha por la justicia social, y uno de los mejores cantantes de rock duro de toda la historia. Soy un gran fan suyo y no puedo esperar a descubrir lo que publique próximamente”.

Para terminar… Acabamos de saber que Public Enemy publicarán en julio un nuevo disco. ¿Cómo os lo vais a montar para encajar la agenda de los diferentes proyectos que tenéis sobre la mesa? “Esto es una familia. Yo publicaré temas, Public Enemy y Cypress Hill también… Timmy (Commerford) publicó un disco con WAKRAT y aun así nos lo llevamos de gira… Aquí arropamos todos los proyectos en los que están involucrados nuestros compañeros. ¿Que Public Enemy publicarán un álbum? Perfecto. Lo compraré, e iré a verlos actuar cuando monten algún concierto (risas)”.

Había comentado que iba a publicar un disco en este mismo año… “Lo único que quiero hacer es escuchar ese jodido disco (risas). Eso es


SYSTEM OF A DOWN

DOWNLOAD MADRID DESCARGA BRUTAL

LA PRIMERA EDICIÓN DEL DOWNLOAD MADRID SE SALDÓ CON UN GRAN ÉXITO DE PÚBLICO Y ARTÍSTICO. LAS EXPLOSIVAS ACTUACIONES DE SYSTEM OF A DOWN Y PROPHETS OF RAGE PUEDE QUE ACAPARARAN TODOS LOS TITULARES, PERO COMO PODRÉIS LEER A CONTINUACIÓN, MUCHOS OTROS GRUPOS CONTRIBUYERON A QUE EL BALANCE FUERA DE LO MÁS POSITIVO A PESAR DEL CALOR EXTREMO Y ALGUNOS FALLOS ORGANIZATIVOS EL PRIMER DÍA. TEXTO: GONZALO PUEBLA, JORDI MEYA, PAU NAVARRA, ABEL VALDELVIRA FOTOS: TONI VILLÉN, ANTHONY GRANDE

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A DAY TO REMEMBER

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s posible que hoy en día no haya trabajo que requiera más paciencia que ser el community manager de un festival de música. No tiene que ser nada fácil ver cómo cada anuncio o noticia que se comunica provoca automáticamente un alud de reacciones negativas, a menudo sin ningún tipo de justificación ni sentido. Quejarse porque no traen a Metallica o porque tu grupo favorito sólo toca 40 minutos es simplemente no tener ni idea de cómo funciona un festival. Dicho esto, es comprensible que las redes se incendiaran ante el caos vivido en la jornada inaugural del Download Madrid. Resulta bastante chocante que el acceso al recinto empezara con retraso y que encima se cortara a los pocos minutos, generando un cabreo monumental entre quienes llevaban horas haciendo cola bajo un sol de justicia. Por lo visto, la orden la dio la policía por un trámite administrativo de última hora; aun así, la organización debería haberse esforzado en transmitir esa información

FIVE FINGER DEATH PUNCH

en lugar de tener al personal de seguridad pegando gritos para que la gente reculase sin ninguna explicación. Tal como está el ambiente, es básico que, en eventos masivos como éste, se ponga en conocimiento cualquier incidencia para evitar falsas especulaciones y psicosis innecesarias. También es reprobable la confusión que hubo el primer día entre el personal de las barras en cuanto a la política de uso y retorno de los vasos de plástico, así como del tamaño de las bebidas que podían servir. De igual manera, teniendo en cuenta la previsión de altas temperaturas, también deberían haberse tomado algunas medidas adicionales como mayor presencia de aspersores o puntos de agua. Afortunadamente, la organización reaccionó y el resto de días se solventaron la mayoría de problemas (por ejemplo, fue un acierto dejar entrar botellas de agua) logrando que el festival transcurriera con absoluta normalidad, incluso cuando el viernes

más de 36.000 personas acudieron a ver a System Of A Down. Está claro que, con estas cifras, el Download Madrid tiene un gran futuro por delante y que La Caja Mágica, como ya se ha demostrado con el Mad Cool, es un espacio ideal para un evento de estas características. Entre sus grandes ventajas, la distribución de los cuatro escenarios facilita que se circule fluidamente de un lado a otro, cuenta con una gran área para la gente con movilidad reducida, se agradece mucho poder tumbarse en el césped artificial, no tener que tragar polvo en ningún momento, o usar baños que están limpios y sin colas. Y es evidente que cuando se ofrece un espacio bien acondicionado, el público también responde con un mayor civismo. Esperemos que el año que viene podamos hablar exclusivamente de música, que en éste ya la hubo mucha y buena. Y es que, a pesar de las críticas recibidas -seguramente también motivadas por las expectativas que genera la marca Download-, esta 51


GOJIRA

primera edición contó con un line-up que ya hubiéramos querido hace años. Otro aspecto que merece ser valorado es la buena y variada representación de grupos nacionales, evitando algunos de los nombres más obvios, repartida a lo largo de todo el horario y no simplemente para hacer bulto en el cartel. Con estos cimientos, el festival tiene todo lo necesario para crecer y consolidarse como una de las citas ineludibles del circuito europeo. JUEVES 22 DE JUNIO Si ya suele ser un poco ingrato ser la banda que abre un festival, InMune tuvieron que actuar ante prácticamente nadie por culpa de los problemas en el acceso. Nosotros mismos nos encontramos con la verja en las narices sin poder verlos. Una pena. Parte del cabreo se nos pasó viendo a Code Orange inaugurando el Main Stage 1. Los acabábamos de ver en sala el día anterior en Barcelona y 52

obviamente no fue lo mismo en cuanto a atmósfera y luces, pero igualmente repartieron mucha de esa estopa tan personal que se mueve entre el hardcore de los Converge más salvajes, industrial y rock noventero. Con semejante descarga de adrenalina y sudor demostraron por qué son una de las bandas del año. Uno de los nombres que habíamos apuntado como posible revelación del evento era el de Black Peaks. Sin embargo, las expectativas que teníamos puestas en estos ingleses no se vieron colmadas del todo. No es que sonasen mal, pero tal vez por lo temprano que les tocó aparecer en escena, su rock alternativo con dejes progresivos y math no terminó de entusiasmar. Esperaremos a una mejor ocasión. Quien llevaba ya un tiempo aguardando en el escenario principal era la legión de seguidores de A Day To Remember. Con un despliegue de

medios más propio de un cabeza de cartel que de una banda que toca a plena luz del día, los de Florida salieron con todo dispuestos a aprovechar la hora que tenían por delante. A pesar de que Jeremy McKinnon parecía estar en algunos momentos más preocupado de chupar cámara, su batería de hits (‘All I Want’, ‘Paranoia, ‘All Signs Point To Lauderdale’) dejó contentos a todos. Quizá porque les tocó bailar con la más fea o quizá porque no son una banda con una propuesta muy festivalera, Jardin De La Croix salieron al Stage 4 algo tímidos, sin confianza y con un sonido mejorable (que fue de menos a más) que no dejó gozar de una propuesta de la que algunos tenemos mejores sensaciones en sus álbumes. A pesar de ser básicamente un festival de rock y metal, es de agradecer que el Download también esté abierto a otros sonidos. Así, fue un placer poder ver por primera vez a House Of Pain.


HOUSE OF PAIN

Los autores del mítico ‘Jump Around’ animaron la tarde con su hip hop noventero y un Everlast que, a pesar de su barba canosa, todavía sabe cómo montar una buena fiesta. Five Finger Death Punch eran uno de los platos fuertes del día a pesar de la espantada del vocalista Ivan Moody unos días antes en Holanda. Un obstáculo que parece haber motivado aún más al resto de músicos, que con la ayuda de Tommy Vext (Bad Wolves), salieron a por todas. Musicalmente, su metal 100% americano no destaca especialmente, pero es indudable que temas como ‘Lift Me Up’, ‘Jekyll And Hyde’ o ‘Coming Down’ son el arsenal perfecto para hacer vibrar a las masas. Veremos si, de aquí a cuando vuelvan en diciembre, Moody está de nuevo con ellos o siguen con Vext, pero parece evidente que habrá un montón de gente esperándolos. Los que les vieron la noche anterior en Barcelona contaban que el concierto

de Touché Amoré fue tan intenso que hasta el propio Jeremy Bolm acabó casi afónico. Pero para estos chicos no hay excusas que valgan y nos volvieron a entregar otra actuación ejemplar de lo que es dejarse el corazón y el alma sobre las tablas. Se nota que las canciones de Parting The Sea Between Brightness And Me y Stage Four son las que mejor funcionan y tanto público como banda las disfrutaron como si fuesen un solo equipo. Poder tenerlos tan cerca es algo que empezamos a temer que dentro de algunos años deje de ser habitual con el ritmo que están pillando. De lo mejorcito que vimos el jueves. Otras que van por el buen camino son nuestras queridísimas Lizzies. No lo tenían nada fácil coincidiendo entre Five Finger Death Punch y Gojira, pero si algo han aprendido pateando kilómetros tanto dentro como fuera de nuestras fronteras es a no arrugarse ante nada. No éramos muchos los que

MOTIONLESS IN WHITE

nos encontrábamos reunidos frente al escenario 4, pero creedme cuando os digo que ‘8 Ball’, ‘One Night Woman’, ‘Viper’ o sus cañeras versiones de ‘House Of The Rising Sun’ y ‘Kick Out The Jams’ atronaron de lo lindo. Quien haya visto a Gojira en más de cuatro o cinco ocasiones sabe perfectamente que el cuarteto francés puede dar muchísimo más. Calidad y precisión se les presupone, pero lo que les puso en la cima eran esos conciertos intensísimos que hacían que la temperatura de la audiencia se elevara hasta cotas muy altas. No fue el caso; nos dejaron un concierto más que correcto, buen sonido y ejecución, pero sin esa luz propia que les ha envuelto en ocasiones anteriores. Motionless In White son algo así como los Marilyn Manson del Warped Tour. Incluso su bajista Devin ‘Ghost’ Sola, con especial afición a subirse a los amplis, luce unas pintas a lo Twiggy Ramirez. Sonaron potentes, Chris 53


LINKIN PARK

Motionless se mostró como un frontman con carisma y los estribillos de ‘Eternally Yours’ o ‘Loud (Fuck It)’ fueron cantados masivamente. La verdad es que teniendo en cuenta que era su primera visita a nuestro país, la respuesta fue inmejorable y contaron con una numerosa legión de seguidores en el Stage 3. Sinceramente, no sabemos qué hacen Linkin Park paseándose por festivales de corte más metálico. Suponemos que los promotores apelan a la nostalgia de esos fans para los que los americanos fueron parte de su adolescencia, porque si no, no se entiende. A nivel técnico, de producción y de sonido fue un concierto notable, con un Chester Bennington en buena forma vocal, pero cuando tus composiciones no acompañan... ya puedes hacer el mejor concierto del mundo. Lo principal en una banda es la música y a Linkin Park hace tiempo que no se les ve

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preocupados por ella, así que eso hizo de su show algo soporífero que ni siquiera hits como ‘One Step Closer’ o ‘Numb’, que todos queríamos escuchar, pudo salvar. Pese a todo, no hubo botellazos como en el Hellfest, aunque así algún pito cuando sonaron sus nuevos e insulsos temas. Quienes querían evitar a toda costa escuchar una sola nota de Linkin Park encontraron en el Stage 4 el antídoto perfecto: Porco Bravo ofrecieron una sesión de rock’n’roll de alto voltaje con riffs de ascendencia escandinava y actitud irreverente. Fue una alegría comprobar cómo la muerte en febrero de su guitarrista Asier Martínez ‘Pulpo’ no les ha quitado las ganas de seguir rockeando. Esté donde esté, seguro que sonríe al seguir viendo a Manu, su vocalista, con una bengala entre las nalgas. A Dark Tranquillity no les acompañó demasiado el sonido, pero aun así la nueva formación con Christopher Amott

de Arch Enemy y Johan Reinholdz de Andromeda a las guitarras resultó convincente. Contar con un vocalista como Mikael Stanne, siempre ultra motivado, es toda una garantía y con un catálogo coherente que va desde ‘Therein’ a ‘Forward Momentum’ ofrecieron justo lo que los metaleros necesitaban al llegar la medianoche. Se notaba que Virgen eran una de las bandas más felices por ser parte del Download. Sus caras lo decían todo y ellos supieron responder con un show de nivel. Por mil motivos el grupo no actúa todo lo necesario pero, aun así, un disco como Polsaguera hubiese merecido tener mejor suerte. La banda, en formato cuarteto esta vez, lo dio todo y defendió las canciones del mencionado trabajo justo como se merecen. Un torbellino de energía que convirtió su actuación en una de las mejores que vimos en el escenario 4. De vuelta al segundo stage principal, Monster Magnet recuperaban el tono


WE RIDE

rockero y vibrante para mantenernos aún en pie. A sus 60 primaveras Dave Wyndorf todavía conserva esa aura de rock god que tanto le hizo destacar en los 90. Y aunque su hercúlea figura no sea la misma, el estado de forma del grupo sigue siendo más que suficiente para arrollarnos a base de sus clásicos más añejos: ‘Powertrip’, ‘Twin Earth’, ‘Negasonic Teenage Warhead’, ‘Tractor’ y una ‘Space Lord’ que acabó por mandarnos a la lona dieron fe de ello. VIERNES 23 DE JUNIO Solventados los problemas del primer día, la entrada a La Caja Mágica no presentó colas y quien quiso pudo disfrutar desde primera hora de los tunecinos Myrath. Pese a su exótica procedencia -que quedó representada por una danza del vientre-, su heavy metal épico tiene mucho de occidental y quizá por eso convenció a un buen puñado de gente que nunca había

oído hablar de ellos. En paralelo, We Ride defendieron su reciente Empowering Life con solvencia en el Stage 3. La menuda Mimi es un tornado en escena y sus compañeros pegaron tantos o más brincos que el público que les seguía a ritmo de hardcore. A continuación, Dawn Of The Maya mantuvieron el pabellón nacional alto. Si bien tanto los coros como los teclados estaban bajísimos durante los primeros temas, poco a poco el sonido fue mejorando y los de Pamplona acabaron generando molinillos y sing alongs a partes iguales. Pocos deben dominar tan bien el difícil arte de salir a primera hora de la tarde con casi 40 grados a la sombra y llevarse al público de calle como Skindred. Seguramente los galeses ya tienen el culo pelado de vérselas en semejante situación y saben cómo salir, no sólo airosos, sino con más de un nuevo fan en el bolsillo. Su siempre

TOUCHÉ AMORÉ EVERY TIME I DIE

divertida mezcla entre reggae y metal moderno ayuda, pero tener a un auténtico crack como Benji Webbe como frontman todavía más. La imagen final de la gente hondeando sus camisetas era la prueba de que una vez más habían vuelto a liar un buen fiestón. Al parecer, Hamlet tuvieron problemas técnicos justo antes de saltar a escena, y por eso su sonido dejó bastante que desear en algunos sectores. Sinceramente, estando casi en primera fila, apenas nos enteramos. Lo que vimos fue a un Molly recorrer arriba y abajo el foso que partía la pista para estar en contacto permanente con el público. Lo que vimos fue a un Luis Tárraga, que a pesar de su reciente operación medular, no renunció a saltar como siempre. Lo que vimos fue a una banda que desde ‘Limítate’ a ‘Jodido Facha’ se sobrepuso a las adversidades y se ganó el cariño y el respeto del público. Su presencia en el Main Stage

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HAMLET HAMLET

fue un acto de justicia. Por mucho que a uno le gusten Opeth, verles en el marco de un gran festival y a plena luz del día no es lo más adecuado. Mikael Åkerfeldt y los suyos pusieron lo mejor de su parte. Un sonido limpio a la par que contundente y un repertorio con lo mejor de sus últimos discos (‘Cusp Of Etenity’, ‘Era’) y algún que otro clásico (‘Ghost Of Perdition’, ‘Deliverance’), pero que no fue suficiente para convencernos del todo. Hasta el propio Åkerfeldt, que acabó más rojo que un tomate debido al calor, parecía tener las mismas ganas que nosotros de acabar para ir a ver The Cult. Y es que, aunque se notaba que muchos ya tomaban posiciones para el plato fuerte del día, los que guardamos un hueco especial en nuestro corazoncito rockero para estos caballeros británicos gozamos de lo lindo. Da gusto ver a una banda tan legendaria que ya debe ir por su tercera juventud sonando tan bien.

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DAWN OF THE MAYA

Tirando de temazos inmortales (‘Wild Flower’, ‘She Sells Sanctuary’, ‘Lil’ Devil’, ‘Fire Woman’) y rescatando otros de Hidden City (‘Dark Energy’, ‘G O A T’), Ian Astbury y Billy Duffy reinaron por todo lo alto a pesar de que algún millennial despistado acabase de descubrirlos en ese mismo momento. Nunca es tarde si se trata de The Cult. Aunque por circunstancias totalmente distintas a Five Finger Death Punch, Every Time I Die también llegaban a Madrid sin su vocalista titular. La semana anterior, Keith Buckley había tenido que volver a Estados Unidos debido a la hospitalización de su hija, pero como explicó Jordan, su hermano y guitarrista, le hizo jurar que no cancelarían ni un concierto. Para cumplir su promesa, el grupo había ido reclutando a diferentes cantantes de bandas amigas y, en Madrid, quien recogió el testigo fue nada menos que Liam Cormier de Cancer Bats. Pese a no haber ensayado ni una sola vez, la

combinación funcionó a la perfección y fuimos testigos de uno de los conciertos más incendiarios del festival. Otros que volaron a gran altura fueron Mastodon. Puede que los de Atlanta hayan perdido visceralidad, pero lo han ganado en precisión a la hora de tocar... ¡Y cantar! El puñado de temas que cayeron de su recinte Emperor Of Sand sonaron a gloria (la dupla ‘Andromeda’ y ‘Show Yourself’ fue increíble) y las interpretaciones de ‘Divinations’, ‘The Wolf Is Loose’ o ‘Black Tongue’ nos dejaron aturdidos. ¿Y se puede ser más cool tocando que Brent Hinds? Creemos hablar por todos si decimos que tanto quienes les vieron en aquel infernal Festimad de 2005 como los que se desvirgaban con ellos teníamos las mismas ganas de ver a System Of A Down. Muchas eran las dudas sobre el estado en el que llegaba el combo de ascendencia armenia. Que si no terminaban de sonar bien, que si


Serj Tankian estaba de lo más apático... Todo eso dejó de importar en cuanto Daron Malakian comenzó a marcar los primeros acordes de ‘Soldier Side’ y en aquel instante las cerca de 40.000 almas que nos encontrábamos en La Caja Mágica nos unimos para cantar a la par. Aquel momento se prolongó durante la siguiente hora y media sin dar tregua. Tal fue así que el público conseguía sepultar al propio grupo ante un volumen que resultaba insuficiente. Puede que no tengan el mejor directo del mundo, pero si te puedes permitir el lujo de tocar cerca de una treintena de himnos para toda una generación (sonaron ‘Prison Song’, ‘Violent Pornography’, ‘Aerials’, ‘Psycho’, ‘Bounce’, ’Chop Suey!’, ‘Question!’, ‘B.Y.O.B.’... ¡Un no parar!), entonces tampoco necesitas mucho más. Iban tan a saco que apenas nos dedicaron un par de palabras. Sólo tras la traca final con ‘Toxicity’ y ‘Sugar’ conseguimos darnos cuenta de que no había sido un sueño. Doce años después, System Of A Down nos volvieron a hacer tocar el cielo a base de brincos y pogos. Esta vez sí, con final feliz. Para continuar con la fiesta, nadie mejor que unos expertos en estos menesteres como Zebrahead. A pesar de que con el tute que nos habíamos metido alguno ya pensaba en la retirada, estos veteranos farreros se las apañaron para hacernos resistir la tentación a base de pop punk macarra. De igual manera, es complicado no divertirse en un show de Brujeria, pero cada vez tenemos más claro que a Juan Brujo apenas le queda voz. Ya entrada la madrugada himnos pendejos como ‘Colas De Rata’, ‘La Migra’, ‘Revolución’, ‘Consejos Narcos’ o ‘Matando

MASTODON

Güeros’ son toda una invitación al desmadre, pero en serio, si no fuera por Pinche Peach sería muy complicado seguir las letras, por muy integradas que las tengamos en el ADN. Las nuevas ‘Satongo’, ‘Ángel De La Frontera’ o ‘¡Viva presidente Trump!’ también estuvieron guapas. Por cierto, ¿dónde estaba Hongo? Le echamos de menos al bajo. Bat Sabbath dieron un gran bolo para

culminar la jornada, aunque la mayor parte del público asistente al Download no estuviera muy familiarizada con propuestas tan vetustas. Cancer Bats interpretaron perfectamente clásicos de los padres del heavy como ‘Black Sabbath’ o ‘Iron Man’, y la verdad es que la versión punk que Liam ofreció de los versos inmortales de Ozzy fue un contrapunto cojonudo. Quienes

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IN FLAMES

optasteis por ir a verles en lugar de bailar con nuestra sesión de RockZone Dj’s con Jordi Wild estáis más que disculpados, aunque no lo debimos hacer tan mal porque muchísima gente se quedó hasta que sonó ‘Epic’ de Faith No More como remate final. Gracias a todos y de nada por los cubatas que lanzamos desde el escenario. SÁBADO 24 DE JUNIO Aunque el sábado la temperatura había bajado unos pocos grados, Trono De Sangre sudaron como si estuviesen tocando dentro de un horno. Un desfase continuo que recompensó a los que decidimos plantarnos en el recinto a primera hora. En el Main Stage, Cobra desafiaron a los que se refugiaban en la sombra de la barra principal con sus riffs pesados y una gran energía. Con el sol cayendo a plomo y a media tarde, no era ni la 58

hora ni el lugar para disfrutar del esplendor de Sólstafir. Su emotivo rock volcánico no acabó de calibrarse del todo en cuanto a sonido y la gente fue desconectando, por lo que su actuación fue de lo más desdibujada. Esperaremos a verlos en sala para determinar qué tal sienta su nuevo Berdreyminn en directo. Con Deafheaven ocurre un fenómeno extraño: los disfrutamos en álbum de una manera casi sobrenatural, pero cuando llegan sus directos no logran convencernos al 100%. El sonido no acompañó, con un bombo y un bajo que estaban muy por encima del resto de la mezcla y te destrozaba el tímpano en los tempos más lentos y hacía perder cualquier matiz en las guitarras. George Clarke tampoco estuvo a la altura con una actuación vocal bastante pobre y una actitud escénica que puso a más de uno de los nervios.

A las siete y media de la tarde Iced Earth lograron congregar un auténtico gentío ante el escenario principal del evento. Tras años y años de duro trabajo Jon Schaffer ha logrado moldear un estilo intransferible de practicar metal, y eso es lo que demostraron canciones como ‘The Hunter’ o ‘Watching Over Me’, con la que cerraron para recibir, cómo no, un caluroso aplauso. Que después de su concierto aún haya gente que venga a comentarnos que no conocían de nada a Kvelertak y que les han flipado es algo que nos alegra enormemente, ya que deja claro que los noruegos aún tienen un largo recorrido por delante. Tampoco nos sorprende que se ganasen a más de un neófito porque su propuesta sigue resultando de lo más impactante. Con una importante presencia de Nattesferd, estos vikingos melenudos nos volvieron a trepanar los tímpanos a base de riffs black metaleros y rockeros solos de guitarra. Creo que todavía no he encontrado a nadie que sea capaz de escuchar ‘Blodtorst’ y quedarse impasible. Nueva exhibición de poderío. Un Anders Fridén al que le falta voz y que nos despidió en un ‘Take This Life’ prácticamente ahogado ilustra por qué In Flames optaron por confeccionar un setlist tan sumamente aburrido lleno de medio tiempos, momentos saltarines y solos guitarreros descafeinados. Esto es lo que actualmente ofrece la banda sueca sobre el escenario, aparte de muchas luces led. Es un grupo con un legado de canciones emotivas, tralleras y hasta comerciales -pero de calidadcomo para confeccionar un repertorio tan insulso y que se nos hizo eterno. Los barceloneses Syberia se vieron perjudicados por la acústica mermada


PROPHETS OF RAGE

de los escenarios pequeños. Para más inri, las deficiencias técnicas se cebaron de lo lindo con ellos haciendo que no terminasen de sonar en condiciones en ningún instante. Por muchas ganas que le echasen, fue difícil meterse de lleno en su intenso post rock. Ministry son un muro sonoro. Son macarrismo, guitarreo y electrónica. Son unas pantallas llenas de sornas políticamente incorrectas, y su frontman, una oda a las drogas. Son todo eso, pero además son un grupo sólido y capaz de despertarte cuando llevas tres días de festival y las piernas ya no responden demasiado. Al Jourgensen y los suyos son la muestra de que la actitud en un escenario cuenta, y de que por mucho que tengas una carrera ya hecha y nada que demostrar, la intensidad en un escenario es esencial. El final con ‘N.W.O.’, ‘Just One Fix’, ‘Thieves’ y ‘So What’ hizo olvidar su

arranque irregular. Lo de Wormed fue de otro planeta. Más que de costumbre, que ya es decir. Rodados tras patearse Europa junto a Benighted, nos dieron la paliza que merecíamos, aunque fue uno de los conciertos con menor afluencia de público. Visto el cartel ya nos imaginábamos que dentro de La Caja Mágica no habría mucha gente interesada en el metal extremo, pero una de las mejores bandas del globo en su estilo merece más respeto, y encima jugando en casa. Con un sonidazo arrollador y su imponente vocalista Phlegeton hasta arrancándose con un two-step, nos reventaron a su antojo. No habían sido pocos los que pusieron en duda la valía de Prophets Of Rage como cabezas de cartel. Hasta alguno se atrevió a menospreciarles como un mero grupo versiones de Rage Against The Machine. De ser así, deben ser la

mejor cover band del planeta, porque el fiestón que armaron no tiene nombre. No tienen la mala baba de Zack de la Rocha, pero tanto Chuck D como B-Real son dos MC’s de primer nivel y se las apañan la mar de bien en tareas vocales. Tuvieron su parte de protagonismo en ‘Fight The Power’ o el medley de clásicos del hip hop con ‘Bring The Noise’, ‘Insane In The Brain’ y ‘Jump Around’ como momentos estelares. Pero por supuesto, fueron las canciones de Rage Against The Machine las que desataron la locura. Desde una ‘Testify’ que nos embruteció en cuestión de milésimas pasando por ‘Guerrilla Radio’, ‘Bombtrack’, ‘Sleep Now In The Fire’ y ‘Know Your Enemy’, con el mejor sonido que escuchamos en todo el Download. Y hay que hablar aparte del señor Tom Morello. Sencillamente hizo con su guitarra lo que quiso. Sacó a relucir todo su arsenal de trucos, tocó con los dientes 59


SUICIDAL TENDENCIES

NOFX

al más puro estilo Hendrix y hasta se echó un duelo de scratches con DJ Lord. El instante más emotivo se vivió con el ‘Like A Stone’ de Audioslave, en un homenaje a Chris Cornell cuya voz fue sustituida por el tímido cantar del público al mismo tiempo que caían algunas gotas de lluvia. Lágrimas desde Seattle, pensamos algunos. En castellano, B-Real nos confesó que “Vivimos en tiempos peligrosos. Necesitamos canciones peligrosas. Como ésta”, y acto seguido ‘Killing In The Name’ puso el recinto patas arriba. De cuestionados a vencedores. Así se las gasta esta gente. En el Stage 3, sin palabras se quedaba uno viendo el despliegue de adrenalina de Mike Muir. El resto de miembros de Suicidal Tendencies tampoco se quedaban cortos, pero ver al cantante patearse una vez tras otra el escenario y cantar con esa entrega cada canción, a sus 54 años, fue un homenaje al crossover thrash. Clásico

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tras clásico, e invasión de escenario final por parte de los fans. Una lección a tiempo real de la que demasiados tendrían que tomar nota, sobre todo los combos más jóvenes. Los barceloneses se pasearán por algunos festivales estatales y lo tienen merecido. Blaze Out mezclan actitud con saber hacer y un buen abanico de recursos técnicos. Ofrecieron un buen concierto sólo empañado por algunos fallos de ejecución que suplieron con actitud y con la que el público disfrutó. De un concierto de NoFx estamos tan acostumbrados a esperar cualquier cosa que ya no nos sorprende su pasotismo, sus gambazos ni sus coñas sin gracia. Tanto es así que si cambiasen para volverse más profesionales seguramente lo echaríamos de menos. Esta vez tampoco fue de las mejores que les hemos visto, sobre todo teniendo en cuenta que basaron el setlist en muchos de sus trabajos más recientes obviando

un buen puñado de clásicos. Algo que no ayudó a contagiarnos las ganas de quemar el penúltimo cartucho, aunque si mientras apuramos el último kalimotxo del festival tocan ‘Don’t Call Me White’, se lo perdonamos todo. El Download iba llegando a su fin y Avatar salían a escena. Su propuesta es de lo más curiosa, tanto por sus vestimentas circenses como por esa mezcla de registros entre el power metal y el deathcore. Pero pasado el ‘efecto wow’ de las rastas de Jonas Jarlsby en sus headbangings y el teatrillo que se traían sólo quedaba un corta y pega de riffs sin mucho sentido que nos desconcertó más de lo que habíamos imaginado. Veremos hacia dónde evolucionan. Con las versiones de Ramoñas sonando de fondo, cruzamos por última vez la larga rampa que nos conducía a la calle agotados, felices y convencidos de que en doce meses volveremos a vernos las caras.


SUICIDAL TENDENCIES

EL EL ARTE ARTE DE DE LA LA REBELIÓN REBELIÓN REVIGORIZADOS CON LA INCORPORACIÓN DE DAVE LOMBARDO COMO BATERÍA, SUICIDAL TENDENCIES ESTÁN VIVIENDO UN GRAN MOMENTO. POCOS DÍAS ANTES DE SU PARTICIPACIÓN EN EL DOWNLOAD FESTIVAL Y UN PAR DE CONCIERTOS JUNTO A RATOS DE PORAO, Y CON LA MIRADA YA PUESTA EN EL RESURRECTION FEST, TUVIMOS LA OPORTUNIDAD DE CHARLAR CON EL INCOMBUSTIBLE MIKE MUIR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: KROUSKY PICTURES/DR


B

ASTA ECHAR UN VISTAZO A LA AGENDA DE SUICIDAL TENDENCIES para comprobar que, a pesar de llevar casi cuatro décadas en activo, siguen estando de lo más solicitados en festivales de todo el mundo. Y la verdad, nos alegramos. Pocos grupos hicieron tanto por derribar los muros entre el punk y el metal como ellos. Puede que discos como su debut homónimo o Join The Army fueran incomprendidos cuando se publicaron en los 80, pero el tiempo ha acabado poniéndolos en su sitio. Su trabajo

más reciente, World Gone Mad (Suicidal Records), aparecido el pasado septiembre, ha tenido muy buena aceptación, en parte, por la presencia tras los parches de Dave Lombardo. El legendario exbatería de Slayer ha pasado a engrosar la larga lista de grandes músicos que en algún momento han pasado por la formación californiana. Si no fuera suficiente reclamo poder escuchar temas como ‘Institutionalized’ o ‘You Can’t Bring Me Down’ una vez más, hacerlo propulsados por la fuerza de Lombardo se presenta como una oportunidad única.


Este verano daréis hasta cuatro conciertos en España. Aunque entre unos y otros también visitaréis Rusia, Italia o Finlandia. ¿No te cansa viajar tanto? ¿Es quizá España uno de los países donde te sientes más en casa? MIKE MUIR “Nos sentimos muy a gusto en España y este año y el que viene vamos a centrarnos bastante en vuestro país porque hace mucho que no lo hacemos. Mi padre me dijo una vez que cuando vas a otro lugar te sueles fijar más en las diferencias que en lo que tienes en común. La verdad es que yo me crié en Venice y ni siquiera me gustaba ir a la ciudad de al lado (risas). Después de haber viajado tanto durante años, mi conclusión es que hay gente buena y gente mala en todas partes. Así que intento encontrar a los buenos y alejarme de los malos. En todos los países hay cosas que me gustan. Mi mujer es australiana y viví allí varios años. También pasé casi un año en Francia. Hay muchos sitios que no le gustan a la gente y a mí sí (risas). Creo que cada visita es una oportunidad para aprender”. Leí que, para el disco anterior 13, teníais algo así como 160 canciones entre las que escoger. ¿Fue el mismo caso con World Gone Mad o sólo os centrasteis en el material más reciente? “Lo que pasó con 13 es que teníamos material acumulado que habíamos ido grabando durante muchos años con distinta gente porque ahora puedes grabar en prácticamente cualquier sitio. No era como en los viejos tiempos, cuando íbamos al estudio y era

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como echar gasolina, ya sabes, cada segundo cuesta dinero y los 15 temas que grabas eran los que iban en el disco, sino que habíamos ido componiendo y grabando porque sí. Pero para World Gone Mad la cosa fue un poco distinta. Llamé a Dean (Pleasants, guitarra) y le dije ‘Si quieres grabar otro disco, quizá ahora sea la única oportunidad para hacerlo. No hay garantías, pero tengo algunas canciones nuevas y podemos ver qué pasa’. Así que nos juntamos, fuimos al estudio y grabamos los temas específicamente para este disco”. Obviamente uno de los focos de interés es que contasteis con Dave Lombardo como batería. Más allá de su increíble técnica, ¿qué más os aporta? “Conozco a Dave desde siempre, pero cuando pasas con alguien 24 horas descubres las cosas que te gustan, pero también las que no (risas). La verdad es que he disfrutado mucho teniéndolo en el grupo. Hemos pasado mucho tiempo juntos y nos hemos divertido mucho. Hay gente que por la mañana es insoportable, pero Dave siempre se levanta con una sonrisa y un ‘¡Buenos días!’. Es un gran tipo. Tiene un entusiasmo juvenil que se contagia. Muchas veces estás en un festival y ves a muchos músicos en el backstage y parece que no estén ahí por gusto, en cambio Dave está siempre entusiasmado. Por eso estamos aquí, para tocar y pasarlo bien. Tocar en festivales es una gran oportunidad para que gente que quizá sólo te conozca de nombre, pueda verte. Y claro, tener a alguien como Dave es un plus. Toca la batería como si estu-

viera conduciendo un coche deportivo (risas). En una banda, la batería es la base de todo y Dave marca la diferencia”. A lo largo de tu carrera has tocado con músicos increíbles, pero ¿es Dave el que más te ha impresionado? “Durante años la gente me atribuía la habilidad de descubrir a músicos jóvenes con mucho talento: Robert Trujillo, que acabó en Metallica, tenía veinte y pocos cuando empezó con nosotros, Brooks Wackerman tenía 14 años cuando empezó con Infectious Grooves, y luego tocó en Suicidal y ahora está en Avenged Sevenfold. Los hermanos Bruner… Ron tenía 18 cuando tocó con nosotros y acabó con Prince, y Stephen tenía 17 y ahora toca con Kendric Lamar; Josh Freese también tenía 17 cuando empezó con nosotros y ha tocado con todo el mundo, desde A Perfect Circle hasta Sting… Pero una vez me preguntaron ‘¿Si pudieras tocar con un músico de otro grupo, a quién elegirías?’, y mi respuesta fue Dave Lombardo (risas). Es la primera persona que ha entrado en el grupo siendo un músico totalmente reconocido y para mí ha sido un sueño. Vi a Slayer antes de que sacaran su primer disco y él vio a Suicidal antes de que sacáramos el nuestro. Tiene la mentalidad perfecta para estar con nosotros en este momento. Dave es una leyenda y hay gente que sólo por verlo tocar ya viene a vernos a nosotros. He visto a músicos temblar por hacerse una foto con él (risas). Dave no quiere vivir en el pasado y nosotros tampoco. No queremos vivir de la nostalgia y con Dave arrasamos en directo. Es el matrimonio perfecto”.


“INCLUSO HOY EN DÍA EN QUE TODO SE BASA EN LOS LIKES DE FACEBOOK, A NOSOTROS NOS IMPORTA UNA MIERDA. NO ME IMPORTA EL HYPE, ME IMPORTA LA MÚSICA. LO QUE IMPORTA ES LA REACCIÓN QUE SIENTAS DENTRO” MIKE MUIR

De hecho, la primera vez que os vi en directo fue con Slayer en el Clash Of Titans Tour. ¿Qué recuerdas de aquella gira? “Pues de hecho lo que más recuerdo es mirar cómo tocaba Dave. Para mí no estaba viendo a Slayer, sino a Dave (risas). La intensidad que tenía era increíble. Suena mal decirlo, pero cuando la novia de tu amigo está más buena que la tuya, cada vez que la ves sientes algo de envidia (risas). En ese momento no podía decirlo por respeto a nuestro batería, pero ahora sí (risas). Dave estaba a otro nivel. La gente piensa en él sólo por su trabajo en Slayer, pero en los ensayos siempre nos dice ‘soy cubano, soy cubano’ y toca unos ritmos increíbles. Creo que en Suicidal puede tocar con un poco más de libertad, y eso le gusta”. La siguiente vez que os vi fue

en otro estadio con Guns N’ Roses y Brian May. ¿Cómo acabasteis en ese cartel? ¿Has mantenido el contacto con alguno de ellos? “De hecho, vi a Brian May en los Golden Gods Awards, donde me dieron un premio y Brian May estaba ahí. Le dije si se acordaba de mí y me dijo ‘Oh, sí. Gracias por haber sido tan amable con mi hijo’. Se ve que era muy fan nuestro y le regalé un montón de camisetas y discos cuando vino a un concierto. Me moló que se acordara. Sobre la gira en sí, recuerdo que alguien del equipo de Guns N’ Roses nos llamó y nos dijo que Axl quería que abriéramos para ellos en Europa. En un primer momento pensé que era una broma (risas), pero cuando vi que iba en serio, estaba claro que no podíamos rechazar semejante oferta. Era una gran oportunidad. En ese momento tocamos tanto con Metal-

lica como con Guns, así que fue una gran experiencia. En abril tocamos en Francia y un tío me dijo que la primera vez que nos había visto fue en esa gira con Guns cuando tenía 12 años. Así que creo que mucha gente nos descubrió en ese tour. Nos fue bien”. ¿Te sorprende que Guns N’ Roses sean capaces de seguir llenando estadios? “En realidad no. Creo que el motivo es que ya no existe la industria musical. Antes las generaciones musicales se diferenciaban en año y medio, luego pasó a ser tres y ahora ni se sabe. Cuando yo era joven, tenías glam, tenías punk, metal, new wave… había muchos más estilos que ahora, pero luego las discográficas lo uniformizaron todo. Creo que como no hay industria, no salen grupos nuevos que puedan convertirse en algo realmente grande, así que en los festivales la

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nar el EP y lo publicaremos en otoño. No me voy a retirar, esto es mi vida”.

mayoría de bandas son las que llevan muchos años. Cuando Lollapalooza empezó todas las bandas eran relativamente jóvenes, en cambio ahora eso ya no pasa nunca. Así que no me sorprende que una banda que fue tan grande como Guns siga siéndolo, porque nadie ha llenado su hueco”. ¿Crees que Suicidal siempre ha sido una banda avanzada a su tiempo? “Creo que siempre hemos estado donde debíamos estar. No me arrepiento de nada. Cuando sacamos nuestro primer disco, los fanzines de punk decían que apestábamos, y los de metal, también. No encajábamos… ¡Pero es que no queríamos encajar! Creo que cuando la gente ve que te la suda todo, se molesta. Incluso hoy en día en que todo se basa en los likes de Facebook, a nosotros nos importa una mierda. No me importa el hype, me importa la música. Lo que importa es la reacción que sientas dentro. Es como la comida. Si comes algo que te encanta y alguien dice que es asqueroso, ¿verdad que no lo escupes? Y si 74

comes algo asqueroso y alguien dice que es delicioso, ¿verdad que no te lo tragas? Es algo que cada uno sabe. Para mí la música es eso. No se trata de estar de moda o de encajar, se trata de que te guste a ti. Y creo que por eso hay gente que nos sigue desde hace tanto tiempo y hay mucha gente a la que no gustamos”. Se ha dicho que World Gone Mad podría ser vuestro último disco. ¿Es algo que has considerado de verdad? “Creo que se ha malinterpretado un poco lo que dije. Básicamente dije que, si hacíamos otro disco, tenía que tener suficiente calidad como para que, si fuera el último, todos nos pudiéramos sentir orgullosos de él. La verdad es que desde que salió World Gone Mad hemos estado de gira continuamente. Cada vez que me voy de gira, mis hijos lloran para que no me vaya, como si no fuera a volver, así que tienes que tenerlo todo en cuenta. Nuestra idea era grabar un EP primero, pero acabamos haciendo el álbum, así que ahora vamos a termi-

¿Y tienes planes para Infectious Grooves? Tocasteis en el festival Orion de Metallica. “Seguimos siendo grandes amigos con Robert y hace poco estuve con él, su mujer, su hijo y su hermano en Los Ángeles. La realidad es que él está muy ocupado (risas). Quizá cuando él puede, yo no puedo, pero hablamos continuamente. A Robert le encanta Infectious porque puede demostrar lo gran bajista que es. Quizá tengamos suerte y hagamos algo, pero todo depende de que podamos cuadrar las agendas. Seguramente no podamos hacer una gira mundial, pero sí al menos un par de conciertos”. Por último, tengo una curiosidad... El otro día escuché un podcast donde entrevistaban a Steve McDonald del grupo Redd Kross y contaba que en los 80 dieron un concierto en el Santa Monica Pier y tú fuiste ahí a tirarles huevos. ¿Lo recuerdas? “¿Que les tiré qué?”. Huevos. “No, no. No recuerdo haberlos visto nunca en Santa Mónica. Lo que pasa es que había muchos fans de Santa Mónica en esa zona y seguramente llevaban bandanas como yo. Pero no era yo. Me han echado la culpa de muchas cosas que no hice por culpa de la bandana (risas)”.


DISCO DEL MES

C Hydrograd (ROADRUNNER) HARD ROCK

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orey Taylor es un maestro a la hora de crear hype, una máquina de generar titulares que sabe que, en la era del clickbait, cualquier declaración que haga tiene asegurada su difusión en los medios online. Su actual trifulca con el cantante de Nickelback es un buen ejemplo de ello. Desde hace meses, Taylor lleva caldeando el ambiente cantando las excelencias del sexto álbum de Stone Sour. “Es probablemente uno de los mejores discos que hecho desde el primero de Slipknot”, llegó a decir. Vale, la frase es llamativa, pero si la

STONE SOUR

analizamos minuciosamente veremos que tiene trampa: “Probablemente”, es decir, que puede que sí, pero también puede que no. “Uno de los mejores discos”, es decir, que no es el mejor, sino uno de ellos. “Desde el primero de Slipknot”, como si situara ese debut como la obra cumbre de su carrera, cuando en muchas ocasiones ha dicho que su preferido es Iowa. O sea que, en el fondo, piensa que ha hecho un buen disco, incluso muy bueno, pero que tampoco es la repera que quiere vendernos. Comparado con los discos conceptuales, y más experimentales, House Of

Gold & Bones Part 1 & 2, en Hydrograd, Stone Sour han variado un poco el rumbo y ofrecen un trabajo más directo que lo juega todo a la efectividad de sus canciones. Seguramente hay dos factores que explican este giro. El primero es la salida de Jim Root de la banda, quien tiene un estilo que tiende más al metal que al rock. El segundo podríamos encontrarlos en los EP’s de versiones, Meanwhile In Burbank… y Straight Outta Burbank…, publicados en 2015, en los que debutaba el nuevo guitarrista Christian Martucci. En ambos se notaba que la banda, y Taylor en particular,


se lo había pasado de miedo grabando temas de Mötley Crüe, Kiss o Judas Priest. Hydrograd mantiene esa frescura y, en espíritu, recuerda bastante a los discos de hard rock de los 80 -el disco está plagado de solos de guitarra y ¿soy el único al que ‘Song #3 le recuerda a Dokken?-, si bien le sobran cuatro o cinco canciones para conseguir el impacto deseado. Pese a ello, Hydrograd resulta un buen disco para el verano gracias a su contagiosa energía y vitalidad. Stone Sour se han quitado la pátina plomiza que a veces tenían y se han dedicado a rockear. Con una voz que nos saluda con un “Hello, you bastards”,

Red Violent Blue (This Song Is Dumb & So Am I)’ con un estribillo que recuerda a los Van Halen de Sammy Hagar. La influencia 80’s también se aprecia en el toque AOR de los coros de ‘The Witness Trees’ o ‘Friday Knights’, mientras que ‘Hydrograd’ invoca a los Whitesnake que querían ser Led Zeppelin, pero cuenta con un gran trabajo de Mayorga y una de las frases del disco, “I’m not better that you, I’m just better”. ‘Knievel Has Landed’ se acerca más ese metal alternativo al que nos tenían acostumbrados Stone Sour y ‘Whiplash Pants’, ‘Somebdoy Stole My Eyes’ suben el nivel de agresividad, aunque sin llegar a poder

“SIEMPRE ES UN GUSTAZO ESCUCHAR A UN COREY TAYLOR EN PLENA FORMA”

la pomposa instrumental ‘YSIF’ sirve de introducción a ‘Taipei Person/Allah Tea’. Gracias a un riff torero y un estribillo melódico salpicado con gang vocals es un gran tema para abrir el disco y, como ya está ocurriendo en su actual gira, también sus conciertos. La parte donde canta “I’m running out of road but I’m still doing 75” es realmente pegadiza. Al terminar escuchamos como el batería Roy Mayorga deja caer sus baquetas al suelo mientras Taylor ríe; un detalle que transmite ese aire informal que buscaban. En esa misma línea andan temas como ‘Fabuless’, ‘Mercy’, ‘Thank God It’s Over’ o ‘Rose

ser confundidos por Slipknot. En el espectro opuesto, ‘St. Marie’ es una balada con instrumentación country que tiene bastante más gracia que la que cierra el disco ‘When The Fever Broke’, donde recuperan a la épica progresiva de su anterior obra. En definitiva, Hydrograd no es un trabajo redondo y si en lugar de 60 minutos durara 40, ganaría unos cuantos puntos, pero creo que los fans de Stone Sour disfrutarán de lo lindo. Y la verdad, siempre es un gustazo escuchar a un Corey Taylor en plena forma. Será un poco bocazas, pero canta como Dios. DAVID GARCELL


HO99O9

HAS DE SABER... FORMACIÓN: theOGM (voz, bases), Yeti Bones (voz, bases) PRODUCIDO POR: Ho99o9, Mike Feinberg AFINES A: Death Grips, Ministry, Body Count PÁGINA WEB: www.ho99o9.com


N

o es casualidad que The Dillinger Escape Plan escogieran a Ho99o9 como teloneros en su última gira. Este dúo originario de New Jersey y afincado en Los Ángeles ejemplifica ese espíritu radical y vehemente que los United States Of Horror propios Dillinger han cultivado (TOYS HAVE POWER) durante su carrera, si bien su HIP HOP, PUNK, INDUSTRIAL aproximación a la música no tenga prácticamente nada que ver. Con United States Of Horror, su primer álbum después de un par de EPs, los MC’s theOGM y Yeti Bones hacen realidad un sonido que empezó a gestarse en 2012 cuando ambos formaban parte del colectivo NJstreetKLAN. Si bien crecieron escuchando el

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hip hop duro de Onyx o DMX, su vida cambió a la que empezaron a frecuentar conciertos de bandas de punk y hardcore, aunque esto va más allá de una simple fusión de rap y guitarras, aunque también las haya. Este debut podría ser tanto por su sabor agrio, su mala leche, su factura áspera como por su espíritu cinematográfico procedente de su admiración por las películas de terror (‘Street Power’ empieza con las notas de ‘Halloween’ de John Carpenter) y, en concreto, de Rob Zombie, la banda sonora de esa América enferma y reaccionaria que ha llevado a Trump a la presidencia. La misma opresión y asfixia que puedan sentir muchos

de sus conciudadanos es la que sentirás al deslizarte por los surcos de este álbum que arranca con la intro ‘U.S.H.’ y a continuación empieza a martillearte con la base electro de ‘War Is Hell’. De hecho, muchos de sus temas recuerdan a Ministry, Prodigy o Skinny Puppy (‘Bleed War’, ‘Knuckle Up’, ‘Dekay’) con una marcada influencia industrial, si bien también hay lugar para punkarradas como ‘Sub-Zer0’ o ‘New Jersey Devil’, o incluso algún deje gótico en ‘City Rejects’. Cuando leas esto, los tendremos actuando por aquí, así que prepárate para una buena paliza. Peligrosos y necesarios. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... HO99O9 ¿Tenéis la sensación de estar viviendo en los Estados Unidos del Horror? theOGM “Yo siento que estoy viviendo en un ataúd andante”. YETI BONES “No hay vida, no hay respiración. Soy el que da la vida y el que la quita”. ¿Cómo afectó vuestra carrera mudaros de New Jersey a Los Ángeles? theOGM “Hizo que mi tolerancia a los tacos fuera más alta”. YETI BONES “Ninguna. Soy como Terminator, allá donde voy, lo destruyo todo”. ¿Qué es lo que más os disgusta del mundo del rap? ¿Y del rock? theOGM “Del mundo del rap me disgutan los niggas y las mujeres que piensan que pueden controlar cómo

todo el mundo se expresa. En el mundo del rock, los que creen que porque rapeamos no podemos tocar con otras bandas de rock. No somos una banda tradicional, así que pueden comerse una polla frita”. YETI BONES “Del rap me molestan los amargados, los falsos, los poses. Hay mucha mierda en los rappers. Del rock me molesta los que dicen lo que el rock y el punk deberían ser”. ¿Es la raza todavía un problema en la industria musical? theOGM “Sí. Una vez uno de estos grupos populares nos pidió una colaboración, pero todo lo que querían de mí es que dijese ‘nigga’ en uno de sus temas. Tenían tres canciones, pero lo único que querían era que dijese ‘nigga’. ¡Que le jodan a la industria!”. YETI BONES “Es un problema en la industria musical, en la del cine, en la

del teatro, en los negocios… Siempre ha sido un problema”. ¿Cuál es el significado de los 9’s en vuestro nombre? YETI BONES “Son similares a las cuatro barras de Black Flag. Alguna gente ha visto esas barras incluso antes de que supieran de qué grupo eran”. A veces termináis vuestros conciertos en pelotas. ¿No os da miedo de que se os electrocuten las bolas? theOGM “Eso no es verdad. A quién le importa una mierda”. YETI BONES “La única manera de que se me pudiera electrocutar el miembro sería si mi novia saltara al escenario y empezáramos a follar. Así que coge una silla, unas cervezas y disfruta del show del horror”. (JORDI MEYA)

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RANCID

Trouble Maker (EPITAPH/HELLCAT)

PUNK ROCK

75

S

iempre me ha llamado la atención el hecho de que Rancid fuesen capaces de meter tantísimos cortes en sus discos sin que diese la sensación de que algunos eran puro relleno. Lo que en muchos casos suele ser un aspecto en contra, ellos consiguen convertirlo en una virtud. O al menos, así había sido hasta ahora. Porque si algo se deduce tras las primeras escuchas a su nuevo plástico, es que un poco de tijera y una mejor selección de los temas habría mejorado el resultado final. Trouble Maker vuelve a contar con 19 piezas y dos partes bien diferenciadas. En la primera de ellas, estas

80

leyendas de Berkeley vuelven a dar otra lección magistral de clase y actitud en la que encontramos de todo. Desde rabiosos balazos de apenas 60 segundos (‘Track Fast’), adictivo ska (‘Where I’m Going’, en la que colabora Kevin Bivona de The Interrupters a los teclados), dejes rocanroleros (‘Bovver Rock And Roll’), historias callejeras con acento a lo Joe Strummer (‘Telegraph Avenue’), hasta canciones que son puro Rancid como el single ‘Ghost Of A Chance’, ‘An Intimate Close Up Of A Street Punk Trouble Maker’ o el clásico instantáneo que es ‘Farewell Lola Blue’. En esos diez primeros disparos los de Tim Armstrong sencillamente lo bordan. El problema viene con la segunda mitad, ya que empieza a resultar demasiado reiterativa y con falta de chispa. No se puede decir que sean malas, pero ‘Molly Make Up Your Mind’, ‘Beauty Of The Pool Hall’ o ‘Cold Cold Blood’ apenas darían la talla como caras B. Y eso acaba desdibujando un álbum que, de no haber pretendido abarcar tanto, podría haber sido bastante mejor. GONZALO PUEBLA

HE IS LEGEND Few

(SPINEFARM)

POST HARDCORE

80

D

esde su fundación a mediados de los 2000, el cuarteto de Wilmington se han movido con más o menos repercusión por terrenos post hardcore y screamo, justo por detrás de bandas como Alexisonfire, Silverstein y Every Time I Die. Si destacaban por algo He Is Legend, era por introducir elementos del southern rock a su moderna propuesta con letras positivas. Esas influencias tan 70’s son mucho más predominantes si cabe en el presente Few, cuyo título precisamente hace referencia a su pequeña pero muy fiel legión de seguidores. Y es que este disco, aunque cuenta

con el apoyo de Spinefarm, ha visto la luz gracias a un crowdfunding. El cantante y responsable de las letras de la banda, Schuylar Croom, encontró la inspiración en una cabaña aislada, rodeada de nieve, en diciembre de 2015. Esa combinación de introspección y naturaleza se materializa en un disco más oscuro con trallazos como el inicial ‘Air Raid’, en el que anuncian de una forma sombría el final del planeta Tierra. ’Sand’ es bastante más personal, una potente súplica (‘Stay With Me, I’m Begging You’) elevada por unos coros celestiales. El primer gran solo de guitarra llega con ‘Beaufort’, un tercer y adictivo corte con ecos a los Jane’s Addiction más alucinógenos, y le sigue la power ballad del disco, ‘Silent Gold’. El disco incluye otros momentos realmente especiales como ‘Gold Dust’, un medio tiempo delicado coronado con un estribillo irresistible, y la progresiva ‘Eastern Locust’, con reminiscencias a King Crimson. Veremos si consiguen multiplicar esos ‘pocos’ seguidores con la publicación de este discazo. LUIS BENAVIDES


LA SELECCIÓN

FOSCOR Les Irreals Visions (SEASON OF MIST)

METAL PROGRESIVO

80

F

oscor hacen bueno aquel dicho de ‘lo importante no es el destino, sino el viaje’. Con su anterior disco Those Horror Wither (2014), el grupo catalán inició un periplo en el que cortaron las ataduras con su pasado black metal y se adentró en nuevas sonoridades, más épicas y etéreas, que les abriera un futuro. Pero ni pasado ni futuro existen, sólo el presente, y el suyo se llama Les Irreals Visions. Su quinto álbum -con una producción excelente de Javi Félez de Graveyard- recoge todo lo bueno apuntado en el anterior, pero presenta una mayor claridad de ideas. Cantando exclusivamente en catalán, Fiar se ha volcado totalmente en registros melódicos que le ayudan a proyectar el tono poético de sus letras. Por su parte, la base instrumental te envuelve en una melancolía acentuada por influencias del shoegaze y el post punk en las guitarras de Falke y

A.M. y apariciones puntuales de piano. Pero al contrario de otras formaciones con evoluciones parecidas -pienso en Alcest o Katatonia-, Foscor no renuncian a mostrarse contundentes cuando es necesario como en ‘Malfiança’, ‘De Marges I Matinades’ o ‘Espectres Al Cau’, y, en ese sentido, contar con J.F. (también en Cruciamentum) a la batería ha sido todo un acierto. Si le añades que el disco incluye sus dos canciones más redondas hasta la fecha, ‘Ciutat Tràgica’ y ‘Les Irreals Visions’, sólo cabe felicitarles por seguir caminando al paso que ellos mismos marcan. JORDI MEYA


C ALL TIME LOW

Last Young Renegade (FUELED BY RAMEN/WARNER)

POP ROCK

65

omo tantos grupos de pop punk, desde Good Charlotte a Simple Plan, All Time Low llegaron a una encrucijada a la que empezaron a hacerse más populares: o bien concentrarse en ser la banda más grande dentro de su escena o bien intentar asaltar el mundo del pop sin complejos. Su primer intento en esta dirección fue Dirty Work en 2011, pero como no les salió bien, decidieron recular rápidamente, y en el siguiente disco, publicado apenas un año más tarde, volvieron a sus orígenes con Don’t Panic. Ahora, después del éxito conseguido con el anterior Future Hearts, la banda ha vuelto a sentirse con fuerzas para hacer un segundo asalto y es posible que hasta consigan su objetivo. Last Young Renegade, a

S DAN AUERBACH Waiting On A Song (EASY EYE SOUND/NONESUCH)

ROCK

80

82

e ve que a Dan Auerbach los parones entre disco y disco de The Black Keys le cunden una barbaridad. Si ya el pasado 2015 formó The Arcs junto a unos cuantos colegas para dar rienda suelta a su pasión por el acid rock, ahora le ha dado por recuperar su carrera en solitario. Al contrario que la producción garagera que bañaba Keep It Hid, Auerbach ha apostado ocho años después en esta segunda referencia particular por un sonido más pulcro y cuidado, redondeando un conjunto de canciones que rezuman ese amor por lo

pesar del pretendido aire conceptual sobre una historia de amor entre dos jóvenes, es básicamente un disco pensado para una industria basada en streamings de canciones sueltas. Su producción apuesta descaradamente por ese sonido actual de bases programadas, sintetizadores y voces tratadas con todo tipo de efectos para que pueda competir en la radio con Katy Perry, Maroon 5 o… Linkin Park. Las guitarras,

excepto en ‘Nice2KnoU’ y el corte titular, brillan por su ausencia, y en muchos momentos es difícil identificar si realmente hay una banda tocando los temas. Y aun así, pese a todas las precauciones, canciones como ‘Dirty Laundry’, ‘Nightmares’, ‘Dark Side Of Your Room’ o ‘Ground Control’, en la que colaboran Tegan And Sara, se te pegan al cerebro a la primera. Serán cabrones...

clásico que tanto le gusta. Grabado en sus Easy Eye Sound Studios de Nashville, Waiting On A Song parece un homenaje a la mejor época del pop rock de finales de los 60 y 70. Comienza con un póker de temas de aquéllos de forma sencilla pero que esconden algo más para engancharte a las primeras de cambio, destacando la titular ‘Waiting On A Song’, ‘Livin’ In Sin’ y el alegre single ‘Shine On Me’, donde se pueden escuchar ecos de George Harrison o Van Morrison. ‘Never In My Wildest Dreams’ pone la nota íntima con arreglos de viento muy

acertados antes de retomar el pulso con el sugerente ritmo de ‘Cherrybomb’, el soul elegante de ‘Undertow’ y otro potencial hit para la radios como lo podría ser ‘Stand By My Girl’. Un álbum sencillo, facturado con un buen gusto exquisito y que nos deja claro que la mitad de The Black Keys no ha perdido ni un ápice de su inspiración. Porque más que tener que esperar a que le lleguen las canciones, a Auerbach se le caen de las manos. Confiemos en que su estado de forma se traslade una vez más en el próximo trabajo del dúo de Akron.

MARC LÓPEZ

GONZALO PUEBLA


MUNICIPAL WASTE Slime And Punishment (NUCLEAR BLAST)

THRASH METAL, CROSSOVER

72

C

on la tontería hacía cinco añazos que Municipal Waste no publicaban un largo, pero eso sí, han aprovechado ese tiempo para afianzarse en las posiciones más adelantadas del nuevo thrash, por no decir que han ganado ya la pole. Igual lo de ‘nuevo thrash’ no esté muy bien expresado, porque quizá no son una banda ochentera, pero joder, llevan ya 16 años en el ruedo, y escuchando su último Slime And Punishment, está claro que siguen anclados a todo eso con lo que crecieron de críos, sin indagar en otras fórmulas. Aquí nos encontramos con

otra buena retahíla de canciones cortas, hasta 14, pero si bien Iron Reagan tiran más hacia el crossover puro y el hardcore más antiguo, cuando se trata de Municipal Waste, Tony Foresta y los suyos siguen alternando tanto Exodus y D.R.I. como pueden. La misma ‘Slime And Punishment’ sólo puede encajar en Municipal, y es que es cierto que son capaces de diferenciar claramente qué temas deben ser para un combo u otro, por muy parejas que puedan parecer sus coordenadas. Con ‘Shrednecks’, ‘Poison The Preacher’, ‘Low Tolerance’, ‘Parole Violators’, ‘Amateur Sketch’ o incluso la maideniana e instrumental ‘Under The Waste Command’ tendrás headbanging para semanas, pero al mismo tiempo, dudo mucho que este trabajo aporte demasiado a quien no ande todo el día obsesionado con el thrash. Para bien o para mal, los de Richmond son una banda absolutamente ortodoxa y clasicista, así que estamos ante un álbum genial para inmovilistas y nada apto para mentes inquietas. PAU NAVARRA

IN HEARTS WAKE Ark (UNFD)

METALCORE

70

A

lgo tiene que haber en el aire que se respira en Byron Bay, la pequeña localidad en la costa este de Australia, para que hayan salido de ahí dos bandas como Parkway Drive e In Hearts Wake. Es evidente que los primeros abrieron el camino, pero sus discípulos se están mostrando como unos alumnos aventajados, no sólo musicalmente, sino también en cuanto al mensaje que quieren mandar. Ark, su cuarto álbum, gira en torno a la importancia del agua en nuestra existencia y toma como metáfora el Arca de Noé para explicar el peligro

que corre el planeta si no tomamos conciencia. Pero para demostrar que lo suyo no son simples palabras, la banda ha iniciado una campaña de colaboración con la ONG Taronga Blue para limpiar algunas de las playas más contaminadas. Entrando a analizar Ark, salta a la vista que In Hearts Wake se encuentran muy cómodos en el sonido que ya mostraron en sus discos anteriores. Pero lo que quizá les falte en originalidad o inquietud lo suplen con buenas canciones. Es el caso de ‘Passage’, con esos coros gigantescos, la brutal ‘Nomad’, que arranca como si fuera un tema de Slipknot antes de atraparte en la red con un estribillo melódico, ‘Warcry’, con su riff quebrantahuesos, o esa ‘Elemental’ con toques orientales. No esconderé que a veces desearía que el bajista Kyle Elrich no tuviera tanto protagonismo con sus voces limpias, pero por otra parte comprendo que así pueden atrapar a un mayor público. Teniendo en cuenta que defienden una buena causa, bienvenido sea. DAVID GARCELL


AUTHORITY ZERO Broadcasting To The Nations (BIRD ATTACK)

HARDCORE MELÓDICO, PUNK

83

A

pesar de llevar cerca de un cuarto de siglo al frente de la banda, no ha sido hasta el inicio de la década actual cuando Jason DeVore ha visto cómo el nombre de Authority Zero comenzaba a despuntar poco a poco en el circuito punk. Trabajos tan destacables como Stories Of Survival y The Tipping Point unidos a sus trepidantes descargas sobre el escenario han conseguido convencer a cada nuevo seguidor que se acercase a su música. Puede que los constantes cambios de miembros no hayan favorecido su estabilidad, pero con Broadcasting To The Nations deberían dar el salto

74 84

al siguiente nivel y empezar a codearse con los grandes. En su sexto lanzamiento, los de Arizona han optado por adentrarse todavía más en la vertiente ska y reggae de su fórmula. De esta manera son capaces de volver a dar con piezas tan bien resueltas como ‘Creepers’ o ‘Revolution Riot’, en las que consiguen aunar las dos facetas. Incluso ‘Summer Sickness’ y ‘La Diabla’, en la que se convierten en algo así como una versión punk de The Police, podrían llegar a sonar en la radio sin muchos problemas captando a todo tipo de públicos gracias a la frescura que desprenden. Y todo ello sin perder ni mucho menos su credibilidad, ya que el que quiera zapatilla también la encontrará aquí en ‘First One In The Pit’, ‘Broadcasting To The Nations’, el himno ‘When We Ruled The World’ o una ‘Destiny And Demise’ que parece esa canción que The Offspring llevan años intentando componer para reverdecer viejos laureles. Una seria candidatura a mejor disco de punk rock de 2017. GONZALO PUEBLA

GALACTIC EMPIRE Galactic Empire (RISE)

METAL INSTRUMENTAL

80

S

i hablamos de bandas freaks, Galactic Empire se llevan la palma. Fanáticos a partes iguales del metal progresivo y Star Wars, los músicos que componen Galactic Empire han podido hacer realidad su sueño de unir sus dos pasiones en un mismo proyecto y, gracias a su directo, en el que salen disfrazados impecablemente como los personajes de la película (Dark Vader es el guitarra solista y Boba Sett el batería), están empezando a dar mucho que hablar. La saga espacial cuenta con muchísimos elementos para ser venerada por millones de personas, pero sin duda

uno de ellos es la icónica banda sonora de John Williams. ¿Quién no tiene en la cabeza la marcha imperial, la canción de la cantina o, por supuesto, su tema principal? Pues justamente son once de algunos de los pasajes más representativos de la primera trilogía lo que ofrece este debut, aunque en lugar de arreglos orquestales, lo que encontramos son guitarras eléctricas, doble bombos y un poderío propio de la mejor banda de metal. La producción está al nivel de los mejores efectos especiales, con un sónido nítido a la par que contundente. Épico, sorprendente y, sobre todo, muy divertido, este debut te hará volar desde el desierto de Tatooine (‘Cantina Band’) hasta los bosques de Endor (‘The Forest Battle’) pasando por los confines del espacio (‘The Asteroid Field’) y hasta te pondrá tierno con la emotiva ‘Ben’s Death’. El 3 octubre tendremos la suerte de poder ver cómo las gastan en directo en un único concierto en Madrid. ¡Vayan comprando palomitas! DAVID GARCELL


VALLENFYRE

Fear Those Who Fear Him (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL, DEATH DOOM

82

O

h, bendito Greg Mackintosh, el Piadoso, sigue guiándonos en tu infinita sabiduría, por estos tortuosos caminos que estás labrando junto a Vallenfyre. Por favor, no dejes que nos desviemos, mantennos firmes en esta noble cruzada. A tu mástil nos encomendamos, al pedal HM-2 Heavy Metal rendimos pleitesía, que tu voz de ultratumba nos ilumine la senda. Dichosos nosotros de ser testigos de tu creación, de poder regocijarnos ante tu gloria, una vez más, con este tercer largo, ante panteones eternos como ‘Cursed From The Womb’. Porque sólo

juntos nos mantenemos fuertes, y contigo al frente no tememos a nada. Que el antiguo ruido nos libre de todo mal, que ninguna otra fe nuble nuestra alma, que el death metal de ‘Messiah’ o ‘Nihilist’ nos reafirme en nuestros votos. Que la rama crust de tu hercúlea sinfonía se abra paso con ‘Soldier Of Christ’, ‘Kill All Your Masters’ o ‘Dead World Breathes’. Y así te rogamos, oh, gentil guía, que nos impidas caer en el desasosiego, la congoja, por el funesto death doom de ‘An Apathetic Grave’ o ‘The Merciless Tide’, porque por muy deshonestas que sean sus intenciones, sabemos que a prueba debes ponernos para ser dignos de tu gracia. Y así, al final del día, tras tan fatigosa jornada, nos llegará la nueva: que Paradise Lost lanzan álbum el 1 de septiembre… pero nosotros alzaremos la vista hacia ti, el Único, hacia Fear Those Who Fear Him, y diremos en voz alta, sin miedo, que poco nos importa ya eso, que bajo tu amparo una nueva era ha empezado. PAU NAVARRA

CAMORRA

Mourning, Resistance, Celebration (ARCTIC RODEO RECORDINGS)

ROCK ALTERNATIVO

80

D

uelo, resistencia, celebración; por este orden. Tres estados de ánimo, tres actitudes ante la vida (y la muerte), conforman el título de la primera referencia de Camorra, un supergrupo del underground norteamericano formado por tres veteranos como son Jonah Matranga, J. Robbins y Zach Barocas. El primero, el inconfundible cantante de Far, Gratitude y New End Original, es la voz principal de los cinco primeros temas de esta excitante nueva banda que cuenta con la colaboración de Janet Morgan (la bajista de Channels canta en la minimalista ‘Parting Friends’),

Tierney Tough (la teclista de The Pauses firma los coros de ‘Black White Girl Boy’) y Brooks Harlan y Shawna Potter de la banda de punk War On Women (también en el estribillo desgarrador de ‘Black White Girl Boy’). Sobra decir que J. Robbins, el eterno líder de Jawbox y recientemente liado con Office Of Future Plans o los citados Channels, se encarga de las guitarras de este EP que también ha producido. Mourning, Resistance, Celebration es un trabajo abismal y reflexivo, con pasajes atmosféricos y ensoñadores, sublime en ‘Between The World And Me’ (mucha atención a las dinámicas, a la maestría del trío) y ‘Roosevelt Champion III’, donde el batera, el tapado Zach Barocas, se reivindica detrás de la batería (y de las percusiones) como un auténtico pulpo. Lo escucho una y otra vez y sólo le encuentro una pega: cinco temas saben a poco cuando hay tanto capo junto. Esperemos que el proyecto tenga continuidad, y que en la próxima entrega sean muchos más. LUIS BENAVIDES


SEXY ZEBRAS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Gabriel Montes (voz, guitarra), Jose Luna (guitarra, voz),

Samuel Río (batería) PRODUCIDO POR: Santi Garcia AFINES A: Eagles Of Death Metal, Molotov, Royal Blood PÁGINA WEB: www.sexyzebras.com


H La Polla

(VAGABUNDOS) ROCK

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ace dos años este trío madrileño dio un paso de gigante con la publicación de su segundo disco Hola, Somos Los Putos Sexy Zebras. De ser sólo conocidos en el ámbito local, empezaron a ser solicitados en más festivales y, más importante aún, dieron el salto al otro lado del Atlántico, donde consiguieron un gran éxito, especialmente en México, donde ganaron el Premio IMAS 2016 a Mejor banda española. Pero a pesar de todo esto, parecía que mucha gente seguía teniendo la imagen de que se trataba simplemente de un grupo que llamaba la atención por sus letras explícitas y su espíritu provocador. Y es que, increí-

blemente, todavía hay quien no tienen ningún problema en que un grupo inglés diga fuck o motherfucker, pero se escandaliza cuando lo hace uno en castellano. Está claro que Sexy Zebras no han renunciado a expresarse como les da la gana -basta ver el título de su tercer disco o de algunas de las canciones-, pero nadie que se tome la molestia de escuchar el álbum podrá pasar por alto su validez musical. Recurrir a Santi Garcia como productor ha sido un acierto, pues ha sabido capturar a la perfección la energía que tienen en directo, pero a la vez ha introducido los matices que requerían sus nuevas composiciones. Y es que, aunque pueda parecer mentira, Sexy

Zebras han madurado… ni que sea un poco. Canciones como ‘Quiero Follar Contigo’, ‘Bereshit’ o ‘Crazy’ optan por ‘follarse’ al oyente con cariño en lugar de empotrándolo contra la pared. Aunque quien busque emociones más fuertes las tendrá de sobras con el rock desenfrenado de ‘Rock Da Party’, ‘La Polla’, ‘OMG’ o ‘Machote’. Chutes de adrenalina, con su característico spanglish, y riffs ideales para hacer que la gente no pare de botar en sus conciertos. Quizá lo único que me sobra sea la última, aunque me imagino que no debe tomarse muy en serio ya que ellos mismos la han bautizado como ‘Canción De Mierda’. JORDI PONS

HABLAMOS CON... GABRIEL MONTES ¿En qué ha cambiado más tu vida en los últimos años? “Hemos pasado de no vivir de la música a vivir de ella. De tocar en garitos a tocar por el mundo. Hemos roto con nuestras novias, hemos vuelto y hemos vuelto a romper. Diría que nos hemos empeñado en vivir la vida de verdad, y cuando haces eso te pasan más cosas”. ¿Cuáles dirías que son las principales novedades musicales del nuevo disco? “No hay una filosofía estilística. Todo está vivido, sufrido, sudado. El último año ha sido maravilloso, pero un poco loco, con demasiado trabajo. Lo hemos compartido todo, las borracheras, las locuras, las visitas a los bosques… La verdad es que no me acuerdo ni de cómo hemos hecho este disco, ha sido

como un suspiro. La grabación ha sido muy inmediata y tiene esa frescura. Santi Garcia nos ha hecho sonar aún más grandes, más fuertes, que es lo que nos apetecía”. A mí me ha parecido como si fuese el repertorio de un grupo que da un concierto y toca temas de diferentes épocas. “Eso me parece la polla. Ha salido sin querer. Que nos salga una canción como ‘Quiero Follar Contigo’ o ‘Canción De Mierda’ es algo que nos vuela la cabeza, la verdad. No estaba codificado que eso pudiera ser Sexy Zebras. A lo mejor quizá antes no salíamos de nuestra zona de confort. Pero ahora hemos vivido muchísimas cosas que nos han salido de allí y hemos descubierto otros registros. Pero tienes razón en lo que dices porque ahora en

los conciertos hay otras energías”. ¿Cómo se consigue esa energía y desmadre en la frialdad del estudio? “Nos hemos dado cuenta que al final lo que estamos contando es una historia de amor entre los tres. Nos queremos mucho. Nos hemos unido para hacer música, pero nos podríamos haber unido para pintar cuadros, ¿sabes? ‘Quiero Follar Contigo’ la canté borracho a las tres de la mañana y en una toma, y acabé medio llorando. O ‘Sexo y Marihuana’ la canté con la voz destrozada o en ‘Machote’ nos metimos todos con un micro a cantar y berrear. Nos apetecía mucho que fuera todo espontáneo. Y Santi nos animó mucho a eso. Pasaron cosas más reales que otras veces”. (JORDI PONS)

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L CHUCK BERRY Chuck

(DUALTONE/UNIVERSAL)

ROCK’N’ROLL

60

a aparición de Chuck, el disco póstumo de Chuck Berry, hubiera sido noticia incluso sin que este pionero del rock’n’roll hubiera fallecido el pasado marzo. Hacía la friolera de 38 años que Berry no publicaba un nuevo álbum (¡Chúpate ésa Axl Rose!) y naturalmente había curiosidad por descubrir, al menos, parte del material que había estado grabando entre 1991 y 2014, año de su última aparición en directo. A la hora de verdad, Chuck suena exactamente como podíamos imaginar, si bien sorprende la jovialidad de la voz de un anciano que acabó muriendo a los 90 años. El disco tiene mucho de autohomenaje y algunos temas se presentan como pseudo secuelas de algunas de sus propias canciones. Así, ‘Wonderful Woman’ tiene algo de ‘Back In The

D CHRIS SHIFLETT

West Coast Town (SIDE ONE DUMMY)

COUNTRY ROCK

77

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esde 1999, Chris Shiflett toca la guitarra en una de las bandas de rock más grandes del planeta: Foo Fighters. Cuando la banda liderada por Dave Grohl se lo permite, Shifty aprovecha para tirar adelante otros proyectos. El exNo Use For A Name sigue vinculado al punk rock grabando discos con Me First And The Gimme Gimmes (lo de girar se lo deja a su hermano Scott), tiene un interesante podcast llamado Walking The Floor y ya hace tiempo que explora en solitario terrenos cercanos al country rock. En el 2010 publicó su primer

USA’, ‘Wild Boys’ -en la que colabora sin que se note Tom Morello- bebe mucho de ‘Roll Over Beethoven’, ‘Lady B. Goode’ es ‘Johnny B. Goode’ transformada en una carta de amor a su esposa Toddy, o ‘Jamaican Moon’ aparece como una versión, eso sí, menor de su ‘Havana Moon’ de 1968. Arropado por su banda habitual en los últimos años y de su propia familia -su hijo y su nieto se hacen cargo de las guitarras

y su hija Ingrid canta a dúo la balada ‘Darlin’’-, Berry suena de lo más relajado y, lejos de su imagen ruin, en temas bluesys como ‘She Still Loves You’ o ‘Eyes Of Man’, incluso tierno. También hay lugar para alguna excentricidad como la recitada ‘Dutchman’ o ‘3/4 Time (Enchilada)’, pero los mejores minutos son cuando se ajusta a ese bendito sonido que él ayudó a parir. Hail! Hail! Rock’n’roll!

trabajo como Chris Shiflett And The Dead Peasants, y repitió formación tres años después para publicar un disco de versiones. Ahora Shiflett vuelve en solitario, sin los ‘campesinos muertos’, y firma un disco con una decena de temas propios, cálidos y soleados como su querida Costa Oeste. Eso sí, este West Coast Town se grabó en el interior, concretamente en el histórico Studio A de Nashville con el ganador de un Grammy Dave Cobb a los mandos. En la meca del country Shiflett ha parido temas alegres y festivos, ha dado en el clavo con ritmos

agradables y sobre todo guitarras tarareables, carne de cañón de las emisoras de su país. ‘Sticks And Stones’, ’West Coast Town’, ‘Goodnight Little Rock’ y ‘The Girl’s Already Gone’ cumplen a la perfección con su objetivo: que te entren ganas de ponerte unas buenas botas para bailar con las manos sujetando el cinturón. Puede que el de Santa Bárbara no tenga una gran voz, pero sus temas entran muy bien y transmiten buen rollo. Con eso nos basta y nos sobra para escuchar una y otra vez un disco que hace verano.

JORDI MEYA

LUIS BENAVIDES


NORTHLANE Mesmer (UNFD)

METALCORE

69

S

iguiendo la estela de bandas como Radiohead o Avenged Sevenfold, los australianos Northlane también han querido sorprender a sus fans lanzando por sorpresa su cuarto álbum. Teniendo en cuenta que, al menos fuera de su país, siguen siendo una banda bastante pequeña, no entiendo muy bien la estrategia, pero me imagino que en estos tiempos de sobresaturación es de las pocas formas que quedan de llamar algo la atención. En cualquier caso, Mesmer sigue marcando la progresión que ha tenido la banda desde sus inicios.

Con el vocalista Marcus Bridge ya consolidado en su puesto (debutó en el anterior Node en 2015), Northlane se han decantado por explotar las cualidades melódicas de su voz a fondo. Pese a que por sus orígenes sigamos considerándoles una banda de metalcore, la realidad es que musicalmente cada vez tienen menos que ver con el género. A menudo en temas como ‘Heartmachine’ o ‘Zero-One’, tanto por la cristalina producción como por la abundante presencia de teclados atmosféricos, podría parecer que estamos escuchando alguna banda de djent o progresiva, si bien sus composiciones son mucho menos enrevesadas. En otros, también recurren a influencias del metal alternativo teniendo ‘Colourwave’ algo de Deftones o ‘Solar’ sonando como uno de esos medio tiempos que escribían los Incubus de Make Yourself. De todos modos, todavía les queda algún deje de sus inicios con esa suerte de breakdown en ‘Fade’, la cañera ‘Intuition’ o el efectivo single ‘Citizen’. DAVID GARCELL

TOMBS

The Grand Annihilation (METAL BLADE)

BLACK METAL

72

S

i Mike Hill te pareció un sobrado trumpista leyendo la entrevista que le publicamos hace un mes, tranquilo, porque yo tuve la misma sensación. Ahora bien, nos pondríamos a su altura si ahora empezáramos a pasar de Tombs por la ideología o los aires que gasta su líder, así que no dejemos escapar The Grand Annihilation, que viene cargadito de novedades. Para empezar, sólo el bajista Ben Brand sobrevive de la alineación que grabó su anterior Savage Gold, y no menos llamativo resulta que en este nuevo trabajo ya no haya ni rastro de ese post metal que atrajo a bastantes hacia

su propuesta. En The Grand Annihilation Tombs abrazan más que nunca la influencia de Tom Gabriel Warrior en sus sucesivas encarnaciones como Hellhammer, Celtic Frost y Triptykon, o lo que es lo mismo, sumándole un pulso a lo black’n’roll de Satyricon, los estadounidenses presentan aquí sus temas más directos y simples, y dicho esto como algo positivo, por supuesto. Los de Nueva York van al grano, con riffs muy marcados y lejos de la pirueta técnica, y, en muchos cortes, siendo ‘Old Wounds’ y ‘November Wolves’ las primeras en desconcertarte, recurriendo Hill a inspiraciones vocales como Nick Cave, Ian Curtis de Joy Division o Carl McCoy de Fields Of The Nephilim. Todo esto, unido a trallazos como ‘Black Sun Horizon’ o ‘Way Of The Storm’, resulta un contraste interesante. No echarás de menos la caña, pues es en los temas más góticos, sentimentales y afectados como ‘Underneath’ o ‘Walk With Me In Nightmares’ donde se encuentra la chispa de este álbum. PAU NAVARRA

89


Y SCHAMMASCH

The Maldoror Chants: Hermaphrodite (PROSTHETIC)

AMBIENT, AVANT-GARDE BLACK METAL

68

la pregunta sería… ¿Es bueno el nuevo trabajo de Schammasch o, por el contrario, es una patillada de las guapas? Hijos míos, por una vez el sabiondo de Pau no las tiene todas, pero lo que sí tiene claro es por qué no es un discazo. En primer lugar, porque para una banda de infinitas posibilidades como la helvética, parir estos 30 minutos largos de música tiene que haber sido de lo más sencillo. Hace un año nos encandilaron con ese excepcional triple álbum llamado justamente Triangle, y que ahora vuelvan con The Maldoror Chants: Hermaphrodite, tan pronto, con tanta gira de por medio, es otra evidencia de lo sencillo que les debe de haber resultado crear este artefacto. Y eso se nota sobre todo en la llana

A MATTHEW SWEET Tomorrow Forever (HONEYCOMB HIDEOUT)

POWER POP

70

88

unque en los 90 el grunge fue el estilo que marcó la década, personalmente siempre la recordaré como una época gloriosa para el power pop. Gigolo Aunts, Fountains Of Wayne, Superdrag, The Posies, Jellyfish o Redd Kross nos deleitaron con un montón de canciones monumentales y, naturalmente, no podemos pasar por alto a Matthew Sweet. El oriundo de Nebraska creó, entre 1991 y 1999, cinco discos espectaculares -Girlfriend, Altered Beast, 100% Fun, Blue Sky On Mars e In Reverse- a los que uno

primera parte de esta obra, pues hasta que no llegamos al quinto corte, aquí no hay demasiado movimiento. Claro, para un grupo de su contrastado talento tiene que haber sido pan comido grabar esas canciones iniciales, ese ambient apocalíptico marcado por la percusión, los ecos y los cantos espirituales. Para Schammasch, eso es como pedirle a Conor McGregor que noquee a un niño. Y la parte final, la que arranca

con potencia y blasts, pues la verdad es que, aunque destila calidad, sabe a poco. Una de dos, o el sello ha obligado al combo a sacar cualquier cosa para prolongar la buena racha, o ha sido la propia banda la que ha querido forzar la máquina para volver a la carretera. De cualquier forma, Triangle merecía una continuación mucho mejor que este mini. No todo vale en el ambient.

siempre puede acudir para reconfortarse en sus melodías. Cierto es que, desde entonces, su producción ha bajado bastante el nivel, a pesar de que siempre puede encontrarse alguna perla en cualquiera de sus discos. En ese sentido, Tomorrow Forever, su primer álbum con material propio desde 2011 (entremedio publicó el tercer volumen de sus discos de versiones con Susanna Hoffs) es su trabajo más satisfactorio en mucho tiempo. Su mayor problema es que quizá Sweet ha sobrevalorado su propio talento y ofrece 17 temas, cuando de haber pasado la tijera y quedarse con los

diez mejores, podríamos hablar de un álbum redondo. Canciones menores como ‘Finally’, ‘The Searcher’ o ‘Hello’ hacen que otras como ‘Trick’, ‘Haunted’, ‘Pretty Please’, ‘Nobody Knows’ (donde le acompaña Gary Louris de The Jayhawks) o, mi preferida, ‘Come Correct’, queden un poco diluidas entre tanto material. Pese a ello, este hijo ilegítimo de John Lennon y Neil Young (su influencia se aprecia mucho en las guitarras de la deliciosa ‘Bittersweet’ y ‘Off The Farm’) sigue conjugando el pop de los 60 con el rock de los 70 como pocos.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA


DEF CON DOS

#trending_distopic (ROCK ESTATAL)

RAP METAL

78

A

estas alturas de la película no creo que yo pueda aportar nada nuevo a todo lo que se ha escrito ya sobre Def Con Dos. A punto de cumplirse 30 años desde que apareciese su primera maqueta, #trending_distopic es el trabajo número doce del colectivo madrileño. Sí que vale la pena comentar que se trata del disco con más colaboraciones externas (Juan de S.A., Tote King, Sherpa, Bulbul, Jimmy Barnatán y la gente de Zoo) y seguro, el que han metido más citas literarias entre canción y canción, referidas sobre todo a la

censura y a la libertad de expresión, como no podía ser de otra manera teniendo en cuenta por lo que ha pasado recientemente César Strawberry. A pesar de la gran pérdida que supone no poder escuchar los rapeados de Juanito Sangre y de Peón Kurtz, el discurso musical de los Def Con Dos del 2017 sigue siendo totalmente válido. De hecho, la canción ‘Esto Es El Def’ habla precisamente de eso y deja las cosas claras a los que tenían dudas; Strawberry tenía material para inspirarse de sobras, así que composiciones como ‘Que Tú Nos Persigas’ o ‘Desconfía’ se perciben frescas y naturales. De todas formas, lo que más me sigue sorprendiendo es su capacidad para crear letras satíricas y títulos ingeniosos como ‘Dación En Pogo’, ‘Que Se Inmole El Que No Mole’ o ‘Algunas Canciones Acaban Bruscamente (A.C.A.B.)’. Pero, ¿cómo se puede escribir una canción sobre el chaleco reflectante y ponerla la primera del álbum? Lo dicho: máximo respeto a DCD. JORDIAN FO

VIOLETS

Maybe This (H-RECORDS)

PUNK ROCK

78

H

an tenido que pasar cinco años para escuchar el segundo trabajo de Violets. Quizá ahora han encontrado las fuerzas necesarias y las melodías adecuadas. Quizá ahora tienen el batería perfecto. Quizá este disco, Maybe This, es lo que necesitaban para volver a por todas. Maybe This, el regreso de las inseparables Momo y Glory, ahora con Xavi de The Anti-Patiks aporreando la caja y el bombo, reúne nueve cortes súper adictivos que siguen la línea de su debut, como la inicial ‘Six’, sin renunciar a nada. Aquí también encontramos ecos a sus admirados Dover en

piezas explosivas como ‘Hold On’ y ‘A Little Bit’, de la que sacan el título del disco. Incluso los mejores The Offspring sobrevuelan en el medio tiempo ‘Prisons’ con esos ‘oh oh oh’ que recuerdan agradablemente aquel himno llamado ‘Self Esteem’. Grabado en EM Estudi, Maybe This es todo esto y algo más. Se puede apreciar un pequeño salto adelante en la carrera de esta banda de Barcelona escuchando piezas a piñón como ‘Too Busy’ y, sobre todo, en una canción redonda como ‘War’, tan inspirada y certera que no te la podrás quitar de la cabeza en mucho tiempo. Cinco años son un mundo para una banda tan joven. Se nota en las composiciones y, sobre todo, en el tono general de las letras. Adivino decepción (‘Better Without Me’), algo de sufrimiento y sentimiento de pérdida (‘Around Me’); pero en el disco predomina la ilusión y las ganas de luchar por su banda de punk rock caiga quien caiga (‘No Signs No Time’). Y es que Violets están de vuelta con más fuerza que nunca, y vaya si nos alegramos. LUIS BENAVIDES


FLOGGING MOLLY Life Is Good (SPINEFARM)

FOLK PUNK

80

A

unque con un título tan positivo como Life Is Good pudiera parecer lo contrario, Flogging Molly acaban de publicar uno de sus trabajos más comprometidos hasta la fecha. En su sexto trabajo de estudio estos angelinos con sangre irlandesa abordan con su habitual poesía de taberna asuntos como la pobreza, el desempleo y las políticas de inmigración. En ‘The Hand of John L. Sullivan’, por ejemplo, utilizan la historia de un boxeador bigotudo conocido como Boston Strong Boy, gran púgil de finales del XIX, para abordar temas como

82 92

la inmigración y, sobre todo, el sueño americano. A estas alturas sobra decir que el grupo del trébol de cuatro hojas es uno de los máximos exponentes del punk revival con elementos e instrumentos propios del irish folk como flautas, violines y acordeones. Así se dieron a conocer en el 2000 con Swagger, la antesala del aclamado Drunken Lullabies, y en esa misma línea continúan Dave King y compañía con temas marca de la casa como las festivas ‘Welcome To Adamstown’ y ‘The Day’s We’ve Yet To Meet’, sirviéndose de estribillos que empoderan y hermanan al mismo tiempo para transmitir buenas vibraciones. La banda apunta alto y quizá por eso decidieron grabar con el ganador de varios premios Grammy Joe Chiccarelli (U2, Beck, The White Stripes). La jugada les sale redonda en las anteriormente citadas y, sobre todo, en el himno ‘Reptiles (We Woke Up)’, irresistible y con mucho potencial en los grandes estadios y festivales. LUIS BENAVIDES

THE SWORD

Greetings From… (SPINEFARM)

STONER METAL, HARD ROCK

58

S

in ser una gran apasionada de los discos en directo, debo admitir que cuando me enteré de este último lanzamiento de la banda de Austin, mis expectativas se dispararon, teniendo en el recuerdo memorables actuaciones hace cuatro años, cuando nos visitaron para presentar Apocryphon, su cuarto álbum. Una banda pesada, poderosa, con riffs pegadizos y machacones, capaz de provocar un masivo headbanging entre el público, como si de un embrujo colectivo se tratara. El punto de partida para este disco fue la grabación

de todos los conciertos que el grupo ofreció durante su gira americana compartida con Opeth, lo suficientemente satisfactoria como para que la banda decidiera hacer una particular selección y lanzarla al público. Sin embargo, Greetings From... ha resultado ser una gran decepción, puesto que queda de manifiesto el cambio de estilo del grupo hacia parajes más espaciales y oníricos, como ya quedó patente con su álbum High Country, y su reinterpretación acústica, Low Country, dando la espalda a obras tan emblemáticas como Age Of Winters o Apocryphon, algo difícil de comprender. Y no es que suenen mal los temas, pero la fuerza que impregnaba las actuaciones de The Sword parece haberse desvanecido, y estos nueve cortes parecen una versión edulcorada del combo. Sinceramente, si no eres fan del grupo, no te molestes, este álbum no cambiará tu vida ni te aportará gran cosa, y si lo eres, mejor reza para que The Sword no se cuelguen mucho en sus viajes interplanetarios y recuperen su punch. TOI BROWNSTONE


APOSENTO

Bleed To Death (XTREEM MUSIC)

DEATH METAL

83

C

orren buenos tiempos para el metal extremo, y si no, que se lo pregunten a Aposento. Quién les iba a decir que, casi tres décadas después de su fundación, con prolongada separación incluida, éstos iban a vivir su mejor época como banda en pleno 2017. Porque no hay más que ver cuántos shows han realizado desde su retorno, el buen ritmo de publicaciones que han tomado y, sobre todo, un discarral como el que nos ocupa, el presente Bleed To Death. Sí, sí, discarral, con todas la letras, uno de los mejores que han aparecido este año en nuestro país.

No me sorprende nada que el alemán Jörg Uken esté detrás de la mezcla y el master de este álbum, porque a Sinister es a lo que suena esta renacida apisonadora riojana. Y eso, queridos míos, viendo el espectacular momento que vive la formación holandesa, es muchísimo. Uno tras otro caen estos diez cortes, estas diez trepanaciones a lo Cannibal Corpse, estas diez mutilaciones que convierten este plástico en lo mejor que hayan lanzado nunca los de Logroño. Dejando las virguerías sólo para su batería Gabri Valcázar, en Bleed To Death Aposento siguen a lo suyo, aplastándonos con esa pesadez tan personal, con la técnica necesaria para lograr sus fines pero nunca cayendo en el exceso. En lo único que se pasan aquí es en violencia, en nivel de tropelías por minuto, y de nuevo, en ese señor sonido, la madre de Dios… El tremendo gutural de Mark Berserk remata este encarnizamiento, que también marca su vuelta al inglés como única lengua en las letras. PAU NAVARRA

OSEZNO Osezno (ROCK CD)

ROCK, HARDCORE

77

L

os protagonistas de esta reseña son Osezno, pero de cachorros tienen más bien poco. En su primer largo trabajo, un disco homónimo, muestran unos colmillos y unas zarpas más propias de un enorme oso pardo. Los miembros de esta banda formada en 2013 son viejos conocidos de la escena. En sus filas encontramos excomponentes de Another You y el frontman de la mítica banda murciana Screwcoco, Grego Ruiz, asimilados en la escena nu metal estatal a mediados de los 90. Grabado y mezclado por Juan Ballester

(Zombies And Diamonds, Sarabix, Cuneo, Virgen) en Delta Estudios y masterizado por Raúl Artana en Rockaway, Osezno es un imponente trabajo formado por una decena de trallazos de rockin’ hardcore en castellano. Derrochan energía en todo momento, pero su efectiva contundencia adopta diferentes formas. Estos cuatro animales repartidos entre Murcia y la Vega Baja alicantina le dan muy bien al rock duro y distorsionado (‘Quién’, ‘Balas De Fuego Y Sal’, ‘Sólo Una Vez’), pero también tienen un lado nu metalero (la guitarra tremendista y la cadencia en la estrofa de ‘Esencia’ me hizo pensar en los Def Con Dos de ‘El Día De La Bestia’) y punk acelerado (atención al riff nirvanesco de ‘Odia. Rompe El Miedo’). En general, un muy buen disco, que sobresale en la primera escucha por el groove adictivo de las guitarras y la imponente voz del mencionado Ruiz, quien alterna partes melódicas, gruñidos y rapeos como nadie. LUIS BENAVIDES


THE BABOON SHOW

The World Is Bigger Than You (KIDNAP MUSIC)

PUNK, ROCK ALTERNATIVO

70

C

on motivo de su participación en el festival Barna ‘N’ Roll el 22 de julio en Barcelona, llega a nuestras manos el último álbum de esta banda sueca publicado el año pasado. Nunca es tarde para descubrir a una nueva banda, y The Baboon Show lo son. Con más de una década a sus espaldas y media docena de discos, no hay duda de que el cuarteto tiene muy claro cuál es su cometido. Para ponerlo fácil, podríamos situarlos en algún punto entre The Distillers y Dover. La voz de cazalla de Cecilia Boström recuerda mucho

94

a la de Brody Dalle y las guitarras tienen un toque punk rock que hacen de éste un trabajo vibrante. Es lo que encontramos en temas como ‘I Will Go On’ o ‘Take It Back’, directos y macarras. Pero al mismo tiempo, cuando levantan un poco el pie del acelerador y bajan el ritmo, The Baboon Show adquieren una sonoridad más grunge y dan más cabida a las melodías. De ahí que ‘Working All Night And Day’ y ‘Me, Myself And I’ me hayan recordado a lo que hacían las hermanas Llanos en sus años mozos. Para completar, y teniendo en cuenta su procedencia, no sorprende encontrarse algunos punteos a lo Hellacopters en las rockeras ‘Choose To Ignore’ y ‘Work, Work, Work’, mientras que ‘The Hermit’, con su riff saltarín, tiene asegurado que la gente bote en sus conciertos. Me desentona un poco ‘Lost You In A Second’, con el guitarrista Håkan Sörle cantando las estrofas, que cierra el álbum, pero en términos generales, éste es un trabajo sin fisuras. MARC LÓPEZ

TEETHING

We Will Regret This Someday (VARIOS SELLOS)

GRINDCORE, HARDCORE

80

P

arece mentira que, con el carrerón que llevan, We Will Regret This Someday sea el debut en largo de Teething. Pero así son las cosas en el mundo del core más extremo y, de esta forma, tras múltiples escapadas a Europa y todavía más shows, por fin los madrileños nos presentan algo más consistente y duradero que una larga ristra de EPs y splits, por muy disfrutables que éstos fueran. Para simplificar las cosas, decir que esta peña son lo más parecido a Nails o Full Of Hate que podemos encontrar en nuestro Estado. Y quizá también

haya algo del hardcore más volátil de Converge, o del powerviolence de Magrudergrind… Lo que nos lleva a pensar que, en realidad, Teething se mueven dentro de los parámetros comentados, pero saltando de un estilo a otro cuando quieren, aunque siempre con gran acierto y bombardeándonos la sesera que da gusto. Tras el intercambio de mamporros inicial vamos llegando a otros temas como ‘Up In Smoke’, la agónica ‘Filipino Violence’ o ‘Just Kids’, que aunque cabalguen sobre una base hardcore, tanto su distorsión como el ensañamiento con el que golpean demuestran que este grupo está destinado a algo grande, que con tamaña propuesta sólo se pueden ir hacia arriba. La arenga de ‘White Cross Introduction’ te prepara para volver al grindcore con ‘White Cross Inversion’, y tras ésta, recta final hacia la guerra total. Un tremendo temazo como ‘Subway Rat’, ‘Life Is Peachy’ y ‘An Open Letter To My Best Friend’ certifican que Teething conseguirán todo lo que se propongan. PAU NAVARRA


DUALIZE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Alejandro Sánchez (voz), Juan Blas (guitarra, bajo), Quico Duret

(guitarra), Diego Ramírez (bajo), Víctor Uriel (batería), Luis López (teclados) PRODUCIDO POR: Juan Blas AFINES A: Oasis, The Stone Roses, Blur PÁGINA WEB: dualizeofficial.bandcamp.com


S Catching The Butterfly (AUTOEDITADO) ROCK

76

iguen llegando buenas noticias desde los Westline Studios del siempre activo Juan Blas. La penúltima de ellas se trata de Dualize, proyecto iniciado por Alejandro Sánchez con la intención de dar salida a una serie de canciones y que ahora empieza a tomar forma una vez reclutada una banda para poder llevarlas al directo. Para su versión en estudio contó con una plantilla de auténtico lujo: ni más ni menos que unos Caboverde (la nueva banda del propio Juan Blas) que en el momento de la grabación de este Catching The Butterfly eran poco menos que un recién nacido. De la experiencia

que aportan se han visto beneficiadas unas composiciones que tienen como inequívoco punto de partida el britpop de The Stone Roses, Blur, The La’s y muy especialmente Oasis como principales referentes. No costaría mucho trabajo imaginarse a Liam Gallagher calzándose unos fraseados como los que aparecen en ‘Happen’ u ‘On The Road’, donde se nota la buena mano de sus acompañantes al saber colorear los temas. Lo mismo se podría decir de una ‘We Belong’ en la que la sombra de Damon Albarn es la que aparece esta vez. Pero sería injusto decir que Alejandro ha tirado del manual de estilo del

género al pie de la letra, ya que si por algo destaca esta primera referencia de Dualize es por la tremenda capacidad que posee para condensar en poco más de dos minutos unas melodías que enganchan cual pez que muerde el anzuelo. Para muestra ahí están cortes tan pegadizos como ‘Where Did You Go’, ‘A.K.’ o mi favorita ‘Mary’, en las que Juan pone su voz al servicio de unos coros de lujo. Y no pierdan detalle a un cierre como el de ‘Black’, con un desarrollo y un vibrante solo final que hacen intuir que lo mejor de Dualize aún está por venir. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... ALEJANDRO SÁNCHEZ ¿En qué momento empezaste a escribir las canciones para Catching The Butterfly? “La historia es un poco larga, pero tuve una época en la que estaba en un trabajo que era rutinario y las semanas eran ABC, así que cogía la guitarra por diversión, bajaba a un cuartucho que tenía como trastero y con un ampli pequeño empecé a componer. A finales de ese año ya tenía ‘Happen’ y creo que ‘In A Mess’ y pensé: ‘Creo que esto es algo’. Las grabé con el móvil y se las pasé a algunos conocidos y todos en general decían que les gustaba mucho pero, sinceramente, necesitaba la opinión de alguien más,

así que le eché morro, contacté con Juan y se las pasé pensando que ni lo leería. Un día vi un mensaje de él diciendo que le habían molado y que le gustaría grabar conmigo, y a partir de ahí compuse todo el disco a lo largo

del estudio para enseñarle el resto de cosas y me preguntó ‘¿Cuáles son tus expectativas?’, a lo que le respondí: ‘Wembley’. A lo que me miró con cara de ‘este pibe es imbécil pero las canciones son buenas’. Hasta diciembre estuve terminando letras y estructuras y ya comenzó la grabación”. Escuchándolo da la sensación de que os habéis divertido mucho en los Westline. ¿Fue el proceso tan fácil como aparenta? “Fue mucho más fácil y lo pasamos demasiado bien (risas). Si te digo la verdad, no tenía ni puta idea de que estaban montando Caboverde y no había escuchado nada de ellos. Durante la grabación de mi disco ya sí porque me colaba en sus ensayos. Cuando Juan me dio nombres de músicos que podían participar, me fié de su criterio y Quico y Diego fueron dos apuestas mías. Todo salió bien y según lo previsto, así que

guay. Son gente de puta madre, saben tocar y les gusta lo que hago”. ¿Ves Catching The Butterfly como tu homenaje personal al britpop de los 90? “No lo veo como un homenaje, lo veo como que cada músico tiene sus influencias e intenta copiar lo mejor que puede los grupos que le gustan intentando cambiar un poco los acordes para evitar acusaciones de plagio (risas), pero no escribo canciones para ser original ni para inventar nada nuevo, intento escribir las mejores canciones que pueda y que suenen a lo que yo querría escuchar. Además, a Oasis siempre les llamaron ‘banda de versiones de The Beatles’... si a mí me llaman algo así de ellos, es un elogio. Si la canción es buena, es buena y ya está. Cántala conmigo y luego nos abrazamos”. (GONZALO PUEBLA)

97


ORIGIN

Unparalleled Universe (AGONIA)

TECHNICAL BRUTAL DEATH METAL

80

S

i la embestida inicial de ‘Infinitesimal To The Infinite’ no te provoca un paro cardíaco del susto, disfrutarás del enésimo gran álbum de Origin. Vigila con el volumen, va en serio… Es imposible que un batería vaya más rápido que John Longstreth en ese corte, y el asalto no cesa en ‘Accident And Error’, donde los americanos te marean con 200 notas por segundo, líneas de bajo demenciales y varias partes de puro aplastamiento. En su segundo trabajo con la banda, Jason Keyser (exSkinless) se doctora al micro, y es que no hay más que oír ‘Cascading Failures’ para

98

comprender que este tipo es perfecto para ellos. En ‘Mithridatic’ no das crédito con cómo toca esta peña, pero en cambio ‘Invariance Under Transformation’ es un denso medio tiempo sin demasiadas idas de pelota, cuyo valor radica precisamente en el daño cerebral que puede causar sólo mediante reiteración y un doble bombo omnipresente. ‘Dajjal’ recupera la enajenación, el torbellino ultra técnico, pero agradeces salir del agujero negro al que te habían arrojado. Para terminar, ‘Unequivocal’ te deja bastante flipado. Pasaría por otro misil de los suyos en sus primeros 5 minutos, pero luego te enchufan 5 más muy melódicos que acaban disparándose hacia un black tope veloz y emotivo a lo Deafheaven. Y mucho cuidado con la bonus ‘Revolución’, una pedazo de cover de Brujeria. Tras siete álbumes de altísima calidad y siendo una parte fundamental para entender el desarrollo del brutal death técnico, Origin son una autoridad incontestable. PAU NAVARRA

NICKELBACK

Feed The Machine (BMG)

ROCK ALTERNATIVO

35

N

o puedo pensar en otra banda que sea tan diversa como la nuestra. No puedo. Y no lo digo desde el orgullo o el ego”, afirmaba hace poco Chad Kroeger al mismo tiempo que cargaba contra Stone Sour por intentar copiarles. Es por declaraciones como ésta por la que Chad Kroeger ha conseguido que Nickelback sea una de las bandas más odiadas del planeta a pesar de haber vendido millones de copias de sus discos. Y aunque Dios me libre de defenderles, tengo que decir que, si bien Nickelback me parecen una banda

mediocre, la realidad es que han creado escuela y hay otras tantas igual de malas con las que nadie se mete. Feed The Machine, el noveno álbum de los canadienses, no cambiará la opinión que nadie tenga sobre el grupo y muy probablemente siga el mismo camino que sus predecesores: críticas malas y buenas ventas. En él presentan un sonido algo más metal en algunos temas (‘Feed The Machine’, ‘The Betrayal – Act III’) con riffs más duros y solos de guitarra más afilados (el de ‘For The River’ es obra de Nuno Bettencourt de Extreme), alternados con sus típicos medio tiempos tan poco imaginativos como sus títulos (‘After The Rain’, ‘Home’, ‘Every Time We’re Together’). Sólo la instrumental acústica ‘The Betrayal - Act I’ que cierra el álbum se sale un poco del guión. Si para Kroeger eso es diversidad, pues muy bien, pero creo que para la mayoría resultará simplemente un producto previsible por parte de un grupo que siempre ha priorizado el comercio por encima del arte. DAVID GARCELL


CAPITÁN BOOSTER 6 Puñaladas (LENGUA ARMADA)

ROCK

70

C

onozco personalmente a Álex Simón y a Isra Ferrer desde hace años y sé que no es sangre lo que corre por sus venas. Tampoco es horchata, aunque sean de Valencia; todo lo contrario, el rock’n’roll de alto octanaje es la fuerza vital que hace mover sus brazos y su cuerpo para ejecutar sentidos riffs con sus guitarras. Me da la impresión de que necesitaban un proyecto como Capitán Booster para dar rienda suelta a sus instintos más básicos y alejarse un poco de la profundidad y la trascendencia que estaba alcanzando la música de

la banda de toda su vida: Uzzhuaïa. Completan el quinteto Rafa Rocamora (de Mafarka) al micro, Álex Manzano (Lullaby) a las baquetas y Rafa Bonet (Babylon Rockets) tocando las cuatro cuerdas. Con esta formación a mediados del 2015 empiezan a componer temas y ahora presentan 6 Puñaladas, un mini-LP con el que ya están saliendo a las carreteras del país. Comienza su descarga con ‘Tacones Y Carmín’, una canción donde los guitarrazos del dúo Álex-Isra me remiten al Apocalypse Dudes de Turbonegro, y acaba el show con ‘Hierve La Sangre’, una composición con ecos a Guns N’ Roses (ese coro “O tú o yo” les delata). Estas dos referencias sirven de ejemplo para fijar claramente las coordenadas musicales de Capitán Booster: entre el rock’n’roll de escuela escandinava y el hard rock angelino. En el apartado lírico Rafa Rocamora nos cuenta historias urbanas sobre desamor, ajustes de cuentas, perdedores, traiciones y huídas. Veremos qué aventuras les deparan. JORDIAN FO

DETHLIRIUM

Asymmetrical Disorder (VARIOS SELLOS)

BLACKENED DEATH METAL

73

L

os bilbaínos Dethlirium se fundaron a principios del pasado año, pero la veteranía de sus integrantes les ha hecho moverse rápido y con paso firme, con una idea muy clara de lo que querían expresar. Con miembros y exmiembros de formaciones como In Thousand Lakes, Akhvan, Adgar o Dabelyu, este experimentado trío publica ahora su primer EP, Asymmetrical Disorder, o lo que es lo mismo: un compendio de todo lo que les enamoró del metal extremo de los 90. Así, partiendo del death metal como campo base, el especial esmero por los riffs afilados y elaborados

puede hacerlos virar hacia el melodic algunas veces, pero al contrario que muchas otras bandas que transitan por esas aguas, los vascos no reniegan de la agresión y la oscuridad, alcanzando casi siempre las cotas del blackened death. Y eso implica velocidad, claro, muchísima velocidad… Quizá el tema que mejor resuma su propuesta sea precisamente el homónimo, el que da nombre a este trabajo, pues en él encontramos guitarras al rojo vivo, negrura e incluso cierto parón misterioso. Con cortes tan contundentes y bien comandados como ‘I Want Your Head Cut’, ‘Cerebral Dystrophy’ o ‘Abuse Of Power’, que viene a ser justamente eso, Dethlirium se dan a conocer con cuatro canciones y una intro que, como siempre en materia de EPs, nos dejan con ganas de mucho más. Si cuando debuten en largo siguen esta línea, mucho cuidado con lo que puedan desplegar esta gente. Una potente mezcla entre Myrkskog, Dark Tranquillity, Dimmu Borgir y Belphegor. PAU NAVARRA


ESPECIAL FOTO


IMAGIN EXTREME BARCELONA 2017 LA OCTAVA EDICIÓN DEL IMAGIN EXTREME BARCELONA HA VUELTO A DEMOSTRAR QUE LA CIUDAD SE VUELCA CON LOS DEPORTES DE ACCIÓN. MÁS DE 20.000 PERSONAS PASARON POR EL PARC DEL FÒRUM EL 17 Y 18 DE JUNIO PARA DISFRUTAR DE 15 COMPETICIONES DIFERENTES. TUVIMOS LA SUERTE DE VOLVER A ESTAR PRESENTES, ESTA VEZ PONIENDO LA MEJOR BANDA SONORA A VARIAS COMPETICIONES, CON NUESTRO STAND... PERO UNA IMAGEN VALE MÁS QUE MIL PALABRAS. FOTOS: TONI VILLÉN


THE LIVING END

ARTILLERÍIA PESADA

HA COSTADO LO SUYO Y APENAS TENÍAMOS YA ESPERANZAS, PERO POR FIN LOS AUSTRALIANOS THE LIVING END ACTUARÁN POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA. UNA OCASIÓN PERFECTA PARA HABLAR CON ELLOS, CELEBRAR LA OCASIÓN, Y PONERNOS UN POCO AL DÍA DE LO QUE HAN SIDO ESTOS ÚLTIMOS AÑOS PARA EL TRÍO. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR


T

HE LIVING END son uno de esos ejemplos que sirven para demostrar lo caprichoso que puede ser el mundo de la música y la cantidad de astros que se han de alinear para que una banda triunfe. Lejos queda ya su mítico y homónimo debut de 1998. Aquél parecía ser el álbum que el mundo del rock necesitaba en aquel momento, con una mezcla explosiva de rockabilly y punk rock, unas canciones a prueba de bomba, sobrados de imagen, la producción de todo un Rob Cavallo y el respaldo de una multinacional, que hacían una ecuación donde nada podía fallar. Pero aunque el álbum tuvo su repercusión, no cumplió ni de lejos las expectativas que se pusieron más allá de su nativa Australia, donde se catapultaron a un estrellato que siguen manteniendo a día de hoy. Pese a que la banda siguió grabando excelentes discos, Modern Artillery en 2003 sin ir más lejos, y su paleta musical se fue ampliando hacia otros territo-


rios, The Living End se fueron metiendo directos a ese cajón de los llamados ‘grupos de culto’. Cada vez hemos ido sabiendo menos de ellos, con discos que cada vez cuestan más de encontrar –una pena porque, sin ir más lejos, su último trabajo, Shift, es uno de los mejores- y con visitas esporádicas a Europa que siempre, hasta ahora, habían pasado de largo. Por fin los tendremos encabezando el Psychobilly Meeting de Pineda de Mar, un marco incomparable para disfrutarlos por primera vez. Hablamos de todo un poco con Chris Cheney, guitarra, voz y cabeza visible de una banda que se completa con su fiel Scott Owen al bajo y Andy Strachan a la batería. Han pasado muchos años, pero por fin os vamos a ver en nuestras tierras. ¿Cómo te sientes, después de dos décadas de carrera, todavía visitando nuevos países y afrontando retos nuevos? CHRIS CHENEY “Es fantástico. Poder viajar por todo el mundo es lo mejor que me ha dado esta banda. He visitado muchísimos lugares que si no hubiese sido por The Living End no los hubiese visto nunca, no deja de ser un privilegio. Esta vez nos ha salido la oportunidad de visitar países como España o Japón, donde no hemos tocado nunca, y ver lo diferente que es una parte de otra del mundo es genial. Esta vez nos hemos propuesto girar mucho más de lo que lo hemos hecho en los últimos años”. Efectivamente. No sois un grupo fácil de ver desde hace más de una década. Vuestras

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“CREO QUE EL DENOMINADOR COMÚN EN LO QUE HACEMOS ES LA ENERGÍA QUE TRANSMITIMOS. PIENSO QUE ESO ESTÁ SIEMPRE AHÍ” CHRIS CHENEY

giras por Europa son contadas y con pocas fechas... “Tiene mucho que ver con el aspecto económico. Viniendo de Australia, girar se ha convertido en los últimos años en algo muy caro. Desde el 2007 estamos sin el apoyo de una discográfica que nos pueda facilitar las cosas y debido a ello has de ser muy cuidadoso con lo que haces si no te quieres pillar los dedos. Lo que hemos hecho esta vez es reducir todo el máximo para que los números puedan salir. Venimos con una crew muy pequeña y en cierta manera, es un vuelta a los origines, lo cual nos parece perfecto. Viajar de esta manera nos permitirá girar más extensamente”.

Es cierto que parece que haya dos etapas diferentes en la carrera de The Living End. Una en la que sois una banda de multinacional, y otra a partir de 2007, cuando os volvéis una banda más independiente y con mucha menos actividad. “Así es. Personalmente en 2008 llegó un momento límite para mí. No había parado de girar y estaba sencillamente al borde del colapso. No quería saber nada de nadie, incluidos mis compañeros de grupo. Todo me sobrepasaba. Además, me rompí la pierna y eso añadió drama a la situación, quería dejarlo todo. Pero ese mismo año editamos White Noise, que fue


clase de festival que es. No tenemos ningún problema por ello, pero está claro que tenemos que pensar en lo que vamos a tocar cuando vamos a un sitio así. Haremos un repertorio potente donde no hay ningún segundo de descanso. No espero tener problemas por ello”.

un éxito total en Australia, y las cosas volvieron a su sitio, en cierta manera. El éxito del álbum me dio fe de nuevo en el grupo y en seguir adelante con el proyecto de toda una vida. Pero las cosas han ido de otra forma desde entonces, no me he querido ver forzado a hacer tal o cual cosa y todo ha ido de manera más natural”. ¿Has pensado en dejar la banda en otras ocasiones? “No de una manera drástica. Hay épocas mejores y peores, pero no hasta el punto de querer dejar el grupo. Ahora mismo tenemos más libertad con la banda y las cosas son más fáciles. Diría que es una de las eta-

pas en las que me siento más feliz de tocar en el grupo, por esa sensación de libertad, y tengo la impresión de que estamos tocando mejor y de forma más intensa de lo que nunca hemos hecho. Salir a tocar en directo vuelve a ser un placer”. No sé si sabéis el festival en que vais a tocar... Es un festival de psychobilly donde la gente viene buscando algo más concreto que un evento más general. Vuestra música va del rockabilly al pop. ¿Adaptáis el repertorio según el sitio donde vayáis a tocar? “Sí sabemos al sitio donde vamos y la

Lo cierto es que aunque el poso rockabilly de la banda está ahí, es muy complicado a estas alturas centrar a The Living End en un estilo. “Sí, ésa es la idea. Cuando éramos unos chavales escuchábamos rockabilly de manera religiosa y bandas como Stray Cats lo eran todo para nosotros. Nuestros dos primeros discos encajarían bastante bien dentro de esa escena, pero a partir de ese momento empezamos a evolucionar hacia otros terrenos. Nosotros somos una banda de rock y llevamos a grupos como AC/DC en nuestra sangre, pero somos más que eso. Creo que el denominador común en lo que hacemos es la energía que transmitimos. Pienso que eso está siempre ahí”. En vuestro último álbum se encuentran influencias, o al menos me lo ha perecido a mí, de bandas como The Replacements en ‘Staring Down The Barrel’ o The Lemonheads en ‘Further Away’. ¿Estás de acuerdo? “Totalmente. Me alegro que lo veas porque esas dos bandas han sido una influencia básica para este disco. En general todo el power pop ha estado muy presente y bandas como Wire, Squeeze… quería probar a ir en esa dirección en algunas canciones y pien-

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so que ha salido bien. Es un álbum diferente, que nos ha llevado mucho tiempo hacerlo y encontrar la dirección adecuada, pero ahora mismo puedo decir que es mi disco favorito de la banda. Hemos sido capaces de hacer muy buenas canciones”. ¿Hay alguna manera en que encares la composición de una canción? Al fin y al cabo, The Living End es una banda de canciones, nunca os he visto la intención de ir por otro camino. “En general una canción ha de tener un riff de guitarra que sea pegadizo y un estribillo que puedas recordar. Ésos son los fundamentos de un tema, a partir de ahí se puede variar, pero con esto en mente. Cosas como el sonido, el tipo de ampli o guitarra que uses siempre acaban en un plano más secundario”. Eres el compositor principal de la formación y la imagen de ésta. Da la impresión de que The Living End funciona en torno a ti. ¿Te has planteado alguna vez iniciar o tener un carrera en solitario o en paralelo? “La verdad es que nunca he pensado en abandonar la banda para iniciar mi propia carrera. Pienso que me sentiría totalmente perdido sin The Living End. Es mi banda de toda la vida, mi sueño desde niño hecho realidad, no veo motivos para dejarla de lado. Hemos hecho siete discos de los cuales estoy muy orgulloso de a donde me han llevado, no creo que una carrera en solitario me fuese a dar las satisfacciones que he tenido con esta

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banda. Dicho esto, por primera vez estoy planteándome hacer un disco en solitario, pero mi prioridad siempre será este grupo”.

“NUNCA HE PENSADO EN ABANDONAR LA BANDA PARA INICIAR MI PROPIA CARRERA” CHRIS CHENEY

Y ya puestos, ¿qué podemos esperar de este álbum en solitario? “Será un disco de concepción más simple, un álbum de cantautor. Tendrá un fuerte componente acústico, con muy pocos elementos adicionales. Podríamos decir que tendrá aires country, pero estoy trabajando en él y todavía no puedo decir cómo será ese resultado final, pero el camino que estoy siguiendo es ése”. A pesar de que éste es un álbum musicalmente muy vitalista, las letras del trabajo tienen un punto más oscuro y a diferencia de lo que suele ser habitual en ti, has entrado en temas personales. ¿Por qué? “No hay un explicación más allá de que tenía la necesidad de ser brutalmente honesto. He pasado un periodo por el que he tenido un montón de oscuridad a mi alrededor y quería sacarla de alguna manera. En muchos momentos me he planteado si realmente tenía la necesidad de decir ciertas cosas, pero esta vez no me planteé eso ni un solo minuto, tenía que hablar de ciertas cosas y que me sirviera de terapia. Han pasado demasiadas cosas como para seguir escondiéndolas”. La muerte de Chris Cornell ha abierto los ojos a mucha gente. Parece que por el hecho de tener una carrera de éxito y

una, supuesta, estabilidad personal, un músico ha de tener una vida feliz y fácil, pero no es así. ¿Te sientes identificado con todo esto? “Por supuesto. La vida de un artista tiene muchos altibajos, la estabilidad no es parte de nuestra rutina. Es una vida falsa que muchas veces no tiene ninguna conexión con la vida real. Estás de gira, grabas discos y todo el mundo a tu alrededor está para hacerte las cosas fáciles, aplaudirte y no buscarte ningún tipo de problema, algo que no tiene nada que ver con lo que vives cuando regresas a casa. Hay que tener mucho cuidado porque el contraste es tremendo. Has


de estar constantemente de reajustes y no es algo fácil de llevar. Al menos no lo es para mí, y eso te lleva a momentos bajos como los que reflejo en el álbum”. ¿Te consideras una persona feliz? “Umm, eso es muy complicado de responder. Intentas ser positivo, pero las cosas no son tan fáciles. Llegas a una cierta edad, te cuestionas ciertas cosas… es complicado”. Volviendo a la música, durante esta próxima gira vais a acompañar a Green Day en su concierto en Hyde Park. Vues-

tra relación con ellos ha sido una constante. Ellos os dieron la oportunidad de hacer vuestra primera gira importante en Australia cuando erais una banda pequeña... “Efectivamente, nuestra relación con ellos viene de muy lejos, son ya más de veinte años de amistad y continuamos teniendo una relación muy cordial. Será muy especial poder hacer ese concierto junto a ellos después de todos estos años. Me alegro de que sigan siendo tan populares”.

Australia. ¿Has pensado en ir por ese camino? “Efectivamente estuve haciendo el musical durante unas pocas semanas y fue una experiencia interesante. Tampoco sé si me va a llevar a hacer más cosas de ese tipo. De momento sigo centrado en The Living End y disfrutando de la banda”. Suena raro, pero por fin podemos decir ‘nos vemos pronto’. “Sí, nos vemos por allí. Hay muchas ganas”.

Incluso llegaste a hacer algunas representaciones en el musical de American Idiot en 111


A LA ESPERA DICE KEITH MURRAY QUE LO MEJOR DE SER WE ARE SCIENTISTS ES VIAJAR CON SUS AMIGOS POR TODO EL MUNDO HACIENDO LO QUE MÁS LES GUSTA. EN UNO DE ESOS VIAJES A ESPAÑA LES ENTREVISTAMOS PARA HACER LO SEGUNDO MEJOR DE ESTAR EN LA BANDA: BEBER CERVEZA MIENTRAS LE PREGUNTAN SOBRE SÍ MISMO. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

WE ARE SCIENTISTS


A

comienzos de año We Are Scientists escribieron en su página web que no tenían ni idea de lo que les depararía este 2017. Así que, cuando me encuentro con Keith Murray y Chris Cain en una azotea en Madrid, les pregunto si siguen pensando lo mismo. Cain no quiere reconocer que ya estamos en el mes de junio y Murray bromea sobre hacer entrevistas sin tener nuevas noticias: “Si seguimos manteniendo la atención sobre la banda aunque no haya novedades, puede que no tengamos que volver a trabajar en la vida. Seríamos famosos por no hacer nada, y a la gente le encantaría. Claro que seguiríamos haciendo música, pero si hay que grabarla, mezclarla, hacer un disco…”, resopla. “No, olvídate de eso. Haríamos música para nosotros, sería nuestra pasión, y no hacer nada sería entonces nuestro trabajo”. Tampoco seamos radicales, hace un año que salió Helter Seltzer (100% Records) y que están llevándolo al directo. De él dicen que es su disco favorito hasta ahora, un ahora que sienten como sus salad days, y me explican que, lejos de tener que ver con ensaladas, la expresión viene a significar tu mejor momento y, a la vez, una vuelta a la juventud. Quizás estas sensaciones se vean reflejadas en las canciones que ya están escribiendo para su nuevo disco, que se grabarán en los próximos meses y para las que además crean expectación. “Son mucho mejores que todo lo anterior”, sentencia el bajista, y Keith Murray sube la apuesta: “Son muchísimo mejores”. No terminan de confirmar si sonará muy distinto al resto de su discografía, y aprovechan para contarme cómo funcionan a la hora de grabar y componer. “Escribimos las canciones antes de ir al estudio, nos gusta llegar con los temas ya terminados. No podemos sentarnos ahí dentro a averiguar cómo hacer una canción buena; queremos

saber que ya es buena antes de entrar. Nos encantaría grabar un disco entero en hora y media y del tirón”, pero ni lo consideran “porque sonaríamos fatal”, se burla el cantante, “y porque añadimos muchos elementos extra que nosotros tres no podemos tocar a la vez”. Después de tener el repertorio listo existe una conversación grupal en la que deciden el estilo y las referencias del futuro álbum. “Siempre tenemos muchas canciones y esto filtra los temas que vamos a utilizar”. Sin embargo, todavía no han llegado a ese momento para el que será su sexto trabajo y que podría salir en 2018. Por el momento tienen pendiente terminar su gira este verano con algunas fechas en Europa, tanto en concierto propio como en festivales. En estos directos se suma el batería Keith Carne, quien les ha dado cierta estabilidad en la formación que desde sus inicios ha sufrido las idas y venidas de hasta siete miembros –si contamos la banda en directo y el line-up oficial–. “Nos sentimos como un campamento de verano. Cuando

llegan lo dan todo en We Are Scientists, pero luego se van a hacer otras cosas mejores y a ganar más dinero en otros sitios”, contestan intentando aguantar la carcajada. Murray y Cain no son tipos que puedas tomar completamente en serio, y las entrevistas suelen tener más de dúo cómico que de respuestas con titulares formales. ¿Qué puedes esperar de una banda que ha abierto un consultorio en su página web o que se hacen fotos en los baños portátiles de la Feria del Libro? Pues que te cuenten que podrían hacer un disco sobre el Brexit, que están pensando cambiar las guitarras por silbidos en su próximo álbum y que después de la entrevista quizás ya no tengan tantas ganas de trabajar para grabarlo. Para separar realidad de comedia y saber qué parte es cierta sí que habrá que esperar hasta el año que viene... Si finalmente se deciden.

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THE WIZARDS

GUERRA MÁGICA EN MUY POCO TIEMPO, THE WIZARDS SE HAN LABRADO UNA BUENA REPUTACIÓN ENTRE EL CIRCUITO DE ROCK MÁS SETENTERO Y ROBUSTO DEL ESTADO. CONTACTAMOS CON UNO DE SUS GUITARRISTAS PARA QUE NOS CUENTE LOS DETALLES DE SU NUEVO HECHIZO, FULL MOON IN SCORPIO, ASÍ COMO LOS DE SUS OTROS MUCHOS SORTILEGIOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: GORKA RODRIGO, KOLDO ORUE


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I ESTÁS INTERESADO en toda esta nueva hornada de hard rock de los 70, occult rock, proto heavy, stoner o incluso doom más ligero, es muy complicado que no hayas oído hablar de The Wizards, el quinteto de Bilbao que acaba de lanzar un álbum tan recomendable como Full Moon In Scorpio (Fighter Records). Comandados por la poderosa voz de Ian, quien parece poseer unas cuerdas vocales capaces de cualquier cosa, la banda completada por Felipe (guitarra), Jorge (guitarra), Eneko (bajo) y Dave (batería) no ha parado ni un instante desde que se fundó hace sólo cuatro años, tocando con un sinfín de bandas internacionales, en varios festivales, ganando concursos con solera, grabando dos álbumes y contando con el apoyo de personajes tan influyentes como el mismísimo Ross The Boss, mítico guitarrista de The Dictators y ex de Manowar. Desde luego, lo suyo sí parece obra de un mago, sí… Antes que nada, debo felicitaros no sólo por el contenido musical de Full Moon In Scorpio, sino por el global del producto. Un todo unitario que empieza por la misma portada de Pol Abran de Branca Studio, por ejemplo. Para vosotros el sacar un álbum es un trabajo concienzudo a todos los niveles, ¿verdad? FELIPE “Sí, la verdad es que

para este álbum nos hemos puesto las pilas más que nunca hasta ahora y, sinceramente, creemos que eso se nota. Si crees en lo que haces y aplicas una buena dosis de disciplina y trabajo, nada puede salir mal. El álbum no es ni mucho menos un disco conceptual, pero sí que se puede decir que tanto la temática como la música, así como el artwork, transmiten cierta unidad”. Cuando se habla de The Wizards sobre todo se citan grandes formaciones de los 70, ya sean Black Sabbath, Blue Öyster Cult, Pentagram o Deep Purple, e incluiría a los Maiden de Paul Di’Anno y también a Dio en los 80, pero ¿qué crees que aportáis vosotros al hard rock sin necesidad de recurrir a esas leyendas? “No sé si nosotros somos los más indicados para autoevaluarnos hasta ese punto, pero lo que sí encontrarás si te acercas a nosotros es una banda sin trampa ni cartón, guiada por la pasión por el rock. Cierta dosis de locura en directo también está asegurada, así como toneladas de vatios y sudor. Creo que nuestras letras también son un punto a favor bastante importante”. Ian se trabaja y mucho las melodías a las voces, y eso puede apreciarse en una gran canción como ‘Calliope (Cosmic Revelations)’ o el parón de ‘Stardust’. ¿Es ahí donde más 115


“EN ESTE DISCO SE PERCIBE UN AURA QUE EN PRINCIPIO PUEDE PARECER OSCURA, PERO INVITA A IR MÁS ALLÁ, HACIA LA LUZ, HACIA UNA NUEVA ERA DE ILUMINACIÓN ESPIRITUAL” FELIPE

se nota la pasión hacia Danzig? ¿Qué otros vocalistas le han influido? “Las melodías de voz son muy importantes en The Wizards, y tenemos un cantante cojonudo que sabe dónde está el mojo, y que puede hacer que te cagues en los pantalones con un susurro o animarte a ir a la guerra total en cuestión de segundos. Yo lo veo como una fuerza de la naturaleza desatada. Al mismo tiempo, es muy bueno haciendo que las melodías encajen de una manera perfecta en nuestro muro de riffs y electricidad. Es muy fácil conseguir algo bueno cuando le enseñas un riff a Ian. Yo creo que es natural en él, pero sus buenas dosis de trabajo y sudor le cuesta también. Sé que Danzig es uno de sus cantantes favoritos, pero me parece a mí que ni él mismo sabría decirte con certeza cuál es su

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mayor influencia, serían muchas, y seguro que Morrison o Fogerty salen por ahí, y en plan más recientes le ha flipado siempre Dave Wyndorf de Monster Magnet, pero esto no deja de ser mi apreciación. Lo importante es que conseguimos un sonido de voz cálido, creíble, peligroso y directo”. La verdad es que vuestro sonido me parece pulcro y cristalino, para nada me suena oscuro, así que supongo que la veta occult os viene por las letras. ¿Qué temas os gusta tocar? Y en caso de abarcar esas temáticas, ¿lo hacéis con conocimiento de causa u os gusta jugar con los tópicos de la serie B? “Esa etiqueta, y aquí entra mi apreciación personal una vez más, supongo

que viene derivada de nuestras letras, sí. No veo ningún tópico de serie B en nuestras letras, la verdad. Todo lo contrario, son bastante profundas en su sencillez como letra de rock. Son líricas bastante luminosas hasta cierto punto también, en este disco se percibe un aura que en principio puede parecer oscura, pero invita a ir más allá, hacia la luz, hacia una nueva era de iluminación espiritual. Por supuesto, nuestra música y actividades van destinadas a la guerra mágica imprescindible para alcanzar esa nueva era”. ¿Qué habéis aprendido de tocar con artistas como The Dictators, Iggy Pop o Turbonegro? “La verdad es que todos los días se aprende algo en The Wizards (risas). En cuanto a esas experiencias que citas, pues fue un puntazo poder com-


partir cartel aunque fuera en letras pequeñitas con Iggy Pop o Turbonegro, e incluso poder saludarles en persona. De festivales que hemos hecho lo que más me llevo es lo bien que me lo he pasado arriba y abajo del escenario, y conocer a bandas cojonudas, claro”. ¿Cuál es ese grupo de vuestro rollo que cuando lo has visto en directo has flipado, del palo ‘buah, éstos se salen, a ese nivel nunca llegaremos’? “No suelo escuchar un concierto de esa manera que comentas, pero te diré que últimamente he disfrutado mucho viendo a Honeymoon Disease, Saturna o Ghost”. A la hora de producir, ya vuestro debut lo confiasteis a manos de fuera de nuestras fronteras, pero ahora habéis recurrido a Dean Rispler de The Dictators y Jesse Cannon para la mezcla y masterización. Supongo que vuestro mánager Unai García y esa gira que comentábamos tuvo algo que ver, ¿no? “Nuestro debut se grabó en el corazón de Bilbao, en los estudios Silver Recordings de Martin Guevara, alma mater de la apisonadora conocida como Cápsula. Para este nuevo trabajo contamos con el neoyorquino Dean Rispler como productor y la mezcla y master se hicieron en los estudios de Jesse Cannon en New Jersey. Nuestro mánager tiene unas funciones muy claras en esta banda: armarnos para la guerra”. Tras esto, el solo de un jefazo absoluto como Ross The Boss en ‘Leaving The Past Behind’ ya viene rodado…

“Ross se ofreció muy amablemente a tocar un solo en nuestro disco hace un par de años, cuando tocamos con Dictators NYC en Donostia. Ese mismo día conocimos a Dean, bajista de la banda por aquel entonces, a quien ya sabíamos que le íbamos a encargar la producción del disco”. Los coros que surgen por detrás en ‘Who Are You, Mr. Gurdjieff’ demuestran que sois una banda con las cosas claras, plenamente consciente de todas sus posibilidades, y ya no digamos el finalazo de disco con ‘When We Were Gods’. ¿De dónde os salen estas ideas? ¿A veces os cortáis ante este tipo de arreglos, o en cambio cualquier cosa puede entrar en un disco vuestro? “Un estribillo como ése pedía unos buenos coros (risas), y en cuanto a los arreglos en general, queríamos tomarnos este disco con la suficiente calma tanto en la preproducción como en la grabación, y eso favorece un clima creativo en el cual surgen muchas ideas que al final acaban en las canciones. Dean también se involucró mucho desde el proceso de preproducción hasta el final, aportando unas ideas cojonudas que realmente consiguen realzar una canción, hacerla brillar”. En el pasado fui juez en algunos concursos y pude comprobar de primera mano cómo tristemente se amañan, pero parece que el Villa de Bilbao sí es un buen escaparate para los grupos. ¿A vosotros os ayudó en algo más aparte de la importante aportación eco-

nómica? Tras una experiencia satisfactoria, ¿qué opinas de ellos? “Esta banda empezó hace cuatro años como un pasatiempo para tomar unas cervezas y liar unos canutos. Cuando nos presentamos al Villa de Bilbao fue un poco a lo loco, habíamos grabado una demo con cuatro temas que nos sonaban bien, y los premios y la exposición, al menos a nivel local, eran interesantes. Lo ganamos contra todo pronóstico y frente a bandazas. Dicen que hay una maldición sobre los grupos que ganan el Villa, que se separan o lo dejan y tal... Pero la magia y las maldiciones son nuestra especialidad, recordadlo. ¿Los concursos? Pues no sé, el Villa tiene el aura esa romántica rockera de Bilbao de los 80 y 90, es más que un concurso, es como una cita anual en la que conoces un montón de grupos estatales e internacionales. Más allá, no sé, no conozco gran cosa”. Vuestra nota de prensa incide bastante en las sustancias ilegales que habéis consumido a lo largo de vuestra trayectoria… ¿Cuáles nos puedes recomendar? Y no nos vengas con la típica monserga de que no pasáis de la birra, que por alguna razón este país es el mayor consumidor de coca de Europa… (Risas). “Sólo podemos decir que nos tomamos las cosas muy en serio, y que si hay algo que nos tomamos especialmente muy en serio, eso es el festejo y el arte de pasarlo bien”.

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TRIPTYKON

ECLIPSE SOLAR

DE LAS CENIZAS DE CELTIC FROST NACIÓ HACE CASI UNA DÉCADA UNA NUEVA ENTIDAD LLAMADA TRIPTYKON. CON APENAS DOS ÁLBUMES, TOM G. WARRIOR Y SUS HUESTES SE HAN GANADO EL RESPETO Y LA ADMIRACIÓN DE LA COMUNIDAD METÁLICA. ESTE AGOSTO ATERRIZARÁN EN EL FESTIVAL LEYENDAS DEL ROCK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR


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L REGRESO de Celtic Frost a mediados de la pasada década fue amargo. Si bien la formación suiza entregó en 2006 un disco a la altura de su legado, Monotheist, en apenas dos años las diferencias personales entre sus componentes volvieron a romper al grupo en pedazos. Hastiado con la actitud de su viejo compañero, el bajista Martin Eric Ain, Thomas Gabriel Fisher, conocido como Tom G. Warrior, abandonaba la banda y empezaba un nuevo proyecto junto a V. Santura, el último guitarrista del grupo, bautizado como Triptykon, ‘tríptico’ en griego, como referencia a esta tercera etapa después de Hellhammer y Celtic Frost. A diferencia de en los 90, cuando después de la primera separación de Celtic Frost, Fisher cambió de rumbo y se adentró en el metal industrial con Apollyon Sun, esta vez decidió proseguir con la línea que tenía marcada en su pasado más reciente. Junto a Vanja Slajh (bajo) y Norman Lonhard (batería) ha publicado dos auténticas maravillas, Eparistera Daimones (2010) y Melana Chasmata (2014), en las que dejaba claro su maestría a la hora de convertir el metal extremo más oscuro en una obra de arte. Como de momento no había noticias firmes sobre cuándo podría caer el tercero, aprovechamos su próximo paso el 10 de agosto por el festival Leyendas del Rock en Villena (Alicante) para contactar con él y ponernos al día. Este verano os tendremos por aquí tocando en el Leyendas del Rock. ¿Te gusta actuar en festivales o prefieres tus propios conciertos? TOM G. WARRIOR “Me gustan las

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dos cosas. En los viejos tiempos, en los 80, Celtic Frost casi nunca tocamos en festivales porque había muy pocos. Así que cuando volvimos en los 2000, tuvimos que acostumbrarnos al circuito de los festivales, pero he acabado disfrutándolos. Creo que es fantástico poder tocar para un público tan numeroso y además es una oportunidad para conocer a gente interesante y a muchos músicos. Pero, naturalmente, también me gusta mucho hacer nuestras propias giras. La verdad es que no podría decantarme por una cosa u otra, todo tiene sus ventajas e inconvenientes”.

¿Qué puedes avanzarnos del nuevo disco? Melana Chasmata salió en 2014… “Sí, ha pasado mucho tiempo. El disco será muy parecido a lo que hemos hecho. A estas alturas no siento que deba reinventarme en cada álbum. No necesito experimentar tanto como lo hice en los 80 con Celtic Frost. Me siento muy feliz con la música que creamos en Monotheist, el último disco de Celtic Frost, y en los dos discos de Triptykon, así que sólo quiero seguir profundizando en ese estilo. No habrá cambios radicales, sólo intentar ofrecer más música en ese mismo estilo”.

Los festivales se han convertido en una fuente de ingresos muy importante para los artistas, pero al mismo tiempo, hace que de año a año veas los mismos grupos tocando una y otra vez. ¿No crees que se corre el riesgo de quemar tanto a las bandas como al público? “Tienes toda la razón. Pero es la decisión de cada banda tomar o no las ofertas que te hacen. Nadie te obliga, eres tú quien decide si quieres estar en la carretera o quedarte en casa. Tienes que tener una estrategia. Si te consideras un músico profesional tienes que pensar si te estás exponiendo demasiado o demasiado poco. Nosotros tocamos muchísimo con el primer disco y por eso, con el segundo, dimos muchos menos shows, porque sabíamos que nos íbamos a quemar de seguir al mismo ritmo e íbamos a quemar al público. Pero cuando saquemos el tercero volveremos a girar extensamente. Tienes que saber jugar con los tempos”.

¿Pero está el disco grabado? “Estamos trabajando en él ahora mismo. Esperamos terminarlo a finales de año para que salga en 2018”. ¿Estará influenciado por el clima actual? “Al 100%. Siempre ha sido así. Si miras las letras de Melana Chasmata y su tono oscuro, verás una crítica a la conducta humana. Por desgracia, no ha mejorado desde entonces. Es descorazonador ver que, después de miles de años, los humanos siguen comportándose igual. La gente sigue matándose por algo que es ciencia ficción, la religión. Es penoso que haya gente dispuesta a cometer cualquier atrocidad por unas entidades que están en el cielo, que no existen. Es como si estuviéramos yendo hacia atrás en lugar de hacia adelante. Obviamente estoy generalizando, hay mucha gente buena, pero sigue habiendo una gran masa violenta. Esa frustración y esa tristeza, queramos o no, forma parte de nuestro arte”.


“A ESTAS ALTURAS NO SIENTO QUE DEBA REINVENTARME EN CADA ÁLBUM. NO NECESITO EXPERIMENTAR TANTO COMO LO HICE EN LOS 80 CON CELTIC FROST” TOM G. WARRIOR

La respuesta hacia Triptykon, tanto del público como de la crítica, fue muy buena desde el principio. ¿Te sorprendió? “La verdad es que sí. Obviamente no fue una cosa de la noche a la mañana porque tenía todo el trabajo hecho con Celtic Frost y es la base sobre la que edifiqué Triptykon, pero dicho esto, con Celtic Frost nos llevó 25 años llegar al estatus que teníamos cuando lo dejé. Así que en comparación, ha sido mucho más rápido. Cuando empezamos con Triptykon les dije a los músicos que debíamos tener mucha paciencia y que podía llevar mucho tiempo llegar a algo, por eso sí me sorprendió que la gente nos apoyara desde el primer momento. Es una sorpresa y un privilegio. No es algo que me tome a la ligera”.

No deberías. A pesar de venir de Celtic Forst, muchos músicos cuando empiezan un nuevo proyecto piensan que todos sus viejos fans les seguirán, pero casi nunca es así. Por desgracia, la marca de una banda está por encima de los propios músicos. “Desde luego. Nunca he ignorado las dificultades de abandonar un grupo como Celtic Frost y formar uno nuevo. Sabía que estaba renunciando a un montón de cosas, y no lo hubiera hecho de haber podido continuar en Celtic Frost, pero simplemente no era posible. Estaba dispuesto a tomar ese riesgo y por eso les dije a los músicos de Triptykon que tenían que estar preparados para trabajar muy duro durante años para llegar a nuestra meta. Llevo tantos años en la industria musi-

cal que sé lo duro que es el camino, se necesita mucha determinación, mucho trabajo, mucha música, para llegar a algo”. A pesar de que tú eres la cara visible, realmente Triptykon desprendéis sentimiento de banda. Cuéntame, ¿cómo fue el proceso de selección de los músicos? ¿Probaste a mucha gente o ellos fueron los primeros que tenías en mente para empezar la nueva banda? “Tenía muy claro que a dos de ellos los quería en el grupo. Uno era, por supuesto, V. Santura, el guitarrista, con quien había tocado en más de 60 conciertos con Celtic Frost. Estábamos tan contentos con él que decidimos hacerlo un miembro permanente y también sabíamos que era un

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productor y un ingeniero fantástico, y queríamos grabar nuestro próximo disco con él. Así que cuando dejé Celtic Frost no dudé en pedirle que viniera conmigo y me hizo muy feliz que dijera que sí. La segunda persona era Vanja Slajh, la bajista, quien ha sido amiga mía desde hace muchos años. Ya habíamos hablado de hacer un proyecto juntos mientras estaba en Celtic Frost, pero nunca habíamos podido. Así que sabía que quería contar con ella para Triptykon y, de nuevo, me alegré mucho cuando aceptó”. ¿Crees que el grupo sería muy distinto sin tener a una mujer en sus filas? “Sí, seguro. La diferencia con Celtic Frost, que era una banda con cuatro tíos, es abismal. La actitud es muy distinta. Vanja ha trabajado muy duro para construir el grupo. Al principio hizo muchas cosas cruciales. No creo que hubiera podido tirar adelante Triptykon sin su ayuda. Tiene una personalidad muy especial y es un factor esencial en nuestro sonido. Creo que es muy importante que un grupo tenga diferentes personalidades”. Siempre has sido muy honesto al decir que tu objetivo era sonar lo más parecido a Celtic Frost, pero ¿crees que con el tiempo has hecho algo que no hubieras podido hacer con tu antigua banda? “La verdad es que no me importa. Cuando dejé Celtic Frost lo hice por cuestiones personales, no musicales. Por eso quería continuar lo que habíamos creado en Monotheist. La mayoría de esa música la había creado yo

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“SÓLO QUERÍA ESTAR EN UNA BANDA SIN PROBLEMAS DE EGO, UNA BANDA QUE SE CENTRARA EN LA MÚSICA EN LUGAR DE EN LAS INTRIGAS Y MENTIRAS. Y TRIPTYKON ES ESA BANDA” TOM G. WARRIOR

mismo y me sentía muy identificado con lo que había hecho. Por eso quería explorar con Triptykon ese mismo camino. En cuanto objetivos, no tenía ninguno, porque ya había llegado mucho más lejos con Celtic Frost de lo que nunca hubiera imaginado. No soy una persona insaciable, no soy un capitalista, así que estaba más que satisfecho con lo conseguido con Celtic Frost. No soy de los que quieren más y más y más, ya estaba feliz con lo que estaba haciendo. Sólo quería estar en una banda sin problemas de ego, una banda que se centrara en la música en lugar de en las intrigas y mentiras. Y Triptykon es esa banda”. ¿Son el ego y el dinero los mayores problemas para un grupo? “Por desgracia sí. Supongo que es

una cuestión de madurez. Si logras sobrevivir suficientes años en esta industria, con suerte llegas a un estado de madurez que te permite superar esas miserias humanas. Martin y yo las tuvimos en los 80 con Celtic Frost. En 1987, cuando obtuvimos cierto éxito, nos creímos estrellas del rock y nos creímos nuestro propio hype. Eso no es nada bueno. Pero es una cuestión de edad. Por suerte, eso forma parte del pasado”. Cuando empezaste con Hellhammer y luego con Celtic Frost, ¿sentías que las posibilidades a nivel musical eran infinitas? Me pregunto si una formación que empieza ahora puede llegar a sentir lo mismo. “No creo que sea imposible seguir


todavía es un poco así”. ¿A tus 52 años todavía te sientes marginado? “La verdad es que hoy en día me importa una mierda lo que piensen los demás. Tengo mi nombre, tengo mi banda, tengo mi carrera, y si cualquier persona se atreve a criticarme, tendrá que vérselas conmigo. Pero como te digo, me importa un carajo lo que la sociedad suiza piensa de mí. He tenido la suerte de poder demostrar que mi estilo de vida era el correcto. A pesar de hacer música anticomercial, he podido estar alrededor del mundo y ganarme la vida, por eso cuando algún conservador suizo me dice algo, tengo una respuesta muy fácil”.

siendo creativo. Si te consideras un artista siempre tienes que creer que puedes hacer algo nuevo. Pero tienes razón en que ahora es mucho más difícil porque ya se han hecho un montón de cosas. Cuando yo empecé, la música heavy quizá tenía 15 años como mucho. Todavía había muchos riffs, muchas ideas por descubrir. Ahora parece que ya esté todo hecho. Si miras el panorama, muchos grupos se parecen los unos a los otros, pero sigo pensando que hay lugar para alguien que proponga algo nuevo. El secreto está en escuchar lo que tienes dentro, qué es aquello que te conmueve, y si lo encuentras, serás diferente porque no hay dos personalidades idénticas”. Suiza es un país muy civilizado y ordenado. Para alguien como tú, que forma parte de

la contracultura, ¿te fue difícil crecer entre esa sociedad? “Suiza es un país muy organizado, sin condiciones económicas extremas, siempre ha tenido una situación muy estable política y económicamente, lo cual supongo que es algo positivo si miras tal y como está el mundo. Pero, por otro lado, ha hecho que el país sea muy, muy conservador. Cuando yo era joven, era muy difícil ir a contracorriente. Se suponía que tenías que ir a la escuela, a la universidad y acabar trabajando en un banco o una compañía de seguros. Si escogías hacer otra cosa o, simplemente, dejarte el pelo largo, eras tratado como un marginado. Cada segundo de tu existencia era complicado si eras un músico de heavy metal. No había espacio para alguien que se saliese de lo normal. Y hoy en día

Volviendo al inicio, el Leyendas del Rock se celebra en agosto, en España. ¿Estás preparado para sudar? “He tocado en muchos festivales de verano y todavía sigo vivo (risas). El show más caluroso fue en 1986 en Dallas, Texas. Durante el concierto me giré y el batería me dijo que su corazón estaba latiendo de manera irregular… lo pasamos mal para terminar el concierto. Ahora tenemos la suerte de tocar en horas donde ya no hace tanto calor. Sigo saliendo a tocar con mi abrigo y nunca he tenido problemas”. ¿No hay posibilidad de verte tocar en pantalones cortos? “Nunca jamás. Eso se lo dejo a otros grupos (risas)”.

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LOOKING FOR AN ANSWER

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REBELION EN LA GRANJA EN LOS INCORRUPTIBLES LOOKING FOR AN ANSWER MÚSICA, LUCHA E IDEALES SIEMPRE HAN IDO DE LA MANO. CHARLAMOS CON ELLOS SOBRE VEGANISMO, FEMINISMO, SOBREPOBLACIÓN Y MUCHOS OTROS TEMAS CANDENTES QUE, POR DESGRACIA, ESTA SOCIEDAD TODAVÍA NO ESTÁ PREPARADA PARA DEBATIR SIN CAER EN LA ARBITRARIEDAD, LA HISTERIA O LAS DESCALIFICACIONES. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

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STOY ESPECIALMENTE ORGULLOSO de haber podido tener esta conversación con Félix, guitarrista y fundador de los grandes Looking For An Answer. Parece que hay muchos aspectos que nuestra sociedad todavía no está dispuesta a debatir sin caer en el insulto fácil, el grito instantáneo o incluso la violencia física, y esta situación no ha hecho más que acrecentarse con el auge de internet y la impunidad desde la que muchos operan en las redes sociales. Desde luego, éste


ría) no se andan con rodeos a la hora de perseguir musicalmente todo aquello que consideran injusto en este planeta que la humanidad se ha empecinado en destruir. Se trata de otro ejercicio de brutalidad sónica, de encarnizada defensa del veganismo… en definitiva, de todo aquello que ha hecho de Looking For An Answer una de las mejores formaciones de grindcore que haya existido nunca. ¿Tienes la sangre fría? ¿De verdad te consideras una persona educada y racional, capaz de tolerar la diferencia ideológica o que pongan en duda tus creencias, incluso la forma en la que te diriges al público? Sólo así podrás entender que un redomado carnívoro y semejante herbívoro podamos cuestionarnos tantas cosas desde el respeto mutuo, para alcanzar aquello que hace crecer a las personas y todo aquello que las rodea: los puntos en común. Por mucho que nos hayan inculcado desde siempre en la familia, la escuela y el lugar de trabajo, mucho hay que aprender de todo aquello que aún no comprendemos. Ahí va mi personal esfuerzo.

no es el caso de un servidor y este veterano militante de la escena grindcore, porque seguramente ambos sabemos que, del pausado contraste y la contraposición, incluso del abordaje de ciertas preguntas algo espinosas, siempre suele salir algo constructivo y beneficioso para todos. Por supuesto, este diálogo viene auspiciado por Dios Carne, el nuevo y lacerante trabajo de los madrileños. Un álbum en el que, como siempre, tanto Félix como Santi (voz), Makoko (guitarra), Ramón (bajo) y Moya (bate-

Seis años sin publicar un álbum pueden parecer una eternidad, pero la verdad es que os hemos visto tanto por los escenarios que no nos hemos dado ni cuenta… ¿Os ocurrió lo mismo? ¿De pronto dijisteis ‘¡coño, pero si hace un montón que no sacamos un disco!’? FÉLIX “En nuestro caso hasta que no tenemos material con el que estamos totalmente conformes no nos planteamos entrar a grabar. Nunca nos ha molado ese rollo del disco por año, así que entre tocar en directo y nuestras

ajetreadas vidas vamos componiendo tranquilamente sin ninguna prisa, desechando lo que no nos termina de convencer y dándole vueltas a nuevas estructuras hasta que por fin tenemos algo que nos motiva como para ir al estudio a grabarlo”. Un cambio de cantante no suele ser sencillo, pero pasado el periodo de aclimatación y yendo hacia Dios Carne, aparte de presentar otra voz, ¿qué crees que os ha aportado Santi? “Santi siempre ha estado cerca de la banda, de hecho fue él quien vino en la primera gira europea… Sabíamos cuál era su estilo y, a pesar de separarnos 600 kilómetros, se acopló perfectamente. El aporte que resaltaría de Santi es que ahora es él quien se encarga de escribir las letras y darle un sentido al conjunto”. Tras doce años en la banda hay quien todavía echa de menos a Iñaki, pero conociéndoos, seguro que os deben de importar un comino esas opiniones… (Risas) ¿Qué es lo que ocurrió con él, si es que se puede explicar? “Nunca nos ha molado andar contando lo que sucede entre nosotros dentro de la banda, así que como no creo que a nadie le interese, simplemente te puedo decir que hubo un momento en el que Iñaki decidió poner punto y aparte en algunas de las bandas en las que tocaba”. Ya sabes que la gente habla mucho, y a veces se comenta que hay que ser totalmente vegano para estar en vuestra banda. ¿Es exactamente así? 125


¿Lo vuestro tiene una disciplina casi militar? “Nos importa poco lo que hable la gente, pero es fácil demostrar que lo que comentas no es cierto. Iñaki por ejemplo nunca fue vegan y estuvo doce años en la banda, e igualmente a día de hoy hay miembros que no lo son. Lo nuestro nunca fue la disciplina, y mucho menos la militar”. Ya habéis remarcado que Dios Carne no es conceptual, pero éste sigue incidiendo en vuestra cruzada contra los carnívoros y la depravación humana contemporánea. A vuestros seguidores no conversos al veganismo, aquéllos que sólo disfrutan de vuestra música, ¿qué les dirías? Si no dierais con vuestros huesos en el talego, ¿de verdad nos borraríais del mapa? “Dios Carne no se puede considerar un disco conceptual, pero sí que existe una relación directa entre los temas tratados que hemos intentado plasmar en la portada creada por el todopoderoso Nor Prego. Sobre lo que comentas, creo imprescindible aclarar que no tenemos ninguna cruzada contra los carnívoros por una sencilla razón: nosotros también lo fuimos, por lo que nunca nos hemos creído mejores que nadie. Por otro lado, la gente que continúa pagando para que otros le arrebaten la vida a seres inocentes no dejan de ser víctimas de todo un sistema perfectamente estructurado que les lleva a no tener en cuenta el sufrimiento de los demás. Nosotros somos un grupo de música, no una organización de derechos animales, escribimos textos que cuestionan todo aquello que nos han inculcado, voluntaria o involunta126

“NO TENEMOS NINGUNA CRUZADA CONTRA LOS CARNÍVOROS POR UNA SENCILLA RAZÓN: NOSOTROS TAMBIÉN LO FUIMOS, POR LO QUE NUNCA NOS HEMOS CREÍDO MEJORES QUE NADIE” FÉLIX riamente, en la familia y en la escuela. Lo que borraríamos del mapa serían las injusticias; quienes las cometen siempre pueden aprender de sus errores como hicimos nosotros y como está haciendo cada vez más gente”. Eterno Treblinka lo editó un sello tan importante como Relapse, y éste lo saca Willowtip, que aunque no sea tan mundialmente conocido en el metal, cualquier aficionado al brutal death sabe de su gran importancia en los sonidos más extremos. ¿Cómo se ha dado este fichaje y por qué no habéis seguido con Relapse? “En realidad lo editan dos sellos distintos, Willowtip, que se encarga de la

versión del LP 12”, el CD jewel case y la digital en Estados Unidos, y F.O.A.D., que se encarga de la versión 12” gatefold y CD digipack en Europa. Ambos sellos son viejos conocidos y ya nos habían ofrecido editar algo en el pasado. Relapse nos ofreció editarlo en CD y vinilo, pero no llegamos a un acuerdo en relación a las condiciones que nos ofrecían”. Mucha gente os tacha de intransigentes, de talibanes de vuestra ideología, y bueno, viendo según qué manifestaciones igual están en lo cierto, o incluso vosotros estéis cómodos en esa posición. ¿Pero no creéis que igual no forzando tanto la situación este tipo de


discursos tendrían más calado? Quiero decir, el feminismo por ejemplo es una necesaria y legítima lucha que, por otro lado, pierde adeptos a cascoporro cuando se pone a discutir acerca de cómo un hombre debe sentarse en el metro. Quizá yendo al fondo de la cuestión de verdad, la gente no tan metida en este mundillo prestaría más atención a este tipo de reivindicaciones si las cosas no se sacaran de quicio. Por otro lado, también entiendo que si alguien opina que consumir carne es un acto criminal, un genocidio, tenga que responder con la misma contundencia. Es complicado y

no sé si me sigues, pero está claro que la sociedad acomodada actual huye de los extremismos, sean del palo que sean, así que es muy difícil entrar en su conciencia si se va tan a saco… “No creo que mucha gente nos tache de eso, al menos en los casi veinte años de vida de la banda nunca nos hemos encontrado a nadie tachándonos de tal cosa; al contrario, sí que hemos encontrado mucha gente agradeciéndonos que le hayamos quitado la venda de los ojos en cuanto a la realidad que sufren los animales. Nosotros no forzamos ninguna situación, ni tenemos ningún discurso que tenga que calar, pues como comentaba, somos una banda de grindcore, no

una organización de derechos animales, pero sí que cuestionamos el especismo de manera contundente igual que cuestionamos cualquier tipo de discriminación como el racismo o el sexismo. Es interesante lo que comentas del feminismo ya que consideramos que todas las injusticias están relacionadas, por lo tanto deberíamos trabajar por una intersección en las diferentes luchas contra la opresión y por la emancipación. Estoy de acuerdo contigo en que el feminismo es una lucha legítima y necesaria, pero no coincido contigo cuando te refieres al ejemplo del metro, ya que veo totalmente coherente que el feminismo nos muestre con ejemplos todo aquello que es susceptible de cambiar; la manera en la que compartes espacio público es una de ellas, puedes ir sentado como si tuvieras una balón de la NBA entre las piernas, con lo que estás restándole espacio a los y las demás, o puedes ir sentado respetando el espacio del o la de al lado. Por lo tanto, el extremismo al que te refieres no es explicar a la gente que puede adoptar posturas más justas para los demás, extremismo sería en todo caso poder respetar a los demás y no hacerlo, que es lo que está sucediendo. Respecto a los animales, extremismo es separar a madres de crías, colgarlas de una cadena y cortarles el cuello hasta que se desangren simplemente porque nos gusta su sabor, extremismo es eso, no el hecho de explicar que existen alternativas a todo este sufrimiento. Siempre existirá gente que considere extremista, de una manera peyorativa, al hecho de respetar la vida de los demás, pero lo cierto es que ser extremista también puede ser tener la posibilidad de respetar a los demás y no hacerlo. Cuando habla127


“TODAS LAS INJUSTICIAS ESTÁN RELACIONADAS, POR LO TANTO DEBERÍAMOS TRABAJAR POR UNA INTERSECCIÓN EN LAS DIFERENTES LUCHAS CONTRA LA OPRESIÓN Y POR LA EMANCIPACIÓN” FÉLIX mos de quitarle la vida a un ser inocente no existen medias tintas, o nos ponemos del lado de aquellos que no pueden defenderse por sí solos, de aquellos que están siendo oprimidos, o continuamos aprovechándonos de su debilidad para nuestro beneficio. En nuestra mano está posicionarnos en un extremo o en otro”. Que quede claro que no planteo esto con intención de reírme de vuestras creencias ni nada que se le parezca, pero son pensamientos que a veces me asaltan pensando en vuestra filosofía de vida… Estáis en contra de la cría masificada y cruel de animales para consumo humano, la vivisección y todo lo demás, todas ellas realidades incontestables, y por esa razón no consumís carne. Pero por otro lado, hasta lo más aparentemente inofensivo puede significar una masacre animal de lo más salvaje… Pienso en los 128

pisos donde vivís, en Madrid, o en las okupas, incluso, que se edificaron sobre hormigueros y causaron la muerte a miles de millones de estos insectos en el pasado, o cuando vais de gira con la furgo, pues es complicado huir de los hidrocarburos teniendo una banda, o el transporte de la comida, por muy ecológica que sea, y por tanto colaboráis en el calentamiento global, el deshielo de los polos, el fin de las especies incapaces de adaptarse a un clima que cambia tan rápido… Y estoy seguro de que lo habéis pensado más de una vez, y ello debe entrar en un círculo vicioso, un cuento de nunca acabar que genera contradicciones y sentimientos de culpabilidad. No tiene que ser fácil lidiar con ello si uno es plenamente consciente de todo… Todo en la civilización humana actual

está pensado para ser cómplice de este horror. “Por supuesto ya sé que no te quieres reír de lo que planteamos, pero incluso aunque así fuera, la verdad siempre tiene tres estadios que pasar antes de ser aceptada. El primero de ellos es precisamente reírse de ella, ridiculizarla; el segundo paso sería una fuerte oposición, ponerse a la defensiva e intentar rebatirla, y el tercero y último paso es aceptarla. Está demostrado desde hace décadas que la principal causa de deforestación, cambio climático, contaminación del agua y calentamiento global es la ganadería, por encima incluso de todo el transporte mundial, y aprovecho para recomendar el documental Cowspiracy, donde queda aclarada ésta y otras cuestiones. Sobre lo que comentas de las okupas construidas sobre hormigueros creo que no es difícil hacer la diferencia entre muertes involuntarias, en este caso de hormigas, o participar en todo un sistema estructurado de explotación animal que conlleva el sufri-


miento y muerte de animales de forma voluntaria. Como ejemplo te comento que siempre que veo una hilera de hormigas cruzando paso por encima sin pisarlas, no cuesta nada hacerlo y sin embargo a ellas les cuesta la vida el que no lo hagamos. Toda vida importa por pequeña que ésta sea. Sobre cualquier tipo de construcción en la que vivimos, los daños que ya se han producido son irreparables, y en este sentido, lo interesante sería plantearnos qué podemos hacer cada uno de nosotros para evitar sufrimiento y muerte innecesaria a otros ahora mismo y en el futuro”. Por mucho que los progres de pacotilla y los politicuchos se llenen la boca, esto no lo arregla ni el Acuerdo de París ni nada que no pase por un cambio de sistema radical, una depreciación total de nuestras economías y una limitación estratosférica de la sobrepoblación que padecemos. Claro, es poco probable que alguien defienda la aniquilación total de media humanidad para salvar el planeta… ¿Cómo lo ves? “El cambio de sistema más radical a día de hoy es aquel que empieza en nosotros mismos con nuestros hábitos diarios. Cada acción, por pequeña que sea, tiene consecuencias en los demás y en nosotros mismos. Las teorías antinatalistas tienen toda su lógica, el planeta ya está lleno de niños que están sufriendo y necesitan ayuda, por lo tanto, sería razonable dejar de seguir trayendo individuos nuevos al mundo, al menos hasta que los que ya están aquí tuvieran cubier-

tas las necesidades básicas”. Sé que os han ofrecido festivales donde no habéis tocado por no tener que estar con marcas alrededor del escenario, pero en cambio os pudimos disfrutar en un Resurrection Fest, donde es inevitable que estén… ¿Con el paso de los años habéis visto que a veces hay que hacer excepciones para que el mensaje cale en más gente? “Lo que comentas no es del todo correcto, a nosotros nos da igual que haya marcas alrededor de los festivales donde tocamos, que son quienes los patrocinan. Lo que no hacemos ni hemos hecho nunca es aceptar que esas marcas nos pongan condiciones a la hora de tocar, como por ejemplo tener que ponerte una camiseta de esa marca en tu concierto”. A veces debato esto con músicos de grindcore, y es que parece que la ideología contestaría ha decaído en muchos grupos del estilo… Parece que ya no sea importante cantar la caña, o no tanto como la música en sí misma, como mínimo. ¿Qué opinas? ¿Observas cierto relajamiento por parte de algunos sectores de esta escena o, al revés, que todo sigue como cuando empezasteis? “No conozco ningún grupo de grindcore que no tenga nada que decir en sus letras, quizá porque si no es así no podría ser considerado como tal. Tampoco tengo mucho tiempo de escuchar nuevas formaciones, y cuando lo tengo, suelo aprovechar para ponerme clásicos. Lo que sí puedo decir es que

muchos de los problemas sobre los que hablan algunas bandas están generados por ellos mismos, lo que no deja de ser paradójico”. En nuestra última entrevista pude notar cierto desprecio hacia RockZone, hacia los medios musicales con más presencia y calado, quizá también… ¿Estoy en lo cierto? ¿Qué opinas de las revistas y webzines más alejados del mundo del fanzine y la autogestión de toda la vida? “Siento que ésa fuera tu percepción, nunca hemos despreciado a ningún medio, ni underground ni con más presencia o calado, como comentas. Lo que siempre hemos dicho es que nosotros hacemos esto por puro disfrute y nunca hemos tenido necesidad de mandar promos para salir en medios o de pagar a tal o cual revista o radio para que nos hagan una entrevista o una reseña de nuestro disco. Tenemos máximo respeto por todos los medios ya sean fanzines o revistas, que con esfuerzo e ilusión siguen sacando adelante publicaciones interesantes”. Muchas gracias por tu tiempo y a seguir siendo el azote de este puto mundo. Nos vemos pronto en los escenarios, un saludo. “Gracias a ti Pau por la entrevista y por el apoyo durante todos estos años, espero que se hayan aclarado algunas cuestiones y que las respuestas puedan ser el germen de posibles reflexiones. ¡Un abrazo!”.

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GUNS N’ ROSES 4 DE JUNIO DE 2017 ESTADIO VICENTE CALDERÓN, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: NADIA NATARIO


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i quieren que les diga la verdad, cuando se anunció que Slash y Duff McKagan volvían a Guns N’ Roses pensé que aquella era una reunión de lo más patillera y con una descaradísima motivación económica. Por mucho que estuviesen de vuelta dos de los miembros más carismáticos de la banda, no se podía vender una gira de los ‘Guns N’ Roses de verdad’ faltando piezas igual de esenciales como Izzy Stradlin o Steven Adler (aunque también podría haber dado por bueno a Matt Sorum). Vale que no es poco, pero salvo esas dos incorporaciones, ¿en qué se diferencia esta formación del grupo de mercenarios con los que ha estado girando Axl Rose de manera esporádica en los últimos años? Bueno, después de presenciar su directo en el Vicente Calderón, me veo obligado a tragarme gustoso mis palabras y decir que el asunto ha cambiado y mucho respecto a lo que se pudo ver en sus últimas visitas. Pero vayamos por orden. Como suele ser norma en los conciertos de estadios, desde primerísima hora

de la tarde uno podía encontrarse con asistentes de todo tipo de pelaje por las inmediaciones: desde el veterano ya curtido en varias batallitas a adolescentes deseando vivir el mito en sus jóvenes carnes, familias con críos uniformados con camiseta y bandana incluida, y hasta ese compañero de la oficina que no ha pisado un solo bolo en todo el año pero se apunta porque “¡Son los Guns, tío!”. En cualquiera de los casos, muchos de ellos ya se encontraban dentro cuando Tyler Bryant & The Shakedown aparecieron para jugar su papel de banda de calentamiento. Un rol que supieron acometer de manera inteligente en su apenas media hora sobre el escenario. Lo suyo es un hard rock sureño nada sorprendente, pero con algún viejo truco de estadio fueron capaces de levantar una buena ovación por parte de los más madrugadores. Todo lo contrario que Mark Lanegan. Desde que se anunció su presencia, ya sabíamos de antemano que las circunstancias no serían las mejores para disfrutar del

mítico vocalista de Seattle. Con gafas de sol, gorro, vestido completamente de negro de pies a cabeza y fiel a su habitual actitud fría y distante, al menos apostó por un repertorio escogido entre lo más rockero y reciente de su catálogo (‘The Gravedigger’s Song’, ‘Beehive’, ‘Nocturne’). Desde luego su música no está destinada a entretener a un público ansioso de himnos y fuegos artificiales. Si a eso le añadimos el deficiente sonido, es normal que la respuesta del público fuese tan pasota como la del propio Lanegan, que tras recuperar ‘Black Rose Way’ de Screaming Trees abandonó el escenario con un escueto “Gracias y buenas noches”, marchándose con la misma parsimonia con la que había aparecido. Llegaba la hora de la verdad y para sorpresa de todos lo hizo antes de lo esperado. Concretamente 10 minutos antes de lo que indicaba en nuestras entradas, vimos como Axl, Slash, Duff y el resto de componentes hacían acto de presencia para arrancarse con ‘It’s So Easy’. Acostumbrados a tener 131


que esperar retrasos de más de dos horas, que un concierto de Guns N’ Roses comience incluso con la gente entrando al estadio parece de ciencia ficción. Pero no había casi tiempo de asimilarlo, porque la banda golpeaba de lo lindo haciéndonos bailar con ‘Mr. Brownstone’. Entonces vino el primer y casi único jarro de agua fría de la noche con una ‘Chinese Democracy’ que no terminó de funcionar en ningún momento (al igual que ‘Better’ más tarde o el voluntarioso pero algo anodino homenaje a Chris Cornell en forma de ‘Black Hole Sun’). Por si alguien temía que aquello fuese a decaer, ahí llegaba el primer hit mayúsculo del show: ‘Welcome To The Jungle’, poniendo a todo el Calderón en pie y patas arriba al mismo tiempo. Fue como pulsar el botón de reinicio y desde aquel instante el combo de Los Ángeles no regaló un auténtico recital sólo alcance de las grandes leyendas. Con un Slash en modo Guitar God absoluto fueron mezclando momentos de pura magia gracias sobre todo a los temas de Use Your Illusion (‘Estranged’

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y ‘Civil War’ fueron para volar, por no hablar de los cañonazos de ‘Live And Let Die’ o la chulería macarra de ‘Double Talkin’ Jive’) con otros de puro hard rock a cargo de los trallazos de Appetite For Destruction (‘Out Ta Get Me’, ‘Nightrain’). Duff tuvo su momento de protagonismo en la cover de ‘Attitude’ de los Misfits, mientras que Slash y Richard Fortus intercambiaban solos de guitarra versionando la inmortal melodía de ‘The Godfather’ que empalmó con ‘Sweet Child O’ Mine’ o el ‘Wish You Were Here’ de Pink Floyd para que Rose se fuese a la esquina a tomar aire. Y es que por supuesto hay que hacer un aparte para hablar de Axl. Un hombre siempre en el filo, capaz de lo mejor y de lo peor, pero que aquella noche sencillamente reinó por encima de todo y de todos (con permiso del hombre de la chistera, eso sí). No es que nos pillase por sorpresa el verle con algún kilo de más, aunque impresiona casi tanto como el comprobar la soltura con la que se sigue moviendo por todo el escenario. Dominando la situación

en todo momento con sus bailes y su presencia, vocalmente fue de menos a más confirmando que está en un estado de forma más que aceptable. Incluso se podría decir que, a su manera, estuvo hasta simpático (¡¡¡Si hasta se atrevió a calzarse una bufanda del Atleti que la habían lanzado desde el público!!!). Con las baladas-enciende-móviles estuvo completamente en su salsa: ‘Don’t Cry’, ‘Patience’ y esa ‘November Rain’ al más puro estilo Elton John a la que sólo le faltó a Slash subido al piano como en los viejos tiempos sacando fuego del mástil. Con la traca final de pirotecnia y confeti de ‘Paradise City’ concluyeron cerca de tres horas que nos hicieron recordar por qué estos tíos llegaron a tener al mundo entero rendido a sus pies. Me quedo con dos imágenes finales para la memoria: Axl sonriente lanzando su micro al público y Slash haciendo el pino antes de desaparecer dejando claro que estos Guns N’ Roses serán más profesionales, menos caóticos, pero igualmente pletóricos. Llegar, rockear y vencer. Así sí.


EDDIE VEDDER 6 DE JUNIO DE 2017 EVENTIM APOLLO, LONDRES (INGLATERRA) TEXTO Y FOTO: IRENE IMEDIO

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ddie Vedder por fin aterrizaba en Europa con una gira en solitario que muchos temimos que no se llegase a realizar tras aquel fatídico 18 de mayo en el que Chris Cornell, lamentablemente, nos dejó. Sin embargo, el luto y el homenaje vinieron de la mano de un extenso, intenso y emotivo setlist cargado de mensajes con un claro destinatario. Esa noche, el Eventim Apollo viviría el que fue el primero de los dos conciertos programados en la capital inglesa. Se respiraba en el ambiente que Londres también estaba dolida tras los atentados recientemente sufridos y puede que ello fuera el motivo que empujara a Vedder a abrirse y, al fin, vomitar todo aquello que llevaba semanas atrapándole: “Estas cosas llevan su tiempo y quiero mandarle esto a todos los que se han visto afectados y lo aprecian profundamente, enviarles el apoyo y los buenos pensamientos de un hombre que era… no sólo un

amigo, también era alguien a quien miraba como un hermano mayor”. Cada silencio entre sus entrecortadas palabras te provocaba un gran nudo en la garganta. Viendo las crónicas de los conciertos anteriores, nadie imaginaba aquel largo desahogo que llegó justo después de que interpretara una versión de ‘Heroes’ de David Bowie dando entrada a ‘Just Breathe’. Su letra puso en bandeja que nos encontrásemos con un Eddie Vedder bastante afectado terminando su discurso diciendo: “Sigo pensando sobre todos estos recuerdos, viviré con todos ellos en mi corazón y le amaré para siempre…”. Durante más de dos horas sonaron una treintena de temas con los que recorrimos la banda sonora de Into The Wild (nunca te estaremos lo suficientemente agradecidos, Sean Penn) con las maravillosas ‘Rise’, ‘Guaranteed’ y ‘Hard Sun’ (convertida ya en un himno de cierre en el que vimos a aquel Eddie al que siempre le

gustó tirarse sobre el público). También escuchamos pinceladas de Ukelele Songs, su segundo álbum de estudio, con ‘Sleepess Nights’ y ‘Without You’, y coreamos y sonreímos pletóricamente con los varios guiños a Pearl Jam entre los que destacaron ‘Sometimes’, ‘Wishlist’, ‘Inmortality’, ‘Porch’, ‘I Am Mine’ y ‘Elderly Woman…’, entre otros. Y como viene siendo costumbre, nos regaló versiones de Daniel Johnston, Cat Stevens, The Beatles (con una sublime ‘Here Comes The Sun’) y, cómo no, de uno de sus artistas más queridos, Neil Young con su ‘Rockin’ In The Free World’. Después de noches así es imposible no afirmar que nos quedan pocos frontmen como Eddie Vedder, pocos que transmitan las letras como él. Ojalá que nos dure mucho, porque la música con él es un poquito más cercana, más humana y más sentida. Quédate con nosotros hasta que la extrema vejez no te deje sonar más, por favor. 133


THE MAKE-UP

PRIMAVERA SOUND 1, 2 Y 3 DE JUNIO DE 2017 PARC DEL FÒRUM, BARCELONA TEXTO: LLUÍS S. CEPRIÁN, JORDI MEYA, TOI BROWNSTONE FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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SLAYER

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l Primavera Sound se parece cada vez más a un parque temático dedicado a la música –lo de ‘indie’ o ‘alternativa’, cada vez tiene menos sentido-. Una vez entras al recinto, tú eliges en qué atracción te quieres montar. De hecho, cuenta con once escenarios que, a lo largo de más de doce horas al día, ofrecen programación diversa e ininterrumpida. La masiva asistencia de público lo ha convertido en un lugar ideal para que las marcas se dejen ver, y este año lo han hecho más que nunca, con anuncios antes de los conciertos –aunque eso tampoco es que sea una gran novedad, ya lo hacían en Benicàssim a principios de siglo-, y patrocinios por doquier. Como siempre, los greatest hits en cuestión de quejas que han inundado los posts de las redes sociales han

BROKEN SOCIAL SCENE

sido las largas distancias entre algunos escenarios, las aglomeraciones, el solapamiento de conciertos de interés, los espacios de acceso limitado, los problemas con el volumen en los escenarios más grandes, etc. Pero todo eso ya lo sabemos y no parece que sea un impedimento tan insalvable como para que la asistencia merme. Todo lo contrario, este año, han sido unas 55.000 personas (el 55% de ellas llegadas de fuera de España, según la organización) inundando un recinto que, como reclamó la organización en la rueda de prensa de valoración final, necesita una restauración urgente. Una de las novedades de este año fue la programación de conciertos sorpresa (Unexpected Primavera) que se celebraron cada día. Se trataba de un concierto ubicado en un espacio inesperado, anunciado el

mismo día de su celebración. En esta edición volvió a repetirse el éxito a nivel de asistencia, y es que pasaron un total de 200.000 personas sumando el público de todas las actividades programadas por el Primavera Sound (o sea, Fòrum y Primavera a la Ciutat, con más de cien actuaciones en diferentes espacios de la ciudad). Desde la organización también se habló de un cambio generacional, pero éste se vio principalmente en la zona de carpas dance, en el extremo nuevo del recinto y en el que apenas nos vieron el pelo. Y eso es lo bueno de este festival, que dentro del Primavera hay muchos Primaveras, así que sólo se trata de encontrar el tuyo. JUEVES 1 Desgranando lo que fue la edición de 135


THE AFGHAN WHIGS PJ HARVEY

este año, comenzaremos con la primera actuación que teníamos marcada en nuestro calendario del día. Fue la de las norteamericanas Nots, que presentaban su nuevo disco Cosmetic. El cuarteto de Memphis conformado por dos teclistas, una batería y una bajista ofrecieron un espectáculo con un fuerte poso riot grrrl y punk rock acelerado. De ahí nos fuimos a ver a los chilenos Adelaida, que presentaron su tercer álbum Paraíso. El trío tocó a la velocidad del rayo y nos gustó su actitud sin complejos. This Is Not This Heat sonaron musculosos, algo lógico si tenemos en cuenta que actuaron con dos baterías. También se sirvieron de teclados y violines para tejer un entramado sonoro denso y con filigranas. Pero eso no quitó que mostrasen, en muchos lances de la actuación, su TERROR 136

THE DAMNED

pulsión animal 100% punk. Broken Social Scene nunca fallan y abarrotaron el escenario Ray-Ban, y eso que coincidieron con el concierto sorpresa de Arcade Fire. Por cierto, algunos de los miembros del supercombo indie volvieron a salir al escenario durante el megashow de The Afghan Whigs una hora después en ese mismo escenario. Arcade Fire se atrevieron sobre un escenario de 360 grados. Sin duda fue la actuación más fotografiada en Instagram de todo el festival. Fue un momento muy emotivo, con una banda pletórica y muy comunicativa. Desgranaron los grandes éxitos de la banda en un mini set que supo a gloria. Solange, el proyecto de la hermanísima de Beyoncé, fue una de las gratas sorpresas de la velada. Su apuesta por un repertorio anclado en

los medio tiempos en forma de soul urbano, apoyado por una puesta en escena sublime, convenció a los miles de asistentes del escenario Mango. En el otro extremo del festival, tanto físico como sonoro, Gojira se hicieron los amos y señores del escenario Primavera. Si bien a algunos metaleros les molesta la presencia de ‘sus’ grupos en este festival, la verdad es que es una delicia poder disfrutar de ellos en un contexto diferente, empezando porque es bien fácil situarse en las primeras filas sin tener que darse codazos. Los franceses son un valor seguro en directo y con un repertorio de diez canciones, que se hizo cortísimo, volvieron a dejarnos boquiabiertos. No importó que Joe Duplantier no estuviera al 100% de voz, porque ‘The Heaviest Matter Of The Universe’,


GOJIRA

‘Flying Whales’ o ‘The Shooting Star’ sonaron de lo más rotundas. The Afghan Whigs volvieron a repetir victoria, y es que nadie le tose a Greg Dulli, un maestro de ceremonias de energía inagotable. Nos quedamos con el momento en el que cantó ‘I Can’t Make You Love Me’, un tema original de Bonnie Raitt que no hace mucho versionó Bon Iver. Fue un guiño para la gente que prefirió quedarse con él y perderse a uno de los reclamos del cartel de la primera jornada que estaba tocando en ese momento. Kate Tempest volvió a triunfar. Por desgracia tocó en el escenario equivocado, pues el Adidas se quedó minúsculo para acoger a tal cantidad de gente. La británica, acompañada por dos teclistas y un batería, volvió a desmontarnos con una bocanada de

rimas cargadas de insatisfacción y crítica social. Slayer fueron sin duda los grandes ganadores de la jornada inaugural. Los padrinos del thrash metal desmontaron a propios y extraños en el escenario Mango. Sonaron como nadie volvería a hacerlo en los siguientes días y dejaron noqueados a un público del todo variopinto. Tom Araya, secundado por las guitarras de Kerry King y Gary Holt, plantearon un set muy festivalero, con un repaso a conciencia a sus hits de alto voltaje. Abrieron con ‘Repentless’ de su último álbum, y a partir de ahí fue un no parar. Tocaron ‘The Antichrist’, ‘Postmortem’, ‘Seasons In The Abyss’. ‘Dead Skin Mask’, ‘Raining Blood’, ‘South Of Heaven’ y así, hasta acabar con la incontestable ‘Angel Of Death’. Dinamita pura para los oídos, que llevó a

muchos a abandonar el recinto, puesto que igualar aquello iba a ser prácticamente imposible. Pero los que no lo hicimos tuvimos recompensa. Para empezar, un repertorio bien cargado de clásicos por parte de The Damned en el Adidas Originals. Y es que además de temas propios como ‘Love Song’, ‘New Rose’ o ‘Smash It Up’, también cayeron versiones de ‘Alone Again Or’ de Love o una muy celebrada ‘Eloise’ de Barri Ryan, aquí popularizada por Tino Casal. Aún se hace extraño ver a Dave Vanian con una poblada barba blanca, pero la verdad es que los británicos aguantan muy bien el tipo. En el escenario contiguo, el Pitchfork, Converge repartieron buena cera dignificando la palabra ‘metalcore’. Pasan los años y los de Massachusetts siguen transmitiendo a

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DESCENDENTS

sus instrumentos una intensidad brutal… ni que sean las dos y media de la noche. Arrancando con ‘Dark Horse’, nos fueron despellejando poco a poco con ‘You Fail Me’, ‘All We Love We Leave Behind’, ‘Cutter’ o la sublime ‘Jane Doe’. Quizá fue culpa suya que, a su lado, Skinny Puppy, en la que era su primera visita a Barcelona, sonaran con menos caña de lo que esperábamos. Los pioneros de la electrónica industrial cumplieron su papel de mantener nuestras piernas en movimiento, pero se echó en falta un poco más de violencia. VIERNES 2 El viernes, Belako consiguieron conquistar el escenario más grande del festival con una oda a los sonidos noventeros de power indie. Su fórmula consistió en aunar bajos atronadores 138

SLEAFORD MODS

con baterías en ‘modo apisonadora’. Los vascos, pese a su juventud, demostraron tener muchas tablas sobre el escenario y lograron contagiar su exceso de energía al público. Whitney defraudaron y sonaron muy apagados, así que la mejor opción era asomar la cabeza en el concierto de Mogwai que protagonizaron el concierto sorpresa de la jornada. Presentaron por primera vez a nivel internacional su inminente próximo lanzamiento Every Country’s Sun, que verá la luz el próximo 1 de septiembre. La verdad es que la nueva aventura sonora de los escoceses demostró ser mucho más atmosférica que sus anteriores episodios. Seguramente hubiera tenido mucho más empaque en un marco escénico más recogido, como por ejemplo, L’Auditori. Uno de los triunfadores de la jornada fueron The Mag-

SUM 41

netic Fields, quienes presentaron la primera parte de 50 Song Memoir, un disco compuesto por 50 piezas, cada una de las cuales está dedicada a uno de los años de existencia de Stephin Merritt, líder de la banda de Nueva York. Esta propuesta de pop de cámara fue la que acaparó más audiencia de toda la programación del Auditori. Lo de Mac Demarco fue un gatillazo en toda regla. Su discurso ha variado notablemente desde su última parada en nuestro país. Ahora su inclinación hacia el pop pulido y el rock ralentizado y estilizado hacen que sus conciertos pierdan fuelle. La mejor opción para la hora de la cena fue el concierto de Descendents. Los norteamericanos no dejaron de encañonar al público ni un solo instante, con una secuencia infinita de hits enlazados prácticamente sin hacer pausas.


BERRI VENOM TXARRAK

Fue un medley anfetamínico en el que vomitaron 30 temas en apenas una hora, y en el que no faltaron himnos como ‘Everything Sux’, con la que abrieron, ‘Myage’, ‘Silly Girl, ‘I’m The One’, ‘Bikeage’ o ‘I Don’t Want To Grow Up’. También sonaron de maravilla temas nuevos como ‘On Paper’, ‘Shameless Halo’, ‘Victim Of Me’ o ‘Without Love’. En comparación a su última actuación en el Resurrection Fest, a Milo se le vio muy bien de voz. Quizá sea por esa mochila que llevaba oculta en forma de chepa bajo la camisa de la que iba bebiendo agua... ¿O quizá era café? Ojalá su triunfo abra el camino para que el hardcore melódico, uno de los pocos estilos todavía marginados, tenga más representantes en futuras ediciones. Un poco más tarde, con un escenario principal rebosante de público extran-

AGAINST ME!

jero, The XX vinieron a presentar su último disco, I’ll See You. Pese a ser mucho más heterogéneo que los anteriores, contando con algún tema con esencia de baile, volvieron a ofrecer un espectáculo sobrio y extremadamente comedido. Esperamos cinco temas, pero el despegue no se producía, así que optamos por una apuesta segura: The Make-Up, que volvían a unir fuerzas después de 17 años de silencio. Los maestros del garaje soul hicieron que nadie mantuviera en pause su cadera con un Ian Svenonius que pasó casi más tiempo subido a la valla del foso que en el escenario. Puede que ahora suenen más ortodoxos y menos abrasivos, pero fue un bonito reencuentro. Después de tanta agitación, la verdad es que la propuesta de Swans se nos hizo demasiado espesa y nos dirigimos al Ray-Ban

THE LOVED ONES

para cazar a Sleaford Mods. Incomprensiblemente, teniendo en cuenta que su sonido sólo depende de un micro y una caja de ritmos, la potencia de las PAs del escenario Ray-Ban se vino abajo y el dúo de Nottingham tuvo que reiniciar su set hasta dos veces hasta que el público pudo escucharles. Este retraso hizo que apenas pudiéramos vez un par de temas para no perdernos a Berri Txarrak. Vale que les hemos visto en incontables ocasiones, pero su debut en el Primavera bien merecía nuestra atención y por si alguien tenía duda de que ése no fuera su sitio, la realidad es que lograron llenar el espacio del Adidas Originals como pocos. Estrenando una nueva y elegante escenografía dominada por el blanco y el rosa, Gorka, David y Galder sudaron, como siempre, la camiseta. También fue el estre139


TEENAGE FANCLUB

no, al menos para nosotros, de ‘Bakarrik Egoteko’, el potente single que lanzaron para el Record Store Day. No faltaron sus temas más conocidos, ni tampoco su versión de KOP ‘Sols El Poble Salva El Poble’, ni el medley en medio de ‘Oreka’ en el que colaron a MGMT y Daft Punk haciendo que hasta el más indie bailara con ellos. Y bailando seguimos con Front 242 en el escenario Primavera. Tienen las bases, la energía y la experiencia para que durante 60 minutos miles de personas vibren con su electrónica oscurilla. Sinceramente, no sabemos lo que hicimos durante la hora siguiente -nada bueno, seguro-, pero acabamos la noche con los fogonazos de Priests y su rock his140

SLEEP

triónico a la manera de Le Tigre, aunque mucho menos divertidos. SÁBADO 3 El sábado empezamos a calentar motores con Pond. Su directo fue muy diferente al de su anterior visita hace un par de años. Ahora son mucho más sintéticos, siguiendo la estela de su grupo-hermano Tame Impala. Así que tuvimos nuestra dosis de psicodelia electrónica a primera hora de la tarde. Después, la opción de Van Morrison era la de ir a tiro hecho. El de Belfast dio el concierto perfecto al cual nos tiene acostumbrado desde hace décadas. Se movió como nadie en territorios de jazz, blues, folk y soul,

SUM 41

y cayeron clásicos como ‘Moondance’, ‘Gloria’, ‘Too Late’, ‘Have I Told You Lately’, ‘Brown Eyed Girl’, ‘Baby, Please Don’t Go’ y ‘Days Like These’. Metronomy acapararon la atención de un escenario Mango hasta la bandera. Su propuesta, como viene siendo habitual en sus últimos discos, estuvo más enfocada en la pista de baile. Cerraron con su pelotazo ‘The Look’. Y hablando de looks, ya hace tiempo que Teenage Fanclub tienen más pinta de profesores universitarios que de banda de rock, pero, ay, a la que se ponen a tocar te importa un pimiento su imagen. Suenan los primeros compases de ‘Start Again’ y el buen rollo se apodera del ambiente.


VENOM

Poder cantar ‘Star Sign’, ‘About You’ o ‘Sparky’s Dream’ rodeado de gente que tiene sus melodías en el corazón es siempre un placer. El final eléctrico con ‘Everything Flow’ sirvió para recordarnos por qué en su momento llegaron a girar con Nirvana. Aunque si hablamos de emociones, las vividas en el homenaje de Seu Jorge a David Bowie fueron preciosas. Al igual que en la banda sonora de The Life Aquatic, el brasileño interpretó canciones tan emblemáticas como ‘Ziggy Stardust’, ‘Rebel Rebel’, ‘Changes’, ‘Space Oddity’ o ‘Life On Mars?’ en portugués y armado únicamente con su guitarra acústica. Fue una pena que no disfrutara de más volumen (tuvimos

THE LOVED ONES que ponernos en primera fila para escucharle), pero el público, y más teniendo en cuenta el alto porcentaje de guiris, se encargó de ayudarle a lanzar a las estrellas su amor por el astro desaparecido. Desde luego, si algo no les faltó a Sleep, fue volumen. Desde que hubieran cancelado su actuación hace cinco años que nos debían una, pero bastó que Matt Pike soltara su primer guitarrazo para dejarnos planchados. Su doom metal representado en piezas de caza mayor como ‘Holy Mountain’, ‘Aquarian’ o ‘From Beyond’ y ejecutado a la perfección por Al Cisneros y Jason Roeder, batería de Neurosis, dudamos que pueda sonar mejor. Quizá Black Sabbath se hayan retirado, pero su legado sigue en buenas manos. A la misma hora, Arcade Fire presentaron como primicia el nuevo tema ‘Everything Now’. Una vez más dieron buenas sensaciones, y es que su cancionero no presenta fisuras. En general no hubo grandes diferencias respecto a su última visita a España. Tan sólo alguna novedad como ese bis con ‘Windowsill’ y la recuperación de ‘Neon Bible’ e ‘In The Backseat’. Joseph Junior Adenuga, alias Skepta, salió a escena poco después de que en su Londres natal tres hombres sembraran el pánico y mataran, al menos, a siete personas. Con esa mala noticia flotando en el aire, la musculada estrella del grime británico saltó al escenario para defender Konnichiwa, su hasta ahora último disco, el cual consiguió arrebatar el Mercury Prize ni más ni menos que a David Bowie. Salió rugiendo, con una puesta en escena fría, eso sí. En paralelo, Against Me! nos lo hicieron pasar en grande en el Adidas Originals desde el primer segundo con ‘I

Was Teenage Anarchist’. Laura Jane ha dado por fin con la formación ideal y ahora son una máquina imparable. Da igual que toquen temas nuevos como ‘333’, ‘Dead Rats’ o ‘Rebecca’ o antiguos como ‘Pints Of Guinness Make You Strong’ o ‘Walking Is Still Honest’, que el resultado es el mismo. El remate final con ‘Black Me Out’ y ‘True Trans Soul Rebel’ fue apoteósico. Mira que si llegan a tocar ‘Thrash Unreal’… Tal subidón teníamos que corrimos escaleras arriba para coger los últimos veinte minutos de Japandroids en el escenario Primavera. El esfuerzo valió la pena, y es que el dúo canadiense cada vez suena más bien. La buena racha siguió, y aumentó, con la actuación Unexpected de la jornada ubicada esta vez en el anfiteatro Ray-Ban. ¡Y menuda sorpresa! Lo reconocemos, estamos enamorados de las hermanas Haim, pero cómo no estarlo de una banda que tiene tanto de Fleetwood Mac como de The Bangles, que tiene hitazos como ‘Want You Back’, ‘Don’t Save Me’ o ‘The Wire’, que tocan sus instrumentos más que bien y que encima derrochan simpatía por todos lados. De 10. No necesitamos cambiar de ubicación para que la fiesta siguiera por todo lo alto con !!! (Chk, Chk, Chk). Pasan los años y los californianos no pierden fuelle. Como reza el primer tema que interpretaron, ‘Dancing Is The Best Revenge’, pulimos un poco más las suelas de las zapatillas con sus frenéticos ritmos cada vez más negroides. Y como manda la tradición, acabamos viendo salir el sol entre confeti y serpentinas con la sesión de DJ Coco y cantando ‘Don’t Stop Believing’ de Journey. Aunque, pasándolo así de genial, es difícil no seguir creyendo que el año que viene acabaremos igual de bien. 141


HATEBREED 13 DE JUNIO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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D.R.I.

U

no va sumando años y un día comprueba con asombro que, en el último lustro, sólo ha levantado los pies del suelo en contados conciertos. Si no se forma parte de Hardcore Hits Cancer no se puede estar a tope toda la vida, pero servidor todavía se sorprende más cuando recuerda que, exceptuando una alineación de los astros que nos permitió gozar de los mejores Sepultura en muchos años en Lleida, Rise Of The Northstar o unos Metallica, todas las demás veces han sido con Hatebreed. Que bote, que berree temas desde la histeria, que me golpee, es algo que sólo ellos consiguen. Que vinieran con una banda tan legendaria como D.R.I. consiguió que Razz 2 luciera un ambiente variopinto, sí, pero muy guapo, con pogos sanotes y mucha camaradería. Me encargo de los asuntos de Blaze Out y hasta a mí me pareció extraña su presencia en este cartel, pero

qué le vamos a hacer si, por suerte, mis chicos enamoran más allá de su circuito natural… Desde el principio les vi incómodos sobre las tablas, con el sonido más sucio que les haya oído, pero eso no impidió que en ‘Wrath Afire’ o ‘Fist Goes First’ sacaran a relucir sus garras. No fue su mejor noche, pero de este tipo de bolos sales más fuerte. Con D.R.I. la sala ya se puso hasta los topes, y es que la expectación era máxima. Si al principio de esta crónica hacía un inciso al paso del tiempo, qué les vamos a contar a estos grandes del crossover… Sobre el escenario ya no están para muchos trotes, pero colegas, esa ristra de clásicos caen por su propio peso histórico. ‘Violent Pacification’, ‘I Don’t Need Society’, ‘Acid Rain’ o ‘Thrashard’ minaron las defensas de hasta el más escéptico, y es que este grupo ha sido para muchos la banda sonora de su adolescencia. El pit no paró ni un instante ante el mejor

sonido de la velada. Algunos decidieron marcharse tras D.R.I., pero a una banda hecha a sí misma como Hatebreed los haters y los talibanes les importan un comino. Los de New Haven salieron a lo suyo, o lo que es lo mismo: directamente a matar. ¿En serio presentaban The Concrete Confessional? Nada, una excusa, porque a lo que se dedicaron los estadounidenses fue a bombardearnos con los mejores temas de todas sus obras, y cuando digo todas es todas. Sin apenas respiro, encadenando un obús tras otro, el quinteto nos aniquiló con ‘Live For This’, ‘In Ashes They Shall Reap’, ‘This Is Now’, ‘Straight To Your Face’, ‘Under The Knife’, ‘Beholder Of Justice’, ‘Destroy Everything’, ‘I Will Be Heard’ o ‘Perseverance’. Poco importó que Jamey Jasta andase justito de voz o que el sonido fuera mejorable… con esas letras, con semejante repertorio, la victoria estaba asegurada. Incomparables, incontestables. No se puede luchar contra ellos. 143


HIM 14 DE JUNIO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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ROMANTHICA

A

pesar de su escasa actividad -su último álbum Tears On Tape se publicó en 2013 y hacía 18 meses que no se subían a un escenario-, está claro que HIM siguen teniendo mucho tirón. Las entradas para su concierto en Barcelona se habían agotado desde hacía meses, a pesar de que el concierto ya se había trasladado de la sala Apolo a la Razzmatazz, con casi el doble de aforo. Y todo esto, incluso antes de que la banda finlandesa anunciara que ésta iba a ser su gira de despedida. El ambiente era el de las grandes ocasiones, con mucha presencia de fans venidos de toda Europa, pero, una vez más, HIM dejaron claro que el directo no es uno de sus fuertes. Recuerdo que en una entrevista Ville Valo bromeaba diciendo que su banda estaba en algún punto intermedio entre Bon Jovi y Black Sabbath. La definición tiene gracia, y viendo el fervor que despiertan entre el público femenino puedo entender que llegara a esa conclusión, pero a la

hora de verdad a HIM les falta, entre muchas otras cosas, el carisma de los primeros y la contundencia de los segundos. En ese aspecto, hasta los barceloneses Romanthica les ganaron la partida sonando mejor que ellos y llenando el escenario con su presencia. Si bien estilísticamente se ciñen al rock gótico de manual, con la variable de que cantan en castellano, en poco más de media hora cumplieron su objetivo de darse a conocer ante un montón de público nuevo. En un escenario de lo más sobrio, con un elegante telón rojo de fondo y su heartgram pintado en los amplificadores, HIM salieron de la oscuridad para atacar con ‘Buried Alive By Love’. Desde el primer minuto se vio que, a pesar de lo especial de la velada, los miembros de HIM siguen teniendo la sangre de horchata. Valo, con una gorra negra y americana a juego, se mostró algo menos apático que otras veces, pero aunque haya dejado de fumar (al menos encima del escenario), su voz sigue siendo

limitada, rozando incluso lo grotesco cuando opta por su tono más grave a lo Pete Steele. Lo único que diferenció el concierto respecto a anteriores visitas fue que se estiraron algo más en el repertorio, interpretando un total de 22 temas, entre los que no faltaron sus versiones de ‘Wicked Game’ de Chris Isaak y ‘Rebel Yell’ de Billy Idol. Daba prácticamente igual que interpretaran canciones más antiguas (‘Your Sweet Six Six Six’, ‘Join Me In Death’, ‘Poison Girl’) o más recientes (‘Heartkiller’, ‘Tears On Tape’), o que fueran más conocidas (‘Rip Out The Wings Of A Butterfly’, ‘Killing Loneliness’) o menos (‘Resurrection’, ‘Stigmata Diaboli’): el público las cantaba todas como si fueran himnos. Puedo entender el valor sentimental o nostálgico que tuviera para sus fans más acérrimos, pero nadie con un mínimo de objetividad podría aprobar a una banda con un sonido tan pobre y una actitud tan sosa. Al contrario que los buenos vinos, HIM, lejos de mejorar con los años, se han convertido en vinagre. 145


TOUCHÉ AMORÉ

21 DE JUNIO DE 2017 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: ERIC ALTIMIS

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CODE ORANGE

T

ouché Amoré nos debían una. Pese a haber actuado en el Primavera Sound en 2014, todos sabemos que donde de verdad una banda como ésta puede mostrar todo su potencial es en una sala. Paradójicamente, fue que al día siguiente tocaran en otro festival, el Download Madrid, lo que posibilitó poder ver al quinteto de Los Ángeles en las circunstancias que soñábamos desde hacía años. De hecho, este concierto estaba programado como un Warm-Up Show del propio Download, con lo cual también pudimos disfrutar de Code Orange, otra de las bandas participantes en el festival madrileño. En estas páginas hemos alabado la potencia de su último trabajo Forever (fue nuestro Disco del Mes en enero), pero en directo aún van un paso más allá. Apoyados por un guitarrista extra, Domenic Landolina, los de Pittsburgh consiguen recrear la misma atmósfera claustrofóbica, pero su presencia escénica la llega a convertir en algo más amenazante. El gigantesco

bajista Joe Goldman parece que tenga que pisar las cabezas de las primeras filas en cualquier momento y el hecho de que las tareas vocales se vayan repartiendo entre el batería Jami Morgan y los guitarristas Reba Meyers y Eric Balderose contribuyen a una sensación de caos organizado. Viéndolos, no pude evitar pensar tanto en Converge como en Nine Inch Nails. Tela. Transiciones electrónicas ayudaban a que la tensión se mantuviese entre hostias sonoras como ‘Kill The Creator’, ‘Slowburn’ o ‘I Am King’ (aquí acercándose a Unsane). La única concesión melódica fue la grungera ‘Bleeding In The Blur’, por otra parte, una canción realmente buena. Sé que no todo el mundo fue capaz de digerir semejante burrada, pero a mí me fliparon. Por su parte, Touché Amoré tenían la partida ganada de antemano. Con la sala a rebosar, sólo necesitaron tocar el punteo que abre ‘Flowers And You’, el primer tema de su último álbum Stage Four, para tenernos comiendo de su mano. A menudo se usa la

palabra ‘catarsis’ a la ligera, pero en esta ocasión creo que eso es lo que vivimos tanto los músicos como los fans. La conexión y flujo de energía entre el escenario y la pista fue constante. La clase que tienen estos tipos tocando es una pasada. Y, por cierto, en esta ocasión la sala Bóveda sonó con una claridad asombrosa. Las guitarras de Clayton Stevens y Nick Steinhardt ponen el contrapunto melódico en temas como ‘New Halloween’ o ‘Rapture’ mientras Jeremy Bolm se desgatiña a gusto. El vocalista estuvo on fire, y encima desprende un aura de buen rollo increíble. No fue el único que se dejó la garganta, el público también gritó a gusto temas más tralleros como ‘Home Away From Here’ o ‘Honest Sleep’. Particularmente vibré muchísimo cuando sonaron ‘Just Exist’, ‘Pathfinder’ y ‘Benediction’, pero la verdad es que pasé la hora que duró su actuación sin saber si lo que mojaba mi camiseta era sudor o babas. Al salir, nos prometieron que no tardarían tanto en volver. Les tomamos la palabra. 147


THE HELLACOPTERS

AZKENA ROCK FESTIVAL 23 Y 24 DE JUNIO DE 2017 RECINTO DE MENDIZABALA, VITORIA TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: SERGI FORNOLS

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JOHN FOGERTY

S

i algo hemos aprendido unos cuantos a lo largo de esta edición del Azkena Rock es que, muchas veces, el tesón y la espera al final tienen su recompensa. Revisando crónicas pasadas de este festival, para muchos compañero de aventuras y desventuras durante 16 años, en estas primeras líneas siempre se destacaban los problemas y sufrimientos previos a la confirmación del cartel y a la llegada del festival. Sin embargo este año ha sucedido todo lo contrario: desde que se confirmaran las fechas al final de la edición pasada, todo ha ido progresando con una constancia y una suavidad inauditas. La incógnita del cartel se fue desvaneciendo rápidamente con las confirmaciones de John Fogerty, Chris Isaak, The Cult y The Hellacopters entre otros muchos, las novedades en cuanto a servicios, la más destacable la relativa a la implantación del sistema cashless, además de la incorporación de espectáculos como la lucha libre, la zona Trashville o la locura de la moto

del wall of death, junto con una incesante actividad de los CMs en las redes sociales, nos han mantenido en un estado de excitación continuo a lo largo de estos meses. Como siempre, grandes incógnitas presentes: ¿Saldrá bien? ¿Será una chapucería chabacana? ¿Ian Astbury no la liará durante su actuación? ¿Se joderá la pulsera cuando me duche? No es que me alegre decirlo, es que me emociona admitir que todo salió de puta madre. Y encima el tiempo nos respetó. Los que asistimos habitualmente al evento hemos pasado de ver los estertores de un festival moribundo hace tres, cuatro años, cuando vivimos sus horas más bajas, al renacimiento y asentamiento de una celebración de rock por todo lo alto con una variedad y calidad en su cartel que deja despeinado a cualquiera. Los más críticos y pesimistas ya recalcan que no siempre será así, pero como todavía estamos en la nube de un fin de semana inigualable, pues a ésos que les den por saco. Prosigamos.

VIERNES No hay mejor sensación que llegar el viernes al mediodía a la Plaza Virgen Blanca de Vitoria. Ambientazo de gente con ganas de calentar motores a ritmo de pinchos y cañas. Puede que suene un poco pastelón, pero se respira amor en la plaza. Reencuentros con viejos amigos y un montón de abrazos y besos mientras Billie & The Kids, una banda de rhythm and blues clásico de Zagreb, inauguraba el día. Adecuados para la plaza, arrancaban entre el público los primeros bailes de la jornada, y unas cuantas risas, cuando su cantante nos contó que había aprendido algo de español viendo telenovelas. Cierto es que unos Mambo Jambo hubieran encajado muchísimo mejor en Virgen Blanca que en su horario solapado con The Hellacopters dentro del recinto, pero no siempre se puede acertar. Por la tarde, tras los cafés y los gintónics llegó el momento de acceder a Mendizabala, y fue apabullante. ¡Menudo lavado de


SIXX AM

cara! Foodtrucks, stands de todo tipo, una ambientación que podía recordar a un freak show del lejano Oeste, y gente, mucha gente. Para ser exactos, 18.700 personas. Nada mal para nuestro modesto festival que empezó con un par de escenarios y otras tantas barras. Desafortunadamente llegamos al final del concierto de The Godfathers, así que nos estrenamos con The Soulbreaker Company en el escenario Respect, dedicado a Greg Allman y a Sharon Jones. Lo primero que nos llamó la atención es lo bien que sonaban, contundentes y poderosos, mérito compartido por el esmero en cuidar el sonido por parte de la organización y que fue constante a lo largo del festival, pero sobre todo porque los de Vitoria se encuentran en su mejor momento. Nunca me hubiera imaginado viendo a Tygers Of Pan Tang, pero teniendo en cuenta que había escuchado su

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KING’S X

CRANK COUNTY DAREDEVILS

disco homónimo de 2016 y no me había disgustado, me acerqué a verlos un rato. Como era previsible el repertorio giró en torno a dicho disco, con alguna pincelada clásica como ‘Gangland’ o ‘Hellbound’. Uno de los grandes descubrimientos personales de este año vino con la confirmación de King’s X. Este trío de Missouri combina hard rock, metal progresivo y funk con letras muy religiosas. La suma de todo esto, marcado por la contundencia de sus riffs y las melodías vocales, recuerda enormemente a Alice In Chains, y así lo pudimos comprobar con su set. Nos perdimos la accidentada actuación de los borregos Crank County Daredevils, que acabó con su cantante con la pierna vendada durante todo el festival, porque era hora de ver a unos grandes: ni más ni menos que Cheap Trick, que ya habían participado en el festival en la edición de 2011.

Salieron al escenario con muchas ganas, aunque la disposición del setlist fue un tanto irregular, intercalando varias versiones como ‘California Man’, ‘Ain’t That A Shame’ o ‘I’m Waiting For The Man’, y les faltaba un poquito de fuerza. Pero teniendo en su archivo maravillas como ‘She’s Tight’, ‘Dream Police’, ‘I Want You To Want Me’ o ‘Surrender’, tampoco les resultó muy difícil poner Mendizabala patas arriba. Uno de los solapes más comentados vino con dos bandas suecas: Graveyard y Hellsingland Underground. Habiendo visto varias veces a Graveyard, una banda que personalmente encuentro sobrevalorada, y cuya separación y posterior reunión en cuestión de cuatro días resultó ridícula en su momento, optamos por cenar y escuchar en la lejanía a los segundos. El comienzo del show de John Fogerty nos dejó un poco descolocados, con proyecciones


CHEAP TRICK

y declaraciones de sus años de juventud, hasta que el abuelo salió al escenario, y con ‘Born On The Bayou’ arrancó un recital de hits apabullante. ‘Green River’, ‘Up Around The Bend’, ‘Hey Tonight’ y así una detrás de otra, muy arropado por su hijo, que va a heredar el negocio familiar sin ningún problema, y por la sobresaliente labor a la batería de Kenny Aronoff. Cierto es que hubo mucho solo de batería, e incluso de teclado, pero es que el show de Fogerty, contando sus historietas de Woodstock y otras anécdotas, era 100% American, algo a lo que no estamos demasiado acostumbrados, pero tampoco supuso ningún problema, porque el público no paró de cantar y bailar y las caras de felicidad eran evidentes. Las expectativas con The Hellacopters eran muy elevadas. La sustitución de Robert Dahlqvist por el guitarrista original, Dregen, tras el fallecimiento del rubio, presuponía el

regreso de esa química salvaje que nos atrapó en los 90. El bajista Kenny Hakasson, que abandonó esta reunión, fue suplido por el gran Sami Yaffa. Si algo he visto en esta vida ha sido un montón de conciertos de los suecos, desde el año 98 hasta su separación. Jugar con la nostalgia el año pasado con Supershitty To The Max fue una maniobra perfecta para suscitar el ansia de muchos, pero el problema principal es que tanto Nicke Royale como Dregen juegan a muchas bandas y da la sensación de que resucitar a The Hellacopters tiene un propósito de todo menos emotivo, y es sacar pasta fácil. Que tenían el show ganado ya lo sabían desde el año pasado, pero la impresión que daba era de un grupo de amigos que tienen dos o tres conciertos y que hubieran ensayado cuatro días antes. Gran parte del repertorio se centró en su segundo álbum, Payin’ The Dues, y fue un placer volver a escuchar

‘You Are Nothin’’, ‘Like No Other Man’, ‘Soulseller’ o ‘Toys And Flavors’, pero, a pesar de que muchos se me tirarán al cuello, ni el sonido, ni la energía, ni siquiera la complicidad entre los miembros se asemejaba a lo que pudimos ver años atrás. Para terminar esta maratoniana jornada, fuimos a la zona de Ring Of Fire, donde por la tarde se habían celebrado los combates de lucha libre mexicana, y pudimos disfrutar de una magnífica sesión a cargo del viejo zorro y la gallina. SÁBADO Aunque el comienzo de la jornada volvió a repetirse en Virgen Blanca con los australianos Pat Capocci, unos chicos muy guapos, repeinados y tatuados que hacían rockabilly, los nervios por la actuación de The Cult, que cerraban el festival a las dos de la mañana, estuvieron presentes todo el día. Empezamos el maratón en

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THE CULT

Mendizabala con Inglorious, la banda británica de hard rock cuyo líder, Nathan James, se hizo famoso a través del talent show Superstar. Melenas al viento, voz espectacular que dejó bien claro que una de sus grandes influencias vocales es David Coverdale de Whitesnake, y una buena actuación. A continuación fue el turno de Psychotica, la banda liderada por esa excéntrica y rara criatura llamada Pat Briggs. Es complicado plasmar lo que vi, y todavía no tengo claro si lo que vi me fascinó, porque los temas ‘Barcelona’, ‘Flesh & Bones’ y ‘Harlow’ merecían la pena, o si me horrorizó. Mucho sonido pregrabado, puesto que al parecer el batería dejó al grupo colgado días antes, la guitarra de Paul Kostabi en algunos momentos apenas sonaba y en otros sí, la extraña actitud de Briggs… Fue un despropósito de concierto, pero a la vez tenía un magnetismo especial. En resumen, una auténtica frikada. Regresamos de este viaje sideral gracias a Loquillo. El de Badalona, acompañado por Igor Paskual, Josu 152

García y Mario Cobo a las guitarras, se enfrentaba a un público 100% rockero. Quizás esto pueda parecer una obviedad, pero no es un artista acostumbrado a festivales, ni a un público ‘conocedor’. Siendo consciente de ello explotó la nostalgia y nos trasladó a nuestros años de infancia y juventud. ‘Salud Y Rock And Roll’, ‘El Rompeolas’, ‘Feo, Fuerte y Formal’, ‘La Mataré’ o ‘El Cadillac Solitario’ son temas con los que hemos crecido, y los disfrutamos enormemente. Ahora recapacitando, me doy cuenta de la gran presencia de bandas británicas en esta edición. Thunder, banda hard rockera que surgió a finales de los 80, volvió con fuerza hace un par de años con su álbum Wonder Days, y recientemente han publicado Rip It Up. A los londinenses, al parecer, les habían avisado de la frialdad del público en Vitoria, y parece que esto funcionó como revulsivo para ellos, puesto que ofrecieron uno de los mejores conciertos de esta edición. Una hora y media en la que repasaron su

discografía, haciendo mayor hincapié en su debut, Backstreet Symphony. Estuvieron soberbios y animaron tanto al público que acabó rendido a sus pies, tanto, que hasta ellos mismos alucinaron con la respuesta de Vitoria y están deseando volver por aquí lo antes posible. El concierto de Thunder nos enganchó tanto que apenas llegamos a ver a Union Carbide Productions. Siempre es un gusto oír cantar a Ebbot, que cada día que pasa recuerda más a Santa Klaus con sus túnicas, pero tuvieron problemas de sonido y en la lejanía no pudimos apreciarlos bien. No están mal estos placebos, y al fin y al cabo UCP fueron la semilla escandinava que dio fruto a todo un movimiento, pero seamos sinceros: lo que queremos es que vuelvan The Soundtrack Of Our Lives. Chris Isaak volvía a Mendizabala con su habitual elegancia y clase. Un hombre con una sonrisa embriagadora, una voz que enamora y una sensibilidad a la hora de cantar sus canciones de amor que consigue evocar la nostalgia de amores pasados en algunos. Dan ganas de enamorarse hasta del tipo de al lado escuchando a Chris Isaak. Lleva ofreciendo el mismo espectáculo un montón de años, es más, en mi recuerdo de las dos veces que pude verlo en 2010, diría que fueron todos idénticos, pero escuchar ‘Somebody’s Crying’, ‘Two Hearts’, ‘San Francisco Days’ o ‘Blue Hotel’ nunca cansa. Cantó una ranchera en castellano, tocó varias versiones de Elvis y Roy Orbison, se rozó con el público, nos contó historias, y aunque a mucha gente no le sentó bien como aperitivo a The Cult, fue un concierto delicioso. Y por fin llegó la hora. Todos los conciertos del festival comenzaron con una puntualidad británica, sin embargo The Cult nos hicieron sufrir exactamente 7


CHRIS ISAAK

minutos hasta de que salieron a arrasar. 70 minutos de show que pasarán a los anales de la historia del festival, y de la vida de muchos de los asistentes. Fue una auténtica barbaridad. En su anterior visita en 2011 Ian Astbury, su líder, dejó a muchos con el culo torcido. No le gustó nada salir de día y que Rob Zombie fuera cabeza de cartel, y estuvo pasota y desafiante todo el concierto, que pudo ser salvado gracias a la profesionalidad de su compañero, el guitarrista Billy Duffy. Teníamos miedo. Astbury es un personaje imprevisible, un jodido divo, un auténtico rockstar de los que ya no existen, y por qué no decirlo, un tío que durante todos estos años de carrera ha ido a contracorriente y ha hecho simplemente lo que le ha salido de las pelotas. ¿Se habrá cabreado por tocar tan tarde? ¿Estará de buen humor? Bien, amigos, Ian Astbury, junto con Duffy, Mr Everything Damon Fox de Bigelf a los teclados y la guitarra, el batería Joe Tempesta y Grant Fitzpatrick, se sacó la chorra y nos pegó un repaso que nos dejó a

UNION CARBIDE PRODUCTIONS

todos locos. Chulería, pandereta, bailecitos, coñas, se rio de nosotros por estar esperando a verlos a las dos de la mañana, y nos compensó por ello. Sonaron como una apisonadora, desde el momento en que comenzaron los primeros acordes de ‘Wild Flower’ hasta que acabaron con una apabullante versión de ‘Love Removal Machine’. Imaginad ‘Rain’, ‘Peace Dog’, ‘Sweet Soul Sister’… es que podría mencionar los diez temazos que conformaron el setlist. Por la limitación horaria sólo tocaron ‘Deeply Ordered Chaos’, ‘G O A T’ y ‘Dark Energy’ de su último y espectacular trabajo Hidden City, y encajaban perfectamente con el resto de repertorio. Cómo hace sonar la guitarra Billy Duffy no es de este mundo. Guitarrista absolutamente infravalorado pese a poner su sello inconfundible en cualquiera de las canciones. The Cult, amigos, The Cult ganaron el combate por KO, nos hicieron botar, cantar, gritar, y terminar abrazándonos y dándonos la enhorabuena, porque lo que pudimos

presenciar fue enorme e irrepetible, y fue el mejor colofón a un magnífico año en Vitoria difícil de igualar. Aquello que os dije el año pasado se ha convertido ya en el hashtag oficial del festival: #alazkenasevaypunto, año tras año, hasta que vayamos en taca-taca. Este año sólo se puede aplaudir a Alfonso Santiago y Last Tour International, y dar gracias a todo el mundo que ha participado en el festival, desde el repartidor de hielo a Ian Astbury. E incluso a la lluvia, que tímidamente hizo acto de presencia cuando John Fogerty nos cantó ‘Have You Ever Seen The Rain?’, como si de un gimmick escénico se tratara, y que nos hizo saltar la lagrimita de emoción. Ya tenemos fechas para el año que viene, 22 y 23 de junio, los australianos Beasts Of Bourbon como primera banda confirmada, bonos a la venta y algunos flipados como yo, hasta las reservas hoteleras. Ahora toca veranito, y empezar a sufrir en septiembre. Ojalá todo salga tan bien como este año, ¡y que viva el Azkena! 153


DE GIRA

FACE TO FACE

21 DE JULIO SALA BUT (MADRID) 22 DE JULIO BARNA ‘N’ ROLL - POBLE ESPANYOL (BARCELONA)

A

unque nunca tuvieron el éxito masivo de unos Green Day o unos Rancid, los fans del punk rock noventero siempre han guardado un lugar en su corazón para Face To Face. La veterana banda regresó con fuerza a principios de esta década después de haber estado separada durante nueve años, y en la actualidad Trever Keith (voz, guitarra) parece haberse reconciliado con lo que se le da mejor tras haber experimentado con otras fórmulas musicales. En unas semanas habrá una doble oportunidad para verles. En Madrid, abriendo para Lagwagon, y en Barcelona dentro del festival Barna ‘N’ Roll, donde también estarán The Adicts, Berri Txarrak, The Baboon Show o Lendakaris Muertos.

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Hace poco has cumplido 48 años. ¿Es tu vida tal y como la imaginabas a esta edad? TREVER KEITH “Pues la verdad es que no. Nunca imaginé que seguiría tocando en una banda de punk rock con 48 años. Pero, ya que estamos aquí, ¿por qué no?”. Ahora mismo estáis embarcados en el Encono Live Tour que recorre los mismos locales en los que tocasteis en 1996. ¿Cómo surgió la idea? ¿Han cambiado mucho las cosas en estos veinte años? “La idea es que queríamos volver a tocar en salas pequeñas donde no hubiera vallas, ni nada parecido, que todo fuera un poco más íntimo. La

verdad es que la mayoría de salas no han cambiado demasiado. Lo más distinto es que tenemos que aceptar que somos veinte años más viejos”. Desde que publicasteis Protection el año pasado no habéis parado de girar. ¿Estás contento con cómo los fans han recibido los temas más nuevos? “Estoy muy feliz con la reacción de la gente hacia el nuevo material. Incluso aplauden cuando anunciamos que vamos a tocar un tema nuevo, y eso no es tan normal. En general, Protection ha sido muy bien recibido”. En mi opinión el disco tenía un rollo más parecido a los


AGENDA JULIO primeros discos. ¿Fue algo intencionado? “Sí, lo fue. Gracias por notarlo. Hicimos una gira donde tocábamos nuestros tres primeros discos y supongo que de alguna manera eso nos influyó a la hora de componer el siguiente trabajo”. Este mes estaréis tocando por aquí. ¿Es el verano tu época favorita para estar de gira? “Desde luego es mucho mejor que el invierno. Odio el frío (risas)”. En los dos conciertos tocaréis con Lagwagon. Os conocéis desde los 90, supongo. “Sí. Esos tíos son increíbles. Siempre es divertido estar con ellos, aunque por desgracia no suele ocurrir muy a menudo”. Para mucha gente los 90 son la era dorada del punk rock. ¿Piensas lo mismo? “En realidad no. Creo que los finales de lo 70 y principios de los 80 fueron mejores. Todo lo que vino después fue una repetición con alguna variación nueva”. Bueno, me refería más bien al rollo californiano, a vuestra escena. “Ah, en es caso sí. De todos modos, los grupos que más nos influyeron fueron los de la generación anterior”. ¿Cuál es tu guitarra favorita para tocar en directo? “Mi Gretsch Duo Jets”. ¿Habéis empezado a pensar en el próximo álbum? ¿Podemos esperarlo pronto? “Hemos empezado a componer temas nuevos, y mi esperanza es que podamos tener el disco listo en el primer trimestre de 2018”. Por último, ¿has considerado resucitar otros proyectos tuyos como The Legion Of Doom o Viva Death? “No hay ningún plan para Legion Of Doom, pero es posible que haga algo con Viva Death”. (JORDI MEYA)

ANTHRAX 4 PAMPLONA, 6 VIVEIRO BBK LIVE (DEPECHE MODE, THE KILLERS, JUSTICE…) 6-8 BILBAO CRUÏLLA BARCELONA SUMMER FESTIVAL 7-9 BARCELONA DAVE SMALLEY 1 CASTELLÓN, 2 BARCELONA, 3 MADRID, 4 CÁCERES, 5 CÁDIZ FIB (RED HOT CHILI PEPPERS, FOALS, KASABIAN…) 13-16 BENICÀSSIM FOSTER THE PEOPLE 9 BARCELONA JOEY CAPE 23 CÁDIZ, 25 TENERIFE, 27 DONOSTI, 28 GIJÓN MAD COOL (FOO FIGHTERS, GREEN DAY…) 6-8 MADRID MALLORCA ‘N’ ROLL (BAD RELIGION, THE TOY DOLLS, GATILLAZO…) 15 PALMA DE MALLORCA MOVE YOUR FUCKING BRAIN (ABSU, CANCER, BEHEADED…) 15 MOLINS DE REI THE ORWELLS 11 BARCELONA, 12 MADRID PEARS 24 MADRID, 25 DONOSTI, 26 BADALONA, 27 BENICÀSSIM, 28 VIDRERES PSYCHOBILLY MEETING (THE LIVING END, MAD SIN, KING KURT…) 4-11 PINEDA DE MAR RED FANG 8 BARCELONA RESURRECTION FEST (RAMMSTEIN, RANCID, DROPKICK MURPHYS…) 6-8 VIVEIRO SAMIAM 24 MADRID, 25 DONOSTI, 26 BADALONA SASQUATCH 10 BARCELONA, 11 MADRID TSUNAMI XIXÓN (THE OFFSPRING, PENNYWISE, GRAVEYARD…) 28-29 GIJÓN U2 18 BARCELONA


FIGURAS COLATERALES

NOS GUSTE O NO, EL TRAP HA VENIDO PARA QUEDARSE. HABLAMOS CON KIDD KEO, UNO DE LOS MÁXIMOS EXPONENTES DE ESTE BOOM EN NUESTRO PAÍS. TEXTO: ALEX TAMBURINI FOTOS: HARA AMORÓS

N

o hay vuelta atrás, sólo es necesario darse una vuelta por los parques de cualquier ciudad para darse cuenta de que el trap es el estilo musical con más proyección de los últimos tiempos. Y lo puedes odiar o amar, pero ahí está y ahí seguirá, enganchando a más chavales cada día. Una de las características que más llaman la atención de esta evolución del rap es que moviéndose en el underground y desde el DIY más absoluto, ha alcanzado unas cotas de seguidores impensables en nuestro país en épocas preYouTube. Para conocer cómo se vive este fenómeno desde dentro, quedamos con una de sus figuras más ascedentes. ¿El trap ha llegado a España

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para quedarse? KIDD KEO “Yo creo que sí”. ¿Cómo ves su presente y su futuro? “Es un género muy nuevo en este país, está empezando y muchos de sus seguidores son muy jóvenes. Aún hay mucha gente que no se entera de cómo va esto, pero está pegando fuerte y le quedan años para crecer. Creo que aún le faltan cinco años, pero va a seguir ascendiendo”. ¿Hay una escena más o menos organizada en nuestro país? “No. Se está empezando a crear, pero no hay una escena organizada, el trap es como un niño que está

creciendo ahora mismo”. Veo bastantes similitudes con el punk en su día: os habéis creado a vosotros mismos sin apoyo de grandes discográficas, usáis letras políticamente incorrectas, los medios mainstream os han machacado… “Sí, totalmente. Nos lo estamos haciendo todo nosotros mismos y nadie nos ha ayudado, está claro”. Pero va a llegar el momento en que a todos ellos pueda interesarles subirse al carro... ¿Les vas a hacer tragar sus palabras o estás abierto a lo que venga, sin rencores? “Yo, si sus palabras cumplen mi


precio, no voy a hacer feos. Si se quieren subir al carro, que se suban, pero que sepan que el hecho de que antes no lo viesen y ahora sí, hace que sea más caro. ¿Rencor? Depende, hasta que nos entendamos… (Risas)”. Aquí todo lo que despunta genera envidia y hate, y más si vienes de un movimiento real, de la calle. Ya pasó con el punk, también con el rap, a todo aquel que lo peta ya se le llama vendido. Supongo que en el trap pasará lo mismo... ¿Cómo lo afrontarás? “Creo que la gente no entiende el significado de la palabra ‘vendido’. Venderse es que tú adaptes lo que haces al gusto del que te quiere pagar. Si lo que haces es suficientemente bueno para que alguien quiera apostar por ello sin que lo cambies, no me parece que te estés vendiendo. Lo que pasa es que en España no lo entienden, ¿sabes? Si te van bien las cosas y quieren apostar por ti, el que no recibe ese interés te va a atacar y te va a llamar vendido. Eso es así, el adjetivo ‘vendido’ en este país se podría cambiar por envidia”. Venderse es cuando te bajas los pantalones, cuando dejas de hacer lo que tú quieres. Muchos grupos de rock adorados por la prensa han escrito letras hablando de drogas, pero a vosotros os dan de palos por hacerlo. ¿Crees que es porque los periodistas han olvidado su juventud, porque abusáis un poco de ese tema, o por ambas cosas? “Yo he dejado de fumar (risas). A ver, sí que es posible que hayamos

“LA GENTE NO ENTIENDE EL SIGNIFICADO DE LA PALABRA ‘VENDIDO’. VENDERSE ES QUE TÚ ADAPTES LO QUE HACES AL GUSTO DEL QUE TE QUIERE PAGAR.”

KIDD KEO abusado un poco, pero a mí que no me vengan con tonterías, el punk y el rock han hablado de todo eso y vamos… mi madre escuchaba canciones que tela, cosas muy heavies. Es lo que has dicho, se han olvidado. Es como el padre que te dice que no fumes porros y luego te enteras de que fue un hippie que se ponía hasta arriba, aunque seguramente cuando yo sea padre le diré a mi hijo que no fume, pero para que no pase a cosas mayores. Es la hipocresía humana, o no, no lo sé (risas)”. Imagínate que alguien saca un disco de trap increíblemente bueno con las mejores bases hasta ahora escuchadas, un flow de la hostia…

pero en ninguna canción se habla de trapis, ni de putas, ni de coches, ni del barrio. ¿Cómo reaccionarías? “Se puede. A ver, lo estás llevando tan al límite que es un poco fantasioso, pero se puede. Si me flipase lo escucharía sin problemas, pero a ver quién sale y lo hace, ¡que me sorprenda! Seguramente yo lo valoraría que flipas”. Con lo del Auto-Tune no puedo. Tú, por suerte, no lo usas mucho. ¿Por qué os gusta esa mierda? “(Risas) Yo lo uso más de lo que te crees, lo que pasa es que aquí se le ha dado un uso al Auto-Tune malísimo. Es algo que hay que saber 157


las letras duras, eso ya depende del gusto”. ¿YouTube ha sido clave para el crecimiento del trap? “Y para el crecimiento de todo. Ha abierto las puertas… Antes estabas muy influenciado por tu grupo de colegas, ponías una canción y si te decían ‘ese tío no mola’ pues al final pensabas que no molaba. Ahora te metes en YouTube y ves que aunque tus cuatro colegas digan que no mola, tienes a miles de personas a las que sí les mola. Ahora hago así y estoy en Estados Unidos, hago así y estoy en China, escuchas los temas cuando salen y no cuando llegan y te da igual lo que te digan. ¿No te mola? Pues ves a lo que te mole, yo me voy a lo mío. Es la plataforma número uno”.

utilizar, si no tienes ni puta idea no te va a hacer cantar bien. Yo cuando uso el Auto-Tune cambio mi forma de cantar, pongo otra entonación y uso mi boca como un instrumento. Se ha de usar la tecnología, pero si chirrías, chirrías. La gente que abusa tanto, yo ya sé que no tiene 158

ni puta idea. Es como el tuning, yo mi coche no lo llenaría a muerte de extras y hay gente que se reúne a ver quién lo tiene más bufao. A ver, que también hay quien le da al AutoTune a lo bestia porque es su rollo y lo lleva al extremo, pero porque es su paranoia como la mía pueden ser

¿Y crees que habrías llegado a donde estás si no existiese YouTube? “Habría llegado ya veríamos cómo. Yo quería llegar… Ahora tú me preguntas ‘¿Cómo hubieses llegado?’... Pues ahora no te sé responder (risas). La gente triunfaba antes de YouTube, así que ya veríamos, pero está claro que para este género que te lo guisas tú y te lo comes es ideal y te facilita mucho las cosas, te haces tu tema, tu vídeo y te lo promocionas. Es perfecto para este género al que no apoyan ni sellos, ni empresas, ni marcas, ni nos han puesto un cheque, por mucho que oigas por ahí”. ¿Intentas estar al día de los artistas que van saliendo? “Españoles no. Estoy al día de lo


que me gusta”.

quiere el pastel”.

¿Y cómo te pones al día? “No te lo sabría decir, son horas y horas de enfrikarse, de estar escuchando a uno y de ahí pasas a otro… ya sabes, enfrikarse. En Estados Unidos hay medios especializados y también hacen su función, pero voy bastante por libre”.

Eres desconfiado. “Mucho, muchísimo. Soy un rallao”.

¿Cómo te pones la coraza para filtrar a la gente tóxica o chupafama? “Hay gente a la que se le nota mucho, lo que pasa es que soy un poco asocial desde siempre y en este momento de mi vida más todavía, así que lo tienen difícil. Está claro que te la pueden jugar en cualquier momento y más en este mundillo en el que hay poco pastel y todo el mundo

Y dime, ¿cómo andamos de enemigos? “Yo nunca le he tirado a nadie. Si ha habido algún problema siempre lo ha iniciado el otro, ya sea por un desliz o porque le pica algo…”. Has actuado recientemente en México, y has estado de party por Los Ángeles. ¿Qué diferencias hay entre el público de allí y el de aquí? “Uff, muchísimas. Llevan muchos más años con la música urbana, hay mucha más escena porque no es como aquí, que se etiqueta todo y se crean pequeñas escenas. Allí hay una sola

y da igual de qué estilo vienes o si hay un género más nuevo, allí la gente de la calle se mueve sin mirar si ha cambiado un poco el sonido; la esencia es la misma y la música urbana los une. Y en los directos tengo que decir que en México son unos bestias pero a buenas, la lían muchísimo. En España siempre que puedo me tiro encima del público y allí lo intenté y casi me parten la espalda, están zumbadísimos”. Le pedí a Wismichu que te hiciese unas preguntas para complementar esta entrevista. Conociéndole no me hago responsable, ¿OK? “(Risas) Uff, a ver…”. WISMICHU Siempre que te veo por Instagram estás la159


drando de tus fans, quejándote... “Llegas tarde, ya he dejado de ladrar. Era cosa mía, el estrés… El problema es que soy un poco diablo de Tasmania, un poco impulsivo, pero it’s the trap, el trap te consume, pero bueno, es humano. Ha habido un momento de mi vida en que he estado un poco desquiciado pero me he tomado un mes en modo sempai y ya no ladro tanto, quiero que lo sepas, amigo (risas)”. ¿Cómo llevas eso del pasar de que no te conozca ni Dios a que te conozca todo el mundo? “Bueno, pues lo he llevado así y ahora lo llevo asá (risas). Lo he ido llevando y me he desquiciado porque me molesta mucho lo injusto, el sinsentido, pero he aprendido que no puedo cambiar a todo el mundo ni controlarlo todo. Aun así a veces me encuentro con preguntas a las que sólo puedo responder ‘tú es que eres tonto’. El problema es mío por indignarme y lo he aprendido a base de tortas, me llevé una fuerte y ya está, ahora soy mejor”.

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Hace poco te vi, también en Instagram, insultando a la peña desde un coche, creo que en Los Ángeles. ¿No es un poco hipócrita pedir respeto y no respetar? Es decir, que si quieres educar a tu audiencia, primero edúcate tú. Me mola tu rollo, lo que haces, pero creo que si pides respeto lo primero que has de hacer es respetar. “Me suda la polla. Y ahora versión larga: como hagas lo que hagas te van a tocar la polla, pues yo cuando tengo ganas de tocar la polla toco la polla, y cuando no, no. ¿Lo de Los Ángeles? ¡Pero si la gente no tenía ni puta idea de lo que estábamos diciendo, compadre! Pero te entiendo perfectamente, eres una persona más que tiene que decir algo que he hecho mal. No pasa nada, como tú hay 50.000, a ti no te ha molado y otros se han partido la polla. Intentaré educar a mi gente como pueda y cometeré los errores que tenga que cometer, errores o no errores, tú ya me entiendes…”. Y para acabar, un colega ha

hecho una parodia del trap. ¿Qué opinas? (Buscamos ‘Joaquinputotrapo – To Pa Mí’ en YouTube y le damos al play -ndr.). “Es una buena broma al género. El cometido lo ha cumplido, si el cometido era hacer la gracia la ha hecho y la gracia está bien hecha. Pero si lo miras como algo real, no, ¿eh?”. ¿No se puede dedicar al trap? “No. Se puede dedicar a hacer gracia, está muy gracioso, pero es como cuando dices ‘¿Mi novia es guapa?’, y te responden ‘es simpática’. Pues más o menos es lo mismo, a mí me ha parecido que es muy simpático musicalmente (risas)”. Bueno, pues gracias por tu tiempo y por contestar a todo sin morderte la lengua. “¿Ya está? Se me ha hecho cortísimo, tío, me ha molado. Creo que es la primera vez que en una entrevista me dejan explicarme”. ¿En serio? ¿Entonces para qué te entrevistan? “Yo qué sé… (Risas)”.


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